16 ONB - NOB

Transcription

16 ONB - NOB
centre for fine arts
brussels
music
NATIONAAL ORKEST
VAN BELGIË ·
ORCHESTRE NATIONAL
DE BELGIQUE
28 FEB. ’16
LAWRENCE FOSTER
leiding · direction
NEMANJA RADULOVIĆ
VIOOL ∙ VIOLON
GROTE ZAAL HENRY LE BŒUF ·
GRANDE SALLE HENRY LE BŒUF
Paleis voor Schone Kunsten
Brussel
Palais des Beaux-Arts
Bruxelles
“Veel mensen streven perfectie na, maar mij
interesseert dat niet. Het belang van kunst ligt in haar
mogelijkheid om mensen te raken.”
« La perfection, qui passionne tant de gens, ne
m’intéresse pas. Ce qui importe, en art, c’est de vibrer
soi-même et de faire vibrer les autres. »
George Enescu
Programma · Programme, p. 2
Toelichting, p. 3
Clé d’écoute, p. 5
Biografieën · Biographies, p. 7
The Space between the Notes, p. 13
1
NATIONAAL ORKEST
VAN BELGIË · ORCHESTRE
NATIONAL DE BELGIQUE
LAWRENCE FOSTER, leiding ∙ direction
NEMANJA RADULOVIĆ, viool ∙ violon
Felix Mendelssohn-Bartholdy 1809-1847
Symphonie nr. 3 in a, “Schotse” ∙ Symphonie n° 3 en la mineur,
« Ecossaise », op. 56 (1842)
—— Andante con moto – Allegro un poco agitato – Andante come I°
—— Vivace non troppo
—— Adagio
—— Allegro vivacissimo – Allegro maestoso assai
pauze ∙ pause
Ernest Chausson 1855-1899
Poème, voor viool en orkest ∙ pour violon et orchestre, op. 25 (1896)
Maurice Ravel 1875-1937
Tzigane, rapsodie de concert, voor viool en orkest ∙ pour violon et
orchestre (1924)
George Enescu 1881-1955
Rhapsodie roumaine, in D ∙ en ré majeur, op. 11/2 (1901)
Rhapsodie roumaine, in A ∙ en la majeur, op. 11/1 (1901)
17:00
Einde van het concert ∙ Fin du concert
steun · soutien
opname ∙ captation
uitzending · diffusion 14.04.16 — 20:00
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toelichting
Muzikale
mijmeringen
Niet veel muzikanten plukten zozeer
de vruchten van hun jeugdjaren als
de jonge Mendelssohn. Dankzij zijn
vader, die zondagochtendconcerten
organiseerde in zijn grote Berlijnse
residentie, kon het wonderkind zijn
eerste schrijfsels zelf beluisteren. Ook
de muzikale autoriteiten van de stad
waren aanwezig op deze matinees.
In die tijd werd reizen gezien als
een belangrijke leerervaring voor een
opgroeiende jongeling, en daarom kreeg
Felix de kans om de geneugten van
Zwitserland en Parijs te ontdekken. In de
lente van 1829 vertrok hij naar de Britse
eilanden en trok hij met een vriend op
verkenning doorheen Schotland. De
strenge, mistige schoonheid van het
land, zijn gebruiken en geschiedenis,
spraken de jonge componist enorm aan.
Wanneer hij de ruïnes van Holyrood
Abbey bezocht, op het gelijknamige
landgoed bij Edinburgh, begon hij
met de compositie van zijn ‘Schotse’
symfonie.
In de winter van 1830, op vakantie
in Italië, trachtte Mendelssohn de
noordelijke sfeer terug te vinden en zijn
symfonie af te werken. Maar de zon en
de vitaliteit van Italië brachten hem op
een heel ander spoor: de ‘Italiaanse’
symfonie zag het levenslicht. Slechts
in 1842 zette Mendelssohn een punt
achter de ‘Schotse’ symfonie, die
daarom als derde gecatalogiseerd staat.
De wereldpremière vond in maart van
datzelfde jaar plaats in het Gewandhaus
van Leipzig, en drie maanden later
beleefde de symfonie haar Londense
première. Het succes was zo groot dat
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de componist besloot de symfonie op
te dragen aan zijn unieke en goede
vriendin, Queen Victoria.
Een poëtische suggestie
Als tijdgenoot en collega van SaintSaëns is Ernest Chausson altijd wat in
de schaduw gebleven. Hij was geen
extravagante figuur, en door zijn
teruggetrokken bestaan kreeg zijn
bescheiden oeuvre weinig bekendheid,
hoewel het door collega’s sterk werd
gewaardeerd. Zijn vroege dood, op
vierenveertigjarige leeftijd (hij stierf
aan de gevolgen van een fietsongeluk),
heeft deze delicate muzikale geest
stem, voorloper van de sensuele taal
van Debussy, voortijdig tot zwijgen
gebracht. Chaussons muziek vormt
in veel opzichten een brug tussen
de passionele, Duits geïnspireerde
romantiek van zijn leermeester César
Franck en de jongere generatie
impressionisten.
Chausson is het bekendst gebleven
voor zijn kamermuziek en voor enkele
verbeeldingsrijke orkestwerken,
waaronder Poème voor viool en orkest,
uit 1896. Zoals de titel reeds suggereert,
zocht Chausson in dit werk meer naar de
poëtische suggestie dan naar virtuoos
vertoon. Na een sombere inleiding
kondigt de viool het thema aan waaruit
alle verdere gedachten voortvloeien.
De soepele verschuivingen tussen
verschillende toonsoorten leiden
geleidelijk tot een climax, waarna,
geheel natuurlijk en toch gevoelvol, het
stuk zijn ware aard openbaart.
Tzigane
Na een concert in Parijs, waar de violiste
Jelly d’Arányi de Eerste vioolsonate van
Bartók vertolkte, met de componist zelf
aan de piano, ontmoetten Bartók en
Ravel elkaar. Ravel was onder de indruk
van Bartóks enthousiasme voor de
Hongaarse volksmuziek, en de Franse
componist kreeg de opdracht van
d’Arányi om een Hongaarse pastiche
voor viool te componeren. Dit werd
Tzigane.
Tzigane wordt dikwijls beschreven
als een werk voor piano en
viool. Dat is niet helemaal juist.
In feite was het oorspronkelijke
begeleidingsinstrument de luthéal, een
piano met vier mechanische pedalen
die de mogelijkheid boden een aantal
exotische klanken voort te brengen. Een
van die registers evoceerde de klank
van een cimbalom, een hakkebord. Dit
snaarinstrument, veel voorkomend in
de zuidelijke regio van Centraal-Europa
en de Balkan, wordt bespeeld door
de snaren met hamertjes aan te slaan.
Al snel herwerkte Ravel, als meester
van de orkestraties, Tzigane voor viool
en orkest.
De thema’s en ritmes in het werk
zijn van Ravels makelij, en toch roept
het werk – zonder een flauwe imitatie
te zijn – voortdurend een zigeunersfeer
op. Zoals de titel aangeeft is het werk
een rapsodie, dus is er dank zij zijn losse
structuur ruimte voor improvisatie en
fantasie. Het werk vangt aan met een
grootse inleiding, waarbij de viool zich
inlaat met acrobatische oefeningen:
staccati, trillers, enz. Een cadens van de
harp leidt een reeks improvisaties in,
eigen aan zigeunermuziek. De muziek
wordt steeds uitbundiger en voert naar
een climax, waarna ze abrupt eindigt.
Ode aan het vaderland
De plaats die componist en violist
George Enescu in de Roemeense
muziekgeschiedenis bekleedt, is
vergelijkbaar met die van Bartók in
Hongarije of Szymanowski in Polen:
talrijke landgenoten beschouwen
hem als de grootste componist van
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Roemenië en als nationale trots. Toch
weigerde Enescu zelf om zich enkel
met zijn land te identificeren. Hij
woonde nu eens in Parijs, dan weer
in Roemenië, wat weerspiegeld is in
zijn bijzonder contrastrijke oeuvre: zijn
werk evolueert van een nationalistische
tendens in zijn jeugdjaren naar een meer
kosmopolitisch karakter.
Enescu gaf voor het eerst blijk
van een nationalistisch gevoel in zijn
Roemeens gedicht, op. 1 uit 1898.
Het is de neerslag van indrukken en
herinneringen uit zijn Roemeense jeugd.
Daarop volgden de twee Roemeense
rapsodieën (1901), waarmee Enescu
internationale bekendheid verwierf.
In een mum van tijd waren ze zo
populair geworden, dat de componist
dit succes zelf overdreven vond. Deze
beide stukken zijn inderdaad niet
representatief voor Enescu’s ernstigere
en meer experimentele stijl. Ze geven
slechts een onvolledig en oppervlakkig
beeld van Enescu’s muziek.
Deze buitensporige populariteit
betreft vooral de Eerste Roemeense
rapsodie, een uitbundig en kleurrijk
werk. De bekendste passage uit het
werk bevindt zich aan het einde: Ensecu
bootste er de zang van de leeuwerik na.
De Tweede Roemeense rapsodie heeft
een introvert karakter, en contrasteert
daarmee sterk met de Eerste rapsodie.
Maar dit werk is eveneens gebaseerd
op een authentieke volksmelodie.
Het betreft een volkslied rond een
heroïsch Moldavisch verhaal met
een contemplatief karakter. Naar
het einde toe is er een korte, meer
levendige passage, waarin de sfeer van
boerenmuziek tot leven wordt gebracht.
Het stuk eindigt opnieuw ingetogen.
clé d’écoute
MUSIQUE ET
ÉVOCATION
Peu de musiciens purent aussi bien tirer
profit de leurs années de jeunesse que
Mendelssohn. En effet, très tôt, le jeune
prodige put compter sur son père pour faire
jouer ses compositions lors des matinées
musicales dominicales qu’il organisait dans
sa vaste résidence de Berlin.
À l’adolescence, les voyages étant
considérés comme particulièrement
utiles à l’ouverture de l’esprit, Felix
Mendelssohn fut amené à voyager et
à découvrir les plaisirs de la Suisse et
de Paris. Au printemps de 1829, alors
âgé de vingt ans, il s’embarqua pour
les îles britanniques, puis décida de
prolonger son périple jusqu’en Écosse.
Ces paysages sauvages et embrumés,
mais aussi l’histoire et les coutumes
de ce pays à la beauté insoupçonnée
ravirent le compositeur. C’est en visitant
les ruines de la chapelle du palais de
Holyrood, là-même où Marie Stuart fut
couronnée reine, que Felix Mendelssohn
conçut le début de sa Troisième
symphonie dite « Écossaise ».
Durant des vacances en Italie à
l’hiver 1830, le compositeur s’efforça
de poursuivre l’écriture de l’œuvre en
extirpant de ses souvenirs l’atmosphère
nordique qui l’avait tant séduit. Mais
l’imagination a ses limites, et le soleil
et la vitalité du pays inspirèrent au
compositeur une nouvelle symphonie
bien différente, « l’Italienne ». Il
fallut donc attendre 1842 pour que
Mendelssohn mît le point final à sa
Symphonie « Écossaise ». L’œuvre
fut donnée en première audition au
Gewandhaus de Leipzig au mois de mars
de la même année. Créée à Londres
trois mois plus tard, elle remporta un tel
succès que le compositeur en proposa
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la dédicace à une amie aussi chère que
remarquable : la Reine Victoria.
Suggestion poétique
Contemporain de Camille Saint-Saëns,
Ernest Chausson s’est toujours tenu
dans l’ombre de son homologue. Il
n’était pas un homme d’extravagance
et son existence solitaire n’a pas
contribué à la reconnaissance de son
œuvre, malgré le fervent soutien que
lui apportèrent ses collègues. Sa mort à
l’âge de quarante-quatre ans, des suites
d’un accident de vélo, réduisit au silence
un esprit musical des plus délicats,
précurseur par sa sensualité du langage
d’un Debussy ; car à bien des égards, la
musique de Chausson constitue un pont
entre le romantisme enflammé et pétri
d’accents germaniques de son maître
César Franck et la jeune génération des
impressionnistes.
De l’œuvre de Chausson, on retient
surtout sa musique de chambre, ainsi
qu’une série de pièces orchestrales
au grand pouvoir d’évocation, parmi
lesquelles, Poème, pour violon et orchestre
de 1896. Comme le laisse entendre son
titre, cette œuvre tend plus à la suggestion
poétique qu’à la démonstration virtuose.
Après une sombre introduction, le
violon énonce le thème dont découlera
l’ensemble des idées musicales de l’œuvre.
De souples glissements entre différentes
tonalités mènent à un climax, à la suite
duquel, avec un grand naturel et une
sensibilité à fleur de peau, l’œuvre révèle
sa nature profonde.
Tzigane
C’est à l’issue d’un concert à Paris, lors
duquel Bartók interprétait sa Première
sonate pour violon et piano aux côtés
de la violoniste Jelly d’Arányi, que Ravel
fit la rencontre du compositeur hongrois.
Peu de temps après, à la demande de
la violoniste, Ravel écrivit un pastiche
hongrois pour violon, sans doute
influencé par l’enthousiasme de Bartók
pour la musique populaire : Tzigane.
Lorsqu’on pense à cette œuvre, sa
version pour violon et piano se présente
souvent en premier à notre esprit,
et ce à juste titre. En effet, la partie
d’accompagnement de l’œuvre fut à
l’origine destinée au luthéal, un piano
muni de quatre pédales mécaniques
permettant de créer des sonorités
exotiques. L’un de ces registres évoque
le son d’un cymbalum (ou tympanon),
un instrument à cordes répandu en
Europe de l’Est et dans les Balkans, dont
le musicien frappe les cordes à l’aide de
petits marteaux. Orchestrateur horspair, Ravel ne tarda pas à arranger cette
œuvre pour violon et orchestre.
Si les thèmes et rythmes qui
composent Tzigane sont l’œuvre de
Ravel lui-même, l’univers général de la
pièce évoque immanquablement une
atmosphère tzigane – sans toutefois
verser dans l’imitation. Tel que le précise
son titre, l’œuvre est une rapsodie,
autrement dit, une forme musicale
libre, proche de l’improvisation et de
la fantaisie. Elle s’ouvre sur une longue
introduction, dans laquelle s’insère une
partie de violon multipliant les effets
acrobatiques : cascades de notes,
staccatos, trilles, etc. Une cadence à la
harpe mène à une série d’improvisations
propres aux musiques tziganes. À
mesure que la musique se déroule,
celle-ci se montre de plus en plus
exubérante. Elle évolue jusqu’au climax
achevant l’œuvre de façon abrupte.
Ode à la terre natale
La place qu’occupe le compositeur
et violoniste George Enescu dans la
musique roumaine est sans aucun
doute comparable à celle de Bartók
en Hongrie ou de Szymanowski en
Pologne. Beaucoup de ses compatriotes
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le considèrent comme le plus grand
compositeur roumain. Enescu refusait
toutefois de s’identifier exclusivement
à son pays. Le fait qu’il ait partagé
sa vie entre Paris et la Roumanie se
reflète dans le caractère très contrasté
de son œuvre, qui a évolué d’une
position nationaliste exprimée dans sa
jeunesse à une posture nettement plus
cosmopolite.
Le nationalisme s’exprima pour la
première fois dans la musique d’Enescu
à travers son Poème roumain, op. 1
(1898), une transcription d’impressions
et de souvenirs de son enfance
en Roumanie, puis dans ses deux
Rhapsodies roumaines (1901) qui lui
valurent une renommée internationale.
Ces dernières acquirent rapidement
une popularité que le compositeur
lui-même finit par trouver exagérée.
Ces deux pièces ne sont en effet guère
représentatives du style d’Enescu
dans son aspect plus sérieux, plus
expérimental : Enescu renia ces deux
pièces parce qu’elles ne pouvaient
donner de sa musique qu’une image
tronquée et superficielle.
Cet excès de popularité concerne
essentiellement la Rhapsodie roumaine
n° 1, pièce exaltée et riche en couleurs.
Le passage le plus célèbre de cette
œuvre demeure la dernière partie,
durant laquelle les violons imitent le
chant de l’alouette.
La Rhapsodie roumaine n° 2
tranche avec la précédente par
son intériorité, même si elle traduit
également l’inspiration de mélodies
authentiquement populaires. L’œuvre
comporte un chant traditionnel, au
caractère contemplatif, basé sur un
ancien récit héroïque moldave. Vers
la fin, un court passage plus animé
redonne vie à l’atmosphère de la
musique baroque. La pièce s’achève
cependant avec une certaine gravité.
biografieën · biographies
Lawrence Foster © Marc Ginot
de orkesten van grote operahuizen.
Uitgebreide, gelauwerde discografie.
Recent: heruitgave van de pianoconcerti
van Ravel met het London Philharmonic
Orchestra (Decca, 2015).
Lawrence Foster
leiding ∙ direction
NL Geboren in 1941 in Los Angeles.
Heeft een briljante internationale
carrière. Dirigent van het San Francisco
Ballet (1962-1965), assistent-dirigent
van de Los Angeles Philharmonic
(1965-1968), gastdirigent van het Royal
Philharmonic Orchestra (1969-1972),
muziekdirecteur van het Houston
Symphony Orchestra (1972-1978),
chef-dirigent van het Orchestre
Philharmonique de Monte-Carlo (19781994), het Orchestre de Chambre de
Lausanne (1985-1990), het Jerusalem
Symphony Orchestra (1988-1992), het
Orquestra Symfónica de Barcelona
(1996-2002) en het Portugese
Orquestra Gulbenkian (2002 à 2013).
Sinds 2013: muziekdirecteur van
de Opéra de Marseille. Dirigeerde
7
FR Né en 1941 à Los Angeles. Brillante
carrière internationale. Chef du San
Francisco Ballet (1962-1965), Chef
assistant du Los Angeles Philharmonic
(1965-1968), chef invité du Royal
Philharmonic Orchestra (1969-1972),
directeur musical du Houston Symphony
Orchestra (1972-1978), chef principal de
l’Orchestre Philharmonique de MonteCarlo (1978-1994), de l’Orchestre de
Chambre de Lausanne (1985-1990),
du Jerusalem Symphony Orchestra
(1988-1992), de l’Orquestra Symfónica
de Barcelona (1996-2002) et de
l’Orquestra Gulbenkian au Portugal
(2002 à 2013). Depuis 2013 : directeur
musical de l’Opéra de Marseille. A dirigé
les orchestres de grandes maisons
d’opéra. Discographie abondante saluée par la critique. Récemment :
réédition des concertos pour piano de
Ravel, avec le London Philharmonic
Orchestra (Decca, 2015).
Nemanja Radulovic © Benjamin de Diesbach
Nemanja
Radulović
viool ∙ violon
NL In 1985 geboren in Servië. Woont
sinds zijn 14 jaar in Frankrijk. Studeerde
aan de Hochschule für Musik und
Theater van Saarland, de Faculteit voor
Kunsten en Muziek in Belgrado en aan
het Conservatoire National Supérieur
de Musique et de Danse van Parijs.
Masterclasses met o.a. Y. Menuhin. Won
verschillende internationale prijzen
(o.a. Yehudi Menuhin-competitie in
Boulogne-sur-Mer). Was Rising Star
tijdens het seizoen 2005-2006. Geeft
optredens met het Symfonisch Orkest
van Tokio, de Sinfonia Varsovia, het
8
Tonhalle-Orchester Zürich… Oprichter
van twee kamermuziekensembles:
The Devils Trills en Double Sens. Maakt
opnames voor Transart Live, Decca en
Deutsche Grammophon. Kreeg in 2014
een eredoctoraat aan de universiteit
van Niš in Servië. Speelt op een viool
van J.B. Vuillaume uit 1843.
FR Né en Serbie ne 1985. Réside en
France depuis l’âge de 14 ans. Études
à la Hochschule für Musik Saar de
Saarbrücken, à la Faculté des Arts
et de Musique de Belgrade et au
Conservatoire National Supérieur
de Musique et de Danse de Paris.
Masterclasses avec e.a. Y. Menuhin.
Distinctions internationales : e.a.
Concours Yehudi Menuhin à Boulognesur-Mer. Rising Star de la saison
2005-2006. Prestations avec le
Sinfonia Varsovia, le Tonhalle-Orchester
Zürich… Invité de nombreux festivals
internationaux. Fondateur de deux
ensembles de musique de chambre :
The Devils’ Trills et Double Sens.
Enregistrements pour Transart Live,
Decca et Deutsche Grammophon.
Nommé docteur honoris causa par
l’Université des Arts de Niš en Serbie
en 2014. Joue sur un violon de J.B.
Vuillaume (1843).
Nationaal Orkest van België ∙
Orchestre National de Belgique
NL Het NOB werd opgericht in 1936.
Het orkest, geprivilegieerde partner van
BOZAR, staat onder muzikale leiding
van Andrey Boreyko en treedt op met
solisten van wereldformaat als V. Repin,
G. Kremer, B. Berezovsky en R. Villazon,
alsook met jong talent. Elk jaar werkt
het NOB nauw samen met de Koningin
Elisabethwedstrijd. Verder investeert
het orkest in de toekomstige generatie
luisteraars en deinst het niet terug voor
vernieuwende projecten (bijvoorbeeld
concerten op het elektrofestival
Tomorrowland en met pop-rock-artiest
Ozark Henry). In 2015-16 treedt het
NOB op met solisten als J. Devos, T.
Hampson, V. Frang, F. Say, J. Fischer, N.
Lugansky en S. Meyer. Tot de bekroonde
discografie, op het label Fuga Libera,
behoren o.m. 6 opnames onder
leiding van voormalig chef-dirigent
Walter Weller.
FR Fondé en 1936, l’Orchestre National
de Belgique (ONB) est un partenaire
privilégié de BOZAR. Sous la direction
musicale d’Andrey Boreyko, l’orchestre
se produit aux côtés de solistes de
renommée internationale tels que V.
Repin, G. Kremer, B. Berezovsky ou
R. Villazon, mais aussi avec de jeunes
talents. L’orchestre s’associe notamment
au Concours Reine Elisabeth. Il s’adresse
à la jeune génération d’auditeurs en
proposant à ces derniers des projets
atypiques comme sa collaboration avec
l’artiste pop-rock Ozark Henry ou sa
présence au célèbre festival de musique
électro Tomorrowland. Au programme
9
de sa saison 2015-2016 figurent de
nombreux concerts avec des solistes
comme J. Devos, T. Hampson, V. Frang, F.
Say, J. Fischer, N. Lugansky ou S. Meyer.
Sa discographie, parue essentiellement
sur le label Fuga Libera, jouit d’une
reconnaissance internationale, dont
notamment les six enregistrements
réalisés sous la direction de l’ancien chef
de l’ONB, Walter Weller.
eerste viool · premier violon
Marc Degraeuwe, Konzertmeister ·
concertmeester
Alexei Moshkov, Konzertmeister ·
concertmeester
Sophie Causanschi **
Isabelle Chardon*
Sarah Guiguet*
Maria Elena Boila
Nicolas de Harven
Françoise Gilliquet
Philip Handschoewerker
Akika Hayakawa
Ariane Plumerel
Claudine Schott
Ara Simonian
Serge Stons
Dirk Van de Moortel
Yolande Van Puyenbroeck
cello · violoncelle
Olsi Leka**
Tine Muylle*
Lesya Demkovych
Philippe Lefin
Uros Nastic
Harm Van Rheeden
Taras Zanchak
Francis Mourey
Xhi Shi
tweede viool · second violon
Filip Suys**
Nathalie Lefin*
Marie-Daniëlle Turner *
Sophie Demoulin
Isabelle Deschamps
Hartwich D’haene
Pierre Hanquin
Gabriella Paraszka
Marie José Rijmenants
Ana Spanu
Pablo Ases Urena
Si Li
Gayané Grigoryan
fluit · flûte
Baudoin Giaux**
Denis-Pierre Gustin*
Laurence Dubar* (& piccolo)
Jérémie Fèvre* (& piccolo)
altviool · alto
Mihoko Kusama*
Dmitri Ryabinin*
Marc Sabbah*
Sophie Destivelle
Katelijne Onsia
Peter Pieters
Marinella Serban
Silvia Tentori Montalto
Edouard Thise
Patrick Van Netelbosch
Ian Psegodschi
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contrabas · contrebasse
Robertino Mihai**
Svetoslav Dimitriev*
Sergej Gorlenko*
Ludo Joly
Dan Ishimoto
Miguel Meulders
Gergana Terziyska
hobo · hautbois
Dimitri Baeteman**
Arnaud Guittet*
Martine Buyens*
Bram Nolf*
klarinet · clarinette
Jean-Michel Charlier**
Roeland Hendrikx*
Massimo Ricci* (& esklarinet ∙ clarinette
en mi bémol)
Julien Bénéteau* (& esklarinet ∙ clarinette
en mi bémol)
fagot · basson
Luc Loubry**
Bob Permentier*
Bert Helsen*
Filip Neyens*
hoorn · cor
Ivo Hadermann**
Anthony Devriendt*
Jan Van Duffel*
Katrien Vintioen*
Bernard Wasnaire*
trompet · trompette
Leo Wouters**
Jean-Luc Limbourg*
Ward Opsteyn*
Davy Taccogna*
trombone
Luc De Vleeschhouwer**
Bruno De Busschere*
Guido Liveyns*
Philippe Bourin*
tuba
Jozef Matthessen*
harp · harpe
Annie Lavoisier**
slagwerk · percussion
Guy Delbrouck**
Katia Godart*
Nico Schoeters
** lessenaaraanvoerder · chef de pupitre
* solist · soliste
bezetting · formation
Binnen elke strijkersgroep wisselen de musici regelmatig van plaats · Au sein des pupitres
des instruments à cordes, les musiciens changent de place régulièrement
NL Negen masterstudenten van
de Brusselse conservatoria zijn
geselecteerd om dit seizoen een
volledige NOB-productie mee te
spelen. Ieder van hen wordt persoonlijk
gecoacht door één van de leden van
het orkest. Deze begeleidt de student
en staat hem of haar bij tijdens de
productieweek. Vandaag is het de
beurt aan bassist Katrien Dupont en
violist Ja Rang Choi om mee te spelen
met het NOB. Ludo Joly en Sophie
Causanschi namen de jonge muzikanten
onder hun vleugels.
11
FR Neuf étudiants en master des
Conservatoires de Bruxelles ont été
sélectionnés pour participer à une
production entière au sein de l’ONB.
Chacun est coaché personnellement
par un musicien de l’orchestre avant
et pendant la semaine de production.
Aujourd’hui, c’est au tour de la
contrebassiste Katrien Dupont et de la
violoniste Ja Rang Choi de se produire
aux côtés de l’ONB. Ces musiciennes
ont respectivement bénéficié des
conseils de Ludo Joly et de Sophie
Causanschi.
12
the space between
the notes
De la musique et des mots
Schrijvers over muziek
Corinne Hoex
Leçons de ténèbres
BOZAR vroeg 10 auteurs een tekst te schrijven over een concert dat dit
seizoen in het Paleis voor Schone Kunsten plaatsvindt. De literaire hommages
aan hun favoriete componisten en muzikanten zijn elke maand te lezen in de
concertprogrammaboekjes. De teksten worden ook gebundeld in de aparte
publicatie The Space between the Notes.
De schrijfster Corinne Hoex deelt dit aangesproken zijn met ons naar
aanleiding van de uitvoering van François Couperins Leçons de Ténèbres door
het Ricercar Consort op 18 februari 2016.
BOZAR a demandé à 10 écrivains de rédiger un texte sur un concert organisé
durant cette saison au Palais des Beaux-Arts. Au fil de l’année, vous découvrirez
dans nos programmes l’hommage que chacun rend à son compositeur et
musicien préféré. Ces textes feront également l’objet du recueil The Space
between the Notes.
L’écrivaine Corinne Hoex partage sa passion pour le genre à l’occasion de
l’interprétation des Leçons de ténèbres de François Couperin par le Ricercar
Consort le 18 février 2016.
13
Lessen van duisternis
Ze is vrouwelijk, veelvoudig, verbeten.
Groots. Vreselijk. Ze is de keerzijde. De
zwarte kant van het licht. De hartstocht
ervan. De duizeling. Want ze heerst, en
altijd verspreidt ze zich, wint veld, wordt
dichter, neemt toe, omhult de wereld. En
wij lopen in de duisternis. We moeten er
verdwalen. Om te zingen.
Verslindend zwart. Onverzadigbaar. Hecht.
Compact. Ondoordringbaar. En toch.
Zwart roepend op zwart.
Doof zwart. Maar dat luistert.
Zwart. Wat niet aanwezig is. Maar brandt.
Goede Week. De laatste kaars gedoofd.
In de donkere kerk gedenkt de adem de
vlammen. Goede Week. Op de kandelaar
branden vijftien kaarsen. De twaalf
apostelen. De drie Maria’s. Ze branden bij
het graf. Goede week. De nacht spreekt
in de weidse stilte. De wijde stilte van de
ogieven.
Vijftien kaarsen. Een voor een gedoofd.
Op de laatste na, die het licht brandende
houdt. Op de laatste na. En toch. Zie
het uur is nabij. De laatste die nog even
alleen blijft branden. Zie het uur is nabij.
In de eenzaamheid van bogen en zuilen
de mateloze tijd. Trilling van de tijd die
opgeheven wordt. Ecce hora. Zie het uur. De
ruimte is nacht. De leegte is nacht. Op de
rand van de bergkam. Buiten de wereld. Ecce
hora. De laatste ademtocht dooft de kaars.
Het wonder is zwart.
Eenzaamheid. Eenzaamheid. Lessen van
eenzaamheid. Zie het lijden dat ik moet
dragen, wie heeft ooit zo geleden? Zie het
lijden dat ik moet dragen. Knielend. Alleen
in het schip. Door stilte omsingeld. En die
stem in je. Zie het lijden. Eenzaam knielend
in het schip. Je witte handen die bidden.
Een rozenkrans glijdend tussen je lijkbleke
vingers. Kraal na kraal wrijvend tegen het
hout van de bidstoel. Eenzaam knielend in
het schip. Opgaand in de eeuwigheid.
Zilveren oren glanzend in het
schemerdonker. Zilveren oren die naar de
14
stilte luisteren. Harten gespijkerd op stenen
zuilen. Benen en armen aan de gewelven
opgehangen. Handen en geslachten tussen
de spijlen van het hek geschoven. Ogenparen
zonder blik. Wassen monden die nooit
zullen praten. Je hebt de vijftien kaarsen
van je verlangen ontstoken. Het hijgen van
de vlammen ingeademd. Geluisterd naar
de adem van je wachten. De gesmolten
geur van de tijd is naar je opgestegen.
De lange schaduwen hebben zich aan je
voeten uitgestrekt. Vluchtende schaduwen.
Gebogen. Golvend. Gekweld. Zwarte, meteen
vervlogen vormen.
Eenzaamheid. Eenzaamheid. Alleen in het
schip. Omgeven door leegte. Hij werd ter
dood gebracht. Schemering. Eenzaamheid.
Alleen in het schip. Uit het zwart ontsproten.
Eenzaamheid. Lessen van eenzaamheid. De
ruimte is nacht. De leegte is nacht. Hij werd
ter dood gebracht.
En de vlam trillend in het vluchtige
ogenblik. Trillend in de donkere ruimte die
leger is dan een graf. De trillende vlam
verslonden door de nacht.
Niet zijn. Hier niet zijn. Tristis est anima
mea. De tijd is die gedoofde vlam. Het
gewicht van de nacht tegen je lichaam
voelen. De zwaarte van het zwart op je
schouders. Leegte. Leegte om je heen.
Wanhopig verdiept in de inspanning om te
slinken. Voelen hoe je zwakker wordt. Het
genot ervaren te verzwakken. Tristis est
anima mea. Je naar de aarde te buigen. Je
uit te wissen. Op te lossen. Gezicht zonder
gezicht in de wind van de nacht. Mijn ziel
is bedroefd. Mijn ziel is bedroefd. En die
stem in je. Die stem die groter wordt. Tristis
est anima mea. Niets om het donker te
doorbreken. Behalve je verlangen. Je lied. Je
blinde stem tegenover de vergulde lezenaars.
Tristis est anima mea. En toch die
vreugde. De vreugde daar te zijn. In de
sublieme leegte. De roes niet te zijn.
Vertaald uit het Frans
door Katelijne De Vuyst
Leçons de ténèbres
Elles sont féminines, plurielles,
envahissantes. Somptueuses. Terribles.
Elles sont l’autre côté. La face noire de
la lumière. Sa passion. Son vertige. Car
elles règnent, et toujours se répandent,
toujours gagnent, s’épaississent,
s’accroissent, couvrent le monde. Et
nous allons dans les ténèbres. Nous
devons y être perdus. Pour chanter.
Noir dévorant. Insatiable. Dense. Serré.
Impénétrable. Et pourtant.
Noir appelant le noir.
Noir sourd. Et qui écoute.
Noir. Ce qui n’est pas là. Et qui brûle.
Semaine sainte. Dernier cierge éteint.
Dans l’église obscure, le souffle se
souvient des flammes. Semaine sainte.
Sur le chandelier, quinze cierges brûlent.
Les douze apôtres. Les trois Marie.
Brûlant près du tombeau. Semaine
sainte. La nuit parle dans le vaste
silence. L’ample silence d’ogives.
Quinze cierges. Un à un éteints. Sauf
le dernier qui garde la lumière. Sauf le
dernier. Et pourtant. Voici l’heure qui
approche. Le dernier un instant encore
brûlant seul. Voici l’heure qui approche.
Dans la solitude des arcs et des colonnes
la nuit sans mesure. Frémissement du
temps qui s’abolit. Ecce hora. Voici
l’heure. L’espace est nuit. Le vide est nuit.
Au bord de la crête. Hors du monde. Ecce
hora. Le dernier souffle éteint le dernier
cierge. Le miracle est noir.
Solitudes. Solitudes. Leçons de
solitudes. Voyez s’il est une souffrance
semblable à la mienne. Voyez s’il est
une souffrance. Agenouillé. Seul dans
la nef. Encerclé de silence. Et cette voix
en toi. Une souffrance. Agenouillé seul
dans la nef. Tes mains blanches qui
prient. Chapelet serpentant entre tes
doigts livides. Grain à grain se frottant
15
au bois du prie-dieu. Agenouillé seul
dans la nef. Absorbé par l’éternité.
Oreilles d’argent luisant dans la
pénombre. Oreilles d’argent qui écoutent
le silence. Cœurs cloués sur les piliers
de pierre. Jambes et bras pendus aux
voûtes. Mains et sexes glissés dans les
barreaux de la clôture. Paires d’yeux sans
regard. Bouches de cire qui ne parleront
pas. Tu as allumé les quinze cierges de
ton désir. Respiré le halètement des
flammes. Écouté le souffle de ton attente.
Est monté vers toi le parfum fondu du
temps. Se sont étendues à tes pieds
les ombres longues. Ombres fuyantes.
Gauchies. Onduleuses. Suppliciées.
Formes noires aussitôt dissoutes.
Solitudes. Solitudes. Seul dans la nef.
Cerné de vide. Il a été livré à la mort.
Crépuscules. Solitudes. Seul dans la
nef. Issu du noir. Solitudes. Leçons de
solitudes. L’espace est nuit. Le vide est
nuit. Il a été livré à la mort.
Et vacillant cette flamme dans
l’instant dérisoire. Vacillant dans l’espace
obscur plus vide qu’une tombe. Vacillant
cette flamme avalée par la nuit.
N’être pas. N’être pas ici. Tristis
est anima mea. Le temps est cette
flamme éteinte. Sentir contre toi la
masse de la nuit. Le poids du noir à
tes épaules. Vide. Vide autour de toi.
Tendu désespérément dans l’œuvre de
décroître. T’affaiblir. Volupté de t’affaiblir.
Tristis est anima mea. Te courber vers
la terre. T’effacer. Te dissoudre. Visage
sans visage dans le vent de la nuit. Mon
âme est triste. Mon âme est triste. Et
cette voix en toi. Cette voix qui grandit.
Tristis est anima mea. Rien pour percer
l’obscurité. Sinon ton désir. Ton chant.
Ta voix aveugle face aux lutrins dorés.
Tristis est anima mea. Et cette joie
pourtant. Joie d’être là. Dans le vide
sublime. Ivresse de ne pas être.
© GR / DR
Corinne Hoex (1946) schreef
een vijftiental dichtbundels. Ze
publiceerde ook zes romans. In 2012
verscheen bij Éditions Tétras Lyre
L’Autre Côté de l’ombre, een sobere,
verontrustende tekst, geïllustreerd met
houtskooltekeningen van Alexandre
Hollan. In dezelfde geest voelt ze zich
ontzettend aangesproken door de
Leçons de Ténèbres, een muziekgenre
dat tegelijk bloemrijk en gestreng
is, een bezingen van afwezigheid en
verlatenheid, van wat er gebeurt als
er geen waakvlam, geen Waker meer
is, een gezang van een sombere
zinnelijkheid dat pijn en verdriet
omvormt tot kunst.
16
Corinne Hoex (Uccle, 1946) est
l’auteur d’une quinzaine de livres de
poésie. Elle a aussi publié six romans.
Elle a publié en 2012 aux Éditions
Tétras Lyre L’Autre Côté de l’ombre,
un texte dépouillé, crépusculaire,
accompagné de fusains d’Alexandre
Hollan. C’est dans ce même esprit
qu’elle se passionne pour les Leçons
de ténèbres, ce genre musical orné
et austère, ce chant qui dit l’absence,
l’abandon, ce qui se passe quand il n’y
a plus de veilleuse, plus de Veilleur,
ce chant à la volupté sombre où la
douleur et l’angoisse sont transmuées
en art.
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