PALAZZETTO BRU ZANE CENTRE DE MUSIQUE ROMANTIQUE

FESTIVAL
THÉODORE GOUVY, TRA FRANCIA E GERMANIA
DAL 20 APRILE AL 31 MAGGIO 2013
Conservatorio Benedetto Marcello – martedì 7 maggio 2013, ore 20
Da un secolo all’altro
Ensemble Musagète
PALAZZETTO
BRU ZANE
CENTRE
DE MUSIQUE
ROMANTIQUE
FRANÇAISE
“Che un musicista dell’importanza del signor Gouvy sia ancora così poco noto a Parigi, mentre tanti moscerini
importunano il pubblico con il loro ostinato ronzio, è cosa che confonde e indigna le menti ingenue che ancora
credono alla ragione e alla giustizia dei nostri costumi musicali.”
Hector Berlioz
« Qu’un musicien de l’importance de M. Gouvy soit encore si peu connu à Paris, et que tant de moucherons importunent le
public de leur obstiné bourdonnement, c’est de quoi confondre et indigner les esprits naïfs qui croient encore à la raison et
à la justice de nos mœurs musicales. »
Hector Berlioz
I grandi ensembles di musica da camera
Raramente si riserva alla musica da camera un posto centrale nella storia della musica romantica. Il genere si situa tra
due “estremi”: la musica sinfonica – con la potenza della sua
orchestra e la varietà della sua tavolozza di colori – e la musica intima dei pezzi solistici. Esso si presta maggiormente ai
musicisti rivolti alla tradizione classica viennese (da Mendelssohn a Brahms) che non ai fautori dell’avanguardia musicale
(Berlioz, Liszt o Wagner). Nell’Ottocento persiste in Francia
una produzione di musica da camera che soddisfa una richiesta proveniente dai salotti musicali alla ricerca di opere contemporanee per accompagnare il repertorio viennese. Spesso
ispirate a quest’ultimo, le composizioni di Reicha, Onslow o
Blanc seguono così puntualmente le esplorazioni di Beethoven (Settimino op. 20) o di Schubert (Ottetto D. 803) allargando
il numero dei musicisti. Così facendo, esse si riallacciano a
una tradizione musicale francese nata alla fine del Settecento:
la sinfonia concertante, finalizzata a mettere in luce più strumentisti solisti.
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Les grands ensembles de musique de chambre
On donne rarement à la musique de chambre une place centrale
dans l’histoire de la musique romantique. Le genre se situe entre
deux « extrêmes » : la musique symphonique – avec la puissance
de son orchestre et la variété de sa palette de couleurs – et la
musique intime des pièces pour soliste. Il correspond davantage
aux compositeurs tournés vers la tradition classique viennoise (de
Mendelssohn à Brahms) qu’aux tenants de l’avant-garde musicale
(Berlioz, Liszt ou Wagner). Au XIXe siècle, la production de musique
de chambre se maintient en France : elle répond à une demande
émanant des salons musicaux en recherche d’œuvres contemporaines pour accompagner le répertoire viennois. Souvent inspirées
par ce dernier, les pièces de Reicha, Onslow ou Blanc suivent ainsi
ponctuellement les explorations de Beethoven (Septuor op. 20) ou
de Schubert (Octuor D. 803) en élargissant le nombre des musiciens. Ce faisant, elles renouent avec une tradition musicale française issue de la fin du XVIIIe siècle : la symphonie concertante,
chargée de mettre en lumière plusieurs instrumentistes solistes.
Ludwig van Beethoven
Quintette pour hautbois, clarinette, cor, basson et piano en mi bémol majeur op. 16
Grave. Allegro ma non troppo – Andante cantabile – Rondo : Allegro ma non troppo
Théodore Gouvy
Sérénade pour flûte et cordes en sol majeur op. 82
Pastorale – Intermezzo – Larghetto – Rondo
~ Intervallo/Entracte ~
Théodore Dubois
Dixtuor
Larghetto. Allegro non troppo – Larghetto – Allegretto – Allegro
Durata del concerto / Durée du concert
1h45
Le opere
Les œuvres
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Ludwig van Beethoven: Quintetto per oboe, clarinetto, corno, fagotto e piano in mi bemolle maggiore op. 16
Grave. Allegro ma non troppo – Andante cantabile – Rondo.
Allegro ma non troppo
Ludwig van Beethoven : Quintette pour hautbois,
clarinette, cor, basson et piano en mi bémol majeur
op. 16
Grave. Allegro ma non troppo – Andante cantabile – Rondo : Allegro ma non troppo
Nel decennio che seguì il suo trasferimento a Vienna
(1792), Beethoven compose varie partiture da camera per
organici all’epoca rari: Sestetto per quartetto d’archi e due
corni op. 81b (ca. 1795), Quintetto per fiati e pianoforte
op. 16 (1796), Trio per pianoforte, clarinetto e violoncello
op. 11 (1797), Sonata per corno e pianoforte op. 17 (1800),
Serenata per flauto violino e viola op. 25 (1801). Dedicato
al principe Joseph Johann zu Schwarzenberg, il Quintetto
per fiati e pianoforte venne eseguito il 6 aprile 1797 in
un concerto organizzato da Ignaz Schuppanzigh, quindi
edito nel 1801 (contemporaneamente a un adattamento per quartetto d’archi e pianoforte). Esso ha tuttavia
un illustre predecessore, poiché Mozart aveva composto
un’opera per la medesima formazione nel 1784, già nella tonalità di mi bemolle maggiore. Beethoven raccoglie
l’eredità mozartiana, come attestano l’eleganza melodica
e la chiarezza delle tessiture del suo quintetto. Inoltre,
basa l’Andante cantabile sull’aria “Batti batti, o bel Masetto”, cantata da Zerlina in Don Giovanni. Egli prosegue
nell’assimilazione dello stile classico viennese, tanto nella scrittura quanto nelle strutture: forma sonata precedu-
Pendant la décennie qui suivit son installation à Vienne
(1792), Beethoven composa plusieurs partitions de chambre
pour des effectifs rares à l’époque : Sextuor pour quatuor
à cordes et deux cors op. 81b (ca. 1795), Quintette pour
vents et piano op. 16 (1796), Trio pour piano, clarinette
et violoncelle op. 11 (1797), Sonate pour cor et piano op.
17 (1800), Sonate pour flûte, violon et alto op. 25 (1801).
Dédié au prince Joseph Johann zu Schwarzenberg, le Quintette pour vents et piano fut créé le 6 avril 1797 lors d’un
concert organisé par Ignaz Schuppanzigh, puis édité en 1801
(en même temps qu’une adaptation pour quatuor à cordes et
piano). Il possède toutefois un prédécesseur célèbre, puisque
Mozart avait composé une œuvre pour la même formation en
1784, déjà dans la tonalité de mi bémol majeur. Beethoven recueille l’héritage mozartien, comme en témoignent l’élégance
mélodique et la clarté des textures de son propre quintette.
En outre, il fonde l’Andante cantabile sur l’air « Batti batti,
o bel Masetto », chanté par Zerlina dans Don Giovanni. Il
poursuit son assimilation du style classique viennois, tant
dans l’écriture que dans les structures : forme sonate précédée d’une introduction majestueuse pour le premier mouve-
ta da una maestosa introduzione per il primo movimento,
variazioni ornamentali nell’Andante, rondò brioso in conclusione. Anche se gli strumenti a fiato prevedono begli
assoli, in particolare nel movimento lento, il pianoforte
occupa parimenti un posto di rilievo. Ries riferisce del resto di un’esecuzione del finale in cui Beethoven cominciò
a improvvisare, facendo infuriare i propri partner.
ment, variations ornementales dans l’Andante, rondo enjoué
pour conclure. Si les instruments à vent sont dotés de beaux
solos, notamment dans le mouvement lent, le piano occupe
une place de premier plan. Ries relate d’ailleurs une exécution du finale où Beethoven se mit à improviser, provoquant
la fureur de ses partenaires.
Théodore Gouvy: Serenata per flauto e archi in sol
maggiore op. 82
Pastorale – Intermezzo – Larghetto – Rondo
Théodore Gouvy : Sérénade pour flûte et cordes en
sol majeur op. 82
Pastorale – Intermezzo – Larghetto – Rondo
Composta nel 1888, la Serenata per flauto e quintetto d’archi
(o orchestra d’archi) in sol maggiore opera 82 di Théodore Gouvy fu scritta dapprima in fa maggiore, tonalità pastorale per antonomasia, corrispondente appunto al titolo
del primo movimento. Quest’ultimo era stato scritto già
nel 1875, sotto forma di Pastorale per violino e pianoforte
orchestrata da Gouvy nel 1879. Il termine di “serenata” ricorre spesso nel catalogo delle opere di Gouvy. Scritte per
vari organici – per pianoforte, per quintetto d’archi, per
pianoforte, violino, viola e violoncello o, ancora, per viola
e pianoforte – queste opere rimandano altresì a differenti concezioni del genere. Diversamente dalle serenate per
pianoforte o dalla Sérénade vénitienne per viola e pianoforte,
la Serenata, o Sestetto, opera 82, non rientra infatti nel
Composée en 1888, la Sérénade pour flûte et quintette à
cordes (ou orchestre à cordes) en sol majeur, opus 82, de
Théodore Gouvy, fut d’abord écrite en fa majeur, tonalité
pastorale par excellence qui correspond justement au titre
du premier mouvement. Celui-ci avait été écrit dès 1875, sous
la forme d’une Pastorale pour violon et piano que Gouvy
orchestra en 1879. Le terme de « sérénade » revient fréquemment dans le catalogue des œuvres de Gouvy. Écrites pour des
effectifs divers – pour piano, pour quintette à cordes, pour
piano, violon, alto et violoncelle, ou encore pour alto et piano
– ces œuvres renvoient aussi à des conceptions variables du
genre. À la différence des sérénades pour piano, ou de la Sérénade vénitienne pour alto et piano, en effet, la sérénade,
ou sextuor, opus 82 ne relève pas de la pièce de genre courte
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pezzo di genere breve e leggero, abbellito da tratti esotici, che è tipico dell’evoluzione della serenata nella Francia
dell’Ottocento. Composta di più movimenti, essa appare
come un’opera di musica da camera di maggiore ampiezza,
rievocante le opere del tardo Settecento che sfoggiano la
medesima titolazione. Nel primo movimento il flauto e il
primo violino dialogano adottando una scrittura ad arabeschi di grande agilità. Il discorso viene a essere sottilmente
colorato dalle inflessioni minori dell’armonia. L’Intermezzo
costituisce l’unico momento di vero virtuosismo strumentale: lungo l’intero movimento il flauto dipana lunghe linee di semicrome continue. Dopo un Larghetto di toccante
espressività, con il suo canto accompagnato da un basso
a ritmi puntati, l’opera si conclude su un Rondo brillante
e brioso, in forme di gavotta deliziosamente arcaizzante.
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et légère, agrémentée de traits exotiques – typique de l’évolution de la sérénade dans la France du XIXe siècle. Composée
de plusieurs mouvements, elle apparaît comme une œuvre de
musique de chambre de plus grande ampleur, rappelant les
ouvrages de la fin du XVIII e siècle arborant le même intitulé.
Dans le premier mouvement, la flûte et le premier violon dialoguent, adoptant une écriture en arabesques d’une grande
souplesse. Les inflexions mineures de l’harmonie viennent
subtilement colorer le discours. L’Intermezzo constitue le
seul moment de véritable virtuosité instrumentale : tout au
long du mouvement, la flûte déroule de longues lignes de
doubles croches continues. Après un Larghetto d’une touchante expressivité, avec son chant accompagné d’une basse
en rythmes pointés, l’œuvre se conclut sur un Rondo brillant
et enlevé, en forme de gavotte délicieusement archaïsante.
Théodore Dubois: Decimino
Larghetto. Allegro non troppo – Larghetto – Allegretto – Allegro
Théodore Dubois : Dixtuor
Larghetto. Allegro non troppo – Larghetto – Allegretto – Allegro
Composto nel 1909, questo Decimino venne eseguito per
la prima a Milano dal Decem, una società cameristica
costituita dalle prime parti dell’Orchestre Lamoureux.
Il suo successo è attestato dall’importante numero di
esecuzioni agli inizi del Novecento. Il 26 novembre 1910
l’opera viene lodata in questi termini dal critico di “Le
Ménestrel”: “Con Théodore Dubois la scrittura musicale
appare esente dalla ricerca di effetti, ma elaborata con
una bella coscienza artistica che non trascura alcuna
sfumatura. Lo stile è ampio, espressivo, elevato, ed è
vivificato da una tale convinzione che necessariamente
compenetra l’animo di coloro che l’ascoltano.” Il Decimino associa un quintetto a fiati a un quintetto ad archi.
Una formazione rara, precedentemente adottata da Reicha (ca. 1827-1828), Lalo (1872), Helsted (1891) e Flégier
(ca. 1899), in seguito da Britten (1932) e Françaix (1986).
Anche se l’organico può sembrare quello di un’orchestra
in miniatura, nondimeno offre un maggior peso ai fiati e
al registro grave rispetto a un complesso sinfonico tradizionale. Dubois varia costantemente le tessiture e le
combinazioni timbriche, ma evita la dimensione concertante poiché nessuno strumento prevede un assolo predominante. Dopo un’introduzione meditativa, il primo
movimento si dispiega sull’agile oscillare di una battuta
Composé en 1909, ce Dixtuor fut créé à Milan par le Decem, une société de musique de chambre constituée des
chefs de pupitre de l’Orchestre Lamoureux. Le nombre
important de ses exécutions au début du XXe siècle témoigne de son succès. Le 26 novembre 1910, l’œuvre est
louée en ces termes par le critique du Ménestrel : « Avec
Théodore Dubois, l’écriture musicale apparaît exempte
des recherches de l’effet, mais travaillée avec une belle
conscience artistique qui ne néglige aucune nuance.
Le style est large, expressif, élevé, et la conviction qui
l’anime est de celles qui forcément pénètrent l’esprit de
ceux qui l’écoutent. » Le Dixtuor associe un quintette à
vents à un quintette à cordes. Une formation rare, adoptée auparavant par Reicha (ca 1827-1828), Lalo (1872),
Helsted (1891) et Flégier (ca 1899), plus tard par Britten
(1932) et Françaix (1986). Si l’effectif peut apparaître
comme un orchestre en miniature, il accorde cependant
davantage de poids aux vents et au registre grave qu’un
ensemble symphonique traditionnel. Dubois varie en
permanence les textures et les combinaisons de timbres,
mais il écarte la dimension concertante, aucun instrument n’étant doté d’un solo prédominant. Après une
introduction méditative, le premier mouvement se déploie sur le souple balancement d’une mesure ternaire.
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ternaria. La parte centrale del movimento lento, aspra e
animata, contrasta con il clima di sognante notturno degli episodi estremi. L’Allegretto costituisce un intermezzo al tempo stesso ludico e misterioso, prima del finale
che alterna effetti di massa a dialoghi strumentali.
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La partie centrale du mouvement lent, âpre et animée,
contraste avec le climat de nocturne rêveur des épisodes
extrêmes. L’Allegretto constitue un intermède à la fois
ludique et mystérieux, avant le finale alternant effets de
masse et dialogues instrumentaux.
I compositori
Les compositeurs
Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Nume tutelare dell’Ottocento musicale, padre del romanticismo,
Beethoven è stato idolatrato in vita per il suo talento di pianista
e di compositore. Formato con severità da un padre musicista
presso la Cappella di Bonn, il quale intendeva fare di lui un nuovo
Mozart, Beethoven si distingue molto presto come concertista (a
Colonia nel 1778). Rinviato di qualche anno a causa della morte
della madre (1787), il suo trasferimento a Vienna – allora capitale
europea della musica – avviene nel 1792. Qui Beethoven riceve
l’insegnamento dei grandi maestri dell’epoca: Haydn, Schunck,
Albrechtsberger e Salieri. Il suo talento di virtuoso e d’improvvisatore gli consente di riscuotere numerosi successi, tanto che tre
alti dignitari decidono di finanziare la sua carriera d’interprete e
di compositore indipendente. Godendo di una libertà a quei tempi eccezionale per un artista, Beethoven si distacca dai contemporanei e compone una musica sempre più personale. Se le sue
prime opere – in particolare le Sonate per pianoforte op. 7 e op. 13,
le Sinfonie n. 1 e n. 2, i Sei Quartetti op. 18 – attestano l’assimilazione del linguaggio musicale contemporaneo, quelle successive
(le sinfonie dalla 3 alla 8, Fidelio, i Quartetti Razumovsky o, ancora,
le sonate e i concerti per pianoforte) attestano la sua capacità di
affrancarsi dai canoni classici per sperimentare una via nuova.
La sordità di cui Beethoven è vittima a partire dal 1815 spinge
l’uomo a ripiegarsi su se stesso e il compositore a proporre una
musica appassionata e tendente all’astrazione (le Variazioni Diabelli, la Missa solemnis e la Sinfonia n. 9).
Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Figure tutélaire du XIXe siècle musical, père du romantisme, Beethoven a été adulé de son vivant pour ses talents de pianiste et de compositeur. Formé avec sévérité par un père musicien à la Chapelle de
Bonn qui le destinait à devenir un nouveau Mozart, il se distingue
très tôt au concert (à Cologne, en 1778). Compromise un temps par
la mort de sa mère (1787), son installation à Vienne – alors capitale européenne de la musique – a lieu en 1792. Beethoven y reçoit
l’enseignement des grands maîtres de l’époque : Haydn, Schunck,
Albrechtsberger et Salieri. Ses talents de virtuose et d’improvisateur
lui valent de nombreux succès, à tel point que trois hauts dignitaires décident de financer sa carrière d’interprète et de compositeur indépendant. Jouissant d’une liberté alors exceptionnelle pour
un artiste, il se démarque progressivement de ses contemporains en
produisant une musique toujours plus personnelle. Si ses premières
œuvres – notamment les Sonates pour piano op. 7 et 13, les Symphonies no 1 et 2, et les Six quatuors (op. 18) – témoignent de son
assimilation du langage musical contemporain, les suivantes (les
symphonies 3 à 8, Fidelio, les Quatuors Razumovsky ou encore les
sonates et concertos pour piano) prouvent sa capacité à s’affranchir
des canons classiques pour expérimenter une voie nouvelle. La surdité, dont il est victime à partir de 1815, pousse l’homme à se replier
sur lui-même et le compositeur à proposer une musique passionnée
et tendant à l’abstraction (les Variations Diabelli, la Missa solemnis et la Symphonie no 9).
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Théodore Dubois (1837-1924)
Allievo dotato, Théodore Dubois compì brillanti studi al Conservatorio di Parigi ottenendo molteplici riconoscimenti nelle classi
di Marmontel (pianoforte), Benoist (organo), Bazin (armonia) e
Thomas (composizione), tra cui un primo grand prix de Rome nel
1861. Tornato in Francia dopo aver abbreviato il soggiorno in Italia, intraprese una carriera in costante e progressiva ascesa. Professore di armonia al Conservatorio dal 1871, divenne dieci anni
dopo professore di composizione e quindi direttore dal 1896 fino
alle dimissioni nel 1905. Parallelamente a queste attività, ricoprì
diversi incarichi musicali al servizio della Chiesa, in particolare
come organista alla Madeleine (1877-1896). A questo titolo, a lui
si deve un’importante produzione religiosa, il cui esempio più
significativo, l’oratorio Les Sept Paroles du Christ (1867), riscosse
un notevole successo. Onorato dagli ambienti musicali, membro
dell’Institut de France dal 1894, Dubois ebbe a patire, dopo la
morte, di questa sua posizione privilegiata. Significativo, a questo
proposito, è il diffuso malinteso relativo al suo ritiro dal Conservatorio: coincidente con lo scandalo dell’ultimo fallimento di Ravel al prix de Rome, fu per molto tempo considerato una sferzante
sconfitta degli ambienti accademici. Eppure, pur mantenendosi
fedele ai propri ideali di chiarezza e di rispetto della tradizione,
Dubois era sensibile all’evoluzione del suo tempo, come attesta
la sua adesione alla Société nationale de musique. D’ispirazione
eclettica, la sua opera ampia e variegata, che include tutti generi,
si rifà tanto a Franck quanto a Schumann, Brahms o Saint-Saëns.
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Théodore Dubois (1837-1924)
Élève doué, Théodore Dubois fit de brillantes études au Conservatoire de Paris, remportant de multiples récompenses dans les classes
de Marmontel (piano), Benoist (orgue), Bazin (harmonie) et Thomas
(composition), dont un premier grand prix de Rome en 1861. De
retour en France après un séjour en Italie abrégé, il entama sans attendre le cours naturel d’une régulière et patiente ascension. Professeur d’harmonie au Conservatoire dès 1871, il y devint dix ans plus
tard professeur de composition, puis directeur de 1896 à sa retraite
en 1905. Parallèlement à ces activités, il assura différentes fonctions
musicales au service de l’Église, notamment à l’orgue de la Madeleine (1877-1896). À ce titre, on lui doit un important corpus religieux, dont l’exemple le plus marquant, l’oratorio Les Sept Paroles
du Christ (1867), lui valut un franc succès. Honoré par les milieux
officiels, membre de l’Institut depuis 1894, Dubois eut à souffrir
après sa mort de cette position privilégiée. Le malentendu tenace
concernant son départ du Conservatoire est, à cet égard, significatif : coïncidant avec le scandale du dernier échec de Ravel au prix
de Rome, il fut longtemps considéré comme une cinglante défaite
des milieux académiques. Et pourtant, tout en restant fidèle à ses
idéaux de clarté et de respect de la tradition, Dubois était sensible
aux avancées de son temps, comme en témoigne son adhésion à la
Société nationale de musique. D’inspiration éclectique, son œuvre
vaste et variée, qui touche à tous les genres, se réclame autant de
Franck que de Schumann, Brahms ou Saint-Saëns.
Théodore Gouvy (1819-1898)
Nato nell’attuale Saarland poco dopo la caduta dell’Impero e la
ridefinizione delle frontiere che ne seguì, Gouvy sarebbe potuto
nascere francese se gli azzardi della storia non avessero fatto di
lui un prussiano. Ciò nonostante, egli viene scolarizzato nel collegio di Sarreguemines e quindi nel liceo di Metz, dove nel 1836
ottiene un diploma di filosofia. Prosegue gli studi di giurisprudenza a Parigi, ma non avendo superato gli esami nel 1839,
decide di dedicarsi alla carriera musicale. In questa prospettiva, segue privatamente le lezioni di Zimmerman (pianoforte),
Eckert (violino) e Elwart (armonia), quindi si reca in Germania e
in Italia per completare la propria formazione. Questa duplice
cultura francese e tedesca influenzerà profondamente la sua
arte fino al suo ritorno in Francia nel 1844. Artista facoltoso,
Gouvy divide il proprio tempo tra Parigi, Lipsia e Hombourg-Haut
nella dimora di famiglia, dove il fratello è padrone delle ferriere, e
dove il musicista ama cercare ispirazione. Tuttavia, benché ampiamente noto sulle due rive del Reno (fu corrispondente della
Regia Accademia di Berlino e dell’Académie des beaux-arts di
Parigi), Gouvy soffrì un po’ della propria situazione di “straniero”, che gli impedì di beneficiare delle reti ufficiali fino alla sua
naturalizzazione nel 1851. Benché la sua opera sia ampiamente
dominata dalla musica da camera, a lui si devono anche numerose composizioni orchestrali (tra cui nove sinfonie) e religiose
(Requiem, Stabat Mater, Messe brève), oltre a vari lavori drammatici, tra cui sei cantate e due opere.
Théodore Gouvy (1819-1898)
Ayant vu le jour dans l’actuelle Sarre peu après la chute de l’Empire et le redécoupage des frontières qui s’en suivit, Gouvy aurait
pu naître français si les aléas de l’histoire ne l’avaient fait prussien. Néanmoins, c’est bel et bien au collège de Sarreguemines
qu’il est scolarisé, puis au lycée de Metz, où il obtient en 1836 un
baccalauréat de philosophie. Poursuivant ses études à l’université
de droit de Paris, il échoue à ses examens en 1839 et décide alors
d’embrasser la carrière musicale. Dans cette perspective, il suit
en privé l’enseignement de Zimmerman (piano), Eckert (violon)
et Elwart (harmonie), puis part compléter sa formation en Allemagne et en Italie. C’est fort d’une double culture – française et
allemande – qu’il revient en France en 1844, situation particulière dont son art se ressent. Artiste fortuné, Gouvy partage son
temps entre Paris, Leipzig et Hombourg-Haut, dans la demeure
familiale où son frère est maître des forges, et où il aime trouver
l’inspiration. Toutefois, bien que largement reconnu de chaque
côté du Rhin (il fut membre correspondant de l’Académie royale
de Berlin et de l’Académie des beaux-arts de Paris), Gouvy souffrit quelque peu de sa situation d’« étranger », qui l’empêcha de
bénéficier des réseaux officiels jusqu’à sa naturalisation en 1851.
Si son œuvre est largement dominée par la musique de chambre,
on lui doit également de nombreuses compositions orchestrales
(dont neuf symphonies) et religieuses (Requiem, Stabat Mater,
Messe brève), ainsi que plusieurs ouvrages dramatiques, dont six
cantates et deux opéras.
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Gli interpreti
Les interprètes
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Ensemble Musagète
Giovanni Guglielmo e Tiziano Guarato, violini
Michele Sguotti, viola
Giordano Pegoraro, violoncello
Jan R. Zahourek, contrabbasso
Fabio Pupillo, flauto
Remo Peronato, oboe
Luigi Marasca, clarinetto
Enrico Barchetta, corno
Laura Costa, fagotto
Gabriele Dal Santo, pianoforte
Ensemble Musagète
Giovanni Guglielmo e Tiziano Guarato, violons
Michele Sguotti, alto
Giordano Pegoraro, violoncelle
Jan R. Zahourek, contrebasse
Fabio Pupillo, flûte
Remo Peronato, hautbois
Luigi Marasca, clarinette
Enrico Barchetta, cor
Laura Costa, basson
Gabriele Dal Santo, piano
L’Ensemble Musagète è attivo dal 2001 come formazione
in residence alle Gallerie d'Italia – Palazzo Leoni Montanari di Vicenza e nasce dalla collaborazione tra Giovanni
Guglielmo, già primo violino solista del Teatro La Fenice
di Venezia e dell’Orchestra Nazionale di Santa Cecilia di
Roma, e un gruppo di giovani musicisti, con l’obiettivo
di accompagnare l’attività espositiva delle Gallerie. L'Ensemble ha un organico base di 12 elementi e lavora a geometria variabile proponendo programmi che spaziano
dal Classicismo al Contemporaneo. L'Ensemble Musagète
è stato più volte ospite di Rai Radio3 (I concerti del Quirinale di Radio3, Piazza Verdi) e in rassegne nazionali (Concerti Vesperali della Comunità di Bose, Festival Galuppi
di Venezia, Società del Quartetto di Vicenza, Settimane
L’Ensemble Musagète est depuis 2001 en résidence aux Gallerie d’Italia – Palazzo Leoni Montanari de Vincence. Il naît de
la collaboration entre Giovanni Guglielmo, ex premier violon
soliste du Teatro La Fenice de Venise et de l’Orchestra nazionale di Santa Cecilia à Rome, et un groupe de jeune musiciens
ayant l’objectif d’accompagner l’activité muséale des Gallerie.
Cet ensemble à géométrie variable compte 12 éléments de base,
et propose des programmes allant du classicisme au contemporain. L’Ensemble Musagète a été plusieurs fois invité sur Rai
Radio3 (i Concerti del Quirinale de Radio3, Piazza Verdi) et
dans des émissions nationales (I Concerti Vesperali de la communauté de Bose, le Festival Galuppi de Venise, la Società del
quartetto de Vicence, les Settimane musicali au Teatro Olimpico de Vicence, les Amici della musica de Vérone). Il attache
Musicali al Teatro Olimpico di Vicenza, Amici della Musica
di Verona). L'Ensemble rivolge particolare attenzione alla
musica d'oggi – hanno finora scritto e/o sono stati ospiti
della sua stagione Nicola Campogrande, Giovanni Bonato,
Francesco Erle, Alessandro Solbiati, Luca Francesconi, Fabio Vacchi, Pasquale Corrado, Roberta Vacca, Orazio Sciortino, Antonio Covello e Michele Dall'Ongaro – e a progetti
di divulgazione e didattica musicale. L'Ensemble Musagète
è presente sul web con un sito (ensemblemusagete.it), una
pagina Facebook e un canale Youtube.
une importance particulière à la musique d’aujourd’hui (ont
écrit et/ou ont été invités dans la saison de l’Ensemble Musagète : Nicola Campogrande, Giovanni Bonato, Francesco Erle,
Alessandro Solbiati, Luca Francesconi, Fabio Vacchi, Pasquale
Corrado, Roberta Vacca, Orazio Sciortino, Antonio Covello et
Michele Dall'Ongaro) et aux projets de diffusion et de didactique musicale. L’Ensemble Musagète assure sa présence sur le
web à travers son site internet (ensemblemusagete.it), sa page
Facebook et sa chaîne Youtube.
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Contributi musicologici
Hélène Cao, Fanny Gribenski, Étienne Jardin, Nicolas Southon
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Traduzioni
Paolo Vettore
Palazzetto Bru Zane
Centre de musique romantique française
San Polo 2368, 30125 Venezia - Italia
tel. +39 041 52 11 005
bru-zane.com