Olé - DLB

José Montalvo
Olé
(working title)
Premiere at Napoli Teatro Festival (3-5 June 2015)
17 shows at Théâtre National de Chaillot (12 June – 03 July 2015)
Creation for 15 performers
Choreography, scenography and video design
José Montalvo
Light design
Gilles Durand, Vincent Paoli
Artistic contribution
Mélinda Muset-Cissé
Artistic contributor to the video
Sylvain Decay
Computer graphics
Sylvain Decay, Clio Gavagni, Michel Jaen Montalvo
With 15 performers (cast in progress)
Duration 1h30
Production Théâtre National de Chaillot
Coproduction Les Nuits de Fourvière / Les Théâtres de la Ville de Luxembourg
Image : Photo © Patrick Berger / Drawing © José Montalvo
CONTACTS
• Mélinda M US E T -C I SS É
Distribution
[email protected] / 01 5 3 65 31 06
• Nathalie DECOUDU
Production and touring department
[email protected] / 01 5 3 65 31 2
Choreographer José Montalvo’s statement
“We will place an Egyptian figure next to a little Zeh [drawing] [one of Munich artist
Auguste Zeh’s children], a Chinese work beside a Rousseau, a folk print beside a Picasso
and a lot of things like that!, wrote Kandinsky to his brother Marc about the mood that
should accompany the birth of the Almanach der Blaue Reiter (The Blue Rider). Picasso’s
painting, Les Demoiselles d’Avignon and Stravinsky’s The Rite of Spring are often linked
as two great iconic works of modernity. This new piece that I am working on is a
choreographic diptych in which I wanted to place a folk print next to a Picasso painting,
pop songs next to a Stravinsky work.
The piece will consist of two highly distinct musical sections that bend the categories of
high culture and popular culture without melding or confusing them. Two sections that
are intentionally heterogeneous, as our life can be sometimes. In the same day, we will
listen to baroque music in the morning, rock or hip hop in the afternoon, and feel
bowled over as we come away from a performance of classical or contemporary music.
For me, embracing this mix of genres is a way to think about and feel the world. To play
around with no bias with the elite and mass cultures to make way for the requirement of
invention.
The first section of my show will be built around the music of the Rite of Spring, a key
musical and choreographic masterpiece of art
history. I’ve always been fascinated by the form
of this oeuvre, its sonic sensuality, rhythmic
“I’d like a throw a spring-like
inventiveness, throbs and vibrant beauty that
seem to speak directly to our bodies. I wish to
party, a flamboyant
propose a personal reading of this work through
a mixed and diverse language, one that embraces
celebration of life”
a wide variety of dance techniques. Edgar Morin
argues that the compartmentalization of
knowledge places us in a prehistory of the mind;
I like to think that the compartmentalization of bodily practices places us in a prehistory
of dance, that we are on the cusp of its history, its “spring”.
In this first section, where our intimacy turns into trance, ecstasy, physical virtuosity, in
contrast to the death drive epitomized in the pagan tale of the original creation of the rite.
Here there will be no maiden to greet spring or lecherous old men that watch her dance
to death but instead pleasure, the rapture of dancing, a symbolic community whose
creativity is shaped by diversity. These themes may seem irrelevant in our particularly
dark times, increasingly intolerant, tense, driven by an aversion to difference that
sometimes leads to unspeakable tragedies. Still, I feel this irrelevance is necessary.
The second section of my show will bring together Italian, French and African folksongs,
flamenco rhythms that zanily and joyfully conjure up celebration scenes from my
childhood in the south west of France. These
reinvented childhood memories will be
interspersed with Anglo-Saxon hits from 1965
“An offbeat, fantasy-like,
through 1975, popular hits that reverberated
through my teens as I discovered the great
rough-and-tumble
masters that are now featured in my imaginary
choreographic museum. This second section
evocation”
evokes - in an offbeat, fantasy-like, rough-andtumble kind of way - the founding inspirations
of my aesthetic sensitivity, my choreographic
background.
This second section also evokes the world of my childhood, the wonder of dance
discovery that I try to recapture through my adult eyes. It is underpinned by an intimate
conversation that binds and opposes me to my forebears and peers. A conversation I’m
dedicating to my Andalusian father from Jaen, who liked to sing:
“Andalous de Jaén
Aceituneros altivos
Decidme en el alma
¿Quien?
¿Quien levantó los olivos?
Andaluces de Jaén
Andaluces de Jaén”
Biography
While studying history of art and visual arts, José
Montalvo learned to dance with American
choreographer Jerome Andrews and with Françoise and
Dominique Dupuy, followers of the “expressionist”
choreographer Jean Weidt. He danced for their company
Les Ballets Modernes de Paris and added to his training
by taking part in workshops with Carolyn Carlson,
Lucinda Childs, Alwin Nikolais and Merce Cunningham.
José Montalvo began by directing short, amusing pieces
that were like choreographic aphorisms or fleeting
emotional miniature-stories told through dance. He won
various international awards in Nyon (1986), Paris (1987)
and Cagliari (1988). His pieces were performed by
Dominique Hervieu, marking the beginning of an artistic adventure and a solid working
relationship that would produce the Montalvo-Hervieu Company in 1988. In 1989, José
Montalvo began exploring a new avenue, creating events in situ with Les Danses à Voir
et à Danser. In 1993, he took part in Arts Étonnants at the Théâtre National de Chaillot
during the Paris quartier d’été Summer Festival. That same year, he and videographer
Michel Coste created Double Trouble.
Since then, with the assistance of Dominique Hervieu, José Montalvo produced a series
of works. Each stands alone, but when taken together, dialogue with one another:
Hollaka Hollala (1994), La Gloire de Jérôme A. (1996), Pilhaou Thibaou (1996), Les
Surprises de Mnémosyne (1996), La Mitrailleuse en état de grâce (1997), Paradis (1997), Le
Jardin Io Io Ito Ito (1999), and Babelle Heureuse (2002). In 1999 he wrote Le Rire de la lyre
for the principal dancers of the Paris Opera.
In 1998, José Montalvo and Dominique Hervieu were appointed as directors of the Créteil
and Val-de-Marne National Dance Centre. In 2000, José Montalvo also became dance
director for the Théâtre National de Chaillot. In 2001 in London, he and Dominique
Hervieu received a Laurence Olivier Award for best dance production of the year for Le
Jardin Io Io Ito Ito. In 2004, he and Dominique Hervieu wrote the choreography and
staged Jean-Philippe Rameau’s opera Les Paladins at the Théâtre du Châtelet, with
William Christie of Les Arts Florissants as music director. Les Paladins opened to
unanimous national and international critical acclaim and was nominated in 2005 for a
Laurence Olivier Award in the Best New Opera Production category. It received the
award for best recording of an opera performance in Prague for François Roussillon’s
film; the 2006 audiovisual and DVD Grand Prix from the Académie Charles Cros; and the
2006 Diapason d’Or for the best DVD. In 2005, On danƒe received an enthusiastic
welcome from both critics and audiences. In 2006, José Montalvo and Dominique
Hervieu were awarded the SACD’s* choreography prize. In 2008, they paid tribute to
George Gershwin, with a diptych comprising two highly contrasting works: Porgy and
Bess, to thunderous applause and rave press reviews; and Good Morning, Mr. Gershwin.
In June 2008, José Montalvo and Dominique Hervieu became directors of the Théâtre
National de Chaillot where they created Orphée, in May 2010. Lalala Gershwin, a
variation on Good Morning, Mr. Gershwin, opened in autumn 2010 at Chaillot and was
their final co-creation before Dominique Hervieu joined the Maison de la Danse in Lyon
and the Lyon Biennial, leaving Chaillot.
José Montalvo remains at the Théâtre National de Chaillot as permanent artist working
alongside Didier Deschamps, the current director. He created Don Quichotte du
Trocadéro in 2013, shown again on Chaillot’s stage in 2014. He received a prize for the
best foreign show in Italy, during the ceremony for the Maschere del Teatro Italiano. In
2014, he created a show for younger audience called Asa Nisi Masa.
* Created in 1777, a French Society representing authors and their work
José Montalvo
Olé
(titre provisoire)
Création au Napoli Teatro Festival (3(3-5 Juin 2015)
17 représentations au Théâtre National de Chaillot (12 Juin – 03 Juillet 2015)
Pièce pour une quinzaine d’interprètes
Chorégraphie, scénographie et conception vidéo
José Montalvo
Lumières
Gilles Durand, Vincent Paoli
Coordination artistique
Mélinda Muset-Cissé
Collaborateur artistique à la vidéo
Sylvain Decay
Infographie
Sylvain Decay, Clio Gavagni, Michel Jaen Montalvo
Avec une quinzaine d’interprètes
(distribution en cours)
Durée 1h30
Production Théâtre National de Chaillot
Coproduction Napoli Teatro Festival / Les Théâtres de la Ville de Luxembourg
Visuel : maquette préparatoire du spectacle / Photo © Patrick Berger / Dessins © José Montalvo
CONTACTS DIFFUSION
• Mélinda M US E T -C I SS É
Responsable de production et de diffusion
[email protected] / 01 5 3 65 31 06
• Nathalie DECOUDU
Directrice des productions et des tournées
[email protected] / 01 5 3 65 31 2
Note d’intention de José Montalvo
« Nous mettrons une figure égyptienne à côté [du dessin] d’un petit Zeh [l’un des enfants
de l’architecte munichois Auguste Zeh], une œuvre chinoise face à une de Rousseau, une
image populaire à côté d’un Picasso et beaucoup de choses du même genre ! », écrivait
Kandinsky à son frère Marc au sujet de l’esprit qui devait présider à la naissance de
L’Almanach der Blaue Reiter (Le Cavalier bleu). On rapproche souvent le tableau de Pablo
Picasso Les Demoiselles d’Avignon et Le Sacre du printemps d’Igor Stravinsky comme étant
deux grandes œuvres emblématiques de la modernité. Cette nouvelle création que je
prépare se présente comme un diptyque chorégraphique dans lequel j’ai voulu poser une
image populaire à côté d’un tableau de Picasso, poser des chansons populaires à côté
d’une œuvre de Stravinsky…
La pièce sera ainsi composée de deux parties musicales très distinctes qui jouent avec les
classifications des cultures musicales savantes et populaires, sans les fondre ni les
confondre. Deux parties intentionnellement hétérogènes, comme notre vie quotidienne
l’est parfois : on peut dans la même journée écouter de la musique baroque, du rock ou de
la musique hip hop et sortir bouleversé d’un concert de musique classique ou
contemporaine. Pour moi, accepter ce mélange des genres est une manière de penser et de
sentir le monde. De jouer sans dogmatisme avec la culture d’élite et la culture de masse
pour laisser la porte ouverte à l’exigence d’invention.
La première partie de mon spectacle sera
construite sur la musique du Sacre du printemps,
« J’aimerais créer une fête
chef-d’œuvre musical et chorégraphique
incontournable de l’histoire de l’art. Une œuvre
printanière, une célébration
qui m’a toujours fasciné par sa forme, sa
sensualité sonore, son invention rythmique, ses
exubérante de la vie.
vie. »
vibrations, sa beauté énergique qui semblent
nous parler directement au corps… Je souhaite
proposer une lecture personnelle de cette œuvre
à travers une écriture chorégraphique métisse, plurielle, une écriture qui accueille une
grande variété de techniques de danse. Edgar Morin affirme que le cloisonnement des
savoirs nous place dans une préhistoire de l’esprit, j’aime imaginer que le cloisonnement
des pratiques corporelles nous place dans une préhistoire de la danse et que nous nous
trouvons à l’aube de son histoire, à son « printemps ».
Pour cette première partie, j’aimerais créer une fête printanière, une célébration
exubérante de la vie où notre intimité se transforme en transe, extase, virtuosité physique,
loin de la pulsion de mort incarnée par le conte païen de la création originale du sacre. Ici,
pas de sacrifice d’une jeune vierge pour saluer le printemps, ni de vieux libidineux qui la
regardent danser à mort, mais le plaisir, la jouissance de danser, une communauté
symbolique dont la créativité naît de la mixité. Ces thématiques peuvent paraître hors de
propos dans notre époque particulièrement sombre, de plus en plus intolérante, crispée,
portée par la dénégation des différences qui aboutit parfois à des drames
innommables. Pourtant, ce hors-propos me semble nécessaire.
La deuxième partie de mon spectacle assemblera
des
chants
traditionnels
italiens,
«Une évocation décalée,
français, africains, des rythmes flamencos qui
évoquent de façon décalée et joyeuse des scènes de
rêvée, fantasmée
fantasmée, bricolée »
fêtes de mon enfance dans le sud-ouest de la
France. À ces souvenirs d’enfance réinventés
s’entremêlent des tubes anglo-saxons des années
1965 et 1975, grands succès musicaux qui résonnaient, pendant mon
adolescence, au moment de ma découverte des grands maîtres qui constituent
aujourd’hui mon musée chorégraphique imaginaire. Cette deuxième partie évoque de
façon décalée, rêvée, fantasmée, bricolée, les inspirations fondatrices de ma sensibilité
esthétique, mon « background » chorégraphique.
Cette deuxième partie évoque aussi le monde de mon enfance, l’émerveillement de la
découverte de la danse que j’essaie de retrouver avec un regard d’adulte. Elle est soustendue par un dialogue intime qui me lie et m’oppose à mes pères et à mes pairs. Un
dialogue que je dédie à mon père, Andalou de Jaén, qui aimait chanter :
« Andalous de Jaén
Aceituneros altivos
Decidme en el alma
¿Quien?
¿Quien levantó los olivos?
Andaluces de Jaén
Andaluces de Jaén ».
Repères
En parallèle d’études d’histoire de l’art et d’arts plastiques,
José Montalvo apprend la danse auprès du chorégraphe
américain Jerome Andrews, ainsi que de Françoise et
Dominique
Dupuy,
disciples
du
chorégraphe
« expressionniste » Jean Weidt. Il danse dans leur
compagnie Les Ballets modernes de Paris et enrichit sa
formation en suivant les stages de Carolyn Carlson,
Lucinda Childs, Alwin Nikolais et Merce Cunningham.
Il réalise de courtes pièces ludiques, sortes d’aphorismes
chorégraphiques, pour lesquelles il reçoit des prix aux
concours internationaux de Nyon (1986), Paris (1987),
Cagliari (1988). Ses pièces sont interprétées par
Dominique Hervieu : c’est le début d’une aventure
artistique et d’une profonde complicité, qui donnera naissance à la Compagnie
Montalvo-Hervieu en 1988. En 1989, il s’engage dans une voie nouvelle : la création
d’événements in situ avec les Danses à voir et à danser. En 1993, il participe aux Arts
étonnants au Théâtre National de Chaillot dans le cadre du festival Paris quartier d’été et
créé, la même année, avec le vidéaste Michel Coste, Double Trouble.
Depuis cette période, José Montalvo, assisté de Dominique Hervieu, s’investit dans la
production d’un ensemble d’œuvres qui se répondent tout en se suffisant à elles-mêmes :
Hollaka Hollala (1994), La Gloire de Jérôme A. (1996), Pilhaou Thibaou (1996), Les Surprises de
Mnémosyne (1996), La Mitrailleuse en état de grâce (1997), Paradis (1997), Le Jardin Io Io Ito
Ito (1999), Babelle heureuse (2002). Il créé en 1999, pour les danseurs étoiles de l’Opéra
national de Paris, Le Rire de la lyre.
En 1998, José Montalvo et Dominique Hervieu sont nommés directeurs du Centre
chorégraphique national de Créteil et du Val-de-Marne. En 2000, José Montalvo est
parallèlement nommé directeur de la danse au Théâtre National de Chaillot. En 2001, à
Londres, il reçoit avec Dominique Hervieu le Prix Laurence Olivier pour Le Jardin Io Io Ito
Ito, meilleur spectacle de danse de l’année. En 2004, ils créent ensemble la chorégraphie et
la mise en scène de l’opéra de Jean-Philippe Rameau Les Paladins au Théâtre du Châtelet.
Salué par la presse internationale, le spectacle est nominé en 2005 pour le Prix Laurence
Olivier dans la catégorie Best new opera production et reçoit à Prague le Prix de la
meilleure captation d’opéra pour le film réalisé par François Roussillon, le Grand prix
audiovisuel et DVD de l’Académie Charles Cros 2006 et le Diapason d’or de l’année 2006
décerné au meilleur DVD.
En 2005, On danƒe reçoit un accueil critique et public enthousiaste.
En 2006, José Montalvo reçoit avec Dominique Hervieu le Prix chorégraphique de la
SACD. En 2008, ils consacrent un diptyque à George Gershwin composé de deux œuvres
très contrastées : Porgy and Bess, saluée par la presse et ovationnée par le public, et Good
Morning, Mr. Gershwin.
En juin 2008, José Montalvo et Dominique Hervieu sont nommés à la direction du
Théâtre National de Chaillot. En mai 2010, ils y créent Orphée, à la manière d’une plongée
dans la richesse foisonnante des interprétations du mythe d’Orphée à travers les siècles.
Lalala Gershwin, une variation autour de Good Morning, Mr. Gershwin voit le jour à
l’automne 2010 à Chaillot et scelle leur dernière création ensemble avant que Dominique
Hervieu ne quitte le théâtre pour diriger la Maison de la danse et la Biennale de Lyon.
Depuis artiste permanent au Théâtre National de Chaillot, aux côtés de Didier
Deschamps, son actuel directeur, José Montalvo y crée Don Quichotte du Trocadéro en 2013,
spectacle repris en 2014. Il reçoit pour ce spectacle le prix spécial du Meilleur spectacle
étranger présenté en Italie lors de la cérémonie des Maschere del Teatro Italiano,
l’équivalent transalpin des Molières. En 2014, il crée également un spéctacle jeune public,
Asa Nisi Masa.