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€ (France et autres pays Euro) • UK 5,00 £ • Switzerland 8,00 CHF • USA 8,00 $ • Canada 7,00 $; TOM 650 CFP)
la
revue
internationale
www.ballet2000.com
de
la
danse
Édition
1
FRANCE
•
n°246
Les chorégraphes
du Royal Ballet
2
Directeur de la publication
Direttore responsabile / Editor-in-chief
Alfio Agostini
Collaborateurs/Collaboratori/Contributors
Erik Aschengreen
Leonetta Bentivoglio
Donatella Bertozzi
Valeria Crippa
Clement Crisp
Gerald Dowler
Elisa Guzzo Vaccarino
Marc Haegeman
Anna Kisselgoff
Kevin Ng
Jean-Pierre Pastori
Olga Rozanova
Emmanuèle Rüegger
Roger Salas
Sonia Schoonejans
René Sirvin
Isis Wirth
la revue internationale de la danse
édition France
la rivista internazionale della danza
edizione Italia
the international dance magazine
English edition
Natalia Osipova, Edward
Watson – The Royal Ballet,
London: “Tetractys”,
c. Wayne McGregor
(ph. J. Persson)
Editorial advisor
Editorial assistant
Cristiano Merlo
Traductions/Traduzioni/Translations
Simonetta Allder
Cristiano Merlo
Collaborateurs à la rédaction/Collaboratori
alla redazione/Collaborators
Luca Ruzza
Alain Garanger
Publicité / Advertising
[email protected]
Chargée de communication et pub. (France)
Anne-Marie Fourcade
Tél. 06.99.55.96.52
[email protected]
Pubblicità, PR & Internaional advertising
service
Annalisa Pozzi
Ph +39.338.7797048 [email protected]
Abonnements/Abbonamenti/Subscriptions
[email protected]
n. 246
avril-mai / aprile-maggio / April-May 2014
BALLET 2000
B.P. 1283 – 06005 Nice cedex 01 – F
tél. (+33) 09.82.29.82.84
Éditions Ballet 2000 Sarl – France
ISSN 2112-2288
Commission Paritaire P.A.P. 0718K91919
Distribution Presstalis, 30 rue R. Wallenberg,
75019, Paris – 01.49.28.70.00
per l’Italia:
Ballet2000 - Piazza Statuto 1 - 10122 Torino
tel. 011.19.58.20.38
Reg. Tribunale di Milano 546 - 26.XI.1983 e
177 - 1.III.1990. Distribuzione Italia: Me. Pe.,
via E. Bugatti 15, 20142 Milano
Imprimé en Italie/Printed in Italy by
Pinelli Printing - Seggiano di Pioltello - Milano
www.ballet2000.com
e-mail: [email protected]
4
19
Calendar
News
30
Cover : The Royal Ballet:
Christopher Wheeldon, Wayne
McGregor, Liam Scarlett
38
On Stage :
Ballet de l’Opéra de Paris
Akram Khan Company
Aakash Odedra
Ballet de l’Opéra de Bordeaux
Ballet de Lorraine
CCN de Nantes, Claude Brumachon
Natalia Staats Teatr, Moscow
Shanghai Ballet
Ballett des Saarländischen
Staatstheater
Sasha Waltz and Guests
Ballet de l’Opéra de Paris: “Miss Julie”
Ballet de l’Opéra de Bordeaux:“Pneuma”
48
BalletTube: Les morts du
cygne
49
Multimedia : TV, Web, Dvd,
Cinema...
52
On TV
54
Photo Gallery
3
Ulyana Lopatkina:
“La Mort du cygne”
af
he • car
tellone • calendar • af
he • car
tellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
Berlin
Komische Oper
19. V: The Open Square – c. I.
Galili – Staatsballett Berlin
21, 24, 26, 30. VI: Don Juan –
c. G. Madia – Staatsballett Berlin
AUSTRIA
Wien
Staatsoper
27. V, 6, 12. VI: Le Souffle de
l’esprit – c. O. Bubenicek; Vaslaw
– c. J. Neumeier; Allegro Brillante – c. George Balanchine;
Vier letzte Lieder – c. R. van
Dantzig – Wiener Staatsballett
Volksoper
18, 24, 31. V: Carmina Burana
– c. V. Orlic; Nachmittag eines
Fauns – c. A. Lukacs; Boléro –
c. B. Nebyla – Wiener
Staatsballett
26. V: Ein Reigen – c. A. Page
– Wiener Staatsballett
Dresden
Semperoper
18. V: Artifact Suite; Fünf Duos;
Slingerland Pas de Deux;
Enemy in the Figure – c. W.
Forsythe – Ballett Dresden
25, 31. V: Le Lac des cygnes –
c. M. Petipa, L. Ivanov (S. Watkin)
– Ballett Dresden
28, 30. VI: Verklungene Feste
– c. A. Ratmansky; Josephs
Legende – c. S. Celis – Ballett
Dresden
Hellerau – Europäisches
Zentrum der Künste
5, 6, 7, 8, 10, 11, 12, 13. VI:
Angoloscuro – c. W. Forsythe
– The Forsythe Company
CZECH REPUBLIC
Prague
State Opera
29, 31. V, 21. VI: Le Belle au
bois dormant – c. M. Petipa, J.
Torres – Prague National Theatre
Ballet
5, 13. VI: Don Quichotte – c. M.
Petipa, A. Gorsky – Prague
National Theatre Ballet
28, 29. VI: Romeo and Juliet –
c. P. Zuska – Prague National
Theatre Ballet
National Theatre
17. V: Sorcerer’s Apprentice;
Krabat – c. J. Kodet – Prague
2, 3. VI: Solo for Three – c. P.
Zuska – Prague National
Theatre Ballet
7, 10. VI: Le Lac des cygnes –
c. M. Petipa, L. Ivanov – Prague
Duisburg
Theater der Stadt
28. VI: Ein deutsches Requiem
– c. M. Schläpfer – Ballett der
Deutschen Oper am Rhein
Nina Poláková, Roman Lazik – Wiener Staatsballett: “Ein Reigen”,
c. Ashley Page (ph. B. Pálffy)
24. V, 15. VI: Goldilocks – c. J.
Kodet – Prague National
Theatre Ballet
18, 25. VI: Czech Ballet
Symphony II – c. Jirí Kylián –
Prague National Theatre Ballet
Estate Theatre
DANEMARK
Michal Stipa – Prague National Theatre Ballet: “Solo for Three”,
c. Petr Zuska (ph. D. Zehetner)
Copenhagen
Operaen Takkelloftet
10, 12, 13, 14, 15. V: Twelfth
Night – c. N. Hübbe – Royal
Danish Ballet
DEUTSCHLAND
Berlin
Schiller Theater
29. V, 13. VI: Caravaggio – c.
M. Bigonzetti – Staatsballett
Berlin
14. VI: Tchaikovsky – c. B.
Eifman – Staatsballett Berlin
Deutsche Oper
24. V, 5, 9. VI: Romeo und Juliet
– c. J. Cranko – Staatsballett
4
Düsseldorf
Opernhaus
24, 29. V, 1, 7, 9, 15, 19. VI:
Deep Field – c. A. Hölszky, M.
Schläpfer – Ballett der
Deutschen Oper am Rhein
Hamburg
Staatsoper
16. V: Renku – c. Y. Oishi, O.
Dann – Hamburg Ballet
18. V: Die Kameliendame – c.
J. Neumeier – Hamburg Ballet
20, 23, 27. V: The Little Mermaid
– c. J. Neumeier – Hamburg
Ballet
8, 12, 14. VI: Shakespeare
Dances – c. J. Neumeier –
Hamburg Ballet
29. VI: Tatiana – c. J. Neumeier
– Hamburg Ballet
Leipzig
Oper
17, 24, 30. V, 1, 13, 15. VI: Deca
Dance – c. O. Naharin –
Leipziger Ballett
9, 22. VI: Mozart Requiem – c.
M. Schröder – Leipziger Ballett
München
Nationaltheater
22, 23, 24, 25. V, 5. VI: GoldbergVariations – c. J. Robbins; Gods
and Dogs – c. J. Kylián –
calendar • af
he • car
he
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iche
cartellone
afffic
iche
Bayerisches Staatsballett
30. V, 8, 21, 22. VI: Shéhérazade
– c. M. Fokine; Les Biches – c.
B. Nijinska; L’Après-midi d’un
Faune – c. V. Nijinsky –
Bayeriches Staatsballett
4, 5, 6, 27, 28, 29. VI: Das
Triadische Ballett – c. G. Bohner,
O. Schlemmer – Bayeriches
Staatsballett
17, 18, 19. VI: Le Sacre du
printemps – c. M. Wigman; The
Girl and the Knife Thrower – c.
S. Sandroni – Bayerisches
Staatsballett
Stuttgart
Opernhaus
25, 29, 31. V, 2, 3. VI: creation
– c. E. Clug; creation – c. D.
Volpi; Le Chant du compagnon
errant – c. M. Béjart – Stuttgart
Ballet
7, 8. VI: Tokyo Ballet: The Kabuki
– c. M. Béjart
12, 13, 14, 17, 18, 26, 27. VI:
Romeo und Juliet – c. J. Cranko
– Stuttgart Ballet
4, 8. V, 19, 22, 25, 29. VI: Orphée
et Eurydice – c. C. Spuck –
Stuttgart Ballet
Schauspielhaus
23, 27. V, 20. VI: A. Memory –
c. K. Kozielska; World Raush –
c. L. Stiens; Miniatures – c. D.
Lee – Stuttgart Ballet
ESPAÑA
Cádiz
Teatro Falla
7. VI: Compañía Nacional de
Danza: Sleepless – c. J. Kylián;
In the Middle, Somewhat
Jason Reilly, Evan Mckie – Stuttgart Ballet: “Le Chant du compagnon errant”, c. Maurice Béjart
(ph. U. Beuttenmüller)
Elevated – c. W. Forsythe; Minus
16 – c. O. Naharin
Madrid
Teatro Real
24, 26, 27, 29, 30. V, 1. VI:
Compañía Nacional de Danza: Allegro brillante – c. G.
Balanchine; Delibes suite – c.
J. Martínez; In the Middle,
Somewhat Elevated – c. W.
Forsythe; Casi casa – c. M. Ek
Valencia
Teatro Principal
11, 12. IV: Compañía Nacional
de Danza: Nippon-Koku – c. M.
Morau
– c. T. Fabre; Three Preludes –
c. B. Stevenson; Les Bourgeois
– c. B. Van Cauwenbergh;
Raymonda (Grand Pas) – c. M.
Petipa
Zaragoza
Teatro Principal
13-15. VI: Compañía Nacional
de Danza: Allegro Brillante –
c. G. Balanchine; Delibes Suite
– c. J. Martínez; Holberg Suite
FINLAND
Helsinki
Opera
23. V: “Kenneth Greve and
Friends”
FRANCE
Aix-en-Provence
Le Pavillon Noir
3. VI: Maman Sani Moussa:
Troubles
13. VI: Souleymane Ladji Koné:
Lego de l’Ego
Aubervilliers
Théâtre de la Commune
(Rencontres Chorégraphiques)
Lucía Lacarra, Marlon Dino
– Bayerisches Staatsballett:
“Shéhérazade”,
c. M. Fokine (ph. W. Hösl)
5
af
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he • car
tellone
afffic
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cartellone
afffic
iche
cartellone
13. VI: Cie O/Maroc: HA! – c. B.
Ouizguen
17, 18. VI: Cie Maguy Marin:
Singspiegel
17, 18. VI: François Chaignaud:
Dumy Moyi
Lyon
Maison de la Danse
21, 22, 23, 24, 25. V: Les Ballets
de Monte-Carlo: Le Lac – c. J.C. Maillot
4, 5, 6. VI: Cie Ariadone: Chez
Ikkyû – c. C. IKeda
12, 13. VI: Jeune Ballet du
CNSMD de Lyon
Royal Danish Ballet: “Twelfth Night”, c. Nikolaj Hübbe (P. M. Abrahamsen)
2-4. VI: Cie Daniel Linehan: The
Karaoke Dialogues
24, 25. V: Kat Válastur: Oh!
Deep Sea
Bagnolet
Le Colombier (Rencontres
Chorégraphiques)
26-28. V: Kinkaleri: Fake For
Gun No You; Francesca
Foscarini/Yasmeen Godder: Gut
Gift
Lille
Festival Latitudes Contemporaines
Opéra
11, 12. VI: L’Association Fragile: D’Après une histoire vraie
– c. C. Rizzo
Maison Folie de Wazemmes
10. VI: Kate McIntosh: All Ears
Seh Yun Kim, Toby William Mallit – Compañía Nacional de Danza:
“Three Preludes”, c. Ben Stevenson (ph. J. Vallinas)
Blanc-Mesnil
Le Forum (Rencontres
Chorégraphiques)
22, 23. V: Le Veronal/Lali
Ayguadé: Portland; Mélanie
Perrier: Nos charmes n’auront
pas suffi
22, 23. V: Myriam Gourfink:
Souterrain
Marseille
Festival de Marseille
Esplanade du Théâtre JolietteMinoterie
23, 24. VI: Cie Éric Languet:
Attention fragile
Théâtre Joliette-Minoterie
23, 24. VI: Cie Robin Orlyn: In
a World Full of Butterflies...
Ballet National de Marseille
30. VI, 1. VII: Les Ballets C de
la B: Badke
KLAP
25. VI: Formation Coline /
Colectivo Caretel: Teahupoo/
Cuatro Puntos – c. E. Gat
Le Silo
19, 20. VI: Vertigo Dance
Company: création – c. N.
Wertheim
26, 27. VI: Co. Karas: Mirror and
Music – c. S. Teshigawara
Montreuil
Nouveau Théâtre (Rencontres
Chorégraphiques)
10, 11, 13, 14. VI: Kubilai Khan
Investigations: Your Ghost Is
Not Enough
10, 11. VI: Niv Sheinfeld/Oren
Laor: Two Room Apartment
13, 14. VI: Lisbeth Gruwez: Ah/
ah; Martin Schick/Damir
Todorovic: Holiday on stage; Ula
Sickle: Kinshasa Electric
La Parole Errante (Rencontres
Chorégraphiques)
17, 18. V: Kim Bo-ra: A Long
Talk to Oneself; Katalin Patkaï:
Jeudi; An Kaler: Contingencies
Bordeaux
Opéra National de Bordeaux
24, 25, 26, 27, 29, 30. VI: Don
Quichotte – c. M. Petipa, C. Jude
– Ballet de l’Opéra de Bordeaux
Créteil
Maison des Arts
13-17. V: Cie José Montalvo:
Don Quichotte du Trokadéro
22, 24. V: Aakash Odedra:
Rising
13, 14. VI: Cie Yuval Pick
Montpellier
MontpellierDanse
Théâtre La Vignette
23, 24. VI: Sharon Eyal, Gai
Behar: House
27, 28. VI: Matthieu
Hocquemiller: (nou)
Studio Bagouet/Agora
23-25. VI: Hooman Sharifi: Every
Épinay-sur-Seine
Maison du Théâtre de la
Danse
(Rencontres
Chorégraphiques)
6
7
af
he • car
he • car
tellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
order eventually...
28-30. VI: Cie Nacera Belaza:
Les Oiseaux
Opéra Berlioz
27, 28. VI: Eastman: Genesis
– c. Sidi Larbi Cherkaoui
1, 2. VII: Wayne McGregor/
Random Dance: Atomos
Théâtre de l’Agora
22-26. VI: Ballet Preljocaj: Empty
Moves (Part I, II, III) – c. A. Preljocaj
30. VI, 1, 2. VII: Cie Salia Sanou:
Clameur des arènes
Cour de l’Agora
26-28. VI: Emanuel Gat Dance:
Plage Romantique
Mulhouse
La Filature
26, 27, 28. V: Genesis –
Jeunes chorégraphes
Nancy
Opéra de Nancy
22,-24. VI: Rose Variation;
Objets retrouvés – c. M. Monnier
– Ballet de Lorraine
Paris
Opéra Garnier
3, 4, 5, 8, 9, 10, 12, 13, 15, 16,
17, 19, 20, 21. V: Orphée et
Eurydice – c. P. Bausch – Ballet
de l’Opéra de Paris
19, 21, 23, 25, 27, 29. VI, 1, 2,
3, 4, 5, 7. VII: Psyché – c. A.
Ratmansky; Le Palais de cristal
– c. G. Balanchine – Ballet de
l’Opéra de Paris
Opéra Bastille
10, 14, 15, 18, 21, 25, 26, 28,
29, 31. V., 3, 4, 6, 8. VI: Le Palais
de cristal – c. G. Balanchine;
Daphnis et Chloé – c. B.
Millepied – Ballet de l’Opéra
de Paris
Théâtre des Champs-Élysées
28, 29, 30. VI: Studio3 Cia de
Dança: Paixao e Furia: le mythe
Callas
Théâtre de la Ville
14, 15. VI: Danse Élargie 3ème
Édition
21. VI-5. VII: Cie Tanztheater
Wuppertal: Palermo Palermo
– c. P. Bausch
Théâtre de la Ville – Les
Abbesses
10-14. VI: Cie Paulo Ribeiro:
Jim
Théâtre Chaillot (Salle Jean
Vilar)
13-16. V: Cie Karas: Dah-DahSho-Dha-Dha – c. S.
Teshigawara
21, 22, 23, 24, 25, 27, 28, 29,
30. V: Cie José Montalvo: Don
Festival de Marseille: Les Ballets C. de la B.: “Badke” (ph. D. Willem)
Reims
Grand Théâtre de Reims
24, 25, 26. V: Ballet Biarritz:
Cendrillon – c. T. Malandain
Quichotte du Trocadéro
5-13. VI: Les Ballets de Monte-Carlo: Lac – c. J.-C. Maillot
19, 20, 21, 22, 24, 25, 26, 27.
VI: Nederlands Dans Theater
I: Mémoires d’oubliettes – c.
J. Kylián; Solo Echo – c. C. Pite;
Shoot of the Moon – c. S. León,
P. Lightfoot
Théâtre Chaillot (Grand Foyer)
21-23. V: Kaori Ito: Asobi
Théâtre Chaillot (Salle Maurice
Béjart)
13-17. V: Edmond Russo et
Shlomi Tuizer: Embrace
23-30. V: Dominique Dupuy:
Acte sans paroles 1
Pantin – Studios du Centre
National de la Danse
14-16. V: Cie L’Octogonale:
Impar – c. J. Brabant
21-23. V: Cie Yann Lheureux:
Flat/grand délit
21-23. V: Cie La Feuille
d’Automne: Cendrillon – c. P.
La Feuille
4-6. VI: Clément Dazin: Bruit
de couloir
4-6. VI: Cie deFracto: Flaque
14-15. VI: Les Ballets de MonteCarlo: Daphnis et Chloé – c.
J.-C. Maillot
Saint-Denis
La Chaufferie (Rencontres
Chorégraphiques)
24. V: Simone Aughterlony: After
Life
Saint-Quentin-en-Yvelines
Théâtre de Saint-Quentin-enYvelines
20, 21. V: Sankai Juku:
Umusuna – c. U. Amagatsu
31. V: Cie Molecule: Collusions
– c. S. Ground
14. VI: “Danser son Sacre”
Strasbourg
Pôle Sud (Festival Nouvelles)
15, 16. V: Cie François Verret:
Atlas
20. V: Cie Thomas Lebrun:
Trois décennies d’amour cerné;
Marco Berrettini: Ifeel2
22. V: I’m Company Ivana Müller:
Positions; Nicole Seiler: Un acte
sérieux
23, 24. V: Olga Mesa: Travaux
Publics
23. V: Emmanuel Leggermont:
Vorspiel – Opus 1 et 2
27. V: Radhouane El Mebbeb,
Matias Pilat & Alexandre
Fournier: Nos limites; Edmond
Russo, Shlomi Tuizer: Embrace
Perpignan
Théâtre de la’Archipel
29. VI: Compañía Nacional de
Danza: Nippon-Koku – c. M.
Morau/La Veronal
8
28. V: Cie Laurent Chétouane:
Sacré Sacre du printemps
Salle Jean-Pierre Ponnelle
12, 14, 18. VI: Genesis –
Jeunes chorégraphes
Toulouse
Halle aux Grains
18-22. VI: Ballet du Capitole:
Valser – c. M. Oliveiro
Uzès
Uzès Danse
Jardin de l’Évêché
13. VI: Fabrice Ramalingom:
Postural: études
14. VI: PI:ES: Mauvais Genre –
c. A. Buffard
15. VI: María Muñoz: Bach
16. VI: Gaëtan Bulourde: Spoiled
Spring
17. VI: Clément Layes:
Dreamed apparatus
18. VI: Fabrice Ramalingom:
D’un goût exquis
18. VI: Matthieu Hocuimiller: Post
Disaster Dance
Salle de l’ancien Évêché
14. VI: Diederik Peeters: Red
Herring
15. VI: Arnaud Saury: Mémoires
du Grand Nord
16. VI: Mathilde Gautry: Je coryais
17. VI: Danya Hammoud: Mes
mains sont plus âgées...
18. VI: Anne Lopez:
Mademoiselle Lopez
Cour de l’Évêché
9
af
he • car
he • car
tellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
14. VI: Maguelone Vidal, Fabrice
Ramalingon: Le Coeur du son
18. VI: Emmanuel Eggermont:
Vorspiel
Versailles
Château de Versailles
1 8 , 1 9 . V I: B é j a r t B a l l e t
Lausanne: Sept Danses
grecques; Bhakti III; Boléro –
c. M. Béjart
GREAT BRITAIN
Birmingham
Hippodrome
4-7. VI: Dante Sonata; Façade;
Les Rendez-vous – c. F. Ashton
– Birmingham Royal Ballet
11-15. VI: La Fille mal gardée
– c. F. Ashton – Birmingham
Royal Ballet
Edinburgh
Festival Theatre
21-24. V: Scottish Ballet: Romeo
and Juliet – c. K. Pastor
London
Royal Opera House
14, 17, 21, 23, 24, 26. V: Serenade – c. G. Balanchine; Sweet
Violets – c. L. Scarlett; DGV,
Danse à grande vitesse – c. C.
Wheeldon – The Royal Ballet
31. V, 5, 6, 10, 12, 13. VI: The
Dream – c. A. Marriott; creation
– c. L. Scarlett; The Concert –
c. J. Robbins – The Royal Ballet
Sadler’s Wells Theatre
Théâtre de la Ville: Tanztheater Wuppertal: “Palermo Palermo”, c. Pina Bausch (ph. J. Viehoff)
14-17. V: Scottish Ballet: Romeo
and Juliet –c. K. Pastor
20-24. V: Rambert Dance:
Rooster – c. C. Bruce; Four
Elements – c. L. Childs;
Sounddance – c. M.
Cunningham; Dutiful Ducks –
c. R. Alston
27-29. V: Cie Rosas: Vox
temporum – c. A.-T. De
Keersmaeker
3, 4. VI: Grupo de Rua: Crackz
– c. B. Beltraõ
5, 7. VI: Russell Maliphant
Company: Still Current – c. R.
Maliphant
13, 14. VI: Cie Käfig: Boxe Boxe
– c. M. Merzouki
17, 18. VI: Dada Masilo: Swan
Lake
20, 21. VI: Fabulous Dance
Theatre: Rian – c. M. KeeganDolan
23, 24. VI: Eastman/Sidi Larbi
Cherkaoui: 4D
ITALIA
Bergamo
Teatro Sociale (Festival Danza
Estate)
15. V: Koreokroj_Balletto di
Zagabria: My Name si Nobody
– c. M. Volpini
18. V: lucylab.evoluzioni: Due
tipe
27. V: ARB Dance
Company, Zerogrammi:
Precariato – c. S. Mazzotta,
E. Sciannamea
5. VI: Zappalà Danza: Istrument
1_scoprire l’invisibile – c. R.
Zappalà
11. VI: Ziya Azazi: Dervish
18. VI: Sanpapié: Due+Due=5
26. VI: Compagnia Simona
Bucci: Enter Lady Macbeth
3.
VII:
INC
InNprogressCollective: Oceania – c. A. Varjavandi
Sophie Martin, Erik Cavallari – Scottish Ballet: “Romeo and Juliet”,
c. Krzysztof Pastor (ph. A. Ross)
Gardone Riviera
10
Vittoriale
21, 22. VI: Martha Graham
Dance Company: The Rite of
Spring; Diversion of Angels;
Errand – c. M. Graham; Depak
Ine – c. N. Duato
Firenze
Teatro della Pergola
20. VI: MaggioDanza: Carmen
– c. D. Bombana
Opera di Firenze
28. VI: City Contemporary Dance
Company: As If To Nothing –
c. S. Jijia
Genova
Teatro Carlo Felice
23. V: Ballet Preljocaj: Blanche
Neige – c. A. Preljocaj
Legnago
Teatro Salieri
29.
V:
Aterballetto:
Workwithinwork – c. W. Forsythe;
Absolutely Free – c. M. Bigonzetti
Milano
Teatro alla Scala
28, 29, 30. V, 1, 4, 5, 7, 12, 17,
18. VI: Le Jeune Homme et la
Mort; Pink Floyd Ballet – c. R.
Petit – Balletto del Teatro alla
Scala
Teatro Strehler
5-8. VI: Aterballetto: WAM; Cantata – c. M. Bigonzetti
12-15. VI: Aterballetto: Rain Dogs
– c. J. Inger; Vertigo – c. M.
11
af
he • car
he • car
tellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
Bigonzetti; Don Q – c. E.
Scigliano
23-29. VI: MilanoFlamenco
Festival
Modena
Teatro Comunale Luciano
Pavarotti
17. V: Ballett Mainz: Cenerentola – c. P. Touzeau
22. V: Donlon Dance Company:
Amore in Bianco e Nero – c. M.
Dolon
Napoli
Teatro di San Carlo
18, 19, 22, 24, 25. VI: Requiem
– c. B. Eifman – Balletto del
Teatro San Carlo di Napoli
Museo Nazionale Ferroviario (Napoli Teatro Festival)
6, 7. VI: Vertigo Dance Company:
Reshimo – c. N. Wertheim
8, 9. VI: Vertigo Dance Company:
Mana – c. N. Wertheim
11. VI: National Ballet of Kosovo:
NID Platform-New Italian Dance Platform: Co. Virgilio Sieni: “Esercizi di primavera” (ph. A. Anceschi)
Shéhérazade – c. A. Panzavolta
13, 14. VI: Emio Greco/PC: Addio alla fine – c. E. Greco
Ballet du Grand Théâtre de Genève: “Glory”, c. Andonis Foniadakis
(ph. G. Batardon)
Padova
Teatro Verdi (Prospettiva Teatro Danza)
18. V: Cie Käfig: Yo gee ti – c.
M. Merzouki
Parma
Teatro del Parco Ducale
17. V: Balletto di Maribor: Giselle
– c. J. Coralli, J. Perrot, M. Petipa
21, 22. V: Compania Junior
Balletto di Toscana: Giselle –
c. E. Scigliano
24, 25. V: Aterballetto: Certe Notti
– c. M. Bigonzetti
Pisa
Teatro di Pisa
22. V: Aterballetto: Don Q. – Don
Quixote de la Mancha – c. E.
Scigliano; Rain Dogs – c. J. Inger;
Tempesta – c. C. Rizzo
Teatro Verdi di Pisa
22-25. V: NID Platform-New
Italian Dance Platform
Ravenna
Teatro Alighieri
9, 10. VI: Alessandra Ferri,
Herman Cornejo: Chéri – c. M.
Clarke
Teatro Rasi
10. VI: Valeria Magli: Pupilla
12. VI. Compagnia Abbondanza-Bertoni: Terramara
12
Palazzo Mauro de André
5. VI: Svetlana Zakharova and
Friends
21. VI: Ballet du Grand Théâtre
de Genève: Lux – c. K. Ossola;
Glory – c. A. Foniadakis
27. VI: Compagnie Olivier
Dubois: Souls
Roma
Teatro dell’Opera
23, 24, 25, 27, 28, 29, 30, 31.
V, 1. VI: La Belle au bois
dormant – c. M. Petipa (P.
Chalmer) – Balletto dell’Opera di Roma
Terme di Caracalla
27, 28. VI: Tokyo Ballet: Sept
Danses grecques; Don Giovanni; Le Sacre du printemps – c.
M. Béjart
Villa Adriana
23. VI: Bruno Beltraõ: H3
25. VI: Martha Graham Dance
Company: Rite of Spring;
Diversion of Angels; Errand –
c. M. Graham; Depak Ine – c.
N. Duato
Torino
Limone Fonderie Teatrali –
Moncalieri (Interplay)
26. V: Itamar Serussi: Mono;
Ludvig Daae
27. V: Giorgia Nardin: Dolly;
Manfredi Perego: Grafiche del
silenzio; Co. MK: Robinson –
c. M. Di Stefano
29. V: Teilo Troncy: Je ne suis
13
af
he • car
he • car
tellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
Verona
Teatro Filarmonico
15-18. V: Le Lac des cygnes –
c. R. Zanella – Balletto dell’Arena di Verona
Teatro Ristori
29, 30. V: Wiener Staatsballett:
Allegro Brillante – c. G.
Balanchine; Other Dances – c.
J. Robbins; Black Cake (duo)
– c. H. van Manen; Le Lac des
cygnes (Pas de cinq) – c. R.
Nureyev
Vicenza
Teatro Comunale di Vicenza
13. V: Grupo Corpo: Imã; Triz
– c. R. Pederneiras
23, 24. V: Ballet du Grand Théâtre
de Genève: Songe d’une nuit
d’été – c. M. Kelemenis
NEDERLAND
Larissa Lezhnina, Casey Herd – Het Nationale Ballet: “Trois Gnossiennes”, c. Hans van Manen
(ph. A. Sterling)
pas permanent; Daniele
Albanese/Co. Stalk; Jasper van
Luijk: Quite Discontinous
30. V: Sarah Bronsard: Ce qui
émerge après; Jo Fung:
Dialogue; Andrea Gallo Rosso: I Meet You...
31. V: Cristina Rizzo: La Sagra
della primavera, paura e delirio a Las Vegas; Giulio D’Anna: OOOOOOO
Teatro Astra (Interplay)
21. V: Cie Roy Assaf: The Hill;
Cie Sharon Fridman: Caída libre
Venezia
Ca’ Giustinian (Sala delle
Colonne)
19, 20, 25, 26, 27. VI: Cristina
Rizzo: Bolero
21, 22. VI: Jonathan Burrows:
The Madonna Project
21. VI: Cie Karas: Eyes Off – c.
S. Teshigawara
22, 25, 26, 27, 28. VI: Luisa
Cortesi: L’appuntamento
24. VI: Marina Giovannini:
Meditation on Beauty
27, 28. VI: MK/Margherita
Morgantin: 190CM CA
Conservatorio B. Marcello
19, 20, 21, 22. VI: Jérôme Bel:
Mondo Novo
26, 27, 28, 29. VI: Alessandro
Sciarroni: You Don’t Know
How Lucky You Are
Campo Pisani
19, 20, 21. VI: Anton Lachky:
À demain
26, 27, 28, 29. VI: David
Zambrano: Passing –
Through
Palazzo Grassi
19, 22. VI: Jonathan Burrows:
Body not Fit for Purprose;
Jérôme Bel: senza titolo
25, 27, 28, 29. VI: Keiin
Yoshimura: Wa No Kokoro:
Yashima
26, 27, 28, 29. VI: Laurent
Chétouane: Perspective(s)/
Solo avec R.
Teatro Malibran
19. VI: Cie Karas: Lines – c.
S. Teshigawara
Campo San Maurizio
20, 21. VI: Michele di Stefano/MK: Sahara para todos
26, 27, 28, 29. VI: Iris Erez:
Public Intimancy
Campo Novo
20, 22. VI: Cristina Rizzo:
Bolero Variazioni
21. VI: Luisa Cortesi: L’appuntamento
Teatro alle Tese
20. VI: Adriana Borriello: Tacita Muta
20, 21. VI: Cie Enzo Cosimi:
Sopra di me il diluvio
21. VI: Helen Cerina: Post
Grammatica
21. VI: Laurent Chétouane:
Sacré Sacre du Printemps
24. VI: Co. Virgilio Sieni: La
stanza del Fauno
24, 25. VI: Roy Assaf: Six
Years Later
24. VI: Raffaella Giordano,
Maria Muñoz: L’Incontro
25. VI: Simona Bertozzi/Nexus:
Guardare ad altezza d’Erba
25. VI: Radhouane El Meddeb,
Matias Pilet, Alexandre
Fournier: Nos Limites
26. VI: Stian Danielssen: Let’s
Play
26. VI: Jan Martens: Sweay
Baby Sweat
28. VI: Co. Virgilio Sieni: Indigene
28. VI: Dewey Dell: Marzo
28. VI: Damaged Good: Hunter
– c. M. Stuart
Teatro Piccolo Arsenale
20. VI: Co. Steve Paxton: Bound
27. VI: Association Fragile:
D’après une histoire vraie –
c. C. Rizzo
14
Amsterdam
Het Muziektheater
14, 16, 19, 20. V: Paquita (Grand
Pas) – c. M. Petipa; Tchaikovsky
Pas de Deux – c. G. Balanchine;
Trois Gnossiennes; Without
Words – c. H. Van Manen; Duet
– c. C. Wheeldon
7, 8, 9. VI: Nederlands Dans
Theater I: “Programme Kronos
Quartet”
18, 20, 21, 25, 26, 27, 29. VI:
The Tempest – c. K. Pastor –
Het Nationale Ballet
Staadsschouwburg
21, 23, 24, 30, 31. V: The Dream
– c. F. Ashton; Paquita (Grand
Pas) – c. M. Petipa – Het
Nationale Ballet
Den Haag
Lucent Danstheater
4, 5. VI: Shutters Shut – c. P.
Lightfoot, S. León; Cacti – c. A.
Ekman; Gods and Dogs – c. J.
Kylián; Sara – c. S. Eyal –
Nederlands Dans Theater
NORWEGIA
Oslo
Opera
2, 3, 10, 11, 13, 15, 20, 24. V:
Swan Lake – c. A Ekman –
Norwegian National Ballet
28, 31. V, 1, 3, 4, 5, 9, 10, 11,
15, 17, 18, 19, 21. VI: Le Lac
des cygnes – c. M. Petipa, L.
Ivanov, K. Seergeyev (A.-M.
Holmes) – Norwegian National
Ballet
15
af
he • car
he • car
tellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
K. Pastor
– Polish
National
Anna
Tsygankova,
Matthew
Golding –2 7 , 2 8 , 2 9 . V: G i s e l l e –
Ballet “Variations for Two Couples”,C o m p a n h i a N a c i o n a l d e
Het Nationale Ballet:
c. Hans van Manen (ph. M. Haegeman)Bailado
POLAND
Warsaw
Teatr Wielki
29, 30, 31. V, 1, 6, 7, 8. VI: Don
Quichotte – c. M. Petipa, A. Gorsky
(A. Fadeyechev) – Polish
National Ballet
14, 15, 28. VI: Returning Waves
– c. E. Wesolowsky; Adagio &
Scherzo; Moving Rooms – c.
PORTUGAL
RUSSIA
Lisboa
Teatro Camões
17, 18, 22, 23, 24, 25. V: O lago
dos cisnes – c. F. Duarte –
Companhia Nacional de
Bailado
St. Petersburg
Mariinsky Teatr
16, 18. V: A Midsummer Night’s
Dream – c. G. Balanchine –
Mariinsky Ballet
17. V: Ballet Gala in
honour of Ninel
Kurgapkina
19. V: Romeo and
Juliet – c. L.
Lavrovsky
–
Mariinsky Ballet
21. V: La Bayadère
– c. M. Petipa (V.
Tchabukiani) –
Mariinsky Ballet
22. V, 13, 14, 16. VI:
The Fountain of
Bakhchisarai – c. R.
Zakharov
–
Mariinsky Ballet
24. V: Le Lac des
cygnes – c. M.
Petipa, L. Ivanov (K.
Sergeyev)
–
Mariinsky Ballet
1, 2, 7. VI: Giselle –
c. J. Coralli, J. Perrot,
M.
Petipa
–
Mariinsky Ballet
15. VI Jewels – c.
G. Balanchine –
Mariinsky Ballet
21, 22. VI: Carmen
– c. A. Alonso; Le
Jeune Homme et la
Mort – c. R. Petit –
Marrinsky Ballet
Mariinsky Theatr
II
3, 6, 8. VI: Le
Corsaire – c. M.
Petipa, P. Gusev –
Mariinsky Ballet
Mikhailovsky
Theatr
20. V: Without
Words; Duende;
Svetlana
Zakharova, Edvin
Revazov – Bolshoi
Ballet: “La Dame
aux camélias”,
c. John Neumeier
(ph. M. Logvinov)
16
White Darkness – c. N. Duato
– Mikhailovsky Ballet
22, 23, 24. V: Casse-Noisette
– N. Boyarchikov – Mikhailovsky
Ballet
28, 29. V: Multeplicidad,
Formas de silencio y vacío –
c. N. Duato – Mikhailovsky Ballet
31. V: Cipollino – c. G. Mayorov
– Mikhailovsky Ballet
3, 5, 6. VI: Le Corsaire – c. M.
Petipa, P. Gusev – Mikahilovsky
Ballet
11, 12. VI: Le Lac des cygnes
– c. M. Petipa, L. Ivanov (A.
Gorsky, A. Messerer) –
Mikhailovsky Ballet
14, 15. VI: Giselle – c. J. Coralli, J. Perrot, M. Petipa –
Mikhailovsky Ballet
24-27. VI: La Bella au bois
dormant – c. N. Duato –
Mikhailovsky Ballet
Moscow
Bolshoi Teatr (old stage)
14, 15, 17. V: Marco Spada – c.
P. Lacotte – Bolshoi Ballet
27, 28. V: Benois de la Danse
29, 30, 31. V, 1. VI: Onegin – c.
J. Cranko – Bolshoi Ballet
1, 6, 7, 8. VI: Le Corsaire – c. M.
Petipa – Bolshoi Ballet
11, 12, 13, 15. VI: La Dame aux
camélias – c. J. Neumeier –
Bolshoi Ballet
17, 18. VI: The Royal Ballet:
Rhapsody – c. F. Ashton;
Tetractys – c. W. McGregor; DGV
Danse à grande vitesse – c. C.
Wheeldon
20, 21, 22. VI: The Royal Ballet:
Manon – c. K. MacMillan
SUISSE
Lausanne
Théâtre Beaulieu
21-25. V: Fais ce que tu veux
de ces ailes – c. J. Arozarena;
Kyôdai – c. G. Roman; Histoire
d’Eux – c. T. Fabre; Sept Danses
grecques – c. M. Béjart – Béjart
Ballet Lausanne
Salle Metropole
3. VI: Cie Octavio de la Roza:
Boléro; Instants volés – c. O.
De la Roza
Zürich
Opernhaus
22. V, 9, 13, 15, 20, 26, 29. VI:
Ballett Zürich: créations – c.
W. McGregor, M. Goecke, C.
Spuck
26-31. V: Junge Choreografen
17
18
ECHOS ••ECHOS
NEWS •• ECHOS • ECHOS
NEWS ••ECHOS
NEWS • ECHOS
ECHOS ••ECHOS
NEWS • ECHOS
NEWS •• ECHOS
NEWS ••ECHOS
ECHOS
BREVI ••ECHOS
ECHOS •• ECHOS
ECHOS • ECHOS
ECHOS
Musique française à l’Opéra
Le Ballet de l’Opéra de Paris est sur scène en
mai (et jusqu’au 8 juin) avec une soirée consacrée à la musique française, où l’on affiche
la deuxième création de la saison (après
Darkness is Hiding Black Horses du chorégraphe japonais Saburo Teshigawara, en octobre dernier). Il s’agit d’une pièce de Benjamin Millepied (qui à partir du mois d’octobre
sera le nouveau directeur de la compagnie); il
s’appuie sur Daphnis et Chloé de Maurice
Ravel, en réunissant ainsi la compagnie de
ballet, l’orchestre et les chœurs de l’Opéra.
Le décor a été confié au peintre Daniel Buren.
En ouverture du programme, on reprend Le
Palais de cristal que George Balanchine créa
en 1947 précisément pour la troupe parisienne, sur la Symphonie en Ut majeur de
Georges Bizet (à New York et ailleurs, on le
danse en effet sous le titre de Symphony in
C). Pour l’occasion, le ballet de Balanchine
sera habillé par le couturier Christian Lacroix.
La soirée suivante, entre juin et juillet, sera
composée de deux reprises: Dances at a
Gathering de Jerome Robbins à côté de Psyché qu’Alexeï Ratmansky avait créé à l’Opéra
en 2011 sur le Poème symphonique pour orchestre et chœur de César Franck. Entretemps, on a annoncé la saison de ballet 20142015, la dernière mise au point par Brigitte
Lefèvre (directrice partante de la compagnie
de l’Opéra): les reprises sont nombreuses (on
en reparlera) mais on signale dès maintenant
les deux créations, l’une de John Neumeier
sur Le Chant de la terre de Gustav Mahler et
une autre – un choix qui peut laisser perplexe
– de Pierre Rigal, qui est plus un performeur
provenant du monde du cirque et de l’hip
hop qu’un chorégraphe.
Ballet de l’Opéra de Paris: “Daphnis et Chloé”, c. Benjamin Millepied (ph. A. Poupeney)
Preljocaj en création
Après Les Nuits, fresque chorégraphique aux
teintes exotiques et érotiques créée en 2013,
Angelin Preljocaj présente une nouvelle pièce
en juin, pour sa compagnie, le Ballet Preljocaj
d’Aix-en-Provence, dans le cadre du festival
MontpellierDanse. Il s’agit du troisième volet d’Empty Moves, jusqu’à maintenant composé de deux pièces créées sur la bande sonore d’Empty Words, le spectacle provocateur
Albisson étoile
que John Cage présenta en 1977: une série de
sons (syllabes, phonèmes...) vidés de sens
que le compositeur émettait lui-même et qui
suscitèrent la réaction indignée et quelque peu
violente du public (dont on a témoignage dans
l’enregistrement employé par le chorégraphe).
Preljocaj s’est justement proposé d’appliquer
ce principe de “mots vides” aux mouvements.
MontpellierDanse
La
34ème
édition
du
festival
MontpellierDanse – l’un de plus importants
en Europe consacrés à la danse contemporaine – se déroulera du 22 juin au 9 juillet
avec 53 représentations de 17 spectacles différents. Outre la création d’Angelin Preljocaj
(v. écho sur le chorégraphe), à noter Genesis
de Sidi Larbi Cherkaoui, attentif aux thèmes
«postmodernes» du métissage des cultures et
des langages, qui, après avoir travaillé avec
les moines Shaolin, s’inspire encore une fois
de l’esthétique chinoise. La pièce, pour 7 interprètes, prévoit aussi la participation de
Yabin Wang, danseuse et chorégraphe célèbre
en Asie. Parmi les autres rendez-vous, on remarque Atomos, la dernière création de Wayne
McGregor pour sa compagnie Random Dance
et le nouveau solo du bailaor Israel Galván
qui dansera dans la Cour de l’Agora sur le
silence, comme l’avait fait, dans les années
1930, le légendaire Vicente Escudero, le premier artiste flamenco d’avant-garde. Emanuel
Gat, Nacera Belaza, Jan Fabre, Boris
Charmatz, Alonzo King sont parmi les autres
noms à l’affiche du festival.
Comme on l’a déjà annoncé dans
le dernier numéro de BALLET2000, Amandine Albisson
(24 ans) a été nommée étoile de
l’Opéra de Paris, en mars dernier,
à l’issue d’une représentation
d’Onéguine de John Cranko où
elle interprétait le rôle de Tatiana.
Elle s’était déjà fait remarquer
cette saison dans le rôle d’Aurore
de La Belle au bois dormant (version Noureev). Albisson s’est
formée à l’École de Danse de
l’Opéra et venait tout juste d’être
promue au rang de première danseuse au début de l’année.
Amandine Albisson,
nouvelle étoile du Ballet
de l’Opéra de Paris, dans
“La Belle au bois
dormant” (ph. S. Mathé)
19
ECHOS • NEWS • ECHOS • NEWS • ECHOS • NEWS • ECHOS • NEWS • ECHOS • NEWS • ECHOS • NEWS • ECHOS
Mathilde Monnier, les
danseurs et le répertoire
Le Ballet de Lorraine à Nancy, dirigé par Petter
Jacobsson, consacre le mois de mai à Mathilde Monnier (55 ans). Figure de proue de
la danse contemporaine française, elle s’est
imposée à partir de la seconde moitié des années 1980, dans le contexte de ladite “nouvelle danse”, et, après avoir dirigé le Centre
Chorégraphique National de Montpellier, en
décembre dernier elle a été nommée directrice
du Centre National de la Danse à Pantin. À
l’Opéra de Nancy on reprend maintenant sa
Rose-variation, une pièce de 2001 où la chorégraphe “s’interroge sur ce qui fait la spécificité d’un corps de ballet”, sur la personnalité de l’individu dans la masse du groupe, en
enchaînant une série de solos. Le programme
est complété par Objets re-trouvés, une pièce
créée à partir du répertoire du Ballet de Lorraine et sur l’influence que ceci a eue sur chaque danseur de la compagnie.
Ballet Preljocaj: “Empty Moves”, c. Angelin Preljocaj (ph. J-C. Carbonne)
De la Roza et son Boléro à lui
Les étoiles de Legris
Octavio de la Roza, le dernier danseur-fétiche de Maurice Béjart (connu à l’époque
comme Octavio Stanley), présente, avec la
compagnie qu’il a fondée à Lausanne, un nouveau programme qui sera donné cet été à Lausanne (juin), puis à Avignon (juillet) et dans
d’autres villes. Avec audace, Octavio De la
Roza s’empare du Boléro de Ravel (après
avoir interprété tant de fois la celèbre chorégraphie de Béjart dans le monde entier) pour
en faire une sorte de lutte entre deux gladiateurs, le public étant invité à participer au
combat en montant sur scène. La soirée sera
complétée par un trio, toujours chorégraphié
par De la Roza, en dialogue avec les musiciens sur scène.
Une deuxième édition du Gala des Étoiles,
présenté par Franceconcert, sous la direction
artistique de Manuel Legris, a traversé la
France et la Belgique au mois de mars avec de
nombreuses étapes. Les danseurs à l’affiche
changeaient de ville en ville, ainsi que le programme des soirées. Aux côtés des artistes de
l’Opéra de Paris, leurs collègues d’autres grandes compagnies internationales, le Ballet de
l’Opéra de Vienne (dont Legris est le directeur), le Royal Ballet de Londres, Het Nationale Ballet, le Ballet de Hambourg, les compagnies du Théâtre Bolchoï de Moscou et du
Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg... Ce
gala a remporté un succès tout particulier à
Nice, dans la grande salle de l’Acropolis.
Octavio de la Roza, Camilla Colella, Alexander Teutscher en répétition
Genesis, la jeune chorégraphie
Ivan Cavallari, le chorégraphe italien qui dirige le Ballet du Rhin, donne libre cours aux
aspirations chorégraphiques de ses danseurs
avec un projet en deux parties, appelé
“Genesis”, qui ne montrera pas seulement
l’œuvre terminée de ses jeunes chorégraphes
mais aussi le processus de création. Rendezvous en mai à Mulhouse pour en voir la phase
de réalisation (“Genesis studio”) et puis en
juin à Strasbourg pour le produit définitif.
Danse Élargie
Le Théâtre de la Ville de Paris (avec la collaboration du Musée de la Danse) présente les
14 et 15 juin sur son plateau le concours
“Danse Élargie”, qui en est à sa troisième édition. Le temps d’un week-end, les artistes de
toute discipline, mais aussi des gens ordinaires et de tous âges peuvent présenter leurs
spectacles sans aucune règle, sauf la durée
maximale (10 minutes) et le nombre d’interprètes (trois au minimum).
Le NDT à Paris
Le Nederlands Dans Theater est attendu au
Théâtre de Chaillot à Paris au mois de juin.
L’ancien directeur/chorégraphe et démiurge de
la compagnie hollandaise, Jirí Kylián, ouvrira
le programme avec Mémoires d’oubliettes, une
pièce de 2009 avec laquelle il avait fait ses
adieux, tout au moins officiels, à la création
chorégraphique. Ensuite, ce sera au tour des
atmosphères oniriques de Shoot de Moon, créé
par le directeur actuel de la compagnie, l’Anglais Paul Lightfoot, qui travaille en tandem
avec l’Espagnole Sol León, depuis désormais
vingt ans au NDT, où ils continuent de cultiver, même si c’est à leur manière, le style de
la maison. À l’affiche il y aura aussi Crystal
20
ECHOS ••ECHOS
NEWS ••ECHOS
NEWS • ECHOS
ECHOS ••ECHOS
NEWS • ECHOS
NEWS •• ECHOS
NEWS ••ECHOS
ECHOS
BREVI ••ECHOS
ECHOS •• ECHOS
ECHOS • ECHOS
ECHOS
Pite, chorégraphe canadienne qui a connu ces
derniers temps un certain succès surtout aux
États-Unis.
10 ans des Étés de la Danse
Cet été, pour fêter ses 10 ans d’existence, les
«Étés de la Danse» de Paris réinvitent le San
Francisco Ballet. Par ailleurs, en 2005, lors
de la première édition de ce festival – qui chaque année est axé sur une grande compagnie
internationale – on avait invité précisément
cette troupe américaine. Au Théâtre du Châtelet, elle donnera 18 représentations, du 10
au 26 juillet, avec un programme différent ou
différemment combiné chaque soir, des ballets de George Balanchine (The Four
Temperaments, Agon...) et de ceux de Jerome
Robbins (In the Night, Glass Pieces...), jusqu’aux dernières créations d’Alexeï
Ratmansky et de Liam Scarlett (que l’on
pourra découvrir à Paris) en passant par Hans
van Manen, Christopher Wheeldon, le directeur Helgi Tomasson, Yuri Possokhov (chorégraphe résident de la compagnie), Edwaard
Liang... On en reparlera.
Tony Fabre, la création
posthume
Le danseur et chorégraphe Tony Fabre, qui
est mort il y a quelques mois à l’âge de 46
ans, était en train de travailler à une création
pour le Béjart Ballet Lausanne. La compagnie
l’a présentée en février dernier à Lausanne.
La pièce, Histoire d’eux, la troisième créée
par Fabre pour le BBL, est inspirée de l’histoire de Didon et Énée, sur la musique de
Henry Purcell (auteur justement de l’opéra
Dido and Aeneas). La compagnie la reprendra en mai toujours à Lausanne dans la cadre
d’un autre programme comprenant aussi deux
Prochainement aux Étés de la Danse: Lorena Feijóo, Tiit Helimets – San Francisco Ballet:
“Allegro Brillante”, c. George Balanchine (ph. E. Tomasson)
créations: la première, de Gil Roman, directeur de la compagnie, puise son inspiration
dans la littérature japonaise; la seconde est
signée par le Cubain Julio Arozarena, maître
de ballet et assistant à la direction du BBL.
On reprendra aussi, dix ans après la dernière
Julien Favreau, Elisabet Ros – Béjart Ballet Lausanne: “Histoire d’eux”, c. Tony Fabre
(ph. F. Levieux)
représentation, une pièce de Béjart très aimée
de son public: Les 7 Danses grecques, que le
chorégraphe créa en 1983. On la donnera également à Versailles cet été lors d’une tournée
du BBL.
Latitudes jeunes et
contemporaines
Latitudes Contemporaines revient à Lille et dans
sa métropole du 4 au 20 juin. Ce festival de
danse contemporaine, très attentif à la
multidisciplinarité et à la “performance art”,
présente toujours l’œuvre d’artistes émergents
et de la plus jeune génération. Mais aussi des
chorégraphes confirmés: cette année on affiche
Latifa Laâbissi, François Chaignaud, Maguy
Marin, Sylvain Prunenec et Christian Rizzo.
Rencontres Chorégraphiques
Les Rencontres Chorégraphiques Internationales de Seine-Saint-Denis se déroulent jusqu’à la mi-juin dans dix villes du département. Un festival nomade, donc, mais fidèle
à son engagement en faveur de la création,
émergente ou plus confirmée. Parmis les 26
compagnies et artistes invités cette année: la
compagnie espagnole La Veronal, Myriam
Gourfink, Yasmeen Godder et Daniel
Linehan.
21
Après Wheeldon, Marriott
Soirée Petit à La Scala
Spolète sans Ferri...
Après la création de Christopher Wheeldon,
The Winter’s Tale (dont BALLET2000 rendra
compte prochainement), en mai le Royal Ballet de Londres se produit dans un triptyque.
À l’affiche, Serenade (1934) de George Balanchine, Sweet Violets, le “drame dansé”, de
style victorien, de Liam Scarlett inspirée de
Jack l’Éventreur, et DGV, Danse à grande
vitesse que Christopher Wheeldon créa en
2006 pour la compagnie anglaise sur la musique que Michael Nymann composa pour
l’anniversaire de la naissance du TGV. Ensuite, on programme la dernière création de
la saison, d’Alastair Marriott, un «danseurmime» du Royal Ballet qui, comme chorégraphe, a créé plusieurs pièces pour la compagnie. Dans la même soirée, il y aura
également The Dream (1964) de Frederick
Ashton (un court ballet tiré du Songe d’une
nuit d’été de William Shakespeare) et The
Concert (1956) de Jerome Robbins, qui montre les réactions d’un public varié et indiscipliné pendant un concert pour piano.
Après les représentations du Lac des cygnes
(la version chorégraphique habituelle de
Rudolf Noureev), le Ballet de La Scala de
Milan présente, entre mai et juin, une soirée
consacrée à Roland Petit. Le programme associe deux pièces très différentes mais qui
toutefois reflètent l’esprit du temps dans
lequel elles furent créées: avec Le Jeune
Homme et la Mort (pièce «existentialiste»
de 1946, sur une idée du poète Jean Cocteau), on reprendra aussi Pink Floyd Ballet,
créé par Roland Petit dans les années
soixante-dix sur des morceaux du groupe
rock. À noter que dans Le Jeune Homme
alternent deux danseurs-star très différents:
Roberto Bolle et Ivan Vassiliev. Ce sera le
dernier programme de ballet à la Scala avant
la pause estivale. La saison recommencera
en septembre avec Don Quichotte (version
Noureev) et plusieurs invités (Natalia
Ossipova avec Ivan Vassiliev, et dans les représentations suivantes Leonid Sarafanov ou
Denis Matvienko).
Le Festival des Deux Mondes de Spolète (en
Italie) se déroulera du 27 juin au 13 juillet.
Alessandra Ferri, qui dans les années passées
a été la conseillère artistique pour la danse, a
quitté sa charge, suite à des divergences avec la
direction. Comme toujours à Spolète, toutefois, le programme de danse continue d’être
très américain. En effet, on affiche la compagnie que Paul Taylor, doyen de la chorégraphie
américaine (et mondiale), fonda il y a 60 ans
(c’est l’une des étapes d’une tournée internationale à l’occasion de son anniversaire), et le
San Francisco Ballet qui dansera dans des pièces de Frederick Ashton, Hans van Manen,
Alexeï Ratmansky et de son directeur Helgi
Tomasson.
Été pétersbourgeois à
Londres
Le Ballet du Théâtre Mariinsky
de Saint-Pétersbourg reviendra au
Royal Opera House, Covent Garden de Londres cet été, entre
juillet et août, avec des programmes plutôt éclectiques, de nombreuses représentations et distributions. Parmi les rendez-vous les
plus intéressants de cette saison
londonienne de la grande compagnie russe, à noter Diana Vishneva
dans Roméo et Juliette (dans la chorégraphie historique de Léonide
Lavrovsky) et dans Cendrillon
d’Alexeï Ratmansky, et Oulyana
Lopatkina dans Le Lac des cygnes.
On affiche aussi un programme
George Balanchine avec Apollo et
A Midsummer’s Night Dream et
un autre programme avec L’Oiseau
de feu de Michel Fokine, Marguerite and Armand de Frederick Ashton et Concerto DSCH de
Ratmansky. Parmi les autres danseurs annoncés: Ekaterina
Kondaourova, Alina Somova,
Viktoria Tereshkina, Daniil
Korsountsev et Vladimir
Shklyarov, et l’un des jeunes espoirs de la compagnie, Youlia
Stepanova.
...qui va au Ravenna Festival
La section danse du Ravenna Festival (à Ravenne, ville d’art en Italie, célèbre pour ses
mosaïques byzantines), débute en juin:
Svetlana Zakharova est la tête d’affiche d’une
soirée de gala, accompagnée par d’autres danseurs russes. Autre star du ballet,
Alessandra Ferri, qui, après avoir
quitté sa charge de conseillère artistique du Festival des Deux
Mondes de Spolète, arrive à Ravenne pour présenter Chéri. Le
critique américain Anna
Kisselgoff, dans le numéro 244 de
BALLET2000, avait rendu compte
du spectacle lors des débuts à New
York. La pièce, avec la chorégraphie de Martha Clark, est tirée du
roman du même titre de Colette;
Ferri danse avec Herman Cornejo
de l’American Ballet Theatre.
Parmi les autres rendez-vous avec
la danse: le Ballet du Grand Théâtre de Genève et surtout la Trisha
Brown Dance Company pour sa
soi-disant “tournée d’adieux”,
étant donné que la chorégraphe
américaine Trisha Brown (78 ans)
passe le témoin de la direction artistique à ses collaborateurs.
Biennale de Venise: la
danse et la peinture
Du 19 au 29 juin aura lieu à Venise la “Biennale Danza”, ou
mieux: le neuvième Festival International de Danse Contemporaine
de la Biennale de Venise, le premier dirigé par le chorégraphe italien Virgilio Sieni. On affiche pas
moins de 42 titres, dont 28 sont
des créations. Sieni lui-même présente les “premiers brouillons” de
son Évangile selon Saint-Matthieu, qui débutera en juillet, après
le festival: 24 tableaux, présentés
Alessandra Ferri, Herman
Cornejo: “Chéri”,
c. Martha Clarke
(ph. J. Marcus)
22
ECHOS ••ECHOS
NEWS ••ECHOS
NEWS • ECHOS
ECHOS ••ECHOS
NEWS • ECHOS
NEWS •• ECHOS
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ECHOS
BREVI ••ECHOS
ECHOS •• ECHOS
ECHOS • ECHOS
ECHOS
Don Juan, puisant aussi son inspiration dans le
ballet de Jean-Georges Noverre sur la musique
de Gluck de 1761. Pour la musique, toutefois,
Madìa n’a pas choisi seulement Gluck mais
aussi d’autres compositeurs de la même époque. Le nouveau ballet débute au mois de juin à
la Komische Oper de Berlin.
Prix Benois au Bolchoï
Sylvie Guillem, Russell Maliphant: “Push” (ph. J. Persson)
La Reine en visite
Dans ces pages, on voit la photo de la Reine
Sophie d’Espagne lors d’une récente visite
à la Compañía Nacional de Danza (CND)
et au Ballet Nacional de España (BNE), qui
sont en effet installés dans le même bâtiment à Madrid. La première, comme on le
sait, est dirigée aujourd’hui par José Carlos
Martínez, après trente ans sous la direction
de Nacho Duato, qui en avait fait en définitive une compagnie d’auteur; la direction de
Martínez a soulevé à nouveau le problème
de savoir quel répertoire devrait avoir la seule
compagnie nationale de ballet en Espagne,
où le ballet au sens strict du terme est absent. Le Ballet Nacional de España,
aujourd’hui dirigé par Antonio Najarro, est
la compagnie nationale de danse classique
espagnole (comprenant l’”escuela bolera”,
c’est-à-dire le ballet espagnol du XIXème
siècle) et d’autres danses nationales, dont,
naturellement, le “baile flamenco”.
en plusieurs étapes, qui emploieront entre 180
et 200 interprètes. L’un des projets les
plus intéressants s’intitule “Aura”: Saburo
Teshigawara, Laurent
Chétouane, Jonathan
Burrows avec Matteo
Fargion, Jérôme Bel et Michele
Di Stefano créeront 5 pièces à
partir des œuvres de grands artistes du passé conservées à Venise. Par exemple, Teshigawara
s’inspire, pour son solo, de la fresque de Giorgione connue comme La
Nuda. Dans les autres sections qui composent le festival, on retrouve Meg Stuart,
Radhouane El-Meddeb, Christian Rizzo,
Steve Paxton (à qui l’on remettra le Lion
d’Or à la Carrière), Roy Assaf... D’autres
créations seront présentées dans le cadre du
projet de workshops pour de jeunes danseurs.
Le Don Juan de Madìa
Après Le Magicien d’Oz, le chorégraphe
italien Giorgio Madìa crée à nouveau
pour le Berlin Staatsballett (la compagnie de l’Opéra de Berlin, dirigée encore pour quelques
mois par Vladimir
Malakhov). Cette
fois, il aborde le
mythe de
La prochaine édition du Prix Benois de la Danse
aura lieu, comme toujours au Théâtre Bolchoï
de Moscou, les 27 et 28 mai prochains avec la
cérémonie de remise des prix et la soirée de
gala. Désormais dans sa vingt-deuxième édition, le Prix Benois (d’après le nom du premier
scénographe des Ballets Russes, Alexandre
Benois) a été fondé par Youri Grigoro-vitch
qui continue d’en assurer la direction artistique, sous la direction générale de Nina
Koudriavtseva-Loory. On récompense plusieurs catégories d’artistes qui se sont distingués dans les productions de danse et de ballet
de l’année précédente (danseurs, chorégraphes
mais aussi costumiers, scénographes, compositeurs). Les lauréats de cette édition n’ont pas
encore été annoncés au moment de mettre sous
presse. Parmi les candidats, à noter le chorégraphe Alexeï Ratmansky, la danseuse Ashley Bouder du New York City Ballet et le danseur
Herman Cornejo
de l’American Ballet
Theatre.
Hommage
à Strauss
En
juin,
le
Semperoper de
Dresde (l’une
des principales
maisons d’opéra
en Allemagne)
consacre une soirée
de ballet à la musique
de Richard Strauss,
dans laquelle se détache
une création d’Alexeï
Ratmansky
sur
sa
Verklungene Feste (suite de
danses pour orchestre de
chambre). L’autre ballet à l’affiche est La Légende de Joseph: la musique fut commandée à Strauss par Diaghilev et le
ballet, avec la chorégraphie de Michel Fokine, fut présenté par les
Ballets Russes en 1914. John
Laura Halzack, Robert
Kleinendorst –
Paul Taylor Dance Company
(ph. T. Caravaglia)
23
Rois du sex appeal
Zakharova aux camélias
Le gala tout au masculin “The Kings of the Dance” a fait son retour en mars dernier,
cette fois au Coliseum de Londres. Les “rois” en question, tout au moins si l’on en croit
le titre de la soirée, étaient Roberto Bolle, Marcelo Gomes, Denis Matvienko, Leonid
Sarafanov et Ivan Vassiliev. Les pièces au programme étaient très variées: des chorégraphies de Nacho Duato, Patrick De Bana, Marco Goecke, de Marcelo Gomes lui-même
(qui a créé un “final” sur la musique composée et exécutée au piano par le danseur canadien Guillaume Côté), et surtout de Roland Petit: du Jeune Homme et la Mort (dans
lequel alternaient Bolle et Vassiliev)
jusqu’au célèbre duo masculin de
Proust, ou les intermittences du
cœur. L’opinion générale de la critique anglaise qui a rendu compte
du spectacle dans les quotidiens était
que le sex appeal des danseurs (le
plus souvent avec leurs muscles en
évidence) compensait la faiblesse de
la qualité chorégraphique et du goût
du programme (à quelques exceptions près). Dans la photo, on peut
voir le groupe des Kings of the
Dance, après le spectacle, avec
l’impresario arménien Sergueï
Danilian et le couturier Valentino.
Un nouveau projet de Danilian est
Solo for Two, un “récital” pour
Natalia Ossipova et Ivan Vassiliev
qui sera présenté en juillet et août
en Californie et en Russie.
La Dame aux camélias, l’un des ballets les
plus connus et représentés de John
Neumeier, est entré au répertoire au Théâtre
Bolchoï de Moscou en mars dernier. Dans le
rôle qui fut créé par Marcia Haydée en 1978,
a fait ses débuts Svetlana Zakharova, aux
côtés de l’invité Edvin Revazov, l’un des
danseurs principaux du Ballet de Hambourg.
Dans le rôle-titre ont dansé également
Evguénia Obraztsova et le jeune espoir de la
compagnie Olga Smirnova, toutes les deux
formées à Saint-Pétersbourg. Le ballet sera
repris au Bolchoï au mois de juin.
Neumeier, entre autres, créa, lui aussi, sa
version en 1977 (mais il en a présenté une
autre plus récemment). Toutefois à Dresde
on donne La Légende de Joseph du chorégraphe belge Stijn Celis.
La Nuit de Hübbe
Lors de cette année shakespearienne (450e
anniversaire de la naissance), Nikolaj Hübbe,
directeur du Ballet Royal Danois, présente
lui aussi en mai une création inspirée d’une
pièce du grand dramaturge. Il s’agit de la comédie La Nuit des Rois, dans laquelle se produisent les danseurs les plus jeunes de la compagnie de Copenhague.
Suédois Alexander Ekman, chorégraphe résident du Nederlands Dans Theater de La Haye,
il s’agit d’une production avec un “vrai lac”
sur scène (selon ce qu’écrit le communiqué de
presse). Tout de suite après, entre mai et juin,
on affiche Le Lac des cygnes traditionnel dans
la version de Konstantine Sergueev d’après
Marius Petipa et Lev Ivanov (c’est-à-dire celle
du Kirov-Mariinsky), reprise ici par AnnaMarie Holmes.
Gaîté newyorkaise
L’habituelle “saison de printemps” de
l’American Ballet Theatre a lieu au
Metropolitan Opera House de New York entre mai et juin. C’est une occasion pour voir
les grands classiques du répertoire où alternent les nombreux principals de cette compagnie cosmopolite: Don Quichotte, La
Bayadère (dans la version de Natalia
Makarova), Le Lac des cygnes (dans la version du directeur de la compagnie, Kevin
McKenzie), Giselle et Coppélia, dont la chorégraphie est ici attribuée à Nikolaï Sergueev
(le régisseur des Théâtres Impériaux russes
du début du XXème siècle qui remonta en
occident la version de Marius Petipa), reprise en son temps pour l’ABT par le danseur Frederic Franklin. Au programme, on
trouve aussi Manon de Kenneth MacMillan
et Cinderella de Frederick Ashton, outre deux
programmes mixtes dans lesquels se détache
la reprise de Gaîté parisienne de Léonide
Massine, le ballet inspiré de l’opérette de
Jacques Offenbach La Vie parisienne, créé
en 1938 pour les Ballets Russes de Monte-
Norwegian National Ballet: “Swan Lake”, c. Alexander Ekman (ph. E. Berg)
Il n’y a pas qu’un seul Lac
On dirait que Le Lac des cygnes de Mats Ek
ou celui de Matthew Bourne, autrefois considérés comme iconoclastes ou tout au moins
alternatifs, sont désormais des classiques du
“remake”. Par ailleurs, les chorégraphes qui
ont recréé à leur façon ce grand titre du ballet
(avec une chorégraphie personnelle et
revisitant le livret de différente manière) sont
bien nombreux. Dernièrement, par exemple,
on a beaucoup parlé dans les journaux du Swan
Lake africain de Dada Masilo et de Swan Lake
reloaded de Fredrik Rydman (dont BALLET2000 rendra compte prochainement). Un
autre Lac, qui s’annonce spécial, est au programme entre avril et mai en Norvège, avec la
compagnie de l’Opéra d’Oslo. Signée par le
24
25
zounov pour le dernier grand ballet de Petipa (dans ce cas, il s’agit de morceaux tirés
du premier acte). Balanchine et Robbins reviennent ensuite dans des programmes mixtes d’où se détache une création de Justin
Peck, sur une musique originale du chanteur
et auteur américain Sufjan Stevens. Une série de représentations de Jewels et d’A
Midsummer’s Night Dream de Balanchine
clôtureront la saison.
Pas que Martha Graham
La Martha Graham Dance Company a présenté une saison newyorkaise au City
Center en mars dernier. Comme on l’avait
déjà annoncé, la grande nouveauté de l’événement, c’était les deux créations respectivement de l’Espagnol Nacho Duato et du
Grec Andonis Foniadakis (celle de ce dernier
avait déjà été présentée sous forme de work
in progress en octobre dernier): la compagnie a en effet décidé de s’ouvrir à d’autres
chorégraphes et à la création, tout en continuant, bien sûr, à représenter et conserver
l’œuvre de la grande dame de la modern dance
dont elle porte le nom. Et dont on a donné,
entre autres, Clytemnestra, ici dans une version réduite à un seul acte, The Rite of Spring,
reconstruit l’année dernière, et Appalachian
Spring qui a fêté ses 70 ans.
Martha Graham Dance Company: “Depak Ine”, c. Nacho Duato (ph. Costas)
Carlo et entré au répertoire de l’ABT en 1970.
La saison se terminera avec une soirée en
hommage à William Shakespeare lors du
450ème anniversaire de la naissance du grand
dramaturge, avec The Dream, l’ancien ballet
d’Ashton tiré du Songe d’une nuit d’été, et
la récente création d’Alexeï Ratmansky qui
s’appuie sur La Tempête.
Xiomara Reyes, Herman Cornejo – American Ballet Theatre: “Coppélia”, (ph. M. Sohl)
Chorégraphes d’hier et
d’aujourd’hui au NYCB
La “saison de printemps” du New York City
Ballet commence fin avril avec deux programmes composés de pièces de 10 chorégraphes
actuels: Mauro Bigonzetti, William
Forsythe, Peter Martins (le directeur de la
compagnie), Benjamin Millepied, Justin
Peck (le jeune chorégraphe du NYCB de nos
jours), Angelin Preljocaj, Alexeï Ratmansky,
Liam Scarlett, Richard Tanner et Christopher
Wheeldon. Mais le répertoire des deux chorégraphes historiques de la compagnie, le
fondateur George Balanchine et Jerome
Robbins, ne peut pas être absent. On leur
consacre à chacun un programme. À noter
que l’on affiche de reprises de ballets de Balanchine très peu (ou pas du tout) représentés en dehors de New York, comme Le Tombeau de couperin, Robert Schumann’s
Davidsbündlertänze ou Raymonda Variations, l’un des trois ballets de Mr B. qui
s’appuient sur la musique d’Alexandre Gla-
26
ECHOS ••ECHOS
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ECHOS
Stanislavsky, l’autre ballet de
Moscou
Les passionnés de ballet considèrent Moscou comme une mecque étant donné la présence du Théâtre Bolchoï et de sa très célèbre compagnie. Mais ils seront surpris, comme
je l’ai été moi-même après tant d’années pendant lesquelles je n’ai plus vu le Ballet du
Théâtre Stanislavsky et NemirovichDanchenko, de constater la qualité et l’activité de cette compagnie, “secondaire” pour
les moscovites mais telle qu’elle peut faire
envie à maints théâtres européens. Le théâtre, bien restauré, accueille un public vrai et
passionné pour de nombreux spectacles de
danse (outre la musique et le théâtre), et est
le siège justement d’une compagnie de ballet, forte de sa propre école. Le spectacle
auquel j’ai assisté était une reprise de La Sylphide dans la version de Pierre Lacotte qui a
connu un succès inexplicable de par le monde
(en Russie, elle a été remontée également au
Mariinsky de Saint-Pétersbourg); je dis inexplicable parce qu’il s’agit d’une chorégraphie
inventée, alors qu’il existe une «vraie» Sylphide, merveilleuse et authentique, celle
d’August Bournonville, conservée par l’école
Erika Mikirticheva – Stanivslavsky Ballet: “La Sylphide”, c. Pierre Lacotte
danoise. La version de Lacotte a toutefois le
(ph. O. Chernous)
mérite d’être un long banc d’essai pour une
compagnie académique, avec sa série interminable de variations, pas de deux, ensembles... Lors de la soirée à laquelle j’ai assisté, le couple principal était tout simplement admirable
pour sa technique, élégance, musicalité et même sens du style (chose rare en Russie, en dehors du répertoire classique russe à partir de
Petipa); malheureusement inconnus en Europe, ils ont pour nom Erika Mikirtitcheva et Semyon Vélitchko. La compagnie, aujourd’hui
dirigée par Igor Zelensky (ex danseur principal du Kirov-Mariinsky et puis du New York City Ballet), comme je l’ai dit, révèle une école de
haut niveau et un bel ensemble féminin qui a évidemment brillé ici dans l’acte “blanc”.
Alfio Agostini
Adieu à María de Ávila,
professeur des professeurs
La personnalité la plus importante du ballet
classique en Espagne, professeur de plusieurs
générations de danseurs et enseignants – María
de Ávila – est morte en février dernier à l’âge
de 93 ans. Après ses études de danse classique
mais aussi d’”escuela bolera” (le ballet classique espagnol du XIXème siècle), elle fut première danseuse du Grand Teatro del Liceu de
Barcelone. Toutefois, elle quitta sa carrière de
danseuse pour se consacrer à la tâche qui lui
avait été destinée et pour laquelle elle se place
définitivement dans l’histoire de l’art espagnol:
l’enseignement. De son école à Saragosse (qui
aujourd’hui encore continue son activité, avec
sa fille, Lola de Ávila), sortirent les premières
grandes générations de danseurs classiques espagnols, dont nombreux furent destinés à une
carrière internationale: Víctor Ullate, Carmen
Roche, Ana Laguna, Nazaret Panadero, María
Jesús Guerrero, auxquels suivit une autre génération brillante avec Trinidad Sevillano, Antonio Castilla et Arantxa Argüelles, jusqu’à
Gonzalo García, aujourd’hui principal au New
York City Ballet. On se demandait en quoi
consistait la méthode de ce professeur qui toute
seule et animée par une grande passion forgeait des danseurs excellents. En 1982, María
de Ávila fonda le Ballet Clásico de Zaragoza
(qui fut ensuite dissout), et, en 1989, le Joven
María De Àvila (ph. C. Moncin)
Ballet María de Ávila, une initiative privée
qui permit à toute une nouvelle génération
espagnole d’émerger. Auparavant, de 1983 à
1986, elle fut à la tête des compagnies nationales espagnoles, le Ballet Nacional de
España (en remplacement d’Antonio Ruiz
Soler) et le Ballet Nacional Clásico (à la place
de son élève Ullate), réunies en une seule
grande troupe. Les deux branches de la danse
d’art espagnole connurent avec elle l’un des
meilleurs moments et les plus fructueux de
leur histoire. Mais suite à une opposition
féroce de la part d’un groupe de danseurs et
syndicalistes, María de Ávila quitta la
troupe et rentra à Saragosse pour continuer
sa mission didactique. María de Ávila était
reconnue comme l’un des grands professeurs
de ballet de la vieille école européenne qui
rassemblait les méthodes des anciennes écoles italienne, française et russe. Aujourd’hui,
il y a des générations de “ses petits enfants”,
pour ainsi dire, formés par ses deux élèves
Ullate et Roche, dont l’empreinte génétique
continue d’être caractérisée par une limpidité et un brio classiques poussés jusqu’à la
virtuosité.
Roger Salas
27
Concours Arabesque à Perm:
influences pétersbourgeoises
Perm (en Russie centrale) se situe dans l’histoire du ballet comme la ville de naissance de
Serge de Diaghilev mais surtout parce que le
Ballet du Théâtre Kirov de Leningrad
(aujourd’hui Mariinsky de Saint-Pétersbourg)
s’y refugia pendant la seconde guerre mondiale. Des personnalités comme Galina
Oulanova, Natalia Doudinskaïa et Konstantine
Sergueev eurent une influence déterminante
sur l’école de ballet de Perm, fondée justement en 1941, et sur sa compagnie (liées au
Théâtre de l’Opéra qui porte le nom de
Tchaïkovsky). Et il semble que cette «filiation» soit demeurée intacte au cours des décennies, tout au moins à en juger d’après les
nombreux jeunes danseurs formés à Perm qui
ont pris part au prestigieux concours de ballet de la ville. Sous le titre «Arabesque», le
concours a été fondé en 1988, a lieu tous les
deux ans dans l’élégante ambiance XIXème
siècle du Théâtre de l’Opéra, se targue d’avoir
la direction artistique du grand Vladimir
Vassiliev et, depuis 2012, est dédié à Ekaterina
Maximova, qui en a dirigé les activités avec
passion pendant des années.
Ernest Latypov: “Le Talisman”
(ph. A. Zavjyalov)
Vladimir Vassiliev lors de la cérémonie de remise des prix au Théâtre de l’Opéra de Perm
(ph. A. Zavjyalov)
Inna Bilach (23 ans), Polina Bouldakova
(22, une perle de pureté classique) et Nikita
Tchetverikov (22) sont les jeunes danseurs
de la compagnie de Perm qui sont entrés au
palmarès avec d’autres Russes, Brésiliens, Japonais et Américains, pour un concours qui
prévoit plusieurs prix en argent. Par ailleurs,
sous l’égide de Vassiliev, un jury d’artistes
de la danse (dont Nina Ananiashvili et Nikolaï
Boyartchikov) et un jury de critiques ont sélectionné pendant deux semaines de nombreux
danseurs, dans des variations et des pas de
deux du répertoire et dans des pièces de danse
contemporaine (alors qu’une courte section
était consacrée à un concours de chorégraphie). La soirée de gala finale, avec les lau-
réats, a confirmé le niveau très élevé du concours (surtout dans la section classique). Outre
les noms déjà cités, à noter la Brésilienne
Amanda Gomes (18 ans), pour sa surprenante
maturité scénique, Ernest Latypov (22), dans
le corps de ballet du Théâtre Mariinsky –
ce que l’on appelle l’élégance pétersbourgeoise
–, et Dmitry Prousakov (24), qui a enthousiasmé le public par sa virtuosité technique.
Mais les applaudissements les plus chaleureux étaient tous pour “Vladimir
Victorovitch” (comme on appelle respectueusement Vassiliev – avec son patronyme), accueilli par une ovation chaque fois qu’il entrait dans la salle.
Cristiano Merlo
Polina Buldakova, Oleg Kulikov: “Paquita” (ph. A. Zavjyalov)
28
29
EN COUVERTURE
La triade du Royal Ballet
Chistopher Wheeldon (41 ans), Wayne McGregor (44) et Liam Scarlett (28) sont les
trois chorégraphes résidents de la compagnie du Covent Garden de Londres, et
donc, nominalement, ils forment la «triade» chorégraphique de prestige du ballet
anglais de nos jours, tout en étant des artistes plutôt différents. Dans trois portraits
et quelques photos de leurs interprètes, voici un panorama de la danse actuelle au
Royal Ballet (comme toujours dans un plus ou moins splendide isolement par
rapport au reste de l’Europe)
Christopher Wheeldon: la
chorégraphie transatlantique
Quand on annonça que Kevin O’Hare avait été choisi
comme nouveau directeur du Royal Ballet de Londres,
il ne fut pas le seul à être présenté à la presse: outre
Wayne McGregor, qui gardait sa charge de «resident
choreographer» (chorégraphe résident), Christopher
Wheeldon fut nommé «artistic associate» (la traduction «artiste associé» (ou mieux, associé artistique) ne
dit pas grand-chose; il s’agit, en réalité, d’un lien important avec la compagnie en tant que créateur).
Wheeldon, qui a aujourd’hui 41 ans, à la différence
de McGregor, est un chorégraphe né dans la famille
du Royal Ballet: il s’est formé à la Royal Ballet School
(c’est un contemporain de Darcey Bussell, par exemple) et a ensuite intégré la compagnie en 1991. C’était
un bon danseur: cette même année, il remporta la médaille d’or du Prix de Lausanne, mais ce qui indiquait
dans quelle direction procéderait son avenir, ce fut, précisément à cette occasion, le solo dans lequel il se produisit, chorégraphié par lui-même.
Ce qui marqua le tournant dans la carrière de Wheeldon,
ce fut la décision, après deux années passées à Londres, d’accepter un contrat avec le New York City Ballet
et de s’installer donc aux États-Unis. C’est cette expérience qui a produit la spécificité de son style chorégraphique “transatlantique”, un mélange authentique
de lyrisme anglais et de dynamique américaine. Après
cinq ans comme danseur du NYCB, jusqu’à ce qu’il
atteigne le rang de soliste, il décida de se concentrer
sur la création chorégraphique: il devint le premier
«resident choreographer» de la compagnie et signa une
série de pièces qui firent sa réputation. Son Polyphonia
de 2002 a marqué un moment culminant de sa période
américaine, une pièce fort intelligente et musicale sur
une partition «difficile» de György Ligeti, clairement
influencée par son expérience au NYCB et par les physionomies de ses collègues dans la compagnie, mais dans
laquelle on distinguait déjà son cachet personnel.
2002 fut marqué aussi par son retour au Royal Ballet où il créa Tryst. Ce fut une source de grand enthousiasme pour le monde du ballet britannique, qui avait
hâte de trouver un chorégraphe-maison de renom pour
sa principale compagnie. Wheeldon, toutefois, était plus
intéressé par une carrière internationale que de se lier
à une seule compagnie: il développa une relation étroite
avec le San Francisco Ballet, pour lequel il a créé de
nombreuses pièces, et travailla pour le Ballet du Bolchoï
de Moscou en 2007 (une expérience immortalisée dans
30
Christopher
Wheeldon
en répétition
pour “The
Winter’s
Tale”
Marianela Núñez,
Nehemiah Kish – The Royal
Ballet: “Aeternum”,
c. Christopher Wheeldon
(ph. J. Persson/ROH)
31
The
Royal
Ballet:
“Tetractys
- The Art
of
Fugue”,
c. Wayne
McGregor
(ph. J.
Persson)
le documentaire Strictly Bolshoi qui a remporté un Emmy
Award, un prix prestigieux). La même année, il fonda
la Morphoses/The Wheeldon Company, conçue comme
une compagnie anglo-américaine, mais qu’il a par la suite
quittée en 2010.
Wheeldon continue de créer des ballets abstraits (probablement son point fort) mais il s’est montré de plus
en plus enclin aux ballets longs, tout d’abord avec ses
versions du Lac des cygnes (Pennsylvania Ballet) et
de La Belle au bois dormant (Ballet Royal Danois),
qui remportèrent un succès mitigé (dû, en partie, à une
dramaturgie compliquée), et puis avec ses propres ballets. Un parcours qui tendait à l’élaboration d’un côté
visuel à effet (parfois encombrant, comme dans DGV
– danse à grande vitesse et Electric Counterpoint pour
le Royal Ballet) et qui a abouti en 2011 à la création
d’Alice’s Adventures in Wonderland (toujours pour le
Royal Ballet, qui depuis une vingtaine d’années n’avait
pas commandé de ballets durant toute une soirée): un
spectacle qui a paru plus extraordinaire du point de
vue visuel que de celui de la danse. Sa dernière pièce,
The Winter’s Tale, toujours pour le Royal Ballet, semble
avoir réglé plusieurs de ces problèmes, grâce à la clarté
de la narration et à une gestuelle variée et brillante.
Le style chorégraphique de Wheeldon est en contraste évident avec celui de Wayne McGregor, il est
essentiellement lyrique et, à ses meilleurs moments, il
possède une belle force rythmique. Le chorégraphe aime
les portés élaborés et parfois le mouvement inattendu
et rapide des mains et des bras, et il sait mettre en
scène avec dextérité un grand nombre de danseurs avec
limpidité et assurance. Une carrière désormais si importante a fait en sorte qu’avant la nomination d’O’Hare
l’on ait parlé de lui comme d’un possible directeur du
Royal Ballet.
Gerald Dowler
Wayne McGregor, le chorégraphe
post-contemporain
Wayne McGregor est devenu “chorégraphe résident”
du Royal Ballet en 2006, le premier chorégraphe de
danse contemporaine à assumer cette charge.
Pas d’études classiques dans la formation de cet
auteur d’une célébrité désormais mondiale. Wayne
McGregor a étudié au Bretton Hall (West Yorkshire),
un college spécialisé en musique, arts plastiques et de
la scène, et à la José Limón School de New York. Depuis vingt ans, McGregor est l’une des figures de proue
de la chorégraphie contemporaine avec sa compagnie,
Random, fondée en 1992; il a toutefois démontré une
excellente capacité à employer au mieux la maîtrise formelle et esthétique de mouvement que les danseurs classiques peuvent lui offrir. Mais le plus important c’est
que, lorsqu’il conçoit ses œuvres pour et sur ces danseurs, McGregor est en mesure de surmonter les limites des typologies de mouvement et de combinaisons
chorégraphiques de dérivation classique pour introduire
d’autres formes qui proviennent d’autres moyens de
Wayne
McGregor
(ph. L.
Nylind)
32
Edward Watson, Alina
Cojocaru – The Royal Ballet:
“Chroma”,
c. Wayne McGregor
(ph. J. Persson)
33
James Hay,
Leanne
Cope, Steven
McRae,
Brian
Maloney –
The Royal
Ballet:
“Hansel and
Gretel”,
c. Liam
Scarlett (ph.
D. Morgan)
Liam
Scarlett
(ph. D.
Azoulay)
penser et d’employer le corps sur scène.
Appartient-il au courant postclassique dans lequel
on a l’habitude de classer les compagnons et les épigones du chef de file William Forsythe? Pas exactement, et même si le jeu qui consiste à coller des étiquettes à chaque fait artistique pour tenter d’en donner
une définition, est devenu désormais quelque chose de
presque embarrassant, on peut faire une tentative: on
peut se risquer, surtout si l’on pense à son travail avec
le Royal Ballet, à dire que McGregor est un «chorégraphe post-contemporain». Très loin de la «non-danse»
envahissante, qui nous offre rarement des morceaux originaux et intelligents, McGregor ne renonce jamais à la
chorégraphie comme moyen et finalité artistique spécifique, en dépit de son intérêt (qu’il développe depuis toujours) pour les collaborations multidisciplinaires
qui entrecroisent danse, film, musique, arts plastiques,
technologies et science. Pour lui, il s’agit tout simplement – si cet adverbe n’était pas réducteur – d’être
présent dans son époque et dans la nôtre, où tout ce
qui est humain cohabite en temps réel.
Ses créations pour le Royal Ballet comprennent
Symbiont(s) (2001), Qualia (2003), Engram (2005),
Chroma (2006) – disponible en DVD avec Infra (2008)
et Limen (2009) – Nimbus (2007), Live Fire Exercise
(2011), Ambar (2012), Machina (qui fait partie de
Metamorphosis: Titian 2012) et Carbon Life
(2012).
Des extraits d’Entity,
Dyad 1909,
Qualia et Limen se trouvent en DVD dans deux documentaires de Catherine Maximoff, Going Somewhere
et A Moment in Time. Plus récemment, il a créé Raven
Girl (2013), inspiré d’un conte de l’écrivain Audrey
Niffeneger sur la musique de Gabriel Yared, et Tetractys
- The Art of Fugue, sa dernière création, sur la musique de Bach, avec la collaboration visuelle de Tauba
Auerbach, artiste californienne connue comme
déconstructiviste de l’espace (v. une vidéo de répétition sur www.roh.org.uk. Vidéo utile pour mieux comprendre le processus de la pensée de ce chorégraphe
qui de manière très personnelle surmonte la juxtaposition entre le classique et l’actuel. La preuve en est que
l’on peut voir à quel point Natalia Ossipova, désormais principal du Royal Ballet, est tout à fait à son
aise lorsqu’elle donne corps aux lignes des bras et des
jambes allongées et puis étrangement repliées ou aux
distorsions off balance proposés par McGregor).
Fort de son talent éclectique, McGregor a signé la
mise en scène et la chorégraphie de Dido and Aeneas
et Acis and Galatea (2009) – qui existent en DVD –
pour le Royal Ballet et le Royal Opera. Ce Dido and
Aeneas de Purcell, une production très raffinée avec
chanteurs et danseurs, et projections numériques, a débuté
avec succès à La Scala de Milan en 2006 avant d’aboutir
en Grande-Bretagne.
Pour finir, McGregor a créé, entre autres, pour le
Ballet de l’Opéra de Paris, le San Francisco Ballet,
le Ballet de Stuttgart, le New York City Ballet,
l’Australian Ballet, l’English National Ballet, le
Nederlands Dans Theater I e d’autres compagnies.
Et ses pièces sont au répertoire d’autres compagnies comme le Ballet du Bolchoï de Moscou (pour
lequel il créera prochainement), le Ballet du
Mariinsky de Saint-Pétersbourg, le Ballet Royal
Danois, le Boston Ballet et le Joffrey Ballet
aux États-Unis. Préparons-nous à le suivre
pendant longtemps encore…
Liam Scarlett, le jeune
Le ballet britannique continue avec acharnement sa recherche d’un nouveau grand
nom de la chorégraphie qui puisse succéder à Frederick Ashton et à Kenneth
MacMillan. Voilà pourquoi autour du
34
Johan Kobborg, Steven McRae
– The Royal Ballet: “
Sweet Violets”, c. Liam Scarlett
(ph. B. Cooper/RHO)
35
Sarah Lamb,
Johannes
Stepanek –
The Royal
Ballet:
“Asphodel
Meadows”,
c. Liam
Scarlett (ph.
Johan
Persson/
ROH)
quée qui donne sens et “justesse” à son travail est ce
que l’on apprécie le plus chez lui. Il a été intelligent
dans le choix des commandes qu’il a reçues et a souvent travaillé à petite échelle, au Linbury Theatre, la
salle la plus petite du Royal Opera House, en utilisant un nombre réduit de danseurs. Il a développé de
bonnes relations avec le Ballet Black, une petite compagnie de danseurs non blancs de formation classique,
et avec les BalletBoyz, le groupe de William Tuckett
et Michael Nunn composé uniquement de garçons. Cela
lui a permis de grandir comme chorégraphe et d’élaborer un style chorégraphique personnel.
Il a fait parler de lui notamment
avec sa première pièce importante,
Asphodel Meadows en 2011, qui affiche une assurance rare dans l’usage
de l’espace avec vingt danseurs. Il
a obtenu ainsi une deuxième commande en 2012, Sweet Violets, centrée sur le peintre Walter Sickert et
sur l’histoire de Jack l’Éventreur. Saisissante visuellement, la pièce s’appuie sur une dramaturgie confuse qui
nuit à la danse, dans laquelle on reconnaît une claire influence de MacMillan, avec une force souvent explosive. Repris cette saison avec des
changements, le ballet devrait ainsi
pouvoir mettre davantage en relief
ses qualités.
Comme chaque chorégraphe de
renom de nos jours, Scarlett a ensuite acquis de l’expérience en dehors de sa compagnie: Asphodel
Meadows lui a valu une invitation
de la part d’Edward Villella pour le
Miami City Ballet (Viscera en 2012),
suivie d’une deuxième, Euphotic
(2013). Il s’est ainsi solidement imposé au niveau international: au début de l’année, il a créé pour le
NYCB le raffiné Acheron; son
Oiseau de feu pour le Ballet National de Norvège sera suivi d’une nouvelle pièce la prochaine saison; entre-temps, d’autres commandes lui
ont été passées par l’American Ballet
Theatre, le San Francisco Ballet et
le Royal Ballet qui présentera en
novembre prochain une pièce sur la
Deuxième Symphonie de Leonard
Bernstein (inspirée du poème baroque The Age of Anxiety de W. H.
Auden).
En 2012, après avoir fonctionné
pendant des années sans chorégraphe attitré, le Royal Ballet en possédait déjà deux (McGregor et
Wheeldon); on craignait donc qu’il
n’y aurait guère de place pour Scarlett
et l’on avait parlé aussi d’un départ
du chorégraphe. Alors la compagnie
l’a nommé “artist in residence” et
il est devenu ainsi le chorégraphe le
plus jeune du triumvirat. Certes, il
faudra attendre que se ternisse l’étoile
de McGregor pour que Scarlett
puisse devenir le chorégraphie principal de la compagnie.
Gerald Dowler
jeune Liam Scarlett (qui a aujourd’hui 27 ans) s’est créé
un tel enthousiasme. Scarlett est un produit de la maison: après son diplôme à la Royal Ballet School, il a
intégré le Royal Ballet en 2005 (il ne danse plus depuis 2012). Son intérêt et son talent pour la chorégraphie étaient évidents déjà à l’école, et son travail fut
l’objet d’attention même avant qu’il obtienne son diplôme.
Scarlett se place pleinement dans la tradition anglaise
et son style chorégraphique correspond tout particulièrement au genre narratif et manifeste décontraction
et fluidité. La musicalité à la fois naturelle et sophisti-
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critiques • comptes-rendus • critiques EN SCÈNE ! critiques • comptes-rendus • critiques
Alessio
Carbone,
Aurélie
Dupont,
Michaël
Denard –
Ballet de
l’Opéra de
Paris:
“Mademoiselle
Julie”,
c. Birgit
Cullberg
(ph. A.
Deniau)
Quand Agnès de Mille crée Fall River Legend, elle
a déjà à son actif plusieurs ballets dont Rodéo qui lui
ouvre les portes de Broadway où elle se fait remarquer par la beauté des danses de Oklahoma. À partir
de 1948, elle alterne des mises en scène de comédies
musicales avec des ballets qu’elle crée principalement
pour l’American Ballet Theatre. C’est le cas de Fall
River Legend.
Inspiré d’un fait divers (le meurtre par une certaine
Lizzie Borden de son père et de sa belle-mère), de Mille
y explore la psychologie d’une jeune femme qui ne peut
sortir de l’oppression que par la violence. La potence
qui attend la meurtrière et l’action resserrée autour de
quatre personnages – l’accusée, son fiancé et ses deux
victimes – donnent immédiatement le ton dramatique.
Dans la distribution de cette première parisienne, Alice
Renavand (récemment nommée étoile) défend avec beaucoup d’aplomb le rôle de l’accusée qu’elle interprète
comme un petit taureau têtu se cognant aux obstacles
sans pouvoir les dominer. À ses côtés, Vincent Chaillet,
parfait en Pasteur amoureux mais incapable de la comprendre, et Stéphanie Romberg, terrible dans celui de
la Belle-mère haineuse, rendent encore plus prégnante
la solitude de la jeune fille.
À la même époque, Birgit Cullberg, déjà à la tête d’un
groupe de danse, s’inspire de la pièce d’August Strindberg, Mademoiselle Julie, pour mettre en scène les contradictions et le désarroi d’une jeune fille dont l’éducation stricte bride les pulsions sexuelles. Le même sujet
sera magistralement traité au cinéma dix ans plus tard
De Mille et Cullberg, deux
pionnières du ballet
psychologique
Fall River Legend – chor. Agnès de Mille, mus. Morton
Gould; Mademoiselle Julie – chor. Birgit Cullberg, mus.
Ture Ragstrom
Paris, Palais Garnier
Il y a plus d’un point commun entre Fall River Legend
et Mademoiselle Julie, les deux ballets présentés ensemble dans le récent programme du Ballet de l’Opéra
de Paris. Outre leur date de création –1948 pour le premier, 1950 pour le second –, ils sont composés chacun par un auteur femme appartenant à la même génération et consciente des problématiques propres à son
sexe, respectivement Agnès de Mille et Birgit Cullberg.
Si l’une a travaillé aux États-Unis dans un pays alors
en quête d’identité, l’autre au contraire en Suède où
l’expressionnisme allait prendre racine, toutes les deux
conçoivent leur art comme un moyen d’exprimer leur
vision du monde, utilisant pour cela aussi bien le langage du ballet que celui de la modernité de l’époque,
celle de la modern dance américaine de Martha Graham pour la première, celle du Tanztheater allemand
de Kurt Jooss pour la seconde.
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Pas de russo-parisiens pour Khan, mais une distribution de danseurs multiethniques pour interpréter des
figures énigmatiques, sorties de la fantaisie du chorégraphe, presque en contact médiumnique avec des réminiscences ancestrales dont Stravinsky se serait inspiré pour ce chef-d’œuvre. Un prêtre en soutane noire
qui hurle, comme s’il était possédé, des bribes d’histoire biblique d’Abraham qui aurait été prêt à sacrifier
son fils Isaac, un pasteur de quelque religion orientale,
peut-être slave, avec sa calotte, une femme mûre en
crinoline, à la poudre blanche et avec un sein nu, un
faune avec ses longues cornes pointues et, enfin, une
jeune fille Elue, sont au centre d’un rituel dont on ne
connaît ni les raisons ni la religion d’origine mais dont
on perçoit la force éternelle.
Se détachant du chemin parcouru jusqu’à maintenant,
Akram Khan étonne en mettant en scène à la fois la
violence et la tendresse, avec une spiritualité primordiale, dans le tohu-bohu de son petit groupe entouré
de fumée et d’encens. Si ce n’est pas l’une de ses œuvres
majeures, il s’agit tout au moins d’une pièce intrépide,
courageusement anti-conventionnelle, face à ce “monument” de la modernité qu’a été et est Le Sacre du
printemps.
par Elia Kazan dans Splendor In The Grass (“La Fièvre dans le sang”).
Avec Mademoiselle Julie, Cullberg, comme de Mille,
réalise un ballet très structuré dont l’action dramatique, menée en quelques tableaux clairement découpés,
croît rapidement jusqu’à son dénouement fatal. Mademoiselle Julie est finement interprétée par Aurélie
Dupont qui sait faire succéder au côté hautain du personnage le sentiment de déchéance après s’être abandonnée à son valet. Nicolas Le Riche est parfait dans
le rôle de Jean, à qui il confère une rudesse, une vanité
et une arrogance qui font merveille. Quant à Alessio
Carbone, même dans le rôle du fiancé éconduit de Julie, il continue à briller comme un soleil.
Sonia Schoonejans
Akram Khan Company
Le Sacre sans le Sacre
iTMOi – chor. Akram Khan, mus. Nitin Sawhney,
Jocelyn Pook, Ben Frost
Rome, Auditorium Parco della Musica
Ceux qui s’attendaient à ce que le chorégraphe angloindien Akram Khan, en travaillant à une chorégraphie
inspirée du Sacre du printemps, s’appuie sur la musique d’Igor Stravinsky n’en reconnaîtront que 30 secondes et se retrouveront avec dans les oreilles des compositions nouvelles et bruyantes de trois auteurs appelés
à entrer “in the mind of Igor” (“dans l’esprit d’Igor”,
tel est le sens du titre: iTMOi). Il s’agit de Nitin
Sawhney, anglo-indien, collaborateur de longue date
de Khan, de Jocelyn Pook, qui a collaboré avec les
DV8 et avec la chorégraphe anglo-indienne Shobana
Jeyasingh, et de l’Australo-islandais Ben Frost, représentant de la musique électronique postclassique,
qui a déjà collaboré avec le chorégraphe de iTMOi mais
aussi avec Wayne McGregor. Bref, une sorte de famille artistique, qui s’est réunie pour cette production conçue l’année dernière lors du centenaire de la
création de cette pièce signée par Vaslav Nijinsky pour
les Ballets Russes de Diaghilev.
Ballett des Saarländischen Staatstheater
Anastasia ressuscite
Anastasia – chor. Kenneth MacMillan, mus. Bohuslav
Martinu; Shadows – chor. Marguerite Donlon, mus.
Claas Willeke, Sam Auinger
Saarbrücken (Allemagne), Saarländisches Staatstheater
Après vingt ans, la chorégraphe irlandaise Marguerite Donlon (48 ans) vient de quitter les rênes du Ballet du Théâtre National de Saarbrücken en Allemagne;
on prévoit que la compagnie allemande subira des changements importants sous la nouvelle direction du chorégraphe belge Stijn Celis (50 ans), mais, pour son dernier
programme, Donlon a choisi de reprendre la version
originale en un acte d’Anastasia de Kenneth MacMillan
Akram
Khan
Company:
“iTMOi”
(ph. J. L.
Fernandez)
39
Laura Halm
– Ballett de
Saarbrücken:
“Anastasia”,
c. Kenneth
MacMillan
(ph. B. Stöß)
de l’ordre dans ses pensées confuses.
La famille impériale russe, Raspoutine, la Révolution Bolchévique et la fuite de la Russie se font jour
sur scène et dans son esprit. Puis, elle prend conscience
d’être Anastasia, la fille cadette du Tsar Nicolas II, ayant
survécu au massacre, dans une scène finale du plus bel
effet, où elle se tient debout sur son lit d’hôpital qui
pivote sur scène.
La compagnie n’est pas habituée au style chorégraphique de MacMillan mais elle a travaillé dur pour aborder ce ballet très exigeant, et, grâce à des répétitions
méticuleuses, le résultat a été excellent. Avec des décors et des costumes recréés fidèlement (sur la base de
ceux de Bob Crowley de la production de 1996) et une
superbe exécution de la Sixième Symphonie de Bohuslav
Martino par l’orchestre, Anastasia constitue une excellente entrée au répertoire de la compagnie (bien qu’on
ne sache pas si la nouvelle direction le reprendra).
Marguerite Donlon a proposé avec Anastasia son
Shadows, curieuse association; en effet, les deux pièces sont centrées sur la recherche de l’identité: si le
premier retrace le parcours d’Anderson depuis sa tentative de suicide jusqu’à ce qu’elle prenne conscience
de sa personne, le second raconte l’histoire de trois
artistes suicidaires, la dramaturge Sarah Kane, le musicien Kurt Cobain et l’écrivain Virginia Woolf.
(par la suite, en effet, le ballet fut présenté en trois
actes, ndlr).
Il est vrai qu’il y a des ballets de MacMillan connus dans le monde entier et que des douzaines de compagnies dansent actuellement ses pièces; toutefois, un
regard attentif portant sur les programmations montre
que ce sont surtout deux succès de box-office, Roméo
et Juliette et Manon, qui l’emportent – garantie de faire
salle comble soirée après soirée. Mais l’œuvre de MacMillan est plus riche que cela, et étant donné que le
Royal Ballet de Londres ne semble pas non plus disposé à programmer l’éventail complet de ses ballets,
chaque représentation des pièces les moins connues du
chorégraphe écossais doit être accueillie avec faveur.
Créé à Berlin en 1967 pour la grande “danseuse-actrice” Lynn Seymour, Anastasia méritait vraiment d’être
repris. Le rôle-titre met à l’épreuve aujourd’hui encore
n’importe quelle danseuse, et nos compliments vont à
Laura Halm pour l’évidente capacité qu’elle a d’évoluer dans le rôle au fur et à mesure que le ballet progresse, affichant de plus en plus d’intensité. La conception de MacMillan continue de faire preuve de sa
puissance extraordinaire, dans la narration fragmentaire
qui fait alterner la réalité avec les souvenirs et l’imaginaire, alors qu’Anna Anderson, enfermée dans un hôpital après une tentative de suicide, cherche à mettre
40
Les moments les plus réussis se trouvent au début,
les trois protagonistes étant engagés dans des mouvements hypnotiques, et à la fin, lorsqu’ils sont rejoints
par leurs doubles, vêtus de noir, qui les accompagnent
et qui restent ensuite sur scène sous une cascade de
pétales rouges, alors que les trois artistes gagnent des
niches transparentes préservant à jamais leur célébrité.
Malheureusement l’intensité du mouvement ainsi que
celle des images s’estompe dans la partie centrale où
quatorze “ombres” (celles du titre) s’agitent longtemps
sur scène sans beaucoup d’effet.
Gerald Dowler
Ballet de l’Opéra de Bordeaux
Un Souffle de Carlson
Pneuma – chor. Carolyn Carlson, mus. Gavin Bryars,
Philip Jeck
Bordeaux, Opéra
Carolyn Carlson, 71 ans et jamais à court d’images,
est décidément une collectionneuse de rêves. En effet,
créée pour le Ballet de l’Opéra de Bordeaux, sa dernière pièce, Pneuma, enchante, bien davantage que par
sa gestuelle répétitive, par ses images oniriques d’une
grande beauté comme seule Carlson, en digne fille du
metteur en scène américain Bob Wilson, peut imaginer
et restituer.
C’est à partir de l’ouvrage L’Air et les songes du
philosophe Gaston Bachelard qu’elle a composé Pneuma
(“Souffle”) pour lequel elle a fait appel à Gavin Bryars
dont la musique originale laisse toute latitude à la magie de la danse.
Carlson puise abondamment dans le large répertoire
des gestes quotidiens qu’elle stylise ensuite, d’une façon unique, à partir de son physique longiligne, si particulier. Les déplacements sont aériens, l’air souffle partout sur scène, dans les blés et les herbes du décor, il
s’insinue sous les vêtements qui voltigent et dans les
cheveux longs des danseurs. Une grappe de filles tournent telles des derviches, leurs longues chevelures déployées balayant l’espace tandis qu’à l’arrière-plan, une
figure ailée –serait-ce un ange ? – passe lentement.
Les lumières de Rémi Nicolas, elles aussi travaillées
comme seraient celles d’un spectacle de Wilson, façon-
nent un espace presque irréel, dans lequel les danseurs,
qui semblent y prendre un réel plaisir, évoluent en créatures immatérielles.
Avec Pneuma, Carolyn Carlson signe une œuvre lumineuse, empreinte de force sereine, et qui n’est pas
sans rappeler Signes, sa très belle pièce créée en complicité avec le peintre Olivier Debré pour le Ballet de
l’Opéra de Paris.
Sonia Schoonejans
Aakash Odedra
Brelan d’as pour Odedra
Rising: Cut – chor. Russell Maliphant, mus. Andy
Cowton; Constellation – chor. Sidi Larbi Cherkaoui,
mus. Olga Wojciechowska; In the Shadow of a Man –
chor. Akram Khan, mus. Jocelyn Pook
Turin (Italie), Teatro Astra
Une soirée avec un soliste de tout premier ordre,
l’Anglo-indien Aakash Odedra. Outre sa propre pièce,
Nritta, de style Kathak classique, le danseur a interprété trois solos créés pour lui et sur lui par trois
auteurs connus: Akram Khan, lui aussi anglo-indien,
ex partenaire dans Zero Degrees de Sidi Larbi
Cherkaoui, lui aussi associé à cette soirée, et, pour
finir, un autre chorégraphe de pointe dans le panorama britannique, Russell Maliphant, aimé aussi des
Aakash
Odedra nel
suo recital
“Rising”
(ph. C.
Nash)
41
Ballet de
l’Opéra de
Bordeaux:
“Pneuma”,
c. Carolyn
Carlson
(ph. S.
Colomyes)
Ballet de
Lorraine:
“Relâche”,
c. Peter
Jacobsson
d’après
Jean
Börlin
(ph. L.
Philippe)
Ballet de Lorraine
Relâche revient sur scène
Les Ballets
Suédois:
“Relâche”,
c. Jean Börlin,
1924
Corps de ballet – chor. Noé Soulier, arrangements
musicaux Jacques Gandard; Sounddance – chor. Merce
Cunningham, mus. David Tudor; Relâche – chor. Peter
Jacobsson d’après Jean Borlin, conception Francis Picabia, mus. Erik Satie, film René Clair
Nancy, Opéra National de Lorraine
BalletBoyz et de Sylvie Guillem, qui
se situe à la frontière entre la danse contemporaine et les arts martiaux orientaux. Un clan, au
sens le plus positif du terme, d’artistes en communauté d’esprit.
Odedra est un danseur surprenant, mince comme une
tige de bambou, incroyablement rapide dans les tours
du Kathak, danse traditionnelle indienne (la virtuosité
de ses percussions au sol, pieds nus, confirme les hypothèses selon lesquelles le flamenco aurait des liens
avec l’Inde).
Pour Cut, Maliphant s’appuie sur les effets de lumière de Michael Hulls (son habituel collaborateur) qui
traduisent les mouvements tranchés du Kathak (source
d’inspiration de la pièce). Ensuite, il joue avec la surprenante dextérité des mouvements des bras et des jambes
d’Odedra, soulignés par des cônes et des raies de lumière blanche dans l’obscurité.
In the Shadow of a Man de Khan explore les mouvements des animaux qui sont à la base des rythmes
et des formes de la danse indienne traditionnelle, comme
si l’homme était une ombre résiduelle de cette nature
profonde du mouvement. La circularité s’impose à tous
les niveaux, dans le corps et dans les espaces lumineux de la scène.
Constellation de Cherkaoui est parsemé d’ampoules
électriques ondoyantes, comme si la danse, tout de blancheur, vivait dans un champ magnétique gravitationnel
déterminé par les astres. Le temps est suspendu, stellaire, d’une dense spiritualité. La même spiritualité qui
anime tout le spectacle d’Odedra, défini à juste titre
comme “l’étoile naissante de la danse britannique de
l’Asie du Sud”.
En mars dernier, le Ballet de Lorraine, dirigé par Petter
Jacobsson, a présenté un programme composé de trois
pièces.
Le jeune chorégraphe Noé Soulier (27 ans) qui, avec
Corps de ballet, signe une création, entend “détourner
l’héritage du vocabulaire classique de sa fonction initiale”. Cette explication dans le programme au sujet de
sa pièce laisse rêveur. Quelle serait donc cette “fonction initiale” d’un vocabulaire et d’une technique qui
n’ont cessé d’évoluer sur plusieurs siècles et sur plusieurs continents, passant d’une danse de cour à l’abstraction balanchinienne après avoir été romantique et
académique, et avant d’être déconstruite notamment par
William Forsythe? Du coup, Noé Soulier, qui connaît
sans doute ses classiques mais avec quelques lacunes,
arrive un peu en retard pour son entreprise de “détournement”, et face au brio d’un Forsythe ou de l’ironie
d’un Jérôme Bel, Corps de ballet reste gentiment scolaire. Mais qui sait, Petit Soulier deviendra grand, en
tout cas, on l’espère pour lui.
Sounddance, la deuxième pièce de la soirée, une entrée au répertoire à Nancy, a été créée par Merce Cunningham en 1975, à son retour à New York après avoir
passé près de six semaines avec les danseurs de l’Opéra
de Paris pour la création d’Un Jour ou deux. Sans doute
heureux de retrouver sa compagnie et son studio, il créa
une pièce dynamique, exubérante, avec un immense rideau doré – imaginé par Mark Lancaster – qui, en projetant puis en avalant les danseurs, tient un véritable
rôle dans la chorégraphie. Les danseurs du Ballet de
Lorraine s’y donnent avec une belle énergie mais ils montrent aussi les difficultés techniques de la chorégraphie
qu’on oubliait quand c’étaient les danseurs de la Merce
42
43
Daria
Liakisheva,
Oleg Fomin
– Natalia
Stats Teatr:
“Le Coq
d’or”,
c. Gali
Abaidulov
(ph. E.
Lapina)
Cunningham Dance Company qui l’interprétaient.
Enfin voici Relâche, première reconstitution depuis
sa création par les Ballets Suédois en 1924. Ballet historique conçu principalement par le facétieux et provocateur duo Francis Picabia et Erik Satie, après que
le poète Blaise Cendrars en ait lancé l’idée. Picabia le
définit ainsi: “Relâche c’est la vie, la vie comme je
l’aime…c’est le mouvement sans but, ni en avant ni
en arrière, ni à gauche ni à droite…”. Il s’agit en fait
d’une succession “d’événements” sans lien entre eux,
semblable à ce que faisaient les futuristes à la même
époque: pas de fil conducteur, pas de début ni de fin,
un peu comme la musique de Satie (on comprend mieux
la filiation existant entre Satie et John Cage).
Mais outre ce parti pris d’absence de logique, ce qui
fait de Relâche une œuvre pionnière est l’introduction,
au milieu de la pièce, d’un intermède cinématographique, Entracte, qui va lancer le jeune réalisateur René
Clair. (Diaghilev reprendra l’idée quatre ans plus tard
dans Ode, un ballet de George Balanchine.) Quelques
images du film servent aussi de prologue au spectacle:
on y voit Picabia et Satie sur les toits de Paris visant
le public avec un canon dont le coup d’envoi est celui
du spectacle: le rideau s’ouvre sur une toile de fond
couverte de plusieurs centaines de disques métalliques
éclairés comme des phares de voiture. Suivent quelques saynètes dans lesquelles la danse tient assez peu
de place mais qu’importe, l’autodérision du dadaïste
Picabia y fait merveille. Il faut reconnaître au directeur
Peter Jacobsson d’avoir mené cette “reconstruction”
d’une main de maître.
Sonia Schoonejans
Théâtre Natalia Stats, Moscou
Le Coq chante et danse
Le Coq d’or – chor. Gali Abaidulov, mus. Nikolaï
Rimsky-Korsakov
Moscou, Théâtre Natalia Sats
Avec son groupe des “Saisons Russes du XXIème
Siècle”, Andris Liepa s’est donné comme mission de
remettre en scène les titres glorieux de l’époque de Diaghilev, une mission, à dire vrai, qui a connu des hauts
et des bas, avec des reprises honorables à côté de “remakes” d’un goût douteux.
Le Coq d’or, son dernier projet, peut toutefois être
salué comme un véritable succès. Pour le réaliser et remettre au jour cet opéra-ballet tel que l’avait conçu Diaghilev, Liepa a uni ses forces à celles du Théâtre Natalia
Sats de Moscou (une organisation admirable qui se propose de faire découvrir aux enfants aussi bien le ballet
que l’opéra). En effet, Le Coq d’or n’était pas une nouveauté quand l’imprésario russe le présenta au public
parisien en 1914: Nikolaï Rimsky-Korsakov, s’inspirant d’un conte d’Alexandre Pouchkine, l’avait composé en 1908 comme une satyre amère sur l’inaptitude du Tsar et de ses généraux pendant la
malencontreuse guerre russo-japonaise de 1905, mais
la censure en interdit la représentation. L’élément satyrique fut adouci lors du dernier remaniement de Diaghilev et la pièce fut présentée comme une histoire co-
44
Centre
Chorégraphique
de Nantes:
“D’Indicibles
Violences”,
c. Claude
Brumachon
(ph. L.
Philippe)
mique exotique avec la chorégraphie de Michel Fokine.
Ensuite, il ne fut plus repris sous forme d’opéra-ballet; en effet, pour les versions suivantes, Fokine le retravailla pour en faire un court ballet sans les chanteurs solistes et le chœur.
Récemment, Alexeï Ratmansky a créé son excellente
version pour le Ballet Royal Danois, également sans
le chant; donc, celle de Liepa, qui a ressuscité une pièce
généralement connue seulement à travers les livres d’histoire, est une opération vraiment intéressante. Non seulement intéressante mais aussi d’une véritable valeur
théâtrale. Les décors et les costumes de Natalia Gontcharova ont été recréés fidèlement dans tout leur faste
naïf glorieux et les sonorités somptueuses de RimskyKorsakov ont été habillement rendues par l’orchestre
du théâtre. Ce qui a été déterminant, c’est le fait que
les chanteurs soient vocalement magnifiques et tout à
fait impliqués dans l’action scénique, sur le côté de la
scène qui leur a été réservé.
Une petite partie de la chorégraphie originale de Fokine a survécu (dans un film de la dernière version).
C’est ainsi que Liepa a intelligemment confié à Gali
Abaidulov une nouvelle chorégraphie, qui est une sorte
d’”hommage” au chorégraphe russe, avec des pas et
des groupes empruntés à ses ballets bien connus. Le
résultat n’est toutefois pas un pastiche et la pièce restitue parfaitement la veine du conte comique illustré
de Pouchkine, se focalisant notamment sur les gestes
de pantomime. Le changement le plus important consiste dans le fait que le coq du titre est ici un homme,
chose qui s’explique parfaitement par la présence de
Pavel Okounev, infatigable soliste qui saute avec une
énergie inépuisable. Chez les danseurs, l’on perçoit le
sentiment de la “compagnie”, qui s’engage à fond et
qui encadre magnifiquement cette pièce hybride, étrange
mais enchanteresse.
Gerald Dowler
mencer ce cycle de corps en chaleur. Bref, des scènes
de vestiaire de quelques collèges ou bains turcs ou terrains de sport, vus depuis les coulisses, d’une zone
qui est normalement cachée aux yeux des spectateurs.
Il faut une grande endurance physique et émotionnelle pour danser tout cela sans l’ombre ni de vulgarité ni de morbidité. Honneur donc aux interprètes, qui
donnent vie à ces “indicibles violences” avec unité mais
aussi avec un côté très personnel dans la corporéité et
les nuances des caractères de chacun. Parmi eux, Benjamin Lamarche, codirecteur de la compagnie depuis
1992, est en mesure de donner le ton à l’action collective avec une efficacité qui se détache et qui convainc.
Centre Chorégraphique National de
Nantes
La danse primordiale de
Brumachon
Ballet de Shanghai
D’Indicibles Violences – chor. Claude Brumachon, mus.
Christophe Zurfluh
Turin-Collegno (Italie), Lavanderia a Vapore
Bertrand d’At à la chinoise
D’Indicibles Violences est la dernière création (présentée en 2013) du chorégraphe Claude Brumachon (55
ans), directeur du Centre Chorégraphique National de
Nantes.
Huit hommes en débardeurs, tee-shirts et boxer-shorts
se produisent en montrant une masculinité forte, irrépressible, chargée de testostérone. C’est la violence indicible du titre, celle primordiale, pré-consciente, déclinée sur une bande sonore pulsionnelle et
obsessionnelle. Mais pourquoi, indicible? Parce qu’il
s’agit d’une violence animale, crue, dont la nature a doté
les êtres humains et que la culture cherche à contrôler.
Ici, par contre, on voudrait revenir à un état pré-culturel, pré-intellectuel, où s’impose la force des désirs, la
volonté de puissance, la pulsion de l’orgueil viril partagées entre élans et arrêts, en groupe ou en solo.
Ce premier volet d’un triptyque de créations qui s’intitule délibérément Trilogie de chair n’est pas un spectacle pour enfants: une heure de poursuites, attractions
et répulsions, dominations et pauses, avant de recom-
La Fille aux cheveux blancs – chor. Rongrong Hu, Aidi
Fu, Daihui Cheng, Yangyang Lin, mus. Jinxuan Yan,
Benhong Chen, Hongxiang Zhang; A Sign of Love –
chor. Bertrand d’At, mus. diverses
Paris, Palais des Sports
Le Ballet de Shanghai qui n’était plus venu à Paris
depuis 28 ans (la dernière fois, c’était au Théâtre du
Châtelet en 1986), a montré la variété de son répertoire et l’éclectisme de ses danseurs avec un double
programme, La Fille aux cheveux blancs, un ballet épique
et classique, et A Sign of Love, un ballet signé Bertrand d’At où se mêlent jazz, comédie musicale et pas
de deux classiques.
La Fille aux cheveux blancs, ballet fondateur de la
troupe, chorégraphié par plusieurs auteurs, a été créé
au moment de la Révolution Culturelle initiée par Mao
Zedong (1964).
Il s’inspire d’un célèbre conte chinois mais, pour exalter
les nouvelles valeurs populaires, les princesses et les
45
Shanghai
Ballet:
“A Sign
of Love”,
c. Bertrand
d’At (ph.
L. Chen)
créatures féériques du conte laissent la place à des paysannes maltraitées par de riches despotes avant d’être
heureusement sauvées par les jeunes révolutionnaires
de l’armée populaire. Danses traditionnelles et ballet
classique s’allient pour encenser le courage et la détermination de la génération maoïste. Avec Le Détachement féminin rouge, La Fille aux cheveux blancs est
l’un des ballets classiques de la Chine révolutionnaire.
A Sign of Love a été créé pour le Ballet de Shanghai
en 2006 par Bertrand d’At (ex-directeur du Ballet du
Rhin), dans les décors et les costumes de Jérôme Kaplan. Il traite le même thème que le cinéaste Wong Karwai pour son film In the Mood for Love (2000): une
passion irrépressible mais sans espoir entre deux êtres
pleins de retenue qui ne vivront jamais leur amour.
Les rencontres des protagonistes, madame Wang et
monsieur Li, dans des soirées dansantes et des cabarets du Shanghai des années 30, permettent au chorégraphe d’imaginer des numéros de music-hall dignes de
Broadway. Il est amusant de voir les danseurs du Ballet de Shanghai, tous formés à la technique classique
façon soviétique – le ballet classique chinois datant de
l’amitié sino-soviétique –, se lancer avec délectation dans
les danses jazz et charleston pimentées de numéros de
virtuosité circassienne – l’acrobatie continue à faire partie
de la formation du danseur chinois. Quelques beaux moments lyriques entre les amoureux pudiques contrastent avec la bruyante atmosphère de la ville insouciante
et festive à la veille du conflit sino-japonais. Le ballet
se termine au bruit des premiers bombardements qui
séparent madame Wang et monsieur Li.
Au-delà de leur intérêt esthétique, il n’est pas inutile de noter que les deux ballets évoquent chacun l’occupation de la Chine par le Japon alors que les relations entre les deux pays connaissent aujourd’hui un
regain de tension.
Sonia Schoonejans
ques touches de couleurs, du bleu au pourpre, sont linéaires, sophistiqués dans la pureté de leurs formes;
les éclairages sont tout aussi nets et le dialogue avec la
musique se base précisément sur cette association de
sentiments épurés qui offrent aux spectateurs des émotions intellectuelles, hormis quelques actions qui suggèrent ici et là de petites narrations.
Dans une pièce comme Open Spaces für 12 le son
entoure la salle, les musiciens entourant le public. Le
chef Titus Engel dirige les musiciens par des gestes qui
ne sont pas du tout en dystonie avec la chorégraphie.
Les danseurs sur scène dessinent une série de mouvements à intensité multiple, décomposant et recomposant l’ensemble, d’une manière qui renvoie tout de suite
aux images des pièces plus novatrices de zone germanorusse des années 20 et 30. Il n’y a aucune concession
au divertissement facile pour le public (sauf, le moment de légèreté où les danseurs s’emparent des pupitres des musiciens, qui sont obligés de les poursuivre
pour continuer leur exécution). Mais, au demeurant,
la soirée se déroule dans une rigueur impeccable, y
compris une improvisation vigoureuse de la percussionniste Robyn Schulkowsky.
Métamorphoses est une réélaboration de l’un des
Dialogues entre danse et architecture auxquels Waltz
se consacre depuis longtemps et qui avait été conçu
en 2009 pour l’inauguration du Neues Museum berlinois projeté par David Chipperfield. La pièce enchaîne un duo féminin (sur Hautfelder de Ruth
Wiesenfeld), puis une pièce pour sept filles, en longue tenue noire (sur le percussif Rebond Part B de
Xenakis) et, finalement, une bataille de couple sur le
Streichquartett n. 2 de Goerg Friedrich Haas; suivent
un quintette pour garçons et filles (fortes au point de
soulever leurs collègues) aux physiques les plus disparates (sur le Streichquartett n. 1 de Ligeti), et, pour
finir, Aurora de Xenakis que Sasha Waltz traduit en
un duo homme-femme pour interprètes orientaux qui
bougent magnifiquement entre lyrisme et arts martiaux.
Beaucoup de qualité, de sérieux et d’estime pour
une “pensée théâtrale” sans faiblesse de la part d’une
chorégraphe tout à fait moderne, au sens historique
du terme, qui vit avec naturel la syntonie avec une
musique elle aussi moderne, souvent difficile pour le
public.
Sasha Waltz and Guests
La danse en duo avec la
musique
Métamorphoses – chor. Sasha Waltz, mus. Ruth
Wiesenfeld, Iannis Xenakis, Goerg Friedrich Haas,
György Ligeti
Ferrare (Italie), Teatro Comunale
La compagnie berlinoise de la chorégraphe Sasha Waltz
et le très célèbre Mahler Chamber Orchestra (fondée
par Claudio Abbado) ont présenté “six miniatures pour
16 danseurs et 15 musiciens” (comme on pouvait le
lire dans le programme) où l’on associait strictement
des morceaux de musique et de danse “intellectuelles”.
Si quelqu’un prêtait encore foi à la définition qui voudrait que Sasha Waltz soit la “nouvelle Pina Bausch”,
Métamorphoses est la démonstration définitive qui infirme nettement cette définition banale, due au fait que
toutes les deux, Bausch et Waltz, se sont formées en
Allemagne et puis aux États-Unis, où elles ont fait partie
de groupes contemporains qui se sont avérés inspirateurs et fertiles pour leurs futures carrières.
Waltz est évidement et sans conteste l’héritière de
l’école de danse moderne de l’Europe centrale, et non
seulement pour avoir été élève d’une élève de Mary
Wigman, mais pour l’emploi d’une gestuelle austère,
géométrique, architecturale, expressive en elle-même.
Les costumes de la soirée, en blanc et noir, avec quel-
46
Sasha Waltz
and Guests:
“Metamorphoses”,
c. Sasha Waltz
(ph. S.
Bolesch)
47
B a l l e t Tu b e
Maya Plissetskaya:
“La Mort du cygne”,
c. Michel Fokine
Les morts d’un cygne
immortel
Sur YouTube on peut parcourir plus de cent
ans d’histoire de La Mort du cygne de Michel Fokine, depuis l’interprétation d’Anna
Pavlova, créatrice du rôle au début du
XXème siècle, jusqu’à celles de plusieurs
ballerines actuelles, en passant par de nombreux noms célèbres: Tamara Toumanova,
Galina Oulanova, Alla Osipenko, Yvette
Chauviré, Natalia Makarova, Ghislaine
Thesmar, Eva Evdokimova, Maïa
Plissetskaïa, Natalia Bessmertnova (en répétition avec la grande Marina Semionova)…
Vidéos qui illustrent la gamme de variantes
sur lesquelles l’interprète peut jouer, dans
le phrasé, dans le passage entre mimétisme
de l’image du cygne et sa transfiguration évocatrice, ou entre couleur lyrique et côté dramatique. Tout demeure précisément dans ces
nuances très délicates qui en font justement
un morceau pour de grandes interprètes uniquement.
Étant donné qu’on ne peut parler ici de
chacune de ces ballerines, j’en ai choisi quelques-unes pour montrer combien l’interprétation de cette sorte d’«esquisse impressionniste» de la chorégraphie a changé pendant
plus d’un siècle.
Il est évident qu’il faut regarder les films
d’époque d’un œil différent par rapport aux
interprétations actuelles. Au premier abord,
le fragment de 1907 qui illustre Anna Pavlova peut laisser songeur. Mais si l’on s’efforce de penser quelle nouveauté devait re-
présenter, dans le contexte des Théâtres
Impériaux russes, un port de bras si dégagé de
sa forme classique, et combien insolite devait
s’avérer pour le public de l’époque le physique longiligne de Pavlova et ses chevilles subtiles (par rapport aux techniciennes robustes
de la fin du XIXème siècle ), nous saisissons
tout au moins une partie de son côté exceptionnel. Fokine avait trouvé dans la silhouette
fragile de Pavlova l’interprète idéale pour rendre la poésie de l’éphémère.
Galina Oulanova, si on la regarde
aujourd’hui dans un film de 1956, pourrait
elle aussi prêter à sourire, pour l’expressivité emphatique, le maniérisme du port de
bras (avec ses mains voletantes), son excès
de fougue dans les passages les plus rapides; mais c’était le goût de l’époque. Et la
juger par les canons esthétiques actuels ne
nous permettrait pas de comprendre le grand
art de l’interprétation chez Oulanova.
Sur YouTube il y a des vidéos d’années
différentes de La Mort du cygne de Maïa
Plissetskaïa, qui permettraient un parcours
dans le parcours, en déployant l’éventail de
ses interprétations au cours de quelques décennies. La vidéo la plus spectaculaire (c’est
bien le mot) est celle datant de 1979.
Plissetskaïa (qui avait alors 54 ans) danse
son solo mais la seule façon pour que les
applaudissements cessent (après d’interminables rappels à l’avant-scène) c’est de
bisser. Et on pourrait même remarquer de
subtiles différences entre la première et la
deuxième exhibition (sans parler des deux
variantes finales). Alors que son port de
bras ondoyant, qui est devenu un vrai «ca-
48
chet» de la ballerine, demeure intact et insurmontable.
Sur YouTube, on trouve aussi de nombreuses danseuses de nos jours mais personne n’offre (tout au moins pour moi) une
expérience esthétique plus émouvante
qu’Oulyana Lopatkina, que son cygne majestueux et hypnotique. Ces bras, qui en soi
pourraient être considérés comme trop longs,
s’avèrent ici fort beaux, dans leur trait tantôt fluide tantôt brisé. Mais sans jamais être
une servile représentation des ailes du cygne et sans jamais rendre l’agonie d’une manière conventionnellement théâtrale. Tout
chez elle est intériorisé et transfiguré en poésie pure. Avec son côté mystique habituel.
Le “surfeur” qui voudra s’offrir un moment amusant pourra voir le cygne déplumé
des Ballets Trockadero de Montecarlo (la
compagnie américaine d’hommes en travesti).
Une parodie qui allie le persiflage à l’hommage et qui souligne, mieux que toute analyse chorégraphique, les abus dans lesquels
une interprète pourrait dangereusement
tomber.
Cristiano Merlo
Ulyana Lopatkina: “La Mort du cygne”,
c. Michel Fokine (ph. N. Razina)
MultiMÉDIA
Cinéma
Marco Spada sur le grand
écran
La saison du Royal Ballet de Londres au
cinéma s’est clôturée le 28 avril avec The
Winter’s Tale, la création de Christopher
Wheeldon, inspirée du drame de William Shakespeare (on en parlera ultérieurement). Entre-temps, on a retransmis en direct depuis
Londres, dans un millier de salles de cinéma
dans plus de 30 pays du monde, la somptueuse
Belle au bois dormant de la compagnie anglaise
qui au nom de Marius Petipa associe ceux de
Frederick Ashton, Anthony Dowell et
Christopher Wheeldon, qui ont rechorégraphié
des parties plus ou moins importantes du ballet
au cours des soixante dernières années.
Aurore était Sarah Lamb, l’Américaine du
Royal Ballet. Elle possède une technique pleine
de brio et une présence scénique fraîche et lumineuse. Elle traverse presque indemne les
épreuves nombreuses et difficiles que le ballet lui réserve: l’entrée, l’Adage à la Rose, la
variation et la coda qui suivent, la scène du
fuseau, le magnifique grand pas d’action de la
Vision (ici avec la variation signée par Ashton) et, finalement, le luxueux pas de deux final. Mais elle n’est pas la Ballerine avec un
grand B que ce rôle exige, et si elle est tout à
fait à son aise avec la joyeuse vivacité du premier acte, elle l’est moins avec le lyrisme du
deuxième et la grandeur du troisième. À ses
côtés, le prince souverain de Steven McRae.
Dommage seulement pour la Fée aux Lilas de
Laura McCulloch, pas vraiment cinématographique.
La saison de ballet au cinéma en direct du
Théâtre Bolchoï de Moscou, produite par Pathé
Live, s’est terminée en mars, avec une représentation spectaculaire de Marco Spada de
Pierre Lacotte, accueillie par un vif succès très
mérité. BALLET2000 avait déjà rendu compte
de ce ballet lors de ses débuts au Bolchoï il y
a quelques mois.
Les décors fastueux, les costumes richissimes, les ensembles étoffés ont été amplifiés
par une direction vidéo soignée et intelligente,
alors que sur l’écran coulait une cascade de
danses, ponctuées de combinaisons pleines de
fantaisie et fort intriquées (en dépit de quelques séquences peut-être un peu scolaires),
en évoquant (pas toujours mais assez souvent)
le style français du XIXème siècle, notamment
dans les enchaînements de petit allegro. David Hallberg a fait merveille dans le rôle du
bandit Marco Spada, créé pour Rudolf Noureev,
fort aussi d’un talent d’acteur inattendu. À
ses côtés, les deux perles pétersbourgeoises
de la compagnie moscovite: dans le rôle
d’Angela, la fille du bandit, Evguénia
Obraztsova, dans laquelle Lacotte a vu à juste
titre une sorte d’incarnation d’un certain type
Evgenia Obraztsova, Semyon Chudin – Bolshoi Ballet: “Marco Spada”, c. Pierre Lacotte
(ph. Marc Haegeman at Bolshoi Theatre)
de la ballerine romantique, pour ses qualités
esthétiques, la douceur de son tempérament
artistique et un penchant naturel pour la pantomime; dans celui de la Marquise, Olga
Smirnova (le port de bras le plus exquis que
j’aie jamais vu) qui est en train de s’imposer
de plus en plus au Bolchoï, où elle a déjà un
groupe important d’admirateurs. Et avec eux,
Semyon Tchoudine, Igor Tsvirko, Vyatcheslav
Lopatine, Anastasia Stachkevitch (éblouissante
dans la variation de la Mariée) et une compagnie en excellente forme, amusante et amusée,
ont offert un spectacle de très haut niveau.
À ne pas manquer, le 3 juin, en direct de
l’Opéra de Paris dans les cinéma UGC le rendez-vous avec Daphnis et Chloé, la création
de Benjamin Millepied, et Le Palais de cristal (Symphony in C) de George Balanchine.
Plus d’informations sur www.vivalopera.fr.
Cristiano Merlo
Web
Vidéos historiques sur la toile. Sur http:/
/icaclassics.com/dance on peut acheter des DVD
précieux de la “Legacy Series”. Parmi les en-
49
registrements historiques, voici Les Sylphides
avec Svetlana Beriosova, Violetta Elvin, Alicia
Markova et John Field et Giselle avec Nadia
Nerina et Nikolaï Fadeetchev. Il y a aussi des
raretés: The Lady and the Fool et Pineapple
Poll de John Cranko, et quelques “anthologies” où apparaissent entre autres le pas de
deux du second acte de Giselle enregistré dans
un studio de la BBC en 1962 avec le couple
Margot Fonteyn et Rudolf Noureev. On trouve
également le DVD Treasures of Russian Ballet qui comprend le premier acte de La Fleur
de pierre, avec Youri Soloviev, Alla Sizova
et Alla Osipenko et le Ballet Kirov de Leningrad, capté au Royal Opera House en 1960,
ainsi que le pas de deux du second acte du
Lac des cygnes, avec Galina Oulanova et
Nikolaï Fadeetchev. En outre, dans la liste on
retrouve aussi La Fille mal gardée de Frederick
Ashton avec Nadia Nerina, David Blair et Stanley Holden (dans le rôle de la veuve Simone)
de 1962 et Choreography by Bournonville, à
savoir La Sylphide avec Lucette Aldous et
Flemming Flindt et le pas de deux de Fête des
fleurs à Genzano avec Merle Park et Rudolf
Noureev. En outre, sur www.britishpathe.com
à l’entrée “ballet”, on peut acheter en dvd
d’autres films d’époque comme Spartacus avec
Vladimir Vassiliev, Le Spectre de la rose avec
Maris Liepa et Natalia Bessmertnova et maintes autres curiosités.
Essence de Repetto. Sur www.repetto.fr
on peut découvrir le premier parfum de la Maison Repetto, qui s’appelle tout simplement
Repetto, dans un flacon d’un rose délicat comme
les chaussons de pointe symbole de la maison fondée par la mère de Roland Petit.
Dorothée Gilbert de l’Opéra de Paris en assure la promotion. Voici la présentation:
«C’est un flacon de verre intemporel tout en
mouvement, telle une arabesque un soir de ballet. Subtilement teinté, le flacon reprend le véritable ruban de la célèbre “ballerine Carlotta”
(les chaussons de pointe, ndlr). Son ruban en
satin signé de sa pampille s’enrubanne délicatement à la façon d’un chausson de danse
autour d’une cheville. Un jeu de courbes, de
pleins et de déliés qui offre au verre une souplesse inédite».Quel est le mélange d’aromes
idéal pour une danseuse ou une passionnée
de ballet? «Cette fragrance, gracieuse et charnelle, est telle une rose satin dont le sillage
virevolte pour vous enrober comme un ruban
satin infini». Il ne reste qu’à l’essayer.
E.G.V.
DVD
La Belle de Bourne: un
vrai film
Sleeping Beauty –
chor. Matthew
Bourne, mus. Piotr I.
Tchaïkovsky – New
Adventures
–
D e u t s c h e
Grammophon
Ceux qui n’ont
pas pu voir au théâtre cette version
“gothic romance” de
La Belle au bois dormant de Matthew
Bourne (déjà auteurs des “remakes” d’un
Casse-Noisette situé dans un orphelinat et d’un
Lac des cygnes pour des hommes-oiseaux)
peuvent en bénéficier en DVD. Sa fantaisie
cinématographique est digne du meilleur film
muet (des récents “silent movies” en noir et
blanc, comme The Artist, de 2011 sur Hollywood à l’époque du passage au son, et
Blancanieves, film espagnol de 2012 sur une
jeune fille toréro, pourraient s’apparenter dans
leur esprit à cette revisitation chorégraphique).
Et tout marche parfaitement aussi sur le petit écran, nos ordinateurs ou lecteurs de toutes sortes.
On admire le soin apporté aux détails, au
jeu sans les paroles, aux costumes (splendides tout comme les décors, de Lez
Brotherston), à l’ambiance et au style. Cultivée et populaire à la fois, cette Sleeping Beauty
s’appuie pour la vidéo sur la direction savante
de Ross MacGibbon et sur Brett Morris pour
la direction musicale de la partition de
Tchaïkovsky. Elle conserve la tonalité du conte
de fées traditionnel et plaît à tout le monde,
que l’on connaisse les versions classiques ou
qu’on les découvre après avoir vu cette
“réécriture” pleine d’humour. Il est amusant
de reconnaître les références au cinéma, de Scary
Movie au Corbeau, de Twilight à Eyes Wide
Shut, et jusqu’aux séries télévisées, comme
Downton Abbey de l’époque post-édouardienne.
Mais la littérature aussi est lisible en transparence, comme L’Amant de Lady Chatterley,
alors que le ballet est présent par le thème de
l’amour maudit: Giselle et Roméo et Juliette.
Dans le documentaire du DVD, Bourne raconte son parcours et ses inspirations et illustre ses intentions; il nous permet d’assister à quelques répétitions et d’écouter les
interventions de ses collaborateurs, interprètes et critiques. Ce qui confirme que le choréometteur en scène possède une véritable maîtrise d’auteur, dans sa danse narrative efficace
et intelligente, documentée soigneusement, qui
ne déprécie pas l’entertainment, mais qui cherche à l’ennoblir (comme c’est le cas pour sa
trilogie tchaïkovskienne).
Le film est d’une qualité excellente – le DVD
est disponible aussi en Blu-Ray – et permet
de voir le ballet à la maison avec un véritable
plaisir, également à cause des plans rapprochés. Il est certain que cette production élégante comme un film britannique en costumes
d’époque se prête parfaitement à être “commercialisée”, tout en n’étant pas commerciale
au sens méprisable du terme.
Le dévouement du BBL
Le Béjart Ballet Lausanne en tournée en Chine – un film de Arantxa Aguirre – BBL
Le Béjart Ballet Lausanne au Palais Garnier
– un film de Arantxa Aguirre – BBL
Les admirateurs de Maurice Béjart peuvent
acheter sur le site du Béjart Ballet Lausanne
(www.bejart.ch, à l’entrée “shop”) deux documentaires sur la compagnie, sortis récemment et réalisés par Arantxa Aguirre. Le premier prend comme prétexte une tournée en
Chine et le second un programme présenté à
l’Opéra de Paris pour promener son regard
dans la vie quotidienne de cette «communauté»
jeune, compacte mais cosmopolite, sous l’égide
de son «gourou» actuel, Gil Roman, mais toujours dévouée au «grand maître». On assiste
aux répétitions, on suit les danseurs dans leurs
voyages, on les accompagne dans
les coulisses, sur scène ou dans
leurs loges. Tête-à-tête, presque,
avec Elisabet Ros, Katerina
Shalkina, Julien Favreau, Óscar
Chacón et leurs collègues moins
connus.
Elisabet Ros, Julien
Favreau, Gil
Roman – Béjart
Ballet Lausanne
50
Le documentaire qui raconte la soirée présentée au Palais Garnier de Paris est le plus
intéressant. Non seulement pour le programme
de la soirée en lui-même qui réunit quelques
pièces sophistiquées de Béjart (Sonate à trois,
Webern Opus V, Dialogue de l’ombre double, Le Marteau sans maître); mais surtout
parce que le fil conducteur est ici un thème
important, celui de la transmission de l’œuvre
de Béjart, de son passage d’une génération à
l’autre. Cependant, il ne s’agit pas seulement
de garder un “label de qualité”; mais quelque
chose de plus, d’impalpable, qui à voir avec
l’esprit de ce label. Et que, à en juger d’après
ce que nous voyons et entendons, l’on cultive avec un dévouement assidu et – on dirait
même – émouvant.
C.M.
Livre
Danse/Cinéma – par divers auteurs – Éd. Capricci/Centre National de la Danse
Ce recueil d’essais ne concerne pas uniquement la vidéo-danse, ni même le cinéma musical avec danse, mais s’intéresse au corps en
mouvement dans le cinéma et au langage du
cinéma dans son rapport étroit avec les gestes et les mouvements des corps humains dans
les captations et dans le montage.
Il y a une interview de Philippe Decouflé,
dont les spectacles doivent beaucoup aux
videoclips et qui a réalisé, de son côté, des
pièces délicieuses de vidéo-danse; mais, au
demeurant, les divers essais inclus dans ce livre analysent du point de vue de la “danse”,
dans un sens très général, le cinéma de Coppola, Chaplin, Tarkovsky, Godard, Resnais,
Rivette. Mais on trouve, bien sûr, aussi un texte
sur le cinéma qui privilégie la danse, des Chaussons rouges au Cygne noir. Toutefois, comment filmer la danse? Charles Picq rend compte
de sa vaste expérience à la Maison de la Danse
de Lyon.
Le thème général du livre est abordé selon
des perspectives multiples, par des chorégraphes et des performeurs, des historiens et des
critiques de cinéma, chercheurs en musique, écrivains et philosophes, plasticiens, cinéastes et
scénaristes, programmateurs et documentaristes. Pas de critiques de danse, cette fois!
Un livre à acheter, à une époque comme la
nôtre où l’image est le reflet d’un monde mobile, à défaut d’être qualifié de dansant, dans
lequel nous vivons constamment.
E.G.V.
51
programmes • programmi • calendar • programmes TV programmi • calendar • programmes • programmi
ARTE
www.arte.tv
8. VI: Deborah Colker, une chorégraphe
carioca (docum.)
Classica
www.mondoclassica.it
1. VI: Excelsior – c. Ugo Dall’Ara – Balletto
del Teatro alla Scala, int. Isabel Seabra,
Roberto Bolle, Marta Romagna
4, 13, 15. VI: La Chauve-Souris – c. Roland
Petit – Balletto del Teatro alla Scala, int.
Alessandra Ferri, Massimo Murru, Luigi
Bonino
6, 8, 19. VI: Casse-Noisette – c. Aaron S.
Watkin – Ballett Dresden, int. Anna Merkulova,
Istvan Simon
11, 20, 22. VI: “Lang Lang Dance Project”
18, 27, 29. VI: Intimate Letters; American
Quartet; Der Tod und das Mädchen – c.
Heinz Spoerli – Zurich Ballet
25. VI: Wuthering Heights – c. Kader Belarbi
– Ballet de l’Opéra de Paris, int. Nicolas
Le Riche, Marie-Agnès Gillot, Eleonora
Abbagnato
Ivan Vassiliev – Mikhailovsky Ballet:
“Flammes de Paris”, c. Vassili Vainonen,
Mikhail Messerer (ph. J. Devant)
Vahe Martirosyan, Nora Dürig – Zurich Ballet: “Der Tod und das Mädchen”,
c. Heinz Spoerli (ph. P. Schnetz)
Mezzo
www.mezzo.tv
31. VI: Casse-Noisette – c. Vassili
Vainonen – Mariinsky Ballet, int. Alina
Somova, Vladimir Shklyarov, Grigory
Popov; L’Oiseau de feu – c. Michel
Fokine – Mariinsky Ballet, int.
Ekaterina Kondaurova
2, 11. VI: Soirée XII Dance Open,
Saint-Pétersbourg: “Les Meilleurs
Pas de deux”
4. VI: Le Ballet Mikhaïlovsky, entre
tradition et ouverture (docum.)
6, 9, 14. VI: Dancing is Living. Portrait
de Benjamin Millepied (docum.)
7. VI: Les Flammes de Paris – c.
Vassili Vainonen, Mikhail Messerer
– Mikhailovsky Ballet, int. Oksana
Bondareva, Ivan Vassiliev
9, 18, 21. VI: Sarabande; This Part
in Darkness – c. Benjamin Millepied
– Ballet de l’Opéra de Lyon
9. VI: Meyer; Writing Ground – c.
Alonzo King – Alonzo King Lines
Ballet
27. VI: Dances at a Gathering – c.
Jerome Robbins; Psyché – c. Alexei
Ratmansky – Ballet de l’Opéra de
Paris; Caligula – c. Nicolas Le Riche
– Ballet de l’Opéra de Paris, int.
Sthéphane Bullion, Clairemarie
Osta
18. VI: For M.G. The Movie – c. Trisha
Brown – Ballet de l’Opéra de Lyon
11, 16, 25. VI: Amoveo; Le Spectre
52
de la Rose; Les Sylphides – c. Benjamin
Millepied – Ballet du Grand Théâtre de Genève
20, 23. VI: Pneuma – c. Carolyn Carlson –
Ballet de l’Opéra de Bordeaux; Karma one,
an essay on Carolyn Carlson (docum.)
Mezzo live HD
www.mezzo.tv
31. V, 3. 5, 6, 13, 14, 17, 19, 20. VI: Le Songe
d’une nuit d’été – c. Michel Kelemenis;
Mémoire de l’ombre double – c. Ken Ossola
– Ballet du Grand Théâtre de Genève
1, 3, 4, 13, 15. VI: Cie María Pagés: Utopia
7, 10, 12, 21, 24. VI: Giselle – The Royal
Ballet, int. Alina Cojocaru, Johann Kobborg
7, 10, 12, 20, 21, 24, 27. VI: La Belle au bois
dormant – The Royal Ballet, int. Alina Cojocaru,
Federico Bonelli
27. VI: Dances at a Gathering – c. Jerome
Robbins; Psyché – c. Alexei Ratmansky –
Sky
www.skyprogrammeinformation.co.uk
31. V, 1. VI: BalletBoyz: A Chance to Dance
1. VI: Carmen – c. Roland Petit – Ballet de
l’Opéra de Paris, int. Nicolas Le Riche,
Clairemarie Osta; Giselle – The Royal Ballet,
int. Natalia Osipova, Carlos Acosta
3. VI: Cinderella – c. Christopher Wheeldon
– Het Nationale Ballet, int. Anna Tsygankova
4. VI: Symphony in D; Bella Figura– c. Jirí
Kylián – Nederlands Dans Theater
53
Marianela Núñez, Ryoichi Hirano
– The Royal Ballet: “Viscera”,
c. Liam Scarlett (ph. A. Uspensky)
PHOTO GALLERY
Rupert Pennefather, Beatriz Stix-Brunell – The Royal Ballet: “Alice’s Adventures in Wonderland”, c. Christopher Wheeldon
(ph. D. Morgan)
54
Federico Bonelli – The Royal
Ballet: “Live Fire Exercise”,
c. Wayne McGregor
(ph. Bill Cooper/ROH)
55
Steven McRae – The Royal Ballet: “The Winter’s Tale”, c. Christopher Wheeldon (ph. J. Persson)
Yoel Carreño – Norwegian National Ballet: “The Firebird”, c. Liam Scarlett (ph. E. Berg)
56
57
Ricardo Cervera – The Royal Ballet: “Electric Counterpoint”, c. Christopher Wheeldon (ph. J. Persson/ROH)
Melissa Hamilton – The Royal Ballet: “Trespass”, c. Christopher Wheeldon, Alistair Marriott (ph. J. Persson/ROH)
58
Svetlana Zakharova, David Hallberg
– Balletto del Teatro alla Scala:
“Le Lac des cygnes”
(ph. Brescia-Amisano)
59
Diana Vishneva – Mariinsky Ballet:
“Romeo and Juliet”, c. Leonid
Lavrovsky (ph. N. Razina)
60
Ballet de l’Opéra de Bordeaux:
“Pneuma”, c. Carolyn
Carlson (ph. S. Colomyes)
Estonian National Ballet, Tallinn:
“Medea”, c. Gianluca Schiavoni
(ph. J. Devant)
61
Alice Renavand, Vincent Chaillet –
Ballet de l’Opéra de Paris:
“Fall River Legend”, c. Agnès De Mille
(ph. A. Deniau)
62
Ashley Bouder, Tyler Angle – New York City Ballet: “The Four Temperaments”, c. George Balanchine (ph. P. Kolnik)
Nederlands Dans Theater: “Mémoires d’Oubliettes”, c. Jirí Kylián (J. J. Bos)
63
Marie-Agnès Gillot, Karl Paquette – Ballet de l’Opéra de Paris: “Le Palais de cristal”, c. George Balanchine (ph. A. Poupeney)
MontpellierDanse: Alonzo Kings Lines Ballet: “Writing Ground”, c. Alonzo King (ph. M. Moritz)
64
65
66
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