BROCHURE CINEPHEMERE

Transcription

Cinéphémère
Cinéphémère
Dans le cadre des projets Hors les Murs, la
FIAC renouvelle sa collaboration avec la
Fondation d’entreprise Ricard pour présenter
le Cinéphémère dans le Jardin des Tuileries.
Le Cinéphémère est un cinéma de 14 places
entièrement équipé et installé dans un
container spécialement aménagé à cet effet.
Près d’une dizaine de films d’artiste d’une
durée maximum de 30 minutes chacun, sont
projetés tous les jours du mardi 18 octobre au
dimanche 23 octobre, de 13h à 18h.
- Accès : Sur inscription auprès de l’hôtesse à
l’entrée du Cinéphémère
- Adresse : Carré du Sanglier dans le Jardin
des Tuileries, entrée Concorde
For the second consecutive year, FIAC and
the Fondation d’entreprise Ricard will
present Cinéphémère in the Tuileries
garden. Cinéphémère is a 14-seat cinema
installed in a transformed shipping
container, especially redesigned and
equipped for this purpose. Between 5 and
10 artists’ films, each lasting no more than
30 minutes, are projected daily from
Tuesday October 18th till Sunday October
23rd, from 1pm to 6pm.
- Access : Registration at the entrance
- Address : Carré du Sanglier in the
Tuileries Garden, Concorde side
Mardi 18 octobre/
TUESDAY OCTOBER 18TH
13h : Karen Kilimnik, Mc Dermott & Mc
Gough, Jeff Mills, Emilie Pitoiset (28 min)
14h : Pauline Boudry & Renate Lorenz,
Frédéric Moser & Philippe Schwinger (48 min)
15h : Louidgi Beltrame (37 min)
16h : Lucas Michael, Sislej Xhafa,
ZimmerFrei, Elisabetta Benassi (36 min)
17h : Florent Pugnaire & David Raffini (26 min)
18h : Ulla von Brandenburg, Anna Gaskell (37 min)
Mercredi 19 octobre/
WEDNESDAY OCTOBER 19TH
13h : Jean Claude Ruggirello, Gonzalo
Lebrija, Julien Prévieux (29 min)
14h : T.J Wilcox, David Lamelas & Hildegarde
Duane, Tony Regazzoni, Sislej Xhafa, Patrick
Bernatchez (46 min)
15h : Francesco Simeti, Yi Zhou, Frédéric
Lecomte, Adam Shecter (43 min)
16h : Peter Downsbrough, Martine Stig, Taro
Izumi, Alain Bublex, Cedrick Eymenier (38 min)
17h : Yto Barrada, Oleg Techerny & Giorgio
Agamben (36 min)
18h Claire Fontaine (45 min)
Jeudi 20 octobre/
THURSDAY OCTOBER 20TH
13h : Claire Fontaine (45 min)
Agamben (36 min)
Bernatchez (46 min)
vendredi 21 octobre/
FRIDAY OCTOBER 21ST
samedi 22 octobre/
SATURDAY OCTOBER 22ND
Agamben (36 min)
16h : Claire Fontaine (45 min)
Bernatchez (46 min)
dimanche 23 octobre/
SUNDAY OCTOBER 23RD
Yto Barrada
Yto Barrada est née en 1971 au Maroc. Elle vit
et travaille à Tanger. The Botanist a été filmé
dans le jardin d’Umberto Pasti, écrivain, expert
en céramique islamique, et botaniste
autodidacte, qui habite entre Milan et le Maroc.
Son jardin, dans un village de la côte atlantique
au sud de Tanger, abrite des centaines de
variétés de plantes marocaines, dont certaines
espèces rares ou en voie de disparition. Il reçoit
pendant une journée, quelques experts
botanistes Anglais.
Yto Barrada was born in 1971 in Morocco.
She lives and works in Tangier. The Botanist
was shot in Tangier in the garden of Umberto
Pasti, a writer, an expert in Islamic ceramics,
and a self-taught botanist, who divides his
time between Milan and Morocco. His garden,
situated in a village on the Atlantic coast in the
south of Tangier, harbours hundreds of
varieties of Moroccan plants, including certain
rare or endangered species. Here, he hosts a
group of expert English botanists for a day.
The Botanist, 2007 (20 min)
Présenté par Polaris, Paris
Elisabetta Benassi
Elisabetta Benassi est née en Italie en 1966. Le
film Io non ho mani che mi accarezzino il
volto, dont le titre est tiré des séries
photographiques de Mario Giacomelli, prend
pour sujet le célèbre portrait de la Joconde
peint par Léonard de Vinci, réduit à l’état de
marchandise par le tourisme de masse. Jouant
sur les conditions dont l’œuvre est appréhendée
par le public dans la salle du Louvre où elle est
exposée, le film montre la Joconde face à un flux
ininterrompu de visiteurs, observant à son tour le
public, à la fois spectatrice et actrice d’une
réflexion sur les modalités de la perception.
Elisabetta Benassi was born in Italy in 1966.
The film Io non ho mani che mi accarezzino il
volto - for which the title was inspired by
Mario Giacomelli’s photographic series –
takes as subject the famous portrait of Mona
Lisa painted by Leonardo da Vinci, reduced
by mass tourism to the status of merchandise.
Playing on the conditions in which this work
is displayed in its room at the Louvre
Museum, the film shows Mona Lisa, in front
of a uninterruted flow of visitors, observing
in turn the public which becomes both the
spectators and actors of a analysis of the
modalities of the perception.
Non ho mani che mi accarezzino il
volto, 2004 (1 min 23)
Présenté par Magazzino, Rome
Louidgi Beltrame
Louidgi Beltrame est né en 1971. Il vit et travail
à Paris. Le film Energodar - le don de l’énergie
en russe - est une traversée des Atomgrads
ukrainiennes. Ces villes satellites des centrales
nucléaires, tenues secrètes à l’époque
soviétique, furent planifiées sur le modèle de
Prypiat - atomgrad de la centrale de Tchernobyl
abandonnée en 1986 suite à la catastrophe.
Entre documentaire et science fiction, ce film,
constitué d’un montage de plans fixes
d’observation, agence lectures d’archives, récit
personnel et musique rock soviet.
Louidgi Beltrame was born in 1971. He lives
and works in Paris. The film Energodar –
meaning “the gift of energy” in Russian – is
an exploration of the Ukranian Atomgrads.
These satellite towns for nuclear factories
were kept secret during the Soviet era and
were based on the model of Prypiat – the
atomgrad of the Chernobyl factory that was
abandoned in 1986 after the nuclear disaster.
Part documentary and part science- fiction,
this film consists of a series of fixed
observational shots, drawing together
readings from archives, personal narrative
and Soviet rock music.
Energodar, 2010 (37 min)
Présenté par Jousse Entreprise, Paris
Patrick Bernatchez
Patrick Bernatchez est né en 1972 à Montréal où
il vit et travaille. Dans ce film, un pianiste joue
une sonate légèrement dissonante. Par des
changements de points de vue et des rotations
répétées de la caméra, un sentiment de vertige
s’installe. L’étrangeté de l’ensemble, sur les
plans auditifs et visuels, entraîne le spectateur
dans un monde parallèle, l’éloignant de la
réalité visible pour le plonger dans un
microcosme poétique, traduisant la complexité
des sensations et perceptions humaines.
Patrick Bernatchez was born in 1972 in
Montreal where he lives and works. In this
film, a pianist plays a slightly dissonant
sonata. Through changes in points of view
and repeated camera rotations, a vertiginous
sensation develops. The strangeness of the
whole, on both audio and visual levels, leads
spectators into a parallel world, distancing us
from visible reality and plunging us into a
poetic microcosm that reflects the complexity
of human sensations and perceptions.
180°, 2011 (10 min)
Présenté par Bertrand Grimont, Paris
Pauline Boudry
Renate Lorenz
Ces deux films-installations sont basées sur les
archives du mouvement punk entre 1976 et
2031. Le titre No Future reprend le slogan de la
revendication punk et met l’accent sur le
constat paradoxal d’être déjà dans l’avenir. Le
deuxième titre No Past introduit
paradoxalement une abolition du passé, qui est
considéré comme la base de la psyché humaine,
mais aussi de la subjectivité et donc de
l’existence des êtres humains en général.
These two film-installations are based on
archives of the punk movement between 1976
and 2031. The title No Future adopts the
slogan of punk protest and highlights the
paradoxical realisation of being already in
the future. The second title, No Past
paradoxically introduces an abolition of the
past, which is considered to be the basis of the
human psyche but also of subjectivity, and thus
of the existence of human beings in general.
No Future, 2011 - No Past, 2011
(2 films de 15 min)
Présenté par Ellen De Bruijne Projects, Amsterdam
Ulla von Brandenburg
Née en 1974 en Allemagne, Ulla von
Brandenburg vit et travaille à Paris et à
Hambourg. Le film Chorspiel conte l’histoire
d’une rencontre entre un voyageur et une
famille : un grand-père, une grand-mère, une
mère et la fille. Chaque membre de la famille
est à sa place (vivant dans une même pièce),
ayant ses rituels (jouer, se disputer, se reposer,
dénouer le nœud familial). Le voyageur vient
interrompre leur vie de famille, les confrontant
ainsi à l’inconnu comme à la possibilité d’une
nouvelle vie. Outre les cinq personnages, la
pièce est chantée par un chœur de seize
personnes et, structurée comme une tragédie
grecque où le chœur résonne comme une
conscience, se faisant l’écho des solistes.
Born in 1974 in Germany, Ulla von
Brandenburg lives and works in Paris and
Hamburg. The film Chorspiel tells the story of
an encounter between a traveller and a
family: a grandfather, grandmother, mother
and daughter. Each family member fulfils his
or her own role (living in one room) with the
rituals this entails (playing, fighting, resting,
or working out family problems). The traveller
interrupts their family life, thus confronting
them with the unknown, and the possibility of
a new life. Besides the five characters, the play
is sung by a choir of sixteen people who echo
the soloists, as in Greek tragedy where the choir
resonates like a conscience.
Chorspiel, 2010 (10 min 35)
Présenté par Art Concept, Paris
Alain Bublex
Alain Bublex est né en 1961 à Lyon. Il vit et
travaille entre Lyon et Paris. Le temps d’un
diner, la nuit tombe sur le centre ville immobile.
L’image n’est animée que par le va-et-vient
incessant des hélicoptères sans qu’aucune
modification ne soit apportée aux constructions.
Au-delà de l’invention renouvelée du paysage,
Alain Bublex construit l’image d’une ville
générique, de la ville archétype du XXe siècle.
Alain Bublex was born in 1961 in Lyon. He
lives and works between Lyon and Paris. Over
the course of a dinner, night falls on a
motionless city centre. The image is animated
only by the incessant coming and going of
helicopters, without any modification being
made to the constructions. Beyond the
renewed invention of the landscape, Alain
Bublex constructs the image of a generic and
archetypal 20th century city.
Dinner Time, 2005 (5 min 23)
Présenté par Georges-Philippe & Nathalie Vallois, Paris
Mc Dermott & Mc Gough
David Walter McDermott est né en 1952 à
Hollywood. Peter Thomas McGough est né en
1958 à Syracuse, New York. Ils vivent et
travaillent à New York et à Dublin. Mean To Me,
1936 met en scène la fin tragique d’une histoire
d’amour dans le Manhattan des années 30, où
une brillante courtisane découvre que son
amant, aristocrate ruiné par la Dépression, veut
épouser une héritière fortunée pour se remettre
à flot… La femme faible et vulnérable devient
femme forte en passant par des sentiments
extrêmes, son personnage symbolisant une
histoire sociale américaine où la femme
idéalisée se conçoit belle, glamour, dotée d’une
personnalité riche aux multiples facettes.
David Walter McDermott was born in 1952 in
Hollywood. Peter Thomas McGough was born
in 1958 in Syracuse, New York. They live and
work in New York and Dublin. Mean To Me,
1936 presents the tragic end of a love story set
in Manhattan in the 1930s, in which a
brilliant courtesan discovers that her lover,
an aristocrat ruined by the Depression, wants
to marry a wealthy heiress in order to refill
the coffers… Over the course of a range of
intense emotions, the weak and vulnerable
woman becomes strong. Her character
symbolises a conception of American social
history in which the idealised woman imagines
herself to be beautiful, glamorous and endowed
with a rich, multi-faceted personality.
Mean to me, 1936, 2010 (11 min 45)
Présenté par Jérôme de Noirmont, Paris
Peter Downsbrough
Peter Downsbrough est né en 1940 dans le New
Jersey, aux Etats-Unis. Il vit et travaille à
Bruxelles. Le film se déroule à l’intérieur d’un
immeuble de bureaux vides dans le Corporate
Village de Zaventem, près de l’aéroport de
Bruxelles. Les seuls signes de présence humaine
se trouvent au dehors, visibles par les fenêtres,
dans les voitures qui passent ou dans les
immeubles voisins. A l’aide de mouvements de
caméra fluides, de travellings et de
panoramiques (proches des 180°), l’artiste
scrute l’environnement, explorant les relations
sémantiques et formelles : le dedans et le
dehors, le vide et l’inhabité, l’horizontal et le
vertical, le clair et le sombre. La géométrie de
l’espace, soulignée par l’utilisation du noir et
blanc et par l’austérité des cadrages, détermine
également celle de l’écran.
Peter Downsbrough was born in 1940 in New
Jersey, U.S.A. He lives and works in Brussels.
The film takes places in the interior of an
empty office building in Zaventem’s
Corporate Village, next to Brussels Airport.
Human presence is only to be found outside,
through the windows, in the passing cars or
nearby office buildings. Using fluid camera
movements, travelling as well as panning
(close to 180°), the artist scrutinizes the
environment, exploring formal and semantic
relations: inside and outside, empty and
inhabited, horizontal and vertical, light and
dark. The geometry of the space, emphasized
by the use of black and white images and by
austere framing, determines that of the
screen as well.
AS] IN., 2006 (9 min 54)
Présenté par Thomas Zander Galerie, Köln
Cedrick Eymenier
Cédrick Eymenier est né en 1974. Il vit et
travaille à Paris et à Montpellier. A travers ce
film, il apporte une réflexion construite autour
de deux temporalités qui, malgré leur
opposition, sont tributaires l’une de l’autre,
l’immuable et le précaire. La caméra est fixe.
Les images sont dépendantes des mouvements
circulaires et fragiles de la grande roue. La
régularité avec laquelle la structure métallique
de cette roue obstrue le champ de vision,
rappelle les caractéristiques cycliques du temps.
Les balancements perceptibles durant tout le
film introduisent l’incertitude, cette parcelle
invisible de l’inconnu. L’ambiance «entre chien
et loup» et l’apparition des luminosités criardes
de la fête foraine donnent à l’image une
connotation étrange, d’un irréel presque
fantastique comme les ambiances que construit
David Lynch dans ses films. La bande sonore
composée de craquements et de notes de harpe,
accentuent graduellement l’attente d’un danger,
d’une menace potentielle.
Cédrick Eymenier was born in 1974. He lives
and works in Paris and Montpellier. With this
film, he examines two temporalities – the
immutable and the precarious – which are
interdependent, despite their opposition. The
camera is fixed. The images rely on the
circular and fragile movements of a Ferris
wheel. The regularity with which the metallic
structure of this wheel obstructs the field of
vision recalls the cyclical characteristics of
time. The swaying motion, perceptible
throughout the film, introduces uncertainty:
an invisible shred of the unknown. The
twilight atmosphere and the appearance of
the garish lights of the funfair give the image
a strange connotation ; an unreal quality that
is almost fantastic like the atmosphere that
David Lynch creates in his films. The soundtrack
is composed of cracking noises and the notes
of a harp, which gradually accentuate an
expectation of danger, a potential threat.
Mirissa, 2008 (6 min 10)
Présenté par Poggi Bertoux & Associés, Paris
Claire Fontaine
Claire Fontaine est le pseudonyme d’un duo
artistique italo-britannique fondé en 2004 et
basé à Paris. Ce film révèle comment forcer la
résistance des portes closes auxquelles nous
sommes confrontés au quotidien. Le verrou qui
n’est pas un obstacle hostile à notre désir, se
révèle être un nouvel amant potentiel. Un
monde de dialogues entre les êtres inanimés et
les humains est mis en scène. Sentir, toucher,
écouter sont à nouveau appris par ceux qui
pourraient vouloir réussir dans le « lock-picking ».
Claire Fontaine is the pseudonym of an
Italian/British artistic duo founded in 2004
and based in Paris. This film reveals how to
break down the resistance of the closed doors
we are confronted with on a daily basis. The
lock, that proves not to be an obstacle which is
hostile to our desires, is potentialy a new
lover. A world of dialogues between
inanimate beings and humans is played out
here. Feeling, touching and listening are
learned afresh by those who may wish to
succeed at lock picking.
Instructions for the Sharing of Private
Property, 2006 (45 min)
Présenté par Chantal Crousel, Paris
Anna Gaskell
Née dans l’Iowa en 1969, Anna Gaskell vit et
travail à New York. « SOSW Ballet » est un film
expérimental axé sur la création d’un dialogue
par le mouvement. Réalisé par Anna Gaskell, ce
film est chorégraphié et joué par les élèves de
l’école de Podgorki (SOSW) en Pologne, un
pensionnat créé il y a quarante ans pour des
enfants âgés de 8 à 18 ans. Travaillant et vivant
en communauté, les enfants de SOSW peuvent
présenter des capacités scolaires classiques,
comme des difficultés d’apprentissage, de
moyennes à sévères. Dans ce film, la danse
devient un moyen de lever ces barrières à la
communication.
Born in Iowa in 1969, Anna Gaskell lives and
works in New York. SOSW Ballet is an
experimental film that revolves around the
creation of discourse through movement.
Directed by Anna Gaskell, this film is
choreographed and performed by the children
of the Special School of Podgorki (SOSW) in
Poland, an academy and boarding school for
children aged 8 to 18 founded forty years ago.
Working and living together as a community,
the pupils of SOSW range from those with a
average aptitude for learning through to
those with mild or severe disorders. In SOSW
Ballet, dance becomes a means of raising the
barriers to communication.
SOSW Ballet, 2011 (27 min 04)
Présenté par Yvon Lambert, Paris
Taro Izumi
Taro Izumi est né en 1976 à Nara au Japon. Il
vit et travail à Tokyo. Dans Napoléon, l’artiste
met en scène sa découverte de Paris en tentant
de s’approprier les images, les symboles et les
êtres qui croisent son chemin. Les attrapant au
vol avec sa camera et sa main, les images qu’il
en retient prennent la forme d’un dessin rapide
au creux de sa main. Le film aborde la
découverte d’une autre culture et de sa
représentation.
Taro Izumi was born in 1976 in Nara, Japan.
He lives and works in Tokyo. In Napoleon, the
artist presents his discovery of Paris while
attempting to appropriate the images,
symbols and people that he meets along the
way. By catching them on the fly, with his
camera and his hand, the images that he
retains take the form of a rapid sketch in the
palm of his hand. The film speaks of the
discovery of another culture and its
representation.
Napoléon, 2009 (2 min 07)
Karen Kilimnik
Karen Kilimnik est née en 1955 aux Etats-Unis.
Nice--and--... introducing Tabitha, la première
œuvre vidéo de l’artiste, est composée d’images
tournées dans plusieurs endroits en France
(une discothèque, une villa, un jardin et à
l’aéroport de Nice) qui alternent avec des plans
pris sur le vif du joyeux désordre de son atelier
et de son chat, Tabitha. Le film est une ode
romantique à la France, dont l’élégance des
lustres et des paniers d’osiers est soulignée par
l’aspect confortable de la vie domestique de
Karen Kilimnik.
Karen Kilimnik was born in the United States
in 1955. ‘Nice--and--... introducing Tabitha’, the
artist’s first video work, features footage shot
in several locations in France (a disco, a
villa, a garden and the Nice Airport),
montaged alongside candid shots of the
pleasant disarray of her studio and pet cat,
Tabitha. The film is an ode to the romance of
France; the allure of its chandeliers and
straw baskets heightened by the comfort of
Karen Kilimnik’s domestic life.
Nice--and--... introducing Tabitha, 1991
(7 min 47) Presenté par 303 Gallery, New York
David Lamelas & Hildegarde Duane
David Lamelas est né en 1946 en Argentine.
Hildegarde Duane est née à Los Angeles.
Derniers fruits d’une collaboration qui couvre
trois décennies, AppleLife® poursuit
l’exploration de la politique, de la morale, de
l’humour et du glamour, menée par les artistes.
Lamelas, artiste et réalisateur conceptuel
internationalement reconnu, continue ici sa
déconstruction des archétypes et du mythe de
soi grâce au personnage de la Rock Star, tandis
que Duane, conteuse basée à Los Angeles, joue
une scientifique emblématique, qui est la
dernière réflexion de l’artiste sur l’importance
culturelle des icônes féminines aussi célèbres
que mal considérées. Les œuvres de Duane et
Lamelas font appel à de nombreux genres
(documentaire, film noir, satire sociale) et à de
nombreux supports (film, vidéo, gravures, sculpture,
installation) pour éclairer l’éternel et le banal.
AppleLife® trouve ainsi sa place là où la quête de la
connaissance, les modifications génétiques et la
Fontaine de Jouvence se rencontrent.
David Lamelas was born in Argentina in
1946. Hildegarde Duane was born in Los
Angeles. The result of a collaboration which
spans three decades, AppleLife® continues
the artists’ exploration of politics, morality,
humor and glamour. Lamelas, the
internationally renowned conceptual artist
and filmmaker continues his deconstruction
of archetype and self-myth by means of the
Rock Star character, while Los Angeles based
storyteller Duane tackles the iconic scientist,
the most recent of her inquiries into the
cultural significance of maligned and
celebrated female icons. Duane and
Lamelas’s works range across many genres
(documentary, film noir, social satire) and
media (film, video, prints, sculpture,
installation) in an attempt to illuminate the
eternal and the mundane. AppleLife® poised
where the quest for knowledge, genetic
modification and the Fountain of Youth meet.
Applelife®, 2009 (12 min)
Présenté par Gaudel de Stampa, Paris
Gonzalo Lebrija
Le film Asterion de Gonzalo Lebrija est une
parabole sur l’homme et le pouvoir. On aperçoit
ainsi un homme dans un costume Armani noir,
portant un attaché case classique comme un
emblème de l’homme d’affaires, chevauchant
un taureau enragé. A travers un mouvement de
caméra au ralenti, l’animal se cabre et secoue
son cavalier, dont le bras tenant l’attaché case
s’étend dans les airs pour trouver un équilibre.
Finalement, la mallette s’ouvre et libère une
liasse de papiers blancs flottant dans la nuit,
et le cavalier se retrouve éjecté de sa monture.
The film Asterion (Rider) by Gonzalo Lebrija
is a parable about man and power, and what
it feels like to be master of the moment.
We apprehend a man in a black Armani suit
carrying a conventional black attaché case,
as an emblem of the businessman, riding a
raging bull. Through in a slow motion
movement of the camera, the animal rears
up and down in an attempt to toss the rider
whose arm - holding the attaché case- is
thrown up in the air in an effort to maintain
balance. Finally, the attaché case flies open,
spilling a sheaf of white papers that float into
the dark night as the rider is tossed in the air.
Asterion, 2008 (4 min 11)
Présentée par Laurent Godin, Paris
Frédéric Lecomte
Frédéric Lecomte élabore des carnets vidéo
exécutés à la double vitesse du croquis et de
l’image qui bouge. Dans ses différents opus, son
trait capture des bribes de cinéma, de
télévision, une somme de matière première
visible qu’il réactive en découpant, détourant,
évidant. C’est là le «décorps» de son travail : la
vidéo s’y joue comme un théâtre de l’équivoque,
dans lequel, l’acte de donner à voir expose le
vrai et l’illusion dans un même mouvement de
don et de retrait. Ces images détournées,
squelettes d’une apparence devenue sans
ressemblance déroulent, sur des rythmes et
ambiances sonores volontairement contrastées,
une équation à deux inconnues : ce qu’elles
veulent montrer, et ce qu’elles ne montrent plus.
Frédéric Lecomte develops video journals of
sketches and animated images executed in
double time. In his various opuses, his lines
capture snatches of cinema and television – a
set of visible raw material that he reactivates
by cutting up, subverting, and hollowing out.
This is the “décorps” of his work (a pun in
French, playing on “décor” or “setting”, and
“disembodiment”): the video plays out like a
theatre of the equivocal, in which the act of
presenting exposes reality and illusion in a
single movement of give and take. These
subverted images, the skeletons of an
appearance that is no longer recognisable,
reveal – to the beat of intentionally
contrasting rhythms and soundscapes – an
equation with two unknown factors: what
they wish to show, and what they no longer
show.
Déshabiller le blanc, 2005 (7 min 05)
Postcard, 2005 (3 min 38)
Appart 1, 2005 (8 min 12)
Police desk, 2005 (10 min 37)
Présenté par Claudine Papillon, Paris
Lucas Michael
Lucas Michael est né en Argentine en 1965. Il
vit à Los Angeles. Le film rejoue les scènes de
Klute, le film d’Alan J. Pakula (1970), où Bree
Daniels discute avec sa psychanalyste de son
besoin – à la fois financier et émotionnel – de
se prostituer par rapport à sa carrière d’actrice.
Le film traite d’une exploration du contrôle sur
le corps comme une sublimation de la pratique
artistique.
Lucas Michael was born in Argentina in
1965. He lives in Los Angeles. A re-enactment
of the scenes in Klute a film by Alan J. Pakula
(1970) in which Bree Daniels discusses with
her analyst her need –both financial and
emotional– to prostitute herself vis-à-vis her
acting career. The film deals with an
exploration of the control of our physical
bodies as a sublimation of the art practice.
Being Bree, 2010 (13 min 04)
Présenté par Silverman, San Francisco
Jeff Mills
Jeff Mills est né en 1963 à Détroit. Il vît et
travail à Berlin. En 2005, l’artiste crée une série
de six œuvres vidéo où il compose et édite la
bande sonore de « Three Ages », premier long
métrage réalisé par Buster Keaton en 1923.
Modelant sa propre bande sonore, il utilise
l’image comme une banque de données au
même titre qu’il modèle son propre répertoire
sonore. Il poursuit ici l’expérience avec une
œuvre de Joséphine Baker.
Jeff Mills was born in 1963 in Detroit. He
lives and works in Berlin. In 2005, the artist
created a series of six video works in which he
composed and edited a soundtrack to Three
Ages, the first feature film directed by Buster
Keaton in 1923. Shaping his own soundtrack,
he uses images like a databank in the same
way that he shapes his own sound repertoire.
Here, he continues the experiment with a
work featuring Josephine Baker.
La Danseuse, 2005 (3 min 53)
Frederic Moser
& Philippe Schwinger
Frédéric Moser et Philippe Schwinger sont nés
respectivement en 1966 et 1961 à Saint-Imier
en Suisse. Dans un petit village de l’exAllemagne de l’Est, un groupe de jeunes gens
tente de mettre des mots sur un malaise
palpable : leur solitude, leur isolement, leurs
volontés contrariées de démarrer une vie active,
leur désir de se rattacher à des luttes politiques
qui leur seraient contemporaines. À un autre
point du même village, leurs parents sont en
grève et manifestent devant leur usine. Un
journaliste venu d’ailleurs recueille les
impressions des uns et des autres, fragile trait
d’union entre deux générations que tout sépare.
Frédéric Moser and Philippe Schwinger were
born, respectively, in 1966 and 1961 in
Saint-Imier in Switzerland. In a small village
of the former East Germany, a group of young
people attempts to articulate a palpable sense
of unease: their solitude and isolation, their
thwarted desires to begin working, their
desire to become involved in the political
struggles of their era. In another part of the
same village, their parents are on strike,
protesting in front of the factory where they
are employed. A journalist from elsewhere
records the impressions of both groups,
forming a fragile point of connection between
two generations with nothing in common.
Alles wird wieder gut, 2006 (18 min 23)
Présenté par Jocelyn Wolff, Paris
Emilie Pitoiset
Emilie Pitoiset est née en 1980 à Noisy Le Grand.
Elle vit et travaille à Paris et Berlin.
Emilie Pitoiset was born in 1980 in Noisy Le
Grand. She lives and works in Paris and Berlin.
Mimétisme
Re-montage d’une séquence d’une émission de
télévision américaine des années 60 similaire à
la caméra cachée, Mimétisme est basée sur une
répétition de plans qui ouvrent un point de
fiction ne figurant pas initialement dans
l’original. La «chorégraphie» des mouvements
des protagonistes est ici accentuée par le
montage et le son.
A re-edit of a sequence from an American
television programme from the 1960s, similar
to a hidden camera show, Mimétisme is based
on a repetition of shots that open up a
fictional aspect that does not initially appear
in the original. Here, the editing and sound
accentuate the “choreography” of the
protagonists’ movements.
Faire retour aux choses mêmes
Un pas de deux désaxé sur une musique
lancinante, doté d’un aspect onirique et d’une
singulière impression de déjà vu, le tout baigné
d’une étrangeté renforcée par la fausse symétrie
des deux images
An unaligned pas de deux set to pounding
music with a dreamlike quality, creating a
singular impression of déjà vu. A strangeness
reinforced by the false symmetry between the
two images emanates from the work.
Liebe ist kälter als der Tod
Une dichotomie entre l’apparente violence de
l’image et la plénitude de la narration sonore, mise
en abyme par les mouvements d’accélérations et
de décélération des protagonistes.
A dichotomy between the apparent violence of
the image and the rich quality of the audio
narration, reflected by the accelerating and
decelerating movements of the protagonists.
Liebe ist kälter als der Tod, 2009 (1 min 11)
Faire retour aux choses mêmes, 2010
(2 min 08)
Mimétisme, 2011 (1 min 27)
Présenté par Lucile Corty, Paris
Julien Prévieux
Julien Prévieux est né en 1974 à Grenoble. Le
film Anomalies constituée d’un lent travelling
sur les écrans d’une salle d’ordinateurs. En voixoff, deux utilisateurs d’un logiciel informatique
gratuit, permettant notamment de réaliser des
monuments en 3D dans Google Earth,
témoignent l’un d’une approche de passionné,
satisfait de la reconnaissance de son talent par
le géant de l’informatique ; l’autre, plus critique,
décelant une forme de travail déguisé : « Je
crois que cette fois on s’est vraiment bien fait
avoir. Tout était tellement bien foutu, c’est ça,
tellement bien foutu, qu’on ne savait même plus
qu’on travaillait quand on travaillait. » (Texte de
Raphael Brunel)
Julien Prévieux was born in 1974 in
Grenoble. The film Anomalies consists of a
slow tracking shot on the screens of a
computer room. In voiceover, two users of
Google’s free modelling program “Sketchup”
– which allows 3D monuments to be created
in Google Earth – testify to their experiences.
One describes a fan’s approach, drawing
satisfaction from the IT giant’s recognition of
his talent; the other, more critical, detects a
form of disguised labour: “I think this time
we’ve really been had. Everything was so well
done – that’s right, so well done – that we
didn’t even know that we were working when
we were.” (Text by Raphael Brunel)
Anomalies Construites, 2011(7 min 41)
Présenté par Jousse Entreprise, Paris
Florent Pugnaire & David Raffini
Florent Pugnaire et David Raffini sont nés
respectivement en 1980 et 1982. Ils vivent et
travaillent à Nice. Casse Pipe est l’histoire d’un
soldat-médecin qui déserte une reconstitution
de bataille. Le film commence au cœur d’un
combat opposant l’armée napoléonienne aux
autrichiens. La reconstitution, empreinte d’une
volonté de cohérence et de réalité historique,
est peu à peu détournée de manière fictionnelle.
La caméra, qui commence par capter
l’évènement, entre progressivement dans la
fiction en suivant deux médecins au milieu des
tirs d’artillerie et des batailles rangées.
Florent Pugnaire and David Raffini were
born respectively in 1980 and 1982. They live
and work in Nice. Casse Pipe is the story of a
soldier/doctor who deserts a reconstitution of
a battle. The film starts in the throes of a
combat opposing the Napoleon army and the
Austrians. The reconstitution, marked by a
desire for coherence and historical realism,
becomes slowly subverted in a fictional
manner. The camera starts by recording the
event and is progressively drawn into the
fiction, by following two doctors in the midst
of artillery fire and pitched battles.
Casse Pipe, 2010 (15 min 03)
Présenté par Torri, Paris
Tony Regazzoni
Tony Regazzoni est né en 1982. Il vit et travaille
à Paris. Le film Deca/Dance se base sur les
archétypes mêmes du clip vidéo. Il s’inspire à la fois
de l’histoire du clip, mais aussi de certains films de
Fassbinder, de l’Enfer de Clouzot. Des films très
«plastiques» avec des recherches de lumières et
d’ambiances lumineuses très spécifiques.
S’appropriant un vocabulaire propre aux festivités
contemporaines, que ce soit les fêtes foraines ou
les soirées clubbing, Tony Regazzoni condense des
instants de vie qui rappelle ainsi la propension à la
fête partagée par tous.
Tony Regazzoni was born in 1982 and lives
and works in Paris. The film Deca/Dance is
based on the essential archetypes of the video
clip. He draws his inspiration from the
history of clips, but also from certain films by
Fassbinder and from Henri Clouzot’s Inferno.
His films are very “plastic”, employing
sophisticated lighting and atmospheric effects.
Using the specific vocabulary of contemporary
festivities, whether it be that of funfairs or
night clubs, Tony Regazzoni condenses a slice
of life into this video, recalling the practice of
celebration shared by all human beings.
Celebration#1 - Pretty Dancing
(Deca/Dance), 2011 (7 min)
Présenté par ACDC, Bordeaux
Jean-Claude Ruggirello
Jean-Claude Ruggirello est né en 1959 à Tunis.
Il vit et travaille à Paris et Marseille. Bruits de
fond, ne fait pas recours aux procédés éculés du
crescendo : violence étale, métronomique,
machinale. Cet étirement du temps, ponctué de
fracas divers, on le retrouve certes dans certaine
vidéos de McCarthy, mais c’est plus au théâtre
de Beckett qu’on pense ici, à son côté
performatif, contraint. La règle du jeu imposée à
l’acteur muet - l’impassible Boris Lémant en
Buster Keaton absent, la tête ailleurs - est,
contrairement à l’habitude, celle de tout casser
en utilisant le plus de temps possible. Le
montage instaure cette lenteur, tout en évitant
avec brio les pièces du théâtre filmé.
Jean-Claude Ruggirello was born in 1959 in
Tunis. He lives and works in Paris and
Marseille. Bruits de fond does not resort to the
usual procedures of the crescendo: steady,
metronomic, mechanical violence. This
stretching of time, punctuated by various
disturbances, can be found in certain videos
by McCarthy, but it is more reminiscent of
Beckett’s theatre, with its performative,
constrained aspects. The rule of thumb
imposed on the mute actor (the impassive
Boris Lémant as a vacuous Buster Keaton,
whose mind is elsewhere) is to destroy
everything by taking as long as possible to do so,
in a reversal of the usual order. It is the editing
that establishes this slow pace, while skilfully
avoiding any resemblance to filmed theatre.
Bruit de Fond, 2009 (17 min 38)
Présenté par Claudine Papillon, Paris
Francesco Simeti
Francesco Simeti est né en 1968 à Palerme en
Italie. Il vit et travaille à New York et Palerme.
Scene di Disordine e Confusion tire son titre
d’une expression qui, selon Roderick Frazier
Nash, était utilisée au Moyen Age pour définir
l’idée de “wilderness”, de terres sauvages. Un
pèlerinage médiéval traversant un paysage
européen et ses forêts primitives est ici
ré-imaginé par l’animation, basé d’une part sur
des traités de botanique, et d’autre part sur une
étude des tableaux de paysages de la
Renaissance européenne de Benozzo Gozzoli à
Fra Angelico. L’artiste poursuit ses recherches
sur l’embellissement et la marchandisation de
la violence ; l’aspect décoratif, combiné à des
images tragiques, devient un outil qui souligne
cette banalisation.
Francesco Simeti was born in 1968 in
Palermo in Italy. He lives and works in New
York and Palermo. Scene di Disordine e
Confusion in an expression which, according
to Roderick Frazier Nash, was used in the
Middle Ages to define the idea of “wilderness”.
Here a medieval pilgrimage through the early
European landscape and its primeval forests
is re-imagined in animation, based on
botanical treatises and on a study of landscape
paintings of the European Renaissance from
Benozzo Gozzoli to Fra Angelico. The artist
continues his research into the beautification
and commoditization of violence; decoration,
combined with images of tragic import,
becomes a tool to underline this trivialization.
Scene di disordine e confusione, 2010
(6 min) Présenté par Francesca Minini, Milan
Adam Shecter
Adam Shecter est né à Dallas au Texas en 1976.
Il vit et travail à New York. Inspiré par le roman
Last and First Men d’Olaf Stapledon, Last Men
est un film d’animation qui envisage le monde
et la civilisation dans un avenir très lointain,
alternant vignettes aux contours précis et
représentations à l’image brouillée. Utilisant
une variété de méthodes graphiques, l’histoire de
Last Men passe du microcosme au macrocosme,
l’artiste y adopte un lexique fantasmagorique
pour narrer le destin de l’humanité.
Adam Shecter was born in Dallas in Texas in
1976. He lives and works in New York.
Inspired by the science fiction novel Last and
First Men by Olaf Stapledon, Last Men
imagines planet Earth and its human
civilisation in the far distant future via a
series of both lucid vignettes and decayed
visual transmissions. Using a variety of
techniques – from intimate hand-drawing to
heavily processed digital footage, the
narrative of Last Men meanders between the
subatomic and the cosmological, ultimately
espousing a tale of humanity and its destiny
in Shecter’s phantasmagorical method of
storytelling.
Last Men, 2011 (6 min 09)
Présenté par Eleven Revington, New York
Martine Stig
Martine Stig est née en 1972 aux Pays-Bas. Dans
ce film, la ville idéale est basée sur l’anonymat :
le sujet universel, anonyme, de «la ville»
elle-même, qui régit les allées et venues des
passants. Dans «Marches dans la ville», le
célèbre chapitre de L’Invention du Quotidien
(1980), Michel de Certeau parle du scénario
imposé par l’urbanisme ainsi que des piétons
rebelles qui créent de nouvelles façons
désordonnées d’utiliser l’espace public. Dans
Play, c’est précisément ce genre d’histoire que
les constructions de l’artiste semblent
consigner. Apparemment scénarisée par
l’architecture rigide de la ville et par son image,
elle se déroule pourtant au quotidien, sans
auteur ni spectateur.
Martine Stig was born in 1972 in The
Netherlands. In this film, the ideal city is
based on anonymity: the anonymous,
universal subject of “the city” itself, which
administrates the comings and goings of the
people within it. In the celebrated chapter
“Walking in the City” in his 1980 book “The
Practice of Everyday Life”, Michel de Certeau
writes of the totalizing scenario imposed by
urban planning, and the individual
pedestrians who, rebelliously, articulate new
and disorderly uses of public space. In “Play”,
the artist appears to record precisely such a
story. Apparently scripted by the rigid
architecture of the city and its image, it
nevertheless takes place everyday with no
author and no spectator.
Play, 2009 (10 min 09)
Présenté par Motive Gallery, Amsterdam
Oleg Tcherny & Giorgio Agamben
Oleg Tcherny est né à Minsk en 1973. Filmé
depuis un bateau quittant la lagune de Venise
pour se rendre à Alep, le film se transforme à
mesure que le paysage défile et devient
pictural, s’épaississant progressivement par un
jeu complexe de montage basé sur la relativité
du déplacement d’un référentiel par rapport à
un autre ainsi qu’à l’instabilité de l’image
captée par la caméra numérique. Le philosophe
Giorgio Agamben accompagne ce voyage dans le
temps et l’espace par la lecture d’un texte
fondateur de Galilée, Dialogue Concerning the
Two Chief World Systems.
Oleg Tcherny was born in Minsk in 1973. La
Linea generale was filmed from a boat leaving
the Venetian Lagoon for Aleppo. It transforms
itself as the landscape unfolds, becoming
pictorial and progressively denser, through a
complex editing game based on the relativity
of the displacement of one frame of reference
in relation to another, and to the instability of
the image captured by the digital camera.
The philosopher Giorgio Agamben
accompanies this voyage in time and space
with the reading of a founding text by Galileo,
Dialogue Concerning the Two Chief World
Systems
La Linea generale, 2010 (16 min)
Présenté par Poggi Bertoux & Associés, Paris
T.J. Wilcox
T.J. Wilcox est né en 1965 à Seattle. Il vit et
travaille à New York. Yours, Patsy Cline célèbre
la fascination qu’exerce toujours Patsy Cline, la
grande chanteuse de musique country, 50 ans
après sa mort tragique à l’âge de 30 ans.
L’artiste orchestre un hommage musical
composite à l’aide de dizaines de versions
postées par des utilisateurs sur YouTube de trois
chansons de la chanteuse parmi ses plus
connues : «Walkin’ After Midnight», «Crazy»,
et «Sweet Dreams».
T.J. Wilcox was born in 1965 in Seattle. He
lives and works in New York. Yours, Patsy Cline
celebrates the lasting appeal of the great
country and western singer, Patsy Cline, 50
years after her tragic death at age 30. Wilcox
orchestrates a composite musical homage
using dozens of self posted YouTube renditions
of three of the singer’s most famous tunes:
Walkin’ After Midnight, Crazy, and Sweet
Dreams.
Yours, Patsy Cline, 2010 (9 min 21)
Présenté par Metro Pictures, New York
Sislej Xhafa
Sislej Xhafa est né en 1970 à Peja au Kosovo. Il
vit et travaille à New York et en Italie. Le film
Passion Fruit se compose d’un plan unique :
une arme gisant sur l’asphalte sous la pluie. Le
son de l’averse tombant sur une surface
métallique lui donne un caractère presque
agressif. L’image laisse le champ ouvert à une
variété d’associations mentales chez le
spectateur. Qui est le propriétaire du pistolet ?
Pourquoi a-t’il été abandonné ici ? A-t’il été
utilisé pour tuer quelqu’un ? Le titre « Passion
Fruit », inscrit d’autant plus l’ambigüité dans la
vision de cet objet, à la fois source de violence
et de fascination. Tandis que l’arme à feu, ainsi
sous la pluie, perd incontestablement sa
capacité à tuer, l’idée de cette possibilité reste
présente, et suggère une histoire parallèle liée à
la violence, à la passion et à la perte.
Sislej Xhafa was born in 1970 in Peja in
Kosova. He lives and works in New York and
in Italy. This film consists of a fixed frame: a
weapon lying on the asphalt in the rain. The
sound of the rain falling on the metallic
surface gives it an almost aggressive
character. The image leaves the field open to a
variety of mental associations for the
spectator. Who owns the gun? Why was it
abandoned here? Was it used to kill someone?
The title Passion Fruit lends even more
ambiguity to the vision of this object, which is
both a source of violence and fascination.
While the firearm left in the rain
incontestably loses its ability to kill, the idea
of this potentiality remains present,
suggesting a parallel story connected to
violence, passion and loss.
Passion Fruit, 2007 (3 min)
Présenté par Magazzino, Rome
Sislej Xhafa
Le film montre un orchestre de réfugiés
soudanais au Caire. Ils interprètent une
chanson traditionnelle dans une pièce plongée
dans l’obscurité, à tel point que l’on discerne à
peine que la silhouette de l’un de ses membres.
La présence des autres protagonistes est
suggérée par le son de la musique qu’ils jouent.
Cette œuvre reflète les complexités d’une
société en transition, forcée au silence par les
dictatures, et où les peuples ne peuvent
retrouver la communauté et la liberté
d’expression nulle part ailleurs qu’au sein de
cet espace liminal de ce théâtre.
whose complex practice is situated at the
crossroads of cinema, theatre, music and
performance. In 2010, the trio invaded the
Rue de Laeken / Lakensestraat, a street in
Brussels where many galleries are installed.
ZimmerFrei presents the street together with its
inhabitants and their premises – from the Halal
Snack Bar to the cultural organisation BNA /
BBOT or the office of the young architects, Rotor
– giving the spectator a glimpse of their homes
and their dreams. By way of small
interventions, details in shop windows and
commerces, the entire street is turned into a
temporary installation, an invitation to (re)
discover a “slice of Brussels life”.
LKN Confidential, 2010 (18 min 16)
Présenté par Galerie Monitor, Rome
Yi Zhou
Yi Zhou est née à Shanghai en 1978. Le film
AboutSeana représente une petite fille de 9 ans,
dont la silhouette en 3D, réalisée à partir d’un
scan tridimensionnel, s’appréhende comme une
sculpture. Symbolisant l’alter ego de l’artiste, la
petite fille se décompose lentement en pétales
et laisse la place au vide… Se remémorant de
manière confuse son passage de Chine en Italie
lorsqu’elle était encore enfant, Yi Zhou rappelle
ici à quel point les émotions de l’enfance
conditionnent la vie adulte, même si ces
émotions enfantines sont souvent
subconscientes. Toute disparition vécue enfant
peut faire resurgir un sentiment de perte tout
au long de la vie.
The film shows an orchestra of Sudanese
refugees in Cairo. They perform a traditional
song in a room plunged into darkness, to the
point that we can only just make out the
silhouette of one of its members. The presence
of the other protagonists is suggested by the
sound of the music they are playing. This
work reflects the complexities of a society in
transition, forced into silence by
dictatorships, and whose peoples cannot
recover a sense of community and freedom of
expression anywhere else than within the
liminal space of this theatre.
Yi Zhou was born in Shanghai in 1978. The
film AboutSeana shows a little nine-year old
girl, whose 3D silhouette, created from a
three-dimensional scan, is perceived almost
as a sculpture. Symbolizing the alter ego of
the artist, the little girl decomposes slowly
into petals before dissolving into emptiness…
Recollecting her childhood passage from
China to Italy in a confused manner, Yi Zhou
reminds us how much childhood memories
condition our adult life, even if these
childhood emotions are often subconscious.
Every childhood loss leaves a scar which can
resurface throughout adulthood.
Theatre who knows everything, 2009
(4 min 08) Présenté par Magazzino, Rome
AboutSeana, 2005 (6 min 05)
Présenté par Jérôme de Noirmont, Paris
ZimmerFrei
ZimmerFrei est un collectif d’artistes (Massimo
Carozzi, Anna de Manincor, Anna Rispoli) dont
la pratique complexe est située au carrefour
entre le cinéma, le théâtre, la musique et la
performance. En 2010, le trio envahi la rue de
Laeken, rue des galeries d’art de Bruxelles.
ZimmerFrei dépeint la rue ainsi que ses
habitants et leurs boutiques. Du Snack Bar halal
à la maison de l’organisation culturelle BNA /
BBOT, ou le bureau du jeune architecte Rotor
- permettant de jeter un œil à l’intérieur de
leurs maisons et leurs rêves. Par le biais de
petites interventions, des détails dans les
vitrines, dans les magasins, la rue entière est
transformée en une installation temporaire, une
invitation à (re) découvrir un Bruxelles par
«tranche de vie».
ZimmerFrei is an artists’ collective (Massimo
Carozzi, Anna de Manincor, Anna Rispoli)
www.fiac.com

BROCHURE CINEPHEMERE

Transcription

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