Heinz Holliger

Heinz
Holliger
Romancendres · Feuerwerklein
Chaconne · Partita
Daniel Haefliger, Cello
Gilles Vonsattel, Piano
Heinz Holliger (*1939)
Romancendres · Feuerwerklein
Chaconne · Partita
Daniel Haefliger, Cello
Gilles Vonsattel, Piano
Romancendres for cello and piano (2003)
01
02
03
04
05
06
Kondukt I (C.S.-R.S.) ..................................................... [ 03 : 20 ]
Aurora (Nachts) ........................................................... [ 06 : 16 ]
R(asche)S Flügelschlagen.............................................. [ 04 : 58 ]
Der Würgengel der Gegenwart ...................................... [ 03 : 25 ]
heiter bewegt (Es wehet ein Schatten darin) .................... [ 02 : 21 ]
Kondukt II (Der bleiche Engel der Zukunft) ....................... [ 02 : 10 ]
Feuerwerklein zum “quatorze juillet” for piano solo (2012)
07
................................................................................ [ 02 : 20 ]
Chaconne for cello solo (1975)
08
2
................................................................................ [ 09 : 29 ]
Partita for piano solo (1999)
09
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Praeludium („Innere Stimme“)........................................ [ 05 : 06 ]
Fuga ......................................................................... [ 06 : 17 ]
Barcarola ................................................................... [ 03 : 10 ]
Sphynxen für Sch. (Intermezzo I) .................................... [ 02 : 16 ]
Petit „Csárdás obstiné“ ................................................ [ 01 : 05 ]
Sphynxen für Sch. (Intermezzo II) ................................... [ 01 : 57 ]
Ciaconna monoritmica ................................................. [ 10 : 13 ]
Total Time 64:40
3
was originally (only) the name
for an idea. The musicians François Benda and Felix
Renggli had been dreaming of an alternative approach
to how classical music recordings were produced in the
CD industry. They felt that it should be up to the very
best performing artists, not the market, to determine
which classical CDs are produced. Instead of classical “fast food,” artistic
ethos and independence, creative imagination, and virtuosity.
GENUIN is now providing the platform for this vision. The German label
and the collective of artists, sound engineers and musicians are collaborating in the production of CD recordings which enjoy the full support and
commitment of everyone involved, and in every detail bear the stamp of
the Artist Consort.
From the selection of repertoire to the booklet notes, from tonal nuances to the choice of artists —the musicians make their own decisions
about all the important questions regarding their recordings with the support of the GENUIN team. In tribute to the flowering of ensemble music in
the 17th century, the name of the series of CDs featuring works from the
Baroque period to New Music stands for equality, the highest standards,
and vibrant artistry—Artist Consort.
Artist Consort
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war zunächst (nur) der Name
für eine Idee. Die Musiker François Benda und Felix
Renggli träumten von einem Gegenentwurf zur
gängigen Praxis des CD-Business. Nicht der Markt
sollte Gesetze für Tonträger-Produktionen diktieren,
sondern der künstlerische Impetus hochrangiger
Musiker die Richtschnur liefern. Kein Fast-Food, sondern künstlerisches
Ethos und Eigenständigkeit, schöpferische Fantasie und Virtuosität.
GENUIN liefert nun die Plattform für diese Vision. In enger Zusammenarbeit von Label und Künstler-Kollektiv, von Tonmeister und Musiker
entstehen CDs, hinter denen alle Beteiligten mit voller Überzeugung
stehen und die bis ins kleinste Detail die Handschrift des Artist Consort
tragen.
Von der Werkauswahl bis zum Booklettext, von der Klanggestaltung
bis zur Besetzungsliste: Unterstützt vom GENUIN-Team entscheiden die
Musiker alle wichtigen Fragen rund um ihre Aufnahmen selbst. Und als
Hommage an die hohe Zeit der Ensemblemusik im 17. Jahrhundert tragen die CDs vom Barock bis zur Avantgarde einen Titel, der für Gleichberechtigung genauso wie für höchste Ansprüche und lebendige Kunst
steht: Artist Consort.
Artist Consort
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Artist Consort,
au départ, c’est (seulement) le
nom attribué à une idée, les musiciens François Benda et
Felix Renggli ayant rêvé d’un contre-projet à substituer
aux pratiques habituelles en matière de production
de CD. Concernant la réalisation de disques et autres
supports sonores, ce ne serait alors plus au marché de
dicter ses lois mais ce serait bien l’impulsion artistique donnée par des
musiciens de haut niveau qui indiquerait la règle de conduite. Point de
« fast-food » musical mais une déontologie artistique à respecter ; de même,
place à l’autonomie, à l’imagination créatrice et à la virtuosité.
C’est maintenant au tour de GENUIN d’offrir une plate-forme à cette vision.
La production de ces disques porte dans le moindre détail l’empreinte de la
collection « Artist Consort » ; le label GENUIN et le collectif artistique, l’ingénieur
du son et les musiciens travaillant pour cela en étroite collaboration, apportant
toute leur adhésion artistique à la réalisation de ces projets.
Qu’il s’agisse du choix des œuvres à enregistrer, du texte des livrets de
CD, de la conception sonore des disques ou de la distribution artistique à
proprement parler, ce sont les artistes eux-mêmes qui décident de toutes
les questions importantes relatives à leur enregistrement, aidés en cela par
l’équipe de GENUIN. En hommage à la musique d’ensemble, qui fut à son apogée
au XVIIe siècle, les CD de la collection, dont la gamme s’étend de l’époque
baroque jusqu’à la musique d’avant-garde, portent tous le même titre, symbole
d’égalité, d’exigences élevées ainsi que d’un art bien vivant : c’est Artist
Consort.
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About the compositions
Romancendres
Shortly before her death in 1893, Clara Schumann burned the Five Romances for cello
and piano that her husband had composed in 1853. Nothing remains, sketches or otherwise, of these duos; the only indication of their contents can be found in a thank-you
letter to Schumann from the violinist Joseph Joachim: “We found the Romances very
stimulating and could not help but spontaneously play the third one again, with its intense melody and contrasting, animatedly impish trill movement. We did the same
with the festive A Major movement of the final Romance and indeed replayed the rest
several times too.” It is from these sparse details that Heinz Holliger, fervent admirer
of Schumann, composed this pioneering work, which serves as a revolutionizing addition to the repertoire for piano and cello.
It is possible to provide but a glimpse into the profound richness of this composition in this short introduction. In “Romancendres”, Holliger has directly integrated the
details of the destruction of Schumann’s Romances, in addition to a multitude of other
diverse biographical and musical elements relating to Schumann. Thus, an attentive
listener should not be surprised to recognize phrases from Schumann’s other pieces
for example, each transfigured and woven discreetly into the musical fabric.
The interweaving of biographical details is first manifested in the titles of the
work and of its movements, of which the main title, “Romancendres”, is a clear illustration. Not only does it evoke the historical burning to “cinders” of the Romances, but
it also lends itself to several other linguistic allusions. For example, the first and last
letters, R and S, are none other than the initials of Robert Schumann. The titles of the
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four middle movements, some of them taken from Schumann’s texts and transformed
by Holliger, can be interpreted in multiple ways, but each contain direct references
to the passage of time within a mortal life, to destruction, and to death (twice Asche/
ashes, twice Engel/angel, then Nacht/night and Schatten/shadow, Gegenwart/timepresent, and Zukunft/future, etc.).
The two Kondukte framing the four middle movements are funeral marches of
an essentially ritualized and objective character. The first Kondukt develops rhythms
based on the numerical dates of the births and deaths of Robert and Clara. The second is built on rhythms and notes corresponding to the three protagonists (Robert,
Clara, and Brahms). The first instance occurs in the cello part, which begins with a
“C”, representing Clara, while the piano part begins with an “E-flat”, which in the
German notation is “Es”, thus (S) for Schumann (Robert). The second Kondukt conjures images of tombs and epitaphs through a despairing chorale, which gradually
disintegrates into an infinite slowness and eventually dissolves completely into nothingness. The four middle pieces evoke strong emotions, which are expressed by intensive flights of lyricism and abrupt, violent breaks. The unconscious, uncontrollably
finding expression in dreams; the vision of a reality, constantly striving to surpass and
transfigure itself; the siren call of madness, leading to rage and despondency – all of
these open doors to transcendental understanding.
The sequence of pieces can also be viewed as an allegory of Schumann’s life:
first, youth [the first Romance: Aurora as the dawn, but with remnants of night
(Nachts) and its associations with death]; followed by the marriage of Robert and
Clara [the second Romance: (R)asche(S) Flügelschlagen/ the fast beating of wings as
a sign of exuberance, as well as a reflection on broken wings, or broken hearts as
experienced at life’s end; at the same time specifically alluding to striking (schlagen)
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the strings inside the grand piano (Flügel)]. This is followed by the impetuosity of
Schumann’s professional life [the third Romance: rapid and intense, with fire and passion (mit Feuer), but also the suffocating (er-würgen) battle with sickness]; and finally
his last years [the fourth Romance: a certain cheerfulness (heiter), but also covered
by the shadow (Schatten) of Brahms (low B-flat, in German notation, “B”, the name
“Brahms” is doubly associated by Holliger with the word Brand/fire) and the shadow
of death].
From a compositional perspective, the aural combinations of the cello and the
piano are radically new, often making it difficult to distinguish between the instruments without looking at the score. The same goes for the sounds made by the piano,
which are not only produced via the keys but also from within the body of the piano
on the strings – the listener will often find it impossible to discern how the sound is
being produced. In order to illustrate historical details in the music, Holliger uses an
alphabet in which letters (i.e. cinders, fire, flames) and numbers (i.e. birth and death
dates of Robert, Clara, and Brahms) translate into pitches and durations of notes. All
of the work’s musical motives and rhythms are therefore derived from words or numbers, a technique which is clearly outlined in the Holliger sketches. Accordingly,
in the second Romance, the piano wordlessly recites an excerpt of a letter (1893)
from Brahms to his biographer Heuberger, in which he describes the incineration
of the score: “Frau Schumann hat erst vor ein paar Wochen ein Heft Cellostücke von
Schumann verbrannt, da sie fürchtete, sie würden nach ihrem Tode her–ausgegeben werden. Mir hat das sehr imponiert” (“Just a few weeks ago, Mrs. Schumann
burned a volume of Schumann’s cello pieces, as she fears that they would otherwise
be published after her death. I was astounded.”). Romancendres ends with a final
significant reference: “barely audible” which transcribes into pitch the location of
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Schumann’s death (Endenich, Germany), which, read backwards, signifies “I die”
(ENDEN ICH / END I).
Daniel Haefliger 2013
Feuerwerklein zum „quatorze juillet“
(Little Fireworks for the 14th of July)
This work was written as a contribution to an album of seventy piano pieces, published by Schott-Verlag in Mainz, in homage to its director Peter Hanser-Strecker, on
the occasion of his seventieth birthday.
As the birthday of the aforementioned falls on the 14th of July, it seemed quite
natural to evoke a “Feux d’artifice” (perhaps even that of Debussy), as well as the
“Marseillaise” (“Mayençaise”?).
Heinz Holliger 2013
Chaconne
Composed in 1975 and premiered in Zurich in 1976 by Mstislav Rostropovich, the Chaconne for solo cello is one of twelve works written using the pitches derived from S-A-CH-E-R, a project initiated by Heinz Holliger, to which composers (Boulez, Berio, Dutilleux,
Henze, Huber, Lutoslawski, Fortner, and others) were asked to contribute a work in
honour of Paul Sacher, for his seventieth birthday. These works were premiered in part
by M. Rostropovich at the birthday celebrations. Heinz Holliger transcribed the letters
of Sacher’s name in a continuous string of pitches, as in the bass line of a chaconne, and
converted Sacher’s birthday date into rhythms. The 7 movements of the piece (referring
to the 70th birthday) each consist of 7 lines or verses. The work is written in 7 tempi,
one for each of the 7 parts. In the (P)ost (S)criptum, each of the 7 tempi reappear.
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S (E-flat)
A (A)
C (C)
H (B natural)
E (E)
R (D)
The spectrum of given pitches is broadened through octavation, harmonics, and
percussive sounds. It conveys an irresistible, youthfully impetuous cry for freedom
of expression, which contrasts with the strict, relentless repetition of the notes of
which the chaconne is composed. The combination of these two forces culminate in
an explosion in the final (P)ost (S)criptum (Paul Sacher), which inspired me to the
following thoughts:
Sound / Echo
Articulation / Emotional effusion
Construction / Destruction
Harmony / Disharmony
Elegiac / Anti-romantic
Repetition / Rebellion
Sardonic / Affable
Anti / With
Conventional / Exuberant
Homage / Pillage
Elegant / Grim
Rebellious / Polite
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And then:
Surprised and blown away, at age 15,
upon hearing Heinz Holliger play for the first time;
Ardent friendship after decades of performing together;
Complicit even in silence;
Humble homage to a great master of time;
Experiencing not only music together, but the joys of life as well;
Room to go back and constantly start everything all over again!
Daniel Haefliger 2013
composed at the very end of the millennium and dedicated to András
Schiff, whose personality, interpretative style, life, and important biographical dates
determine the entire work. First performed by the dedicatee September 12th, 2001, at
the 51st Berliner Festwochen.
Partita:
a savagely embattled, dramatic musical discourse, and at the same time - an echo following in its wake - a calm, tranquil chorale built of diatonic chords, a sort of “interior voice” à la Schumann; the two faces
of Janus.
Präludium (“Inner Voice”):
Fuga: in reality, a three-voice fugue, but sounding multi-voiced, a homage, perhaps,
to the fugue in C-sharp Minor of the Well-Tempered Clavier, Book I, of J.S. Bach.
Barcarola: in the style of Liszt’s Lugubre Gondola, a funereal music, which violently builds towards the middle of the movement, like in Rimbaud’s “Bateau ivre”.
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Sphinx pour Sch. (Intermezzo I): an intermezzo composed exclusively of
sounds emanating from the inside of the instrument, like a sonorous encephalogram.
Petit Csárdás obstiné: similar to Liszt’s work of the same name, inspired
by Lenau, a savage, Mephistophelian dance, based on an ostinato of 7 sounds which
are permutated 49 times.
Sphinx pour Sch. (Intermezzo II): the tranquil, interior voice of the chorale, sounding in diatonic chords, born of the gentle whisper of glissandi, which are
drawn directly from the strings inside of the piano.
– The two sphinxes (of Schumann) serve as immovable moments of introspection.
Ciacona monoritmica: the rhythms are derived from important dates in the
life of András Schiff, while the pitches correspond to his name (in German notation).
These form the base of this monumental final movement, which draws references as
much from Bach and Busoni as from Alban Berg.
Heinz Holliger 2013
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Über die Werke
Romancendres
1893, kurz vor ihrem Tod, verbrennt Clara Schumann die Fünf Romanzen für Violoncello und Klavier, die ihr Mann 1853 komponiert hatte. Weder Quellen noch Skizzen
dieser Duos sind uns überliefert; die einzigen Hinweise auf ihren Inhalt finden sich in
einem Dankesbrief des Geigers Joseph Joachim an Schumann: „Sehr haben uns auch
die Romanzen erlabt, und die 3te davon mit der tiefsinnigen Melodie und dem contrastierenden, lebhaft schalkischen T r i l l e r satze mussten wir unwillkürlich noch einmal
spielen, wie den feierlichen A dur-Satz der letzten, und überhaupt Alles mehrere Male.“
Das eingangs erwähnte Ereignis nahm Heinz Holliger, dem die Musik Schumanns
ganz besonders am Herzen liegt, zum Anlass, ein bahnbrecherisches, vollkommen
neuartiges Werk zu schreiben, welches das Repertoire für Klavier und Violoncello auf
einzigartige Weise bereichert.
In dieser kurzen Einführung soll lediglich eine einfach mitteilbare Schicht angesprochen werden, die den Reichtum und die Tiefe des Werkes jedoch in keiner Weise zu
fassen vermag. Holliger hat die konkreten Umstände um die Zerstörung der Partitur in
seinem Werk unmittelbar umgesetzt und außerdem eine Fülle von Elementen aus dem
Leben und der Musik Schumanns einfließen lassen. Es kann daher nicht erstaunen,
dass der aufmerksame Hörer Zitate aus anderen Werken Schumanns erkennen wird,
auch wenn sie umgeformt und eng in Holligers Klangrede eingewoben sind.
Dieses Netz aus biografischen Elementen kommt bereits in den Überschriften
des Werks und seiner Sätze zum Ausdruck. So evoziert der Werktitel ROMANCENDRES nicht nur die geschichtlich bezeugte Einäscherung der Partitur der Romanzen;
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er birgt auch eine Vielzahl weiterer sprachlicher Anspielungen wie etwa die Initialen
von Robert Schumann, welche dem ersten und dem letzten Buchstaben des Werktitels entsprechen. Die Überschriften der vier mittleren Stücke, die teilweise Texten von
Schumann entnommen sind und von Holliger angepasst wurden, lassen sich auf verschiedene Arten interpretieren, enthalten aber ausnahmslos klare Hinweise auf das
Verstreichen der Lebenszeit, auf Zerstörung und Tod (zweimal Asche/cendre, zweimal Engel, dann Nacht, Schatten, Gegenwart,Zukunft, usw.).
Die beiden Kondukte, welche eine Klammer zu den zentralen Werkteilen bilden,
sind Trauermärsche von überwiegend rituellem und objektivem Charakter. Der erste Kondukt entwickelt die auf den Lebensdaten von Robert und Clara gründenden
Rhythmen. Der zweite Kondukt basiert auf den Rhythmen und Tonhöhen aller drei
Protagonisten. So beginnt etwa der Cellopart mit einem „C“, der Klavierpart mit einem „Es“. Der zweite Kondukt beschwört Grabmale und Grabinschriften in einem
verzweifelten Choral, der bis zur scheinbaren Auflösung der Zeit in unendliche Langsamkeit zerfällt. Die vier mittleren Stücke evozieren starke Gefühle, die sich in intensiven lyrischen Höhenflügen und in abrupten, gewaltsamen Brüchen Luft machen;
das Unbewusste, das in Träumen unbezwingbar zum Ausdruck kommt; die Vision
einer Wirklichkeit, die sich ständig selbst zu überhöhen und zu verklären sucht; der
Sirenenruf des Wahnsinns, der in Raserei und Verzagtheit führt – dies alles öffnet uns
die Tore zu transzendentaler Erkenntnis.
In der Abfolge der Stücke liesse sich bildlich Schumanns ganzes Leben nachzeichnen: zunächst die Jugend {erste „Romanze“: Aurora als Morgenröte, die aber
noch Elemente der Nacht enthält, die ihrerseits mit dem Tod assoziiert wird}; dann
die Ehejahre von Robert und Clara {zweite „Romanze“: (R)asche(s) Flügelschlagen als
Zeichen der Überschwänglichkeit, aber auch die gebrochenen Flügel, die zerbrochene
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Liebe am Ende des Lebens. Das Schlagen der Flügel ist gleichzeitig ganz konkret zu
verstehen, indem die Saiten im Inneren des Flügels angeschlagenwerden}. Danach
Schumanns stürmisches Berufsleben {dritte „Romanze“: „(r)asch und mit Feuer“,
aber auch „gewürgt“ von den Krankheitsanfällen}; und schliesslich die letzten Jahre
{die vierte „Romanze“ bringt eine gewisse Beruhigung („heiter bewegt“), aber auch
den Schatten von Brahms (tiefes B; der Name von Brahms wird von Holliger mit dem
Wort Brand in Verbindung gebracht) und den Schatten des Todes}.
Das Werk bedient sich radikal neuer Kompositionsmittel. Die Klänge von Violoncello und Klavier sind so eng verschlungen und verschränkt, dass es ohne Partitur oft schwerfällt, die beiden Instrumente auseinanderzuhalten. Dasselbe gilt für
den Klavierklang, der nicht nur über die Tasten, sondern auch direkt im Inneren
des Gehäuses erzeugt wird, ohne dass das eine klar vom anderen zu unterscheiden
wäre. Geschichtliche Tatsachen werden mittels Übertragung in Notenwerte und
Tonhöhen von Buchstaben (wie etwa für Asche, Feuer, Flamme) und Zahlen (wie
etwa die Lebensdaten von Robert, Clara und Brahms) musikalisch umgesetzt. Sämtliche Motive und Rhythmen des Werks lassen sichso auf Wörter oder Zahlen zurückführen, was die Skizzen sehr klar belegen. So rezitiert das Klavier in der zweiten
„Romanze“ ohne Worte einen Auszug aus einem Brief (1893) von Brahms an Heuberger, seinen Biographen, in dem er von der Einäscherung der Partitur berichtet und
einräumt, dass diese Tat ihn sehr beeindruckt habe („Frau Schumann hat erst vor
ein paar Wochen ein Heft Cellostücke von Schumann verbrannt, da sie fürchtete, sie
würden nach ihrem Tode herausgegeben werden. Mir hat das sehr imponiert“). Das
Werk endet „kaum hörbar“ mit einer klanglichen Umsetzung des Sterbeortes von
Schumann (ENDEN-ICH – Endenich bei Bonn).
Daniel Haefliger 2013
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Feuerwerklein zum „quatorze juillet“
Geschrieben als Beitrag zum 70-teiligen Klavier-Album, das der Schott-Verlag Mainz
anlässlich des 70. Geburtstages seines Direktors Peter Hanser-Strecker veröffentlicht hat.
Da der Geburtstag des Gefeierten auf den 14. Juli (quatorze juillet) fällt, war
mein Bezug zu einem „Feux d’artifice“ (vielleicht sogar zu demjenigen von Debussy)
und zur „Marseillaise“ („Mayençaise“?) ziemlich naheliegend.
Heinz Holliger 2013
Chaconne
Die Chaconne für Violoncello solo, 1975 komponiert und 1976 in Zürich durch Mstislaw Rostropovitch uraufgeführt, ist eines der zwölf Werke über die Töne (e)S-A-C-HE-R(e), die auf Initiative von Heinz Holliger von befreundeten Komponisten (Boulez,
Berio, Dutilleux, Henze, Huber, Lutoslawski, Fortner u.a.) zu Paul Sachers siebzigstem
Geburtstag geschrieben und von M. Rostropowitsch bei der Feier teilweise uraufgeführt worden sind. Heinz Holliger reiht die Buchstaben des Namens Sacher unablässig aneinander, gleichsam als Bass einer Chaconne, und setzt Sachers Geburtsdatum
in Rhythmen um. Die sieben Sätze (Bezug auf den 70. Geburtstag) bestehen jeweils
aus sieben Linien oder Versen. Dem entsprechen sieben verschiedene Tempi, eines
für jeden Werkteil, die im (P)ost (S)criptum alle noch einmal verwendet werden.
Das Spektrum der vorgegebenen Töne erweitert sich durch Oktavierungen,
Obertöne und geschlagene Klänge. Ein unwiderstehlicher, jugendlich ungestümer
Ruf nach Ausdrucksfreiheit kontrastiert mit der unerbittlich beibehaltenen, notengenauen Abfolge der Töne der Chaconne. Schliesslich werden die beiden Kräfte im
(P)ost (S)criptum (Paul Sacher) zur Explosion gebracht. Dies hat mich zu folgenden
Gedanken inspiriert:
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Schallen / Hallen
Artikulation / Gefühlsausbruch
Chaos / Ordnung
Harmonie / Disharmonie
Elegisch / Antiromantisch
Repetieren / Rebellieren
Sardonisch/ Liebenswürdig
Anti / Mit
Chiffrieren / Entschlüsseln
Huldigung / Verwüstung
Elegant / Verbissen
Rebellisch / Höflich
und schließlich:
Sprachlos und geblendet nach der ersten Begegnung mit Heinz Holliger
als Fünfzehnjähriger;
Als Freunde verbunden, nach Jahrzehnten gemeinsamer Konzerte;
Code der Verbundenheit: zusammen schweigen ...
Huldigung an einen grossen Meister der Zeit;
Erinnerungen an gemeinsames Musizieren und Lachen;
Raum für unablässigen Neubeginn!
Daniel Haefliger 2013
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Partita
Entstanden ganz am Ende des alten Jahrtausends und András Schiff gewidmet,
dessen Spiel, Persönlichkeit, Leben und Lebensdaten das ganze Stück bestimmen:
Präludium („Innere Stimme“): Eine wild gezackte, dramatische Klangrede
und gleichzeitig, als ihr eigener Nachklang, ein ruhiger Choral aus reinen Dreiklängen, eine Art Schumann’sche „Innere Stimme“, Janus-gesichtig.
Fuga: reell nur 3-stimmig, virtuell aber vielstimmig, vielleicht eine Hommage an
die cis-Moll-Fuge (Wohltemperiertes Klavier I) von J.S. Bach.
Barcarola: Wie Lugubre Gondola von Liszt eine Trauermusik, die sich in der
Mitte wild aufbäumt wie Rimbaud’s „Bateau ivre“.
Ein Intermezzo nur mit Klängen aus dem Inneren des
Instruments, quasi als tönendes „Enzephalogramm“.
Sphynx für Sch. I:
Petit Csárdás obstiné: Ein (wie beim gleichnamigen, von Lenau inspirierten Liszt’schen Stück) mephistophelischer, wilder Tanz über einem 7-tönigen, 49mal permutierten Ostinato.
Die ruhige innere Stimme des Dreiklang-Chorals erklingt
aus dem Atemhauch der Saitenglissandi im Inneren des Flügels.
– Die zwei (Schumann’schen) Sphynxen als unbewegliche Momente der Introspektion.
Sphynx II für Sch:
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Ciaccona monoritmica: Die Rhythmen der Lebensdaten und die Töne des
Namens von András Schiff bilden das Fundament dieses Riesen-Finalsatzes, der
sich sowohl auf Bach und Busoni wie auch auf Alban Berg bezieht.
Heinz Holliger 2013
Les œuvres
Romancendres
En 1893, peu avant sa mort, Clara Schumann brûle les cinq Romances pour violoncelle
et piano que son mari avait composées en 1853. Aucune source ni esquisse de ces
duos ne nous sont parvenues, les seuls indices sur leur contenu se trouvant dans
une lettre de remerciements adressée à Schumann par le violoniste Joseph Joachim :
« Les Romances nous ont aussi réjouis, et il nous a fallu rejouer la troisième, avec sa
mélodie profonde et le contraste de la série de trilles animés et malicieux, de même
que le mouvement solennel en la majeur de la dernière romance … ». À partir de ce fait
divers, Heinz Holliger, fervent arpenteur de la musique de Schumann, a composé une
œuvre exceptionnelle qui enrichit le répertoire pour piano et violoncelle de manière
révolutionnaire.
Dans cette courte introduction, il s’agit seulement d’évoquer une couche facilement communicable, mais qui est loin de refléter la richesse et la profondeur de la
composition. Holliger a intégré directement dans l’œuvre les détails de la destruction
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de la partition, en plus d’une multitude d’éléments de la vie et de la musique de Schumann. Il ne sera dès lors pas étonnant que l’auditeur attentif reconnaisse par exemple
quelques citations d’autres musiques de Schumann, celles-ci étant toutefois transfigurées et tissées dans le discours.
Ce tissage d’éléments biographiques de Schumann se manifeste déjà dans les intitulés de l’œuvre et des mouvements, le titre de l’œuvre « ROMANCENDRES » en étant
une claire illustration. Il n’évoque pas seulement la mise en cendres historique de la
partition des Romances, mais permet aussi de démultiplier les allusions linguistiques,
comme par exemple en isolant la première et la dernière lettre, R et S, qui ne sont autres
que les initiales de Robert Schumann. Les titres des quatre pièces centrales, en partie
repris de textes de Schumann et permutés par Holliger, peuvent être interprétés de différentes manières et contiennent tous des allusions claires à l’écoulement du temps de
la vie, à la destruction et à la mort (2 fois Asche/cendre, 2 fois Engel/ange, puis Nacht/
nuit et Schatten/ombre, Gegenwart/présent et Zukunft/futur, etc.).
Les deux Kondukte encadrant les pièces centrales sont des marches funèbres à
caractère essentiellement rituel et objectif. Le premier Kondukt développe les rythmes
basés sur les dates de vie de Robert et Clara. Le deuxième est bâti sur les rythmes et
hauteurs de notes correspondant aux trois protagonistes. À titre d’exemple, la partie
de violoncelle commence par la note do, en notation allemande « C » pour Clara, la
partie de piano par un mi bémol, en notation allemande phonétique « Es »(S) pour
Schumann. Le second Kondukt évoque des tombes et des épitaphes par un choral
désespéré qui, dans une lenteur infinie, se désintègre jusqu’à l’apparente dissolution du temps. Les quatre pièces centrales évoquent de puissants sentiments, qui
s’expriment par d’intenses envolées lyriques, des coupures abruptes et violentes, des
rêveries témoignant d’un inconscient irrépressible, une vision de la réalité qui cherche
25
constamment à transfigurer sa propre nature, un appel à la folie qui culmine dans la
rage et le découragement – tout cela provoquant des sensations qui nous ouvrent des
portes vers la connaissance transcendantale.
La succession des pièces pourrait allégoriquement refléter la vie entière de
Schumann : d’abord la jeunesse [1re« Romance » : l’aurore en tant que début du jour
mais contenant encore des éléments de la nuit (Nachts), la nuit étant elle-même associée à la mort ] ; ensuite les années de mariage de Robert et Clara [2e« Romance » :
(R)asche(s) Flügelschlagen/battement rapide d’ailes en tant que signe d’exubérance,
mais aussi ailes brisées = amours brisés à la fin de sa vie ; en même temps à comprendre au sens concret de battre/schlagen les cordes à l’intérieur du piano à queue/
Flügel] ; puis sa vie professionnelle impétueuse [3e « Romance » : rapide et intense,
mit Feuer/avec feu et passion, mais aussi vie étranglée (er-würgen) par les accès de
maladie] ; enfin les dernières années [4e« Romance » : un certain apaisement (heiter),
mais aussi l’ombre (Schatten) de Brahms (si bémol grave, « B » en notation allemande,
le nom de Brahms étant associé par Holliger au mot Brand/incendie) et à la mort].
Du point de vue de l’écriture, les combinaisons sonores entre violoncelle et piano
sont radicalement neuves, de sorte qu’il est souvent difficile de distinguer les instruments sans regarder la partition. Il en va de même du jeu du piano, tantôt sur le
clavier, tantôt à l’intérieur de la caisse, sans que l’on entende si les sons sont produits
par l’intermédiaire des touches ou par l’action directe sur les cordes. Pour exprimer
les faits historiques en musique, Holliger se sert de lettres (p.ex. cendre, feu, flamme)
et de chiffres (p.ex. dates de naissance et de décès de Robert, Clara et Brahms) en
hauteurs et en durée de notes. Tous les motifs musicaux et les rythmes de l’œuvre
sont donc en vérité issus de mots ou de chiffres, comme il ressort très clairement
des esquisses. Ainsi, dans la 2e« Romance », le piano récite sans paroles un extrait
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d’une lettre (1893) de Brahms à Heuberger, son biographe, dans laquelle il raconte
l’incinération de la partition et avoue que cet acte l’a beaucoup impressionné (« Frau
Schumann hat erst vor ein paar Wochen ein Heft Cellostücke von Schumann verbrannt,
da sie fürchtete, sie würden nach ihrem Tode herausgegeben werden. Mir hat das sehr
imponiert »). L’œuvre se termine par un ultime nœud de signification « à peine audible » qui transcrit en notes le lieu de mort de Schumann (Endenich, près de Bonn en
Allemagne) qui, lu à l’envers, signifie « je meurs » (ENDEN ICH / FINIR JE).
Daniel Haefliger 2013
Feuerwerklein zum « quatorze juillet »
Petit feu d’artifice pour le « 14 juillet »
Écrit comme contribution au recueil de soixante-dix pièces de piano que la maison d’édition Schott de Mayence a publié en hommage à son directeur Peter Hanser-Strecker pour son 70e anniversaire.
Comme la date de naissance de ce dernier tombe le 14 juillet, il m’a semblé
naturel d’évoquer un « Feu d’artifice » (peut-être même celui de Debussy) et une
« Marseillaise » (Mayençaise?)
Heinz Holliger 2013
Chaconne
La chaconne pour violoncelle solo, composée en 1975 et créée en 1976 par Mstislav
Rostropovitch à Zurich, fait partie des douze œuvres composées à partir de notes
dérivées du nom de S-A-C-H-E-R, dues à 12 compositeurs amis (Boulez, Berio, Dutilleux, Henze, Huber, Lutoslawski, Fortner entre autres). Heinz Holliger les avait incités à contribuer à un hommage en l’honneur de Paul Sacher pour son 70e anniversaire
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et c’est au célèbre violoncelliste russe que revint l’honneur de créer en partie ces
œuvres lors de la célébration. Heinz Holliger choisit, comme d’autres compositeurs,
d’égrener indéfiniment le nom de Sacher transcrit en notes, comme dans une basse
de chaconne, tandis que la date de naissance du dédicataire est traduite en rythme.
Les 7 mouvements de la pièce (référence au 70e anniversaire) consistent chacun en
7 lignes ou vers. L’œuvre est écrite en 7 tempi, un pour chacune des 7 parties. Dans
le (P)ost (S)criptum, tous les 7 tempi réapparaissent.
S (mi bémol)
A (la)
C (do)
H (si bécarre)
E (mi)
R (ré)
Le compositeur élargit tout de suite le spectre, en octaviant, en utilisant les harmoniques et les sons frappés, par un appel irrépressible et quasi adolescent à la liberté
de dire. Mais cela toujours et encore dans le cadre rigide et impitoyable de la répétition textuelle des notes de la chaconne. Ces deux forces finissent par provoquer
l’explosion dans le (P)ost (S)criptum (Paul Sacher) final, ce qui m’inspire les pensées
suivantes à propos de l’œuvre :
Sur le son / Sous le son
Articulation / Magma émotionnel
Construction / Destruction
Harmonie / Dysharmonie
Elégiaque / Antiromantique
Répétition / Rébellion
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Sardonique/ Affable
Anti / Avec
Codé / Décodé
Hommage / Saccage
Elégant / Grinçant
Rebelle / Poli
Puis :
Surpris et ébloui, à l’âge de 15 ans, en entendant Heinz pour la première fois;
Amis des décennies plus tard après bien des concerts partagés;
Complice parfois dans le silence;
Humble hommage à un grandiose maître du temps;
Etre ensemble pour jouer mais aussi pour beaucoup rire;
Recommencer toujours tout depuis le début.
Daniel Haefliger 2013
Partita
Née à la toute fin du dernier millénaire et dédiée à András Schiff, dont le jeu, la personnalité, la vie et les dates charnières de vie déterminent l’œuvre entière. Créée par
le dédicataire le 12 septembre 2001 aux 51. Berliner Festwochen.
Präludium (Voix intérieure) : Un discours musical sauvagement déchiqueté, dramatique, et en même temps – tel son propre écho – un choral tranquille en accords
parfaits, une sorte de « voix intérieure » à la Schumann, les deux visages de Janus.
Fuga : Seulement à trois voix en réalité, mais virtuellement à voix multiples, un
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hommage peut-être à la fugue en do dièse mineur du Clavier bien tempéré I de J.S.
Bach.
Barcarola : Comme la Lugubre Gondola de Liszt une musique funèbre, se cabrant
violemment vers le milieu du mouvement, à l’image du Bateau ivre de Rimbaud.
Sphinx pour Sch. (Intermezzo I) : Un intermezzo composé uniquement
de sons émanant de l’intérieur de l’instrument, tel un encéphalogramme sonore.
Petit Csárdás obstiné : Comme la pièce de Liszt du même nom, inspiré par
Lenau, une danse méphistophélique sauvage sur un ostinato de sept sons permuté
49 fois.
Sphinx pour Sch. (Intermezzo II) : La voix intérieure tranquille du choral
en accords parfaits naît du souffle des glissandi tirés directement à partir des cordes
intérieures du piano.
– Les deux sphinx (de Schumann) comme moments immobiles d’introspection.
Ciacona monoritmica : Les rythmes des dates importantes de la vie et les
sons correspondant au nom d’András Schiff (dans la notation en allemand) forment
la base de ce mouvement final monumental, qui fait référence aussi bien à Bach et
à Busoni qu’à Alban Berg.
Heinz Holliger 2013
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Biographical notes
Biografische Anmerkungen
Notes Biographiques
has studied with a number of renowned cellists such as
Pierre Fournier and André Navarra. He is an extremely versatile musician. As a
soloist, he has performed at notable concert series and festivals in Lucerne, Paris,
Tokyo, Newcastle and Vienna under the baton of Thierry Fischer, Pascal Rophé, Peter Eötvös and Magnus Lindberg, to name just a few. A dedicated chamber music
player, he has initiated a number of innovative projects and performed in the most
prestigious concert halls of Europe with partners such as Thomas Zehetmair, Heinz
Holliger, Dénes Várion and Patricia Kopatchinskaja.
Daniel Haefliger has worked in close association with some of the leading composers of our time, including György Kurtág, Heinz Holliger, Brian Ferneyhough, Harrison Birtwistle and György Ligeti, premiering literally hundreds of
works, some of them dedicated to him. He held the position of solo cellist at the
Ensemble Modern in Frankfurt and at the Camerata Bern, was one of the founders
of the musicological magazine Contrechamps in Geneva and served as solo cellist
for the chamber music group of the same name until 2009. Around the turn of the
millennium, he co-founded the Swiss Chamber Concerts, the largest Swiss chamber music series with regular concerts in Geneva, Zurich, Basel and Lugano, acting
as artistic co-director to this day. Numerous radio and CD recordings, released on
labels such as Forlane, Stradivarius, Claves, Neos and ECM, attest to the wide
scope of the artist’s activities.
Daniel Haefliger
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Deeply committed to education, Daniel Haefliger teaches a chamber music class
at the HEM in Lausanne, as well as a cello class in Geneva. He plays on a cello by
Giovanni Grancino, built in Milan in 1695.
Swiss-born American pianist Gilles Vonsattel is an artist of uncommon
breadth with a repertoire that ranges from J.S. Bach’s The Art of Fugue to the complete works of Xenakis. Recipient of an Avery Fisher Career Grant and winner of
the Naumburg and Geneva competitions, he recently made his Boston Symphony,
Tanglewood, and San Francisco Symphony debuts, while performing recitals and
chamber music at the Tonhalle Zürich, Ravinia, Wigmore Hall, the Gilmore festival,
Music@Menlo, the Lucerne festival, and the Munich Gasteig. Deeply committed to
the performance of contemporary works, he has premiered numerous works both in
the United States and Europe and worked closely with notable composers such as
Ned Rorem, Jörg Widmann, Nico Muhly, Heinz Holliger, and George Benjamin. A
former member of Chamber Music Society Two, he is an artist of the Chamber Music Society of Lincoln Center for the 2013-14 season. Chamber music partners include Ida Kavafian, David Jolley, David Shifrin, Paul Neubauer, David Finckel, Phillip
Setzer, Emmanuel Pahud, Daishin Kashimoto, Kim Kashkashian, Gary Hoffman, ChoLiang Lin, and Yo-Yo Ma. His 2011 recording for the Honens/Naxos label of music
by Debussy, Honegger, Holliger, and Ravel was named one of Time Out New York’s
classical albums of the year. He received his bachelor’s degree in political science
and economics from Columbia University and his master’s degree from The Juilliard
School, where he worked with Jerome Lowenthal. Mr. Vonsattel is an assistant professor at the University of Massachusetts at Amherst.
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hat bei berühmten Cellisten wie Pierre Fournier
und André Navarra studiert. Der äusserst vielseitige Musiker ist als Solist
mit Dirigenten wie Thierry Fischer,
Pascal Rophé, Peter Eötvös oder Magnus Lindberg in bedeutenden Musikzentren aufgetreten, darunter Luzern,
Paris, Tokio, Newcastle und Wien. Als
leidenschaftlicher
Kammermusiker
hat er zahlreiche innovative Projekte
ins Leben gerufen und mit Partnern
wie Thomas Zehetmair, Heinz Holliger,
Dénes Várjon oder Patricia Kopatchinskaja in den grössten Sälen Europas
konzertiert.
Er engagiert sich stark für die
zeitgenössische Musik und hat in enger Zusammenarbeit mit bedeutenden
Komponisten wie György Kurtág, Heinz
Holliger, Brian Ferneyhough, Harrison
Birtwistle und György Ligeti hunderte
von Werken aus der Taufe gehoben, die
ihm zum Teil gewidmet sind.
Daniel Haefliger war Solocellist
Daniel Haefliger
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des Ensemble Modern in Frankfurt und der Camerata Bern, hat die musikwissenschaftliche Zeitschrift Contrechamps mitbegründet und wirkte bis 2009 als Solocellist im gleichnamigen Genfer Ensemble. Zur Jahrtausendwende war er Mitbegründer
der Swiss Chamber Concerts, der grössten Kammermusikreihe der Schweiz mit regelmässigen Konzerten in Genf, Zürich, Basel und Lugano, an deren künstlerischer
Leitung er beteiligt ist.
Zahlreiche Radio- und CD-Aufnahmen, etwa für die Labels Forlane, Stradivarius,
Claves, Neos und ECM, belegen die vielfältige musikalische Tätigkeit des Künstlers.
Als begeisterter Pädagoge unterrichtet Daniel Haefliger Kammermusik an der
HEM Lausanne und leitet eine Celloklasse in Genf. Er spielt ein Cello des Mailänder
Instrumentenbauers Giovanni Grancino aus dem Jahre 1695.
studierte zunächst in Boston und machte seinen Abschluss
an der Juilliard School of Music bei Jerome Lowenthal. Seine musikalische Neugierde und sein Sinn für Abenteuer haben dem jungen Musiker nicht nur in den USA,
sondern auch in Europa eine große Fangemeinde eingebracht.
Nach dem 1. Preis beim renommierten Naumburg Klavierwettbewerb 2002
folgten Debüts u.a.in der Zürcher Tonhalle, beim Warschauer Chopin-Festival und
in der City Opera Hall inTokio. 2006 gewann er den internationalen Wettbewerb in
Genf, 2008 den Avery Fisher Career Grant, und 2009 war er Preisträger des internationalen Klavierwettbewerbs Honens inCalgary.
Er trat mit vielen großen Orchestern in Amerika und Europa auf, spielte in den
renommiertesten internationalen Konzertsälen und bei den wichtigsten Festivals.
Zwischen 2006 und 2009 war er Mitglied der Chamber Music Society Two und wurde für die Saison 2012/13 als artist member eingeladen. 2013 debütierte er in der
Gilles Vonsattel
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Wigmore Hall in London und beim Lucerne Festival, undin der Saison 2013/14 war
er in Halle (Saale) bei der Staatskapelle, im Burghof Lörrach sowiein Basel, Zürich,
Genf und Madrid zu hören. Regelmäßig arbeitet Vonsattel u.a. mit Künstlern wie
Heinz Holliger, Gary Hoffman oder Yo-Yo Ma zusammen.
Seine CD-Aufnahmen erhielten durchweg glänzende Kritiken; die jüngste Einspielung mit Werken von Holliger, Ravel, Debussy und Honegger wurde vom Timeout Magazine New York aufdie Top 10 Liste der „Aufnahmen des Jahres“ gesetzt.
a travaillé avec de nombreux violoncellistes de renom dont
Pierre Fournier et André Navarra. Musicien polyvalent, il s’est produit comme soliste
dans les grands centres musicaux comme Lucerne, Paris, Tokyo ou Vienne avec des
chefs tels que Thierry Fischer, Pascal Rophé, Peter Eötvös ou Magnus Lindberg. Très
investi dans la musique de chambre, il a initié de nombreux projets novateurs et a
joué dans les plus grandes salles d’Europe avec des partenaires comme Thomas
Zehetmair, Heinz Holliger, Dénes Várion ou Patricia Kopatchinskaia entre autres.
En étroite collaboration avec des compositeurs comme György Kurtág, Brian Ferneyhough, György Ligeti, Heinz Holliger ou Harrison Birtwistle, il a créé plusieurs
centaines d’œuvres, certaines lui étant dédiées. Il a entre autres été violoncelle solo
de l’ensemble Modern de Francfort et de la Camerata Bern. Il est aussi membre
fondateur des éditions musicologiques Contrechamps et a été violoncelle solo de
l’Ensemble du même nom jusqu’en 2009. Dès le tournant du millénaire, il cofonde et
dirige artistiquement la plus grande série de musique de chambre de Suisse dont
les concerts ont lieu à Genève, Zurich, Bâle et Lugano : les Swiss Chamber Concerts.
De nombreux enregistrements radiophoniques et de CD avec des firmes comme
Daniel Haefliger
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Forlane (F), Stradivarius (I), Claves
(CH), Neos (D), ECM (D), etc. témoignent de ses multiples activités.
Passionné par la pédagogie, Daniel Haefliger enseigne la musique
de chambre à la HEM de Lausanne
et le violoncelle à Genève. Il joue un
instrument du luthier milanais Giovanni Grancino (1695).
Né à Lausanne en 1981, le pianiste
Gilles Vonsattel complète
sa formation aux États-Unis, à la
Juilliard School auprès de Jerome
Lowenthal. Il obtient son Master en
musique à la Juilliard School, après
avoir reçu son Bachelor en science
politique et en économie à la Columbia University.
Maîtrisant un répertoire original,
qui s’étend de Bach à Xenakis, récipiendaire de l’Avery Fischer Career
Grant, une des distinctions les plus
prestigieuses pour un jeune artiste
nord-américain, il se fait connaître à
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l’échelle internationale en remportant la fameuse Naumburg Competition de New
York City et le Concours de Genève. Il est invité à se produire dans des lieux tels
que Alice Tully Hall (New York), Tonhalle (Zurich), Victoria Hall (Genève), Gasteig
(Munich) et Wigmore Hall (Londres). On l’entend également dans des festivals
comme Rockport, Seattle, Caramoor, Tanglewood, West Cork, Archipel, Ravinia et la
Roque d’Anthéron. Il est invité auprès d’orchestres comme le Boston Symphony, San
Francisco Symphony, l’Orchestre Philharmonique de Varsovie, le Musikkollegium
Winterthur, le Calgary Philharmonic et l’Orchestre de chambre de Genève. Il est
actuellement membre de la Chamber Music Society of Lincoln Center à New York
et collabore régulièrement avec des artistes tels que Kim Kashkashian, Gary Hoffman, Ida Kavafian, Emmanuel Pahud, Quatuor Ebène, le Pacifica Quartet et Yo-Yo
Ma. Très actif dans le monde de la musique contemporaine, il a travaillé avec des
compositeurs comme Heinz Holliger, George Benjamin, Jörg Widmann et Ned Rorem
et a participé à de nombreuses créations. Son enregistrement (2011) pour Honens
/ Naxos constituéd’œuvres de Debussy, Ravel, Honegger et Holliger est nommé un
des meilleurs disques de l’année par Timeout New York.
Parmi ses récents engagements figurent des débuts en récital solo à Wigmore
Hall en avril 2013 et au Festival de Lucerne en septembre 2013.
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Acknowledgments
This project was made possible with the support of a “Faculty Research Grant” from
the University of Massachusetts Amherst, Les Amis des Swiss Chamber Concerts
Genève, as well as of Hildegard Stauder-Bilicki. Radio SRF 2 Kultur has coproduced
the recording.
Danksagung
Das vorliegende Projekt konnte unter anderem mittels eines Faculty Research Grant
der University of Massachusetts, Amherst sowie dank der großzügigen Unterstützung der Amis des Swiss Chamber Concerts Genève und von Hildegard StauderBilicki verwirklicht werden. Die Aufnahmen entstanden in Co-Produktion mit Radio
SRF 2 Kultur.
Remerciements
Cet enregistrement a pu être réalisé grâce au soutien de la University of Massachusetts, Amherst (Faculty Research Grant), des Amis des Swiss Chamber Concerts
Genève ainsi que de la généreuse contribution de Hildegard Stauder-Bilicki. Il est le
fruit d’une coproduction avec Radio SRF 2 Kultur.
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G E N 14 3 3 0
GENUIN classics GbR
Holger Busse, Alfredo Lasheras Hakobian, Michael Silberhorn
Feuerbachstr. 7 · 04105 Leipzig · Germany
Phone: +49(0)341-215 52-50 · Fax: +49(0)341-215 52-55
[email protected] · www.genuin.de
Recording dates: February, 1, 2012 (Track 1–6),
March, 24, 2013 (Track 7, 9–15), June, 11, 2013 (Track 8)
Recording location: radio station, Zurich, Switzerland
Tonmeister / Recording producer: Andreas Werner
Editing: Andreas Werner
Text (F): Daniel Haefliger
Translation Text (F/D): Barbara Golan
Translation Text (F/E): Stephanie Gurga
Booklet Editing: Johanna Brause, Leipzig
Photos: Jean-Rémy Berthoud, Nicolas Schäfer
Graphic design: Sabine Kahlke-Rosenthal, Leipzig
℗ + © 2014 GENUIN classics, Leipzig, Germany
All rights reserved. Unauthorized copying, reproduction, hiring,
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