I nternationale d` A rt C ontemporain DE PARIS - Artec

Transcription

I n t e r n a t i o n a l e d’ A r t C o n t e m p o r a i n
TR I E N N A L E
DE
PARIS
Du 10 au 26 janvier 2013 - from January 10th to 26th
Vernissage : mercredi 9 janvier 2013 (18h-21h).
opening party Wednesday january the 9th
from 6 to 9 PM
19h Concert par Jackie BILLY (violon)
et André ROBERT (accordéon) Jackie BILLY a effectué
une brillante carrière au sein des premiers violons
de l’Orchestre de Paris. Elle propose avec André
ROBERT accordéoniste, chef de cœur et d’orchestre
(Cœur de Chaville, orchestre Elysium) un duo
original œuvres de Paganini, Vivaldi, Bartók,
Neagu, Piazzola, Brahms, Barber, Kreisler…
Concert by Jackie BILLY (violon) and André Robert
(accordeon)
Organisateur : organisation
Association ARTEC
La vieille poste – F-41150 Chouzy/Cisse FRANCE
Contact : Mme Françoise Icart, Présidente
Tél. : 06 20 70 03 17 / Mél. : [email protected]
Web : www.artec-artmondial.fr
Cité Internationale des Arts (résidence d’artistes).18, rue de l’Hôtel de Ville, 75004, Paris.
Tel : (33)1 42 78 71 72 | Fax : (33)1 42 78 40 54 | Email : [email protected]
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Le mot de la présidente
Si l’art est aujourd’hui la valeur refuge de l’esprit humain, c’est que peu à peu les
piliers tels la morale ou la religion se sont faits moins présents donnant à l’art une
dimension et une place que Hegel n’aurait pas imaginé lui qui pensait que si ART,
Religion et Philosophie étaient trois manières d’exprimer la spiritualité humaine, il
n’en demeurait pas moins que l’art selon lui cédait le pas à ses deux grandes sœurs.
Les grandes expositions sont donc devenues le lieu de la possibilité des formes, lieu
d’évaluation des relations, de la préservation du fragile, de renseignement sur les
instincts.
La notion d’exposition doit être comprise dans le sens de la liberté que cet espace
culturel offre aujourd’hui. Une liberté qui est à la fois « accès à l’universalité dans
l’humain et expression en même temps de sa singularité » Harald Szeemann.
L’Art tel Protée insaisissable, change en permanence de visage, de technique, de
lieu, du cubisme au surréalisme, en passant par l’expressionnisme, le symbolisme,
l’hyperréalisme, l’abstraction, l’action painting, le minimalisme, l’art pauvre, la récup’, le collage, le matiérisme, l’art virtuel. Il n’y a aucun objet qui ne puisse servir
de support à la création, rien n’y échappe, même l’absence de support avec l’art
conceptuel. Dès qu’un terrain est conquis, un autre est convoité, l’art est mouvement perpétuel, sans règle ni loi, il est liberté.
Comment cette liberté fonctionne-telle ? Elle est aux prises avec une réalité qu’elle
reproduit, transforme, modifie, installe, détruit, assemble, compose, décompose…
C’est-à-dire que l’art fait le pari que la réalité est possible à saisir. Par cette affirmation les artistes prennent une dimension quasi démiurgique dans notre monde, en
tant qu’intermédiaires entre nous et la réalité.
L’art en effet ne cherche pas à nous faire acquérir une connaissance sur le réel,
comme peut le faire le physicien. L’art nous présente des points de vue sur le monde
à travers des œuvres réalisées, et nous met en position de devoir de réflexion, de
révision de nos préjugés. C’est le moyen de pallier la difficulté d’une explication par
la communication directe à travers la sensibilité. L’art est toujours interprétation.
C’est cette interprétation que la Triennale se propose d’explorer.
Partenaires
ARTEC reçoit le soutien de l’ADAGP , de l’Ambassade du Cambodge, du ballet
royal Khmer, de la revue Art’issime, de l’IAA, de la SANAVA, de Labase et de
l’association Jean Chièze. Invitée d’Honneur madame Nicole LEMAIRE, secrétaire
général de l’Académie Européenne des Sciences, des Arts et des lettres. ARTEC
is supported by ADAGP, Cambodge Embassy, Royal khmer ballet, Art’issime art
newspaper, IAA (International Artist Association), SANAVA, Labase and Jean
Chieze foundation. Gest Mrs Nicole LEMAIRE, general secretary of the European
Academy of Sciences, Arts and literature.
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Texte d’introduction par le
Dr. Nicole Lemaire d’Agaggio
Artiste Plasticienne
Secrétaire Général, Fondatrice de l’Académie Européenne des Sciences,
des Arts et des Lettres
Jusqu’au XXème siècle, l’art était en accord avec la société. Il était même conçu pour elle et la société
exigeait que l’art soit compréhensible par tous, apportant seulement quelques inflexions personnelles.
Toute l’histoire moderne de la peinture fut la rupture de l’Artiste avec la Société. Un individualisme
croissant était-il déjà en train de naitre ?
Durant des siècles l’individualisme avait été rejeté avec mépris, par une hostilité incompréhensive et
sans compromis de la bourgeoisie, hostilité qui s’accentua encore durant tout le XIXème siècle
Rejeté, l’artiste s’était enfoncé de plus en plus dans sa sensibilité personnelle. Peu à peu il s’habitua à
n’être intelligible qu’à lui-même ou au groupe infiniment restreint de ses semblables. Peu à peu, il osa
rejeter le réalisme, voir même la beauté qui devenaient à ses yeux vides de sens.
Mais, vers 1930, il devint presque impossible à beaucoup d’artistes de pousser plus avant leurs recherches. L’impressionnisme, le cubisme et l’abstraction soudain avaient triomphé tout comme l’exploration de la subjectivité que le surréalisme poussait dans les tréfonds de l’inconscient.
Nombreux furent les artistes qui conçurent alors le rêve d’effectuer une synthèse de ce qui avait déjà été
fait jusque là. Tout en conservant les intensités profondes d’expression du fauvisme. Tout en conservant les constructions pures de la ligne et de la couleur des cubistes. Tout en conservant certains mystères de la sensibilité obscure du surréalisme ils intégrèrent ainsi une sorte de vison collective, souvent
encore fidèle à la Nature, conservant certaines règles de la Beauté traditionnelle.
Cette évolution se marqua parfois avec un souci de plaire. Combien d’artistes présents aujourd’hui,
dans cette exposition qui rassemble tant de talents, font appel dans leur inconscient, à Bonnard et à
Vuillard, ou à Matisse, ou encore à Monnet, à leurs féeries colorées, à leurs enchantements de palette,
à une certaine vision optimiste qui réconforte une société triste et de plus en plus sans charme.
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L’artiste qu’il soit professionnel ou amateur, tente d’évoquer le plaisir, cette douceur de vivre qui lui
fait de plus en plus défaut dans un monde en souffrance. L’artiste de notre temps tente aussi de traduire ses inquiétudes non sans un certain regret d’un passé qui fut et ne sera plus. D’autres créateurs,
au contraire, négligent la séduction et partent à la recherche d’un certain mystère des choses qui les
entourent, comme des explorateurs !
La peinture du XXIème se présente désormais comme un bilan du passé et du présent réconciliés
C’est ce que je perçois dans cette grande exposition aux multiples facettes où toutes les tendances se
côtoient avec un certain bonheur.
Ces différents courants d’expression traduisent une signification nouvelle, une puissance parfois
d’étrangeté, une poésie que l’artiste veut à nouveau capter alors que sa vie quotidienne le déçoit souvent.
Au-delà des yeux, cette exposition aux tendances diverses, s’adresse à l’esprit et à l’âme.
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Until XXth century, the art was in agreement with the society. It was even conceived for it and the
society required that art was understandable for all, bringing only some personal inflections.
All the modern history of the painting was the break of the Artist with the Society. Was an increasing
individualism already being to grow up.
For centuries the individualism had contemptuously been rejected, by an unsympathetic hostility and
without compromise of the bourgeoisie, the hostility which still became more marked for all XIXth
century
Rejected, the artist had sunk more and more into his personal sensibility. Little by little he became
used to be understandable only in himself or in the group infinitely restricted by his fellow men. Little
by little, he dared to reject the realism, to see even the beauty which became for him meaningless.
But, by 1930, he became almost impossible for many artists to grow more before their searches The
impressionism, the cubism and the abstraction sudden had triumphed quite as the exploration of the
subjectivity which the surrealism pushed in the inmost depths of the unconscious.
There were many artists who conceived(designed) then the dream to make a synthesis of what had
already been made to there. While keeping(preserving) the deep intensities of expression of the fauvism. While keeping the pure constructions of the line and the color of the Cubists. While keeping
certain mysteries of the dark sensibility of the surrealism they so integrated a kind of mink collective,
often still faithful to the Nature, keeping certain rules of the traditional Beauty.
This evolution sometimes marked with a concern to please. How many present artists today, in this
exhibition which gathers so many talents, appeal in their unconscious, to Bonnard and to Vuillard,
or to Matisse, or still to Monnet, to their colored spectaculars, to their delights of pallet, to a certain
optimistic vision which comforts a sad society and more and more without charm.
The artist that he is professional or amateur, tries to evoke the pleasure, this relaxed rhythm of life
which makes him more and more defect in an outstanding world. The artist of our time also tries to
translate his concerns not without a certain regret of a past which was and will not be any more. Other
creators, on the contrary, neglect the seduction and leave in search of a certain mystery of the things
which surround them, as explorers!
The paint of the XXIth appears from now on as a balance sheet of past and of the present reconciled
It is what I perceive in this big multifaceted exhibition where all the trends mix with a certain happiness.
These various currents of expression translate a new meaning, a power sometimes from strangeness,
from a poetry which the artist again wants to get while his everyday life often disappoints him
Beyond eyes, this exhibitionin the diverse trends, addresses the spirit and the soul.
Dr. Nicole Lemaire d’Agaggio
Artiste Plasticienne
Secrétaire Général, Fondatrice de l’Académie Européenne des Sciences,
des Arts et des Lettres
http://www.europeanacademysciencesartsandletters.com
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Partenaires de l’exposition
Spécialiste
de la communication
pour les artistes
Oniryk Productions est à l’origine un projet de trois étudiant
désireux de bâtir leur propre entreprise. Association puis
en Février 2012 entreprise. Ils sont aujourd’hui présents
sur Paris dans la réalisation et production audiovisuelle.
Clips («Matt Houston» sur M6 W9 NRJ, «LFDV» sur Youtube et Dailymotion), fictions («Droite comme la justice»
plusieurs prix sur différents festivals de SF, «Les Opérateurs» sur France 4) en passant par des projets institutionnels («SNCF» film promotionnel ou «GAMETOO» animation et effets spéciaux) et de la captation d’événements ou
de concerts («NJ» au Trianon de Paris, «WON» à la scène
Bastille).
Toutes les réalisations et/ou productions audiovisuelles
d’Oniryk Productions non soumises à des contrats de
confidentialité peuvent être visionnées sur le site www.
oniryk.com ou le chaîne : www.youtube.com/OnirykProductions
Pour toute information complémentaire, vous pouvez
joindre Oniryk Productions à [email protected]
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ABRIL Philippe
12 route de Mareuil
36100 Ségry
+33- 6 50 90 22 62
Mèl : [email protected]
Site : www.philippe-abril.com
Philippe Abril cherche
à créer des images en
laissant sortir ce qui se
passe, ce qui se trame à
l’intérieur. Le moment de
la création est tout à la
fois, une rencontre, un
voyage avec son lot de
surprises, une lutte parfois comme une corrida
avec la toile...
Ses images sont une sorte d’écriture automatique qui puise sa source dans les recoins mystérieux de l’inconscient. Sa quête perpétuelle de structure, de construction et d’articulation nous amène à voir dans ses peintures des jaillissements, un mouvement vif,
plein d'énergie sans être nerveux, en évoquant des atmosphères, des ambiances ou s’entremêlent, architectures éclatées, collages ou
encore scarifications. Il a la volonté de maîtriser la lumière, les couleurs, en jouant des transparences, des coulures, des griffures... L’art
n’est il pas un médiateur, un pont entre cet homme enfermé dans sa culture, civilisation, classe sociale, religion et autres tabous et cet
autre « habitant » de nous-mêmes, cet Homme universel, lumineux, solaire et en chemin, qui traverse nos rêves, porteur de l’énergie
créatrice, cette flamme qui éclaire nos vies.
One day we get up at semi time of our life and creation you are titillated, you martyrise, summon some holds you upright.
Of all our amazements, of all our failures, all our angers, it is necessary to draw part and decider to show all that it remains
us to include/understand, finally to test... From the caves to the computer every tentative to leave a trace of our Short-lived
existences touches me with deepest.
« Bois de novembre » - Huile sur toile - 81 x 65 cm - 2011
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BECUWE Saya
704, domaine de la vigne
59910 BONDUES
T : +33- 6 86 94 99 46
Site : Sayabecuwe.canalblog.com
Née à Lille, en 1962, je vis
et travaille à Bondues.
Ma peinture a pour
thématique la temporalité,
le temps sensible, intime.
Mes paysages, mes portraits, sont une histoire qui
se raconte à travers l’expérience et la perception.
Dernière exposition :
Salon d’Automne Paris
à Tel Aviv. Novembre 2012
Born in Lille, in 1962, I live
and work in Bondues
The topic of my painting is
temporality, intimate and
sensitive time. My landscapes, my portraits, are a
tale of experience and perception.
Latest exhibition : Salon d’Automne Paris in Tel Aviv. Nov 2012
« Joséphine, portrait au chat » - 130 x 80 cm - Acrylique sur bois - 2012
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BELLIARD Isabelle
2, rue Basse – 41100 VENDOME
T : +33 670 060 644
Site : isacastillard.e-monsite.com
«Isabelle Belliard a suivi les cours d’Arts Graphiques de l’Ecole
Auguste Renoir puis de l’Ecole Estienne à Paris.
Ses toiles ne peuvent laisser indifférent : portraits aux regards
attachants, animaux fantastiques, fleurs luxuriantes accrochent
et retiennent le regard.
Les visages qui naissent sous son pinceau sont expressifs et leurs
yeux nous invitent à un voyage à l’intérieur de personnalités complexes et souvent tourmentées. A côté de ses portraits, elle nous
offre une galerie vivante et colorée et nous fait pénétrer dans son
rêve, son idéal, à la recherche d’un apaisement à travers la beauté
de la nature, un bestiaire un peu étrange. Isabelle est une artiste
particulièrement sensible, écartelée entre une vision pessimiste
des êtres et la recherche de la beauté, de la douceur et de l’apaisement.» Extrait d’un article du journal Le Fil du Niclos 2010
Isabelle Belliard attended the class of Graphic Arts of the
School Auguste Renoir then the School Estienne in Paris.
Her paintingscannot leave indifferent: portraits in the fantastic charming, animal glances, luxuriant flowers hang on and
hold the glance.
The faces which are born under her brush are meaning full
and the eyes invite us in a journey inside complex and often
tourmented personalities. Next to her portraits, she offers
us an alive and colored gallery and we made to penetrate into
her dream, her ideal, in search of a reassurance through the
beauty of nature, into a little bit strange bestiary. Isabelle is a
particularly sensitive artist, quartered between a pessimistic
vision of beings and a search for beauty, for sweetness and
for reassurance
In the “Fil de Niclos” magazine 2010
« Tryptique Hurlements » I, II et III - 25x80 - Techniques Mixtes 2010 - 810,00 €« Bleuette » - 61x38 - Techniques mixtes et Papier de soie - 2011 - 470,00 €
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BERGER Constance
56, rue Dulong 75017 PARIS
0608 78 8298
Site : www.lalchimere.com
Depuis son enfance, Constance
Berger est attirée par le métal.
Elle crée parures, bijoux et
sculptures. Elle apprend l’art
du joyau et de la dinanderie.
L’artiste se nourrit des civilisations anciennes qui vivent
dans l’inconscient collectif.
L’œuvre restituée est celle
d’une créatrice de son temps.
Chaque animal ou plante choisi
pour sa beauté, possède un
sens caché, qui rend les objets
proche du talisman. Pour elle
la nature et ses abstractions
est une source spontanée
d’inspiration.
Since early childhood,
Constance Berger has been
drawn to metal. She create
ornaments, jewellery and
sculptures. She learned
the art of jewels and the
brassware. The artist feeds
on the ancient civilization
witch live in the collective
subconscious. Each animal or plant, chosen for his beauty, also has hidden meaning which make the pieces similar to a
talisman. For her, nature is a source of spontaneous inspiration.
« L’éveil de l’hippocampe » - Bronze
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BERTHE Carole
210 rue de Vaugirard
75015 Paris
01 45 67 76 79
Site : berthe.guidarts.com
Dans un univers onirique,
des thèmes des civilisations anciennes, témoins
du passé, cotoient des
figures allégoriques, le
passé chevauchant le présent.
Mon imaginaire voyage
dans un univers virtuellement réaliste où tout objet, fleur, paysage, animal
et personnage prennent
un aspect irréel comme
si, au-delà de ce monde
représenté surgissait un autre monde. Je crée ainsi un univers fantastique, poétique où les temps passés et modernes entrent en
osmose, créant une autre dimension où tous peuvent errer à leur guise en toute liberté.
Dans ma peinture, j’essaye d’exprimer un monde oublié où régneraient la paix, l’espérance, l’harmonie et la joie. Carole BERTHE
In a dreamlike universe, themes of the former civilizations, the witnesses of past, are near to allegorical faces, the past being
astride the present.
My imagination travels in a universe virtually realistic where any object, flower, landscape, animal and character take an
unreal aspect as if, beyond this represented world appeared another world. I so create a fantastic, poetic universe where
pasts and modern enter osmosis, creating another dimension where all can roam in their way quite freely.
In my painting, I try to express a forgotten world where would reign the peace, the hope, the harmony and the enjoyment.
Carole Berthe
« La fée architecture » - 116 x 81 cm - Huile sur toile - 2006
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BLOT Emmanuel
578, rue Louise Michel 41130 MEUSNES - T : 06 77 02 96 33 - Mèl : [email protected] - Site : www.stages-dessin-peinture.fr
Emmanuel BLOT Né en 1968 à Paris.
De 1985 à 1990, il apprend les bases du métier de peintre auprès de Philippe Lejeune, fondateur de l’école d’Etampes. Dès 1988, il
expose au Salon des Artistes Français au Grand Palai à Paris, où son travail se voit récompensé d’une médaille d’or. L’Institut de France
lui décerne également plusieurs prix (prix Achille Fould Stirbey, Odillon Lesur, Bastien Lepage)
De 1991 à 1996, Emmanuel Blot étudie à Munich la phénoménologie de la musique avec le chef d’orchestre roumain Sergiu Celibidache.
Au contact du maître, il travaille sur les correspondances entre musique et peinture. Il concentre sa recherche sur la perspective créée
par la force intrinsèque de la couleur. Démarche confirmée par sa rencontre en 2003 avec le peintre Zao-Wou-Ki
Parallèlement à sa démarche créative, Emmanuel Blot manifeste une réelle passion pour l’enseignement. Ses stages de dessin et
peinture sont une occasion de transmettre l’héritage qu’il a reçu de ses maîtres, et cela à la fois sous la forme théorique et pratique.
Born in 1968 Paris.
From 1985 to 1990, he learned the basics in the art of painting with Philippe Lejeune, founder of the school of Etampes. Of
1988, he exhibited at the Salon of French artists at the Grand Palais in Paris where his work sees rewards of a gold medal. The
Institute of France also awarded him several prices (Achille Fould Stirbey, Odillon Lesur, Bastien Lepage).
« Paysage » - 50 x 50 cm - Huile - 2012
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BOITEL Anne
5, rue du Biroy 40800
AIRE sur l’ADOUR
T : + 33- 670 833 737
Parisienne née à Montmartre où j’ai vécu jusqu’en
2000 baignée par l’atmosphère des peintres montmartrois d’antan (Degas,
Toulouse-Lautrec, Renoir,
Utrillo, Valadon, Picasso..)
Je me suis toujours intéressée à la peinture et la
pratique assiduement depuis mon installation dans
les Landes
Passionnée et créative,
j’aime expérimenter toutes
sortes de techniques et
utiliser différents mediums, passer du figuratif
à l’abstrait
Je pratique les collages,
l’acrylique avec travail en
matière, mais j’aime aussi
beaucoup le velouté du
pastel sec et l’utilisation
des encres de Chine. Plus attirée par la couleur que le dessin en lui-même, j’ai toutefois pris de nombreux cours et effectué des stages
pour me perfectionner, et notamment des études de nus avec modèle vivant sous l’égide de l’artiste Ben ami Koller.
Parisian, born in Montmartre, where I lived until 2000, bathed by the atmosphere of the Montmartre’s painters of former
days (Degas, Toulouse-Lautrec, Renoir, Utrillo, Valadon, Picasso..) I was always interested in the painting and practice more
assiduously since I settled in Landes.
Fascinated and creative, I like experimenting any sorts of techniques and using different mediums, pass of the representational artist in the abstract
I practice stickings, acrylic with work on material, but I also like very much the softness of the pastel and the use of India
inks. More attracted by the color than the drawing in itself, I however took numerous courses and made training courses to
perfect my art, in particular studies of nudes with living model under the aegis of the artist Ben Ami Koller.
« Automnale » - 90 x 70 cm - Acrylique - 2011
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BOUDECHICHE Aissa
Cite 482 bâtiment : 34 No : 05 - Laghouat, Algérie - T : 00213798169595 - Gsm : 00213662572796
Je suis un peintre et dessinateur. Je vois l’art dans la force des couleurs et je les laisse s’exprimer à ma place. J’ai pratiqué la peinture
depuis des années et je me suis trouvé avec cet art qui a exprimé mes sentiments profonds et avec quoi j’ai dégagé toutes mes
potentialités. Mes Tableaux sont un long dialogue avec le monde extérieur.
I am a painter and a draftsman. I see art in the strength of colors and I let them express himself on my placeI practised the
paint for years and I was with this art which expressed my profound sentiments and with which I loosened all my potentialities My paintings are a long dialogue with the outside world.
Automnale - 90 x 70 cm - Acrylique - 2011
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BOUCHET Georges
42, route de Cirey 21340 NOLAY
T : 09 75 55 99 34 - Mèl : [email protected]
Georges Bouchet dépasse dans ses œuvres la simple figuration pour jouer sur composition et perspective pour créer des tableaux où
les sujets personnages, animaux s’imbriquent pour former comme une grande mosaïque.
Réaliste par la qualité de ses représentations, Georges Bouchet emprunte à l’imaginaire par ses compositions improbables quasi
cubistes. Le tout nous donne à voir des œuvres étranges et plaisantes à la fois.
Georges Bouchet exceeds in his works the simple representation to play on composition and perspective to create paintings
where the subjects characters, animals are linked to train as a big mosaic. Realist by the quality of his representations,
Georges Bouchet borrows from the imagination by his almost Cubist improbable compositions. The whole gives us to see
strange and pleasant works at the same time.
« Femmes et Chats bleus » - 100 x 100cm - Huile sur toile
« Femmes et Chats mauves et bleus » - 100 x 100 cm - Huile sur toile - Plus trois œuvres plus petites.
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BOUCHEZ Caroline
7, impasse des coquelicots 85170 DOMPIERRE/YON - T : 06 60 44 20 09
Site : www.lilapictures.fr - Mèl : [email protected]
Photographe autodidacte, j’aime raconter des histoires...des photographies simples et poétiques ou s’installe une atmosphère
favorable à la rêverie.
Self-made photographer, i loike to tell stories...Smooth and poetic photographs where it’s creating an atmosphere for relaxed
day-dreaming
« Sirène » - Photographie.
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BOUSQUET Eliora
BP 30096 75921 Paris Cedex 19 - France
T : +33- 6 12 14 19 31
Site : www.e-bousquet.com
Eliora Bousquet est une artiste-peintre professionnelle française, née à Angoulème en
1970. Elle a commencé à peindre des paysages et portraits à l’âge de 7 ans puis s’est
spécialisée, au fil des ans, dans l’art abstrait atmosphérique, lyrique, symbolique et
expressionniste.
Etrangement, c’est la poésie romantique
française – puis anglaise – qui a donné
naissance à sa passion des couleurs et
à l’envie de s’exprimer par le dessin et la
peinture : Charles Baudelaire, Théodore
de Banville, Alphonse de Lamartine, Victor
Hugo, William Blake, John Keats… Elle était
fascinée par la portée symbolique des associations de mots et de couleurs dans l’utilisation savante qu’ils faisaient de métaphores, périphrases, oxymores et autres images surréalistes, capables de « dessiner » dans
son imagination des paysages virtuels, bien qu’accessibles, puisque retranscriptibles sur papier ou toile.
Romantique, nostalgique, idéaliste, ces associations lui ont d’abord inspiré des poèmes. Puis combinées à de la musique (particulièrement classique et jazz), elles ont nourri son imaginaire jusqu’à la persuader que la peinture, qui permettait de définir la plus large
palette possible de couleurs, était, bien plus qu’un art, un langage à part entière, prenant sa source dans la musicalité des choses ;
un langage possédant son propre rythme, son propre mouvement, capable à force d’associations de formes et de couleurs, de créer
des ensembles harmonieux ; un langage silencieux, certes, mais qui, contrairement aux mots, ignorait les frontières de la langue et
permettait donc une liberté d’expression totale…plus d’information sur www.e-bousquet.com
Eliora Bousquet is a french professional painter, born in 1970. She started painting at the age of 7 and has specialized
through the years in abstract atmospherism, lyrical, symbolical and expressionist abstraction. Strangely, it is the french
– and later English- romantic poetry, which drove her to drawing and painting and to her passion for colours. Charles Baudelaire, Théodore de Banville, Alphonse de Lamartine, Victor Hugo, William Blake, John Keats… Indeed, the symbolic association
of words and colours in their clever use of metaphors, circumlocutions and other surrealistic images, fascinated her. At first,
inspiration drawn from such expressions drove her to write poetry. Then the combined with music – mainly classical and
jazz – it went on to feed her imagination, and convinced her that painting, which allows the use of the widest possible choice
of colours and shade, is not only an art form, but beyond this a language in itself, stemming from the musicality of the world,
with its own rhythm and tempo and movement, associating shapes and colours to form a harmonious ensemble. Granted, a
language without a voice, but unencumbered by the limitations of that voice – an art form which gave her complete freedom
of expression.. more information on www.e-bousquet.com
« Le chant du roseau » - 90 x 70 cm - Acrylique - 2010
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CAYET Muriel
Atelier d’art et d’art-thérapie de Muriel Cayet - Ateliers d’expression - Coaching artistique - Organisation d’expositions
Accompagnement au récit de vie et à l’écriture littéraire et créative - 7 rue de l’Église, 18290 Mareuil/Arnon - Mèl : [email protected]
T : 02 48 69 91 73 - 06 50 76 33 85 - Site officiel : www.muriel-cayet.fr - Site catalogue : www.murielcayet.org
Muriel Cayet est née en 1961 à Ivry-sur-Seine. Art-thérapeute et artiste multidisciplinaire elle est passée maître dans l’accompagnement à la création. Elle est présente dans de nombreuses collections privées dans au moins 15 pays en Europe mais aussi aux
Etats-Unis, en Australie,en Asie.
L’ artiste cherche sans cesse à pimenter cette seconde où le regard se pose… Son envie: montrer la vie, restituer le vivant, le bonheur
d’être en vie. Sa quête: une peinture tout simplement ... vivante ! En dehors des barrières - abstraction, figuration, à l’écart des modes,
une peinture de tous les temps. Une peinture intemporelle. Un univers spécifique entre deux, entre le rêve et la réalité...
Pourquoi sommes-nous des artistes ? Il se peut que jamais nous ne le sachions vraiment ! Alors déployons notre énergie à poursuivre
le chemin, de ceux, qui, il y a plusieurs dizaines de milliers d’années, ont commencé à tracer des signes sur les parois, sans savoir
pourquoi, mais avec envie et générosité. Peut-être aussi amusement, et contentement. Nous n’inventerons sans doute rien; à tout le
moins avons-nous le devoir que cela ne s’arrête pas ! Et amusons-nous, avec sérieux, à le faire !
Muriel Cayet was born in 1961 near Paris. A mediator and writer for fifteen years, but also literary adviser and training facilitator, this
art-therapist has specialized in the story of life. Story of life as a tool of change of one’s relation to the other, of one’s vision of self, but
also as a tool of personal development. Colorist painter artist, today she lives in Mareuil sur Arnon (Cher region [Department of Cher] in
France). One could describe the artist as a “travel companion” because art-therapy is an act of accompanying creation. “To paint is to
create oneself,” she said in an interview speaking of the act of painting, of creating. The absence of premeditation in one’s creative act
allows one to think that there is a vital need behind it. Not only as regards painting but also for writing.
Muriel Cayet, impassioned by creation and by life, is also a great philosopher. Furthermore, she admits to being filled with wonder at a
mere nothing. She transforms everything into action, emotion, impulse, life’s energy. In 2009, she was named “Consulting Academician”
to the International Academy of Fine Arts of Quebec. She has been recognized as an art expert by her peers.
« Dancing pink boats » - Huile sur toile - 65 x 81 cm - 2012
21
CHAILLOUX Marie-Claude ( MARICK )
7, route de Sainte Montaine 18700 MENETREOL/SAULDRE - T : +33- 6 98 24 55 14
Mèl : [email protected] - Site : Marie-claude.jimdo.com
Née en 1944 à Besançon ( 25). Elle entre à 15 ans pour travailler dans le laboratoire photo professionnel Marcel Varret et en parallèle
obtient un diplôme de l’école de photographie de Vaugirard. Elle quitte Paris à 34 ans pour se consacrer à l’éducation de ses quatre
enfants tout en reprenant un magasin de photo à Valence (Drôme) ; elle y formera de nombreux amateurs avertis aux tirages sur
agrandisseur couleur et à leurs développements en cuve sur papier Cibachrome ainsi qu’à la prise de vue en studio. Elle crée également
une galerie photo qu’elle met à la disposition des photos-clubs de la région pour qu’ils y exposent chaque mois leurs meilleurs tirages.
Sa rencontre avec Willy Ronys l’incite à persister dans la photo couleur sans renier le noir et blanc . Maintenant retraitée elle continue
à fixer au cours de ses balades les scènes qui l’interpellent et la touchent. Son goût pour la couleur, la lumière, la matière, les lignes
épurées et les reflets font de ses images le témoin que de l’ordinaire peuvent surgir des émotions laissant à chacun place à son propre
imaginaire.
Born in 1944 in Besançon. Marie-Claude starts her career at 15 years old in the photo laboratory Marcel Varret. During this
time, she obtains her photography diploma from The Photography School Vaugirard. She leaves Paris at 34 years old to raise
her 4 children and opens her own photography shop in Valence ( Drôme).
She teaches discerning photo amateurs photo developing on color enlarger and completes this apprenticeship with tank developing on Cibachrome paper. Marie-Claude founds a photo gallery making it available to photo Clubs in the area (Drome) so
that they can exhibit their best photographies each month. Her encounter with Willy Ronys encourages to persist in colour
photography without renouncing to black and white. Now retired, she continues to capture visual emotions encountered
during her travels or her walks in her neighborhood. Her relish for colour, different material, clean lines light and reflections
found in her instant images is the proof that emotion can arise from everyday life and reveal the beauty in the ordinary. They
are perfect subjects to stimulate one’s imaginary.
« Au cœur des pavés » - « Escargot humain » - « " Méduse échouée" » - Photographies
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CHAMBINAUD Nathalie
12, rue André Barsacq 75018 Paris - Tél : 06 74 95 46 68 - Mèl : [email protected] - Site : http://chambinaud.fr
Observer. Imaginer. Simplifier.
Traduire et réduire l’espace.
Diviser la surface.
Usage de plans pour mieux s’approcher
de l’essence des choses.
Exprimer par la couleur, seul objet de la peinture.
Naissance d’une nouvelle série.
Observe. Imagine. Simplify.
Translate and reduce the space.
Divide the surface.
Use of plans to approach better
some essence of things.
Express by the color, only object of the painting.
Birth of a new serie.
« Sans titre » - 90 x 90 cm – Acrylique - 2012
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CHARUEL Monique
45, boulevard de la Chapelle 75010 Paris - T : 06 60 69 74 21 - Mèl : [email protected]
De la matière à la matière
en passant par l’abstraction. La matière (textures
diverses animales, végétales, minérales…) sont
piégées en photo, recadrées, agrandies et transférées sur des supports
variés : toile de jute, lin,
tarlatane, papier. J’essaie
de m’immiscer dans ces
textures et de les prolonger matériellement par la
peinture, les incrustations,
collages et coutures.
From material to the
material by way of the
abstraction. The material
( animal, vegetable, mineral diverse textures) are
trapped in photo, refocused enlarged and transferred on varied supports hessian, linen, tarlatane, paper. I try to interfere in these textures and to
extend them materially by the paint the inlays, the collages and the sewings
« Cheminement » - 50 x 110 cm - Technique mixte 2011
« Infrastructure »– 25 x 92 cm– Technique mixte – 2011
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CURRAO Estela
PARIS - Mèl : [email protected] - Site : www.estelacurrao.net
Dans les œuvres d’Estela Currao, ce qui n’est pas visible, jamais, ce qui ne peut pas être vu, vient à nous et tout simplement nous regarde et
nous comprenons en voyant ce que l’invisible fait au corps, à la chair, au visage , que sa puissance est incommensurable. Approcher de cette
source qui est à la fois vie et stupeur, l’approcher avec crainte et tremblement, tenter de faire voir ce qu’elle nous fait, tel est à l’évidence
le chemin sur lequel Estela Currao nous emmène, nous qui ne craignons ni de trembler ni de voir.
In the work of Estela Currao, which is not visible, never, which cannot be seen, comes to us and quite simply looks at us and we
understand by seeing what the invisible onemade with is at the same time life and stupor, to approach it with fear and tremor,
to try to show what it does to us, such is with the obviousness the way on which Estela Currao takes us along, we who fear
neither to tremble nor to see.
« Le visage de la révolte » - H : 39 cm - Bronze - 2009
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DARMET Chantal
124, av Mozart 75116 PARIS - T : 33- 142 241 866
Mèl : [email protected] - Site : www.chantal-darmet.odexpo.com
Son œuvre plutôt figurative à ses débuts, mais dominée par un tempérament de coloriste, s’est progressivement tournée vers l’abstraction dans un style éclectique où percent les grands courants picturaux contemporains.
Esprit indépendant et ouvert, elle poursuit ses recherches sans exclusive, dans un style qui se distingue par l’harmonie de ses couleurs et le caractère suggestif de ses compositions.
Figurative but dominated by a colourist’s temperament at the beginning, her works turned gradually toward abstraction in
an eclectic style, which blends the main currents of the contemporary painting.
Independent and open-minded, she pursues her artistic search in a style which is characterized by the harmony of its
colours and the evocative nature of its composition.
« Tempête nocturne » - Huile sur toile - 60 x 80 cm
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DE COURTOZE Aimé
19, rue ferme 41100 VENDÔME
T : 33- 645 565 225
Mèl : [email protected] - Site : www.aimeedecourtoze.fr
Le travail d’Aimée de Courtozé peut être rapproché de celui des expressionnistes allemands du début du siècle dernier, par le mouvement tourbillonnant qu’ils ont su donner à leurs œuvres. Ce qu’elle représente est à mi-chemin entre la figuration et l’abstrait. En effet,
ce n’est pas une simple copie de la réalité, mais une vision retravaillée, où les éléments du décors sont transformés pour faire passer
un sentiment, il y a dans le travail d’Aimée de Courtozé un effort symbolique dont le projet aboutit.
The work of Aimée de Courtozé can be moved closer to that of the German expressionists of the beginning of the last century, by the swirling movement that they knew how to give to their works. What she represents is halfway between the
representation and the abstract. Indeed, it is not a simple copy of the reality, but a worked again vision, where the elements
of decorations are transformed to bring a feeling, there is in the work of Aimée de Courtozé a symbolic effort the project of
which succeeds.
« Tu succomberas » 100 x 100 cm - Acrylique- 2012
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FAFIANI Cor
Galvanistraat 2 - 2871 XC Schoonhoven - Pays Bas - T : 0182- 387916 - Mèl : [email protected] - Site : www.corfafiani.nl
Ses peintures et sculptures s’attachent à l’exploration de la faune potentielle et à la diversité des êtres vivants.
En s’imaginant et en se laissant inspirer par la mythologie, la manipulation génétique, les lieux inaccesibles comme la jungle et les
profondeurs de l’océan et l’innommable, il crée des images qui invitent à une introspection à la fois libre et éthique. Ses sculptures
sous forme d’êtres fantastiques, hybrides, manipulés constituent un univers humoristique entre fiction et réel.
His paintings and sculptures aim at the exploration of potential fauna and the diversity of living beings.
By imagining and by letting himself be inspired by mythologie, genetical manipulation, inaccessible places like the jungle and
the depths of the ocean and the indescribable, he creates images that invite to a free and ethical introspection. His works in
the shape of fantasy, hybrid, manipulated form a humorous universe between fiction and reality.
1 « Serpent » - 90 x 50 x 50 cm - 2012 - Polystiren/Acryl
2 « Octopus » -2012 -100 x 70 cm- Huile
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FEHRI Rini
51 rue de Paris - 94220 Charenton le Pont
Tel : 01 43 78 25 28 - Courriel : [email protected] - site : www.rini.ferhi.com
Ma passion: dessiner le modèle vivant. Observer l’autre = apprendre plus sur moi.
Un moment magique et unique.
Technique: fusain , café sur papier, marouflé sur toile.
My passion : drawing the live model
Observing the other one= learning more about myself. A magic and unique moment
Technique : charcoal and coffee on paper, mounted on canvas.
« Traces de rouge » - 75 x 105 cm - Fusain café marouflé sur toile - 2012
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Iria GALGANO
Rua Com. Bichara Moherdaui,
338 – Jd. Leonor CEP 05614-080 São Paulo – SP. Brésil
T : (11) 3742-2514
[email protected]
As telas de Íria Galgano nos aparecem concebidas segundo uma
precisa estrutura,segundo um comum relacionamento entre o
gesto criativo e a intuição,entre a representação e a análise da realidade que nos circunda.
A artista não se limita em considerar os aspectos negativos da
existência humana. Reinvidica para si a possibilidade de recuperação dos valores existenciais que formam o tecido da vida.
Consegue realizar obras intimamente poéticas onde a paisagem,às
vezes monocolor mas de textura profundamente realística,se torna
o símbolo de uma análise psicológica que nos parece o ponto alto
de sua pintura.» Parte do texto de Emmanuel Von Lauenstein
Massarani-publicado no Diário Oficial do Estado de SãoPaulo em
10/09/2009-Acervo Artístico da Assembléia Legislativa de São
Paulo/Brasil.
As transformações do que vemos e as necessidades de expressão
são fatos que nos diferenciam. Com uma análise pessoal da realidade ao nosso redor jamais deixaremos de nos sensibilizar pela
natureza e de querer expressá-la, quer seja da figuração a uma
completa abstração. - Iria Galgano
Nascida na cidade de São Paulo-S.P./Brasil-onde vive e trabalha.Graduada (1971 a 1974) em Desenho e Artes Plásticas na Faculdade
de Belas Artes de São Paulo.Sua imersão em diferentes culturas,
viajando e trabalhando, acentuou sua tendência para diluição de
tintas,aquarelas e mais tarde para a cerâmica e realísticas texturas.
«Iria Galgano’s paintings seen to be conceived according to a
precise structure and display a common relationship between creative gesture and intuition,between representation and
an analysis of reality surronding us. The artist is not limited to considering the negatives aspects of humain existence .She
claims for herself the possibility of recovering the existencial values wich form the fabric of life. She achieves works that
are intimately poetics , where landscapes -sometimes mono-coloreds, but always of a deeply realistic texture- became the
symbols of a psychological analysis that is the high point of her painting». Except from Emmanuel Von Lauenstein Massarani’s article published in the Diário Oficial do Estado de São Paulo ( Official State Gazette ) on september 10,2009 about the
Artistic Collection at the Assembléia Legislativa de São Paulo (State Legislature of State of São Paulo-Brazil ).
« The transformation of we see and the needs of our expression are what make us different. With a personal analysis of
the reality aroud us, we will never stop beeing touched by nature wishing to express it,from the figuration to a complete
abstraction» - Íria Galgano.
Iria Galgano has beeing living in São Paulo ( S.P.Brazil) since she was born.She graduated(1971-1974) in drawing and Visual Arts at Faculdade de Belas Ates de São Paulo (Fine Arts College of S.Paulo).Her immersion in differents cultures and
materials,trevelling and working specially in Brazil, brought forth a tendency for ink dilution, watercolor and later for ceramics
and realistic texture.
Sans titre - Dyptique
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GAUDRY Florence
2, rue Person 67700 SAVERNE
T : +33 3 38719194
Site :
www.florencegaudry.weonea.com
Après mes études à l’Ecole du
Louvre à Paris, je vis et travaille
dans mon atelier à Saverne (67).
La nature, le monde végétal et
les jardins sont pour moi une
source d’inspiration et d’émotion constante:Arbres, fleurs,
fruits du jardin, herbes folles
et graines en devenir peuplent
l’espace de la toile... Les vieilles
pierres et les traces du temps
qui passe sur les objets, les
murs délavés et marqués par
leur histoire sont aussi un
sujet d’émotion. Je travaille
essentiellement à la peinture
acrylique et à l’encre.J’utilise
très souvent un procédé de
collage de papiers népalais que
je travaille avant ou après pour
créer des effets de transparence
et de superpositions.
After my studies at l’Ecole du Louvre in Paris, I five end work in my studio in Saverne (67). Nature, the world of plants and
gardens are for me a constant source of inspiration and émotion : trees, flowers, fruits of the gerden, weeds and seeds
become inhabit the space of the canvas ... The old stones and traces of passing time on objects, walls faded and marked by
their history are also a matter of émotion.
I work with acrylic paint and ink. I often use a method of bonding Nepali paper that I work before or after to create transparency effects and overlays.
« Printemps » 80 x 120 cm – technique mixte – 2012
31
GERARD
Marie-Christine
23, rue Lacroix 75017 Paris
T : 06 86 55 34 60
Mèl :
[email protected]
Je peins depuis dix ans. Mes
techniques privilégiées sont
l’acrylique, l’aquarelle et l’encre.
Ma peinture est devenue progressivement plus abstraite,
mais il demeure cependant toujours des traits figuratifs.
Mes œuvres sont très colorées.
Elles reflètent des impressions
et des émotions collectées au
grès de mes nombreux déménagements et de mes voyages.
A travers mes peintures, ce sont
mon énergie et ma joie de vivre
que je souhaite vous faire partager.
I began painting ten years ago and quickly found my preferred media to be acrylic, watercolor and ink. Throughout the years
my style has become progressively more abstract but still retains certain figurative elements. My works are full of color
and full of life and are the tangible expression of my impressions and emotions of my numerous travels. It is through my
paintings that
I hope to share with you all my energy and joy of life
« Printemps » 80 x 120 cm – technique mixte – 2012
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GESLIN Jakline
11, rue de Paron - 91370 VERRIERES LE BUISSON - T : 33 686 2319 93 01 69 30 16
Mail : [email protected] - Site : peintre-geslin.fr
Les œuvres de Jakline GESLIN
sont souveraines. Inspirées
du monde végétal, ses peintures bouleversent en nous
une sensibilité primitive,
venue de l’enfance.
Elle nous offre une bouffée de ce bonheur poignant lié à la contemplation de la nature dans sa perfection.
L’artiste touche à l’essentiel en fixant sur la toile une beauté sobre et vibrante, mélange de puissance et de fragilité.
Jakline Geslin, nous offre ainsi un incomparable hymne à la Vie ! Fabienne Ragoucy Galerie Et Pourtant
The works of Jakline GESLIN are sovereign. Inspired by the vegetable world, its paints(paintings) upset in us a primitive sensibility, come from the childhood.
She offers us a draft of this poignant happiness bound to the pondering over the nature in is her perfection.
The artist touches the main part by fixing to the painting a sober and vibrating beauty, a mixture of power and fragility.
Jakline Geslin, so offers us an incomparable hymn to the Life!
Fabienne Ragoucy Gallery And Nevertheless
« Sans titre » 80 x 80 cm - Acrylique - 2011
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GUINOIS-MESSICA
Patricia
Lieu dit « la Métairie neuve »
81390 StGAUDENS
T : 33 619544 637
Mèl :
[email protected]
Site : www.Patricia-guinois.fr
sculpteur sur pierre Petite
je voulais être chirurgienne
et sculpteur.
Diplômée en Cardiologie
à Paris, j’abandonne ce
métier pour m’occuper de
mes 4 garçons et j’en profite alors pour m’initier au
modelage en fréquentant
pendant 1 an une école
d’art municipale, puis des
ateliers libres.
Après une quinzaine d’années, je décide de réaliser
mon vieux rêve et de m’attaquer toute seule à la pierre.J’achète mes premiers outils, caresse ma première pierre et fais une découverte
: Chaque pierre insolite cache sa sculpture ; il suffit de l’observer et je deviens l’instrument qui va lui donner vie;
Stone Sculptor When I was a child, I wanted to be a surgeon and a sculptor.
Graduated in cardiology in Paris, I quit this job to take care of my 4 sons, and I start modelling as a hobby, going to a municipal
Art school during 1 year, and then to free workshops.
Fifteen years later, I decide to realize my dream and try to be a stone carver by myself.
I buy my first equipment, fondle my first stone and make a discovery:
Each stone is unusual and hides its own sculpture; I just need to observe it and I become the instrument that will give it life;
Envolée - 44 x 34 cm – 14kg – Albâtre – 2012
34
HAYOT Carine
2, place de Passy
75016 Paris
06 77 44 73 29
Site : http://carine-hayot.fr
Née en 1962 à Boulogne,
Carine part vivre à la Martinique de 1983 à 2009.
Enrichie de ces échanges
multiculturels avec les
artistes caribéens, elle
installe sont atelier à Paris
en 2010.
Certains éléments figuratifs comme les fleurs aparaissent régulièrement
dans sa peinture, mais
ni pâquerette, ni rose…
elles sont imaginaires.,
presque abstraites et vecteur d’expression de ses
émotions. Sa gestuelle
spontanée et vive exprime
sont besoin de liberté. Les
formes chaotiques symbolisent nos souffrances
et nos douleurs ; et nous les fleurs, avec force et énergie, nous nous redressons et avons d’autres aspirations…
« Ma toile est un véritable corps à corps, je révèle, je cache, je gratte, je superpose, je triture et je lisse… »
Born in 1962 in Boulogne, Carine leaves living in Martinique from 1983 till 2009. Enriched by these multicultural exchanges
with the Caribbean artists, she settles an art studio in Paris in 2010.
Some elements as flowers apears regularly in her painting, but neither daisy, nor rose.. they are imagination., almost abstracted and vector of expression of its feelings. Her spontaneous and lively body movements express are need of freedom.
The chaotic forms symbolize our sufferings and our pains; and we flowers, with strength and energy, we recover and have the
other aspiration … « My painting is a real hand-to-hand fight, I reveal, I hide, I scratch, I stack, I grind and I smooth… »
« C’est en forgeant… » - 109 x 79 cm - Acrylique mixte - 2012
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HELSTROFFER Emily
17 Allée Victor Hugo
93340 Le Raincy
33 -143 8151 47
06 82 52 29 13
[email protected]
Emily Helstroffer est née à
Phnom-Penh, Cambodge.Elle vit
et travaille près de Paris. Après
un parcours professionnel dans le
monde de la finance, elle suit des
cours d’arts plastiques et l’Ecole
du Louvre et fréquente l’atelier
de modèle vivant la Grande Chaumière à Paris. Sa découverte des
arts plastiques est pour elle une
véritable révélation. Elle poursuit
ses recherches par la peinture
japonaise (nihonga) ainsi que la
peinture chinoise.
Emily Helstroffer possède une
technique éprouvée qui lui permet de jouer sur les transparences, sur les nuances, les tons, les couleurs et les valeurs. Sa touche est délicate, subtile et procure un
rare bonheur au spectateur. Un art fait de finesse, de délicatesse. On sent derrière ses œuvres une pensée profonde, une réflexion qui
font que son travail n’est jamais banal. Elle a abordé et est inspirée dans sa peinture par les problèmes de la société actuelle, l’environnement, l’inquiétude sur l’avenir. Elle emploie des matériaux de récupération, par exemple le bois pour traduire son inquiétude sur la
pollution. Elle utilise une grande palette de couleurs vives qui peut donner un sentiment de confiance dans l’avenir.
Emily Helstroffer was born in Phnom-Penh, Cambodia, she lives and works near Paris. After a career path in finance she
studied at the Paris Art School of plastic arts, Ecole du Louvre and attended life classes at the Grande Chaumière in Paris.
Her discovery of art was a revelation for her. She continues her research of Japanese painting (nihonga) as well as Chinese
painting. Emily has regular exhibition in France and abroad.
Emily Helstroffer masters a proven technique that enables her to vary with transparencies, nuances, tones, colors and
values. She has a delicate and subtle touch and provides a rare happiness to the spectator. Art is done with subtlety and delicacy; her work reveal rigorous thinking and reflexion, so they are never banal. She approaches her painting with inspiration
from problem of our current society and environment. She use recycled materials, for example wood to translate her concern
for pollution. She uses a wide range of bright colors that can convey a feeling of trust for the future.
« Femme avec bustier » - 60 x 80 cm - Acrylique - 2012
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HUET Celia
11 rue Bremontier - 75017 Paris
0142275886
[email protected] - Site : www.celia-huet.com
Celia Huet vit et travaille à Paris
Peintre de figuration libre, passionnée par les couleurs, elle est inspirée par les visages qu’elle transforme avec humour au gré de son
imagination.
Sa série de « masques » composes avec des CD découpés, sont des créations innovantes, lesquelles traverseront les ans confrontées
à un monde dont l’innocence édénique dissimule une philosophie de vie très tonique.
Celia Huet lives and works in Paris.
She is a “figuration free artist” passionate by color she is inspired by the faces, with humor she converted to her imagination.
Her series of compounds with “masks” cut on CD are original creations, which will cross the years, facing a paradisiacal, innocent world concealed with a very tonic philosophy of life.
« Carnaval 4 » - 81 x 100 cm – Technique mixte - 2011 –
37
HUSAIN Ajmal
Karachi - Pakistan - saatchionline.com Ajmal Husain
Un des grands peintres
pakistanais contemporains, résidant à Karachi,
Pakistan.
Et continuant (à l’âge de 87
ans,) – sans discontinuerà peindre : pour éteindre
sa douleur de voir sa patrie
sombrer dans l’anarchie et
la barbarie …
(Dernière grande exposition en 2010- au Goethe
Institute de Karachi). Premier a mettre au point une
technique de peinture utilisant l’aérosol, Ajmal Husain
a depuis fait école. Il a été
pendant 10 ans président
du comité national de
l’Association Internationale
des Artistes – ONG reconnue par l’UNESCO.
I paint, sculpt, work with stained glass and ceramic and hard metal structures. Design rugs and tapestries on commission.
For ten years from 1960 until 197I I was the president of the Pakistan national committee of the International Association
of Artists. A UNESCO sponsored NGO based in Paris. During this time I came to know many famous and well known artists
around the world
« Deux portraits » – Peinture acrylique et aérosol.
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HUTEAU Monique
28, rue Michel Lecomte
75003 PARIS
33 (0)6 61 58 47 42
Site :
www.moniquehuteau.com
Monique HUTEAU peint
depuis plus de 15 ans.
Elle a longtemps côtoyé
les milieux de la mode, de
la publicité et de la décoration.
Aujourd’hui, avec sensibilité et émotion, elle
poursuit une recherche
personnelle au travers de
la peinture.
Un travail assidu sur la
matière et la couleur qui
progresse et évolue au fil
des années.
L’assemblage de papiers
ou de journaux (le plus
souvent étrangers) travaillés, déchirés... signe le fond, les caractères imprimés apparaissent ou disparaissent ensuite ... peu importe, ils sont là…ils donnent
de «l’âme à la toile».
Puis viennent les couleurs, qui, vivement assemblées au couteau, révèlent et soulignent toute la puissance du geste jusqu’à l’équilibre du tableau. Monique HUTEAU aime la matière qui s’étire, la toile qui ondule, les couleurs qu’elle bouscule et qui s’emmêlent … Les
émotions explosent, l’énergie déborde…
Sa peinture transcrit une vision intime très particulière et subtile du monde intérieur qui l’habite.
Monique HUTEAU,has been painting for over 15 years.
She evolved in the worlds of fashion, advertising and decoration. Today, with sensitivity and emotion, she pursues a personal
search through painting. ; a hard work on materials and color that progresses and evolves over time.
The association of paper or newspapers (mostly foreign) modeled, torn ... sign the background. Printed characters appear
and then disappear ... whatever, they are there ... they give “a soul” to the piece.
Then come the colors, which are strongly assembled with a knife, they reveal and emphasize the power of the gesture until
the final expression.Monique HUTEAU likes materials that stretch , paintings that waves, colors that she shakes and which
tangle ...Emotions explode, energy overflows ...
« Storm B » - 81 x 100 cm – Huile marouflée/toile – 2010 –
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ICART Françoise
La vieille Poste
-F 41150 Chouzy/Cisse
T : +33 620 700 317
L’art de Françoise ICART
est l’aboutissement d’un
croisement culturel entre
des études d’art, dessin,
portraits... et un vécu
outre-mer qui l’ont imprégnée d’une vision particulière du monde. Pour elle
l’art est protéiforme, tout
y est élément de départ
à l’inspiration, du caillou aux immeubles, aux
villes, aux animaux et
aux hommes. Elle aime à
mêler poésie et peinture,
soit sur la toile, soit en
accompagnant les toiles
par des poèmes ou des
pensées, car elle a le sentiment que les diverses
formes d’art sont toutes
des ouvertures à la compréhension du monde, des
intuitions de la réalité, et
que tous les arts de ce fait
participent ensembles à
élever l’esprit.
The art of Françoise ICART is the outcome of a cultural crossing between studies of art, drawing, portraits and a real-life
experience overseas which soaked her with a particular vision of the world. For her the art is protean, everything is element
of departure in the inspiration, the pebble in buildings, in cities, in animals and in men there. She likes involving poetry and
paint either on the painting or by accompanying paintings by poems or thoughts, because she has the feeling that the
diverse forms of art are all openings in the understanding of the world, the intuitions of the reality, and that all the arts of
this fact participate setsto raise the spirit.
« Série noire » triptyque 3 x 40 x 60 cm – Acrylique et huile – 2012
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JOLLIVET Patricia
6 les vaulx41700
COUR CHEVERNY
+33 680 664 335
[email protected]
www.patriciajollivet
Patricia Jollivet est née à Tours
en 1959 .Elle est sculpteur
animalier. Elle tire son inspiration de la faune tourangelle,
habitant prés de Chambord,
elle est entourée par les forêts
domaniales peuplées de bêtes
sauvages. Elle crée une ménagerie de pierres aux formes
arrondies tout en douceurs
d’albâtre, de marbre de carrare,
de tuffeau ,de stéatite, de granite, et de bronze.
Après avoir travaillé le modelage de la terre et du plâtre, elle
s’est orientée vers la taille de la
pierre, ce qui lui a permis de participer à de nombreuses expositions et festivals d’art animalier.
A l’étranger Madrid, RIO de Janeiro, avec des récompenses en Angleterre le prix De BroKering par l’association ‘art mondial ‘de Londres
en 2009. Et en 2010,en Italie par l’association’ Italia in Arte ‘le prix David de MIchel Ange et Salvo d’Aquisto ‘prix des droits de l’homme
en relation avec les sculptures d’animaux disparus ou en voie de disparition
Patricia Jollivet was born in Tours in 1959 . She is an animal sculptor. She find out her inspiration in the fauna of her surrounding – living in meadows of Chambord. Her house is surrounded by national forests populated with wild animals. She creates…
a stony menagerie in the rounded off forms everything in sweetnesses of alabaster, Carrara marble, of tuffeau, soapstone,
granite, and bronze.
Having worked the modelling of the earth and the plaster, she turned to the size of the stone, what allowed her to participate
in numerous exhibitions and festivals of animal art Abroad Madrid, RIO DE JANEIRO, with awards in England the prize of BroKering by the association ‘ world art ‘ of London in 2009. And in 2010, in Italy by the association ‘ Italia in Arte ‘ the prize David
de Michel Ange and Salvo d’ Aquisto ‘ price of human rights in connection with the sculptures of disappeared or endangered
animals
« Le manchot » - Albâtre
40
JOUIN Nathalie
45, bd Camélinat - 92240 MALAKOFF - Tél : 06 83 36 65 84 - Courriel : [email protected] - Site : www.nathalie-jouin.com
Nathlie Jouin est née en 1960.
« Mon travail est une exploration des mouvements naturels. De 1982
à 1985, je suis entrée aux Beaux-Arts de Paris où j’ai suivi l’atelier Atlan en section dessin. Comédienne depuis 1980, en 2008, j’ai repris
des études et obtenu un master I d’études théâtrales à l’Université
Paris III en effectuant une étude sur le mouvement. Cette réflexion
est la base de ma photographie. »
Nathalie Jouin was born in 1960
« my work is an exploration of the natural movements. From
1982 till 1985, I entered the Beautiful - arts of Paris where I
followed the Atlan workshop in section drawing. Stage actress
since 1980, in 2008, I took back studies and obtained a Master’s degree I from theatrical studies to the University Paris III by
making a study on the movement. This reflection is the basis of
my photography
« Homme-Hydre, Homme-Flambeau, Homme-Orifice » - Tryptique 3 fois 50 x 40 cm – Photographie
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KATSU Ishida
Galerie Systema 1-2-10 ,
Nunoichi – Cho 579
8004 HIGASHI – OSAKA OSAKA
JAPON
T : +81-90-6502 4949
Site : www.katsuishida.com
KATSU Ishida, Japanese, intend
to draw his own art base on not
European not American but pure
Japanese contemporary art.
He makes new wave of Nipponism He use his own paper made
in his house in Himalaya mountain (Nepal), painting mainly
with Japanese ink mix media.
His art style is free and original
from other artists. Many human
beings make more bigger figure
the figure make more bigger
figure sometimes inside the
drawing similar as novel have
some story as Japanese Emakimono style mixed drawing and
novel on one drawing style. After
start drawing in 8 month Japan
museum already buying his art
and he get many prizes.
Le japonais Katsu Ishida a l’intention de créer son art non pas basé sur l’art européen ou américain, mais sur l’art contemporain japonais
Il incarne la nouvelle vague de Nippon-ism. Il utilise son propre papier, fait dans sa maison dans la montagne de l’ Himalaya
( Népal), peignant des techniques mixtes principalement avec de l ‘encre japonaise Son style d’art est libre et original. Il
figure des êtres humains, beaucoup d’êtres humains parfois à l’intérieur d’autres êtres, comme dans certaines nouvelles de
l’ Emakimono japonais.Son style mèle dessin et nouvelle dans un style original . un musée du Japon a déjà acheté son art et
il a obtenu beaucoup de prix.
« BLACK FUJI » 91x72cm mixtmedia 2011
42
KCHAOU Aida
6 , rue Taieb Mhiri
Pharmacie du centre
3000 Sfax Tunisie
T : 216 22655595
The sea has always inspired and impressed me. And who cannot be by
such a mixture between strength
and fragility, the immensely small
and infinitely great being one.
I enjoy closing my eyes to the ocean
so i feel its strength trying to save
it the deep inside of me.
Actually, the reality is otherwise,
the beach of my childhood has
disappeared to make way for industries therefore. All I am capable
to feel is the distress of the nonchalance, the recklessness and the
human indifference.
The message I wanted to convey
through my work imposed itself
to me:
« Paint the ocean’s energy destroying the traditional illusionism
and only the real emotion»
Adventurer constantly and cannot be it only through painting, I dare, I like to take risks by making mediums to find new material
effects. Using both matte and glossy, randomness and combinatorics, transparency and opacity in a round trip between sensations
and sea waves following only the instinct orchestrated by emotion to resurface the abstract an imaginary sea.
Par mes toiles, je me bats en tant qu’artiste pour que l’engagement envers notre mer et contre cette pollution ne se brise
pas , comme les vagues sur le rivage.
L’état de la mer m’a toujours inspiré et impressionné. Qui ne peut s’émouvoir devant ce mélange de force et de fragilité,
l’immensément petit et l’immensément grand ne faisant qu’un !
J’aimai fermer les yeux devant la mer pour sentir son énergie positive en essayant de la sauvegarder au plus profond de moi.
Actuellement la réalité est tout autre, je ne ressens plus que l’appel de sa détresse devant la nonchalance, l’insouciance et
l’indifférence humaine .Le message que je voulais transmettre à travers mes œuvres s’est imposé à moi.
Ne pouvant m’aventurer qu’avec la peinture, j’ose, j’aime prendre des risques en fabriquant des médiums pour rechercher de
nouveaux effets de matières. Utilisant à la fois le mat et le brillant, l’aléatoire et le combinatoire, la transparence et l’opacité
dans un aller- retour entre sensations et ondes marines ne suivant que l’instinct orchestré par l’émotion pour faire resurgir
de l’abstrait un imaginaire marin.
environment. She use recycled materials, for example wood to translate her concern for pollution. She uses a wide range of
bright colors that can convey a feeling of trust for the future.
« Souffle de liberté » - 65 x 80 cm - 2009
43
LA CHAISE
Marie-José De
5, chemin des 2 étangs 92410 VILLE d’AVRAY
01 47 09 60 06 - +33 603 997 840
[email protected] - www.de-la-chaise.com
Entrailles/entre – ailleurs, c’est un cycle organique gravitationnel traversant comme en un tourbillon de météores, des minéralités
acérées au sein d’un milieu vibrant et chaleureux, impressionnant cycle de vie.
Entrails, that is to say an organic gravitational cycle passing through razor-sharp mineral objects looking like a swirl of
meteorites, in a warm and stirring medium, impressive life cycle
« Ecluse du Bas-Rhin » Huile sur toile - 100 x 100 cm - 2010
44
LAFFARGUE Dominique
1, Square des Ecrivains
91370 Verrières le Buisson
T : 01.60.11.92.27
06.74.71.51.59
Site :
dominiquelaffargue.odexpo.com
C’est par touches successives de
couleurs, au gré d’un jeu de superpositions, au hasard de mes
inspirations que je construis ma
toile, en laissant ressurgir dans
mes arbres et paysages un tissage de lumière, source de mes
émotions.
It is by successive touches of
colors, according to a game of
superimposing at random of
my inspirations that I build my
painting, by letting re-appear
in my trees and landscapes a
weaving of light, a source of
my feelings.
Médaille de bronze
Arts Sciences et Lettres
Membre associé
de la Nationale des Beaux Arts
Palme Académique
du Morbihan
Médaille d’or
de l’Académie Européenne des Arts Paris
Médaille d’argent de L’Académie Européenne des Arts Belgique. - Expositions Asie 2009 et Londres 2010
« Gelée matinale » 130 x 87 cm – Acrylique – 2012 – 2100€
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Lansen Karin
« KAREN »
49, rue Claude Celllier
01 70 25 09 76
06608411 56
[email protected]
www.karinlansen.com
karin-lansen.blogspot.com
Karin Lansen dite Kalen, photographe professionnelle
depuis 1988, créatrice de
KL studio, spécialisée dans
la prise de vue de natures
mortes, puis d’industries,
d’architecture et d’ illustration, se consacre exclusivement depuis 2008 à la création artistique. Ses images
nous rappellent que « photographier signifie dessiner la
lumière », c’est toujours elle
qui guide son regard. A travers le prisme de sa vision,
l’artiste offre à l’observateur
une forme de poésie visuelle,
elle bouscule les évidences,
raconte des histoires tout en
visant un certain esthétisme.
Karin Lansen, aka Kalen, professionnal photographer since 1988 and founder of KL studio specializing in capturing all angles of still
life, industry, architecture and illustration, has been dedicating since 2008 the artistic creation. Her images show us that “photography means drawing the light”. It’s always guiding her gaze. Through the prisme of her vision, she offers the viewer a form of
visual poetry, shoving the obvious, telling a story always aiming at an aesthetic appeal.
« Un soir à Barcelone » triptyque 3 x 90 x 33 cm – photo - diasec collé sur dibond – 2012
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Laurent Sylvaine « MARGO »
34, route d’Epernon 78125 HERMERAY - T : 06 08 33 55 48 - Mèl : [email protected]
www.margo-art-peintre.odexpo.om
Si mes aspirations graphiques et thématiques
sont très diverses,
chaque tableau a vocation à illustrer l’être
humain au cœur de son
environnement physique
et psychique, évoluant
dans une société que
je vois aussi fascinante
qu’oppressante.
If my graphic and thematic aspiration are very diverse, every picture has authority to illustrate the human being at the heart
of its physical and psychic environment, evolving in a society which I see so fascinating as oppressive.
« Propaganda » – 100 x 81 cm – Technique mixte – 2012
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INVITÉE D’HONNEUR
“NICOLE“
Dr. Nicole LEMAIRE d’Agaggio
The General Secretary of the European Academy,
3, bd Albert 1er 06600 ANTIBES - FRANCE - Tél : 04 93 34 21 81 - Courriel : [email protected]
www.europeanacademysciencesartsandletters.com
“CHILI CHILI” - Hommage à Salvador Allende
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INVITÉE D’HONNEUR
" NICOLE "
Dr. Nicole LEMAIRE d’Agaggio - The General Secretary of the European Academy,
3, bd Albert 1er 06600 ANTIBES - FRANCE - Tél : 04 93 34 21 81 - Courriel : [email protected]
www.europeanacademysciencesartsandletters.com
Secrétaire Générale de l’Académie Européenne des Sciences,des Arts et des Lettres
Nicole Lemaire d’Agaggio est née à Nice et vit à ANTIBES et PARIS.
A l’âge de douze ans, elle obtint un premier Prix de Peinture lors d’un concours ouvert aux adultes. Parallèlement à la peinture, elle écrivit
ses premiers poèmes.
Peintre figuratif jusqu’en 197O, elle s’engage ensuite dans la voie de l’abstraction non constructiviste et publie son premier recueil de
poésie
« ECLATS DE SOLEIL».
A partir de 1978, autour de concepts abstraits créés par les théories scientifiques, elle peint un univers poétique et devient un des
pionniers de « l’hyperabstraction ». Participant à des Concours de l’Etat Français, elle obtiendra plusieurs commandes de l’Etat pour des
décorations monumentales.
Le Professeur José Augusto França, Président de l’Association Internationale des critiques d’art, écrit à son sujet :
« Nicole d’Agaggio a choisi facilement et pourtant sans facilité, dans une sorte d’innocence ontologique, fidèle à un grand espoir où ses
thèmes sans cesse se réalisent, entre gerbes fleuries d’étoiles, sur des champs magnétiques que le rêve conduit, dans le demi sommeil
de la raison»
Dès 1979, elle crée l’Académie Européenne des Sciences, des Arts et des Lettres, et, depuis, en est le Secrétaire Général.
En 199O, Nicole Lemaire d’Agaggio a inventé un nouveau mode d’expression : « Les drapés polychromes. »
C’est en 2OO7, qu’elle publie son deuxième recueil de poésie : « INSTANTS DE VIES «, et participe à de nombreuses publications concernant
les arts et la condition féminine. « Vision moléculaire du Monde », « La Science et la métamorphose des Arts », « L’Homme présent et futur
», « Pleins feux sur les femmes de soixante ans », …
Nicole Lemaire d’Agaggio a exposé dans de nombreux Musées, en France et à l’étranger et obtenu de nombreux prix de peinture.
Elle est Docteur en Sorbonne.
Elue entre 1972 et 1995, Maire adjoint d’Antibes Juan les Pins, elle reçut de nombreuses décorations françaises et étrangères, notamment :
Chevalier dans l’Ordre National français des Arts et Lettres.
Chevalier dans l’Ordre National français du Mérite National
Chevalier dans l’Ordre National français de la Légion d’Honneur
Courriel : [email protected] - Secrétariat : 3 Bd Albert 1er Antibes France
Nicole Lemaire d’ Agaggio was born in Nice and lives in ANTIBES and PARIS.
At the age of twelve, she obtained a first prize of Painting during a competition open to the adults. At the same time as painting,
she wrote her first poems.
Representational painter until 197O, her then takes the path of the not constructivist abstraction and publishes her first collection of poetry «BRIGHTNESS OF SUN».
From 1978, around abstract concepts created by the scientific theories, paints a poetic universe and becomes one of the pioneers of « the hyperabstraction «. Participating in Competitions of the French State, she will obtain several orders of the State
for monumental decorations.
Professor José Augusto França, President of the International Association of the art critics, writes on his subject:
« Nicole d’ Agaggio chose easily and nevertheless without ease, in a kind of ontological innocence, faithful to a big hope where
his themes ceaselessly come true, between flowery sheaves of stars, on magnetic fields that the dream leads, in half a sleep of
the reason «
From 1979, she creates the European Academy of Arts, Sciences and Humanities, and, since then, is the General Secretary.
199O, Nicole Lemaire d’ Agaggio invented a new mode of expression: « the polychromatic drapes. «
It is 2OO7 there, that she publishes her second collection of poetry: « MOMENTS OF LIVES «, and participates in numerous publications concerning the arts and the condition of women of more than sixty.
Nicole Lemaire d’ Agaggio’ works are displayed in numerous Museums, in France and abroad and obtained numerous awards.
She is Doctor in Sorbonne.
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LIPSZYC Jacqueline
14, rue Angélique Verien
92200 BOULOGNE
T. : 01 46 37 55 43
Site : www ; jacqueline-lipszyc.com
J’ai choisi le nu parce que les
corps sont des paysages charnels dotés d’un grand pouvoir
émotionnel. Ma démarche résulte
de l’immédiateté du rapport
entre peintre et modèle. L’émotion passe sur le tableau par le
rendu de la chair et du regard. Le
modèle n’est jamais objet. Chaque
tableau est une histoire de vie.
J’utilise diverses qualités de
papier, du carton, du bois, pour
obtenir des textures sensibles,
des transparences. Huile et pastel gras permettent des matières,
des couleurs nuancées, qui renforcent la vigueur des corps et
l’intensité des visages.
I chose to paint nudes because
bodies are carnal landscapes with a strong emotional power. The painting process derives from the immediate relationship
between painter and model. The emotion is transferred to the painting through the painted flesh and the eyes. The model is
never an object. Each work is a life story.
I use various types of papers, cardboard, wood, in order to obtain sensitive textures, transparencies. Oil and oil pastel allow
me to lay matters and to nuance the colors, both reinforcing the strength of the bodies, the intensity of the faces.
« Paula » - Huile et pastel gras - 120 x 80 cm – 2010
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MAGDZIAK Colette
15, av Diane 94500 - Champigny sur Marne
T : 01 76 15 15 40 - 01 48 81 30 01
06 80 8403 31 - Mèl : [email protected]
Depuis Jean Lurçat, la tapisserie est en pleine évolution. Elle quitte les murs pour devenir sculpture et vivre dans l’espace.
En m’appuyant sur les techniques traditionnelles et en utilisant des matériaux divers contemporains, mes tapisseries prennent un
nouveau visage et s’ouvrent à la création sans limite.
La technique de la tapisserie me donne la possibilité d’utiliser une double, triple chaine (voire plus) ce qui lui permet de devenir une
sculpture, de créer des effets de mouvement et des volumes subtils.
Tous les matériaux, qu’ils soient naturels, synthétiques, minéraux, végétaux ou animaux peuvent être utilisés
Le mélange des matières et des couleurs me donne des contrastes étonnants
Mon itinéraire flirte avec la tradition, la nature, le soleil et les voyages.
Chacune de mes œuvres a une histoire à vous raconter, à vous de les écouter.
Since Jean Lurçat, the tapestry is in full evolution. It leaves walls to become sculpture and live in the space.
By pressing me on the traditional techniques and by using diverse contemporary materials, my tapestries take a new face
and open in the creation without limit.
The technique of the tapestry gives me the possibility of using a chain double, triple (even more) what allows it to become a
sculpture, to create effects of movement and subtle volumes.
All the materials, that they are natural, synthetic, mineral, plant or animal can be used
The mixture of the materials and the colors gives me surprising contrasts
My route flirts with the tradition, the nature, the sun and the journeys.
Each of my works has a story to be told you, listen to them.
« Yin Yang » 60 x 130 x 15 cm - Tapisserie Haute lice /sculpture 3D - fil de cuivre, de coton,lin blanc,
lamelles de caoutchouc lamelles phosphorescentes. 2011
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MANDRON Jérôme
L’atelier Upsilon, Sarl Centre d’affaire Regus - 92522 Neuilly/Seine cedex
Tél : 06 25 21 32 26 - Mèl : [email protected] - Site : www.jeromemandron.com
Jérôme Mandron, né en 1969, est diplômé de l’institut catholique des arts et métiers de Lille.
« Archéologue du monde contemporain, il crée à partir de petits fossiles du 21ème siècle. De ces fragments, il construit ses rêves, son
imaginaire, avec une esthétique photographique épurée. Passionné par les matériaux, il joue avec le minéral, le métal…
Sa personnalité douce guide sa démarche artistique toute en émotion.
Jérôme Mandron, born in 1969, is awarded a diploma by the catholic institute of arts and crafts of Lille.
" Archaeologist of the contemporary world, he creates from small fossils of the 21th century. Of these fragments, he builds
his dreams, his imagination, with an uncluttered photographic aesthetics. Fascinated by materials, he plays with the mineral,
the metal …
His soft personality guides his artistic approach quite in emotion.
« sans titre » 92 x 76 cm – T. Mixte éclats de marbre , côte de maille – 2012
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MAN LIUS José
1, rue Léon Dierk 75015 Paris
+33 (0)6 6014 7403
[email protected]
http://about.me/josemanlius
http://www.josemanlius.com
A la fois vidéaste, performeur,
photographe et plasticien et
originaire des Antilles, c’est non
seulement par son regard mais
aussi par toute une suite d’expériences en rapport avec ses terres
caribéennes françaises, mais
aussi une couleur de peau et une
histoire, que José Man Lius entend
nous faire partager sa réflexion
et son questionnement sur la
construction identitaire, la place
de l’individu et sa façon d’assimiler ses origines dans un monde
globalisé.
C’est dans un espace volontairement déstructuré, ou le croisement de ses films, ses photos, ses
performances, et ses sculptures-objets, nous convie à vivre une expérience phénoménologique où chacun peut librement prendre part
à ce puzzle culturel, tout en se questionnant sur les liens que peuvent tisser l’art, la nature, le patrimoine immatériel, les phénomènes
chamaniques, et autant de forces invisibles qui influencent et changent nos perceptions. En nous donnant à vivre des événements
insolites et esthétiques, il se dégage du travail de José Man Lius, un paradoxe poétique où l’art numérique et les nouveaux médias
se mêlent avec la terre et les sensations telluriques, Une recherche qui permet d’éprouver ce que peut être le métissage culturel
constitutif d’une identité.
Marianne Guyader, sculpteur.
As a video artist, performer, photographer and designer from the French West Indies, José Man Lius questions the construction of identity, the assimilation of history and the place of the individual in an interconnected, globalized world. His roots
in the Caribbean extend his investigations into aspects of “métissage” and cultural interaction through a series of artistic
experiments and exploratory creative gestures. In a voluntarily unstructured space, the intersection of his films, photos,
performances, sculptures and objects creates a matrix of phenomenological experience. Here we are invited to explore the
components and puzzle of this cultural and spiritual brew, questioning the links that can weave together art, nature, intangible heritage, shamanic phenomena, and the numerous invisible forces that influence and change our perceptions. Through
live events and creativity of unusual and exquisite beauty, a poetic paradox emerges from the work of José Man Lius – a
paradox where digital art and new media mingle with the substance and sense of geologic and telluric feeling.
Robert Croma
« Installation» 2011
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MARCEAU-JOUVE Christine
341 rue de Marmogne - F 45520 GIDY
T : 06.02.22.59.17
Site : www.galeriechristine.com
Christine ‘s Career : As a sportwoman and
top-ranking swimmer, Christine launched
her career by conquering the many pools
of our beautiful France. She then devoted
her studies to Biology, which enabled her
to discover the many aspects of Fauna
surrounding us. After exploring Ocean
depths during fascinating diving expeditions, she discovered Sologne in 2006,
where she set out to re-visit and share
the world with us as a wildlife photographer. Ar present, the animal is speaking to
her, dwells in her and guides her in order
to appear and start moving between her
fingers.
Dynamics sculptures: Christine’s Sculptures offer a wide variety of attitudes,
while expressing the Vitality, Sensual
Delight, Strength and Energy of each character. Sculptures, be it classical or monumental - weighting more than 60 kilos
- terra-cotta or bronze, enables her to
reveal the dynamism of the movements...
The coarse touches on the matter bring
out their natural power.
Mon Parcours: Sportive et nageuse de haut niveau, j’ai commencé par conquérir les divers bassins de notre belle France. La
Biologie, à laquelle j’ai ensuite consacré mes études, m’a permis de découvrir les multiples facettes de la faune merveilleuse
qui nous entoure... Après avoir visité les fonds marins au cours de passionnantes expéditions de plongées, c’est en 2006, en
Sologne, que j’ai entrepris de revisiter et de faire partager le monde en temps que photographe animalier. A présent, l’animal
me parle, m’habite et me guide pour apparaître et s’animer entre mes doigts.
Les Sculptures Dynamiques : Mes sculptures offrent une multitude d’attitudes, tout en exprimant la vitalité, la volupté, la
force et l’énergie de chaque caractère... La sculpture, classique ou monumentale (de plus de 60 kg), en terre cuite ou en
bronze, me permet de révéler toute la dynamique des mouvements… Les traits bruts sur la matière apportent leur propre
puissance naturelle.
Lions - 60 x 60 x 65 cm - sculpture - 2012 - Cobé Defassa - 30 x 13 x 13 cm - Sculpture - 2012
Girafes - 20 x 15 x 45 cm - sculpture - 2012
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MINIERES Irène des
45, rue de Richelieu - 75001 PARIS
Tél : 01 42 92 04 66
Irène des MINIERES (née en 1944) à derrière elle plus de 30 années de peinture. Elle commence par le professorat, l’atelier de recherche
picturale et fait de nombreuses expositions personnelles et de groupe, notamment Smart Belgique, Progressy Lille, rue de Rivoli Paris,
ainsi que les Salons Historiques, Indépendants, Salon d’Automne, Artuelles, depuis 1992, elle est sociétaire des Artistes Français.
Sa peinture est lumineuse, dense, formes et couleurs y composent des points de vue sur la vie, quelle soit minérale ou animale. C’est
un livre ouvert à lire à travers notre sensibilité, pour notre plus grande délectation.
Irène des MINIERES (born in 1944) more than 30 years of painting. She begins with the teaching profession, the studio of
pictorial research and fact of numerous personal exhibitions and group, in particular Smart Be., Progressy Lille, street of Rivoli
Paris, as well as the Historic, independent Shows, Autumn show, Artuelles, since 1992, she is a member of the French Artists.
Her painting is bright, dense, forms and colors compose points of view on the life there, which is mineral or animal. It is a book
opened to read through our sensibility, for our biggest enjoyment.
« Incandescence » - 130 x 97 cm – Huile – 2012
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MOGA LAZAR Gabriela
53, av Pierre Brossolette 92120 MONTROUGE - Tél : 06 86 96 98 59 Courriel : [email protected] - Site : www.gabrielamogalazar.com
In conceptia Gabrielei MOGA LAZAR,
tapiseria este o arta de sine stàtàtoare si nu doar un accesoriu al
picturii. Ea considera ca un adevarat
creator de tapiserii trebuie sa stie
sa deseneze si sa teasa el însusi
lucrarile sale, caci doar astfel poate
sa stapâneasca pe deplin mijloacele
de expresie ale acestei arte.
Tapiseriile sale, tesute pe verticala
valorifica motive traditionale românesti stravechi în creatii moderne.
De dimensiuni mici si mijlocii au
calitatea de a se integra armonios
în interioarele moderne. In versiunea sa, « mini-tapiseria » devine
o arta de sinteza, care pune în
valoare creatia anonima a stramosilor. Aceasta este de altfel ambitia
declarata a artistei care afirma ca
doreste sa înfrumuseteze cotidianul vietii noastre, reînviind o arta
mult timp uitata. Vedeti : www.
gabrielamogalazar.com
Elle considère que la tapisserie
est un art à part entière et non
pas un accessoire de la peinture.
Elle estime qu’un vrai créateurtapissier doit dessiner et tisser
lui-même ses ouvrages, car c’est uniquement ainsi qu’il peut maîtriser pleinement les moyens d’expression de la tapisserie.
Ses tapisseries, tissées en haute lisse, font la jonction entre l’art traditionnel et l’art moderne.
De petites et de moyennes tailles, ont la qualité de s’intégrer harmonieusement dans l’habitat contemporain.
Dans sa version, la «mini-tapisserie» devient un art de synthèse, qui valorise la création anonyme de ses ancêtres. C’est d’ailleurs
l’ambition déclarée de l’artiste, qui affirme vouloir embellir le quotidien de notre vie, en faisant revivre un art longtemps oublié. Voir :
www.gabrielamogalazar.com
In Gabriela MOGA LAZAR’ s opinion, tapestry is an art in itself, not just an accessory to painting. She is convinced that a real tapestry
artist must know how to draw and weave by themselves their own works, as this is the only way to fully be aware of this art’s means
of expression.
GABRIELA MOGA LAZAR highlights ancient Romanian values throughout modern creations. Her tapestries, woven vertically are a bridge
between traditional and modern art.
Gabriela MOGA LAZAR’s small and medium size tapestries have the advantage of harmoniously integrating themselves in modern interiors. In her opinion, the «mini-tapestry» is a synthetic form of art, which highlights our ancestors’ anonymous creations. This is the
artist’s declared ambition: she states that her will is to embellish our day to day life by reviving a long forgotten art. Voir : www.gabrielamogalazar.com
« Balzac » 90 x 100 cm - Tapisserie « Victor Hugo – Rêve d’exil » 76 x 135 cm - Tapisserie
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MOLINARD Isabelle
7 rue Niepce 75014 Paris - T : 06 11 54 27 31 - 01 45 43 25 50 - Mèl : [email protected]
Sites : www.artmajeur.com/isabellemolinard - www.seizeanges.com
Après une longue pratique de
l’illustration dans l’édition, la
presse, la TV, la publicité, je
me suis dirigée vers la peinture
murale et le trompe l’œil, motivée par le besoin de dépasser
le format de la page, d’avoir
un contact avec la matière.
La peinture sur toile de lin,
grâce à sa tonalité moyenne,
permet de travailler l’ombre
comme la lumière. La vinylique
et l’acrylique se sont imposées
à moi offrant des effets comparables à l’aquarelle et aux
encres que j’utilisais en illustration. Mon travail est tourné
vers la recherche de formes et
de transparences, de réel et
d’imaginaires, de concret et
d’allégorique dans un objectif
de perspective ou de trompe
l’œil. Néanmoins mes projets
artistiques évoluent au grès
des rencontres et découvertes.
Actuellement c’est à travers le
portrait que je prends plaisir à
exprimer le côté « affectif » du
dessin.
After a long practice of the illustration in the edition, the press, the TV, the advertisingI went to the mural and trompe-l’oeil
paintings, motivate by the need to exceed the format of the page, to have a contact with the material. The painting on linen,
thanks to its average tone, allows to work the shade as the light. The vinyl and the acrylic were imperative upon me offering
effects comparable to the watercolor and to the ink which I used in illustration. My work is turned to the search for forms
and for transparencies, for reality and for imagination, for concrete and for allegorical in an objective of perspective and
trompe-l’oeil painting. Nevertheless my artistic projects evolve with my meetings and discoveries. At present it is through
the portrait that I take pleasure to express the «emotional» side of the drawing.
« William » – 69 x 81 cm vinylique – 2012 – 350€
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MOREAU Marie
353, rue de Gaudry
45700 PANNES
Tél : 02 38 85 25 90
[email protected]
www.mariemoreau.com
She has succeeded in turning those
“rough” materials into lively, expressive pieces of art. The early 20th century saw the coming out a genre of
super realism in painting and some
greatest masters PICASSO, BRAQUE,
MAX ERNST arose. Both the ideas
and the techniques from the genre
offer MARIE MOREAU good nutrition
to work, and PICASSO impresses her
most. So it’s quite natural that there’s
a vestige of the super realism in her
creation.
Truly MARIE MOREAU’s specific paintings confirm one truth: The collage
makes it possible to use natural
things in a harmonious way for what
she has been striving in art.
Seeing her pieces of collage, every
one may sense the Charm of Nature
from:
Magic sand…
The powerful earth…
A source of positive energy…
Sa pratique artistique s’articule essentiellement autour des collages avec des matériaux variés comme : les sables, papiers,
métaux, cisal (ficelled’origine mexicaine), feuilles d’or ou d’argent.Le Professeur Osswald de Fontainebleau, diplômé des
Beaux Arts de BOSTON (USA) et de BERLIN (Allemagne) lui a permis d’apprendre les différentes techniques.
Ce Professeur a marqué profondément son évolution artistique en lui permettant de découvrir, dans ses cours d’Histoire
de l’Art, les collages (Mouvement surréaliste du début du 20 ème siècle :PICASSO, BRAQUE, MAX ERNST) Elle s’est alors sentie
attirée par cette technique et l’idée de PICASSO que« Le but final d’un collage était de montrer que des matériaux différents
pouvaient entrer en harmonie pour devenir dans l’oeuvre une réalité en accord avec la nature.» Dans sa conscience, elle a
intégré cette idée avec le désir d’aller plus loindans sa recherche. C’est pourquoi vous retrouvez dans son oeuvre faite de
collages et de couleur:
La puissance de la terre…
La Paix…
La force de la terre…
Le magnétisme du sable … Une énergie très positive…
« Espace » 100x73 cm –Mixte – 2012 – 900€
« Elfes » diamètre 30 cm – céramique –raku 2012 – 800€
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MOREUX Laurence
91 rue de la République 36100 Issoudun - Tél : 0254214056 - 0662197650 - Mèl : [email protected] - www.laurencemoreux.com
Née au coeur du Berry en 1964, je quitte ma province pour entrer à l’Ecole Supérieure des Arts Décoratifs de Paris. Je m’oriente vers la
communication mais c’est le monde de la mode qui m’accueille.
Après plusieurs années de stylisme pour le Prèt à Porter et la Haute Couture au sein d’une société japonaise à Paris, je rejoins l’entreprise familiale en province. En 2005 tout bascule et je renoue avec une passion de toujours : la Peinture.
Encouragée par des artistes, j’ose exposer mon travail et la magie opère. Ma façon de peindre, je la compare à une randonnée, peu
importe le bagage, je n’en connais jamais la durée. La route est laborieuse, sinueuse, parsemée de joies, de souffrances et de rêves. La
couleur, le geste et la matière sont mes guides mais aussi mes combats.
Mes toiles sont le théâtre de l’expression de mes émotions, de mon imaginaire et de ma sincérité évoquée en toute liberté.
Born in the heart of Berry in 1964, I leave my province to enter the School of Decorative arts of Paris. I turn to the communication but it is the world of the fashion that welcomes me. After several years of styling for Wear and Fashion design within
a Japanese company in Paris, I join my family company in province. In 2005 everything falls over and I take up with a passion
of always: the Painting.
Encouraged by artists, I dare to expose my work and the magic operates. My way of painting, I compare it with a ride, no
matter luggage, I never know the duration. The road is laborious, sinuous, strewed with enjoyments, with sufferings and with
dreams. The color, the gesture and material are my guides but also my fights.
My paintings are the theater of the expression of my feelings, my imagination and my sincerity evoked quite freely.
« Jamais calme » Huile sur toile – 60 x 60 cm - 2012 –
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NIEMELÄINEN Päivyt
Et.Hesperiank. 30 A 6 -00100 Helsinki, FINLAND
T : +358 407156544
Site : www.paivytniemelainen.fi
Nature is the focus in my art. The lights, colors, smells, forms and details of nature are vivid in my mind. The movements of water,
frost, fragile thin ice, a frozen river, glittering water, shadows, dawn, thunder, fragments of memories, get expression in my art. The
majority of my works, such as portraits, are oil paintings. I also paint aquarelles. Recently I have developed a special method, painted
reliefs. In these
I try to strike balance between plastic form and painting. My works have been in exhibitions in Finland, Sweden,
Germany, France, Japan and USA.
La nature est au centre de mon art. Les lumières, les couleurs, les odeurs, les formes et les détails de la nature sont vifs
dans mon esprit. Les mouvements d’eau, le gel, la glace mince fragile, une rivière gelée, l’eau scintillante, des ombres, l’aube,
le tonnerre, les fragments de souvenirs s’expriment à travers mon art. La majorité de mes œuvre comme les portraits, sont
des peintures à l’huile. Je peins aussi des aquarelles. Récemment j’ai développé une méthode spéciale, pour peindre en relief.
Dans ces œuvres j’essaye de trouver l’équilibre entre la forme en plastique et la peinture. Avec mes œuvres, j’ai participé à de
nombreuses expositions en Finlande, en Suède, en Allemagne, en France, au Japon et aux USA.
“ LA MER” - 59 x 79 cm -mixed media, relief on hard board and painted with oil colors -2012
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NING JING (PIERRARD Bernadette)
2, rue du verger 74570 THORENS GLIERES
T: 06 43 07 23 57
Mèl : [email protected] - Site: www.ateleir-zhu-yin.com
Fascinée par la lumière, la transparence, la simplicité ; la calligraphie et la peinture traditionnelles chinoises me permettent d’exprimer
l’équilibre, le mouvement, la vie, telle une fleur s’épanouissant.
J’essaie de donner la possibilité de ressentir le reflet de la nature en mouvement, la beauté des teintes, la résonance des pigments
naturels végétaux et minéraux, l’harmonie des lignes courbes et des traits plus énergiques. Avec une respiration adaptée, l’énergie,
le souffle vital Qi, s’impriment dans différents styles calligraphiques, Yanti, Jinshu, Lishu, Zhaoti, Xingshu, Caoshu. Poésies et textes
mettent, la nature, l’être humain au coeur de l’univers.
Les pigments, l’eau, les encres jouent avec les différentes réceptivités, sensibilités des papiers.
Je tente d’offrir un espace pictural paisible, un voyage intérieur, calme et serein, avec une expression contemporaine.
Fascinated by the light, transparency, simplicity ; traditionnal chinese painting and calligraphy allow me to express the
balance, movement, life, as a fulfilling flower. I try to give the reflection of Nature in motion, the beauty of colors, the resonance of natural plant and mineral pigments, the harmony of the courbes and the features more energetic. With appropriated
respiration, the energy, the vital breath QI, express themselves in differents styles, Yanti, Jinshu, Lishu, Zhaoti, Xingshu,
Caoshu. Poetry and texts put Nature and the human being in the center of the Universe.
Pigments, water, inks play wih the receptivity, sensitivity of papers. I try to offer a peaceful pictorial space, a inner journey,
calm and serene with contemporary expression.
« Le cœur de l’homme » 198 x 52 cm Calligraphie style caoshu - 2012
« Jaillissement d’orchidées » 60 x 54 cm peinture Xie Yi marouflée sur aluminium brossé 2012
« Fragrances d’orchidées » 45 x 76,5 cm Peinture Xie Yi marouflée sur aluminium brossé 2012
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NOBRE Christine
Marie 9, rue de Brisay28700 DENONVILLE
T : 06 78 99 41 74 - Mèl : [email protected] - Site : www.chrisombrelueur.com
Démarche Artistique
Je travaille avec des miroirs
et comme Alice de Lewis
Carroll je passe de l’autre
côté et voyage dans d’autres
mondes où toute notion de
temps et d’espace s’arrête.
Je conçois des boîtes, je les
éclaire et les fais vivre avec
mes peintures et toutes
sortes d’autres outils qui me
sont propres. Ensuite je les
photographie et m’en inspire
pour réaliser d’autres peintures. Ce sont des mondes
dans mes mondes, un passage de portes successives…
Je préserve des instants de
ces voyages infinis. Les noirs
ne sont pas ténèbres, les
êtres sont, la lumière vibre,
les couleurs vivent, les architectures s’élèvent, les visions
se dessinent…rêve et imaginaire ne font qu’un…
I work with mirrors and as Alice de Lewis Carroll I pass on the other side and travel in the other worlds where any notion of time
and space stops. I conceive boxes, I light them and make them live with my paintings and all sorts the other tools which are appropriate for me. Then I photograph them and am inspired by it to realize other paintings. They are worlds in my worlds, a passage of
successive doors …
I protect moments of these infinite journeys. The blacks are not darkness, beings are, the light vibrates, colors live, the architectures rise, the visions take shape dream and imagination makes only one …
« Œil noir » - 80 x 100cm - Huile – 2012
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NOURY Blandine
[email protected] blandinen.tumblr.com
Jeune photographe française, du haut de mes 21ans, la photographie est vraiment ce qui me passionne. Moyen de retranscrire certains moments de ma vie, de garder en mémoire physique ces instants T et ces lieux visités une fois ou mille mais, qui le temps d’une
pose m’auront marqués plus que toutes les autres fois où j’aurais pu les voir.
De la couleurs ou du noir et blanc, de l’argentique ou du numérique, du paysage ou du portrait ; différents moyens, différents formats
mais toujours ce que j’aime et ce que je vois.
Young french photographer, from all of my 21 years of age, the photography is what really fascinates me.
A way to transcribe again some moments of my own life, to keep a physical memory of a time ‘t’. Of those places I’ve seen only
just one time. And of those places I’ve been a thousand times but which, with just one photograph, changes in everything
the way I saw it before.
In color or in black or white, with a silver film or a digital camera, from the landscape to the portrait layout; different ways,
different layouts but always what I like and what I see.
"Plage du Cap d’Agde" - photographie
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OD’ILE (Juszkiewcz)
3, route de Jacou 41400 St Julien de Chédon - Mèl : [email protected]
Ma passion est de transmettre mes émotions et
de véhiculer l’invisible à
travers mes créations.
Je me jette à corps perdu
dans la peinture intuitive
qui me pousse avec foi, de
découverte en découverte,
dans une inspiration débordante, de donner et recevoir de l’inconscient.
Les couleurs, les formes
posées sur la toile ouvrent
une grande réceptivité c'est
le départ de l'œuvre ; je me
laisse guider par ma sensibilité, un souffle tenaillant,
tripant, m'entraîne dans un
tourbillon jusqu'à la création de l'œuvre, un délire
exaltant.
L'inspiration
extérieure
et intérieure révèle toute
forme d'image provenant
de l'inconscient.
Les fonds de toile peints par toute autre personne me font cette même excitation révélatrice.
DE CE FAIT CHAQUE OEUVRE EST UNE PIECE UNIQUE.
Maintenant avec plusieurs années de créations et d'expositions je peux déclarer que j'appartiens au monde intuitif, spontané, brut
et que pour moi « l'Art se crée », sinon quel avenir pour l'Art si là aussi les barrières sont dressées… L’Art sans frontière est celui de
demain, en pleine mutation comme notre Monde d’Aujourd’hui.
My passion is to pass on my feelings and to convey the invisible through my creations. I throw myself wholeheartedly into
the intuitive painting which urges me with faith, from discovery to discovery, in an overflowing inspiration, to give and to
receive from the unconscious.
Colors, forms put on the painting open a big susceptibility it is the departure of the work; I am guided by my sensibility, a
tormenting, tripping breath, train in a whirlwind until the creation of the work, an exalting frenzy
The outside and internal inspiration reveals any shape of image resulting from the unconscious.
Linen painted by anybody else make me the same revealing excitement.
OF THIS FACT EVERY WORK IS UNIQUE
Now with several years of creations and exhibitions I can declare that I belong to the intuitive, spontaneous, raw world and
that for me " the Art builds up itself ", otherwise which future for the Art if there also barriers are raised) … The Art without
border is the one of tomorrow, in full transfer as our World of today.
« Lyrique » 100 x 100 cm Mixte – 2007 – 1700€
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OHAYON Ingrid
22, bd Kellermann 75013 PARIS - 06 65 15 69 54 - 01 45 65 13 18 - Mèl : [email protected]
Sites : http://ohayon.guidarts.com - http://ingrid-ohayon.odexpo.com
Ma passion pour la peinture et la céramique de grès m’a inspiré une méthode pour marier ces deux arts. Je peins sur terres de grès
avec des minéraux que je mélange juxta- ou superpose avant des cuissons entre 960°C et 1280°C. Du fait de la très haute résistance de l’émail de grès mes peintures ne peuvent être altérées ni par le soleil, ni par l’humidité ou le gel.
My love for painting and stoneware ceramic inspired me to devise a way of combining those two mediums. I paint on stoneware
with minerals that I either arrange side by side, mix or superpose. This is then baked between 960° and 1280°. This process
enables me to create pieces that cannot be damaged by sun, humidity or frost.
« M. A. au piano » 53 x 47cm émaux de grès2009 - 600€
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PARIENTE Julien
125, rue de Charonne 75011 PARIS - Site : Anotherphotomaker.tumblr.com
Du cinéma à la photographe juste un objectif : ma vision. De part ma formation et mon travail autour du monde du cinéma, j’aime capturer certains moments de ma vie, ce que j’aime à ma façon de voir le monde.
Ces trois dernières années, j’ai eu la chance de voyager en Asie et à Londres, de faire quelques photographies de ces choses particulières, des symboles de ces différents pays. Les rues, les buildings et les jardins d’Asie à Londres sont tellement différents. Une autre
conception du monde de part en part. Aucun doute, j’aime découvrir ces oppositions et les comparer à ma vie à Paris.
Du cinéma à la photographie juste un chemin pour moi de voir le monde et le transmettre de mon point de vue.
From the cinema to the phography just one objective : my view. Because of my formation and my work around the movie, I
appreciate to capture some moments of my life, what I see, what I like on my way to see the world.
For the three last years I’d the chance to travel in Asia, and London, to make some photographies of all particular things and
symbols of there differents country. Streets, buildings and gardens from Asia to London are so different. Another conception
of the world from these two parts. No way I like to discover this opposition and compare them to my life in Paris.
From the cinema to the photography just a way for me to see the world and transcribe this one by my point of view.
« London’s bus » photographie
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PARIENTE Paule
125, rue de Charonne 75011 PARIS
T : +33 6 89 67 92 22 - Mèl : [email protected] - Site : www.art-en-liberte.fr
Paule Pariente est une artiste exigeante, son oeuvre ne se donne pas directement, elle peut en dire comme Jean Degottex :
‘Peindre c’est entrevoir le vide qui est pour moi la vraie matérialité’.
Françoise Icart
Mes peintures gestuelles sont l’expression de la force avec laquelle je m’exprime.
Une peinture rythmée qui va à l’essentiel.
Je travaille très vite, guidée par une force intérieure, nourrie de mes origines diverses. Il en résulte un contraste étonnant entre
masses de couleurs et coups de pinceau.
Peintre pour moi, c’est voyager à l’intérieur de soi.
My action paintings are expression of the force with which I express myself.
A rhythmic painting that gets to the core.
I work very quickly, guided by an inner strength, fed by my diverse background.
The result is an astonishing contrast between masses of colors and brushstrokes.
Painting for me, is like taking a journey within myself.
« Genese » – mixte – 163 x 130 cm
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PICARD de BONCÉ Anic
163 rue Blomet 75015 PARIS
Tél : 06 08 2532 66
Courriel : [email protected]
Anic a indéniablement trouvé son chemin
lorsqu’elle peint : un monde en mouvement,
se déroule sous ses yeux où elle se laisse
aller jusqu’à ce que l’œuvre vienne. « Une
œuvre d’art devrait toujours nous apprendre,
a écrit Paul Valéry, que nous n’avions vu ce
que nous avons vu ».
C’est à cette exigence qu’Anic se tient avec
d’autant plus d’efficacité qu’elle ne la décompose pas en intention, mais qu’elle la ressent.
En résulte une œuvre d’une force indéniable
qui, à mi-chemin entre abstraction et figuration, nous donne à éprouver notre présence
au monde.
Caroline Larroche, Historienne d’art
Anic unmistakably found her path when
she paints: a world in movement, takes
place under the eyes where she is allowed
go until the work comes. " A work of art
should always learn us, wrote Paul Valéry,
that we had seen what we saw ".
It is in this requirement that Anic is held
with all the more efficiency as she does
not decompose her into intention, but
that she feels her. A work of an undeniable
strength
« n°811 – Ikoma » 79 x 144 cm – Acrylique sur polyuréthane marouflé sur aluminium 2008
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PICCIOTTO Norma
Via Ugo Bassi,5 - 20159 MILANO – Italie - 00 39 3 35 54 25 472
e-mail : [email protected] - [email protected] - Site : www.normapicciotto.it
Norma Picciotto est née à Milan où elle
vit et travaille.
En 1973 elle fonde avec son époux
Giancardlo de Bellis l’agence De Bellis,
une des plus fameuses agences de
photojournalisme de Milan, prenant des
photos pour les plus grands quotidiens
et magazines italiens comme le Corriere
della sera, Panorama, Espresso, Unita...
Norma Picciotto a su renforcer le groupe
De Bellis en tissant des liens avec
l’agence France-press photo, permettant ainsi d’envoyer des photo de partout dans le monde et de les traiter immédiatement, ce qui a permis à l’agence
De Bellis d’être la première agence en
Italie à recevoir en temps réel les photos
de la première guerre du Golfe.
A coté de son travail de reporter, Norma
Picciotto a commencé son travail de
photographe artistique, voyageant,
photographiant les personnes
et les lieux partout autour du monde, se
détachant du journalisme mais découvrant et exprimant des détails de la vie
quotidienne et des atmosphères. Elle
capture des fragments de réalité, des
portraits de gens ordinaires, qu’elle utilise dans ses créations. En même temps
elle a la passion pour les processus de
photo digitale qui lui permettent de
réaliser ses oeuvres originales au fort
potentiel expressif.
Norma Picciotto was born in Milan
where she lives and works
In 1973 she and her husband Giancardlo of Bellis open the De Bellis agency, one of the most famous agencies of photojournalism of Milan, taking photos for
the biggest daily papers and the Italian magazines as Corriere della Serra, Panorama, Espresso, Unita... Norma Picciotto knew
how to strengthen the group de Bellis by weaving links with the France - press photo agency, so allowing to send photo of all
around the world and to handle them immediately, what allowed the agency De Bellis to be the first agency in Italy to receive
in real time the photos of the first Gulf War.
In quote by her work of reporter, Norma Picciotto began her work of artistic, travelling photographer, photographing the persons and the places everywhere around the world, getting loose from the journalism but discovering and expressing details
of the everyday life and atmospheres.
She captures fragments of reality, portraits of ordinary people, which she uses in her creations. At the same time she has
the passion for the processes of digital photo which allow her to realize her original works in high potential meaning
“Meditation 2” 100 x 70 cm photomontage 2012
“Enigma 5” 100 x 70 cm photomontage 2012 - “Enigma 1” 100 x 70 cm photomontage 2012
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PROVOST Martial
52, rue de bas-rivière 41000 BLOIS 02 54 78 82 79 [email protected]
Débute dans la peinture après s’être intéressé à l’art paysager.
Elève de Charles Rousselet, artiste international, pendant plusieurs années.
Conseillé par Jean TOURET et Jacques EL KADDAR, se consacre à la
Peinture depuis de nombreuses années.
Président des Amis des Beaux-Arts du Blaisois de 2004 à 2009
Diverses expositions en France (Paris et Régions) et à l’étranger (Japon, Espagne)
He Begins painting having been interested in the landscaped art.
Pupil of Charles Rousselet, international artist, during several years.
Advised by Jean TOURET and Jacques EL KADDAR, dedicates himself in is Painting for several years.
President of Friends of the Fine arts of Blaisois from 2004 to 2009
Diverse exhibitions in France (Paris and Regions) and abroad (Japan, Spain..)
« Nu sur fond rouge » - 65 x 50 cm - Huile - 2012
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QUILLIVIC René
Membre de l’Institut, Académie des Beaux Arts – 75016 Paris
Elève de Fernand Léger et d'André Lhote (1947), il obtient un Premier Second Grand Prix de Rome de Gravure en taille douce Pour lui,
l’art de graver est avant tout un geste qu’il applique dans les décors monumentaux pour l’architecture, utilisant les matériaux les plus
divers : métal, granit, schiste, béton moulé, etc. A partir de 1969, René Quillivic entame une série de 250 timbres le fil conducteur
permanent de l’œuvre de René Quillivic demeure l’estampe, les noir et blanc gardant leur privilège d’expression par excellence.
Élu membre de l’Académie des Beaux-Arts, le 1er juin 1994, au fauteuil d’André JACQUEMIN
Premier Second Grand Prix de Rome (1950) ; Pensionnaire de la Casa de Velazquez (1952-1954) ; Prix Jean Goujon (1969) ;
Grand Prix de l'Art Philatélique pour les territoires d'Outre-Mer (1973) ; Médaille d'or du Salon des Artistes Français (1973)
René Quillivic is a member of the French Arts Academy. As engraver, he makes 250 stamps for French post office and many
monumental decorations for architecture.
« La nasse », 40 x 50 cm - gravure en réserve sur linoléum
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RÉGNIER Isabelle
7 place de l’Église 91630 MAROLLES en Hurepoix
Tél : + 33 6 88 08 92 10 - Mèl : [email protected] - Site :www.isabelleregnier.com
Après une initiation à la technique émulsion huile et œuf et un enseignement à l’École d’Architecture UP8 de Paris, Isabelle RÉGNIER
obtient un DEA en Arts Plastiques et Sciences de l’Art à l’Université de Paris I Panthéon-Sorbonne. Elle inclut dans ses paysages parfois
des personnages, principalement la dimension du voyage, du parcours, du déplacement. Un des buts de sa peinture serait de renouveler notre perception de la nature, de la rendre plus aiguë, sensible comme un oscilloscope aux moindres variations d’un environnement
protéiforme.
Isabelle RÉGNIER expose en France et à l’étranger (Brésil, Chine, Italie, Bosnie-Herzégovine) dans le cadre d’échanges internationaux.
After an initiation into the technique emulsion oil and egg and an education at the School of Architecture UP8 of Paris, Isabelle
RÉGNIER obtains a POST-GRADUATE DIPLOMA in Plastic arts and Sciences of the Art to the University of Paris I Panthéon-Sorbonne. She includes in her landscapes sometimes characters, mainly the dimension of the journey, the route, the travel.
One of the purposes of her painting would be to renew our perception of the nature, to make it more acute, sensitive as an
oscilloscope to the slightest variations of a protean environment.
Isabelle RÉGNIER exibits in France and abroad (Brazil, China, Italy, Bosnia and Herzegovina) within international exchanges.
« Un Moderne Actéon »- 73 x 100 cm - Huile et émulsion à l’œuf - Déc. 2011
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SAMYN Valeria
3 rue de Minversheim 67270 ALTECKENDORF
Tél : +33 388515943 - +33 680212216 - Mèl : [email protected] - Site : www.valeria-mattioli-samyn.com
Conjuguer la peinture figurative avec le rêve dans un travail de recherche qui ouvre des horizons illimités. Je présente ainsi mes toiles
en lin brut dans lesquelles les couleurs se fondent les unes dans les autres à travers divers effets exécutés au couteau L'ensemble
génère une vision fantasmagorique dans laquelle peut se laisser entrainer celui qui regarde
J'appelle ma peinture TRANS-REALISTIQUE, dans laquelle seul le motif principal est traité en manière réaliste
J'ai toujours possédé la peinture dans le plus profond de moi-même, c'est ma raison, ma sensibilité, ma mémoire ,mon énergie vitale,
ma volonté, mon imagination, ma passion, mon émotion
Combine figurative painting with dream in a piece of research which opens unlimited horizons. So I show my raw linen canvas
in which the colors merge into them through effects made by knife.The whole generates a phantasmagorical vision in which
the viewer can be carried. I call my painting trans-realist, where only the principal motif is treated with realistic way.
I have always possessed painting in the depths of my being.
It's my reason, my sensitivity, my memory, my energy of life, my imagination, my passion, my emotion.
« Alégorie Cubaine » 80 x 80 cm - Huile sur toile de lin brute – 2012
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SARGET Marie Noelle
25, av Golviller 91800 BRUNOY
Tél : +331 60 46 01 29: +33 6 78 62 73 23
Mèl : [email protected] - Site : www.mn-sarget.com
Chercheur de formation, je le suis
aussi dans ma démarche artistique,
où mon travail porte sur la couleur,
le mouvement, et l’utilisation de différents types de lignes courbes, dans
une peinture qui exalte l’amour de la
nature et de la vie, et “chante“ avec
les couleurs, une peinture sensuelle
et lyrique, où il s’agit surtout de suggérer des sensations, et des émotions, ou de symboliser des élements
naturels tels que l’air ou l’eau... Finalement, ce que j’essaie de traduire,
c’est l’élan vital, le souffle de la vie !
Je souhaite que mes oeuvres restent
ouvertes, qu’elles gardent quelque
chose de mystérieux, d’ambivalent,
d’inachevé, et permettent plusieurs
interprétations, pour que celui qui
les regarde puisse les nourrir de son
propre imaginaire.
J’ai réalisé une quinzaine d’expositions personnelles et participé à un
grand nombre d’expositions collectives, en France et à l’étranger. Je
m’exprime également par la photo.
In my work on colour, curved line
and move, I try to express the
strengh of vital impetus, the
breath of life, through sensual
and lyrical paintings, singing with
colours, where the matter is to
suggest sensations, emotions, to
symbolize elements such as air or water, to allow the “singing of the world” to come to register on my canvas.
Trained as a researcher, so I am in my paintings, that may be classified in different techniques - rubbings, light touches
alternate with large gestuals, pincel with kitchen paper or sponge - , or in different themes asking ontological fundamental
questions.
I wish my works remain open, keep something mysterious, ambivalent, unfinished, and allow several interpretations, so that
looking at them, one might feed them with his own imagination.
I realized fifteen solo exhibitions, and participated to a large number of collective ones, in France and other countries. I also
express through photography.
« Icare » 92 x 73 cm - Acrylique sur toile - 2009
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SCOTTO Aurelio
Via G. F. HARITI, 59 - 50127 FIRENZE Italie
Tél : +39 – 3397104873
e-mail : [email protected]
Native of the Giglio Island (Tuscany, Italy), the young
artist Aurelio Scotto currently lives and works in Florence. He is mainly active as pianist - composer, but
he has already obtained important international acknowledgments with his graphic works. The originality
of his visual production is the use of musical materials
and symbols, decontextualized and edited. His musical
- graphic works are exhibited at the Art Academy of
Cincinnati (USA), Teatro Nuovo of Udine (Italy), Amart
Louise Gallery of Brussels (Belgium), Louvre Museum
of Paris(France), Triennale of Rome, Ada Art Gallery of
Barcelona (Spain). In 2011 he was awarded the International Prize City of Tokyo for the high stylistic value of
his works; he also won the Oscar Award for Visual Arts
(Montecarlo Monaco) for having stood out in the artistic
international environment.
«I am a young musician who had since 2008 the artistic
need to create abstract images with musical symbols
and with a geometric and physical interpretation of the
sound space (music to see). My pictures are very simple,
because I have not received the training and education
of a visual artist, and through them I try to capture and
to express an immediate and direct idea or concept, without complications and outside of the modern stylistic
movements, in total free expression».
Originaire de l’Île Giglio (Toscane, ‘Italie), le jeune artiste Aurelio Scotto vit actuellement et travaille à Florence. Il est principalement actif comme pianiste -et compositeur, il a déjà obtenu des récompenses internationales importantes pour
ses œuvres graphiques. L’ originalité de sa production visuelle est l’utilisation de matériels musicaux et des symboles,
decontextualisés et édités. - ses œuvres graphiques et musicales sont exposées à l’Académie d’art de Cincinnati ( USA),
au Teatro Nuovo d’Udine (Italie), à la Galerie Amart Louise de Bruxelles (Belgique), le Musée du Louvre de Paris , la Triennale
de Rome, à la Galerie Ada Art de Barcelone (Espagne). En 2011 on lui a attribué le prix d Je suis un jeune musicien qui avait
depuis 2008 le besoin artistique de créer des images abstraites avec des symboles musicaux et avec une interprétation
géométrique et physique de l’espace du son(sain) (la musique pour voir). Mes images sont très simples, parce que je n’ai
pas reçu la formation et l’enseignement (éducation) d’un artiste plasticien et par eux j’essaye de capturer et exprimer une
idée immédiate et directe ou un concept, sans complications et à l’extérieur des mouvements stylistiques modernes, dans
l’expression libre (gratuite) totale. Prix international de la ville Tokyo pour la haute valeur stylistique de ses œuvres ; il a
aussi gagné l’Oscar d’Arts visuels (Montecarlo, Monaco)
Je suis un jeune musicien qui avait depuis 2008 le besoin artistique de créer des images abstraites avec des symboles
musicaux et avec une interprétation géométrique et physique de l’espace du son(sain) (la musique pour voir). Mes images
sont très simples, parce que je n’ai pas reçu la formation et l’enseignement d’un artiste plasticien et par eux j’essaye de
capturer et exprimer une idée immédiate et directe ou un concept, sans complications et à l’extérieur des mouvements
stylistiques modernes, dans l’expression libre totale.
“Days and light” 21 x 29 cm photography – 2008
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SELISHCHEV Mikhail
[email protected]
The graphics of the theatre and a sense of drama (Selishchev graduated from the theatrical department of the Moscow 1905 Memorial
Art School, where he was taught by N. N. Merkushev), as well as the ancient Russian traditions of monumental art (he also studied
monumental and decorative art at the Moscow Surikov State Art Institute, under Professor K. A. Tutevol), served to feed the artist's
talent, and, together with a high level of aptitude for the work, added up to a 'cocktail' of unusual creativity which holds its own unique
place in the field of contemporary Russian art. Innovation and experiment, combined with myth-creation and a love for the various
materials of his art, give the works of Mikhail Selishchev an acuteness and contemporaneity.
« Trojan track 1 »
76
SERRER Francine
(Georgette Barthélemy), 8, rue des Cloÿs 75018 PARIS
T : 01 53 41 61 75 - 06 80 12 55 53 Mèl : [email protected] - Site : www.francineserrer.com
Francine SERRER, née en Algérie, d’origine française et espagnole, s’est jetée dans la peinture toute jeune adulte comme dans un fleuve
désiré. Elle y a été formée par son maître et ami Eduardo Pisano qui lui enseigna les techniques mais aussi la liberté et les contraintes
de la liberté. Elle n’a rien d’une théoricienne, partant du ‘’besoin de peindre’’ plutôt que des raisons de peindre :’’
‘’Je parle avec mes pinceaux’’, aime-t-elle à dire. Elle est plus volontiers figurative qu’abstraite car ‘’le figuratif inclut l’abstrait et non
l’inverse et porte un tout autre contenu .d’émotion’’. En fait il ne s’agit pas de représenter mais de toucher, d’enchanter, de faire surgir
de soi quelque chose qui atteint l’autre. On peut dire ‘’figuration expressive’’ ou ‘’figuration lyrique’’ si l’on veut une dénomination. Son
rituel de peintre exclut la minutie mais non l’exigence aigue de l’équilibre et de l’effet. Dans notre monde sans critères formels, il ne
reste plus à l’artiste que d’être à la fois artisan et magicien.
Francine SERRER was born in Algeria of french and spanish origin . Very young she threw herself, into painting as into a
much desired river. She was formed by her teacher and friend Eduardo Pisano who taught her techniques but also freedom
and constraints of freedom. She did not become a theorist, referring to the "need to paint" rather than to the ‘’reasons for
painting : "". She likes to say : ‘’ I talk with my brushes’’. She is more figurative than abstract because " figuration includes
abstraction and not vice versa and is rich of quite another emotional content’’.. In fact what matters is not to show but
to touch, to enchant, to extract of oneself something that reaches the other. We can say "expressive figuration" or "lyrical
figuration" if a name is wanted . Her ritual of painter excludes meticulousness but not intense requirement of balance
and impression. In our world without formal criteria, what is left to the artist is to be at the same time a craftsman and
a magician.
« L’oiseau présage » - aquarelle (52 x 76) - 2012 - « La toque orange » - huile (24 x 33) - 2004
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SIESSE Pascale
30, rue du puits 94240 l’Hay les Roses - T : 06 28 05 33 89 - Mèl : Siesse.pascale@wanadoo;fr - Site : www.pascalesiesse.com
Après de nombreuses années à travailler dans le secteur de la mode et du textile, je me consacre désormais à la peinture, avec passion
et enthousiasme.
Mon itinéraire artistique me conduit depuis 10 ans, vers des expériences plus abstraites et matérielles où le touché et le relief sont
omniprésents grâce aux empâtements acrylique, empli de lumière et de matière, dont j’apprécie la polyvalence et la rapidité de séchage.
Marine est une composition naviguant entre le réel et l’irréel, qui se traduit par un graphisme dynamique.
After numerous years to work in the sector of the fashion and the textile, I dedicate myself from now on to the paint with
passion and enthusiasm. My artistic route leads me for 10 years, towards more abstract and material experiences where the
affected and the relief are omnipresent thanks to the thickenings acrylic, filled with light and with material, the versatility and
the speed of drying of which I appreciate.
Marine is a composition navigating between the reality and the unreal, which is translated by a dynamic graphics.
« Marine » - 100 x 100 cm - Acrylique 2012
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SIRECI Claudio
Via Latino Latini, 20 -01100 VITERBO – Italie - T : +39- 3334650396 - Mèl : [email protected]
http://sites.google.com/site/claudiosireci
Claudio Sireci è nato a Viterbo
nel 1962 – pittore alla scuela
des maestro Enzo Mariz Mattioli
Frequent ail suo studio “Il Paradosso” – vive e lavora a Viterbo –
Italy – “Bottega” in via S. Egidio, 18.
L’archetipo artistic di Claudio Sireci,
è il frutto dell’uso magistrale des
colore acrilico, del collage tradizionale e dell’alternarsi des tratto delicato con quello spigoloso e introverso. Egli narra metaforicamente
l’oggetto dell’opera pittorica, descrivendo con efficacia l’imbastitura
basata sul collegamento stretto
tra il segno e il pensiero, entrambi
aspetti di una stressa riflessione
sul reale.
Due opera sono entrate a far parte
della collezione del siena art institute founded by paul Getty III;
Ha esposto alla mostra “Les rencontres” a Venezia palazzo Zenobio
collegio Armeno; Ha esposto in una
personale a Gubbio (PG) presso
la Galeria “Palazzo Pretorio”; Ha
esposto alla “Secunda rassegna
di Arte Contemporanea – Treviso
2012” presso la prestigiosa sede
di “Casa dei Carraresi”
Claudio Sireci was born in Viterbo
in 1962 – Self taught painter
in the school of maestro Enzo
Mattioli attented his study “The
Paradox” – lives and works in Viterbo – Italy – painting workshop via S. Egidio, 18. The Archetype of artistic Claudio Sireci, is
the result of masterful use acrylic paint, collage traditional and the alternation with the angular tract gentle and introverted.
He said the object of the pictorial metaphor, describing the basting effectiveness based on the close link between the sign
ant thought, both aspects of the same reflection of reality.
Two works have become part of the collection of Siena Art Institute founded by Paul Getty III; He has exhibited at the exhibition “les rencontres” in Venice palazzo Zenobio Armenian College; he has exhibited in a solo show in Gubbio (PG) at the
Gallery “Praetorian Palace”. He exhibited at the “Second exhibition of contemporary art – Treviso 2012” at the prestigious
headquarters of “House of Carraresi”
« Female » 70 x 100 cm - acrylic paint + collage – 2008
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SOL Marièva
T : 06 62 80 40 93 - Mèl : [email protected] - Site : www.marieva-sol.fr
Marièva Sol fut une enseignante heureuse. Elle est
écrivain et poète. Dessinatrice et peintre, c’est une
artiste surrréaliste et symbolique, mariant humour et
gravité. Comédienne, elle
monte des spectacles où
elle chante sa foi et sa tendresse pour le monde. Très
active, elle ne cesse d’exposer et de participer à des
manifestations littéraires
et culturelles en province, à
Paris et à l’étranger.
Marièva Sol was a happy
teacher. She is writer and
poet. Draftswoman and
painter, it is a surrréaliste and symbolic artist,
marrying humor and gravity.actress, she goes up
shows where she sings
her faith and her tenderness for the world.
Very active, she does not
stop exposing and participating in literary and
cultural demonstrations
in province, in Paris and
abroad.
« Mad creator » 76 x 104 cm (encadré) Encres de Chine – 2012
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SOREIL Alain
18, passage Turquetil 75011 PARIS - 0619 57 44 07
Courriel : [email protected] - Alainsoreil.livegalerie.com/soreil.guidarts.com
Depuis toujours Alain SOREIL observe,
dessine, caricature son entourage.
En parallèle d’un parcours en médecine qui laissera pour trace son sens
de la dissection « mentale », l’artiste
fréquente les Beaux Arts. Du dessin
à la peinture il n’y a qu’un pas qu’il
franchit aisément, figuratif, abstrait,
Alain SOREIL a besoin de s’exprimer
largement. Altruiste, généreux, sa
peinture lui permet de transcrire sa
relation à l’autre, sa connaissance de
l’homme, la complexité qui l’entoure.
Alain SOREIL « AIME », il aime les gens,
les sensations, l’inconnu, le défit,
l’impossible. « L’autre» le construit,
« L’autre» est source de réflexion
de progrès de partage. A travers
ses peintures « têtes », il exprime
ses rencontres, ses émotions, ses
questionnements. Il autopsie notre
conscience, notre inconscient, par
des extractions, des codes couleurs,
des symboles. La « tête », centre du
système de communication, nous
renvoie à notre réalité. Mais l’artiste
veut aller plus loin, curieux, spirituel, il utilise sa connaissance et
son parcours dans les arts martiaux
pour proposer un travail abstrait sur
les énergies. Racines, Force, Vitalité,
sont les maîtres mots de ce travail,
l’artiste porte sur l’homme un regard
introspectif qui nous conduit aux
portes de notre âme.
Alain SOREIL always observed, drawing, caricature his entourage. In parallel with a course in medicine that allow for trace its
sense of dissection "mental", the artist attended the Fine Arts. From drawing to painting there is not one that easily crosses,
figurative, abstract, Alain SOREIL need to speak much. Altruistic, generous, his painting allows him to transcribe his relationship with the other, his knowledge of human complexity that surrounds it. Alain SOREIL "LOVE", he likes people, sensations,
the unknown, challenge the impossible. The "other" built the "other" is a source of progress reflection and sharing. Through
her paintings "heads", he expresses his encounters, emotions, questions. Autopsy it our consciousness, our unconscious,
extractions, color codes, symbols. The "head", the center of the communication system, we refer to our reality. But the
artist wants to go further, curious, witty, he uses his knowledge and his journey in the martial arts to offer abstract work on
energy. Roots, Strength, Vitality, are the hallmarks of this work, the artist focuses on man an introspective look which leads
us to the gates of our soul.
“Une flèche dans mon cœur” - 100x 81 cm - mixte sur lin – 2012
81
SPENDER Chantal
T. +33 (0)6 07 79 32 77 - Mèl : [email protected]
Site : www.chantal-spender.com
Née à Paris en 1947, ingénieur en aménagement
urbain, puis consultante
en communication institutionnelle, je me consacre
totalement à la peinture
depuis 2002. Je vis maintenant dans le Nord de la
France. Je ne m’impose pas
de programme stylistique
particulier. D’une toile à
l’autre, je passe de la figuration à l’abstraction. Je
m’en tiens aux impulsions
de mon inspiration et aux
exigences de mon œil. Dans
l’agencement des couleurs
et des espaces, je cherche
à atteindre l’équilibre. Une
maxime : « le rêve comme
la peinture, la peinture
comme le rêve ».
Participation à de nombreuses expositions, en
France et à l’étranger, parmi
lesquelles le Salon d’Automne et le Salon Violet.
Born in Paris in 1947, engineer in urban planning, then consultant in institutional communication, I dedicate myself totally to
the painting since 2002. I lived now in the North of France. I do not stand out of particular stylistic program. From a painting
cloth to the other one, I pass from representation to abstraction. I am held to the impulses of my inspiration and to the
requirements of my eye. In the color scheme and the spaces, I try to reach the balance. A maxim: " the dream as painting,
the painting as dream ".
Participation with numerous exhibitions in France and abroad, among which the Autumn show and the Purple Show.
Le dernier tango à Paris – 90 x 70 cm – Huile - 2012
82
STUTZ Jean,
Galerie-Uniplastic Ltd. Hauptstr.82 - CH-9400 Rorschach - Suisse - Mèl : [email protected] - Site : www.john-stutz.ch
Since 1963 it was my goal to develop my own unique technique by burning out sculptures out of solid steel up to 30 cm in thickness
as well as casting pictures out of 2 part reactive resins.
The castings consist out of a honeycomb board, surrounded by metals frames onto I’m pouring the liquid resins curing out within
minutes.
Seit 1963 schneide ich Skulpturen aus Stahlplatten bis 30 cm. Dicke aus und giesse reactive 2 komponenten Giessharze
als Bilder. Die Bilder bestehen aus Honigwabenplatten, die mit Metallzargen ausgerüstet werden, damit ich die flüssigen
Giessharze auf die Oberflächen aufgiessen kann. Stelle glatte, porenfreie Oberflächen her oder kann die Giesseharze mit
Zusatzchemikalien in der Struktur beeinflussen.
Red Tower - 4x200x100 cm - casted resins -2011
Pillar M 12-14 - 3x240x75 cm - casted resin - 2012
Pillar M 9-11 - 3x240x75 cm - casted resins - 2012
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SUDRE Véronique
3, route de Favières 80860 Lieu dit Romaine commune de Ponthoile
03 22 28 86 [email protected]
www.veronique-sudre.fr
Pour moi peindre c'est aussi partager des
moments intimes le temps d'un regard. Donner corps et vie à la peinture par le jeu des
couleurs, le mouvement, la profondeur. Saisir
ce que l'on ne peut voir. Le retranscrire, capter
l'autre côté du miroir. Exprimer l'essentiel.
For me, painting is also sharing intimate
moments the time of a look. To give body
and life to the painting with colors, movement and depth. To seize what we cannot
see. To retanscribe it, to capture the other
side of the mirror. To express the basics.
« Entre Terre et Mer » dyptique (X2) 40 x 120 cm Acrylique
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THAI Kim Hue
51, rue Gustave Caillebotte 78420 Carrières/Seine - Tél : 06 28 41 63 72 - Mèl : [email protected] - Site : www.thaikimhue.fr
Diplomé de l'Ecole des Arts
Appliqués de Gia-Dinh au
Vietnam en 1950, avec 47
ans d'expérience professionnel en tant qu'artiste
peintre et peintre en lettre,
mes peintures sont de différentes catégories telles
que : l'abstrait, l'impressionnisme, l'expressionnisme, le
moderne, ou bien le paysage
et la nature morte. A la retraite depuis 1997, j'ai toujours le gout et la passion
pour la peinture et je continue de peindre pendant mon
temps libre. Mon souhait à
présent serait de pouvoir
me faire connaitre du grand
public aussi bien en France
qu'à l'étranger à travers des
expositions dans divers
salons et galeries.
Graduate from of the
School of the Decorative
arts of Gia-Dinh in Vietnam
in 1950, with 47 years of
experience(experiment)
professional as painter and painter in letter, my paints are various categories such as: the abstract, the impressionism, the
expressionism, the modern, either the landscape and the still life. Retired since 1997, I always have the gout and the passion
for the painting and I continue to paint during my spare time. My wish at the moment would be to be able to make me well
known from the general public as well in France as abroad through exhibitions in diverse shows and galleries.
« La vie » 65 x 73 cm – Huile/toile – 1991
85
Thuet France
11, rue Robert Planquette- 75018 Paris -01 46 06 69 96 [email protected]
Après un passage par la sculpture, je me suis orientée vers le dessin et la peinture, n’ayant jamais touché de pinceaux, le figuratif était
pour moi la seule façon d’aborder la peinture, ce qui m’anime c’est la couleur.
Petit à petit, c’est vers l’abstrait que mon pinceau m’entraîne. L’aventure est difficile, mais l’enthousiasme est là.
After sculpture, I practice draw and paint. Being without experience, figurative was for me the usied way to begin painting.
Little by little, I go to abstract. Adventure is difficult but I am enthusiast.
« Cosmos éclaté » 73 X 60 cm – Acrylique - 2012
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UNUMA-LINCK
Mayumi 13,rue du KAELBLING LUTTENBACH F68140 MUNSTER
T : 03 89 775755 - Mèl : [email protected] - Site ; mayumiunumalinck.jimdo.com
Mayumi peint sa vie, ou
plutôt des instants de
vie .
Une vie qui défile sur
un rythme désormais
empreint de calme et de
sérénité. Mayumi peint
non pas des natures
mortes, mais des temps
de repos, à l'image de
ces horloges arrêtées,
des temps de respiration qui nous invitent
à la contemplation des
saisons et l'harmonie de
leurs couleurs.
Des compositions qui
comme de douces
musiques bercent et
reposent les âmes
secouées par le tumulte effréné de la vie..
Mayumi paints her life,
or rather moments
of life. A life which
parades on a rhythm
from now on full of
peace and serenity. Mayumi painted not still lives, but time of rest, just like these stopped clocks, time of breaths which
invite us in pondering over seasons and harmony of colors. Compositions which as soft musics rock and rest
Souls moved by the big tumult of the life.
« CHAUD IV » 80x100cm - Huile sur toile - 2012
87
VAL (Valérie Girone)
65, bd Victor Hugo
92200 NEUILLY/SEINE
T : 0620550643
Site : www.val-artiste.com
VAL apprivoise l’aluminium. La
modernité de la matière vient
réconcilier les civilisations
anciennes. Tout est lié. C’est
dans cet esprit que VAL travaille son « parcours d’urbanité
», une démarche artistique qui
lui est propre et qui vient montrer la ville comme l’expression
de la trace presque animale des
hommes dans ses destructions
et l’empreinte spirituelle qui
construit jusqu’à presque toucher le ciel.
VAL tames the aluminum. The
modernity of the material
comes to reconcile the former civilizations. Everything
is bound It is in this spirit
that VAL works her " route of
politeness ", an artistic approach which is appropriate
for her and which comes to
show the city as the expression of the almost animal
track of the men in its destructions and the spiritual
imprint which builds until
touch almost the sky.
« Les Ballons Rouges » - 140 x 240 cm - Acrylique et résine sur tôle d’Aluminium - 2012
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VENTURINI Jean Jacques
118 bd Wilson 06160 JUAN-LES-PINS
Tél : 33- 607 639 311
www.altavox-paca.com
Né en 1948 dans le
Gard, Jean-Jacques Venturini entre dans la vie
active à Paris en 1967,
menant de pair son
métier de graphiste et
sa carrière de peintre.
Cette même année, il rejoint le groupe lettriste
d’Isidore Isou.
Il travaille également
avec Mirabelle Dors,
présidente du Salon de
la jeune peinture et fondatrice du mouvement
Figuration critique.
Il se lance ensuite dans
une aventure entrepreneuriale qui lui permet
de mettre en pratique
son savoir-faire de graphiste et de travailler
avec de grands groupes
industriels.
Depuis quelques années, Jean-Jacques Venturini vit à Juan-les-Pins, où il s’est progressivement dégagé de ses diverses activités
professionnelles et a repris le pinceau, pour s’aventurer dans une nouvelle direction stylistique et satisfaire son penchant pour l’éclectisme.
Fidèle à son besoin d’autonomie, libre dans son parcours autodidacte, marqué par des années de création tournées vers l’industrie, il
développe, dans ses œuvres nouvelles, un sens inné du détail dont l’exercice s’est rapidement converti en passion.
Born in the Gard region in 1948, Jean-Jacques Venturini started his professional life in Paris in 1967, applying himself as a
graphic designer while also nurturing his career as a painter. That same year, he joined Isidore Isou's lettrist group.
He also worked with Mirabelle Dors, president of the Salon de la jeune peinture (Young Painters Group) and founder of the
Critical Figuration movement. He then plunged into a business venture that gave free rein to his talent as a graphic designer
and allowed him to work with large industrial groups. For some years now, JeanJacques Venturini has lived in Juan-les-Pins, where he is scaling back his various
professional activities and once again taking up his paintbrush, striking out in a
new stylistic direction that satisfies his penchant for eclecticism.
Faithful to his need for independence, free on his self-taught journey, and influenced by years of industry-oriented creativity, his new works reveal that he is
developing an innate sense of detail that is rapidly becoming a passion.
Cécile Bernard
« Génération pétrole13 » - 116 x 89 cm- Huile – 2011 – 2500€
« Génération pétrole17 » - 116 x 89 cm- Huile – 2011 – 2500€
89
VEROCHEK (Gisèle Large)
60, rue Dulong 75017 Paris
T : 06 08 78 82 98
Verochek se considère comme un peintre
symboliste et figuratif.
Portraitiste de nombreuses personnnalités
politiques et artistiques
François
Mitterrand,
Dalida, Bruno Coquatrix… ainsi que de nombreux
particuliers,
Verochek aime réunir ses
contemporains dans des
fresques où avec humour
et réflexion, chacun joue
son rôle sur la scène
mondiale.
Mais, le peintre n’en oublie pas moins l’enchantement de l’Invisible et
rien ne lui plaît davantage que de dévoiler
l’existence de ces gracieuses nymphes des
fleurs et des arbres que
l’on n’a guère le privilège
de rencontrer.
Avec une technique personnelle, Verochek travaille sur de nombreux
supports : toile, bois
ou des métaux tels que
le bronze, l’argent et le
cuivre.
Verochek considers
herself as a symbolic
and figurative painter.
She has also produced portraits of political and artistic figures, artistiques François Mitterrand, Dalida, Bruno Coquatrix…in
addition to a nimber of other individuals.
They are the subjects of many frescoes. At other times the artist delivers to us the secrets of the invisible.
Nothing pleases her more than giving life to these gracious tree nymphs, the dryads that no one has the privilege to meet.
By working alone, she was able to depart from artistic trends of her time and acquire a personal philosophy and technique
that is equally effective on cloth, paper and metal: silver, bronze and copper.
« Evasion » - 73 x 60 cm - Huile - 2007
90
VERON-CHERBONNIER Christelle
26, rue du Pavé Romain - 36100 SEGRY - t : 02 54 21 25 7006 73 05 49 06 - Mèl : [email protected]
Site : www.christelleveroncherbonnier.com
Christelle Veron- Cherbonnier est née dans le Berry en 1968. A la suite d’études de sciences naturelles à Poitiers, elle est devenue
enseignante en 1993 l’envie de peindre l’amène à suivre des cours d’arts plastiques. Elle commence l’aquarelle et peint la nature, des
paysages des villages. En 2006 elle rencontre une artiste peintre coloriste avec laquelle elle aborde différentes techniques. Alors elle
s’éveille au lâcher-prise, à la liberté du geste et de la spontanéité, pour une peinture vivante ! De là démarre une véritable aventure…
Scientifique de formation, Christelle Veron-Cherbonnier a développé son sens de l’observation, l’exploration, l’expérimentation et elle
travaille en peinture de la même manière : en cherchant. Mais en cherchant quoi ? L’inattendu, l’inexplicable : toujours créer. Aller à
l’essentiel avec la peinture comme une édification, la peinture comme une respiration !
Christelle Veron- Cherbonnier was born in the Berry, in 1968. After graduating in biology in Poitiers, she soon became a
teacher. In 1993, she felt like painting and therefore attended plastic-arts courses. She began with watercolor and painted
nature, landscapes, villages. In 2006, she met a colorist painter with whom she went into the study of different techniques.
Then she was principally aroused by the let go technique i. e. the freedom in the gesture, spontaneity, to obtain a living
painting! Hence a real adventure started for her.
As a trained scientist, Christelle Veron- Cherbonnier developed her sense of observation, exploration, experimentation and
she paints in the same way; by looking for the unexpected, the inexplicable, always creating, going into the gist of things
with her paintings as if she was literally building them and considering her art as a deep breath.
« Le souffle des pierres » 65 x 81 cm Huile – 2012
91
VILLAIN Geneviève
10 rue du Docteur Maillot 51000 Châlons-en-Champagne
T : 03 26 65 15 58 Mèl : [email protected]
Site : www.artec-artmondial.fr
Beaux-Arts de Reims,
licence d'arts plastiques,
maîtrise, DEA d'Esthétique et Sciences de l'Art.
Agrégée en arts plastiques, elle enseigne en
lycée, est chargée de
cours pour l'analyse de
l'œuvre d'art à l'Université
de Reims.
En 2001, elle se consacre
à sa peinture, devient vice
présidente d'Art Vivant,
obtient une médaille de
bronze aux Artistes Français en 2005, une médaille d'or en Belgique...
Participe à des expositions de groupe en France
(Salons d'automne, Violet,
Artistes Français...Paris,
Lyon, Châlons-en-Champagne, Reims, Nancy,
Verdun, Romorantin....)
et à l'étranger (Allemagne, Belgique, Suisse,
Espagne, Japon...).
Expositions personnelles
à Châlons-en-Champagne,
Reims, Saint-Omer, Hans,
Epernay, Neuss...)
"Penser, dessiner, peindre, écrire, ajuster la réflexion pour que la peinture soit en adéquation avec l'idée, par la rature, le palimpseste,
l'effacement, afin que l'œuvre prenne sens." G. Villain
Fine arts of Reims, Bachelor's degree of plastic arts, master's degree, POST-GRADUATE DIPLOMA of Aesthetics and Sciences
of the Art. Aggregated in plastic arts, she teaches in high school, is junior lecturer for the analysis of the work of art at
the University of Reims. In 2001, she dedicates itself to her paint becomes vice-president of Art Living, obtains a bronze
medal to the French Artists in 2005, a golden medal in Belgium... Participate in exhibitions of group in France (Autumn Salon,
Purple, French Artists... Paris, Lyon, Châlons-en-Champagne, Reims, Nancy, Verdun, Romorantin) and abroad (Germany, Belgium, Switzerland(Swiss), Spain, Japan).
Personal exhibitions in Châlons-en-Champagne, Reims, Saint-Omer, Hans, Epernay, Neuss)
" Think, draw, of paint, of write, of adjust the reflection so that the paintis in adequacy with the idea, by the deletion, the
palimpsest, the disappearance, so that the work takes sense.
Labyrinthe V - 100 x 100 cm - Technique mixte - 2008
92
Marija Visic Guina
Obala Kn – Trpimira 29 – ZADAR – CROATIA - T : 385 23 331 326 - Mèl : [email protected]
Marija Visic Guina est
peintre, céramiste et pédagogue.
Elle a consacré 60 ans de
sa vie à ces trois activités
et a remporté de nombreux
prix en particulier le prix
de la vie (Croatie) Elle se
consacre en parallèlle à
de nombreuses activités
humanitaires.
Marija VISIC GUINA is painter, ceramist and Teacher.
She pass 60 years of her
life working on this tree
area and she awards
many prices, particularly
the “Life award” (Croatie)
vAt the same time she
also does Humanitarian
activities
« Esprit du forum romain » - Œuvre sur soie – 67 x 57 cm – 2012
93
VOISEMBERT Jacques
16, rue de la Tizardière 41130 SELLES/CHER
T : 02 54 96 97 33
Jacques Voisembert est un peintre coloriste, il sait le secret des glacis. Il donne à ses toiles profondeur, vie, magie.
Sa maitrise de l’huile lui permet d’écrire avec son pinceau comme tout un chacun avec un stylo.
C’est ainsi qu’il nous convie à des voyages comme avec ce « Souk d’Assouan » où nous nous trouvons plongé dans l’ambiance
des marchés égyptiens, il sait nous en faire sentir l’atmosphère dense et enfumée.
Jacques Voisembert is a colorist painter, he knows the secret of the glacis. He gives to his paintings depth, life,
magic. His control of the oil allows him to write with its brush as everyone with a pen.
This is the way he invites us to journeys as with this " Souk of Aswan " where we are plunged into the atmosphere
of the Egyptian markets, he knows how to make us feel the dense and smoky atmosphere.
« Dans les souks d’Assouan » - 116 x 73 cm - huile
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WISE labase
30, bd Sébastopol 75004 Paris - Tél : +33 6 20 70 03 17 - Mèl : [email protected]
WISE est un groupe de réflexion sur l’esthétique, animé par des artistes et des philosophes, il explore
les théories sur l’art, revisite l’esthétique et ses critiques actuelles, cherche quelles définitions et quels
but peut-on assigner à l’art aujourd’hui.
Œuvre collective, « Réflexion sur l’art » s’accompagne d’un tableau où les visiteurs sont conviés à réagir
et laisser leurs propres messages et idées sur l’art.
WISE is a think tank on the aesthetics, led by artists and philosophers, he investigates the theories on the art, revisits the aesthetics and his current criticisms, looks for which definitions and
which purpose we can assign to the art today.
Collective work, " Reflection on the art " comes along with a board where the visitors are urged to
react and to leave their own messages and ideas on the art.
« Réflexion sur l’art » installation.
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YI Myung Rim
Cité Cézanne 91, rue des Etannets
95300 Pontoise
Tél : 06 50 34 72 26
01 30 30 80 29
Courriel : [email protected]
Site : www.yi-myungrim.com
L’exercice proposé par Yi Myung
Rim est essentiellement composé d'images dites abstraites,
pour échapper à l'inconsistance
de la rêverie mouvante ; elle a
pour fonction objective, devenir
une réalité visible et permanente, diffusée à l'attention de
la contemplation...
Myung Rim n'a songé qu'au vrai
détachement de sa propre subjectivité et de la réalité objective, qu'elle a opposé au monde
du dehors à l'univers intérieur
L'intelligence, l'intuition et une
maîtrise parfaite des techniques, de l'encre de Chine,
nous fait découvrir ici, un disciple révélé par l'enseignement
et la philosophie des grands
maître d'Extrême-Orient, et
précisément de ceux qui furent
profondément imprégnés de
bouddhisme, ou de la philosophie morale du Tao.
The exercise proposed by Yi Myung Rim essentially consists of abstract said images, to escape the flimsiness of the unstable
musing; it has for objective function to become a reality visible and permanent, spread for the attention of the pondering...
Myung Rim thought only of the real detachment of its own subjectivity and the objective reality, that she set against the
world from the outside in the internal universe
The intelligence, the intuition and a perfect control(master's degree) of techniques, India ink, us made discover here, a follower revealed by the education and the philosophy of the Grand Masters of Far East, and exactly those who were profoundly
filled with Buddhism, or with the moral philosophy of Tao.
« Composition XIII »
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ABRIL Philippe
BECUWE Saya
BELLIARD Isabelle
BERGER Constance
BERTHE Carole
BLOT Emmanuel
BOITEL Anne
BOUBECHICHE Aissa
BOUCHET Georges
BOUCHEZ Caroline
BOUSQUET Eliora
CAYET Muriel
CHAILLOUX Marie-Claude
CHAMBINAUD Nathalie
CHARUEL Monique
CURRAO Estela
DARMET Chantal
COURTOZE de Aimée
FAFIANI Cor
FEHRI Rini
GALGANO Iria
GAUDRY Florence
GERARD Marie-Christine
GESLIN Jakline
GUINOIS Patricia
HAYOT Carine
HELSTROFFER Emily
HUET Celia
HUSAIN Ajmal
HUTEAU Monique
ICART Françoise
JOLLIVET Patricia
JOUIN Nathalie
KATSU Ishida
KCHAOU Aida
LA CHAISE Marie-José de
LAFFARGUE Dominique
LANSEN Karin «KAREN»
MARGO Laurent Sylvaine
LEMAIRE Nicole
LIPSZYC jacqueline
MAGDZIAK Colette
MANDRON Jérôme
MANLIUS José
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MARCEAU-JOUVE Christine
MINIERES Irène Des
MOGA LAZAR Gabriela
MOLINARD Isabelle
MOREAU Marie
MOREUX Laurence
NING JING
NIEMELÄINEN Päivyt
NOBRE Christine Marie
NOURY Blandine
OD’ILE (Juszkiewcz)
OHAYON Ingrid
PARIENTE Paule
PARIENTE Julien
PICARD de BONCÉ Anic
PICCIOTTO Norma
PROVOST Martial
QUILLIVIC René
RÉGNIER Isabelle
SAMYN Valeria
SARGET Marie Noëlle
SCOTTO Aurelio
SELISCHEV Mikhail
SERRER Francine
SIESSE Pascale
SIRECI Claudio
SOL Marièva
SOREIL Alain
SPENDER Chantal
STUTZ Jean
SUDRE Véronique
THAI Kim Hue
THUET France
UNUMA-LINCK Mayumi
VAL VENTURINI Jean Jacques
VEROCHEK
VERON-CHERBONNIER Christelle
VILLAIN Geneviève
MARIJA VISIC Guina
VOISEMBERT Jacques
WISE YI Myung Rim
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peintres,
sculpteurs,
photographes,
illustrateurs,
graphistes,
architectes,
vidéastes
Le droit d'auteur protège votre talent
Société des auteurs
dans les arts graphiques
et plastiques
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la culture avec
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I n t e r n a t i o n a l e d’ A r t C o n t e m p o r a i n
TR I E N N A L E
DE
PARIS

I nternationale d` A rt C ontemporain DE PARIS - Artec

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