contenu détaillé du Cycle Intensif 2017

36-38 rue de la Goutte d’Or
75018 Paris.
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www.ecoledujeu.com
CONTENU DETAILLE - CYCLE INTENSIF 2017
Dates : du 9 janvier au 28 avril 2017 - Durée : 280h
Cours du lundi au vendredi de 14h30 à 18h - 4 semaines/mois
Lieu : Paris 18ème, 36 rue de la Goutte d’Or
Descriptif général :
Ce cycle est une période intensive de travail, conçue comme une véritable traversée des grandes
problématiques et notions que doit maitriser un acteur : l’organicité, l’espace, le texte, l’interprétation, le jeu
face à la caméra, la conscience d’une écriture. Un temps d’approfondissement, de recherche et de
consolidation. Sa forme est un enchainement cohérent de sessions spécifiques (courtes ou longues) dirigées
par des professionnels reconnus pour la maîtrise du sujet abordé.
Public concerné :
Intermittents du spectacle (comédiens, danseurs, circassiens, chanteurs...), d’une manière générale artistesinterprètes professionnels, en voie de professionnalisation ou ayant une pratique et une expérience de la
scène ou des tournages. Ce cycle est également conçu pour des personnes désireuses de poursuivre une
reconversion professionnelle (danseurs, chanteurs, gymnastes, circassiens, métiers de la caméra...) et
souhaitant acquérir dans un temps relativement bref, les fondamentaux essentiels à l'exercice du métier
d'acteur.
Il peut être proposé à des élèves étrangers envisageant un complément de formation (ayant suivi un
enseignement initial en études théâtrales à l'étranger).
INTERVENANTS & SUJETS :
Emma Roberts : Le corps comme lieu d’expériences et de transmissions
Directrice artistique de « Donner forme à l’invisible », organisme basé sur les Arts qui offre des ateliers,
cours et formations dans la transmission du mouvement en 5 rythmes : pratiques somatiques du
mouvement, comprenant des techniques d’incarnation pour non professionnels et professionnels.
Elle travaille également en
tant
que directrice et directrice de mouvement dans
le théâtre.
Elle enseigne au Royaume-Uni et en Europe.
Elle a commencé sa carrière en tant qu'actrice travaillant dans le cinéma, le théâtre et la TV. Elle a alors
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Etablissement d’Enseignement Supérieur Technique Privé, enregistré auprès du Rectorat d’Académie de Paris
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continué pour faire une formation complémentaire dans la direction, l'enseignement, et a ainsi obtenu
un diplôme universitaire
supérieur dans le
mouvement
et
l’art
dramatique. Elle a
également
fait une formation intensive en Théâtre physique avec l'Ensemble de David Glass, ainsi que des années
d'études avec plusieurs des meilleurs praticiens de mouvement à travers le monde.
Delphine Eliet : Le Jeu à travers la TCIC
Directrice pédagogique de L’Ecole du Jeu, Delphine Eliet poursuit sa recherche théâtrale et pédagogique à
partir du « corps organique » de l’acteur. Ses travaux de pédagogue et les outils qu’elle a créés, dont la
Technique de Confirmation Intuitive et Corporelle (TCIC), font l’objet d’une thèse à l’Ecole Normale
Supérieure de Lyon où Kéti Irubetagoyena sous la direction de Jean-Loup Rivière, s’interroge sur la façon
dont présence et énergie de l’acteur sont sollicités par la TCIC.
Auparavant, Delphine Eliet a mené une carrière de comédienne et de metteur en scène. Dès l’âge de 15
ans, elle fait du théâtre son métier. À 21 ans, elle fonde avec Stanislas Nordey la Compagnie Nordey et joue
dans plusieurs de ses mises en scène. Elle travaille également, avec Thierry Roisin, Bruno Meyssat et
Céline Acquart. Parallèlement, elle commence à diriger des stages et des ateliers pour la Compagnie Maguy
Marin, la Chartreuse de Villeneuve-lez-Avignon et l'Opéra National de Paris. La rencontre avec les sourds à
l’IVT et la langue des signes, déclenche chez Delphine Eliet une réflexion sur le langage, l'écriture et les
capacités d'expression des corps. En 2004, elle crée L'école du Jeu à laquelle elle se consacre depuis.
Emma Pasquer : Le Jeu à travers la TCIC
Emma s'est formée à la T.C.I.C à l'Ecole du Jeu aux côtés de Delphine Eliet.
En 2008, elle fonde la troupe des EduLchorés avec laquelle elle initie une démarche de création ; elle
signe notamment en 2011 la mise en scène de Vie de Grenier qui sera présenté au Théâtre du Soleil dans
le cadre du festival Premiers Pas.
Depuis octobre 2012, elle réalise une thèse sur la place des disciplines non-théâtrales dans la formation de
l'acteur en France aujourd'hui, à l'Université Paris X-Nanterre La Défense, sous la direction d'Emmanuel
Wallon. Dans sa pratique, elle tâche de faire se rencontrer et se féconder transmission, création et
recherche.
Hassam Ghancy : L’immédiateté / Préparation aux castings
Il entame sa formation professionnelle de comédien au Théâtre-Ecole du Passage sous la direction de Niels
Arestrup et Alexandre Del Pérugia. Tout en menant une carrière au théâtre et au cinéma, il n'aura de cesse
de questionner son artisanat de comédien et de parfaire sa formation auprès de nombreux directeurs
d'acteurs tels que Jack Garfein, Jack Waltzer, Sergeï Zemstov. Il jouera notamment dans des pièces de
Shakespeare, Corneille, Tchékhov, Bernard-Marie Koltès, Kafka etc... Au cinéma il joue dans des
productions américaines : "Rendition" de Gavin Hood, "Trahison" de Jeffrey Nachmanoff, "The greatest
Journey" de Bruce Neibaur... En France on le verra entre autres dans "Secret Défense" de Philippe Haïm,
"Les jeux des nuages et de la pluie" de Benjamin de Lajarte etc.
Marcus Borja : Vocalité, choralité et musicalité dans le travail de l’acteur
Acteur, metteur en scène, dramaturge, professeur, musicien et chef de chœur. Docteur en Études
Théâtrales et doctorant metteur en scène SACRE, il enseigne à l’Ecole du Nord, au Cours Florent, à l’ESAD
et à l’Université Sorbonne Nouvelle. Il dirige également le chœur du Conservatoire National Supérieur d’Art
Dramatique.
Après une première formation d’acteur au Brésil et un diplôme de lettres modernes à l'Université de Brasilia,
il s’est formé en France à l’École Jacques Lecoq, à l’ESAD et au CNSAD. Titulaire d’un master en études
théâtrales, il a également une licence et un master en histoire de l'Art et muséologie à l'École du Louvre.
Il a travaillé notamment avec Jean-Louis Hourdin, Jacques Rebotier, Sophie Loucachevsky, Fausto
Paravidino, Éric Ruf, Yoshi Oida, Meredith Monk, Christiane Jatahy, Antônio Araújo, entre autres.
Il co-organise, en novembre 2015, au TGP et au CNSAD, le colloque international « Pratiques de la voix sur
scène : de l’apprentissage à la performance vocale », réunissant chercheurs, artistes et pédagogues. Il a
publié plusieurs articles, notamment « L’Écoute active et le silence parlant : la musicalité comme base pour
la direction d’acteurs », dans l’ouvrage « La Direction d’acteurs peut-elle s’apprendre ? » (Les Solitaires
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Intempestifs, 2015). Sa dernière création, « Théâtre », spectacle choral pour 50 acteurs, crée en avril 2015,
est reprise cette année au Festival JT16 et au Festival Impatience.
Alexandre Louschik : Actions paradoxales – Source du jeu inspiré
Outils du jeu d’acteur – auteur* - autonome*
L’acteur est désormais co-auteur du spectacle, dans le sens où il n’est pas embauché pour dire les mots, mais pour contribuer, par sa compréhension
de la pièce, à la mise en scène ; il est partenaire performant du jeu du metteur en scène. Le temps de l’acteur figurant est terminé.
Acteur russe, metteur en scène et directeur d’acteurs, formé à l’Académie d’art dramatique Schukine
Vakhtangov de Moscou, son expérience de 30 années comme acteur de théâtre (à Riga : Théâtre
« Nouvelle Génération », à Moscou : Théâtre « Ermitage », Théâtre – Studio « Album », Théâtre de Musique
et de la Poésie) et pédagogue (diplômé du degré supérieur du Dépt. de l’Education de Moscou), lui a permis
d’importer en France sa maîtrise des méthodes Stanislavski, Vakhtangov et Michaël Chekhov, qu’il conjugue
à des techniques de psychologie cognitive pour optimiser les potentialités créatives des acteurs.
Alexandre a parallèlement développé une carrière d’auteur – compositeur – interprète : lauréat du concours
international de la chanson artistique Andreï Mironov de Moscou, il a joué ses spectacles - concerts en
Russie, en Europe et en France (84 villes) – label « Sélection Printemps des poètes » décerné à son CD
« Troïka » et «Coup de cœur » de la FNAC. En 2015, Alexandre a signé avec Giampaolo Gotti la mise en
scène du spectacle « Gabbatha » (de Fabrice Hajaj), sélectionnée au Festival du “Teatro del Sacro” en Italie.
Il coache des acteurs (Jean Dujardin pour “Moebius” en 2013), dont certains sont à l’affiche dans des
théâtres parisiens, en tournées en France, et au Festival d’Avignon.
CONTENU
Du 9 au 27 janvier 2017
Le corps comme lieu d’expériences et de transmissions : Emma Roberts
À l’aide du touché, des sens, de l’anatomie expérimentale et du développement du mouvement, nous
expérimenterons le fait d’être dans un corps à travers des approches somatiques du mouvement.
Cette première étape d’exploration permet de développer le sens interne de notre expérience en tant
qu’interprète. Notre but est de savoir comment suivre notre réalité sensorielle, tout en étant engagé dans
l’action et le jeu, et par conséquent apporter une plus grande présence et attention à nos actions.
Le corps comme espace d’imagination :
En explorant l’imaginaire du corps, l’espace vide interne, nous utiliserons des stimuli pour transformer
l’espace du corps de l’interprète. Plus nous avons une maîtrise des énergies subtiles qui animent nos
formes, plus nous développons notre capacité à utiliser le corps comme un terrain de jeu transformable.
En utilisant de multiples stimuli, tels que le monde naturel, l’Art, les autres formes de vie, les émotions, les
systèmes élémentaires et énergétiques, nous trouverons des chemins subtils et dynamiques de
transformations à travers le mouvement et l’incarnation.
Le corps dans la relation à l’autre et à son environnement :
Il s’agira de pratiques d’explorations du développement de notre conscience relationnelle aux autres. Nous
travaillerons à comprendre comment nous habitons et imaginons notre environnement. À travers la
puissance d’un interprète incarné, le public peut percevoir l’imaginaire dans l’espace.
Si l’interprète est pleinement habité en voyant la lune alors le public peut l'être aussi.
Incarner un processus créatif :
Nous commencerons par explorer l’improvisation, expérimentant ainsi les dynamiques, le rythme, en
utilisant l’espace, la relation à l’autre, le cadre, la voix, le texte, les personnages, l’histoire, le groupe et la
musique.
Ensuite nous traverserons des processus élémentaires du travail créatif, explorant différentes manières de
transmettre une histoire. Dans toute cette étape, nous développerons notre compétence de rétroaction.
Comment travailler en restant en dehors de notre processus créatif et donner forme au travail des autres.
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9, 10, 11, 30, 31 janvier / 1, 2, 3 février / 7, 8, 9, 10 mars
TCIC et interprétation de scènes : Delphine Eliet / Emma Pasquer
La TCIC (Technique de Confirmation Intuitive et Corporelle), est le fruit des réflexions pédagogiques et
artistiques développées par Delphine Eliet.
La Technique de Confirmation Intuitive et Corporelle entraine la personne à développer, entre autres, sa
rapidité et sa souplesse, son charisme, ses capacités d’adaptation et de prise de décision, sa joie dans le
travail. Autant de facultés qui sont essentielles à qui souhaite réellement entreprendre ou inventer.
Elle vise, dans le contexte de l’art dramatique, à développer un acteur complet, physique, « organique » et
précis.
Il s’agit donc de découvrir un ensemble de procédés et d’exercices ludiques dont la fonction est de
développer la conviction (sentiment d’évidence) et la sensualité (communication des sens) propre au corps
de chacun. C’est une proposition qui encourage et affermit les modes de connaissance immédiate que
sont, l’intuition, le désir, ou le rejet. "L’acteur" apprend comment considérer et comment jouer avec la
situation présente et les objectifs qu’il s’est fixés.
La TCIC fait l’objet de travaux de recherches et d’études universitaires, notamment d’une thèse à l’Ecole
Normale Supérieure de Lyon où Keti Irubetagoyena, sous la direction de Jean-Loup Rivière, s’est
interrogée sur la possibilité d’un enseignement de la présence scénique (intitulé de la thèse : « Peut-on
enseigner la présence scénique ? Delphine Eliet, une pédagogue à la croisée des théories de l’art du jeu
qui ont marqué le XXème siècle théâtral »).
Les notions principales développées :
§ Se laisser traverser par …
§ Accepter d’être altéré
§ Traverser la peur
§ Donner / Recevoir
§ Travailler / Ne pas travailler
§ L’ennui
§ Dissocier
§ Porter un propos
§ Transmettre
Les outils :
• Apprendre "de", et "par" son corps
o Développer ses perceptions et ses intuitions pour confirmer ou infirmer la justesse d’une décision.
o Utiliser le mouvement et la mobilité pour gagner en confiance.
o Découvrir ce qu'implique "être intime en public".
•
o
o
o
o
o
Dire et Convaincre
Comprendre / Reconnaître une structure dramaturgique.
Savoir transmettre et convaincre.
Faire du propos ou du texte, un socle sur lequel reposer son travail.
Acquérir une vitesse d'exécution qui repose sur des fondements vrais, et sensibles.
Maîtriser techniquement l’action de dire des mots.
•
Utiliser le silence et l’imagination
• Utiliser les émotions
o Savoir comment les laisser être et circuler sans se laisser submerger, sans les repousser. Profiter ainsi
de l’énergie qu’elles nous offrent.
o Découvrir qu’aucune émotion n’est négative si l’on sait s’en servir.
o Utiliser une émotion pour servir un propos et atteindre l’interlocuteur.
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6, 7, 8, 9, 10, 14, 15, 16, 17 février / 14, 15, 16, 17, 21, 22, 23, 24, 30, 31 mars
L’immédiateté – Préparation aux castings : Hassam Ghancy
C’est à travers un processus concret que se construit la capacité de l’immédiateté : La tâche de l'acteur est
en premier lieu, de trouver le besoin profond du personnage, ce qui le meut, ce qui l’anime.
Il doit ensuite découvrir quels sont les obstacles que ce dernier doit surmonter pour parvenir à ses fins... il
s'agit toujours d'une lutte, qu'elle soit intérieure ou extérieure. L’acteur doit ensuite préciser les analogies
avec sa propre vie pour donner chair aux enjeux du personnage. Sa démarche doit être claire et saine pour
ne pas altérer son intégrité.
Nous travaillerons à comprendre comment répondre à une demande immédiate du metteur en scène, du
réalisateur ou de la directrice de casting... sans rien perdre de sa vérité et sans pousser.
13, 20, 21, 22, 23, 24, 27, 28 février / 1, 2, 3, 6, 13, 20, 27, 28, 29 mars
Vocalité, choralité et musicalité dans le travail de l’acteur : Marcus Borja
« Je travaille dix fois plus facilement avec un acteur qui aime la musique […] Rares sont ceux qui
comprennent que la musique est le meilleur organisateur du temps dans un spectacle.
Le jeu de l’acteur c’est, pour parler de façon imagée, son duel avec le temps. Et ici, la musique est son
meilleur allié.
Elle peut éventuellement ne pas du tout se faire entendre, mais elle doit se faire sentir. »
Vsevolod Meyerhold
Ce parcours propose une approche musicale des techniques et poétiques de la scène. Il s’agit d’interroger
et de faire agir, dans le travail du plateau, la similarité et la complémentarité des modes de perception du
temps et de l’espace, dans la musique et dans le théâtre, à partir de la vocalité de l’acteur-performer. Nous
nous intéresserons aux notions d’écoute, de rythme, de phrasé, de ligne mélodique, d'harmonie, de
contrepoint, de polyphonie, aussi bien dans leur rapport au travail du texte qu'à la dynamique et aux
mouvements scéniques. Il s’agit de mettre en évidence, au moyen de différents exercices, la nature
essentiellement musicale – notamment en ce qui concerne le rapport temps-rythme et l’harmonie chorale
de la scène – des principes structurant l’organisation et l’accomplissement du phénomène théâtral.
Trois axes principaux orientent nos séances de travail et structurent les créations scéniques issues de ce
dernier :
-
le travail de l’écoute (interne et externe ; individuelle et collective) ; socle indispensable au jeu de
l’acteur
-
résolument inscrite dans le présent de la scène et de l’action – et garant de la qualité de son interaction
avec l’objet (texte, chant, canevas), avec l’autre, avec l’espace.
-
le travail de la voix et la recherche sonore à partir du matériau vocal aussi bien du point de vue
technique qu’expressif. Ce travail se décline dans différents contextes d’exécution : le texte et la
musicalité des mots, l’improvisation vocale dans le sens large, le chant polyphonique, le bruitage, la
percussion corporelle.
-
le travail de l’espace, dans le processus de création, de transformation et de mise en mouvement
d’espaces poétiques à partir de l’élément sonore et de la vocalité sur scène.
L’écoute est le pilier qui soutient l’ensemble du travail. Elle est perçue ici non pas uniquement comme
l’accomplissement ou le résultat d’un mouvement de l’extérieur vers l’intérieur, un « se laisser traverser
par », mais aussi – par opposition, et donc, dans une tension féconde et permanente – comme un
mouvement de l’intérieur vers l’extérieur, une traversée active de l’espace et de l’autre. C’est précisément
la tension créée entre ces deux mouvements qui génère un état de pleine présence, une potentialité
créative de/dans l’instant présent partagé et concret qui, même en l’absence de sons « audibles » rend le
silence palpable.
La voix nous intéressera ici dans toute sa tactilité et sa corporalité. Émanation concrète du présent
sensible, elle est indissociable du corps qui la porte, l’apporte et la supporte. Le corps chantant est à la fois
producteur et produit de la vibration du son ; il expérimente et se fait traverser par l’énergie qu’il a lui-même
générée. En outre, la gamme de possibilités sonores et expressives que peut produire notre appareil
phonateur – qui se multiplient encore à l’infini quand on combine les sons produits par plusieurs personnes
vocalisant ensemble – est une porte grande ouverte à la création. Que ce soit la voix parlée, chantée,
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criée, choralisée, tout ceci constituera à la fois l’outillage et la matière de notre travail. Plus qu’une chose,
la voix peut aussi être un espace déployé dans le temps. Elle est le « lieu d’une absence qui, en elle, se
mue en présence » (Paul Zumthor). Il s’agit ici de penser la vocalité comme localité ; la voix non seulement
tisseuse de relations, mais aussi bâtisseuse d’espaces sensibles, univers et paysages sonores. Elle est
certes, ce pont, ce bras, ce chemin tendu vers l’autre déployé dans l’espace, mais peut aussi incarner
elle-même cet espace aux dimensions mouvantes et en perpétuelle réinvention.
Du 3 au 28 avril (attention : pas de cours le 17 avril)
Actions paradoxales – Source du jeu inspiré : Alexandre Louschik
Outils du jeu d’acteur/ auteur* - autonome
L’acteur est désormais co-auteur du spectacle, dans le sens où il n’est pas embauché pour dire les mots, mais pour contribuer, par sa
compréhension de la pièce, à la mise en scène ; il est partenaire performant du jeu du metteur en scène. Le temps de l’acteur figurant est
terminé).
L’objectif de ce dernier mois de travail est :
Acquérir et savoir utiliser les outils concrets pour :
-
Analyser des pièces et des rôles ;
-
Construire les scènes dynamiques ;
-
Devenir l’acteur/ auteur autonome qui sait être un partenaire de jeu idéal.
Chaque art a ses secrets professionnels et l’art de l’acteur, aussi.
§
Pourquoi est-ce nécessaire de rechercher la nature paradoxale du jeu scénique?
§
Pourquoi et comment trouver les paradoxes cachés dans une scène, un rôle, une pièce?
§
Dans la solitude publique, comment trouver les émotions à travers les actions?
§
Comment exprimer le sens du texte à travers le contexte et le sous – texte?
§
Pourquoi exprimer les bonnes relations des personnages à travers leurs confrontations?
§
Est-il possible que le défaut fatal rende humain le héros positif?
§
Et pourquoi des qualités positives rendent crédible le personnage négatif?
§
Pourquoi une grande idée ne peut-elle être exprimée qu’à travers une bonne histoire?
§
Pourquoi jouer le début de l’histoire comme la fin des événements qui lui ont précédé?
§
Comment trouver les obstacles pour faire bien avancer votre histoire?
§
Pourquoi et comment oublier les spectateurs pour captiver encore plus leur attention?
Le Théâtre, c’est le laboratoire des multiples questionnements où chaque acteur trouve intuitivement ses
propres réponses. La recherche des secrets d’un jeu inspiré était au cœur des découvertes des explorateurs
de l’art dramatique comme Stanislavski, Michael Chekhov, Vakhtangov, Meyerkhold… qui ont à leur tour
encouragé les recherches de Jean Vilar, Antoine Vitez, Laurent Terzieff…et aussi : Lee Strasberg, Elia
Kazan, Stella Adler, Sanford Meisner... Jerzy Grotowski, Peter Brook, Eugenio Barba …Cette quête est
sans fin.
Thèmes des exercices et du training :
• Découvrir en études scéniques, les triades Conflits – Collisions – Combats des personnages
Trouver les événements - clefs :
o
o
o
o
déclencheurs ;
de scènes ;
des rôles ;
Principaux - de toute l’histoire (scénario, pièce).
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•
Construire les lignes d’action des personnages :
o
o
o
o
ligne d’actions physiques ;
ligne d’action interne (monologue interne, deuxième degré d’action) ;
ligne d’action verbale ;
ligne d’action transversale du rôle.
• Déchiffrer le Super – Objectif (de l’auteur, du personnage - rôle, de l’acteur – créateur , du réalisateur –
metteur en scène)
o Découvrir la composition de la pièce / scénario ;
o Réaliser le filage - spectacle de l’œuvre en études – improvisations.
NB : Une pièce de théâtre d’Anton Tchékhov et une ou deux de ses nouvelles seront proposées pour
l’analyse - action au cours de ce stage intensif.
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