Programme - PDF - Louise Lachapelle

Transcription

Év
t
i
tu
ra
t g nt
en Eve
em e
én Fre
Programmation | Program
Combien d’esclaves avez-vous ?
L’art et les économies d’exploitation,
passées et présentes
How Many Slaves Do You Own?
Art and economies of exploitation,
past and present
Les 12, 13 et 14 mars 2010
March 12, 13 and 14, 2010
Au MAI (Montréal, arts, interculturels)
3680 Jeanne-Mance (coin Léo-Parizeau) –
Station de métro Place des arts ou Sherbrooke
Metro station: Place des Arts or Sherbrooke
Vendredi, le 12 mars 2010
Friday, March 12
Samedi, le 13 mars 2010
Saturday, March 13
18 h
6:00 PM
9 h 30 à 10 h
9:30 –10:00 AM
(vin disponible pour achat)
(wine will be available for purchase)
10 h à 12 h
10:00 – 12:00 AM
Récits d’esclavage et de colonialisme :
raconter des histoires, façonner les
histoires et agir sur le changement
Narratives of Slavery and Colonialism:
Telling Stories, Shaping Histories, Affecting
Change
Inscription avec buffet léger
19 h 15 à 19 h 30
Mot de bienvenue
par Devora Neumark et Johanne Chagnon,
Engrenage Noir / LEVIER
Registration with light buffet
7:15 – 7:30 PM
Welcome
by Devora Neumark and Johanne Chagnon
Introduction à la programmation
Introduction to the program
par Devora Neumark et Louise Lachapelle
by Devora Neumark and Louise Lachapelle
19 h 30 à 20 h
7:30 – 8:00 PM
REQUIEM
REQUIEM
Performance
Performance
Jason Selman et Chimwemwe Miller
Jason Selman and Chimwemwe Miller
La performance intitulée REQUIEM est un voyage musical,
dramatique et poétique à travers le passé vers et dans le
présent : un voyage de l’espoir à l’agonie, du désespoir à
la réconciliation, de retour vers l’espoir.
The performance entitled REQUIEM is a journey of music,
drama and poetry through the past, in and into the
present: a journey from hope to agony, from despair and
through reconciliation back to hope.
De manière poétique et dramatique, cette pièce en quatre
mouvements raconte l’histoire de Noirs libres peuplant
cette région pour aussitôt voir le lieu de leur dernier
repos terni et déraciné après leur passage. Elle évoque
les émotions d’un tel moment et la manière dont cellesci peuvent assombrir le présent de ceux qui habitent ces
territoires aujourd’hui : les ancêtres des peuples qui les
ont développés et des habitants décédés depuis.
In poetic and dramatic fashion, within the context of four
movements, the piece tells the tale of free blacks settling
the land only to have their final resting place tarnished and
uprooted after their passing. It speaks to the emotions of
such a moment and how they can foreshadow the present
for those who inhabit the land today, the ancestors of
those who settled the land and the settlers themselves
who have passed.
REQUIEM est une performance dédiée à tous ceux qui ont
vécu la tragédie de voir leurs tombes détruites. Son but
est de nous aider à nous réconcilier avec les événements
du passé et à apporter soulagement et clôture, non
seulement à ceux qui vivent les répercussions de cet
événement aujourd’hui, mais aussi à ceux à qui on a
dérobé leur dernier repos. Ceci est notre souhait.
REQUIEM is a performance dedicated to those that have
had to endure such a tragedy as having their graves
destroyed. Its goal is to help us come to terms with the
events of the past and to bring release and closure not
just for those who are living through its repercussions in
the present, but for those whose opportunity for peaceful
rest, had been so abruptly taken away. This is our wish.
20 h à 20 h 30
Participants
Kim Pate, Eric Shragge et d’autres représentants
du Centre des Travailleurs et Travailleuses
Immigrants, Elizabeth Yeoman, artistes de
performance Chimwemwe Miller, Jason Selman et
Mélissa Mollen Dupuis.
Roundtable
Participants
Kim Pate, Eric Shragge and other representatives
from the Immigrant Workers Centre, Elizabeth
Yeoman, and performing artists Chimwemwe
Miller, Jason Selman and Mélissa Mollen Dupuis.
Animée par Devora Neumark et Louise Lachapelle
Facilitated by Devora Neumark and Louise
Lachapelle
12 h à 13 h
12:00 –1:00 PM
(apportez / achetez votre lunch)
(buy/bring your lunch)
13 h à 17 h 30
1:00 –5:30 PM
Visite guidée avec Dominic Soulié, président du
centre historique de Saint-Armand
Hosted by Dominic Soulié, President of the Centre
historique de Saint-Armand
Rendez-vous devant le MAI à 13 h pile !
Nous planifions le retour au MAI pour 17 h 30
Please be in front of the MAI at 1:00 PM SHARP! We
expect to return to the MAI at 5:30 PM
17 h 30 à 19 h
5:30 –7:00 PM
19 h à 21 h
7:00 –9:00 PM
Dîner
Voyage en autobus à « Nigger Rock »
Saint-Armand (Québec)
Buffet léger au MAI
Lunch
Bus trip to “Nigger Rock”
Saint-Armand (Québec)
Light buffet at the MAI
Performing Series
Être témoin
Bearing Witness
8:00 – 8:30 PM
Blood River
Blood River
Thinking through Culture: Some Thoughts
on the Specificity of Slavery in Canada
Moe Clark en collaboration avec Jenn Doan, Jawad
Chaaban et Andy Williams. Projections vidéo par José
Garcia-Lozano courtoisie de projets aval et (espoir. amour.
pardon.)
Moe Clark in collaboration with Jenn Doan, Jawad
Chaaban and Andy Williams.
Video projections by José Garcia-Lozano courtesy of
projects aval and (hope. love. forgiveness.)
La musique et les compositions préparées pour cette
performance sont issues de longs moments d’écoute,
d’émotions, de prière, de louange et de purification. Des
lamentations sont créées à partir de visites et d’explorations
improvisées de sons et d’histoires structurées en strates,
inspirées des sensations de l’eau et du sang. Ce que nous
portons peut être lourd, mais en nous abandonnant et en
nous laissant aller un moment, nous serons portés par la
rivière de sang.
The music and compositions prepared for this
performance come from a long time of listening, feeling,
praying, praising and purging. From improvised visits and
explorations with sound and stories built in layers, drawing
from the feelings of water and blood, lamentations are
created. What we carry can be heavy, but if we let go of
ourselves and float for a moment we will be carried on
the blood river.
Keynote
Charmaine Nelson
Charmaine Nelson
20 h 30 à 21 h
8:30 – 9:00 PM
L’enceinte de la prison :
oppression ou protection ?
Prison Walls:
Oppression or Protection?
Panéliste
Keynote
Kim Pate
Kim Pate
21 h à 22 h
9:00 –10:00 PM
Animés par Devora Neumark et Louise Lachapelle
Facilitated by Devora Neumark and
Louise Lachapelle
Échanges avec les artistes et les
panélistes
Table ronde
Registration with coffee and tea
Série de performances
Panéliste
Réfléchir par la culture: quelques pensées
sur la spécificité de l’esclavage au Canada
Inscription avec café et thé
Talkback with artists and keynote
speakers
Cette histoire est autant la mienne que la vôtre. Des millions
de personnes sur notre planète vivent dans des conditions
d’exil intériorisé. La performance s’intitule Blood River : un
voyage à travers nos relations conscientes et spirituelles
This story is just as much mine as it is yours. Millions of
people on this earth live in a position of internalized exile.
The performance is called Blood River: a journey through
our conscious and spiritual connections to slavery, as it
has existed in our ancestral lineage and the slavery we
Saturday, March 13
Saturday, March 13
ancestrale et avec l’esclavage auquel nous succombons
ou résistons aujourd’hui. Comment reconnaître nos
blessures et demander guérison pour ceux qui n’ont pas
cessé de perdre du sang ? Nous offrons un récit provenant
de l’eau qui nous purifie de nos péchés, qui nous lave
de notre odeur et qui nous transporte à travers le temps
et l’espace. Un récit à propos des fantômes qui résident
dans l’eau et qui coulent dans notre rivière de sang : des
fantômes qui continuent à hanter nos passés, individuels
et collectifs.
wounds and ask for healing for those which have yet to
stop bleeding? We offer a telling of a story that comes
from the water that cleanses us of our sins, that washes
us of our scent, and carries us through space and time. It’s
about the ghosts that live in the waters, and flow through
our blood river: ghosts that continue to haunt us from our
pasts, personal and collective.
déterrés au tracteur et déplacés ailleurs il y a de cela
plusieurs années.
I began to contemplate black people’s experiences of love
in Canada through the text on love long before I heard
of Nigger Rock. Arguably, the TransAtlantic Slave Trade
made ‘black’ as an ethnicity possible such that regardless
of one’s lineage, to inhabit a black body in Canada is to
embody an economy of violence from which the Canadian
state distances itself.
We hope to deconstruct collective histories and rebuild
them: through water and sound, with an invitation for you
to reclaim yourself, with love, strength, and freedom.
Nous espérons déconstruire les histoires collectives et les
reconstruire à travers l’eau et le son en vous invitant à
vous réapproprier de vous-mêmes, avec amour, force et
liberté.
INT / EXT
Création collective interdisciplinaire de Reena
Almoneda-Chang, Pascale Gagnon, Caroline
Hudon, Émilie Monnet, Meena Murugesan
INT / EXT
An interdisciplinary collective creation by Reena
Almoneda-Chang, Pascale Gagnon, Caroline
Hudon, Émilie Monnet, Meena Murugesan
Paysage sonore par Andrew Harder. Les sources
de ce paysage sonore ont été créées par les
femmes de la Maison Tanguay, centre de détention
provincial pour femmes (Québec), en collaboration
avec l’artiste Andrew Harder, dans le cadre du
projet Agir par l’imAGinaIRe co-organisé par la
Société Elizabeth Fry du Québec et Engrenage Noir
/ LEVIER.
Soundscape by Andrew Harder. The source material
for this soundscape was created by women from
Maison Tanguay, the Québec provincial women’s
detention centre in collaboration with artist
Andrew Harder as part of the Agir par l’imAGinaIRE
project co-organized by the Société Elizabeth Fry
du Québec and Engrenage Noir/ LEVIER.
INT / EXT est une performance interdisciplinaire qui explore
les thèmes du pouvoir et du contrôle à l’intérieur du
complexe industriel carcéral, de même que les implications
sociales du nombre grandissant de femmes criminalisées.
Les cinq artistes sur scène se sont toutes rencontrées au
sein d’établissements correctionnels. Elles réfléchissent
ensemble sur la manière dont la société justifie le rôle de
la prison en tant qu’institution punitive de comportements
criminels et sur les effets de l’incarcération sur les individus.
Dès que l’on est entourée de murs et de gardes et placée
sous surveillance constante, les derniers et plus intimes
mécanismes de contrôle deviennent le corps et l’esprit.
La prison extérieure est alors intériorisée dans la peau,
les os, les pensées et dans le souffle de l’individu. Depuis
l’école du crime jusqu’aux murs de béton et ensuite de
retour dans le monde, cette performance est un voyage
qui remet en question les préjugés des gens par rapport à
la criminalisation et à l’incarcération.
INT/EXT is an interdisciplinary performance exploring the
themes of power and control within the prison industrial
complex as well as the social implications of the growing
number of criminalized women. The five artists on stage
have all met within correctional facilities and together
reflect on how society justifies the role of prison as an
institution of punishment for criminal behaviour and
the effects of incarceration on individuals. Once one is
surrounded by walls, constant surveillance and guards,
the final and most intimate containers of control become
the body and the mind. The external prison becomes
interiorized in the skin, bones, thoughts and breath of the
individual. From the school of crime to the concrete walls,
and then out into the world again, this performance is
a journey that challenges people’s pre-conceptions on
criminalization and incarceration.
on love
on love est une installation performative expérimentale.
Nous avons protégé nos yeux du soleil, luttant pour voir
Nigger Rock, ce rocher noir en forme de baleine et haut
de 300 pieds que la population noire de Saint-Armand
(Québec) a utilisé comme pierre tombale pour ses morts
depuis aussi longtemps que le XVIIIe siècle. Toutefois,
Nigger Rock se trouve maintenant sur une propriété privée
et il faut une autorisation pour y accéder. Des rumeurs
circulent à l’effet que les restes des morts auraient été
on love is an experimental performance installation. We
shielded our eyes from the sun struggling to see Nigger
Rock; the 300 foot black rock shaped like a whale that
the black population in St. Armand (Québec) used as a
headstone for their dead as early as the 18th Century. But,
Nigger Rock is on private property now and permission
is needed to visit. It is rumoured that years ago the
remains of the dead were dug with tractors and dumped
elsewhere.
Performance by Naila Keleta Mae in collaboration
with Rebecca Foon and Pohanna Pyne Feinberg
It is rumoured that love is “the fine balance between hope
and despair.” on love attempts that balance.
The Ontario Arts Council and the Canada Council for the
Arts generously provided financial support.
http://www.nailakeletamae.com/
Un soutien financier significatif a été généreusement
fourni par le Conseil des arts de l’Ontario et le Conseil des
arts du Canada.
http://www.nailakeletamae.com/
TRAFFIK FEMME
TRAFFIK FEMME
Directrice artistique Lynne Cooper; actrice Nico
Lagarde; dramaturge Emma Haché ; traducteur
Michael Brunet; éclairagiste Yan Lee Chan ;
concepteur sonore et musical Roberto Lopez ;
scénographe Julie Measroch ; mentorat : Lib Spry;
chorégraphe Lucie-Carmen Gregoir ; directeur
technique Pierre-Luc Brunet ; directrice de
production Elizabeth Pouliot-Roberge
Artistic Director: Lynne Cooper; Actress: Nicole
Lagarde; Playwright: Emma Haché; Translator:
Michael Brunet; Light Designer: Yan Lee Chan;
Music and Sound Designer: Roberto Lopez; Set
Designer: Julie Measroch; Mentor: Lib Spry;
Choreographer: Lucie-Carmen Gregoire; Technical
Director: Pierre-Luc Brunet; Production Manager:
Elizabeth Pouliot-Roberge
TRAFFIK FEMME relate l’histoire d’une femme qu’on a
vendue puis forcée à se prostituer. Bien que ce personnage
ait survécu à de terribles abus, il n’y a pas une once de
victimisation en elle ; elle est dure mais sa vision de la vie
est étonnamment désinvolte et elle possède un sens de
l’humour désarmant. Ce monologue est cru, brut et dur,
et le personnage principal est naïf mais aussi dégourdi,
anarchique, drôle et plein d’esprit. Dans cette pièce,
l’histoire est racontée par le biais de théâtre d’ombres, de
musique, de théâtre, d’humour noir et de danse.
TRAFFIK FEMME is a one-woman theatre piece that deals
with the challenging issues of human trafficking and
modern slavery. In TRAFFIK FEMME we hear the story of a
woman who tells her story of forced prostitution through
shadow puppets, live music, physical theatre, black
humor and dance. This character is a survivor of horrible
abuse yet there is not a dose of victimization in her; she
is harsh, yet she has a surprisingly nonchalant view on life
and a very touching sense of humor. This monologue is
raw, crude and rough, and the main character is naive yet
streetwise, anarchic, funny and witty. Governor General’s
Literary Award-winner Emma Haché has written this
piece under a commission from Le Trunk Collectif. It is
scheduled to première on April 14th, 2010 at the MAI
(Montréal, arts interculturels) with a run of five shows in
French and five shows in English.
Emma Haché, lauréate du prix littéraire du Gouverneur
général, a été mandatée par Le Trunk Collectif pour écrire
cette pièce. La première est prévue le 14 avril 2010 au
théâtre MAI (Montréal, arts interculturels) où aura lieu
une série de cinq représentations en français et cinq en
anglais.
21 h à 22 h
9:00 – 10:00 PM
Animés par Devora Neumark et Louise Lachapelle
Lachapelle
Échanges avec les artistes
on love
Performance par Naila Keleta Mae en collaboration
avec Rebecca Foon et Pohanna Pyne Feinberg.
C’est en travaillant au texte on love que j’ai commencé
à réfléchir aux expériences de l’amour propres aux Noirs
du Canada, et ce, bien avant d’entendre parler de Nigger
Rock. On peut dire que la traite négrière transatlantique a
transformé le « noir » en une ethnie, indépendamment de
sa lignée : habiter un corps noir au Canada, c’est incarner
une économie de violence de laquelle l’état canadien
cherche à se distancier. Apparemment, l’amour serait
« l’équilibre fragile entre l’espoir et le désespoir ». on love
tente cet équilibre.
Talk-back with all artists
Dimanche, le 14 mars 2010
Sunday, March 14
Dimanche, le 14 mars 2010
Sunday, March 14
9 h 30 à 10 h
9:30 – 10:00 AM
10 h à 10 h 20
10:00 – 10:20 PM
André-Éric Létourneau présente les résultats de
sa récolte suite à son intervention publique – les
vendredi et samedi, 12 et 13 mars – Combien
d’esclaves avez-vous ? aux Galeries du Parc - la
Cité (3575, avenue du Parc)
André-Éric Létourneau presents his findings from
his public intervention on Friday March 12th 10:00
AM – 8:00 PM and Saturday 13th 10:00 AM –
5:00 PM at Galeries du Parc - la Cité (3575 Parc
Avenue)
explorés, moins dans le but de critiquer ou d’installer
un dogme particulier, qu’en vu d’ouvrir le sujet à la
discussion. Assise sur le trottoir, sur une plate-forme de
boîtes de carton ouvertes et dans une posture autochtone
« classique », se trouve le « vendu » (sans-abris/artisan/
shaman de plastique). À ses côtés se trouve son esclave,
c’est-à-dire l’image qu’elle projette: le fantasme d’une
sauvagesse libre et sexuellement épanouie.
particular dogma, than as a platform to open the subject
up for discussion. Sitting on the sidewalk, in a ‘’classical’’
native posture, on a platform of opened cardboard boxes,
is the “sellout” (homeless/ craft maker/plastic shaman). By
her side is her slave that is to say her projected image: the
fantasy of a free, wild and sexually open savage.
Combien d’esclaves avez vous?
Combien d’esclaves avez-vous?
Inscription avec café et thé
Présentation sur sa performance
est une étude
socio-esthétique réalisée dans des espaces publics, et
ayant pour but de dresser un portrait de la perception
que les citoyens entretiennent quant à l’origine des biens
et services de consommation courants, particulièrement
en rapport avec l’éthique liée à leur contexte socioéconomique de production.
10 h 30 à 12 h 30
Table ronde
Les femmes et l’économie globale :
comprendre la matrice des économies
coercitives
Registration with coffee and tea
Performance Lecture
How Many Slaves Do You Own?
is a socioaesthetic study carried out in public areas to assess
people’s perceptions about the origins of common
consumer goods and services; particularly in relation to
ethics in the context of socio-economic production
10:30 – 12:30 PM
Roundtable
Women and the Global Economy:
Understanding the Matrix of Coercion
Participantes
Représentantes de CLES (Concertation des luttes
contre l’exploitation sexuelle), représentantes de
PINAY (Organisation des femmes philippines du
Québec), et artistes de performance Naila Keleta
Mae, Émilie Monnet, Caroline Hudon, Lynne
Cooper, Moe Clark
Participants
Representatives from CLES (Concertation des luttes
contre l’expoitation sexuelle), representatives from
PINAY (Filipino Women’s Organization in Quebec),
and performing artists Naila Keleta Mae, Émilie
Monnet, Caroline Hudon, Lynne Cooper, Moe
Clark
Animée par Devora Neumark et Louise Lachapelle
Lachapelle
12 h 30 à 13 h 30
12:30 – 1:30 PM
13 h 30 à 14 h 30
1:30 – 2:30 PM
Dîner (apportez/achetez votre lunch)
Performance de rue
Poste de traite
14 h 30 à 14 h 40
2:30 – 2:40 PM
14 h 40 à 15 h
2:40 – 3:00 PM
Introduction à l’atelier de travail en
groupe
Lecture scénique
La Malédiction des nuages (extraits)
Auteur Rodrigue Mugisha; performé par Christian
Kagabo, Lisa Ndejuru et Rodrigue Mugisha
Cette histoire, c’est la fin d’un voyage. Le voyageur c’est
Ousman, « un pauvre petit africain qui voulait traverser
l’Atlantique ». Ousman termine son voyage dans le palais
du seigneur Bacar, étrange personnage aquatique qui,
comme lui, mais des années, des siècles auparavant, a
suivi le même chemin jusqu’au « Pays des Nuages ».
Une lecture scénique complète de ce texte sera proposée
le 10 avril au Théâtre Parenthèse.
Street Performance
Trading Post
Mélissa Mollen Dupuis and Émilie Monnet
Combien d’esclaves possédez-vous? Cette question
devrait être accompagnée de la suivante : Combien de
propriétaires vous possèdent?
How many slaves do you own? This question should be
accompanied by another one: How many owners do you
have?
Être membre des Premières Nations du Canada ou
appartenir à n’importe quelle population autochtone
vient souvent avec un bagage d’asservissement:
Pauvreté
Niveau peu élevé d’éducation
Valeurs ne correspondant pas à celles du monde
industrialisé
Profilage racial
Blessures personnelles et collectives historiques
Being a member of the First Nations in Canada or
belonging to any indigenous nation often comes with a
baggage of enslaving facts:
Poverty
Low education rates
Values that don’t fit with the industrial world
Racial profiling
Historical collective and personal wounds
In a performance tainted with humor, the many types
of slavery that indigenous people are submitted to will
be explored less as a way of criticism or to install any
Introduction to the working group session
Stage Reading
La Malédiction des nuages [Land of clouds]
(extracts)
Written by Rodrigue Mugisha; performed by
Rodrigue Mugisha, Christian Kagabo and Lisa
Ndejuru
La Malédiction des nuages begins where the journey ends:
Ousman, the traveler, a poor African boy who wanted to
cross the Atlantic, ends up in Lord Bacar’s palace. Years,
maybe even centuries ago, Lord Bacar, a strange aquatic
character, had embarked on a similar voyage to the “Land
of Clouds”.
The complete stage reading will be performed April 10th
at Théâtre Parenthèse.
Lunch (Bring/buy your lunch)
Mélissa Mollen Dupuis et Émilie Monnet
Dans une performance teintée d’humour, les différents
types d’esclavage subis par les peuples autochtones seront
Au cours de la performance, les spectateurs seront invités
à échanger des objets de valeurs en leur possession contre
des objets-souvenirs-spirituels-fabriqués-à-la-main, des
prestations de l’esclave, et même une visite guidée par
la « guide indienne ». Une carte des étoiles indiennes de
Montréal sera également disponible en échange d’une
somme très honnête...
During the performance, spectators will be invited to
exchange valuables in their possession for souvenirspiritual-crafted objects, performances by the slave and
even a guided visit by the “Indian guide”. A map of the
Indian stars of Montreal will also be offered for a very
honest fee...
15 h à 15 h 15
3:00 –3:15 PM
15 h 14 à 16 h 30
3:15 – 4:30 PM
Comment pouvons-nous perturber les
économies d’exploitation ?
How can we disrupt economies of
exploitation?
Pause thé
Atelier : Vers l’action !
Tea pause
Breakout groups towards action
16 h 30 à 17 h 30
4:30 – 5:30 PM
Animées par Devora Neumark et Louise
Lachapelle
Lachapelle
Plénière et clôture
Plenary and closing
Remerciements
Acknowledgements
Devora Neumark et Johanne Chagnon d’Engrenage
Noir / LEVIER souhaiteraient remercier les individus
suivants sans lesquels cet événement n’aurait pas
été possible:
Devora Neumark and Johanne Chagnon of
Engrenage Noir / LEVIER wish to extend a huge
thank you to the following individuals without
whom this event would not have been possible:
Meena Murugesan, Chargée de projet
Meena Murugesan, Event Coordinator
Aleksandra Zajko, Bloggista, design graphique,
Aleksandra Zajko, Bloggista, Graphic Designer,
INT / EXT représentante de la SEFQ
Carl Girard, directeur de production
Caroline Hudon, coordonnatrice du Studio
LEVIER, comité d’accueil
Dominique Monet, comité d’accueil
Geneviève Fortin, photographe
Guy Potvin, service alimentaire, comité d’accueil
Ishelle Macz, régisseure
Jolyane Henri, comité d’accueil
Léa Neumark-Gaudet, service alimentaire,
comité d’accueil
Leah Silverberg, étudiante stagiaire
Louise Lachapelle, co-animatrice
Marites Carino, vidéaste
Nika Khanjani, vidéaste et technicienne audiovisuel
Pascale Gagnon, comité d’accueil
Zev Neumark-Gaudet, traduction du
programme
Un merci tout spécial va à l’équipe du MAI
(Montréal, arts, interculturels) pour son soutien.
INT / EXT SEFQ Representative
Carl Girard, Production Manager
Caroline Hudon, Welcoming Committee,
LEVIER Studio Coordinator
Dominique Monet, Welcoming Committee
Geneviève Fortin, Photographer
Guy Potvin, Food Services and Welcoming
Committee
Ishelle Macz, Stage Manager
Jolyane Henri, Welcoming Committee
Léa Neumark-Gaudet, Food Services and
Welcoming Committee
Leah Silverberg, Student Intern
Louise Lachapelle, Co-facilitator
Marites Carino, Videographer
Nika Khanjani, Videographer and AV Technician
Pascale Gagnon, Welcoming Committee
Zev Neumark-Gaudet, Program Translation
A special thanks to the entire MAI team
(Montréal, arts, interculturels) for their support.
Biographies des participants (en ordre alphabétique)
Biographies of Participants (in alphabetical order)
JAWAD CHAABAN est un musicien électroacoustique, compositeur et artiste visuel basé à Montréal. Il a
court-circuité sa première radio à l’âge de cinq ans, étudié la musique électroacoustique à l’Université Concordia,
travaillé à la conservation patrimoniale d’anciens et de nouveaux médias sur un plan international, et a récemment
produit un film sur la mémoire à l’ONF. En plus de sa virtuosité à la guitare électrique, il est multi-instrumentiste
et expert de la prise de son. Sa musique explore les concepts de bruit, culture, masse sonore, transformation,
espace et recyclage de matériel préenregistré. >>> JAWAD CHAABAN is a Montreal-based electroacoustic musician,
composer and visual artist. He short-circuited his first radio at the age of five, studied electroacoustic music at Concordia
University, worked on the preservation of old and new media heritage on an international scale, and recently produced
a film about memory at the National Film Board. Apart from his electric guitar virtuosity, he is a multi-instrumentalist and
a recording expert. His music explores concepts of noise, culture, sound mass, transformation, space and recycling of
recorded material.
JOHANNE CHAGNON
et Devora Neumark collaborent comme co-directrices d’Engrenage Noir / LEVIER depuis
sa création en 2001. >>> JOHANNE CHAGNON and Devora Neumark have been collaborating as co-directors of
Engrenage Noir / LEVIER since its inception in 2001.
REENA ALMONEDA-CHANG
De descendance chinoise-philipine, Reena Almoneda-Chang est une artiste et une éducatrice de danse et de mouvements
venant de Vancouver. Sa vision créatrice se concentre sur l’autonomisation personnelle et politique à travers des procédés
artistiques et thérapeutiques corporels. Bien que sa formation soit d’abord en danse afro-contemporaine, elle puise
également dans son expérience avec la psychothérapie corporelle, la science politique et le travail corporel/massage chinois.
En 2009, elle a animé un atelier de danse pour femmes emprisonnées qui a donné lieu à une performance de danse filmée
dans le cadre du projet Agir par l’imAGinaIRe. En 2006, elle a animé un projet de danse collaborative pour le Centre des
femmes de Montréal qui explorait les expériences d’immigration et de difficultés socio-économiques propres aux femmes.
Elle a également présenté une performance solo de L’arbre nomade dans la série de représentations de danse QuébéAsia
en 2009. Ceci faisait partie d’une pièce en développement qui explore la perte de racines personnelles et culturelles,
la transformation de la peine et du deuil, et la synthèse des esthétiques propres aux danses asiatiques, africaines et
occidentales traditionnelles et contemporaines. Ses projets futurs comprennent le développement d’ateliers de danse
thérapeutique avec des survivants de conflit politique et de torture, ainsi que la suite du projet arbre nomade. s REENA
ALMONEDA-CHANG is a dance/movement artist and educator of Chinese-Filipino descent from Vancouver. Her creative
vision focuses on personal and political empowerment through body-based artistic and therapeutic processes. While her
training is primarily in afro-contemporary dance, she also draws from her background in body psychotherapy, political
science and Chinese massage/bodywork. In 2009, she facilitated a dance workshop for women prisoners resulting in a
filmed dance piece as part of the Agir par l’imAGinaIRE project, and in 2006, facilitated a collaborative dance project at
the Montreal Women’s Centre that explored women-centered experiences of immigration and socio-economic difficulty.
In 2009, she also presented a solo performance of L’arbre nomade at the QuébéAsia dance series, part of a work-inprogress that explores the loss of personal and cultural roots, the transformation of mourning and grief, and the synthesis
of traditional and contemporary Asian, African and Western dance aesthetics. Future projects include the development of
therapeutic movement/dance workshops with survivors of torture and political conflict and the continued development
of the L’arbre nomade project.
CLES (Concertation des luttes contre l’exploitation sexuelle)
est un organisme communautaire
composé de groupes et de personnes qui portent un regard critique sur l’industrie du sexe. CLES réunit des militantes
de groupes communautaires, des personnes sensibilisées à ce problème, des féministes critiques de la mondialisation,
des sociologues, etc. CLES existe pour faire entendre la voix des femmes qui ont un vécu en lien avec la prostitution.
De plus, elle veut favoriser une réflexion dans le but de prévenir la banalisation et l’entrée dans cette industrie basée
sur l’exploitation et la domination. Elle souhaite aussi créer les conditions nécessaires à la mise en place d’alternatives
communautaires, juridiques et sociales pour la construction d’un monde sans prostitution. >>> CLES (Concertation
des luttes contre l’exploitation sexuelle) is a community-based organization comprised of groups and individuals that are
critical of the sex industry. CLES brings together community group activists, people conscious of this problematic, feminists
criticizing globalization, sociologists, etc. CLES exists so that women who have had experience with prostitution can be
heard. Also, it wants to facilitate a reflection that will prevent trivialization and entry into this exploitative and oppressive
industry. CLES wishes to create the necessary conditions to set up community, legal and social alternatives for a world
without prostitution.
AXELLE BENIEY est responsable des communications à CLES. Elle est titulaire d’une maitrise en études internationales
et d’un diplôme de second cycle en développement rural intégré. Elle a acquis une expertise des pratiques féministes
qui, combinée avec une sensibilité particulière aux questions du racisme, de l’esclavage et du trafic humain, l’a conduit
à s’engager dans des projets et des réflexions sur les formes passées et présentes d’exploitation des femmes et de
marchandisation des êtres humains. www.lacles.org/ >>> AXELLE BENIEY is the Director of Communications at CLES.
She has a Masters Degree in International Studies and a Graduate Diploma in Integrated Rural Development. She has
acquired expertise in feminist practices, which, combined with a particular sensitivity towards issues related to racism,
slavery and human trafficking, brought her to engage in projects about – and critical reflection on – past and present
exploitation of women and the commercialization of human beings. www.laclev s.org/
MOE CLARK
L’artiste d’origine métis Moe Clark intègre à sa compréhension unique de la narration performative des traditions de
cercles de chants et de « Spoken Word ». Avec son expérience du chant, du « Spoken Word » et des arts visuels, elle
utilise une pédale « de loop » pour ajouter des strates de structures vocales à ses performances. Ses chansons poétiques
résonnent avec une force de guérison pour célébrer l’esprit et entrer en contact avec l’authenticité. Suite à la sortie de son
album Circle of She : Story and Song (Avril 2008), Moe a parcouru le Canada et a récemment fait ses débuts en Europe et
en Amérique du Sud. Parmi ses principales performances récentes, il y a des présentations pour le maelstrÖm reEvolution
fiEstival de Bruxelles en 2009; le festival de Spoken Word canadien 2007/08; Diverse as This Land Performances au Banff
Centre en 2008-2009; et le CBC Calgary Poetry Face-Off en 2007. Moe a collaboré entre autres avec des artistes tels que :
Ian Ferrier et Pharmakon MTL, Kathy Kennedy (Montreal), Sheri-D Wilson (Calgary), et Tanya Tagaq (Nunavut). En plus
de sa pratique personnelle, Moe anime des ateliers de « chants», de performance et de pédale « de loop » et collabore
dans des projets de production artistique, de composition et de création de festivals. En 2009, elle a co-dirigé, avec
Emmanuel Hessler et le NFB Circle Haiku, un film de musique et de poésie; elle a conçu et été la co-curatrice de Tusarniq,
le second festival Indigenous Words, Music and Images de Montréal. Plus récemment, elle a lancé son vidéo-poème
Intersecting Circles, primé au CBC Calgary Poetry Face-Off. Moe croit au pouvoir de transformation et de continuité de la
tradition orale à travers la participation communautaire, locale et internationale.www.myspace.com/moeclarkspokenword
>>> Métis sound artist Moe Clark fuses her unique understanding of performance narrative with traditions of circle
singing and spoken word. With a background in voice, spoken word, and visual arts, she employs a looping pedal to add
multi-layered vocal structures to her performance. Her poetic songs resonate with the power to heal, to celebrate spirit
and to connect with authentic purpose. After her debut album release Circle of She: Story and Song (April ’08) Moe toured
extensively across Canada and recently made her debut performances in Europe and South America. Feature highlights
include performances for the 2009 maelstrÖm reEvolution fiEstival in Brussels, 2007/08 Canadian Festival of Spoken Word,
the 2008/09 Diverse as This Land performance at the Banff Centre, and the 2007 CBC Calgary Poetry Face-Off. Moe has
collaborated with artists such as Ian Ferrier and Pharmakon MTL, Kathy Kennedy (Montreal), Sheri-D Wilson (Calgary), and
Tanya Tagaq (Nunavut), among others. Aside from her performance work, she facilitates voice, performance and looping
pedal workshops and collaborates in areas of artistic production, composition and festival creation. She co-directed Circle
Haiku, a poetry-music video with Emmanuel Hessler and the NFB (2009), she co-curated and designed Tusarniq, the
second annual Indigenous Words, Music and Images festival in Montreal, and most recently she premiered her video poem
Intersecting Circles, an award-winning poem from the 2007 CBC Calgary Poetry Face-Off. Moe believes in the power
of transformation and the continuum of the oral tradition through active involvement in communities, both locally and
internationally. www.myspace.com/moeclarkspokenword
JENN DOAN
for the Suoni Per Il Popolo Festival and as the Fundraising and Promotions Coordinator at CKUT 90.3, a community radio
station in Montreal. Pohanna is currently pursuing a Masters degree in Art History focusing on participative approaches
to documenting community art collaborations and developing an on-line resource for community arts in Montreal. on
love soundscape would like to credit samples from Naila Keleta Mae, Rebecca Foon, Alva Noto + Yuichi Sakamoto with
ensemble modern, Me’Shell Ndegéocello, and other collected sounds. Thank you to Andres Vial’s musical mind and
Chromatic Audio (Montreal). www.inspireart.org
est réalisatrice, chorégraphe, danseuse et vocaliste à Calgary et Montréal. Elle débuta ses études à
l’Université de Calgary et compléta son BFA en Danse contemporaine/chorégraphie à l’Université Concordia en 2008. Son
approche créatrice est influencée par différentes pratiques incluant la danse contemporaine, les arts martiaux, le yoga,
le « chant» et l’improvisation, ainsi que, plus récemment, par des formes de danse urbaines telles que le Waacking, le
Voguing et le House. Doan a fondé metanoiia en 2007, une compagnie de création et de production transformatrives qui
lui permet de collaborer avec des artistes de plusieurs disciplines de la performance. Elle est également la co-fondatrice
de Inertia Productions (MTL); une chorégraphe et interprète en résidence pour House of Dangerkat (NYC); et la directrice
artistique pour la Duck Wife Collective qui crée des performances sur scène avec le group rock Grub Animal (NYC). En plus
de ses engagements collaboratifs, Doan travaille comme soliste entrelaçant chant et mouvement dans des performances
contemporaines livrées sur scène. >>> JENN DOAN works as a producer, choreographer, dancer, and vocalist in both
Calgary and Montreal. She began her studies at the University of Calgary and completed her BFA in Contemporary Dance
/ Choreography at Concordia University in 2008. Her creative approach and movement is influenced by various practices
including contemporary dance, martial arts, yoga, voice and improvisation work, and more recently urban dance forms
including Waacking, Voguing, and House. In 2007, Doan founded metanoiia, a transformative creation and production
company, which allows her to collaborate with artists from a wide range of performance disciplines. She is also the
co-founder of Inertia Productions (MTL), a resident choreographer and performer for House of Dangerkat (NYC), and
the Artistic Director of the Duck Wife Collective creating stage performance with rock band Grub Animal (NYC). Apart
from her collaborative involvements, Doan works as a soloist interlacing vocals and movement for contemporary stage
performance.
MÉLISSA MOLLEN DUPUIS est Innu, originaire d’Ekuanitshit sur la Côte-Nord. Elle est issue de deux cultures: innue
et québécoise. À travers son travail d’animatrice au Jardin des Premières Nations et au Musée McCord, elle expose la
richesse de cette culture aux visiteurs et jeunes de Montréal. Depuis des années, elle fait découvrir sa double appartenance,
et les conflits et métissages qui en sont issus. C’est à travers les arts visuels, l’animation, la vidéo, la performance et le
conte, qu’elle explore des avenues contemporaines d’interprétation de la culture amérindienne. Elle explore l’iconographie
des diverses nations autochtones, joue avec les idées préconçues, les réinterprète et se les approprie. À travers l’utilisation
de matériaux contemporains, des nouvelles technologies et de couleurs industrielles, elle cherche à contester l’image du
« bon sauvage » et de Pocahontas. Grâce à l’humour, elle cherche ainsi à extirper ces images de l’identité amérindienne et
à les exposer pour ce qu’elles sont: des fantasmes inaccessibles et malsains pour la psyché autochtone. Une fois exposés
et réappropriés, ces stéréotypes peuvent devenir des véhicules culturels et aider dans les relations des autochtones avec
« l’autre ». >>> MÉLISSA MOLLEN DUPUIS is Innu and comes from Ekuanitshit on the North Shore. She is born of two
cultures: Innu and “Québécoise”. She presents the wealth of this culture to visitors and children in Montréal through her
work as an animator at the Jardin des Premières Nations and the McCord Museum. She has been presenting her double
sense of belonging, along with the conflicts and issues that arise from this mix, for years. She explores contemporary
interpretations of Aboriginal culture through visual arts, animation, video, performance, and storytelling. She also
examines the iconography of the different Aboriginal nations; she plays with preconceived ideas, reinterprets and reappropriates them. She tries to counter the image of the “Noble Savage” and that of Pocahontas by using contemporary
materials, new technologies, and industrial colours. Using humour, she thus seeks to root out these ideas about Native
identity and expose them for what they really are: inaccessible fantasies that are damaging for the Native psyche. However,
once exposed and re-appropriated, these stereotypes may be used as cultural vehicles to aid in the relationships between
Aboriginal people and the “Other”.
est un organisme à but non-lucratif qui milite en faveur de l’art communautaire et
activiste et qui subventionne des interventions visant à stimuler le dialogue à propos de saine interdépendance et de
responsabilité éthique, tout en encourageant la création artistique qui questionne les causes systémiques de la pauvreté.
http://www.engrenagenoir.ca/blog/index.php >>> Engrenage Noir / LEVIER is an independent non-profit community
and activist arts advocacy and funding organization whose initiatives are intended to stimulate dialogue about healthy
interdependence and ethical responsiveness while encouraging artistic creation addressing the systemic causes of poverty.
http://www.engrenagenoir.ca/blog/en/index.php
POHANNA PYNE FEINBERG
a réalisé des conceptions sonores en vue de contribuer à des projets collaboratifs
de danse, de vidéo et maintenant de poésie. Elle peut également passer plusieurs heures heureuses à sculpter à la main
des estampes en relief qui entremêlent des formes audacieuses en motifs ou à mixer des poèmes-vidéo basés sur des
mémoires abstraites. Pohanna a travaillé avec des groupes tels que : Wapikoni Mobile, Leave Out Violence, et The Montreal
Children’s Library, en tant que coordonnatrice artistique communautaire. Dans le cadre de ses expériences professionnelles,
elle a également agi à titre d’assistante conservatrice pour le Mois de la Photo à Montréal, de directrice de production
pour le Festival Suoni II Popolo et de coordonnatrice des collectes de fonds et de la promotion à CKUT 90.3, une radio
communautaire de Montréal. Pohanna poursuit actuellement une maîtrise en histoire de l’art en se concentrant sur des
approches participatives de la documentation de collaborations en art communautaire et en développant une ressource
en ligne pour les arts communautaires à Montréal. Le paysage sonore on love voudrait reconnaître les crédits suivants
pour les échantillons utilisés : Naila Keleta Mae, Rebecca Foon, Alva Noto + Yuichi Sakamoto avec ensemble moderne,
Me’Shell Ndegéocello, et autres sons récoltés. Remerciements à l’esprit musical de Andres Vial et à Chromatic Audio
(Montreal). www.inspireart.org >>> POHANNA PYNE FEINBERG has contributed sound designs to dance, video and
now poetry collaborations. She can also easily pass many happy hours making hand-carved relief-prints that intermingle
bold forms into patterns or mixing video poems based on memory abstractions. As a community art coordinator, Pohanna
has worked with groups such as The Wapikoni Mobile, Leave Out Violence, and The Montreal Children’s Library. She has
additional professional experience as the Assistant Curator for le Mois de la Photo à Montréal, as Production Manager
REBECCA FOON est compositeure et violoncelliste contemporaine. Elle a travaillé et enregistré avec plusieurs artistes
dont : Patti Smith, Silver Mt. Zion, Lhasa de Sela, Patrick Watson, and Carla Buzolich. Elle a travaillé sur et composé
plusieurs trames sonores incluant celle du documentaire H2Oil et le court métrage d’animation Higglety Pigglety Pop! qui
sera disponible sur la version DVD du film Max et les Maximonstres. Elle fait partie du groupe Esmerine and Howl. >>>
REBECCA FOON is a composer and contemporary cellist who has worked and recorded with various artists including
Patti Smith, Silver Mt. Zion, Lhasa de Sela, Patrick Watson, and Carla Buzolich. She has worked on and composed various
soundtracks including the documentary film H2Oil and the short animation film Higglety Pigglety Pop! that will be featured
on the DVD of Where the Wild Things Are. She is a member of the band Esmerine and Howl.
PASCALE GAGNON
Je me présente, je m’appelle Pascale, je suis une femme de 34 ans, j’aime beaucoup la musique, le sport et les sorties
entres amies. Je commence à peine à découvrir la vie, disons que j’ai perdu plusieurs années à me chercher. J’adore les
gens et la liberté, la liberté dans tous les sens du mot, que ce soit la liberté d’expression ou d’avoir des opinions différentes.
La liberté est pour moi la clé de l’amour universel!>>> I would like to present myself. My name is Pascale, and I am a
34-year old woman who loves music, sports, and outings with my girlfriends. I am just now starting to discover my life,
since I lost many years looking for myself. I love people and freedom; freedom in all senses of the word, be it freedom of
expression or of differing opinion. For me freedom is the key to universal love!
ANDREW HARDER
est un musicien, preneur de son et propriétaire d’un studio de son, basé à Montréal. Il aime
travailler à partir des multiples opportunités et des différentes projets, à la fois commerciaux et non-commerciaux, qui se
présentent à lui par le biais de son studio d’enregistrement. >>> ANDREW HARDER is a Montreal-based musician, sound
recordist, and sound studio owner. He likes to work within the multiple opportunities and projects, both commercial and
non-commercial, that present themselves via his recording studio.
CAROLINE HUDON a 32 ans. Elle a eu un parcours et un chemin cahoteux tout au long des années passées. Depuis
son incarcération, elle a décidé de réussir sa vie, de mettre toutes les chances de son côté afin de vivre un futur heureux
hors des murs. >>> Now 32-years old, Caroline has had a bumpy road throughout the years, but since her incarceration
she has decided to succeed in life, to put all the chances on her side to live a happy future outside the walls.
CENTRE DES TRAVAILLEURS ET TRAVAILLEUSES IMMIGRANTS (CTI) de Montréal est un bon exemple
de l’approche communautaire du travail qui est mise en action au Canada. Le CTI a été fondé en 2000 par un petit groupe
composé de syndiqués philipino-canadiens et d’anciens organisateurs syndicaux, ainsi que de leurs alliés universitaires
et militants. Les activités du CTI incluent du counseling sur les droits individuels, l’éducation populaire et les campagnes
politiques qui touchent des questions auxquelles font face les travailleurs immigrants, telles que le licenciement, les
problèmes avec les employeurs, ou bien les représentations inadéquates faites par leurs syndicats. L’éducation du travail est
une priorité visant les organisations dans la communauté et l’augmentation des habiletés et des capacités d’analyse des
travailleurs. Des ateliers ayant pour thème l’histoire du mouvement ouvrier, le « Labour Standards Act » et des procédés
d’organisation collective, ont été présentés dans plusieurs organisations qui travaillent avec des immigrants et au CTI
lui-même. Le programme « Skill for Change » enseigne les bases de l’informatique tout en incorporant l’analyse du lieu
de travail et de l’information sur les droits. L’objectif est d’intégrer des connaissances en informatique tout en soutenant
les individus pour qu’ils deviennent plus actifs dans la défense de leurs droits au travail. Il y a également un lien constant
entre les luttes des travailleurs immigrants et d’autres luttes sociales et économiques : le développement d’alliances est
une priorité. De plus, le CTI soutient des organisations syndicales sur les lieux de travail où il y a une grande proportion
de travailleurs immigrants. http://iwc-cti.ca/ >>> IMMIGRANT WORKERS CENTRE (IWC) in Montreal is an example
of the community labour approach being put into action in Canada. The IWC was founded in 2000 by a small group
composed of Filipino-Canadian union and former union organizers and their activist and academic allies. IWC activities
cover individual-rights counseling, popular education and political campaigns that reflect issues facing immigrant workers,
like dismissal, problems with employers, or, sometimes, inadequate representation by their unions. Labour education is a
priority, targeting organizations in the community and increasing workers’ skills and analyses. Workshops on themes like
the history of the labour movement, the Labour Standards Act and collective-organizing processes have been presented
in many organizations that work with immigrants, as well as at the IWC itself. The “Skills for Change” program teaches
basic computer literacy, while incorporating workplace analysis and information on rights. The goal is to integrate specific
computer skills while supporting individuals in becoming more active in defending labour rights in their workplace. There
is also an ongoing link between the struggles of immigrant workers with other social and economic struggles; building
alliances is a priority. In addition, the IWC supports union-organizing in workplaces where there is a high concentration of
immigrant workers. http://iwc-cti.ca/
CHRISTIAN KAGABO
ANDRÉ-ÉRIC LÉTOURNEAU
Je suis né à Bukavu et j’ai vécu au Congo, au Burundi et au Rwanda. Ma carrière artistique débuta en tant que danseur
et percussionniste avec la troupe traditionnelle rwandaise de Bruxelles « Amarebe n’imena ». Je suis arrivé à Montréal en
1999 avec mon frère Hervé et j’ai co-fondé Isangano, une troupe de danse traditionnelle rwandaise. En 10 ans, le groupe a
initié plusieurs institutions culturelles de la scène rwandaise montréalaise et joué dans celles-ci : le journal communautaire
Hobe Montréal, le regroupement nord américain Dusangane, le centre communautaire Umurage, etc. J’ai rencontré en
2005 Lovazen du groupe français de rap Jacumbai. Avec lui et avec Frederick Arlen, nous avons créé le groupe musical
Heruba. Notre spectacle a fait la tournée de la scène montréalaise. Il a été présenté entre autres au Café Campus, au Club
Soda et au Club Lambi. Je travaille avec Heruba, De Sonia Soul et The Good Vibes en tant que musicien/directeur et je
collabore avec Lovazen dans un groupe alternatif : LYR. >>> CHRISTIAN KAGABO Born in Bukavu, I lived in the Congo,
Burundi and Rwanda. My artistic career began as a dancer and percussionist with the Brussels-based traditional Rwandan
troupe ‘Amarebe n’ imena’. I arrived in Montreal in 1999 with my brother Hervé and co-founded Isangano, a Rwandan
traditional dance troupe. In 10 years the group initiated, and performed in, many of the cultural institutions of Montreal’s
Rwandan diaspora: the community paper Hobe Montreal, the North American gathering Dusangane, the community
center Umurage, etc. In 2005, I met Lovazen of the French Rap group Jacumbai. Together with him and Frederick Arlen,
we created the music group Heruba. Our show has been touring Montreal’s Cafe Campus, Club Soda, and Club Lambi, to
name only a few. As a musician/manager I work with Heruba, De Sonia Soul and The Good Vibes and am collaborating
with Lovazen on a more alternative group: LYR.
NAILA KELETA MAE rend les mots vivants. Au fil des ans, elle a appris qu’au Canada contemporain le fait d’habiter
un corps noir sain, féminin, hétérosexualisé, de classe moyenne est plein d’apprentissages et de défis à relever. Dans
ce contexte, l’art, l’éducation et la scolarité ont émergé pour elle comme un mode imaginatif de survie dans lequel les
cultures de domination institutionnalisées sont perturbées et de nouvelles performances du monde sont créées. Naila
est une artiste interdisciplinaire accomplie, une éducatrice et une universitaire qui a travaillé au Canada, en France,
au Portugal, en Afrique du Sud et aux États-Unis. Elle se concentre surtout sur la littérature, le théâtre et la musique.
Elle fait partie de la Faculté d’arts interdisciplinaires du Collège Goddard (Vermont), elle est candidate au doctorat à
l’Université York (Toronto) et est récipiendaire de la bourse Joseph-Armand Bombardier du Canada. Naila remercie:
Engrenage Noir / LEVIER, le Conseil des Arts du Canada et le Conseil des Arts de l’Ontario pour leur support financier
significatif de on love durant ses différents stades de développements; les artistes talentueuses et attentives Rebecca
Foon et Pohanna Pyne Feinberg pour leur collaboration inspirante; Chimwemwe Miller pour sa traduction française
attentionnée; et Dominic Soulié pour avoir partagé sa passion de l’histoire orale de Saint-Armand (Québec), durant notre
voyage de recherche. Plus d’information ainsi que des chansons gratuites de son dernier album bloom sont disponibles
au www.nailakeletamae.com. >>> NAILA KELETA MAE makes words come alive. Over the years, she has learned that
occupying a black, female, heterosexualized, middle-classed, able body in contemporary Canada is profoundly informative
and challenging. Within this context, art, education and scholarship have emerged for her as an imaginative mode of
survival in which institutionalized cultures of domination are disrupted and new performances of the world created.
Naila is an accomplished interdisciplinary artist, educator and scholar who has worked in Canada, France, Portugal,
South Africa and the USA with a primary focus on literature, theatre and music. She is a Faculty Member in the MFAInterdisciplinary Arts program at Goddard College (Vermont), a PhD Candidate at York University (Toronto) and a recipient
of the Joseph-Armand Bombardier Canada Graduate Scholarship. Naila is deeply thankful to: Engrenage Noir / LEVIER,
Canada Council for the Arts and the Ontario Arts Council for their meaningful financial support of on love during various
stages of its development; the talented and thoughtful artists Rebecca Foon and Pohanna Pyne Feinberg for their inspiring
collaboration; Chimwemwe Miller for his careful French translation; and Dominic Soulié for sharing his impassioned oral
history of St. Armand (Québec) during our research trip.More information and free song downloads from her latest album
bloom are available at www.nailakeletamae.com.
LOUISE LACHAPELLE
est l’auteure de diverses publications, communications et interventions publiques sur
l’éthique, l’art et la culture contemporaines. Elle s’implique depuis plusieurs années dans les activités de formation et
d’échange d’Engrenage Noir / LEVIER. Professeure et chercheure au Collège de Maisonneuve, elle y enseigne la création
multidisciplinaire, la littérature et la culture contemporaines. Elle fait partie de l’Équipe de recherche sur l’imaginaire
contemporain du Centre Figura de l’Université du Québec à Montréal; elle est aussi professeure associée à l’École
d’architecture et chercheure dans le Groupe Habitats et cultures de l’Université Laval. Ses activités d’enseignement et
de recherche allient écriture, photographie et pratiques collaboratives en contextes interculturels, entre autres dans les
communautés innues de la Côte Nord du Québec et dans la banlieue de Dakar au Sénégal. Ses travaux actuels sur
la maison comme figure dominante d’une manière occidentale d’habiter interrogent l’imaginaire contemporain dans
une perspective éthique : comment la culture répond-elle aujourd’hui à la question de la coexistence? >>> LOUISE
LACHAPELLE is an author of many publications, communications and public interventions on ethics, art and contemporary
culture. She has been involved for several years in the training and exchange activities of Engrenage Noir / LEVIER. She
teaches multidisciplinary creation, literature and contemporary culture as a professor and researcher at the Collège de
Maisonneuve. She is part of the research team on the contemporary imaginary at the Centre Figura of the Université
du Québec à Montréal; she is also an Adjunct Professor at the School of Architecture and researcher in the “Habitats
and Cultures” Group at the Université Laval. Her research and teaching activities combine writing, photography, and
collaborative practices in intercultural contexts, such as with the Innu communities on Quebec’s North Shore and in the
suburbs of Dakaar (Senegal). Her current work on the house as a dominant figure of the Western way of inhabiting
questions the contemporary imaginary in and ethical perspective: how does culture respond to the question of coexistence
today?
Le «je» que j’utilise se détermine en rapport avec l’Autre, l’extérieur, dans une optique de non-dualité et de recherche.
Je crois au partage des connaissances et à la décentralisation de ces partages. Depuis les années 1980, je travaille au
sein d’entreprises artistiques et corporatives pour le développement évolutif de la création. >>> The “I” that I use
is determined in relation to the Other, the exterior, in a non-dualistic and research perspective. I believe in the sharing
of knowledge and the decentralization of this sharing. I have worked since the 1980’s with artistic companies and
corporations for the ongoing development of creation.
CHIMWEMWE MILLER
Artiste multidisciplinaire, Chimwemwe Miller est un conteur aussi bien qu’un créateur et un interprète de musique et
de théâtre. Il est actif sur la scène montréalaise depuis le début des années 1990. Ses réalisations incluent la création
et la production de musique originale et la conception sonore pour la danse, le cinéma et le théâtre. Il est récipiendaire
de plusieurs prix et a performé partout au Canada et sur la scène internationale comme musicien et chanteur. Il travaille
comme conteur en écrivant et en jouant des pièces basées sur l’histoire, les contes et légendes sud-africaines. Acteur
primé, il est également impliqué dans le monde du théâtre où il porte à la fois les chapeaux de dramaturge et de metteur
en scène. Il est honoré d’avoir été invité à faire partie de How Many Slaves Do You Own? et il est heureux de travailler
une nouvelle fois avec son ami et collaborateur Jason Selman. >>> Multidisciplinary artist, Chimwemwe Miller, is a
storyteller as well as a creator and performer of music and theatre. He has been active on the Montreal scene since the
early 1990’s. His accomplishments include creating and producing original music and sound design for dance, film, and
theatre. He has won several awards and has performed across Canada as well as internationally as both musician and
singer. He works as a storyteller writing and performing original material based on Southern African history, tales and
legends and is equally engaged in the world of theatre where he is an award winning actor who also wears the hats of
playwright and director. He is honoured to have been invited to be part of How Many Slaves Do You Own? and is glad to
be working with friend and collaborator Jason Selman once again.
ÉMILIE MONNET
Artiste multidisciplinaire d’origine anishinabe / française, Émilie Monnet a travaillé au Canada, en Europe et en Amérique
Latine. Depuis plusieurs années, elle est impliquée dans différents projets visant à créer des ponts entre les peuples
autochtones des Amériques avec des organisations communautaires (« grassroots organizations ») au Canada et en
Amérique Latine. Émilie est membre de Odaya, un ensemble vocal exclusivement composé de femmes autochtones. À
l’heure actuelle, elle donne des ateliers de théâtre auprès de femmes incarcérées, de travailleuses du sexe et de jeunes
autochtones comme moyen de lutter contre la criminalisation de la pauvreté et de favoriser la prise de conscience au sujet
de différents enjeux sociaux par le moyen de la création artistique. Émilie est diplômée du programme d’interprétation
pour autochtones offert par Ondinnok en collaboration avec l’École nationale de théâtre du Canada et détient une
maîtrise en Études de la paix et résolution de conflits (Espagne et Suède). >>> Anishinabe/French multidisciplinary artist,
Émilie Monnet has performed in Canada, Europe and Latin America. For many years, she has been working at building
bridges between indigenous peoples of the Americas with grassroots organizations both in Canada and Latin America.
Émilie is a member of Odaya, an all Aboriginal women’s vocal ensemble and facilitates theatre workshops to incarcerated
women, sex workers and Aboriginal youth as a mean to fight against criminalization of poverty and raise awareness on
social issues through artistic expression. Émilie graduated from the theatre program offered by the Aboriginal theatre
company Ondinnok in collaboration with the National School of Theatre of Canada, and holds a Masters in Peacebuilding
and International Conflict Resolution (Spain, Sweden).
MEENA MURUGESAN
La pratique artistique multidisciplinaire de Meena Murugesan est alimentée par sa passion pour la danse, l’imagerie
visuelle, la transformation personnelle et le changement social. Sa vision chorégraphique hybride issue de vingt-deux
années de formation et d’interprétation de la danse classique sud-indienne Bharata Natyam, de trois ans d’études de la
danse contemporaine africaine avec la pionnière Zab Maboungou, d’une décennie de création d’imagerie visuelle et de
cinq ans de thérapie corporelle énergétique orientale. Ses chorégraphie incluent : SAMVAD (60-minutes, 2009), whirling
wailing woman (10-minutes, 2009), reBUILD (15 minutes, 2009), AVAL (26-minutes, 2008), Unravelled (50-minutes,
2006), Ekatva (15-minutes, 2006), en plus d’une douzaine d’œuvres d’improvisation performées avec Bell Orchestre, LAL,
Kalmunity Vibe Collective, Jason ‘Blackbird’ Selman, Kamala Sundararajan et Moe Clark. Depuis 2004, elle a présenté
ses chorégraphies originales et ses improvisations au Canada, à New York, au Niger, au Chili et au Brésil. Elle développe
actuellement un solo de danse, le déclin de l’empire spirituel, pour lequel elle a reçu une résidence artistique au Gesù.
Parallèlement à sa carrière de danse, Meena utilise la vidéo et le mouvement en tant qu’éducatrice en art communautaire
avec huit ans d’expérience locale et internationale en animation de processus créatif avec des groupes sous-représentés
tels que les jeunes, les communautés minoritaires et les femmes incarcérées. Meena a fondé en 2008 les productions
meenakshi : mouvement, média, métamorphose. www.meenakshi.ca | www.myspace.com/meenaakshi >>> MEENA
MURUGESAN’s multi-disciplinary artistic practice is fuelled by her passion for dance, visual imagery, personal transformation
and social change. Her hybrid choreographic vision stems from twenty-two years of training and performing the South
Indian classical dance form Bharata Natyam, three years of studying with contemporary African dance pioneer Zab
Maboungou, a decade of creating visual imagery and five years of training in eastern energetic bodywork therapy. Some
of Meena’s choreographies include SAMVAD (co-choreographer, 60-minutes, 2009), whirling wailing woman (10-minutes,
2009), reBUILD (15 minutes, 2009), AVAL (26-minutes, 2008), Unravelled (50-minutes, 2006), Ekatva (15-minutes, 2006)
in addition to a dozen other improvisational works performed with Bell Orchestre, LAL, Kalmunity Vibe Collective, Jason
‘Blackbird’ Selman, Kamala Sundararajan and Moe Clark. Since 2004, she has performed her original choreographies and
improvisational works in Canada, New York City, Niger, Chile and Brazil. She is currently developing a new solo dance
work, le déclin de l’empire spirituel for which has received an artist’s residency at the Gesú. Parallel to Meena’s dance
career, she is also a community arts educator with eight years of local and international experience facilitating creative
process with under-represented groups such as youth, racialized communities and incarcerated women using video and
movement. In 2008, Meena founded meenakshi production: movement, media, metamorphosis.
www.meenakshi.ca / www.myspace.com/meenaakshi
(CAEFS) and a part-time professor at the University of Ottawa, Faculty of Law. CAEFS is a federation of autonomous
societies, which work with, and on behalf of, marginalized, victimized, criminalized and institutionalized women and girls
throughout Canada. Kim has also worked with youth and men during her 26 years of engagement in and around the
legal and penal systems.
RODRIGUE MUGISHA
PINAY est l’Organisation des femmes philippines du Québec (fondée en 1991) qui travaille en vue de l’autonomisation
Canadien d’adoption, Québécois d’origine rwandaise. Ma passion pour les arts de la scène m’a amené à suivre plusieurs
formations notamment au Montreal School of Performing Arts et au Théâtre Parenthèse. J’ai participé, à titre de comédien ou
de metteur en scène, à plusieurs projets parmi lesquels on peut citer: De L’autre Côté du Mur (Marcel Dubé), The Three Wishing
Bag (Martha Swintze), Trottoir (D. Cormier, J.P Bélanger), Pitié pour la Reine (J. Kayishema). >>> Born in France, a childhood
in Western Africa, I now identify as a proud Canadian and Quebecois. My passion for performing arts has led me to take many
classes and courses notably at the Montreal School of Performing Arts and Théâtre Parenthèse, to name only a few. Since then,
I have participated as an actor or director in numerous theatre productions such as De L’autre Côté du Mur (Marcel Dubé),
The Three Wishing Bag (Martha Swintze), Trottoir (D.Cormier, J.P. Belanger), Pitié pour la Reine (J. Kayishema) and others.
et soutient l’organisation des femme philippines au Québec, en particulier les travailleuses domestiques. La plupart de
ses membres sont des travailleuses immigrantes bénéficiant du programme « Live-In Caregiver”. Depuis 18 ans, PINAY a
regroupé les travailleuses domestiques et leurs sympathisants autour de la lutte pour leurs droits fondamentaux et leur
bien être.http://pinayquebec.blogspot.com >>> PINAY is a Filipino Women’s Organization (founded in 1991) that works
to empower and organize Filipino women in Quebec, particularly domestic workers. Most of its members are migrant
workers under the Live-In Caregiver Program. For the past 18 years, PINAY has brought together domestic workers and
their supporters in the struggle for basic rights and welfare. http://pinayquebec.blogspot.com
CHARMAINE NELSON est professeure agrégée d’histoire de l’art au département de communication et d’histoire de
que poète et trompettiste. Au fil des ans, il a publié plusieurs recueils à compte d’auteur, ce qui a donné lieu à sa première
publication The Freedom I Stole (2009, Cumulus Press). Il a aussi été co-éditeur de l’anthologie de poésie Talking Book,
qui traite des écrits d’un ensemble musical hors du commun, Kalm Unity Vibe Collective (dont il est l’un des membres
fondateurs). Jason fait aussi partie du dynamique groupe de hip hop « live » Nomadic Massive. De plus, il est le créateur
et le producteur des séries de performances Intimate Sky dans lesquelles apparaissent certains des membres de Kalm Unity
Vibe Collective et de Nomadic Massive au sein de petits groupes intimes. Intimate Sky est actuellement en résidence au
MAI. >>> JASON “BLACKBIRD” SELMAN has served the Montreal arts scene for almost 15 years as a poet and a trumpet
player. He has self-published several chapbooks over the years culminating in his first published work The Freedom I
Stole (2008, Cumulus Press). He has also served as co-editor for the poetry anthology Talking Book, which chronicles the
writings of the one-of-a-kind musical ensemble Kalm Unity Vibe Collective (of which he is a founding member). Jason is
also a part of the dynamic live Hip Hop group Nomadic Massive. As well, he is the creator and producer of the Intimate
Sky performance series which features select members of both Kalm Unity and Nomadic Massive in intimate small group
configurations. Intimate Sky currently makes its home at the MAI.
l’art de l’Université McGill. Ses intérêts incluent les études post-coloniales et féministes africaines-américaines, la théorie
critique, la culture visuelle de l’esclavage, la production culturelle au sein de la diaspora noire, race et représentation, la
sculpture néoclassique du XIXe siècle et l’art du paysage historique. Sa carrière muséale est reconnue pour l’exposition
et le catalogue Through An-Other’s Eyes: White Canadian Artists - Black Female Subjects (Oshawa: Robert McLaughlin
Gallery, 1998). Elle est aussi co-éditrice et auteure de l’une des contributions à l’anthologie Racism Eh?: A Critical InterDisciplinary Anthology of Race and Racism in Canada (Captus Press, 2004), ainsi que l’auteure de The Color of Stone:
Sculpting the Black Female Subject in Nineteenth-Century America (Minneapolis: University of Minnesota Press, 2007).
Deux livres sont à paraître en 2010: le premier, une collection d’essais qu’elle a rassemblés: Ebony Roots, Northern Soil:
Perspectives on Blackness in Canada (Montreal: McGill-Queen’s Press); et le second, Representing the Black Female Subject
in Western Art, dont elle est l’auteure (New York: Routledge). Elle a récemment passé un an au Musée Maritime National
de Londres comme « Caird Senior Research Fellow » (2007-08), où elle a commencé un nouveau projet de recherche sur
les paysages du XIXe siècle de Montréal et de la Jamaïque comme postes de traite coloniaux et ports d’esclaves, à travers
une lecture critique de la géographie, de la topographie, du commerce colonial et des voyages. >>> CHARMAINE
NELSON is an Associate Professor of Art History in the Department of Art History and Communication Studies at McGill
University. Her interests include postcolonial and black feminist scholarship, critical theory, the visual culture of slavery,
cultural production within the black diaspora, race and representation, nineteenth-century Neoclassical sculpture and
historical landscape art. Her museum career is highlighted by the exhibition and catalogue Through An-Other’s Eyes:
White Canadian Artists - Black Female Subjects (Oshawa: Robert McLaughlin Gallery, 1998). She is also the co-editor and
a contributor to the anthology Racism Eh?: A Critical Inter-Disciplinary Anthology of Race and Racism in Canada (Captus
Press, 2004) and the author of The Color of Stone: Sculpting the Black Female Subject in Nineteenth-Century America
(Minneapolis: University of Minnesota Press, 2007). Two forthcoming books in 2010 include her edited volume Ebony
Roots, Northern Soil: Perspectives on Blackness in Canada (Montreal: McGill-Queen’s Press) and the single-authored book
Representing the Black Female Subject in Western Art (New York: Routledge). She recently spent a year as the Caird Senior
Research Fellow (2007-08) at the National Maritime Museum in London, where she embarked upon a new research
project examining nineteenth-century landscapes of Montreal and Jamaica as colonial trade and slave ports through
critical readings of geography, topography, colonial commerce and travel.
DEVORA NEUMARK and Johanne Chagnon have been collaborating as co-directors of Engrenage Noir / LEVIER since its
inception in 2001.
DEVORA NEUMARK
et Johanne Chagnon collaborent comme co-directrices d’Engrenage Noir / LEVIER depuis
sa création en 2001. >>> DEVORA NEUMARK and Johanne Chagnon have been collaborating as co-directors of
Engrenage Noir / LEVIER since its inception in 2001.
LISA NDEJURU
Le jeu, la création et l’écriture avec des êtres aimés sont mes plus grands bonheurs. J’exerce en psychothérapie et en
résolution de conflit. Je veux approfondir ma pratique d’art communautaire et me donner les moyens d’apprivoiser
l’incertitude et la complexité inhérentes à la pratique artistique. Je veux mieux comprendre et tenter de résoudre les
peurs et les blessures individuelles et collectives, de même que les histoires et les contextes qui nous empêchent de vivre
ensemble ou de nous actualiser. >>> I am happiest playing, writing, working, shopping and performing with loved
ones about issues we care about. I practice psychotherapy and conflict resolution. I would like to engage further with
community art and theater work in order to play with, heal from and think about individual and collective fears and
wounds as well as the stories and contexts that prevent us from getting along together or fulfilling ourselves.
KIM PATE est la mère de Michael et Madison. Elle est avocate et professeure de formation et elle complète actuellement
un travail post-doctoral dans le domaine médico-légal de la santé mentale. Kim est Directrice générale déléguée de
l’Association Canadienne des Sociétés Elizabeth Fry (ACSEF) et professeure à temps partiel à la Faculté de Droit de
l’Université d’Ottawa. ACSEF est une fédération de sociétés autonomes qui travaillent en collaboration avec et pour les
femmes et filles marginalisées, victimisées, criminalisées et institutionnalisées à travers le Canada. Kim a aussi travaillé avec
les jeunes et les hommes pendant ses 26 ans d’engagement dans et autour des systèmes légal et pénal. >>> KIM PATE is
mother to Michael and Madison. She is a lawyer and teacher by training and is currently completing post-graduate work
in the area of forensic mental health. Kim is the Executive Director of the Canadian Association of Elizabeth Fry Societies
JASON “BLACKBIRD” SELMAN est au service de la scène artistique de Montréal depuis presque 15 ans en tant
ERIC SHRAGGE
est directeur de la School of Community and Public Affairs de l’Université Concordia. Il a publié
dans le domaine de l’organisation communautaire, incluant Activism and Social Change: Lessions for Community and
Local Organizing (Broadview, 2003), Fight Back: Workplace Justice for Immigrant Workers écrit en collaboration avec
Aziz Choudry, Jill Hanley, Steve Jordan, Martha Stiegman (Fernwood, 2009), et Contesting Community: The Limits and
Potential of Local Organizing écrit en collaboration avec James Defilippis et Bob Fisher (Université of Rutgers Press, 2010).
Il a été en mesure de travailler avec plusieurs organismes communautaires et mouvements sociaux tout en poursuivant ses
activités académiques. Il a été l’un des fondateurs du Centre pour les Travailleurs et Travailleuses Immigrants et il continue
à y contribuer. >>> ERIC SHRAGGE is Principal of the School of Community and Public Affairs at Concordia University.
He has published in the area of community organizing including Activism and Social Change: Lessons for Community
and Local Organizing (Broadview, 2003), Fight Back: Workplace Justice for Immigrant Workers, co-authored with Aziz
Choudry, Jill Hanley, Steve Jordan, Martha Stiegman (Fernwood, 2009) and Contesting Community: The Limits and
Potential of Local Organizing, co-authored with James Defilippis and Bob Fisher (University of Rutgers Press, forthcoming
2010). He has been able to work in many community organizations and social movements while pursuing his academic
work. He was one of the founders of the Immigrant Workers Centre and continues to be active in it.
LE TRUNK COLLECTIF (Directrice artistique: LYNNE COOPER)
est une compagnie de théâtre née il
y a 3 ans à Montréal qui utilise les arts de la scène pour le développement social et comme tremplin pour initier des
dialogues avec le public. Notre objectif est de créer des pièces de théâtre de haute qualité qui traitent de problématiques
sociales difficiles et actuelles. Nous nous efforçons de briser les barrières de langage existantes en produisant des pièces
pouvant être comprises par les communautés francophones autant que anglophones. Le Trunk Collectif a été récemment
récompensé par le prix « Meilleur artiste émergent » du Cirque du Soleil, soulignant l’audace et la qualité du projet
artistique d’une compagnie émergente. Jusqu’ici, notre marque de commerce a été la création d’une pièce qui tient
dans un coffre (« trunk »), qui peut voyager facilement, qui est facile à installer et à démonter. Cette caractéristique est
devenue un objectif important dans le développement de nos futures productions. http://letrunkcollectif.com >>> LE
TRUNK COLLECTIF (Artistic Director: LYNNE COOPER) is a three year old, Montreal-based theatre company that uses the
performing arts as a tool for social development and as a springboard to create dialogue. Our objective is to create highquality theatre productions that address difficult and topical social issues. We strive to break down any existing language
barriers by producing plays that can be understood by both the Anglophone and Francophone communities. Le Trunk
Collectif was recently honoured with the Cirque du Soleil’s “Best Emerging Artist” prize emphasizing the audacity and
quality of an emerging company’s artistic project. Our trademark up until now has been the creation of shows that fit
inside a trunk, can travel easily, and is simple to set up and strike down. This feature has become an important goal in the
development of our future productions. http://letrunkcollectif.com
ANDY WILLIAMS a grandi à Derbyshire, UK avec l’obligation de participer aux sessions d’écoute familiale du dimanche
ce qui a favorisé chez lui un ressentiment envers le jazz puisque c’était une réelle obsession pour ses parents. Sa rébellion
s’est exprimée à travers la radio et la télévision populaires, il est devenu un grand fan des « Tops de la Pop, mais avec
les années, il s’est rendu compte que tout est relatif et que le Jazz était un foyer maternel. Le fait d’émigrer à Clarendon,
Jamaique, en 1974 et d’y vivre jusqu’en 1976, lui a ouvert les yeux. L’arrivée à Toronto en 1976 semblait prometteur à
un jeune débutant l’école secondaire, passionné de basket et de Nyabinghi. Ses années à Parkdale Collegiate, avec ses
riches mélanges ethniques, ont été cruciales pour développer ses préférences musicales et son voyage-jazz a continué avec
des activités à la radio alternative pendant plus de 20 ans. La richesse des connaissances et du matériel musical d’Andy
est immense. C’est cette relation intime avec le pouls de la vie qui lui a permis de partager les scènes de clubs et de
festivals partout à travers l’Europe, le Canada et les États-Unis avec des pionniers comme Mr. Scruff, Quantic, Keb Darge,
Nickodemus, Rainer Trueby et Bugz in the Attic, tout en organisant d’innombrables résidences d’artistes et réceptions,
incluant le légendaire mensuel The Goods avec le co-résident Scott C. >>> ANDY WILLIAMS grew up in Derbyshire, UK
with obligatory Sunday family listening sessions fostering resentment towards Jazz since it was such a fixation with his
folks. His rebellion was through mainstream radio and TV, becoming a big fan of Top of the Pops but as years went by, it
became clearer that it was all relative and Jazz was a maternal hub. Emigrating to Clarendon, Jamaica in 1974 and living
there until 1976 was an eye-opener. His arrival in TO in ‘76 looked promising for a high school rookie heavy into b-ball
and Nyabinghi. His years at Parkdale Collegiate, with its rich ethnic mix, were crucial in shaping his musical preferences
and the Jazz journey continued with activity in alternative radio for over 20 years. Andy’s wealth of musical knowledge
and material is immense. It is this intimate relationship with the pulse of life that has seen him sharing the decks at
clubs and festivals all over Europe, Canada and the US with luminaries like Mr. Scruff, Quantic, Keb Darge, Nickodemus,
Rainer Trueby and Bugz in the Attic, all while holding down innumerable Montreal residencies and parties, including the
legendary monthly The Goods, with co-resident Scott C.
ELIZABETH YEOMAN est professeure à la Faculté d’éducation et au département d’Études des femmes de l’Université
Mémorial (T.N.). En plus de faire de la recherche et d’écrire des articles savants sur le langage, l’éducation et la culture,
elle a publié de la poésie et des récits de voyage dans plusieurs revues littéraires et a écrit pour le Globe and Mail, le
Women’s Television Network, le National Public Radio (US) et CBC. Elle travaille actuellement avec une aînée innue du
Labrador, Elizabeth Penashue, une militante environnementaliste, sur un livre basé sur les journaux intimes, les histoires
et les images de Mme Penashue. La publication la plus récente d’Elizabeth Yeoman, Despite This Loss: Essays on Culture,
Memory and Identity in Newfoundland and Labrador, a été éditée avec Ursula Kelly (ISER Press, 2010). L’article «Je me
souviens: About the St. Armand slave cemetery, memory, counter-memory and historic trauma» est à l’origine de sa
participation à l’événement Combien d’esclaves avez-vous? http://pi.library.yorku.ca/ojs/index.php/topia/article/view/2913
>>> ELIZABETH YEOMAN is a professor of Education and Women’s Studies at Memorial University (Newfoundland). In
addition to research and scholarly writing on language, education and culture, she has published poetry and travel writing
in several literary magazines and contributed media pieces to the Globe and Mail, the Women’s Television Network,
National Public Radio (US) and the CBC. She is currently working with Labrador Innu elder and environmental activist,
Elizabeth Penashue, on a book based on Ms. Penashue’s diaries, stories and images. Elizabeth Yeoman’s most recent
publication Despite This Loss: Essays on Culture, Memory and Identity in Newfoundland and Labrador was edited with
Ursula Kelly (ISER Press, 2010). Her article “Je me souviens: About the St. Armand slave cemetery, memory, countermemory and historic trauma” is what led to her participation in the How Many Slaves Do You Own? event.
http://pi.library.yorku.ca/ojs/index.php/topia/article/view/2913

Programme - PDF - Louise Lachapelle

Transcription

Documents pareils

Untitled - Anne et Valentin

Anne-Catherine Bucher a étudié le clavecin avec

Contributors / Collaboratrices

Shym Profile:iLanguages

Collège Lucie AUBRAC

001 - Let me be your star

kerri-lynn reeves - Manitoba Arts Council

Présenter les personnages suivants puis les décrire

L`ange du foyer (The Angel of the Home)