Par Thomas Corlin Le 8 mai 2015 Le performeur Jonathan

Par Thomas Corlin
Le 8 mai 2015
Le performeur Jonathan Capdevielle continue de tourner avec Saga, sa dernière création qui
plonge dans ses souvenirs d'enfance. Rencontre avec celui qu’on appelait « Jojo ».
Dans Saga, Jonathan Capdevielle nous trimballe dans sa jeunesse passée dans le milieu pittoresque
des bandits de la pampa occitane. Geek introverti découvrant sa sexualité, il est le témoin d’un
univers à la fois délirant et bienveillant, où les valeurs sont celles des traditions régionales comme
des esprits qui rodent, et où le travail est remplacé par le truandage. La sève de son spectacle est
dans la rencontre de cet univers rural et bariolé avec celui, abstrait et elliptique, du théâtre
contemporain et de ses dispositifs narratifs sophistiqués. Les personnages de sa famille deviennent
les héros d’une tragédie de bric et de broc, magnifiée par une forme éclatée et un minimalisme
scénique qui nous épargnent cependant les poses stylisées.
Saga dépeint de manière très drôle et folklorique le milieu social rural, limite gitan, dans lequel
tu as évolué, en évitant le mépris social. Il n’y a jamais eu de rupture entre toi et tes origines ? « Aucune. Dans la pièce, je pose un regard tendre, celui d'un enfant qui était entouré par des
personnages hauts en couleur. La pièce se base sur les observations du gamin que j’étais, et
forcément les faits sont un peu déformés, on exagère ce que l’on peut voir. Une critique dans La
terrasse prétend que je m'attaquais à l'homophobie, et que je me moquais de mes origines, et c'est
tout le contraire. On dirait que le journaliste a interprété les rires du public à sa manière.
On sent d'ailleurs qu'il n'y avait pas tant d'oppression morale que ça dans cet environnement ?
« Tout à fait, s'il y a souffrance, elle ne vient pas de là. Il n'y avait pas vraiment d'homophobie, tout se
mélangeait, les gens se toléraient parfaitement, on le voit dans le personnage du gérant de boîte gay
dans la pièce, dont je récupère le signe de la boucle d'oreille qui catégorisait les homosexuels, c'est
plus un travail sociologique que je fais autour de ça.
Ma sœur et son mec m'ont éduqué avec une extrême liberté et une certaine limite. Vers 12/13 ans, je
me retrouvais avec eux à regarder des films d'horreur, comme Freddy, et même des pornos du type
Blanche Neige et les 7 mains, c'était une sorte d'éducation sexuelle avancée, qui n'a peut-être pas
fonctionné d'ailleurs, ils auraient peut-être préféré que je sois hétérosexuel.
Comment as-tu reconstitué et sélectionné tous ces souvenirs qui composent la pièce ?
« Ça a été un travail très précis, qui porte sur mes souvenirs de 11 à 17 ans au fil des années 1990.
J'ai interviewé ma sœur, et j'ai réuni environ 60 heures de films de famille, sur de vieilles VHS
d'époque, des journées à la plage par exemple. Je me suis replongé dans l'ambiance, dans cette
manière qu'on avait de se parler en famille. Je me suis mis à écrire intensément en partant de là,
alors que je ne travaille sur la base d’un texte normalement. J'ai choisi des souvenirs qui ont marqué
une étape : quand il tombe amoureux de son copain, ou l'expérience du banditisme qui était quelque
chose d'assez excitant. Je voyais entrer des gangsters, des gitans. Une fois j'avais joué avec des
paquets de Reinitas que ma sœur et son mec rangeaient soigneusement, et j'en avais perdu un. Je
me suis fait gravement engueuler, et j'ai compris peu après qu'ils cachaient des trucs dedans... De
mon côté, j’y ai aussi un peu participé, comme c’est mentionné dans la pièce je signais des
chéquiers, j’étais conscient de ce que je faisais. J’ai eu pas mal de cadeaux aussi, mon beau-frère
nous habillait pour l'été en nous disant « on a eu beaucoup de bons de réduction ces derniers
temps… »
Curieusement, tu n'as pas dit « mon copain » mais « son copain » quand tu parlais de tes
souvenirs, comme s'il ne s'agissait pas de toi dans la pièce. Tes pièces solo sont
autobiographiques, qu'est-ce que cela provoque de synthétiser et d'exposer son parcours
personnel ainsi ?
« C'est un sacré lapsus oui. Il y a comme une étape consciente de mise à distance, je n'y ai mis
aucun pathos. J'évite le côté uniquement personnel en donnant des points d'accroche extérieurs, en
créant des liens avec l'histoire de cette région, la notion de danger, et tous les différents sujets
abordés. Le fait de jouer un gamin instaure une distance très étrange, un inconfort, une fragilité, mais
j'ai aussi décidé de traverser tous les personnages qui ont été autour de moi, de ne pas me focaliser.
Et côté point de vue c’est comme si je me mettais à côté de moi-même, j’apparais et je disparais
régulièrement pendant le spectacle, c’est comme si je réfléchissais à ces mémoires sur l’instant.
Après, personnellement, il y a toujours un effet boomerang quand on se replonge dans sa propre vie.
Étais-tu déjà exposé au théâtre dans ta jeunesse ?
« Finalement oui, car ma sœur est une grande actrice dans le fond. Quand je l'ai interviewée, j'étais
déjà spectateur d'un truc. Le fameux monologue final de la pièce, elle me l'a vraiment fait comme ça.
Mon entourage a participé à ma formation, s'il y avait un problème d'argent ils me le finançaient, mon
beau-frère m'amenait toujours au théâtre en Mercedes... Je me souviens qu'il me répétait toujours :
« quand tu seras une star à Paris, tu viendras me chercher en limousine ? » Et puis je faisais
beaucoup d'imitation quand j'étais jeune, j'animais les mariages en faisant le sketch du Noir de
Muriel Robin, Elie Kakou, ce genre. Si j'avais été chopé par le privé, j'aurais fait du one-man-show,
j'aurais été Danny Boon, ou j'aurais fait la pute pour les pubs du Crédit Lyonnais.
Tu as joué le spectacle à Tarbes, comment les gens de ta famille ont-ils réagi ?
« Les plus jeunes ont adoré, mais ça a coincé auprès de certains adultes qui se sont sentis un peu
heurtés, pourtant je les avais bien mis au courant, ils savaient que je travaillais là dessus. Il y a
également eu un petit différend légal dû à la présence de certains noms, qui est en train de se régler
actuellement.
Il y a une figure théâtrale que tu utilises beaucoup dans tes pièces ou, poussée à son extrême,
chez Giselle Vienne, c'est celui des poses statiques prolongées, qui nous ramène à des
sculptures vivantes. Quel genre de tension dramatique crées-tu avec ça ?
« Il s'agit de matérialiser la mémoire sur le plateau, d'en retrouver le rythme, d'où ces poses, ou ces
mouvements très lents. C'est comme ce morceau de Timbaland qui passe au ralenti dans la pièce,
comme une image floutée qui s’éclaircit. Au début on est perdu dans un amas de mémoires, puis des
personnages émergent, se rassemblent. La partition physique est précise, les placements sont très
étudiés. Cette idée m’est venue d’un cours de Pierre Joseph que j’avais suivi quand j’étais jeune, il
nous avait fait participer à une de ses expositions en 1993, les « personnages à réactiver », où l’on
devait rester pendant des heures dans la même position. Moi j’incarnais un cow-boy mort. Pierre a
vu la pièce d’ailleurs, il s’est dit très touché et m’a envoyé des photos de l’exposition à l’époque.
Saga est drôle parce qu’il transpose un univers très rustique dans le cadre très abstrait du
théâtre contemporain, le décalage est voulu je suppose ?
« Clairement, sinon j’aurais fait les Deschiens ! Je voulais des narrations différentes et simultanées,
cette division entre ce que tu regardes et ce que tu entends. On convoque des gens qui ne sont là
que par les voix, on fait même parler les morts.
D’ailleurs, tu es resté superstitieux depuis une jeunesse passée parmi des gens qui croyaient
aux esprits ?
« Absolument. D’ailleurs, lors de la première du spectacle, il y a eu plein de problèmes techniques,
l’écran n’est pas descendu à la fin, un micro nous a lâché, sans aucune raison. À l’époque il y avait
une grosse mode autour du spiritisme, ma sœur et son mec faisaient des séances avec un gourou,
beaucoup d’évènements étranges se produisaient, ça rendait l’endroit encore plus surréaliste. Ma
sœur croit toujours très fort à ces histoires d’entités.
Cette montagne imposante et incongrue sur le plateau, c’est une référence au Pyrénées ?
« Je ne voulais pas de plateau nu cette fois-ci, j’avais déjà bossé comme ça avant, et là je voulais
changer. Pour moi c’est tout d’abord une référence à l’esthétique des jeux vidéo, tout comme l’ours
d’ailleurs, je voulais créer une sorte de mythologie cheap. Elle représente aussi un tas de fumier, la
mère de Giselle Vienne me disait souvent : « les plus belles fleurs naissent dans un tas de fumier. »
L’idée de la montagne, de la matrice, ça fait partie du domaine poétique et du rêve. Ca rejoint aussi
cette idée du muséum d’histoire naturelle présente dans la pièce, avec le guide. Comme le « Se
Canto » occitan, c’est une manière de représenter la culture locale, les traditions, qui créent une
communion très forte, et qui se perdent également. On a tous un rapport « je t’aime je te hais » avec
les endroits dont on vient, c’est toujours facile ou tentant d’y retourner. En ce qui me concerne je
retourne souvent à Tarbes.
Cette mythologie de l’enfance, de l’adolescence, de ces moments où chaque chose est
interprétée intensément, c’est aussi des thèmes chers à Giselle Vienne et Dennis Cooper.
Qu’est ce qui vous ramène toujours à ça ?
« Le personnage de l’adolescent s’est déplacé dans les pièces, c’est un personnage fragile, toujours
borderline. Après, on l’a aussi dépassé. Giselle travaille sur le rapport entre perfection et destruction,
et elle trouve dans l’adolescence ce moment de confusion, d’instabilité, qui l’intéresse beaucoup.
C’est des rôles que j’adore interpréter.
C’est une collaboration sur le long terme. Cet univers goth/gore, c’était quelques chose que tu
fréquentais déjà ou tu t’es plongé dedans avec eux ?
« J’ai commencé avec Giselle, c’est elle qui est allée rencontrer Dennis Cooper en 2004, ça a fait tilt
immédiatement. Leur travail démêle tous les sentiments liés à l’amour, la sexualité, et la violence,
notamment la fascination qu’on peut avoir pour elle. À quel moment la violence devient-elle belle,
attirante ? D’ailleurs Dennis et son compagnon Zak ont fait un film dans le même univers qu’ils
essayent de faire passer à Cannes, il se lance de plus en plus dans des scénarios.
Dans vos spectacles, l’intégration des groupes de drone Sunn O))) ou KTL est une rencontres
théâtre/musique très forte, le groupe et leur musique devenant de véritables éléments
dramatiques, narratifs. Comment avez-vous travaillé ensemble ?
« Giselle est incroyablement exigeante sur le travail du son, c’est très rigoureux, c’est aussi important
que ce qui se passe sur scène, tout doit être très bon. La musique n’est pas là pour faire joli. La
diffusion elle même est très complexe. On a aussi remarqué que les fans du groupe aimaient
beaucoup les spectacles.
Tu as commencé comme marionnettiste, un univers peu représenté dans le théâtre. Jerk, votre
pièce culte qui a énormément tourné, est un solo de marionnettes et de ventriloque dans
lequel tu incarnes, entre autres, un serial killer. Ça rend pas un schizophrène au bout d’un
moment ?
« On a clairement poussé le concept de la marionnette à son paroxysme dans ce spectacle.
Effectivement, Giselle est pratiquement la seule à travailler la marionnette au théâtre, du moins de
cette manière. J’ai fait Jerk presque 250 fois, la teneur de la pièce est vraiment lourde à porter, et on
a pris la décision d’arrêter de la jouer, sinon elle tournerait encore, elle est très demandée. Il fallait
vraiment passer à autre chose, mais on la retravaillera peut-être à l’avenir.