DOSSIER DE PRESSE Saison 2011/2012

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Centre des Arts Pluriels Ed. Juncker
DOSSIER DE PRESSE
Saison 2011/2012
(1er + 2e semestre)
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électronique, > contactez le 26 81 21-306 ou [email protected]
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Le programme / Das Programm
VARIATIO DELECTAT
Orchestre / Orchester
Musique de chambre / Kammermusik
Festival B-days / Festival B-days
Récitals de piano / Klavierabende
Jazz, Swing, Musique vocale & Chanson /
Jazz, Swing, Vokalmusik & Chanson
Théâtre musical / Musiktheater
Théâtre & Danse / Theater & Tanz
Cabaret / Kabarett
Expositions / Ausstellungen
La Seconde Guerre Mondiale dans le film
luxembourgeois / Der 2.Weltkrieg im luxemburg. Film
Exploration du monde / Welterkundung
p. 3-17
p. 18-32
p. 33-42
p. 43-51
p. 53-64
p. 65-73
p. 75-84
p. 85-89
p. 90-94
p. 95-105
p. 106-113
CAKU
Spectacles enfant / Kinderveranstaltungen
p.114-122
HIC & NUNC
Spectacles Hic & Nunc
Conservatoire du Nord
p. 123-130
p. 131-134
Informations pratiques
Information et réservation
Information und Reservierung
p. 135-136
p. 137-138
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variatio delectat
La diversité fait plaisir / Abwechslung erfreut
Philharmonie Royale de Flandre
p. 4
Luxembourg Sinfonietta
p. 10
Orchestre Philharmonique du Luxembourg
p. 11
Ensemble de la Chapelle Saint-Marc
p. 12
Westdeutsche Sinfonia
p. 16
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Tarif A / Abo Classique 1
Vendredi 23 septembre à 20h
Eröffnungskonzert / Concert d’ouverture :
Haydn, Concerto pour trompette en mi bémol majeur Hob VIIe: 1
Beethoven, Symphonie n° 3 en mi bémol majeur op. 55 « Héroïque »
Philippe Herreweghe, direction. Huw Morgan, trompette.
Pour l’ouverture de la saison 2011-12 le CAPe a invité la Philharmonie
Royale de Flandre, dirigée par Philippe Herreweghe, connu au
Luxembourg depuis son concert à la Philharmonie Luxembourg la saison
dernière.
En tant qu’orchestre symphonique moderne, la Philharmonie Royale de
Flandre présente une grande souplesse artistique et est à même
d’interpréter différents styles musicaux avec une fidélité historique
omniprésente. Le chef principal Jaap van Zweden travaille en étroite
collaboration avec le chef attitré Philippe Herreweghe. Avec le Collegium
Vocale Gent, La Chapelle Royale et, plus tard, l’Ensemble Vocal
Européen, ce dernier s’est inscrit comme un spécialiste de la musique
renaissance et baroque. Il a dirigé comme chef invité notamment
l’Orchestra of the Age of Enlightenment, le Concerto Köln, le
Gewandhausorchester Leipzig, le Koninklijk Concertgebouworkest. Depuis
1991, il dirige l’Orchestre des Champs-Élysées, qui joue principalement de
la musique romantique sur des instruments d’époque. Depuis sa victoire
au concours de cuivres « BBC Young Musician » en 2006, le soliste Huw
Morgan est un des jeunes trompettistes les plus demandés de sa
génération. Depuis février 2011, il est également lauréat du concours
international « Onlybrass » en Belgique.
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Das CAPe hat zur Eröffnung der Saison 2011-12 die Königliche
Philharmonie von Flandern eingeladen. Philippe Herreweghe, der in der
letzten Spielsaison in der Philharmonie Luxemburg zu Gast war, wird das
Orchester dirigieren.
Als modernes, stilistisch flexibles Symphonieorchester besitzt die
Königliche Philharmonie von Flandern eine künstlerische Gewandtheit, die
es gestattet, mehrere Stile auf eine historisch richtige Weise umzusetzen.
Der Chefdirigent Jaap van Zweden arbeitet dabei eng zusammen mit dem
Hauptdirigenten Philippe Herreweghe. Dieser profilierte sich mit den von
ihm gegründeten Ensembles Collegium Vocale Gent, La Chapelle Royale
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und dem Ensemble Vocale Européen als Spezialist auf dem Terrain der
Renaissance- und Barockmusik. Seit 1991 arbeitet er mit dem Orchestre
des Champs-Élysées an der Interpretation romantischer Werke auf
historischen Instrumenten. Als Gastdirigent stand er am Pult des Orchestra
of
the
Age
of
Enlightenment,
des
Concerto
Köln,
des
Gewandhausorchesters Leipzig und des Koninklijk Concertgebouworkest.
Der Solist Huw Morgan zählt zu den erfolgreichsten jungen Trompetern,
seit er u.a. den Brass-Wettbewerb BBC Young Musician 2006 gewann. Im
Februar 2011 folgte der 1. Preis beim Onlybrass Wettbewerb in Belgien.
---------------------------------Königliche Philharmonie von Flandern
Als modernes, stilistisch flexibles Symphonieorchester besitzt die
Königliche Philharmonie von Flandern (Royal Flemish Philharmonic) eine
künstlerische Gewandtheit, die es gestattet, mehrere Stile – von der
Klassik bis zur Avantgarde – auf eine historisch vertretbare Weise
umzusetzen. Jaap van Zweden, der 2008-2009 als Chefdirigent engagiert
wurde, kümmert sich um das große Orchesterrepertoire. Mit seiner
umfangreichen Orchesterfahrung, u. a. als Konzertmeister des
Concertgebouw Orchesters, trägt er zur Entwicklung des einzigartigen
Charakters von der Königliche Philharmonie von Flandern bei. Er arbeitet
dabei eng zusammen mit Hauptdirigent Philippe Herreweghe, der sich
aufgrund seines besonderen persönlichen Hintergrunds auf die
(prä)romantische Musik konzentriert. Martyn Brabbins ist erster
Gastdirigent.
Dank ihrer eigenen Konzertreihen in größeren Sälen bekleidet die
Königliche Philharmonie von Flandern eine einmalige Position in Flandern.
Der Königin-Elisabeth-Saal und deSingel in Antwerpen, der Palast für
Schöne Künste in Brüssel, De Bijloke und das Konzertgebäude in Brügge
gehören zu den regelmäßig besuchten Bühnen. Außer auf reguläre
Konzerte legt das Orchester viel Wert auf den Ausbau pädagogischer
Projekte, wie die erfolgreichen KIDconcerten und die lehrreichen
OORcolleges, mit denen das Orchester Kinder und Jugendliche durch die
symphonische Klangwelt führt. Zusammen mit dem Verlag Lannoo
entwickelt die Königliche Philharmonie von Flandern eine Reihe von
Hörbüchern mit originalen Orchestererzählungen für Kinder. Außerdem
arbeitet das Orchester an diversen sozialen Projekten, die Menschen aus
diversen Kulturen und mit verschiedenen sozialen Hintergründen die
Gelegenheit geben, das Symphonieorchester aus der Nähe kennen zu
lernen.
Im Ausland wird die Königliche Philharmonie von Flandern von den
wichtigsten Häusern eingeladen: vom Musikverein und vom Konzerthaus in
Wien, vom Festspielhaus in Salzburg, vom Amsterdamer Konzertgebäude,
von der Suntory Hall und der Bunka Kaikan Hall in Tokio, vom Théâtre des
Champs-Elysées in Paris, von der Philharmonie von Köln und München,
von der Alten Oper in Frankfurt, vom Kunstpalast in Budapest und vom
National Grand Theatre von Peking. Internationale Konzertreisen durch
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verschiedene europäische Länder und Japan bilden darüber hinaus eine
Konstante im Tourneeplan. Außer auf den großen Bühnen im In- und
Ausland tritt das Orchester auch in Kultureinrichtungen und –zentren auf,
die in ganz Flandern verbreitet sind.
Regelmäßig ist die Königliche Philharmonie von Flandern in
Radiosendungen des Medienpartners Klara zu hören und im Fernsehen zu
sehen. Vor Kurzem schloss das Orchester einen Vertrag über mehrere
Jahre mit dem Digitalfernsehsender EURO1080 ab, wodurch verschiedene
Konzerte in high definition in ganz Europa zu sehen sind. Verschiedene
CDs wurden von der Fachpresse ausgezeichnet, darunter die jüngsten
Aufnahmen von Beethoven-Symphonien mit Hauptdirigent Philippe
Herreweghe auf dem Label PentaTone. Kürzlich erschien eine neue
Aufnahme mit Schostakowitsch‘ Fünfter Symphonie mit Chefdirigent Jaap
van Zweden auf dem Label Naïve.
www.royalflemishphilharmonic.be
Philippe Herreweghe, Dirigent
Philippe Herreweghe wurde in Gent geboren. Er ergänzte seine
akademischen Studien (Medizin und Psychologie) durch Klavierstudien am
Konservatorium. Mit den von ihm gegründeten Ensembles Collegium
Vocale Gent, La Chapelle Royale und dem Ensemble Vocale Européen
profilierte sich Herreweghe als Spezialist auf dem Terrain der
Renaissance- und der Barockmusik. Seit 1991 arbeitete er mit dem
Orchestre des Champs-Elysees an der Interpretation romantischer Werke
auf historischen Instrumenten. Von 1982 bis 2001 leitete er als
Künstlerischer Direktor das Festival Les Académies Musicales de Saintes.
Seit der Spielzeit 2008/09 ist er fester Gastdirigent der Radio Kammer
Philharmonie Hilversum. Als Musikalischer Leiter von deFilharmonie (Royal
Flemish Philharmonic) konzentriert sich Philippe Herreweghe bereits seit
zehn Jahren auf eine adäquate und erfrischende Interpretation des
(vor)romantischen Repertoires.
Als Gastdirigent stand er am Pult zahlreicher renommierter Ensembles,
u.a. des Orchestra of the Age of Enlightenment, des Concerto Köln, des
Gewandhausorchesters Leipzig und des Koninklijk Concertgebouworkest.
Zu seinen wichtigsten Aufnahmen zählen die vokalen Meisterwerke
Johann Sebastian Bachs (Matthäus-Passion, Johannes-Passion, h-mollMesse, Weihnachtsoratorium), eine Anthologie der französischen „Grand
Motet“, Einspielungen der Requiemvertonungen von Mozart, Fauré und
Brahms, Oratorien von Mendelssohn sowie Schönbergs „Pierrot lunaire“.
Mit deFilharmonie machte er in Zusammenarbeit mit dem internationalen
Label PentaTone eine Gesamtaufnahme von Beethovens Symphonien,
sowie Aufnahmen mit Musik von Mendelssohn und Strawinsky. Für seine
künstlerischen Leistungen wurde Philippe Herreweghe 1990 von der
europäischen Musikpresse zur Musikalischen Persönlichkeit des Jahres
ausgerufen. 1993 wurde er zusammen mit dem Collegium Vocale Gent
zum Kulturellen Botschafter Flanderns ernannt. Ein Jahr später erhielt
Herreweghe den Orden als Officier des Arts et Lettres und 1997 dann ein
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Ehrendoktorat an der Katholischen Universität Leuven. 2003 wurde er in
die französische Ehrenlegion aufgenommen.
Huw Morgan, Trumpet
Since becoming Brass Winner of the BBC Young Musician 2006, Huw
Morgan has appeared in concert and recital throughout Europe, Asia and
North America. Born in South Wales in 1987 and educated at Chetham’s
School of Music, he graduated from the Royal Academy of Music with firstclass honours, studying under Professor James Watson, Mark David and
Robert Farley.
Hailed by The Times as an artist of ‘high intelligence and immaculate
professionalism,’ Huw is the youngest ever winner of both the International
Trumpet Guild Solo and Orchestral competitions, and in 2010 scooped
both the Wind Section Award and Philip Jones Memorial Prize at the Royal
Overseas League Annual Music Competition. Last year he also became
the first ever trumpeter to be selected for the Making Music/Philip &
Dorothy Green Award for Young Concert Artists, and was awarded 2nd
prize in both the Jeju International Trumpet Competition (Korea) and
International Trumpet Competition “Città di Porcia” (Italy).
As a soloist, Huw has performed with the Northern Sinfonia, Hamburg
Camerata, Banff Festival Orchestra, Sinfonia Cymru and Irish Chamber
Orchestra under conductors including Yan Pascal Tortelier and Thomas
Zehetmair. He has appeared at festivals in Cheltenham, MecklenburgVorpommern and Tokyo, in recital at the Wigmore Hall, Kings Place and
Bridgewater Hall, and most recently was the featured trumpeter on the
soundtrack to the hit movie Me and Orson Welles. A keen exponent of
contemporary music, Huw has premièred works by Eric Ewazen, Leif
Segerstam and Karl Jenkins.
In addition to his solo career, Huw pursues his interest in chamber music
as a founder member of brass ensemble QuintEssence. Throughout 2009
Huw served as Acting Associate Principal in the Helsinki Philharmonic, and
has appeared as guest principal with the BBC Symphony, Philharmonia,
Hallé, and Aurora orchestras.
Highlights of the 2010/11 season include concerto performances with The
Orchestra of the Swan, Lichfield Sinfonia, Hertfordshire Philharmonia and
National Youth Wind Ensemble, premières of works by Paul Max Edlin and
Olga Neuwirth, as well as recitals at St Martin-in-the-Fields, St James’s
Piccadilly and the Purcell Room (under the auspices of the Park Lane
Group).
www.huwmorgan.net
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En tant qu’orchestre symphonique moderne présentant une grande
souplesse artistique, la Philharmonie Royale de Flandre (Royal Flemish
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Philharmonic) est à même d’interpréter différents styles musicaux – du
classique au contemporain – avec une fidélité historique omniprésente.
Chef principal Jaap van Zweden assurera la qualité du répertoire très
diversifié de l’orchestre. Fort de son expérience, notamment en tant que
violon solo de l’Orchestre Royal du Concertgebouw, il contribue au
caractère unique de la Philharmonie Royale de Flandre. À ce titre, il
travaille en étroite collaboration avec chef attitré Philippe Herreweghe,
spécialisé pour sa part dans le répertoire (pré)romantique. Martyn Brabbins
est premier chef invité. A partir de 2012-2013, Edo de Waart sera le
premier chef d’orchestre de deFilharmonie. Jaap van Zweden restera lié à
l’orchestre en tant que chef d’orchestre d’honneur.
Par le biais de séries de concerts propres organisés dans de grandes
salles, la Philharmonie Royale de Flandre a acquise une place unique
dans l’univers musical de la Flandre. Ainsi, la Salle Reine Elisabeth et
deSingel Campus Artistique, à Anvers, le Palais des Beaux-Arts, à
Bruxelles, De Bijloke Centre de Musique Gent ou encore le
Concertgebouw Brugge figurent-ils parmi les endroits habituels où
l’orchestre se produit. Outre les concerts réguliers, l’orchestre attache
beaucoup d’importance au développement de projets éducatifs et sociaux,
offrant l’opportunité aux enfants, aux jeunes et à des personnes de divers
contextes sociaux d’apprendre à connaître de près l’orchestre
symphonique.
La Philharmonie Royale de Flandre a par ailleurs été invitée à l’étranger,
dans des maisons prestigieuses comme le Musikverein et le Konzerthaus,
à Vienne, le Festspielhaus de Salzbourg, le Concertgebouw à Amsterdam,
le Suntory Hall et le Bunka Kaikan Hall à Tokyo, la Philharmonie de
Cologne et de Munich, le Alte Oper de Francfort, le Palais des Arts de
Budapest et le Grand Théâtre National de Chine à Pékin. Si les tournées
de concert à travers l’Europe et au Japon sont une constante à son
agenda, l’orchestre se fait aussi entendre à l’échelle locale, loin des
grandes scènes nationales et étrangères.
La Philharmonie Royale de Flandre développe en collaboration avec les
Editions Lannoo une série de livres musicaux pour des enfants. On
l’entend régulièrement aussi sur les ondes radio de son partenaire
médiatique Klara et on le voit à la chaîne de télévision numérique
EURO1080. Plusieurs CD de l’orchestre ont été récompensés par la
presse spécialisée, comme les enregistrements récents de Beethoven et
de Stravinski avec le chef d’orchestre principal Philippe Herreweghe
(PentaTone). Des enregistrements avec de la musique de Chostakovitch
sous la direction du premier chef d’orchestre Jaap van Zweden (Naïve), et
de Mortelmans et Vieuxtemps sous la direction de Martyn Brabbins
(Hyperion) sont récemment sortis.
www.royalflemishphilharmonic.be
Philippe Herreweghe, Chef attitré
Philippe Herreweghe est né à Gand et a concilié ses études universitaires
(médecine et psychiatrie) avec des études de piano au conservatoire. Avec
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le Collegium Vocale Gent, La Chapelle Royale et, plus tard, l’Ensemble
Vocal Européen (tous fondés par lui), il s’est profilé comme un spécialiste
de la musique renaissance et baroque. Depuis 1991, il dirige l’Orchestre
des Champs-Elysées, qui joue principalement de la musique romantique
sur des instruments d’époque. Il exerce également la fonction de directeur
artistique du festival Les Académies Musicales de Saintes, de 1982 à
2001. A partir de la saison 2008-2009 il sera chef invité de la Radio Kamer
Filharmonie, Hilversum. En tant que chef attitré de la Philharmonie Royale
de Flandre (Royal Flemish Philharmonic), il procède depuis une dizaine
d’années à une lecture pertinente et rafraîchissante du répertoire
(pré)romantique.
Il a dirigé comme chef invité l’Orchestra of the Age of Enlightenment, le
Concerto Köln, le Gewandhausorchester Leipzig, le Koninklijk
Concertgebouworkest et tant d’autres orchestres et ensembles renommés.
Parmi ses principaux enregistrements, citons les chefs-d’œuvre lyriques de
Bach (comme la Passion selon Saint Mathieu et selon Saint Jean, la
Messe en si mineur et l’Oratorio de Noël), une anthologie du ‘Grand Motet’
français, les messes de requiem de Mozart, Fauré et Brahms, les oratorios
de Mendelssohn ou encore le Pierrot Lunaire de Schönberg. Avec sa
Philharmonie Royale de Flandre, Philippe Herreweghe a préparé un
enregistrement de l’intégrale des symphonies de Beethoven, ainsi que des
enregistrements de la musique de Stravinsky et Mendelssohn
(PentaTone).
En 1990, la presse musicale européenne le désigne comme Personnalité
Musicale de l’Année pour sa vision artistique. En 1993, il devient
Ambassadeur Culturel de la Flandre avec le Collegium Vocale Gent. Un an
plus tard, il devient Officier des Arts et Lettres. En 1997, il décroche le titre
de doctor honoris causa de l’université catholique de Louvain et en 2003,
la France le sacre Chevalier de la Légion d’Honneur.
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Tarif B / Abo Découverte
Dimanche 9 octobre à 17h
Violinkonzerte
Luxembourg Sinfonietta
Modern Classics Orchestra
Internationaler Kompositionspreis Luxemburg 2010
Marcel Wengler, Leitung.
Das CAPe und die Luxemburger Gesellschaft für neue Musik präsentieren
das Finalkonzert des Internationalen Kompositionspreises 2010, das
ursprünglich für Dezember 2010 geplant war, aber leider kurzfristig
abgesagt werden musste. Groß ist deshalb die Freude auf allen Seiten,
dass ein Ersatztermin für die 9. Ausgabe des Wettbewerbs gefunden
werden konnte. Komponisten aus aller Welt hatten jeweils konzertante
Werke für Violine und das Ensemble Luxembourg Sinfonietta eingeschickt,
die von einer international besetzten Jury gründlich geprüft und ausgewählt
wurden. Seit 2002 findet das Finalkonzert des alljährlich stattfindenden
„Internationalen Kompositionswettbewerbs“ in Ettelbrück statt und bisher
wurden mehr als 950 Werke für die Luxembourg Sinfonietta geschrieben.
*
Le CAPe et la LGNM (Société Luxembourgeoise de Musique
Contemporaine) présentent ici le concert final du Concours International de
Composition 2010, (initialement programmé en décembre 2010). Des
compositeurs du monde entier ont participé à cette 9e édition du concours
et ont proposé des oeuvres pour violon et orchestre de chambre. Les
pièces finalistes, sélectionnées par un jury international, seront
interprétées ici en création mondiale par l’ensemble Luxembourg
Sinfonietta placé sous la baguette de Marcel Wengler. À ce jour, ce sont
plus de 950 œuvres qui ont été écrites pour cet ensemble, qui a su
acquérir une place de premier plan sur la scène nationale et internationale
de la musique contemporaine.
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Samedi 3 décembre à 20h
Orchestre Philharmonique du
Luxembourg
Rachmaninov, Concerto n° 3 pour piano et orchestre
Prokofiev, Symphonie n° 3 en ut mineur
Vassily Sinaisky, direction. Denis Kozhukhin, piano.
En remportant à vingt-trois ans le prestigieux Concours Reine Elisabeth
2010, Denis Kozhukhin a confirmé qu’il compte parmi les étoiles montantes
du piano russe. À Ettelbruck, il rejoint ici l’OPL pour un concert de musique
russe, dirigé par Vassily Sinaisky dont la carrière internationale fut lancée
en 1973, lorsqu’il remporta le 1er prix au Concours Karajan à Berlin. Il est
actuellement directeur musical du Bolchoï de Moscou et de l’Orchestre
Symphonique de Malmö. Au programme figurent le brillant 3e Concerto
pour piano et orchestre de Sergueï Rachmaninov, un des plus virtuoses et
des plus difficiles du répertoire, ainsi que la 3e Symphonie de Sergueï
Prokofiev qui subjugue par ses mélodies inquiètantes et sa rythmique
démoniaque.
*
Seitdem Denis Kozhukhin mit erst 23 Jahren den 1. Preis des
renommierten Wettbewerbs Reine Elisabeth 2010 gewann, gilt der
russische Pianist als der unbestreitbare Nachwuchsstar. In Ettelbruck
begleitet er das OPL mit einem russischen Programm, das von Vassily
Sinaisky dirigiert wird, dessen internationale Karriere 1973 mit dem 1. Preis
des Karajan Wettbewerbs begann. Momentan ist Sinaisky der
musikalische Leiter des Moskauer Bolschoi-Theaters sowie des
Symphonischen Orchesters in Malmö. Auf dem Programm steht das
brillante 3. Konzert für Klavier und Orchester von Sergei Rachmaninow,
eines der virtuosesten und schwierigsten Stücke des Repertoires, sowie
die 3. Symphonie von Sergei Prokofiew, die den Zuhörer durch ihre
beunruhigenden Melodien und ihr dämonisches Tempo durch und durch
fesseln.
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Samedi 10 mars à 20h
El amor brujo
Ensemble de la Chapelle Saint-Marc
Granados, Intermezzo extrait de l’opéra « Goyescas »
Rodrigo, Concierto de Aranjuez
Turina, La oración del torero
De Falla, El amor brujo
Jean Halsdorf, direction. Juanita Lascarro, soprano. Marco Socías,
guitare.
L’Ensemble de la Chapelle Saint-Marc sous la direction de Jean Halsdorf
propose un voyage musical en Espagne. Ce programme présente quatre
des plus importants représentants de la musique espagnole du 20e siècle,
issus de quatre régions différentes de la péninsule : le catalan Enrique
Granados (1867-1916) tout d’abord, qui dans son opéra « Goyescas »,
décrit la vie à l’époque du peintre Francisco de Goya. Joaquín Rodrigo
(1901-1999) ensuite, originaire de Valence, dont le « Concierto de
Aranjuez » constitue l’un des plus grands succès de l’histoire de la
musique moderne : cet élégant concerto de guitare néo-classique a été
inspiré par les jardins du palais royal d’Aranjuez, au sud de Madrid. Le
concert se poursuivra avec le Sévillan Joaquin Turina (1882-1949), dont la
pièce « La oración del torero » (La prière du torero) traite de la corrida et
notamment du cheminement spirituel du torero et de sa recherche de paix
intérieure. Enfin, c’est Manuel de Falla (1876-1946), de Cadix, qui clôturera
le programme avec « El amor brujo » : l’histoire de la gitane Candelas,
poursuivie par l’esprit de son amant mort et qui ne peut s’en libérer que par
une ruse.
*
Das Ensemble de la Chapelle St. Marc unter der Leitung von Jean
Halsdorf lädt zu einer musikalischen Reise nach Spanien und präsentiert in
diesem Programm vier der wichtigsten Vertreter der spanischen Musik des
20. Jahrhunderts: In seiner Oper „Goyescas“ schildert der in Katalonien
geborene Enrique Granados (1867-1916) das Volksleben zur Zeit des
spanischen Malers Francisco de Goya. Mit dem „Concierto de Aranjuez“
des aus Valencia stammenden Joaquín Rodrigo (1901-1999) erklingt einer
der größten Welterfolge der neueren Musikgeschichte schlechthin. Als
Inspiration für dieses elegante, neoklassizistische Gitarrenkonzert dienten
die Gärten des königlichen Palastes der südlich von Madrid gelegenen
Stadt Aranjuez. „La oración del torero“ (Das Gebet des Stierkämpfers) des
in Sevilla geborenen Joaquín Turina (1882-1949) behandelt ein
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urspanisches Thema: den Stierkampf, insbesondere die seelischen
Vorgänge des Torero und seine Suche nach innerem Frieden vor dem
Kampf. In „El amor brujo“ des aus Cádiz stammenden Manuel de Falla
(1876-1946) wird die Geschichte der Zigeunerin Candelas erzählt, die vom
Geiste ihres verstorbenen Liebhabers verfolgt wird und nur durch eine List
von ihren Wahnvorstellungen befreit werden kann.
------------------------Das Ensemble de la Chapelle St. Marc präsentiert in diesem Programm
vier der wichtigsten Vertreter der spanischen Musik des 20. Jahrhunderts:
Enrique Granados (1867-1916) und Manuel de Falla (1876-1946), beide
Schüler von Felipe Pedrell, der eine Erneuerung der spanischen Musik aus
dem Geist der Folklore anstrebte, gehören zu den Pionieren dieser
Entwicklung und erlangten sehr früh internationale Anerkennung. In seiner
Oper Goyescas greift Enrique Granados auf Themen aus der
gleichnamigen Klaviersuite zurück, in der er das Volksleben zur Zeit des
spanischen Malers Francisco de Goya (1746-1828) schildert. Die
Uraufführung der Oper, ursprünglich 1915 im Palais Garnier in Paris
geplant, musste wegen des ersten Weltkrieges abgesagt werden und fand
stattdessen 1916 an der Metropolitan Opera in New York statt. Auf der
Rückreise fand Granados tragisch den Tod, nachdem das Schiff auf dem
er reiste, von einem deutschen U-Boot torpediert wurde. Granados, in
Lérida (Katalonien) geboren, wurde in Barcelona und Paris ausgebildet. Er
schrieb vor allem Klaviermusik und Lieder und gründete das
Konservatorium von Barcelona, das er bis zu seinem Tode leitete.
El Amor brujo wurde 1915 im Teatro Lara in Madrid als Gitanería en un
acto y dos cuadros, was sinngemäss mit «Zigeunerszenen in einem Akt
und zwei Bildern» übersetzt werden könnte, uraufgeführt. Es handelte sich
hierbei um eine Mischung aus Theater, Tanz und Musik, das Manuel de
Falla für die Flamencotänzerin Pastora Imperio und ein kleines Ensemble
von fünfzehn Musikern komponiert hatte. Das Werk erfuhr in den
darauffolgenden Jahren verschiedene Veränderungen bis hin zur
Ballettversion für Symphonieorchester aus dem Jahre 1925. Diese
Fassung, die in Paris uraufgeführt wurde, verhalf dem Werk zu
internationalem Erfolg: es wurde sehr bald in ganz Europa und Amerika mit
Begeisterung aufgenommen. Die Handlung lässt sich folgendermassen
zusammenfassen: Das junge Mädchen Candelas wird ständig vom Geiste
ihres Geliebten, der aus Eifersucht in einem Duell getötet wurde, verfolgt.
Er steht zwischen ihr und dem jungen Zigeuner Carmelo, der um sie wirbt.
In einer magischen Beschwörung versuchen die Zigeunerinnen um
Mitternacht, die bösen Geister zu bannen, doch Candelas kann das
schreckliche Ereignis nicht vergessen. Schliesslich gelingt es Carmelo und
Lucia durch eine List, die junge Frau von ihren Wahnvorstellungen zu
befreien. Carmelo erscheint als Geist ihres toten Geliebten, der sich
nunmehr der schönen Lucia zuwendet und so von der Verfolgung seiner
einstigen Braut ablässt. Das Leben triumphiert über den Tod, über Spuk
und quälende Erinnerungen.
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Manuel de Falla, 1876 in Cádiz geboren, gelang der internationale
Durchbruch 1913 mit der Uraufführung seiner Oper La vida breve in Nizza.
In Paris machte er die Bekannschaft von Debussy, Ravel und Dukas. Bei
Ausbruch des 1. Weltkrieges kehrte er nach Spanien zurück und lebte
zuerst in Madrid, später in Granada. Als der spanische Bürgerkrieg 1939
ausbrach, wanderte er nach Argentinien aus, wo er 1946 starb. Sein
Kompositionsstil entwickelte sich von einer spätromantisch geprägten
Anfangsphase (La vida breve, 1913) über eine französischimpressionistische Etappe (Noches en los jardines de España, 1916) hin
zu einem herberen, neoklassizistisch gefärbten Ton, wie er in El Amor
brujo bereits anklingt. Hauptmerkmale sind dabei die zum Teil extreme
Sparsamkeit der Mittel (Cembalokonzert, 1926, El Retablo de Maese
Pedro, 1923) und die Anknüpfung an die Polyphonie der spanischen
Renaissance sowie der Musik für Tasteninstrumente des italienischspanischen Barock (Domenico Scarlatti).
Joaquín Rodrigo (1901-1999), dem Manuel de Falla sowohl als Vorbild wie
auch als Freund mit Rat und Hilfe zur Seite stand, setzte gerade diese
ästhetische Auffassung des späten de Falla fort. Als Inspiration hierfür
dienten ihm die spanische Vihuela-Tradition des 16. Jahrhunderts (ein zu
der Familie der Laute gehörendes spanisches Zupfinstrument), die Musik
für Tasteninstrumente (Scarlatti, Soler) und die Gitarrenmusik (Gaspar
Sanz) des Barock, aber auch Szenen des städtischen und höfischen
Lebens, wie sie in den bereits erwähnten Gemälden Goyas dargestellt
sind. Das Concierto de Aranjuez, das diese Merkmale in idealer Weise
vereint, ist nicht nur Rodrigos bekannteste Komposition, sondern darüber
hinaus das weltweit meistgespielte Gitarrenkonzert und einer der grössten
Welterfolge der neueren Musikgeschichte schlechthin. Es ist dem
spanischen Gitarristen Regino Sainz de la Maza gewidmet, der es 1940 in
Barcelona uraufführte. Der Siegeszug über die Bühnen der Welt nahm
seinen Anfang mit der Aufführung 1950 im Théâtre des Champs Elysées
durch das Orquesta Nacional de España unter der Leitung von Ataúlfo
Argenta, Solist war der junge Narciso Yepes. Der Titel des Werkes bezieht
sich auf die südlich von Madrid gelegene Stadt Aranjuez und die prächtige
Gartenanlage des dortigen königlichen Palastes. Der erste Satz, Allegro
con spirito, ist ein lebhafter Fandango im 6/8-Takt mit den
charakteristischen Betonungswechseln. Der zweite Satz, Adagio, ist eine
Art Klagegesang, der zuerst vom Englischhorn vorgestellt wird und später
stark verziert von der Gitarre übernommen wird bis er sich zu einem
orchestralen Höhepunkt steigert. Der dritte Satz, ein heiteres Rondo im Stil
eines höfischen Tanzes, beendet das Werk. Joaquín Rodrigo wurde 1901
in Sagunto (Valencia) geboren. Im Alter von 5 Jahren erblindete er
aufgrund einer Diphterieerkrankung. Er erhielt den ersten Musikunterricht
in Valencia und zog 1927 nach Paris, wo er Kompositionsschüler von Paul
Dukas an der École normale de musique wurde und 1928 Manuel de Falla
kennen lernte. 1939 komponierte er das Concierto de Aranjuez und kehrte
anschliessend nach Spanien zurück, wo er an verschiedenen Universitäten
lehrte. Seinen Musikstil bezeichnete er selber gerne als neocasticismo (ein
Wortspiel mit dem Begriff neoclasicismo), was soviel bedeutet wie: fest in
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der Tradition verwurzelt und dem Volkscharakter eng verbunden und
dennoch nach vorne gerichtet.
La oración del torero (Das Gebet des Stierkämpfers) von Joaquín Turina
(1882 - 1949) wurde ursprünglich für Lautenquartett geschrieben und in
dieser Fassung 1925 uraufgeführt. Es folgten Fassungen für
Streichquartett sowie für Streichorchester. Turina, der sich, wie die
anderen Komponisten des heutigen Programmes, längere Zeit in Paris
auffhielt, schildert in diesem achtminütigen Werk die seelischen Vorgänge
des Stierkämpfers, seine Suche nach innerem Frieden vor dem Kampf.
Wenn das Stück von der Thematik und dem Grundton her durch und durch
spanisch ist, so verrät die impressionistische Schreibweise doch den
Einfluss der Pariser Zeit des Komponisten. Joaquín Turina wurde 1882 in
Sevilla geboren und studierte zuerst in Madrid Klavier. 1905 zog er nach
Paris, wo er u.a. Klavier bei Moritz Moszkowski und Kompostion bei
Vincent d‘Indy studierte. Die Begegnung mit Isaac Albéniz im Jahre 1907
stellte einen Wendepunkt in seinem Schaffen dar und bewirkte seine
Hinwendung zu einem von der spanischen Folklore geprägten Nationalstil.
Nach seiner Rückkehr nach Madrid 1913 wirkte er als Komponist,
Konzertpianist, Dirigent und Musikkritiker. Er war Kompositionslehrer am
Madrider Konservatorium und Mitbegründer des Orquesta Nacional de
España.
16
Vendredi 4 mai à 20h
Westdeutsche Sinfonia
Mendelssohn, Ouvertüre, Notturno & Scherzo aus der Musik zum
„Sommernachtstraum“
Hummel, Trompetenkonzert
Bizet, Sinfonie C-Dur
Dirk Joeres, Leitung. Uwe Komischke, Solotrompete.
Zwischen der Westdeutschen Sinfonia und dem Centre des Arts Pluriels
besteht eine langjährige Freundschaft, die in der Saison 2011-12 mit einem
Konzert, bei dem die Trompete im Mittelpunkt steht, fortgesetzt wird.
Die Westdeutsche Sinfonia wurde 1987 von führenden Musikern von zehn
nordrheinwestfälischen Orchestern gegründet und gab unter der Leitung
von Dirk Joeres eine Vielzahl von umjubelten Konzerten und eroberte
Konzertsäle wie das Amsterdamer Concertgebouw, die Berliner
Philharmonie, das Londoner Barbican und das Kennedy Center
Washington. Für dieses Konzert wurde der Trompeter Uwe Komischke
eingeladen, ein Solokonzert für Trompete von Johann Nepomuk Hummel
(1778-1837) zu spielen. 1961 in Schwelm (D) geboren, begann Komischke
seine Laufbahn mit 18 Jahren als 1. Solotrompeter im Philharmonischen
Orchester Gelsenkirchen und wechselte dann zu den Münchner
Philharmonikern. Solistisch ist Uwe Komischke nicht nur in zahlreichen
Konzerten im In- und Ausland zu hören, sondern auch auf verschiedenen
CD-Produktionen. Komponisten wie Hans Stadlmair oder Peter Michael
Hamel widmeten ihm Werke, und bei Festivals arbeitete er mit namhaften
Solisten wie Yuri Bashmet, Eduard Brunner oder Vassily Lobanov. Seit
1994 lehrt Uwe Komischke als Professor für Trompete an der Hochschule
für Musik „Franz Liszt“ in Weimar.
*
L’amitié entre le Centre des Arts Pluriels et la Westdeutsche Sinfonia se
poursuit en 2011/2012 avec un concert où la trompette sera le centre
d’attention.
La Westdeutsche Sinfonia a été fondée en 1987 par les plus grands
musiciens de dix orchestres de Rhénanie du Nord-Westphalie. Sous la
direction de Dirk Joeres, l’orchestre a donné un grand nombre de concerts
et a enthousiasmé les salles les plus prestigieuses comme le
Concertgebouw d’Amsterdam, la Philharmonie de Berlin, le Barbican de
Londres ou le Kennedy Center à Washington. Pour ce concert, le
trompettiste Uwe Komischke interprètera le concerto de Hummel. Né en
1961 à Schwelm, il a débuté sa carrière à 18 ans en tant que première
17
trompette solo de l’Orchestre Philharmonique de Gelsenkirchen, puis de
l’Orchestre Philharmonique de Munich. Outre ses nombreux concerts, Uwe
Komischke apparaît également sur de nombreux enregistrements. Des
compositeurs tels que Hans Stadlmair ou Peter Michael Hamel lui ont
consacré des oeuvres, et il s’est produit dans des festivals avec d’autres
solistes de renom tels que Yuri Bashmet, Eduard Brunner ou Vassily
Lobanov. Depuis 1994, il enseigne à la Hochschule für Musik de Weimar.
18
variatio delectat
Amadeus Guitar Duo
p. 19
Fauré Quartett
p. 22
Trio Wanderer avec Éric Génovèse
p. 25
KammerMusekVeräin Lëtzebuerg
p. 28
Maurice Clement
p. 30
p. 32
19
Samedi 1er octobre à 20h
Kontraste von Barock bis Modern Musik aus Europa und Südamerika
Amadeus Guitar Duo
Ford, Mr. Southcote’s Pavan
Händel, Chaconne in G major HWV 435 from the suite for cembalo
Jolivet, Sérénade pour deux guitares
Granados, Danzas espanolas, op. 37
Kavanagh, Tales of Greiffenberg
Burkhardt, Toccata
Telemann, Partita Polonaise
Montés, Surama
Dale Kavanagh und Thomas Kirchhoff, Gitarre.
Sie gehören zur internationalen Spitzenklasse der Gitarrenduos: Die
Kanadierin Dale Kavanagh und der Deutsche Thomas Kirchhoff, die seit
1991 das Amadeus Guitar Duo bilden. Das Geheimnis ihres Erfolgs, der
mit über 70 Konzerten im Jahr nachhaltig belegt ist, liegt in der absoluten
Hingabe der beiden Künstler an ihr Instrument. Das Duo begeistert sein
Publikum mit überschwänglichem Temperament im virtuosen Vortrag,
sensibelster Gestaltungskraft und einem großen, warmen, tragenden
Gitarrenton. Sie konzertieren regelmäßig mit dem Philharmonischen
Staatsorchester Halle, der Internationalen Philharmonie, der Thüringen
Philharmonie Gotha, u.v.a. Das Duo hat bereits 15 CDs aufgenommen,
und namhafte Komponisten wie z.B. Harald Genzmer, Jaime M. Zenamon
und Christian Jost widmeten ihnen Kompositionen. Für das Konzert im
CAPe spielt das Duo neben Werken von Ford, Telemann, Händel,
Granados u.a. auch eine Komposition von Dale Kavanagh.
*
Le duo de guitares Amadeus, composé de la canadienne Dale Kavanagh
et de l’allemand Thomas Kirchhoff, doit son grand succès à son
dévouement inconditionnel à l’instrument. Le public ne peut qu’être fasciné
par le tempérament exubérant, l’interprétation virtuose, la sensibilité
musicale et la sonorité chaleureuse des deux guitaristes. Des
compositeurs comme Harald Genzmer, Gheorghe Zamfir, Roland Dyens,
Jaime M. Zenamon et Christian Jost leur ont dédié des oeuvres pour duo
et pour guitare et orchestre.
---------------------------Pour toutes informations complémentaires, ou pour recevoir le matériel de presse sous forme
20
Amadeus Guitar Duo
Sie gehören zur internationalen Spitzenklasse der Gitarrenduos, weltweit
erhalten sie enthusiastische Kritiken: Die Kanadierin Dale Kavanagh und
der Deutsche Thomas Kirchhoff, die seit 1991 das Amadeus Guitar Duo
bilden. Das Geheimnis ihres Erfolgs, der mit über 70 Konzerten im Jahr
nachhaltig belegt ist, liegt in der absoluten Hingabe der beiden Künstler an
ihr Instrument. So beließen sie es nicht beim Duospiel, sondern begannen
sich auf das Repertoire für Gitarre mit Orchester zu konzentrieren. Dank
ihres Engagements trat diese Gattung schon bald aus ihrem
Nischendasein heraus. In über 100 Städten spielten sie ihren
Konzertabend „Spanische Nacht“ mit Konzerten für eine, zwei und vier
Gitarren und Orchester von Joaquin Rodrigo und dem weltberühmten
Panflötenspieler Gheorghe Zamfir.
Inzwischen ist das Amadeus Guitar Duo mit über 850 Konzerten in mehr
als 50 Ländern Europas und Nord-, Mittel- und Südamerikas und Asiens
aufgetreten. Dabei begeistert das Duo sein Publikum mit
überschwänglichem Temperament im virtuosen Vortrag, sensibelster
Gestaltungskraft und einem großen, warmen, tragenden Gitarrenton. Sie
konzertieren regelmäßig mit dem Prager, Mainzer und Mannheimer
Kammerorchester, dem Philharmonischen Staatsorchester Halle, der
Internationalen Philharmonie, der Thüringen Philharmonie Gotha, der
Philharmonia Hungarica, der Capella Cracoviensis, dem Präsident
Orchestra Ankara und der Philharmonie Südwestfalen. Sie haben
zahlreiche Produktionen für Rundfunk und Fernsehen eingespielt (BBC,
ZDF, WDR, BR u.a.). Es liegen 15 CDs (Haenssler-Classic) vor, die die
hohe Qualität des Amadeus Guitar Duos dokumentieren. Durch ihr
mitreißendes Engagement und ihr inspirierendes Spiel haben die Künstler
das Repertoire für Gitarre, insbesondere für Gitarre und Orchester,
beträchtlich erweitern können. Namhafte Komponisten wie Harald
Genzmer, Gheorghe Zamfir, Roland Dyens, Jaime Zenamon, Christian
Jost, Carlo Domeniconi, Gerald Garcia, Martin Herchenröder haben
Orchesterkonzerte für sie geschrieben. Kompositionen für Gitarrenduo
widmeten ihnen Stephen Dodgson, Harald Genzmer Jaime M. Zenamon
und Christian Jost. Alle Werke sind bei Schott‘s, Edition Margaux, Edition
Peters und Verlag Hubertus Nogatz, verlegt.
1992 gründeten sie das Internationale Gitarren-Symposion Iserlohn, das
heute mit über 200 Teilnehmern aus mehr als 40 Ländern, Konzerten mit
Weltstars der Szene, Meisterkursen, Vorträgen, Ausstellungen und
zahlreichen Aktivitäten eins der bedeutendsten Festivals dieser Art
weltweit ist (www.guitarsymposium.com).
Dale Kavanagh und Thomas Kirchhoff unterrichten beide seit 2003 als
Professoren an der Gitarrenklasse der Musikhochschule Detmold
(www.hfm-detmold.de) aus der zahlreiche Preisträger nationaler und
internationaler Wettbewerbe hervorgegangen sind. Das Amadeus Guitar
Duo spielt exklusiv D‘Addario Saiten und auf Gitarren von Stephan Connor,
USA.
*
They are counted among the top-class international guitar duos, receiving
enthusiastic reviews from all over the world. Canadian Dale Kavanagh and
21
her German partner Thomas Kirchhoff have made up the Amadeus Guitar
Duo since 1991. The secret of their success, regularly documented by
more than 70 concerts per year, is the complete devotion of the two artists
to their instrument. Hence they did not limit themselves to playing as a duo,
but began to concentrate on the repertoire for guitar and orchestra. Thanks
to their commitment, this genre was soon able to emerge from its niche. In
more than 100 cities, they played their "Spanish Night" recital, featuring
concertos for one, two and four guitars and orchestra by Joaquin Rodrigo
and the world-famous pan flutist Gheorghe Zamfir.
The Amadeus Guitar Duo has so far appeared in more than 850 concerts
in 50 or more countries in Europe, Central, South and North America, and
Asia. The duo has always been able to delight its audience with its
exuberant temperament, virtuoso performance, sensitive creative power
and a fulsome, warm, carrying guitar tone. They regularly play together
with the Prague, Mainz and Mannheim Chamber Orchestras, the Halle
Philharmonic State Orchestra, the International Philharmonie, the GothaSuhl Thuringian Philharmonic, the Philharmonia Hungarica, the Capella
Cracoviensis, the Ankara President Orchestra and the South Westphalian
Philharmonic.
Dale Kavanagh and Thomas Kirchhoff have recorded a large number of
productions for radio and television (BBC, ZDF, CBC, WDR, BR, TRT,
etc.). They have also recorded 15 CDs (Haenssler-Classic) which
document the high quality of the Amadeus Guitar Duo. The two artists'
stirring commitment and inspiring style of playing have enabled them to
considerably broaden the repertoire for guitar, especially for guitar and
orchestra. Such renowned composers as Harald Genzmer, Gheorghe
Zamfir, Roland Dyens (Paris), Jaime Zenamon (Curitiba), Christian Jost
(Cologne), Carlo Domeniconi (Berlin), Gerald Garcia (Oxford), Martin
Herchenröder (Siegen) have written orchestral concertos for them.
Stephen Dodgson (London), Harald Genzmer (Munich), Jaime M.
Zenamon (Curitiba) and Christian Jost (Cologne) have dedicated
compositions for two guitars to them. All works have been published by
Schott‘s, Mainz - Edition Margaux, Berlin, Edition Peters, Frankfurt, and
Verlag Hubertus Nogatz, Essen.
In 1992 they founded the International Guitar Symposium in Iserlohn,
which is today one of the most important festivals of its kind in Europe, with
more than 200 participants from more than 40 countries, concerts featuring
world-famous stars, master courses, lectures, exhibitions and many other
activities (www.guitarsymposium.com). In the 2010-11 season, these
successful musicians have been invited to tour the U.S.A., Canada,
England, Italy, Austria, Liechtenstein, Switzerland, Turkey, Romania and
Poland. Today, Dale Kavanagh and Thomas Kirchhoff live with their
daughter Melissa-Rachel in Germany, and both are professors who have
been teaching at the newly launched guitar class of the Detmold Music
School since 2003 (www.hfm-detmold.de). The Amadeus Guitar Duo plays
exclusively with D'Addario strings on guitars made in Bosto, U.S.A. by
Stephan Connor.
22
Tarif B / Abo Classique 1
Vendredi 14 octobre à 20h
Fauré Quartett
Enescu, Klavierquartett Nr. 1 D-Dur Op. 16
Fauré, Klavierquartett Nr. 2 g-moll Op. 45
Erika Geldsetzer, Violine. Sascha Frömbling, Viola. Konstantin
Heidrich, Violoncello. Dirk Mommertz, Klavier.
„Das Fauré Quartett hat sich als eine der bedeutendsten
Kammermusikformationen etabliert. […] Wer das Fauré Quartett hört,
muss sich auf etwas Besonderes gefasst machen: auf Musik als
existenzielle Erfahrung.“ Frankfurter Rundschau
Das Fauré Quartett wurde 1995 gegründet, in dem Jahr, in dem der
Komponist Gabriel Fauré seinen 150. Geburtstag gefeiert hätte. Aus Liebe
zu den beiden Klavierquartetten Faurés gab sich das Ensemble dessen
Namen. Getroffen haben sich die vier Musiker als Studierende der
Karlsruher Musikhochschule. Heute konzertiert das Fauré Quartett,
welches mittlerweile als eines der renommiertesten deutschen
Kammermusikensembles gilt, auf den wichtigsten internationalen Podien in
London
(Wigmore
Hall),
Berlin
(Philharmonie),
Amsterdam
(Concertgebouw), New York (Lincoln Center), in Tokio, Paris, Mailand etc.
Das Quartett spielt auf namhaften Festivals, nahm an diversen
Wettbewerben teil und wurde mit zahlreichen Preisen („Deutscher
Musikwettbewerb“ und der „Parkhouse Award“) ausgezeichnet. Wichtige
Impulse bei der musikalischen Arbeit erhielt das Ensemble durch Misha
Katz, Mikhail Bezverkhny, Wolfgang Jahn und Eduardo Hubert. Das Alban
Berg Quartett, von dem es vier Jahre in Köln kontinuierlich betreut wurde,
trug maßgeblich zu seiner Entwicklung bei.
Dieses Konzert findet in Zusammenarbeit mit der Philharmonie Luxembourg statt.
http://www.faurequartett.de/the_quartett.php
*
« La musique de chambre, c’est la véritable musique et la traduction la
plus sincère d’une personnalité ». Se référant à cette formule du
compositeur dont il porte le nom, le Quatuor Fauré est considéré
aujourd’hui comme l’une des formations de musique de chambre les plus
renommées de la jeune génération. Le Quatuor Fauré a eu pour
professeurs Misha Katz, Mikhail Bezverkhny, Wolfgang Jahn und Eduardo
Hubert ainsi que les membres du Quatuor Alban Berg. Il a été nommé
«Quatuor en résidence » au Conservatoire Supérieur de Musique de
Karlsruhe, fonction qui n’avait pas été attribuée depuis trente ans, et
jamais jusqu’alors à un quatuor avec piano. Depuis sa fondation en 1995,
le Quatuor Fauré s’est imposé dans les salles les plus prestigieuses à
23
Berlin, Francfort, Paris, Londres, Milan, Amsterdam et Tokyo et dans les
grands festivals internationaux. Il est lauréat de nombreux prix, comme le
«Deutscher Musikwettbewerb » et le « Parkhouse Award »...
Ce concert est présenté en collaboration avec la Philharmonie Luxembourg.
http://www.faurequartett.de/the_quartett.php
----------------------Erika Geldsetzer, Violine
Erika Geldsetzer aus Betzdorf begann das Violinspiel mit 6 Jahren.
Nachdem sie Jungstudentin an der Kölner Musikhochschule bei Prof.
Gerhard Peters war, folgten Studien bei Prof. Ulf Hoelscher an der
Musikhochschule Karlsruhe und das Post-Graduate Studium an der Royal
Academy of Music in London bei Erich Gruenberg. Danach beendete sie
ihre Ausbildung bei Prof. Gerhard Schulz in Wien. Die ehemalige
Stipendiatin der Villa Musica besuchte Meisterkurse bei Maria Egelhof, Igor
Ozim, Michael Gaiser, Mikhail Bezverkhny, Misha Katz, Jörg Wolfgang
Jahn, Wolfgang Güttler, Enrique Santiago, Bernhard Hartog, Wolfram
Christ, dem Alban Berg Quartett sowie dem Amadeus Quartett. Als Solistin
bei Konzerten, Rundfunkaufnahmen und CD-Produktionen tritt Erika
Geldsetzer regelmässig mit verschiedenen Orchestern auf, u. a. mit dem
Rundfunksinfonieorchester des SWR Kaiserslautern, der Philarmonia
Romania,
dem
Landesjugendorchester
Rheinland-Pfalz,
der
Südwestfälischen Philharmonie, dem Tonart Orchester Heidelberg sowie
der Capella Classica. Zusammen mit Nicolaus Chumachenko, Enrique
Santiago und Martin Ostertag gründete sie vor einigen Jahren das
Streichquartett der Villa Musica, mit dem sie Rundfunk- und CDProduktionen machte und regelmässig Konzerte im In- und Ausland gibt.
Preise und Auszeichnungen: 1. Preis Wettbewerb des Freundeskreises der
Musikhochschule Karlsruhe 1997, Förderpreis Mendelssohnwettbewerb
Berlin 1998, 1. Preis International Music Competition Cittá di
Moncalieri(Turin) 1999, 2. Preis Kuhmo International Music
Competition(Finnland)
2000-2002,
Zweimalige
Gewinnerin
des
Stipendiums des Deutschen Akademischen Austauschdienstes (DAAD).
Sascha Frömbling, Viola
Sascha Frömbling, 1974 in México City geboren, studierte zunächst an der
Staatlichen Hochschule für Musik Karlsruhe bei Prof. Madeline Prager und
Serge Collot. Anschließend folgte das Konzertexamen bei Prof. Hartmut
Rohde an der Universität der Künste Berlin, das er 2004 abschloss. Seine
Ausbildung ergänzte er durch die Mitwirkung in verschiedenen Orchestern,
die Teilnahme an Meisterkursen bei Matthias Buchholz, Hatto Beyerle,
Rainer Moog, Enrique Santiago, Jörg-Wolfgang Jahn, Mikhail Bezverkhny
und Misha Katz sowie durch ein Kammermusikstudium beim Alban Berg
Quartett an der Musikhochschule Köln. Seit einigen Jahren ist er
regelmäßig als Dozent des Landesjugendorchesters Rheinland-Pfalz und
als freiberuflicher Lehrer für Viola und Kammermusik tätig. Darüber hinaus
konzertiert er seit 2006 als Aushilfe mit den Berliner Philharmonikern. Zu
seinen Kammermusikpartnern gehörten in den letzten Jahren neben dem
Fauré Quartett auch Martha Argerich, Ivry Gitlis, Viviane Hagner, Julia
24
Fischer, Daniel Müller-Schott, Daniel Gaede und Wolfgang Güttler u. a.
Außerdem tritt er als Solist auf (u. a. William Walton Violakonzert (2006),
Max Bruch Doppelkonzert für Viola und Klarinette, Christian Bach
Violakonzert, Kurt Atterberg Suite für Viola, Violine und Orchester (2005),
Wolfgang Amadeus Mozart "Sinfonia Concertante" (2003)).
Konstantin Heidrich, Violoncello
Konstantin Heidrich wurde 1975 in Hamburg geboren und wuchs dort auf.
Den ersten Cellounterricht erhielt Konstantin Heidrich mit acht Jahren von
Edwin Koch. Als 17jähriger wurde er Jungstudent an der Musikhochschule
Lübeck in der Klasse von Thomas Grossenbacher. Nach dem Abitur folgte
ein Studium bei Martin Ostertag an der Musikhochschule Karlsruhe. Hier
absolvierte er sowohl das Orchesterdiplom als auch das Künstlerische
Diplom mit Auszeichnung. Als Student von Frans Helmerson an der
Musikhochschule Köln legte er das Konzertexamen im Jahre 2004 ab. Seit
2006 hatte Konstantin Heidrich selbst eine Celloklasse an der
Musikhochschule Dresden. Ab April 2009 folgte die Berufung an die
Universität der Künste Berlin. Konstantin Heidrich nahm an Meisterkursen
von Maria Kliegel, Young Chang Cho, David Geringas und mehrmals an
denen von Steven Isserlis teil. Der Kammermusik-Unterricht von Walther
Levin, Aurèle Nicolet, Peter Eötvös und Misha Katz war von großer
Bedeutung. Er gewann mehrere Preise beim Bundeswettbewerb "Jugend
musiziert" und den Ersten Preis beim Hochschulwettbewerb der Kölner
Musikhochschule 2002. Als Solist tritt er regelmäßig mit verschiedenen
Orchestern auf, so u. a. 2007 mit der Klassik-Philharmonie in der
Hamburger Musikhalle. Er war außerdem Solist der Baden-Badener
Philharmonie,
des
Albert-Schweitzer
Jugendorchesters,
des
Landesjugendorchesters Rheinland-Pfalz und der Pharos Soloists, Zypern.
Dirk Mommertz, Klavier
Dirk Mommertz, geb. 1974 in Mainz, studierte Klavier in Karlsruhe, Paris,
Frankfurt und Köln. Seine Lehrer waren Lev Natochenny, Georges
Pludermacher, Grigory Gruzman, André Boainain, Francois Frédéric Guy,
Fany Solter, Michael Uhde sowie das Alban Berg Quartett, bei dem er vier
Jahre lang als Kammermusiker studierte. Als erstes Instrument lernte er
Violine. Dirk Mommertz führte Klavierkonzerte von Brahms, Beethoven,
Haydn, Rachmaninow, Grieg, Ravel, Schostakowitsch und Scriabin auf
und wurde dabei begleitet u. a. vom BBC National Orchestra of Wales,
dem Stuttgarter Kammerorchester und dem JSO Hessen. Es liegt eine
Live-Aufnahme des Konzertes von Ravel vor. Bei seiner intensiven
kammermusikalischen Tätigkeit war er außer im Fauré Quartett Partner
von Daniel Gaede, Ivry Gitlis, Grigory Gruzman, Jörg Hempel, Wolfgang
Güttler, Alexander Michno u.a. Er erhielt insgesamt 28 nationale oder
internationale Auszeichnungen, u. a. mit dem Fauré Quartett. Von 1997-99
war Dirk Mommertz Assistent von Prof. Bernd Asmus für Musiktheorie an
der Karlsruher Musikhochschule. Von 2000 bis 2005 war Dirk Mommertz
Lehrbeauftragter für Klavier. 2005 erhielt er den Ruf als
Kammermusikprofessor an die Folkwang Musikhochschule in Essen.
25
Mercredi 16 novembre à 20h
Trio Wanderer
Avec Éric Génovèse, récitant
Liszt, « Die Zelle in Nonnenwerth » pour violon et piano
Liszt, « La Lugubre Gondole » pour violoncelle et piano
Liszt, « Romance oubliée » pour violon et piano
Liszt, « L’Amour du Poète Mort », mélodrame pour piano et récitant
Liszt, « Lénore », mélodrame pour piano et récitant
Sénancourt, extrait d’Obermann
Liszt, Tristia, la Vallée d’Obermann pour piano, violon et violoncelle
Byron, La Vallée d’Obermann
Jean-Marc Phillips-Varjabédian, violon. Raphaël Pidoux, violoncelle.
Vincent Coq, piano. Éric Génovèse, récitant.
Le Trio Wanderer propose un concert de musique de chambre
exceptionnel: des œuvres musicales de Franz Liszt ainsi que des textes,
lettres et poèmes du compositeur, lus par le comédien Eric Génovèse.
La musique de chambre de Liszt ! Une page méconnue de son oeuvre,
servie à merveille par le Trio Wanderer, avec le concours d’Éric Génovèse,
de la Comédie-Française, dans des textes du compositeur. Une musique
profonde, méditative, tumultueuse, bref romantique mais sans mièvrerie ni
débordements. Le ton juste pour ce programme rare ! Baptisés Wanderer
en hommage à Schubert et par affinité avec le romantisme allemand dont
le thème du « voyageur errant » est le leitmotiv, ces trois musiciens
français se distinguent par leur esprit d’exploration musicale qui les conduit
à sillonner les siècles de Haydn à nos jours. Célébré dans la presse pour
un jeu d’une extraordinaire sensibilité, une complicité presque télépathique
et une parfaite maîtrise instrumentale, le Trio Wanderer, créé en 1987 au
Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, est aujourd’hui
internationalement reconnu. Éric Génovèse est issu du Conservatoire
National d’Art Dramatique. Il entre en 1993 à la Comédie Française, dont il
devient Sociétaire. Il interprète des rôles de théâtre classique mais
également du répertoire moderne avec les plus grands metteurs en scène
contemporains : Stanislas Nordey, Daniel Mesguich, Roger Planchon,
Georges Lavaudant, Jorge Lavelli…
*
Das Trio Wanderer lädt zu einem ganz besonderen Kammermusikkonzert:
Auf dem Programm stehen Werke von Franz Liszt, dazu liest Eric
Génovèse Texte, Briefe und Gedichte des berühmten Komponisten.
26
Die Kammermusik Liszts ist leider noch eine Unbekannte in der
Musikgeschichte. Die Musiker des renommierten französischen Trios
Wanderer widmen sich ihrer und bitten den Schauspieler Éric Génovèse,
Mitglied des Ensembles der Comédie Française, dazu Texte vom
Komponisten zu lesen. Das Trio Wanderer wurde 1987 in Paris gegründet
und gilt als eines der wichtigsten Kammermusiktrios weltweit, das sich vor
allem durch seine musikalischen Recherchen und sein breites Repertoire
von Haydn bis zu zeitgenössischen Werken auszeichnet.
---------------------------Eric Génovèse, récitant
Eric Génovèse est issu du Conservatoire National d’Art Dramatique,
promotion 1991 ; il est très rapidement engagé pour jouer de grands rôles
classiques à Paris, Genève et en tournée internationale. Il entre à la
Comédie Française en 1993, et en devient Sociétaire en 1998; il y
interprète les rôles de
jeune premier du théâtre classique de
Shakespeare, Racine, Molière, Corneille, mais également un répertoire
moderne, Brecht, Camus, Pasolini, Ionesco, Audureau, Copi, T. Kushner et
M. Duras avec les plus grands metteurs en scène contemporains : S.
Nordey, D. Mesguich, R. Planchon, G. Lavaudant, J. Lavelli, J.L. Boutté, B.
Jaques, B. Jacquot, A. Delbée, A. Serban, Y. Chahine, L. Hemleb, A.
Vassiliev ...
On l’a vu aussi au cinéma et à la télévision, notamment dans Jefferson à
Paris, de James Ivory, La Place Royale de Benoît Jacquot, Le droit à
l’oubli de Gérard Vergez…Il s’est également illustré comme metteur en
scène avec, en 2001, Les Juives de Garnier au théâtre du Marais, les
samedis du Vieux Colombier et du Studio Théâtre de la Comédie
Française sur la Bible, Agrippa d’Aubigné, Gertrud Stein ou La Légende
des Siècles de Hugo en 2002.
Il a été aussi le récitant du Roi David de Honegger, Bassa Selim de
L’Enlèvement au Sérail de Mozart, dirigé par John Nelson au Théâtre des
Champs-Elysées, Lélio de Berlioz, à l’Opéra de Rome, toujours avec John
Nelson, où son interprétation a enthousiasmé le public et a fait l’unanimité
dans la presse italienne. Il a récemment interprêté Le Martyre de Saint
Sébastien de Debussy avec l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg
dirigé par Emmanuel Krivine et une nouvelle production des Fables de La
Fontaine mise en scène par Bob Wilson à la Comédie-Française.
*
Eric Génovèse, Narrator
Eric Génovèse graduated from the Conservatoire National Supérieur d’Art
Dramatique in 1991; he is rapidly engaged to interprete major roles such
as Cléandre in La Place Royale, and then Ptolemy in La Mort de Pompée,
two works by Corneille as well as Louis Laine in l’Echange by Paul Claudel
in Paris, Geneva and on international tour.
Eric Génovèse joined the Comédie Française on 1st December 1993, and
became shareholding actor of the Comédie Française on 1st January
1998; there he interpreted the juvenile lead roles of the classical repertory
of Shakespeare (Fortinbras,Caliban),Racine (Hippolyte, Xipharès,
27
Oreste),Molière, Corneille , but also contemporary repertory: Brecht,
Camus, Pasolini, Ionesco, Audureau, Copi, T. Kushner and M. Duras
under the directors such as S.Nordey, D.Mesguich, R. Planchon, G.
Lavaudant, J. Lavelli , J-L Boutté, B.Jaques, B. Jacquot, A. Delbée, A.
Serban, Y. Chahine, L. Hemleb, A. Vassiliev and others. He has appeared
in several television films, as well as in films for the cinema, for example in
Jefferson in Paris by James Ivory, in La Place Royale directed by Benoït
Jacquot, and in Le Droit à l’Oubli directed by Gérard Vergez…
The career of Eric Génovèse as a stage director is illustrated mainly
through his production of Les Juives by Robert Garnier, at the Théâtre du
Marais in 2001, Les Samedis du Vieux Colombier and Studio Theatre de la
Comédie Française on the Holy Bible, Agrippa d’Aubigné, Gertrude Stein
or La Légende des Siècles by Victor Hugo in 2002.
Finally, in addition to this intense stage activity, he participated to
numerous dramas for Radio France and recorded an Anthology of French
Poetry for the company Frémeaux and Associates.
At the same time as his acting career, in the last few years he took on
numerous roles as a narrator in major musical works, such as King David
by Arthur Honegger, Bassa Selim in L’Enlèvement au Sérail by Mozart,
under the direction of John Nelson, at the Théâtre des Champs-Elysées in
Paris with Ensemble Orchestral de Paris, Lélio by Berlioz , at the Roma
Opera, also with John Nelson, with a tremendous success. He then
collaborated with Orchestre National d’Ile de France in L’Histoire du Soldat
by Stravinsky (the soldier) under the direction of Gordan Nikolitch at the
Salle Gaveau in Paris and on tour. He interpreted: Le Martyre de Saint
Sébastien by Debussy with Orchestre Philharmonique de Luxembourg
under the direction of Emmanuel Krivine in Luxembourg and at the Arsenal
of Metz in a new production of Fables de la Fontaine staged by Bob Wilson
at the Comédie Française. Eric Génovèse is also staging Le Privilège des
Chemins by Fernando Pessoa in collaboration with the IRCAM; then he will
be Eugène Jr in Embrasser les Ombres by Lars Noren (staged by Joel
Jouanneau), and Tartuffe (title role) by Molière (staged by Marcel
Bozonnet), also at the Comédie Française. And many other roles …
He is also the narrator in Le Serment by Tansman with Orchestre
Philharmonique de Radio France under the direction of Alain Altinoglu and
in Pierre et Le Loup by Prokofiev , The Martyre de St Seabstien by
Debussy ., Peer Gynt with Mo MAsur and the ONF, Brahms Die Schoene
Maguelone with Matthias Goerne etc.
He recently began as stage director, in Bordeaux (Rigoletto) , Cosi fan
tutte at the Theatre des Champs Elysees, Paris, and will sign a Anna
Bolena” at the Vienna State Opera., and Liebermann’s “Frauenschule” in
Bordeaux. Eric Génovèse has been awarded by the French Ministry of
Culture of “Chevalier des Arts et Lettres” in December 1991.
28
Mercredi 7 décembre à 20h
Discours musicaux
Globokar, « Discours IV » für 3 Klarinettisten
Roussel, « Deux poèmes de Ronsard » Op.26 für Flöte und Sopran
Saint-Saëns, « Une Flûte invisible » für Sopran Flöte und Klavier
Saint-Saëns, « Tarantelle » Op. 6 für Flöte Klarinette und Klavier
Emmanuel, Sonate für Flöte, Klarinette und Klavier
Caplet, « Corbeille de fruits » (« Écoute mon coeur ») für Sopran und
Flöte
Mariette Lentz, Sopran. Carlo Jans, Flöte. Marcel Reuter, Klavier.
Armand Angster, Marcel Lallemang, Sébastien Duguet, Klarinette und
Kontrabassklarinette.
Auch in dieser Saison wird der KammerMusikVeräin Lëtzebuerg das
CAPe mit zwei Konzerten beehren. Das erste Konzert thematisiert die
Vertonung von Texten, das zweite Konzert (am 16. Mai 2012) befasst sich
mit Tanzmusik.
Musik als Rede in Tönen – diese Idee hat Komponisten seit jeher
fasziniert und inspiriert. Die älteste Verbindung von Musik und Sprache ist
die Vertonung von Texten: In den Liedern von Saint-Saëns, Roussel und
Caplet wird die Sprache in Musik eingebettet. Sogar rein instrumentale
Werke sind oft von der Sprache inspiriert: Komponisten orientieren sich an
den Gesetzen der Sprache und imitieren ihre Gesten und ihren Tonfall.
Sie sehen Musik als Sprache der Gefühle, die von jedermann verstanden
werden kann. Auch wenn dies auf die Musik unserer Zeit nicht mehr
unbedingt zutrifft, so spielen Texte in der Neuen Musik dennoch eine
große Rolle. Im Werk „Discours IV“ für drei Kontrabassklarinetten des
slowenischen Komponisten Vinko Globokar dient ein Text als verborgene
Grundlage und roter Faden der Komposition, ohne dass der Zuhörer den
Inhalt des Textes je erfährt.
*
Le KammerMusekVeräin Lëtzebuerg a deux rendez-vous fixe cette saison.
Le premier concert sera sur l’adaption musicale, le deuxieme concert (16
mai 2012) se consacrera à la musique et la danse.
La musique comme discours de sonorités : cette idée a de tous temps
fasciné et inspiré les compositeurs. La relation la plus ancienne entre
musique et langage est l’adaptation musicale de textes : dans les oeuvres
de Saint-Saëns, de Roussel et de Caplet, le langage est inclus dans la
29
musique. Même les oeuvres instrumentales s’inspirent des lois du
langage: elles imitent les gestes et le ton de la voix. Elles suggèrent que la
musique n’est autre que le langage des sentiments, qui peut être compris
par tout le monde. Même si la musique contemporaine ne perçoit pas
nécessairement la relation mots-musique de cette manière, les textes n’y
jouent pas un moindre rôle. Dans la pièce « Discours IV » pour trois
clarinette-contrebasses du compositeur slovène Vinko Globokar, le texte
est la base cachée et le fil directeur de l’oeuvre, même si l’auditeur ne
saisit pas le contenu des mots.
30
Récital / Rezital
Vendredi 6 janvier à 20h
Free
Maurice Clement, piano
Ce récital risque fort de bousculer nos certitudes sur la musique !
Totalement improvisée suivant un processus intuitif, donc de nature
perpétuellement changeante, cette musique est réfractaire à toute analyse,
codification, saisie intellectuelle ou approche académique. Un premier son
en engendre un second, un accord entraîne une planète harmonique en
constante évolution, allant du classique à la musique contemporaine, de la
musique du monde au jazz, en passant d’adagios d’une lenteur mystique à
des pics d’une vitesse vertigineuse. Improviser, c’est voyager dans son
esprit ; c’est livrer sa partition intérieure, au-delà de ses limites, au-delà
des frontières entre les genres musicaux. L’improvisation ne s’apprend
pas: elle se vit. En tant qu’organiste-titulaire des Grandes Orgues de la
Philharmonie de Luxembourg, Maurice Clement est abondamment sollicité
comme improvisateur. Formé aux conservatoires de Bruxelles et de
Luxembourg ainsi qu’au Conservatoire National Supérieur de Musique de
Lyon, il conjugue son amour de la musique classique et des musiques
improvisées lors de ses concerts. Il est souvent invité dans des festivals
internationaux à New-York, Chicago, Minneapolis, Paris, Lyon, Bruxelles,
Liège, Maastricht, Zürich, Munich, Stuttgart, Leipzig, Vienne, Innsbruck,
Prague, Milan et Copenhague…
*
Vollkommen improvisiert und einem intuitiven Prozess folgend, hält diese
Musik der Analyse, der Kodifizierung und einer akademischen Annäherung
stand. Einem ersten Ton folgt ein zweiter, ein Akkord führt eine
harmonische Welt in ständiger Entwicklung herbei. Diese geht von der
Klassik bis zur zeitgenössischen Musik, von der Weltmusik bis zum Jazz,
von mystisch langsamen Adagios bis zu schwindelerregenden
Geschwindigkeiten. Improvisieren bedeutet im Geiste reisen: Maurice
Clement lässt die Zuhörer teilhaben an seiner inneren Partitur, die über
seine eigenen und die Grenzen der musikalischen Genres hinausgeht. Die
Improvisation kann nicht gelernt, sie darf nur gelebt werden. Maurice
Clement studierte an den Musikkonservatorien in Lyon, Brüssel und
Luxemburg. Er ist der Hausorganist der Philharmonie Luxembourg und als
Improvisator sehr gefragt. In seinen Konzerten vereint er seine Liebe für
die klassische Musik mit der improvisierten Musik. Außerdem ist Maurice
Clement ein gern gesehener Gast bei wichtigen internationalen Festivals in
New York, Chicago, Minneapolis, Paris, Lyon, Brüssel, Lüttich, Maastricht,
31
Zürich, München, Stuttgart, Leipzig, Wien, Innsbruck, Prag, Milan und
Kopenhagen…
-----------------Maurice Clement
Maurice Clement dirige la classe d'improvisation au Conservatoire de
Musique du Nord, parallèlement à ses fonctions de professeur d'orgue. En
tant qu'organiste-titulaire des Grandes Orgues de la Philharmonie de
Luxembourg il est beaucoup sollicité comme improvisateur. Formé au
CNSM de Lyon ainsi qu'aux conservatoires de Bruxelles et de
Luxembourg, il conjugue son amour de la musique classique et des
musiques improvisées lors de ses concerts et dans son approche
pédagogique. Maurice Clement joue en tant que soliste dans le cadre de
festivals internationaux à New York, Chicago, Minneapolis, Paris, Lyon,
Bruxelles, Liège, Maastricht, Zürich, Munich, Stuttgart, Leipzig, Vienne,
Innsbruck, Prague, Milan, Copenhague…
32
Mercredi 16 mai à 20h
Une soirée chez Terpsichore
Bartók, „Contrastes“ für Violine, Klarinette und Klavier
Stravinsky, Suite aus « L’Histoire du Soldat » für Violine, Klarinette und
Klavier
Piazzolla, „Oblivion“, „Chiquilín de bachín“, „Milongo sin palabres“ für
Sopran, Flöte und Akkordeon
Mariette Lentz, Sopran. Martha Khadem-Missagh, Violine. Béatrice
Rauchs, Klavier. Daniel Gruselle, Akkordeon und Bandoneon. Markus
Brönnimann, Flöte. Marcel Lallemang, Klarinette.
Der KammerMusekVeräin Lëtzebuerg spielt zum Tanz auf! Béla Bartók
war besonders von den Liedern und Tänzen der ungarischen und
rumänischen Bauern fasziniert. In seinem späten komponierten
Kammermusikwerk „Contrasts“ verarbeitete Bartók die Tradition der
ungarischen Verbunkos-Tänze mit zeitgenössischen Kompositionstechniken. Auch Igor Strawinsky hatte eine enge Beziehung zum Tanz: Die
bekanntesten seiner Werke entstanden als Ballettmusiken, viele seiner
Kompositionen tragen Titel wie „Ragtime“ oder „Polka“. In seinem
Bühnenwerk „L’Histoire du Soldat“ imitiert er die Märsche und Modetänze
eines kleinen Wanderzirkus. Keinesfalls fehlen in diesem Programm darf
Astor Piazzolla, der Begründer des „Tango Nuevo“. Er hat den Tango aus
den Tanzlokalen in den Konzertsaal geholt, indem er seine rhythmische
Kraft mit Elementen aus Bachs Musik und der Neuen Musik kombinierte.
*
Le KammerMusekVeräin Lëtzebuerg nous invite à la danse ! Bela Bartók
était fasciné par les chansons et les danses des paysans hongrois et
roumains. Dans son oeuvre tardive pour musique de chambre, il associe la
tradition des danses « verbunkos » hongroises avec des techniques de
compositions modernes. Igor Stravinsky avait sa propre relation avec la
danse : ses œuvres les plus importantes sont des musiques de ballet et
beaucoup de ses compositions portent des titres comme « Ragtime » ou «
Polka ». Dans son oeuvre scénique « L’Histoire du Soldat », il imite les
marches et les danses à la mode d’un petit cirque ambulant. Enfin, il ne
faut pas oublier Astor Piazzolla, l’initiateur du « Tango Nuevo », qui a
transposé le tango des boîtes de nuit dans les salles de concert en
mélangeant sa force rythmique avec des éléments de la musique de Bach
et de la musique contemporaine.
33
variatio delectat
Festival B-days
Akademie für alte Musik Berlin
p. 34
Pascal Schumacher Quartet & Strings
p. 38
Midori Seiler
p. 40
Ensemble Vocal du CMNord
p. 42
34
Dimanche 29 janvier à 17h
Geburtstagskonzert für Friedrich II.
Akademie für alte Musik Berlin
Die Mitglieder der Hofkapelle präsentieren sich mit ihren
Soloinstrumenten
Graun, Ouvertüre D-Dur
Quantz, Flötenkonzert
C. P. E. Bach, Cembalokonzert
Benda, Violinkonzert
Friedrich II, Sinfonie Nr. 2 D-Dur
Midori Seiler*, Konzertmeisterin. Christoph Huntgeburth, Flöte. Raphael
Alpermann, Cembalo.
Das
Centre
des
Arts
Pluriels
Ettelbruck
und
das
Musikkonservatorium des Nordens organisieren unterstützt von den
Gemeinden Diekirch und Bettendorf das alle zwei Jahre stattfindende
Barockmusikfestival der Region. Diese 7. Ausgabe des beliebten
Festivals „B-days“ bietet auch diesmal vier wundervolle Konzerte am
Ende des Winters an.
Den Auftakt macht die „Akademie für alte Musik Berlin“: Zum 300.
Geburtstag Friedrich des Großen (1712-1786) gibt das renommierte
Berliner Kammerorchester ein Jubiläumskonzert. Zu hören sind Werke von
Komponisten, die das Leben des kunstliebenden Monarchen geprägt
haben, sowie ein Werk aus der Feder dieses musikalisch begabten Königs.
1982 in Ost-Berlin gegründet, gehört die Akademie für alte Musik Berlin
(kurz Akamus) heute zur Weltspitze der Kammerorchester. Seit 1984
gestaltet das Ensemble eine eigene Abonnementreihe im Konzerthaus
Berlin und ist seit 1994 regelmäßiger Gast an der Berliner Staatsoper
Unter den Linden. Mit renommierten Solisten wie Cecilia Bartoli, Andreas
Scholl, Sandrine Piau und Bejun Mehta arbeitet Akamus regelmäßig
zusammen. Weit über eine Million verkaufte Tonträger sind Ausdruck des
internationalen Erfolgs des Orchesters. Ihre Aufnahmen wurden mit allen
bedeutenden Preisen ausgezeichnet: dem Grammy Award, dem Diapason
d’Or, dem Cannes Classical Award, dem Gramophone Award sowie dem
Edison Award. 2010 erhielt Akamus den MIDEM Classical Award und den
„Choc de l’année“ für die Einspielung von Telemanns Brockes-Passion.
* Midori Seiler wird am 9. März 2012 im Rahmen des Barockmusik-Festivals „B-days“ ein
Violinkonzert in der alten Kirche in Diekirch geben (weitere Infos S. 40)
électronique, > contactez le 26 81 21-306 ou elv[email protected]
35
*
Le Centre des Arts Pluriels d’Ettelbruck et le Conservatoire de
Musique du Nord organisent le festival régional biennal de musique
baroque « B-days » avec le précieux soutien des communes de
Diekirch et de Bettendorf. Cette 7e édition vous propose à nouveau
quatre magnifiques concerts à la fin de l’hiver.
Le premier concert du cycle « B-days » sera donné par l’« Akademie für
alte Musik Berlin » et sera dédié le roi Friedrich II. de Prusse, grand
mélomane et compositeur lui-même.
Fondée en 1982 à Berlin-Est, l’Akademie für alte Musik Berlin (Akamus)
est aujourd’hui un des ensembles de musique de chambre majeurs dans le
monde. Depuis 1984, l’ensemble propose un cycle de concerts au
Konzerthaus de Berlin et depuis 1994, il est l’invité régulier du Staatsoper
Unter den Linden. L’orchestre travaille régulièrement avec les plus grands
solistes comme Cecilia Bartoli, Andreas Scholl, Sandrine Piau ou encore
Bejun Mehta. Plus d’un million de disques vendus et d’innombrables
distinctions témoignent de ce succès international.
*Midori Seiler donnera un concert de violon dans le cadre du festival de musique baroque
« B-days » le 9 mars 2012 à la vieille église de Diekirch.
---------------------Akademie für alte Musik Berlin (Akamus)
1982 in Ost-Berlin gegründet, gehört die Akademie für alte Musik
Berlin (kurz Akamus) heute zur Weltspitze der Kammerorchester und
kann auf eine beispiellose Erfolgsgeschichte verweisen. Die
internationale Bedeutung des Orchesters zeigt sich in der Vielzahl
seiner Gastspiele im In- und Ausland. Regelmäßig gastiert das
Ensemble in allen musikalischen Zentren Europas, Asiens, sowie
Nord- und Südamerikas. Im Jahr 2011 werden Konzert- und
Operngastspiele das Orchester in neun europäische Länder, auf eine
ausgedehnte USA-Tournee und erstmals nach China führen. Seit
1984 gestaltet das Ensemble eine eigene Abonnementreihe im
Konzerthaus Berlin und ist seit 1994 regelmäßiger Gast an der
Berliner Staatsoper Unter den Linden. Akamus präsentiert sich mit
rund 100 Auftritten pro Jahr in Besetzungsgrößen vom
Kammerensemble bis zum sinfonischen Orchester. Das Ensemble
musiziert unter der wechselnden Leitung seiner Konzertmeister
Midori Seiler, Stephan Mai, Bernhard Forck und Georg Kallweit sowie
ausgewählter Dirigenten. Besonders mit René Jacobs verbindet das
Ensemble seit beinahe 25 Jahren eine enge künstlerische
Partnerschaft, aus der zahlreiche gefeierte Opern- und
Oratorienproduktionen hervorgegangen sind. Zuletzt wurde die unter
Jacobs‘ Leitung erschienene CD-Einspielung von Mozarts Die
Zauberflöte in der deutschen und internationalen Presse hochgelobt.
36
Erfolgreiche künstlerische Verbindungen bestehen ebenfalls mit den
Dirigenten Marcus Creed, Daniel Reuss, Peter Dijkstra und HansChristoph Rademann. Hervorzuheben ist die kongeniale Kooperation
mit dem RIAS Kammerchor, von deren Qualität zahlreiche
preisgekrönte Aufnahmen zeugen. Mit renommierten Solisten wie
Cecilia Bartoli, Andreas Scholl, Sandrine Piau und Bejun Mehta
arbeitet Akamus regelmäßig zusammen. Nicht zuletzt durch die
Kooperation mit der Tanzcompagnie Sasha Waltz & Guests, aus der
Erfolgsproduktionen wie Dido & Aeneas (Musik: Henry Purcell),
Medea (Musik: Pascal Dusapin) und das choreografische Konzert 4
Elemente – 4 Jahreszeiten hervorgegangen sind, festigt die
Akademie für alte Musik Berlin ihren internationalen Ruf als kreatives
und innovatives Ensemble. Weit über eine Million verkaufte
Tonträger sind Ausdruck des internationalen Erfolgs des Orchesters.
Die seit 1994 exklusiv für das Label harmonia mundi France
produzierten Aufnahmen wurden mit allen bedeutenden
Schallplattenpreisen ausgezeichnet: dem Grammy Award, dem
Diapason d’Or, dem Cannes Classical Award, dem Gramophone
Award sowie dem Edison Award. 2009 wurde die Akademie für alte
Musik Berlin mit dem Jahrespreis der deutschen Schallplattenkritik
für die DVD-Produktion der Purcell-Oper Dido & Aeneas mit Sasha
Waltz & Guests ausgezeichnet und erhielt 2010 den MIDEM
Classical Award und den Choc de l’année für seine Einspielung von
Telemanns Brockespassion.
www.akamus.de
*
Fondée en 1982 à Berlin-Est, l’Akademie für alte Musik Berlin
(Akamus) est aujourd’hui un des ensembles de musique de chambre
majeurs dans le monde et jouit d’un succès inoui. Ses nombreuses
prestations tant sur le plan national qu’international attestent de
l’importance de l’orchestre. L’ensemble se produit régulièrement sur
les scènes européennes, asiatiques et nord- et sud-americaines. En
2011, de nombreuses prestations - concerts et opéras - vont
emmener l’orchestre dans neuf pays européens, aux Etats-Unis à
l’occasion d’une vaste tournée et, pour la première fois, en Chine.
Depuis 1984, l’ensemble a le plaisir de jouer son programme de
concerts au Konzerthaus Berlin. Depuis 1994, il est l’invité régulier
du Staatsoper Unter den Linden à Berlin. Akamus donne chaque
année environ 100 concerts sous différentes formations, de
l’orchestre de chambre à l’orchestre symphonique. L’ensemble se
produit sous la direction de ses chefs d’orchestre Midori Seiler,
Stephan Mai, Bernhard Forck und Georg Kallweit ainsi que des
maestros choisis. Depuis bientôt 25 ans, une collaboration étroite lie
Akamus à René Jacobs – un partenariat artistique très productif qui a
37
donné un grand nombre d’opéras et d’oratorios excellement reçus.
L’actuel enregistrement de la La Flûte enchantée de Mozart sous la
direction de Jacobs a été loué par la presse allemande et étrangère.
D’autres collaborations réussies comprennent des projets avec les
chefs d’orchestre Marcus Creed, Daniel Reuss, Peter Dijkstra et
Hans-Christoph Rademann. Il convient de noter le succès particulier
de la collaboration géniale d’Akamus avec RIAS Kammerchor, dont
la grande qualité est attestée par le nombre de leurs disques primés.
Akamus travaille régulièrement avec des solistes de renom comme
Cecilia Bartoli, Andreas Scholl, Sandrine Piau ou encore Bejun
Mehta. Grâce à sa collaboration avec la compagnie de danse Sasha
Waltz & Guests, l’Akademie für Alte Musik Berlin continue à
consolider sa renommée internationale, en tant qu’ensemble créatif
et innovant, à travers des productions telles que Dido & Aeneas
(musique: Henry Purcell) et Medea (musique: Pascal Dusapin). En
plus, le concert spectaculaire chorégraphique Quatre Eléments Quatre Saisons a en contribué. Plus d’un million de CDs vendus
dans le monde témoignent du succès international d’Akamus. Edité
en exclusivité par harmonia mundi France depuis 1994, l’ensemble a
reçu toutes les distinctions importantes: Grammy Award, Diapason
d'Or, Cannes Classical Award, Gramophone Award et Edison Award.
Pour le DVD de l’opéra Dido & Aeneas de Purcell avec Sasha Waltz
& Guests, Akamus a reçu le Prix annuel de la critique allemande en
2009. Son enregistrement de la Brockespassion de Telemann a été
récompensé par le MIDEM Classical Award 2010 et le Choc de
l'année.
www.akamus.de
38
Samedi 11 février à 20h
In Phase with J. S. Bach
Pascal Schumacher Quartet & Strings
Pascal Schumacher, vibraphone & marimba. Franz von Chossy, piano.
Christophe Devisscher, contrebasse. Jens Düppe, batterie. Stefan
Willems, Pieter Jansen, Veerle Van Gorp, violon. Bram Bossier, Amy
Merrill, Florian Peelman, alto. Jan Sciffer, Lieven Baert, Peter Devos,
violoncelle. Anne Galowich, clavecin.
Pour le deuxieme concert dans le cadre du festival « B-days » le public
pourra découvrir Pascal Schumacher et son quatuor, élargi par des
instruments à corde. Cet orchestre de chambre explorera le jazz et
l’influence baroque.
L’adaptation des oeuvres du répertoire classique à d’autres genres
musicaux n’est en rien nouvelle aujourd’hui. Mais rares sont les
compositeurs qui ont dépassé la simple reformulation rythmique ou
harmonique. Depuis de nombreuses années maintenant, Pascal
Schumacher,
percussionniste
/
vibraphoniste
et
compositeur
luxembourgeois, s’est consacré attentivement à l’étude de la musique de
Bach. Il a également suivi de près la démarche du pianiste et compositeur
Uri Caine, proposant une fusion non conventionnelle entre le langage du
grand maître et une approche stylistique à plusieurs niveaux, saupoudrée
d’une touche de jazz américain contemporain. Pascal Schumacher exploite
cependant son esthétique personnelle, façonnée à partir d’une coexistence
entre jazz contemporain européen et américain. Tout en laissant intacts
certains des éléments de base, il offre ici une décomposition et
recomposition du Concerto Brandebourgeois n° 3 écrit en 1719. Il
maintient l’instrumentation originale pour trois violons, trois altos et trois
violoncelles, mais remplace la « section rythmique baroque » de la basse
continue par une section rythmique jazz : basse, batterie et vibraphone /
marimba.
*
Für das zweite Konzert im Rahmen der „B-days“ wird Pascal Schumacher
sein Quartett mit 9 Streichern erweitern und den Bereich des Jazz, indem
er sich bislang bewegt hat, ausweiten und eröffnet den Zuhörern ein völlig
neues, von Barockmusik inspiriertes Klangerlebnis.
Die Adaptierung klassischer Werke in neue Musikgenres ist heutzutage
gang und gäbe. Doch nur wenige Komponisten gehen über eine
rhythmische und harmonische Neuformulierung hinaus. Seit vielen Jahren
beschäftigt sich der Luxemburger Perkussionist, Vibraphonist und
39
Komponist Pascal Schumacher mit der Musik von Bach. Dabei hat er
genau die Vorgehensweise des Komponisten Uri Caine studiert, der eine
unkonventionelle Fusion zwischen der musikalischen Sprache Bachs mit
einem stilistischen Ansatz auf mehreren Ebenen und zeitgenössischem
amerikanischen Jazz unternimmt. Schumacher hat seinen eigenen Stil. Er
bietet eine Zerlegung und Neuzusammensetzung des Brandenburgischen
Konzerts Nr. 3 aus dem Jahre 1719. Dabei behält er die ursprüngliche
Besetzung für drei Violinen, drei Violas und drei Celli bei, ersetzt jedoch
den für den barocken Rhythmus wichtigen Basso continuo durch eine
Jazzinstrumentierung mit Bass, Schlagzeug und Vibraphon/Marimba. Die
neue Komposition nennt sich „Überlegungen zum Brandenburgischen
Konzert Nr. 3“.
40
Récital de violon / Violinkonzert
Vendredi 9 mars à 20h (à la vieille église de Diekirch)
Partiten für Violine Solo
von Johann Sebastian Bach
Midori Seiler, Barockvioline
Bach, Partita II d-moll BWV 1004
Bach, Partita III E-Dur BWV 1006
Für das dritte Konzert im Rahmen der „B-days“, das in der alten Kirche in
Diekirch stattfindet, spielt die junge, hochtalentierte Barockgeigerin Midori
Seiler Partiten für Violine Solo von Johann Sebastian Bach.
Midori Seiler, Tochter eines japanisch-deutschen Pianistenpaares, ist
Konzertmeisterin nicht nur in einem Orchester, sondern gleich in den zwei
Spitzenensembles der historischen Aufführungspraxis: in der Akademie für
alte Musik Berlin (zu Gast im CAPe am 29. Januar) und in Jos van
Immerseels Anima Eterna. Als Gastkonzertmeisterin tritt sie u.a. mit dem
Orchestra of the Age of Enlightenment und der Deutschen
Kammerphilharmonie Bremen auf. Neben ihrer Tätigkeit als erste
Barockgeigerin nimmt sie Solo-CDs auf und gibt Solokonzerte in aller Welt.
Unter ihren CD-Veröffentlichungen, von denen viele mit Preisen
ausgezeichnet wurden, finden sich die Violinkonzerte von Mozart, das
verschollene Violinkonzert von Bach BWV 1052 in einer eigenen
Rekonstruktion, die Sheherezade von Rimsky-Korsakoff. Mit dem Pianisten
und Spezialisten für historische Tasteninstrumente Jos van Immerseel
produzierte sie die Violinsonaten von Mozart und Schubert. Die von der
Presse hochgelobte CD mit Partiten für Violine Solo von Bach ist ihre
aktuellste Aufnahme.
Mit freundlicher Unterstützung der Gemeinde Diekirch.
*
Pour le troisieme concert du festival « B-days » la jeune et talenteuse
violiniste baroque Midori Seiler jouera les partitas pour violon solo de
Johann Sebastian Bach à la vieille église de Diekirch.
La violiniste Midori Seiler est premier violon dans deux des ensembles
baroques les plus prestigieux d’Europe : l’Akademie für alte Musik Berlin
(en concert au CAPe dimanche 29 janvier) et l’orchestre Anima Eterna de
Jos van Immerseel. En tant que premier violon invité, elle se produit
régulièrement avec l’Orchestra of the Age of Enlightenment, ainsi qu’avec
la Philharmonie de Chambre de Brème. Outre ses activités orchestrales,
elle se produit régulièrement en solo et réalise de nombreux
enregistrements, souvent couronnés de prix prestigieux : on lui doit
notamment les concertos pour violon de Mozart, le concerto disparu BWV
41
1052 de Bach dans une reconstruction originale et la Shéhérazade de
Rimski-Korsakov. Avec Jos van Immerseel, pianiste et spécialiste des
instruments à clavier historiques, elle a publié les sonates pour violon de
Mozart et Schubert. Enfin, son dernier enregistrement des partitas pour
violon solo de Bach a reçu les plus grands éloges de la presse spécialisée
internationale.
Concert réalisé avec le précieux soutien de la Ville de Diekirch.
-----------------Pressestimmen
„Kontrast- und modulationsreich im Ton, ausdrucksstark, lebendig,
hochpräsent und inspiriert spielt de Konzertmeisterin der Akademie für Alte
Musik Berlin die anspruchsvollen Stücke, ohne eitle Manierismen oder
Virtuosengehabe. [...] Ein Meilenstein!“ (Concerti – Berlin Januar 2011)
„Die Konzertmeisterin hochrangiger Ensembles wie der Akademie für Alte
Musik Berlin und dem Ensemble Anima Eterna zeigt sich in dieser SoloEinspielung als beeindruckend sensible und kluge Künstlerin.“ (BR Klassik
"CD der Woche" vom 29.1.11)
„Wir sind begeistert. [...] Diese Einspielung sichert ihr nicht bloß in
Fachkreisen allerhöchste Aufmerksamkeit. Soli Deo Gloria.“ (Thüringische
Landeszeitung vom 28.1.11)
„Echt bannend.“ (Die Welt)
„Unsagbar eindringlich“ (freiStil (AT) Februar/März 2011)
42
Musique vocale / Vokalmusik
Gratuit
Dimanche 18 mars à 17h (à l’église de Bettendorf)
Passion selon Saint Matthieu & Via
Crucis… un pont sur les siècles
Schütz, La Passion selon Saint Matthieu SWV 479
Liszt, Via Crucis
Raju Vidali, violoncelle. Jeannot Sanavia, contrebasse. Maurice
Clement, orgue positif. David Ianni, piano. Martin Folz, évangéliste et
direction.
L’Ensemble Vocal du CMNord clôturera le festival « B-days » avec un
concert pour le temps de la passion à l’église de Bettendorf. Les trois
Passions de Schütz marquent l’aboutissement de l’évolution de ce genre
musical. Elles sont aussi le point de départ d’un nouveau parcours qui
nous même jusqu’à Jean-Sébastien Bach. La Passion selon Saint Matthieu
est la plus contrastée des trois et la plus accessible. Dès 1874, Liszt songe
à écrire un Via Crucis. Faute de temps, il ajourne le projet jusqu’à
l’automne 1878 : il avoue, depuis la Villa d’Este, que son oeuvre « continue
à [l’] ébranler complètement ». L’oeuvre évoque les quatorze stations du
Chemin de croix, précédées d’une introduction. Martin Folz propose avec
ce programme un résumé de deux points de vue différents sur la Passion
de Jésus. Alors que Schütz expose sans commentaire le texte liturgique
dans un langage tonal simple et au service des mots, Liszt commente le
Chemin de Croix par une musique très expressive, transfigurée, mais
fragmentaire et laissant des questions ouvertes.
Concert réalisé avec le précieux soutien de la commune de Bettendorf.
*
Zum Abschluss des Festivals „B-days“ gibt das Ensemble Vocal du
CMNord ein Konzert zum Thema Passionsgeschichte in der Kirche in
Bettendorf. Die Matthäus-Passion (entstanden 1665) von Heinrich Schütz
ist die zugänglichste und erfolgreichste seiner drei Passionen und diente
später Johann Sebastian Bach als Vorbild. 1878 vollendete Franz Liszt mit
„Via Crucis“ seine musikalische Darstellung der 14 Kreuzwegstationen.
Martin Folz unternimmt in diesem Konzert eine Zusammenschau zweier
unterschiedlicher Blickwinkel auf die Passionsgeschichte Jesu. Schütz
erzählt ohne zu kommentieren den liturgischen Text in seiner einfachen,
dem Wort dienenden Tonsprache. Liszt kommentiert die Stationen des
Leidensweges in hochexpressiver Musik - verklärt, verstört,
fragmentarisch, hinterlässt sie offene Fragen.
Mit freundlicher Unterstützung der Gemeinde Bettendorf.
43
variatio delectat
Récitals de piano / Klavierkonzerte
Béatrice Rauchs
p. 44
Michèle Kerschenmeyer
p. 46
Jean Muller
p. 48
Annie Kraus
p. 50
44
Récital de piano / Klavierkonzert
Tarif B / Abo Schubert – Saison 2
Béatrice Rauchs
Ravel, Miroirs
Pulkkis, Alae
Schubert, Sonate en la mineur D 845 op. 42
Depuis la saison 2010 / 2011, le CAPe se consacre au compositeur
autrichien Franz Schubert (1797-1828) et à son oeuvre pianistique.
Neuf pianistes du pays ont proposé une oeuvre de Schubert ainsi que
des pièces complémentaires de leur choix. La première moitié de ce
cycle a permis d’entendre cinq récitals de David Ianni, Kae Shiraki,
Cathy Krier, Charles de Bourcy avec Rafael Theissen, ainsi qu’une
ouverture magistrale avec le pianiste russe Valery Afanassiev. En
2011 / 2012, nous vous proposons les quatre derniers concerts de la
série avec des programmes aussi intéressants que diversifiés.
Le cycle est soutenu par la Fondation Indépendance.
« Pourquoi ce programme ? La pièce « Alae » d’Uljas Pulkkis est une
oeuvre envoûtante par la richesse de ses couleurs, sa vigueur et son
lyrisme manifeste. Quant à Ravel, j’ai été en contact étroit avec sa
musique dès ma jeunesse, surtout à Paris pendant mes études auprès
d’Aldo Ciccolini qui m’a transmis son amour passionné pour cette musique
(je me rappelle de son interprétation bouleversante de « Miroirs ») ; je ne
me lasserai probablement jamais de Ravel. Schubert est une passion de
longue date également, mêlée à un énorme respect pour la difficulté
d’interprétation de cette grande musique. Et peut-être l’organisation de ce
cycle fut-elle nécessaire pour que j’ose enfin m’aventurer dans ce qui est
ma sonate préférée. De toute façon : mieux vaut tôt que jamais ! »
Béatrice Rauchs
Béatrice Rauchs a fait ses études musicales aux Conservatoires de
Luxembourg et de Metz, au Conservatoire National Supérieur de Paris et à
l’Académie de Musique de Bâle. Lauréate de concours internationaux, elle
a donné des concerts dans la plupart des pays d’Europe, aux États-Unis et
au Japon, invitée par de prestigieux festivals comme Paris (Festival
Chopin), Nauplion, Weilbourg, Wiltz et Echternach, ainsi qu’en soliste avec
l’Orchestre Symphonique de Bâle, l’Orchestre de la Beethoven Académie
d’Anvers, l’Orchestre de Chambre du Luxembourg et l’Orchestre
Philharmonique du Luxembourg. Ses enregistrements des oeuvres pour
piano de Fanny Mendelssohn et de Sofia Gubaidulina ont été accueillis
très chaleureusement par la presse internationale.
*
45
Seit der Saison 2010/2011 widmet sich das CAPe dem
österreichischen Komponisten Franz Schubert und seinem Werk für
Klavier. 9 Pianisten des Landes wurden gebeten, ein Werk Schuberts
sowie ein interessantes komplementäres Programm vorzuschlagen.
Die erste Saison des Zyklus fand mit den Konzerten von David Ianni,
Kae Shiraki, Cathy Krier und Charles de Bourcy gemeinsam mit
Rafael Theissen statt, eröffnet wurde der Zyklus vom
Schubertspezialisten Valery Afanassiev. In der Saison 2011/12
können Sie die vier letzten Konzerte der Klavierreihe mit ihren
interessanten und unterschiedlichen Programmen hören.
Der Zyklus wird unterstützt von der Fondation Indépendance.
Béatrice Rauchs hat für ihren Schubertabend die Sonate in a-Moll D 845
Op. 42 ausgewählt, ihre persönliche Lieblingssonate von Schubert.
Außerdem spielt sie je ein Stück von Uljas Pulkkis (Alae) und Ravel
(Miroirs). „Alae“ hat sie beeindruckt, weil es so farbenfrohes, kraftvolles
und lyrisches Stück, die Musik Ravels begleitet sie schon seit ihrer frühen
Jugend. Speziell das Stück „Miroirs“ ruft Erinnerungen wach an ihre
Studienzeit bei Aldo Ciccolini, dessen Leidenschaft für diese Musik sie
übernommen hat.
Béatrice Rauchs studierte an den Konservatorien der Stadt Luxemburg
und Metz, am Conservatoire National Supérieur in Paris und an der
Musikakademie in Basel. Sie gewann zahlreiche internationale Preise und
gab Solokonzerte in ganz Europa, in den USA und in Japan. Sie wurde auf
renommierte Festivals nach Paris (Chopin Festival), Nafplio, Weilburg,
Wiltz und Echternach eingeladen und spielte als Solistin mit namhaften
Orchestern wie dem Symphonieorchester Basel, der Beethoven Akademie
Antwerpen, dem Kammerorchester Luxemburg und dem Philharmonischen
Orchester Luxemburg. Ihre Aufnahmen der Klavierwerke von Fanny
Mendelssohn und Sofia Gubaidulina fanden internationale Beachtung.
46
Dimanche 27 novembre à 17h
Michèle Kerschenmeyer
Schubert, Sonate en la mineur D 537 op. posthume 164
Schubert / Liszt, Ave Maria
Schumann, Sonate en fa dièse mineur op. 11
« J’étais fortement inspirée par l’idée d’un cycle de concerts dédié à Franz
Schubert. Dernier représentant d’un certain classicisme viennois avec pas
moins de 23 sonates pour piano, la musique de Schubert nous transporte
dans un monde où règne un sentiment de romantisme très subtil et intime,
laissant constamment transparaître une douleur intérieure. Sa musique, si
pure et si complexe, m’a amenée à un autre grand compositeur
romantique par excellence : Robert Schumann. Ce musicien, qui a
longtemps hésité entre sa vocation de poète ou de musicien, a choisi
d’exprimer la poésie par les sons. Les compositions de ces grands maîtres
romantiques me permettent de transmettre l’essence de mon monde
intérieur. Reconnaissante pour le don dont la vie m’a fait cadeau et que j’ai
pu déployer grâce au soutien de mon père, j’ai envie, avec ce programme,
de partager ma joie et mon émotion avec mon public. » Michèle
Kerschenmeyer
Michèle Kerschenmeyer débute l’étude du piano à l’âge de 7 ans. Elle
obtient à 13 ans un 1er Prix au Conservatoire de Luxembourg, puis en
1992, un 1er Prix au Conservatoire National Supérieur de Musique de
Paris. Un cycle de perfectionnement auprès de Pavel Gililov à la
Hochschule für Musik Köln et différents stages avec de grands maîtres lui
ont permis d’affiner son jeu pianistique. Ses enregistrements et ses
nombreuses prestations en concert, en soliste, en formation de chambre
ou avec orchestre (notamment avec les Solistes Européens, l’OPL ou
l’Orchestre National de Belgique), témoignent d’une grande sensibilité et
d’une musicalité peu communes. Michèle Kerschenmeyer enseigne au
Conservatoire de Musique de la Ville de Luxembourg.
*
Michèle Kerschenmeyer spielt im Rahmen der Reihe „Schubert und das
Klavier“ die Sonate in a-Moll D 537 Op. 164 posthum, des weiteren Franz
Liszts Interpretation von Schuberts „Ave Maria“ und Robert Schumanns
Sonate in fis-Moll op.11.
Michèle Kerschenmeyer begann mit 7 Jahren mit dem Klavierspiel und
erhielt mit 13 den 1. Preis am Konservatorium von Luxemburg, 1992 den 1.
Preis am Conservatoire National Superieur de Musique in Paris in der
Klasse von Jacques Rouvier und Pascal Devoyon. Sie nahm Unterricht
47
bei Pavel Gililov an der Hochschule für Musik Köln, ebenso bei Rudolf
Kehrer, Daniel Blumenthal, Jean-Claude Vanden Eynden und Brigitte
Engerer. Michèle Kerschenmeyer beweist ihre Vielfältigkeit bei
Konzertauftritten als Solistin, mit Kammerorchestern und großen
Orchestern (beispielsweise Les Solistes Européens, das OPL oder das
Orchestre National de Belgique). Michele Kerschenmeyer unterrichtet am
Conservatoire de Musique in Luxemburg.
48
Dimanche 5 février à 17h
Jean Muller
Prokofjew, Sarcasmes Op. 17
Schubert, Sonate D-Dur D 850 Op. 53
Prokofjew, Sonate Nr. 6 A-Dur Op. 82
„Auf den ersten Blick scheinen Prokofjew und Schubert wenige
Gemeinsamkeiten zu haben. Auf der einen Seite der sensible, lyrische
Wiener und auf der anderen der russische Meister, der primitive Motorik
stets dem romantischem Gefühl vorzog. Er meinte sogar, Chopin sei am
besten ganz aus den Konzertsälen zu verbannen. Lässt man sich von
diesen Klischees nicht verwirren, fällt auf, dass Schubert des Öfteren sehr
perkussive Elemente in seiner Musik verwendet, wie zum Beispiel die
Anfangsfanfaren der D-Dur-Sonate oder der Wanderer-Fantasie, und
Prokofjew sich vor allem in seinen langsamen Sätzen als begnadeter
Melodiker präsentiert, Merkmale also, die eigentlich dem jeweils anderen
zugeschrieben werden. Es sind die liebenswürdige Innigkeit Schuberts
sowie der sarkastische Humor Prokofjews, die beide Komponisten nicht
nur voneinander abheben, sondern durch die sie in der gesamten
Musikgeschichte hervorstechen.“ Jean Muller
Jean Muller, 1979 in Luxemburg geboren, erhielt bereits im Alter von 6
Jahren Klavierunterricht am Konservatorium der Stadt Luxemburg. 1995
wird dem 15-Jährigen wegen ausgezeichneter Studienergebnisse ein
Auslandssemester an der staatlichen Musikakademie Riga bei Professor
Teofils Bikis gewährt. Danach folgen Studien in Brüssel, Paris und
München. Jean Muller erhielt zahlreiche Auszeichnungen, trat bereits in
großen Konzerthäusern auf und gastiert häufig bei internationalen
Festivals. Zahlreiche CD-Veröffentlichungen, darunter „Beethoven –
Sämtliche Klaviersonaten“; die Aufnahmen entstanden während seiner
Konzertreihe im CAPe. Er unterrichtet am Konservatorium in Luxemburg.
*
Pour le concert du cycle « Schubert et le piano » Jean Muller a choisi la
sonate en ré majeur, D 850 op. 53 de Schubert et deux sonates de
Prokofiev (Sarcasmes Op. 17, Sonate n ° 6 en la majeur, op. 82). A
première vue deux compositeurs très différents, mais le romantique
viennois prend aussi les elements rythmiques et le maître russe se
présente de temps en temps aussi comme un melodiste.
Jean Muller est né en 1979 et a commencé son apprentissage du piano à
l’âge de 6 ans au Conservatoire de Luxembourg. En 1995, grâce à ses
excellents résultats, il obtient un semestre d’études à l’Académie de
électronique, > contactez le 26 81 21-306 ou elvira.mitthei[email protected]
49
Musique de Riga auprès du professeur Teofils Bikis. Il poursuivra son
cursus à Bruxelles, Paris et Munich. Jean Muller a reçu de nombreux prix,
et s’est produit dans les salles de concert les plus prestigieuses et dans
des festivals internationaux. Il a également publié différents
enregistrements, dont une intégrale des Sonates pour piano de
Beethoven, réalisée à l’occasion d’un cycle de concerts au CAPe
Ettelbruck. Il est professeur au Conservatoire de Musique de Luxembourg.
50
Tarif B / Abo Schubert - Saison 2
Dimanche 4 mars à 17h
Annie Kraus
Poulenc, Trois Novelettes
Poulenc, Cinq Impromptus
Poulenc, Deux Intermezzi
Poulenc, Caprice en ut majeur d’après le final du « Bal masqué »
Schubert, Sonate en si bémol majeur D 960
« Francis Poulenc (1899-1963) est très marqué par l’esthétique de l’entredeux guerres. Sa musique reste simple et claire. Par ses nombreuses
mélodies, charmantes et gracieuses, parfois lyriques et émouvantes, il est
un peu l’équivalent de Schubert pour la France du 20e siècle. C’est une
des raisons qui m’ont poussée à m’intéresser à ses Impromptus, une des
formes de prédilection de Schubert. La sonate en si bémol majeur est
souvent considérée comme les derniers mots de Schubert. Contrairement
à la première partie du récital, constituée de pièces très brèves, il s’agit
d’une oeuvre monumentale. Tout comme Poulenc qui se trouve à la
croisée de divers courants musicaux, Schubert représente un certain
classicisme teinté d’une sensibilité romantique, dans le sens où
«l’émergence de l’imaginaire, mis en lumière par des modulations d’une
ineffable douceur, sommets de chant mélodique et de timbre, détermine
une mouvance où toute rigueur de conséquence logique se dissout pour
donner lieu à un procédé vagabond et extatique, semblant tendre à l’infini
(qui fut appelé la « divine longueur » de Schubert). Cette attitude spirituelle
sera typique du romantisme » (Encyclopédie de la musique). » Annie
Kraus
Née en 1976, Annie Kraus a reçu sa formation musicale au Conservatoire
de Luxembourg (Prix Supérieur de piano en 1994) ainsi qu’à la Hochschule
für Musik Köln avec Pavel Gililov (Künstlerische Reifeprüfung en 2003). En
tant que chambriste, elle a étudié avec le Quatuor Alban Berg et suivit des
master-classes avec le Quatuor Amadeus et le compositeur Györgi Kurtag.
Depuis 2009, Annie Kraus enseigne au Conservatoire de Musique d’Eschsur-Alzette.
*
Annie Kraus hat für ihren Konzertabend im Rahmen der Reihe „Schubert
und das Klavier“ Schuberts Sonate in B-Dur D 960 gewählt und mehrere
kurze Stücke von Francis Poulenc, der mit seiner klaren, einfachen Musik
für sie das Äquivalent von Schubert für Frankreich im 20. Jahrhundert
darstellt.
51
Annie Kraus, geboren 1976, studierte am Konservatorium von Luxemburg
(Prix Supérieur de piano im Jahr 1994) und an der Hochschule für Musik
Köln bei Pavel Gililov (Künstlerische Reifeprüfung 2003). Als
Kammermusikerin lernte sie beim Alban Berg Quartett und besuchte
Meisterkurse beim Amadeus-Quartett und bei dem Komponisten György
Kurtag. Seit 2009 unterrichtet Annie Kraus am Musikkonservatorium in
Esch-sur-Alzette.
52
variatio delectat
Jazz, Swing, Musique vocale & Chanson
Jazz, Swing, Vokalmusik & Chanson
The Magnets
p. 53
Georges Paczynski Trio
p. 54
Christmas in Swing
p. 57
Ensembles Vocaux du CMNord
p. 58
Fête de la Musique 2012
p. 59
Mit dir, Lili Marleen
p. 60
Svetlana Spajic Group
p. 62
53
Vocal & Beat
Tarif B / Abo Divertissement 2
Vendredi 18 novembre à 20h
Sprache : EN
Under the Covers
The Magnets
Mit Nic, Michael, Fraser, Andy, Steve und James.
Diese talentierten Londoner Jungs treten nicht nur mit Größen wie Robbie
Williams, „Earth, Wind & Fire“ und als „Spice Boys“ mit dem „Spice-Girl“
Geri Halliwell auf. Sie tourten schon als Vorgruppe von Lisa Stansfield und
Tom Jones. Echte Highlights ihrer Karriere waren die Auftritte in der Royal
Albert Hall sowie im Buckingham Palace beim „Queen‘s Jubilee Concert“.
Aber auch auf Kleinkunst- und Theaterbühnen lassen es die sechs
charmanten Entertainer krachen und haben mit ihrer energiegeladenen
Bühnenshow innerhalb kürzester Zeit die Herzen des Publikums
gewonnen. Nun präsentieren sie ihre neue Produktion mit Hits von David
Bowie bis Lady Gaga, von Sting bis Franz Ferdinand und beweisen mit
„Under the Covers“, dass A-cappella-Pop verführen kann!
*
Le style « Voice & Beat » est de retour avec la publication du nouvel album
du groupe « The Magnets ». Ces six charmants garçons londoniens,
appréciés par des célébrités comme Robbie Williams, Lisa Stansfield, Tom
Jones et la Reine Elisabeth elle-même, proposent des shows débordants
d’énergie qui font bouger des salles entières et gagnent le coeur du public
en quelques minutes. Leur nouvel album « Under the Covers » inclut des
tubes de David Bowie à Lady Gaga ou de Sting à Franz Ferdinand, et
prouve bien que la musique pop « a cappella » est un genre non
seulement prometteur mais aussi très séduisant !
54
Jazz
Georges Paczynski Trio
Georges Paczynski, batterie. Armel Dupas, piano. Ronan Courty,
contrebasse.
Né à Grenoble en 1943, Georges Paczynski est un batteur,
percussionniste, compositeur de jazz, pédagogue et… Docteur ès Lettres.
Il s’est produit avec de nombreux artistes de premier plan français et
américains tels que Phil Woods, Art Farmer, Eddy Louiss, Jean-Luc Ponty,
Mal Waldron, Jean-Paul Celea, François Moutin, Éric Watson, Ricardo Del
Fra, Pierre Michelot, Bill Coleman, Hampton Hawes... Adepte du jeu en
trio, sa discographie compte à ce jour cinq albums et un DVD. Georges
Paczynski a également composé 23 pièces pour piano et percussion, ainsi
que « Les Blues », une série de six pièces pour percussion et piano.
Enseignant depuis 1986 au Conservatoire à Rayonnement Régional de
Cergy-Pontoise, et chargé de cours au Conservatoire National Supérieur
de Musique de Lyon depuis 1998, il anime des conférences, stages et
master classes. Il est l’auteur de différentes méthodes pédagogiques, ainsi
que d’une « Histoire de la Batterie Jazz » en trois volumes. Spécialiste
connu et reconnu, il a participé pendant de nombreuses années à
l’émission « Black & Blue » d’Alain Gerber sur France Culture. À l’occasion
de sa venue à Ettelbruck, organisée en coproduction avec le Conservatoire
de Musique du Nord, Georges Paczynski dirigera une master class (de 18
nov. à 20 nov. 2012, concerts de clôture : 20.11 à 15h30).
*
Der 1943 in Grenoble geborene Georges Paczynski ist Schlagzeuger,
Perkussionist, Jazzkomponist, Pädagoge und … Doktor der Literatur. Er
hat bereits mit vielen namhaften französischen und amerikanischen
Künstlern zusammengearbeitet, darunter Phil Woods, Art Farmer, Eddy
Louiss, Jean-Luc Ponty, Mal Waldron, Jean-Paul Celea, François Moutin,
Eric Watson, Ricardo Del Fra, Pierre Michelot, Bill Coleman, Hampton
Hawes ... Zudem hat er fünf Alben und eine DVD veröffentlicht und 23
Stücke für Klavier und Schlagzeug sowie „Les Blues“, eine Serie von sechs
Stücken für Schlagzeug und Klavier, komponiert. Seit 1986 unterrichtet er
am Conservatoire Régional de Cergy-Pontoise und seit 1998 am
Conservatoire National Superieur de Musique in Lyon. Er hat verschiedene
pädagogische Lehrbücher verfasst und war mehrmals in der Sendung
„Black & Blue“ auf France Culture zu Gast. Während seines Besuchs in
Ettelbrück wird Georges Paczynski in Zusammenarbeit mit dem CMNord
eine Meisterklasse leiten (Freitag, 18.11. bis Sonntag, 20.11.
Abschlusskonzerte: 20.11., ab 15h30).
55
---------------------Georges Paczynski
Né à Grenoble en 1943, Batteur, Percussionniste, Compositeur, Auteur,
Pédagogue et Docteur ès Lettres. Fils de parents polonais émigrés en
France, et passionné de jazz depuis toujours, il s'est produit dans les
années 60 avec de nombreux artistes de premier plan, français et
américains, comme Michel de Villers, Henri Texier, Pierre Michelot, Eddy
Louiss, Jean-Luc Ponty, Bill Coleman, Tony Scott, Mal Waldron, Freddy
Redd, Sonny Criss, Phil Woods, Hampton Hawes et Art Farmer. Daniel
Humair lui demandera occasionnellement de le remplacer. En 1968, il sera
le représentant de la France au Festival de Montreux puis au Festival de
Zürich. Tourné ensuite pendant quelques années vers l’étude de la
percussion classique, il aura l’occasion d’échanger des idées musicales
avec le percussionniste de l'Opéra de Paris Guy Joël Cipriani. De retour au
jazz, il fait partie de plusieurs trios avec piano et contrebasse en
compagnie de Michel Graillier, Siegfried Kessler, Jacques Vidal, JeanChristophe Levinson ou encore Jean-François Jenny-Clark. En 2002, dans
l’album « Alain Gerber, le jazz est un roman » (OWL, UNIVERSAL), Alain
Gerber demandera à des musiciens d’illustrer musicalement ses textes.
Pour chaque plage de l’album on trouvera, outre Georges Paczynski,
d’autres musiciens prestigieux tels Michel Portal, Jean- Paul Celea, JeanLouis Chautemps, Paolo Fresu, Riccardo Del Fra, Daniel Humair, Lee
Konitz, Dave Liebman, Martial Solal, Eric Watson ou encore Kenny
Werner. Fonde en mars 1984 le trio Paczynski / Levinson / Jenny-Clark,
avec lequel il enregistrera deux albums ("Eight Years Old" J.P.B
Production, Big Blue Record, Harmonia Mundi, 1991 et "Levin'song" J.P.B
Production, Média 7, 1994). La revue « Batteur Magazine » l’invite sur sa
couverture en 1990 (N° 26 avril mai). Dans les années 90, plusieurs trios
verront le jour, et Georges Paczynski aura ainsi pour partenaires Edouard
Ferlet et Yves Torchinsky, Philippe Macé et Riccardo Del Fra, Eric Watson
et Jean-Paul Celea, et Richard Raux et François Moutin. D’autres
parutions témoignent de sa passion pour l’histoire et pour la batterie de
jazz :
- Collaboration au "Dictionnaire du jazz" (Paris, Ed. Laffont, 1988), réédité
régulièrement, la prochaine réédition étant prévue en 2010.
- "Une Histoire de la Batterie de Jazz" Volume 1 - Des origines aux années
Swing (Paris, Ed. Outre Mesure, 1997). Préface d’Alain Gerber et Prix
Charles Delaunay « Meilleur livre de jazz 1997 »
- "Une Histoire de la Batterie de Jazz" Volume 2 – Les années Be-bop
(Paris, Ed. Outre Mesure, 2000). Préface de Riccardo Del Fra et Prix
Charles Delaunay « Meilleur livre de jazz 2000 »
- "Une Histoire de la Batterie de Jazz" Volume 3 – Elvin Jones, Tony
Williams, Jack DeJohnette : Les racines de la modernité (Paris, Ed. Outre
Mesure, 2005). Préface de Georges Pludermacher.
En 2007, le trio qu’il compose avec Renaud Palisseaux et Laurent Fradelizi
donnera le jour à un nouvel album intitulé « Générations » (Arts et
Spectacles) à l’issue d’une série de concerts entre 2006 et 2007. Il se
produit actuellement avec son nouveau trio, en compagnie du pianiste
56
Armel Dupas et du contrebassiste Joachim Govin et leur nouvel album «
Présences » qui est sorti fin 2009. Actuellement, Georges Paczynski
travaille à la création de son prochain album qui devrait sortir dans le
courant de l’année 2011.
Armel Dupas
Armel Dupas est né en 1984 dans une famille où le jazz est la culture de
prédilection. C’est grâce aux rencontres de musiciens phares du monde
jazzistique nantais qu’il décide à 18 ans de devenir musicien, après avoir
obtenu son diplôme au Conservatoire de Nantes. Etabli depuis 2005 à
Paris, suite à l’entrée au CNSM, il poursuit son chemin parmi les
personnes qu’il admire. Il a ainsi collaboré avec de nombreux musiciens
européens tels Emmanuel Bex, Riccardo Del Fra, Pierre de Bethmann, le
trio Aka Moon, Daniel Yvinec, Jean-Louis Chautemps, Benjamin Henocq,
Glenn Ferris, Dré Pallemaerts, Christophe Wallemme, David Linx, et ce
dans des lieux mythiques où résonne le jazz : Lincoln Center de New York,
Montreux Jazz Festival, La Cigale à Paris, le Café de la Danse…
Aujourd’hui membre actif de la scène parisienne, il se produit en duo aux
côtés de Chloé Cailleton (chant) dans Ease of Sunrise, en quartet dans le
Valéry Haumont (chant) / Armel Dupas quartet (quartet avec Jean-Philippe
Viret et Tony Rabeson), ainsi qu’en tant que « sideman » dans différents
projets tels Ode Paname, le son jazz de la poésie française, Ruby Kash &
the Rockets à tendance plus jazz pop. Passionné par le chant sans pour
autant être lui-même chanteur, il apprécie tout particulièrement le tandem
piano/voix et s’intéresse, autour de celui-ci, à l’écriture pour orchestre
allant du trio au symphonique. Ceci l’a conduit à travailler pour le cinéma,
en 2006 en co-signant la musique du film Dans Paris de Christophe
Honoré et plus récemment en 2008 en prêtant ses improvisations pour le
dernier Arnaud Desplechin : Un comte de Noël.
Joachim Govin
Né le 27 avril 1984, dans une famille de musiciens. Il s’imprègne alors très
tôt de toutes sortes de musiques et débute à la basse électrique vers 1213 ans. A l’âge de 16 ans, Joachim découvre John Coltrane et se
passionne pour le jazz. Il choisit alors la contrebasse. Joachim étudie avec
Alphonse Masselier, Olivier Sens, Hubert Dupont, Diego Imbert… A 19 ans
il intègre la classe de Christian Gentet (fondateur de l’Orchestre de
Contrebasses) au Conservatoire du 14ème arrondissement à Paris.
Parallèlement, il étudie durant 3 ans à l’American School of Modern Music.
En 2007, Joachim intègre le département Jazz et Musiques Improvisées
du CNSM de Paris où il étudie avec Riccardo Del Fra, François Théberge,
Dré Pallemaerts … Joachim Govin a eu l’occasion de jouer dans divers
contextes avec Laurent Cugny, Frédéric Favarel, Pierre-Olivier Govin,
Xavier Cobo, le Paris Jazz Big Band (André Ceccarelli, Pierre de
Bethmann, Nicolas Folmer, Stéphane Guillaume, Sylvain Beuf, Denis
Leloup...), Alexandre Saada, Anne Pacéo, Romain Pilon, Cédric Piromalli,
Manuel Rocheman ...
57
Swing
Tarif A / Abo Divertissement 2
Vendredi 16 décembre à 20h
Sprache : DE
Christmas in Swing
Andrej Hermlin & Swing Dance Orchestra
Andrej Hermlin, Leitung. Skylarks, Vokalquartett.
Bettina Labeau / Viola Manigk und David Rose, Solisten.
Und die 14 Musiker des Swing Dance Orchestra.
Amerikanische Weihnachten mit dem Swing Dance Orchestra: Vor einer
stimmungsvollen Kulisse ertönen die beliebtesten Weihnachtslieder, zu
den absoluten Höhepunkten des Konzertes gehört u.a. „Jingle Bells“ in
einem spektakulären Originalarrangement der Glenn Miller Band.
„Christmas in Swing“ ist eine wunderschöne romantische Weihnachtsrevue
mit
berühmten
amerikanischen
Weihnachtsmelodien,
die
in
Originalarrangements der 30er, 40er und 50er Jahre erklingen. Das „Swing
Dance Orchestra“ unter der Leitung von Andrej Hermlin, das
Gesangsquartett „Skylarks“ und die Solisten Bettina Labeau oder Viola
Manigk und David Rose laden zu dieser Zeitreise, bei der neben
besinnlichen Momenten der Swing nicht zu kurz kommt! Der wird – auch
optisch – ganz authentisch dargeboten, mit maßgeschneiderter Garderobe,
alten Mikrofonen und Originalinstrumenten. Nicht zuletzt gibt es auch so
manche musikalische Rarität, wie zum Beispiel einen Spiritual aus dem
Jahre 1943. Freuen Sie sich auf Melodien wie „Winter Wonderland“, „Let It
Snow“, „Have Yourself A Merry Little Christmas“, „Santa Claus Is Coming
To Town“ und natürlich „White Christmas“…
*
Le Swing Dance Orchestra dirigé par Andrej Hermlin, complété par le
quatuor vocal « Skylarks » et deux solistes de talent vous invitent à une
grande revue de Noël ! Au son des mélodies populaires américaines les
plus fameuses des années 1930, 40 et 50, le public sera entraîné dans un
véritable voyage dans le temps, où les moments romantiques alterneront
avec le swing le plus effervescent ! L’ambiance « revival » sera soulignée
par la garde-robe authentique, les micros d’époque et les instruments
originaux. Retrouvez le plaisir des plus grands succès comme « Winter
Wonderland », « Let it Snow », « Have yourself a little Christmas », «Santa
Claus is coming To Town » et le célèbre « White Christmas ». Sans oublier
« Jingle Bells », dans un arrangement original du Glenn Miller Band!
58
Musique vocale
Dimanche 18 décembre à 17h
Dezember … wartet unter dem
Stern!
Ensembles Vocaux du CMNord
Eine Kantate nach Worten von Dietrich Bonhoeffer, für Jugendchor,
Frauenchor, gemischter Chor und Instrumental-ensemble von Martin Folz.
Martin Folz, Leitung.
Der evangelische Geistliche Dietrich Bonhoeffer, der von den Nazis
verfolgt und im Konzentrationslager Flossenbürg inhaftiert war, schrieb
ausgerechnet im letzten Monat seines Lebens – im Dezember –
ungeheuer kraftvolle und positive Worte nieder. Worte an seine junge
Ehefrau, Worte im Advent, Worte zur Weihnacht. Gedanken, die stark
machen und von seinem unerschütterlichen Glauben erzählen. Diese
Worte fasste der Komponist Martin Folz in eine stimmungsvolle und
stilistisch vielfältige Kantate. Ganz bewusst gewählt ist die Chorbesetzung
von Jung bis Alt, von gleichstimmig bis zum gemischten Chor, von
Sprechgesang bis zum modernen geistlichen Lied. Begleitet werden die
Chorensembles von einem Instrumentalensemble des CMNord.
*
Le pasteur protestant Dietrich Bonhoeffer, qui fut persécuté par les nazis et
emprisonné dans le camp de concentration de Flossenbürg, a écrit dans le
dernier mois de sa vie – décembre – des mots immensément puissants et
positifs. Des lettres à sa jeune femme, des mots de l’Avent, des mots de
Noël qui parlent de sa foi inébranlable. Le compositeur Martin Folz inclut
ces textes dans une cantate de sa plume, impressionnante par son
envergure et stylistiquement très diversifiée : il y passe délibérément des
choeurs de jeunes aux choeurs d’adultes, de voix égales au choeur mixte,
de chant parlé à une mélodie spirituelle moderne. Les choeurs seront
accompagnés par un ensemble instrumental du CMNord.
59
Musique
Gratuit
Dimanche 17 juin
En plein-air à Ettelbruck
(lieu exact et horaires précisés ultérieurement)
Fête de la Musique 2012
Fest der Musik 2012
Programmation en cours / Programmgestaltung in Arbeit
Pour cette nouvelle édition de la Fête de la Musique, le CAPe est heureux
de s’associer au Syndicat d’Initiative et du Tourisme d’Ettelbruck, pour
proposer à tous les publics une manifestation diversifiée, populaire et
festive. Programme détaillé, horaires et infos pratiques seront
communiqués ultérieurement (www.cape.lu). Créée en 1982 en France,
puis rapidement exportée, la Fête de la Musique est aujourd’hui reprise
dans plus de cent pays sur les cinq continents. S’appuyant sur la
mobilisation des réseaux institutionnels autant que sur des initiatives
privées largement spontanées, la Fête de la Musique se veut aussi un
vecteur de promotion des pratiques amateurs. Fête populaire par
excellence, la manifestation s’attache à porter une attention égale à tous
les genres musicaux.
*
Für die diesjährige Fête de la Musique organisiert das CAPe gemeinsam
mit dem Fremdenverkehrsund Tourismusverband Ettelbrück ein
stimmungsvolles Fest mit einem vielfältigen Programm für Groß und Klein.
Details und praktische Informationen werden rechtzeitig bekanntgegeben
(www.cape.lu). Das Fest der Musik, das zum ersten Mal 1982 in
Frankreich stattfand, erfreut sich inzwischen großer Beliebtheit und wird
alljährlich in über 100 Ländern auf allen 5 Kontinenten gefeiert. Das Fest
mobilisiert nicht nur Kulturinstitutionen, sondern auch viele spontane
Privatinitiativen, vertreten sind alle Musikrichtungen, von der Amateurband
bis zur professionellen Gruppe.
60
Chanson
Mercredi 20 juin à 20h
Sprache: DE
Mit dir, Lili Marleen
Das Leben der Lale Andersen
Reinhardt Friese, Regie. Daniel Kabulski, Akkordeon.
Mit Stefanie Schmid.
„Vor der Kaserne, vor dem großen Tor“, wer kennt den Anfang dieses
Soldatenliedes nicht? Der sentimentale Text von „Lili Marleen“ über
Abschied und Heimweh traf die innere Stimmung von Millionen Soldaten
an allen Fronten während des Zweiten Weltkriegs. Vergöttert, verfolgt,
vergessen: Das abenteuerliche Leben der Schauspielerin und Sängerin
Lale Andersen zwischen Weltruhm und Einsamkeit, Erfolg und
Schicksalsschlägen. Auf der rastlosen Suche nach Glück und
Anerkennung verlässt die junge Liselotte aus einer norddeutschen Provinz
Mann und Kinder und geht nach Berlin. Sie nennt sich fortan Lale
Andersen und hat erste Erfolge als Schauspielerin. Das Schicksal ist ihr
weiterhin hold, ihr Lied „Lili Marleen“ wird zum berühmtesten Song des 20.
Jahrhunderts, der über den Soldatensender weltweit verbreitet und vom
NS-Regime verboten wird… Die Theater- und Filmschauspielerin Stefanie
Schmid schlüpft in die Rolle der Lale Andersen und entführt uns auf Partys
der Goldenen 20er Jahre, geht mit uns auf Fronttournee und singt –
natürlich – die großen Hits von Lale Andersen, aber auch unbekannte und
in Vergessenheit geratene Titel. Stefanie Schmid zeichnet in ihrer
musikalischen Biografie die Stationen eines außergewöhnlichen Lebens
nach und entfaltet gleichzeitig ein Stück faszinierender Zeitgeschichte.
*
Stéfanie Schmid se transforme en la célèbre Lale Andersen, l’interprète
originelle de « Lili Marleen », la plus célèbre chanson de la Seconde
Guerre Mondiale : cette chanson évoquant l’amour et les périls de la
jeunesse en temps de guerre connût rapidement un vif succès auprès des
civils et de millions de soldats, y compris Alliés, éloignés de leurs familles
sur les différents fronts. Elle fût traduite dans plus d’une dizaine de langues
et reprise par de nombreux interprètes. Lale Anderson est le nom que se
donne la jeune Liselotte qui quitte époux et enfants dans son village du
nord de l’Allemagne pour chercher fortune à Berlin. Elle connaît
l’effervescence des années folles, mais aussi bientôt la montée du
nazisme en Allemagne…
-------------------------Pour toutes informations complémentaires, ou pour recevoir le matériel de presse sous forme
61
Presse:
Solostück "mit Dir, Lili Marleen" sorgt im Helms-Saal für
Begeisterung
Von Jan-Barra Hentschel
Harburg.Das Lied hat sie verfolgt - ein Leben lang: „Lili Marleen“. Die Rede
ist von Lale Andersen, deren Leben im Mittelpunkt eines Theaterabends im
rappelvollen Saal des Helms-Museums stand. Auf Einladung der
Musikgemeinde Harburg waren die Hamburger Kammerspiele mit ihrem
Stück „Mit Dir, Lili Marleen“ über die Elbe gekommen - ein Solo für Stefanie
Schmid, am Akkordeon perfekt begleitet von Daniel Kabulski. Der nur
scheinbar beschwingte Abend machte nachdenklich - Freud und Leid
lagen bei Lale Andersen so dicht beieinander. Und diese extremen
Gemütszustände brachte Stefanie Schmid wunderbar einfühlsam über die
Rampe. Mit unglaublicher Energie sang und spielte sie sich durch die zwei
Stunden und brachte dabei das Schicksal einer Frau, die so gerne
Schauspielerin werden wollte und dabei an einem Lied hängen blieb,
wieder zum Leben - ein Leben zwischen früher Ehe, Mutter von drei
Kindern, Liebesglück in der Schweiz und zweifelhaftem Naziruhm. Eine
Bühne voller Koffer, die jeder eine Stadt und eine Wohnung symbolisieren.
Als Liese-Lotte Helene Berta Bunnenberg in Bremerhaven geboren,
heiratet die norddeutsche Deern mit 17 Jahren den Maler Paul Ernst Wilke.
Doch schon bald bricht sie aus der sie erdrückenden Enge aus - sie will
berühmt werden -, verlässt Mann und Kinder und geht nach Berlin. Sie
haust in einem „Loch“ von fünf Quadratmetern, versagt beim Vorsprechen,
darf aber mit ihren so geliebten Matrosenliedern im Kabarett auftreten. Sie
geht auf Tournee und trifft in der Schweiz ihre große Liebe, den
Komponisten Rolf Liebermann. Immer wieder erinnert sie sich zärtlich:
„mein lieber Mann“. Eine frühe Vertonung des Hans-Leip-Gedichts „Lili
Marleen“ singt Lale Andersen - den Namen hatte Lotte Lenya ihr
vorgeschlagen - bereits öffentlich, als Norbert Schulze ihr sagt: „Das kann
ich besser.“ Die neue Version nimmt Lale 1939 auf, doch die Schallplatte
verkauft sich schlecht - bis zum denkwürdigen Tag, als der Soldatensender
Belgrad die Platte auflegt - und das Lied international berühmt macht. Dass
auch die feindlichen Soldaten „Lili Merleen“ mit Tränen in den Augen
singen, erzürnt die Nazis. Als Lale sich dann auch noch weigerte, das
Warschauer Ghetto zu besuchen, erhält sie Hausarrest. Mit brüchiger
Stimme sang Stefanie Schmid am Ende des Abends noch einmal „Lili
Marleen“ - und mit jeder Zeile wurde ihre Stimme sicherer und schöner. Ein
bewegender Moment!
62
Musique du monde/
Samedi 30 juin à 20h
Svetlana Spajic Group
Svetlana Spajic, Minja Nikolic, Zorana Bantic und Dragana Tomic,
Gesang.
Ein stimmungsvoller Folkloreabend mit temperamentvollen serbischen
Sängerinnen in historischer Tracht: Das A-cappella-Quartett tourt mit
pulsierender, gefühlvoller Balkanmusik. Die „Svetlana Spajic Group“ ist
eine A-cappella-Gruppe aus Serbien, die von Svetlana Spajic, die bereits
auf eine bald 20-jährige Musikkarriere zurückblicken kann, gemeinsam mit
drei Sängerinnen aus Belgrad, Minja Nikolic, Zorana Bantic und Dragana
Tomic, gegründet wurde. Ihr Repertoire reicht von alten serbischen und
bosnischen Volksliedern, die eine ganz spezielle Stimmtechnik erfordern,
bis hin zu sanften Balladen aus Ostserbien. Die Musik der Svetlana Spajic
Group ist eine kraftvolle Wiederentdeckung von alten Ausdrucksweisen,
unerwarteten Harmonien und vergessenen Sprachen. Die großartigen
Sängerinnen mit hypnotisierender Ausstrahlung eröffnen dem Publikum mit
ihrem Programm einen Einblick in eine faszinierende Kultur. Kein Wunder
also, dass die Gruppe im Jahr 2010, kaum ein Jahr nach ihrer Gründung,
bereits Konzerte in ganz Europa, u.a. im Concertgebouw in Amsterdam,
gab.
*
Le groupe de Svetlana Spajic est un quatuor a-cappella serbe, composé
de quatre chanteuses originaires de Belgrade. Le répertoire de ces
femmes en costumes traditionnels va des chansons serbes et bosniaques
les plus anciennes, nécessitant d’une technique vocale de haut niveau et
très spécifique, aux douces ballades de la Serbie orientale. En nous
proposant cette découverte passionnée et passionnante d’une forme
d’expression très ancienne, d’harmonies inattendues et de langues
oubliées ou méconnues, ces quatre chanteuses très charismatiques nous
présentent la fascinante culture des Balkans. Une année seulement après
sa formation, le quatuor donne déjà des concerts dans toute l’Europe, et
s’est notamment produit au Concertgebouw d’Amsterdam.
----------------------Aktuelles:
• Die Svetlana Spajic Group wurde von der internationalen WOMEXJury ausgewählt und gibt am 30.10. ein Konzert auf der Bühne des
FORUM.
63
•
Svetlana Spajic und die Svetlana Spajic Group wurden für "The Life
and Death of Marina Abramovic", das neue Stück unter der Leitung
von Robert Wilson, engagiert.
Svetlana Spajic
Since 1993, Svetlana Spajic has been performing and teaching the
traditional Serbian and Balkan songs, visiting and living in the villages and
learning the oral tradition and culture among village singers. Her main field
of interest is ancient, orally transmitted vocal traditions of Serbian and
Balkan non-tempered a capella singing and its unique vocal techniques
and ornamentation, language, function, and meaning. She learned from
the best village local singers and sang with some of the best traditional
singers of the world such as Hronis Aidonidis, Domna Samiou, Yanka
Rupkina, Bokan Stankovic. In the meantime she collaborated with artist
Marina Abramovic, Boris Kovac, Stella Chiweshe, Balkan Beat Box, Boban
Markovic. Svetlana Spajic performed in Concertgebouw-Amsterdam,
MoMA - New York, Grotowski Institute - Wroclaw, Warsaw Radio, WOMAD
- Radio BBC3 stage, upcoming WOMEX 2010.
In the age of 24 Svetlana Spajic was chosen among five best voices of the
Balkans and became a member of the First Inter-Balkan Traditional
Orchestra founded in Thessaloniki in 1995 by Nikos Valkanos. The
Orchestra was composed from the best Balkan traditional artists. As its
youngest member Svetlana performed together with greatest names of
traditional music such as Yanka Rupkina from Bulgaria, Ihsan Ozgen and
singer Gynul Akyz from Turkey or Ksanthipi Karathanassi and Christos
Zotos from Greece.
In 1999 Svetlana started the duet Drina with singer Minja Nikolic and they
released the cult album Živa voda (The Living Water) in 2000. The duet is
known for its challenging repertoire of archaic singing in second intervals of
huge energy and sonority and minimalistic aesthetics. The duet performed
mostly in rock and jazz clubs and venues and abroad.
Dedication to the Setting Sun is Svetlana’s solo a capella performance
whose premiere was at Ring Ring Belgrade Festival in 2006. It presents
her individual effort to save from forgetfulness the world that vanishes
literally in front of her eyes and pay tribute to some of those great spirits
who made her singing. It includes photos and short video extracts mostly
from her private archive. Her new solo performance is named By the
Rivers of Danube and was premiered at Danube Music Festival 2010.
International release of Žegar Živi (produced by Andrew Cronshaw,
Cloudvalley, 2008), the album of traditional songs which Svetlana Spajic
recorded with the last authentic singers of Serbian minority in Dalmatia
(Croatia) was chosen among fifteen best world albums in 2008 by
European Music Charts international jury. The album is being praised as
the most significant project in the area of preservation of musical heritage
in the territories of former Yugoslavia in the last decade and has met with
high critical acclaim in many British and European media.
Her new project, Svetlana Spajic Group, Serbian polyphony, includes three
young singers from Belgrade (Minja Nikolic, Zorana Bantic and Dragana
Tomic), with broad repertoire of the oldest Serbian songs with genuine
64
vocal techniques, idioms and ornaments such as "cutting" singing from
Bosnia, mountain shaking songs, “groktalica”, “ganga” or tender ancient
ballads from Eastern Serbia. In May 2010, the group was given standing
ovations in the world’s famous concert hall CONCERTGEBOUW in
Amsterdam after 90 min a cappela concert of Serbian traditional songs.
The group was selected by WOMEX jury to perform at WOMEX 10 in
Kopenhagen.
Svetlana Spajic performs and gives lectures in the country and abroad,
teaches young groups and helps several old village singing groups but
what is unique for Svetlana’s work is that she is perhaps the only singer of
younger generation who was taught to speak the Serbian oral language
and its numerous idioms and dialects, being recognized and accepted
among the authentic village singers of oldest generation who spoke all their
lives only orally and had the knowledge of where, when and how to
respond. Not one song does she sing nowadays without permission of
them. She is also obliged to re-create and make her own songs and know
how, when and where something is sung and why. “I was never given a
comment by my teachers like: ‘You sing nicely…’ Such thing doesn’t exist
in the ancient epic world. Either you testify the truth or not.”
Collaborations: Svetlana Spajic works and performs with famous
composer, instrumentalist and multimedia artist Boris Kovac. In 2005
Svetlana met Marina Abramovic and participated in her work Balkan
Erotic Epic. In June 2010 she was invited by Abramovic and performed in
MoMA in New York at the Closing party in honor of Marina Abramovic’s life
retrospective and performance “The Artist is Present” in MoMA. In 2004
Svetlana performed at Belgrade Summer Festival in a duet with one of the
biggest world music stars, Zimbabwean mbira player Stella Chiweshe. She
also performs and collaborates with some of the best traditional artists in
Serbia. She performed and worked with Serbian multi-instrumentalist
Darko Macura who was her first teacher on the traditional form. With Bokan
Stankovic, the best Serbian multi-instrumentalist, singer and bagpipe
player she has been singing since 1993 and they mastered in singing
ancient ballads “na bas “(over bass) from Eastern Serbia. Since 2003 she
performs with Belgrade group Belo Platno which cherishes the traditional
music of Kosovo and Metohija, south of Serbia and north Macedonia.
Svetlana Spajic has also adopted Bulgarian, Macedonian and Greek
traditional singing. As a crown of its mastering in the Greek singing in 2004
she gave the concert of the Greek traditional songs with the leading Greek
traditional artist Yorgos Simeonidis and Periklis Papapetropoulos in the
honor of the living legendary singer Domna Samiou, one of the best ever
Greek traditional singers. In 2008 she gave two concerts with Andrew
Cronshaw, Tigran Aleksanian and Ian Blake at WOMAD (UK), and their
concert on BBC stage, was broadcast live at Radio BBC3. With Cronshaw
and Aleksanian she also performed at Warsaw Radio Festival (2008) and
EthnoPort festival in Poznan (2010).
www.svetlanaspajic.com
65
variatio delectat
Théâtre musical / Musiktheater
The Tiger Lillies
p. 66
Eugène Onéguine
p. 67
Die lustigen Nibelungen
p. 70
Das Feuerwerk
p. 72
66
Variétés
Samedi 14 janvier à 20h
Sprache / Langue: EN
Freakshow
The Tiger Lillies
Sebastiano Toma, Regie und Set-Design. Sophia Spyratou,
Choreografie. Clare Bracewell, Kostüm.
The Tiger Lillies: Martyn Jacques, Lyrics, Akkordeon und Gesang.
Adrian Huge, Perkussion. Adrian Stout, Kontrabass und Gesang.
„Was diesen Tiger-Musikfreaks an diesem Abend gelingt, ist, uns blendend
zu unterhalten und gleichzeitig zur Erkenntnis zu bringen, dass Freak-Sein
etwas ganz Normales ist.“ Münchner Merkur
Die Freakshow ist ein Musik-Varieté mit eigens vom Kopf des britischen
Trios The Tiger Lillies, Martyn Jacques, dafür geschriebenen Stücken. Vor
schaurig-schöner Jahrmarktkulisse und untermalt mit der herrlichen Musik
der Tiger Lillies werden „Kuriositäten“-Einlagen wie die Frau mit drei
Herzen, Kleinwüchsige, der Riese mit sechs Armen, die Schlangenfrau
oder Trapezengel präsentiert. Die dunklen, melancholischen, aber doch
auch skurrilen wie lebensfrohen Lieder der Tiger Lillies verstehen sich in
einer Tradition der Vaudeville-Varietés vergangener Jahrhunderte, der
Weill’schen Brecht-Interpretationen und des Frühwerks eines Tom Waits.
Es ist naheliegend, dass sich Matt Groening (Vater der Simpsons) und
„Monty Python’s“ Terry Gilliam als große Fans zeigen. Diese Freakshow
versetzt das Publikum in eine andere Welt, dabei ist sie doch so nah am
Alltag!
*
« Freakshow » est un authentique spectacle de variétés à la mode du
temps passé ! Dans une ambiance de foire, le public découvre de
nombreuses « curiosités » : la femme aux trois coeurs, le géant aux six
bras, la femme-serpent, mais aussi des nains et des anges trapézistes...
La musique originale du trio anglais The Tiger Lillies offre des thèmes
tantôt mélancoliques et obscurs, tantôt bouffons et gais, à la fois dignes
des vaudevilles des siècles derniers et des interprétations de Kurt Weil ou
des premières oeuvres de Tom Waits. On comprend mieux pourquoi Matt
Groening, le père des Simpsons, et Terry Gilliamo des Monty Pythons sont
de grands fans de ce spectacle. Car « Freakshow » vous transporte dans
un autre monde… peut-être pas si éloigné du quotidien !
67
Opéra
Tarif A+C / Abo Classique 2
Samedi 21 janvier à 20h
Langue / Sprache: RU (Surtitrages / Übertitel : FR)
Eugène Onéguine
de Piotr Ilitch Tchaïkovski
Livret de Constantin Chilovski, d’après le roman en vers
d’Alexandre Pouchkine
Opéra de Fribourg, Compagnie Opéra Éclaté & Opéra de
Massy
Dominique Trottein, direction musicale. Éric Perez, mise en scène.
Avec Sergei Stilmachenko, Ekaterina Godovanets, Karine Motyka,
Svetislav Stojanovic, Jean-Claude Sarragosse, Hermine Huguenel,
Béatrice Burley, Éric Vignau ainsi que l’Orchestre et le Choeur
de la Compagnie Opéra Éclaté.
Inconséquence humaine, entêtement ou frivolité, l’histoire est celle d’un
héros égoïste qui ne vit que pour regretter son rejet de l’amour d’une jeune
femme... Le génie de Pouchkine et la musique profondément limpide et
touchante de Tchaïkovski font de cet opéra une œuvre d’une indicible
beauté. Le jeune dandy Eugène Onéguine, lassé de sa vie futile, se retire
à la campagne et devient l’ami intime du jeune poète Lenski. Avec celui-ci,
il rencontre Olga et Tatiana... Mais Eugène s’obstine à refuser l’amour de
cette dernière et lors d’une querelle, tue son ami en duel. Trompant sans
succès son ennui en voyageant longuement, il laisse filer les années... De
retour à Moscou, il retrouve Tatiana désormais mariée. Mais reconnaissant
en elle la jeune fille qu’il avait dédaignée, il en tombe follement amoureux
et comprend son erreur, en vain… Le livret de Constantin Chilovski suit de
très près l’original de Pouchkine, en gardant beaucoup de sa poésie, à
laquelle la musique de Tchaïkovski confère une nature profondément
dramatique.
*
Die tragische und tieftraurige Geschichte, die klare und berührende Musik,
Puschkins und Tschaikowskis Genie vereint in einem wunderbaren Werk,
der Oper Eugen Onegin. Das Versepos erzählt vom Leben des Eugen
Onegin, der die Liebe der jungen Tatiana ablehnt, seinen Freund Lenski
tötet, seine Langeweile erfolglos zu überlisten versucht und dann
schlussendlich in Moskau landet. Dort trifft er Tatiana wieder, die
mittlerweile in der feinen Gesellschaft eine hochgeschätzte Dame ist.
Onegin verliebt sich Hals über Kopf in sie, doch diesmal weist sie ihn ab…
68
------------------------Eugène Onéguine, Genèse de l’oeuvre
Le choix du roman en vers de Pouchkine comme sujet d’opéra est suggéré
à Tchaïkovski par la cantatrice Elisaveta Lavrovskaïa, une amie, en mai
1877. L’idée lui paraît d’abord saugrenue, puis en moins d’un jour, il
l’adopte. Après la relecture de l’œuvre, il confie ne pas fermer l’œil de la
nuit tant le sujet l’inspire et, très vite, il imagine et crée un scénario dont il
confie l’adaptation à Kostia Chilovski.
« Tu auras du mal à croire à quel point je suis enthousiasmé par ce sujet. Je suis
tellement heureux de me débarrasser de toutes ces princesses éthiopiennes, de ces
pharaons, de ces empoisonnements, de tout cet emphatisme. Eugène Onéguine est
d’une poésie infinie. Je reste cependant lucide, et je sais qu’il y aura peu d’effets
scéniques et d’actions dans cet opéra. Mais la poésie de l’ensemble, l’aspect humain et la
simplicité du sujet, servis par un texte génial, compensent largement ces défauts. » Lettre
à son frère Modest, 18 mai 1877
Le livret terminé, il se met immédiatement à composer et, d’emblée,
s’attache et s’identifie aux protagonistes de l’histoire. Il commence par la
scène de la lettre de Tatiana à Onéguine, qui l’émeut spécialement car elle
reflète un événement récent de sa vie privée : il vient de décliner les
avances qu’une ancienne élève lui avait adressées dans une lettre
passionnée.
« Etant entièrement plongé dans la composition, je m’identifiai si complètement avec
l’image de Tatiana qu’elle devint pour moi un être vivant. J’aimais Tatiana et le
comportement d’Onéguine soulevait mon indignation. Lorsque je reçus une deuxième
lettre de Mademoiselle Milyukova, j’eus honte de mon comportement envers elle. Dans
mon esprit, le parallèle avec Tatiana était évident, et j’eus l‘impression d’avoir agi bien
plus bassement qu’Onéguine, de sorte que je devins furieux contre moi-même en raison
de mon insensibilité à l’égard de cette jeune fille. Je proposai sur-le-champ de rencontrer
Mademoiselle Milyukova et c’est ainsi que nous fîmes connaissance. »
Sans amour donc et malgré son homosexualité, il accepte d’épouser
Antonina Milyukova, sans lui mentir pourtant. Durant les préparatifs de
mariage confiés à sa future femme (été 1877), il se retire à la campagne
pour composer la majeure partie d’Eugène Onéguine. Son enthousiasme
va grandissant et il se prend d’une affection particulière pour le
personnage de Tatiana.
« (…) Je suis amoureux de l’image de Tatiana, je suis émerveillé par les vers de
Pouchkine, et je les mets en musique parce que j’en éprouve l’attrait. Je suis entièrement
plongé dans la composition de l’opéra. (…)».
Mais la débâcle immédiate de son mariage - Antonina se révèle être en
quelque sorte un escroc - le plongent dans une violente crise dépressive (il
tente même de se suicider) et le mènent à quitter définitivement le domicile
conjugal. Ce n’est qu’en fin d’année, alors qu’il se repose en Europe
occidentale depuis plusieurs mois, qu’il retrouve son inspiration. Il met un
point final à son œuvre le premier février 1878. Afin que la légèreté des
vers de Pouchkine puisse être perceptible pour l’auditeur, Tchaïkovski
exige que l’opéra soit chanté par des élèves du Conservatoire de Moscou
plutôt que par les artistes des Théâtres Impériaux :
« Le ravissant tableau de Pouchkine sera terriblement avili lorsqu’on l’aura transposé sur
scène et livré à la routine, aux traditions absurdes et aux vétérans qui n’hésitent pas à
jouer les jeunes filles de 16 ans et les adolescents imberbes. » Correspondance avec
son mécène Nadia Von Meck, 16 décembre 1877.
69
« (…) Pour rien au monde je ne donnerai Onéguine à la direction de St-Petersbourg, ni à
celle de Moscou. Et s’il se fait qu’on ne peut pas le jouer au Conservatoire, alors qu’on ne
le joue nulle part » Lettre à Karl Albrecht, inspecteur de la musique des Théatres, 3
décembre 1877.
Il obtient gain de cause : plus d’un an après la fin de sa composition le 29
mars 1879, Eugène Onéguine est créé au Petit Théâtre du collège impérial
(le Théâtre Maly), par la troupe des élèves du Conservatoire Impérial de
Moscou.
Du roman à l’opéra
L’adaptation du célèbre roman pose problème : en effet, Tchaïkovski et
Chilovski s’efforcent de garder les vers de Pouchkine tels quels, mais la
longueur du roman est inadaptée à un livret d’opéra et il est évident qu’ils
doivent opérer quelques changements structurels. Or, Eugène Onéguine
est un classique, lu et adoré depuis un demi-siècle en Russie. Tchaïkovski
craint qu’on l’accuse de blasphème :
« Mais je perçois une inquiétude beaucoup plus grave (…). Je veux parler de l’audace
sacrilège avec laquelle j’ai dû parfois, bien malgré moi, traiter les vers de Pouchkine, leur
adjoignant les miens ou ceux de Chilovski. C’est cela que je crains, c’est cela qui me
trouble. »
En effet, alors qu’en début de roman, par exemple, toute une partie est
consacrée à la description de la vie citadine du jeune bourgeois blasé et
désenchanté qu’est Onéguine, dans l’opéra, le premier acte commence
plus tard et tourne autour de la rencontre de Tatiana et Onéguine. Les
auteurs du livret ont parfois composé entièrement les vers de certaines
parties, comme par exemple le long air du prince Gremine. Par contre,
dans certains passages clés, profondément sentimentaux - lorsque Tatiana
écrit sa lettre ou lorsqu’Onéguine et Tatiana doivent renoncer l’un à l’autre
dans le duo final - les vers sont exclusivement de Pouchkine. Malgré les
différentes coupes et variations opérées par le compositeur et le librettiste,
le climat de l’œuvre de Pouchkine est admirablement restitué par la
musique de Tchaïkovski, qui prend grand soin de dépeindre par ses
mélodies la simplicité des sentiments des personnages. L’histoire est triste,
sans artifice, et les personnages voient leurs rêves passionnés détruits par
un destin contre lequel ils ne peuvent rien. Cette dramaturgie correspond à
l’idée-même que se fait Tchaïkovski de la vie : elle n’est qu’une vaine
quête de bonheur que le destin ne tarde jamais à détruire. La
prédestination à la douleur est d’ailleurs le lot de la plupart de ses
personnages d’opéra. On peut entendre, en écoutant les mélodies
passionnées et touchantes des protagonistes, la profonde mélancolie du
compositeur.
« (…)Je me mettrais volontiers à la composition de tout opéra dans lequel, même à défaut
d’effets saisissants et inattendus, des êtres semblables à moi éprouvent des sentiments
que j’ai moi-même éprouvés et que je comprends(…).Lettre à Taneiev, 8 janvier 1878.
« Il est fort possible que vous ayez raison en disant que mon opéra n’est pas scénique.
Mais je vous répondrai que je m’en fiche complètement ! Depuis longtemps que l’on
s’accorde à dire que je suis dépourvu de la veine scénique, si bien que j’en ai pris mon
parti. Si ce n’est pas scénique, eh bien qu’on ne le représente pas et qu’on ne le joue pas.
J’ai écrit cet opéra parce qu’un beau jour j’ai éprouvé le besoin irrésistible de mettre en
musique tout ce qui s’y prêtait dans Eugène Onéguine (…). » Correspondance avec son
élève Tanéiev (8 janvier 1878).
[…]
Laure Perret, Septembre 2010
70
Opérette
Samedi 3 mars à 20h
Langue/Sprache: DE
Die lustigen Nibelungen
Burleske Operette in drei Akten von Rideamus und
Oscar Straus
Kammeroper München
Dominik Wilgenbus, Regie. Oleg Ptashnikov, musikalische Leitung.
Mit Silvia Lilienfeld, Beata Marti, Bernhard Hirtreiter, Wolfgang
Wirsching, Stefan Kastner, Thomas Lichtenecker, Florian Weber,
David Jerusalem, Katharina Preuß.
Ensemble der Kammeroper München.
Siegfried, Sektfabrikant, Drachentöter und Besitzer des sagenhaften
Nibelungenschatzes, hat es geschafft: Er kriegt Kriemhild, die bildhübsche
Blondine aus Burgund mit dem IQ einer Haarspange, zur Braut! Als er aber
anschließend gleich noch seinem schwächlichen Schwager Gunther die
brutale Brunhilde von Isenland mit unerlaubten Mitteln erobert, hat seine
Stunde geschlagen: Die eisige Ökotante mit dem unheilbaren
Heldenkomplex wittert Verrat und fordert blutige Rache, Rückendeckung
gibt ihr der grimme Hagen … Die „Lustigen Nibelungen“ aus dem Jahre
1904 machen sich ihren eigenen Reim auf das altbekannte Heldenepos.
Der kabarettistische Witz des Textes macht weder vorm Nibelungenlied
noch vor Hebbels Schauspiel halt, so wie Oscar Straus’ kongeniale, mal
berauschende, mal schmissige Musik nicht vor Wagners „Ring“. Für die
gelungene Darbietung zeichnen sich das 10-köpfige Orchester von
Alexander Krampe und 9 hochbegabte junge Sängerinnen und Sänger
verantwortlich.
*
Que s’est-il réellement passé à Worms ? Siegfried, producteur de crémant,
tueur de dragons et détenteur du grand trésor des Nibelungen, a tout
réussi dans la vie : il a épousé Kriemhild, une belle blonde, hélas, au
quotient intellectuel bien limité. Mais lorsqu’il conquiert inélégamment la
violente Brunhilde à la place du faible Gunther, cette femme de fer sent la
trahison et exige une vengeance sanguinaire. Et ce sera le colérique
Hagen qui l’y aidera… Cette opérette amusante datant de 1904 se moque
sans vergogne de la grande légende germanique des Nibelungen. Le livret
joue avec le texte original ainsi qu’avec la pièce de Hebbel, et la musique
d’Oscar Straus, géniale, entraînante et enivrante, tourne en dérision le «
Ring » de Wagner.
71
-------------------Kammeroper München
Das Konzept unserer Opern: Seit 2003 stellt die Kammeroper München mit
ihren eigenen Fassungen bekannter Werke und Raritäten der Opern- und
Operettenliteratur eine Alternative und Bereicherung des Münchner
Kulturlebens dar. Die nach ihrem Rezept erstellten Produktionen sind
inzwischen auch im gesamten deutschsprachigen Raum beim breiten
Publikum beliebt und von Kennern geschätzt. Die strenge Trennung
zwischen Zuschauerraum und Bühne verschwindet, und der Besucher
findet sich inmitten des Geschehens wieder. Markenzeichen sind zum
einen die Arrangements für 10-köpfiges Orchester von Alexander Krampe,
die jedem Werk seinen unverwechselbaren Klang geben, und zum
anderen die Übersetzungen von Dominik Wilgenbus, die sich mit Witz und
Charme dem Geist der Originale verpflichtet fühlen. Die Inszenierungen
setzen neben dem poetischen Einsatz einfacher Mittel vor allem auf die
komödiantischen Qualitäten der jungen Sängerinnen und Sänger. Die
„unkonventionellen, unverkrampften und publikumsnahen Inszenierungen
auf hohem sängerischen Niveau" (Focus, 30. März 2002) haben sich
längst einen großen Freundeskreis erspielt.
Das Ensemble
Es besteht eine enge Zusammenarbeit mit den Musikhochschulen
München, Augsburg, Nürnberg und Würzburg, um dem Sängernachwuchs
ein Podium zu bieten und ihn dadurch zu fördern. Darüber hinaus besetzt
die Kammeroper München ihre Produktionen mit jungen, viel
versprechenden Gesangstalenten aus dem gesamten deutschsprachigen
Raum. Das Orchester setzt sich aus freien Musikern zusammen, die sich
neben der Tätigkeit an Münchens Bühnen und Orchestern speziell für
diese Art von Kunst zusammengeschlossen haben. Durch die begeisterten
und überschwänglichen Reaktionen des Publikums lassen sich die
Produktionen nicht mehr aus Münchens Opernleben wegdenken: „In
Scharen werden sie wieder hinpilgern und jubeln, die Opernnärrischen
dieser Stadt.“ (Süddeutsche Zeitung).
http://www.kammeroper-muenchen.com/konzept_920.htm
72
Comédie musicale
Vendredi 23 mars à 20h
Sprache / Lange: DE
Das Feuerwerk
von Paul Burkhard
Mecklenburgisches Staatstheater Schwerin
Mit Detlef Heydorn, Gerlind Rosenbusch, Arja Sharma, Ulrike
Hanitzsch, Sönke Fahl, Elfie Schrodt, Knut Degner, Bärbel Röhl,
Reinhard Krökel, Susanne Peters, Andreas Auer, Hardy Rudolz,
Marion Musiol.
Eine musikalische Komödie über Familienbande und Zirkusluft, Glück und
Träumereien. Der Komponist Paul Burkhard schaffte mit diesem Musical
1950 seinen Durchbruch, die Schweizer Sängerin Lys Assia landete mit
dem Ohrwurm „O mein Papa“ einen Welterfolg. Fabrikant Albert
Oberholzer feiert seinen 50. Geburtstag und hat dazu alle seine
Verwandten eingeladen. In diese biedere und klatschsüchtige Runde
gesellen sich überraschend Onkel Alexander, aus dem inzwischen der
Zirkusdirektor Obolski geworden ist, und seine Frau Iduna. Die Familie ist
geschockt, denn das vermeintlich schwarze Schaf strotzt vor
Selbstsicherheit und seine Frau vor Koketterie. Ein Feuerwerk im Garten
vermag die gereizte Stimmung vorübergehend zu beruhigen. Doch schon
bahnt sich die nächste Katastrophe an: Anna, die Tochter Oberholzers, ist
von den Zirkus-Verwandten so begeistert, dass sie überlegt, aus ihrem
bürgerlichen Leben auszubrechen und in die Welt der Clowns und Artisten
einzutauchen…
*
Pour son cinquantième anniversaire, Albert Oberholzer prépare une
grande fête à laquelle sont conviés tous les membres de la famille. Tous ?
Enfin, presque tous ! Car quand arrive Alexandre, le canard boiteux de la
famille, devenu entretemps le directeur de cirque Obolski, avec sa
coquette femme Iduna, le groupe est choqué. Seul un feu d’artifice dans le
jardin sauvera l’ambiance. Mais pire encore : la fille d’Oberholzer, Anna,
fascinée par son oncle, veut le suivre dans le monde des clowns et des
artistes… Cette comédie musicale de 1950, fraîche et légère, fut la grande
révélation du compositeur Paul Burkhard. La chanson principale « Oh mon
papa » devint un grand tube de l’époque, et est restée dans les mémoires
grâce à la belle interprétation de Lys Assia.
73
---------------------Paul Burkhard
Das Lied „O mein Papa“ ist um die Welt gegangen. Die Schweizer
Sängerin Lys Assia machte es berühmt – und es steht im Zentrum der
musikalischen Komödie „Feuerwerk“, mit der der Schweizer Komponist
Paul Burkhard seinen Durchbruch erzielte. Die liebenswerte Geschichte
um Lebens- und Zirkusträume, hat nichts von ihrem musikalischen Reiz
verloren und wird immer wieder gern gespielt. Der Komponist Paul
Burkhard (1911 bis 1977) wurde in Zürich geboren; seine erste
Komposition schrieb er im Alter von sieben Jahren. Er besuchte das
Literaturgymnasium, studierte Germanistik und Musikwissenschaften und
genoss eine umfassende Ausbildung am Konservatorium. Als Dirigent
verdiente er sich schon damals Geld. Später begann Burkhard vermehrt zu
komponieren; seine erste Operette „Hopsa“ hatte 1935 am Züricher
Stadttheater Premiere. Er schrieb zahlreiche Kompositionen und erzielte
mit der Operette „Zum schwarzen Hecht“ nach dem Roman von Emil
Sautter einen großen Erfolg. Diesen Stoff überarbeitete er zusammen mit
dem Berliner Revuekönig Eric Charell erneut und brachte ihn als
„Feuerwerk“ 1950 in München zur gefeierten Premiere. „Paradies der
Frauen“, „Tingeltangel-Oper“ heißen weitere Operetten, die Paul Burkhard
geschrieben hat. Außer zahlreichen Bühnenmusiken zu klassischen und
zeitgenössischen Werken komponierte er die komische Oper „Casanova in
der Schweiz“, „Spiegel und das Kätzchen“ (nach der Vorlage von Gottfried
Keller) und die Weihnachtsoper „Ein Stern geht auf aus Jakob“.
74
variatio delectat
Théâtre & Danse / Theater & Tanz
Nijinsky, Star des russischen Balletts
p. 75
Gut gegen Nordwind
p. 78
Boulevard Royal
p. 80
Alle sieben Wellen
p. 81
Le monte-plats
p. 82
75
Ballet
Jeudi 6 octobre à 20h
Nijinsky, Star des russischen
Balletts
Ballett Rossa der Oper Halle
Ralf Rossa, Choreografie und Inszenierung. Matthias Hönig, Bühne.
Götz Fischer, Kostüme.
Mit Yann Rezavov / Tobias Almási, Michal Sedláček / Andriy
Holubovsky sowie dem Ballettensemble Rossa der Oper Halle.
Ein Ballettabend zu Ehren des unvergesslichen russischen Tänzers Vaslav
Nijinsky. Der hochtalentierte Vaslav Nijinsky, geboren 1889 in Kiew,
absolvierte die St. Petersburger Ballettschule und ging nach Paris zur
Kompanie der Ballets Russes des Impresarios Sergej Diaghilew, dessen
Liebhaber er auch wurde. Seinen Weltruhm als Solotänzer und Choreograf
verdankt er u.a. seiner außerordentlichen Sprungtechnik und seinen
revolutionären Choreografien („Le Sacre du Printemps“, „L’Après-midi d’un
faune“, „Jeux“). Den schmalen Grat zwischen Genialität und Wahnsinn
dieses Ausnahmekünstlers zu zeigen, der mit seinem muskulösen
Körperbau in der damaligen Zeit alles andere als ein klassischer Tänzer
war, ist ein großes Anliegen des Choreografen Ralf Rossa. Mit
Rückblenden lässt er Nijinsky in damals bahnbrechenden Titelrollen
wiederauferstehen und zeigt eine faszinierende Persönlichkeit, die
öffentlichen Skandale, die Liebesaffären, die Heirat und schlussendlich die
diagnostizierte Schizophrenie...
*
Une soirée de ballet en l’honneur de l’inoubliable danseur Vaslav Nijinski.
Formé à l’école de ballet de Saint-Petersbourg, ce danseur né en 1889 à
Kiev, intègre les Ballets Russes de Serge Diaghilev, dont il devient
rapidement l’amant. Il doit son succès mondial comme soliste et
chorégraphe à sa grande maîtrise technique des sauts et à ses
chorégraphies révolutionnaires (« le Sacre du printemps », « L’Après-midi
d’un faune », « Jeux »). Le chorégraphe Ralf Rossa nous présente cet
artiste exceptionnel évoluant entre le génie et la folie, et dont le corps
musclé ne correspondait pas du tout au danseur classique de l’époque.
Avec des flashbacks, Rossa refait danser à Nijinski ses rôles novateurs de
soliste et entraîne le public à travers les différentes étapes de sa vie :
scandales, histoires d’amour, mariage, schizophrénie…
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Ralf Rossa im Gespräch
Weshalb haben Sie gerade den Künstler Nijinsky ausgewählt und ihm mit diesem
Porträt einen ganzen Ballettabend gewidmet?
2009 hat die Tanzwelt 100 Jahre Ballets Russes gefeiert […] nun dem
interessanten Phänomen Nijinsky einen Ballettabend zu widmen, lag auf
der Hand, zumal wir mit Yann Revazov einen besonderen Solotänzer in
unseren Reihen haben, der dem historischen Nijinsky vom Körperbau und
Gesicht her sogar etwas ähnelt. Nijinsky war klein, extrem muskulös vom
Bauchnabel abwärts, was dem Tänzer-Ideal der damaligen Zeit eigentlich
widersprach. Dadurch konnte er extrem hoch springen, einen sogenannten
›Ballon‹ erzeugen, d. h. in der Luft für einen Moment stehen bleiben. Wer
Yann Revazov und seine Kunst auf der Bühne sieht, merkt, dass er ein
besonders intensiver Darsteller ist, ein echter Charismatiker. Und so
entstand 2008 die Idee, ihm dieses Geschenk zu machen und gleichzeitig
die Reihe der Ballets Russes-Ballette abzuschließen.
Der Name Nijinsky ist heute untrennbar mit dem Impresario Serge Diaghilew
verbunden. Was war aus Ihrer Sicht das Besondere und zugleich möglicherweise
auch das Schwierige dieser ›privaten Künstler-Beziehung‹?
Als Diaghilew auf Nijinsky aufmerksam wurde, verfiel er der Intensität
seines Ausdrucks und der technischen Versiertheit, aber auch dem jungen
Mann Nijinsky. Das Kurtisanentum und die Homosexualität waren damals
in Russland keine Seltenheit und gesellschaftlich geduldet. Es ist aber vor
allem das große Verdienst Diaghilews, dass er das große Potential des
damals 17-jährigen Tänzers früh erkannt hat. Wie abhängig der Erfolg der
Ballets Russes von dem Startänzer war, sollte sich später zeigen, als sich
die Wege der beiden durch Nijinskys Heirat mit Romola trennten und der
gekränkte Diaghilew ihn kurzerhand aus seiner Kompanie warf. Ab diesem
Zeitpunkt wurden die Ballets Russes schlagartig seltener gebucht – der
Superstar fehlte, ohne den die Truppe an Attraktivität verlor.
Was ist für Sie das Bemerkenswerte der Beziehung zwischen Romola und
Vaslaw?
Romola und Vaslaw hatten nur wenige glückliche Jahre miteinander.
Nijinsky ist mit 60 Jahren gestorben, nachdem er zuvor bereits 30 Jahre in
geistiger Umnachtung gelebt hat. Romola hat auf ihn aufgepasst und seine
Klinikkaufenthalte finanzieren müssen, was sie beispielsweise mit der
Veröffentlichung ihrer Nijinsky-Biografie geschafft hat. Diaghilew hat aus
unklaren Gründen Nijinsky keine Gage gezahlt – wahrscheinlich aus Eifersucht oder Neid auf die neue Frau an seiner Seite. Romola hat Nijinsky
trotz aller Schwierigkeiten begleitet, auch wenn beide für ein paar Jahre
getrennt lebten, als Romola zwei homosexuelle Beziehungen hatte. Doch
sie kehrte zu ihrem Mann zurück und blieb in seiner Nähe, bis er starb.
Inwiefern haben die Ballets Russes und Nijinsky die Ballettwelt des beginnenden
20. Jahrhunderts revolutioniert?
Als sich die Ballets Russes 1909 gründeten, gastierten russische Tänzer in
Paris zunächst mit Balletteinlagen in Opern. Mit der Folklore wollten sie
zeigen, was in Russland damals zu sehen war. Große Ballettabende und
bedeutungsvolle Kompanien, die neues, modernes Repertoire tanzten, gab
es damals auf der ganzen Welt noch nicht. Das gelang dann nach und
nach erst den Ballets Russes unter dem Management des versierten
Serge Diaghilew, der es nicht nur schaffte, die besten russischen Tänzer
77
der damaligen Zeit zu seiner Truppe nach Paris zu holen, sondern auch
eine Gruppe avantgardistischer bildender Künstler und Komponisten um
sich herum zu versammeln. Als Komponisten der Balletturaufführungen –
allesamt Auftragswerke – gewann er keine Geringeren als z. B. Strawinsky, Ravel, Debussy oder Richard Strauss, ein besonderes Design von
Kostümen kam beispielsweise von Coco Chanel oder Léon Bakst und die
aufwändigen Bühnenbilder lieferten Cocteau, Bakst, Benois und Picasso.
Welche Musik begleitet diesen Ballettabend?
Ich habe Musik ausgewählt, die Nijinsky getanzt und choreografiert hat und
die er gekannt haben muss. Man weiß außerdem, dass Diaghilew ein
großer Wagner-Fan war und regelmäßig zu den Bayreuther Festspielen
gefahren ist. Er hat Nijinsky nach Bayreuth mitgenommen […] so haben sie
auch einmal gemeinsam PARSIFAL in Bayreuth gesehen. Für mich ist die
Musik des PARSIFAL an diesem Ballettabend zur Musik der gemeinsamen
Szenen von Nijinsky und Diaghilew geworden.
Welche Rolle haben für Sie die Originalchoreografien der Ballets Russes für die
Entwicklung dieses halleschen Ballettabends gespielt?
Als Choreograf möchte man natürlich immer etwas Eigenes, etwas Neues
kreieren. Außerdem wollte ich nicht auf das alte Original zurückgreifen, das
fast 100 Jahre alt ist, sondern den Abend auf unsere Tänzer des BALLETT
ROSSA zuschneiden. Hinzu kommt, dass die Tänzer heute mehr leisten
können als damals, was mit der Ausbildung und der Umstellung des
Körpers zusammenhängt. In der Vorbereitung habe ich mir die
rekonstruierten Choreografien angeschaut. Die besitzen einen hohen
historischen Wert, haben aber mit heutiger Tanzkunst nicht mehr viel zu
tun. Die Entwicklung unserer Kostüme durch Götz Lanzelot Fischer wurde
am stärksten von den historischen Vorbildern inspiriert.
Ein Leben, wie das Nijinskys, das so viele Stationen und Höhepunkte hatte, ist
kaum als chronologische Geschichte zu erzählen. Auf welche ›Reise‹ möchten
Sie die Zuschauer in Ihrer Inszenierung mitnehmen?
Das ist eine heikle Frage. Ich habe in der Vorbereitung natürlich wie ein
Irrer gelesen: Biografien über Biografien, die Tagebücher Nijinskys,
psychiatrische Analysen, Krankenhausberichte etc. Da ist unglaublich viel
vorhanden! Das ist auch nachvollziehbar, denn wir müssen vom
bedeutendsten Tänzer des 20. Jahrhunderts sprechen. Umso trauriger ist
es, dass er mit 30 Jahren aus dieser Welt quasi ›ausgestiegen‹ ist. In
meiner Inszenierung wollte ich die Musik, zu der er getanzt hat und zu der
er Choreografien entwickelt hat, chronologisch einsetzen. Man kann auch
sagen, ich habe mich für ein chronologisches Puzzle entschieden, das
aber immer wieder mit Nijinskys Schicksal collagiert wird und die
Glanzpunkte seiner Karriere damit immer und immer wieder mit seinem
persönlichen, einsamen und leidenden Schicksal konfrontiert. Das spiegelt
sich auch auf wunderbare Weise im Bühnenbild von Matthias Hönig wider.
Ich wünsche mir, dass der Zuschauer ein bisschen in Nijinskys zerrissene
Seele blicken kann und sich in den Bann dieses charismatischen Tänzers
und dieses furchtbar leidenden Privatmenschen ziehen lässt.
Das Gespräch führte Susanne Holfter.
Theater, Oper und Orchester GmbH Halle Spielzeit 2009/2010, Heft 9
78
Théâtre
Langue / Sprache: DE
Gut gegen Nordwind
Von Daniel Glattauer
Schnürschuh Theater
Daniel Glattauer und Ulrike Zemme, Bühnenfassung.
Kurt Wobbe, Regie. Mit Vivienne Kaarow und Frank Stuckenbrok.
„Schreiben Sie mir, Emmi. Schreiben ist wie küssen, nur ohne Lippen.
Schreiben ist Küssen mit dem Kopf. Leo“. Der Bestsellerroman des
österreichischen Schriftstellers Daniel Glattauer in einer mitreißenden
Inszenierung des Schnürschuh Theaters.
Ein einziger falscher Buchstabe lässt Emmi Rothners E-Mail irrtümlich bei
Leo Leike landen – und so erlebt der Zuschauer, wie sich die HomepageExpertin und der beziehungsgeschädigte Kommunikationswissenschaftler
näherkommen. Es entsteht eine ganz besondere Brieffreundschaft im
Internet-Zeitalter. Doch kann sich daraus auch eine Verliebtheit oder sogar
Liebe entwickeln, wo die beiden sich doch im wirklichen Leben noch nie
begegnet sind? Bald scheint es nur noch eine Frage der Zeit zu sein, wann
es zum ersten persönlichen Treffen kommt... Von hart bis zart, von trotzig
bis hingebungsvoll - von schnodderig bis verzweifelt, von unendlich traurig
bis unfassbar komisch: Keine Gefühlslage bleibt in „Gut gegen Nordwind“
ausgespart.
Der Wiener Daniel Glattauer wurde durch seine Kolumnen in der
Tageszeitung „Der Standard“ bekannt und landete mit seinen Romanen
große Erfolge im deutschsprachigen Raum. Doch kaum war der EMailroman „Gut gegen Nordwind“ erschienen, entwickelte er sich erst zum
Geheimtipp und wurde schließlich zu einem internationalen Bestseller, der
in zahlreiche Sprachen übersetzt und als Hörbuchversion bearbeitet
wurde. Auch das gleichnamige Theaterstück wurde zum Erfolgsstück und
auf vielfache Nachfrage der Fans entschloss sich der Autor, eine
Fortsetzung des Erfolgsbuches zu schreiben. „Alle sieben Wellen“ lautet
der Titel des Romans, der ebenfalls zum Bestseller avancierte und am
30.3.2012 im CAPe als Theaterinszenierung gezeigt wird.
*
« Quand souffle le vent du nord », le best-seller de Daniel Glattauer,
raconte l’amour au temps d’Internet et des nouvelles technologies. Le
hasard (ou est-ce le destin ?) veut que suite à une faute de frappe dans
une adresse email, une femme dans la trentaine entre en contact avec un
inconnu. Une amitié virtuelle naît entre eux et devient rapidement...
électronique, > contactez le 26 81 21-306 ou elvira.mitt[email protected]
79
amour? Mais est-ce possible si les deux personnes concernées ne se sont
jamais rencontrées ? Dur et tendre, entêté et passionné, insolent et
désespéré, triste et comique, « Quand souffle le vent du nord » est un
texte qui traite tous les sentiments humains. Une vraie histoire d’amour
moderne…
-------------------Daniel Glattauer
Daniel Glattauer, geboren 1960 in Wien, studierte Pädagogik (Diplomarbeit
“Das Böse in der Erziehung”). Zunächst Hobby-Literat, -Liedermacher und
Kellner, später Journalist, zuerst Redakteur bei der Presse, dann zwanzig
Jahre Autor beim Standard. Zwischendurch und jetzt erst recht:
Schriftsteller. Verheiratet, ein großes Kind, leider keinen Hund mehr, dafür
fünf indische Laufenten im Landhaus im niederösterreichischen
Waldviertel. Bücher (u.a.): Die Ameisenzählung (2001), Darum (2003), Die
Vögel brüllen (2004), Der Weihnachtshund (Neuausgabe 2004) und
Schauma mal (2009). Mit seinen beiden letzten Romanen, Gut gegen
Nordwind (2006) und Alle sieben Wellen (2009), gelangen ihm zwei
Bestseller, die in zahlreiche Sprachen übersetzt und auch als Hörspiel,
Theaterstück und Hörbuch zum Erfolg wurden.
2006 - Nominierung Deutscher Buchpreis.
http://www.daniel-glattauer.de/gut-gegen-nordwind/
Auszug aus dem Interview mit Daniel Glattauer
Ein Liebesroman, erzählt mittels eines Email-Austauschs – wie soll da
Gefühl aufkommen? Und: Ist das nicht furchtbar öde? Das mag sich
mancher beim Erscheinen von Daniel Glattauers erstem Roman "Gut
gegen Nordwind" (Deuticke) gedacht haben. Aber die Geschichte von
Emmi und Leo, die sich durch einen Tippfehler kennen- und beim
Schreiben lieben lernen, funktioniert. Und zwar so realitätsnah und
berührend, dass Glattauer, der in Wien als Journalist arbeitet, von seinen
Lesern geradezu gezwungen wurde, sie weiterzuschreiben.
SZ: Wie sind Sie darauf gekommen, eine Liebesgeschichte anhand von
Mails zu erzählen? Hatten Sie nie Angst vor dem Vorwurf, den guten alten
Briefroman modisch modern aufzurüsten?
Glattauer: Nein, ich hatte keine Angst. Denn ich war „unbedarft“, ich hatte
keine Sekunde an Briefromane gedacht, weder an alte noch an moderne.
Erst im Nachhinein wurde ich dann andauernd an die Schullektüre
„Werther“ erinnert. Und was es sonst bereits an zeitgemäßen E-MailRomanen gab, hat mich nicht gekümmert. Ich hatte probiert, ob meine
geplante Liebesgeschichte virtuell beginnen könnte und bin von der Form
dann einfach nie mehr losgekommen, nicht einmal nach dem Ende des
ersten Buches "Gut gegen Nordwind". Also musste "Alle sieben
Wellen" folgen. […]
Süddeutsche Zeitung, 14.4.09
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Théâtre
Mercredi 14 mars à 20h
Sprooch / Langue : LU
Boulevard Royal
E Loschtspill vum Nico Helminger
Den Theater.lu
Jean Paul Maes, Regie. Anouk Schiltz, Dekoren.
Mam Danielle Wenner, Pierre Bodry, Claude Fritz, Raoul Schlechter...
Zwou grouss Familljenentreprisen am sanitäre Beräich, d’Firma Sanibain
an de Bidden & Krunnechef, si Konkurrenten um Maart, awer elo ass
virgesinn, datt d’Kanner aus deenen zwee Haiser, de Willi an d’Fanny,
sech matenee bestueden. De Benny Beck, Patron vun der Sanibain, gesäit
an där Hochzäit eng gutt Méiglechkeet, sech an d’Affäre vun der
Konkurrenz anzemëschen, zemol de Patron vum Bidden & Krunnechef, de
Fredy Krier no engem Accident am Koma läit an d’Firma vu senger Fra
Ines geleet gëtt. Ob dat wierklech vu Virdeel fir hien ass, wéi de Benny
Beck mengt, ass net sou kloer: Zwar schéint d’Ines mat der Hochzäit
averstan, awer wuel net nëmmen, well si hire Jong ënnert d’Hauf wëllt
kréien. Et kéint ganz gutt sinn, datt si Pläng hätt, déi net vill anescht si wéi
déi vum Konkurrent… Boulevard Royal ass e Kaméidistéck iwwer Geschäft
a Léift, Loscht, Ligen a falsch Identitéiten. E richtegt Gefuddels voller
Verwiesslungen a Verrécktheeten, no um Liewen, komesch an och e
bësse béis…
*
Deux grandes entreprises du sanitaire, Sanibain et Bidden & Krunnechef,
concurrentes sur le marché, prévoient le mariage de leurs enfants
respectifs, Willi et Fanny. Benny Beck, le patron de Sanibain, voit dans cet
hymen une excellente occasion de prendre part aux affaires de la
concurrence, surtout depuis que le patron de Bidden & Krunnechef, Freddy
Krier, se trouve dans le coma suite à un accident, et que sa société est
dirigée par sa femme Ines. Mais si celle-ci semble favorable à ce mariage,
ce n’est pas nécessairement par souci de « caser » son fils, mais parce
qu’elle a d’autres intentions… qui ressemblent étrangement à celles de son
concurrent ! « Boulevard Royal » est une comédie sur les affaires et
l’amour, le désir, les mensonges, et les fausses identités. Un vrai mélimélo proche de la vie, drôle mais aussi un peu cruel.
81
Théâtre
Vendredi 30 mars à 20h
Sprache: DE
Alle sieben Wellen
von Daniel Glattauer
Schnürschuh Theater
Daniel Glattauer und Ulrike Zemme, Bühnenfassung.
Kurt Wobbe, Regie.
Mit Vivienne Kaarow und Frank Stuckenbrok.
„Weil Ende nicht gleich Ende nicht gleich Ende nicht gleich Ende ist.“ Kann
man sich in einen anderen Menschen verlieben, obwohl man ihn nie
gesehen, gehört oder berührt hat, einzig aufgrund des Austauschs
geschriebener Worte? Leo und Emmi haben sich im Internet kennen
gelernt und ineinander verliebt. Wie es das Schicksal aber so wollte, haben
sich ihre Wege getrennt, und Leo ist nach Boston gezogen. Dort hat er
Pamela kennen gelernt und ist für eine neue Beziehung bereit. Emmi ist
enttäuscht und führt ihr Ehe- und Familienleben mit Bernhard weiter. Doch
nach Leos Rückkehr kommt es zu einem telepathischen Auftakt, und bald
werden beide wieder von der E-Mail-Sucht erfasst. Diesmal beschließen
sie, den Schritt in das Neuland der außervirtuellen Begegnung wirklich zu
wagen. Wird die reale Konfrontation der Liebesutopie standhalten? Sie
kennen den ersten Teil dieser Liebesgeschichte nicht? Kein Problem. In
„Alle sieben Wellen“ erfahren Sie alles: von Leos Rückkehr aus Boston,
von Emmis Eheproblemen und von der siebenten Welle, die immer für
Überraschungen gut ist.
*
Leo et Emmi se sont rencontrés sur Internet et sont tombés amoureux.
Mais hélas le destin les sépare : Emmi reste en Europe et Leo déménage
à Boston. Aux États-Unis, il rencontre Pamela et s’apprête à entamer avec
elle une nouvelle relation. Emmi, déçue, poursuit sa vie de famille avec
Bernhard et les enfants. Mais lorsque Leo revient, une force télépathique
les attire à nouveau l’un vers l’autre et le démon de la correspondance
électronique les reprend, comme neuf mois auparavant. Mais cette fois, ils
décident d’oser une rencontre réelle : leur amour, jusque là platonique,
supportera-t-il cette confrontation en chair et en os ? Vous avez manqué la
première partie de cette histoire d’amour ? Pas de problème cependant
pour suivre « La septième Vague », car vous apprendrez tout sur le retour
de Leo de Boston, sur les problèmes conjugaux d’Emmi et sur cette
fameuse septième vague, qui est toujours là pour apporter des surprises…
82
Théâtre
Jeudi 24 mai à 20h
Langue / Sprache: FR
Le Monte-plats
d’Harold Pinter
Comédie de l’Est - Centre dramatique régional d’Alsace
Carolina Pecheny, mise en scène.
Avec François Kergourlay et Stéphane Russel.
Ben et Gus sont enfermés dans un sous-sol aux fenêtres condamnées.
L’un lit le journal tout en répondant évasivement à l’autre qui semble
inquiet et pose de nombreuses questions. Les deux personnages ne sont
autres que des tueurs à gage attendant l’arrivée de leur prochaine victime.
L’attente est longue et oppressante, c’est pourquoi, pour tuer le temps,
Ben et Gus échangent inlassablement des dialogues plats et répétitifs sans
réussir à communiquer. Leur flot de paroles, ponctué de silences, dévoile
peu à peu leurs craintes, leurs contradictions et une réalité à laquelle ils
cherchent à échapper. Soudain se produit l’inattendu : la descente d’un
monte-plats de restaurant contenant une commande. Ce monte-plats
devient rapidement un troisième personnage, figure d’une autorité sans
visage aux exigences sans fin et impossibles à satisfaire… Avec quelque
trente pièces de théâtre à son actif, le lauréat du prix Nobel de littérature
Harold Pinter (1930-2008) est aujourd’hui reconnu comme l’un des
meilleurs auteurs dramatiques de sa génération et comme le représentant
éminent du théâtre anglais contemporain. Dans un style unique où le rire
prend souvent le pas sur l’angoisse et le tragique sur le burlesque, ses
personnages sont souvent plongés dans l’angoisse, l’oppression et la
solitude, victimes sans espérance de la violence du monde extérieur.
*
Ben und Gus sind in einem Keller eingesperrt. Einer liest die Zeitung und
antwortet flüchtig auf die Fragen des anderen, der nervös wirkt. Sie sind
Söldner, die auf die Ankunft ihres nächsten Opfers warten. Die Warterei ist
bedrückend, also führen die beiden flache und sich wiederholende
Dialoge, die zu nichts führen. Plötzlich geschieht etwas Unglaubliches: Ein
Förderband meldet sich zu Wort und versorgt sie mit immer exotischeren
Forderungen … Der Nobelpreisträger Harold Pinter (1930-2008) gilt als
einer der wichtigsten Vertreter des zeitgenössischen englischen Dramas.
In seinem einzigartigen Stil, wo das Lachen Hand in Hand mit der Angst
und die Tragik mit dem Burlesken geht, tauchen seine Figuren in
83
Angstzustände, Unterdrückung und Einsamkeit
hoffnungslose Opfer der Gewalt in der Außenwelt.
unter.
Sie
sind
------------Harold Pinter
Harold Pinter naît dans un faubourg de Londres, dans une famille juive
d’origine portugaise, le 10 octobre 1930. En 1948, il entame des études à
l’Ecole Nationale d’Art Dramatique de Londres qu’il abandonne rapidement
pour débuter une carrière de comédien qu’il poursuivra par intermittence
pendant une dizaine d’années sous le pseudonyme de David Barron. Il
s’oriente rapidement vers l’écriture : tout au long des années 1950, il écrit
un grand nombre de poèmes et de nouvelles qui ne seront publiées en
partie que dans les années 1970. Un premier roman semiautobiographique intitulé The Dwarfs (Les Nains), écrit entre 1953 et 1957
mais jamais terminé, fournira en 1960 la trame de la pièce du même nom.
Harold Pinter fait réellement ses débuts de dramaturge en 1957 avec trois
pièces de théâtre : The Room (La Pièce), The Dumb Waiter (Le Monte
plats) et The Birthday Party (L’Anniversaire). La célébrité auprès du grand
public lui vient trois ans plus tard avec The Caretaker (Le Gardien, 1959),
pièce pour laquelle l’Evening-Standard lui décerne le prix de la meilleure
pièce de l’année 1960.
Harold Pinter signe une œuvre de quelque trente pièces de théâtre et
vingt-deux scénarios de films, dont une collaboration pour le cinéma avec
Joseph Losey, ainsi que des recueils de poésie. Commandeur de l’ordre
britannique depuis 1996 et lauréat de nombreux prix, dont entre autres un
Laurence Oliver Award et un Molière, Harold Pinter se voit également
couronné du Prix Nobel de Littérature 2005. Aujourd’hui reconnu comme
l’un des meilleurs auteurs dramatiques de sa génération et comme le
représentant éminent du théâtre dramatique anglais contemporain, il
détient un style unique où le rire prend souvent le pas sur l’angoisse et le
tragique sur le burlesque. C’est dans cette ambiguité qu’Harold Pinter aime
à plonger ses personnages, porteurs d’une solitude indépassable et
victimes de la violence du monde extérieur. Ses pièces, devenues des
classiques modernes, ont donné lieu à un adjectif entré dans le
dictionnaire : « pintérien », désignant par là un univers absurde et sans
espérance où les individus s’expriment comme si leurs conversations
devaient être surprises. Ses personnages, plongés dans l’angoisse,
l’oppression et la solitude, sont le plus souvent victimes de conflits
extérieurs et voient leurs vies balancer entre tragique et burlesque. La
réalité de Pinter n’est pas objective mais onirique, vécue émotivement.
Dans ses pièces, il nous fait partager l’expérience du mensonge des mots,
de l’ambiguïté de la parole, des clichés, des stéréotypes et des préjugés
simplistes et mystificateurs. Dans l’histoire du théâtre contemporain, son
œuvre est située au carrefour du « Théâtre de l’Absurde » et d’un genre
spécifiquement britannique « L’Ecole de la Cuisine » (d’après La Cuisine
d’Arnold Wesker). Harold Pinter est un grand défenseur de l’homme. Il
s’est souvent prononcé sur l’actualité politique –en 2003, contre la guerre
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en Irak par exemple – et ce sont encore ses pièces qui révèlent le mieux
sa haine de toutes formes d’oppression. Dans les années 1990, des pièces
telles que The New World Order ou Ashes to Ashes témoignent de son
évolution politique de plus en plus critique contre les néo-conservateurs
occidentaux fauteurs de guerre. Harold Pinter est décédé à Londres le 24
décembre 2008.
Carolina Pecheny, metteur en scène
Formée au Conservatoire National d’Art Dramatique à Buenos Aires et à
l’Ecole Argentine du Mime, elle a intégré la troupe du Théâtre du Soleil
après son arrivée en France. En tant que comédienne Carolina Pecheny a
travaillé sous la sous la direction d’Ariane Mnouchkine (La ville parjure, Et
soudain des nuits d’éveil), Guy Pierre Couleau (L’Epreuve de Marivaux,
Vespetta e Pimpinone opéra d’Albinoni, La Fontaine aux saints et Les
Noces du Rétameur de J.M. Synge, Le Pont de pierres et la peau
d’images), Guy Freixe (Danser à Lughnasa de Brian Friel) Serge Lipszyc
(Macbeth, Ivanov, Henry VI), Paul Golub (La puce à l’oreille, Nuits à
Bagdad de Mohammed Kacimi)… En parallèle, en tant que metteur en
scène, elle a monté ; Le Médecin malgré lui de Molière joué en Argentine
et en Allemagne ; Monsieur Mockinpott de Peter Weiss en Allemagne ,
Raconte-moi inspiré de « Etre sans destin » d’Imre Kertész au Théâtre du
Soleil, Une laborieuse entreprise d’A. Levin (créé en mai 2010 à la
Comédie De l’Est). Elle est collaboratrice à la mise en scène de Guy Pierre
Couleau pour Hiver, créé en novembre 2010 à la Comédie De l’Est).
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variatio delectat
Cabaret / Kabarett
Elauter Poppenetti
p. 86
Revue 2012
p. 87
Pigor singt
p. 88
86
Cabaret
Jeudi 2 + Vendredi 3 février à 20h
Sprache : LU
Elauter Poppenetti
Cabarenert
Rol Gelhausen, Jhemp Hoscheit, Claudine Muno, Lucien Czuga,
Texter. Guy Geimer, Regie. Paul Dahm a Camille Nanquette, Musek.
Mam Monique Melsen, Karin Seywert, Al Ginter a Marcel Heintz.
Lo frot der Iech sécher ... wat soll dat? ... Wat heescht dat do dann lo?
Mee, maachen si et dann net och esou? Déi Grouss ... aus der Politik a
Wirtschaft ... déi Grouss Eminenten ... verstoppen se sech net och hannert
Wierder ... Nei Wierder, déi kee Mënsch versteet, gi gezwaft a benotzt fir
datt mer mengen, se hätten d’Welt nei entdeckt. En neit Wuert als eenzegt
Mëttel fir Problemer ze léisen, fir Inkompetenz, Onwëssen, Machtlosegkeet
an Ofhängegkeet ze verstoppen? Abbee, dat kënne mir och ... ëm eis
schéissen ... mat Wieder! Just, mir brauche keng nei ze erfannen ... Well et
gëtt se jo (nach) an eiser Sprooch! Duerfir gi mir en aalt Wuert eraus
kropen ... fir eis et ze soen! Ënnert dem Motto „elauter Poppenetti“
schéisse mir zréck mat Wierder a soen eis Meenung. Mä mir verstoppen
eis net hannert Sproochblosen. Mir soen Iech genee wat sech hannert dem
Wuert verstoppt.
*
Vous aussi, vous vous posez sûrement parfois la question... Qu’est-ce ça
veut-dire ? Mais, ne font-ils pas de cette façon ? Les « Grands »... ceux de
la politique et de l’économie... ne se cachent-ils pas eux-aussi derrière les
mots ? Nouveaux mots, que personne ne comprend, inventés pour nous
faire croire qu’ils ont découvert le monde. Un nouveau mot comme seul
moyen pour résoudre les problèmes, pour cacher incompétence,
ignorance, impuissance et dépendance ? Et bien, nous aussi, on sait faire
la même chose... alors, commençons à les lancer, les mots ! Mais nous
n’avons pas besoin d’en inventer de nouveaux... puisqu’ils existent
(encore) dans notre langue ! Du coup, retrouvons un ancien mot... juste
pour nous le dire ! Avec la devise « rien d’autre qu’un coup de bluff », nous
rebondissons avec les mots pour exprimer nos opinions. Mais nous, on ne
se cache pas derrière les belles paroles : on vous raconte exactement ce
qui se cache derrière !
électronique, > contactez le 26 81 21-306 ou elvira.mitthe[email protected]
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Cabaret
Mercredi 18, jeudi 19, vendredi 20 et samedi 21 avril à 20h
Sprache : LU
Revue 2012
Lëtzebuerger Theater
Hei ass dee Rendez-vous op deen d’Frënn vum lëtzebuerger Kabaret
bestëmmt am ongedëllegsten waarden! Joer fir Joer stréimen d’Leit aus
allen Ecke vum Land erbäi a genéissen d’Parodien, d’Sketcher an d’Lidder
vun der Equipe vum Lëtzebuerger Theater, fir duerno mat wéie
Bauchmuskelen zefridden heem ze goen. Well och dës Kéier setz de
Programm vun der Revue sech zesummen aus de wichtegsten
Evenementer aus dem Land, Neiegkeete vum Haff a klenge
Schwieregkeeten aus dem Alldag an hellt mat Freed a Witz d‘VIP’s op
d’Schëpp.
*
Voici le rendez-vous le plus attendu chaque saison de tous les amateurs
de cabaret luxembourgeois ! Et s’ils sont aussi nombreux, année après
année, à rire des parodies, sketches et chansons humoristiques du célèbre
Lëtzebuerger Theater, ils ne devraient pas être déçus cette fois encore.
Car ce programme fera à nouveau la part belle aux évènements
marquants de l’actualité grand-ducale de l’année et aux petits malheurs de
notre quotidien !
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Cabaret / Chanson
Vendredi 27 avril à 20h
Sprache : DE/FR
Pigor singt
Benedikt Eichhorn muss begleiten
Thomas Pigor, Gesang. Benedikt Eichhorn, Klavier.
Ja, es gibt ihn, den deutschen Humor! Pigor & Eichhorn sind im
deutschsprachigen Raum bekannt geworden durch ihren Salon Hip Hop:
eine moderne Spielart des kabarettistischen Liedes, ein deutsches
„Chanson à texte“, das aktuelle Musik mit satirischen Inhalten
zusammenbringt. Zwischen den Songs liefern sich der Sänger und der
Pianist einen sehr unterhaltsamen, intelligenten Kleinkrieg, der den roten
Faden des Programms darstellt. Für ihre Großstadtsongs erhielten sie
1999 den deutschen Kleinkunstpreis und 2006 den österreichischen
Kabarettpreis. Die beiden Berliner sind vermutlich die einzigen deutschen
Kabarettisten, die auch mit einem rein französischen Programm unterwegs
sind. Sie präsentieren im CAPe einen durchweg zweisprachigen Abend,
der speziell für das hiesige vielsprachige Publikum konzipiert wurde!
*
Oui, l’humour allemand existe ! Pigor et Eichhorn forment l’un des plus
remarquables duos de la chanson allemande, et vous ont concocté un
programme franco-allemand sur mesure. Bilingues l’un et l’autre, ils
écument depuis des années les scènes allemandes et, depuis le festival
Off d’Avignon 2006, également les scènes françaises. Dans leur
programme, ils font preuve d’une maîtrise époustouflante de la langue
francaise et l’associent avec esprit et finesse à l’esprit du cabaret berlinois.
Il en résulte une série de chansons d’un humour grinçant, succession de
méchancetés et de vacheries intelligentes, présentées avec comique et
brio, à la manière du cabaret actuel d’outre-Rhin. Pigor se moque de la «
rond-pointomanie » des maires de province ou encore exige
impitoyablement de sa compagne qu’elle tue son chat, sinon il la quittera. Il
nous prouve aussi qu’en fin de compte, les clichés sur les caractères
nationaux sont là pour nous amuser !
--------------------La Presse
Vive la chanson neo-cabaret – profond et quand même rigolo
Es lebe das Neokabarettchanson - mit Substanz und trotzdem lustig
89
Tagesspiegel, Berlin
... cést exactement cela qui rend Pigor pour ce ce quíl est en ce moment:
Le meilleur et le plus intélligent comique dÁllemagne... genau das macht Pigor zu dem, was er derzeit ist: Deutschlands bester
und intelligentester Komiker.
tip, Berlin
... cést de la musique pop vachement bien, avec des paroles encore
meilleures, des lumières avant ces chanteurs intellolo-commerciaux...
... das ist saugute Pop-Musik mit noch besseren Texten, weit jenseits
dieser kommerz-intellektuellen Singe-Sänger Hamburger Morgenpost
Chouette, de voir encore, comme peuvent être sexy des bonnes paroles
dans une présentation musicale élégante.
Schön, wieder mal zu sehen, wie sexy gute Texte in elegantem
musikalischem Vortrag sein können.
Tages Anzeiger, Zürich
De la tchatche mordante berlinoise. Les cofondateurs de la nouvelle
chanson berlinoise sont la preuve, quíl existe un cabaret-musical
allemand, intélligent, plein désprit,
qui enthousiasme aussi les
autrichiens.
Bissiger Berliner Schmäh. Die beiden Mitbegründer der neuen Berliner
Chansonszene beweisen spielend, dass es Platz für intelligentes,
espritgeladenes deutsches Musikkabarett gibt, welches auch Österreicher
begeistert.
Der Standard, Wien
www.pigor.de
90
variatio delectat
Expositions / Ausstellungen
Ott Neuens
p. 91
Stylianos Schicho
p. 92
Catherine Lorent
p. 94
91
Exposition
Gratuit
Mardi 27 septembre à 19h – Vernissage
Exposition du 28 septembre au 22 octobre (tous les jours de 14h à 20h,
sauf le dimanche)
La Terre et ses ombres
Ott Neuens
Né en 1944, Ott Neuens vit et travaille au Luxembourg. Son activité
artistique a été très fortement marquée par sa carrière professionnelle, car,
impliqué dans la réalisation de livres d’école pour enfants, il était entouré
de nombreux créateurs, artistes et graphistes. Aujourd’hui, cette recherche
de l’esthétique et de l’originalité le guident dans sa peinture. Il opte pour
une peinture résolument abstraite qui reflète ses visions, ses sentiments et
ses rêves. À partir de sa technique très particulière à l’huile, la cire
d’abeilles et les pigments, Ott Neuens crée des atmosphères sensibles,
dans des matières qui s’épaississent, aux tactilités différentes. En 2010, la
Galerie Marie-Claude Goinard de Paris a exposé Ott Neuens à la Foire
Européenne d’Art Contemporain de Strasbourg.
*
Ott Neuens, 1944 geboren, lebt und arbeitet in Luxemburg. Sein Wirken
als Künstler wurde maßgeblich durch seine berufliche Tätigkeit beeinflusst.
Als Koordinator für die Ausarbeitung von Schulbüchern war er täglich in
Kontakt mit kreativen Menschen, Künstlern und Grafikern. Dies
beeinflusste seine spätere Arbeit maßgeblich, da noch heute Ästhetik und
Originalität in seinen Werken eine wesentliche Rolle spielen. Ott Neuens
hat sich von Anfang an resolut für eine gestalterische und abstrakte Kunst
entschieden, und so sind seine Werke von großer Kreativität und
Anziehungskraft geprägt. Mit seiner besonderen und seltenen Maltechnik
mit Öl, Bienenwachs und Pigmenten schafft er eine sensible Atmosphäre
in einer mehr oder weniger dicken Materie, die sich bei Berührung
unterschiedlich anfühlt. 2010 stellte er für die Galerie Marie-Claude
Goinard aus Paris auf der Europäischen Messe für zeitgenössische Kunst
in Straßburg aus.
92
Exposition
Gratuit
Mardi 15 novembre à 19h – Vernissage
Exposition du 16 novembre au 7 décembre (tous les jours de 14h à 20h,
sauf le dimanche)
Public Fears
Stylianos Schicho
Stylianos
Schicho
untersucht
in
seinen
Arbeiten
unsere
Überwachungsgesellschaft. Dabei geht es ihm nicht nur um die
Beobachtung von außen, sondern auch um unsere Selbstbeobachtung
und Wahrnehmung. Der Blickwinkel ist der einer Überwachungskamera,
die alle Gesten der sich in Alltagssituationen befindenden Figuren auf
seinen überdimensionalen Bildern verfolgt. Der 1977 in Wien geborene
Stylianos Schicho studierte an der Universität für angewandte Kunst bei
Wolfgang Herzig und gehört der Strömung von zeitgenössischen Künstlern
an, die ihren Weg mit den traditionellen Mitteln Pinsel und Leinwand
bestreiten. Stylianos Schicho gilt als einer der wichtigsten österreichischen
Nachwuchstalente und kann auf eine hohe Anzahl an Einzelausstellungen,
Stipendien sowie Preisen im In- und Ausland zurückblicken (wie dem
Kunstpreis „Young & Collection 2010“ Amsterdam, Grand Prix 1st Danube
Biennale 2009 Bratislava, Kunstpreis der Stadt Pöchlarn 2007, der Walter
Koschatzky Preis Wien 2007). Einige seiner Werke wurden bereits in
namhafte Sammlungen (Sammlung Leopold, Sammlung der Stadt Wien
oder SNS REAAL Fonds NOG Collection aus den Niederlanden)
aufgenommen. Wir bedanken uns bei der österreichischen Botschaft in
Luxemburg für die wertvolle Unterstützung. Diese Ausstellung findet in
Zusammenarbeit mit der Galerie Clairefontaine statt.
Werke des Künstlers sind in der Galerie Clairefontaine von 12.01. 25.02.2012 zu sehen.
*
Dans son travail artistique, l’artiste plasticien Stylianos Schicho se penche
sur notre société de surveillance. Mais l’observation externe n’est pas son
unique thème, l’artiste s’intéresse aussi à l’observation propre et la
perception de chacun de nous. Son point de vue est toujours celui de la
caméra de surveillance qui contrôle chaque mouvement des personnages
de ses immenses tableaux. Né en 1977 à Vienne, Stylianos Schicho est
l’un des artistes autrichiens les plus prometteurs de sa génération. Formé
à l’Université des Arts Appliqués de Vienne auprès de Wolfgang Herzig, il
appartient au courant des artistes contemporains qui ont choisi la voie «
traditionnelle » du pinceau et de la toile. Stylianos Schicho est très
93
demandé pour des expositions individuelles en Autriche et à l’étranger. Il
est boursier et lauréat de nombreux prix internationaux
comme le Prix « Young & Collection 2010 » (Amsterdam), le Grand Prix de
la 1re Biennale du Danube 2009 (Bratislava), le Prix d’Art de la Ville de
Pöchlarn 2007 ou le Prix Walter Koschatzky 2007 (Vienne). Ses oeuvres
sont présentes dans d’importantes collections d’art, notamment la
collection Léopold, la collection de la Ville de Vienne et la collection
REAAL Fonds NOG des Pays-Bas. Nous remercions l’Ambassade
d’Autriche au Luxembourg pour son précieux soutien. Cette exposition est
réalisée en collaboration avec la Galerie Clairefontaine.
Des oeuvres de l’artiste seront exposées à la Galerie Clairefontaine du
12.01 au 25.02.2012.
www.stylianosschicho.com
94
Exposition
Gratuit
Mardi 28 février à 19h – Vernissage
Exposition du 29 février au 25 mars (tous les jours de 14h à 20h, sauf le
dimanche)
Zensierte Reminiszenzen
Catherine Lorent
Für die 6. Ausgabe des Zyklus „Junge luxemburgische Künstlerinnen im
Porträt“ präsentiert das CAPe die 1977 geborene Künstlerin Catherine
Lorent. Die bildende und Installationskünstlerin studierte von 1998 bis 2003
Malerei an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe und
Kunstgeschichte an der Sorbonne in Paris sowie an den Universitäten
Heidelberg und Luxemburg. 2010 schloss sie ihr Kunstgeschichtsstudium
mit Promotion ab. Derzeit arbeitet und lebt sie hauptsächlich in Berlin, wo
sie neben ihren bildenden künstlerischen Aktivitäten ihr Musikprojekt Gran
Horno betreibt, bei dem sie eigene Stücke vocal und instrumental umsetzt.
Mit über 25 Einzelausstellungen und einer langen Reihe von Performances
gilt Catherine Lorent als eine der wichtigsten luxemburgischen
Nachwuchskünstlerinnen und wurde 2011 für den renommierten
Schumanpreis nominiert. Für das Foyer des CAPe kreiert Lorent eine
Installation in-situ, die u.a. das „natürliche“ Bühnendekor für die LivePerformance von Gran Horno am Vernissageabend darstellen wird.
*
Pour ce 6e volet du cycle « Portrait de jeune artiste luxembourgeoise », le
CAPe présente la plasticienne Catherine Lorent. Née en 1977, cette
dernière suit ses études de peinture à l’Académie des Beaux-Arts de
Karlsruhe de 1998 à 2003, puis d’histoire de l’art à Paris (Sorbonne),
Heidelberg et Luxembourg. En 2010, elle achève son doctorat en histoire
de l’art. Actuellement, elle vit et travaille essentiellement à Berlin, où elle se
consacre également à son projet musical Gran Horno, dans lequel elle
interprète ses propres pièces. Cette artiste prometteuse, nominée pour le
Prix Schuman en 2011, a déjà à son actif un parcours de 25 expositions
individuelles et une longue série de performances. Pour le foyer du CAPe,
elle créera une installation in-situ, qui sera notamment le décor scénique «
évident » d’une performance live de Gran Horno le soir du vernissage.
95
variatio delectat
La Seconde Guerre Mondiale dans le film
luxembourgeois / Der 2. Weltkrieg im
luxemburgischen Film
Déi zwéi vum Bierg
p. 96
Heim ins Reich
p. 98
Léif Lëtzebuerger
p. 101
Emil
p. 103
Schockela, Knätschgummi a
brong Puppelcher
p. 104
96
Cinéma - Film
Tarif unique 5 € / Abo Films
Mercredi 19 octobre à 20h
Déi zwéi vum Bierg (1985)
Langue / Sprache: LU
Durée / Dauer: 162min
Menn Bodson, Gast Rollinger, Marc Olinger, Realisatioun.
Henri Losch, Dréibuch. Gast Meyer, Musek.
Mam Christian Kmiotek, Fernand Mathes, Marie-Paule Von Roesgen,
Pia Peschon, Jean Clerf, Ali Bintz, Charles Muller, Fernand Fox,
Marie-Christine Faber, Paul Greisch, Henri Losch, Marc Olinger,
Änder Jung, Philippe Noesen, Josy Braun a.a.
Yves Steichen, Presentatioun an Aleedung.
Après le grand succès du cycle de films « Pionniers du film
luxembourgeois » en 2010 / 2011, le CAPe renouvelle sa collaboration
avec le CNA (Centre National de l’Audiovisuel) pour une deuxième et aussi
intéressante saison de films. Cette fois, nous proposons une série de films
sur une période très difficile dans l’histoire du Grand-Duché : La Seconde
Guerre Mondiale. Sur ce sujet, de nombreaux films (documentaires et
fictions) ont été tournés, et nous en montrerons une sélection en partant
d’un des plus anciens (« Déi zwéi vum Bierg ») jusqu’à un très récent («
Schockela, Knätschgummi a brong Puppelcher »). La projection de chaque
film sera précédée d’une courte présentation par le filmologue Yves
Steichen. ·
31 décembre 1939 : Deux amis, Mill et Felten, se jurent amitié et fidélité.
Mais quand les Allemands envahissent le pays en mai 1940, tout le monde
est abasourdi. En 1942, alors que le Gauleiter Simon décide d’incorporer
de force les jeunes Luxembourgeois dans la Wehrmacht, la population
proclame la grève générale et subit les représailles nazies. Février 1943 :
Mill a donné asile à deux déserteurs et à un juif évadé. L’instituteur lui
demande de cacher un autre réfractaire, mais ce geste ne sera pas sans
conséquences pour le village… Février 1944 : apportant de la nourriture
aux déserteurs cachés dans la forêt, Mill et le forgeron retrouvent Felten,
gravement malade et recherché par la Gestapo. Ils décident de le sauver à
tout prix. Octobre 1944 : les Américains sont enfin arrivés. Mais la joie se
mêle d’inquiétude pour le sort de tous ceux qui sont restés prisonniers,
incorporés de force ou en déportation.
*
Nach dem großen Erfolg des Filmzyklus „Pioniere des luxemburgischen
Films“ in der Saison 2010/2011 geht die gute Zusammenarbeit mit dem
97
CNA (Centre National de l’Audiovisuel) in der Saison 2011/2012 weiter.
Diesmal haben wir ein Thema ausgewählt, das von vielen
luxemburgischen Filmemachern aufgegriffen wurde: der Zweite Weltkrieg.
Sowohl Dokumentar- als auch Spielfilme sind hierzulande zu dem Inhalt
gedreht worden, wir zeigen eine kleine Auswahl, die von einem älteren
Film („Déi zwéi vum Bierg“) bis zu einem aktuellen („Schockela,
Knätschgummi a brong Puppelcher“) geht. Vor den Vorführungen gibt der
Filmwissenschaftler Yves Steichen eine kurze Einleitung zum Film.
31. Dezember 1939: Zwee Frënn, de Mill an de Felten schwiere sech
géigesäiteg fir éiweg trei Frëndschaft. Wéi d’Nazien den 10. Mee 1940 an
d’Land afalen, ass all Mënsch baff a verdaddert. Den 30. August 1942,
decidéiert de Gauleiter Gustav Simon d’Zwangsrekrutéierung vun de jonke
Lëtzebuerger an d’Wehrmacht. D’Lëtzebuerger ruffen de Streik aus a
widdersetzen sech, trotz de Vergeltungsaktiounen vun den Nazien.
Februar 1943: De Mill verstoppt zwee desertéiert Zwangsrekrutéiert an ee
Judd. De Schoulmeeschter freet hien, ob hie bereed wier nach een
Deserteur bei sech opzehuelen. D’Konsequenz dovunner ass eng Rëtsch
vun dramateschen Evenementer fir de Mill, de Felten an dat ganzt Duerf.
Februar 1944: Wéi de Mill an de Schmatt Iessen an Gedrénks bei di
verstoppte Jongen an de Bësch brengen, fannen si de Felten, schwéier
krank a gesicht vun der Gestapo. Hee muss ëm all Präis gerett ginn.
Oktober 1944: D’Amerikaner sinn do. D’Freed mëscht sech mat Suerg ëm
d’Schicksal vun all deene déi vun der Wehrmacht an d‘Gefaangenelager
déportéiert gi sinn. De Mill leit ënnert de Folgen vun de Verhöhrer vun der
Gestapo an de Schoulmeeschter verhält sech vun Dag zu Dag méi
komesch.
98
Cinéma - Documentaire
Mercredi 30 novembre à 20h
Heim ins Reich (2004)
Wéi Lëtzebuerg sollt preisesch ginn
Langue / Sprache: LU, Sous-titres / Untertitel: FR
Durée / Dauer: 120 min
Claude Lahr, Realisatioun an Dréibuch.
Willy Perelsztejn, Produktioun an Dréibuch.
Lingo (André Dziezuk, Marc Mergen), Musek.
Stéphane Patti, Billerdirektor. Carlo Thoss, Philippe Kohn, Philippe
Vandendriesche, Philippe Mergen, Toun. Thierry Faber, Montage.
Ausgezeichnet mit dem großen Preis für die historische Recherche
beim Kunstfilmfestival der Unesco in Paris!
Den 10. Mee 1940 fänkt d’Occupatioun vun Lëtzebuerg an dee laange
Leidenswee vun de Lëtzebuerger un, dee méi wéi 4 Joer wäert daueren.
Ënnert dem Regime vun Gustav Simon, dem Gauleiter, probéieren
d’Nazien d’Lëtzebuerger ze verdäitschen an se „Heim ins Reich“ ze
féieren. Un Hand vun archivéierten Dokumenter, enger Unzuel vun
Zeienaussoen, Fotoen a klengen nogestallten Szenen, erzielt dëse Film
wat am 2. Weltkrich hei zu Lëtzebuerg passéiert ass.
*
Le 10 mai 1940 commence pour le Luxembourg un calvaire de plus de
quatre années avec l’occupation nazie. Sous la direction du Gauleiter
Simon, les Allemands tentent de germaniser le pays pour l’intégrer à leur
empire ("Heim ins Reich"). A l’aide de documents d’archives, de nombreux
témoignages, de photos et de quelques scènes reconstituées, ce film
relate ce que fut la Seconde Guerre Mondiale au Grand-Duché.
-------------------Synopsis
A travers divers témoignages et à l'aide de séquences filmées à l'époque,
Heim ins Reich raconte le calvaire qu'ont traversé le Luxembourg et sa
population pendant l'occupation allemande entre le 10 mai 1940 et le 10
septembre 1944. Alors que les nazis décident de germaniser de force le
Luxembourg et d'intégrer les jeunes Luxembourgeois dans la Wehrmacht,
99
le peuple luxembourgeois réagit. Même si beaucoup rejoignent la VdB
(Volksdeutsche Bewegung) ou la Hitlerjugend de peur de perdre leur
travail ou d'être déplacé de force en Allemagne, seule une minorité,
appelée les "Giele Männercher", applaudit effectivement l'adhésion du
Luxembourg à l'Allemagne nazie. La plupart des témoins présents dans le
film ont fait partie d'une autre minorité, celle qui s'est activement engagée
dans la résistance contre l'occupation allemande, souvent au risque de
leur vie. Lors d'un recensement racial organisé par les nazis le 10 octobre
1941, les Luxembourgeois, en se déclarant de nationalité luxembourgeoise
et en se prononçant pour le luxembourgeois comme leur langue
maternelle, montrent que malgré les efforts du Gauleiter Simon, la
germanisation du pays a échouée.
Parmi la population juive au Luxembourg, beaucoup ont réussi à quitter le
pays avant la fermeture des frontières et quelques-uns ont pu trouver
refuge dans des familles luxembourgoises. Mais d'autres n'ont pas réussi à
éviter la déportation dans des camps de travail ou de concentration
allemands. Beaucoup de jeunes hommes enrôlés dans la Wehrmacht ont
laissé leur vie au front russe ou ont vécu l'enfer dans les prisons russes
après la fin de la guerre. Ceux qui ont refusé de rejoindre l'armée
allemande ou qui ont pu déserter, ont par la suite dû se cacher au
Luxembourg. Beaucoup de familles luxembourgeoises ont accepté de
cacher les jeunes hommes dont la désertion est considérée comme une
preuve de leur loyauté à la patrie. Peu nombreux sont ceux qui, engagés
dans la résistance, ont réussi à rejoindre les maquisards français ou la
résistance belge. Les moins chanceux ont été envoyé dans les camps.
La libération du pays par les Américains le 10 septembre 1944 est
ressentie comme un énorme soulagement par toute la population. Mais ce
long calvaire ne sera terminé définitivement qu'après la bataille des
Ardennes qui a ravagé le Nord du Luxembourg entre décembre 1944 et
janvier 1945.
*
1940 fiel die deutsche Wehrmacht in Luxemburg ein. Für die Luxemburger
begann damit ein langer Leidensweg. Mehr als vier Jahre lang war das
Land von den Nationalsozialisten besetzt, die der Unabhängigkeit des
Großherzogtums ein Ende machen und Luxemburg ins Deutsche Reich
eingliedern wollten. Den Luxemburgern wurde die Eindeutschung
verordnet. Ein ganzes Volk wurde erbarmungslos unterdrückt. Wer sich im
Namen der Freiheit zur Wehr setzte, riskierte nicht nur sein eigenes Leben
sondern auch das seiner Angehörigen. Trotzdem nahm der Widerstand zu,
was dazu führte, dass die Deutschen mit immer radikaleren
Gegenmaßnahmen reagierten. Die Zeit der Besatzung durch die
Nationalsozialisten hat bis heute in der Luxemburger Gesellschaft tiefe
Narben hinterlassen. Nicht alle Luxemburger waren gegen die Nazis. Auch
hier gab es Kollaborateure, von denen einige nicht davor zurückscheuten,
ihre Landsleute zu verraten. Daneben gab es aber auch eine Reihe
Menschen, deren Entscheidung nicht selbstverständlich war und uns noch
heute Respekt abverlangt: sie leisteten aktiv Widerstand, um die
Luxemburger zur Opposition zu ermutigen.
100
Die meisten Luxemburger waren gegen die Eingliederung des
Großherzogtums
in
das
Deutsche
Reich.
Mit
ihren
Eingliederungsmaßnahmen
erzielten
die
Nazis
genau
die
entgegengesetzte Wirkung: Mehr als jede andere Zeit hat die deutsche
Besatzung den Luxemburgern ihre nationale Identität bewusst gemacht.
Durch zahlreiche Interviews mit Zeitzeugen und Archivaufnahmen
vermittelt Heim ins Reich einen Eindruck jener düsteren Jahre, in denen
Hakenkreuze das Straßenbild des Großherzogtums prägten. In den
Interviews sagen Luxemburger Zeitzeugen aus, die direkt an den
jeweiligen Ereignissen beteiligt waren.
101
Mercredi 18 janvier à 20h
Léif Lëtzebuerger (2008)
Ray Tostevin, Realisatioun an Dréibuch. Lynn Rothwell, Candice Allen,
Produktioun. Stephen Daltry, Musek. Jason Porthouse, Montage.
Sascha Ley, Narratrice.
„Léif Lëtzebuerger“ ass d’Geschicht vun der Grande-Duchesse Charlotte
am Exil während dem 2. Weltkrich. Hier Frëndschaft mam Präsident
Roosevelt war e wichtege Punkt an der Befreiung vun hirem klenge Land.
Hir Rieden op der BBC hunn dem lëtzebuerger Vollek neie Courage ginn
an si net ënnerginn an hirem schwéiere Schicksal deen hinne vun hirem
gehaasten Besetzer operluecht ginn ass.
*
« Léif Letzebuerger » raconte l’histoire de l’exil de la Grande-Duchesse
Charlotte durant la Seconde Guerre Mondiale. Son amitié avec le président
Roosevelt fut un catalyseur important dans la libération de son petit pays.
Ses discours à la BBC ont redonné courage et détermination au peuple
luxembourgeois pour ne pas sombrer face à l’occupant.
------------------Synopsis
« Léif Letzebuerger » rassemble des témoignages directs ainsi que des
scènes dramatiques reconstituées et des images archives pour montrer ce
qui arriva quand les Luxembourgeois furent envahis par l’armée de Hitler
au printemps 1940. A l’heure la plus sombre du pays, les messages de
propagande envoyés par la Grande-Duchesse Charlotte, en exil à Londres
et aux Etats-Unis, ont revigoré l’esprit de résistance des Luxembourgeois.
En fuyant son pays devant l’avance des troupes nazies, la GrandeDuchesse et son gouvernement avaient pris « une décision difficile mais
nécessaire ». Beaucoup de Luxembourgeois lui avaient d’abord reproché
de les abandonner à l’heure de la plus grande détresse. Mais en restant au
Luxembourg, la Grande-Duchesse serait devenue un pantin dans son
102
propre pays – et elle aurait répété l’erreur commise par sa sœur aînée, la
Grande-Duchesse Marie-Adelaïde, plus de 25 ans plus tôt. Charlotte savait
que le seul espoir de liberté et de survie pour le Luxembourg et les
Luxembourgeois pourrait venir des Alliés, En choisissant l’exil, la GrandeDuchesse et les ministres de son gouvernement se s'étaient tournés vers
des amis puissants à Londres et au-delà de l’Atlantique. La nouvelle du
premier discours de la Grande-Duchesse à la BBC à l’automne 1940 se
répandit rapidement au Luxembourg, par le bouche-à-oreille. Ceux qui
l’avaient entendu répétèrent le message de la Grande-Duchesse disant
qu’elle ne les avait pas oubliés et qu’elle se battait pour leur liberté… Après
avoir demandé à un navire de guerre d’emmener les enfants princiers du
Portugal aux Etats-Unis, le président Roosevelt soutint la tournée de
propagande de la Grande-Duchesse et se servit de sa présence dans ses
propres efforts pour faire intervenir l’Amérique dans la guerre. La GrandeDuchesse allait ainsi devenir un symbole et un témoin de ce qui se passait
en Europe – et un appel à l’Amérique pour venir à la rescousse de
l’Europe. La relation entre le Président Roosevelt et la Grande-Duchesse
n’était pas seulement guidée par leur intérêt mutuel. Les auteurs du film
ont retrouvé leur correspondance privée qui révèle une réelle amitié entre
Roosevelt et la Grande-Duchesse. Selon l’historien Curtis Roosevelt,
petits-fils de Franklin D. Roosevelt, la collection de leurs lettres démontre
que Roosevelt prenait très au sérieux sa promesse de « rendre » le
Luxembourg à son souverain légitime.
103
Cinéma - Film
Mercredi 29 février à 20h
Emil (2009)
Marc Thoma a Pol Tousch, Realisatioun.
Pol Tousch, Dréibuch. Anselme Pau, Musek.
Mam Yves Reuland, Felix Eischen, Pol Greisch, Colette Kosch,
Christophe Umbach, Henri Fischbach a.a.
Am Summer 1943, während der Besetzung vu Lëtzebuerg vun de Nazien,
bréngt de jonken Deserteur Emil Schwirtz zwee däitsch Polizisten ëm.
Während dësëm Schosswiessel, gëtt säi Kolleg de Félix Lux vun den
Nazien niddergeschloen. Méi wéi 500 däitsch Polizisten an Zaldoten
durchkämmen d’Dierfer Eschduerf a Heischent fir den Emil a seng
Kollegen ze fannen. 20 Zeien si veruerteelt ginn fir erschoss ze ginn, falls
di schëlleg net optauchen. Aner wichteg Momenter am Film ass de Mord
vun engem Verräter, deen sech an d’Reien vun de Resistenzler
geschmuggelt hat, oder och de Selbstmord vun engem Resistenzler, dee
an eng Fal vun der Gestapo getappt war. De Film weist och aner
dramatesch Momenter vun de Joeren 1943-1945, wéi z. B d’Exekutioun
vun 23 Patrioten zu Hinzert a respektéiert skrupellos d’historesch Faiten et
Zeienaussoen aus där Zäit.
*
À l’été 1943, le jeune déserteur Emil Schwirtz abat deux gendarmes
allemands. Lors de la fusillade, son ami Félix Lux est tué. Plus de 500
policiers et soldats allemands ratissent alors les villages d’Eschdorf et
Heiderscheid pour le retrouver ainsi que ses camarades réfractaires. Le
film qui fait également référence à d’autres moments dramatiques des
années 1943 à 1945, comme la liquidation d’un traître infiltré dans les
rangs de la résistance, l’exécution de 23 patriotes à Hinzert, ou encore le
suicide d’un résistant pris au piège par la Gestapo.
104
Mercredi 2 mai à 20h
Schockela, Knätschgummi a
brong Puppelcher (2010)
Andy Bausch, Realisatioun.
Carlo Thiel, Jean-Louis Schuller, Kamera.
Paul Thiltges, David Grumbach, Produktioun.
Ben Barnich, André Mergenthaler, Rico Querin, Serge Tonnar, Musek.
André Jung, Erzieler.
Den 10. September 1944 kommen déi éischt Amerikaner iwwert d’Grenz.
Deen sou laang erwaarte Befreier ass do! D’Täsche voller Schockela,
Knätschgummi an Zigaretten; mësstrauesch, ugespaant, awer ganz séier
iwwerwältegt vun der Dankbarkeet vun de Lëtzebuerger. Et entstin
Frëndschaften, Aventuren, esouguer Bezéiungen. D’Unzuel vun de klenge,
wäissen a bronge Puppelcher vun onbekannte Pappen, déi an den
nächste Méint zu Lëtzebuerg op d’Welt kommen, ass net bekannt. Och déi
honnerte vu Madamen, déi dem GIen iwwert de grousse Pull nofuere, sinn
ni registréiert ginn. Den Andy Bausch recherchéiert a schafft iwwer e Joer
un dem Documentaire „Schockela, Knätschgummi a brong Puppelcher“,
interviewt d’Lëtzebuerger an amerikanesch Veteranen, där enger déi op
Besuch sinn an där anerer déi zu Lëtzebuerg hänke bliwwe sinn. Zu New
York interviewt hien den Tony Vaccaro, de legendären, 84 Joër jonke
Fotograf, deen am Wanter 44 all déi Fotoe gemaach huet, déi eis aus där
Zäit an Erënnerung bleiwen. Awer och d’Kanner vum GIen a
Lëtzebuergerinne kommen zu Wuert, déi déi sech ze erkenne ginn, déi
awëllegen virun d’Kamera ze trieden. „Schockela, Knätschgummi a brong
Puppelcher“ erzielt d’Geschichte vun der Liberatioun, vum Hemingway,
Marlene Dietrich an Eisenhower, vum Kleeschen, vu gebrachenen
Häerzer, décke Bäich, an Nikotinvergëftungen.
*
Le 10 septembre 1944, les premiers Américains entrent au Grand-Duché
pour le libérer. Ils vont en même temps changer la vie des
Luxembourgeois, car pour le pays, c’est un vent nouveau qui souffle. Si le
contact des soldats américains avec la population est d’abord méfiant, il
devient très vite cordial et amical. Dans ce documentaire d’Andy Bausch,
de nombreux témoins, dont le célèbre photographe Tony Vaccaro qui a
105
photographié la Libération du Luxembourg, racontent leurs souvenirs. Le
film évoque aussi les enfants nés de ces rencontres, les femmes qui ont
suivi des soldats aux États-Unis, ou encore les Américains qui se sont
installés au Grand-Duché.
106
variatio delectat
Exploration du monde / Welterkundung
Irlande, ombres et lumières
p. 107
Louisiane, laisse les bons temps rouler
p. 108
Les chemins de Compostelle
p. 109
Wallonie, le terroir au fil de l’eau
p. 110
Inde au milliard de regards
p. 111
Un thé au Japon
p. 112
Mongolie, les derniers nomades
p. 113
107
Documentaire
Tarif unique 12,5 € / Abo Explo du monde
Mardi 4 octobre à 20h
Irlande, ombres et lumières
par Luc Giard
Venez partager les émotions d’une Irlande intemporelle et contemporaine.
Découvrez les irlandais à travers leurs décors naturels. Luc Giard s’attache
en particulier au Connemara, en passant par le Donegal. Un ensemble de
tableaux vivants qui reflètent l’histoire et les traditions de cette île à la
singulière beauté. Restée très vive, la ferveur religieuse est rythmée par
les pèlerinages de Mac Dara, de Croagh Patrick ou encore de Knock, alors
que l’Irlande du Nord nous rappelle l’autre ferveur, celle des Orangistes
toujours présents. Des concours de chevaux aux courses de vieux
gréements, en passant par la musique des pubs, la pêche à la mouche, les
promenades en carriole sur l’île d’Aran, la Saint-Patrick à Dublin et autres
perles, nous aurons sous les yeux et à l’oreille tout ce qui fait battre le
coeur des Irlandais et nous les rend si sympathiques ! Enfin, ce reportage
évoque aussi l’Irlande d’aujourd’hui : la crise économique mondiale, pas
encore terminée, n’efface pas l’essor exceptionnel qu’a connu, au cours de
la dernière décennie, ce pays jeune, dynamique, séduisant et festif. Et
pour tout dire : émouvant !
*
Entdecken Sie das zeitlose und moderne Irland, erleben Sie die irische
Landschaft und ihre Bewohner. Luc Giard richtet besonderes Augenmerk
auf Connemara und Donegal, die die Geschichte und Traditionen der Insel
mit ihrer einzigartigen Schönheit widerspiegeln. Eine enorme Wichtigkeit
nehmen die Wallfahrten nach Mac Dara, Croagh Patrick und Knock ein, in
Nordirland hat der Oranier-Orden eine lange Geschichte. Pferderennen,
die Musik in den Kneipen, Fliegenfischen, Schlittenfahrten auf der Insel
Aran, St. Patrick in Dublin und viele andere Traditionen haben wir vor
Augen, wenn wir an Irland denken. Abschließend beleuchtet die Reportage
auch die aktuelle Situation Irlands: Die Wirtschaftskrise, die zwar noch
nicht vorbei ist, hat das außergewöhnliche Wachstumstempo im letzten
Jahrzehnt dieses jungen, dynamischen und attraktiven Landes nicht
gebremst. Mit einem Wort: bewegend!
108
Documentaire
Mardi 8 novembre à 20h
Louisiane, laisse les bons temps
rouler
par Jean-Louis Mathon
La Louisiane évoque demeures à colonnades, plantations de coton et
dames en crinoline. Mais Jean-Louis Mathon dévoile avec humour,
enthousiasme et passion cette Louisiane qui conjugue la nostalgie du
passé et les risques de la modernité. Au lendemain des ouragans
dévastateurs et de la folie de l’or noir dans le Golfe du Mexique, le cinéaste
soulève ici le voile d’une terre baignée par la moiteur des états du sud
profond. De superbes images font de ce voyage un spectacle intimiste où
se dévoile sans pudeur l’âme des cajuns avec leur accent suave d’une
époque révolue. Il ne reste aujourd’hui qu’un mince vernis de tradition et
d’influence française mais les noms des villes fleurent encore bon la vieille
France : Bâton-Rouge, la capitale politique ; Nouvelle-Orléans, le centre
économique ; Lafayette, la cité de la francophonie ; sans oublier une
multitude d’agglomérations Terrebonne, Saint Martinville, Grand Caillou,
Lafourche, Mauvais Bois, Pointe Au Chien… Pourtant, les liens avec les
francophones d’Europe et du Québec dépassent le cadre d’une simple
entreprise teintée de romantisme. Un beau voyage plein de justesse et de
sensibilité chez nos cousins d’Amérique.
*
Louisiana erinnert an Kolonnaden, Baumwollplantagen und Damen in
Reifröcken. Jean-Louis Mathon zeigt mit Humor, Begeisterung und
Leidenschaft ein Louisiana, das die Nostalgie der Vergangenheit und die
Risiken der Moderne verbindet. Der Filmemacher zeigt auch, wie die
Südstaaten nach dem verheerenden Hurrikan und der Ölpest im Golf von
Mexiko weitermachen. Er zeigt eindrucksvolle Bilder seiner Reise und hat
darauf die Seele der Cajuns, deren Akzent an eine längst vergangene
Epoche erinnert, eingefangen. Heute ist kaum noch etwas aus der
französischen Tradition erhalten, nur die Namen der Städte erinnern noch
an das gute alte Frankreich: Baton Rouge, die Hauptstadt, New Orleans,
das wirtschaftliche Zentrum, Lafayette, die Stadt der Frankophonie, nicht
zu vergessen Terrebonne, St. Martinville, Grand Caillou, Lafourche, Bad
Bois, Pointe Au Chien ... Verbindungen mit Französischsprachigen in
Europa und Quebec gehen weit über eine romantische Annäherung
hinaus. Eine schöne Reise voller Wahrheit und Sensibilität zu unseren
amerikanischen Cousins.
109
Documentaire
Mardi 6 décembre à 20h
Les chemins de Compostelle
par Alain de la Porte
Partir à Compostelle, vous dira Alain de la Porte, n’est pas une aventure
banale. Aujourd’hui encore des pèlerins du monde entier foulent ce sol
marqué par les pas de millions d’hommes, prolongeant ainsi l’une des plus
fameuses épopées spirituelles de l’Occident ! Un périple de 1 700 km au
rythme rude et lent de la marche avec ces rencontres qui marquent. Un
chemin fascinant, classé par l’Unesco au Patrimoine Mondial de
l’Humanité, dont les principaux trésors subsistent encore : splendeur de
l’art roman s’affichant aux façades d’églises et d’abbayes, monuments
humbles ou prestigieux. Un chemin qui ne laisse jamais de place à la
monotonie, un chemin de vérité, d’humilité avec une incroyable variété de
paysages. On prend ici le temps de respirer le parfum des jonquilles dans
l’Aubrac, de lever les yeux vers les aigles des Pyrénées, d’effleurer les
blés dans la Meseta castillane, de franchir les ruisseaux de montagne, de
traverser en terre celtique les villages de Galice. Une expérience unique,
un vécu que le cinéaste fera partager avec l’intensité de chaque échange,
la solidarité dans la douleur, les moments fugaces et vrais des repas et
des verres d’eau fraîche, des regards et des sourires sur les sentiers et
dans les gîtes.
*
Der Jakobsweg, wird Ihnen Alain de la Porte erzählen, ist kein
gewöhnliches Abenteuer. Auch heute noch kommen Pilger aus der ganzen
Welt, um den Boden zu betreten, den bereits Millionen von Menschen
gegangen sind; eines der bekanntesten spirituellen Epen des
Abendlandes! Eine 1 700 km lange Reise, ein beschwerlicher und
langsamer Marsch. Ein faszinierender Weg, in das UNESCO-Welterbe
aufgenommen, der die wichtigsten verbleibenden Schätze verbindet: die
Fassaden der Kirchen und Klöster, diese schlichten und prestigeträchtigen
Denkmäler sind Beispiele romanischer Baukunst. Ein Weg, der niemals
langweilig wird, ein Weg der Wahrheit und Demut, mit einer unglaublich
vielfältigen Landschaft. Hier nehmen wir uns Zeit und atmen den Duft der
Osterglocken von Aubrac ein, wir erheben den Blick zu den Adlern der
Pyrenäen, berühren das Korn der kastilischen Meseta, überqueren
Gebirgsbäche und durchqueren galizische Dörfer. Ein einmaliges Erlebnis,
eine intensive Erfahrung, an der uns der Regisseur teilhaben lässt.
110
Documentaire
Mardi 10 janvier à 20h
Wallonie, le terroir au fil de l’eau
par Philippe Soreil
Avec Philippe Soreil pour guide, de rencontres en découvertes, laissez
surgir la lumière, la vie, la force et les beautés de la Wallonie. À travers de
nombreux témoignages au fil de l’eau, il va tenter de recomposer cette
mosaïque qui fait des Wallons d’aujourd’hui les gardiens de leur terroir.
Les Wallons ont toujours entretenu un rapport intime, privilégié et parfois
mystique avec leur forêt profonde de chênes et de hêtres. Les clairières
d’antan sont aujourd’hui devenues des villes, les sentiers des routes et les
chemins des autoroutes. Les bois ne cernent plus les hommes, ce sont les
hommes qui cernent les bois. Et pourtant, en Wallonie, il suffit de
s’enfoncer sous les futaies, de se glisser dans les taillis, de respirer l’odeur
de fougères et d’humus, de trouver la source ou le ruisseau pour se sentir
simplement bien, dans cet air pur qui nous grise, ces jeux d’ombres et de
lumières au coeur des bois, ces parfums de fruits sauvages, cette
présence furtive des animaux et ces chants d’oiseaux qui réveillent nos
sens endormis. Nous allons raconter cette Wallonie au fil de l’eau, à
travers son peuple d’agriculteurs, de forestiers, d’artisans, de cultivateurs,
d’inventeurs, d’artistes et autres amoureux de la nature wallonne.
*
Entdecken Sie mit Philippe Soreil das Leben und die Schönheit der
Wallonie, der die Geschichten um dieses Land wie ein Mosaik
zusammenbauen wird. Die Wallonen hatten schon immer eine enge
Beziehung zu ihren mystischen, tiefen Eichen- und Buchenwäldern. Die
Lichtungen von damals sind heute zu Städten geworden, viele kleine Wege
zu Straßen und Autobahnen. Nicht der Wald umgibt heute die Menschen,
sondern die Menschen umgeben den Wald. Und doch, in der Wallonie
genügt es, in die Hochwälder einzutauchen, um den Geruch der Farne und
des Humus einzuatmen, eine Quelle oder einen Bach zu finden und sich
dort wohl zu fühlen, die gute, saubere Luft einzusaugen, das Schatten- und
Lichtspiel im Herzen des Waldes zu bestaunen; man kann sich von der
verstohlenen Anwesenheit der Tiere überzeugen und von den
Vogelstimmen unsere abgestumpften Sinne erwecken lassen.
électronique, > contactez le 26 81 21-306 ou elvira.mit[email protected]
111
Documentaire
Mardi 7 février à 20h
Inde au milliard de regards
par Lionel et Cyril Isy-Schwart
Avec une population de 1,17 milliard d’âmes, l’Inde est, après la Chine, le
pays le plus peuplé au monde. Fascinante pour les uns, dérangeante pour
les autres, l’Inde est exubérante dans ses couleurs, démesurée dans ses
richesses, insupportable dans sa pauvreté, ardente dans ses fêtes. Si le
sous-continent indien est en passe de devenir une super puissance
économique, la grande majorité de ses hommes et femmes sont encore
très attachés à leurs traditions. À Ujjain, l’une des sept villes sacrées de
l’hindouisme, nous participerons à une Khumbamela, le plus grand
pèlerinage au monde. Nous irons au Rajasthan, territoire des seigneurs,
les Maharadjas, abritant le désert du Thar et ses petits villages sans eau ni
électricité. Loin des circuits touristiques, l’immense bidonville de Dharavi à
Bombay abrite une incroyable activité économique informelle. Nous
voyagerons au Kérala, le long de la Mer d’Arabie : immenses plages
bordées de cocotiers, canaux paisibles, forêts luxuriantes, cascades,
montagnes embrumées recouvertes de plantations de thé. Nous
achèverons ce magnifique périple à Mathura, lieu de naissance de
Krishna, où l’on célèbre avec ferveur l’arrivée du printemps. Spectacle
fascinant, où hommes et femmes, toutes conditions sociales confondues,
s’aspergent de poudres de couleurs dans une ferveur collective.
*
Mit 1,17 Milliarden Einwohnern ist Indien nach China das
bevölkerungsreichste Land der Welt. Faszinierend für die einen, verstörend
für die anderen, zeigt Indien seine vielen Gesichter: die üppigen Farben,
der übermäßige Reichtum, unerträgliche Armut und die rauschenden
Feste. Obwohl der Subkontinent auf dem Weg zur wirtschaftlichen
Supermacht ist, zeigt sich die überwiegende Mehrheit der Männer und
Frauen immer noch sehr den Traditionen verbunden. In Ujjain, eine der
sieben heiligen Städte des Hinduismus, werden wir an einer Kumbh Mela,
das größte religiöse Fest der Welt, teilnehmen. Wir werden nach Rajasthan
reisen, das Land der Maharadschas, in die Wüste Thar mit ihren kleinen
Dörfern ohne Wasser und Strom. Abseits der touristischen Gegenden, in
den Slums von Dharavi in Bombay, herrscht reges wirtschaftliches Treiben.
Wir werden Kerala besuchen: weite Strände mit Kokospalmen, üppige
Wälder, Wasserfälle, neblige Berge mit Teeplantagen. Letzte Station
dieser wunderbaren Reise ist Mathura, der Geburtsort von Krishna, wo
ausgelassen die Ankunft des Frühlings gefeiert wird.
112
Documentaire
Mardi 6 mars à 20h
Un thé au Japon
par Maximilien Dauber
On dit souvent qu’aller au Japon, c’est voyager sur une autre planète. Ce
n’est pas tout à fait faux. Emprunter les routes séculaires dans les pas des
peintres voyageurs est une façon d’aborder ce pays dans son éternité et
sa modernité. Quand Tokyo s’appelait encore Edo, cinq routes importantes
reliaient la province à la capitale du Soleil Levant. Si de nos jours, on a du
mal à les reconnaître sous le béton, ces routes impériales sont encore
jonchées par endroits d’impressionnants vestiges féodaux et de refuges
paradisiaques naturels mis en valeur par les haïkus, ces fragments
poétiques émotionnels ramassés en quelques signes graphiques. Nourri
de ces arts depuis des temps immémoriaux, le peuple nippon a développé
une réceptivité toute particulière aux humeurs de la nature. Du plus
profond de leur âme, les Japonais saisissent intuitivement l’impermanence
des choses et des êtres peuplant leur univers. De plus, derrière une réalité
quotidienne rigoureusement hiérarchisée, se cache une puissance
évocatrice, une force imaginative qui s’exprime dans la cérémonie du thé,
dans l’architecture épurée de leurs demeures, dans la charge symbolique
des bonsaïs accrochés au balcon. Vous l’avez compris, voyager au Japon
relève davantage du parcours initiatique que d’une promenade exotique.
*
Es wird oft gesagt, dass eine Reise nach Japan einer Reise auf einen
anderen Planeten gleicht. Das ist nicht ganz falsch. Als Tokio noch Edo
genannt wurde, verbanden fünf große Straßen die Provinz mit der
Hauptstadt der aufgehenden Sonne. Heutzutage finden sich auf den
kaiserlichen Routen eindrucksvolle Relikte der feudalen und
paradiesischen Refugien, die je nach Wichtigkeit mit Haikus, kurzen
Gedichten, versehen sind. Die Japaner haben ein besonderes Gespür für
die Launen der Natur entwickelt und verstehen intuitiv die Vergänglichkeit
der Dinge. Dem gegenüber steht ein Alltag mit starren Hierarchien
einerseits und andererseits Stärke und fantasievolle Kraft, die in der TeeZeremonie, in der Architektur ihrer Häuser oder in der symbolischen
Aufhängung der Bonsais auf den Balkonen Ausdruck finden. Sie sehen,
eine Reise nach Japan ist eher mit einem Lehrpfad als mit einem
exotischen Spaziergang gleichzusetzen.
113
Documentaire
Mardi 24 avril à 20h
Mongolie, les derniers nomades
par Batpurev Tsedendorj et Patrick Bernard
Partez à la découverte des steppes. Vous irez aux confins des confins, à la
rencontre de ces derniers peuples nomades. Pays balayé par les vents,
nature extrême, on ne pouvait rêver meilleurs guides pour découvrir
l’intimité d’un peuple étonnant. Patrick Bernard est allé à la rencontre de
diverses familles nomades mongoles, dont il a su capter la confiance et la
sympathie. Il nous invite à emboîter le pas et la vie des derniers « fils du
vent », un vent de liberté et des touches de couleurs rebelles sur le grand
tissu d’une famille humaine en voie de globalisation. Car ces nomades
refusent les bornes et les normes, sinon celles de la nature-vie. Ils portent
l’immensité au creux de leur âme. Ils coulent sur leurs pistes comme les
fleuves dans leurs lits. Ils courent comme leurs chevaux, leurs chameaux
ou leurs rennes à travers les grands espaces. Aux abords de la taïga, dans
les steppes, dans la « mer sèche » (le désert de Gobi), dans leurs
montagnes, voyager est un état d’esprit. Certes, leur liberté, leur vie
dépouillée, la beauté âpre et sauvage de leur pays demandent du courage
car leur univers n’est pas tendre. Pourtant, ils sont heureux car ils ont la
passion, une passion rouge comme les braises de leurs yourtes
protectrices, fidèles compagnes de leurs voyages.
*
Entdecken Sie die Steppen. Sie müssen bis an die Grenzen der Grenzen
gehen, um die nomadischen Völker zu treffen. Patrick Bernard traf
verschiedene mongolische Nomaden und schaffte es, ihr Vertrauen zu
gewinnen. Er lädt uns ein, das Leben der letzten „Söhne des Windes“
kennenzulernen, den Wind der Freiheit zu spüren. Die Nomaden lehnen
jegliche Grenzen und Normen ab, leben mit der Natur. Ihre Seelen sind
grenzenlos, sie fließen wie die Flüsse, laufen wie ihre Pferde, Kamele und
Rentiere durch die freie Natur. Am Rande der Taiga, in den Steppen, in der
Wüste Gobi, in den Bergen, ist Reisen eine Geisteshaltung. Ihre Freiheit,
ihr Leben, die herbe Schönheit des Landes verlangen ihnen Mut ab, denn
ihre Welt ist nicht sanft. Und dennoch sind sie glücklich, auf den Reisen
stets von der roten Glut ihrer Jurten begleitet.
114
variatio delectat
Culture pour enfants / Kinderkultur
Bauchgeflüster
p. 116
Nino de Sopranino
p. 117
Den Dëlpeshans
p. 118
Snow Eyes
p. 119
Duo Duu
p. 120
Mi otro yo
p. 121
Tarte au chocolat
p. 122
115
CAKU- KannerKultur
L’abonnement culturel pour les enfants
Das Kultur-Abo für Kinder
CAKU, l’abonnement culturel pour les enfants – une
collaboration entre Mersch et Ettelbruck
L’abonnement CAKU, proposé en collaboration avec le Mierscher
Kulturhaus, est destiné aux enfants de 2 à 12 ans. Il se compose au
minimum de 3 spectacles choisis parmi l’offre ci-dessous, en respectant la
répartition suivante : 1 spectacle au CAPe + 2 au Mierscher Kulturhaus, ou
2 spectacles au CAPe + 1 au Mierscher Kulturhaus. Avec cet abonnement,
vous bénéficiez de 30 % de réduction sur le tarif adulte comme sur le tarif
enfant. Découvrez des livres pour enfants sur les thèmes des spectacles
de CAKU aux bibliothèques d’Ettelbruck et de Mersch.
CAKU, das Kultur-Abo für Kinder – eine Zusammenarbeit
zwischen Mersch und Ettelbruck
In Zusammenarbeit mit dem Mierscher Kulturhaus bietet das CAPe das
Abonnement CAKU für Kinder von 2 bis 12 Jahren an. Das Abo beinhaltet
mindestens 3 Veranstaltungen, die wie folgt ausgewählt werden können: 1
Veranstaltung im CAPe + 2 im Mierscher Kulturhaus oder 2
Veranstaltungen im Mierscher Kulturhaus+1 im CAPe. Mit diesem Abo
erhalten Sie 30 % Rabatt auf den Erwachsenen- sowie auf den Kindertarif.
Kinderbücher zu den Veranstaltungen und Themen des CAKU-Programms
liegen in der Ettelbrécker Bibliothéik und im Mierscher Lieshaus zum
Schmökern bereit.
116
CAKU – Danse/Théâtre Jeune Public (de 2 à 4 ans) Tarif C / Abo CAKU
Mardi 25 octobre à 10h30 et 15h
Mercredi 26 octobre à 9h et 10h30
Jeudi 27 octobre à 10h30 et 15h
Durée / Dauer : 25 min
Sans paroles / ohne Sprache
Bauchgeflüster
Toihaus Theater Salzburg
Katharina Schrott, Idee, Choreografie und Tanz.
Pascale Staudenbauer, Tanz. Herbert Pascher, Cello.
Aus eins wird zwei. Zwei sein. Zwei werden. Eins sein. Es ist da und
zugleich nicht da. Eine kleine Seele am Beginn des Lebens. Eingerollt und
zufrieden. Und das lange Band? Die Riesenschnur? Wo führt sie hin?
„Bauchgeflüster“ erzählt in berührenden Bildern voller Symbolkraft, wo
Leben beginnt, welche Wege es geht und welche Gefühle es durchlebt. Ein
poetisches Stück voller Herzenswärme und Humor über das werdende
Leben.
*
Un devient deux. Être à deux. Devenir deux. Être un. Il ou elle est là, et en
même temps absent. Une petite âme au commencement de la vie.
Recroquevillée et paisible. Et ce long ruban ? Ce cordon immense ? Où
mène-t-il ? « Bauchgeflüster » (murmures du ventre) raconte le début de la
vie, en images à la fois touchantes et très symboliques, et décrit les
chemins qu’elle emprunte et les sensations qu’elle suscite. Une pièce
poétique pleine de tendresse et d’humour sur la vie qui se forme.
117
CAKU – Danse/Théâtre Jeune Public (de 4 à 8 ans) Tarif C / Abo CAKU
Lundi 5 décembre à 10h (séance scolaire)
Nino de Sopranino a seng Famill
Saxitude
Robi Arend, Iddi an Ëmsetzung, Musek. Julien Arpetti, Text.
Al Ginter, Erzieler a Percussonist. Rob Arend, Thomas Diemert, Pierre
Cocq-Amann, Rémi Fox, Saxophon.
Eng flott musikalesch Geschicht fir Kanner mat engem Erzieler, engem
Saxophonsquartett an engem Percussionnist: Hei geet et ëm d’Famill vun
de Saxophonen, vum Saxophon Sopranino bis zum Saxophon Bass,
lëschteg a witzeg erzielt, musikalesch ënnermolt vun Saxitude. Niewent
bekannten Stécker déi fir Saxophon komponéiert gi sinn, wéi de Pink
Panther, de Boléro, Take Five, kënnt dir eng ganz Rei vun neie Stécker
entdecken, déi den Robi Arend fir den Nino komponéiert huet. Vun der
klassescher Musek iwwert Jazz bis zur moderner Musek, si bal all
Musekstiler vertrueden. Well d’Musek esou flott ass, sinn d’Elteren,
d’Bomien an d’Bopien genee esou wëllkomm wéi d’Kanner.
*
Une belle histoire présentée par un conteur, un quatuor de saxophones et
un percussionniste. La famille des saxophones sera montrée aux enfants
de manière ludique par le narrateur qui sera accompagné par l’ensemble
Saxitude. À côté de thèmes célèbres comme la Panthère Rose, le Boléro
ou Take Five, les jeunes auditeurs découvriront les compositions de Roby
Arend. De la musique classique à la musique moderne en passant par le
jazz, tous les styles seront représentés. Et comme la musique est toujours
un plaisir, parents et grands-parents sont aussi les bienvenus…
électronique, > contactez le 26 81 21-306 ou elvira.mittheis@cape.lu
118
CAKU – Théâtre Jeune Public (+ 6 ans)
Tarif B / Abo CAKU
Lundi 9 janvier à 10h et 14h30 (séances scolaires)
Mardi 10 janvier à 14h30 et 16h30
Mercredi 11 janvier à 10h et 14h30 (séances scolaires)
Langue / Sprache : LU
Den Dëlpeshans
Vum Peter Seligmann, fräi nom Hans Christian Andersens
„Clods Hans“
Schnawwl-Nationaltheater Mannheim
Andrea Gronemeyer, Regie. Beate Anton, musikalesch Leedung.
Martine Schoellen, Iwwersetzung.
Mam David Benito Garcia, Beate Anton.
De klengen Hans ass schon als Kand e richtegen Dëlpes, duerfir gëtt hien
scho fréi „den Dëlpeshans“ genannt. Sinn seng zwee grouss a geléiert
Bridder de ganze Stolz vum Papp, sou traut een dem Dëlpeshans näischt
aneschtes wéi Dëlpeszechkeeten zou. Den Dëlpeshans wëll awer, sou wéi
all déi aner jonk Männer am Land, ëm d’Hand vun der Kinneksduechter
unhalen. Vu sengem Papp kritt den Dëlpeshans e Geessebock aplaz vun
engem Päerd, op deem en sénge Bridder hannendrun hier reid. Wéi och
ëmmer, um Wee fir bei d‘Schlass sammelt den Dëlpeshans allerlee
Géigestänn an, déi him herno bei der Prinzessin hirer Audienz wäerte
nëtzlech sinn. Iwwerzeegt vun sengem Humor a senger Fantasie, ass den
Dëlpeshans fest entschloss mat senge Spiichten d‘Prinzessin fir sech ze
gewannen.
*
Le petit Hans est un vrai maladroit, et c’est pour cela qu’on le surnomme «
Hännes le lourdaud ». Alors que ses deux grands frères, très instruits, font
la fierté de leur père, ce dernier pense que son fils cadet ne peut rien faire
d’autre que des bêtises. Aussi, quand Hännes lui annonce son intention
d’aller demander la main de la fille du roi, comme tous les jeunes hommes
du royaume, il lui donne un bouc au lieu d’un cheval pour galoper derrière
ses frères… Peu importe ! Sur le chemin du château, Hännes ramasse
toutes sortes d’objets pour son audience chez la princesse. Car, sûr de
son humour et de son imagination, et il est bien résolu à la convaincre par
ses plaisanteries.
119
CAKU – Danse Jeune Public (de 2 à 4 ans)
Tarif C / Abo CAKU
Mardi 24 janvier à 10h30 et 15h
Mercredi 25 janvier à 9h et 10h30
Jeudi 26 janvier à 10h30 et 15h
Snow Eyes
Tali Rázga Company
Tali Rázga, chorégraphie. Ida Marie Ellekilde, décor.
Søren Dahl Jeppesen, composition et musique.
Avec Marie Sol Sandberg et Tomomi Yamauchi.
Un jour, tu te réveilles dans un magnifique paysage couvert de neige.
Autour de toi, tout est nouveau, frais et pur. Tout paraît différent et
l’ambiance est poétique. Le monde est autre, car tu vois la vie à travers tes
yeux de neige. « Snow Eyes » est un spectacle qui explore le monde de
manière authentique, comme le fait un enfant. Deux danseuses et un
musicien partagent avec leurs jeunes spectateurs l’étonnement et la magie
de la première rencontre avec la neige.
*
Du wachst eines Tages in einer herrlichen Schneelandschaft auf. Deine
Umgebung ist neu, frisch und rein. Alles ist anders, Poesie liegt in der Luft.
Die Welt ist verändert, denn du siehst sie durch deine Schneeaugen.
„Snow Eyes“ ist ein Stück, das die Welt unverfälscht und vorurteilslos aus
der Sicht eines Kleinkindes betrachtet. Zwei Tänzerinnen und ein Musiker
nehmen die Kinder mit in eine Welt des Staunens und der Magie: die der
ersten Begegnung mit dem Schnee.
120
CAKU – Danse Jeune Public (de 4 à 8 ans)
Tarif C / Abo CAKU
Mardi 14 février à 10h (séance scolaire) et 14h30
Mercredi 15 février à 10h et 14h30 (séances scolaires)
Jeudi 16 février à 10h (séance scolaire) et 14h30
Vendredi 17 février à 10h et 14h30 (séances scolaires)
Duo Duu
Dance Development
Coproduction Centre de Création Chorégraphique Luxembourgeois TROIS
C-L, TRAFFO_CarréRotondes, Centre des Arts Pluriels d’Ettelbruck
Anu Sistonen, chorégraphie. Emre Sevindik, composition musicale.
Jennifer Gohier et Sarah Picard, danse. Benoît Legot, contrebasse.
Rachel Quarmby, costumes. Nico Tremblay, Elric Vanpouille,
conception lumière.
« Duo Duu » parle de l’amitié entre enfants, avec ses petits bonheurs et
ses grands malheurs. Du « C’est toi, ma meilleure amie, pour la vie ! » à «
T’es plus ma copine, j’te cause plus ! »… L’amitié entre enfants est entière,
absolue, défi nitive car elle refl ète l’intensité de leurs sentiments. Sur
scène, deux danseuses et un musicien avec sa contrebasse. La musique
accompagnera les émotions des deux personnages, donnera le rythme et
l’énergie aux deux danseuses. Tout au long de son travail de chorégraphe,
Anu Sistonen a toujours cherché l’émotion juste tant pour les artistes sur
scène que pour le public. Avec « Duo Duu », les enfants pourront s’identifi
er aux personnages en reconnaissant des scènes de leur vie. Ce spectacle
souhaite permettre aux enfants d’exorciser ces sentiments ambivalents
dans l’amitié.
Séances au CarréRotondes à Luxembourg-Hollerich du 8 au 12 février. www.traffo.lu
*
„Duo Duu“ erzählt von Kinderfreundschaften, ihren schönen Momenten
aber auch von Streitereien. Kinder erleben diese Freundschaften als
ungeteilt, vollkommen und definitiv, sie spiegeln stark die Intensität ihrer
Gefühle wider. Auf der Bühne stehen zwei Tänzerinnen und ein Musiker
mit seinem Kontrabass. In der Arbeit der Choreografi n Anu Sistonen spielt
die Gefühlswelt auf der Bühne sowie im Publikum eine wichtige Rolle, die
Kinder können sich mit den Figuren identifizieren und vieles aus ihrem
eigenen Leben wiedererkennen. „Duo Duu“ soll helfen, mit ambivalenten
Gefühlen in Freundschaften umgehen zu lernen.
Aufführungen im CarréRotondes in Luxemburg-Hollerich am 8. und 12. Februar.
www.traffo.lu
121
CAKU – Magie Jeune Public (+ 6 ans)
Tarif B / Abo CAKU
Dimanche 25 mars à 17h
Lundi 26 mars à 10h (séance scolaire)
Mi otro yo (Mon autre moi)
Compagnie Doble Mandoble
Avec Luis Javier et Miguel Angel Córdoba Pelegrín.
Le héros aux multiples facettes se heurte à l’inattendu, fait face à ses
contradictions, plonge dans l’autodérision et se réveille dans la poésie.
C’est l’histoire d’un jeune homme sensible confronté à l’enfermement, d’un
magicien loufoque lors d’expériences fantaisistes, d’un acrobate dédoublé
dans ses tentatives d’évasion. Le héros n’est pas toujours celui que l’on
croit. Entre rages, rêves et rires, les spectateurs sont invités à
accompagner le protagoniste dans son voyage identitaire au delà du
miroir. Illusions, mouvements, métamorphoses… La compagnie Doble
Mandoble parvient à créer une nouvelle approche de la magie en la
mélangeant au sein d’un même spectacle avec le cirque et la manipulation
d’objets, dans une mise en scène théâtrale et burlesque…
*
Unser Protagonist irrt durch die Welt, begegnet Unerwartetem, nimmt sich
selbst auf den Arm und erwacht in einer Fantasiewelt. Es ist die
Geschichte eines jungen sensiblen Mannes, der plötzlich eingesperrt wird,
aber auch die eines verrückten Magiers, der fantastische Experimente
durchführt, und eines doppelten Akrobaten, der versucht zu entfliehen.
Man muss wissen: Der Held ist nicht immer der, den wir dafür halten! Die
jungen Zuschauer werden eingeladen, ihn auf seiner Identitätssuche zu
begleiten. Illusionen, Bewegungen, Verwandlungen … Willkommen im
Land der Persönlichkeitsfindung … Die Kompanie Doble Mandoble hat ein
Magiestück geschaffen, das mit Zirkuselementen und Objekttheater
vermischt ist. Dabei herausgekommen ist ein höchst vergnügliches
Theaterstück.
122
CAKU – Théâtre Jeune Public (de 4 à 6 ans)
Tarif B / Abo CAKU
Dimanche 29 avril à 17h
Lundi 30 avril à 10h (séance scolaire)
Tarte au chocolat
KumEina – Mezzanin Theater
Martina Kolbinger-Reiner, Regie.
Mit Erwin Slepcevic und Jean-Paul Ledun.
Eine „Tarte au Chocolat“ ist rund, schokoladig und gut. Aber was passiert,
wenn das Ei nicht so will wie die Köche es wollen, der Teig davonrennt, die
Zutaten verschwinden und der Zucker spinnt? Zwei Köche auf der Suche
nach dem richtigen Rezept, backen im Duett und liefern ein durch und
durch komisches Slapstick-Stück. Der ordnungsliebende Clown Jean-Paul,
der sich seit Jahren in der weiten Welt des Circus (Roncalli, Tigerpalast …)
bewegt, trifft auf seinen charmanten Neffen Erwin, der schon in zahlreichen
integrativen Projekten des Mezzanin Theaters erfolgreich auf der Bühne
stand.
*
Une tarte au chocolat est bien ronde et très appétissante. Mais que se
passe-t-il quand l’œuf n’en fait qu’à sa tête, que la pâte part en courant,
que les ingrédients disparaissent et que le sucre devient fou ? Deux
cuisiniers à la recherche de la recette adéquate font de la pâtisserie en duo
et nous présentent une belle et joyeuse pièce de clowns. Le clown JeanPaul, connu pour son expérience en cirque (Roncalli, Tigerpalast…),
rencontre son charmant neveu Erwin, comédien de nombreuses
productions participatives du Mezzanin Theater.
123
Hic & Nunc
Ici et maintenant / Hier und jetzt
La ligne de programmation « Hic et Nunc » est consacrée à l’important
travail actuel des associations, des groupes et des artistes de la région.
Die Programmlinie „Hic et Nunc“ beinhaltet die aktuellen Arbeiten der
lokalen Vereine und Gruppen, der Künstler und Künstlerinnen unserer
Region.
Chorale Municipale Lyra
p. 124
Ettelbrécker Guiden
p. 125
Ensemble Vocal Cantica
p. 126
Philharmonie Grand-Ducale et Municipale d’Ettelbruck
p. 127
École Primaire d’Ettelbruck
p. 128
Harmonie Union Troisvierges
p. 129
Denkfabrik Nordstad a.s.b.l.
p. 130
p. 131
124
Chorale / Chormusik
Tarif unique : 12€
Samedi 22 octobre à 20h
Best of… 100 Joer
Ettelbrécker Lyra
Chorale Municipale Lyra Ettelbruck
Marion Michels, Leitung. Claude Huss, Klavier.
Arthur Muller, Moderation.
Noch immer befindet sich die Chorale Lyra in „Feierlaune“, denn ihr
Jubiläumsjahr ist noch nicht ganz zu Ende. Zum Abschluss der 100-JahrFeierlichkeiten präsentiert der Ettelbrücker Männerchor ein „Best of“Programm der letzten Galakonzerte mit einer Auswahl der besten Lieder
und schönsten Momente der vergangenen Jahre. Gemeinsam erinnern wir
uns an die Konzerte, wo wir mit internationalen Liebesliedern, mit dem
Jägerlatein, mit deutscher Romantik, mit Texten aus der Luxemburger
Heimat, mit Wiener Melodien oder mit einer musikalischen Weltreise das
Publikum zu begeistern wussten. Auch in diesem Jahr darf sich der
Zuhörer also auf ein buntgemischtes und vielseitiges Programm freuen.
*
L’année jubilaire de la Chorale Municipale Lyra n’est pas encore terminée !
Pour clore les festivités de son 100e anniversaire, la Lyra présente un
programme « Best of… » reprenant les meilleures chansons et les plus
beaux moments des concerts de gala des dernières années. Le public
revivra ainsi ces concerts mémorables, avec les plus belles mélodies
d’amour, l’argot des chasseurs, le romantisme allemand, les textes du
pays, les airs viennois… Bref, un programme très éclectique et un véritable
tour du monde musical !
Renseignements & réservations :
tél. 81 09 61 (à partir du 10 octobre, le soir entre 18h et 20h).
125
Théâtre jeune public
Samedi 5 et dimanche 6 novembre à 15h
Samedi 12 novembre à 14h30 et 18h
Den Zauberer vun Oz
fräi nom L.Frank Baum
Ettelbrécker Guiden
Am Kansas, enger groer, langweileger Géigend wunnt dat klengt Dorothy.
Enges Daags kënnt ee Wierbelstuerm, an hëlt hatt – schwupps – mat
sengem Haus mat an d’Land vun Oz. D’Dorothy fënnt do nei Frënn,
d‘Vulleschäich, de Blechmann an de Léiw. Mat hinnen mécht hatt sech op
den Wee bei den Zauberer vun Oz. Dee soll him hëllefen nees heem ze
kommen. Mee fannen d’Dorothy an seng Frënn den Zauberer? Wëllt hien
hinnen och hëllefen? Mat sengen dräi Frënn erlieft d’Dorothy vill a
spannend Abenteuer. Loosst iech iwwerraschen! Och dëst Joer stinn rëm
50 Kanner an Jugendlech op der Bühn déi alleguer hiert Bescht ginn, fir
Iech mat dëser Geschicht ze begeeschteren.
*
La petite Dorothée vit au Kansas, une région grise et ennuyeuse. Mais un
jour, une gigantesque tornade transporte Dorothée et sa maison dans un
pays merveilleux du nom d’Oz. Et pour pouvoir retourner chez elle,
Dorothée doit retrouver le magicien d’Oz. En chemin, elle rencontre de
nouveaux amis : un épouvantail, un bûcheron en fer blanc et un lion. Mais
vont-ils trouver le magicien ? Voudra-t-il vraiment les aider ? Dorothée et
ses amis vont vivre de nombreuses aventures, alors laissez-vous
surprendre ! Cette année encore, 50 enfants et adolescents évolueront sur
scène pour vous enchanter avec cette merveilleuse histoire.
Renseignements & réservations :
tél. 81 82 73 à partir du 26 octobre, tous les jours de 9h à 11h, sauf
dimanches et jours fériés
126
Musique vocale / Vokalmusik
Tarif 20€ / 10€
Samedi 26 novembre à 20h
Ensemble Vocal Cantica
Rossini, Petite Messe Solennelle
Ianni, Nouvelle Composition
Mariette Lentz, soprano. Manou Walesch, alto.
Thomas Siessegger, ténor. N.N., basse. David Ianni, piano.
Maurice Clement, harmonium. Jean-Paul Majerus, direction.
L’Ensemble Vocal Cantica a été fondé en 1988 par son directeur actuel,
Jean-Paul Majerus, qui a recruté les premiers membres parmi les élèves
de sa classe de chant de l’École de Musique de Wiltz. L’ensemble
comprend aujourd’hui une trentaine de chanteurs qui, pour la majorité
d’entre eux, sont originaires du nord du pays. Le répertoire de Cantica
comprend aussi bien des oeuvres religieuses que profanes de
compositeurs allant de la Renaissance jusqu’à la musique classique
contemporaine. L’ensemble s’est surtout produit au Luxembourg,
notamment au Festival de Wiltz, mais également à l’étranger, comme dans
le cadre de la Schubertiade. L’Ensemble Vocal Cantica s’associe parfois à
d’autres ensembles luxembourgeois (Chorale St. Michel, INECC,
Ensemble Vocal du Conservatoire du Nord) pour des productions de plus
grande envergure. Jean-Paul Majerus a fait ses études musicales au
Mozarteum à Salzbourg. À Diekirch, il a dirigé pendant plusieurs années la
Chorale Sainte Cécile ainsi que les Petits Chanteurs, avant d’assurer de
1992 à 2005 la direction musicale de la Maîtrise de la Cathédrale NotreDame de Luxembourg.
*
Das Vokalensemble Cantica wurde 1988 vom jetzigen Direktor Jean-Paul
Majerus gegründet. Die ersten Mitglieder waren Schüler seiner
Gesangsklasse in der Musikschule in Wiltz. Heute besteht das Ensemble
aus dreißig Sängern, die zum größten Teil aus dem Norden des Landes
kommen. Das Repertoire von Cantica umfasst sowohl religiöse als auch
weltliche Werke von Komponisten aus der Renaissance bis zur
zeitgenössischen klassischen Musik. Der Chor hatte schon Auftritte in
Luxemburg und im Ausland, ein Fixtermin ist das jährliche Konzert am
ersten Wochenende im Advent in der Pfarrkirche in Diekirch. Der Chor trat
bereits auf dem Festival von Wiltz auf und gab Konzerte im Rahmen der
Schubertiade. Jean-Paul Majerus war jahrelang Dirigent der Diekircher
Chöre Sainte Cécile und Petits Chanteurs sowie musikalischer Leiter des
Chores der Kathedrale Notre-Dame de Luxembourg.
127
Ensemble d’harmonie / Harmoniemusik
Tarif : 12,5€ / 6,25€
Samedi 10 décembre à 20h
Concert de gala d’hiver
Samedi 5 mai à 20h
Dimanche 6 mai à 17h
Concert de gala de printemps
Fondée en 1852, la Philharmonie Grand-Ducale et Municipale d’Ettelbruck
est aujourd’hui une des meilleures formations musicales du Luxembourg.
Après avoir réussi en 1984 son ascension en division nationale, la
Philharmonie a su brillamment confirmer ce résultat au concours national
de 1996, en remportant un premier prix avec grande distinction et en se
classant meilleure formation de la division nationale. Le programme de ces
concerts n’était pas encore connu à la date de parution de la présente
brochure, en raison de la nomination d’un nouveau chef à la direction de la
Philharmonie. Et c’est à l’occasion de ce concert qu’aura lieu la passation
de la baguette entre M. Christian Kirpes, chef de musique à la
Philharmonie depuis 2002, et son successeur, M. Marco Comes. Dès que
le programme sera fixé, il sera publié sur internet, sur le site de la
Philharmonie www.ettelbrecker-musek.lu, ou sur celui du CAPe
www.cape.lu.
*
Gegründet 1852, zählt die Philharmonie Grand-Ducale et Municipal
d’Ettelbruck heute zu den besten Orchestern Luxemburgs. Dank seiner
hochqualifizierten musikalischen Leiter und der hervorragenden Musiker
erfreut das Orchester, das aus über 80 Mitgliedern besteht, regelmäßig
sein Publikum mit Galakonzerten auf höchstem Niveau. Das Programm der
Konzerte stand zum Zeitpunkt der Veröffentlichung dieser Broschüre leider
noch nicht fest, da ein Wechsel der Orchesterleitung erfolgte. Marco
Comes wird der Nachfolger des bisherigen Leiters des Orchesters,
Christian Kirpes, der die Philharmonie seit 2002 leitete. Ausführliche
Details zum Programm finden Sie ab Herbst im Internet auf
www.ettelbrecker-musek.lu sowie auf www.cape.lu.
128
Comédie musicale jeune public (de 6 à 13 ans)
Tarif : 7,5€ / 3,75€
Jeudi 10 mai à 10h (séance scolaire)
Vendredi 11 mai à 10h et 14h30 (séances scolaires) et à 20h
Langue / Sprache: DE
Das geheime Leben der Piraten
von Andreas Schmittberger
Rosch Mirkes, musikalische Leitung.
Kinder der Ettelbrücker Primärschule.
Käpt‘n Danton und seine Piraten dümpeln in lauen Gewässern. Nichts zu
tun, kein Schiff zu kapern, keine Beute zu machen. Vor Langeweile droht
schon Meuterei – aber was ist das? Eine Flaschenpost! Schnell eingeholt
und reingeschaut. Eine Schatzkarte! Also macht sich die Crew der
„Esmeralda“, begleitet von ihren Gefangenen Prinzessin Filomena und
deren Gouvernante Donna Dolores, auf die Suche nach der
geheimnisvollen Schatzinsel. Dabei erwarten sie viele gefährliche
Abenteuer und einige Überraschungen…
*
Le capitaine Danton et ses pirates s’ennuient ferme en haute mer : rien à
faire, pas de navire à attaquer, pas de butin à voler… L’inaction conduit
presque les marins à la mutinerie. Mais… qu’est ce qu’on aperçoit là ? Une
bouteille à la mer ! Il faut tout de suite la sortir de l’eau et voir ce qu’il y a
dedans ! Mais… c’est une carte au trésor ! Aussitôt, l’équipage de «
L’Esmeralda », avec ses deux prisonnières, la princesse Philomène et sa
gouvernante Donna Dolores, décident de partir à la recherche de cette île
au trésor. Mais d’horribles dangers et quelques surprises les attendent…
129
Ensemble d'Harmonie
Vendredi 1er juin à 20h
Night of the Proms
Harmonie Union Troisvierges
L’Estro Armonico, Streicherensemble.
L’s Just For Jazz Band, Rhythmusgruppe.
Werner Eckes, Leitung.
Die Harmonie Union Troisvierges, gegründet im Jahre 1889, obliegt seit 30
Jahren der Leitung von Dirigent Werner Eckes. Mit großem Engagement
stellt die Harmonie auch dieses Jahr wieder ihr Können unter Beweis und
präsentiert zusammen mit bekannten nationalen und internationalen
Solisten ein Gala-Konzert mit anspruchsvollem und abwechslungsreichem
Programm, welches Sie durch die Welt des Musicals führen wird. Die GalaKonzerte sind ein perfektes Zusammenspiel von Harmonie- und
Instrumentalmusik und eigens arrangierten Parts für Gesangsolisten.
*
Fondée en 1889 et placée sous la direction de Werner Eckes depuis 30
ans, l’Harmonie Union Troisvierges propose pour ses concerts des
programmes attrayants et variés, avec le concours de solistes issus de la
scène professionnelle nationale et internationale. Depuis des années déjà,
les concerts de l’Harmonie proposent un savant mélange de musique
instrumentale et de chant, avec des arrangements spécialement réalisés à
cette fin.
Renseignements et réservations:
tél. 97 92 83 (Pierre Gelhausen)
130
Théâtre/Theater
Tarif 8€ / 4€
Youth Theater Festival
Drei Bühnen! Dreimal Staunen! Dreimal großes
Spektakel!
Denkfabrik Nordstad asbl, Koordination.
Aus den Theaterfestivals „Spektakel Nordstad“ und „Nordstad Youth
Theater Festival“ sowie dem Jugendprojekt „Maach Theater am
Jugendhaus“ entsteht das alle zwei Jahre stattfindende Youth Theater
Festival. Es bietet Jugendtruppen die Chance, auf einer großen Bühne
aufzutreten. Jugendliche zwischen 15 und 21 Jahren können sich für das
Projekt „Maach Theater am Jugendhaus“ bis zum 15.12.2011 unter:
[email protected] oder Tel.: 80 91 65 anmelden.
°Im Mierscher Kulturhaus am 2. Juni, 19h30: Premiere von „Maach
Theater am Jugendhaus 2012“ und am 3. Juni, 17h: „Maach Theater am
Jugendhaus 2012“ und weitere Theaterüberraschungen.
°Im CAPe am 9. Juni, 19h: „TRAFFO Jugend-Produktion“ & „JugendProduktion“ des CMNord & Auftritt Finalisten des Theaterwettbewerbs
„Scènes à deux“.
°Im TRAFFO_CarréRotondes am 7. Juli 2012, 19h: Produktionen „Maach
Theater
am
Jugendhaus
2012“
&
Auftritt
Finalisten
des
Theaterwettbewerbs „Scènes à deux“. Datum und Aufführungsort der
Überraschungsvorstellung von „Attention chantier en cours!“ von und mit
Eugénie Anselin werden rechtzeitig auf www.nordstadjugend.lu und
www.nordstad.org bekanntgegeben.
In Zusammenarbeit mit / en collaboration avec CAPe, CCRN, Compagnie du Grand
Boube, Conservatoire de Musique du Nord, Cie JUCAM, Jugendhaus Miersch, Mierscher
Kulturhaus, Nordstadjugend asbl., SNJ, TRAFFO_CarréRotondes.
*
La Denkfabrik Nordstad propose, dans le cadre du Youth Theater Festival,
cinq dates à ne pas manquer.
°Au Mierscher Kulturhaus le 2 juin à 19h30 : première de « Maach Theater
im Jugendhaus 2012 » et le 3 juin à 18h : « Maach Theater im Jugendhaus
2012 » et autres productions théâtrales.
°Au CAPe le 9 juin à 19h : productions de jeunes de TRAFFO et du
CMNord ainsi que des pièces des finalistes du concours « Scènes à
deux».
°Au Traffo_CarréRotondes le 7 juillet à 19h : « Maach Theater im
Jugendhaus 2012 » et pièces des finalistes du concours « Scènes à
deux». La date et le lieu de représentation de la pièce « Attention, chantier
en cours » de et avec Eugénie Anselin seront annoncés en temps utiles
sur les sites www.nordstadjugend.lu et www.nordstad.org.
131
Les enseignants du CMNord sur scène
Mercredi 26 octobre à 19h30 (Petite Salle, Ettelbruck)
Latinos
Dominique Lecuivre, flûte. Ron Giebels, guitare.
Vendredi 20 janvier à 19h30 (Petite Salle, Ettelbruck)
Beethoven : OEuvres pour violoncelle & piano (1re partie)
Niall Brown, violoncelle. Isabelle Trüb, piano.
Vendredi 2 mars à 19h30 (Petite Salle, Ettelbruck)
Shankar / Reuter
Marcel Reuter, piano. Maria Miteva, flûte traversière. Boris Dinev, percussion.
Vendredi 18 mai à 19h30 (Petite Salle, Ettelbruck)
“Return To Forever”; an evening of Fusion & Jazz Rock
Ron Giebels & Christian Heumann, guitare électrique / basse. Franck Hemmerlé, drums.
Christian Klinkenberg, keyboard / piano.
Plein tarif 7,5 € / Tarif réduit 2,5 € / Gratuit pour les enfants < 12 ans
Le tarif réduit s’applique aux jeunes < 26 ans ainsi qu’aux élèves et membres du personnel
du CMNord.
Remise des diplômes
Jeudi 24 novembre à 18h30 (Aal Séeërei, Diekirch)
Vendredi 25 novembre à 18h30 (Grande Salle, Ettelbruck)
Remises des diplômes et prix aux lauréats de la session 2010 / 11.
Stages / Ateliers
Masterclass Hautbois et Basson
Samedi 22 et Dimanche 23 octobre
Dimanche 23 octobre à 15h, concert de clôture (Petite Salle, Ettelbruck)
Le CMNord et l’Association Luxembourgeoise des bassonistes et hautboïstes (ALBH)
organisent, en collaboration avec l’UGDA, un workshop à Ettelbruck qui s’adresse à tous les
élèves des conservatoires, écoles et cours de musique au Luxembourg ayant accompli au
moins deux années d’études. Un accent particulier sera mis sur les bases techniques de
l’instrument, la respiration et la tenue de l’instrument et du corps.
Marc Schaeferdieck, hautbois. Adrie Bisschop, basson.
Master class & concert Georges Paczynski
Vendredi 18 à dimanche 20 novembre
Dimanche 20 novembre, concerts de clôture à 15h30 par les élèves participants;
à 17h (Grande Salle, Ettelbruck) : Georges Paczynski Trio.
Georges Paczynski, batterie. Ronan Courty, contrebasse. Armel Dupas, piano.
Auteur de l’encyclopédie « Une Histoire de la batterie jazz » dont la stimulante profondeur ne
peut que donner envie de « jouer jazz », Georges Paczynski donnera une master class de
trois jours dans laquelle performance rimera avec transmission et démonstration avec
explication. Cet événement sera ponctué par un concert avec son trio qui interprètera des
compositions de Paczynski lui-même et de son pianiste Armel Dupas, extraites de leur dernier
album «Présences» sorti en janvier 2010. Avec sa générosité débordante et son talent de
pédagogue, Georges Paczynski expliquera inlassablement l’importance du son. Cette master
132
class s’adresse à tous les instrumentistes amateurs et professionnels ayant le désir
d’approfondir leur culture musicale tout comme leur technique instrumentale. En fin de
rencontre, Georges retracera l’histoire de la batterie, des tambours suisses et napoléoniens
jusqu’à nos jours.
CMGR - L’Orchestre des Jeunes de la Grande Région – Session 2011
André Bellmont, direction.
Session de travail du 28 octobre au 8 novembre 2011.
Concerts les 3 novembre à Nancy (Salle Poirel), 4 novembre à Luxembourg-Ville
(Conservatoire), 6 novembre à Metz (Arsenal), 7 novembre à Liège
(Salle Philharmonique), 8 novembre à Völklingen (Weltkulturerbe Gebläsehalle).
Au programme figurent « Candide Ouverture » et « On the Waterfront » de Bernstein,
«Rhapsodie in Blue » de Gershwin, et en deuxième partie « Music for Symphonie Orchestra
and Jazzband », un bouquet de standards jazz dans un arrangement de Daniel Schnyder.
La coopération musicale de la Grande Région (CMGR) est un projet de coopération des
Conservatoires Nationaux de Région de Metz et de Nancy, des Conservatoires de Musique
des Villes de Luxembourg et d’Esch-sur-Alzette, du Conservatoire du Nord, du Conservatoire
Royal de Liège, de la Hochschule für Musik de Sarrebruck et de la Hochschule für Musik de
Mayence. La CMGR est une expérience transfrontalière unique en Europe : les meilleurs
élèves des huit institutions partenaires se retrouvent chaque année dans un autre
conservatoire pour une session de travail de deux semaines, composée d’une semaine de
répétitions et d’une semaine de concerts. La direction de l’orchestre et les parties solistes sont
confiées à des musiciens de renommée internationale.
Orchestre de jeunes CMNord & Ardennes-Eifel
Le Conservatoire du Nord et l’Association européenne Eifel & Ardennes organisent leur stage
d’orchestre symphonique annuel du 9 au 14 avril 2012 en Allemagne et au Luxembourg.
Le stage sera clôturé par 2 concerts.
Vendredi 13 avril à 20h (CAPe, Grande Salle)
Samedi 14 avril à 16h (Bitburg, Stadthalle)
Informations au tél. 26 81 26-208
Les concerts du CMNord
Musique Militaire et jeunes talents du CMNord
Vendredi 23 septembre à 20h (Aal Séeerei, Diekirch)
organisé par le Syndicat d’Initiative et de Tourisme de la Ville de Diekirch.
Capt. Jean-Marie Thoss, direction.
Réservation et information au tél. 80 30 23
Vendredi 25 novembre à 19h30 (Boevange / Attert, Église)
dans le cadre du 50e anniversaire du Choeur d’hommes de Boevange.
Martin Folz, direction.
Dezember … wartet unter dem Stern!
Dimanche 18 décembre à 17h (Grande Salle, Ettelbruck)
Eine Kantate nach Worten von Dietrich Bonhoeffer komponiert von Martin Folz für
Jugendchor, Frauenchor, gemischten Chor und Instrumentalensemble.
Martin Folz, Leitung.
Matinée musicale
Dimanche 8 janvier à 16h (Grande Salle, Ettelbruck)
Martin Elmquist & Joachim Kruithof, direction.
Matinée musicale présentée par notre orchestre symphonique de jeunes, placé sous la
Direction de Martin Elmquist, et l’ensemble à cordes débutant animé par Joachim Kruithof.
Entrée libre – Réservation obligatoire
Concert de bienfaisance
Dimanche 11 mars à 17h (Grande Salle, Ettelbruck)
Coproduction Lions Club Eisleck / CMNord. Concert présenté par les élèves du CMNord.
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Réservation obligatoire au tél. 26 81 21-304.
Plein tarif : 16 € / Tarif réduit : 10 €
Dans le cadre du festival B-days 2012
Passion selon Saint Matthieu & Via Crucis… un pont sur les siècles
Dimanche 18 mars à 17h (Bettendorf, église)
Avant Pâques, l’Ensemble Vocal du CMNord présente la Passion selon St. Mathieu de Schütz
et l’oratorio Via Crucis de Liszt qui évoque les quatorze stations du Chemin de croix.
Raju Vidali, violoncelle. Maurice Clement, orgue positif. Jeannot Sanavia, contrebasse.
David Ianni, piano. Martin Folz, direction.
La Formation musicale en concert
Mardi 20 mars à 19h (Grande Salle, Ettelbruck)
Jeudi 22 mars à 17h (Vieille Église, Diekirch)
Cet événement a lieu dans le cadre du projet pilote du CMNord qui se propose de diversifier
le déroulement habituel des cours FM et d’intensifier le contact direct avec la musique.
Dans cet esprit, des classes de formation musicale du CMNord se présenteront sur scène.
Entrée libre – Réservation obligatoire
Le CMNord Extra Muros
CMNord goes musical classic
Webber, Phantom of the Opera – Bernstein, West Side Story
Samedi 4 février à 20h (Centre culturel Kinneksbond, Mamer)
Classe d’art lyrique du CMNord et Musique Militaire Grand-Ducale (30 musiciens)
Fernand Delosch, mise en scène.
Capt. Jean-Marie Thoss et Mariette Lentz, direction.
Gala des Lauréats 2011 des trois conservatoires avec l’Orchestre
Philharmonique du Luxembourg
Samedi 24 mars à 20h (Conservatoire de la Ville de Luxembourg)
Issus des conservatoires de Luxembourg, d’Esch et du Nord, les lauréats du Concours
National pour le Diplôme Supérieur 2011 seront à l’honneur aux côtés de l’Orchestre
Philharmonique du Luxembourg pour cette grande soirée de gala.
Entrée libre dans la limite des places disponibles
Petits concerts du jeudi
Les traditionnels concerts du jeudi auront lieu à 18h30 les :
27 octobre, 1er décembre, 12 janvier, 8 mars, 26 avril, 14 juin (à Diekirch)
13 octobre, 17 novembre, 15 décembre, 26 janvier, 22 mars, 10 mai (à
Ettelbruck)
Examens publics
Les deux sessions d’examen 2011 / 12 seront affichées et publiées en temps utile à Diekirch
et à Ettelbruck, ainsi que sur le site internet du CMNord www.cmnord.lu.
Le CMNord ouvre ses portes
Pendant cette période les élèves, leurs familles et toutes les personnes intéressées pourront
également assister à des manifestations d’envergure clôturant l’année scolaire :
Samedi 7 juillet à partir de 11h (Château Wirtgen, Zone piétonne et Vieille Église,
Diekirch)
Mardi 10 juillet à partir de 11h (CAPe et zone piétonne, Ettelbruck)
Journées « Porte ouverte »
Jeudi 5 juillet à 19h (Foyer, Ettelbruck)
Concert pop-rock avec les élèves de Christian Heumann, Ron Giebels et Léon Frijns.
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Samedi 7 et dimanche 8 juillet à 19h30 (Grande Salle, Ettelbruck)
Spectacles des classes de danse classique, jazz et expression corporelle.
Jeudi 12 juillet à 20h (Grande Salle, Ettelbruck)
Soirée Art lyrique. Mariette Lentz, direction.
Inscriptions CMNord 2012 / 2013
Les inscriptions ont lieu à Ettelbruck et à Diekirch de 8h30-12h et 13h30-17h :
Anciens élèves : du lundi 25 juin au vendredi 13 juillet 2012
Nouveaux élèves : du lundi 2 juillet au vendredi 13 juillet 2012
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Informations & réservations
Tarifs des billets au detail
Pleintarif
Tarifréduit
TARIF A+C
35 €
28 €
TARIF A
25 €
20 €
TARIF B
15 €
12 €
TARIF C
10 €
8€
Films 5 € (tarif unique)
Explo. du monde 12,50 € (tarif unique)
Demi-tarif
17,50 €
12,50 €
7,50 €
5€
• Tarif réduit (20 %) : personnes avec handicap, groupes (à partir de 10
personnes). Pour les spectacles de catégorie C, la réduction pour groupes
ne s’applique pas au demi-tarif.
• Demi-tarif (50 %) : jeunes jusqu’à 26 ans, demandeurs d’emploi, élèves et
personnel du CMNord, détenteurs de la carte professionnelle Theater
Federatioun. Un justificatif pourra être demandé lors de l’achat d’un billet ou
d’un abonnement avec réduction, ainsi qu’à l’entrée des spectacles.
8 NOUVEAUX ABONNEMENTS
Abo « Classique 1 »
Abo « Classique 2»
Abo « Schubert – Saison 2 »
Abo « Découverte »
Abo « Divertissement 1 »
Abo « Divertissement 2 »
Abo « Films »
Abo « Explo du monde »
Ces formules vous offrent la réduction habituelle de 20 % par rapport au
prix des billets au détail. Toute personne qui souscrit un abonnement peut
commander en supplément, simultanément ou ultérieurement dans la
saison, un billet pour un ou plusieurs autres spectacles de la rubrique «
Variatio Delectat », en bénéficiant également de la réduction de 20 %.
Les abonnements peuvent être achetés directement au guichet ou souscrits
par correspondance (courrier, fax ou email). Ils ne sont en revanche pas
enregistrés par téléphone.
QUAND ET COMMENT ACHETER VOS BILLETS ?
Du 28.06 au 26.08.11 : vente d’abonnements uniquement (fermeture du
23.07 au 22.08.10)
À partir du 30.08.11 : vente d’abonnements et de billets au détail
• À la caisse du CAPe, ouverte du mardi au vendredi de 13h à 19h.
(Nouveaux horaires élargis !)
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• Par téléphone (pour les billets au détail uniquement), au 26 81 21-304 du
mardi au vendredi de 13h à 18h ou par fax au 26 81 21-301
• Par correspondance, en retournant au CAPe le coupon-réponse ci-joint,
ainsi que vos coordonnées postales et téléphoniques.
• Par courrier électronique à l’adresse [email protected] (l’email sera
confirmé)
• À la caisse du soir : la billetterie est ouverte 1 heure avant le début de
chaque représentation.
Nos références bancaires
• BGL IBAN LU76 0030 1027 1228 1000 BIC BGLLLULL
• BCEE IBAN LU78 0019 1155 0342 3000 BIC BCEELULL
• BILL IBAN LU61 0029 1565 9312 7400 BIC BILLLULL
Le CAPe est membre du réseau de billetterie nationale « Luxembourg
Ticket ». Vous pouvez donc aussi acheter, réserver ou retirer vos billets
auprès des autres établissements partenaires.
• Luxembourg Ticket / Grand Théâtre : tél. 47 08 95-1
www.luxembourgticket.lu (billets au détail plein tarif uniquement)
• Luxembourg City Tourist Office : tél. 22 28 09
• Conservatoire de Musique Ville de Luxembourg : tél. 47 96 54 32
• Esch City Tourist Office : tél. 54 16 37
• CUBE 521 : tél. 521 521
• TRIFOLION c/o LUXFESTIVAL : tél. 72 92 41
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Informationen & Reservierungen
TARIFE EINZELKARTEN
NORMALPREIS
ERM. PREIS
TARIF A+C
35 €
28 €
TARIF A
25 €
20 €
TARIF B
15 €
12 €
TARIF C
10 €
8€
Filme 5 € (Einheitspreis)
Explo. du monde 12,50 € (Einheitspreis)
HALBPREIS
17,50 €
12,50 €
7,50 €
5€
• ERMÄSSIGTER PREIS (20 %) : für Menschen mit Behinderung, für
Gruppen (ab 10 Personen). Der Gruppenrabatt gilt nicht für
Veranstaltungen der Kategorie C/Halber Preis.
• HALBER PREIS (50 %) : für Jugendliche bis 26 Jahre, Arbeitsuchende,
für Schüler und das Personal des CMNord, Theater Federatioun-Karten
Besitzer. Ein Beleg kann beim Kauf einer Eintrittskarte oder eines
Abonnements mit Ermäßigung sowie am Anfang der Vorstellung verlangt
werden.
8 NEUE ABOS
Abo „Klassik 1“
Abo „Klassik 2“
Abo „Schubert – Saison 2“
Abo „Entdeckung“
Abo „Unterhaltung 1“
Abo „Unterhaltung 2“
Abo „Filme“
Abo „Welterkundung“
Diese neuen Abo-Packages beinhalten wie bisher einen Rabatt von 20% im
Vergleich zum Einzelticketpreis. Jede Person, die ein Abo-Package gekauft
hat, ist berechtig, jederzeit, auch später in der Saison, eine Extrakarte zum
günstigen Abo-Preis von minus 20% für eine oder mehrere Veranstaltungen
des „Variatio Delectat“-Programms zu erwerben. Die Abos können direkt an
der Kasse des CAPe oder per Post, Fax oder E-Mail bestellt werden. Leider
können diese aber nicht telefonisch gekauft werden.
WANN UND WIE KÖNNEN SIE I IHRE KARTEN KAUFEN?
Vom 28.06. bis 26.08.11: ausschließlich Verkauf der Abonnements (Kasse
geschlossen vom 23.07 bis 22.08.11)
Ab 30.08.10: Verkauf der Abonnements und übrigen Eintrittskarten.
• Am Schalter des CAPe dienstags bis freitags zwischen 13 und 19 Uhr
(Neu: längere Öffnungszeiten!).
• Reservierung per Telefon (nur für Einzelkarten) unter der Nummer 26 81
21-304 während
138
der Schalterstunden oder per Fax über die Nummer 26 81 21-301.
• Schriftlich, indem Sie uns den beiliegenden Antwortschein mit Ihrem
Reservierungswunsch sowie Ihrer Adresse und Telefonnummer zusenden.
• Per E-Mail an [email protected] (E-Mail wird bestätigt).
• Eine Stunde vor Vorstellungsbeginn.
Unsere Bankdaten
• BGL IBAN LU76 0030 1027 1228 1000 BIC BGLLLULL
• BCEE IBAN LU78 0019 1155 0342 3000 BIC BCEELULL
• BILL IBAN LU61 0029 1565 9312 7400 BIC BILLLULL
Das CAPe ist Teil des nationalen Ticketverkaufsnetzes „Luxembourg
Ticket“. Sie können Ihre Eintrittskarten ebenfalls bei folgenden
Einrichtungen kaufen, reservieren oder abholen:
• Luxembourg Ticket / Grand Théâtre : Tel. 47 08 95-1
www.luxembourgticket.lu (nur Einzelverkauf zum Volltarif)
• Luxembourg City Tourist Office : Tel. 22 28 09
• Conservatoire de Musique Ville de Luxembourg : Tel. 47 96 54 32
• Esch City Tourist Office : Tel. 54 16 37
• CUBE 521 : Tel. 521 521
• TRIFOLION c/o LUXFESTIVAL : Tel. 72 92 41

DOSSIER DE PRESSE Saison 2011/2012

Transcription

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