exprmntl filmfestival

Transcription

E X P R M N T L F I L M F E S T I VA L 06.10—11.10—2016
éDITORIAL
Du 6 au 11 octobre, L’Âge d’Or Festival revient à CINEMATEK pour
la troisième édition de sa nouvelle formule, inaugurée en 2014,
avec un programme riche et varié qui met en avant la recherche
et l’audace d’une écriture cinématographique expérimentale en
prise avec le réel mais aussi avec l’intime, l’imaginaire, le psychédélique et le mythologique.
Au programme, deux sections compétitives qui réunissent des
films réalisés au cours de ces trois dernières années aux quatre
coins du monde (en Iran, en Indonésie, en Corée, en Turquie, en
Autriche, aux États-Unis et en Belgique) :
L’ÂGE D’OR, une compétition qui réunit 22 films jamais montrés à Bruxelles, dont l’un d’eux se verra remettre le Prix de l’Âge
d’Or par le Jury international.
IMPATIENCE (d’après le titre du second film de Charles
Dekeukeleire, 1928), nouvelle compétition pour les premiers
et deuxièmes films. Cette compétition, qui réunit 8 films de
jeunes cinéastes, est dotée d’un prix qui sera remis par le Jury
international.
Cette année un YOUNG JURY PRIZE, sera également décerné à
un film de la compétition de l’Âge d’Or par un jury composé d’étudiants des écoles d’art bruxelloises.
Par ailleurs, le festival recevra de nombreux invités tels que Peter Gidal, une des figures majeures du cinéma indépendant britannique et mondial ; les cinéastes libanais Joana Hadjithomas et
Khalil Joreige, qui viendront présenter, après leur exposition individuelle au Jeu de Paume à Paris, une sélection de leurs films
ainsi que des installations vidéo dans le foyer de CINEMATEK.
Autres temps forts : un large programme consacré au cinéma
expérimental et d’avant-garde de la côte Ouest des États-Unis
(Bruce Baillie, Chick Strand et trois séances thématiques réunissant quelques trésors de la collection de l’Academy of Motion
Picture Arts and Sciences), un panorama de films produits en
Asie (Philippines, Inde, Indonésie, Thaïlande) qui n’ont pas à proprement parler de tradition du cinéma expérimental et qui réunit des productions récentes et plus anciennes qui n’ont jamais
ou presque été montrées en Europe. Mais aussi de nombreuses
autres séances spéciales (live soundtrack, atelier de cinéma pour
enfants, etc.) que nous vous invitons à découvrir.
EDITO
Van 06 tot 11 oktober is Âge d’Or opnieuw te gast in CINEMATEK
voor de derde editie van de nieuwe formule, die in 2014 opstartte
als volwaardig festival. Het wordt een rijk, gevarieerd programma
dat onderzoek centraal stelt, net als de durf van een experimentele cinematografische aanpak die dicht aanleunt bij de werkelijkheid maar die evengoed het intieme, de verbeelding, het psychedelische en mythologische een stem geeft.
Op het programma staan twee competitiesecties met films die de
laatste drie jaar wereldwijd werden gedraaid: films uit Iran, Indonesië, Korea, Turkije, Oostenrijk, de Verengde Staten en België.
ÂGE D’OR, een competitie met 22 nooit eerder in Brussel getoonde films, waarvan één door de internationale jury met het
Âge d’Or Prijs bekroond zal worden.
IMPATIENCE (genoemd naar de tweede film van Charles Dekeukeleire, uit 1928), is een nieuwe competitie voor éérste en
tweede films. Deze competitie brengt 8 films van jonge cineasten, waarvan één de Prijs Impatience uitgereikt krijgt door
de internationale jury.
it jaar zal een jury bestaande uit studenten van Brusselse kunstD
scholen ook een YOUNG JURY PRIZE toekennen aan een film uit
de competitie van Âge d’Or.
Daarnaast ontvangt het festival een groot aantal gasten. Waaronder Peter Gidal, een van de belangrijke protagonisten van de
Britse en globale onafhankelijke cinema en de Libanese filmmakers Joana Hadjithomas en Khalil Joreige die net na hun solotentoonstelling in Jeu de Paume in Parijs een selectie van hun films
en video-installaties in de CINEMATEK-foyer komen presenteren.
Er zijn nog andere hoogtepunten. Zo is er een rijk programma
dat gewijd is aan de experimentele en avant-gardecinema van de
Amerikaanse Westkust met Bruce Baillie, Chick Strand en drie thematische sessies met schatten uit de collectie van de Academy
of Motion Picture Arts and Sciences (VS). We tonen ook een panorama met films uit Azië, namelijk uit de Filippijnen, India, Indonesië en Thailand, landen die strikt genomen geen experimentele filmtraditie hebben Het brengt recente en oudere producties
bij elkaar die in Europa nauwelijks of nooit werden getoond. Tot
slot nodigen we u uit om tal van andere speciale sessies te komen ontdekken, zoals live-soundtracks en workshops ‘zonder camera’ voor kinderen.
EDITORIAL
From the 6th until the 11th of October, L’Âge d’Or will return to the
CINEMATEK for the third edition of its new formula, inaugurated
in 2014, with a rich and varied program focused on the search
and audacity of an experimental cinematic voice engaged with
the real but also with the intimate, the imaginary, the psychedelic
and the mythological. Within the program are two competitive sections that unite films
made during the last three years from all over the world (Iran, Indonesia, Korea, Turkey, Austria, the United States and Belgium).
L’ÂGE D’OR, a competition that unites 22 films never before
shown in Brussels. One of the films will receive the Âge d’Or
Prize from the international jury.
IMPATIENCE (after the title of Charles Dekeukeleire’s second
film, 1928) is a new competition for first and second films. This
competition between 8 films by young filmmakers is endowed
with a prize that will be awarded by the international jury.
This year a YOUNG JURY PRIZE will also be awarded to a film
within the Âge d’Or competition, by a jury comprised of students
of various Brussels-based art schools.
Moreover, the festival will receive numerous guests such as Peter
Gidal, one of the major figures in British and global independent cinema; and the Lebanese filmmakers Joana Hadjithomas
and Khalil Joreige, who will, after their solo-exposition at Jeu
de Paume in Paris, present a selection of their films as well as
a video installation in CINEMATEK’s foyer. Other highlights include: A large program dedicated to the experimental cinema
and avant-garde of the US west coast (Bruce Baillie, Chick Strand
and three thematic screenings that unite some treasures of the
Academy of Motion Picture Arts and Sciences), a panorama of
films produced in Asia (Philippines, India, Indonesia, Thailand)
which strictly speaking does not have a traditional experimental cinema. The panorama will also unite both recent and older
productions that have never or rarely been shown in Europe. Finally, a number of other special screenings (live soundtrack, cinema workshop for children, etc) will take place, all of which we
invite you to discover.
CONTENTS
SPECIAL EVENTS
OPENING NIGHT
06
ENCOUNTERS
11
BOOK PRESENTATIONS
13
CLOSING NIGHT
18
COMPETITIONS
INTERNATIONAL JURY
20
YOUNG JURY
23
Âge d’Or
24
IMPATIENCE
26
SCREENINGS
28
OTHER PROGRAMMES
INTRODUCTION TO PETER GIDAL
54
INTRODUCTION TO HADJITHOMAS & JOREIGE
60
THE WEST COAST
70
ALL MY LIFE, THE FILMS OF BRUCE BAILLIE
72
RITUALS INVOLVING, FILMS BY CHICK STRAND
82
ALCHEMY IN THE GOLDEN STATE
88
ROBERT NELSON’S SUITE CALIFORNIA
91
COMPANY TOWN
93
ABCD – ASIAN EXPERIMENTAL CINEMA
96
EXPRMNTL FOR KIDS
108
PROGRAM SCHEDULE
110
COLOPHON
112
PRACTICAL INFORMATIONS
113
OPENING NIGHT
19:00
LA DEUXIÈME FEMME
with live soundtrack
20:00
COCKTAIL
21:00
EXPRMNTL
world premiere
OPENING NIGHT
LA DEUXIÈME FEMME JEU / DON / THU
colour, 48’, 16 mm, v : SILENT with LIVE SOUNDTRACK
06.10 / 19:00
« Il y a en moi la volonté de ne pas me galvauder dans des films
qui ne méritent pas d’être faits. J’ai découvert qu’on pouvait réaliser des images en toute simplicité, sans être passé par une école.
Le cinéma underground a osé. Avec lui, on adaptait son art à ses
moyens. J’ai toujours travaillé seul et je n’ai ruiné que moi-même. »
(Pierre Clémenti)
LEDOUX
présenté par/ingeleid door/introduced by
Balthazar Clémenti
LIVE SOUNDTRACK
SPECIAL EVENTS PIERRE CLÉMENTI, FRANCE 1967-1978
Acteur inoubliable chez Buñuel, Pasolini, Garrel, Rocha ou Visconti, c’est avec son cachet de comédien pour le film Benjamin
ou les mémoires d’un puceau de Michel Deville que Pierre Clémenti achète en 1967 sa première caméra Beaulieu 16 mm. Pendant plus de quinze ans, il filme au fil des jours et des rencontres
une série de journaux intimes. Dans La deuxième femme, longtemps considéré comme inédit, Bulle Ogier et Viva, Nico et Tina
Aumont, Philippe Garrel et Udo Kier, un spectacle de Béjart, une
pièce de Marc’O, des concerts de Bob Marley et Patti Smith…
pas toujours reconnaissables – passés comme dans l’accélérateur
de particules d’un véritable maelström d’images psychédéliques.
OPENING NIGHT
Séance présentée par Balthazar Clémenti, fils de l’acteur-cinéaste.
‘Diep in mij zit het verlangen om me niet te verlagen met
films die het niet verdienen gemaakt te worden. Ik heb
ontdekt dat je beelden kan maken met heel eenvoudige
middelen, zonder daarvoor naar school te zijn gegaan.
7
De undergroundcinema durfde: met hem paste men zijn
kunst aan zijn middelen aan. Ik heb altijd alleen gewerkt
en ik heb slechts mezelf geruïneerd.’ (Pierre Clémenti)
Pierre Clémenti, een onvergetelijke acteur bij Buñuel,
Pasolini, Garrel, Rocha of Visconti, koopt in 1967 – met
wat hij verdient voor de film Benjamin ou les mémoires
d’un puceau van Michel Deville – zijn eerste 16mm-Beaulieucamera. Gedurende meer dan vijftien jaar filmt hij aan
de hand van dagelijkse ontmoetingen een reeks intieme
dagboeken. In La deuxième femme, tot 2010 als onuitgegeven beschouwd, zien we Bulle Ogier en Viva, Nico
en Tina Aumont, Philippe Garrel en Udo Kier, een optreden van Béjart, een stuk van Marc’O, concerten van Bob
Marley en Patti Smith (niet altijd herkenbaar)… Het is als
een maalstroom van psychedelische beelden die door
een deeltjesversneller worden gedraaid.
Projectie ingeleid door Balthazar Clémenti,
zoon van de acteur-filmmaker.
‘There is, deep in me, the desire not to demean myself in films
that do not deserve to be made. I discovered that one could produce images with ease, without going through a school. The
underground cinema dared. With it, we adapted our art to its
means. I always worked alone and I have ruined nobody but myself.’ (Pierre Clémenti)
In 1967, Pierre Clémenti, an unforgettable actor in Buñuel, Pasolini,
Garrel, Rocha or Visconti, buys with what he earns for Michel Devill’s film Benjamin ou les mémoires d’un puceau his first 16mm
Beaulieu camera. Over the course of more than fifteen years,
Clémenti films a series of intimate diaries, starting from daily encounters. In La deuxième femme, considered unpublished until
2010, we see Bulle Ogier and Viva, Nico and Tina Aumont, Philippe
Garrel and Udo Kier, a performance by Béjart, a piece by Marc’O,
concerts by Bob Marley and Patti Smith (not always recognisable)... It’s like a maelstrom of psychedelic images that are passed
through a particle accelerator.
Screening introduced by Balthazar Clémenti,
son of the actor and filmmaker.
OPENING NIGHT
6
Vincent Epplay is een beelden geluidskunstenaar.
Sounddesigncatalogi en andere hifi-kalibratieplaten
vormen de grondstof van zijn geluid. Daarbij stapt Epplay echter af van een illustratieve, functionele aanpak
en stelt in plaats daarvan vooral de vraag naar de materialiteit zelf van geluid. Hij heeft ook soundtracks opgenomen voor film en werkte herhaaldelijk samen met Jac
Berrocal en David Fenech. Acteur, kunstenaar en muzikant Samon Takahashi glipt van de ene praktijk in de andere. Hij speelt in de groep GOL en nam muziek op met
Luc Ferrari, Ghédalia Tazartès en Ramuntcho Matta. Vincent Epplay en Samon Takahashi verkennen al meer dan
tien jaar verschillende muzikale werelden: elektroakoestische en geïmproviseerde muziek, composities, krautrock, enzovoort. In 2010 brachten ze de LP Soundtracks
for the Movies of Pierre Clémenti uit op het label Planam.
OPENING NIGHT
JEU / DON / THU
SOUNDTRACK FOR THE MOVIES OF
PIERRE CLÉMENTI
06.10 / 19:00
VINCENT EPPLAY & SAMON TAKAHASHI
LEDOUX
Vincent Epplay est un artiste du son et de l’image. Si les catalogues d’illustration sonore et autres disques d’étalonnage hi-fi
forment la matière première de sa pâte sonore, c’est pour mieux
les détourner de leur fonction illustrative et interroger la matérialité même du son. Il a aussi enregistré des bandes-son pour le
cinéma et collaboré à de multiples reprises avec Jac Berrocal et
David Fenech. Acteur, plasticien et musicien, Samon Takahashi
multiplie les glissements d’une pratique à l’autre. Il joue dans le
groupe GOL, a enregistré avec Luc Ferrari, Ghédalia Tazartès et
Ramuntcho Matta. Vincent Epplay et Samon Takahashi explorent différents mondes musicaux (électro-acoustiques, improvisés, composés, krautrock, etc.) depuis plus de dix ans. En 2010,
ils ont sorti le LP Soundtracks for the Movies of Pierre Clémenti
sur le label Planam.
Balthazar Clémenti
LIVE SOUNDTRACK
Vincent Epplay is an artist of sound and image. Sound design catalogues and other hi-fi calibration records form the raw material
for his sound, yet Epplay moves away from an illustrative, functional approach: above all, he wants to question the very materiality of sound. He has also recorded soundtracks for film and has
repeatedly collaborated with Jac Berrocal and David Fenech. Actor, artist and musician Samon Takahashi shifts from one practice
to the other. He plays in the band GOL and has recorded with Luc
Ferrari, Ghédalia Tazartès and Ramuntcho Matta. For more than
ten years, Vincent Epplay and Samon Takahashi have explored all
kinds of musical worlds: electro-acoustic and improvised music,
compositions, krautrock, etcetera. In 2010, they released the LP
Soundtracks for the Movies of Pierre Clémenti on the Planam label.
In partnership with
rue crickxstraat
15
1060 s t. g illis
ww w.lesateliersclaus.com
0
2 534 5 1 03
ENCOUNTERS
JEU / DON / THU
SAM / ZAT / SAT
06.10 / 21:00
08.10 / 11:00
LEDOUX
LEDOUX
11
10
OPENING NIGHT
WORLD PREMIERE
EXPRMNTL SPECIAL EVENTS BRECHT DEBACKERE, BELGIUM 2016
colour, ca. 60’, DCP, v : ENG, NL, FR, sub : FR-DU
Avec des interviews de / Met interviews van / With interviews with :
Harun Farocki, Agnès Varda, Jonas Mekas, Peter Kubelka, Birgit Hein,
Gabrielle Claes, Jean-Jacques Lebel, Eric De Kuyper, Godfried-Willem Raes,
Roland Lethem, Boris Lehman, Robert Stéphane, Werner Nekes.
MASTERCLASS SPECIAL EVENTS HADJITHOMAS AND JOREIGE
Knokke, Belgique. Une petite station balnéaire mondaine, lieu
de villégiature du « beau monde » et lieu de naissance du premier
festival au monde dédié au cinéma d’avant-garde : EXPRMNTL.
Le festival n’a connu que cinq éditions, en 1949, 1958, 1963, 1967
et 1974, mais chacune d’elles est vite devenue mythique. Le documentaire EXPRMNTL raconte le cinéma expérimental à travers l’histoire de ce festival. Une histoire qui questionne la nature même du cinéma et les origines de notre culture de l’image.
Masterclass en français autour de l’œuvre des plasticiens et cinéastes Joana Hadjithomas et Khalil Joreige, animée par Dirk
Snauwaert (Directeur artistique du WIELS, Centre d’Art Contemporain), et illustrée de courts métrages.
Masterclass in het Frans met kunstenaars en filmmakers Joana Hadjithomas en Khalil Joreige, geleid door
Dirk Snauwaert (Artistiek directeur van WIELS, Centrum
voor Hedendaagse Kunst) en geïllustreerd door kortfilms.
Knokke, Belgium. A small mundane coastal town, home to the
beau monde and cradle of the world’s first festival dedicated to
avant-garde cinema: EXPRMNTL. The festival knew only five editions, in 1949, 1958, 1963, 1967 and 1974 but those five editions
soon became legendary. The documentary EXPRMNTL tells the
story of experimental film through the history of this festival, a
history which questions the very nature of film and illuminates
the origins of our visual culture.
Masterclass in French by artists and filmmakers Joana
Hadjithomas and Khalil Joreige, hosted by Dirk Snauwaert (Artistic Director of WIELS, Contemporary Art Centre), illustrated
by several shorts.
In partnership with
ENCOUNTERS
OPENING NIGHT
Knokke, België. Een kleine mondaine kustplaats, thuis
basis van de beau monde en bakermat van ‘s werelds eerste festival gewijd aan avant-gardecinema: EXPRMNTL.
Het festival kende slechts vijf edities, in 1949, 1958, 1963,
1967 en 1974, maar die vijf edities namen al snel mythische proporties aan. De documentaire EXPRMNTL vertelt het verhaal van de experimentele film aan de hand
van de geschiedenis van dit festival, een geschiedenis
die de aard van film in vraag stelt en de oorsprong van
onze beeldcultuur belicht.
13
12
ENCOUNTERS
DIM / ZON / SUN
09.10 / 16:30
LEDOUX
14:00
The Lost Film
15:00
The Lebanese
Rocket Society
16:30
Discussion with
Hadjithomas and Joreige
Discussion SPECIAL EVENTS with HADJITHOMAS AND JOREIGE
Suite à la projection de The Lost Film et The Lebanese Rocket Society, Stoffel Debuysere animera une conversation en anglais avec
Joana Hadjithomas et Khalil Joreige dans le cadre de DISSENT !
Na de vertoning van de The Lost Film en The Lebanese Rocket Society, een gesprek in het Engels met
Joana Hadjithomas en Khalil Joreige, geleid door Stoffel
Debuysere in het kader van DISSENT!
ENCOUNTERS
Following the screening of The Lost Film and The Lebanese
Rocket Society, a conversation with Joana Hadjithomas and Khalil
Joreige, hosted by Stoffel Debuysere in the context of DISSENT!
DISSENT ! is an initiative of Argos,
Auguste Orts and Courtisane,
in the framework of the research project “Figures of
Dissent” (KASK/HoGent),
with the support of Vlaamse
Gemeenschap.
BOOK PRESENTATIONS SPECIAL EVENTS Des présentations de livres rythmeront également le festival samedi, dimanche et lundi entre les
deux séances du soir. L’occasion de rencontrer autour d’un verre et de quoi se restaurer les auteurs
et éditeurs de trois livres. Samedi, Peter Gidal et Mark Webber partageront avec nous l’aventure de
Flare Out: Aesthetics 1966-2016. Dimanche, Garbiñe Ortega présentera la première monographie
entièrement consacrée à Bruce Baillie dont elle prépare la publication. Lundi nous accueillerons
Birgit Hein, présidente du jury de la première éditon du festival L’Âge d’Or et cinéaste incontournable de la scène expérimentale pour son ouvrage Film als Idee.
Dit jaar geven ook boekvoorstellingen kleur aan het festival : zaterdag, zondag en maandag is er, tussen de twee avondvoorstellingen, de gelegenheid om bij een goed glas en een
hapje de auteurs en uitgevers van drie boeken te ontmoeten. Zaterdag zullen Peter Gidal
en Mark Webber hun avontuur met ons delen rond Flare Out: Aesthetics 1966-2016. Zondag zal Garbiñe Ortega de eerste monografie volledig gewijd aan Bruce Baillie voorstellen. Ze is momenteel de publicatie aan het voorbereiden. Maandag zullen we Birgit Hein
ontvangen, juryvoorzitster van de eerste editie van het Âge d’Or Festival en onmiskenbare
sleutelfiguur van de experimentele scene, haar werk Film als Idee.
The festival will also be marked by book presentations: Saturday, Sunday and Monday between
the two evening screenings, the authors and editors of three books will meet us over drinks and a
bite to eat. On saturday, Peter Gidal and Mark Webber will share with us Flare Out: Aesthetics 19662016. On sunday, Garbiñe Ortega will present the first monograph dedicated entirely to Bruce Baillie, whose publication she is preparing. On Monday we will be welcoming Birgit Hein, president of
the jury of the first Âge d’Or Festival’s edition and key figure of the experimental scene, to introduce her last essay: Film als Idee.
SAM / ZAT / SAT
DIM / ZON / SUN
08.10 / 20:00
09.10 / 20:00
LOBBY
LOBBY
FLARE OUT: AESTHETICS 1966-2016
PETER GIDAL with MARK WEBBER, 2016
Published by The Visible Press, ENGLISH, 288 pages
Publié sous la direction de Mark Webber et Peter Gidal chez The
Visible Press, Flare Out: Aesthetics 1966–2016 est une compilation
d’essais, reprenant entre autres « Theory and Definition of Structural/Materialist Film » ainsi que des textes sur la métaphore, la
narration, et le refus la représentation de la sexualité. D’autres
textes abordent les caractéristiques propres aux œuvres de
Samuel Beckett, Thérèse Oulton, Gerhard Richter et Andy Warhol.
Uitgegeven door Mark Webber en Peter Gidal bij The Visible Press is Flare Out: Aesthetics 1966–2016 een verzameling van essays, met onder andere ‘Theory and Definition of Structural/Materialist Film’ en andere teksten
rond het gebruik van metafoor en verhaal – en tegen seksuele representatie. Er worden ook individuele werken
besproken van Samuel Beckett, Thérèse Oulton, Gerhard
Richter en Andy Warhol, steeds vanuit hun specificiteit.
BOOK / PETER GIDAL
15
BOOK /
BRUCE BAILLIE
Edited by Mark Webber and Peter Gidal at The Visible Press, Flare
Out: Aesthetics 1966–2016 is a collection of essays that includes
‘Theory and Definition of Structural/Materialist Film’ and other
texts on metaphor, narrative, and against sexual representation.
Also discussed in their specificity are works by Samuel Beckett,
Thérèse Oulton, Gerhard Richter and Andy Warhol.
SOMEWHERE BETWEEN HERE AND HEAVEN:
THE FILMS OF BRUCE BAILLIE
GARBIÑE ORTEGA with SANDRA GÓMEZ, 2016
Published by Interior XIII / Distrital Film Festival, ENGLISH-SPANISH
Cet ouvrage bilingue anglais/espagnol, coordonné par Garbiñe Ortega et Sandra Gómez, édité au Mexique et rendu possible par la même campagne de financement participatif que la
rétrospective itinérante des films de Bruce Baillie qui passe par
L’Âge d’Or cette année, sera le premier livre entièrement consacré au cinéaste américain. Il comprendra des textes de Steve
Anker, Peter Hutton, Denah Johnston, Janis Crystal Lipzin, Scott
MacDonald, Richard Peña, Andréa Picard, J.P. Sniadecki, Ben
Rivers et Peter Tscherkassky et inclura des lettres de Chick Strand
et Stan Brakhage.
« J’ai toujours admiré les films de Bruce Baillie. Je les ai d’abord
programmés au Mexique où, à ma grande surprise, ils n’avaient
jamais été projetés. Je suis entrée en contact avec Bruce et nous
avons initié, de manière très naturelle, une correspondance sur
la vie et le cinéma au cours de laquelle je me suis aperçue qu’il
était peu connu en dehors des États-Unis et que son œuvre et sa
manière d’aborder l’art méritaient un hommage. » (Garbiñe Ortega)
BOOK / BRUCE BAILLIE
14
BOOK /
PETER GIDAL
“Ik heb de films van Bruce Baillie altijd bewonderd. Eerst
begon ik ze te programmeren in Mexico, waar ze tot mijn
verbazing nog nooit vertoond waren. Ik kwam in contact
met Bruce en begon op een heel losse manier een correspondentie met hem over het leven en film. Tijdens die
briefwisseling werd me duidelijk dat hij weinig bekend
was buiten de Verenigde Staten en dat zijn werk en zijn
manier van kunst begrijpen een eerbetoon verdienden.”
(Garbiñe Ortega)
BOOK / BRUCE BAILLIE
This bilingual English/Spanish book is coordinated by Garbiñe Ortega and Sandra Gómez, and is published in Mexico. The publication is made possible by the same crowdfunding campaign as
was used for the itinerant retrospective of films by Bruce Baillie
wich comes to Âge d’Or this year, and is the first book entirely
devoted to the American filmmaker. Texts by Steve Anker, Peter
Hutton, Denah Johnston, Janis Crystal Lipzin, Scott MacDonald,
Richard Peña, Andréa Picard, J.P. Sniadecki, Ben Rivers and Peter
Tscherkassky and letters by Chick Strand and Stan Brakhage.
“I have always admired Bruce Baillie’s films. I first began programming them in Mexico where, to my surprise, they had never been
screened. I entered into contact with Bruce and began a correspondence with him about life and cinema in a very natural way,
during which I sensed that he was little-known outside of the
United States, and that his work and way of understanding art
deserved tribute.” (Garbiñe Ortega)
FILM ALS IDEE
LUN / MAA / MON
Birgit Hein fait partie des cinéastes qui ont eu à la fois une influence durable sur l’histoire du cinéma expérimental et qui continuent à influencer la scène d’avant-garde actuelle. En plus des
films qu’elle a réalisés, elle a écrit de nombreux textes critiques
qui, dès les années 1970, ont aidé à rendre le public du cinéma et
des autres arts sensible au cinéma expérimental. Birgit Hein fait
valoir qu’il est impossible de faire des films sans avoir une idée des
possibilités et des objectifs concrets du média cinématographique
et que chaque projet de film doit être basé sur cette idée. Ce volume, qui comprend des textes écrits au cours de quatre décennies, propose une sélection d’articles de Birgit Hein et d’entretiens
avec la cinéaste, illustré de nombreuses photographies inédites.
10.10 / 20:00
LOBBY
17
BOOK /
BIRGIT HEIN
BIRGIT HEIN, 2016
Published by Vorwerk 8 Verlage, GERMAN-ENGLISH, 392 pages
Birgit Hein behoort tot de filmmakers die een blijvende invloed hebben op de geschiedenis van experimentele film
en tegelijk de actuele experimentele scene beïnvloeden.
Bovenop het maken van films schreef Hein ook een aantal kunstkritische teksten die hebben geholpen om het
genre van de experimentele film vanaf de jaren zeventig
een plaatsje te geven in het bewustzijn van een in film
en kunst geïnteresseerd publiek. Birgit Hein stelt dat het
onmogelijk is films te maken zonder een idee te hebben
van de werkelijke mogelijkheden en doelstellingen van
het medium film en dat elke filmproject gebaseerd moet
zijn op dit idee. Dit volume, met teksten uit vier decennia, bevat een selectie van de belangrijkste teksten van,
en interviews met Birgit Hein, aangevuld met commentaren en tal van ongepubliceerde foto’s.
Birgit Hein belongs to the filmmakers who have had a lasting influence on the history and the present scene of the experimental
film. In addition to her films she wrote a number of critical texts
that, since the 1970’s, helped to establish in the consciousness of
a public, interested in art and film, the genre of experimental film.
Birgit Hein argues that film work is impossible without a notion
of the actual possibilities and purposes of the film medium, and
that every single film project must be based on this general idea.
Surveying a period of four decades the volume comprises a selection of Birgit Heins most important texts and interviews, complemented by commentaries and numerous unpublished photographies, which finally become accessible.
BOOK / BIRGIT HEIN
16
Dit tweetalig Engels/Spaans boek werd gecoördineerd
door Garbiñe Ortega en Sandra Gómez en is uitgegeven
in Mexico. De uitgave werd mogelijk gemaakt door dezelfde crowdfundingcampagne die gebruikt werd voor
het rondreizende Bruce Baillie-retrospectief dat dit jaar
ook Âge d’Or aandoet en is het eerste volledig aan de
Amerikaanse filmmaker gewijde boek. Met teksten van
Steve Anker, Peter Hutton, Denah Johnston, Janis Crystal
Lipzin, Scott MacDonald, Richard Peña, Andréa Picard,
J.P. Sniadecki, Ben Rivers en Peter Tscherkassky en brieven van Chick Strand en Stan Brakhage.
MAR / DIN / TUE
11.10 / 21:00
Competitions
LEDOUX
HAVARIE SPECIAL EVENTS
PHILIP SCHEFFNER, GERMANY-FRANCE 2016
colour, 93’, DCP, v : ENG-FR-ARABIC, sub : ENG
Le 14 septembre 2012 à 14h56, le navire de croisière « Adventure
of the Seas » rapporte au Centre de secours maritime espagnol
qu’il a repéré un canot à la dérive avec treize personnes à bord.
À partir d’un clip trouvé sur YouTube et de scènes biographiques,
une chorégraphie visuelle qui reflète le passé, le présent et l’avenir des voyageurs en Méditerranée. CLOSING NIGHT
Op 14 september 2012 om 14.56 u. rapporteert het cruiseschip Adventure of the Seas aan het Spaanse Maritime
Rescue Centre dat het een rubberboot waarneemt die
ronddobbert met 13 personen aan boord. Vertrekkende
van een YouTube-filmpje en biografische scènes ontwikkelt zich een choreografie die het verleden, het heden
en de toekomst van de reizigers op de Middellandse Zee
weergeeft.
On 14.09.2012 at 2:56pm, the cruise liner Adventure of the Seas
reports to the Spanish Maritime Rescue Centre the sighting of a
dinghy adrift with 13 persons on board. From a YouTube clip and
biographical scenes evolves a choreography reflecting the past,
present and future of the voyagers on the Mediterranean.
In partnership with
Two International Competitions
Two Juries – Three Prizes
Pour sa troisième édition, l’Âge d’Or Festival propose deux compétitions : ÂGE D’OR et IMPATIENCE.
Un Jury international composé de Mieke De Wulf (présidente), Shai Heredia et Mark Toscano décernera le Prix de l’Âge d’Or (5 000 €) et le Prix Impatience (2 500 €) dans les compétitions éponymes. Un Young Jury composé d’étudiants en écoles d’art remettra également un prix (1 000 €) à
un film de la compétition Âge d’Or. Les films des deux compétitions se côtoieront à l’intérieur de
sept programmes poétiques et subversifs.
Voor deze derde editie, stelt het Âge d’Or festival twee competities voor: ÂGE D’OR en
IMPATIENCE. De internationale jury, samengesteld uit Mieke De Wulf (voorzitster), Shai
Heredia en Mark Toscano, zal de Âge d’Or-prijs (€ 5.000) en de Impatience-prijs (€ 2.500)
toekennen. Studenten van verschillende kunstscholen zullen als ‘Young Jury’ eveneens
een prijs (€ 1.000) toekennen aan een film uit de Âge d’Or-competitie. De films uit de twee
competities worden samen opgenomen in zeven verschillende poëtische en subversieve
programma’s.
For its third edition, the Âge d’Or Festival is running two competitions: ÂGE D’OR and IMPATIENCE.
An international Jury comprised of Mieke De Wulf (president), Shai Heredia and Mark Toscano will
be awarding the Âge d’Or Prize (€ 5,000) and the Impatience Prize (€ 2,500) in the eponymous competitions. A Young Jury composed of art school students will also be awarding a prize (€ 1,000) to a
film in the Âge d’Or competition. Films from both competitions will run alongside each other within
seven poetic and subversive programs.
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CLOSING NIGHT
INTERNATIONAL JURY
MIEKE DE WULF PRESIDENT OF THE JURY SHAI HEREDIA
Mieke De Wulf est productrice. Jusqu’en 2009, elle œuvre au sein de A Private View, société de
production gantoise qu’elle a co-fondée en 1994 et où elle a développé et accompagné plus de 25
films, fictions et documentaires, tous distribués internationalement. Elle est également la fondatrice et directrice de Art Cinema OFFoff, une plateforme de projection et de recherche dévolue
au cinéma expérimental. Depuis 2009, elle enseigne la production aux départements cinéma de la
School of Arts à Gand et de la LUCA School of Arts à Bruxelles. Elle travaille actuellement comme
consultante freelance et comme productrice de films expérimentaux et documentaires.
Shai Heredia est cinéaste et programmatrice. Après ses études au St. Xaviers College (Bombay) et
au Goldsmiths College (Londres), elle fonde Experimenta, le festival international du cinéma expérimental en Inde (2003). Elle a conçu des programmes de cinéma expérimental pour des festivals et des salles indépendantes à travers le monde, dont la Berlinale et la Tate Modern de Londres.
Son film I Am Micro, coréalisé avec Shumona Goel (2012), a été montré aux festivals de Toronto,
Londres, Rotterdam, et à L’Âge d’Or en 2014. Acclamé par la critique, il a reçu un National Award
du gouvernement indien. An Old Dog’s Diary, le dernier film en date de Heredia et Goel (2015) a
reçu quant à lui le prix du meilleur court métrage au BFI London international Festival. Shai Heredia vit actuellement à Bangalore où elle enseigne au Srishti Institute of Art, Design and Technology
et où elle dirige Experimenta India.
Mieke De Wulf is producente en lineproducer. Tot 2009 werkte ze voor het Gentse productiehuis A Private View, dat ze in 1994 mee oprichtte en waar ze op meer dan 25 langspeelfilms en documentaires heeft gewerkt, die ook internationaal gedistribueerd werden. Ze
is de bezieler van Art Cinema OFFoff, een vertonings- en onderzoeksplatform voor experimentele film, waar ze tot vandaag instaat voor de zakelijke leiding. Sinds 2009 doceert De
Wulf filmproductie aan de filmafdelingen van de School of Arts in Gent en LUCA School
of Arts in Brussel. Daarnaast is ze nog actief als freelance-consultant en producer van experimentele films en documentaires.
Mieke De Wulf is producer as well as line producer. Until 2009, she worked for Ghent production
house A Private View, which she co-founded in 1994 and where she has worked on more than 25 internationally distributed films, both feature films and documentaries. She is the founder and manager of Art Cinema OFFoff, a screening and research platform for experimental film. Since 2009 De
Wulf teaches film production at the film departments of School of Arts, Ghent and LUCA School
of Arts, Brussels. She is currently working as a freelance consultant and a producer of experimental films and documentaries.
Shai Heredia is filmmaakster en curatrice. Ze studeerde aan het St.Xaviers College in Mumbai en het Goldsmiths College in Londen. In 2003 richtte ze Experimenta op, het internationale festival voor experimentele cinema in India. Ze heeft experimentele filmprogramma’s samengesteld op filmfestivals en kunstlocaties wereldwijd, waaronder de Berlinale
en Tate Modern. Haar film I Am Micro uit 2012, met Shumona Goel als co-regisseur, werd
vertoond op de internationale filmfestivals van Toronto, Londen en Rotterdam – en in 2014
op Âge d’Or. De film kreeg lovende kritieken en won een National Award van de Indische
regering. Heredia & Goel’s nieuwste film An Old Dog’s Diary (2015) won de prijs van beste
kortfilm op het BFI London International Film Festival en wordt momenteel getoond op festivals wereldwijd. Heredia woont momenteel in Bangalore, waar ze doceert aan het Srishti
Institute of Art, Design and Technology en Experimenta India runt.
Shai Heredia is a filmmaker and curator. She studied at St. Xaviers College, Mumbai and Goldsmiths College, London. In 2003, she founded Experimenta, the international festival for experimental cinema in India. She has curated experimental film programs at film festivals and art venues
worldwide, including the Berlinale, Germany and the Tate Modern, London. Her film I Am Micro,
(2012) co-directed with Shumona Goel, was screened at the international film festivals of Toronto,
London and Rotterdam – and L’Âge d’Or in 2014. The film received critical acclaim and won a National Award from the Government of India. Heredia & Goel’s’s latest film An Old Dog’s Diary (2015),
won the Best Short Film award at the BFI London International Film Festival, and is currently being screened at festivals worldwide. As an arts grantmaker with the India Foundation for the Arts
(2006-2011), Heredia set up the curatorship and arts practice grant programmes. Heredia is currently based in Bangalore, India where she teaches at the Srishti Institute of Art, Design and Technology and runs Experimenta India.
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20
INTERNATIONAL JURY
YOUNG JURY
MARK TOSCANO
En 2016, le festival crée un nouveau prix, le YOUNG JURY PRIZE (1 000 €). Ce prix sera décerné à un
des films de la compétition de l’Âge d’Or par un jury d’étudiants issus des écoles d’art bruxelloises.
De cette manière, le festival entend favoriser la rencontre entre des artistes en devenir et une création cinématographique actuelle et audacieuse dont il se veut aujourd’hui le reflet. En plus del’attribution de ce prix, les jurés interviendront comme ambassadeurs du festival dans le cadre du projet ABCinema : une initiative soutenue par le programme Creative Europe de l’Union européenne.
Mark Toscano travaille depuis 2003 à l’Academy Film Archive à Los Angeles, où il est spécialisé
dans la programmation, la conservation et la préservation de films d’artistes. Il opère à partir des
collections de plus de cent cinéastes, et a supervisé la conservation et la préservation de centaines
de films, dont ceux de Stan Brakhage, Gus Van Sant, Pat O’Neill, et de nombreux autres. Il a programmé et présenté différents programmes, notamment au MoMa (New York), à Arsenal (Berlin), à
la Tate Modern (Londres), et dans de nombreux festivals, comme Rotterdam, Londres, Oberhausen
et Zagreb. Il est également programmateur et membre du conseil d’administration du Los Angeles
Filmforum. Il a donné des conférences sur le cinéma expérimental et sa conservation dans différentes universités, et enseigne l’histoire du cinéma expérimental d’animation à CalArts (Los Angeles).
Sinds 2003 werkt Mark Toscano in het Academy Film Archive in Los Angeles, waar hij gespecialiseerd is in het programmeren, conserveren en preserveren van kunstenaarsfilms.
Hij werkt met de collecties van meer dan 100 filmmakers en had de supervisie over de conservering en preservering van honderden films, waaronder werk van Stan Brakhage, Chick
Strand, Tacita Dean, Penelope Spheeris, de Whitney brothers, Gus Van Sant, Pat O’Neill
en vele anderen. Hij heeft op tal van locaties programma’s met archiefmateriaal samengesteld en gepresenteerd, waaronder MoMA, Arsenal en Tate Modern en op festivals in
Rotterdam, Londen, Oberhausen en Zagreb. Toscano is programmator en bestuurslid van
het Los Angeles Filmforum, dat experimentele cinema toont. Hij gaf lezingen aan tal van
universiteiten over experimentele film en archivering en doceert geschiedenis van de experimentele animatiefilm aan CalArts in LA.
Since 2003, Mark Toscano has worked at the Academy Film Archive in Los Angeles, where he specializes in the curation, conservation, and preservation of artists’ films. He works with the collections of over 100 filmmakers, and has overseen the conservation and preservation of hundreds of
films, including work by Stan Brakhage, Chick Strand, Tacita Dean, Penelope Spheeris, the Whitney Brothers, Gus Van Sant, Pat O’Neill, and many others. He has curated and presented programs
of archival work at numerous venues, including MoMA, Arsenal, Tate Modern, and festivals in Rotterdam, London, Oberhausen, Zagreb, and elsewhere. He is a programmer and board member of
Los Angeles Filmforum, an experimental cinema exhibitor. He has lectured at various universities
on experimental film and archiving, and teaches the History of Experimental Animation at CalArts.
Le YOUNG JURY 2016 se compose de Lola Biard (étudiante en BAC2 à l’ERG), Mierien Coppens
(étudiant en master Cinéma à la LUCA School of Arts), Vinnie De Craim (bachelier en Cinéma de fiction au RITCS), Maxime Jean-Baptiste (étudiant en BAC3 à l’ERG), Jean Tertain (étudiant en master
Vidéo à l’ERG). En 2017, les jeunes jurés se verront également offrir une carte blanche à CINEMATEK.
In 2016 creëert het festival een nieuwe prijs, de YOUNG JURY PRIZE (€ 1 000). Een jury
van studenten aan Brusselse kunstscholen reikt deze prijs uit aan een film uit de Âge d’Or
2016-competitie. Hij wil de ontmoeting tussen opkomende kunstenaars bevorderen en
actuele en gedurfde films ondersteunen, wat precies ook de doelstelling van het festival
is. Naast hun deelname aan deze prijs, interveniëren de juryleden ook als ambassadeurs
van het festival in het kader van het ABCinema-project. ABCinema is een Europees initiatief dat wordt ondersteund door het Creatief Europa-programma van de Europese Unie.
De YOUNG JURY 2016 bestaat uit Lola Biard, studente BAC2 aan ERG; Mierien Coppens,
masterstudent Film aan LUCA School of Arts; Vinnie De Craim, bachelorstudent Film aan
het RITCS; Jean Tertain, masterstudent Video aan ERG; en Maxime Jean-Baptiste, student
BAC3 aan ERG. In 2017 krijgen de jonge juryleden ook een carte blanche bij CINEMATEK.
In 2016, the festival creates a new prize, the YOUNG JURY PRIZE (€ 1 000). A jury consisting of
students from Brussels art schools will award this prize to a film from the 2016 Âge d’Or competition. As such, it aims to encourage upcoming artists to meet each other and to support contemporary and bold filmmaking, which today is precisely the festival’s goal. In addition to their participation in this award, jury members will also intervene as ambassadors of the festival in the context of
the ABCinema project. ABCinema is a European initiative supported by the European Union’s Creative Europe programme.
The YOUNG JURY 2016 consists of Lola Biard, student in BAC2 at ERG; Mierien Coppens, master’s student in Film at LUCA School of Arts; Vinnie De Craim, bachelor’s student in Film at RITCS;
Jean Tertain, master’s student in Video at ERG; and Maxime Jean-Baptiste, student in BAC3 at
ERG. In 2017, the young jurors will also be offered a carte blanche at CINEMATEK.
In partnership with
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INTERNATIONAL JURY
L'Âge d'Or, Luis Buñuel 1930
ÂGE D’OR
La compétition de l’Âge d’Or est créée pour mettre en valeur des films produits au cours de ces
trois dernières années. Vingt-deux films sélectionnés sans distinction de genre ou de durée qui,
sans tomber dans le formalisme et en étant en prise avec des réalités ou des imaginaires singuliers,
explorent de nouvelles voies d’expression s’écartant des conformismes cinématographiques. Deux
Prix seront attribués pour soutenir les cinéastes dans leur travail : le Prix de l’ÂGE D’OR (5 000 €)
décerné par le Jury international ainsi que le YOUNG JURY PRIZE (1 000 €)
De Âge d’Or-competitie wil recente films - gemaakt in de laatste drie jaar – tot hun recht
laten komen. De 22 films, allen innig verstrengeld met bijzondere reële en imaginaire denkbeelden en gekozen zonder onderscheid te maken op basis van genre of duur, verkennen
nieuwe stijlen die afwijken van het cinematografisch conformisme zonder daarom te vervallen in een formalistische aanpak. De twee prijzen worden uitgereikt om cineasten te
steunen in de verdere ontwikkeling van hun werk: de ÂGE D’OR prijs (€ 5.000), toegekend
door de internationale jury, en de YOUNG JURY PRIZE (€ 1.000).
The Âge d’Or competition was created to validate films produced during the last three years. Twentytwo films selected without genre or duration distinctions, which avoid falling into formalism and are
engaged with singular realities or imaginaries, explore new routes of expression whilst departing from
cinematographic conventions. Two prizes will be given to support the filmmakers in their work: the
ÂGE D’OR Prize (€ 5,000) awarded by the international jury, and the YOUNG JURY PRIZE (€ 1,000).
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FILMS IN COMPETITION Âge d’Or A Window is a Mirror is a Window / Peter Roehsler, Austria 2014 – 2’
50
Bird / Margaret Salmon, UK 2016 – 4’
41
Cathode Garden / Janie Geiser, USA 2015 – 8’
39
DROGA / Miko Revereza, Philippines-USA 2014 – 8’
43
Ears, Nose and Throat / Kevin Jerome Everson, USA 2016 – 10’
45
Felis catus / Vivienne Dick, UK 2016 – 6’
30
Gasometers 3 / Nicky Hamlyn, UK 2015 – 14’
33
Haus und All (House and Universe) / Antoinette Zwirchmayr, Austria 2015 – 4’
50
Host, The / Miranda Pennel, UK 2015 – 59’ 29
Line of Apsides / Julie Murray, USA 2006-2014 – 12’
49
Masked Monkeys, The / Anja Dornieden & Juan David Gonzáles Monroy,
Germany-Indonesia 2015 – 30’ 35
Papagaio (Djambi) / João Maria Gusmão & Pedro Paiva, Portugal 2014 – 43’
47
Peacock, The / Andrew Kim, USA 2015 – 12’
42
Personne / Christoph Girardet & Matthias Müller, Germany 2016 – 15’
45
Prima Materia / Charlotte Pryce, USA 2015 – 3’
48
Scales in the Spectrum of Space / Fern Silva, USA 2015 – 7’
44
Second Sun / Leslie Supnet, Canada 2014 – 3’
40
Silence of Ani, The / Francis Alÿs, Turkey 2015 – 13’
36
Something Between Us / Jodie Mack, USA 2015 – 10’
40
There is a Happy Land Further Awaay / Ben Rivers, UK 2015 – 20’
46
Vivir para vivir / Live To Live / Laida Lertxundi, Spain-USA 2015 – 11’
51
Wunderschön und ruhig gelegen (In a Beautiful and Quiet Location) /
Lukas Marxt & Jakub Vrba, Austria 2015 – 13’
53
Impatience, Charles Dekeukeleire 1928
IMPATIENCE
Baptisé en écho à l’oeuvre éponyme de Charles Dekeukeleire, la compétition Impatience a pour ambition de révéler les cinéastes à l’aube de leur parcours cinématographique. Le Prix IMPATIENCE
d’une valeur de 2 500 € sera décerné par le Jury international à un premier ou deuxième film d’un
jeune cinéaste qui questionne le langage cinématographique de manière personnelle et originale,
développant un point de vue singulier sur le monde.
In navolging van de gelijknamige film van Charles Dekeukeleire zal de IMPATIENCE-prijs
ter waarde van € 2.500 door de internationale jury worden toegekend aan een eerste of
tweede film van een jonge filmmaker/maakster die het medium film op een persoonlijke
en originele manier benadert en die tegelijk een subjectieve en unieke kijk heeft op het
gekozen onderwerp.
Taking its cue from Charles Dekeukeleire’s film of the same name, the Impatience Competition aims
to reveal filmmakers at the dawn of their cinematic careers. The IMPATIENCE prize, worth € 2,500,
will reward the film of a young filmmaker (first or second film) that questions the medium in a personal and original way and develops a unique perspective on the world.
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FILMS IN COMPETITION IMPATIENCE
Aqui estamos agora (Here We Are Now) / Mieriën Coppens, Belgium 2014 – 14’
32
Archipels, granites dénudés / Daphné Hérétakis, France-Greece 2014 – 25’
32
Footage / Minjung Kim, South Korea-USA 2015 – 3’
38
If I Were any Further Away I’d Be Closer to Home / Rajee Samarasinghe,
Sri Lanka-USA 2016 – 15’
35
Remembering the Pentagons / Azadeh Navai, USA-Iran 2015 – 23’
28
Sin Dios ni Santa Maria (Neither God nor Santa Maria)
/ Samuel M. Delgado & Helena Girón, Spain 2015 – 12’
34
Sweet Oranges / Nora Sweeney, USA 2014 – 18’
30
What I’m Not ? / Stefka Benisheva, Belgium 2015 – 3’
38
VEN / VRIJ / FRI
colour + b&w, 23’, 16 mm, v : ENG, sub : —
colour + b&w, 59’, DCP, v : ENG, sub : —
07.10 / 17:00
Un voyage contemplatif, à la fois lent et rythmé, au plus profond des mémoires d’enfance de la cinéaste Azadeh Navai (née
à Téhéran en 1985). Munie d’une ancienne caméra Bolex 16 mm
et d’un sténopé, la cinéaste retourne à Téhéran et Ispahan où les
perceptions et souvenirs des lieux, des senteurs et des émotions
lui servent à explorer un paysage profondément personnel. Elle se
demande : Quelle est la texture de la mémoire ? De quelle manière
le temps – la lumière, le vent, le souffle de l’histoire – imprime-til sa marque sur les monuments et images du passé ? Les convulsions de ces souvenirs sont perceptibles jusque dans le grain de
l’image cinématographique – kaléidoscopique dans la géométrie
de l’instabilité et des flux.
En enquêtant sur les liens de ses défunts parents avec la AngloIranian Oil Company (la future BP), la cinéaste tombe sur les lettres d’un géologue pétrolier actif en Iran dans les années 1930 qui
allait ensuite consacrer ses recherches aux origines de la « civilisation ». Mais le film définit son propre champ d’investigation
en cherchant à déchiffrer les signes des images fragmentaires
enfouies dans les archives de BP. Ce voyage dans les images du
passé tisse des histoires tirées, d’une part, d’une mémoire personnelle, d’autre part, de l’histoire officielle d’un empire et, graduellement, construit le puzzle d’une rencontre coloniale au XXe
siècle. The Host touche aux histoires que nous nous racontons
nous-mêmes et que nous racontons aux autres, aux faits et aux
fictions par lesquelles nous vivons – et à leurs conséquences.
LEDOUX
IMPATIENCE AZADEH NAVAI, USA-IRAN 2015
COMPETITION #1 – 82’
Een langzame, ritmische en contemplatieve reis naar
de vroegste jeugdherinneringen van filmmaker Azadeh
Navai (Teheran, 1985). Met een oude 16mm-Bolex en een
handgemaakte gaatjescamera keert Navai terug naar de
Iraanse steden Teheran en Esfahan, waar de percepties
en herinneringen van plaatsen, emoties en geuren dienen als instrumenten waarmee een diep persoonlijk landschap wordt blootgelegd. Navai vraagt: wat is de textuur
van het geheugen? Op welke manieren weegt de tijd –
het licht, de wind en de lucht van de geschiedenis – op de
monumenten en de beelden van het verleden? De stuiptrekkingen van de herinnering zijn zelfs te zien in de verschuivende korrels van het filmbeeld, caleidoscopisch in
hun geometrie van instabiliteit en flux.
A slow, rhythmic and contemplative journey into filmmaker
Azadeh Navai’s (Tehran, 1985) earliest childhood memories. With
an old 16mm Bolex and a hand-made pinhole camera, Navai returns to Tehran and Esfahan, Iran, where the perceptions and
recollections of places, emotions, and scents serve as vehicles
through which she exposes a deeply personal landscape. She
asks – what is the texture of memory? In what ways does time
– the light, wind, and air of history – wear upon the monuments
and the images of the past ? The convulsions of recollection are
perceptible even in the shifting grains of the film image – kaleidoscopic in their geometries of instability and flux.
THE HOST Âge d’Or 29
REMEMBERING THE PENTAGONS MIRANDA PENNELL, UK 2015
Tijdens het onderzoek naar de betrokkenheid van haar
overleden ouders bij de Anglo-Iranian Oil Company (vandaag BP) stuit de filmmaakster op de brieven van een petroliumgeoloog in het Iran van de jaren 1930, die later een
zoektocht zou starten naar de oorsprong van de ‘beschaving’. De film gaat op eigen onderzoek uit om de gefragmenteerde beelden die begraven zijn in het BP-archief
te ontcijferen. Deze reis door beelden uit het verleden
verweeft verhalen uit de persoonlijke herinnering en archiefstukken van een imperiale geschiedenis en bouwt
geleidelijk een beeld van een twintigste-eeuwse koloniale ontmoeting. The Host gaat over de verhalen die we
over onszelf en anderen vertellen, over de feiten en ficties waarmee we leven – en hun gevolgen.
While investigating her late parents’ involvement with the AngloIranian Oil Company (BP) the filmmaker comes across the letters
of a petroleum geologist in Iran in the 1930’s, who would later embark on a search for the origins of “ civilisation ”. The film sets out
on its own exploration, to decipher signs from the fragmented
images buried in the BP archive. This journey through images of
the past interweaves stories drawn from both personal memory
and from the records of an imperial history, and gradually builds
a picture of a 20th century colonial encounter. The Host is about
the stories we tell about ourselves and others, the facts and fictions we live by – and their consequences.
28
SAM / ZAT / SAT
colour, 6’, HD video, v : ENG, sub : —
08.10 / 17:00
Un petit film à propos d’un chat domestique, qui propose également un point de vue sur l’homo sapiens, le plus prédateur et destructeur des tous les animaux sur Terre.
LEDOUX
Âge d’Or VIVIENNE DICK, UK 2016
Een kortfilm over een huiskat, die ook een commentaar
is op de homo sapiens, het meest roofzuchtige en destructieve dier op aarde.
A short film about a domestic cat which also comments on homo
sapiens, the most predatory and destructive animal on earth.
SWEET ORANGES IMPATIENCE NORA SWEENEY, USA 2014
colour, 18’, 16 mm, v : SPANISH, sub : ENG
« En route vers l’Ouest, j’explore les chemins de traverse de la
Route 126 en Californie, trouvant, en route, des petites villes historiques, des fermes, et des voies ferrées nichées entre montagnes
et vergers – un paysage qui évoque le rêve du passé californien.
Un paysage qui ressemble à ce que les travailleurs immigrés ont
pu découvrir lors de leur arrivée dans les années trente, une terre
fertile où tout semblait possible. Aujourd’hui, l’immigration continue. Dans une orangeraie, j’ai rencontré Jaime, Blanca et Hugo,
une collectivité de cueilleurs d’oranges venus de Michoacán
(Mexique), qui ont partagé avec moi leurs chansons, leurs rêves,
leurs espoirs, et leurs points de vue sur le travail. » (Nora Sweeney)
“ Westwaarts rijdend, weg van huis, verken ik de weggetjes van de California State Route 126, en kom terecht in
kleine, historische stadjes, boerderijen en spoorlijnen die
half verscholen liggen tussen de bergen en boomgaarden. Een landschap dat een droom oproept van Californiës verleden. Het lijkt op wat migrerende werknemers
misschien voor ogen hadden toen ze in de jaren 1930, op
zoek naar werk, westwaarts reisden: het heldere, vruchtbare beloofde land. Die migratie gaat verder. In een sinaasappelgaard ontmoet ik Jaime, Blanca en Hugo, een
groep sinaasappelplukkers uit Michoacán in Mexico, die
met mij hun liederen delen – en hun dromen, verlangens
en ideeën over werk. ” (Nora Sweeney)
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FELIS CATUS “ Heading west from my house, I explore the back roads off of
California State Route 126, finding small, historic towns, farms,
and railway tracks nestled between mountains and orchards - a
landscape that evokes a dream of California’s past. It resembles
what migrant workers might have envisioned when traveling west
in search of work in the 1930s, a vibrant, fertile promised land. This
migration continues. In an orange grove, I meet Jaime, Blanca,
and Hugo, a group of orange pickers from Michoacán, Mexico,
who share with me their songs, dreams, aspirations, and thoughts
about work. ” (Nora Sweeney)
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IMPATIENCE DAPHNé HéRéTAKIS, FRANCE–GREECE 2014
colour, 25’, DCP, v : FR-GREEK, sub : ENG
Athènes 2014. Entre désirs endeuillés et espoirs perdus, un journal
intime se cogne contre les murs de la ville. Le quotidien d’un pays
en crise, l’inertie de la révolution, les questions individuelles qui
se confrontent au politique, la survie qui se confronte aux idéaux.
Pouvons-nous encore poser les questions les plus simples ?
Athene 2014. Tussen gestorven verlangens en verloren hoop in beukt een filmdagboek tegen de muren van
de stad. Het dagelijks leven van een land in crisis, de
traagheid van de revolutie, individuele tegenover politieke kwesties, de vraag van overleven tegenover idealen. Kunnen we de simpelste vragen nog steeds stellen?
Athens 2014. Between bereaved desires and lost hopes, a film diary bangs against the walls of the city. The daily life of a country
in crisis, the inertia of revolution, the individual issues that confront the political, questions of survival that confront ideals. Can
we still ask the simplest questions ?
HERE WE ARE NOW
(AQUI ESTAMOS AGORA) IMPATIENCE COMPETITION #2 – 77’
MIERIËN COPPENS, BELGIUM 2014
colour, 14’, Digital File, v : PORTUGUESE, sub : ENG
Deux frères passent le temps sur un terrain de football. Une traduction méticuleuse de l’ennui.
Twee broers brengen hun dag op een voetbalveld door.
Een nauwgezette vertaling van verveling.
Two brothers spend their day on a football field. A careful translation of boredom.
GASOMETER 3 Âge d’Or NICKY HAMLYN, UK 2015
colour + b&w, 14’, 16 mm, v : SILENT
Le second essai d’une série d’études sur d’anciens gazomètres
situés dans le nord de Londres. Les gazomètres ont servi à stocker
le gaz issu des gisements locaux de charbon, et sont tombés en
désuétude lors du déclin du gaz de la mer du Nord et du développement des pipelines destinés à acheminer ce combustible depuis
la Norvège et la Russie. Ce film propose une permutation (non
exhaustive) de combinaisons entre le noir et blanc et la couleur,
le jour et la nuit, le champ et le contre-champ – sous la forme de
longues séquences en accéléré (time-lapse) filmées au cours de
toute une journée ou de toute une nuit.
De tweede film in een reeks studies over verouderde gashouders in Noord-Londen. De gashouders werden gebruikt om gas dat lokaal uit steenkool gewonnen werd op
te slaan maar zijn in onbruik geraakt door de teloorgang
van het Noordzeegas en de ontwikkeling van pijplijntechnologieën voor het verpompen van gas uit Noorwegen
en Rusland. De film is een onvolledige reeks permutaties
– met combinaties van kleur en zwart-wit, dag en nacht,
shot en tegenshot – in de vorm van time-lapse-sequenties
die een hele dag of een hele nacht beslaan.
The second in a series of studies of obsolete gas holders in North
London. The gasometers were used to store gas made locally from
coal but have fallen into disuse with the decline of North Sea gas
and the development of pipeline technologies for pumping gas
from Norway and Russia. The film is an incomplete set of permutations that combines the possible combinations of colour and
b&w, day and night, angle and reverse angle in the form of allday or all-night time lapse sequences.
ARCHIPELS, GRANITES DENUDéS SAM / ZAT / SAT
08.10 / 19:00
LEDOUX
Neither God nor Santa María
(SIN DIOS NI SANTA MARIA) IMPATIENCE 35
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SAMUEL M. DELGADO & HELENA GIRÓN, SPAIN 2015
colour, 12’, DCP, v : SPANISH, sub : ENG
Comme les avions n’existaient pas, les gens se déplaçaient en
priant, ils voyageaient d’un endroit à l’autre en veillant à rentrer
tôt, avant le coucher du soleil. D’anciens enregistrements de paroles de pasteurs parlent de l’existence de mythiques sorcières et
de leurs voyages. Dans la vie quotidienne d’une femme, la magie
de ses contes se matérialise alors que tombe la nuit. La nuit est
le moment où les voyages sont possibles.
Aangezien vliegtuigen niet bestonden, trokken mensen al
biddend rond, ze gingen van de ene plek naar de andere
en kwamen vroeg terug, nog voor zonsopgang. In oude
geluidsopnamen hebben de stemmen van predikanten
het over het mythische bestaan van heksen en hun reizen. In het dagelijks leven van een vrouw begint de magie van haar verhalen te materialiseren wanneer de avond
valt. De nacht is het moment waarop reizen mogelijk is.
Since airplanes did not exist, people moved around using prayers,
they went from one land to another and returned early, before
dawn. In old audio recordings, the voices of pastors speak of the
mythical existence of witches and their travels. In the daily life
of a woman the magic of her tales begins to materialise as night
falls. Night is the time when travel is possible.
IF I WERE ANY FURTHER AWAY
I’D BE CLOSER TO HOME IMPATIENCE RAJEE SAMARASINGHE, SRI LANKA-USA 2016
b&w, 15’, DCP, v : SILENT
Un film-poème muet qui reflète le lieu de naissance de ma mère
et de ses premiers pas sur Terre. Le portrait « intergénérationnel »
d’artisans du Sud de l’Asie, qui se déploie comme un voyage dans
la mémoire, l’expérience, et le touché.
Een stil gedicht, een reflectie op de geboorteplaats van
mijn moeder en haar eerste sporen op aarde. Een portret
van Zuid-Aziatische ‘makers’, over de generaties heen,
wordt een perceptuele reis doorheen geheugen, ervaring en aanraking.
A silent poem reflecting on the place of my mother’s birth and
her first traces on earth. A generational portrait of South Asian
“ makers ” becomes a perceptual voyage into memory, experience, and touch.
THE MASKED MONKEYS Âge d’Or ANJA DORNIEDEN & JUAN DAVID GONZáLES MONROY, GERMANY-INDONESIA 2015
Les spectacles masqués d’Indonésie datent de plusieurs milliers
d’années. La croyance dit qu’ils proviennent d’un rite mortuaire
tribal, où les danseurs masqués étaient considérés comme les interprètes des dieux. Aux échelons les plus bas de la société javanaise, on trouve une manifestation unique de ces traditions, dont
la pratique est une performance et pas seulement un divertissement. Ces interprètes aspirent à être respectés, honorés et espèrent rencontrer le succès. Ils ont emprunté une voie qui doit les
faire accéder à un état supérieur et à une forme d’anoblissement.
b&w, 30’, 16 mm, v : ENG, sub : —
The masked arts of Indonesia are thousands of years old. They
are commonly referred to as wayang topeng (wayang: shadow or
puppet; topeng: mask). It is believed that wayang topeng originated from tribal death rites, where masked dancers were considered the interpreters of the gods. In the lowest rungs of Javanese society a unique manifestation of these masked traditions
can be found. Its practitioners are performers, but they are not
merely entertainers. Their aim is not simply to amuse. Their ambition is to be respected, to be honoured, to be successful. They
have embarked on a path they know will lead to a higher state, to
an honourable and noble position.
THE SILENCE OF ANI Âge d’Or FRANCIS ALŸS, TURKEY 2015
In collaboration with Antonio Fernández Ros, Julien Devaux, Félix Blume and The Teens of Kars
b&w, 13’, Digital File, v : NO DIALOGUE
Il y a bien longtemps, au Moyen-Âge, Ani était une ville très importante. On l’appelait « la ville aux 1001 clochers » et elle rivalisait en taille et en beauté avec Constantinople ou Jérusalem.
Mais, au XIe siècle, des guerriers Seljuk venus d’Asie centrale envahirent Ani. D’autres sièges, pillages et invasions allaient suivre.
Les habitants commencèrent à abandonner la ville, jusqu’à ce
qu’elle soit totalement déserte et que le silence y règne. Tout
ceci est arrivé il y a bien longtemps. Pourtant, n’est-il pas possible de faire mieux que le silence ? Aujourd’hui, chaque étudiant
reçoit une partition musicale et un instrument conçu pour imiter
le chant des oiseaux. Une fois à Ani, chacun d’eux se cache dans
les ruines et se met à appeler les oiseaux. Dans un premier temps
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quelques petits cris se font entendre, puis une mélodie prend
forme, à laquelle des nuées d’oiseaux font écho à travers la vallée,
jusqu’en Arménie. Et le chant se poursuivra jusqu’à l’épuisement,
jusqu’à ce que les oiseaux reviennent à Ani et que la vie reprenne
dans cette ville fantôme.
Ooit was Ani een van de belangrijkste middeleeuwse steden. Men noemde ze ‘de stad van de 1001 kerken’ en ze
concurreerde qua grootte en schoonheid met Constantinopel en Jeruzalem. Maar in de elfde eeuw vielen Seltsjoekse strijders, afkomstig uit Centraal-Azië, Ani binnen.
Belegeringen, plunderingen en meer invasies volgden...
Mensen begonnen de stad te verlaten, tot al het leven
verdwenen was en de stilte over Ani viel. Dit alles gebeurde vele jaren geleden… Maar kunnen we niets beters doen dan zwijgen? Vandaag krijgt elke student een
muziekpartituur en een instrument om vogels mee te imiteren. Een lokroep. Eenmaal in Ani toegekomen, zal iedereen zich in de ruïnes verbergen en de vogels beginnen lokken. Eerst doorbreken een paar kreten de stilte,
dan zal er een melodie aanzwellen – tot een koor van vogelgezang over de vallei zal echoën, helemaal tot in Armenië. En het zingen zal doorgaan tot aan de uitputting,
totdat de vogels opnieuw naar Ani terugkeren en het leven terugkeert naar de vergeten stad.
Once upon a time Ani was one of the most important cities of the
Middle Ages. People called it “ the city of the 1001 churches ” and it
competed in size and beauty with Constantinople and Jerusalem.
But in the eleventh century Seljuks warriors coming from Central
Asia invaded Ani. Sieges, sackings and more invasions followed...
People started abandoning the city until all life left and silence fell
into Ani. This all happened many years ago... Yet, can’t we do better than silence ? Today, each student will receive a musical score
and a instrument designed to imitate birds. A birdcall. Once in Ani
everyone will hide in the ruins and start calling the birds. At first
a few cries will interrupt the silence, then a melody will grow until a chorus of bird calls echo across the valley all the way to Armenia. And the singing will go on to the point of exhaustion, until
the birds return to Ani and life comes back to the forgotten city.
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De Indonesische maskerkunsten zijn duizenden jaren oud.
Er wordt gewoonlijk naar verwezen met wayang topeng
(wajang: schaduw of marionet; topeng: masker). Er wordt
aangenomen dat wayang topeng afkomstig is van tribale
doodsriten, waarbij gemaskerde dansers gezien werden
als de tolken van de goden. In de laagste rangen van de
Javaanse samenleving vind je een unieke manifestatie
van deze gemaskerde tradities. De beoefenaars zijn performers, maar het zijn niet louter entertainers, ze willen
niet slechts vermaken. Hun ambitie is om in acht genomen, geëerd te worden, succesvol te zijn. Ze zijn een pad
ingeslagen waarvan ze weten dat het zal leiden naar een
hogere staat, naar een eervolle en nobele positie.
WHAT I’M NOT ? DIM / ZON / SUN
colour, 3’, Digital file : v : ENG, sub : —
09.10 / 17:30
What I’m Not ? est une machine. Une machine à fabriquer des
gens, des objets, des situations qui ont échoué. What I’m Not ?
suggère une réalité qui semble être la réalité mais qui ne l’est pas.
LEDOUX
39
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IMPATIENCE STEFKA BENISHéVA, BELGIUM 2015
What I’m Not ? een machine. Ze produceert mensen,
voorwerpen en situaties die falen te bestaan. What I’m
Not ? suggereert een realiteit die eruit ziet als de realiteit maar het niet is.
FOOTAGE IMPATIENCE MINJUNG KIM, SOUTH KOREA-USA 2015
b&w, 3’, 16 mm, v : NO DIALOGUE
Les mensurations de notre corps traduites en mesures filmiques.
Dans le monde du 16 mm, 1 pied = 40 photogrammes, 1 seconde =
24 photogrammes, 100 pieds = 4000 photogrammes, 100 pieds
= 166,7 secondes.
De afmetingen van ons lichaam worden temporele maten op film. In de 16mm-wereld is 1 voet 40 frames, 1 seconde = 24 frames, 100 voet = 4.000 frames, 100 voet
= 166,7 seconden.
The physical length of our body turns into the temporal measurement on film. In the 16 mm world, 1 foot = 40 frames, 1 second = 24
frames, 100 ft = 4000 frames, 100 ft = 166.7 seconds.
CATHODE GARDEN Âge d’Or JANIE GEISER, USA 2015
colour, 8’, DCP, v : ENG, sub : —
Dans Cathode Garden, une jeune femme se meut entre lumière
et obscurité, entre la vie et la mort, en écho au mythe de Perséphone. Négatifs et photographies trouvés, illustrations anatomiques et botaniques, enveloppes abandonnées, anciens enregistrements amateurs s’organisent, s’entrechoquent et donnent
naissance à un monde au seuil de la perception.
In Cathode Garden beweegt een meisje zich tussen licht
en donker, tussen leven en dood: een verre echo van de
mythe van Persephone. Gevonden negatieven en foto’s,
botanische en anatomische illustraties, achtergelaten enveloppen en oude amateuropnames ordenen zichzelf opnieuw, instortend en opduikend in deze liminale wereld.
In Cathode Garden, a girl moves between light and dark, between
life and death, a distant echo of the myth of Persephone. Found
negatives and photographs, botanical and anatomical illustrations,
abandoned envelopes, and ancient home-made recordings reorder themselves, collapsing and emerging in this liminal world.
What I’m Not ? is a machine. It manufactures people, objects, situations that fail to exit. What I’m Not ? suggests reality that looks
like reality but is not.
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40
SECOND SUN Âge d’Or LESLIE SUPNET, CANADA 2014
colour, 3’, DCP, v : NO DIALOGUE
La montée du son des percussions souligne des éclairs de lumière,
des images du système solaire et l’évocation post-apocalyptique
de la naissance d’un second soleil.
The rising sound of drums emphasises flashes of lights, images
of the solar system and a post-apocalyptic imagining of the birth
of our second sun.
SOMETHING BETWEEN US Âge d’Or JODIE MACK, USA 2015
colour, 10’, 16 mm, v : NO DIALOGUE
Une étude chorégraphique pour colifichets scintillants : bijoux
et mystères naturels s’allient pour effectuer des pirouettes plastiques, dansant une complainte lumineuse jusqu’à ce que la marée
monte.
Een gechoreografeerde bewegingsstudie voor fonkelende snuisterijen: kostuumjuwelen en natuurwonderen
bundelen hun krachten om plastic pirouettes uit te voeren. Ze dansen een lumineuze klaagzang – tot de vloed
komt.
A choreographed motion study for twinkling trinkets: costume
jewellery and natural wonders join forces to perform plastic pirouettes, dancing a luminous lament until the tide comes in.
BIRD Âge d’Or MARGARET SALMON, UK 2016
colour, 4’, Digital File, v : ENG, sub : —
Riff visuel et sonore sur les films pionniers de la productrice-réalisatrice du Children’s Film Fund et ses premiers travaux pour la
série Secrets of Nature. Bird est destiné à tous les publics mais
s’adresse particulièrement aux enfants. Accompagné d’une bande
sonore de Matthew Herbert, célèbre compositeur de musique
électronique, Bird traite autant de l’observation et de l’environnement, que d’éducation et de la position du spectateur, invitant le
public à réfléchir à la manière dont les outils cinématographiques
– caméra, optique, couleur, mouvement, voix, son – rehaussent
et humanisent notre interprétation de la nature.
Een visuele en auditieve riff op de baanbrekende films van
producer/regisseur Mary Field van het Children’s Film
Fund en haar vroege werk voor de zwart-witreeks Secrets of Nature (1922-1933). De film is bestemd voor een
breed publiek maar richt zich in het bijzonder op kinderen. Bird, met muziek van de invloedrijke elektronische
muzikant Matthew Herbert, gaat evengoed over waarneming en milieu als over educatie en de toeschouwer.
Het publiek wordt uitgenodigd om na te denken over de
manier waarop filmische instrumenten – camera, lens,
kleur, beweging, stem, geluid – onze interpretatie van
de natuur intensifiëren en humaniseren.
A visual and aural riff on the pioneering films of the Children’s
Film Fund producer/director Mary Field and her early work for
the Secrets of Nature series, Bird is aimed at general audiences
with a particular focus on children. With a score by the influential electronic music composer Matthew Herbert, Bird is as much
about observation and environment as education and spectatorship, inviting audiences to consider the ways in which cinematic
tools – camera, lens, colour, movement, voice, sound – heighten
and humanise our interpretation of the natural world.
Het aanzwellende geluid van drums benadrukt lichtflitsen, beelden van het zonnestelsel en een post-apocalyptisch fantasme van de geboorte van onze tweede zon.
DIM / ZON / SUN
Dans Blue Bird, l’oiseau du titre, « avec une teinte de rouge sur
le flanc », est perché dans un arbre parmi d’autres oiseaux, gris,
et commence à les plumer un à un, avant d’appliquer les plumes
sur le tronc et les branches « avec la colle du sol », jusqu’à ce que
celui-ci devienne « comme du velours », et que les oiseaux nus,
roses plutôt que gris, se blottissent au pied de l’arbre…
09.10 / 19:00
In Blue Bird, the beautiful blue bird of the title, “ with a bit of red
on one side ”, lands amongst a flock of dowdy grey birds in a tree
and proceeds to pluck their feathers one by one, applying them,
“ with some glue from the ground ”, to the trunk and branches of
the tree until it becomes “ like velvet ” and the naked birds now
pink rather than grey huddle at the foot of the tree…
THE PEACOCK Âge d’Or ANDREW KIM, USA 2015
colour, 12’, 16 mm, v : SILENT
Une méditation sur notre condition de mortels […] « Le paon peint
sur la vitre, jamais ne dansera ou ne parlera. Seul le paon qui vit
dans la forêt parle, danse, et se déplace avec élégance » (chanson
traditionnelle du Gujarat).
colour, 4’, DCP, v : ENG, sub : —
In Blue Bird landt de mooie blauwe vogel uit de titel, ‘met
een beetje rood aan de ene kant’, in een boom tussen een
zwerm slonzige grijze vogels. Hij begint hun veren één
voor één uit te trekken en ‘met wat lijm van de grond’ op
de stam en de takken van de boom te kleven totdat hij ‘als
fluweel’ wordt en de naakte vogels (nu roze in plaats van
grijs) samenscharen aan de voet van de boom…
Een meditatie op onze fantastische staat van sterfelijkheid en vergankelijkheid... ‘De op het raam geschilderde
pauw zal nooit dansen of spreken. Het is slechts de pauw
die in het bos leefde die zacht sprak, danste en liep.’ (folk
lied uit Gujarat)
A meditation on our fantastic condition of mortality and impermanence… “ The peacock painted on the window will never dance
or speak. It is only the peacock that lived in the forest which used
to speak, dance, and walk in a sweet manner ” (folk song from
Gujarat).
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NOT IN COMPETITION LAURE PROUVOST, UK 2002
LEDOUX
A DISTANT EPISODE NOT IN COMPETITION BEN RIVERS, UK 2015
b&w, 18’, DCP, v : NO DIALOGUE
Une méditation sur l’illusion de faire des films, tournée dans
les coulisses d’un autre film en train de se faire sur les plages
« irréelles » de Sidi Ifni, au Maroc. On y voit d’étranges activités,
sans commentaire ni dialogues. Comme un fragment de film, déterré dans un futur lointain, qui dépeint un monde halluciné dans
un noir et blanc nébuleux.
Een meditatie op de illusie van filmmaken. Terwijl een
film gedraaid wordt over de etherische stranden van Sidi
Ifni in Marokko, wordt achter de schermen een andere
film opgenomen. A Distant Episode toont vreemde activiteiten, zonder commentaar of dialoog. Hij is als een
filmfragment, opgegraven uit een verre toekomst – een
wazige, zwart-witte, hallucinogene wereld.
A meditation on the illusion of filmmaking, shot behind-the-scenes
on a film being made on the otherworldly beaches of Sidi Ifni,
Morocco. The film depicts strange activities, with no commentary
or dialogue ; it appears as a fragment of film, dug up in a distant
future – a hazy, black and white, hallucinogenic world.
DROGA Âge d’Or MIKO REVEREZA, PHILIPPINES-USA 2014
Un film amateur en Super 8 sur les paysages de Los Angeles vus
par des immigrants philippins qui questionne l’identité culturelle
en documentant les croisements entre la culture pop américaine
et les traditions philippines.
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BLUE BIRD A Super 8 tourist film about the Los Angeles landscape through
the lens of Filipino immigrants, examining cultural identity by documenting the intersections of American pop culture and Filipino
traditions.
SCALES IN THE SPECTRUM
OF SPACE Âge d’Or FERN SILVA, USA 2015
colour + b&w, 7’, DCP, v : NO DIALOGUE
Sur commande du Chicago Film Archive, et réalisé en collaboration avec le musicien de jazz Phil Cohran, Scales in the Spectrum of Space explore les documents de la vie urbaine et de
l’architecture à Chicago. À partir de 70 heures de matière issue
de trente films différents, Scales offre un point de vue sur le pouls
qui anime la métropole du Midwest.
In opdracht van het Chicago Film Archive en in samenwerking met jazzmuzikant Phil Cohran onderzoekt Scales in the Spectrum of Space de gedocumenteerde geschiedenis van stadsleven en architectuur in Chicago.
Gefilterd uit 70 uur beeldmateriaal uit 30 verschillende
films, neemt Scales de pols van de Midwest-metropool.
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Een toeristische Super 8-film over het landschap van
Los Angeles gezien door Filippijnse immigranten, die
culturele identiteit onderzoekt door de snijpunten tussen Amerikaanse popcultuur en Filippijnse tradities te
documenteren.
EARS, NOSE AND THROAT Âge d’Or KEVIN JEROME EVERSON, USA 2016
colour + b&w, 10’, Digital file, v : ENG, sub : —
Pendant un examen chez l’oto-rhino, une femme raconte un
événement horrible dont elle a été témoin.
Tijdens een neus-, keel- en orenonderzoek vertelt een
vrouw over een afschuwelijke gebeurtenis.
During an ears, nose and throat examination, a woman recounts
a horrible event.
PERSONNE Âge d’Or CHRISTOPH GIRARDET &
MATTHIAS MÜLLER, GERMANY 2016
colour + b&w, 15’, DCP, v : NO DIALOGUE
Personne – c’est quelqu’un, personne, tout le monde. C’est Nous
pris dans le cours du temps. Constamment, en vain. Le Moi est le
besoin permanent de s’affirmer.
Personne – dat is iemand, niemand, eender wie. Dat zijn
wij in de loop der tijd. Aanhoudend, tevergeefs. Het zelf,
dat is de behoefte aan permanente zelfbevestiging.
Personne – this is somebody, nobody, anyone. This is us in the
course of time. Persistently, in vain. The self is the need for permanent self-assertion.
Commissioned by the Chicago Film Archive and in collaboration
with jazz musician Phil Cohran, Scales in the Spectrum of Space
explores the documented histories of urban life and architecture
in Chicago. Culled from 70 hours of footage and incorporating
30 different films, Scales weighs in on the pulse of the midwest
metropolis.
LUN / MAA / MON
10.10 / 17:00
LEDOUX
PAPAGAIO (DJAMBI) colour + b&w, 20’, DCP , v : ENG, sub : —
Le film aborde les paysages de l’archipel volcanique de la République de Vanuatu, avant sa destruction par le cyclone Pam au
début de 2015 – devenant ainsi une sorte de document hanté
d’un écosystème aujourd’hui irrévocablement détruit. Une voix
féminine hésitante lit, en trébuchant sur les mots, un poème de
Henri Michaux à propos d’une vie vécue dans un pays lointain.
Des images de volcans en activité sur l’île, des débris sous-marins de la Deuxième Guerre mondiale, des enfants qui jouent, des
épaves de bateaux se transforment, à l’autre bout du monde, en
souvenirs numériques intangibles du lieu. Les images d’une terre
érodée entrent en résonnance avec un film lui-même érodé – tandis que sur la mer une silhouette solitaire dérive sur son bateau.
Tourné à Sao Tomé-et-Principe (un petit archipel lusophone du
golfe de Guinée), le film témoigne d’un rite vaudou africain connu
localement sous le nom de djambi. En état d’ébriété, les participants dansent et entrent dans un état de transe qui leur permet
de communiquer avec les esprits des morts. Les cinéastes présentent ce rituel sans autre montage que la succession des bobines
de 30 m de leur caméra Bolex (chaque plan est un plan-séquence).
Recourant à un style documentaire, caméra à l’épaule, les artistes
finissent par associer activement les participants à la transe à la
seconde moitié du tournage en leur confiant la caméra.
BEN RIVERS, UK 2015
De film legt de landschappen vast van de Republiek Vanuatu, een verafgelegen vulkanische archipel, voordat
ze begin 2015 verwoest werden door de cycloon Pam.
Zo worden de beelden een spookachtig document van
een ecosysteem dat vandaag onherroepelijk veranderd
is. Een aarzelende vrouwelijke stem leest, vol haperingen
en vergissingen, een gedicht van Henri Michaux dat het
leven in een ver land verhaalt. Beelden van het eiland –
actieve vulkanen, onderwaterpuin uit WO II, spelende
kinderen, vernielde boten – transformeren tot ontastbare digitale herinneringen aan het eiland, gemaakt aan
de andere kant van de wereld. Beelden van het geërodeerde land versmelten met eroderende pellicule, een
eenzame figuur op een boot drijft rond op zee.
The film captures the landscapes of the remote volcanic Republic
of Vanuatu archipelago, before they were devastated by Cyclone
Pam in early 2015, the footage becoming a ghostly document of
an ecosystem now irrevocably altered. A hesitant female voice
reads a poem by Henri Michaux, recounting a life lived in a distant
land, full of faltering and mistakes. Island imagery of active volcanoes, underwater WW2 debris, children playing, and wrecked
boats transform into intangible digital recollections of the island,
made on the opposite side of the world. Images of the eroded
land merge with eroding film, a lone figure on a boat drifts at sea.
Âge d’Or 47
THERE IS A HAPPY LAND
FURTHER AWAAY Âge d’Or JOÃO MARIA GUSMÃO &
PEDRO PAIVA, PORTUGAL 2014
De film, gedraaid op São Tomé en Príncipe, een Portugees-sprekende eiland-natie voor de westkust van Centraal-Afrika, laat een West-Afrikaanse voodoo-ritueel zien
dat plaatselijk bekend staat als Djambi. Dronken deelnemers dansen en raken in een trance waarin de geesten van de doden worden opgeroepen. Gusmao en Paiva
presenteren het ritueel zonder enige bewerking of montage, er is slechts de volgorde van de opgenomen filmrollen; elke opname beslaat een Bolex-negatiefspoel van
30 meter, van begin tot einde. De kunstenaars filmen uit
de hand, in documentaire stijl, en betrekken de tranceperformers ook bij het filmen, Ten slotte delen ze de camera met de performers.
Shot in São Tomé and Príncipe (a Portuguese speaking Island nation off the western coast of Central Africa), the film bears witness to a West African voodoo ritual, known locally as Djambi.
Whilst intoxicated, the participants dance and enter a state of
trance in which they channel the spirits of the dead. Gusmao and
Paiva present the ritual without any editing, apart from the sequencing of the reels; each shot is a single one, running from the
beginning until the end of a 30 meter Bolex negative reel. Using
a documentary style of handheld camera, the artists engage the
trance performers within the latter’s stage, and then share the
camera with the performers.
46
LUN / MAA / MON
10.10 / 19:00
Dans ce film commencé en 2006 à la Film Farm (résidence pour
cinéastes expérimentaux dans l’Ontario, au Canada) et enrichi de
nouvelles images, les objets – vivants et inertes – sont examinés
à la fois à travers le viseur de la caméra et à travers un microscope. Des chèvres furent interviewées chaque jour et les pensées
traduites en lumière à peu près dans l’ordre où elles apparurent.
JULIE MURRAY, USA 2006-2014
LEDOUX
PRIMA MATERIA Âge d’Or CHARLOTTE PRYCE, USA 2015
De délicates lignes d’énergie partent en spirale et se transforment en cellules microscopiques de poussière d’or : telles sont
les particules lumineuses du rêve de l’alchimiste. Inspiré par les
obsédants émerveillements de De rerum natura [De la nature] de
Lucrèce, un film-hommage et une tentative d’enregistrement photographique du caractère extraordinaire de phénomènes cachés
juste au-delà de l’étendue de la vision humaine.
Âge d’Or 49
LINE OF APSIDES Delicate energiedraden vormen een spiraal en transformeren tot mysterieuze microscopische cellen van gouden stof: dit zijn de lichtende deeltjes van de droom van
de alchemist. Prima Materia is geïnspireerd op Lucretius’ beklijvende verwondering, zijn enige boek: De Rerum Natura. Het is een eerbetoon aan de eerste, aarzelende fotografische opnames, die de uitzonderlijke natuur
lieten zien van fenomenen die zich net buiten de menselijke visie schuilhouden.
Delicate threads of energy spiral and transform into mysterious
microscopic cells of golden dust: these are the luminous particles
of the alchemist’s dream. Prima Materia is inspired by the haunting wonderment of Lucretius’ De Rerum Natura. It is an homage
to the first, tentative photographic records that revealed the extraordinary nature of phenomena lurking just beyond the edge
of human vision.
Line of Apsides werd in 2006 gefilmd in de Film Farm in
de Canadese stad Ontario; daaraan werden in de loop der
tijd extra beelden toegevoegd. Geanimeerde en inerte
objecten werden door de zoeker van de camera en onder een microscoop onderzocht, en dagelijks werden ook
geiten geïnterviewd. Gedachten gevormd in licht, ongeveer in de volgorde waarin ze werden aangetroffen.
Filmed at the Film Farm, Ontario (Canada) in 2006 and added to
over time. Objects, animate and inert, were examined through
the viewfinder and under a microscope and goats were interviewed daily. Thoughts coaxed into light in roughly the order they
were encountered.
48
A WINDOW IS A MIRROR
IS A WINDOW Âge d’Or PETER ROEHSLER, AUSTRIA 2014
« Nous regardons une rue par la fenêtre d’un appartement du rezde-chaussée. Un enfant regarde dans notre direction mais ne nous
voit pas. La vitre se transforme en miroir dans le reflet duquel
l’enfant ajuste ses cheveux puis sa casquette… » (Toby Ashraf)
“ We turen naar de straat, door het raam van een gelijkvloers appartement. Een kind kijkt terug, maar ziet ons
niet. De vensterruit verandert in een spiegel waarin het
kind eerst zijn haar goed legt, dan zijn pet herschikt. [...]. ”
(Toby Ashraf)
51
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nement. Baigné de la lumière chaude du soleil mais subtilement
chargé de sentiments d’isolement et de vulnérabilité, le film propose un portrait onirique, presque halluciné, d’une personne dans
un état de transcendance. » (Julia Dossi)
“ De contemplatieve sereniteit die Antoinette Zwirchmayr
creëert staat in contrast met noties van onrust en onbehagen, veroorzaakt door het beeld van een slapende,
naakte jonge vrouw die afwisselend getoond wordt in
een bijna lege, heldere motelkamer en in het bloeiende
woestijnlandschap buiten. De slaapster wordt slechts in
fragmenten getoond en lijkt gelukzalig losgekoppeld van
haar omgeving. De film, doordrongen van warm zonlicht
maar vol subtiele associaties van isolement en kwetsbaarheid, presenteert een dromerige, bijna hallucinogene
portrettering van een persoon in een staat van transcendentie. ” (Julia Dossi)
“ The contemplative serenity Antoinette Zwirchmayr creates is
offset by notions of restlessness and unease that the image of a
dormant, naked young woman – alternatingly shown in a sparse,
bright motel room and the blooming desert landscape outside –
provide. Shown only in fragments, the sleeper seems blissfully
unconnected to her surroundings. Tinged in warm sunlight yet
subtly charged with associations of isolation and vulnerability,
the film presents a dreamlike, almost hallucinogenic portrayal of
a person in a state of transcendence. ” (Julia Dossi)
“ We peer out at the street through the window of a ground floor
apartment. A child looks back, but doesn´t see us. The windowpane turns into a mirror in which the child first adjusts his hair and
then his cap... ” (Toby Ashraf)
ANTOINETTE ZWIRCHMAYR, AUSTRIA 2015
« La sérénité contemplative qu’Antoinette Zwirchmayr met en
place est contrebalancée par une atmosphère de malaise et
d’inquiétude que procurent les images d’une jeune femme nue,
dormant tour à tour dans une chambre de motel lumineuse et au
milieu de la végétation clairsemée et des rochers d’un paysage
aride. Présente à l’écran uniquement via des apparitions éparses,
la dormeuse semble divinement déconnectée de son environ-
HOUSE AND UNIVERSE
(HAUS UND ALL) Âge d’Or 53
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IN A BEAUTIFUL AND QUIET LOCATION
(WUNDERSCHÖN UND
RUHIG GELEGEN) Âge d’Or LUKAS MARXT & JAKUB VRBA, AUSTRIA 2015
Jakub Vrba et Lukas Marxt se rendent dans le Nord-Ouest de la
Bohème. Jakub Vrba vient de là, Lukas Marxt n’y est jamais allé.
Leur film aborde un site marqué par les soubresauts de l’histoire
dont les transformations et les changements de souveraineté se
retrouvent profondément ancrés dans le paysage. Les deux ciné
astes traitent de ces enchevêtrements sensibles entre paysage
et histoire dans une œuvre expérimentale de terrain qui porte en
elle les idées de répétition, de tentative et d’échec.
Âge d’Or LAÏDA LERTXUNDI, USA-SPAIN 2015
Une certaine trajectoire de la dérive se dessine au sein des paysages de régions montagneuses peu peuplées ; des phénomènes
physiques tels que les battements de cœur ou l’orgasme se traduisent en images ; des motifs de sons et des couleurs ; jusqu’à
ce que l’horizon soit atteint.
Er wordt een soort van traject van verloren-zijn getrokken doorheen dunbevolkte berggebieden, terwijl fysieke
processen – van hartslag tot orgasme – beeld-, klank- en
kleurpatronen vormgeven, totdat de horizon bereikt is.
A certain trajectory of being lost is drawn across sparsely populated mountain regions, while physical processes from heartbeat to orgasm shape image, sound and color patterns until the
horizon is reached.
Jakub Vrba and Lukas Marxt travel to Northwest Bohemia. Jakub
Vrba comes from the area, Lukas Marxt has never been there.
Their film deals with a site of permanent change where historical
transformations and border shifts have been fiercely embedded
into the landscape. Together, Vrba and Marxt address the sitespecific sensitive entanglements between landscape and history
in a work where they also deal with the ideas of rehearsal, attempt
and failure in a process of experimental fieldwork.
VIVIR PARA VIVIR / LIVE TO LIVE Jakub Vrba en Lukas Marxt reizen naar Noordwest-Bohemen. Jakub Vrba komt uit die streek, maar Lukas Marxt is
er nog nooit geweest. De film gaat over een site van permanente verandering, waar de historische transformaties
en grensverschuivingen het landschap scherp getekend
hebben. Samen kaarten Vrba en Marxt de (site-specifieke) gevoelige verstrengelingen aan tussen landschap
en geschiedenis, in een werk waarin ook ideeën verwerkt
zitten van repeteren, proberen en falen, typisch voor een
proces van experimenteel veldwerk.
INTRODUCTION TO
PETER GIDAL
Peter Gidal est une des figures majeures du cinéma indépendant et d’avant-garde britannique. Né
en 1946, il étudie le théâtre, la psychologie et la littérature à l’université Brandeis, Massachusetts
(1964-1968) et à l’université de Munich (1966-1967). Il est étudiant au Royal College of Art entre 1968
et 1971, et enseigne la théorie du cinéma jusqu’en 1984. Membre actif de la London Film-Makers’
Co-operative depuis 1969, dont il fut le programmateur entre 1971 et 1974, il est également cofondateur de la Independent Film-Makers’ Association en 1975. Les films de Peter Gidal ont été montrés à travers le monde, et ont fait l’objet de rétrospectives à l’ICA (Institut d’art contemporain,
Londres, 1983), au Centre Georges Pompidou (Paris, 1996), et à DocPoint (Helsinki, 2014). Il remporte le Prix de la Recherche à Toulon en 1974, et son dernier film Not Far At All (2013) remporte le
Prix de L’Âge d’Or en 2015 à Bruxelles.
Ce programme coïncide avec la parution de l’ouvrage Peter Gidal / Flare Out: Aesthetics 1966–
2016, publié sous la direction de Mark Webber et Peter Gidal chez The Visible Press (voir page 14).
Peter Gidal is een gerenommeerd auteur, theoreticus en filmmaker. Hij werd geboren in
1946 en studeerde theater, psychologie en literatuur aan de Brandeis University in Massachusetts (1964-1968) en de Universiteit van München (1966-1967). Hij studeerde van 1968
to 1971 aan het Royal College of Art en doceerde er vervolgens tot 1984 ‘advanced film theory’. Hij is sinds 1969 actief lid van de London Film-Makers’ Co-operative en was er van
1971 tot 1974 filmprogrammator. In 1975 was Gidal medeoprichter van de Independent FilmMakers’ Association en van 1978 tot 1981 was hij lid van de British Film Institute Production
Board. Peter Gidals films werden op grote schaal vertoond en waren te zien in retrospectieven in het Londense ICA (1983), het Centre George Pompidou (1996) en DocPoint Helsinki (2014). In 1974 ontving Peter Gidal de Prix de la Recherche in Toulon. Zijn meest recente film, Not Far at All (2013), won in 2015 de Âge d’Or-prijs in CINEMATEK.
Dit programma valt samen met de publicatie van het boek Peter Gidal / Flare Out:
Aesthetics 1966–2016, uitgegeven door Mark Webber en Peter Gidal bij The Visible Press
(zie pagina 14).
This program coincides with the publication of the book Peter Gidal / Flare Out: Aesthetics 1966–
2016, edited by Mark Webber and Peter Gidal at The Visible Press (see page 14).
55
54
Peter Gidal is a renowned writer, theorist and film-maker. He was born in 1946, and studied theatre, psychology and literature at Brandeis University, Massachusetts (1964-68) and the University of
Munich (1966-67). He was a student of the Royal College of Art from 1968-71 and went on to teach
advanced film theory there until 1984. An active member of the London Film-Makers’ Co-operative
since 1969, he was its cinema programmer from 1971-74. He was a co-founder of the Independent
Film-Makers’ Association in 1975, and served on the British Film Institute Production Board from
1978-81. Peter Gidal’s films have been screened widely, and were featured in retrospectives at the
London ICA (1983), Paris Centre Georges Pompidou (1996), and DocPoint Helsinki (2014). He was
the recipient of the Prix de la Recherche in Toulon (1974), and his most recent film Not Far at All
(2013) won the 2015 L’Âge d’Or Prize at CINEMATEK Brussels.
CLOUDS
PETER GIDAL #2 – 75’
VEN / VRIJ / FRI
b&w, 10’, 16 mm , v : NO DIALOGUE
SAM / ZAT / SAT
07.10 / 21:00
LEDOUX
Peter Gidal & Mark Webber
PETER GIDAL, UK 1969
FLARE OUT
VOLCANO
NOT FAR AT ALL
57
56
08.10 / 15:00
LEDOUX
Peter Gidal & Mark Webber
Vanaf zijn eerste periode (Clouds, 1969) tot zijn nieuwste film (Not Far at All), over Flare Out, de film uit 1992
die zijn naam geeft aan het recent bij The Visible Press
verschenen boek, kadreert Gidal lege luchten en vulkanen om door middel van film te onderzoeken wat de kijker gelooft te zien – en wat hij of zij echt ziet. En zo “de
fundamentele vragen van de esthetiek [te stellen], wat het
is om te zien, hoe het onbekende bekijken aangezien het
bekende bekijken onmogelijk een kijken is.” (Peter Gidal
in 2003 over Volcano)
From his first period (Clouds, 1969) to his latest film (Not Far at
All), through Flare Out, the 1992 film that gives the recent book
from Visible Press its title, Gidal frames empty skies and a volcano to question, by the means of film, what the viewer believes
he sees and “ [to pose] the basic questions of aesthetics, what it
is to view, how to view the unknown as to view the known is not
possibly a viewing ”. (Peter Gidal in 2003 about Volcano)
HALL
PETER GIDAL, UK 1968-1969
KEY
ROOM FILM 1973
Deux courts et un moyen métrages de la première période de
l’œuvre de Peter Gidal convoquant incognito un célèbrissime
chanteur folk de l’époque (Key) et, surtout, de nombreux éléments du langage filmique (montage en jump-cut, répétitions,
durées, zoom, mise au point, flou, etc.) pour questionner le cinéma et notre regard en suscitant l’admiration de Jonas Mekas
pour Room Film 1973 : « De manière très subtile et très plastique
il traite de lumière. Le film est sans compromis dans le minimalisme de l’action. Une très belle œuvre [...] absolument contemporaine en sensations et substance. C’est un des meilleurs films
de l’école londonienne. »
Twee kortfilms en één middellange film uit de eerste periode van Peter Gidal. We zien een heel beroemde folkzanger uit die tijd, incognito (Key), maar er worden –
vooral – veel elementen uit de filmtaal ingezet (montage
en jump-cut, herhaling, duur, zoom, focus, onscherpte,
enz.) om film, net als onze blik, in vraag te stellen. Jonas
Mekas was een bewonderaar van Room Film 1973: “ Ik
De sa première période (Clouds, 1969) à son dernier film en date
(Not Far at All), en passant par Flare Out le film de 1992 qui donne
son titre au livre récemment paru chez The Visible Press, Gidal
cadre ciels vides et volcan pour questionner, par les moyens du
cinéma, ce que le spectateur croit voir et voit vraiment. Pour aborder « des questions essentielles d’esthétique, ce que c’est que regarder, ou comment regarder l’inconnu puisque regarder le connu
n’est pas regarder. » (Peter Gidal en 2003, à propos de Volcano)
ASSUMPTION
DIM / ZON / SUN
09.10 / 16:00
PLATEAU
LUN / MAA / MON
10.10 / 18:00
PLATEAU
59
58
EPILOGUE
C/O/N/S/T/R/U/C/T
CONDITION OF ILLUSION
CODA I + CODA II
colour, 2’ + 2’, 16 mm, v : ENG, sub : —
Two short and one medium length film from Peter Gidal’s first period. A very famous folk singer of the time is invoked, incognito
(Key) but – above all – many elements of the film language (editing and jump-cut, repetition, duration, zoom, focus, blur, etc.)
are used to question film, and our gaze. Jonas Mekas was an admirer of Room Film 1973: “ I was particularly impressed with Gidal’s film, which from what I’ve seen may be his best to date.
Very subtly and very plastically it deals with light. The film is uncompromisingly rigid in its minimality of action. A very beautifully realised piece of work [...] It is definitely contemporary in
feeling and substance. It is one of the best films to come out of
the London School. ”
We krijgen, van C/O/N/S/T/R/U/C/T, getoond in
Knokke, tot het tweeluik Coda I + Coda II uit 2013,
waarin de regisseur een opname van de stem van William Burroughs gebruikt, een doorsnede van de structurele/materialistische cinema van Gidal die een “ op het
subject gericht beeld ” weigert en resoluut ‘anti-voyeuristisch’ wil zijn. Assumption toont dan weer het leven
in de London Film-Markers’ Co-op. De film is meer dan
een simpele geschiedenis van een organisatie en bevat
ook een hommage aan Mary P. Leece, oprichtster van de
Four Corners Film Workshop.
From C/O/N/S/T/R/U/C/T, shown in Knokke, till the diptych
Coda I + Coda II from 2013, in which the director uses a recording
of the voice of William Burroughs, we get an overview of Gidals
structural/materialist cinema, that refuses a ‘subject-centred image’ and is resolutely ‘anti-voyeuristic’. As for Assumption, it offers an approach to life at the London Film-Markers’ Co-op which
goes beyond the history of an organisation and includes a tribute to Mary P. Leece, founder of Four Corners Film Workshop.
was vooral onder de indruk van Gidals film die, op basis van wat ik gezien heb, misschien wel zijn beste tot nu
toe is. Heel subtiel en heel plastisch gaat hij om met het
licht. De film is compromisloos rigide in zijn minimale actie. Een zeer mooi werk. [...] Het is absoluut modern qua
gevoel en inhoud. Het is een van de beste films die uit de
London School zijn gekomen. ”
De 1974 (C/O/N/S/T/R/U/C/T, montré à Knokke) au diptyque
Coda I + Coda II de 2013 qui marque les retrouvailles du cinéaste
avec un enregistrement de la voix de William Burroughs, un parcours dans ce cinéma structurel/matérialiste de Gidal qui refuse
« une image centrée sur le sujet » et se veut résolument « antivoyeur ». Quant à Assumption, il offre une approche de la vie à
la London Film-Markers’ Co-op, qui dépasse l'histoire d’une organisation et propose un hommage à Mary P. Leece, fondatrice
du Four Corners Film Workshop.
INTRODUCTION TO
JOANA HADJITHOMAS & KHALIL JOREIGE
Nés à Beyrouth en 1969, c’est en photographiant les ruines de la ville laminée par la guerre au début des années 1990, que Joana Hadjithomas et Khalil Joreige sont devenus artistes : par nécessité,
sans passer par une école d’art ou de cinéma. Photographies, installations, films, vidéos, leur œuvre,
vaste, se nourrit de leur questionnement sur la fabrication de l’image et les événements politiques
et historiques de leur pays. Ils explorent indistinctement l’histoire (officielle et tenue secrète), la latence des images, la mémoire (individuelle et collective), l’imaginaire et sa transmission, et enfin
leur propre biographie, jamais séparée de leur travail. À l’instar des très beaux croisements entre
leur approche plastique et cinématographique, les artistes aiment à mêler les genres: à la frontière
entre documentaire et fiction, ils réalisent en 2008 Je veux voir (présenté en selection officielle,
Un certain regard, à Cannes), où Catherine Deneuve parcourt les régions libanaises traversées par
la guerre de 2006. Exposés dans les biennales, musées ou centres d’art contemporain partout dans
le monde, le Jeu de Paume à Paris leur consacrait cette année une large exposition individuelle.
L’Âge d’Or Festival accueille une rétrospective de leurs longs et courts métrages ainsi que des
installations vidéo et organise une masterclass autour de leur travail avec Dirk Snauwaert
(voir page 18).
Âge d’Or Festival toont een retrospectieve van hun kort- en langspeelfilms en installaties,
en organiseert een masterclass over hun werk met Dirk Snauwaert (zie pagina 18).
It was by photographing the ruins of Beirut, destroyed by the war in the early 1990s, that Joana
Hadjithomas and Khalil Joreige became artists. By necessity, in other words, without going to an
art or film school. Photographs, installations, films, videos: their vast work feeds on questions concerning the manufacture of images as well as their country’s political and historical events. By weaving thematic or conceptual links between each practice, they indiscriminately explore the history
(both official and secret), the latency of images, individual and collective memory, the imaginary
and its transmission, and finally, their own biography, something which is never separated from their
work. On the border between documentary and fiction, they realised I Want to See (Je veux voir)
in 2008 and presented in the official selection, Un Certain Regard, at Cannes, they asked Catherine
Deneuve to traverse the regions ravished by the war of July 2006. Hadjithomas and Joreige are
shown at biennales, in museums and contemporary art centres worldwide. This year still, Jeu de
Paume in Paris devoted a solo exhibition to their work.
Âge d’Or Festival hosts a retrospective of their features and short films, shows installations,
and organises a masterclass about their work with Dirk Snauwaert (see page 18).
In partnership with
61
60
Joana Hadjithomas en Khalil Joreige werden beide geboren in 1969 in Beirut. Ze werden
kunstenaar door de ruïnes van de stad te fotograferen, begin jaren ’90 verwoest door de
oorlog; uit noodzaak dus, zonder naar een kunst- of filmschool te gaan. Foto’s, installaties, films, video’s: hun omvangrijke werk voedt zich met vragen rond de fabricatie van het
beeld en de politieke en historische gebeurtenissen in hun land. Ze verkennen zowel de
geschiedenis (de officiële en de geheimgehouden), de latentie van beelden, de individuele
en collectieve herinnering, de verbeelding (en de overdracht van die verbeelding) als de
eigen biografie, die nooit van hun werk gescheiden is. Net zoals ze prachtige kruisbestuivingen aangaan tussen beeldende kunst en film, mengen de kunstenaars graag genres: op
de grens tussen documentaire en fictie, maken ze in 2008 Je veux voir, opgenomen in de
officiële selectie van ‘Un certain regard’ in Cannes, waarin Catherine Deneuve de regio’s
doorkruist die door de oorlog van juli 2006 geteisterd zijn. Het werk van Hadjithomas en
Joreige wordt wereldwijd getoond op biënnales, in musea en centra voor hedendaagse
kunst. Dit jaar nog wijdde Jeu de Paume in Parijs een grote solotentoonstelling aan hun werk.
JEU / DON / THU
>
MAR / DIN / TUE
06.10 > 29.10
HADJITHOMAS & JOREIGE – INSTALLATIONS
FOYER
15:00 > 23:00
JOANA HADJITHOMAS &
KHALIL JOREIGE, LeBANon 2007
colour, 104’, Digital File, v : ARABIC, sub : ENG
En 1999, Hadjithomas et Joreige rencontrent six anciens détenus
récemment libérés du camp de Khiam dans la zone occupée par
Israël au Sud-Liban. Assis sur une chaise, face caméra, ceux-ci
racontent leurs années de détention et l’activité artistique qu’ils
y ont développée et qui les a aidés à survivre à l’enfermement et
la torture. C’est par les récits des anciens détenus que le spectateur peut s’imaginer ce camp interdit d’accès jusqu’en 2000.
Khiam sera détruit lors de la guerre de juillet 2006 et les artistes
retrouvent alors les anciens prisonniers, leur demandant de réagir à cette destruction. Prix International Georges De Beauregard,
FID Marseille 2008.
In 1999 ontmoeten Hadjithomas en Joreige zes voormalige gevangenen die net daarvoor werden vrijgelaten uit
het Khiam-gevangenenkamp in de door Israël bezette
zone in Zuid-Libanon. Zittend op een stoel recht tegenover de camera, vertellen ze over de jaren van gevangenschap en over de artistieke activiteit die ze er hebben
ontwikkeld, die hen hielp de opsluiting en de martelingen te overleven. Via de verhalen van ex-gedetineerden
kan de kijker zich een beeld vormen van het kamp, waartoe tot 2000 niemand toegang had. Khiam wordt tijdens
de oorlog van 2006 verwoest. De kunstenaars vinden de
ex-gedetineerden terug en peilen naar hun reactie op die
vernietiging. Georges De Beauregard International Prize,
FID Marseille 2008.
In 1999 Hadjithomas and Joreige meet six former, newly released
prisoners from the Khiam detention camp in the area occupied
by Israel in southern Lebanon. Sitting on a chair, facing the camera, they tell about these years of detention and the artistic activity they developed there, helping them survive the imprisonment
and torture. Through the stories of former inmates the viewer can
imagine the camp, to which all access was denied until 2000.
Khiam was destroyed during the 2006 war. The artists meet the
former prisoners again and ask them to react to this destruction. Georges De Beauregard International Prize, FID Marseille 2008.
HADJITHOMAS
& JOREIGE –
INSTALLATIONS
JEU / DON / THU
>
MAR / DIN / TUE
06.10 > 29.10
FOYER
15:00 > 23:00
IMAGES RÉMANENTES / LASTING IMAGES
63
KHIAM 2000-2007
JOANA HADJITHOMAS &
KHALIL JOREIGE, LeBANon 2003
colour, 3’, Super 8 transferred to DVD, v : SILENT
Le 19 août 1985, durant la guerre civile, l’oncle de Khalil, Alfred
Junior Kettaneh, est enlevé. Il est encore aujourd’hui officiellement porté disparu, comme 17 000 de ses compatriotes. En mars
2001, les artistes ont trouvé les archives, photographies et films lui
ayant appartenu. Parmi ces documents figurait un « film latent »,
un film Super 8 encore non développé qui avait survécu aux ravages de la guerre. Après des hésitations, les artistes se sont résolus à envoyer la pellicule à un laboratoire et le film s’est révélé
voilé, blanc… À force de travailler sur la correction des couleurs,
cherchant dans les couches sensibles de la pellicule, une image
ressurgit de la blancheur, comme si elle ne pouvait être totalement
effacée, une image rémanente refusant de disparaître.
19 augustus 1985. Khalils nonkel, Alfred Junior Kettaneh,
wordt tijdens de burgeroorlog ontvoerd. Hij is vandaag
nog altijd officieel vermist, net als 17.000 van zijn landgenoten. In maart 2001 vonden Hadjithomas en Joreige
zijn archieven, foto’s en films, waaronder ook een ‘latente
film’, een Super 8-film die nog niet ontwikkeld was en die
de verwoestingen van de oorlog had overleefd. Na enige
aarzeling besloten de filmmakers hem naar een labo te
sturen: over de film bleek een witte sluier te hangen. Via
kleurcorrectie, speurend doorheen de gevoelige lagen
van de film, duikt er in het witte vlak een beeld op, alsof
het niet helemaal uitgewist is kunnen worden – een nabeeld dat weigert te verdwijnen.
August 19, 1985. Khalil’s uncle, Alfred Junior Kettaneh, is kidnapped during the civil war. He is still officially missing today, just
like 17,000 of his countrymen. In March 2001, Hadjithomas and
Joreige found his archives, photographs and films, including a ‘latent movie’: a still undeveloped Super 8 film that had survived the
ravages of war. After some hesitation, the artists sent it to a lab
and the film returned veiled, mostly white... Through colour correction, seeking through layers of sensitive film, an image resurfaces through the whiteness, as if it could not be totally erased –
an afterimage refusing to disappear. HADJITHOMAS & JOREIGE – INSTALLATIONS
62
HADJITHOMAS
& JOREIGE –
INSTALLATIONS
Rabih Mroué, their favourite actor, who will travel through the regions that are affected by the conflict.
VEN / VRIJ / FRI
RONDES / ROUNDS
(BARMEH)
07.10 / 19:00
JOANA HADJITHOMAS & KHALIL JOREIGE,
FRANCE-LEBANON 2001
LEDOUX
colour, 8’, Digital File, v : ARABIC, sub : ENG
Joana Hadjithomas & Khalil Joreige
Alors que les artistes s’attachent dans leur œuvre à montrer l’impossibilité de filmer Beyrouth, ils reçoivent cette commande pour
la télévision : « Beyrouth vu par… ». Ils réaliseront Rondes avec
Rabih Mroué, qui nous décrit la ville au volant d’une voiture.
Terwijl de kunstenaars in hun werk willen aantonen dat
het onmogelijk is om Beiroet te filmen, krijgen ze de televisieopdracht ‘Beirut gezien door...’. Ze draaien Rounds
met Rabih Mroué, die ons aan het stuur van een auto de
stad beschrijft.
JE VEUX VOIR / I want To see
(BADDI CHOUF)
FRANCE-LEBANON 2008
colour, 75’, 35mm, v : FR-ARABIC, sub : ENG
Whilst the artists are striving in their work to show the impossibility of filming Beirut, they received this command for television:
‘Beirut as seen by...’. They shoot Rounds with Rabih Mroué, describing to us the city at the wheel of a car.
En juillet 2006, une nouvelle guerre éclate au Liban. S’interrogeant sur l’image, sur ce que peut encore le cinéma, Joana Hadjithomas et Khalil Joreige retournent au Liban pour filmer l’état du
pays et ses nouvelles ruines. Intégrant la fiction dans un contexte
réel, ils font se rencontrer la star française Catherine Deneuve et
leur acteur fétiche Rabih Mroué, qui parcourront ensemble les
régions touchées par le conflit.
MYRIAM GARFUNKEL EVENING
65
In juli 2006 breekt er een nieuwe oorlog uit in Libanon.
Joana Hadjithomas en Khalil Joreige denken na over het
beeld, over wat cinema nog steeds kàn, en keren terug
naar Libanon om de staat waarin het land zich bevindt
te filmen – en de nieuwe ruïnes. De kunstenaars integreren fictie in een reële context. Ze ontmoeten de Franse
filmster Catherine Deneuve en Rabih Mroué, hun favoriete acteur, die de door het conflict getroffen regio’s
zullen doorkruisen.
In July 2006, a new war broke out in Lebanon. Questioning the
image, and what cinema is still capable of, Joana Hadjithomas
and Khalil Joreige returned to Lebanon to film the state of the
country – and the new ruins. The artists incorporate fiction in a
real context. They meet French film star Catherine Deneuve and
Myriam Garfunkel, critique de cinéma et fervente adepte du Musée du cinéma, nous a quittés il y a plus
de vingt ans. Peu après son décès, sa famille a créé un fonds destiné à la restauration de films, qui, géré
par la Fondation Roi Baudouin, soutient précieusement la Cinémathèque dans son travail de conservation. Meer dan twintig jaar geleden stierf Myriam Garfunkel, filmcritica en fervent bezoeker van het
Filmmuseum. Kort na haar dood richtte haar familie een fonds voor filmrestauraties op. Dit door
de Koning Boudewijnstichting beheerd fonds laat het Filmarchief jaarlijks toe films van de teloorgang te redden.
Myriam Garfunkel left us about twenty years ago. She was a film critic and regular visitor of the Film museum. Shortly after her death, her family set up a fund for film restorations. Each year this fund, managed
by the King Baudouin Foundation, allows the Film Archive to save films from destruction.
64
HADJITHOMAS
& JOREIGE #1 – 83’
DIM / ZON / SUN
09.10 / 14:00
LEDOUX
LE FILM PERDU / THE LOST FILM
(EL FILM EL MAFKOUD) DISSENT ! 67
66
HADJITHOMAS
& JOREIGE #2 – 42’
LEBANON-FRANCE 2003
colour, 42’, vidéo DV, v : ARABIC-FR, sub : ENG
En mai 2000, Hadjithomas et Joreige apprennent que la copie de
leur premier long métrage Autour de la maison rose, présentée
au Yémen dans le cadre d’un festival nomade, a été perdue. Partis à sa recherche, et dans l’espoir d’y retourner pour terminer
l’enquête, ils seront arrêtés dans leur projet par les événements
du 11 septembre 2001. Film essai, Le Film perdu se réalisera avec
les images précieuses des repérages, s’écrivant au montage et
intégrant les absences narratives. Le film questionne, dans cette
partie du monde, autant la représentation de l’image que le statut
d’artiste des cinéastes.
In May 2000, Hadjithomas and Joreige learned that a copy of their
first feature film, Around The Pink House from 1999, presented
in Yemen as part of a nomadic festival, had been lost. They went
in search of it hoping to return to Yemen to complete the investigation, yet 9/11 blocked their project. The Lost Film, a film essay, will be realised with the precious images of locations, and
was created in the editing room, integrating narrative absences
in doing so. The film challenges the representation of the image
as well as the filmmakers’ artist status – in this part of the world.
HADJITHOMAS & JOREIGE #2 – 42’
In mei 2000 vernemen Hadjithomas en Joreige dat de
kopie van hun eerste langspeelfilm, Around The Pink
House uit 1999, die in Jemen werd gepresenteerd in het
kader van een rondtrekkend festival, verloren is gegaan.
Ze gaan ernaar op zoek en hopen naar Jemen terug te
keren om hun zoektocht te voltooien, maar de gebeurtenissen van 11 september blazen het project af. The Lost
Film, een filmessay, wordt gerealiseerd met de kostbare
beelden van de locaties, en wordt gecreëerd tijdens de
montage, waarbij de ontbrekende stukken van het verhaal geïntegreerd worden. De film stelt zowel de representatie van het beeld als de kunstenaarsstatus van de
filmmakers – in het Midden-Oosten – in vraag.
DIM / ZON / SUN
colour + b&w, 93’, DCP, v : ARABIC-FR-ENG, sub : ENG
09.10 / 15:00
LEDOUX
Suite à la projection de The Lost Film
et The Lebanese Rocket Society,
Stoffel Debuysere animera une
conversation en anglais avec Joana
Hadjithomas et Khalil Joreige dans le
cadre de DISSENT !
Na de vertoning van de The Lost Film
en The Lebanese Rocket Society,
gesprek in het Engels met Joana
Hadjithomas en Khalil Joreige, geleid
door Stoffel Debuysere in het kader
van DISSENT!
Following the screening of The Lost
Film and The Lebanese Rocket
Society, a conversation with Joana
Hadjithomas and Khalil Joreige,
hosted by Stoffel Debuysere in the
context of DISSENT!
DISSENT ! JOANA HADJITHOMAS & KHALIL JOREIGE,
LEBANON-FRANCE 2013
Le film reflète l’importance que Joana Hadjithomas et Khalil
Joreige accordent à l’histoire en marge de l’histoire officielle et
celle qu’ils donnent, dans leur approche artistique, aux archives.
Ils retracent l’aventure oubliée, aux allures surréalistes, d’un projet de fusée scientifique mené dans les années 1960 par un groupe
d’étudiants de l’université arménienne de Beyrouth. À la recherche
des documents, photos et films pratiquement disparus, et face
à l’absence du projet dans la mémoire et l’imaginaire collectifs
et individuels, les artistes racontent aussi ces années de panarabisme, le déclin du projet spatial après la guerre de 1967 imposé
par Israël et les transformations du monde arabe.
De film weerspiegelt het belang dat Hadjithomas en Joreige hechten aan de geschiedenis die zich in de marge
van de officiële geschiedenis afspeelt – alsook, in hun artistieke benadering, aan archieven. Ze sporen het vergeten avontuur op van het wetenschappelijke raketproject
dat in de jaren 1960 werd aangegaan door een groep studenten van de Armeense universiteit in Beiroet, een avontuur met surrealistische allures. De kunstenaars zijn op
zoek naar documenten, nagenoeg verdwenen foto’s en
films en worden daarbij geconfronteerd met de afwezigheid van het project zowel in het individueel en collectiefgeheugen als in de individuele en collectieve verbeelding.
Tegelijk verhalen ze ook over de jaren van het panarabisme – tot de door Israël opgelegde neergang ervan,
in 1967 – en de transformaties in de Arabische wereld.
The film reflects the importance Hadjithomas and Joreige attach
to history taking place in the margins of official history – as well
as, in their artistic approach, to archives. They trace the forgotten
adventure of the rocket scientist project conducted in the 1960s
by a group of students of the Armenian university in Beirut, an
adventure with surrealist allures. The artists are in search of documents, virtually disappeared photos and films, which confront
them at the same time with the project’s absence from collective as well as individual memories and imaginings. At the same
time, they also tell about the years of pan-Arabism – until its decline in 1967, imposed by Israel – and the transformations in the
Arab world.
69
THE LEBANESE ROCKET SOCIETY HADJITHOMAS
& JOREIGE # 4 – 88’
LUN / MAA / MON
10.10 / 21:00
LEDOUX
YAWMON AKHAR
(A PERFECT DAY)
FRANCE-LEBANON-GERMANY 2005
colour, 88’, 35mm, v : ARABIC, sub : FR
Construit sur deux axes narratifs différents qui se rejoignent, A
Perfect Day raconte une histoire inspirée de celle personnelle
de Khalil Joreige, à travers celle de son oncle qui fait partie des
17.000 Libanais portés disparus pendant la guerre, et l’histoire
de la jeunesse de Beyrouth à laquelle les deux artistes appartiennent. Entre documentaire et fiction, les réalisateurs suivent
leur protagoniste directement au cœur de la ville, sans reconstitution, et font du Beyrouth contemporain, entre ruines et chantiers, le centre du film.
A Perfect Day, geconstrueerd rond twee verhaallijnen
die elkaar kruisen, vertelt een verhaal geïnspireerd door
dat van Khalil Joreige, via dat van zijn nonkel, een van
de 17.000 tijdens de oorlog ‘vermiste’ Libanezen, en de
geschiedenis van de jeugd van Beiroet, waar Hadjithomas en Joreige op dat moment (in 2005) zelf deel van
uitmaakten. De filmmakers volgen, ergens tussen fictie
en documentaire in, hun protagonist rechtstreeks naar
het hart van de stad zonder aan historische ‘reconstructie’ te doen en maken van het hedendaagse Beiroet tussen de ruïnes en de bouwwerven het echte onderwerp
van de film.
A Perfect Day, constructed around two different intersecting narrative lines, tells a story inspired by that of Khalil Joreige, through
that of his uncle, who was among the 17,000 Lebanese who were
reported missing during the war, and the history of the youth of
Beirut of which both Hadjithomas and Joreige were a part at that
moment (in 2005). Between fiction and documentary, the filmmakers follow their protagonist directly to the heart of the city,
without historic ‘reconstruction’, and make contemporary Beirut,
between ruins and building sites, the centre of the film.
HADJITHOMAS & JOREIGE # 4 – 88’
68
HADJITHOMAS
& JOREIGE #3 – 93’
THE WEST COAST
71
De la fin des années 1950 à aujourd’hui, la côte Ouest des États-Unis a été le berceau d’un mouvement majeur du cinéma d’avant-garde. Centré autour de Canyon Cinema, une des plus importantes coopératives de distribution de films indépendants, d’avant-garde, underground ou expérimentaux – co-fondée à San Francisco par les cinéastes Bruce Baillie et Chick Strand (tous deux
mis à l’honneur par ce programme) – la scène West Coast dénote par sa remarquable diversité de
styles et de sujets, elle aura été l’un des principaux acteurs du renouveau dans le cinéma américain.
De Amerikaanse Westkust was, vanaf de eind van de jaren ’50 tot vandaag, de bakermat
van een belangrijke stroming binnen de avant-gardistisch filmwereld. Canyon Cinema, de
coöperatieve dat één van de belangrijkste distributeurs van onafhankelijke, avant-gardistische, underground en experimentele films werd opgericht in San Francisco door de cineasten Bruce Baillie en Chick Strand (dit programma is een eerbetoon aan beiden), was
het middelpunt van de West Coast scène. De stroming valt op door de enorme diversiteit
aan stijlen en onderwerpen en werd uiteindelijk de belangrijkste actor van de heropleving
van de Amerikaanse cinema.
From the late 1950s until today, the American West coast has been the cradle of a major movement
within avant-garde cinema. Centered around Canyon Cinema, one of the most important cooperatives distributing independent, avant-garde, underground or experimental film – co-founded in
San Francisco by filmmakers Bruce Baillie and Chick Strand (both honoured by this program) – the
West Coast scene was defined by its remarkable diversity of styles and subjects and was one of
the principal agents of renewal in American cinema.
CONTENTS
THE WEST COAST
ALL MY LIFE: THE FILMS OF BRUCE BAILLIE
72
RITUALS INVOLVING FILMS BY CHICK STRAND
82
California Dreamin’, 1967-1978 (-2012)
88
91
COMPANY TOWN
Artist’s Film in Los Angeles, 1969-1983
93
“ Er waren tijden van geloof, toen de mensen natuurlijke verbindingen creëerden tussen
zichzelf en de plaats waar ze woonden, de planten die ze teelden, de brandstof die ze gebruikten voor warmte, hun dieren en hun voorouders. Mijn werk zal in het Amerikaanse leven die natuurlijke en oude contacten ontdekken via de kunst van de cinema! ” (Bruce Baillie)
THE WEST COAST
All My Life: The Films of Bruce Baillie
CURATED BY Garbiñe Ortega
À la fois lyrique et dotée d’un sens aigu de l’observation, l’œuvre de Bruce Baillie (1931, Aberdeen,
South Dakota) échappe à toute classification par genre et explore la narration selon des formes
non-traditionnelles. Son film Castro Street (1966) a été choisi en 1992 pour être conservé au sein
du National Film Registry de la Bibliothèque du Congrès américain. Son œuvre a exercé une influence majeure sur les milieux du cinéma d’avant-garde et son rôle en tant que membre fondateur
de la coopérative Canyon Cinema et de la San Francisco Cinematheque souligne son importance
dans la création d’espaces et de structures de soutien et de distribution pour les films expérimentaux. Mais la dimension non fictionnelle de l’œuvre de Bruce Baillie est sous-estimée : les aspects
documentaires de chefs-d’œuvre comme Castro Street et Quick Billy (1970) sont à la fois singuliers et caractéristiques de la fusion du banal et du mystique, du personnel et du cosmique, de l’autobiographie et de la mythologie qui traverse tout son parcours. Cette sélection de films entend
rendre hommage à l’ensemble de son œuvre, reconnaître son héritage artistique, ainsi que son engagement pour la promotion et la distribution de films expérimentaux.
« Il y a eu des périodes de foi, où les hommes établissaient des liens naturels entre eux-mêmes et
l’endroit où ils vivaient, les plantes qu’ils cultivaient, le combustible qu’ils utilisaient pour se chauffer, leurs animaux et leurs aïeux. Mon œuvre découvrira – à travers l’art du cinéma – ces contacts
naturels et ancestraux qui existent dans la vie américaine. » (Bruce Baillie)
Bruce Baillie’s lyrical and keenly observational work evades genre and explores narratives in nontraditional forms—from short films to longer explorations. His film Castro Street (1966) was selected for preservation in 1992 by the United States National Film Registry. His work has been inexpressibly influential to the world of avant-garde cinema, and his role as founding member of both
Canyon Cinema and the San Francisco Cinematheque speaks to his importance in creating spaces
and systems of support and distribution for experimental filmmakers. But the nonfictional dimension of Baillie’s work remains underemphasized: the documentary aspects of such masterpieces
as Castro Street and Quick Billy (1970) are both salient and integral to his career-spanning fusion
of the mystical and the mundane, the cosmic and the personal, mythology and autobiography. The
selection of Baillie’s films in this year’s Art of the Real pays homage to his body of work, and recognizes his legacy as an artist as well as his outstanding work as a distributor and promoter of avantgarde filmmakers.
“ There were ages of faith, when men made natural connections between themselves and the place
in which they lived, the plants they cultivated, the fuel they used for warmth, their beasts, and their
ancestors. My work will be discovering in American life those natural and ancient contacts through
the art of cinema ! ” (Bruce Baillie)
In partnership with
73
72
Het lyrische en scherp observerende werk van Bruce Baillie gaat vastgelegde genres uit
de weg en verkent verhalende formaten die niet-traditionele vormen aannemen, van kortfilms tot langere exploraties. De United States National Film Registry selecteerde in 1992
Castro Street (1966) voor preservering. Baillies werk is onuitsprekelijk invloedrijk geweest
in de wereld van avant-gardefilm en zijn rol als stichtend lid van zowel Canyon Cinema als
San Francisco Cinematheque duiden op de belangrijke rol die hij speelde bij de creatie van
ruimtes en systemen voor ondersteuning en distributie van experimentele filmmakers. Toch
blijft de non-fictionele dimensie van het werk van Baillie onderbelicht: de documentaire aspecten van meesterwerken als Castro Street en Quick Billy (1970) zijn prominent én ze vormen een integraal onderdeel van de fusie van het mystieke en het alledaagse, het kosmische en persoonlijke, mythologie en autobiografie – die zijn hele carrière overspant. Deze
selectie films van Baillie vormt een eerbetoon aan zijn oeuvre en erkent zijn erfenis als kunstenaar en zijn uitzonderlijk werk als distributeur en promotor van avant-gardefilmmakers.
Why Take Up the Camera
MASS FOR THE DAKOTA SIOUX
Searching for Heroes
b&w, 20’, 16 mm, v : ENG, sub : —
SAM / ZAT / SAT
VEN / VRIJ / FRI
BRUCE BAILLIE, USA 1961
b&w, 3’, 16 mm, v : ENG, sub : —
07.10 / 18:00
08.10 / 21:15
PLATEAU
colour, 10’, 16 mm, v : SPANISH, sub : —
LEDOUX
SAM / ZAT / SAT
08.10 / 18:00
PLATEAU
Garbiñe Ortega
HERE I AM
b&w, 11’, 16 mm, v : ENG, sub : —
Garbiñe Ortega
LITTLE GIRL
colour + b&w, 10’, 16 mm, v : NO DIALOGUE
Ce programme rassemble cinq documentaires poétiques et sociaux de la série The News que Bruce Baillie tourna pour les salles
du réseau Canyon Cinema. Ces petits films lui offraient un cadre
et un format pour réaliser dans l’urgence et avec de petits budgets, des œuvres de nature politique. Ils ont aussi démontré les possibilités d’une relation plus directe entre la production de films
et leur diffusion.
Dit programma is een compilatie van vijf poëtische en
sociale documentaires die Bruce Baillie opnam voor
Canyon Cinema-projectieavonden, onder de titel The
News. Deze filmpjes vormden een format voor het maken van urgente, politiek gemotiveerde low-budgetwerken. Ze toonden ook de mogelijkheden van een meer directe overgang van produceren naar projecteren.
THE WEST COAST / BRUCE BAILLIE #1 – 55’
THE WEST COAST /
BRUCE BAILLIE #2 – 61’
VALENTIN DE LAS SIERRAS
75
MR. HAYASHI
This program compiles a number of Bruce Baillie’s poetic and social documentaries created for Canyon Cinema venues, entitled
The News. These little films provided a format for creating lowbudget, urgent, and politically motivated works. They also demonstrated possibilities for a more immediate transition from production to exhibition.
QUIXOTE
TO PARSIFAL
« Je me lance dans une quête. Donc, à nouveau, je parle d’un
homme du passé, d’un faiseur de héros, d’un raconteur d’histoires,
d’un faiseur d’images, avec lequel – graduellement – j’étais vitalement lié. Je ne connaissais aucun point de départ dont je me
préoccupais de manière générale… mais je me préoccupais des
héros. Exactement comme un guerrier, ce poète se mettrait en
marche quand il serait temps de s’y mettre, sans savoir particulièrement où. Et alors, là où il a commencé à se trouver luimême – dans ces lieux qui lui disaient à quels endroits il était lié
– il commença, bien sûr, à finalement savoir où il se trouvait. »
(Bruce Baillie)
Ce programme présente deux films – Quixote et To Parsifal – qui
explorent l’imaginaire héroïque avec lequel Baillie s’est identifié
au cours de sa période de recherche des idoles.
74
THE WEST COAST /
THE BED
Let’s Not Be So Serious
About Art – Canyon Cinema
Community
The off-handed jape…
& how to pull it off
Dit programma presenteert twee films – Quixote en
To Parsifal – die de beeldenheroïek verkennen waarmee Baillie zich tijdens zijn zoektocht naar idolen
identificeerde.
Garbiñe Ortega
“ I start out on a quest. Thus, again I am speaking of a man in the
past, a hero-maker, a storyteller, an image-maker, with whom I
was vitally concerned – gradually ; I didn’t know any initial point
I was concerned with in general, but I was concerned with heroes. Just like a warrior, this poet would start when it was time
to start, not knowing really particularly where. And then where
he found himself – places that began to tell him where he was
bound – he then, of course, began to know about where he was
after all. ” (Bruce Baillie)
This program presents two films – Quixote and To Parsifal – that
explore the imagistic heroic with which Baillie identified during
his quest period with many idols.
77
THE WEST COAST /
JAMES BROUGHTON, USA 1968
Robert Nelson & William Wiley, USA 1967
colour, 9’, 16mm, v : ENG, sub : —
DIM / ZON / SUN
09.10 / 18:00
PLATEAU
LUN / MAA / MON
10.10 / 20:00
PLATEAU
HAVE YOU THOUGHT
OF TALKING TO THE DIRECTOR ?
b&w, 15’, 16 mm, v : ENG, sub : —
ANGEL BLUE SWEET WINGS
CHICK STRAND, USA 1966
L.A. CAR WASH
JANIS CRYSTAL LIPZIN, USA 1975
IN BIG SUR : THE LADIES
LAWRENCE JORDAN, USA 1966
IN MARIN COUNTY
PETER HUTTON, USA 1970
RIVERBODY
ANNE SEVERSON, USA 1970
En 1961, Bruce Baillie et Chick Strand fondent Canyon Cinema,
dont l’objectif initial est de rassembler un public et d’établir des
liens « entre les gens et ce qui se passait » (Bruce Baillie). En réponse à l’absence de salles où projeter des films indépendants,
ils s’inscrivent dans le développement général du cinéma d’avantgarde aux États-Unis, organisant des projections (tant de documentaires expérimentaux que de films narratifs) dans les jardins
et les centres sociaux de East Bay (à San Francisco). L’époque est
à l’idéalisme social et à l’énergie des projets communautaires et
les films qu’ils montrent font hardiment se rencontrer expression
cinématique pure et critique culturelle.
Bruce Baillie en Chick Strand richtten Canyon Cinema
in 1961 op. Het oorspronkelijke doel van Canyon Cinema
was mensen bij elkaar brengen en verbindingen leggen
‘tussen de mensen en wat er gaande was.’ (Baillie) Baillie en Strand organiseerden vertoningen van speelfilms
en experimentele en documentaire films, in achtertuinen
en buurthuizen in East Bay. Het was een reactie op het
76
“ Ik begin een zoektocht. Op die manier spreek ik opnieuw over een man in het verleden, een heldenmaker,
een verteller, een beeldenmaker, waarmee ik vitaal bezig was – geleidelijk; ik kende geen initieel punt waarmee ik in het algemeen mee bezig was, maar ik was bezig met helden. Net als een krijger begon deze dichter
wanneer het tijd was om te beginnen, niet echt concreet
wetend waar. En dan, waar hij zichzelf vond – plaatsen
die hem begonnen vertellen waar hij gebonden was –
begon hij, natuurlijk, te weten waar hij was, ten slotte. ”
(Bruce Baillie)
Bruce Baillie and Chick Strand founded Canyon Cinema in 1961.
The original purpose of Canyon Cinema was to bring people together, to establish a connection “ between the people and what
was happening ” (Baillie). They organized screenings of experimental, documentary, and narrative films in East Bay backyards and
community centers. Acting in response to a lack of public venues for independent movies, they were part of a wider explosion
in American avant-garde film. The era was one of social idealism
and communal energy, and the films they showcased boldly embraced purely cinematic visual expression and cultural critique.
THE WEST COAST /
ROSLYN ROMANCE
Correspondence
Bruce Baillie / Stan Brakhage
THE MACHINE OF EDEN
79
78
gebrek aan publieke locaties voor onafhankelijke films,
maar Baillie en Strand maakten deel uit van een bredere
explosie in Amerikaanse avant-gardefilm. Het tijdperk
was er één van sociaal idealisme en gemeenschappelijke energie, en de films die ze stoutmoedig toonden,
stonden voor puur cinematografische visuele expressie
en cultuurkritiek.
colour, 17’, 16 mm, v : ENG, sub : —
STAN BRAKHAGE, USA 1970
DIM / ZON / SUN
09.10 / 20:00
PLATEAU
MAR / DIN / TUE 11.10 / 16:00
PLATEAU
CASTRO STREET
colour + b&w, 10’, 16 mm, v : NO DIALOG
THE WONDER RING
TUNG
STELLAR
STILL LIFE
colour, 3’, 16 mm, v : ENG – sub : —
I… DREAMING
ALL MY LIFE
colour, 3’, 16 mm, v : NO DIALOG
« Mi-juin 1968.
Cher Bruce,
Par l’intermédiaire de ta bande magnétique, tu m’as transmis à
Kalamazoo (Michigan) assez de joie et de matière à penser pour
passer en un seul morceau à travers cette deuxième journée terriblement difficile. […] Comme pour tes films – Eh bien… quelle
pure beauté associée, comme dans tes dernières œuvres, à l’exactitude ET au mystère qui émergent des formes filmiques ellesmêmes – un ‘mystère exact’ pourrait être le gros mot le plus
simple avec lequel je pourrais les applaudir… Et tout ce qui précède n’est que claquements de langue – pour te dire, très simplement : BRAVO ! » Stan Brakhage à Bruce Baillie
Pendant plus de cinq décennies, Bruce Baillie a entretenu une correspondance avec Stan Brakhage. Ils ont échangé des lettres fascinantes, des films et même des bandes audio enregistrées dans
une camionnette sur la route. Ce programme montre quelques
liens et affinités possibles entre les univers cinématographiques
des deux amis.
HADJITHOMAS & JOREIGE – INSTALLATIONS
“ One of our ‘devices,’ as P.T. and Chicky Strand would have it, for
keeping the audience honest – that is, not too serious about ‘Art.’
Years of fun, work, and thoughtful exchange, covering perhaps
everything under the sun ! Our Chair in the Sun, we called it. ”
(Bruce Baillie)
81
American Inner Landscape
MAR / DIN / TUE 11.10 / 19:00
LEDOUX
Stan Brakhage aan Bruce Baillie
Gedurende meer dan vijf decennia correspondeerde
Bruce Baillie met Stan Brakhage. Ze deelden fascinerende brieven, films, en zelfs geluidsbanden die onderweg werden opgenomen vanop een bestelwagen. Dit
programma toont een aantal mogelijke connecties en affiniteiten tussen de filmwerelden van de twee vrienden.
“ Mid June, 1968.
Dear Bruce,
You brought me, via your tape, enough joy and thought provocation in Kalamazoo to keep me going all-of-a-piece thru the second very terribly difficult day there. […] As for your films – ah
well… what sheer loveliness as, in the later work, extended with
exactitude AND mystery into the film form it engenders for itself – exactly mysterious would be the simplest expletive I could
applaud it with… and that’s just a tongue-clap in lieu of saying,
more simply, BRAVO ! ”
THE WEST COAST /
Stan Brakhage to Bruce Baillie
For more than five decades, Bruce Baillie corresponded with Stan
Brakhage. They shared fascinating letters, films, and even audiotapes recorded from a van on the road. This program shows some
possible connections and affinities between these two friends’
film universes.
STARLIGHT
ROBERT E. FULTON, USA 1970
colour + b&w, 5’, 16 mm, v : NO DIALOG
PASTORALE D’éTé
WILL HINDLE, USA 1958
QuICK BILLY
Ce programme propose trois films arpentant les paysages (intérieurs) nord-américains : Quick Billy, le film le plus personnel de
Baillie ; Pastorale d’Été de Will Hindle, un de ses amis-cinéastes
les plus chers, et le stupéfiant Starlight de Robert Fulton.
Dit programma bevat drie werken die naar het (innerlijke) landschap van America peilen. Quick Billy, Baillies meest persoonlijke werk; Pastorale d’Été van Will Hindle, één van Baillies geliefde filmmaker-vrienden; en het verbazingwekkende Starlight
van Robert Fulton.
This program features three works surveying America’s (inner)
landscape. Quick Billy, Baillie’s most personal piece ; along with
Pastorale d’Été by Will Hindle, one of Baillie’s beloved filmmaker
friends, and the astonishing Starlight by Robert Fulton.
80
“ Midden juni, 1968.
Beste Bruce,
Je bracht me, via je tape, in Kalamazoo genoeg vreugde
en gedachten-provocatie om te blijven functioneren, in
één stuk, doorheen de tweede zeer vreselijk moeilijke
dag daar. (...) En wat je films betreft – ach... wat voor een
pure schoonheid zoals, in het latere werk, aangevuld met
nauwkeurigheid EN mysterie in de filmvorm die het voor
zichzelf produceert – precies mysterieus zou het eenvoudigste expletief zijn waarmee ik het zou kunnen toejuichen... en dat is slechts een klik met de tong in plaats
van – eenvoudiger – te zeggen: BRAVO! ”
Na haar ervaringen met de ontwikkeling van de toonaangevende Canyon Cinema in het begin van de jaren 1960, samen met Bruce Baillie en Ernest Callenbach, verhuist Chick Strand
naar Los Angeles. Ze is alleenstaande moeder van twee kinderen, midden dertig en gaat
er aan de graduate school van UCLA studeren, meer bepaald in hun etnografisch filmprogramma. Geleidelijk aan ontvouwt zich een buitengewoon oeuvre, vanaf haar vroege experimenten met beeldmanipulatie en feestelijke en poëtische psychedelia, over complexe en
dubbelzinnige collagewerken, tot haar opmerkelijke poëtisch/surrealistische etnografische
films, die lak hebben aan regels. Doorheen haar hele oeuvre zijn er terugkerende thema’s –
zoals sensualiteit, rituelen, overleven, vrouwelijke kracht en verlangen, moraliteit, menselijkheid, autobiografie, dat wat ons verenigt, wat ons scheidt, wat ons boeit, wat ons afstoot.
THE WEST COAST
RITUALS INVOLVING : FILMS BY CHICK STRAND
CURATED BY MARK TOSCANO
Cartoon Le Mousse de Chick Strand s’ouvre sur un intertitre qui le présente ainsi : « Rituels et méditation de lumière pure prisonnière d’une image ridicule ». Cette description poétique et drôle, et
en même temps très sérieuse, pourrait tenir de définition plus large de la sensibilité et de la pensée
qui animent les films de Chick Strand (1931-2009).
Après la création et le développement de Canyon Cinema avec Bruce Baillie et Ernest Callenbach
au début des années soixante, Chick Strand, trentenaire et mère de deux enfants, s’installe à Los
Angeles où elle suit les cours de cinéma ethnographique à UCLA. Un extraordinaire corpus de
films va voir le jour, de ses premières expérimentations visuelles et de sa poétique psychédélique,
jusqu’à de complexes films-collages, en passant par des films ethnographiques poétiques/surréalistes. Plusieurs fils rouges traversent son œuvre : la sensualité, le rituel, la survie, la force et le désir féminins, la moralité, l’humanisme, l’autobiographie, ce qui nous unit et nous sépare, ce qui nous
fascine et nous repousse.
En deux séances, il est difficile de rendre compte de la profondeur et de l’éclat de Chick Strand, cinéaste et théoricienne du cinéma. Mais on y trouve certains de ses plus grands films, dont le chefd’œuvre Soft Fiction, l’intense et énigmatique Loose Ends, et l’hyper-sensuel Artificial Paradise.
Het is niet gemakkelijk om het hele scala van Chick Strands kunnen als briljant filmmaakster en audiovisueel denker te vatten in slechts twee programma’s. Hier worden alvast enkele van haar beste films getoond, waaronder haar meesterwerk Soft Fiction, het intense
en raadselachtige Loose Ends, en het hypersensuele Artificial Paradise.
Chick Strand’s film Cartoon Le Mousse begins with a title describing it as “ Rituals involving the
meditation of pure light trapped in a ridiculous image ”. This description, poetic and funny and in a
way deadly serious, could perhaps stand for a larger philosophy and sensibility which permeates
the unforgettable films of Chick Strand (1931-2009).
Following her experiences in developing the seminal Canyon Cinema with Bruce Baillie and Ernest
Callenbach in the early ‘60s, Chick Strand relocated to Los Angeles as a single mother of two in her
mid-thirties to attend graduate school at UCLA in their ethnographic film program. An extraordinary body of work gradually unfolded, from her early experiments with image manipulation and a
celebratory and poetic psychedelia, to her complex and ambiguous collage pieces, to her remarkable and rule-breaking poetic/surrealist ethnographic films. Threads run throughout, including notions of sensuality, ritual, survival, female strength and desire, morality, humanity, autobiography,
what unites us, what separates us, what fascinates us, what repels us.
It’s a difficult task to express the full breadth of Chick Strand’s brilliance as a filmmaker and audiovisual thinker in only two programs, but contained here are some of her greatest films, including
the masterpiece Soft Fiction, the intense and enigmatic Loose Ends, and the hyper-sensual Artificial Paradise.
83
82
Chick Strands Cartoon Le Mousse begint met een titel die de film beschrijft als ‘rituelen
die de meditatie impliceren van puur licht gevangen in een belachelijk beeld’. Deze beschrijving, poëtisch en grappig en op een manier bloedserieus, kan misschien staan voor
een bredere filosofie en gevoeligheid die de onvergetelijke films van Chick Strand (19312009) doordringt.
FEVER DREAM
Amnesia, Euphoria, & Ecstasy
MUJER DE MILFUEGOS /
WOMAN OF A THOUSAND FIRES
VEN / VRIJ / FRI
07.10 / 16:00
PLATEAU
85
84
THE WEST COAST /
CHICK STRAND #1 – 74’
b&w, 7’, 16 mm, v : NO DIALOGUE CHICK STRAND, USA 1976
LOOSE ENDS
b&w, 24’, 16 mm, v : FR-ENG, sub : —
08.10 / 20:00
PLATEAU
ANGEL BLUE SWEET WINGS
présentées par/ingeleid door/introduced by
colour, 3’, 8 mm transferred to 16 mm, v : NO DIALOGUE
Mark Toscano
Fever Dream and Angel Blue Sweet
Wings were restored by the Academy Film Archive and the Pacific
Film Archive with funding from the
National Film Preservation Foundation. Prints courtesy of the Academy
Film Archive. All other prints courtesy
of the Chick Strand Collection at the
Academy Film Archive.
THE WEST COAST / CHICK STRAND #1 – 74’
ELASTICITY
Presented in partnership with
Dans la description qu’elle fait de Elasticity, Chick Strand note :
« Trois états mentaux qui m’intéressent : l’amnésie, l’euphorie, et
l’extase. L’amnésie, c’est de ne pas savoir qui vous êtes et le vouloir désespérément. J’appelle cela “la Nuit blanche”. L’euphorie,
c’est de ne pas savoir qui vous êtes et ne pas s’en soucier. C’est “le
Rêve de la méditation”. L’extase, c’est savoir précisément qui vous
êtes et ne pas s’en soucier. J’appelle cela “la Mémoire du futur”. »
Les cinq films qui composent cette séance démontrent la complexe interaction des « trois états mentaux » de Chick Strand tels
qu’exprimés dans ses films : ils ne sont pas traités de manière exclusive, et peuvent représenter une idée de l’existence, de notre
conscience et notre compréhension du monde et de nous-mêmes
par l’intermédiaire des images que nous créons.
Chick Strand beschreef Elasticity als volgt: “ Er zijn drie
mentale toestanden die interessant zijn: geheugenverlies,
euforie en extase. Geheugenverlies is niet weten wie je
bent en het wanhopig willen weten. Ik noem dit de Witte
Nacht. Euforie is niet weten wie je bent en erom malen.
Dit is de Droom van de Meditatie. Extase is precies weten wie je bent en er nog steeds om malen. Ik noem dit
het Geheugen van de Toekomst. ”
Deze vijf films tonen de complexe interactie van Strands
‘drie mentale toestanden’ zoals ze in haar films tot uiting
komen: hoe ze elkaar niet uitsluiten, en hoe ze misschien
een sjabloon voor het bestaan kunnen zijn, voor ons bewustzijn en begrip van de wereld en van onszelf, doorheen de beelden die we maken.
In her description of Elasticity, Chick Strand wrote : “ There are
three mental states that are interesting : amnesia, euphoria and
ecstasy. Amnesia is not knowing who you are and wanting desperately to know. I call this the White Night. Euphoria is not knowing who you are and not caring. This is the Dream of Meditation.
Ecstasy is knowing exactly who you are and still not caring. I call
this the Memory of the Future. ”
These five films demonstrate the complex interaction of Chick’s
“ three mental states ” as expressed in her films : how they are not
mutually exclusive, and how they may represent a template for
existence, for our awareness and understanding of the world and
ourselves through the images we make.
SAM / ZAT / SAT
Survival & Desire
LUN / MAA / MON
10.10 / 15:00
LEDOUX
Mark Toscano
Soft Fiction was restored in 2015
by the Academy Film Archive. Restoration funding provided by the
Los Angeles County Museum of Art
(LACMA) and The Film Foundation.
Artificial Paradise and Kristallnacht
were restored by the Academy Film
Archive and the Pacific Film Archive
with funding from the National
Film Preservation Foundation. All
prints courtesy of the Academy Film
Archive.
ARTIFICIAL PARADISE
KRISTALLNACHT
SOFT FICTION
b&w, 54’, 16 mm, v : ENG, sub : —
La survie et le désir sont deux thèmes récurrents dans l’œuvre de
Chick Strand, et sont souvent traités de pair dans un entrelacement inattendu. C’est dans l’extraordinaire Soft Fiction que cette
relation entre survie et désir est sans doute explorée de façon la
plus riche et remarquable. Une série d’épisodes reliés de manière
conceptuelle, évoque des histoires à la première personne impliquant différentes femmes, et créant un tissu complexe de provocations et d’ambiguïtés.
Autres illustrations de ces thèmes, deux de ses plus beaux et obsédants courts métrages. Artificial Paradise est un des films les
plus évocateurs qui ait été tournés sur le sujet du désir, alors que
dans l’hypnotique Kristallnacht s’engage une danse inattendue
entre la beauté de l’existence et son inévitable envers, l’horreur
de la souffrance.
Survival and desire are two very commonly recurring themes
throughout Chick Strand’s work, often working simultaneously
in an unusual interwoven relationship. This is most richly and brilliantly explored in her amazing film Soft Fiction, in which a series of conceptually linked episodes involving first-person narratives by various women creates a complex empathic web of
thoughtful provocations and ambiguities. Further illuminating
these themes are two of her most haunting and beautiful shorts.
Artificial Paradise is one of the more evocative films ever created
on the subject of sensual longing, while the hypnotic Kristallnacht
engages in an unusual dance between the beauty of existence and
its inevitable obverse, the horror of suffering.
87
Overleven en verlangen zijn twee zeer vaak terugkerende
thema’s in het werk van Chick Strand, die vaak gelijktijdig
aan het werk zijn, in een ongewone, verstrengelde relatie.
De vruchtbaarste, meest briljante verkenning hiervan is
het verbazingwekkende Soft Fiction, waarin een reeks
conceptueel gelinkte episodes met verhalen van verschillende vrouwen (gebracht in de ik-persoon) een complex
empathisch web weeft van bedachtzame provocaties en
dubbelzinnigheden. Twee van haar meest beklijvende en
mooie kortfilms diepen deze thema’s verder uit. Artificial
Paradise is een van de meest suggestieve films die ooit
over sensueel verlangen werden gemaakt. Het hypnotische Kristallnacht gaat dan weer een ongewone dans
aan tussen de schoonheid van het bestaan en haar onvermijdelijke keerzijde, de verschrikkingen van het lijden.
86
THE WEST COAST /
CHICK STRAND #2
– 74’
California Dreamin’,
1967-1978 (-2012)
THE WEST COAST
89
88
THE WEST COAST /
ALCHEMY IN THE
GOLDEN STATE – 75’
ANSELMO
07.10 / 20:00
PLATEAU
SAM / ZAT / SAT
08.10 / 16:00
PLATEAU
THE WEST COAST / ALCHEMY IN THE GOLDEN STATE – 75’
Mark Toscano
Anselmo, Christopher Tree, The
Last Supper, Aether and Quick Billy
Rolls restored by and courtesy of the
Academy Film Archive. Waterfall
was restored by the Academy Film
Archive and the Pacific Film Archive
with funding from the National Film
Preservation Foundation, print courtesy of the Academy Film Archive.
Elixir courtesy of Amy Halpern.
Twelve courtesy of Beth Block. Saint
Flournoy courtesy of the Will Hindle Collection at the Academy Film
Archive.
CHRISTOPHER TREE
(aka SPONTANEOUS SOUND)
LES BLANK, USA 1968
THE LAST SUPPER
MIKE HENDERSON, USA 1970-1973
AETHER
DAINA KRUMINS, USA 1972
ELIXIR
AMY HALPERN, USA 2012
WATERFALL
TWELVE (THE FIRST THREE PARTS)
BETH BLOCK, USA 1977
Saint Flournoy Lobos-Logos
and the Eastern Europe Fetus
Taxing Japan Brides in West Coast
Places Sucking Alabama Air
WILL HINDLE, USA 1970
QUICK BILLY ROLLS 14, 41, 43, 46, 47 & 52
BRUCE BAILLIE, USA 1967-1969
Maints cinéastes qui ont commencé dans les années 1960 ont
évoqué une divergence de sensibilité entre les deux côtes : l’Est
et l’Ouest avaient des intérêts différents, et l’esthétique et les
concepts cinématographiques n’étaient pas les mêmes. Dans
un entretien accordé en 1978, le cinéaste Robert Nelson, natif
de San Francisco, a déclaré à propos d’une présentation de ses
films à New York : « Une fois sur place, mon film avait l’air, dans le
contexte du formalisme new-yorkais, […] de quelque chose qu’un
gitan aurait apporté sur une couverture déroulée sur le sable,
comme ces objets effrayants faits main disposés çà et là ».
Bien que nombre d’entre eux parle du contraste entre une côte
Est cool et une côte Ouest chaleureuse, un style « West Coast »
unique n’a pourtant jamais vraiment existé. En ce sens, ce programme relève un peu de la fiction. Les notions classiques du
California Dreamin’ et d’une côte Ouest excentrique, d’une poésie libre et vagabonde, ont inspiré ce programme éclectique qui
s’articule autour du fantasme d’une identité cinématographique
propre au Golden State.
VEN / VRIJ / FRI
Hoewel velen verwijzen naar een toenmalig contrast – East Coast ‘cool’ vs. West Coast ‘warm’ – heeft een
uniforme ‘West Coast’-stijl nooit echt bestaan. Dit programma is dan misschien eerder een soort fictie, waarbij de klassieke begrippen ‘California Dreamin’ en
excentrieke, free-flowing West Coast-poëzie de inspiratiebronnen vormen en alles draait rond de welbekende
fantasie van een filmische ‘Golden State’-identiteit.
DIM / ZON / SUN
09.10 / 21:15
LEDOUX
Mark Toscano
New prints of both films courtesy of
the Academy Film Archive
Many filmmakers who emerged in the 1960s have spoken of an
East Coast/West Coast division of sensibility, as reflected in the
approaches of the filmmakers and the aesthetic and conceptual
strategies of their films. In a 1978 interview, San Francisco filmmaker Robert Nelson spoke of showing films in New York, saying, “ Once I got there, [my] film looked to me in the context of
that formalism in New York… like something a gypsy brought in
on a blanket and rolled out on the sand, like a bunch of hairy handmade objects that were all sort of laying there. ”
Though many refer to an East Coast cool vs. West Coast warm
contrast of the time, a uniform “ West Coast ” style has never really existed. This programme is then something of a fiction, perhaps. The classic notions of California Dreamin’ and an eccentric
West Coast, free-flowing poetry were inspirations for this eclectic program themed on the notion of a familiar fantasy of a Golden
State cinematic identity.
THE WEST COAST
Suite California Stops & Passes Part 1 :
Tijuana to Hollywood Via Death Valley
ROBERT NELSON, USA 1976
Suite California Stops & Passes Part 2 :
San Francisco to the
Sierra Nevadas & Back Again
ROBERT NELSON, USA 1978
Suite California, le chef-d’œuvre de Robert Nelson, est un film
plein de profondeur, de perspicacité, d’humour et d’intelligence,
Nelson étant alors au sommet de ses intentions formelles, et
en même temps à son degré le plus élevé de subjectivité et de
générosité émotionnelle. Initialement, le projet était de faire un
film bien plus long, un carnet de route en plusieurs parties, à
travers la grande variété culturelle et géographique de la Californie, le tout, vu, modifié et transformé par le prisme subjectif
des expériences et souvenirs du cinéaste. Les deux parties qui
forment cette séance, et couvrent la Californie du Sud et la Bay
Area, reflètent ce vaste et imprévisible territoire dans lequel se
confrontent l’approche personnelle d’un lieu et le lieu lui-même.
Bien que les deux films soient traversés de part en part de cet humour propre aux œuvres de Robert Nelson, ils sont également empreints d’une profonde réflexion et d’une intériorité qui révèlent
l’expérience subjective qui lie le cinéaste à sa terre natale, ainsi
que la place qui y est la sienne.
Robert Nelsons meesterwerk Suite California is een
werk waaruit een diepe gevoeligheid spreekt – en inzicht, humor en intelligentie. De film vormt een hoogte-
91
THE WEST COAST /
ROBERT NELSON’S
SUITE CALIFORNIA
– 94’
THE WEST COAST / ROBERT NELSON’S SUITE CALIFORNIA – 94’
90
Veel filmmakers die in de jaren 1960 opkwamen, hadden
het over een radicaal verschillende gevoeligheid tussen
Oost- en Westkust, zoals dat ook weerspiegeld wordt in
de aanpak van de respectieve filmmakers en de esthetische en conceptuele strategieën van hun films. In een
interview uit 1978 had filmmaker Robert Nelson uit San
Francisco het over het tonen van zijn films in New York.
Hij zei: ‘Toen ik daar aankwam, leek [mijn] film in de context van dat formalisme in New York (...) als iets waar een
zigeuner mee kwam aandraven op een deken en dan op
het zand uitrolde als een hoop harige handgemaakte objecten die daar maar wat lagen.’
THE WEST COAST / ROBERT NELSON’S SUITE CALIFORNIA – 94’
De twee voltooide delen, die Zuid-Californië en de Bay
Area beslaan, schetsen het uitgestrekte en onvoorspelbare gebied tussen een rijke persoonlijke interpretatie
van een plek en de plek zelf. Hoewel beide werken van
begin tot einde getuigen van Nelsons karakteristieke briljante humor, zijn het tegelijk ook diepe reflecties, vol
onverwachte, onthullende inzichten over zijn persoonlijke ervaring van de thuisstaat en de eigen plaats daarin.
Robert Nelson’s masterpiece Suite California is a work of deep
feeling, insight, humour, and intelligence which finds Nelson working at the height of his formal innovation, and, at the same time,
at his most personally revealing and emotionally generous. The
project was originally intended as a much longer, multi-part travelogue traversing the wide cultural and geographical diversity
of California, all of it framed, modified, and distorted through
the subjective lens of Nelson’s own experiences and memories.
The two completed parts, covering Southern California and the
Bay Area, trace the vast and unpredictable area between a rich
personal reading of a place and the place itself. Although both
works feature Nelson’s characteristic brilliant humour throughout, they are also deeply reflective and filled with unexpected,
revelatory insight about the subjective experience of his home
state, and his own place in it.
Artist’s Film in Los Angeles,
1969-1983
MAR / DIN / TUE 11.10 / 17:00
LEDOUX
Mark Toscano
Invocation, Projection Instructions,
War Zone, Bondage Boy, Bertha’s
Children, Now Playing and Sears
Sox restored by and courtesy of the
Academy Film Archive. Metro-Goldwyn-Mayer courtesy of Los Angeles
Filmforum and Rebecca Donelson.
Cartoon Le Mousse was restored
by the Academy Film Archive and
the Pacific Film Archive with funding from the National Film Preservation Foundation, print courtesy of the
Academy Film Archive. Film Achers
courtesy of Beth Block and The iotaCenter Collection at the Academy Film Archive. Heavy-Light was
restored by The iotaCenter and the
Academy Film Archive with funding from the National Film Preservation Foundation, print courtesy of The
iotaCenter Collection at the Academy Film Archive. New print of Foregrounds courtesy of the Academy
Film Archive.
THE WEST COAST
COMPANY TOWN
INVOCATION
AMY HALPERN, USA 1982
METRO GOLDWYN-MAYER
JACK GOLDSTEIN, USA 1975
PROJECTION INSTRUCTIONS
MORGAN FISHER, USA 1976
b&w, 4’, 16 mm, v : ENG, sub : —
CARTOON LE MOUSSE
b&w, 14’, 16 mm, v : ENG-FR, sub : —
WAR ZONE
NEON PARK (MARTIN MULLER), USA 1971
BONDAGE BOY
CHRIS LANGDON, USA 1973
FILM ACHERS
BETH BLOCK, USA 1976
BERTHA’S CHILDREN
ROBERTA FRIEDMAN & GRAHAME WEINBREN, USA 1976
HEAVY-LIGHT
ADAM BECKETT, USA 1973
FOREGROUNDS
PAT O’NEILL, USA 1978
NOW PLAYING
SUSAN ROSENFELD, USA 1983
93
THE WEST COAST /
COMPANY TOWN – 78’
SEARS SOX
CHICK STRAND, MARTIN MULLER & PAT O’NEILL, USA ca.1969
THE WEST COAST / COMPANY TOWN – 78’
92
punt in Nelsons formele innovatie en is tegelijk een van
zijn meest persoonlijk onthullende en emotioneel genereuze werken. Het project was oorspronkelijk bedoeld als
een veel langer reisverslag met verschillende delen dat
de brede culturele en geografische diversiteit van Californië zou doorkruisen – het geheel omkaderd, bewerkt
en vervormd door Nelsons persoonlijke blik, door zijn eigen ervaringen en herinneringen.
In de Verenigde Staten verwijst het begrip ‘company
town’ naar een plaats die gedomineerd en gedefineerd
wordt door – en afhankelijk is van – een specifiek bedrijf,
wat meestal ten koste gaat van de burgers/werknemers.
Hier wordt het begrip ironisch gebruikt: Los Angeles is
natuurlijk in sommige opzichten een soort ‘bedrijfsstad’,
in die zin dat de entertainmentindustrie er extreem aanwezig is als vorm van werkgelegenheid. Omdat er, vergeleken bij die van New York, Londen en San Francisco,
over de geschiedenis van de filmavant-garde van Los Angeles slechts heel weinig geschreven is, gaan veel mensen ervan uit (misschien precies door de aanwezigheid
van die filmindustrie) dat je er geen echte experimentele
filmcultuur of -geschiedenis vindt. Het tegendeel is waar:
gedurende vele tientallen jaren is er in Los Angeles een
enorme en bloeiende filmische avant-garde geweest, althans voor een deel net door de industrie.
95
In dit uitgebreid en breed programma, hoofdzakelijk bestaand uit gerestaureerde kopijen uit het Academy Film
Archive in Hollywood, zien we films uit de Los Angeles avant-garde. Dit suggereert een bewustzijn van, en
betrokkenheid met – niet slechts het filmmedium, maar
ook met de onderliggende politieke omstandigheden
van de filmindustrie en van filmische representatie in
het algemeen.
In the U.S., the concept of a “ company town ” refers to a town
which is dominated by, dependent on, and defined by a specific
corporate employer, usually to the detriment of the citizens/workers. Used ironically here, Los Angeles is of course in some ways
like a company town, in that the entertainment industry is extremely present as a mode of employment. Because the history
of the Los Angeles cinematic avant-garde has been only very minimally written about when compared to that of New York, London, or San Francisco, many people assume there is not much of
an experimental film culture or history, perhaps due to the presence of the industry. On the contrary, there has for many decades
been a massive and thriving cinematic avant-garde in Los Angeles, at least in part because of the industry. This wide-ranging program, composed mostly of restored prints from the Academy Film
Archive, includes films from the Los Angeles avant-garde which
suggest an awareness of and engagement with not just the film
medium, but the underlying politics of the film industry and cinematic representation in general.
94
Aux États-Unis, le concept de company town s’applique à une ville
dominée par et dépendante d’une profession, généralement au
détriment des citoyens/travailleurs. À sa façon, Los Angeles est
une company town, l’industrie du divertissement étant particulièrement importante en matière d’emploi. Si l’on pense à l’intérêt qu’a suscité le cinéma expérimental et d’avant-garde à New
York, Londres, ou San Francisco, celui produit à Los Angeles n’a
pas attiré l’attention qu’il mérite. Beaucoup pensent en effet qu’il
n’existe pas de culture du cinéma expérimental dans cette ville
réputée d’abord pour son industrie cinématographique. Et pourtant, pendant plusieurs décennies, Los Angeles a vibré au rythme
du cinéma d’avant-garde, et sans doute, justement, à cause de
l’omniprésence de l’industrie. Dans ce programme, composé essentiellement de films restaurés par l’Academy Film Archive, sont
rassemblés quelques films de l’avant-garde de Los Angeles exprimant une conscience et un engagement pour le media cinéma,
mais qui s’intéressent aussi aux enjeux politiques sous-jacents à
l’industrie cinématographique et à la représentation cinématographique en général.
ABCD
ASIAN EXPERIMENTAL CINEMA
Curated by Shai Heredia (Experimenta India)
Ce programme emprunte son titre au film ABCD, irrévérencieux et puissant court métrage d’animation du fameux artiste philippin Roxlee. Il présente un panel éclectique de cinéastes et vidéastes
asiatiques préoccupés par le questionnement des formes conventionnelles de représentation et
cherchant à inventer de nouvelles manières de voir et de comprendre la culture.
Expérimentant dans le champ de l’animation, du found footage ou du montage, ou innovant radicalement dans le cadre du cinéma narratif ou documentaire, ces cinéastes font écho dans leurs films
aux relations complexes qu’ils entretiennent avec le cinéma et la pratique artistique. En considérant
l’hétérogénéité culturelle et la relation particulière qui se tissent en Asie entre l’individu et la communauté ou le politique, ce programme pose un regard sur les complexités esthétiques et sociopolitiques du cinéma expérimental au sein du continent asiatique, vaste et contrasté.
En 2014, le festival Experimenta India (Bangalore) en collaboration avec la Srishti School of Art, Design and Technology (Inde) et le Centre for Research and Education in Arts and Media, University
of Westminster (Royaume-Uni) a mis sur pied à Bangalore la manifestation Comparing Experimental Cinemas, un symposium international consacré aux pratiques cinématographiques expérimentales. Cette rencontre fut le point de départ de Experimental Cinema in Asia Network (ECAN), un
réseau d’échanges et de soutiens entre praticiens et chercheurs d’Indonésie, du Japon, de Hong
Kong, de Malaisie, de Nouvelle-Zélande, de Corée du Sud, de Thaïlande, du Vietnam, des Philippines et d’Inde. Motivé par le besoin d’établir les termes de l’inclusion des images en mouvement
non occidentales dans le circuit international de distribution et d’expositions, ECAN se propose de
cartographier et de théoriser les histoires, les modes et les régionalismes des pratiques cinématographiques expérimentales en Asie.
Dit programma ontleent zijn titel aan de oneerbiedige en intense animatiefilm ABCD van de
legendarische Filippijnse kunstenaar-filmmaker Roxlee. Het toont, in een eclectische mix,
kunstenaars uit Azië die de confrontatie aangaan met conventionele representatievormen
en die nieuwe manieren bedenken om cultuur te bekijken en te begrijpen.
Deze filmmakers tonen, van experimenten met animatie, found footage en gestileerde
montage tot radicale innovaties met speelfilm en documentaire film, de complexe culturele relaties die ze aangaan met filmmaken als artistieke praktijk. Door de culturele verscheidenheid te bekijken en de bijzondere relatie die in de regio bestaat tussen het zelf en
de begrippen ‘gemeenschap’ en ‘politieke groep’, biedt dit programma een blik op de esthetische en sociaal-politieke complexiteit van experimenteel filmmaken binnen de enorm
uitgebreide en diverse Aziatische context.
Taking its title from the irreverent and powerful animation film ABCD by the legendary Filipino artist and filmmaker Roxlee, this programme is an eclectic showcase of artists from Asia who are concerned with challenging conventional forms of representation, and devising new ways of seeing
and understanding culture.
From experiments in animation, found footage and stylised montage, to radical innovations with
narrative and documentary forms, these filmmakers expose the complex cultural relationships they
share with filmmaking as an artistic practice. By considering the cultural heterogeneity and the particular relationship between selves and the concepts of ‘community’ and ‘politicality’ in the region,
this programme offers a view into the aesthetic and socio-political complexities of experimental
filmmaking within the vast and diverse context of Asia.
In 2014, Experimenta India, in collaboration with the Srishti School of Art, Design and Technology,
India, and the Centre for Research and Education in Arts and Media, University of Westminster, U.K.
hosted ‘Comparing Experimental Cinemas’, an international symposium on experimental moving image practices in Bangalore. This symposium inaugurated the Experimental Cinema in Asia Network
(ECAN) of exchange and support amongst moving image art practitioners, curators, academics and
researchers from Indonesia, Japan, Hong Kong, Malaysia, New Zealand, South Korea, Thailand,
Vietnam, the Philippines and India. Motivated by the need to re-establish the terms of inclusion of
non-western moving image in exhibition and distribution, ECAN proposes to map and theorize histories, modes and the regionality of experimental moving image practices across localities in Asia.
In partnership with
97
96
In 2014 was Experimenta India gastheer van ‘Comparing Experimental Cinemas’. Het internationaal symposium rond experimentele filmpraktijken was een samenwerking tussen de
Srishti School of Art, Design and Technology (Bangalore) en het Centre for Research and
Education in Arts and Media van de University of Westminster en vond plaats in Bangalore.
Het symposium vormde ook de inhuldiging van het Experimental Cinema in Asia Network
(ECAN) voor de uitwisseling en onderlinge ondersteuning van filmbeoefenaars en -onderzoekers uit Indonesië, Japan, Hong Kong, Maleisië, Nieuw-Zeeland, Zuid-Korea, Thailand,
Vietnam, de Filippijnen en India. De motivatie achter ECAN is het opnieuw definiëren van
de condities rond het tonen en verspreiden van niet-westerse films. Het netwerk stelt voor
om de geschiedenissen, de modi en het specifiek regionale karakter van experimentele
filmpraktijken in Azië in kaart te brengen en de theorievorming erover aan te wakkeren.
A – 61’
VEN / VRIJ / FRI
07.10 / 15:00
LEDOUX
Une critique de la mondialisation et des systèmes politiques oppressifs selon un prisme irrévérencieux, personnel et poétique.
Een kritiek op globalisering en onderdrukkende politieke systemen, met een oneerbiedige, persoonlijke en
poëtische blik.
A critique of globalisation and oppressive political systems
through a lens that is irreverent, personal and poetic.
YESTERDAY (KEMARIN)
99
98
ABCD :
OTTY WIDASARI, INDONESIA 2008
colour, 13’, Digital File, v : INDONESIAN, sub : ENG
Un fragment biographique de trois amis se remémorant leurs années d’université pendant l’ère post-Suharto (dite de « Réforme »)
alors en cours en Indonésie. La politique de cette époque est abordée sous un angle personnel via des conversations – et des mouvements de caméra fluides.
Shai Heredia
Een greep uit het leven van drie vrienden, die herinneringen ophalen aan hun universiteitsjaren tijdens het
tien jaar durende post-Suharto ‘Reformatie’-tijdperk in
Indonesië. De politieke momenten van deze periode worden onderzocht vanuit een persoonlijke blik, via gesprekken en vloeiende camerabewegingen.
A reflective biography fragment of three friends reminiscing about
their college days through the ten years of the ongoing Reformation era in Indonesia. The politics of this period is explored with a
personal lens through conversations and fluid camera movements.
RUST (KALAWANG)
CESAR HERNANDO, ELI GUIEB III &
JIMBO ALBANO, PHILIPPINES 1989
colour, 7’, 16 mm Transferred to Digital, v : NO DIALOGUE
ROXLEE, PHILIPPINES 1985
colour, 5’, Super 8 Transferred to Digital, v : NO DIALOGUE
Sous forme d’abécédaire, un court métrage d’animation expérimental résolument cru dans son approche qui, entre commentaire
socio-politique et fantaisie surréaliste, plaide pour une vision nouvelle et personnelle de l’alphabet.
ABCD : A – 61’
Een experimentele, nadrukkelijk ruwe animatiefilm, deels
sociopolitiek commentaar, deels surrealistische gril, die
pleit voor een nieuwe en persoonlijke kijk op het alfabet.
An experimental animation, decidedly crude in approach, part socio-political commentary and part surrealist whimsy, advocating
for a new and personal take on the alphabet.
Kalawang est un des films les plus importants et les mieux réalisés
ayant émergé des ateliers de cinéma expérimental de Christoph
Janetzko. Une œuvre satirique qui utilise des images trouvées
de guerre, de sexe et de culture pop pour démonter le complexe
culturel et libidineux de la colonisation.
Een van de opvallendste, best gemaakte films die zijn
voortgekomen uit de experimentele-filmworkshops van
Christoph Janetzko. Kalawang is een satirische film die
found footage gebruikt – met beelden van oorlog, seks
en popcultuur – om het culturele en libidineuze kolonisatiecomplex los te wrikken.
One of the most prominent and well-crafted films that emerged
from the Christoph Janetzko experimental film workshops,
Kalawang is a satirical piece that uses found footage of war, sex,
and pop culture to unpick the cultural and libidinal complex of
colonization.
ABCD : A – 61’
ABCD
KUSH BADHWAR, INDIA 2013
colour, 36’, digital, v : ODIYA-HINDI, sub : ENG
Le village de Kucheipadar, dans l’État d’Odisha, possède un gisement de bauxite qui, depuis la libéralisation économique de l’Inde,
a été à l’origine d’un violent conflit entre les aborigènes Adivasis et une entreprise minière. Les chants y ont permis d’articuler
entre elles des formes créatives et des structures politiques qui
ont guidé le mouvement de résistance à Kashipur de son stade
subalterne à la solidarité – puis à la dissolution. Le film combine
l’enregistrement de chansons, de la vie agricole et villageoise et
d’un meeting politique pour improviser des liens entre voix, musique, silence, son et bruit.
Het dorp Kucheipadar in Odisha is rijk aan het mineraal
bauxiet, waardoor het sinds de economische liberalisering van India het voorwerp is geweest van gewelddadige conflicten tussen de autochtone Adivasi en de
mijnbouwonderneming Kashipur. In de liederen die gezongen worden, vinden we de creatieve vormen en politieke structuren van de verzetsbeweging terug: van
ondergeschikt-zijn, over solidariteit, tot de uiteindelijke
ontbinding. De film verweeft inspanningen om liederen
op te nemen alsook het leven op het veld, het dorpsleven en een politieke bijeenkomst, en improviseert zo een
verbinding tussen stem, muziek, stilte, geluid en lawaai.
ABCD : A – 61’
Kucheipadar village in Odisha is a bauxite-rich block that since
India’s economic liberalisation has been the subject of violent
conflict between Adivasis and a mining venture. The singing of
songs has come to articulate creative forms and political structures that steered the Kashipur resistance movement from subalternity, through solidarity and into dissolution. The film interweaves the efforts to record song, farming, village life and a
political meeting to improvise a junction between voice, music,
silence, sound and noise.
B – 64’
LUN / MAA / MON
10.10 / 16:00
PLATEAU
MAR / DIN / TUE 11.10 / 18:00
Un gros plan sur des propositions narratives ou des expressions
performatives qui reflètent la lutte pour les (et la quête des) libertés individuelles.
101
ABCD :
Een focus op verhalende momenten en performatieve
uitdrukkingsvormen die de strijd voor, en de zoektocht
naar, persoonlijke vrijheden weerspiegelt.
A focus on narrative moments and performative expressions, that reflects the struggle for, and pursuit of, personal
freedoms.
PLATEAU
présentées par/ingeleid door/introduced by
Shai Heredia
THE BACKYARD (HALAMAN BELAKANG)
YUSUF RADJAMUDA, INDONESIA 2013
Tout en s’efforçant d’ignorer les bruits venant de l’intérieur de la
maison, un enfant s’occupe en jouant tout seul.
Een kind speelt alleen en probeert het lawaai dat vanuit
het huis komt te negeren.
Trying to ignore the noises coming from inside the house, a kid
busies himself by playing alone.
ABCD : B – 64’
100
BLOOD EARTH
colour, 7’, Super 8 Transferred to Digital, v : NO DIALOGUE
colour, 20’, Digital File, v : THAI, sub : ENG
Un homme cherche son destin en rampant dans les rues de Manille à la fin de la dictature de Marcos, traversant l’autoroute urbaine EDSA (Epifanio de los Santos Avenue) et suivant les ombres
des piliers du Manila Film Center – juste avant que la « révolution
de février » (1986) et l’occupation de la EDSA ne renversent le régime de Marcos.
Natee Cheewit désigne le moment où la vie peut basculer du côté
de la mort. « Au début, je ne pensais pas à ce statement. Parce
que je suis tombé sur cet événement par hasard, j’espère que les
spectateurs le ressentiront de la même manière que moi. » (Phaisit Punprutsachat)
Op het hoogtepunt van de Marcosdictatuur gaat een
naakte man op zoek naar zijn bestemming, kruipend door
de straten van de metropool. Hij doorkruist de hoofd
verkeersader EDSA (Epifanio de los Santos Avenue) en
volgt de schaduwen van de pijlers van het Manila Film
Center – dit alles net voor de februari-revolutie (1986)
en de bezetting van de EDSA, gebeurtenissen die het
Marcosregime omverwierpen.
A man searches for his destiny while crawling the streets of the
metropolis at the height of the Marcos dictatorship, traversing
the main EDSA (Epifanio de los Santos Avenue) thoroughfare,
and tracing the shadows of the pillars of the Manila Film Center,
all just before the People Power Revolution and the storming of
EDSA that toppled the Marcos regime.
JUMP (KEPUTUSAN DI SUNGAI CIUJUNG)
SYAIFUL ANWAR, INDONESIA 2009
ABCD : B – 64’
PHAISIT PUNPRUTSACHAT, THAILAND 2014
‘Natee Cheewit’, dat is het moment van een leven-ofdood-situatie. ‘In het begin dacht ik niet aan dat statement. Omdat deze gebeurtenis toevallig op mijn weg lag,
hoop ik dat het publiek ze op dezelfde manier zal ervaren als ik.’ (Phaisit Punprutsachat)
Natee Cheewit means the point in time during a life or death situation. “ At the beginning I was not thinking about the statement.
Because this event I met by chance, I hope the audience will feel
the same way that I did. ” (Phaisit Punprutsachat)
IMRAaN, C/O CARROM CLUB
UDITA BHARGAVA, INDIA 2014
colour, 14’, Digital File, v : HINDI, sub : ENG
Dans le quartier pauvre de Malwani, à Bombay, la plupart des garçons jouent au jeu de table nommé carrom. Les clubs de carrom
sont dispersés à travers le bidonville et Imraan, onze ans, s’occupe d’un de ces clubs. Un court aperçu de la vie d’Imraan dans
le petit monde qui est le sien.
Un adolescent, Wandi, se tient au bord d’un pont au-dessus d’une
rivière du haut duquel ses amis plongent sans problème pour se
baigner. Le film enregistre le moment où Wandi doit prendre la
décision de sauter – ou de ne pas sauter.
In Malwani in Mumbai kunnen de meeste jongens carrom spelen en over de hele sloppenwijk zijn er carromclubs. De elfjarige Imraan zorgt voor zo’n club. Een glimp
van Imraans leven op zijn kleine planeet.
Wandi, een adolescent, staat aan de rand van een brug
over een rivier. Zijn vrienden springen er met gemak af en
zwemmen rond. De film registreert het moment waarop
hij het besluit moet nemen de rivier in te duiken. In Malwani, Mumbai, most boys can play carrom. Carrom clubs
are scattered across this slum. Imraan, an 11 year old, looks after
one such club. A tiny glimpse into Imraan’s life on his little planet.
Wandi, a teenager, is on the edge of a bridge over a river where
his friends easily jump off and swim. This film records the moment
when a decision must be taken by Wandi to jump into the river.
103
NATEE CHEEWIT
ROXLEE, PHILIPPINES 1986
ABCD : B – 64’
102
JOHNNY CRAWL (JUAN GAPANG)
MAR / DIN / TUE 11.10 / 15:00
LEDOUX
Shai Heredia
Deze zeer inventieve, hybride portretten gebruiken mythologie en folklore om de paradoxale aantrekkingskracht te onthullen tussen documentaire realiteit en
fictieve werelden.
These highly inventive hybrid portraits use mythology and
folklore to reveal the paradoxical pull between documentary
reality and fictional worlds.
THE RETROCHRONOLOGICAL
TRANSFER OF INFORMATION
GENRE SUB GENRE
colour, 10’, 16 mm transferred to digital, v : FILIPINO, sub : —
Le film consiste en quatre fragments visuels. Chaque fragment
comporte des images factuelles d’une situation géographique
donnée, de paysages déconstruits filmés en plans longs.
TAD ERMITANO, PHILIPPINES 1994
Cette parodie irrévérencieuse de science-fiction est moins un
documentaire qu’une pure merveille. Une méditation drôle sur
l’écoulement du temps, la politique et les points de vue en cinéma. Espérant envoyer un message dans le passé en équipant
sa caméra pour filmer à travers l’image du poète José Rizal imprimée sur les billets philippins, Ermitano joue avec les limites de
différents points de vue : celui de Rizal, celui de la politique philippine, celui de la caméra, le sien, et le nôtre.
Een oneerbiedige parodie op sciencefictionfilms die niet
zozeer een documentaire is maar wel een pareltje van
een film. Of nog: een humoristische meditatie op tijd,
politiek, en point-of-view in film. Ermitano hoopt een bericht terug te sturen in de tijd door de camera zo uit te
rusten dat hij doorheen het portret van de dichter Rizal
(gedrukt op Filippijnse geldbiljetten) filmt. Zo speelt hij
met de grenzen van de verschillende perspectieven: dat
van Rizal, de Filippijnse politiek, de camera, de filmmaker – en het onze.
ABCD : C – 59’
105
C – 59’
Ces portraits hybrides particulièrement inventifs utilisent la mythologie et le folklore pour révéler l’attraction paradoxale entre
réalité documentaire et mondes de fiction.
This irreverent parody of science-fiction films is less a documentary than a marvel. A humorous meditation on time, politics, and
point of view in cinema. Hoping to send a message back in time
by equipping the camera to shoot through Rizal’s portrait on Philippine money, Ermitano plays with the boundaries of different
points of view : Rizal’s, that of Philippine politics, the camera’s,
the filmmaker’s, and ours.
YOSEP ANGGI NOEN, INDONESIA 2013
Deze film bestaat uit vier beeldfragmenten. Elk fragment
bevat documentaire beelden van een geografische situatie met lange shots van gedeconstrueerde landschappen.
This film consists of four visual fragments. Each fragment contains factual visuals of a geographic situation with long-takes of
deconstructed landscapes.
LEMBUSURA
WREGAS BHANUTEJA, INDONESIA 2014
Situé au milieu des retombées de poussière issue de l’éruption du
mont Kelud à l’Est de Java, le film mène son exploration en recourant à la mythologie du folklore de Lembusura.
Deze film is gesitueerd in de stoffige regen van de uit
barsting van de Mount Kelud in Oost-Java en onderzoekt die uitbarsting via de mythologie van de Lembusara folklore.
This film is situated amidst the dusty rain of the Mount Kelud
eruption in East Java and is explored through the mythology of
the Lembusura folklore.
ABCD : C – 59’
104
ABCD :
107
106
THE LAST MANGO BEFORE THE MONSOON
PAYAL KAPADIA, INDIA 2015
colour, 19’, Digital File, v : HINDI, sub : ENG
Deux techniciens des services forestiers marchent dans la forêt,
installant des caméras thermiques pour filmer l’activité nocturne
des animaux. La forêt se trouve à la frontière entre le Tamil Nadu
et le Kerala, les deux États dont sont originaires les deux hommes.
Ailleurs, il y a longtemps, une femme a quitté sa forêt, qu’elle aspire aujourd’hui à retrouver, ainsi que son défunt mari. Ses désirs
se manifestent dans ses rêves qui sont déclenchés par la dernière mangue de la saison.
ANITO
MARTHA ATIENZA, PHILIPPINES 2012
colour, 8’, Digital File, v : NO DIALOGUE
La christianisation d’une fête animiste, son intégration dans un
certain catholicisme populaire et sa lente transformation en folie moderne. Le portrait tragi-comique d’une petite ville insulaire
dont les moyens de subsistance sont profondément liés à la mer.
Een animistisch festival dat gekerstend is en werd opgenomen in de katholieke folklore verandert langzaamaan
in moderne waanzin. Een tragikomisch portret van een
klein eilandstadje dat voor zijn levensonderhoud erg afhankelijk is van de zee.
Twee technici die voor het departement bosbouw werken, lopen door een bos. Ze plaatsen warmtegevoelige
camera’s om ‘s nachts dierlijke activiteiten te documenteren. De mannen komen uit twee verschillende staten,
Tamil Nadu en Kerala, en het bos ligt op de grens van
die twee staten. Elders is een vrouw, lang geleden, weg
van een bos gaan wonen. Ze verlangt naar haar overleden man en ook naar het bos, wat tot uiting komt in haar
dromen, die uitgelokt worden door de laatste mango van
het seizoen.
Two technicians from the forest department walk through a forest, setting up heat sensitive cameras to document animal activities in the night. The men are from two different states, Tamil
Nadu and Kerala, as the forest lies on the border of the two states.
Somewhere else, a woman has moved away from a forest a long
time ago. She yearns for her dead husband and also the forest.
Her desires are manifested in her dreams that are triggered by
the last mango of the season.
ABCD : C – 59’
ABCD : C – 59’
An animistic festival, Christianized and incorporated into Folk
Catholicism, slowly turns into modern day madness. A tragicomic
portrait of a small island town whose livelihood is deeply rooted
in and bound to the sea.
DIM / ZON / SUN
09.10 / 13:00
MUSEUM VIEWING SPACE
Dès 8 ans – Vanaf 8 jaar
Max. 12 participants / deelnemers
Réservation / Reservatie / Reservation:
[email protected]
02 551 19 49
109
ATELIER BILINGUE / TWEETALIGE WORKSHOP
FILMs SANS CAMÉRA
CAMERALOZE FILMS
FILMS WITHOUT CAMERA
Laure Goemans & Jeni Reghem
FR & NL, 120’
Intervenir directement sur la pellicule. Sentir la matière, apposer la
couleur, gratter, sculpter la lumière. Premiers pas « en aveugle » à
travers les images et le mouvement – puis une surprise graphique
lors de la projection !
Direct op pellicule werken. De filmmaterie voelen, kleur
aanbrengen, krabben, met licht beeldhouwen. Je eerste
‘blinde’ stappen doorheen de beelden en de beweging
– en dan een grafische verrassing tijdens de projectie!
Work directly on the film. Feel the material, apply colour, scratch,
carve with light. Your first ‘blind’ steps through images and movement – and then, a graphical surprise at the screening!
Projection / Projectie Vision et discussion autour
du cinéma et de ses techniques
Projectie en gesprek
rond film en filmtechnieken
Vision and discussion
about the film and its techniques
Extraits de / uittreksels uit / fragments from
BEGONE DULL CARE
NORMAN McLAREN &
EVELYN LAMBART, CANADA 1949
colour, 8’, v : NO DIALOGUE
RAINBOW DANCE
LEN LYE, UK 1936
MOTHLIGHT
colour, 4’, v : SILENT
LE CANARD GÉOMÉTRIQUE /
De geometrische eenD
LOUIS VAN MAELDER, BELGIUM 1966
EXPRMNTL FOR KIDS
EXPRMNTL FOR KIDS
EXPRMNTL FOR KIDS
JEU/DON/THU
VEN/VRIJ/FRI
06.10
Plateau
Ledoux
DIM/ZON/SUN
08.10
Plateau
Ledoux
Plateau
15:00
Ledoux
Plateau
EXPRMNTL
FOR KIDS p.109
MUSEUM
VIEWING SPACE
15:00
Hadjithomas
& Joreige
The Lebanese
Rocket Society
75’ p.57
61’ p.98
11.10
Plateau
15:00
CHICK STRAND
Survival & Desire
15:00
ABCD #3
74’ p.86
59’ p.104
15:00
+ GUEST
Ledoux
13:00
/ 42’ p.67
Peter Gidal #2
MAR/DIN/TUE
10.10
Plateau
Hadjithomas
& Joreige
The Lost Film
15:00
ABCD #1
A
Ledoux
14:00
11:00
MASTERCLASS
HADJITHOMAS
& JOREIGE p.11
15:00
LUN/MAA/MON
09.10
11:00 > 14:00
11:00 / 14:00
Ledoux
SAM/ZAT/SAT
07.10
C
16:00
ALCHEMY IN THE
GOLDEN STATE
California
Dreamin’ (bis)
16:00
CHICK STRAND
Amnesia, Euphoria,
& Ecstasy
SPECIAL EVENT
Peter Gidal #3
17:00
17:00
COMPETITION #1
COMPETITION #2
17:30
COMPETITION #4
17:00
COMPETITION #6
82’ p.28
77’ p.30
47’ p.38
63’ p.46
18:00
64’ p.101
68’ p.79
66’ p.59
75’ p.88
18:00
BRUCE BAILLIE
Why Take Up the
Camera
18:00
BRUCE BAILLIE
Why Take Up the
Camera (bis)
20:00
BRUCE BAILLIE
Let’s Not Be So
Serious (…)
55’ p.74
55’ p.74
76’ p.77
17:00
COMPANY TOWN
Artist’s Film in LA
78’ p.93
Myriam Garfunkel Evening
64’ p.101
48’ p.06
19:00
COMPETITION #3
19:00
COMPETITION #5
19:00
COMPETITION #7
70’ p.34
58’ p.43
45’ p.48
19:00
BRUCE BAILLIE
American Inner
Landscape
19:00
Hadjithomas
& Joreige
Je veux voir
& Rounds
B
66’ p.59
19:00
OPENING NIGHT
19:00
La deuxième femme
LIVE SOUNDTRACK
18:00
ABCD #2 (bis)
18:00
Peter Gidal #3 (bis)
18:00
19:00
B
16:00
BRUCE BAILLIE
Correspondence
(bis)
16:00
ABCD #2
16:00
17:00
17:00
74’ p.84
16:30
DISCUSSION WITH
HADJITHOMAS
& JOREIGE p.12
16:00
16:00
/ 93’ p.68
75’ p.81
20:00
ALCHEMY IN THE
GOLDEN STATE
California Dreamin’
20:00
COCKTAIL
OPENING NIGHT
21:00
EXPRMNTL
21:00
Peter Gidal #1
75’ p.56
60’ p.10
Plateau
Ledoux
JEU/DON/THU
06.10
Ledoux
Plateau
VEN/VRIJ/FRI
07.10
BOOK
Peter Gidal
LOBBY p.14
74’ p.84
20:00
20:00
BRUCE BAILLIE
Correspondence
BOOK
Bruce Baillie
LOBBY 68’ p.79
p.15
21:15
BRUCE BAILLIE
Bruce Baillie #2
21:15
ROBERT NELSON’s
Suite California
61’ p.75
94’ p.91
Ledoux
Plateau
SAM/ZAT/SAT
08.10
Ledoux
Plateau
DIM/ZON/SUN
09.10
20:00
BOOK
Birgit Hein
LOBBY 20:00
BRUCE BAILLIE
Let’s Not Be So
Serious (…) (bis)
p.17
76’ p.77
21:15
Hadjithomas
& Joreige
A Perfect Day
21:00
CLOSING NIGHT
PROCLAMATION
+ HAVARIE
88’ p.69
93’ p.18
Ledoux
Plateau
LUN/MAA/MON
10.10
Ledoux
21:00
21:00
75’ p.88
20:00
CHICK STRAND
Amnesia, Euphoria,
& Ecstasy (bis)
20:00
20:00
20:00
83’ p.64
Plateau
MAR/DIN/TUE
11.10
112
CINEMATEK THANKS ITS PARTNERS FOR THEIR SUPPORT
CINEMATEK
Baron Horta 9, 1000 Brussels
02 551 19 19 - www.cinematek.be
TICKETS
BOOK ONLINE
www.cinematek.be
Until 14:00 on the day of screening.
Screening € 4
€ 2 + CINEMATEK cards: annual or threemonthly season-ticket, students
A print-out of your (mailed) order applies as a
ticket, to be shown when entering the screening
room (no need to queue at the box office).
ÂGE D’OR PASS
RESERVE BY PHONE
02 551 19 19
Reachable Mon-Fri from 09:30 ; Sat-Sun from 14:30.
€ 40
€ 20 + CINEMATEK cards
PLEASE NOTE:
SEATS ARE LIMITED
Ledoux screening room: 117 seats
Plateau screening room: 29 seats
SPECIAL THANKS TO…
All the employees of CINEMATEK & all the filmmakers and guests of the festival.
rue crickxstraat
15
1060 s t. g illis
ww w.lesateliersclaus.com
0
BUY AT THE BOX OFFICE
Baron Horta 9, 1000 Brussels
Telephone reservations only possible for
screenings on the day itself (and for the weekend on Fridays).
Please note: reservations have to be claimed
at the box office at least 15 minutes before the
screening; unclaimed reservations are cancelled 15 minutes before the screening.
So don’t wait too long!
OPENING HOURS DURING THE FESTIVAL
One hour before the first screening.
2 534 5 1 03
DON’T SHOW UP AT THE LAST MINUTE.
Queuing may take some time.
REGISTERED PUBLISHER
Nicola Mazzanti
PRESS
Emmanuelle De Schrevel
The screening rooms open 15 minutes before
the start of a screening.
IN CHARGE OF PROGRAMME
Olivier Dekegel
GRAPHIC DESIGN
Patrice Deweer
Entrance is no longer possible once the
screening has started. CINEMATEK closes
once the last screening has ended.
assisted by
Philippe Delvosalle
HEAD OF AUDITORIUM
Hilde Delabie
CURATORS
Olivier Dekegel, Philippe Delvosalle, Céline Brouwez, Jeni Reghem
PROJECTIONISTS
Antoine Chambre, Bernard Beets, Cristian
Ionescu, Francois Ers, Jaâber Gsir, Yves Verly
GUEST CURATORS
Shai Heredia, Garbiñe Ortega, Mark Toscano, Mark Webber
TRANSLATIONS
Steven Tallon, Laura Christensen, Julien Charlier
COMMUNICATION
Laure Hendrickx, Julien Charlier, Quention Moyon, Inge Coolsaet
PROOFREADING
Hilde Delabie, Laure Hendrickx, Jill McArdle
& Jean-Charles Tatum Jr.
© CINEMATEK 2016 - 2017
Koninklijk Filmarchief / Cinémathèque royale
www.agedorfestival.be

exprmntl filmfestival

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