EBABX École d`Enseignement Supérieur d`Art de Bordeaux livret de

Transcription

EBABX
École d’Enseignement Supérieur d’Art de Bordeaux
livret de l’étudiant 2012.2013
Solo, ensemble
Une autre année commence maintenant.
Nous avons un grand éventail de
propositions à vous faire, comme
chaque année. Les enseignements
et les projets qu’on vous présente dans
ce Livret de l’étudiant pourraient se
résumer sous deux formes : vous allez
vous concentrer pour l’essentiel dans
l’émergence et la poursuite d’un travail
personnel artistique avec l’engagement
qui vous concerne, mais vous allez aussi
être invités à travailler collectivement,
en sollicitant de vous un sens aigu de
l’observation des autres :
« Les gens qui n’observent pas ne
conversent pas », selon l’annotation
avisée de Richard Sennett1.
Nous avons un leitmotiv qu’on suit
depuis de longues années, cristallisé
une fois de plus dans notre programme
d’études. C’est la capacité de
comprendre et de connaître un médium
ou une discipline donnée, offerte aux
étudiants qui se complète avec l’habileté
d’explorer l’interdisciplinarité, ce qui
est à l’ordre du jour, aussi bien dans les
enseignements que dans les projets.
Objectiver le processus signifie
s’échapper de l’individualisme.
L’enseignement et l’expérience du
projet collectif existent au prix de ces
mobilisations.
Les expériences de travail collectif sont
nombreuses à l’école, dans le cadre
des programmes d’ateliers, des projets
énoncés par nos enseignants, comme
des projets mis sur pied par nos anciens
élèves à Bordeaux et ailleurs.
Nous sommes très attachés au fait
que nos étudiants construisent leurs
propres modes critiques, l’existence
de ces critères d’évaluation et de
pertinence est indissociable du parcours
qui fait œuvre.
Je vous souhaite à tous de vous mettre
en position et faire advenir le travail de
chacun, de tous.
Guadalupe Echevarria
Directrice
1. Richard Sennett. « Together.
The ritual, Pleasures and Politics
of cooperation ».
C’est de là qu’émerge notre approche
de la question du collectif. Travailler
ensemble peut paraître un contresens
quand il s’agit pour l’art de l’individu.
Mais l’art contemporain est rempli
de cette expérience du collectif,
fondamentalement l’art conceptuelou
celui qu’on pourrait nommer aujourd’hui
comme post-conceptuel. Une œuvre
d’art est ici un programme d’action
qui engendre un travail complexe de
croisements de disciplines mais aussi
d’intervenants. Le sujet de l’œuvre y est
beaucoup moins ancré sur l’autorité que
sur l’exploration des modalités de la
délégation du travail d’auteur.
EBABX - livret de l’étudiant 2012.2013
Solo, together
A new year is beginning now. We have a
large range of propositions to make you,
as we do every year. The courses and
projects that are presented in this Student
Handbook could be summed up in two
forms: you will essentially concentrate
on the emergence and pursuit of your
personal artistic work with commitment,
but you are also going to be invited to
work collectively amongst yourselves,
and your sharp sense of observation of
others will be solicited: “People who don’t
observe don’t converse,” according to the
shrewd comment by Richard Sennett1.
Experiences of collective work are
numerous at the school, in the context of
workshops, projects directed by teachers,
and projects led by former students in
Bordeaux and elsewhere. We are very
attached to the idea that our students
construct their own critical approaches
and the existence of evaluation criteria is
inseparable from your studies program.
We have followed a leitmotif for
many years, crystallized once more
in our curriculum. It’s the capacity to
understand and know a given medium or
discipline and offer this knowledge to the
students who complete it with the skilful
exploration of a multi-disciplinarity, which
is as much the order of the day in teaching
as in projects.
Director
I wish you all the experience of working
individually and together to give rise
to the artistic work of every one of you,
and of everyone.
1. Richard Sennett “Together.
The ritual, Pleasures and Politics
of cooperation”.
This is where our approach to the question
of the collective emerges. Working
together may seem to go against the grain
when art is about the individual. But
contemporary art is full of this experience
of the collective, fundamental to
conceptual art or that which we could call
today “post-conceptual.” A work of art is
a plan of action that engenders a complex
work of mixed disciplines and diverse
participants. The object of the work is
much less cultivating authority than
exploring ways to delegate the work of a
“creator.” To objectify the process means
to escape individualism. The teaching and
experience of the collective project exists
as a result of these movements.
l’école
L’enseignement artistique à l’EBABX donne la possibilité aux étudiants d’acquérir
des connaissances de haut niveau, de réflexion et de recherche, ainsi que de
production de projet. Le cursus Art ou Design est structuré en deux cycles, organisés
en dix semestres qui s’ordonnent suivant un parcours progressif.
Les étudiants composent un programme personnel à partir d’offres diversifiées
artistiques, critiques et technologiques, plus particulièrement au côté des cultures
populaires, des cultures de masse, des cultures industrielles. Sont également
investis les champs de l’édition, du graphisme, des médias, des post médias et de la
performance.
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the school
At EBABX, teaching of the arts enables students to acquire reflection and research as
well as the production of an artistic project. The Art or Design curriculum is made up of
two cycles which are organized in ten semesters which are structured according to an
evolving progression.Students build a personal program from amongst the diverse artistic,
critical and technological offerings and more particularly, popular cultures, mass culture,
industrial cultures, and especially the fields of publishing, graphic design, media and postmedias, such as performance art.
concours d’entrée / commissions
Les épreuves d’admission en première année se font par le collège d’enseignants et
l’entrée est validée par le directeur. Elles comprennent une épreuve pratique, une
épreuve critique, une épreuve de langue vivante et un entretien sur dossier avec
le jury des enseignants. Les candidats doivent justifier du baccalauréat (ou d’un
diplôme étranger reconnu équivalent). Toutefois, le directeur peut, après examen
du dossier, soumettre au jury d’admission la candidature de non bacheliers. Ceux-ci
doivent pouvoir justifier d’une pratique personnelle et d’un parcours artistique.
En cours d’études, des élèves d’autres établissements étrangers ou français, ainsi
que ceux ayant fait des études dans l’un des établissements du réseau de l’éducation
Nationale, peuvent entrer à l’école par voie d’équivalence en justifiant d’au moins
deux années d’études en arts plastiques. Pour les étudiants des autres écoles d’art
agréées par le Ministère de la Culture, l’entrée se fait par commission d’admission.
entrance examination / admissions committees
The first year admission tests are done through the college of teachers and admission
is ratified by the director. They include a practical test, a written, critical cultural test,
a living language test, and an interview based on a portfolio with a jury of teachers.
Candidates must have the baccalaureat, (or an equivalent recognized foreign diploma).
However, after examining the dossier, the director may submit to the admissions jury the
candidature of persons without the baccalaureat. These must be able to show personal
work and an artistic itinerary. In the study courses, students from other foreign and French
establishments, as well as those who have studied in one of the establishments in the
French national education system, may be admitted to the school by way of equivalents by
showing at least one year of visual arts study. For students from other art schools certified
by the Ministry of Culture, entrance involves an admissions committee.
un choix de parcours
Si l’interdisciplinarité est revendiquée comme atout majeur de la recherche,
c’est par une identification précise à un champ déterminant Art ou Design qu’elle
s’opère. L’offre de deux options permet d’établir une réflexion où l’art et le design
réinstaurent sans cesse la validation de leurs productions respectives, de leurs
pratiques et de leurs réflexions critiques. La production trouve sa pertinence en
regard de son adresse et de sa filiation, de son circuit de production, de son circuit de
diffusion, de son usage, de sa reproductibilité...
Ces réflexions conduisent à considérer ces champs comme des spécialités dont peut
se saisir un étudiant pour construire son devenir designer ou son devenir artiste.
Ce devenir est éprouvé dans le cursus pédagogique et le parcours de l’étudiant
au sein de l’école. La rencontre avec des pairs, à travers des ateliers d’option et
l’organisation d’un diplôme DNAP et DNSEP avec des jurys spécifiques au design et
à l’art, est mis en place afin de soutenir la viabilité d’un projet, sa filiation dans un
champ de recherche et la future inscription sociale et professionnelle de l’étudiant.
Avec une approche commune en première année, c’est à partir de la deuxième
année que les choix d’option se mettent en place et que le parcours d’un étudiant
est clairement identifié.
Des cours théoriques communs à tous les étudiants inculquent une culture
de l’histoire des arts, de la théorie de l’esthétique, de la philosophie et de
l’anthropologie de l’art, des conditions de travail de l’artiste.
Des cours théorique au choix de l’image enregistrée, de la photographie, du
design, du graphisme, de l’édition et de la communication confortent l’acquisition
de connaissances dans des champs spécifiques. Les studios, dans leur diversité
d’acquisitions techniques, permettent une transversalité entre les options,
selon les règles établies dans les options et les contrats d’études.
Les ateliers, les séminaires, les stages et les projets de recherche des quatrième
et cinquième années s’inscrivent dans les laboratoires de recherche selon des
programmes spécifiques en art et en design.
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choosing a curriculum
Although interdisciplinarity is thought to be desirable and a major advantage in research,
it is through precise identification with a determined field in Art or Design that it operates.
The availability of two options enables students to establish a base of reflection wherein
art and design constantly reestablish the validity of their respective artistic productions,
their practices and their critical reflection. Artistic production finds its pertinence with
regard to its skill and its associations, its circuits of production and diffusion, its use, its
reproducibility…
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These reflections lead us to consider these fields as specialties which a student can
seize in order to build his/her future as a designer or artist. This future is forged in
the pedagogical curriculum and personal course of study of the student in the school.
Encounters with peers, through chosen workshops and the organization of a diploma
exhibition for the DNAP or DNSEP in front of specific design or art juries, are put into
place in order to support the viability of a project, its relation to a field of research, and the
student’s future social and professional integration.
The options share a common approach in the first year, but in the second year, the choice
of an option starts to take form and the student’s course of study is clearly identified.
Theoretical courses taken by all students give general knowledge of Art history and theory,
the philosophy and anthropology of art, the working conditions of the artist. Theoretical
courses chosen from among: the recorded image, photography, design, graphic arts,
publishing and communication, help students to acquire knowledge of specific fields.
The studios, in their diversity, help to establish the possibility of overlapping between
options, according to procedures established in the options and study contracts.
Workshops, seminars, internships and research projects in the 4th and 5th years are part
of research laboratories set up in accordance with specific programs of art or design.
les diplômes
Le cursus art et expression plastique est structuré en deux cycles, organisés en dix
semestres qui s’ordonnent suivant un parcours progressif.
Le premier cycle, ou phase programme, mène au diplôme national d’arts plastiques
(DNAP) en trois ans. Le deuxième cycle, ou phase projet conduit au Diplôme National
Supérieur d’Expression Plastique (DNSEP) au grade de Master après deux années
supplémentaires. Ces deux diplômes se déclinent en deux mentions, art et design.
Le DNSEP, qui sanctionne cinq années d’études supérieures, est inscrit au
Répertoire national de certifications professionnelles au niveau I, le plus élevé.
Il permet de se présenter aux concours externe et interne du Capes et au concours
externe du Capet, ainsi qu’aux concours externe et interne de l’agrégation.
Le passage en deuxième cycle requiert l’obtention du DNAP et l’avis favorable d’une
commission validé par le directeur.
À la suite de la déclaration de Bologne de 1999, le ministère de la Culture et de
la Communication a engagé une politique d’harmonisation de l’enseignement
supérieur des arts plastiques avec le système européen d’enseignement supérieur
constitué en trois grades : licence, master, doctorat (LMD). La réforme a conduit
les écoles supérieures d’art à adapter leurs cursus et à adopter le système
européen des crédits de transfert (ECTS) garantissant la reconnaissance mutuelle
des diplômes et une plus grande mobilité des étudiants à l’échelle internationale,
permettant d’enrichir leurs expériences et favorisant leur insertion autour des
métiers de création et de recherche artistique. Les premiers diplômes conférant
le grade de master ont été délivrés en juin 2012.
La formation à la recherche est présente tout au long du cursus en école supérieure
d’art. Elle prend forme, notamment, dans les ateliers de recherche et de création
(ARC), et dans les séminaires, laboratoires de recherche réunissant, enseignants,
artistes, théoriciens et étudiants autour d’objets de recherche et de thématiques
pluridisciplinaires. En second cycle (années 4 et 5), elle intervient en complément du
travail plastique par la rédaction et la soutenance d’un mémoire. Ce dernier est un
des outils de réflexion qui permet à l’étudiant d’élaborer une problématique.
Le fonctionnement de l’École et l’ensemble des règles qui régissent l’établissement
se trouvent dans le règlement intérieur qui est remis à chaque étudiant.
the DNAP and DNSEP
The Art and Artistic Expression curriculum is structured in two cycles, made up of 10
semesters which are organized according to a progressive evolution.
The first cycle, or program phase, leads to the National Fine Arts Diploma (DNAP) at
the end of three years. The second cycle or project phase leads to the National Artistic
Expression Diploma (DNSEP), Master’s level, after two additional years.
These two diplomas can be passed in one of two options: art or design.
The DNSEP, which represents five years of advanced studies, is listed in the national
repertory of professional certifications at Level 1, the highest level. It enables graduates
to participate in the external or internal competitive teaching qualification examination (the
Capes) and the external Capet examination, as well as the external and internal competitive
advanced level teaching qualification examination (the “aggregation”). The transition into
the second cycle requires obtaining the DNAP diploma and the recommendation of a
commission which must be approved by the director.
In accordance with the Bologne declaration of 1999, the Ministry of Culture and
Communication has undertaken a policy of harmonization of higher education in the arts
with the European advanced studies system, which is made up of three degree levels:
license, masters and doctorate (LMD). The reform caused the advanced art schools
to adapt their curricula and adopt the ECTS European transfer credit system which
guarantees mutual recognition of diplomas and a greater mobility of students on an
international level, enabling them to enrich their experience and providing favourable
conditions for their professional integration into creative and artistic research careers.
The first Masters level degrees will be awarded in June, 2012.
Research training is present during the entire advanced studies in the arts curriculum.
It takes the form of Research and Creation Workshops (ARCs) and seminars and research
platforms which involve teachers, artists, theoreticians and students brought together to
consider research subjects and multidisciplinary themes. In the second cycle (4th and 5th
years) research complements practical work through the writing and defending of a thesis,
which is one of the tools for reflection which will enable the student to develop a focus
for his/her work. School procedures and regulations can be found in the School Rulebook
which is given to each student.
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modalités en année Master
Les candidats à l’entrée du master doivent justifier du DNAP délivré dans les écoles
françaises ou d’un diplôme équivalent (obtention des 180 crédits ECTS sanctionnant
les trois années précédentes).
L’entrée en années Master est assortie de l’avis favorable de la Commission de
passage au Master : un dossier est demandé à chaque étudiant comportant un
portfolio accompagné d’un texte de présentation, les axes de recherche pour le
master et le territoire de recherche pour le mémoire. Les pré-commissions se
déroulent à la fin du mois de mars lors d’un entretien avec les enseignants de
l’option (enseignant de l’arc de 3ème année, enseignant de l’arc souhaité pour
l’année 4, enseignant directeur de mémoire). Les enseignants complètent un
document relatant les choix d’option et de programme de chaque étudiant
et donnent un préavis sur le passage en année 4.
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Les critères de la commission sont :
- le parcours de l’étudiant
- le niveau et sa capacité à présenter un DNSEP grade Master.
Pour les candidats étrangers, l’avis favorable de la commission d’équivalence est
nécessaire. La grille d’évaluation reprend la fiche individuelle de notation des jurys
pour les diplômes.
A l’issue des DNAP, les étudiants qui ont obtenu le Diplôme sont présentés à la
commission de passage en année 4. Un entretien avec un enseignant de l’arc de
l’année 4, un enseignant directeur de mémoire, l’enseignant faisant partie du jury
de DNAP valide l’entrée en années Master.
masters program procedures
Candidates for the Masters program must have proof that they have obtained the DNAP
diploma from one of the French art schools, or an equivalent diploma (having obtained 180
ECTS credits over the last three years).
Entrance into the Masters program is made only after approval by the Admissions
Committee. An application file, including a portfolio and presentation text describing
research areas to be explored and expanded upon in the Masters thesis is required of
each student. Preliminary interviews take place at the end of the month of March in the
presence of teachers of the chosen option (a teacher of the 3rd year ARC, a teacher of the
ARC desired for 4th year, and the thesis director). The teachers fill out a document showing
the choice of option and program for each student and give a first opinion on the student’s
admission into the 4th year.
diploma are presented to the committee for entrance into the 4th year. An interview with a
teacher of the chosen 4th year ARC, a teacher who will be the thesis director and a teacher
who was part of the DNAP jury then validate entrance into the Masters program.
stages / mobilité internationale
L’école encourage, dans le cadre du cursus, les voyages d’études, les stages et
séjours à l’étranger. Les stages internationaux permettent la connaissance des
milieux professionnels et de leurs modes de production, ainsi que l’acquisition de
savoir-faire spécifiques. Les étudiants en année 4 peuvent bénécier de bourses
de séjour d’une durée d’un semestre, pour effectuer des stages internationaux ou
étudier dans d’autres écoles d’art partenaires.
À l’échelle internationale, l’EBABX réalise depuis de nombreuses années un
investissement culturel vaste et ambitieux. Au-delà des échanges classiques
d’étudiants qui suivent un programme d’enseignement spécifique proposé par une
des écoles partenaires (par le biais des programmes Erasmus ou Crepuq), l’École
s’intéresse plus particulièrement au développement d’expériences croisées avec
certaines écoles partenaires dans d’autres pays (Politecnico de Milan, Academie
de Cracovie, California Institute of the Arts, EINA Barcelone, etc.).
Internships / International exchanges
The school encourages students to take advantage of study abroad, internship and travel
opportunities offered in the context of their curriculum.
International internships give students an acquaintance with the professional milieus
and methods of production, as well as an opportunity to acquire specific skills. 4th
year students may receive travelling grants for a period of one semester in order to do
international internships or to study at one of our partner schools.
At the international level, EBABX has, for many years, invested in a vast and ambitious
cultural exchange program. Above and beyond typical student exchanges for following a
specific teaching program proposed by one of our partner schools (through the Erasmus or
Crepuq programs), the school is most particularly interested in the development of shared
experiences with certain partner schools in other countries (Milan Politecnico, Krakow
Academy, California Institute of the Arts, EINA Barcelona, etc.)
The criteria for the committee are:
- the student’s record
- his/her level and potential for obtaining a DNSEP Masters degree
For foreign candidates, approval by the transfer committee is required. The evaluation
sheet for the committee is similar to the individual notation sheet of the diploma juries.
Following the DNAP jury examinations, students who have successfully obtained the
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les lieux de l’école
Au bâtiment principal de l’École d’une surface de 2 400m², qui accueille les espaces de
cours et d’ateliers, l’amphithéâtre, les ateliers techniques : impression numérique, offset
/ photographie, la bibliothèque et l’administration, s’ajoute une annexe de 1 000 m² qui
comprend les pôle techniques multimédia, son et vidéo, des espaces d’ateliers et le Café
Pompier. Le Café Pompier est géré par des étudiants bénévoles et de jeunes diplômés.
Le Café Pompier sert avant tout de café de l’école. Il propose aussi une programmation
musicale pointue.
buildings and architecture
The main building of the school, which covers 2,400 m², houses spaces for classes and
workshops, the auditorium, the technical centers for printing and photography, the library and
the administrative offices. In addition to this, there is the annex of 1,000 m², which includes the
multimedia technical center, workspaces and the Café Pompier. The Café Pompier serves, above
all, as the school’s café and offers an in-depth program of concerts.
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le château
les ateliers techniques
L’EBABX réunit une offre d’outils de production allant de la vidéo, à la photo, au son,
multimédia, les réseaux, l’animation et la 3D, à la chaîne d’impression et d’édition, au
travail du métal et du bois, à la céramique et aux matières plastiques, des maquettes,
et à la fabrication assistée par ordinateur. Pour faciliter certaines réalisations, l’École
s’appuie sur un réseau d’entreprises ou d’ateliers industriels de la région Aquitaine tel que
découpe laser, ou jet d’eau, ferronnerie, prototypage, matériau technique, auprès duquel
elle loue des journées de fabrication. Une équipe de techniciens et d’assistants spécialisés
et de moniteurs assure les formations et l’accompagnement à la production des projets
dirigés par les enseignants.
technical Labs
The school offers a large variety of production tools for anything from video, photography, sound,
multi-media, internet, animation, 3D, printing and publication systems to metal and wood work,
ceramics, new materials, model-making, prototypes and computer-aided design and production.
In order to facilitate certain projects, the school also has access to a network of professional
companies or industrial workshops in the Aquitaine region which can provide equipment, for
example for laser or water jet cutting, ironworking, prototype building, or technical materials
which can be rented for certain days set aside for production with the accompaniment of a team
of technicians and specialized assistants responsible for training and help under the supervision
of teachers from the school.
l’annexe
les auditeurs libres
la bibliothèque
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La bibliothèque a vocation à servir les besoins documentaires de ses élèves
et enseignants ainsi que du public adulte.
Elle propose un fonds multi-supports régulièrement actualisé sur la création
artistique et son contexte, permettant à chacun d’apprécier sa pratique personnelle
au regard de celle d’autres artistes ou disciplines artistiques. Ses collections se
consacrent largement à l’art contemporain et l’histoire de l’art, tout en s’ouvrant à des
disciplines transversales (sociologie, philosophie, histoire, politique, littérature, …)
de manière à approfondir les questions théoriques indispensables à toute démarche
artistique.
La bibliothèque fait la part belle aux livres et catalogues d’expositions (près de
12700 ouvrages), mais propose également des revues spécialisées (46 abonnements
en cours et près de 216 titres archivés), ainsi qu’un petit fonds vidéo constitué au
regard des enseignements de cinéma, d’esthétique et d’histoire de l’art moderne
et contemporain proposés à l’école. Le catalogue de la bibliothèque est actuellement
en cours d’informatisation.
Régulièrement, des artistes, des critiques ou des écrivains, ayant en commun
un rapport privilégié avec l’écrit, le livre, l’édition..., sont invités à diriger des
workshops, s’entretenir avec les étudiants dans leur espace de travail, participer
aux arcs et aux séminaires de recherche ; l’occasion de mettre ainsi en lumière les
acquisitions régulières de la bibliothèque.
the library
The mission of the Library of the école d’Enseignement Supérieur d’Art in Bordeaux is to
serve the documentary needs of its students, and teachers and adult public.
It offers a regularly updated multi-media collection encompassing artistic creation and
its context, helping users to assess their personal activities with regard to those of other
artists and art disciplines. Its collections are largely devoted to contemporary art and art
history, while encompassing other disciplines too (sociology, philosophy, history, politics,
communications, literature…) in such a way as to further develop the theoretical questions
vital to any artistic approach.
Pride of place in the library goes to books and catalogues (nearly 12,700 titles), but it also
offers specialized magazines and journals (currently 50 subscriptions and nearly 400
archived titles), as well as a small video collection designed to suit the needs of teaching
film, aesthetics and modern and contemporary art history proposed at the School. The
library catalogue is currently being computerized.
Artists, critics and writers, sharing in common a special relationship with the written word,
books and publishing, are regularly invited to run workshops, talk with students in their
work place, and take part in arcs and research seminars—a chance to shed light on the
library’s regular acquisitions.
lundi, mardi, mercredi :
10h-18h
jeudi : 14h-18h
vendredi : 10h-17h
Monday-Wednesday:
10:00 a.m. - 6:00 p.m.
Thursday:
2:00 p.m. – 6:00 p.m.
Friday:
10:0 a.m. – 5:00 p.m.
L’École accueille en auditeurs libres, les adultes souhaitant améliorer leurs
connaissances artistiques, théoriques et pratiques, sans objectif de diplôme.
Le programme proposé dans le cadre du temps libre se déroule sur quatre ans.
Il vise à présenter une vue générale des pratiques plastiques contemporaines
complétée d’une approche historique. Les cours s’organisent dans la journée
et le soir, d’octobre à juin. L’objectif est de travailler avec tous les professeurs
du dispositif pédagogique mis en place, à raison de trois cours par semaine.
Chaque auditeur libre passe un entretien d’admission ainsi qu’un bilan à la fin
de chaque année. Les inscriptions sont ouvertes dès l’exposition de fin d’année
des auditeurs libres (juin) jusqu’au 5 septembre de chaque année.
adult students
The school welcomes mature students who wish to improve their theoretical and practical
artistic knowledge without aspiring to acquire a diploma.The adult student program runs
over four years. It is designed to present a general overview of contemporary artistic
practices, complemented by a historical perspective. The program includes daytime and
evening courses from October to June. The aim is for all students to work with all the
teachers on the staff on the basis of three courses of week. Each adult student has an
admission interview and an assessment at the end of each year. Registration starts during
the adult student exhibition (in June) and ends on September 5th each year.
bourses
Les étudiants de nationalité française, ressortissants de la CEE et de nationalité
étrangère, sous certaines conditions, peuvent bénéficier d’une bourse d’études
délivrée par le ministère de la culture et de la communication sur critères sociaux.
Etre boursier permet d’être exonéré de la cotisation de sécurité sociale et de payer
le tarif spécial boursier de l’école.
Informations bourses d’études et saisie des demandes en ligne sur :
www.crous-bordeaux.fr.
national study grants
Students with French nationality, members of the European Union, and those of foreign
nationality can, under certain conditions, benefit from a study grant awarded by the
Ministry on the basis of social criteria. The dossier should be filled in exclusively on the
Internet at www.crous-bordeaux.fr. Grant recipients are exonerated from contributing to
social security and they pay the special grantee’s school fees. The establishment offers all
the services available to students through the crous (social worker, university restaurant,
accommodation in university residences).
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ARC
V.I.P design
ARC
Le bon marché
ARC
Pas de fumée
sans feu
3ème étage
ARC
Design Mixte
3ème étage
studio son
salle auditeurs libres
ARC
PNCI
ARC
Collectif
des formes
singulières
ARC
Manifeste
/ Point de vue
2ème étage
salle
formation
logiciels
2ème étage
salle variable
Arc Post média
salle
langue
étrangère
administration
salle 1ère année
1er étage
studio photo
et prise de vue
imprimerie
numérique
entresol
rez-de-chaussée
studio vidéo
salle parking
patio
galerie du Sentiment Océanique
café pompier
galerie des plâtres
bibliothèque
les cuisines
studio
matériaux
amphithéâtre
rez-de-chaussée
l’École
imprimerie
offset
l’annexe
Conseil Pédagogique, Scientifique
et de la vie Etudiante
Cette instance est un lieu d’échange et de débat, consulté pour avis par le Directeur
sur un certain nombre de sujets :
- La définition des orientations pédagogiques et de recherche de l’établissement ;
- L’adaptation des enseignements aux objectifs de formation ;
- La définition des recherches susceptibles d’être conduites au sein des divers
enseignements ;
- La définition des profils des appels à candidature pour le recrutement des
nouveaux enseignants :
- La mise en œuvre des partenariats et des échanges ;
- La définition de la politique d’expositions, de publications et de diffusion des
travaux et recherches ;
- La mise en œuvre des mesures permettant d’améliorer les conditions de travail
et de vie des étudiants et des auditeurs libres.
Sa composition est le reflet des composantes pédagogiques, étudiantes et de la
direction de l’établissement, à savoir :
- L’équipe de direction composée du Directeur, du Secrétaire Général et des deux
directeurs adjoints à la pédagogie et à l’administration ;
- 9 enseignants représentant les divers niveaux et propositions d’enseignements
de l’établissement élus par leurs pairs ;
- 9 étudiants représentant les divers cursus et années d’études de l’établissement
élus par leurs pairs ;
- sont présents également à titre consultatif, le coordonnateur pédagogique
et le chargé de mission relations extérieures.
Le CPSVE se réunit au minimum deux fois par semestre et en fonction de l’ordre
du jour se réserve le droit d’inviter toute personnalité qualifiée, interne ou externe
à l’établissement qu’il jugerait utile à la tenue de ses travaux.
Ses travaux donnent lieu à un compte rendu et à une communication à l’ensemble
des personnels et étudiants de l’établissement.
Teaching, Scientific and Student life Council
This organism is an arena for exchange and debate, which is consulted by the Director
for its opinion on a certain number of subjects:
- the definition of teaching and research orientations for the establishment;
-the adaptation of courses to educational objectives;
- the definition of research likely to be done in the context of the different teaching
programs;
- the definition of teacher profiles desirable for recruitment;
- the putting into place of partnerships and exchanges;
- the definition of policies for exhibitions, for publications and diffusion of works and
research;
- the establishment of measures which would improve the working conditions and student
life of students and the adult public alike.
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The composition of the Council reflects the teaching, student and direction constituents of
the school, that is:
- the direction team made up of the Director, the General Secretary and two associate
Directors (of Studies and Administration) ;
- 9 teachers representing the various years and teaching programs of the school, elected
by their peers ;
- 9 student representatives from the different curricula and years of study, elected by their
peers ;
- also present in a consulting capacity are: the Studies coordinator and the coordinator for
Public and Foreign Relations.
The CPSVE Council meets at least twice each semester and depending on the Order of day,
reserves the right to invite any qualified personality, from inside or outside of the school,
whose participation it judges useful for accomplishing its missions.
The work of the Council is recorded in Minutes which are communicated to all of the
personnel and students of the establishment.
18
le Conseil d’Administration
L’EBABX, établissement public de coopération culturelle (EPCC) est administré par un
Conseil d’Administration composé de représentants de la ville de Bordeaux, de l’Etat,
de la Région Aquitaine, mais aussi des personnels enseignants et non enseignants, des
étudiants et de personnalités qualifiées dans les domaines de compétence
de l’établissement.
L’EBABX-école d’Enseignement Supérieur d’Art de Bordeaux est un établissement
public subventionné pour une large part, par la ville de Bordeaux, à laquelle s’ajoutent
les soutiens du Ministère de la Culture et de la Région Aquitaine.
Sous l’autorité de son Président élu parmi ses membres pour 3 ans, le Conseil
d’Administration étudie et délibère sur toutes les questions relatives au fonctionnement
de l’établissement. Ses délibérations portent notamment sur les programmes
d’activités et les moyens qui permettent leurs réalisations, sur l’adoption des grandes
orientations liées au développement du projet de l’établissement et des budgets qui s’y
rattachent, sur le suivi et les rapports d’activités des diverses instances de concertation
et de représentations paritaires présentent au sein de l’EPCC. C’est donc l’instance
première d’orientation et de validation de la politique générale de l’établissement, à
partir des propositions et projets présentés par le Directeur. Celui-ci a la responsabilité
directe de conception et d’exécution du projet pédagogique et culturel pour lequel il a
été nommé et délivre les diplômes nationaux pour lesquels l’établissement à reçu une
habilitation du Ministère chargé de la Culture et du Ministère chargé de l’Enseignement
supérieur.
Board of Directors
EBABX, a public establishment of cultural cooperation (EPCC) is governed by a Board of
Directors made up of representatives of the City of Bordeaux, the State, the Aquitaine Region, as
well as teaching and non-teaching personnel, students and qualified individuals in the fields of
expertise of the establishment.
Under the authority of its President, who is elected from amongst its members for a term of 3
years, the Board of Directors studies and deliberates on all questions regarding the running of
the establishment. Its deliberations concern in particular: programs of activities and the means
which are available for their accomplishment, general directions to be taken in relation to the
development of the establishment’s plans and budgets involved, follow-up and reports of the
activities of the various round table exchanges and discussions between representatives present
in the EPCC. It is therefore the first body consulted in the orientation and validation of the
general policy of the establishment with regard to the proposals and projects presented by the
Director, whose direct responsibility it is to conceive and execute the pedagogical and cultural
program for which she/he has been appointed, and to deliver national diplomas for which the
establishment has received the permission from the Ministry of Culture and the Ministry of
Higher Education to award them.
19
règlement intérieur
L’EBABX est un établissement d’enseignement supérieur. Elle assure un
enseignement de l’art de haut niveau préparant à la fois à la création artistique,
à des missions pédagogiques, à des métiers.
Le règlement intérieur définit les modalités d’organisation de la vie de l’École pour
tous ceux qui en font partie.
L’admission définitive dans l’École ne peut se faire qu’après acceptation et signature
sans réserve de ce règlement intérieur par les étudiants, au moment de leur
inscription au Bureau des inscriptions.
DROITS ET OBLIGATIONS DES ÉTUDIANTS
Article 1 - Durant toute la durée de leur scolarité, les étudiants de l’École sont placés
sous l’autorité du directeur de l’établissement.
Aussi, les activités impliquant un engagement ès qualité vis-à-vis d’un partenaire
extérieur doivent être autorisées au préalable par le directeur ou ses représentants.
Ceci concerne les stages, participations à des festivals, expositions et colloques, ainsi
que les relations avec la presse.
20
Article 2 - Tout étudiant qui change d’état civil ou de domicile en cours d’études doit
en tenir informée l’administration. Il est tenu responsable des conséquences de tout
manquement à cette obligation. Il est notamment important que les coordonnées
précises de l’étudiant (adresse personnelle, téléphone, email) soient connues du
secrétariat pour permettre une meilleure communication entre l’étudiant et l’École.
Article 3 - Les nouveaux étudiants et les étudiants en cours de scolarité en situation
régulière reçoivent automatiquement chaque année, au moment de la rentrée, un
dossier d’inscription. Les étudiants doivent le rapporter complété en acquittant au
même moment les droits d’inscription annuels sous peine de nullité. Il leur est alors
délivré une carte d’étudiant, rigoureusement incessible sous peine de poursuites
disciplinaires.
Le directeur fixe les dates et les délais de cette procédure d’inscription.
Les étudiants dont la situation est litigieuse font l’objet d’un courrier les avertissant
que leur cas sera soumis à l’examen du directeur.
Les droits d’inscription ne peuvent en aucun cas être remboursés, quelle que soit la
raison pour laquelle l’étudiant quitte l’École.
Article 4 - Tout élève qui n’a pas acquitté ses droits de scolarité annuels dans les
délais et les conditions fixés perd sa qualité d’étudiant ainsi que le bénéfice de son
admission. L’École en informera le CROUS s’il est boursier.
Chaque inscrit doit justifier d’une assurance en responsabilité civile garantissant
tout dommage qu’il pourrait causer aux tiers, ainsi qu’aux biens, locaux et matériels
généraux ou pédagogiques de l’École. Une attestation de son assureur doit être
remise annuellement au Bureau des inscriptions.
Article 5 - le calendrier de l’année scolaire dans sa totalité (cours, sessions
d’examens, diverses procédures d’admissions, diplômes) est déterminé en
début d’année scolaire par le directeur et porté à la connaissance des personnes
intéressées par voie d’affichage. Il est à tout moment modifiable pour des raisons
techniques, climatiques, pédagogiques ou financières.
Les dates des vacances de l’établissement sont fixées par référence au calendrier
national et par la Direction (pas de vacances scolaires en octobre, une semaine en
février).
Des aménagements spéciaux d’horaires peuvent à tout moment être décidés par le
directeur en fonction des besoins pédagogiques, des nécessités de la surveillance et
de la sécurité.
Article 6 - L’enseignement doit être suivi à temps complet, l’assiduité aux cours et le
travail en atelier étant obligatoires. Les absences qui n’ont pas fait l’objet d’un accord
préalable – des enseignants concernés et du coordinateur pédagogique – doivent
être signalées immédiatement au secrétariat et un justificatif fourni dans les 2 jours
à dater du fait générateur. Les absences directement liées à la nature des études,
notamment à des projets qui nécessitent des développements à l’extérieur de l’école,
doivent être convenues avec les professeurs concernés et validées par la direction
pédagogique.
Les absences répétées font l’objet de sanctions disciplinaires (article 19).
Celles des étudiants boursiers sont périodiquement signalées aux services du
C.R.O.U.S. qui peuvent être amenés à suspendre le versement des bourses aux
bénéficiaires insuffisamment engagés dans leur scolarité.
Article 7 - Les décisions du directeur, expressément formulées comme telles,
sont portées à la connaissance par voie d’affichage et sont réputées connues dès
ce moment. Les décisions concernant les cas individuels font l’objet de notifications
individuelles par correspondance.
STAGES, ACTIVITÉS EXTÉRIEURES, CRÉATION DE DROITS, EXPOSITIONS, POUR LES
ÉTUDIANTS
Article 8 - Seuls, les étudiants du cursus diplômant, en raison de leur statut à l’École,
bénéficient du dispositif des stages, en France comme à l’étranger.
L’École s’efforce de promouvoir les relations entre ses étudiants et le monde extérieur
à l’échelle nationale et internationale.
Les stages, en France ou à l’étranger, sont intégrés à la scolarité. Ces stages peuvent
se dérouler en entreprises, institutions… Les stages sont obligatoires au cours de la
deuxième et de la quatrième année.
Les séjours à l’étranger se déroulent dans le cadre des programmes d’échanges
conclus avec les établissements partenaires de l’école. La liste de ces établissements
est, par définition, ouverte. Elle comprend des établissements en Europe
(dans le cadre ou non des échanges Erasmus), ou hors d’Europe. Les étudiants
doivent s’informer des possibilités d’échanges auprès du coordinateur Mobilité
Internationale. Pour réaliser un séjour dans une autre école à l’étranger, les étudiants
doivent recevoir l’avis favorable de leurs enseignants responsables ainsi que de la
21
direction pédagogique. Dans le cas de ces échanges, le séjour pédagogique a pour
aboutissement la validation par l’École des enseignements suivis avec succès au sein
de l’établissement d’accueil. Ces enseignements sont inclus officiellement dans le
parcours pédagogique, sans transfert particulier d’E.C.T.S. théoriques ou pratiques.
Dans le cas des stages en entreprises ou institutions, les parties concernées doivent
au préalable signer une convention de stage. Un rapport doit être rédigé par l’étudiant
pour la validation du stage.
La nature et la période du stage peuvent être variables en fonction des besoins des
étudiants et des opportunités.
Les étudiants qui font eux-mêmes des démarches pour suivre des stages doivent
obligatoirement en avertir la coordination pédagogique. Aucune ratification a
posteriori n’est acceptée.
ACCÈS ET USAGE DES LOCAUX
Article 9 - Les étudiants peuvent se déplacer dans le cadre d’un projet, d’un voyage de
groupe ou d’un stage, pour études, ou toute autre raison liée à leur activité artistique.
Une demande d’autorisation doit être déposée auprès de la direction pédagogique
pour tous ces déplacements.
Bâtiment principal, 7 rue des beaux arts,
Annexe, 7 place Renaudel
Article 10 - L’École peut coordonner pour les étudiants des voyages ou visites de
musées et d’expositions. Ces sorties s’effectuent sous la responsabilité propre de
chaque participant.
22
Article 11 - Dans le cas des œuvres collectives d’étudiants issues d’exercices conçus
et proposés par l’école :
- les titres de protection légale (droits d’auteur, brevets, marques, modèles, etc…)
sont créés par l’École et sont sa seule et entière propriété, selon les lois en vigueur ;
à ce titre, l’École reste propriétaire des droits moraux et patrimoniaux de ces œuvres ;
- les étudiants participant à une œuvre collective figurent au générique des dites
œuvres sous la forme d’une mention globale et, éventuellement, d’une mention
particulière correspondant au poste occupé ;
- l’École est seule autorisée à négocier et signer les contrats d’exploitation des droits
générés par ces œuvres ;
- les sommes encaissées, s’il y a lieu, par l’École au titre de ces droits lui
appartiennent ;
- aucune projection publique ou privée, aucune reproduction par quelque moyen que
ce soit, ne peuvent avoir lieu sans l’autorisation expresse de l’établissement.
Article 12 - Dans le cas des œuvres individuelles (peintures, sculptures,
photographies, vidéos, objets design, objets graphiques, CD audio, CD-ROM etc…),
même si l’école a apporté l’essentiel des matériels, installations et fournitures
nécessaires à leur réalisation, celles-ci appartiennent à l’étudiant qui reste
entièrement propriétaire des droits moraux et patrimoniaux.
Celui-ci doit donc prendre toute disposition pour qu’elles soient clairement
identifiables et il en est entièrement responsable ; l’école décline toute responsabilité
les concernant, y compris en cas de difficulté d’attribution ou de dépôt durable dans
les locaux.
L’étudiant a obligation de récupérer ses productions à la première demande de
l’établissement. Passé ce délai, les productions sont considérées abandonnées et
l’école en dispose pleinement.
Article 13 - L’accès aux locaux de l’École est réservé aux étudiants régulièrement
inscrits, aux étudiants invités, après validation, de leur séjour à l’école par
l’administration ;
Des autorisations exceptionnelles de visite, toujours révocables, peuvent être
accordées par le directeur.
Tout visiteur doit pouvoir immédiatement justifier de son identité à la demande
des agents responsables de la surveillance, notamment en présentant leur carte
d’étudiant.
Les horaires d’ouverture de l’école sont les suivants :
Du lundi au jeudi : 9h00 – 20h00
Le vendredi : 9h00 – 18h
Du lundi au jeudi : 9h00 – 20h00
Le vendredi : 9h00 – 18h
Les étudiants et les enseignants doivent veiller à quitter les lieux avant l’heure de
fermeture.
Article 14 - Les étudiants n’ont accès qu’aux espaces mis à leur disposition pour les
cours et activités auxquelles ils sont inscrits, et uniquement aux horaires de ceux-ci.
Les horaires d’ouverture et les éventuelles conditions d’accès aux locaux sensibles ou
spécialisés (informatique, vidéo, photographie, matériaux, bibliothèque, imprimerie,
etc…) sont fixés chaque année dans le cadre de l’emploi du temps des enseignants
et des personnels concernés. Ces règlements et plannings sont à tout moment
modifiables, en fonction des besoins pédagogiques, des nécessités de la surveillance,
de la sécurité, des contraintes financières ou des exigences du service.
Les contrevenants aux règlements sont passibles, indépendamment des poursuites
prévues par la loi, des poursuites disciplinaires prévues par le présent règlement.
Le prêt du matériel doit être validé sur proposition des enseignants par la direction
administrative ; préalablement à tout emprunt, les étudiants doivent fournir à la
direction administrative une attestation d’assurance contre le vol et les dégradations.
Dans le cas de matériel non restitué, l’École peut prévoir des sanctions disciplinaires.
Dans le cas de vol, elle peut aussi prévoir des poursuites judiciaires ; dans tous les
cas, l’étudiant devra prendre en charge (via son assurance de responsabilité civile)
la réparation ou le remplacement du matériel.
Les étudiants peuvent avoir accès à des locaux qui leur sont attribués en début
d’année scolaire, à titre d’atelier. Le nettoyage de cet atelier reste à la charge des
étudiants, il doit cependant être tenu dans un état conforme à l’hygiène. à la fin de
l’année scolaire, il doit être remis en état (nettoyage, peinture si nécessaire).
Article 15 - Il est interdit aux étudiants d’emprunter des issues ou passages qui ne
sont pas normalement prévus pour la circulation, d’accéder aux locaux techniques et
aux toitures, de manipuler les appareils liés à la sécurité des personnes et des biens
23
(trappes à fumée, issues de secours, signaux d’alarme, extincteurs, etc…), sauf en
cas de sinistre le nécessitant.
Article 16 - Il est rigoureusement interdit à toute personne qui fréquente
l’établissement :
- de fumer dans le bâtiment principal de l’École et à l’Annexe. Seules les cours
des 2 bâtiments sont autorisées aux fumeurs qui doivent veiller à jeter leurs mégots
dans les cendriers prévus à cet effet ;
- de consommer de l’alcool dans l’établissement ;
- d’utiliser des appareils à feu nu ;
- de troubler les activités pédagogiques ainsi que le déroulement des épreuves
d’examen quelles qu’elles soient ;
- de dégrader, de quelque manière que ce soit (y compris en taguant), les bâtiments
et les équipements de toute nature de l’établissement ;
- d’encombrer les dégagements intérieurs et extérieurs ;
- d’apporter quelque modification que ce soit aux appareils de chauffage, d’éclairage
et aux installations électriques.
Toute déprédation, acte de violence, vol, atteinte aux personnes et aux biens, pourra
entraîner des sanctions disciplinaires, des poursuites judiciaires et / ou l’expulsion
immédiate prévues par le présent règlement.
24
Article 17 - Les étudiants, professeurs et membres du personnel doivent signaler
immédiatement toute anomalie qu’ils pourraient constater : dégagement ou passage
encombré, odeur de fumée, fuite, etc…
Article 18 - Les réunions festives à l’intérieur et dans l’enceinte de l’établissement
peuvent avoir lieu durant les horaires d’ouverture des locaux avec l’accord du
directeur. Aucune réunion, ni fête, ne peuvent avoir lieu en dehors des horaires
d’ouverture de l’établissement.
SANCTIONS DISCIPLINAIRES
Article 19 - Les sanctions disciplinaires concernant les étudiants sont :
- l’avertissement
- l’exclusion temporaire
- l’exclusion définitive
Ces sanctions sont déterminées en fonction de la gravité des actes et sont prononcées
directement par le directeur responsable du bon fonctionnement de l’établissement.
SÉCURITÉ
Article 20 - L’accès aux bâtiments et aux locaux dits sensibles est soumis à des
normes de sécurité qui sont affichées dans les lieux concernés. Le non-respect de
ces normes de sécurité entraîne des sanctions disciplinaires.
CHARTE INTERNET
Article 21 - Dans le cadre de ses missions et de ses enseignements, l’EBABX donne
accès à des outils informatiques. Une charte d’utilisation a été élaborée, elle est
affichée dans l’ensemble des locaux concernés. L’inscription à l’École vaut acceptation
de la charte de bon usage des moyens informatiques.
BIBLIOTHÈQUE
Article 22 - La bibliothèque est ouverte aux étudiants. Les horaires d’ouverture, les
conditions de consultation et de prêt ainsi que les consignes particulières à ce service
sont communiqués par affichage.
School Rules
L’EBABX is an establishment of higher education. It provides art education at the
undergraduate and graduate levels, at once preparing students for a future in artistic
creation, teaching missions and the art professions.
The school regulations define the way life at the school is organized for everyone who is part
of it.
Definitive admission to the school is conditional upon acceptance and signature without
reserve of this document by students at the moment of registration with the secretary.
STUDENT RIGHTS AND OBLIGATIONS
ARTICLE 1 – Students remain under the authority of the school Director for the entirety of
their studies.
In addition, activities involving a commitment of quality with a partner outside the school
must first be examined by the Director or his/her representatives.
This concerns special training courses, internships, participation in festivals, exhibitions and
seminars, as well as press relations.
ARTICLE 2 – All students must keep the administration informed with regard to any change
in address or civil status during his/her studies and is held responsible for all consequences.
It is especially important for the student’s current and precise personal address, telephone
number, email address, etc. be known at all times by the secretary in order to guarantee
better communication between the student and the school.
ARTICLE 3 – New students as well as continuing students in good standing automatically
receive, at the beginning of the school year each year, an application file for registration.
Students must bring the completed file back, with full tuition payment, in order for their
registration to be validated. A student card will then be issued. It must be kept in the
students’ personal possession at all times to avoid disciplinary action.
The Director establishes the dates and deadlines for this registration procedure.
Students in situations of conflict or noncompliance will receive a notice informing them that
their case will be submitted to the Director for examination.
Tuition is not reimbursed under any circumstances no matter the reason for which the
student leaves the school.
25
ARTICLE 4 – Any student who has not paid his/her annual tuition according established
conditions and deadlines loses his/her student status and the right to admission. In the case
of scholarship students, the Minister of Culture will be informed by the school.
Each registered student must have proof of civil liability insurance covering all damage
caused to a third party, as well as the goods, premises and general or teaching materials of
the school. A certificate of insurance must be given each year to the school secretary at the
moment of registration.
ARTICLE 5 – The entire school year calendar (courses, examination sessions, diverse
admissions procedures, diploma jury examinations) is determined at the beginning of the
school year by the Director and brought to the attention of the persons concerned by posted
notice. The calendar is modifiable at any moment for technical, climatic, pedagogical or
financial reasons.
Vacations are established according to the national calendar.
Special scheduling modifications can at any moment be decided by the Director for
pedagogical reasons, surveillance or security requirements, or financial constraints.
26
ARTICLE 6 – The course schedule is based on a full-time commitment; assiduity and
attendance in class and work in the ARCs and other workshops is obligatory. Absences
which have not been accorded in advance – with the concerned teachers and the studies
coordinator – must immediately be signalled to the secretary and a written excuse provided
in the 2 days following the incident. Absences directly connected to the nature of studies,
notably to projects which necessitate activity outside school, must be agreed upon with the
appropriate professors and validated by the Director of Studies.
Irregular attendance is regulated through disciplinary sanctions (article 19).
Irregular attendance by scholarship students is periodically brought to the attention of the
Direction Régionale des Affaires Culturelles and the C.R.O.U.S. services who may decide
to suspend scholarship benefit payments to students for insufficient commitment to their
studies.
ARTICLE 7 - The Director’s decisions, explicitly formulated as such, are brought to the
attention of others by posted notice and are considered to be official from that moment on.
Decisions concerning individual cases will be communicated by personal correspondence.
INTERNSHIPS, SPECIAL TRAINING COURSES, OUTSIDE ACTIVITIES, EXHIBITIONS FOR
STUDENTS
ARTICLE 8 – Only students of a curriculum leading to a diploma, because of their status at
the school, can take part in the internship system in France or abroad.
The school endeavours to promote relations between its students and the outside world,
whether on a national or international level.
Internships in France or abroad are an integral part of studies at the school. These
internships, obligatory in the 2nd and 4th years, can take place in companies or institutions.
Study trips abroad take place in the context of foreign exchange programs set up with the
school’s partner establishments. The list of these establishments is, by definition, open. It
includes establishments in Europe (within the context of the Erasmus exchange program
or others) or outside Europe. Students must inform themselves of foreign exchange
possibilities through consultation with the coordinator of External Relations. To do a period
of studies in another school abroad, students must receive permission from their principal
teachers as well as the Director of Studies. In the case of an exchange, the study period
ends with the other school’s validation for courses successfully completed at the host
establishment. These courses are officially included in the student’s record even without
transfer of theoretical or practical ECTS credits.
In the case of an internship at a company or institution, the concerned parties must first sign
an internship convention. A report must be written by the student in order for him/her to
receive validation for the internship. The nature, length and period of the internship may vary
and can depend on the requirements of the student and the availability of opportunities.
Students who find internships for themselves must notify the Studies Coordinator.
No ratification after the fact will be accepted.
ARTICLE 9 – Students may travel in the context of a project, a group trip, special training
course or internship, for studies, or any other reason related to their artistic activity.
A request for authorization must be made with the Director of Studies for all of these
journeys.
ARTICLE 10 – The school may organize trips or visits to museums or exhibitions for the
students. Participants are under their own responsibility during these trips.
ARTICLE 11 - In the case of collective works resulting from exercises conceived and
proposed by the school:
- The titles of legal protection (copyright, patents, brand names, models, etc….) are
created by the school, which is their sole and entire proprietor, according to current laws;
consequently, the School remains proprietor of the moral and patrimonial rights of these
works;
- Students participating in the creation of a collective work are mentioned in the credits
regarding said works in the form of a global mention and, possibly, a particular mention
depending on the role played;
- The School alone is authorized to negotiate and sign contracts for exploitation of the rights
and royalties generated by these works;
- Any financial gain made, if any, by the School in the name of these rights belongs to the
School alone;
- No public or private projection, or reproduction by any method, can take place without
explicit authorization of the establishment.
ARTICLE 12 – In the case of individual works (paintings, sculptures, photographs, videos,
object designs, graphic objects, audio CDs, CD-ROMs etc…) even if the school provides the
essential materials, installations and equipment necessary for their realization, belong to
the student who remains sole and entire proprietor of the moral and patrimonial rights.
The latter is entirely responsible for them and should thus undertake all possible action to
clearly identify them; the school declines all responsibility concerning them, including cases
involving difficulty in attribution or of long-term deposit on the premises.
The student must notably make it his business to recuperate his/her productions the very
first time the establishment contacts him/her for this reason. Once the deadline has been
passed, the productions are assumed to be abandoned by their owners and the school
disposes of them as it sees fit.
ACCESS TO AND USE OF PREMISES
ARTICLE 13 – Access to the premises of the School are limited to regularly registered
students, or guest students having obtained permission from the administration for their
stay at the school.
Exceptional visitors’ authorizations, which are always revocable, can be accorded by the
Director.
All visitors must be able to immediately show proof of his/her identity when asked by the
surveillance agents, notably by presenting their student card.
27
The school’s opening hours are as follows:
Main Building, 7 rue des beaux-arts,
Monday-Thursday: 9 a.m. – 8 p.m.
Friday: 9 a.m. – 6 p.m
Annex, 7 place Renaudel
Monday-Thursday: 9 a.m. – 8 p.m.
Friday: 9 a.m. – 6 p.m.
ARTICLE 17 – The students, professors and personnel must immediately notify school
authorities of any anomalies observed, such as blocking of entrances, exits or passages,
smoke, leaks, etc…
ARTICLE 18 – All festive assemblies inside and on the premises of the establishment may
take place during school opening hours with the permission of the Director. No meetings or
parties, etc. are to be organized outside opening hours.
Students and teaching staff must leave the premises before closing hours.
DISCIPLINARY SANCTIONS
ARTICLE 14 – Students have access only to spaces made available to them for courses and
activities for which they are registered, and only during opening hours. The opening hours
and possible conditions for access to special requirement or “sensitive” spaces (computer,
video, photography, materials, library, printing press, etc…) are set each year within the
framework of the schedule for teachers and other personnel involved. These rules and
schedules are modifiable at any moment for teaching requirements, surveillance needs,
security, financial constraints or demands of service.
28
Offenders are liable, independently from legal prosecutions, to disciplinary proceedings as
described in the present document.
The loan of materials must be validated by the Administrative Director upon proposal by
the teachers; prior to borrowing any material, the student must provide the Administrative
Director with a certificate of insurance for theft and damages.
In the case of material not being returned, the school may apply disciplinary sanctions.
In the event of theft, it may also undertake judicial proceedings; in any case, the student
must take full responsibility (by way of his/her personal liability insurance) for the repair or
replacement of the material.
Students may have access to the spaces that are assigned to them at the beginning of
the school year for use as a working space. The maintenance of this workspace is the
responsibility of the student and he/she must keep it in a state of cleanliness and up to
hygienic standards. At the end of the school year, it must be returned to its original state
(cleaned, painted if necessary).
ARTICLE 15 – It is forbidden for students to use entrances, exits, or passages that are not
meant for normal circulation, to access technical areas or the roofs, to manipulate security
apparatuses (smoke hatches, emergency exits, alarms, extinguishers, etc...), except in an
emergency or a case of force majeure.
ARTICLE 16 – It is strictly forbidden for all persons who frequent the establishment:
- to smoke in the main building of the School and the Annex. Only the outdoor courts of
both buildings are accessible to smokers who must dispose of cigarette butts in specified
ashtrays;
- to consume alcohol in the establishment;
- to use apparatuses with open flames;
- to disturb any teaching activities or examinations of any kind;
- to damage or deface in any way (including graffiti) the school’s buildings or equipments of
any kind;
- to block inside or outside exits;
- to modify in any way the heating, lighting or electrical apparatuses or installations.
Any wilful damage, pillaging, act of violence, theft, attack on individuals or goods, may result
in immediate expulsion and disciplinary action as put forth in these rules, regardless of any
possible legal action undertaken.
ARTICLE 19 – Disciplinary sanctions concerning the students are:
- warning
- temporary exclusion
- definitive exclusion
These sanctions are applied depending on the seriousness of the acts committed and
are pronounced directly by the Director, who is responsible for the smooth running of the
establishment.
SECURITY
ARTICLE 20 – Access to the buildings and areas deemed “sensitive” is subject to security
norms which are posted in the areas concerned. Any disrespect of these security norms will
result in disciplinary sanctions.
INTERNET CHARTER
ARTICLE 21 – In the context of its missions and educational activity, EBABX gives access
to computer and information technology tools. A charter for use has been set forth and is
posted in all applicable spaces. Registration at the school implies acceptance of the charter
for use for these computer tools.
LIBRARY
ARTICLE 22 – The library is open to students. Its opening hours, conditions for consultation
and loan, as well as instructions specific to this service are communicated by posting.
29
Sommaire
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L’ÉCOLE
LES ÉDITIONS
BAD
Les rescapés du Sentiment Océanique
The Social Life Of The Book
Pensée Nomade Chose Imprimée
Publications EBABX / ENSCBP / BEM
Rosa B
page 4
32
33
34
36
37
38
ANNÉE 1
SEMESTRES 1 et 2
INITIATION AUX PROJETS
Design(s) - type and play
Design(s) - plug and play
Les images animées au travail
Une image dont on a pas idée
Pop productions
Zone
PRATIQUES
Dessin - atelier dessin
Dessin - dessin numérique
Peinture
Photographie
Volume
Vidéo / son / animation
Formation logiciels
HISTOIRE ET THÉORIE DES ARTS
Histoire et critique des arts
Ecritures en situations
RECHERCHE BIBLIOGRAPHIQUE
Bibliothèque
LANGUE ÉTRANGÈRE
Anglais
Espagnol
GRAND ATELIER
Remake, refaire, reproduire, réécrire
CRÉDITS ET ÉVALUATIONS
43
46
47
48
49
50
51
52
53
54
55
56
58
59
60
62
63
64
65
66
69
ANNÉES 2/3
SEMESTRES 3 à 6
ARC
Le collectif des formes singulières
Manifeste / Point de vue
Pas de fumée sans feu
V.I.P design - Very Important Project - designs
STUDIO
Dessin
Matériaux et pratiques
Just ready to print, culture de l’imprimé
Multimédia
73
76
77
78
79
80
81
82
84
Peinture
Photographie
Son
Vidéo cinéma dispositif
HISTOIRE ET THÉORIE DES ARTS ANNÉE 2
Réanimations du temps
Photographies (histoires)
HISTOIRE ET THÉORIE DES ARTS ANNÉE 3
Un éclair, puis la nuit
Philosophie du langage et anthropologie de l’art
HISTOIRE ET THÉORIE DES ARTS AU CHOIX
Culture du design design actualités
Histoire du graphisme, de l’édition et de la communication
Lu, vu, entendu
Anémic cinéma
LANGUE ÉTRANGÈRE
Anglais
Espagnol
STAGE
AIDE À LA PRODUCTION
85
86
87
88
89
90
91
92
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99
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101
102
ANNÉES 4/5
SEMESTRES 7 à 10
La recherche
Initiation à la recherche
SÉMINAIRES
Art, design, industrie, OPEN [-]
Art, design, industrie, Art direction cult
Philosophie du langage
The Book Society
PROJET Art by telephone... recalled
ARC
Le Bon Marché
PROJET Tatiana & Dirk
De quoi les biennial studies sont-elles l’étude ?
ARC
Design Mixte
PROJETS Design
PROJET Tissu, de la cellule à l’urbain
ARC
Pensée Nomade Chose Imprimée
ARC
Post Média
PROJET Mécanismes pour une entente
OUTILS Mémoire
Module de méthodologie
Formes juridiques et inscription économique des pratiques artistiques et contemporaines
Pratiques artistiques et inscription professionnelle
LANGUE ÉTRANGÈRE
Anglais / Espagnol
STAGE ET MOBILITé INTERNATIONALE
LES ÉQUIPES
107
111
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124
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126
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170
172
éditions
Les ouvrages de la collection « les rescapés du Sentiment
Océanique » co-édités par les éditions MIX et l’EBABX, sont
les actes des journées d’étude organisées dans le cadre du
séminaire Philosophie & anthropologie de l’art, dirigé par
Fabien Vallos.
Journée d’étude n°1
Espace politique : fidélité, adversité, fraternité
avec Pierre-Damien Huyghe, philosophe et l’écrivain Fabrice
Reymond autour du concept philosophique de fidélité et d’une
définition possible de l’espace politique.
BAD
Bordeaux Art Design
Le studio Graphisme(s) hors-limite(s) de l’EBABX-École
d’Enseignement Supérieur d’Art de Bordeaux, dirigé
par Pierre Ponant, Angelika Bauer et Yann Cloutier,
propose d’explorer les frontières du graphisme et aborde
tant la relation au texte et à l’image que les principes
typographiques.
32
LES RESCAPÉS DU SENTIMENT OCÉANIQUE
Le BA Mag hors-série rend compte du travail éditorial
mené tout au long de l’année, permettant ainsi de s’initier
à la rencontre et à l’interview de personnalités artistiques,
d’aborder la critique d’art lors de manifestations,
d’événements et d’expositions, de développer un esprit
critique, d’approcher de près d’autres disciplines et de
rendre compte de l’évolution et des mutations dans le
domaine de la création.
Au terme des recherches, rédactions, rencontres,
interviews, photographies, graphisme et mise en page,
relectures, corrections et validations, la revue est éditée et
imprimée sur les presses numérique et en offset de l’école.
The Graphic Design(s) off-limit(s)
studio of the EBABX (École
d’Enseignement Supérieur d’Art
de Bordeaux) directed by Pierre
Ponant, Angelika Bauer and Yann
Cloutier, proposes to explore the
frontiers of graphic art and take
a look at its relation to text and
image as well as touching on
typographical principles.
The BAD Mag special issue
reflects the editorial work done
during the year, thus enabling
students to learn how to meet and
interview artistic personalities,
to approach an art critic during
an event or exhibition, to develop
a critical mind, brush up against
other disciplines and appreciate
the evolution of and mutations in
the domain of creation.
After research, writing, meetings,
interviews, photographs, graphics
and page layout, proofreading,
corrections and final checks, the
magazine is published and printed
on the school’s digital and offset
printing presses.
Journée d’étude n° 2
Immédiaté et inchoation avec Sébastien Pluot, théoricien et
Alessandro de Francesco, théoricien et écrivain autour de la
question de la temporalité de l’oeuvre et de son historialité.
Sur le concept de négligence (éloge du chiffonnier)
avec Manuel Reyes Mate, philosophe et Lætitia Paviani, artiste et
écrivain autour du concept de négligence comme interprétation
moderne de l’opérativité.
Manières et protocoles avec Pierre-Damien Hyughe, philosophe et
Jean-Baptiste Farkas, artiste autour des concepts de manières
comme appréhension de l’opérativité artistique et de l’acte.
Le chiffre et le texte avec Quentin Meillassoux, philosophe et
Antoine Dufeu, écrivain autour de la figure de Mallarmé et
du concept de chiffrage et de code dans l’oeuvre moderne et
contemporaine.
Journée d’étude N°6 --- décembre 2012
Journée d’étude N°7 --- janvier 2013
The works of the collection «les
rescapés du Sentiment Océanique»
published in tandem by MIX
publications and the EBABX, are the
annals of the Study Days organized
in the context of the Philosophy &
Anthropology of Art seminar directed
by Fabien Vallos.
STUDY DAY N°1
Political space: fidelity, adversity,
fraternity with Pierre-Damien
Huyghe, philosopher and
writer Fabrice Reymond on the
philosophical concept of fidelity and a
possible definition of political space.
STUDY DAY N° 2
Immediacy and inchoation
with Sébastien Pluot, theoretician
and Alessandro de Francesco,
theoretician and writer on the
question of the temporality of the
work of art and its historical aspect.
STUDY DAY N°3
On the concept of negligence
(in praise of the rag-and-bone
man) with Manuel Reyes Mate,
philosopher and Lætitia Paviani,
artist and writer on the concept
of negligence as a modern
interpretation of operativity.
STUDY DAY N°4
Manners and protocoles with
Pierre-Damien Hyughe, philosopher
and Jean-Baptiste Farkas, artist
on the concept of manners as an
understanding of artistic operativity
and of the act.
STUDY DAY N°5
The number and the text with
Quentin Meillassoux, philosopher
and Antoine Dufeu, writer on the
figure of Mallarmé and the concept
of cyphering and code in the
modern and contemporary artwork.
33
THE SOCIAL LIFE OF THE BOOK
(La vie sociale du livre) est une série de publications légères
(16 pages au format 16,1 x 22,6 cm, imprimé en offset noir)
comprenant chaque fois un texte inédit commandé à un
auteur.
34
Cette série a pour but de constituer progressivement un
recueil d’analyses sur la situation de l’édition contemporaine
et les pratiques d’artistes, d’auteurs, d’éditeurs, qui
cherchent à redéfinir le rapport à la lecture, à la production
et à la circulation des livres à un moment paradoxal de notre
époque, où, d’un côté, on constate que jamais autant de livres
n’ont été produits, et de l’autre, on estime que la lecture et
l’objet livre sont des choses qui sont en voie de disparition.
Cette série de publications initié par le collectif castillo/
corrales, dont deux membres interviennent régulièrement à
l’École d’Enseignement Supérieur d’Art de Bordeaux (Thomas
Boutoux et Benjamin Thorel) est un projet commun de
l’EBABX, du Centre d’art De Vleeshal à Middelburg (Pays-Bas)
et du Centre d’art Montehermoso à Vitoria-Gasteiz (Espagne).
Chaque édition existera séparément en versions Française et
Anglaise. Elle sera distribuée par les institutions partenaires.
Faire des livres
Oscar Tuazon
Né en 1975, Oscar Tuazon vit et travaille à Paris depuis 2006,
et est l’un des fondateurs de castillo / corrales. En parallèle
de son travail de sculpture et d’installation, Oscar Tuazon
a conçu plusieurs livres : une monographie sur son travail
(I can’t see, 2010) et trois livres d’artistes tirés à très peu
d’exemplaires : Leave Me Be, Dwelling Portably, ainsi qu’une
édition reliée de Vonu.
Le Sec et le Moite
Moyra Davey
Née en 1958 à Toronto, la photographe Moyra Davey travaille
à New York, où elle a été l’une des initiatrices de la galerie
coopérative Orchard (2005-2008). Elle a notamment publié
The problem of Reading (Documents Books, 2003) et édité
l’anthologie Mother Reader: Essential Writings on Motherhood
(Seven Stories Press, 2001). Plus récemment, elle a pu donner
à ses photographies la forme d’envois postaux, ou aborder,
dans la vidéo My necropolis (2009), la correspondance
de Walter Benjamin avec Geshom Scholem ainsi que la
récurrence du motif du livre sur les tombes des cimetières
parisiens.
The Social Life of the book is a series
of light publications (16 pages in
format 16,1 x 22,6 cm, printed on
offset black) comprising each time
a new commissioned text from an
author.
The objective of this series is
to progressively put together a
collection of analyses of the state of
contemporary publishing and the
practices of artists, authors and
editors who are trying to redefine
people’s relationship with the
reading, production and circulation
of books at a paradoxical moment of
our day, when on one hand, we see
that never have so many books been
produced, and on the other, that it is
thought that reading and the book as
object are things which are on their
way to disappearing.
This series of publications, initiated
by the castillo/corrales collective, two
of whose members regularly teach at
the École d’Enseignement Supérieur
d’Art de Bordeaux (Thomas Boutoux
and Benjamin Thorel) is a joint
project involving EBABX, the Centre
d’art De Vleeshal in Middelburg
(Netherlands), and the Centre d’art
Montehermoso in Vitoria-Gasteiz
(Spain). Each publication will exist
separately in French and English
versions and will be distributed by
the partner institutions.
Infant A
Louis Lüthi
Né en 1980, Louis Lüthi est designer graphique et écrivain. Dans
la suite de ses recherches sur les utilisations expérimentales
de la page en littérature (On the self-reflexive page, Roma
Publications, 2010) ou sur des typographies alternatives (“Mitim
Gamma”, en collaboration avec Radim Pesko et Stuart Bailey,
Dot Dot Dot 13, 2007), Infant A prend pour point de départ deux
livres, l’un d’Andy Warhol, l’autre de Louis Zukofsky, dont le
titre est simplement la lettre A. “Infant A” est aussi un dialogue
imaginaire avec un des grands “book artists” contemporains,
Ulises Carrión.
À venir,
3 publications de The Social Life of the Book
Matthew Stadler, Philippe Parreno et Avigail
35
Infant A
Louis Lüthi
Born in 1980, Louis Lüthi is a
graphic designer and writer. As
a continuation of his research on
experimental uses of the page in
literature (On the self-reflexive
page, Roma Publications, 2010)
and on alternative typographies
(“Mitim Gamma,” in collaboration
with Radim Pesko and Stuart
Bailey, Dot Dot Dot 13, 2007),
“Infant A” takes as a starting point
two books, one by Andy Warhol,
the other by Louis Zukofsky, whose
title is simply the letter A.
“Infant A” is also an imaginary
dialogue with one of the great
contemporary “book artists,”
Ulises Carrión.
Making books
Oscar Tuazon
Born in 1975, Oscar Tuazon has lived
and worked in Paris since 2006, and
is one of the founders of the castillo
/ corrales collective. In parallel
with his sculpture and installation
work, Oscar Tuazon has conceived
of several books: a monograph on
his work (I can’t see, 2010) and three
artist books printed in a very limited
edition: Leave Me Be, Dwelling
Portably, as well as a bound version
of Vonu.
Dry and clammy things
Moyra Davey
Born in 1958 in Toronto, the
photographer Moyra Davey works
in New York, where she was one
of the founders of the cooperative
gallery, Orchard (2005-2008). She
published: The problem of Reading
(Documents Books, 2003) and
the anthology, Mother Reader:
Essential Writings on Motherhood
(Seven Stories Press, 2001). More
recently, her photographs have
taken the form of mailed objects,
and in the video: My necropolis
(2009), she has treated the
correspondence between Walter
Benjamin and Geshom Scholem,
and the recurring motif of the book
on the tombstones in Parisian
cemeteries.
Still to come:
3 publications
of The Social Life of the Book
Matthew Stadler, Philippe Parreno
and Avigail
PENSÉE NOMADE CHOSE IMPRIMÉE
PUBLICATIONS EBABX / ENSCBP / BEM
Histoire d’un atelier 1989-2012
Teaching as Art : the history of an unsettled studio
*Avec Michel Aphesbero, Danielle Colomine (4 Taxis),
Jean Calens
L’atelier Pensée Nomade, Chose Imprimée, poursuit depuis
1989 une trajectoire dessinée par les cultures hispanique et
anglo-saxonne et leurs points de rencontre. Chaque atelier
a généré des formes originales (pluralité d’approches,
d’engagements, de réalisations plastiques et d’éditions
collectives), imprégnées par l’ici et maintenant et les
cultures populaires.
36
Un nouveau projet éditorial qui paraîtra fin 2012 aux éditions
Paraguay, relate et analyse, avec des contributions critiques
extérieures, cette expérience pédagogique.
L’objet ? Traduire le foisonnement, la densité, les
dérèglements d’une expérience d’une vingtaine d’années,
initiée par trois artistes enseignants, vécue par plus de
300 étudiants lors d’une trentaine d’ateliers qui se sont
poursuivis à Séville, Oaxaca, Los Angeles, Figueras,
Barcelone, New York, Bruxelles, Rome, Naples, Ibiza,
Buenos Aires.
Du vertigineux Monte Veritàs en passant par le Black
Mountain College, jusqu’au déferlement d’expériences
récentes, Manifesta 6, The Mountain School of Art de
Los Angeles, l’école du pavillon, United Nation Plaza, etc,
le mythe de l’art ouvert, l’enseignement de l’art libéré
des conventions et finalement de l’ennui, fascine.
Cette liberté motive ce qui fonde l’atelier Pensée Nomade,
Chose Imprimée : une esthétique de la transmission,
une fuite inventive. Comment penser et expérimenter un
mode différent d’échange dans l’espace de l’art et ses
enseignements ?
History of a workshop 1989-2012
Teaching as Art: the history of an
unsettled studio
*with Michel Aphesbero,
Danielle Colomine (4 Taxis),
Jean Calens
Since 1989 the Pensée nomade, chose
imprimée workshop has followed
a trajectory drawn by Hispanic and
Anglo-Saxon cultures and their
points of overlap. Each workshop has
generated original forms (different
approaches, commitments, artistic
creations and group publications),
bathed in the here and now and
popular cultures.
A new publication project which
will come out in the end of 2012
with Paraguay publications, relates
and analyses, with outside critical
contributions, this pedagogical
experience.
What is the objective? To translate
the abundance, the density, the
debauchery of a twenty-year long
experiment, initiated by three artist
teachers, experienced by more than
300 students over the span of thirty
workshops which took place in Seville,
Oaxaca, Los Angeles, Figueroa,
Barcelona, New York, Brussels, Rome,
Naples, Ibiza, Buenos Aires.
Innovation et corps humain, 2010
Innovation et environnement 2011
En réunissant de futurs ingénieurs et de futurs designers
dans le cadre d’un partenariat entre l’ENSCBP, BEM et
l’EBABX, un processus de recherche a été engagé dans
une démarche transversale nécessaire à l’invention et à
l’innovation.
En 2010 et 2011, un module de recherche a réuni des étudiants
de niveau M1 et M2 de l’École Nationale Supérieure de Chimie,
de Biologie et de Physique Institut Polytechnique de Bordeaux
(ENSCBP / IPB), des élèves de Bordeaux École de Management
(BEM) et des étudiants artistes et designers de l’École
d’Enseignement Supérieur d’Art de Bordeaux (EBABX).
Les étudiants ont élaboré des processus d’innovation /
conception et apporté des réponses selon des objectifs
scientifiques, analytiques, artistiques ou sociaux. Ils ont
développé des réflexions théoriques, des enquêtes et fabriqué
des propositions.
Les intitulés Innovation et corps humain, 2010 et Innovation et
environnement, 2011 ont été propices à l’élaboration de projets
prospectifs qui témoignent d’une volonté de construire une
réalité dans laquelle les nouvelles générations souhaitent
agir de manière innovante et inattendue. Le partage d’une
expérience à partir de champs professionnels spécifiques
(biologie, design, marketing) a prouvé sa pertinence et son
efficacité.
à venir Tissu : de la cellule à l’urbain
From the vertiginous Monte Veritàs by
way of Black Mountain College, up to
the unfolding of recent experiences:
Manifesta 6, The Mountain School of
Art in Los Angeles, L’école du Pavillon,
the United Nations Plaza, etc., the
myth of an “open art,” the teaching
of art freed from conventions and
boredom, fascinates us. This liberty
motivates that which is at the heart
of Pensée Nomade, Chose Imprimée:
an aesthetic of transmission, an
inventive escape. How can we think
and experiment a different mode of
exchange in the space of art and its
teaching?
Uniting future engineers and
future designers in the context of
a partnership between l’ENSCBP,
BEM and l’EBABX, a research
process was undertaken with an
interdisciplinary approach vital to
invention and innovation.
2010 and 2011, a research module
put together students in the
Masters 1 and Masters 2 programs
at the École Nationale Supérieure
de Chimie, de Biologie et de
Physique Institut Polytechnique
de Bordeaux (ENSCBP / IPB),
students of Bordeaux École de
Management (BEM) and student
artists and designers from the
École d’Enseignement Supérieur
d’Art de Bordeaux (EBABX).
The students developed processes
of innovation/conception and
proposed responses to scientific,
analytic, artistic and social issues
during this three-week long
workshop in December 2011.
They developed a theoretical
reflection and investigations
and created propositions.
“Innovation and body” and
“Innovation and environment”
was conducive to the development
of prospective projects that
demonstrated a desire to
construct a reality in which the
new generation would wish to act
in an innovative and unexpected
way. Sharing an experience, while
coming from different specific
professional domains (biology,
design, marketing) proved to be
pertinent and efficient.
37
ROSA B
Conçu et coproduit par le CAPC musée d’art contemporain de
Bordeaux et l’EBABX - École d’Enseignement Supérieur d’Art
de Bordeaux, le webmagazine semestriel Rosa B est un espace
dédié à la recherche et à la réflexion qui aborde et questionne
les différentes problématiques actuelles de la création
artistique. Ce magazine en ligne prend en compte à travers
chaque nouveau numéro la spécificité du médium informatique.
Il permet, dans sa forme et son contenu, la multidisciplinarité
en croisant des textes et contributions théoriques à des
propositions visuelles ou sonore dynamiques.
Chaque numéro de Rosa B est consacré à un thème défini,
choisi et discuté par un comité de rédaction.
ROSA B 1 : EDIT, dirigé par Thomas Boutoux, est consacré à
l’édition : point de départ logique et nécessaire à la mise en
oeuvre de tout nouveau projet éditorial dans un univers que l’on
pourrait considérer comme déjà saturé de publications.
http://www.rosab.net/edit
38
ROSA B 2 : POP. Les stratégies obliques, dirigé par
Yann Chateigné Tytelman, explore une notion fétiche, large et
complexe du « pop ».
http://www.rosab.net/strategies-obliques
ROSA B 3 : FORMAT STANDARD, dirigé par Patricia Falguières,
Michel Aphesbero et Pierre Ponant, propose une réflexion sur
le graphisme, la typographie, les normes et leurs usages, en se
penchant sur les conséquences de l’innovation numérique.
http://www.rosab.net/format-standard
ROSA B 4 : L’HORIZON DES éVéNEMENTS, est conçu comme
une bulle noire. Un site internet au contenu éphémère et au
fonctionnement imprévisible, ce 4ème numéro du magazine
Rosa B envisage la science-fiction comme une sensibilité
traversant des pratiques multiples. Rédacteur en chef invité
pour ce numéro : Yoann Gourmel.
http://www.rosab.net/horizon-evenements/
Conceived and coproduced by the
CAPC museum of contemporary
art of Bordeaux and the EBABX École d’Enseignement Supérieur
d’Art de Bordeaux, the semestral
webmagazine, Rosa B, is a
space dedicated to research and
reflection that approaches and
questions the different issues
of artistic creation today. This
on-line magazine takes into
account the specificity of the
medium of information technology
in each new issue. It fosters
multi-disciplinarity in its form
and contents by mixing texts
and theoretical contributions
wtih visual or dynamic sonic
contributions. Each issue of
Rosa B is consacrated to a defined
theme, chosen and discussed by
an editorial committee.
à venir
ROSA B 5 : ENVIRONNEMENT ET DESIGN, dirigé par Jeanne
Quéheillard et Peio Aguirre, ce numéro propose de remettre
en jeu la question sur l’environnement et le design; il prend la
forme d’une archive, en tant que ré-actualisation de documents
historiques à la lumière des débats en cours sur l’actualité de
la fabrication de notre environnement.
Web designer : Didier Lechenne
Coming soon:
ROSA B 5: ENVIRONMENT AND
DESIGN. Directed by
Jeanne Quéheillard and
Peio Aguirre, this issue proposes to
bring back to the fore the question of
environment and design; it takes the
form of an archive, in the updating
of historical documents in light of
current debates on the making of our
environment today.
ROSA B 1: EDIT, directed by
Thomas Boutoux, is devoted to
publication, logical starting point
necessary to the putting into place
of any new publishing project in a
universe that one could consider
as already being completely
saturated with publications.
http://www.rosab.net/edit
Web designer: Didier Lechenne
ROSA B 2: POP.
Oblique strategies, directed by
Yann Chateigné Tytelman, explores
the fetishistic, broad and complex
notion of “pop.”
http://www.rosab.net/strategiesobliques
ROSA B 3: STANDARD FORMAT,
directed by Patricia Falguières,
Michel Aphesbero and
Pierre Ponant, proposes a
reflection on graphic art,
typography, norms and their
uses, while looking into the
consequences of digital
innovation.
http://www.rosab.net/formatstandard
ROSA B 4: THE HORIZON OF
THE EVENTS, is conceived as a
black bubble. An internet site
with an ephemeral content and
unpredictable way of working, this
4th issue of the magazine Rosa B
sees science fiction as a sensibility
which runs through multiple
practices. Guest chief editor for this
issue: Yoann Gourmel.
http://www.rosab.net/horizonevenements/
39
année 1
Semestres 1 et 2
L’année 1, dans son rôle d’amorce aux études
artistiques doit favoriser la découverte,
développer la curiosité et l’esprit critique,
l’autonomie, susciter la production des projets.
L’enseignement se répartit entre des
propositions d’initiation au projet, des ateliers
de pratiques et des cours de culture générale.
Les initiations au projet permettent de se
confronter aux enjeux de la création, aux
méthodologies de travail et de la culture
artistique et d’engager un travail critique.
Elles croisent les cultures et pratiques
indépendantes, les installations, le design
graphique et le design d’objet, les images
cinéma, photo, et vidéo.
En parallèle, la connaissance se fait par le faire.
L’acquisition se construit sur un socle varié
d’apprentissages aux mediums, sous la forme
d’exercices et de propositions thématiques,
à temporalité variable, nourris de références
qui donnent sens aux expériences. Le dessin,
numérique et papier ; la photographie et la
vidéo ; le volume et la peinture constituent les
pratiques fondamentales. Ces apprentissages
sont accompagnés d’une formation aux outils
numériques (logiciels, internet, multimédia) et
une initiation aux pôles techniques de l’école
pour la fabrication des projets.
Les enseignements de culture générale
(histoire et critique des arts, formes d’écrits
dans l’art contemporain, langues étrangères)
construisent les capacités critiques de
réalisation des projets et mettent l’étudiant en
lien avec les thèmes de recherche de l’École dès
le début de son parcours.
Les workshops impliquent un travail collectif
à partir d’un sujet commun avec un temps de
restitution publique. La production d’une œuvre
avec de jeunes artistes et designers invités
(Le Grand Atelier) inscrit le travail artistique
dans le réel et guide les étudiants vers une
vie de praticien.
L’année 1 permet de déterminer le cycle et
l’option qui convient à chaque étudiant.
Tous les cours sont obligatoires et sanctionnés par
des ects y compris les moments de projets avec des
artistes pour la production collective et la présence
aux conférences.
Le suivi du travail de l’étudiant se fait en continu,
il est évalué collégialement au moment du bilan
intermédiaire de fin de semestre 1 puis de l’examen
de fin de semestre 2 autour de la synthèse des
recherches et d’une présentation de travaux.
60 crédits (ects) répartis sur les 2 semestres requis
pour le passage en semestre 3.
Dans le cas de la non-obtention du total des
crédits, le directeur, sur proposition de l’équipe
pédagogique, se réserve la possibilité soit d’une
réorientation de l’étudiant, soit de proposer
des modalités de rattrapage définies avec les
enseignants.
43
Semesters 1 and 2
The first year plays the role of starting point for art
studies and must encourage discovery, develop
curiosity and a critical spirit, build autonomy, and
motivate production of projects.
The teaching program is a mix of project initiation,
practical workshops, and general knowledge
courses.
The project initiation sessions enable students
to confront issues involved in creation, working
methodologies and artistic culture, and to start
critical work. They cut across different cultures
and independent practices: installations, graphic
design and the design of objects, cinematographic,
photographic and video images, etc.
In parallel to these courses, learning is
accomplished by doing. Knowledge is acquired on
a varied base of learning different mediums, in the
form of exercises and propositions organized by
theme, of variable time lengths, with the help of
references which give meaning to experimentation.
Drawing (digital and paper), photography and video,
volume and painting… these are the fundamental
practices. This learning experience includes
training on digital tools (software, internet,
multimedia) and an introduction to the technical
centers of the school, which contribute to the
making of projects.
General knowledge courses (history and criticism
of the arts, forms of writing in contemporary art,
foreign languages) build critical capacities essential
to the creation of projects and put students in direct
contact with research themes going on at the
school from the very beginning of their studies.
The workshops involve making a collective work on
a shared subject and a public showing of the result.
The production of a work with young guest artists
and designers (Le Grand atelier) puts artistic
projects in a real context and guides students in
their path toward a life as a working artist.
The first year enables each student to choose
a cycle and option appropriate to him/her.
All courses are mandatory and ects credits are given
even for projects with artists, collective works, and
attendance to conferences.
Follow-up and evaluation of work is made by
continuous assessment; students are also evaluated
by a team of teachers at the end of the first semester
at an evaluation session, and at the end of the second
semester by way of an examination on a synthesis of
research and a presentation of personal work.
60 ects credits received over 2 semesters are
required for entry into 3rd semester (year 2).
If the total number of credits is not obtained, the
director, in consultation with the teaching team,
reserves the right to either reorient the student, or
propose a way to make up the credits, as determined
in collaboration with the teachers.
45
46
DESIGN(S) - TYPE AND PLAY
DESIGN(S) - PLUG AND PLAY
Angelika Bauer
avec la participation de Didier Lechenne, Madeleine Montaigne,
Yann Cloutier (A), Myriam Lavialle (A), Patrick Mouret (T)
Madeleine Montaigne
avec la participation de Angelika Bauer, Didier Lechenne, Yann Cloutier (A),
Patrick Mouret (T)
La typographie : une discipline réservée aux graphistes ?
Comment le texte devient-il un élément actif et expressif ?
Quelles sont les interactions possibles entre le texte, son sens, sa forme
et son contexte ?
Comment un message peut-il devenir objet, s’articuler dans l’espace ?
Quel rôle joue la typographie dans certaines œuvres d’artistes ?
Tout en se familiarisant avec les fondamentaux de la discipline, cet atelier
d’expérimentation interroge les lettres sous toutes ses formes : imprimées,
spatiales, animées, à l’échelle d’une page, d’un bâtiment… Il donne un aperçu
des enjeux et territoires du design graphique, en dialogue avec les acteurs de la
plateforme Design(s) et ses ateliers techniques (imprimeries numérique et offset).
Découverte de productions d’artistes, graphistes et de designers d’objet. Initiation
à la composition de texte et mise en page (Indesign), méthodes simples de design
de caractères, classification typographique, gestion des polices (Livre de polices).
Typography: a discipline reserved for graphic designers? How does the text become an active and expressive element?
What are the possible interactions between the text, its meaning, its form and its context?
How can a message become an object and take shape in space?
What role does typography play in certain artists’ work?
While getting familiar with the fundamentals of the discipline, students of this experimental
workshop will investigate letters in all their forms: printed, 3D, animated, on the scale of a page,
of a building…
This workshop gives a glimpse into the challenges and various fields of graphic design, in
dialogue with the actors of the platform Design(s) and its technical workshops (digital and offset
printing).
Discovery of different artists’ and graphic designers’ as well of object designers’ productions.
Introduction to text composition and page layout (Indesign), simple methods for character design,
typographical classification, font management (font book).
Évaluation Engagement, curiosité,
assiduité, présence.
Cours obligatoire
Français
sem.1
Hebdomadaire
5 séances de 6h / groupe
3 ects
Évaluation Engagement,
curiosité, pertinence
des propositions,
participation.
Cours obligatoire
Français
sem.2
Hebdomadaire
3 ects
« Le design ne signifie pas donner une forme à un produit plus ou moins stupide,
pour une industrie plus ou moins sophistiquée. Il est une façon de concevoir la vie,
la politique, l’érotisme, la nourriture et même le design. » Ettore Sottsass
Cet atelier permet de comprendre les enjeux de la pratique des design(s) : champs
d’intervention, médiums et relations avec d’autres disciplines, tel que l’art ou
l’architecture. Il s’agit d’explorer la porosité de leurs frontières d’une part et leurs
méthodologies spécifiques d’autre part, en cohérence avec les différentes plateformes
techniques (imprimerie numérique et offset, « les cuisines », atelier maquette,
la bibliothèque, etc.).
A l’image du « Plug and Play », qui est une procédure numérique permettant à des
périphériques récents d’être reconnus rapidement et automatiquement par un
système d’exploitation dès son démarrage, il s’agira de découvrir l’École,
ses ressources et ses différents intervenants autour d’une question posée dans
le champs du design d’objet.
Ce workshop à l’image d’une découverte de la profession de designer d’objet,
maillon dans une chaîne de production pluridisciplinaire, permettra d’appréhender
des questions d’imaginations, de contextes, de sens, de matériaux, de techniques,
de formes.
Ce cours peut s’envisager comme un cours de «culture technique» appliquée
et mise en œuvre dans la fabrication d’objets, une manière de regarder, comprendre
et inventer des formes aussi utiles que porteuses de sens.
Il s’agira également de pratiquer la maquette, le volume afin de produire et fabriquer
un objet (prototype).
“Design doesn’t mean giving a form to a more or less stupid product, for a more or less sophisticated
industry. It is a way to conceive of life, politics, eroticism, food and even design.”Ettore Sottsass
This workshop gives an understanding of the challenges of the practice of design(s): fields of
intervention, mediums and relationships with other disciplines, such as art or architecture. The aim
is to explore the permeability of their frontiers on the one hand, and their specific methodologies on
the other, in correspondence with the different technical platforms (digital and offset printing, “the
cuisines” materials laboratory, the model-making workshop, the library, etc.).
Like “Plug and Play” which is a digital procedure enabling recent peripheral elements to be rapidly
and automatically recognized by an operating system as soon as it is turned on, this course, in just
a few preparatory sessions and a week-long workshop, will enable students to discover the school,
its resources and different actors, using a question in the field of object design as a springboard.
Like the discovery of the profession of object designer, this workshop, one link in a multidisciplinary
production chain, will enable students to grasp questions of imaginations, contexts, meanings,
materials, techniques and forms. It can be seen as a course in “technical culture” applied and
implemented in the making of objects, a way of looking at, understanding and inventing forms that
are as useful as they are meaningful.
We will also make models and work on volumes in order to produce and realize an object (prototype).
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LES IMAGES ANIMÉES AU TRAVAIL
UNE IMAGE DONT ON A PAS IDÉE
Marie Muracciole
avec la collaboration de Seydou Grépinet (A) et Jean Simard
Marie Legros et Paola Salerno
avec la participation de Seydou Grépinet (A) et de Pierre Lavesque (T)
Le cours s’appuie sur la diversité des statuts de l’image en mouvement, du cinéma
à la vidéo et au web 2.0. Pour ancrer ces pratiques dans une histoire de l’art et des
politiques de la représentation, et non pas dans un simple réservoir de formes,
les images animées sont abordées comme un mode concret de raccordement au
réel, et plus spécifiquement comme un territoire d’expérimentation et d’extension du
militantisme. La représentation du « travail » comme fantôme récurrent de l’histoire
du cinéma sera le fil conducteur de l’histoire de la vidéo et du web.
Les cours de première année seront précédés d’une projection suivie d’une discussion,
prise en charge chaque fois par un groupe d’étudiants. La réflexion sur le mouvement
des images qui témoignent du monde, et leur vocation documentaire et critique,
se fera à partir de l’histoire du cinéma et de ses relectures récentes : de la mythologie
de la machine (ciné-train, le cinéma au travail), aux politiques de la représentation
qui produisent l’histoire. Programme : les frères Lumière, Mevedkine, Eisenstein,
Chris Marker, Allan Sekula, Carole Roussopoulos, Darcy Lange, Haroun Farocki,
Stan Douglas, Chantal Ackerman, Wang Bing, Bouchra Khalili …
This course deals with the diversity of statuses of the image in movement, from cinema to video
and the web 2.0. To anchor these practices in the history of art and the politics of representation,
and not just in a simple reservoir of forms, animated images are approached as a concrete method
of connecting to reality, and more specifically, as an area of experimentation and an extension of
militantism.
The representation of the “work” as a recurrent phantom in the history of cinema will be the unifying
thread of the history of video and the web.
First year courses will be preceded by a projection and a subsequent discussion, each time organized
by a group of students. Reflection on the movement of images which give evidence of the world,
and their documentary and critical vocation, will be based on the history of cinema and its recent
reinterpretations: from the mythology of the machine (ciné-train, cinema at work), to the politics of
representation that produce history. Program: the Lumière brothers, Mevedkine, Eisenstein,
Chris Marker, Allan Sekula, Carole Roussopoulos, Darcy Lange, Haroun Farocki, Stan Douglas,
Chantal Ackerman, Wang Bing, Bouchra Khalili …
Évaluation un texte, critique ou
scenario, argumentant
une programmation
(10 à 20mn).
cours obligatoire
Français
2 sem.
Bi-mensuel
2 à 3 séances / sem. /
groupe
3 ects sem. 1
1 ects sem. 2
Projection une fois
par mois
Évaluation Cours obligatoire
Français
2 sem.
Bi-mensuel
2 à 3 séances / sem. /
groupe
1 ects / sem.
Il s’agira d’aborder la question du regard que l’on porte aux images. Mettre l’étudiant
en contact avec des œuvres connues ou inédites, choisies dans des registres variés,
sans a priori, afin de les examiner et d’en débattre puis de créer sa propre image
(ou série d’images) à partir de celles-ci. Chercher dans son “partenaire - image”
quelque chose dont on a pas idée et ce pour quoi on va créer une nouvelle image
Tout d’abord examiner des images fixes ou animées “exemplaires” saisis au gré de
rencontres et agir sur elles, afin de comprendre de quoi elles sont faites, saisir leur
part de présent. Ce qui déterminera le choix de l’étudiant, c’est l’intérêt pour un geste,
un espace, un temps, une pensée du monde. Au final, produire avec discernement
une transformation toute personnelle, un déplacement, une nouvelle signification.
This course is about questioning the way we look at images. Bringing the student into contact with
known or new works, chosen from different registers, with no preconceived notions, in order to
examine and discuss them and then create our own images (or series of images) from them.
Looking in the “partner-image” for something, we don’t know what, which is the reason for creating
a new image.
At first, we will examine “exemplary” still or animated images, taken as they come, and react to them,
trying to understand what they are made of, how they take part in the present. What determines the
student’s choice is his/her interest in a gesture, a space, a time, or a way of thinking about the world.
In the final analysis, the idea is to produce a totally personal transformation, a movement, a new
meaning, with discernment.
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POP PRODUCTIONS
LA GÉNÉRATION QUI VIENT
ZONE
Viviane Prost,
avec Christophe Ballangé (A) / Pierre Lavesque (T)
Thomas Boutoux
avec la collaboration de Cécile Renaut (web), Jessica Warboys
et invités
Pop ! Productions est un cours qui se préoccupe des relations que l’art entretient
avec les produits et les médias des autres industries culturelles (cinéma, musique,
graphisme, tv, internet, etc..). Quelle place spécifique l’art occupe t-il par rapport
à ces produits et médias ? Comment il s’en sert et s’en nourrit ? Comment il en
déjoue les mécanismes, ou se les approprie ?
Pop ! Productions est à la fois un cours –de culture générale donc, au sens propre
du terme – et un atelier de production où les étudiants sont invités à mettre en forme
leurs questionnements sur les problématiques abordées, à partir de recherches
d’information méthodiques et de la construction d’une position artistique où l’autoreflexivité joue un rôle essentiel.
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Français
2 sem.
Hebdomadaire
5 séances / sem. /
groupe
3 ects sem. 1
2 ects sem.2
Évaluation contrôle continu,
argumentation sur
l’installation.
Cours obligatoire
Français
Hebdomadaire
5 séances / sem. /
groupe
3 ects sem. 1
2 ects sem. 2
Références :
Pour l’année 2012-2013, le cours prendra pour objet d’étude le thème de la
représentation de la jeunesse. On examinera, par exemple, comment la jeunesse
au cinéma a pu se confondre, dans toutes les nouvelles vagues du monde,
avec la jeunesse du cinéma; mais aussi quelles sont les logiques commerciales
et consuméristes qui sont à l’œuvre dans la médiatisation de nouveaux phénomènes
culturels jeunes, cool et contestataires; ou encore l’évolution, très politique, de la
représentation de l’adolescent, autrefois figure paroxystique du révolté, de l’insoumis
devenue aujourd’hui celle du détaché, inapte à la révolte, contraint à l’impuissance.
On s’intéressera aussi, évidemment, à la catégorie « d’artiste émergent », ses usages,
et sa fonction dans le champ ou « l’industrie » de l’art contemporain.
Respirer l’ombre,
Giuseppe Penone
Pop ! Productions deals with the relationships between art and the products and media of the
different creative industries (cinema, music, graphic design, TV, Internet, and so on). What specific
place does art occupy in relation to these products and media? How does it make use of them and
how is it influence by them? How does art expose or appropriate certain mechanisms of the other
creative industries? According to Mike Kelley, “Art is that which makes us better understand culture”.
I‘m interessed in sounds
that people don’t want,
Christian Marclay.
Un art contextuel,
Paul Ardenne
Le vestige,
Jean-Luc Nancy
Installation, visuel, dessin.
Commencer sur le terrain, arpenter quelques friches minérales ou végétalisées,
herboriser, observer et qualifier les regards portés sur les choses, les matières.
Puis élargir à un territoire, historique, mental. Se constituer un substrat (relevés,
représentation et modèle réduit ; de la trace à l’empreinte puis à son transfert).
Zone se passe également à la périphérie : one minute scenario ; zone/son,
mouler un son, la rumeur de la ville. Finalement produire une installation,
un micro évènement (contextualiser. Gratequine – Hostens).
Installation, visual, drawing.
How to start on the terrain, criss-cross a few areas of wasteland, mineral and vegetable, observe
and describe eyes cast on things, and matter. Then, broaden out to an historical, mental territory.
For a substratum (samples, representation and scale model: notebook of methodology.), from trace
to imprint and then to its transfer.
Zone also take place on the periphery: zone by night, one minute scenario; zone/sound, casting
your sound, the noise of the city. In the end produce an installation, a micro-event: contextualize.
Gratequine - Hostens).
Radicant,
Nicolas Bourriaud
Gloses sur le Rio
Ryoan-Ji,
Daniel Charles
Guitar-drag ,
Pop Productions is both a general course about culture at large and a production studio, where the
students are invited to imagine works in response to the issues at hand, carry detailed research, and
shape a position based on a sense of self-reflexivity.
For the year 2012-2013, Pop Productions will focus on the representation of youth in the various
cultural disciplines. We will look for instance at the way movies about youth have, in all the New
Waves of the world, also always been about breathing new life into cinema But will also examine what
kind of business or consumerist logics are at work when new, hip, rebellious cultural phenomena
appear. Or we will study how the representation of the adolescent has changed over the decades
from being the epitome of the rebel and or the dissenter to being synonymous with detachment and
powerlessness. And of course, we will look into the category of the “emerging artist”, how it is used
and what role it plays in the field – or maybe he industry – of contemporary art today.
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PRATIQUES
DESSIN
ATELIER DESSIN
DESSIN
DESSIN NUMÉRIQUE
Anne Colomès
Peter Liesenborghs
«Des Mondes gravent leurs Arcs
Des Firmaments_voguent_
Des diadèmes_tombent_des Doges_capitulent_
Sans bruits_sur un disque neigeux points minuscules.»
Emily Dickinson
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Pour Vija Celmins dessiner c’est aller d’un endroit à un autre.
Le dessin est ici envisagé comme l’ossature, le squelette, la structure
essentielle à tout oeuvre, que ce soit en rapport à un volume, à la composition
d’une image photographique ou à la naissance d’un mouvement dans une vidéo.
Décaler ainsi les regards portés sur le dessin, travailler les endroits où cette
pratique résonne, et préciser ce que peuvent être des préoccupations
d’artistes à travers ce médium avec des références précises font parti des choses
sur lesquelles je souhaite insister.
Suivant les exercices proposés, une partie des références sera donnée à voir et
d’autres évoquées, demandant ainsi de stimuler sa curiosité, entrant de fait dans les
prémices de l’élaboration d’une méthodologie personnelle et autonome.
La pratique du dessin est ainsi abordée comme une réflexion sur ce que sont un trait,
une idée, une périphérie, une image de l’esprit, l’image d’un moment, un processus
mental...etc...
Les différents angles de perceptions et la liberté qui en découlent sont donc
primordiaux dans la manière d’envisager ce cours sur la pratique contemporaine
du dessin.
According to Vija Celmins, drawing is going from one place to another.
Drawing is seen in this workshop as the framework, the skeleton, the structure essential to every
work of art, whether it be with regard to a volume, the composition of a photographic image or the
birth of a movement in a video. Shifting the way people see drawing, working on places where this
practice resonates, and finding out exactly what the preoccupations of artists could be through this
medium, using specific references, are all things on which I insist.
Following proposed exercises, some references will be seen and others just evoked, thus requiring
students to stimulate their curiosity, by entering into the beginnings of the working out of a personal
and autonomous methodology.
The practice of drawing is thus approached as a reflection on what a line, an idea, a periphery, an
image of the imagination, the image of a moment, a mental process, etc. can be…
The different angles of perceptions and the freedom that flows from them are therefore primordial in
the way one can envisage this course on the contemporary practice of drawing.
Français
Sem. 1 ou sem. 2 selon
groupe
Bi-hebdomadaire
3 séances de 3h
+ 3 séances de 6 h
/ groupe
3 ects sem. 1 ou sem. 2
Français
Sem. 1 ou 2 selon groupe
Hebdomadaire
Une pratique du dessin présentant des étapes et une méthode de travail, (step by step,
à la manière des tutoriaux de sites dédiés, de blogs d’illustrateurs,… ), en utilisant
les techniques de représentation traditionnelles, esquisses, crayonnés, encrages
mais aussi l’outil informatique, le scan, la mise en couleur en à-plats avec Photoshop
et retour éventuel à une colorisation traditionnelle, crayons, pastels, sur des
impressions couleurs.
Les thèmes envisagés seront de l’ordre du volume ou de l’espace, un abri, un stand,…
pour davantage de possibilités dans les mises en valeurs, ombres propres différentes
(photoshop), ombres portées, textures.
Les trois séances du cours seront consacrées à une étape :
. les recherches,
. le choix d’un sujet à finaliser au trait, crayon, encre ou photoshop, à scanner
et mettre au format informatique,
. la mise en valeurs.
Ainsi, le rendu final sera au choix trois fichiers jpeg avec trois étapes scanées
correspondant au trois séances, soit un fichier du dessin terminé accompagné d’un
texte explicatif de la méthode.
A drawing practice with steps and a working method,
(step by step like the tutorials on specialized sites, illustrator blogs…) using techniques for traditional
representation: sketches, pencil and ink drawings, as well as computer tools: scans, photoshop
colorization, and maybe even a return to traditional coloring techniques: crayons, pastels, in color
prints.
The proposed themes will concern volume or space, a shelter, a stand…to give more possibilities in
enhancement, different clean shading (photoshop), shadows, textures.
The three class sessions will be dedicated to one step each:
- research
- the choice of a subject to finish with line drawing, pencil, ink or photoshop, to be scanned and put
into computer format
- enhancement.
The final project will therefore be either: three jpeg files, with three scanned steps, corresponding to
three sessions; or a file of a finished drawing with a text explaining the method(s) used.
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PRATIQUES
PEINTURE
PHOTOGRAPHIE
Anne-Laure Sacriste
Philippe Bouthier, Jean-Marie Blanc, Benoît Lafosse,
Yannick Lavigne, Pierre Lavesque (T)
Il s’agira d’ouvrir le champ de la peinture et de donner des outils aux étudiants,
afin que lors de ces 3 sessions (chacune de 8 h), ils puissent acquérir une autonomie
certaine et commencer à développer des problématiques qui leur seront propres. Au sein de cet atelier, l’expérimentation sera privilégiée. Il importera que l’étudiant
soit curieux et apprenne à mener des recherches, tant sur le plan technique que
méthodologique, afin de mener à bien un projet (définition critique d’un sujet,
d’un corpus, d’une méthodologie...).
Les sessions seront construites autour d’un thème classique. À partir d’un diaporama,
les étudiants seront invités à prendre la parole et nous discuterons les possibilités
formelles mises en jeu. Le reste du temps de l’atelier sera consacré à la pratique. 54
This course is about opening the field of painting up to students and giving them tools during these
3 sessions (of 8 hours’ practice each), that will enable them to acquire a certain autonomy and start
developing their own set of issues to explore.
Experimentation will be at the heart of the workshop. It is important that students be curious and
learn to do technical as well as methodological research in order to follow through on a project
(critical definition of a subject, a body of work, a method…).
The sessions will be built on a classic theme. Starting with a slideshow, the course will then invite
students to speak up and discuss the formal possibilities at stake. The remainder of the workshop
will be dedicated to the practice of painting itself.
Français
Sem. 1 ou sem. 2
Hebdomadaire
Évaluation La dernière journée
de chaque session est
réservée à l’examen des
résultats. Les travaux
sont présentés en
situation de distance
à la production.
Selon leur nature,
accrochage sommaire,
projections, maquettes,
les réalisations sont
examinées et donnent
lieu à commentaires
et débats. Afin de les
enrichir nous souhaitons
rendre publics ces
moments en suscitant
la participation d’autres
enseignants de l’école.
Cours obligatoire
Français
Sem. 1 ou sem. 2
Hebdomadaire
À travers l’histoire et l’actualité de l’art nous interrogeons les enjeux de la
photographie dans la création contemporaine, entre ses usages aussi bien communs,
intuitifs que savants. Notre enseignement s’articule prioritairement dans les pratiques.
Il propose des expérimentations et des analyses. Nos positionnements théoriques,
dans leur diversité, ne sont pas neutres et abordent la question de la photographie
sous l’angle des flux accessoires ou essentiels à travers matériels et programmes.
Entre auteur et sujet, entre sujet et auteur, nous reconnaissons la photographie
comme un filtre et un moteur de glissements productifs.
Chaque session se déroule sur 6 journées. En pratique, nous proposons d’abord
l’établissement d’un large panorama des usages photographiques, de 1839 à nos
jours. Ce panorama se concentre ensuite sur les actualités récentes et ne s’interdit
pas quelques évocations du tournant pré-photographique du quattrocento, non plus
que quelques références antérieures.
Nous proposons à chaque étudiant d’approfondir une relation de territoire avec cet
ensemble de connaissances destiné à favoriser un engagement personnel éclairé.
En même temps qu’une production d’image est demandée, une visite critique
d’expositions est organisée, selon le calendrier culturel.
Through art history and current developments in art, we will investigate the issues of photography in
contemporary creation and its various uses: common, intuitive and specialized.
This course’s priority is the practice of photography.
We propose experimentation and analysis. Our theoretical positions, in their diversity, are not neutral,
and approach the question of photography from the point of view of an accessory or essential flow
through materials and programs. Between author and subject, subject and author, we recognize
photography as a filter and a motor for productive shifts.
Each session takes place over 6 days. In practical lab, we first propose to establish a wide panorama
of photographic uses, from 1839 to now. This panorama then concentrates on recent events and even
includes some elements of the pre-photography turning point of the quattrocento and some earlier
references. Intended to nurture an enlightened personal practice, this course proposes to extend
each student’s relationship to and knowledge of this field. In addition to the obligatory production of
images, a critical visit of an exhibition will be organized in accordance with the cultural calendar.
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PRATIQUES
VOLUME
Benjamin Valenza
Cuisines : Claude Alemant, Marc Guindeuil, Jean-Michel Lidon,
Farid Bourenane (T), Emmanuel Sorel (T)
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« ...Quand nous aurons quarante ans, que de plus jeunes et de plus vaillants que nous
veuillent bien nous jeter au panier comme des manuscrits inutiles !... Ils viendront
contre nous de très loin, de partout, en bondissant sur la cadence légère de leurs
premiers poèmes, griffant l’air de leurs doigts crochus, et humant, aux portes des
académies, la bonne odeur de nos esprits pourrissants, déjà promis aux catacombes
des bibliothèques.
Mais nous ne serons pas là. Ils nous trouveront enfin, par une nuit d’hiver, en pleine
campagne, sous un triste hangar pianoté par la pluie monotone, accroupis près de nos
aéroplanes trépidants, en train de chauffer nos mains sur le misérable feu que feront
nos livres d’aujourd’hui flambant gaiement sous le vol étincelant de leurs images. Ils
s’ameuteront autour de nous, haletants d’angoisse et de dépit, et tous, exaspérés par
notre fier courage infatigable, s’élanceront pour nous tuer, avec d’autant plus de haine
que leur cœur sera ivre d’amour et d’admiration pour nous. »
Filippo Thomas Marinetti, Tiré du « Manifeste du Futurisme », 1909 (1)
“Comme des enfants à l’école, nous cherchons à plaire au maître érudit, celui
qui ordonne et qui restitue dans un langage clair le chaos visuel du monde. Nous
cherchons à lui plaire par notre compréhension de son message, en se mettant en
communion avec lui. Mais il s’agit d’un professeur cruel dont les leçons dépassent
l’entendement. On est seulement livré à soi-même, en proie au rire nerveux du doute.”
Mike Kelley, Tiré de « Shall we kill daddy? », 1997
Kill your daddy est ni plus ni moins que la proposition d’entrer d’emblée dans une
pratique de sculpture, par la voie de l’EXECUTION !
Exécuter c’est à la fois faire et éliminer.
Eliminer, nos maîtres, nos pères, nos idoles, et jouer avec ces objets morts.
Faire, table rase de tout ce que l’on a jusqu’ici accumulé, et réifier de nouveaux récits, de
nouveaux mythes, et pourquoi pas de nouvelles idoles...
Nous ne concevrons pas seulement la pratique en atelier comme un temps de pure
production, mais aussi comme un lieu de réflexion et d’expérimentation propice à
la mise en place d’un langage dépassant les simples expérimentations formelles
inhérentes aux différents médiums.
Nous ne considèrerons pas l’atelier comme une chose fixe dans le temps et l’espace,
mais comme un mouvement, une attitude pouvant être installée dans un espace réduit,
sans infrastructure particulière et munie de quelques dispositifs simples
(Tables, chaises, enceintes HI-FI, vidéo projecteur, et quelques livres de référence).
Un projet pédagogique ouvert et fondé sur l’expérience et l’expérimentation des
matériaux et des histoires.
Évaluation bilan en fin d’atelier
Cours obligatoire
Français
Sem. 1 ou sem. 2
Hebdomadaire
«…When we are forty, other younger and stronger men will probably throw us in the wastebasket like
useless manuscripts - we want it to happen! They will come against us, our successors, will come from
far away, from every quarter, dancing to the winged cadence of their first songs, flexing the hooked
claws of predators, sniffing doglike at the academy doors the strong odor of our decaying minds, which
already will have been promised to the literary catacombs. But we won’t be there… At last they’ll find
us - one winter’s night - in open country, beneath a sad roof drummed by a monotonous rain. They’ll
see us crouched beside our trembling airplanes in the act of warming our hands at the poor little blaze
that our books of today will give out when they take fire from the flight of our images. They’ll storm
around us, panting with scorn and anguish, and all of them, exasperated by our proud daring, will hurtle
to kill us, driven by hatred: the more implacable it is, the more their hearts will be drunk with love and
admiration for us.»
Filippo Thomas Marinetti, From «The Founding and Manifesto of Futurism,» 1909
«Like children in school we seek to please the erudite master, the one who orders, who renders in
clear language the visual chaos of the world. We seek to please him through our understanding of
his message, through shared communion with him. But this is a cruel teacher whose lessons elude
understanding.
You are only left with yourself, and the nervous laughter of doubt.»
MIke Kelley
From Shall we kill Daddy, 1997
Kill your daddy is neither more nor less than the proposal to enter immediately into the practice of
sculpture through the EXECUTION!
To execute, means both to do and to kill.
To kill our masters, our fathers, our idols, and play with these dead objects.
Do a tabula rasa of everything that has been accumulated up here and reify new stories, new myths,
and why not new idols…
We will not just design it studio practice as a time of pure production, but also as a place for
reflection and experimentation conducive to the establishment of a language beyond simple formal
experimentation inherent in different mediums.
We will not consider the workshop as something fixed in time and space, but as a movement, an
attitude that can be installed in a confined space without special infrastructure and equipped with
a few simple devices (tables, chairs, speakers, video projector, and a few reference books). An
educational project open and based on experience and experimentation with materials and stories.
An adventure like a call for artistic insurrection in order to break all barriers and obstacles to the
practice of sculpture.
Une aventure comme un appel à l’insurrection artistique, dans l’optique de se libérer
de toutes entraves ou obstacle à la pratique de la sculpture.
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VIDéO / SON / ANIMATION
FORMATION LOGICIELS
Vidéo - Cyriaque Moniez (A)
Son - Catherine Gilloire
Animation - Myriam Lavialle (A)
Marc Guindeuil, Peter Liesenborghs, Cécile Renaut,
avec Christophe Ballangé (A), Sébastien Collet (A), Seydou Grépinet (A),
Suguru Goto (A), Myriam Lavialle (A), Cyriaque Moniez (A)
À travers une histoire des supports et des outils - histoire de la fixation de la lumière
et des sons, de la reproduction des sons et des images, des procédés vidéos et
cinématographiques - vous explorerez et inventerez diverses techniques de capture,
de reproduction et de diffusion.
Des projets vidéo, sonores et d’animation permettront d’aborder des méthodologies
et des notions propres à l’audiovisuel comme la prise de vue, le point de vue,
le cadrage, la distance, le mouvement, les déplacements, l’écriture, le montage, le
rythme, ainsi que des aspects plus techniques comme les différents formats utilisés.
Films, vidéos, clips, musiques, enregistrements sonores, dessins seront nos supports
de cours.
58
Through an investigation of the history of mediums and tools – the history of the fixing of light and
sounds, the reproduction of sounds and images, video and cinematographic processes – you will
explore and invent different techniques of capturing, reproducing and diffusing.
Video, sound and animation projects will enable you to approach various methods and develop your
own notions of the audiovisual media such as setting up shots, point of view, framing, distance,
motion, camera movement, writing, editing, and rhythm, as well as more technical aspects such as
the use of different formats.
Films, videos, music videos, music, sound recordings, drawings, etc… will all be explored as mediums
in this course.
Évaluation sur la présence,
l’investissement et
l’engagement dans la
réalisation.
Cours obligatoire
Français
Sem. 1 ou sem. 2
Hebdomadaire
Français
Sem. 1 ou sem. 2
Hebdomadaire
Expérimentation et questionnement des outils informatiques de la création graphique
et multimédia sont appréhendés, afin de permettre à chacun de conduire son propre
apprentissage. Les acquis seront pris en compte.
La maîtrise des fondamentaux de la micro-informatique insistera sur le nommage
et l’archivage, les formats de fichiers, la gestion des couleurs et des polices de
caractères, la personnalisation des interfaces, la description et les passerelles entre
logiciels.
La pratique (initiation ou perfectionnement) de logiciels (propriétaires ou non) dédiés
s’articulera avec une appropriation des bases indispensables à la conception, la
communication et la réalisation de documents graphiques (images, textes, mise en
pages ou en écrans).
Les formations sont complétées dans les années 2/3/4/5 par des sessions de
formations aux logiciels.
Adobe Photoshop CS5, Adobe Illustrator® CS5, Adobe® InDesign® CS5, Adobe
Acrobat® 9 Pro, Adobe Flash®, Adobe Dreamweaver® CS5, Adobe Fireworks® CS5,
Adobe Contribute® CS5, Adobe Premiere® Pro CS5, Adobe After Effects® CS5, Adobe
Soundbooth® CS5, Adobe OnLocation™ CS5, Adobe Encore® CS5, Final Cut Pro X,j
Processing, Arduino, Open Office, Rhinocéros...
Experimenting with and questioning the computer tools used for graphic creation are learnt in order
for each student to be able to conduct his/her own apprenticeship. Prior experience will be taken into
account. Mastery of the basics of micro-computer graphics will emphasize naming and archiving, file
formats, management of colours and fonts, interface personalization, description and links between
software.
The practice (initiation and improvement) of dedicated software (proprietary and other) will be
combined with an appropriation of the bases vital for design, communication and production of
graphic documents (images, texts, layouts and screen layouts).
Semestrial evaluation based on participation, capacity for autonomy, practical works.
Adobe Photoshop CS5, Adobe Illustrator® CS5, Adobe® InDesign® CS5, Adobe Acrobat® 9 Pro,
Adobe Flash®, Adobe Dreamweaver® CS5, Adobe Fireworks® CS5, Adobe Contribute® CS5, Adobe
Premiere® Pro CS5, Adobe After Effects® CS5, Adobe Soundbooth® CS5, Adobe OnLocation™ CS5,
Adobe Encore® CS5, Final Cut Pro X,j Processing, Arduino, Open Office, Rhinocéros...
59
HISTOIRE ET ThéORIE DES ARTS
HISTOIRE ET CRITIQUE DES ARTS
Le monde de l’art de la guerre froide : la scène artistique internationale
de la guerre de Corée à la guerre du Viêt Nam.
Virginia Garreta
L’objet de ce cours est d’abord de définir la géographie et la configuration historique
(politique, institutionnelle, idéologique) spécifiques que constitue le monde des néo-avantgardes, caractéristiques de la scène internationale des années 1950-70 en le confrontant
à celui des avant-gardes historiques du début du XXe siècle, afin d’établir, précisément,
les déplacements qu’a subi, après la seconde guerre mondiale, dans le contexte
de la guerre froide, la notion d’« avant-garde », à la fois dans son contenu artistique
et social et dans sa signification politique.
60
Le cours analyse ensuite de manière critique :
- comment ce nouveau monde des avant-gardes se rapporte, souvent de manières
contradictoires, aux contextes géopolitiques, politiques, culturels et idéologiques dictés
par cette période clé de la guerre froide, au cours de laquelle le monde de l’art occidental
(lui-même progressivement dominé par l’hégémonie nord-américaine) a imposé sa
version euro-centrée de la modernité artistique et sa conception américano-centrée de
l’universalité de la contemporanéité de l’art.
- comment le discours historiographique de l’art et les politiques curatoriales et
muséales ont, sauf rares exceptions, donné une visibilité et une identité aux différents
processus créatifs en les figeant, par le jeu et la fiction de la succession, de l’opposition,
de la réaction ou du dépassement, en mouvements, en tendances, en filiations
(expressionnisme abstrait, action painting, color field, minimal art, pop art, nouveau
réalisme, figuration narrative, art conceptuel, body art, peinture analytique, arte povera,
land art…), offrant l’illusion d’une scène sans lieu, hors de toute réalité politique
et sociale, où se joue le scénario des valeurs du monde occidental attachées à la «
liberté » et à l’« individu », sous la forme de la crise de l’art et de sa subversion (supposée
potentiellement) illimitée.
Le corps de ces analyses étant fourni, dans le déroulement du cours, par l’examen
critique des pratiques et des stratégies artistiques (expressionnisme, appropriation,
détournement, simulation, déconstruction, actionnisme, performance…) et des
problématiques philosophiques et théoriques (philosophie analytique du langage,
phénoménologie, gestalt theorie, existentialisme, pragmatisme, théorie critique de l’école
de Francfort, structuralisme, formalisme, essentialisme féministe…) dont elles procèdent,
explicitement ou implicitement, et auxquelles elles doivent nécessairement se confronter,
souvent de manière critique en tentant de retourner, de subvertir ou d’échapper,
au dispositif global de leur réception critique et de leur institutionnalisation formée par
le marché de l’art, le musée et l’exposition.
Évaluation sur épreuve écrite
avec analyse de
documents.
Cours obligatoire
Français
Sem. 1 et 2
Hebdomadaire
2h / semaine
TD bi-mensuels
de 1h30
3 ects sem. 1
2 ects sem. 2
The cold war art world: the international art scene from the Korean war to the war in Vietnam.
The objective of this course is first of all to define the specific geography and the historical configuration
(political, institutional, and ideological) of the world of the néo-avant-gardes, characteristic of the
international scene from 1950-1970 by comparing it to that of the historical avant-gardes at the beginning
of the 20th century, in order to establish, precisely, the shifts that the notion of the “avant-garde” underwent
after WWII in the context of the cold war, both in its artistic and social contents and in its political
signification.
This course will then critically analyze:
- how this new world of avant-gardes refers, often in contradictory ways, to the geopolitical, political, cultural
and ideological contexts dictated by this key period of cold war, during which the Occidental world of art
(itself progressively dominated by the North American hegemony) imposed its Eurocentrist version of artistic
modernity and its Americano-centrist conception of the universality of the contemporaneity of art.
- how the historiographical discourse of art and curatorial and museum politics, except for rare exceptions,
gave a visibility and an identity to the different creative processes by rigidifying them through the play
and fiction of succession, opposition, reaction or excess, in movements, trends, associations (abstract
expressionism, action painting, color field, minimal art, pop art, new realism, narrative figuration,
conceptual art, body art, analytical painting, arte povera, land art…), offering the illusion of a scene without a
location, outside of all political and social reality, in which the scenario of the values of the Occidental world,
attached to “liberty” and the “individual,” is played out in the form of the crisis of art and its (supposedly
potentially) unlimited subversion.
The body of these analyses are provided in class, through critical examination of artistic practices and
strategies (expressionism, appropriation, diversion, simulation, deconstruction, actionism, performance…)
and philosophical and theoretical issues (the analytical philosophy of language, phenomenology, Gestalt
theory, existentialism, pragmatism, the critical theory of the Frankfurt School, structuralism, formalism,
feminist essentialism…) from which they proceed, explicitly or implicitly, and with which they must
necessarily be confronted, often in a critical manner by tempting to overturn, subvert or escape from the
global system of their critical reception and their institutionalization formed by the art market, the museum
and the exhibition.
61
HISTOIRE ET THéORIE DES ARTS
62
RECHERCHE BIBLIOGRAPHIQUE
ÉCRITURES EN SITUATIONS
BIBLIOTHÈQUE
Benjamin Thorel
Valérie Blanc
L’expérience de l’art, de la création à la réception, est intimement lié au langage,
au texte, à la conversation : « Écritures en situations » propose d’aborder les
différentes formes d’écrits qui circulent dans l’art contemporain, et d’en expérimenter
les formes. On travaillera sur un ensemble de textes historiques et contemporains
venus d’horizons différents – littérature, critique d’art et critique culturelle, écrits
et entretiens d’artistes, mais aussi scénarios, journaux intimes – afin d’appréhender
comment se « fabrique » un texte, un discours.
Quels sont les enjeux de l’écriture, pour l’artiste, l’auteur, le critique ? Quels sont leurs
moyens, leur vocabulaire, leur public ? Comment passer de la pratique à l’écriture,
de la lecture à la création ?
Au fil de lectures mais aussi de travaux sur différents types de textes et méthodes
d’écriture, on cherchera également à comprendre comment l’écrit trouve sa
dynamique dans des contextes de publication précis, de la revue d’avant-garde au mur
de l’espace d’exposition, en passant par le blog ou l’affiche.
The experience of art, from creation to reception, is intimately connected to language, to text and to
conversation. “Writing in situations” proposes to approach the different forms of writing that circulate
in and around contemporary art and to experiment with these forms. We will work on an ensemble
of historical and contemporary texts from different horizons – literature, art and cultural criticism,
writings by and interviews of artists, and also scripts, diaries – in order to get a grasp on how a text or
discourse is “made.”
What are the stakes involved in writing: for the artist, the author, the critic? What are the means,
vocabulary, public involved? How does one go from practice to writing, from reading to creation?
Through exercises in reading and writing, from different types of texts and methods, we will also try to
understand how writings find their dynamics in the context of particular publishing contexts: from the
avant-garde magazine to the exhibition wall, by way of the blog or poster.
Évaluation Assiduité et rendus de
travaux
Cours obligatoire
Français
Sem. 1 et sem. 2
Bi-mensuel
1h30 par demi-groupe
2 ects sem. 1
2 ects sem. 2
Se repérer dans les collections de la Bibliothèque.
Nourrir les connaissances en lien avec la démarche artistique.
Identifier des ressources documentaires extérieures.
Les ateliers bibliographiques proposent d’accompagner les étudiants de 1ère année
dans l’accès à la documentation artistique disponible à la Bibliothèque.
L’objectif est de permettre aux étudiants d’exploiter au mieux la richesse
et la diversité de ce fonds et de l’envisager comme un espace de recherche,
une étendue de possibles… Il s’agira également de se familiariser avec des outils
de recherche documentaire qui amèneront les étudiants à cheminer parmi
des ressources de différentes natures.
Le questionnement théorique et critique s’appuie sur une documentation riche et
actualisée sur la création artistique et son contexte. En lien étroit avec la pédagogie,
la Bibliothèque a vocation à alimenter cette réflexion et permettre aux élèves
d’appréhender leurs pratiques personnelles dans le champ de l’art et du design.
Gettting one’s bearings in the collections of the library.
Cultivating knowledge in parallel with an artistic practice.
Indentifying outside documentary resources.
The bibliographic workshops offer accompaniment to students of the 1st year in accessing artistic
documentation available in the library.
The objective is to enable students to take full advantage of the wealth and diversity of the collection
and to see it as a research space, a field of possibilities… We will also familiarize ourselves with the
tools for documentary research which will help students find their way amongst the different types of
resources.
Theoretical and critical interrogation is based on a rich, and up-to-date documentation on artistic
creation and its context. In close correspondence with the pedagogical program, the library has for
mission to feed this reflection and enable students to gain a better understanding of their personal
practices within the fields of art and design.
63
LANGUE éTRANGÈRE
ANGLAIS
ESPAGNOL
Galen Bangs
Carmen Alcocer
Á travers ce cours, les étudiants feront la découverte du vocabulaire anglophone,
dans le domaine artistique bien sûr, mais aussi dans le champ culturel plus large
(pratiques culturelles, évènements, littératures, etc.) Il faut rappeler qu’on ne peut
réellement comprendre et éventuellement maîtriser une langue sans connaître sa
culture.
Il y a deux groupes de niveaux. Dans le groupe 1, il s’agit principalement de reprendre
les bases de l’anglais, pour que les étudiants prennent confiance en leurs capacités
linguistiques à l’écrit comme à l’oral. Dans le groupe 2, l’objet visé est l’entretien et
l’avancement du niveau précédemment acquis en travaillant l’expression à tous les
niveaux ; ce programme sera complété par des révisions ponctuelles grammaticales.
64
Évaluation Les étudiants seront
évalués par leur
assiduité – qui doit être
exemplaire – et par un
contrôle continu écrit
et oral.
Obligatoire au choix
Sem. 1 et sem. 2
Hebdomadaire
2 ects sem. 1
2 ects sem. 2
Évaluation Évaluation par contrôle
continu à dominante
orale.
Sem. 1 et sem. 2
Hebdomadaire
2 ects sem. 1
2 ects sem. 2
Le cours se fonde sur : analyses et résumés de documents relatifs à l’art,
individuellement exposés sur des travaux de différents artistes ; mise à niveau
grammaticale et enrichissement lexical ; travaux écrits et pratique orale intensive ;
approfondissement des connaissances de la culture hispanique.
The class is based on: analyses and summaries of documents about art, individually developed about
works of different artists, grammatical upgrading and vocabulary enhancement, written works and
intensive oral practice, development of knowledge of Hispanic culture.
In this class, students will become acquianted with English vocabulary, with an important emphasis
on the art world, but also on the larger cultural sphere (cultural practices, events, literature, etc).
It is important to remember that in order to truly comprehend and potentially master a language,
one must understand its culture.
65
There are two level groups. In the first group, the main focus is on revising the basics of the English
language, so that students may become more confident in their written and oral linguistic capacities.
In the second group, the principal aim is the reinforcement and advancement of the students’
previously acquired knowledge, by working on expression on all levels ; this program is completed
by punctual grammar revisions.
GRAND ATELIER
REMAKE
REFAIRE, REPRODUIRE, RÉECRIRE
Hélène Férrié et Masahide Otani
L’objectif de ce grand atelier sera d’inviter les étudiants à réfléchir et expérimenter
ce travail particulier qu’est la reproduction, notamment par la technique du moulage
et de la réécriture. Les œuvres ne sont pas pures productions ou expressions
personnelles, elles sont aussi reprises, redites, traductions et transformations de
formes et de matières déjà existantes. Le travail des mains ne permet pas de réaliser
des œuvres parfaitement maîtrisées ; il apporte son lot de surprises et d’erreurs,
de difficultés qui aident à penser la nature même de la démarche de création, à voir ce qui
la différencie de l’artisanat comme de la production mécanique. Chaque (re)production
artistique est un « remake » qui ressemble à son « modèle » sans lui être identique.
C’est ce faire à nouveau, ce faire de nouveau qu’il s’agira d’interroger en ayant recours
à l’histoire de l’art, à la pratique du moulage et au discours autour de l’œuvre afin de
mieux comprendre la part d’immaîtrisable, donc de vivant, du travail artistique.
66
The objective of this grand atelier is to invite the students to reflect on and experience the particular
work of reproduction, notably using the technique of casting and that of rewriting.
Works are not just pure productions or personal expressions; they are also recasts, rewrites,
translations and transformations of existing forms and materials. These “raw materials” can have
been produced by others as well as by the author.
To take old works or texts up again enables us to create new ones, by cutting into them, making
selections, searching for original combinations. Changing the materiality of writing – for example,
replacing paper and ink with cloth and thread, the act of writing with that of embroidering – influences
the creation and reception of a text and thus, its contents.
Working with one’s hands doesn’t enable us to produce perfectly mastered works; it presents its
own lot of surprises and errors, difficulties that help us to think about the very nature of the creative
process, and to observe what makes it different from craftsmanship or mechanical production.
The technique of casting is particularly adapted to experimenting with the gap between “original” and
“copy”. Each artistic (re)production is a “remake” that resembles its “model” without being identical
to it.
It is this making anew, this making of the new that we will interrogate using references from art
history, the practice of casting and the metamorphosis of texts in order to better understand the
uncontrollable, thus living, part of artistic work.
Évaluation Workshop Obligatoire
Français
Sem. 2
13 au 24 mai 2013
Hélène Férrié est née en 1982, elle vit et travaille à Bordeaux.
Diplômée de l’EBABX en 2005, elle est co-fondatrice de l’association d’édition Avis de
Tempête.
Textes parus dans la revue Action Poétique en 2006, 2008, 2009 et 2011 ; aux éditions
La Cabane, Avis de Tempête, ainsi que dans les revues en ligne RoToR#4 et Runbook // art
book in progress.
Participation à la Biennale Internationale des Poètes en Val de Marnes 2009 :
présentation d’une lecture / pièce sonore réalisée en collaboration avec Kenzo Honoda.
Galerie Concept Space (Shibukawa, Japon), 2008 : présentation d’une pièce sonore.
Masahide Otani est né en 1982 à Shibukawa (Japon), il vit et travaille à Bordeaux
Il est diplômé de l’EBABX en 2007 et post-diplômé de l’école des Beaux-Arts de Lyon.
Depuis 2006,Masahide Otani a bénéficié de quatre expositions personnelles en France
et au Japon, et participé à de nombreuses expositions collectives, notamment à Paris,
Düsseldorf, Bâle et New York.
67
année 1
Pratique et initiation
sem. 1
sem. 2
Initiation au projet
- Pop Production
3
2
- Zone
3
2
- Plug & Play
3
- Type & Play
3
- Image
1
Pratiques
- Peinture
ou
- Formation logiciels
2
ou
2
2
ou
2
- Photo
- Vidéo / son / animation ou
- Volume
- Dessins
4
4
ou
4
4
4
4
ou
4
4
3
2
3
2
2
2
2
2
Analyse et synthèse des recherches (examen du semestre 2)
- Grand Atelier, Workshops
et bilan final
5
69
Histoire, théorie des arts et langue étrangère
- Histoire et critique des arts
- Ecritures en situations
- Image
- Pratique des langues étrangères
60 crédits (ects) répartis sur les 2 semestres requis pour le passage en semestre 3.
années 2/3
Semestres 3 à 6
L’école prépare en trois ans au diplôme
national d’arts plastiques (DNAP) grâce à un
parcours complet d’enseignement artistique
qui intègre l’année 1. Organisé autour de deux
options, art et design, il est conçu pour faciliter
les croisements et inciter les étudiants à faire
des choix parmi les familles de création et à
préciser leurs territoires de recherche.
Le temps DNAP (cursus et diplôme) sert à
affirmer et à prendre la mesure des contraintes
d’un projet de vie artistique à long terme, qui
met en face de plusieurs chemins. Il permet
d’expérimenter dans les ateliers de recherche
et de création (ARC), de découvrir la production
des médiums (studio), d’être accompagné par
une aide sur mesure à la production des projets,
de réfléchir et débattre grâce à un programme
de culture critique aux thématiques définies,
d’aborder les méthodologies de recherche
afin d’élaborer le travail du mémoire. Il est un
espace de bifurcation pendant le cursus et au
terme du cursus qui amène les étudiants à opter
pour des pratiques ou options professionnelles :
poursuivre des études artistiques de haut
niveau au sein de l’École ; quitter l’école avec un
socle de connaissances qui permet à un artiste
de rentrer dans le monde du travail (agence,
atelier d’artiste, autres entreprises artistiques),
faire un autre parcours d’enseignement
artistique avec un bagage d’études et de
capacité de recherche, poursuivre des études
universitaires ou s’inscrire à la préparation
au capes d’arts plastiques, passer au niveau
master dans une autre école supérieure d’art
ou de design.
L’évaluation du DNAP est adaptée à la
progression d’étudiants en art ou en design. Ses
critères sont la densité et la pertinence d’une
démarche de recherche et d’expérimentation
plastiques, la cohérence d’un discours oral
et écrit, la qualité des réalisations et la
mise en oeuvre des travaux dans l’espace,
la mobilisation des éléments théoriques et
des références artistiques. Le passage du
Diplôme National d’Arts Plastiques se fait
devant des jurys spécifiques, en option art ou
en option design, comprenant trois membres
nommés par le directeur de l’établissement
sur proposition des enseignants.
DNAP 180 ects dont 15 ects réservés au diplôme.
Chaque étudiant est suivi par un tutorat avec lequel
il signe un contrat d’études semestriel. Tous les
cours sont obligatoires et sanctionnés par des ects y
compris la présence aux conférences.
À la fin du semestre 4, l’étudiant doit impérativement
avoir obtenu entre 108 et 120 crédits. Le passage en
semestre 5 se fait sous condition de rattrapage des
crédits manquants. Les modalités de rattrapage
sont définies dans le Contrat d’études. L’étudiant
ayant obtenu 120 crédits est titulaire du certificat
d’études d’arts plastiques (ceap) délivré par l’École
et agréé par le Ministère de la Culture.
Semestre 6 : dossier de candidature en années
master comportant une note d’intention sur les
projets de recherche et sur le mémoire à remettre
au mois de mars et un entretien avec la commission
d’enseignants au mois de juin après le DNAP.
73
3rd to 6th semesters
In three years the School prepares students for
the national degree in visual arts (DNAP) with a
comprehensive art teaching course that includes
the introductory year. Organized around two
options, art and design, it is devised to encourage
interdisciplinary activity and urge students to
make cross-disciplinary choices among the
various creative groups, as well as specifying their
research areas.
The DNAP (course and degree) programme serves
to assert and take the measure of the restrictions
of a project involving a long term life in art, which
offers several paths. It helps to experiment in the
research and creation workshops (ARC), discover
the production of different media (studio), have the
helping hand of a specific assistance, and debate
things thanks to a critical cultural programme
with clearly defined topics, as well as introducing
methodologies in order to work out the thesis
programme. There is an area where things branch
both during the degree course and at the end of
the course, which may help students in chossing
their type of activity and their professional options:
leaving the school with a bedrock of knowledge
permitting an artist to enter the work world (agency,
artist’s studio, other artistic undertakings), become
involved in another art teaching course with a
baggage of studies and research capacity, pursue
university studies or enroll in the preparation for
the visual arts capes (secondary school teaching
qualification), and/or proceed to a Masters’ level in
another school of fine arts or design.
DNAP 180 credits including 15 credits for the
degree. Each student is monitored by a tutor with
whom he or she signs a semestrial study contract.
At the end of semester 4, the student must
imperatively have obtained between 108 and 120
credits.
The move to semester 5 is made provided
that missing credits have been made up. Reexamination methods are defined in the Study
Contract. Once the student has obtained 120
credits, he or she then obtains the certificate of
visual arts studies (ceap) delivered by the School
and certified by the Ministry of Culture.
Semester 6: candidacy dossier for the Masters’
years including a note of intent about research
projects and the proposed thesis in March,
interview with the teachers’ committee, and
entrance competition in June after the DNAP.
The evaluation of the DNAP is adapted to the
progress made by students in art and design.
Its criteria are the density and relevance of an
approach to visual research and experimentation,
the coherence of an oral and written discourse,
the quality of works produced and the application
of works in space, the mobilization of theoretical
factors and art references.
The National Degree in Visual Arts (DNAP) is
passed before specific juries, in the art & media
option and the design option, made up of three
members appointed by the school’s director,
beased on teachers’ proposals.
75
ARC
LE COLLECTIF DES FORMES SINGULIÈRES
MANIFESTE / POINT DE VUE
Daniel Dewar, Armand Jalut, Anne-Laure Sacriste, Benjamin Thorel,
Benjamin Valenza
Michel Aphesbero, Jean Calens, Danielle Colomine, Pierre-Lin Renié,
Paola Salerno
« La sculpture, c’est ce contre quoi on se cogne quand on recule pour regarder une
peinture » Ad Reinhardt
Alors, qu’est ce que la peinture? Le collectif est constitué autour d’une communauté
d’intérêts (forme et espace, relation à l’objet et à l’image) et d’une somme de
différences.
Il a pour objectif le développement de pratiques singulières au travers de la
confrontation et de la contamination entre des médiums (peinture, sculpture,
photographie, vidéo …) et des expériences (performances, installations...), dont les
contours sont en perpétuelle redéfinition.
Considérer l’un à l’aune de l’autre, c’est comprendre leurs spécificités et leurs
ambivalences, pour les relativiser et/ou, les exacerber.
76
“Sculpture is what you bump into when you step back to look at a painting.” Ad Reinhardt
What then is painting? The collective is formed around a community of interests (form and space,
relation to object and image) and a sum of differences. Its aim is the development of special activities
by way of confrontation and contamination between mediums (painting, sculpture, photography,
video…), and experiences (performances, installations…) whose outlines are being forever redefined.
Considering one thing by the yardstick of the other is to understand their specificities and their
ambivalences, in order to relativize and/ or exaggerate them.
Évaluation par contrôle continu
et présentation
en fin de semestre.
Français
2 sem.
14h hebdomadaire
y compris Aide à la
production
12 ects sem. 3
12 ects sem. 4
12 ects sem. 5
4 ects sem. 6
et présentation
en fin de semestre.
Français
2 sem.
14h hebdomadaire
production
12 ects sem. 3
12 ects sem. 4
12 ects sem. 5
4 ects sem. 6
L’atelier Manifeste / Point de vue propose deux axes complémentaires reposant
sur une plateforme commune de travail.
Manifeste propose de faire émerger, par des pratiques plastiques plurielles, vos
intentions, votre engagement et tous les enjeux, poétiques et politiques qu’il soulève.
Les formes éditoriales, dans le sens le plus large, sont interrogées.
L’atelier expérimente, en même temps, des modes d’apparition contemporains autour
de la question de l’exposition.
Point de vue favorise la construction par chaque étudiant de l’endroit spécifique
à partir duquel il regarde et interroge le monde. Ouvert à tous types de pratiques, il met
cependant l’accent sur une approche de la photographie et des images fixes ou animées,
en questionnant leur valeur documentaire, leur prolifération, leurs contextes et usages.
Manifesto Workshop/Point of view proposes two complementary axes which are developed through a
common working platform.The ideas behind Manifesto is to bring to the fore, by way of plural visual
activities, your intentions, your commitments, and all the challenges, poetic and political alike, which
they raise. Editorial forms, in the broadest sense, will be questioned. At the same time, the workshop
experiments with forms of contemporary appearance around the exhibition issue.
Viewpoint encourages the construction by each student of the specific place on the basis of which he
looks at and questions the world. Open to all types of praxis, it nevertheless stresses an approach
to photography, and to static and animated pictures, by questioning their documentary value, their
proliferation, their contexts and uses.
77
ARC
PAS DE FUMÉE SANS FEU
V.I.P VERY IMPORTANT PROJECT - DESIGNS
Jean-Philippe Halgand, Marie Legros
avec la participation de Peio Aguirre et Suguru Goto (A)
Didier Lechenne, Madeleine Montaigne, Laurent Matras
avec Angelika Bauer, Yann Cloutier (A) , Sébastien Collet (A)
S, M, L, XL
Qu’est-ce qu’une scène ? Qu’est-ce qu’un spectacle ? Un concert ? Qu’appelle-t-on
performance, action, évènement ? Qu’est-ce qu’une exposition ? Tout est-il miscible
dans tout ? Qu’est-ce qu’une programmation ? Quelle place y tiennent corps, objets,
vêtements, vidéo, mises en lumières, décors ? Y conservent-ils leur autonomie de
créations artistiques ou deviennent-ils accessoires ? Et pour quel(s) public(s) ?
Cette année, l’atelier plonge ses réflexions sur ce qui se « performe », s’« active »,
s’« installe » et la circulation des formes artistiques dans le bain acide de
l’entertainment. Le programme de cette année sera structuré par un va-et-vient
constant de jeux d’échelle entre ce qui se produit et s’expérimente dans la tranquilité
de l’atelier et un principe de programmations publiques régulières dans et hors l’école
(Café Pompier, Arteleku, Capc, etc).
78
La vidéo sera au centre des pratiques de l’atelier et la diversité de ses formes et ses
contextes de diffusion abordée en lien avec les dispositifs et l’installation en prévision
de monstrations ultérieures qu’il s’agisse de festivals ou d’expositions.
S, M, L, XL
What is a scene? What is a show? A concert? What do we call a performance, an action, an event?
What is an exhibition? Can everything be mixed up with everything else? How about programming?
What place do bodies, objects, clothes, video, lighting, and set decoration have in it? Do they maintain
their autonomy as artistic creations or do they become less important? And for what public(s)?
This year the workshop dives into reflections on what is “performed,” “activated,” or “installed,” and
on the circulation of artistic forms in the acid bath of entertainment. This year’s program will be
structured by a constant back-and-forth of changing context and scale between what is experimented
and produced in the tranquility of the workshop, and the principle of regular public presentations
within and outside the school’s walls (Café Pompier, Arteleku, Capc, etc).
et présentation
en fin de semestre.
Français
2 sem.
14h hebdomadaire
production
12 ects sem. 3
12 ects sem. 4
12 ects sem. 5
4 ects sem. 6
et présentation
en fin de semestre.
Français
2 sem.
14h hebdomadaire
production
12 ects sem. 3
12 ects sem. 4
12 ects sem. 5
4 ects sem. 6
L’arc « Designs » se compose comme un espace de projets personnels lié aux
questions des designs, qu’ils soient graphiques, d’objets, dans l’entre-deux ou
transversaux.
Les allers-retours entre design d’objet et design graphique ; questionnant ainsi
leurs supports, matériaux et techniques ; permettent de lier des pratiques,
des attitudes et surtout de les nourrir.
Les projets longs, ponctués d’interventions et de temps courts dédiés à une
méthodologie, et un apprentissage spécifique, traversent et interrogent des contextes
sociaux, culturels, politiques, artistiques et ainsi s’expérimentent, se densifient,
se concrétisent, et se finalisent.
Le Design est abordé ici comme un champ autonome qui interroge et développe
ses propres positions critiques face à une discipline plurielle.
Les idées reçues sont à proscrire, le design, le graphisme, ne sont pas uniquement :
contrainte, usage, fonctionnalité, commande, impersonnel, commercial…
The “Designs” ARC comprises a space for personal projects which have a relation to questions
of designs, whether they be graphic or object designs, somewhere in between the two, or both.
The back-and-forth between object and graphic design, questioning mediums, materials and
techniques, enables us to make connections between these practices, attitudes and, above all,
to further them.
Long projects punctuated with interventions and short periods dedicated to methodology and specific
learning, traverse and interrogate these social, cultural, political and artistic contexts and in this
way are experimented, densified, concretized and finalized. Design is approached in this case as
an autonomous field that questions and develops its own critical positions in the face of a plural
discipline.
Preconceived ideas are to be avoided: design and graphic design are not only: limits, use,
functionality, order, impersonal, commercial…
Video will be central to the practices developed in class and the diversity of its forms and contexts of
diffusion will be approached in relation to ways to install it with regard to possible future inclusion in
exhibitions or festivals.
79
STUDIO
DESSIN
MATÉRIAUX ET PRATIQUES
Anne Colomès, Christophe Ballangé (A)
Marc Guindeuil, Jean-Michel Lidon,
avec Farid Bourenane (T), Sébastien Collet (A), Laurent Décremps (A),
Emmanuel Sorel (T)
« Il y a autant de voies qu’on peut tracer de rayons à partir d’un centre. »
Henry David Thoreau.
80
Nous invitons ici à un suivi régulier et personnel portant sur l’évolution concrète
d’un rapport au dessin qu’il soit frontal ou davantage en écho à la pratique d’autres
médiums.
Nous proposons de préciser et d’ajuster les préoccupations d’un travail de dessin en
fonction des médiums choisis, des contraintes techniques et ce qu’impliquent ces
formes et leurs sens. Nous souhaitons que les étudiants restent ouverts à toutes
les expérimentations d’un travail d’atelier, les encourageant à chercher de nouvelles
références, ouvrir un champs critique ainsi que de nouvelles pistes d’évolutions.
Penser à une méthodologie adaptée à chacun basée sur l’autonomie et la
responsabilité des étudiants vis à vis de leur travail est au coeur de ce projet de studio.
À chaque cours des livres d’artistes ou sur des travaux d’artistes circulent dans
l’atelier insistant sur le fait d’éveiller au maximum la curiosité.
Des sites internet, des revues, des vidéos d’artistes sont également proposés.
Le studio se veut donc un lieu de circulation, de réflexion, de discussion et d’écoute
autant que de production.
Évaluation sur la présence et en
contrôle continu.
Français
Hebdomadaire
1 studio / sem.
6h par semaine
5 ects sem. 3
5 ects sem. 4
4 ects sem. 5
3 ects sem. 6
contrôle continu.
Français
Hebdomadaire
1 studio / sem.
6h par semaine
5 ects sem. 3
5 ects sem. 4
4 ects sem. 5
3 ects sem. 6
Le studio propose aux étudiants de développer leur sens pratique, des gestes techniques
et des matériaux et d’acquérir une autonomie dans leur production. Les matériaux
et pratiques basiques/classiques (forge, soudure et fonderie, céramique, menuiserie)
seront de plus associés aux technologies numériques et à la conception et dessin
3D. Les projets innovants étant le fruit de collaborations et d’idées pluridisciplinaires
nécessitant des visions nouvelles et diverses et des compétences complémentaires,
l’orientation du studio vers ces pratiques favorise les rencontres de personnes issues de
domaines et de communautés complémentaires.
This studio offers students the chance to develop a practical sense for technical skills and materials
and to become more autonomous in their artistic production.
Basic/classical materials and techniques (forging, soldering, welding, foundry, ceramics,
wood-working) will furthermore be associated with digital technology and 3D conception and drawing.
Innovative projects being the fruit of multi-disciplinary collaborations and ideas requiring new and
diverse visions and complementary skills, the orientation of the studio toward these techniques
fosters exchange between people from complementary fields and communities.
“There are as many paths that one can trace as rays from the centre.”. Henry David Thoreau.
We offer students regular and personal follow-up on the concrete evolution of their relationship to
drawing whether it be direct or rather in resonance with the practice of other mediums.
We propose to specify and adjust the preoccupations of a drawing practice according to chosen
mediums, technical limits and that which these forms and their meanings imply. Our hope is that the
students stay open to all the experimentations that happen in a workshop, and encourage them to
look for new references, and to open a critical field as well as new paths of evolution.
Thinking about a methodology adapted to each student based on autonomy and personal
responsibility with regard to their work, is at the heart of the studio’s intentions.
At each course, artist’s books or books on the work of different artists will circulate around the
workshop in the hope of awakening curiosity to the highest degree.
Internet sites, magazines, and artists’ videos are also proposed.
This studio would thus like to be a place of circulation, reflection, discussion and listening, as much
as a place of production.
81
STUDIO
JUST READY TO PRINT, CULTURE DE L’IMPRIMÉ
Pierre Ponant, avec Angelika Bauer, Yann Cloutier (A)
et invités (éditeurs, directeurs artistiques, photographes et illustrateurs)
82
Depuis les expérimentations du Design Lab, cellule d’étudiants dirigée par
Alexey Brodovitch à Philadelphie, dans les années 50 aux recherches menées,
dans un contexte similaire, à la Fabrica à Milan, où ont exercé Tibor Kalman et
Olivero Toscani, la revue d’art et le magazine culturel sont devenus les pièces
maîtresses d’un dispositif accompagnant les bouleversements artistiques,
voire les déclenchant parfois dans une intention manifeste. Le magazine culturel
réinterroge depuis une quinzaine d’années les frontières du graphisme et en devient
le laboratoire d’innovations conceptuelles. Le studio Just Ready to Print, culture de
l’imprimé propose d’explorer ces nouvelles «frontières» en interface avec les autres
arcs et projets. Gérer dans un processus collectif de comité de rédaction,
au sein duquel l’étudiant peut insérer une part de son projet personnel et le mettre
en perspective dans une relation critique, le studio propose l’élaboration de sommaires
en relation avec certaine des thématiques de recherche de l’école. Il s’appuie sur
l’actualité des rencontres et journées d’étude organisées in situ. Il aborde la relation
texte/image et les principes typographiques - pour une mise en perspective du média
graphique et sa fabrication. L’approche éditoriale étant soutenue par l’intervention
d’acteurs de l’édition et du journalisme. Une revue est éditée et imprimée sur les
presses numériques et offset de l’école et fait l’objet d’une diffusion.
contrôle continu.
Français
Hebdomadaire
1 studio / sem.
6h par semaine
5 ects sem. 3
5 ects sem. 4
4 ects sem. 5
3 ects sem. 6
It approaches the relationship text/image and the principles of typography, in order to put the graphic
medium and its creation into perspective, the editorial approach being bolstered by the participation
of actors in the field of publication and journalism. A review will be published and printed on the
digital and offset presses of the school and will be distributed.
Teaching tools used:
The studio approaches the editorial subject in a perspective which is neither pre-established nor
fixed, and proposes, at the time of its conception:
A study of formulas, formats, bindings, choice of papers,
To work at the hierarchization of information,
A practice and refining of macro-typography (page layout and text composition),
Micro-typology (detail and specificity of character fonts)
Font management, typographical code
To reflect on structure and rhythm, grids for page layout (Indesign software, Book of fonts,
Photoshop),
To discover the graphic process and the different techniques and methods of printing.
Outils pédagogiques mis en œuvre :
Le studio ouvre l’objet éditorial dans une perspective non-préétablie et figée
et propose lors de sa conception : une étude de formules, de formats, de reliures,
de choix des papiers, de travailler à la hiérarchisation des informations, une pratique
et un perfectionnement de la macro-typographie (mise en page et composition du
texte), de la micro-typographie (détail et caractéristiques des polices des caractères),
gestion des polices, code typographique, de réfléchir à la structure et au rythme, aux
grilles de mise en page (logiciels Indesign, Livre de police, Photoshop), de découvrir
la chaîne graphique et les différentes techniques et modes d’impression.
From the experimentations of the Design Lab, a group of students directed by Alexey Brodovitch in
Philadelphia in the 1950’s, up to the research done in a similar context, at the Fabrica in Milan, where
Tibor Kalman and Olivero Toscani practiced, the art review and the cultural magazine have become
the key elements of a phenomenon that accompanied artistic upheavals or even intentionally triggered
them at times. For the past fifteen years or so, the cultural magazine has been reinvestigating the
frontiers of graphic design and has become the laboratory for conceptual innovations in the field.
The studio Just Ready to Print, culture of the printed object, proposes to explore these new “frontiers”
in interface with other arcs and projects. Run through a collective process like that of an editorial
committee, at the heart of which the student can integrate part of his/her personal project and put it
in perspective in a critical relationship, the studio proposes the writing of blurbs on certain themes of
research going on at the school and parallel to ongoing encounters and study days organized in situ.
83
STUDIO
MULTIMÉDIA
PEINTURE
Peter Liesenborghs, Myriam Lavialle (A)
Anne-Laure Sacriste
Le Studio multimédia a pour finalité la création et le développement d’un site internet.
Sont abordés les différents composants nécessaires à l’élaboration d’un produit
multimédia : l’écriture d’un scénario et d’un organigramme ; la création d’images
et leur traitement numérique (Photoshop, Illustrator) ; le mixage de son (Garage
Band) ; la création 3d (apprentissage des outils de modélisation avec Amapi Studio
et utilisation des textures, lumières et caméras avec Carrara Studio). Les dernières
séances sont consacrées au montage du projet multimédia avec un apport théorique
autour de son utilisation et de ses possibilités dans le processus de la création
artistique.
La découverte et la pertinence de l’outil informatique sont basées sur la réflexion
amenée par un travail préparatoire de recherche et de dessin.
84
The end purpose of the Multimedia Studio is the creation and development of a website. The different
components necessary for the formulation of a multimedia product are dealt with: writing a scenario
and drawing up a flow chart; creation of images and their digital treatment (Photoshop, Illustrator);
sound mixing (Garage Band); 3d creation (apprenticeship with modeling tools with Amapi Studio and
use of textures, lights and cameras with Carrara Studio). The last sessions are devoted to editing the
multimedia project with theoretical input around its use and its possibilities in the process of artistic
creation.
The discovery and relevance of the computer tool are based on a line of thinking conducted by a
preparatory work involving research and design.
contrôle continu.
Bilan final.
Français
Hebdomadaire
1 studio / sem.
6h par semaine
5 ects sem. 3
5 ects sem. 4
4 ects sem. 5
3 ects sem. 6
contrôle continu.
Français
Hebdomadaire
1 studio / sem.
6h par semaine
5 ects sem. 3
5 ects sem. 4
4 ects sem. 5
3 ects sem. 6
Si l’on ne peut déléguer l’acte de peindre, la peinture est un rapport au monde que
l’on peut transmettre. Il s’agit d’accompagner chaque étudiant et d’ouvrir la question
de la peinture : Qu’est ce qu’une surface, un espace, un motif, une matière, etc. ?
Des thématiques précises seront proposées afin de guider les étudiants et de les
amener petit à petit à poser en leur propre terme leur problématique singulière.
La question du champ de l’histoire de l’art et spécifiquement de l’histoire de la
peinture sera aussi à mettre en relation avec d’autres référents culturels, pratiques
ou théoriques.
Dans cette perspective des recherches thématiques de groupes seront proposées,
en tenant compte de la spécificité et diversité de chacun des étudiants.
La dimension critique sera privilégiée, en encourageant des corrections et des
discussions collectives. Il sera aussi important de sortir de l’atelier : des visites de
musées seront proposées avec à la clé des comptes-rendus d’expositions qui pourront
prendre des formes diverses : présentations orales / peintures / installation, etc.
Even though we cannot delegate the act of painting, painting is a relationship to the world that we
can transmit. This course’s aim is to accompany each student in an exploration of the question
of painting: What is a surface, a space, a motif, a material, etc.? Specific themes will be proposed
in order to guide students little by little toward developing their own singular research on their own
terms.
The issue of the field of art history and specifically the history of painting will also be treated in the
context of other cultural, technical and theoretical references.
With this in mind, group research on different themes will be proposed, taking into account
the specificity and diversity of the students.
A critical dimension will be stressed, encouraging corrections and group discussions. It will also be
important to go outside the painting studio; museum visits will be proposed, and exhibition accounts
required. These may take different forms such as: oral reports, paintings, installations, etc.
85
STUDIO
PHOTOGRAPHIE
SON
ENREGISTREMENT TRAITEMENT REPRODUCTION ET DIFFUSION EN SON
Jean-Marie Blanc, Philippe Bouthier, Yannick Lavigne, Pierre Lavesque (T)
« Une photo n’est pas seulement le résultat de la rencontre entre un événement
et un photographe ; l’activité photographique est un événement en soi ».
Susan Sontag, « Sur la photographie ».
86
Le studio Photographie est un atelier technique. De fait, le studio est un lieu où dans
l’articulation opérateur/appareil/sujet on se concentre plus sur le milieu que sur les
bords. A travers nos appareils il s’agit d’enregistrer ou d’inventer des événements plus
ou moins accessoires, plus ou moins essentiels.
La progressivité d’un programme est établie sur une douzaine de journées.
Des exercices sont proposés par l’usage d’appareillages diversifiés, du téléphone à la
chambre grand format. Viennent ensuite, pour certains des notions de photochimie
lorsqu’une production argentique est profitable, pour tous un approfondissement de
la connaissance de l’image photographique numérique. Codage, format, compression,
édition, retouche, trucage font l’objet de descriptions et d’exercices.
“A photo is not just the result of the meeting between an event and a photographer; the act of taking a
photo is an event in itself.” Susan Sontag, « On photography ».
The Photography studio is a technical workshop. Thus, the studio is a place where, in the combination
operator/apparatus/subject, we concentrate more on the middle that on the edges. Through our
cameras the challenge is to record or invent events that are more or less incidental, more or less
essential.
The program is established on weekly courses for one semester. Exercises are proposed, using
different apparatuses, from the telephone to the large format camera. Then, for certain students,
come notions of photochemistry during the production of silver photography when it’s called for,
and for everyone, an extension of their knowledge of the digital photographic image. Coding, format,
compression, publishing, retouching, and trick photography all become subjects of description and
exercises.
Catherine Gilloire
contrôle continu.
Français
Hebdomadaire
1 studio / sem.
6h par semaine
5 ects sem. 3
5 ects sem. 4
4 ects sem. 5
3 ects sem. 6
contrôle continu.
Français
Hebdomadaire
1 studio / sem.
6h par semaine
5 ects sem. 3
5 ects sem. 4
4 ects sem. 5
3 ects sem. 6
Le studio E.T.R.D en son s’appuie sur des exercices pratiques qui permettent
d’apprendre l’acoustique et l’usage des outils tout en laissant une grande place
à la création, l’invention, la découverte d’une « pensée en son ».
Les sujets abordés sont entre autres la parole, la voix et le chant, le dehors et le
dedans, la ligne, la fragilité, la monophonie, le field-recording, les petites formes,
l’écho et la répétition, l’amplification, la distance, le déplacement, le motif, le récit
et la composition, les dispositifs sonores de capture, d’écoute et de diffusion, l’image
du son.
Chaque exercice est accompagné de séances d’écoutes qui explorent différentes
façons de pratiquer le son.
La personnalité et les pré-acquis des étudiants inscrits influent sur les contenus de
chaque session.
This cours is based on short, practical exercises, formulated to help explore techniques, learn
acoustics and the use of the various tools, while leaving plenty of room for creation, invention,
and the discovery of a form of “thinking in sound”.
The subjects covered are, amongst others: the spoken word, the voice and singing, inside/outside,
the line, fragility, monophony, the story and the composition, systems of recording, listening to
and diffusing sound, the image of sound.
Each exercise goes hand in hand with listening programmes which explore different ways of making
sound. The personality of the students registered and the things they come to the table with have an
influence on the content and organization of each session.
87
STUDIO
VIDéO, CINÉMA ET DISPOSITIF
HISTOIRE ET CRITIQUE DES ARTS
Seydou Grépinet (A), Cyriaque Moniez (A), Jean Simard
Virginia Garreta
Le studio vidéo, cinéma et dispositif se déroule en deux temps.
Des exercices sont formulés en commun (enseignants et étudiants) afin d’aborder un
ensemble de préoccupations communes exploré de manière individuelle ou groupée.
Chaque exercice permet de traiter un aspect fondamental de la culture de l’image en
mouvement. Et de déplacer, interroger, articuler certaines problématiques inhérentes
à certains médiums dans le champ de la vidéo. L’étudiant a la possibilité de développer
ses propres intérêts problématisés dans l’arc.
Différents types de contenus alimentent chaque session au travers d’exposés,
de discussions, d’œuvres d’artistes, etc. Une approche des notions techniques de base
et une initiation au matériel de production, post-production et diffusion complètent
l’enseignement.
88
HISTOIRE ET THÉORIE DES ARTS 2
Exercises are formulated in common (teachers and students) in order to broach a set of shared
concerns explored either in an individual way or as groups. Each exercise makes it possible to deal
with a basic aspect of the culture of the moving image. And to shift, question and articulate certain
issues inherent to certain media in the field of video.
Students have the possibility of developing their own interests as formulated in the arc. Different types
of content fuel each session through papers, discussions, artists’ works, etc. An approach to basic
technical notions an initiation into equipment for production, post-production and distribution round
off the class.
contrôle continu.
Exercices et assidiuté.
Français
Hebdomadaire
1 studio / sem.
6h par semaine
5 ects sem. 3
5 ects sem. 4
4 ects sem. 5
3 ects sem. 6
+ les étudiants
inscrits au studio
devront
obligatoirement
suivre le cours
Anemic Cinema.
Évaluation devoir écrit en fin de
semestre
Cours obligatoire
Français
Sem 3 et 4
2h hebdomadaire
3 ects sem. 3
3 ects sem. 4
De l’Art Conceptuel au Conceptualisme Global.
Des neo-avant-gardes occidentales des années 1960 au monde de l’art global
des années 2000 : généalogie d’un nouveau paradigme de la critique institutionnelle
de l’art.
À partir de la dynamique théorique engendrée par les études postcoloniales et la
reconnaissance de l’échelle globale du monde de l’art contemporain, la problématique
historique de l’Art Conceptuel et de son héritage ont fait l’objet, depuis une dizaine
d’années, d’un ensemble d’investigations et de réinterprétations qui ont renouvelé
fondamentalement le champ de son historiographie – en étendant la question de son
potentiel critique (politique, social et institutionnel) bien au-delà de la géographie
artistique occidentale, dans des directions Ouest/Est et Nord/Sud. Le cours analysele
passé et le présent de cette problématique radicale de l’Art Conceptuel en développant
la multiplicité des modèles de critique institutionnelle de l’art qui en revendiquent,
d’une manière elle-même souvent critique, l’héritage.
From Conceptual Art to International Conceptualism
From the western avant-gardes of the 1960s to the international art world of the 2000s: genealogy
of a new pardigm for institutional art criticism.
Based on the theoretical dynamics resulting from post-colonial studies and recognition of the
international scale of the contemporary art world, the historical issue of Conceptual Art and its legacy
have, over the past ten years, been subject to a set of investigations and re-interpretations which have
basically renewed the field of its historiography - by extending the question of its critical potential
(political, social and institutional) well beyond western artistic geography, in West/East and North/
South directions. The course analyzes the past and present of this radical issue of Conceptual Art by
developing the host of institutional art critical models which claim to be its heirs, in a way that is itself
often critical.
89
RÉANIMATIONS DU TEMPS
PHOTOGRAPHIES (HISTOIRES)
Marie Muracciole
Pierre-Lin Renié
avec la participation de Judith Ickowicz
Produire le temps, faire l’histoire : le cinéma traite la mémoire comme la matière vive
d’un sujet en construction. Autour de la notion d’archive filmique et de found footage,
entre documentaire, projet classificatoire, construction de banques d’images en ligne,
les enjeux idéologiques de l’appropriation reformulent la perception du temps.
La mémoire active une polyphonie des approches, des pratiques impures, des
relectures critiques de postures cinéphiles occidentales – René Vautier, Chris Marker,
Edouard de Loro, Glauber Rocha, Diop Mambety, Ritwik Ghatak, Jonas Mekas,
Peggy Alwesh, Barbara Hammer, Amar Kanwar, Christoph Keller, Yto Barrada…
90
Projections : Le cinéma comme lieu de transfert - du mélange des genres (musique,
danse, performance, film) et des cultures à la question du gender . Une histoire des
images qui passent et expérimentent, colonisent ou déconstruisent leurs modèles.
Gabriel Veyre, Nam June Paik, Jack Smith, John Cage, Steina and Woody Vasulka,
Maya Deren, Martha Rosler, Babette Mangold, Paul Sharits, Tony Conrad, Adrian Piper,
Martin Arnold, Laurie Anderson, The Atlas Group…
Course content: To produce time, make history. Cinema treats memory like the living material of a
subject in construction. Around notions of the filmed archive and found footage, somewhere between
the documentary, classification projects, the construction of on-line image banks, the ideological
issues of appropriation reformulate the perception of time. Memory activates a polyphony of
approaches, impure practices, critical reinterpretations of Occidental cinema lovers’ postures René Vautier, Chris Marker, Edouard de Loro, Glauber Rocha, Diop Mambety, Ritwik Ghatak,
Jonas Mekas, Peggy Alwesh, Barbara Hammer, Amar Kanwar, Christoph Keller, Yto Barrada…
Projections: The cinema as place of transfer – from the mix of genres (music, dance, performance,
film) and cultures to questions of gender. A history of the images that pass and that experiment with,
colonize or deconstruct their models. Gabriel Veyre, Nam June Paik, Jack Smith, John Cage,
Steina and Woody Vasulka, Maya Deren, Martha Rosler, Babette Mangold, Paul Sharits, Tony Conrad,
Adrian Piper, Martin Arnold, Laurie Anderson, The Atlas Group…
Français
Cours bi-mensuel de
2h30
3 ects sem. 3
3 ects sem. 4
Evaluation commune au
cours de Photographies
(Histoires)
Évaluation travail écrit à rendre
en fin d’année.
Cours obligatoire
Français
Cous bi-mensuel de
2h30
3 ects sem. 3
3 ects sem. 4
Evaluation commune
avec le cours
Réanimations du temps.
Bibliographie :
fournie en début de
semestre
Ce cours fournit les bases d’une culture visuelle et critique de la photographie.
Mécanique, multiple et proliférante, elle a dès son invention, bouleversé la manière
de voir le monde. Elle s’inscrit pour autant dans un régime des images préexistant,
tant sur le plan esthétique qu’en terme de mode de diffusion.
Nous explorerons le monde des photographies dans toute sa variété, depuis les
grandes inventions plastiques des pionniers, jusqu’aux usages qu’en ont fait les
avant-gardes historiques ou les artistes conceptuels des années 1960, le « style
documentaire » et ses formes contemporaines, la « forme tableau », ou encore les
pratiques populaires et commerciales et leur impact sur la production artistique
actuelle. Se poseront également les questions des multiples formes que peut prendre
l’image photographique, et ses rapports à l’exposition. Se dégagent ainsi différentes
approches pour penser les images aujourd’hui.
This class provides the bases for a visual and critical culture of photography. Mechanical, multiple
and proliferating, it has, since its invention, caused an upheaval in the way we see the world. Yet it
is part and parcel of a pre-existing system of images, both on the aesthetic level and in terms of
distribution methods. We shall explore the world of photographs in all its variety, ranging from the
great visual inventions of the pioneers to the uses made of it by the historical avant-gardes and the
Conceptual artists of the 1960s, the “documentary style” and its contemporary forms, the “picture
form”, and popular and commercial practices and their impact on artistic production today. Questions
about the multiple forms that the photographic image can take and their relationship to the exhibition
will also be investigated.
Different approaches for thinking about images will thus come to the fore.
91
UN éCLAIR, PUIS LA NUIT
IMAGES, RÉCITS ET THÉORIES DES ATTRACTIONS, 20ÈME ET 21ÈME SIÈCLE
PHILOSOPHIE DU LANGAGE & ANTHROPOLOGIE DE L’ART
Fabien Vallos
Clara Schulmann
92
Dans son poème À une passante publié en 1861, Baudelaire imagine une rencontre
foudroyante, dans la rue parisienne, dont on peut dire qu’elle inaugure la modernité.
« Transitoire, fugitive et contingente » : cette dernière s’annonce dans et par la
fulgurance. Sensations et positions théoriques ne s’opposent plus.
La publicité lumineuse, les débuts du cinéma, les « visions kaléidoscopiques » que
Siegfried Kracauer décèle dans la ville moderne : tous ces éléments irriguent, en en
déplaçant les lignes et les normes, la production artistique. Le principe attractionnel,
qu’il n’est plus question de cantonner à la seule culture de masse, fonde le début du
20ème siècle. On suivra donc le fil de ces attractions : Vallotton découvrant Verdun
(1917), André Breton rencontrant Nadja (1928), Eisenstein, dont le « montage des
attractions » (1923) ouvre la voie vers une efficacité des images qui ne doit plus rien à
la figuration. On verra aussi comment la seconde moitié du 20ème siècle « hérite » de
ces élans, favorise la coupe, le négatif, le faux-raccord. Le récit fameux de Tony Smith
découvrant, le long d’une autoroute, la force de l’abstraction, et l’hypothèse d’une
« fin de l’art » tient évidemment, dans son dispositif nocturne et hallucinatoire,
d’une remise en jeu des attractions du début du siècle. Les grands shows
psychédéliques warholiens les prolongent aussi, à leur manière. Une histoire de l’art
capable d’accueillir la mise en scène s’esquisse – dont la période contemporaine
hérite à son tour.
In his poem, À une passante published in 1861, Baudelaire imagines a striking encounter in a
Parisian street that one might say inaugurates modernity. “Transitory, fleeting and incidental,” this
latter makes its entry through, and with, sudden brilliance. Sensations and theoretical positions are
no longer opposed. Lit advertising, the beginnings of cinema and the “kaleidoscopic visions” that
Siegfried Kracauer discovers in the modern town, are all elements that irrigate artistic production,
by shifting the boundaries and norms of it. The principle of “attractivity,” that is no longer confined to
only mass culture, founds the beginning of the 20th century. We will thus follow the thread of these
attractions: Vallotton discovering Verdun (1917), André Breton meeting Nadja (1928), Eisenstein,
whose “montage des attractions” (1923) opens the way for an efficiency of image that owes nothing to
figuration. We will also see how the second half of the 20th century “inherits” these impulses, favoring
the cut, the negative, the error in continuity. The famous account by Tony Smith, who discovers the
force of abstraction on the side of a highway and hypothesizes it in “the end of art” obviously refers, in
its nocturnal and hallucinatory aspect, to a replaying of attractions from the beginning of the century.
The big Warholian psychedelic shows extend this too, in their way. A history of art capable of accepting
“staging” takes form, which the contemporary period inherits in turn.
Évaluation travail écrit à partir d’un
sujet donné.
Cours obligatoire
Français
Sem. 5 et 6
2h bi-mensuel
3 ects sem. 5
2 ects sem. 6
Évaluation sur deux travaux
d’écriture et de
recherche
Cours obligatoire
Français
Sem 5 et 6
2 h hebdomadaire
3 ects sem. 5
2 ects sem 6
La pensée moderne a produit une situation singulière en convoquant aux côtés de la
philosophie, une « philosophie du langage » et une « philosophie de l’art ».
Il s’agit alors de tenter de penser ce que cette situation induit dans le contemporain.
Il va de soi que cela nous oblige, plus que jamais, à penser les relations qui existent
– contractuelles et conflictuelles – entre la parole (le logos et le muthos) et l’œuvre
(le poème et la doxa). Ce cours magistral a pour objectif une analyse historique et
philosophique des liens qui structurent notre pensée de l’œuvre et du langage, c’està-dire notre rapport complexe à l’opérativité et à l’inopérativité, notre rapport à l’oeuvre
et à la puissance du discours. Ce cours magistral a aussi pour but de faire travailler
les étudiants sur les écritures théoriques et à les initier à la recherche en vue de
l’entrée en master.
Syllabus à chaque cours (plan et bibliographie).
Modern thought has produced a singular situation by talking about, along with philosophy, a
“philosophy of language” and a “philosophy of art.” It is therefore essential to attempt to think about
what this situation introduces to what is contemporary. It goes without saying that this obliges us,
more than ever, to think about the relationship which exists – contractual and conflictual – between
the spoken word (the logos and the muthos) and the work of art (the poem and the doxa). This lecture
course’s objective is a historical and philosophical analysis of the connections which structure our
thinking about the work of art and language; that is to say, our complex relation to operativity and
inoperativity our relation to the work of art and the power of discourse. This course also aims to have
the students work on theoretical writings and to initiate them to research with the perspective of
entering into the Master’s level.
Syllabus at the beginning of the course (plan and bibliography).
93
HISTOIRE ET THÉORIE DES ARTS au choix
DESIGN ACTUALITÉS
CULTURE DU DESIGN
HISTOIRE DU GRAPHISME, DE L’ÉDITION ET DE LA COMMUNICATION
Pierre Ponant
Jeanne Quéheillard avec la contribution de Didier Lechenne
La culture dans le design invite à regarder et à se documenter sur les choses
produites, objet, graphisme, espace, environnement.
Aborder le design en terme d’actualités permet de déjouer la temporalité de son
histoire au profit d’une simultanéité de ses productions, qui du 19ème siècle à nos
jours, continuent d’exercer leur attractivité.
Des publications et des expositions sur le design permettront de comprendre l’histoire
d’une production, ce qu’elle indique d’une pratique et d’un usage, ce qu’elle véhicule
d’une époque ou d’une société (techniques, styles, cultures…), ce qu’elle transmet
d’une filiation.
94
Culture in design invites us to look at and research things produced: objects, graphics, spaces,
environments. Approaching design in terms of recent developments enables us to get away from
a simply chronological history in order to look at simultaneous productions, which since the 19th
century, have continued to be attractive even today.
Publications and exhibitions on design help us to understand the history of a production, what it
indicates of a practice and a use, what it conveys about an era or a society (techniques, styles,
cultures…), what it shows us about filiations.
Évaluation contributions visuelles
et écrites dans un
blog design créé pour
l’occasion.
Français
2 sem.
2h30 hebdomadaire
3 ects sem. 3
3 ects sem. 4
3 ects sem. 5
1 ects sem. 6
Évaluation à la fin de chaque
semestre, sur la
remise d’un dossier de
recherches visuelles ou/
et écrites publié dans le
blog associé au cours
culture du design, et
crée pour l’occasion.
Français
2 sem.
2h bi-mensuel
3 ects sem. 3
3 ects sem. 4
3 ects sem. 5
1 ects sem. 6
Aujourd’hui le graphisme est un élément identifiable de la culture contemporaine
et un acteur important du domaine économique. Si l’essence même de cette pratique
est sa mise au service du pouvoir, politique et économique, le graphisme a su
néanmoins créer un espace de résistance permettant une émancipation du regard
et une vision critique de l’évolution de nos sociétés.
Le cours propose un parcours et une exploration du design graphique, de l’édition
et de la communication, de ses origines «modernes» au 19ème siècle à une actualité
contemporaine. Il se développe suivant un concept à la fois chronologique, en suivant
l’évolution des arts graphiques dans tous les pays qui en ont marqué sa fonction,
thématique par l’analyse des supports, imprimés et magazines, affiche, audiovisuel
et multimédia et transversal, dans sa fonction de carrefour et vecteur des recherches
plastiques et du questionnement éthique.
Objectif : cet enseignement doit permettre à l’étudiant de définir les champs
d’application du design graphique et d’en analyser les développements. Il donne à
l’étudiant les outils pour une mise en perspective du média graphique face à l’histoire
moderne et contemporaine des techniques de l’information et de la communication,
des formes et de l’art.
Today graphic art is an identifiable element of contemporary culture and an important actor in the
economic sphere. If the very essence of this practice is its use for gaining political and economic
power, graphic art nevertheless has managed to create a space of resistance permitting an
emancipation of vision and a critical look at the evolution of our societies.
This course proposes an overview and an exploration of graphic design, publishing and
communication, from their “modern” beginnings in the 19th century up to contemporary and
current developments. It follows a chronological concept, tracking the evolution of the graphic arts
in all countries who have affected its function, and is thematic, using analysis of mediums, printed
matter and magazines, posters, audiovisual and multimedia, and multi-disciplinary in its action as a
crossroads and vector of artistic research and ethical investigation.
Objective: This class should enable the student to define the fields of application of graphic design and
to analyze its developments. It gives the student tools for putting the graphic media into perspective
in the context of the modern and contemporary history of the information and communication
techniques, forms and art.
95
HISTOIRE ET THÉORIE DES ARTS au choix
96
LU, VU, ENTENDU
ANEMIC CINéMA
Benjamin Thorel
Marie Murraciole
avec la collaboration de Seydou Grépinet (A) et Jean Simard
Seront envisagés et discutés dans ce cours les modes de présentation et de diffusion
de l’art contemporain, de l’exposition au livre d’artiste en passant par l’entretien, la
critique d’art ou Internet. Loin d’être de simples accidents ou circonstances anodines,
ces lieux, ces moments et ces textes font partie intégrante du travail et de la vie d’un(e)
artiste. Une œuvre, une démarche se développe dans des circonstances particulières
– à commencer par l’exposition – en dialogue avec d’autres artistes, des curateurs,
théoriciens, écrivains…
En se focalisant sur des moments et des gestes importants de l’histoire de l’art des
50 dernières années, il s’agira de mettre en avant des stratégies et des méthodes de
travail singulières, ainsi que des propositions emblématiques. On travaillera sur des
artistes aussi bien que des auteurs et des commissaires d’exposition qui ont construit
une œuvre cohérente, grâce à des modes de création et de prise de parole originaux.
Le cours s’appuiera également sur l’actualité artistique : expositions en cours,
nouvelles publications, débats critiques… feront l’objet de comptes-rendus et
d’exposés. L’actualité de l’édition sera notamment abordée en relais avec la
bibliothèque de l’EBABX.
This course will look at and discuss different modes of presentation and diffusion of contemporary art,
from the exhibition to the artist’s book by way of the interview, art criticism or Internet. Far from being
simple accidents and insignificant circumstances, these places, these moments and these texts make
up an integral part of an artist’s work and life. A work, a way of working, is developed in particular
circumstances – beginning with the exhibition – in dialogue with other artists, curators, theoreticians,
writers…
While focusing on important moments and movements in the history of art of the past 50 years, our
goal is to highlight singular strategies and methods of working as well as emblematic propositions.
We will work on artists as well as authors and exhibition curators who have constructed a coherent
piece of work, thanks to original modes of creation and talking about them.
This course will also take a look at today’s artistic activities: current exhibitions, new publications,
critical debates… these will all be subjects of reports and writing assignments. Notably, the present
state of publishing will be investigated in collaboration with the EBABX library.
Évaluation Assiduité, participation
en cours, exposés.
Français
2 sem.
2h hebdomadaire
3 ects sem. 3
3 ects sem. 4
3 ects sem. 5
1 ects sem. 6
Évaluation une programmation
entre 10 et 20 mnUne installation/
un film (max 15mn) Obligatoire au choix
Obligatoire pour les
étudiants inscrits au
studio vidéo au 1er
et au 2ème semestre.
Français
2 sem.
2h30 bi-mensuel
3 ects sem. 3
3 ects sem. 4
3 ects sem. 5
1 ects sem. 6
Les enjeux du mouvement des images pris entre industrialisation et expérimentation
des images, c’est à dire selon différentes modalités d’exposition qui mettent l’image
à l’épreuve de son spectacle. Presque tous les artistes, aujourd’hui ont recours à
la vidéo et au cinéma: support d’un propos documentaire, critique ou dramatisation
de la fascination cinétique, extension d’un geste, enregistrement d’une performance,
subversion des jeux de fiction, allègement des moyens narratifs...
Ce mouvement entraîne les catégories et les territoires de l’art, les genres,
les circuits du sens.
Dan Graham, Bruce Nauman, Marcel Broodthaers, Tacita Dean, Joan Jonas,
Babette Mangold, David Lamelas, Zoe Leonard, Anthony McCall, Tony Morgan...
This studio is about the issues of the movement of images caught between the industrialization and
experimentation of images, that is, according to different exhibition methods that put the image to the
test in the context of its being seen. Almost all artists today use video or cinema: as the medium for
a documentary or critical idea, for dramatization of the kinetic fascination, the extension of gestures,
recording a performance, subversion of fictions, lightening-up of narrative means…
This movement involves the categories and fields of art, different genres, and the circuits of meaning.
Dan Graham, Bruce Nauman, Marcel Broodthaers, Tacita Dean, Joan Jonas, Babette Mangold,
David Lamelas, Zoe Leonard, Anthony McCall, Tony Morgan...
97
LANGUE éTRANGèRE
ANGLAIS
ESPAGNOL
Patricia Chen / Galen Bangs
Carmen Alcocer
Niveau 1 : Améliorer la communication et la compréhension de l’anglais.
Révision des bases grammaticales à travers une pratique orale.
Niveau 2 : Approfondir la pratique orale et écrite de l’anglais en abordant des sujets
liés au domaine artistique, en coordination avec d’autres enseignements.
Apports bibliographiques, vidéographiques et cinématographiques et textes critiques.
En année 3, préparation au programme Erasmus et traduction de mémoires.
98
Level 1: improve communication in and understanding of English. Revision of grammatical bases
through oral practice.
Level 2: further develop the oral and written practice of English by dealing with subjects associated
with the artistic arena, in coordination with other classes.
Bibliographical, video and film input, plus critical texts.
Évaluation sur participation active
et contrôle continu.
2 sem.
Hebdomadaire
par groupe de niveau
2 ects sem. 3
2 ects sem. 4
3 ects sem. 5
1 ects sem. 6
Évaluation sur participation active
et contrôle continu.
2 sem.
Hebdomadaire
par groupe de niveau
2 ects sem. 3
2 ects sem. 4
3 ects sem. 5
1 ects sem. 6
À l’issue des trois années, les étudiants doivent être capables de : comprendre tout
message oral de la langue espagnole et s’exprimer dans cette même langue dans
le domaine de l’art ; réagir de façon spontanée et adaptée en situation de présentation
d’un projet ; retenir l’essentiel d’un ensemble de documents écrits en langue
espagnole et les commenter.
After three years, students must be capable of: understanding all oral messages in the Spanish
language and expressing theselves in this same language in the domain of art; reacting in
a spontaneous and suitable way during the presentation of a project; remembering the essence
of a set of documents written in Spanish and commenting thereupon.
99
In year 3, preparation for the Erasmus programme and translation of theses.
STAGE
Claude Alemant, Jean-Michel Lidon, Peter Liesenborghs, Cécile Renaut,
avec Christophe Ballangé (A), Yann Cloutier (A), Sébastien Collet (A),
Laurent Décremps (A), Suguru Goto (A), Seydou Grépinet (A),
Myriam Lavialle (A), Cyriaque Moniez (A), Farid Bourenane (T),
Pierre Lavesque (T), Patrick Mouret (T), Emmanuel Sorel (T)
Le stage fait partie intégrante du cursus et est obligatoire en Année 2.
Il permet à l’étudiant d’intégrer sur une durée déterminée un milieu professionnel
défini, afin de faire l’acquisition de savoirs et de modes de production spécifiques.
Le choix du stage se fait en fin de semestre 3, accompagné par les enseignants
des arcs et de tutorat. Un rapport de stage doit être rédigé à l’issue du stage.
The training course is an integral part of the degree course and is required in the year 2.
It helps students, over a given period of time, to become part of a defined professional milieu in order
to acquire knowledge and specific production methods. The training course is chosen at the end
of semester 3, accompanied by arcs teachers and tutors. A course report must be made at the end
of the training course.
Dans le cadre des arcs, les étudiants sont accompagnés par des enseignants, des
assistants spécialisés et des techniciens pour la réalisation de leurs projets.
L’aide peut être liée à la thématique des arcs, avec formations et suivis à la production
personnalisée, selon les sujets collectifs, ou une approche plus pointue, avec
l’étudiant, autour de son projet personnel.
Sur rendez-vous, en vue de l’utilisation optimale des outils et des espaces techniques.
As part of the arcs, students are assisted by teachers, specialized assistants and technicians for the
execution of their projects.
Help may be linked to the theme of the arcs with training and monitoring of personalized production,
based on collective subjects, or a more distinct approach with the student focusing on his personal
project.
By appointment with a view to optimum use of the tools and technical areas.
100
101
ART
année 2
année 3
Méthodologie, technique et mise en oeuvre
ARC
Studio
Méthodologie
Réanimation du temps/
Photographie (histoires)
Présentation formelle et orale
du travail
102
Méthodologie
Pratique des langues étrangères
Recherches personnelles
ARC
sem. 3
sem. 4
8
5
2
8
5
2
1
1
2
2
3
1
3
1
2
2
2
2
4
4
DESIGN
Méthodologie, technique et mise en oeuvre
ARC
Studio
Méthodologie
des travaux
Philosophhie de l’art
du travail
ARC
sem. 5
sem. 6
7
4
3
2
4
3
1
3
3
2
2
2
3
1
103
5
Réussite au passage du diplôme
15
DESIGN
Méthodologie, technique et mises en oeuvre
ARC VIP Designs
Studio
Méthodologie Culture du design
ou Histoire du graphisme
Présentation formelle et orale du travail
Photographie (histoires)
ART
ARC VIP Designs
8
5
8
5
2
2
1
2
1
2
3
3
1
1
2
2
2
2
4
4
Méthodologie, technique et mises en oeuvre
ARC VIP Designs
Studio
Présentation formelle et orale des travaux
Philosophie de l’art
Présentation formelle et orale du travail
ARC VIP Designs
Réussite au passage du diplôme
DNAP 180 ects dont 15 ects réservés au diplôme.
7
4
4
3
3
2
1
3
3
2
2
2
3
1
5
15
années 4/5
Semestres 7 à 10
Niveau DNSEP - grade Master
En concevant l’enseignement MASTER en
tant que plateforme de recherche et dispositif
différencié des études antérieures, l’entrée
en années DNSEP-Master est sélective et
affaire d’une décision collégiale (sur dossier
et entretien) pour accompagner de manière
satisfaisante les étudiants dans un parcours de
recherche approfondie, vers un diplôme de haut
niveau, vers une sortie d’école avec l’aptitude
à engager une recherche ultérieure et de
réelles perspectives d’évolution dans une vie
active d’artiste ou de designer (post-diplômes,
résidences nationales et internationales, autres
cycles de niveau D, création d’un métier dans le
territoire artistique). Cette démarche suppose
une grande autonomie et une forte implication
dans l’actualité des pratiques et la recherche
théorique dans les territoires de la culture.
L’atelier (ARC), la direction de mémoire et le
séminaire théorique, les journées d’étude, la
pratique d’une langue étrangère et le stage
professionnel choisis par chaque étudiant
constituent le dispositif de recherche et
de production. Le tutorat accompagne les
présentations publiques des étudiants dans la
préparation de leur diplôme.
Deux LABORATOIRES, PUBLICA©TION et
MAKING IS KNOWING, organisent la recherche
en années master. ils concernent tous les
étudiants, qu’ils se destinent à un master art
ou design.
C’est dans le cadre de ces laboratoires que sont
déterminés les projets de recherche. Un grand
projet de recherche a été lancé cette année :
- Ouest / West. Un festival pour tous les arts :
Sigma, l’archive vivante s’inscrit dans le
laboratoire PUBLICA©TION.
Des journées d’étude ponctuent les
recherches des étudiants et permettent de
croiser les réflexions avec des chercheurs.
L’atelier de recherche et de création (ARC)
mène un programme collectif, souvent
thématique, lié plus particulièrement aux
territoires de la production professionnelle
de l’art et du design. Il s’agit non seulement
de mettre en avant l’originalité du projet de
chacun dans ses aspects novateurs, mais
aussi de retravailler au cas par cas, dans le
frayage du projet individuel, les conditions
sociales et matérielles de production des
oeuvres, d’exposition et de diffusion, les
conditions d’interprétation, les thèmes et les
langages de la culture de notre temps.
Les séminaires théoriques proposent des
sujets de recherche et s’associent aux
thématiques de recherche et aux projets
collectifs. Ils sont au coeur d’un dispositif
de recherche théorique et critique qui doit
susciter des sujets de mémoires personnels,
et les inscrire dans une problématisation
des sujets de l’art ou du design. Ils sont
dirigés par des enseignants théoriciens
et artistes tout à la fois, en relation avec
d’autres établissements de recherche et avec
la participation d’intervenants français ou
internationaux.
Les travaux et productions des séminaires
(documents et écrits, documentaires, œuvres
visuelles, audio, diaporamas, multimédia etc.)
réalisés individuellement ou en collaboration
sont évalués en accord avec les participants,
universitaires, artistes, curateurs de centre
d’art, etc.
107
L’élaboration du mémoire est suivie par une
équipe de direction de mémoire interne à
l’école avec un directeur de mémoire choisi
par l’élève, avec la collaboration éventuelle
de personnes extérieures, universitaires et
équipes de recherche. Un rendu du mémoire
sous forme de texte est présenté lors d’une
soutenance orale, devant un jury. Un cours
de méthodologie de la recherche introduit ce
travail de mémoire.
108
Au niveau MASTER, l’enseignement des
langues, anglais ou espagnol, consiste en
entretiens en face-à-face, entièrement en
langue ciblée, autour du projet personnel
et de sa présentation à l’étranger.
L’accompagnement bilingue dans la recherche,
l’élargissement du vocabulaire artistique, la
lecture et la traduction de textes critiques et
littéraires font partie du programme.
L’enseignement MASTER se complète par
une formation/mise à niveau « boîte à
outils » (dossiers personnels et CVs, statuts
socioprofessionnels, création de micro
entreprise ou association, droits d’auteur)
avec des experts au plus près des réalités
professionnelles.
L’école organise pour les étudiants de
nombreux projets de recherche extérieurs
avec des partenaires, des séjours et échanges
internationaux, des collaborations avec des
universités, des événements artistiques et
culturels, et des centres d’art. L’expérience
d’une pratique avec des professionnels
(le curateur, le producteur, l’éditeur, le
commanditaire, le médiateur) est ici en jeu.
La mise en oeuvre d’une exposition et/ou
d’une publication est également un sujet de
recherche collective.
de l’art et du design).
Le passage du DNSEP est constitué, pour les
deux options, de deux épreuves : la soutenance
d’un mémoire d’une durée de vingt minutes,
la soutenance d’un travail plastique d’une
durée de quarante minutes. Les deux épreuves
comprennent un entretien avec un jury. Ce
diplôme est homologué au grade Master.
DNSEP 300 ects
dont 30 réservés au diplôme et au mémoire.
Semesters 7-10
DNSEP level – Masters degree
Semestres 7 à 10 : 120 ects requis. Le programme
d’études est clairement défini dans le Contrat
d’études établi avec le tutorat et signé par l’étudiant,
l’établissement et les établissements internationaux
dans le cadre de la mobilité.
By conceiving the Masters teachings as a platform
for research and a differentiated learning system
for previous studies, the admission in DNSEPMasters degrees is selective and validated by
a collegial decision (based on records and an
interview), so as to correctly accompany students
in the course of their in-depth research, towards a
high-level degree, towards leaving the School with
the capacity to start subsequent research, with
real perspectives of evolution in a professional
artist or designer career (post-diplomas, national
and international residencies, other D-level cycles,
creation of a profession in the artistic field). This
approach requires great autonomy and a strong
implication in the current issues of cultural
practices and theoretical research. The individual
monitoring groups (tutorial system), the workshop
(ARC), thesis supervision and theoretical seminar,
as well as the study days, practice of a foreign
language and professional internship chosen by
each student, are what form the research and
production program.
À la fin du semestre 8, l’étudiant doit avoir obtenu
entre 228 et 240 crédits. Le passage en semestre
9 se fait sous condition de rattrapage des crédits
manquants. Les modalités de rattrapage sont définies
dans le Contrat d’études du semestre 9.
L’étudiant ayant obtenu 240 crédits est titulaire du
certificat d’études supérieures d’arts plastiques
(cesap) délivré par l’École et agréé par le Ministère de
la Culture.
Nul ne peut se présenter aux épreuves du diplôme
s’il n’a obtenu 270 crédits, réalisé un stage et s’il n’a
soutenu son mémoire au semestre 10.
Au terme de ce cursus de deux ans, les artistes
chercheurs proposent, par leurs oeuvres et
projets, une forme d’exposition publique, et se
préparent à des interpellations critiques. C’est
le passage du Diplôme National Supérieur
d’Expression Plastique (DNSEP), art ou design,
devant un jury spécifique constitué de cinq
membres de la communauté professionnelle
(artistes, critiques et théoriciens, producteurs
Two LABORATORIES – PUBLICA©TION and
MAKING IS KNOWING – organise research
during Master studies. They concern all students,
whether they choose to apply for a Masters degree
in Art or Design.
Research projects are determined during these
laboratories. One research project is launched this
year:
- Ouest / West. ‘A festival for all arts: Sigma, the
living archive’ (PUBLICA©TION laboratory).
Study days punctuate the students’ research and
make it possible for them to exchange thoughts
with other researchers.
The research and creation workshop (ARC)
proposes a collective and often thematic
program, linked more specifically to the fields
of professional art and design production. This
does not only aim to highlight the originality of
each project in its innovative aspects, but also
to reconsider, on a case by case basis and
in the wake of individual projects, the social
and material conditions of the production
of artworks, exhibition and broadcasting,
interpretation conditions, themes, and the
languages of current culture.
The theoretical seminars propose research
subjects and associate with the research themes
and collective projects. They are at the heart of a
theoretical and critical research program, which
is supposed to help find personal dissertation
subjects and integrate them into a questioning
of subjects related to art and design. They are
supervised by teachers / theorists / artists,
partnered with other research institutions and
French or international participants.
The work and productions elaborated individually
or collectively during the seminars (documents
and written work, documentaries, visual
works, audio, slideshows, multimedia, etc.) are
evaluated in agreement with the participants,
academics, artists, gallery curators, etc.
An internal team from the School supervises
the elaboration of each thesis, with a thesis
advisor chosen by the student, and the possible
collaboration of exterior participants, academics
or research teams. The thesis is to be handed
in the form of a text and presented during an
oral examination in front of a jury. A course in
research methodology will afford an introduction
to the principles of thesis work.
At Masters level, English or Spanish learning
consists in one-to-one dialogs, in the chosen
language entirely, focused on the subject of the
student’s personal project and its presentation
abroad. Bilingual supervision during research,
widening of the artistic vocabulary, as well as
reading and translating critical and literary texts
are all a part of the program.
The Masters degree course also comes with a
training / ‘toolbox’ upgrade (personal records
and CVs, socio-professional status, micro
business or association creation, copyright)
with the help of experts, as close as possible to
professional reality.
The School organises many exterior research
projects for students, with partners, international
residencies and exchanges, collaborations with
universities, artistic and cultural events, and art
109
centres. What is important here is experiencing
work with professionals (curators, producers,
publishers, sponsors, mediators). The planning of
an exhibition and / or a publication is also a subject
of collective research.
At the end of this two-year training, the artistresearchers propose a form of public exhibition
of their works or projects, thereby preparing
themselves for critical questioning. This is
the graduation exam for the Diplôme National
Supérieur d’Expression Plastique (DNSEP), with art
or design option, presented in front of a specialised
jury made up of five members of the professional
community (artists, critics, theorists, and art and
design producers).
For both options, the DNSEP exam consists of two
tests: a twenty-minute examination of the written
dissertation, and a forty-minute examination of the
artwork. Both tests include an interview with a jury.
This diploma is officially accredited as a Masters
degree.
110
DNSEP - 300 ects (credits), of which 30 are used for
the diploma and thesis.
Semesters 7-10: 120 credits required. The study
program is clearly defined in the Study Contract
established with the tutorial system and signed
by the student, the School, and other international
establishments in case of foreign exchanges.
At the end of Semester 8, the student needs to have
obtained between 228 and 240 credits. Gaining a
pass mark to Semester 9 requires catching up on
missing credits. The conditions for catching up are
defined in the Study Contract for Semester 9.
After gaining 240 credits, a student will be entitled to
a Certificat d’études supérieures d’arts plastiques
(cesap) delivered by the School and approved by the
Ministry of Culture.
No student can apply for the diploma’s exam if
he has not been granted 270 credits, followed an
internship, and presented his thesis at the end of
Semester 10.
la recherche
Thèmes
L’école identifie, parmi les thèmes et contenus qui, aujourd’hui, mobilisent
la recherche à l’échelle internationale, trois axes privilégiés qui infléchissent
les deux options de l’École, art & design, et se croisent, en théorie et en pratique,
de manière complémentaire :
L’archival turn
L’archive est devenue le matériau par excellence de l’art contemporain et,
par « contamination », du design contemporain.
111
On sait que, en-deçà des enjeux de mémoire qui sont entrés massivement
dans le registre des pratiques artistiques, le tournant conceptuel des années
70 a donné sa pleine légitimité à l’interrogation du document et de l’archive.
La logique du montage, empruntée au cinéma, a achevé de constituer l’archive
en matériau de prédilection des artistes et designers, ouvrant un horizon qui
semble infini au « style documentaire ».
Le travail sur l’archive est devenu la priorité d’une génération qui interroge
à nouveaux frais la « modernité ». L’apparition de nouveaux acteurs sur la
scène internationale donne un caractère d’urgence à cette interrogation
générationnelle : pour les petits-enfants de l’Europe communiste ou des nations
jadis colonisées, la réappropriation de l’archive est un enjeu vital.
Ce phénomène, qui a d’abord mobilisé les artistes, tend à devenir un enjeu
pour les designers, soucieux d’inscrire leur pratique dans une histoire encore
à constituer.
Néanmoins on constate que le thème n’est pas pris en compte dans toute
son ampleur, et que certains de ses enjeux principaux ont été jusqu’à présent
contournés, offrant à la recherche en école d’art une marge de manœuvre
considérable. En outre le changement de paradigme induit par le passage au
numérique est insuffisamment pris en compte, tout particulièrement dans
le champ audio-visuel. Le numérique ouvre l’archive à une ère nouvelle.
Ici le quantitatif transforme qualitativement son objet : la notion d’archivage
change du tout au tout quand l’échelle que laisse entrevoir la numérisation
se transforme de manière aussi spectaculaire.
Si le passage au numérique a déjà profondément transformé le monde de
la création et du patrimoine audiovisuel, les archives filmiques et audiovisuelles
sont à l’aube d’une nouvelle révolution, grâce aux derniers progrès des outils de
description et d’analyse de contenus issus de la recherche.
Dans le même temps, les outils numériques appliqués à des corpus plus restreints vont
permettre de travailler les multiples réutilisations d’une même archive à travers le
temps, d’en réfléchir la dématérialisation et les problèmes de sources qui en découlent
pour les sciences humaines et sociales.
On devine donc qu’ici la fonction du designer est au tout premier plan de la recherche
dans sa dimension prospective : les opérations d’archivage, de classification et
d’identification, de mise en disponibilité, de consultation et d’exposition requièrent son
intervention à tous les niveaux de la réflexion.
L’enquête
L’enquête est devenue la modalité de prédilection d’une (voire deux générations
et plus) d’artistes.
112
Sauf exceptions, il ne s’agit plus guère de l’enquête policière dont le modèle avait pu
informer nombre de projets d’artistes des années 70 / 80, soucieux de réintroduire
la dimension de la fiction dans le travail de l’art.
Il s’agit de cette modalité d’enquête dont l’ethnologue ou le sociologue ont fixé
le modèle. Soit qu’il y ait là une voie ouverte à l’interaction sociale prise pour fin :
le revival de l’activisme coïncide avec la puissance retrouvée du modèle de l’enquête
dans les pratiques artistiques aujourd’hui. Soit que l’artiste nourrisse l’enquête
de la puissance d’affect de l’investigation psychanalytique : l’anamnèse vient
« recharger » d’enjeux personnels l’enquête « objective » ou « objectivante », selon
un modèle dont Tristes Tropiques ou L’Afrique fantôme ont fixé les termes.
Entre ces deux modèles, une infinité de gradations, comme en témoignent les travaux
de Marjetica Potrc, Hito Steyerl ou Natascha Sadr Haghighian … mais dans tous les cas
l’enquête définit l’art comme recherche, abolissant une série d’oppositions devenues
caduques : théorie / pratique, art / science (humaine), art / architecture ou art / design.
Dans la perspective ouverte jadis par un texte célèbre de Walter Benjamin, « L’auteur
comme producteur », et largement réélaborée par les théoriciens contemporains,
elle détermine sa place comme « Knowledge Production » dans la nouvelle économie
de la connaissance et l’espace politique qui reste à lui associer.
Ici encore, on peut regretter que presque aucune confrontation n’intervienne avec
les nouvelles interrogations portées sur l’enquête dans le champ des sciences
humaines, et par ses praticiens eux-mêmes.
Or quand un format exemplaire comme l’entretien, par exemple, ou un modèle
statistique, deviennent objet d’investigation sur les méthodes et les enjeux de
l’ethnologie ou de la sociologie, on pourrait imaginer qu’une réflexion commune
associe tous ses praticiens.
Et on pourrait imaginer, à l’heure où le thème des open data ne touche encorequ’un
public « spécialisé », que les nouveaux formats de mise à disposition des données
qu’autorise le numérique suscite l’enquête conjointe de tous ceux pour qui la question
de l’accès est plus qu’une question technique : vecteurs incontournables de l’action
politique, qui peut douter de leur caractère performatif ?
Ici encore la conjonction des approches des designers, des praticiens des SHS,
des artistes, des penseurs du politique, des activistes est à l’ordre du jour.
Making is knowing
La question du faire et de l’exécution a été largement disqualifiée par
la modernité. Le « deskilling », que l’on peut traduire par « déqualification »,
« perte de compétence » ou « dévaluation de l’exécution » est l’une des conditions,
explicitement revendiquée, de l’art moderne.
Au contraire le « savoir-faire » ou la « facture » ont souvent servi de slogan pour
des mobilisations réactionnaires dans le champ de la théorie de l’art.
Ce thème de recherche s’inscrit dans un champ d’interrogations très différentes.
Il interroge la question du faire comme mode de la connaissance. Né de l’observation
des pratiques au sein des ateliers de l’École, il coïncide avec un réinvestissement
récent de la question du « faire », « craft » ou « maker’s knowledge », dans des
champs très différents : anthropologie, sociologie et philosophie des sciences,
théorie et histoire du design, tandis que le réinvestissement de cette question dans
le champ de la théorie de l’art demeure, pour le moment, et malgré des antécédents
prestigieux (l’école viennoise d’histoire de l’art au début du XXe siècle), marginal.
Ici le champ d’investigation qui s’ouvre devant nous, est caractérisé par une
convergence exceptionnelle de domaines d’investigation qui, généralement,
s’ignorent.
Dans le champ de l’histoire et de la théorie des sciences, on a pu parler de « tournant
pratique » : depuis les années 80, la place de l’instrumentation, des objets, des
procédures, des savoir-faire, des tours de main et des traditions de fabrication dans
l’élaboration des sciences, les plus « désincarnées » comprises (la physique par
exemple ), tout cela est au centre de l’attention des chercheurs. Une nouvelle histoire
des pratiques scientifiques est venue détrôner l’historiographie « platonicienne »
des grands concepts et de la succession des « purs esprits ». Shapin & Shaeffer,
Latour, Rheinberger ou Galison en ont formulé modèles et enjeux. Elle se traduit
par de vastes chantiers de recherche au Max Planck Institut de Berlin, au MIT ou à
Cambridge.
L’anthropologie aussi s’est ré-ouverte à la question du faire. Dans la tradition anglosaxonne, un chercheur comme Tim Ingold interroge à l’échelle du geste livelihood,
dwelling et skill (les compétences nécessaires à l’établissement humain dans un
environnement donné), et approche le dessin comme modèle épistémologique.
Richard Sennett, dans le cours d’une longue enquête sur le travail et sa déqualification,
en vient à interroger « le savoir de la main ». En France le lent réveil d’une tradition
épistémologique plus ou moins éclipsée par le structuralisme (le Mauss des
« techniques du corps », André-Georges Haudricourt, Gilbert Simondon) place la
question de la technique au cœur du questionnement philosophique.
C’est de Londres, du Victoria & Albert Museum, qu’est venue, dans le champ
du design, la réapparition du thème du craft, porté par Glenn Adamson, auquel
aujourd’hui se sont joints les chercheurs du Courtauld Institute rassemblés dans
des programmes de recherche, « The Clever Object » ou « The Material Life of
Things », qui revisitent un ordre de questions suscitées, au milieu du XIXe siècle
par l’Exposition Universelle de Crystal Palace (la distinction art /industrie, artisanat /
industrie, art / artisanat, etc.)
113
114
Programme général
Les laboratoires de recherche
La recherche est placée sous le contrôle d’un Conseil Scientifique international,
qui propose et oriente les programmes de recherche auprès de la Direction,
du Conseil Pédagogique, du Conseil d’Administration. Il inspire et organise
la convergence entre la recherche menée au sein de l’école et le monde
de la recherche.
Les membres du Conseil Scientifique sont :
* Patricia Falguières (enseignante - chercheur à l’EHESS et professeur
à l’EBABX-École d’Enseignement Supérieur d’Art de Bordeaux),
* Béatrice Fraenkel (directrice du centre d’anthropologie de l’écriture, EHESS),
* Jacques-François Marchandise (co-directeur de la fondation internet nouvelle
génération–FING),
* Antonio Muntadas (artiste et enseignant -chercheur au MIT).
Le Conseil Scientifique est représenté, entre les sessions du Conseil, par sa
déléguée Patricia Falguières.
Deux laboratoires de recherche collective organisent la recherche et l’enseignement
en années 4 & 5 :
La recherche est pilotée par le Bureau de la Recherche (BDLR) : un groupe
opérationnel de professeurs de l’EBABX, nommé par la Direction de l’École,
validé par le Conseil Scientifique et piloté par sa déléguée.
Il coordonne l’activité des laboratoires / plateformes de recherche, les filières
thématiques du parcours pédagogique associé à la recherche pour les années
master et les projets de recherche spécifiques. Il en désigne les professeurs
responsables, les moyens techniques et financiers et en détermine,
sous le contrôle de la Direction, les plans d’étapes et les modes de validation.
1. PUBLICA©TION
2. MAKING IS KNOWING
Ils concernent tous les étudiants des années 4 et 5, qu’ils se destinent à un Master
Art ou un Master Design.
C’est dans le cadre de ces laboratoires que sont déterminées les activités qui,
dans le parcours pédagogique en années 4 & 5, relèvent de la recherche :
1) les mémoires de master,
2) les journées d’études, tables-rondes, workshops articulés aux filières
thématiques travaillées dans le cadre des ARCS et des séminaires,
3) les journées d’études, tables–rondes, colloques associés aux projets de recherche
4) les publications, productions et expositions associées aux projets de recherche,
5) les workshops spécifiques.
Enfin les plateformes constituent, de manière générale, une base de ressources
théoriques pour les travaux menés au fil du parcours pédagogique des années 4 & 5.
Projet de recherche
OUEST / WEST
UN FESTIVAL POUR TOUS LES ARTS : SIGMA, L’ARCHIVE VIVANTE.
Principes
* Sensibiliser les étudiants des années 4 & 5 dans leur ensemble aux enjeux
et aux méthodes de la recherche aujourd’hui, de les familiariser avec les acteurs
de la recherche dans le monde,
* Faire émerger de la théorie et de la pratique des ARCS des thèmes de recherche
qui enrichiront « la recherche »,
* Préparer les étudiants qui le souhaiteront à poursuivre la recherche après leur
DNSEP, à l’occasion d’un troisième cycle.
C’est dire que la recherche est à la fois dépendante du parcours de formation
des étudiants en années 4 & 5, qui la nourrit et qu’elle informe, et indépendante :
elle ne recoupe pas l’ensemble de leur parcours de formation (tout ce qui se fait en
années 4 & 5 n’a pas vocation à être traité au niveau de la recherche), elle ouvre le
travail des étudiants sur le monde extérieur, sur l’ailleurs de la recherche en cours.
De 1965 aux années 90, le festival SIGMA fait de Bordeaux l’un des rendez-vous
européens des avant–gardes.
Il fait reconnaître en France quelques unes des figures les plus marquantes
de la contre-culture américaine (le Living Theatre, le Bread & Puppet, le Barbwire
Theatre) ou européenne (Arrabal, le Grand Magic Circus), popularise les œuvres
de Silvano Bussoti, Webern, Varese, Xenakis, Sun Ra ou Pierre Henry, coexister
happenings (Jean–Jacques Lebel) et art cinétique (Nicolas Schöffer), Mondrian et
les Pink Floyd. Télévision, design, écologie ou cybernétique nourrissent expositions
et conférences. Pendant une semaine chaque année, Bordeaux, placée au centre de
l’attention des médias, devient une capitale internationale de « la recherche dans
tous les arts ».
Né de l’initiative d’un groupe d’intellectuels (dont Abraham Moles) réuni autour du
musicien et homme d’affaires bordelais Roger Lafosse, le festival a reçu l’impulsion
décisive d’une personnalité politique de premier plan dans la France des années
soixante, Jacques Chaban-Delmas, le maire de Bordeaux, qui fit de SIGMA
le porte-drapeau de sa politique culturelle.
Le déclin progressif de SIGMA au fil des années 80 n’a pas tari la mémoire très vive
qu’en a conservé le public, local et national.
115
Quelques mois avant sa disparition en 2011, Roger Lafosse, fondateur du festival,
a fait don à la Ville de Bordeaux, pour les Archives Municipales, des archives
de SIGMA.
116
Le laboratoire PUBLICA©TION ouvre un chantier de recherche et de formation
à la recherche sur les archives du festival SIGMA :
- les archives SIGMA offrent un point de vue privilégié sur les avant-gardes des
années 60 & 70 dont l’histoire reste à écrire,
- elles posent la question spécifique de la réinscription dans l’histoire de pratiques
artistiques qui ont cherché explicitement à s’en affranchir,
- elles permettent de reconsidérer la question mal posée des relations centre /
périphérie, en intégrant la dimension internationale de la scène locale bordelaise,
- elles offrent un matériau largement inédit à une réflexion en profondeur sur
le sujet encore très obscur des relations théâtre / performance / arts plastiques,
- elles engagent à une réflexion sur les formats d’exposition de l’art :
si les biennales, par exemple, ont donné lieu récemment à une série d’études
intéressantes, le format « festival », bien que privilégié par FLUXUS, n’a pas encore
suscité d’étude convaincante. Il semble désormais réservé au monde du théâtre
ou de la musique, et c’est à partir de ces modèles qu’il tend aujourd’hui à faire retour
au cœur des institutions muséales (voir le « festival » du centre Pompidou),
- elles offrent des aperçus inédits sur les relations arts / télévision, la présence de
l’ORTF aux cotés des initiateurs du festival demeurant une caractéristique de SIGMA.
Ce chantier de recherche sera mené, en étroite collaboration, par les Archives
Municipales de Bordeaux, en partenariat avec l’EBABX, le CAPC, l’EHESS (Centre
d’Anthropologie de l’Écriture, PRI Archives des Arts & Media contemporains),
CAlArts.
Themes
Among the themes and contents, which, nowadays, mobilize research at an international scale. The
School has identified three privileged areas that influence the two options it offers – art and design –
and that come together in a complementary way, in theory and in practice:
The archival turn
Archive has become the archetypal material of contemporary art and, by ‘contamination’, of
contemporary design.
We know that beyond the issues of memory, which have become massively part of the field of artistic
practices, the conceptual turning point of the 70s fully legitimized the questioning of documentation
and archive. The logic of editing, borrowed from film, was a final step in establishing archives
as a favourite material for artists and designers, by opening a seemingly infinite horizon for the
‘documentary style’.
Working on archive has become the priority of a generation that questions ‘modernity’ anew. The
arrival of newcomers on the international scene gives this generational questioning a quality
of urgency: for the grandchildren of Communist Europe or of nations once colonised, the act of
recovering archive is primordial.
This phenomenon, which especially mobilized artists at first, is now becoming an issue for designers
who wish to include their practice within a history yet to be built.
Yet we notice that the theme has not been considered at its full extent, and that some of its major
issues have been sidestepped until now, leaving research in art schools with considerable breathing
space. Furthermore, the paradigmatic change induced by the transition to digital systems is not
sufficiently taken into account, especially in the audiovisual field. Digital systems open up a whole
new era to archives. In this case, quantity gives a new quality to its object: the notion of archiving itself
changes completely when the scale suggested by digital processing transforms it so spectacularly.
If the transition to digital systems has already deeply transformed the world of creation and of
audiovisual heritage, film and audiovisual archives are at the dawn of a new revolution, thanks to
the recent progress made by research in the fields of contents description and analysis. At the same
time, digital tools applied to more limited corpuses make it possible to work on multiple reuses of a
same archive through time, to reflect its dematerialization and the source problems this generates in
human and social studies.
So, in this case, we can surmise that the function of designer plays a leading part in research in its
prospective dimension: the processes of archiving, classifying, and identifying, as well as making
documents available for consultation and exhibition, require his intervention at all the stages of
reflection.
Investigation
Investigation has become a favourite method for an entire generation of artists – if not two or more.
With minor exceptions, this is nothing like the model of a police investigation, which might have
influenced many an artist’s project in the 70s and 80s, with a will to reintroduce a fictional dimension
in their artwork.
This is a type of investigation method established by ethnologists and sociologists. Either because
it represents an open path to social interaction as an end – the revival of activism coincides with the
new-found power of the investigation standard in current artistic practices – or because the artist
feeds the investigation with the affective power of a psychoanalytic study – the anamnesis ‘recharges’
117
the ‘objective’ or ‘objectivising’ investigation with personal issues, following a model established by
Sad Tropics or Phantom Africa. There is an infinity of gradations between these two models, as the
works of Marjetica Potrc, Hito Steyerl or Natascha Sadr Haghighian can account for… But in any case,
the actual investigation is what defines art as research, thereby abolishing a series of oppositions,
which have long since been obsolete: theory / practice, art / (human) science, art / architecture or
art / design. According to a perspective once introduced in a famous text by Walter Benjamin, ‘The
Author as Producer’, and widely reworked by contemporary theorists, it determines its position as
‘Knowledge Production’ in the new economy of knowledge and political space left to associate it with.
Here again, one could regret that almost no confrontation should arise from these new questions
asked about investigation in the field of human studies, above all by its technicians themselves. But
when an exemplary format, such as an interview, for instance, or a statistical model, becomes the
object of investigation on the methods and issues of ethnology and sociology, then one could imagine
that a common reflection might possibly link together all its technicians.
And one might also imagine that, at a time when the notion of open data only still concerns a
‘specialised’ public, the new forms of accessing data made possible by digital technology could
encourage a joint investigation by those for whom the question of access is more than a technical
question: as essential vehicles of political action, who could ever doubt their performative nature?
Here again, the conjunction of the approaches of designers, technicians of human studies, artists,
political thinkers, and activists is to be reckoned with.
118
Making is knowing
The questions of doing and executing have been generally disqualified by modernity. ‘Deskilling’,
which can also be interpreted as ‘disqualifying’, ‘competence loss’ or ‘devaluation of the execution’ is
one of the conditions explicitly claimed by modern art.
On the contrary, ‘savoir faire’ and ‘craftsmanship’ have often been used as slogans in reactionary
mobilizations in the field of art theory.
This research theme is part of a field of very varied issues. It questions the issue of ‘doing’ as a
category of knowledge. Born from the observation of practices in the School’s workshops, it coincides
with a recent reinvestment of the issue of ‘doing’, ‘craft’ or ‘maker’s knowledge’, in very different
fields – anthropology, sociology, philosophy of science, or theory and history of design – whereas the
reinvestment of this issue in the field of art theory still remains marginal, in spite of its prestigious
past history (the Viennese school of art history, in the early 20th century).
The field of investigation that opens up before us is characterized by an exceptional convergence of
domains, which usually ignore each other.
In the field of history and theory of science, there has been talk about a ‘practical bend’: since the 80s,
researchers have focused their attention on the status of instrumentation, objects, procedures, savoir
faire, knack, and crafting traditions in the elaboration of sciences, even the most ‘insubstantial’ ones
(such as physics). A new history of scientific practices has ousted the ‘platonic’ historiography of great
concepts and of the succession of ‘pure spirits’. Shapin & Shaeffer, Latour, Rheinberger and Galison
formulated its standards and issues. This resulted in vast research workshops at the Max Planck
Institute in Berlin, at the MIT, or in Cambridge.
The resurgence of the crafts theme in the field of design came from the Victoria & Albert Museum
in London, supported by Glenn Adamson, now joined by researchers of the Courtauld Institute
gathered together for research programs – ‘The Clever Object’ or ‘The Material Life of Things’ – which
reinterpret a body of questions triggered by the Crystal Palace World Fair in the mid-19th century (the
distinction between art / industry, craft / industry, art / craft, etc.)
General Programm
Research is supervised by an international Scientific Committee, which proposes and directs the
research programs with the Direction, Board of Education, and Board of Directors. It inspires and
organises the convergence between the research carried out within the School and the general world
of research.
The members of the Scientific Board are the following:
- Patricia Falguières (lecturer and researcher at the EHESS and teacher at the School of Fine Arts of
Bordeaux);
- Béatrice Fraenkel (director of the Anthropology of Writing Centre, EHESS);
- Jacques-François Marchandise (co-director of the Foundation Internet Nouvelle Génération – FING);
- Antonio Muntadas (artist, lecturer and researcher at the MIT).
Between sessions of the council, its delegate, Patricia Falguières, represents the Scientific Board.
Research is conducted by the Research Department (BDLR): an operational group of EBABX teachers,
appointed by the Direction of the School, validated by the Scientific Board, and conducted by its
representative.
It organises the activity of the research laboratories and platforms, thematic subjects of the learning
program associated with research for Master students, and specific research projects. Under the
Direction’s supervision, it appoints head teachers, technical and financial means, and chooses stepby-step programs and validation methods.
Principles:
- Making all the 4th and 5th-year students aware of the issues and methods of current research,
familiarizing them with the people involved in research around the world
- Using the theory and practice of the ARCS workshops to find research themes that will enrich
‘research’ itself
- Preparing students who wish so to continue research after their DNSEP with a third cycle of studies.
This shows that research is both dependent on the 4th and 5th-year student’s training, which
nourishes and influences it, and independent: it does not tally with their entire training (anything
created during 4th or 5th years is not made to be treated as research), but opens up the students’
work onto the outside world, onto other aspects of current research.
Anthropology has also started reconsidering the notion of ‘doing’. In Anglo-Saxon tradition, a
researcher such as Tim Ingold has questioned livelihood, dwelling and skill – the capacities a human
being needs in order to establish himself in a particular environment – at the scale of movement
itself, and considers drawing as an epistemological model.
In the course of a long investigation about work and its disqualification, Richard Sennett ended
up questioning ‘the knowledge of the hand’. In France, the slow awakening of an epistemological
tradition, more or less eclipsed by structuralism (Mauss and his ‘techniques of the body’,
André‑Georges Haudricourt, Gilbert Simondon), places the notion of technique at the heart of
philosophical issues.
119
Research laboratories
Two collective research laboratories organise research and teaching during 4th and 5th years:
1. PUBLICA©TION
2. MAKING IS KNOWING
They concern all 4th and 5th-year students, whether they applied for a Master of Arts or a Master of
Design.
These laboratories are a way of determining which activities from the 4th and 5th year program
belong to the field of research:
1 – Master theses
2 – Study days, round tables, and workshops relating to the thematic subjects studied within the
framework of the ARCS and seminars
3 – Study days, round tables, and conferences relating to research projects
4 – Publications, productions, and exhibitions relating to research projects
5 – Specific workshops
explicitly tried to break free,
- they enable us to reconsider the question of the relationship between centre and periphery, by
integrating an international dimension to the Bordeaux local scene,
- they offer new food for a deep reflection on the still very obscure subject of the relationship between
the theatre, performance arts, and visual arts,
- they encourage a reflection on exhibiting formats in art: if, on the one hand, Biennales have recently
been the subject of interesting studies, on the other hand the ‘festival’ format, although privileged by
the FLUXUS movement, has not given rise to any convincing study. It only seems to be enjoyed by the
theatre and musical worlds, and only through these models is it reappearing at the heart of museums
(such as in the Centre Pompidou’s ‘festival’),
- they offer new insights on the relationship between art and television, one of SIGMA’s distinctive
features being the collaboration of the ORTF (former French broadcasting corporation) with the
founders of the festival.
This research workshop will be organised by the Municipal Archives of Bordeaux, in close
collaboration with the EBABX, the CAPC, the EHESS (Anthropology of Writing Center, PRI Archives of
Contemporary Arts & Media), and CalArts.
Finally, laboratories generally represent a theoretical database for the works carried out all through
4th and 5th-year trainings.
120
Research projects
121
OUEST/WEST
A FESTIVAL FOR ALL ARTS: SIGMA, THE LIVING ARCHIVE
From 1965 to the 90s, Sigma festival established Bordeaux as one of the European meeting points for
avant-gardes.
It brought acknowledgement in France of some of the most outstanding figures of American
counterculture (the Living Theatre, the Bread & Puppet, the Barbwire Theatre), and its European
counterparts (Arrabal, le Grand Magic Circus), also popularizing the works of Silvano Bussoti,
Webern, Varese, Xenakis, Sun Ra, and Pierre Henry, as well as bringing together happenings
(Jean-Jacques Lebel) and kinetic art (Nicolas Schöffer), or Mondrian and Pink Floyd. Television,
design, ecology, and cybernetics were all a source of inspiration for the exhibitions and conferences.
Every year, for a week, Bordeaux became a centre of attention for the media and an international
capital for ‘research in all arts’.
Born from the initiative of a group of intellectuals (such as Abraham Moles) gathered around a
musician, and Roger Lafosse, a businessman from Bordeaux, the festival benefitted from the decisive
support of a leading French political personality of the 70s, Jacques Chaban-Delmas, then mayor of
Bordeaux, who made SIGMA the standard bearer of his cultural policy.
SIGMA’s gradual decline during the 80s did not dry up the very vivid memories of both national and
international publics. A few months before it ended in 2011, Roger Lafosse, founder of the festival,
made a donation of the SIGMA archives to the Municipal Archives of the city of Bordeaux.
The Publica©tion laboratory proposes an investigation and training workshop using the archives of
the SIGMA festival:
- the SIGMA archives offer a privileged point of view of the 60s and 70s avant-gardes, the story of
which yet remains to be written,
- they raise the specific issue of the reintroduction of artistic practices in a history from which they
INITIATION À LA RECHERCHE
Séances encadrées par les enseignants associés aux laboratoires de recherche
avec la participation des enseignants des années master.
Elles ont pour enjeu de nourrir les recherches du projet SIGMA sur quatre axes :
1) Multiples,
2) Cartographies de la contre-culture,
3) Archives ouvertes / appel au public,
4) Dispositifs scénographiques et public
Chaque étudiant en années Master s’inscrit dans une thématique et suit les séances
d’initiation à la recherche et les journées d’études.
Tous les mardis, 9h30 – 12h30 selon le calendrier communiqué.
INITIATION TO RESEARCH
These are sessions proposed by teachers associated with the research laboratories, with the
participation of teachers in the Masters program.
Their aim is to broaden research on the SIGMA project along four axes:
1) Multiples,
2) Cartographies of the counter-culture,
3) Open archives / call for public contributions,
4) Stage design systems and the public
All Masters students sign up for one theme and attend Initiation to research sessions and the Study
days.
Every Tuesday, 9:30 a.m. – 12:30 a.m. depending on the official calendar
123
SÉMINAIRE
124
ART, DESIGN, INDUSTRIE
OPEN [-]
ART, DESIGN, INDUSTRIE
ART DIRECTION CULT
Jeanne Quéheillard
Pierre Ponant
Plus que jamais le design s’engage dans des recherches, sources d’innovations.
Elles dépendent de la place qu’une société accorde à la Recherche, non pas en
tant que solutions de problèmes mais en tant que possibilité d’échafauder des
hypothèses pour la vie, les échanges, les milieux, l’environnement à l’appui d’un
travail collectif et interdisciplinaire. Les technologies numériques nous ont mis face
à une nouvelle industrie où les techniques de conception, de production, de diffusion
et de consommation s’exercent selon des modèles informationnels de réactivité et
d’interactivité.
OPEN est un terme actuel et récurrent relatif à la conception d’un monde ouvert
et en relation. À travers des situations, des états, et des phénomènes qui relèvent
de ce principe d’ouverture, nous chercherons à saisir la nature de l’expérience
et à construire des modalités critiques d’acceptation et/ou de résistance.
Lectures et observations, invitations et conférences, journées d’études, permettront
l’examen de situations contemporaines emblématiques telles que open source,
open data, open space, open aire, open édition, objet ouvert, crowdsourcing, creative
commons, fablabs, traçabilité… Elles transforment et problématisent le design,
en faisant apparaître de nouvelles typologies de productions.
Une journée d’étude sera organisée en collaboration avec l’ENSCI et l’EHESS
sur les fablabs.
Design, more than ever before, has entered into research, source of innovations, which depends on
the place a society gives to Research, not as solutions to problems but as possibilities for constructing
hypotheses for life, exchanges, milieus, and the environment, while drawing on a collective and
interdisciplinary body of work. Digital technology has brought us face to face with a new industry
wherein the techniques of conception, production, distribution and consumption, are used according
to computer models of reactivity and interactivity.
OPEN is a current and recurring term about the concept of an open and interdependent world.
Through situations, states and phenomena that follow this principle of openness, we will try to grasp
the nature of the experience and construct critical modes of acceptation and/or resistance.
Reading and observation, invitations, conferences, and study days will enable us to examine
emblematic contemporary situations such as open source, open data, open space, open air, open
publishing, open objects, crowdsourcing, creative commons, fablabs, traceability, etc… which
transform and structure issues of design, while revealing new typologies of productions.
A study day will be organized in collaboration with the ENSCI and the EHESS on the subject of fablabs.
Evaluation - elle portera
sur des contributions
visuelles et écrites dans
un blog design créé
pour l’occasion. 10 ects
(1er semestre), 10 ects.
(2ème semestre).
Ce programme s’inscrit
dans le laboratoire de
recherche Making is
knowing.
Français
2 sem.
2h hebdomadaire
4 ects sem. 7
4 ects sem. 8
6 ects sem. 9
L’évaluation des
étudiants se fait dans le
cadre d’une participation
active et régulière
dans la conception
d’un «reader» sur le
thème qui collectera
un ensemble de textes
édités et exhumés
d’archives, d’entretiens
avec des acteurs
contemporains du
secteur, des propos
extraits de conférences
ou/et journées d’études
produites au sein de
l’école.
recherche Making is
knowing.
Français
2 sem.
2h bi-mensuel
4 ects sem. 7
4 ects sem. 8
6 ects sem. 9
La direction artistique s’inscrit dès sa conceptualisation au début du XXème siècle
dans la relation Art|Industrie. Dans un contexte d’économie de marché naissante
et de forte concurrence, la recherche d’une identification immédiate crée les
conditions de nouvelles collaborations avec le monde de l’art. Architectes, designers,
affichistes, typographes participent à la création de l’image de la marque et d’une
nouvelle fonction d’un artiste en phase avec les technologies de son temps et les
processus d’une certaine «mécanisation» de la forme. Les industries graphiques et
de la communication, fers de lance de nouveau positionnement, font du directeur
artistique, un modèle. Longtemps associé au seul secteur de la presse magazine,
cette fonction s’est rapidement étendue à l’ensemble des industries culturelles et de
la communication, du cinéma au théâtre et à la publicité. L’industrie du luxe, mode,
haute-joaillerie, design de produit a aussi adopté ce mode d’innovation au service
du projet. Plus récemment le marché de l’art en a accepté une certaine formulation.
Le directeur artistique, homme orchestre, alliant regard prospectif et contraintes
techniques et économiques du système de production après un certain « âge d’or »
est aujourd’hui reconsidéré dans sa fonction. Et par là même, c’est aussi la relation
Art|industrie qui est re-questionnée par l’économie ouverte et globalisée.
Le séminaire Art Direction Cult s’attache, par l’entretien, la recherche et l’analyse
d’écrits théoriques et leur mise en perspective, à définir à la fois le statut de ce
concept, ses limites et ses nouvelles fonctionnalités.
Il s’adresse aux étudiants niveau master 1 et 2, à raison d’une séance tous les 15 jours
(en alternance avec le cours d’histoire du graphisme).
Since its conceptualization in the beginning of the 20th century, artistic direction lies within the
relationship: Art/Industry. In the context of a budding market economy and fierce competition, the
search for a strong identification creates the conditions for new collaborations with the world of art.
Architects, designers, poster-makers and typographers participate in the creation of name brand
images and a new function for artists in step with the technologies of his/her time and the operations
of a certain “mechanisation” of form. The graphic design and communication industries, spearheads
of a new position, turn the artistic director into a model. Long associated uniquely with the magazine
sector, this function has spread rapidly to all of the cultural and communication industries, from the
cinema to the theatre, and advertising. The luxury industry: fashion, haute-couture, jewellery, product
design, etc. has also adopted this form of innovation in service of a project. More recently, the art
market has accepted a certain formulation. The artistic director, one-man band, combining an eye
for the future and the technical and financial constraints of the system of production after a certain
“golden age,” is now being reconsidered in his functions. And by the same virtue, it is also the Art/
industry relationship which is being questioned anew by the open, globalized economy.
The Art Direction Cult seminar aims, through interviews, to research and analyze theoretical writings
and put them into perspective, defining at once the status of this concept, its limitations and new
functionalities.
This seminar is intended for Master 1 and 2 students at a rhythm of one session every 15 days.
125
SÉMINAIRE
126
PHILOSOPHIE DU LANGAGE
QU’EST-CE QU’UNE PHILOSOPHIE DE L’œUVRE ?
THE BOOK SOCIETY
Fabien Vallos
Benjamin Thorel, Clara Schulmann,
avec la participation de Pierre Lin Renié
Le séminaire s’est engagé depuis quelques années à proposer une réflexion sur
le concept d’œuvre. Un travail préparatoire a permis de proposer une généalogie
du concept d’inopérativité (de 2007 à 2009), une saisie du concept de négligence
(2010-2011) et une introduction au concept d’agir (2011-2012).
L’année dernière a été entièrement occupée à la lecture de La lettre sur l’humanisme
(1946) de Martin Heidegger afin d’interpréter cette interrogation sur le concept
d’agir et de faire, puisque La lettre sur l’humanisme n’est pas autre chose qu’une
interrogation sur l’insuffisance d’une pensée de « l’essence du faire » et sur la
nécessaire déconstruction du concept métaphysique d’humanisme. Nous devions en
interroger les liens.
Cette année, nous voudrions poursuivre cette lecture, mais en la doublant d’une
interrogation sur ce qu’on nomme le Tournant. Autrement dit, à partir de deux
autres textes d’Heidegger, Fin de la philosophie (1964) et Le Tournant (1962), en ce
qu’ils contiennent une interrogation sur l’essence du faire et de la technique. Ceci en
vue de préparer ce qu’il nous reste à penser après que Giorgio Agamben a achevé
une généalogie de l’opérativité (Homo sacer). Le séminaire interrogera, d’une part
l’interprétation métaphysique du faire et, d’autre part, la déconstruction de cette
métaphysique qu’il faudra tenter de lire et de comprendre dans un héritage hégélien,
marxiste et heideggérien. La modernité nous livre à une tension entre une théorie
critique de l’œuvre et la possibilité, encore suffisamment explorée, d’une philosophie
de l’œuvre. C’est ce tournant que nous voudrions montrer.
Deux journées d’étude seront organisées au premier semestre.
This seminar has, for the last few years, been committed to proposing a reflection on the concept
of the work of art. A first approach enabled us to propose a genealogy of the concept of inoperativity
(2007-2009), a grasp of the concept of negligence (2010-2011) and an introduction to the concept of
taking action (2011-2012).
Last year was entirely devoted to a reading of La lettre sur l’humanisme (1946) by Martin Heidegger
so as to interpret this interrogation of the concept of taking action and doing, as La lettre sur
l’humanisme is nothing if not an interrogation into the insufficiency of a reflection on “the essence of
doing” and on the necessary deconstruction of the metaphysical concept of humanism. We had the
task of investigating the connections.
This year, we would like to pursue this reading, but in association with an interrogation on that which
we call the Tournant or Turning Point. That is to say, using two other texts by Heidegger: Fin de la
philosophie (1964) et Le Tournant (1962), because they contain an interrogation on the essence of
doing and of technique, in order to prepare what is left for us to think after Giorgio Agamben achieved
a genealogy of operativity (Homo sacer).
The seminar will question, on the one hand, the metaphysical interpretation of doing and, on the
other, the deconstruction of this metaphysics, that we should try to read and understand in the
context of a Hegelian, Marxist and Heideggerian legacy. Modernity frees us from the tension between
a critical theory of the artwork and the possibility, still insufficiently explored, of a philosophy of the
work. It is this turning point that we would like to show.
Two study days will be organized during the first semester.
Évaluation Ce programme s’inscrit
recherche Publica©tion.
Français
2 sem.
2h hebdomadaire
4 ects sem. 7
4 ects sem. 8
6 ects sem. 9
Bibliographie
à titre indicatif
Ethique à Nicomaque,
Politique, Aristote
De officiis, Cicéron
Phénoménologie de
l’esprit (1807), Hegel
Critique de la philosophie
politique de Hegel (1843),
Karl Marx
Thèses sur Feuerbach
(1845), Karl Marx
Le capital ( 1867-), Karl
Marx
Lettre sur l’humanisme
(1946), Martin
Heidegger
La fin de la philosophie
(1964), Martin
Heidegger
Le tournant (1962),
Martin Heidegger
Les séminaires du
Thor et de Zähringen
(1966,1968, 1969, 1973),
Martin Heidegger
Homo sacer (1997-2012),
Giorgio Agamben
Dire le monde (1997),
Francis Wolff
Le différend esthétique
(2004), Pierre-Damien
Huyghe
Après la finitude (2006),
Quentin Meillassou
Évaluation suivi et participation
au cours, travail de
recherche.
recherche Publica©tion.
Français
2 sem.
3h hebdomadaire
4 ects sem. 7
4 ects sem. 8
6 ects sem. 9
L’œuvre d’art et le livre ont bien des traits en commun : on cherche à les interpréter, à les
lire pour les faire siens, on en parle, on y revient, on les aime ou on les déteste. Certains
livres ont cette capacité – ce pouvoir – de fédérer les individus, qui se les recommandent,
se les échangent, les discutent, et y trouvent de nouvelles façons de penser et d’agir
ensemble. Le séminaire The Book Society se penche sur cette potentialité toute particulière
du livre à être partagé, à définir un groupe, et à inciter à agir en tant que groupe.
C’est cette puissance d’« incitation » qui mobilisera la deuxième année du séminaire
The Book Society. De quelles manières un texte, un document, un livre peuvent-ils s’offrir
comme points de départ à la production artistique ? Mais surtout : quels chemins, quels
parcours permettent-ils de dessiner ? On s’attachera ici à décrire une économie : les textes
circulent, se partagent, appellent d’autres textes, passent les frontières des disciplines, des
pays, des langues ; ils décrivent, accompagnent, performent. La lecture n’est pas toujours
docile : elle sape les assises du savoir, dessine des filiations imprévues, détourne les mots,
réinvente leurs sens.
Ce sont ces voies labyrinthiques qui nous intéressent et que nous aimerions proposer de
suivre, en nous attachant à retracer et mettre en lumière la manière dont l’écrit – roman,
poésie, théorie, science – sert de catalyseur à l’art. On partira de la lecture de textes
cruciaux du point de vue de leur « fortune » artistique et de l’étude de différentes formes
et méthodes d’appropriation mises en œuvre par des artistes, des cinéastes et autres
auteurs. À qui ces livres ont-ils servi ? de quelle manière ? à quels types d’objets (films,
installations, etc.) ont-ils été associés ? de quelles œuvres sont-ils devenus les matrices ?
Il sera également proposé aux étudiants de produire leurs propres « constellations »,
de se pencher sur les vertus de la libre – ou savante – association afin de poser et de
penser leur rapport au texte.
Artworks and books have a lot in common: we try to interpret them, to read them and make them ours, we
talk about them, we can’t help think again about them, they’re objects of love or hate. Some books have this
capacity - this power - to bring together individuals who recommend them, exchange them, discuss them,
and find in them new ways of thinking and acting together. The seminar The Book Society focuses on the
book’s singular potential to be shared, to define a group, and to encourage one to act as a group.
We will deal with this power of «incitement» through the second year of The Book Society. Through which
ways can a text, a document, a book provide starting points for artistic production? But above all: what paths,
what trajectories can they draw? It’s a question of economy: texts circulate, meet other discourses, cross
borders of disciplines, countries, languages. Their role is sometimes to describe, or to run along, but also
to perform. Reading is not always docile: it undermines the foundations of knowledge, draws unforeseen
affiliations, diverts words, reinvents senses and meanings.
These labyrinthine paths will be our focus; we would like to take them and explore them in the framework of
the seminar. We’ll track and highlight how writing–novels, poetry, theory, science–can be a catalyst for art.
We’ll start from the critical reading of texts, from the point of view of their «fortune» in arts; and the study of
different forms and methods of appropriation implemented by artists, filmmakers and other authors. Who did
make use of these books? and how? what types of objects (films, installations, etc.) are they “related” to? of
what works have they been the incentives? The Book Society will also propose its participants to produce new
«constellations» and consider the virtues of free–or “well-read”–association, for the students to elaborate
their own relationships to texts.
127
PROJET
ARC
ART BY TELEPHONE... RECALLED
LE BON MARCHÉ
Philippe Bouthier, Thomas Boutoux, Daniel Dewar, Jessica Warboys.
assistants : 4 coordinateurs étudiants (deux étudiants par semestre).
128
En 1969, Jan van der Marck, le nouveau directeur du Museum of Contemporary Art de
Chicago, présente l’exposition Art By Telephone pour répondre à « l’usage croissant de la
conceptualisation de l’art ». Le protocole consistait à proposer à un ensemble d’artistes
issus des tendances minimale et conceptuelle, du Land Art, de Fluxus ou encore du Pop
Art, de formuler oralement une oeuvre à distance par l’intermédiaire d’une communication
téléphonique. De cette exposition mythique, il ne subsistait jusqu’à présent qu’un disque
vinyle rassemblant les transmissions orales des artistes, associées à des textes rédigés
par le directeur du musée. Sur une proposition de Sébastien Pluot et Fabien Vallos,
Art By Telephone… Recalled reprend l’appel lancé en 1969. L’exposition est inaugurée
au Cneai par la présentation de pièces historiques réactivées à partir de leurs
enregistrements sonores. À partir du 15 novembre 2012, de nouvelles oeuvres proposées
par 36 artistes et 23 jeunes diplômés de l’Esba Talm (Angers), de l’Ebabx Bordeaux et
du CNDC (Angers) sont envoyées par téléphone et activées par ces mêmes étudiants
dans cinq lieux : le cneai, l’École supérieure des beaux-arts d’Angers, The Emily
Harvey Foundation de New York, le San Francisco Art Institute et le CAPC, musée d’art
contemporain de Bordeaux. Ces 36 artistes ont appartenu à la scène artistique
des années 60 et 70 ou font partie de la très jeune scène artistique contemporaine.
Ils formulent des propositions orales qui donneront lieu à des performances visibles
et/ou audibles dans et hors des sites, des vidéos, des pièces sonores, des réalisations
sculpturales, des installations.
www.artbytelephone.com
In 1969, Jan van der Marck, the new director of the Museum of Contemporary Art in Chicago,
presents the exhibition Art By Telephone in answer to the “growing use of the conceptualization of
art.” The protocol consists of proposing to a group of artists coming from trends such as minimalism,
conceptualism, Land Art, Fluxus or Pop Art, to orally formulate a work at a distance via a phone call.
From this legendary exhibition, nothing has survived except a vinyl record which gathers together the
oral transmissions of the artists in association with texts written by the director of the museum.
A proposition made by Sébastien Pluot and Fabien Vallos, Art By Telephone… Recalled takes up the
call made in 1969 once again. The exhibition will be inaugurated at the Cneai by the presentation
of historical pieces reactivated using their sound recordings as basis. From November 15, 2012 on,
new works proposed by 36 artists and 23 recent graduates from the Esba Talm (Angers), the Ebabx
Bordeaux and the CNDC (Angers) will be sent by telephone and activated by these same students in
five locations: the cneai, the École supérieure des beaux-arts d’Angers, The Emily Harvey Foundation
in New York, the San Francisco Art Institute and the CAPC contemporary art museum in Bordeaux.
These 36 artists belonged to the artistic scene in the 60’s and 70’s or belong to the very young
contemporary art scene today. They will formulate oral propositions that will result in visible and/or
audible performances in and outside of sites, videos, sound pieces, sculptures, and installations.
Évaluation Chaque mercredi et
jeudi, de 10h à 18h
Et séances spéciales
(voyages, workshops,
journées d’études ou
journées d’interventions)
Français
Hebdomadaire et
sessions
7 ects sem. 7
7 ects sem. 8
10 ects sem.9
Pensé résolument et précisément pour les années Master et en lien avec un chantier
de réflexions et de recherches menées plus largement au sein de l’EBABX sur les
conditions économiques, politiques et idéologiques du travail artistique aujourd’hui,
l’ARC « Le Bon Marché » s’intéressera notamment aux modes d’inscription des
artistes et des œuvres dans un marché qui leur préexiste : marché du travail, marché
des œuvres d’art, mais également marché intellectuel, des images, des formes,
dans des différentes configurations géographiques, locale, nationale, internationale.
Marchés au pluriel donc, à rebours de l’idée d’un marché dit de l’art, qui serait un,
purement capitaliste, cynique et corrupteur.
Mais on entend également ici marché comme un accord, une entente, une
collaboration, un engagement entre personnes, en commençant au sein de l’atelier
lui même, entre étudiants, enseignants, intervenants.
Les 4 axes de l’atelier :
La consommation, l’emprunt, l’échange - Tout artiste, curateur ou critique fait son
shopping culturel, intellectuel, pratique dans les grands magasins des formes, des
idées, et des techniques mais aussi, et surtout, sur les marchés noirs, informels,
secondaires, parallèles, où se chinent et s’échangent des objets de connaissance
plus ou moins nobles, ou de contrebande, des informations plus ou moins capitales,
des noms connus, ou méconnus, voire inconnus, des références souvent secrètes
et jalousement gardées, des adresses, des tips, etc. A travers des exposés, nous
nous initions ensemble et par la discussion aux pratiques de la connaissance et à la
compréhension d’un état des choses dans le champ de l’art et dans le champ culturel
élargi, dans celui de la musique comme de la céramique, du point de vue du curateur
comme de celui de l’artiste, de Glasgow ou de Francfort, ou Vilnius.
La préparation, l’entrainement, la gymnastique - Comme lors d’une répétition dans les
métiers de la scène, nous répondons chaque semaine à des exercices. Des exercices
de calcul mental avec des problématiques réelles de marché ou d’exposition, tout
comme des exercices physiques axés par exemple sur l’expression ou la posture du
corps.
La production, la présentation, la critique – Une journée complète est réservée au suivi
de production et aux modes présentation des travaux des étudiants avec une présence
en alternance des artistes qui interviennent au sein de l’ARC. Son fonctionnement est
classique et se déroule sous la forme de rendez-vous individuels et d’accrochages.
L’émulation, la concurrence, la réalisation
Mises en situations réelles - nous nous confrontons à des artistes et commissaires
établis. Des personnalités invitées, parfois débouchant sur des projets spécifiques
avec des artistes hors de l’atelier (comme le projet mené avec Jonathan Binet pour
129
PROJET
son exposition au CAPC à l’automne 2012). 2 voyages sont organisés, pour l’avant
première d’une exposition ou les dessous d’une scène artistique, dont un aura lieu en
Allemagne. Une exposition sur un thème fédérateur, lié aux réflexions sur l’économie,
est organisée pour clôturer l’année dans la galerie du Sentiment océanique.
Resolutely and precisely thought out and intended for the Masters program, and in connection with
a project of reflection and research being done in a larger context at the EBABX on the economic,
political and ideological conditions of artistic work today, the ARC « Le Bon Marché » will concern
itself more particularly with the way artists and works of art take their place in a pre-existing market:
that of work, works of art, or the intellectual market, the markets of image or form… in different
geographical, local, national, and international configurations.
Markets in the plural therefore, counter to the idea of a so-called “art market,” purely capitalistic,
cynical and corrupt. But market can also be understood as an agreement, an understanding,
collaboration or commitment between people, starting with the context of the workshop itself:
between students, teachers, and guests.
The 4 axes of the workshop:
130
Consuming, borrowing, exchanging – Every artist, curator or critic does his own cultural, technical or
intellectual shopping, in the supermarkets of forms, ideas and techniques, but also, and especially,
on the black markets, informal, secondary or parallel markets, where known objects of more or
less noble character are exchanged and bargained for, where contraband, more or less crucial
information, well-known little-known or unknown names, secret references jealously guarded,
addresses, tips, etc. are bought and traded. Through written statements and discussions, we will
initiate ourselves to the practices of knowledge and an understanding of the state of things in the field
of art and in a wider cultural field - that of music as well as ceramics, for example – from the point of
view of the curator or the artist, from Glasgow to Frankfort or even Vilnius.
Preparation, training, gymnastics – Just as in a rehearsal for one of the performing arts, every
week we do exercises. Exercises of mental calculation, dealing with real issues of the market or of
exhibition, as well as physical exercises based on the expression or posture of the body.
Production, presentation, criticism – An entire day is reserved for follow-up on production and ways
to present the students’ work with the alternating presence of the artists who participate in the ARC
according to the usual practice of individual appointments and trial installations in space.
Emulation, competition, execution
Real-life situations – encounters with established artists and curators and guest personalities –
sometimes give rise to specific projects with artists outside the walls of the school (like the project
with Jonathan Binet for his exhibition at the CAPC in the fall of 2012). Two trips are planned: to the
avant-premiere of an exhibition or the hidden side of an art scene, one of which will be to Germany.
An exhibition on a unifying theme, having to do with reflections on economy, is being organized for the
end of the year in the Sentiment Océanique gallery.
TATIANA & DIRK
Ce projet s’inscrit dans un programme de coopération culturelle entre l’Aquitaine
et le Land de Hesse, dans le cadre d’un partenariat entre l’École d’Enseignement
Supérieur d’Art de Bordeaux et l’École d’art d’Offenbach. Il vise à participer à la
promotion de la jeune création en favorisant des échanges entre jeunes chercheurs
en art ou jeunes artistes émergents et aider au dynamisme des deux scènes
artistiques (Bordeaux – Franckfort).
Il s’agit de développer un axe de recherche en art, qui, prenant ses distances
par rapport à l’idée dix-neuvièmiste de l’artiste comme génie solitaire, privilégie
la possibilité d’une création engagée en relation avec un environnement particulier
au profit d’un projet commun. C’est un des axes de recherche de l’atelier
« Le Bon Marché » qui organisera les rencontres et le travail collectif des étudiants
français et allemands de niveau master, à travers différents formats de travail
(workshops, séminaires, expositions, conférences, édition). Ces recherches
déborderont du cadre de l’atelier-laboratoire vers l’extérieur pour les rendre visibles
dans des contextes de rapport du public en France et en Allemagne entre 2011
et 2013, au sein de galeries d’art et d’institutions culturelles.
This project is part of a program of cultural cooperation between Aquitaine and the Land of Hesse,
in the context of a partnership between the Bordeaux School of Advanced Art Studies and the Art
School of Offenbach. Its objective is to participate in the promotion of young artistic creation by
fostering exchanges between young art researchers or young emerging artists and to lend to the
dynamism of both art scenes (Bordeaux-Franckfort).
This project is about developing an axis of research in art which, far from the 19th-century idea of
the artist as solitary genius, explores the possibility of a creation undertaken in relation to a particular
environment, giving rise to a common project. This is one of the axes of research of the workshop
“ Le Bon Marché” which will organize the meetings and collective work of the French and German
Master’s students through different working formats (workshops, seminars, exhibitions, conferences,
publications). This research will go above and beyond the context of the workshop-laboratory,
overflowing toward the exterior and rendering itself visible in the public sphere in France and
Germany between 2011 and 2013 in art galleries and cultural institutions.
131
DE QUOI LES BIENNIAL STUDIES SONT-ELLES L’ÉTUDE ?
Virginia Garreta
De quoi les Biennial Studies sont-elles l’étude ?
Épistémologie de la constitution d’un nouveau domaine de recherche : problèmes
théoriques, historiographiques et politiques (1997/2012)
Virginia Garreta
Le travail, proposé cette année se présente comme une Introduction générale aux
Biennial Studies. Il a pour ambition d’élargir, d’une manière décisive et significative,
le champ d’étude initial, amorcé en 2011-2012 avec « Archéologie de documenta :
Les Mémoires d’une exposition (1955 – 2012…) », en déplaçant l’investigation et la
réflexion, vers deux nouveaux domaines de recherche.
132
Le premier concerne, d’une part, l’essor du phénomène des biennales, dans le
contexte de la globalisation naissante et de la géopolitique de l’immédiate aprèsguerre froide, et, d’autre part, la prolifération exponentielle et la propagation
spectaculaire de ce phénomène, depuis la seconde moitié des années 1990, le plus
souvent hors du monde de l’art occidental et selon une géographie et une topographie
considérées jusque là comme périphériques ou marginalement insignifiantes par
le monde de l’art issu de la modernité européenne et nord-américaine : les « anciens »
pays du tiers-monde et les nouveaux pays des économies « émergentes », d’Asie,
d’Amérique latine et de l’Europe centrale post-communiste.
Le propos de cette première partie est d’attirer l’attention sur le moment où un ordre
nouveau de phénomènes se constitue en fait et en événement (non plus seulement
visible et observable, mais dorénavant prévisible, quantifiable et « interprétable ») sur
un horizon d’attente, et devient objet de savoir et de stratégies de pouvoir, en posant
sa candidature aux règles de formation de la problématique d’une discipline naissante.
Le deuxième domaine d’étude et de recherche, engagé dans le travail de cette année,
a pour objet l’événement théorique et politique que représente en lui-même, depuis
le tournant des années 1990/2000, l’émergence et la formation de ce nouveau domaine
de savoir et de pouvoir que sont devenues, en quelques années, les Biennial Studies,
fondées sur la constitution et la problématisation du phénomène contemporain des
biennales en (vaste ?) objet d’étude.
Dans la conjoncture actuelle, les Biennial Studies se présentent sous la forme d’un
assemblage théorique et politique instable et hétérogène, où se rencontrent, le plus
souvent selon des rapports antagonistes (tout au moins difficilement conciliables)
ou en fonction d’alliances provisoires et circonstancielles, une multitude d’acteurs
engagés dans le phénomène (encore) nouveau des biennales (organisateurs et
responsables politiques des villes, des régions [ou plus rarement des Etats] hôtes,
curators, critiques, historiens, historiens d’art, sociologues, anthropologues,
Évaluation assiduité, participation
et proposition écrite de
recherche sur un sujet
en relation avec le cours.
Validation
dans le cadre de l’ARC
urbanistes, artistes…) et où se confrontent des formations discursives liées à
des sphères institutionnelles d’intérêts et de pouvoir (politiques, géopolitiques,
économiques, idéologiques, universitaires, artistiques…), naguère traditionnellement
disséminées, dispersées et éloignées – et aujourd’hui impérativement intégrées
au sein d’un même monde global.
Dans ce contexte, quel est l’objet des Biennial Studies ? Autrement dit, de quoi
les Biennial Studies sont-elles l’étude ?
La singularité et l’unicité que semble revêtir, apparemment, « cet » objet et qu’on
s’empresse un peu trop rapidement de lui accorder, comme s’il était a priori
un objet homogène, doit être, au préalable, confronté aux conditions qui ont
gouverné sa constitution et sa formation épistémologiques et politiques. En fait,
celui-ci, au contraire, se révèle aujourd’hui divisé et morcelé – une instabilité qui
résulte, pour l’essentiel, d’une tension théorique dont les deux extrêmes sont,
épistémologiquement, incommensurables à partir des questions qui lui sont adressées
et que l’on peut, en simplifiant, formuler de la manière suivante : « Pourquoi (il y a) des
biennales aujourd’hui (depuis quinze ans, etc..) ? » versus « Qu’est-ce qu’une biennale
(depuis qu’il y a des biennales) ? »
Ces deux questions sont, sous de multiples reformulations, attestées dans les
discours contemporains tenus au sein même des Biennial Studies et permettent de
rendre compte de l’orientation théorique et historiographique de la plupart des travaux
universitaires et des publications scientifiques qui voient le jour, actuellement, dans ce
domaine. Elles définissent une ligne de partage infranchissable entre deux paradigmes
théoriques et historiographiques d’investigation inconciliables et non négociables
entre eux : le premier (pragmatiste), centré sur l’historicité complexe et plurielle
du caractère irréductiblement contemporain du phénomène des biennales d’art
contemporain, auquel on assiste depuis une quinzaine d’années, dans le cadre d’une
problématique qui privilégie la discontinuité historique. Le deuxième (essentialiste),
au contraire, s’emploie à reconstituer abstraitement, dans le cadre d’une histoire
linéaire, un modèle singulier (et universel ?) d’exposition et à fonder son principe
dans une origine (mythique ?), dans un événement originel dont les biennales
contemporaines seraient, par filiation, les descendants directs : la création à Venise,
en 1895, d’une exposition internationale d’art contemporain intitulée Esposizione
Internationale d’arte della Città di Venezia, renommée, mais bien plus tard… en 1930,
La Biennale di Venizia… !
Ces questions sont cruciales et stratégiques, au stade de la réflexion épistémologique
et historiographique, pour comprendre ce que les Biennial Studies font (dans le
sens de ce qu’elles fabriquent et de ce qu’elles produisent), dans leur constitution
133
naissante en domaine de savoir et de pouvoir. Elles doivent être clairement exposées
et discutées, à partir de la confrontation des arguments mis en présence dans le débat
actuel.
Un voyage d’étude sera organisé à la 13ème Biennale d’Istanbul, dirigée par
Fulya Erdemci (14 septembre- 10 novembre 2013)
134
The work proposed this year takes the form of a General Introduction to Biennial Studies. The goal
is to decisively and significantly widen the field of the initial study, «Archéologie de documenta: Les
Mémoires d’une exposition (1955 – 2012…)» begun in 2011-2012, while turning our investigation and
reflection toward two new fields of research.
The first concerns, on the one hand, the rapid rise of the phenomenon of biennials in the context of
a new globalization and the geopolitics immediately following the cold war, and on the other hand,
the exponential proliferation and spectacular propagation of this phenomenon, starting with the
second half of the 1990’s, most often outside the world of Occidental art and following a geography
and topography considered until recently as peripheral or marginally insignificant by the world of art
springing from European and North American modernity: the “former” third world countries and the
new countries with “emerging” economies: Asia, Latin America and post-communist central Europe.
The intention of this first part is to focus our attention on the moment that a new order of phenomena
is constructed from facts and events (not only visible and observable, but subsequently predictable,
quantifiable and “interpretable”) on the horizon of expectations, and becomes the object of knowledge
and strategies of power, by competing for dominance in the way a set of problems of a newlyemerging discipline takes shape.
The second field of study and research to be undertaken this year concerns the theoretical and
political event, starting with the turning point 1990-2000, which the emergence and the establishment
of this new domain of knowledge and power represents, and which becomes, over a handful of
years, the Biennial Studies, founded on the creation and separating into issues of the contemporary
phenomenon of biennials as a (vast?) subject of study.
to the contrary, shows itself today to be divided and split up – an instability which essentially results
from a theoretical tension of which the two extremes are, epistemologically, incommensurable, from
questions one addresses to it and that one, by simplifying, can formulate in the following manner:
“Why (are there) biennials today (and have there been for the last 15 years, etc.)?” vs. “What is a
biennial (and has it been since the beginning of biennials)?”
These two questions are, under multiple reformulations, borne out in the contemporary discourse
held at the very heart of Biennial Studies and enable us to understand the theoretical and
historiographic orientation of most of the university work and scientific publications that come out
in this domain today. They define a dividing line that cannot be crossed between two theoretical and
historiographic paradigms of investigation, irreconcilable and non-negotiable: the first (pragmatist)
based on the complex and plural historicity of the irreducibly contemporary character of the
phenomenon of contemporary art biennials, which we have seen for the last 15 years, in the context
of a set of problems that highlight historical discontinuity. The second question (essentialist) unlike
the first, tries to abstractly reconstitute, in the context of a linear history, a singular (and universal?)
model of exhibition, and to found its principle in a (mythical?) origin, the original event of which the
contemporary biennials would be, by filiation, the direct descendants: the creation in Venice, in 1895
of an international contemporary art exhibition called Esposizione Internationale d’arte della Città di
Venezia, renamed only much later…in 1930, La Biennale di Venizia…!
These questions are crucial and strategic, at the epistemological and historiographic reflection stage,
for understanding what Biennial Studies do (in the sense of what they make and what they produce),
in their status of newly born domain of knowledge and power. They must be clearly exposed and
discussed, starting with the confrontation of arguments set forth in the present debate.
A class trip to the 13th Biennial of Istanbul will be organized, and directed by Fulya Erdemci
(September 14-November 10, 2013).
At this juncture, Biennial Studies take the form of an unstable and heterogeneous theoretical
assembly in which can be found, most often according to antagonistic reports (at least difficult to
reconcile) or depending on provisional or circumstantial alliances, a multitude of actors involved in the
(still) new phenomenon of the biennial (organisers and political leaders representing towns, regions
or, less often, States, hosts, curators, critics, historians, art historians, sociologists, anthropologists,
urban planners, artists…) and where in forms of discussion related to institutional spheres of interests
and power (political, geopolitical, economic, ideological, university, artistic…), formerly traditionally
disseminated, dispersed and isolated – and today imperatively integrated within the same global
world - confront one another.
Given this context, what is the subject of Biennial Studies? In other words, what are Biennial Studies
the study of?
The singularity and uniqueness that this subject apparently seems to assume and that we are a little
too quick to give it, as if it were a priori a homogeneous subject, should first be confronted with the
conditions that governed its creation and epistemological and political formation. In fact, this object;
135
ARC
PROJETS
DESIGN MIXTE
CAPTEURS VILLES, ATMOSPHèRES
Didier Lechenne, Laurent Matras, Pierre Ponant, Jeanne Quéheillard,
Jean-Charles Zébo
136
DESIGN MIXTE appréhende des pratiques de design multiples et se réfère
à un design réversible, transformable et mobile. Il utilise les imperfections et les altérations dans ses projets, observe des
environnements, leurs matériaux, leurs territoires, leurs pratiques sociales
et leurs indices sémiologiques comme autant de données à visualiser à travers
des réalisations graphiques, des objets, des aménagements ou des dispositifs
scénographiques.
Il utilise les capacités des capteurs, les mutations des villes et les phénomènes
atmosphériques.
La réflexion menée en commun dans l’atelier se construit à travers des workshops
et des déplacements qui engagent des productions en partenariat avec des
ingénieurs, des architectes, des designers, des artistes, des utilisateurs …
(Politecnico, IPB, FiNG…)
En parallèle, les productions de chaque étudiant (projets, stages, mémoires) sont
intégrées.
MIXED DESIGN approaches multiple design practices and makes reference to a kind of design
that is reversible, transformable and mobile.
It uses imperfections and alterations in its projects, observes different environments, their
materials, territories, social practices and semiological indices as so many elements to visualize
through graphic creations, objects, arrangements or stage design arrangements.
It uses the capabilities of captors, urban mutations and atmospheric phenomena.
The shared reflection done in class is developed through workshops and activities outside of school
which involve productions done in partnership with engineers, architects, designers, artists, users…
(Politecnico, IPB, FiNG…)
In parallel, the productions of each individual student (projects, workshops, theses) are integrated.
Évaluation les phases des projets
de l’atelier sont évaluées
à la fin de chaque
semestre.
Français
Hebdomadaire et
sessions
7 ects sem. 7
7 ects sem. 8
10 ects sem.9
TISSU WORKSHOP DE LA CELLULE À L’URBAIN
avec l’Institut Polytechnique de Bordeaux, (3 décembre/18 décembre 2012)
DESIGN (ER) DEMAIN
Escales du design
Exposition des réalisations de l’atelier, (13 au 15 décembre 2012)
TOUT LE MONDE DEHORS !
Recherche et projets : Les scénographies du festival SIGMA à l’origine de nouveaux
arrangements urbains
CONTRE CULTURE !
Recherche et projets : Établir une cartographie des flux de la contre-culture et de
leurs enjeux politiques à partir des archives du festival SIGMA.
OPEN DATA workshop : visualisation de données. Raconter la ville avec les
données publiques.
invité : super-script
LILYPAD ARDUINO Workshop d’initiation dans le cadre des formations logiciels.
LilyPad est un microcontrôleur conçu pour des textiles interactifs, des e-textiles.
ÉDITION DES MÉMOIRES Conception éditoriale et fabrication.
- Fabric
Workshop: “From cell to city” with the Polytechnic Institute of Bordeaux, (December 3-18, 2012)
- Tomorrow’s Design(er), Escales du design
Exhibition of our creations, (13-15 December, 2012)
- Everybody outside!
Research and projects: Set designs of the SIGMA festival which are the inspiration for new urban
arrangements.
- Counter culture!
Research and projects: The establishment of a chart of the ebb and flow of counter-cultures and
their political issues, using the archives of the SIGMA festival as reference.
Open data Workshop: The visualization of data. Describing the city through public information.
Guest: Super-script
- LilyPad Arduino Introductory workshop given as part of software training. LilyPad is a
microcontroller conceived for interactive textiles, e-textiles.
- Publication of theses.Conception and realization.
137
PROJET
138
TISSU : DE LA CELLULE A L’URBAIN
PENSÉE NOMADE CHOSE IMPRIMÉE
Jean-Charles Zébo, Jeanne Quéheillard,
et invités, Maud Cansell (ENSCBP) et Maud Derbaix (BEM)
Michel Aphesbero, Jean Calens, Danielle Colomine
Michael Krebber, invité, en relation avec le CAPC,
musée d’art contemporain de Bordeaux
Les étudiants élaborent un processus d’innovation-conception et amènent des
réponses à l’ensemble des objectifs énoncés : objectifs scientifiques, objectifs
analytiques, objectifs artistiques, objectifs sociaux,...
C’est la matière la plus adaptée pour nous protéger, nous envelopper, nous
personnaliser, nous habiller. De la recherche biologique aux études d’urbanisme
le tissu est considéré comme un dessin évolutif, une image non figée, un réseau en
cours de développement : la trame cellulaire, la parcellisation, l’agglomération,…
C’est également cette matière fine et légère dont les performances techniques ne
cessent de se renouveler : les toiles munies de capsules intelligentes peuvent gonfler,
rétrécir, chauffer, refroidir,…
Le workshop Tissu : de la cellule à l’urbain propose une alternative aux structures
stéréotypées et souvent trop rigides qui définissent les objets et les espaces dans
lesquels nous habitons et/ou dans lesquels nous travaillons. Il devient absurde de
fabriquer nos cadres de vie avec des matières raides, inertes, refermées sur ellesmême, interdites à toute modification, à toute altération. La recherche consistera
à observer et à explorer de nouvelles possibilités techniques validées par des
expériences scientifiques, à définir un territoire d’expérimentation puis à établir
une proposition innovante issue de l’ensemble des analyses et des investigations
précédentes. Le travail à réaliser en équipe d’étudiants d’origine des 3 écoles doit
être en relation avec un ou plusieurs de ces thèmes. La réalisation concrète peut
avoir comme support tout type de medium (conférence, vidéo, performance, saynète,
photos, diaporama, power point, documents graphiques….).
Le rapport écrit (15 pages maximum) présente le projet réalisé en termes de
positionnement par rapport à la thématique du module, de la démarche adoptée,
de données scientifiques prises en compte, de développement marketing, ….
The students develop a process of innovation-conception and propose responses to series of stated
objectives: scientific, analytic, artistic and social…
Fabric is the material the best adapted to protecting, enveloping, personalizing, and clothing us.
From biological research to studies of urban planning, fabric is considered to be an evolving design,
an image in motion, a network in the making: cellular weave, division, agglomeration… it is also this
fine, light material whose technical performances are ceaselessly improved: canvases armed with
intelligent capsules can swell, shrink, heat, cool…
Le workshop, Fabric: from cell to city proposes an alternative to the stereotypical structures, often
too rigid, that define the objects and spaces in which we live and/or work. It has become absurd
to build the structures of our life with stiff, inert, isolating materials, impossible to modify or alter.
The research will consist of observing and exploring new possibilities and techniques, validated by
scientific experiments, and to define an area of experimentation and then to establish an innovative
proposition from the precedent analyses and investigations. The work in teams made up of students
from three different schools must be done in relation to one or several of these themes. Concrete
realizations can use any type of medium (conference, video, performance, skit, photo, slideshow,
Powerpoint presentation, graphic document…). The written report (15 pages maximum) presents
the project in terms of positions taken regarding the theme of the module, the approach adopted,
scientific data taken into account, marketing development…
Évaluation Ce programme s’inscrit
dans le laboratoire
de recherche
PUBLICA©TION.
Français
Hebdomadaire et
sessions
7 ects sem. 7
7 ects sem. 8
10 ects sem.9
Bibliographie:
Puberty in Teaching,
catalogue
Michael Krebber
Wertkritik,
Anselm Jappe
Ferdydurke,
Witold Gombrowicz
Le maître ignorant,
Jacques Rancière
Qu’est-ce qu’un dispositif ?
Giorgio Agamben
Pensée Nomade, Chose Imprimée questionne le lieu de l’artiste, les conditions
sociales, l’économie et son imaginaire. Leurs dispositifs et leurs profanations*.
La méthode de travail s’appuie sur des pratiques d’atelier fondées sur le projet
personnel et collectif, confrontées aux contraintes spécifiques du déplacement,
de la traduction du travail, de sa réinvention. Nous faisons référence à un type
de créateur qui fait appel à une multiplicité de moyens, de supports, qu’il pratique
simultanément, sans hiérarchie. Aussi «la chose imprimée» n’est souvent qu’une
partie visible ou l’élément détaché d’un projet d’ensemble.
Depuis 1989 l’atelier s’est déplacé à Séville, Oaxaca, Los Angeles, Figueres, Barcelona,
New York, Bruxelles, Rome, Naples, Ibiza, Buenos Aires et à nouveau Los Angeles en
2011.
La tournée PNCI
La parution du livre PNCI cet automne (qui relate plus de 20 années
d’expériences) inspire le projet de l’année 2012-13: l’organisation d’une tournée.
Comment questionner ces injonctions de production, de promotion, de visibilité avec
des notions telles que l’immaturité, la critique de la valeur, (le caractère fétichiste
de la marchandise), et l’adresse au public ?
Pendant la tournée PNCI, chaque étape donnera lieu à des formes d’apparitions,
déterminées par les étudiants, sur ces axes de travail.
*Entendre ici profanation dans le sens de “restituer à l’usage commun ce qui a été
séparé dans la sphère du sacré”.
Nomadic Thought, Printed Things (PNCI) questions the artist’s place, his/her social conditions,
specific economy and its imaginable solutions.
Their systems and profanations.*
Our working method is based on workshop practices built around personal and group projects,
which encounter the specific constraints imposed by moving from place to place, the “translation”
of the work, its reinvention. Our reference is a type of creator who uses a multitude of means and
mediums that he/she uses simultaneously, without hierarchy. The “printed thing” is often just a visible
part or separate element of a global project.
Since 1989, this workshop has travelled to Seville, Oaxaca, Los Angeles, Figueras, Barcelona,
New York, Brussels, Rome, Naples, Ibiza, Buenos Aires and Los Angeles (again) in 2011.
The PNCI tour
The publication of the PNCI book this fall (which covers more than 20 years of experiences) is the
inspiration for the 2012-13 project: the organization of a tour.
How may we question these injunctions to produce, promote, to make visible, while taking into
consideration notions such as immaturity, the criticism of value (the fetishistic nature of merchandise)
and addressing the public?
During the PNCI tour, each stop will produce forms of visibility, as determined by the students, along
these working lines.
*By “profanation” we mean: “To bring back to common use that which has been separated out and put
in the sphere of the sacred.”
139
ARC
POST MEDIA
THIS IS TOMORROW, NOW
Jean-Philippe Halgand et invités, Suguru Goto (A)
« Le futur est déjà là, il n’est tout simplement pas distribué uniformément. »
William Gibson, 1999
140
Nous serons barbares.
Nous ferons notre shopping avec le « Don’t be evil » de Google™, le « Broadcast Yourself »
de Youtube™, les « J’aime » de Facebook™, les recommandations de Pinterest™
et les conversations de Twitter™.
Nous laisserons l’« écologie computationnelle » de la vie moderne avec son extimité,
sa réalité augmentée, ses objets connectables, ses données et son informatique
ubiquitaire faire effraction dans les mots, les concepts, les systèmes de représentation
et les modes d’existence, .
Nous investirons les formes, pratiques et « objets » à l’intersection des média de masse
et des médiums artistiques traditionnels qui transitent des murs aux écrans et des écrans
aux objets pour comprendre ce qu’ils (re)mettent en jeu à travers ces déplacements et
ces traductions, comment les assemblages technologiques qui les composent participent
de leur(s) esthétiques et ontologies propres et conditionnent leur mode de visibilité comme
leur réception publique et critique.
Pour cela, nous replacerons la question des médiums et des médias au cœur du débat
artistique. Nous replongerons dans le Continuum espace-temps du Pop à la suite de
Lawrence Alloway et revisiterons des expositions manifestes telles que This is Tomorrow
(1956), Software (1970) ou Net Conditions (1999) et des projets comme le Xerox Book (1970)
de Seth Siegelaub.
À l’affût d’espaces improbables à investir et de collisions radicales, nous inviterons
dans nos controverses Don Draper, le sociopathe de Madmen et le « réalisme capitaliste »
de Mark Fisher, le «Deep Queer South » de True Blood et l’afrofuturisme de Sun Ra,
les « dispersions » de Seth Price, les géographies invisibles de Trevor Paglen, les soustextes porn de Paul Chan, la boulimie de Slavoj Žižek, MetaHaven, Andrea Fraser
et d’autres inattendu(e)s en compagnie de PowerPoints requinqués, de GIF animés,
de JPEGs insolents, d’archéologues des médias et de quelques autres working dead.
Et nous verrons pourquoi et comment ce que l’on appelle l’autonomie d’une pratique
artistique peut se constituer à travers son hétérotonomie lorsqu’elle décide d’embrasser
la culture de masse et tout particulièrement celle de la grande distribution Internet.
Bref, nous entrerons dans le ventre du dragon.
Évaluation Obligatoire au choix
Français
Hebdomadaire et
sessions
7 ects sem. 7
7 ects sem. 8
10 ects sem.9
“The future is already here — it’s just not very evenly distributed.“
William Gibson, 1999
We shall be barbarians.
We’ll shop with Google™’s «Don’t be evil « and Youtube™’s «Broadcast Yourself» along with
Facebook™’s «Likes». We’ll follow Pinterest™’s recommendations and Twitter™’s conversations.
We’ll let modern life’s Computional Ecology break into our words, concepts, systems of
representations and modes of existence with its extimacy, augmented reality, connected objects,
data and ubicomputing.
We’ll grab and scrutinize these forms, acts and «objects» that stand at the crossroads of massmedia
and traditional artistic mediums and shift from walls to screens and from screens to objects. We’ll try
to understand what is at stakes in these displacements and translations and how their technological
assemblages shape their aesthetics and ontologies while conditioning their visibiliy and their public
and critical reception.
In order to do this, we’ll bring back the medium issue into the artistic debate. We’ll follow
Lawrence Alloway’s trail deep into Pop’s space-time Continuum and revisit important exhibitions
such as This is Tomorrow (1956), Software (1970) or Net Conditions (1999) and projects such as
Seth Siegelaub’s Xerox Book (1970).
In search for unlikely dwellings and extreme crashes, we’ll bring together Madmen sociopath
Don Draper and Mark Fisher’s Capitalist Realism, True Blood’s Deep Queer south and Sun Ra’s
Afrofuturism, Seth Price’s «Dispersions», Trevor Paglen’s invisible geographies, Paul Chan’s PRON
subtexts, Slavoj Žižek, MetaHaven, Andrea Fraser and other unexpected guests amidst invigorated
PowerPoints, animated GIFs, outrageous JPEGs, media archeologists and a few other working dead.
And then, we’ll see how and why artistic autonomy can be grounded on its heteronomy when it
embraces mass culture and especially Internet’s Grand Bazaar.
In short, we’ll step into the belly of the dragon.
The atelier will function as a collective design department, workspace and experimental online
platform.
L’ARC fonctionnera comme bureau d’études collectif, plateforme web expérimentale
et lieu de production courant.
Compléments d’information et syllabus : http://post-media.info
141
PROJET
Mécanismes pour une entente
Marta Jonville et Tomas Matauko
avec pour l’EBABX : Didier Lechenne et Jean-Philippe Halgand
Projet de laboratoire et de création artisitque
Bucarest – Budapest – Košice – Cracovie – Varsovie – Bordeaux
Après le démantèlement de l’empire austro-hongrois, avec une volonté de réorganisation
de liens politiques et commerciaux entre différents pays de la région (en effet tout était
centralisé à Vienne) commencèrent les pourparlers de « la petite entente ». Au sein de
ces discussions, guidées par une politique de rapprochement entre pays amis et ennemis,
se redessina un réseau ferroviaire non centralisé qui relierait des zones de conflit. C’est ici
que furent créés un certain nombre de lignes dont la ligne « Silesia Cracovia Karphaty »
reliant Varsovie à Bucarest via Cracovie, Košice et Budapest.
142
Suite à une restructuration économique couvrant l’Europe centrale entière, cette ligne
n’est plus desservie depuis 2007 que sur une courte période durant l’été -amputée
de la moitié de son parcours- en tant que simple ligne estivale et non plus comme
un enjeu politique.
Nous voulons créer un laboratoire de recherche collective sur plusieurs niveaux (histoire,
architecture, paysagisme, arts plastiques, design graphique) en vue d’une production
artistique multiforme.
Pour la réalisation de cette démarche de création artistique collective, tous les participants
au projet prendront ensemble le train depuis Bucarest jusqu’à Varsovie, étape par étape,
ville par ville.
Aussi, au milieu du trajet, nous investirons un tronçon de 5 km de voies ferrées entre
les villages de Plaveč en Slovaquie et Muszyna en Pologne. Il s’agit d’un tronçon qui n’est
plus emprunté par aucun train régulier. En effet, Cracovie et Košice ne sont plus reliées
par le train.
Nous voulons pérenniser des liens entre les villes de Bordeaux et Cracovie. Pour se faire,
un contrat Erasmus entre les deux écoles d’art, un programme de stages et de résidences
permettront la circulation d’artistes, d’étudiants et d’enseignants entre ces deux villes.
Mechanisms for an entente
Project for an artistic laboratory of creation.
Bucharest – Budapest – Košice – Krakow – Warsaw - Bordeaux
After the dismantling of the Austro-Hungarian Empire, with a will of reorganization
of political and commercial links between various
countries of the region (indeed everything was centralized in Vienna) began the
negotiations of «the little entente». Within these discussions, guided by a policy of
reconciliation between friendly and enemy countries, was redrawn a not
centralized railroad network which would connect several zones of conflict. It is
here that were created certain number of lines of which line «Silesia Cracovia
Karphaty» connecting Warsaw to Bucharest via Krakow, Košice and Budapest.
Following an economic restructuring covering the entire Central Europe, this line is
since 2007 only in service for a short period during the summer -amputated by a
half of its original course- just as a single summer line and no longer as a political
stake.
It is in our intention to create for the realization of this project a laboratory of
collective research based on several levels (history, architecture, landscape, fine
arts, graphic design…) with the finality of a multi-form artistic production.
For the realization of this collective artistic creation process, all participants
in the project will take the train from Bucharest to Warsaw, step by step, city by city.
Also, in the middle of the journey, we will settle for a month on a portion of 5 km
˘ in Slovakia and Muszyna in Poland.
of tracks between the villages of Plavec
This section is no longer used by any regular train. Indeed, Krakow and Košice are no
longer connected by train.
We want to perpetuate links between the cities of Bordeaux and
Krakow. To do it, an Erasmus contract between both schools of art and a program
of residences that will allow artists, students and teachers circulation between these
two cities will be settled.
Workshop : July – August 2013 Train itinerary from Bucharest to Warsaw via
Budapest, Košice and Krakow with a month long stop at the Slovak-Polish border
Workshop : Juillet – Août 2013 parcours en train de Bucarest à Varsovie via Budapest,
Košice et Cracovie avec un arrêt d’un mois sur la frontière slovaco-polonaise.
143
MÉMOIRE
144
MÉMOIRE
MODULE DE MÉTHODOLOGIE
Directeurs de mémoire au choix :
Thomas Boutoux, Virginia Garreta, Pierre Ponant, Jeanne Quéheillard,
Pierre-Lin Renié, Clara Schulmann, Fabien Vallos, Benjamin Thorel.
Fabien Vallos et Clara Schulmann
Le mémoire comporte un travail d’écriture avec des notes. Tous les mediums sont
possibles à condition qu’ils soient accompagnés d’un texte de présentation explicite
sur les axes conceptuels de la recherche et d’une bibliographie. Le mémoire n’est
pas nécessairement en relation directe avec le projet artistique. Le travail de mémoire
débute au moment où l’étudiant prépare son dossier d’entrée en années master
(semestre 6) pour une présentation d’intention : une proposition de sujet et une
bibliographie. La rédaction du mémoire se déroule en deux temps : une première
partie en semestres 7 et 8 ; le texte de mémoire complet à présenter et à évaluer au
mois de décembre (semestre 9). Un résumé en français (mille signes maximum) et la
traduction en anglais, ainsi que 8 mots clés permettront l’indexation en bibliothèque.
La validation des sujets, la méthodologie de recherche et le suivi sont la responsabilité
d’une équipe de direction de mémoire interne à l’école, formée par l’ensemble des
enseignants directeurs de mémoire choisis à la rentrée par les élèves ; l’élaboration
finale peut se faire avec la collaboration de personnes extérieures, partenaires
universitaires et équipes de recherche. Une collaboration avec l’Arc des étudiants,
formée par des artistes et théoriciens, est souhaitée.
La soutenance orale du mémoire se fait devant un jury formé par un des représentants
de l’école et un des professionnels présents dans le jury du diplôme. Il est présidé
par un docteur. La soutenance du mémoire a lieu au semestre 10. A l’issue de la
soutenance du mémoire, le jury établit un rapport écrit qui est communiqué aux autres
membres du jury du diplôme.
À l’issue de la présentation du travail plastique, le jury de diplôme délibère sur
l’attribution du diplôme en tenant compte du rapport établi par le jury de soutenance
du mémoire.
Évaluation Direction de mémoire
obligatoire au choix
Semestres 7.8.9 et 10
Rendez-vous selon
calendrier établi en
début de semestre
4 ects sem. 7
6 ects sem. 8
6 ects sem. 9
Il délivre les crédits
correspondant au travail
plastique (25 ects) et au
mémoire (5 ects).
Au début du semestre 7, 4 cours obligatoires de méthodologie donneront toutes
les informations qui concernent la nature du mémoire, la nature d’une recherche
théorique et pratique, la constitution d’une bibliographie, les règles typographiques
et formelles, une éthique générale de la recherche, la validation.
Un fichier .pdf et un fascicule seront mis à disposition. Ils contiennent toutes les
informations sur les codes typographiques (citations, références, notes en bas
de page, bibliographies, index...), annexes (traitement des images). Des modèles
normalisés sur Indesign seront mis à disposition.
At the beginning of semester 7, 4 required courses in methodology will give all the information
concerning the nature of the thesis, the nature of the theoretical and practical research, the
compilation of a bibliography, the typographical and formal rules, a general ethics pertaining to the
research, and validation.
A .pdf file and a booklet will be made available.
They contain all the information about typographical codes (quotations, references, footnotes,
bibliographies, index…), appendices (image treatment). Standardized models on Indesign are
available.
The thesis involves writing with notes. All media are possible provided that they are accompanied by
an explicit introductory text about the conceptual themes of the research and a bibliography.
The thesis is not necessarily directly related to the artistic project. Work on the thesis starts when the
student is preparing his entrance dossier for the master’s years (semester 6) for a presentation of
intent: a subject proposal and a bibliography.
Preparation and writing of the thesis happens in two stages: a first part in semesters 7 and 8; the
complete thesis text to be presented and evaluated at the end of semester 9. A summary in French
(1,000 characters / 200 words maximum) and its translation into English, plus eight key words, will
permit it to be indexed in the library. The validation of the subjects, the research methodology and the
monitoring are all the responsibility of a thesis supervision team within the School formed by all the
thesis supervisor teachers chosen by the students; the final writing can be done with the cooperation
of people outside the School, university partners, and research teams. A collaboration with the
students’ research supervision, made up of artists and theoreticians, is desirable.
The oral presentation of the thesis is made before a jury formed by one of the school’s representatives
and one of the professional persons on the degree jury. It is chaired by a doctor. The thesis
presentation is made in semester 10. After the presentation, the jury draws up a written report which
is communicated to the other members of the degree jury.
145
OUTILS
FORMES JURIDIQUES ET INSCRIPTION ÉCONOMIQUE
DES PRATIQUES ARTISTIQUES ET CONTEMPORAINES
PRATIQUE ARTISTIQUE ET INSCRIPTION PROFESSIONNELLE
Judith Ickowicz
146
Les termes art, œuvre, artiste, auteur, concept, projet, dispositif, performance
ou travail sont centraux dans les discours sur l’art contemporain. Le contenu qu’ils
recouvrent peut être cerné à partir d’une approche juridique. Le droit représente
un outil d’intelligibilité de la création, entendue à la fois comme activité créatrice
envisagée en elle-même et résultat de cette activité. Il constitue une grille d’analyse
pouvant enrichir celles déjà offertes par la théorie et l’histoire de l’art.
De manière plus pragmatique, il représente un moyen d’action permettant d’exercer
une emprise sur le champ social.
À partir de ces deux dimensions complémentaires, théorique et pratique, un certain
nombre de questions peuvent être posées et explicitées. Ainsi, quelles sont les
formes inventées par les artistes contemporains, et comment deviennent-elles
des objets de droit capables de circuler dans le marché ? Quelle est la spécificité d’une
activité artistique et en quoi se distingue-t-elle de la catégorie juridique de travail ?
Plus particulièrement, qu’en est-il de l’organisation d’un travail artistique au regard
d’autres modes d’organisation d’activité économique ? Quelle est aujourd’hui
l’étendue du pouvoir de l’artiste face au marché, face au musée, et quelles sont les
formes juridiques d’affirmation de sa souveraineté ? De quels moyens de contrôle
dispose-t-il ?
Ces questions seront abordées avec les étudiants, afin de leur permettre de mieux
se repérer dans les concepts et discours appliqués à leurs pratiques et, plus
concrètement, de parvenir à imaginer avec eux des stratégies d’inscription de leur
travail.
The terms: art, artwork, artist, concept, project, system, performance or work, are central to any
discourse on contemporary art. The contents covered by these terms can be described through
a juridical approach. The law represents a tool for rendering creation intelligible, understood as
much as a creative activity in itself as the result of this activity. It is a grid for analysis which can be
added to those provided by the theory and history of art. In a more pragmatic way, it represents a
means for action which enables one to influence society.
Starting with these two complementary dimensions, theoretical and practical, a certain number of
questions may be asked and clarified. For example, what are the forms circulating on the market,
which have been invented by contemporary artists, and how do they become subjects of the law?
What are the specificities of an artistic activity and how does is it distinguishable from the juridical
category: “work?” More particularly, what is the organization of an artistic work with regard to
other modes of organization of an economic activity? What is the extent of power of the artist
today in relation to the market or the museum, and what are the juridical forms that guarantee its
sovereignty? What means of control does the artist have?
These questions will be approached with the students so that they may better orient themselves
with regard to the concepts and discourse around their practices, and, more concretely, to start to
imagine with them what strategies of positioning can be applied to their work.
Des offres spécifiques sont mises en place cette année, cours ou interventions
ponctuelles avec des experts au plus près des réalités professionnelles pour
les étudiants de 5ème année préparant leur diplôme.
Savoir monter un dossier d’artiste et de designer contenant les éléments
fondamentaux : cv, portfolio d’œuvres et projets réalisés, textes et mémoires.
Connaître les statuts socioprofessionnels, les modalités de création d’une microentreprise, d’une association.
Connaître le fonctionnement des systèmes d’aide à la création publics et privés,
des résidences en France et ailleurs ; des demandes d’admission en post-diplômes
en France et ailleurs. Cet enseignement se présentera sous la forme de workshop,
avec un suivi du tutorat et du groupe de suivi.
La Fabrique Pola est une fédération artistique et culturelle qui vise à consolider
les activités et l’économie de ses membres, et à engager un projet de développement
fondé sur une économie plurielle et solidaire pour le secteur culturel.
Dédiée aux pratiques artistiques, architecture, édition, éducation populaire,
graphisme, édition phonographique, médiation sur le cadre de vie, multimédia,
photographie, sérigraphie, scénographie, urbanisme, vidéo, spectacle vivant, etc., la
fabrique rassemble une pluralité d’artistes et de structures dans le domaine
de l’économie créative.
La Fabrique Pola fait figure d’outil de développement et d’action locale intégrant
des dimensions artistiques, sociales, éducatives, urbaines et économiques.
Elle est également un support de structuration professionnelle.
Specific offers are being made this year; that is, courses or occasional guest participations with
experts from the professional art world for students of the 5th year who are preparing for their
diploma examinations.
Knowing how to build up an artist’s file containing the fundamental elements: curriculum vitae,
portfolio of finished works and projects, presentation and critical texts and theme papers, theses.
Getting to know socio-professional statuses, the procedures for creating a micro-business, an
association.
Learning about the way systems of public and private grants for creation work, how to apply for
residencies in France and abroad, or post-diploma programs in France and abroad. This class is in
the form of a workshop with follow-up by the tutorial and principal group of teachers.
147
LANGUE éTRANGèRE
ANGLAIS / ESPAGNOL
Patricia Chen / Fernando Klein
Claude Alemant, Jean-Michel Lidon, Peter Liesenborghs, Cécile Renaut,
avec Christophe Ballangé (A), Yann Cloutier (A), Sébastien Collet (A),
Laurent Décremps (A), Suguru Goto (A), Seydou Grépinet (A),
Myriam Lavialle (A), Cyriaque Moniez (A), Farid Bourenane (T),
Pierre Lavesque (T), Patrick Mouret (T), Emmanuel Sorel (T)
Entretien en face-à-face, entièrement en langue ciblée et au niveau approprié, autour
du projet personnel et de sa présentation à l’étranger. Accompagnement bilingue dans
la recherche, élargissement du vocabulaire artistique, lecture et traduction de textes
critiques et littéraires. Travail sur les expériences en parallèle avec les arcs. Aide à la
traduction de mémoires, de bandes sonores et sous-titres, paroles de chansons et de
textes faisant partie du travail artistique. Incitation à prendre la parole en continu en
vue d’une pratique au niveau international. Préparation aux programmes d’échanges
internationaux. Perfectionnement et gain de confiance à l’oral, développement de
compétences en compréhension et expression écrite.
148
Face to face interview, entirely in the target language and at the appropriate level, about the personal
project and its presentation to the other person. Bilingual accompaniment in research, development
of artistic vocabulary, reading and translation of critical and literary texts. Work on experiments in
tandem with the arcs. Help with translation of theses, soundtracks and subtitles, lyrics and texts
which are part of the artistic work. Encouragement to take the floor in a continuous way with a view
to a practice at international level. Preparation for international exchange programmes. Improvement
and acquisition of oral confidence, development of skills in understanding and written composition.
Évaluation - sur
participation active,
contrôle continu, bilan de
fin de semestre.
rendez-vous individuels
Hebdomadaire
2 ects sem. 7
2 ects sem. 8
2 ects sem.9
Dans le cadre des arcs, les étudiants sont accompagnés par des enseignants, des
assistants spécialisés et des techniciens pour la réalisation de leurs projets.
L’aide peut être liée à la thématique des arcs avec formations et suivis à la production
personnalisée, selon les sujets collectifs ou une approche plus pointue avec l’étudiant,
autour de son projet personnel.
Sur rendez-vous, en vue de l’utilisation optimale des outils et des espaces techniques.
As part of the arcs, students are assisted by teachers, specialized assistants and technicians for the
execution of their projects.
Help may be linked to the theme of the arcs with training and monitoring of personalized production,
based on collective subjects, or a more distinct approach with the student focusing on his personal
project.
By appointment with a view to optimum use of the tools and technical areas.
149
STAGE & MOBILITÉ INTERNATIONALE
150
Le stage fait partie intégrante du cursus et est obligatoire.
Il permet à l’étudiant d’intégrer sur une durée déterminée un milieu professionnel
défini afin de faire l’acquisition de savoirs et de modes de production spécifiques.
Le choix du stage en année 4 se fait en fin de semestre 7, accompagné par les
enseignants des arcs et de tutorat. Un rapport de stage doit être rédigé à l’issue du
stage.
Le stage professionnel est intégré au cursus de formation.
À ce titre, un étudiant obtient 8 crédits en année 4. L’étudiant doit réaliser à la fin
du stage un rapport de stage.
Dans ce rapport, il est préconisé de présenter l’entreprise d’accueil, d’expliquer
les missions confiées et celles réalisées, les contraintes auxquelles le stagiaire a
été confronté, les productions réalisées pendant le stage, et la valeur ajoutée que
l’étudiant pense avoir apporté à l’entreprise, les apports du stage pour son cursus
de formation, pour son projet de recherche personnelle, pour son orientation
professionnelle future.
Il relate l’expérience de connaissance des milieux professionnels (économique,
culturelle), toute chose qui peut l’aider à progresser par la suite, tant sur le plan
wde la recherche, que sur le plan de la professionnalisation.
À l’échelle internationale, l’EBABX réalise depuis de nombreuses années un
investissement culturel vaste et ambitieux. Au-delà des échanges classiques
d’étudiants qui suivent un programme d’enseignement spécifique proposé par
une des écoles partenaires (par le biais des programmes Erasmus ou Crepuq),
l’École s’intéresse plus particulièrement au développement d’expériences croisées
avec certaines écoles partenaires dans d’autres pays. Des projets pédagogiques
croisés, articulés autour de problématiques communes et notamment autour des
pratiques de l’exposition, de l’édition, de la diffusion, de l’action publique et de la
professionnalisation des étudiants permettent de créer des contextes d’échange et
de mobilité construits (mobilité enseignante, mobilité étudiante). Des projets sont en
cours avec des écoles en Italie, en Allemagne, en Espagne, en Pologne et en Slovaquie.
Pour privilégier les liens des étudiants avec la culture contemporaine et les centres
d’activité de l’art, nous organisons de nombreux stages en milieux professionnels
avec des centres d’art et des galeries partenaires (en Espagne, au Québec, à Cuba,
au Maroc, en Belgique, en Turquie) et dans des ateliers d’artistes en Allemagne,
en Grande-Bretagne, en Argentine, aux Etats-Unis dans le cadre des programmes
Erasmus et de la bourse d’aide à la mobilité internationale de la Région Aquitaine
(Aquimob).
Nous organisons régulièrement des échanges avec le Québec à travers le Crepuq
(Conférence des recteurs et des principaux des universités du Québec). Nos relations
vers l’étranger bénéficient de l’ouverture sur l’international de la mairie de Bordeaux,
c’est le cas des échanges avec Casablanca (Maroc) et Fukuoka (Japon). La mise en
regard des institutions de l’art à Bordeaux et de celles des villes les plus proches de la
frontière franco-espagnole (Saint-Sébastien, Bilbao, Vitoria) est appelée à développer
davantage le pôle d’excellence artistique transfrontalier.
The training course is an integral part of the degree course and is required in the year 4.
It helps students, over a given period of time, to become part of a defined professional milieu in order
to acquire knowledge and specific production methods. The training course is chosen at the end of
semester 7, accompanied by arcs teachers and tutors.
A course report must be made at the end of the training course.
The internship is an integral part of the curriculum and is obligatory.
The professional internship is integrated into the training curriculum.
A student receives 8 ects credits in the 4th year as a result of the internship. He/she must write an
internship report at the end of the experience. In the report it is recommended that he/she present the
host company, explain the missions given and executed by the student, the constraints or conditions
with which he/she was confronted, the productions made during the internship and the contribution
the student thinks he/she made to the company or establishment. In addition the report should cover
the value the internship added to the student’s course of study, his/her personal research project and
future professional orientation.
The report should convey the experience or knowledge acquired in the context of the professional
milieus encountered (economic, cultural) and anything which may be of future help in the student’s
progress, either with regard to his/her research or his/her future professionalization.
At the international level, EBABX has, for many years, invested in a vast and ambitious cultural
exchange program. Above and beyond typical student exchanges for following a specic teaching
program proposed by one of our partner schools (through the Erasmus or Crepuq programs), the
school is most particularly interested in the development of shared experiences with certain partner
schools in other countries.
We regurlaly organize exchanges with canada through Crepuq (conference of rectors and principals
of the universities of Quebec). Our international relations enjoy the open-mindedness to the
international scene that is demonstrated by the Bordeaux City Hall. This is the case with exchanges
with Casablanca (Maroc) and Fukuoka (Japan). The involvement of the art institutions in Bordeaux and
of thoses ot the cities closest to the French-Spanish border (St. Sebastian, Bilbao, Vitoria) is intended
to further develop the area of cross-border artistic excellence.
151
Athènes, Barcelone, Berlin, Buenos Aires, Casablanca, Glasgow, Istanbul, Košice, Milan, New York…
année 4
année 5
ART
Recherche et mise en œuvre du projet
ARC
Bilan
Direction de mémoire
Formation logiciels
Stage
sem. 8
sem. 7
7
3
6
7
3
4
2
8
Théorie et langue étrangère
170
ART
Méthodologie de la recherche
ARC
Séminaire
Direction de mémoire
Laboratoire de recherche
Pratiques des langues étrangères
sem. 9
sem. 10
4
6
6
2
2
Mise en forme du projet personnel
Séminaire
Laboratoire de recherche
4
4
2
4
4
2
ARC
Diplôme blanc
6
4
171
Épreuves du diplôme
DESIGN
DESIGN
Recherche et mise en œuvre du projet
Méthodologie de la recherche
7
3
6
ARC Design Mixte
Bilan
Direction de mémoire design
Formation logiciels
Stage
Théorie et langue étrangère
7
3
4
2
4
4
4
2
4
2
Séminaire Open
ou Art direction cult
ou The Book Society
Laboratoires de recherche
8
5
25
Mémoire
Travail plastique
ARC Design Mixte
Séminaire Open
ou Art direction cult
ou The Book Society
Direction de mémoire design
Laboratoires de recherche
4
6
6
2
2
Mise en forme du projet personnel
ARC Design Mixte
Diplôme blanc
6
4
Épreuves du diplôme
Mémoire
Travail plastique
5
25
ENSEIGNANTS
172
ENSEIGNANTS INVITÉS 2012.2013
Peio Aguirre
Critique d’art, commissaire d’expositions
(Pays Basque)
ASSISTANTS SPECIALISÉS
ET TECHNICIENS
Carmen Alcocer
Espagnol
Yannick Lavigne
Photographie
Claude Alemant
Sculpture
Didier Lechenne
Design graphique, web design
Michel Aphesbero
Edition d’artistes
Marie Legros
Vidéo, performance
Galen Bangs
Anglais
Jean-Michel Lidon
Sculpture
Judith Ickowicz
Juriste, spécialiste des droits d’auteur
(France)
Laurent Décremps
Assistant spécialisé maquettes
Angelika Bauer
Design graphique, web design
Peter Liesenborghs
Dessin, images numériques, 3D
Laurent Matras
Designer (France)
Suguru Goto
Assistant spécialisé numérique
Jean-Marie Blanc
Photographie
Marie Muracciole
Théorie de la vidéo/cinéma
Paul Rosero
En résidence à l’ebabx (Equateur)
Seydou Grépinet
Assistant spécialisé vidéo
Philippe Bouthier
Histoire de l’art
Madeleine Montaigne
Design d’objet
Natascha Sadr Haghighian
Artiste (Iran)
Myriam Lavialle
Assistante spécialisée multimédia
Thomas Boutoux
Théorie, critique, anthropologie
Pierre Ponant
Théorie, critique du graphisme et édition
Benjamin Valenza
Sculpteur (Suisse)
Cyriaque Moniez
Assistant spécialisé vidéo
Jean Calens
Viviane Prost
Peinture, dessin, illustration
Farid Bourenane
Technicien matériaux
Patricia Chen
Anglais
Jeanne Quéheillard
Théorie, critique du design
Pierre Lavesque
Technicien photographie
Danièle Colomine
Cécile Renaut
Internet, multimédia
Patrick Mouret
Technicien imprimerie numérique
Anne Colomès
Dessin
Pierre-Lin Renié
Théorie, critique de la photographie
Emmanuel Sorel
Technicien menuiserie
Daniel Dewar
Sculpture, installation
Anne-Laure Sacriste
Peinture, Imprimerie
Eric Duyckaerts
Sculpture, installation
Paola Salerno
Photographie
Patricia Falguières
Théorie des arts
Clara Schulmann
Histoire de l’art
Virginia Garreta
Théorie, histoire de l’art
Jean Simard
Technique vidéo
Catherine Gilloire
Son
Benjamin Thorel
Théorie,
critique des pratiques d’édition artistique
Marc Guindeuil
Dessin, objet, espace
Jean-Philippe Halgand
Internet, web
Armand Jalut
Peinture
Fernando Klein
Espagnol
Patricia Hernandez
Artiste en résidence à l’ebabx
(Programme F.L.A.R.E Bordeaux/Los Angeles)
Fabien Vallos
Théorie, philosophie, anthropologie
Jessica Warboys
Peinture, dessin
Jean-Charles Zébo
Design, objet, espace
Benoît Lafosse
Photographie
Christophe Ballangé
Assistant spécialisé son
Yann Cloutier
Assistant spécialisé imprimerie
Sébastien Collet
Assistant spécialisé matériaux
173
L’ ÉQUIPE
Directrice
tél +33 (0)5 56 33 49 11
Alain Dupiol
Coordonnateur bâtiment, surveillance, entretien et travaux
Bruno Gaillardon
Surveillance et travaux
Hervé Alexandre
Secrétaire général
Tél +33 05 56 33 49 17
Marguerite Joanne
Directrice adjointe pour l’administration & les finances
tél +33 (0)5 56 33 49 14
Annette Nève
Directrice adjointe pour la pédagogie
tél +33 (0)5 56 33 49 16
Francette Gaudelet
Entretien
Valérie Grenouilloux
Entretien
Ann-Gaëlle Coomber
Coordonnatrice pédagogique, échanges internationaux
tél +33(0)5 56 33 49 13
[email protected]
174
Béatrice Barbot
Entretien
Nathalie Olivier
Entretien
Francis Bajen
Entretien
Hélène Squarcioni
Coordinatrice relations extérieures, communication, auditeurs libres
tél +33(0)5 56 33 49 12
Valérie Blanc
Bibliothèque
tél +33(0)5 56 33 58 07/08
175
CALENDRIER
Isabelle Durci
Adjointe ressources humaines
tél +33 05 56 33 58 22
2/10/2012 : Rentrée des étudiants
22/12/2012 au 6/12/2013 : Vacances de Noël
2/03 au 10/03/2013 : Vacances d’Hiver
20/03/2013 : Journée portes ouvertes
27/04 au 12/05/2013 : Vacances de Printemps
3/06 au 7/06/2013 : Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique
24/06 au 28/06/2013 : Diplôme National d’Art Plastique
Dany Menaut
Adjointe administration et finances
tél +33 05 56 3349 19
Marie-Françoise Guennoc
Secrétariat pédagogique
tél +33 05 56 33 49 15
Anne Caroline Lequet
Secrétariat auditeurs libres, échanges internationaux
tél +33 05 56 33 49 18
Elisabeth Prieto
Secrétaire d’accueil
tél +33 05 56 33 49 10
Léa Vallet
Référente informatique et réseaux
tél +33 05 56 33 18
Toutes les adresses mails se déclinent : [email protected]
Direction de la publication
Annette Nève
Rédaction
Les enseignants
L’équipe de direction
Secrétariat de rédaction
Ann-Gaëlle Coomber
Marie-Françoise Guennoc
Traduction
Patricia Chen
Conception graphique
Hélène Squarcioni
Police de caractères : DIN
Imprimé sur papier Cyclus offset et Cromatico
Remerciements à Laurianne Bixhain, Ailsa Cavers, Charlotte Corroy-Urdiales, David Chastel, Lucas Furtado,
Jennifer Harispe, Julien Journoux, Noémi Koxarakis, Elsa Pragout, Marie-Anne Saint-Hubert,
Aurélie van de Wynckele, étudiants et diplômés de l’ebabx, pour leur contribution photographique
Impression
Achevé d’imprimer à l’EBABX-école d’Enseignement Supérieur d’Art de Bordeaux - septembre 2012
Imprimerie numérique
Patrick Mouret
Le livret de l’étudiant 2012.2013 est consultable dans son intégralité sur ebabx.fr et sur bordeaux.fr

EBABX École d`Enseignement Supérieur d`Art de Bordeaux livret de

Transcription

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