septembre decembre

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Centre d’art Dominique
Lang: Marcin Sobolev
Centre d’art Nei Liicht:
Laurianne Bixhain
Vernissages à 11.30 h
20.09.2014 - 23.10.2014
SEPTEMBRE 2014
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TOUCH OF NOIR
Classic - Nouvelle Musique
Like A Moth To The Light
Récital de Cathy Krier /
Création musicale:
Catherine Kontz
TOUCH OF NOIR
Jazz
Soweto Kinch Trio
Journée de la Nostalgie
United Instruments of
Lucilin et l’Orchestre de
Chambre du Luxembourg
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Fête des cultures
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Fête des cultures
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OqueStrada
OCTOBRE 2014
Centre d’art
Dominique Lang:
Armand Strainchamps
Vernissage à 18.00 h
13.11.2014 - 20.12.2014
Volo
Théâtre et musique
Volo
Centre d’art Nei Liicht:
Dominique Cerf
Vernissage à 11.30 h
08.11.2014 - 20.12.2014
Spyro Gyra
Celebrating 40 Years
on Stage
Singer-Songwriter
Festival
Ezio - Andy Houscheid
Sea And Air
Singer-Songwriter
Festival
Sophia Simone Felice
NOVEMBRE 2014
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Wilhelm B.
Musiktheater für Kinder
und Erwachsene
von La Compagnie
du Grand Boube (L)
HaFoSud: Wantergala
La nuit juste
avant les forêts
de Bernard-Marie Koltès
Théâtre
DÉCEMBRE 2014
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Blues Night
The Brew - Layla Zoe The Kid Colling Cartel
Alfredo Rodriguez Trio
The invasion parade
Philharmonia
Tomasz Stanko
New York 4tet
Tribute to the Beatles
Magical Mystery Night
16.01.2015 Paul Fox Collective
30.01.2015 Die lustige Witwe - Opera du Trottoir
05.02.2015 Enrico Rava 4tet
07.02.2015 Kannerbicherdag
Save the dates
TOUCH OF NOIR
Jazz
Roy Hargrove Quintet
TOUCH OF NOIR
Roman noir polychrome
Lecture par les auteurs
Serge Basso de March
et Enrico Lunghi
TOUCH OF NOIR
Jazz
The James Taylor Quartet
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Wilhelm B.
Musiktheater für Kinder
und Erwachsene
von La Compagnie
du Grand Boube (L)
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ADAM BALDYCH YARON HERMAN DUO
The New Tradition
Adam Baldych ist der größte lebende Geigentechniker des Jazz. Von ihm kann man alles
erwarten.
Frankfurter Allgemeine Zeitung (FAZ)
Yaron Herman ist ein Meister der harmonischen Extrapolation.
Der Standard
Le jeune musicien polonais Adam Baldych
fait actuellement sensation sur la scène jazz
internationale. Depuis Jean-Luc Ponty et
Didier Lockwood, Baldych est certainement
le violoniste le plus coté du jazz européen,
non seulement par la richesse transculturelle de ses compositions, mais aussi par la singularité de son jeu qui dépasse la simple virtuosité technique. Formé à Katowice puis à
Berklee, il s’illustre aux côtés d’un partenaire de choix en la personne du jeune pianiste prodige Yaron Herman. En Allemagne,
il a remporté un ECHO Jazz en 2013. Dans
son pays natal, il suit les traces de Leszek
Mo‘zd‘zer et gravit les échelons du jazz européen, ou du pianiste finlandais Iiro Rantala
dans son propre trio à cordes.
Le pianiste israélien Yaron Herman est un
autre fer de lance du jazz européen, « l‘un
des esprits les plus créatifs dans le monde du jazz » selon Kulturnews. Aujourd’hui,
Yaron est considéré comme l‘un des meilleurs pianistes de sa génération, plébiscité
par le public et les médias, autant en Europe qu’en Asie ou aux Etats-Unis. Baldych
est tombé sur le pianiste par l’entremise du
label ACT qui les a mis sur scène ensemble
pour la première fois. L’alchimie s’est tout
de suite créée. Deux grandes personnalités
s’étaient trouvées, et dès lors, ils devaient
poursuivre leur chemin par l’expérience
« La nouvelle Tradition » : une expédition qui
les conduit hors des sentiers battus.
Très complices, ils explorent des territoires
musicaux au carrefour du classique, de la
musique folklorique, du swing improvisé, et
établissent de nouveaux standards du jazz
contemporain. L’album « The New Tradition » se réfère à la tradition comme point de
repère. « La musique classique européenne,
le folklore polonais, le jazz polonais, c’est
ma tradition, c’est dans quoi j’ai grandi et
c’est à quoi ma nouvelle musique se réfère. »
dit Adam Baldych. Raffinement harmonique,
dextérité diabolique et polyphonie inouïe caractérisent leur album, nouvelle pierre angulaire du jeune jazz européen qui à l’instar
notamment d’un duo Peirani & Parisien,
tient toutes ses promesses.
ADAM BALDYCH, VIOLIN
YARON HERMAN, PIANO
© Maciej Hadki
PRÉVENTE / VORVERKAUF
15€ (+FRAIS/VVK-GEBÜHREN)
CAISSE DU SOIR / ABENDKASSE
20€ À PARTIR DE 19H30
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OQUESTRADA
Concert d’ouverture de la Fête des cultures
en collaboration avec la Commission consultative d’intégration (CCI)
One of the best and most imaginative
Portuguese projects since ages.
Time Out
La plus folle aventure artistique de ces
dernières années.
Télérama
OqueStrada est la preuve que le Portugal
peut aussi être à l’origine d’une musique
joyeuse et dansante, une saudade portugaise pétillante et pleine de bonne humeur,
où la gouaille frondeuse de la charismatique
Marta Miranda porte les accents métissés d’une tambouille de bistrot ouverte à
la musette, au ska, à la bossa et au groove
balkanique. Le swing nomade d’OqueStrada
vient des banlieues de Lisbonne, des bals et
des bars, des lieux canailles où la musique
respire l’humeur du moment avant de s’inspirer des airs du passé. Leur swing nomade
voyage au long cours et leurs malles exhalent des parfums du monde entier.
Formé au début des années 2000, le groupe
originaire de Lisbonne OqueStrada s’in
spire des chants populaires des tavernes
de marins pour produire un son unique.
Leur musique festive et métissée rappelle
que Lisbonne est un lieu unique de brassage des cultures atlantiques, africaines et
européennes. Loin des studios et des phénomènes de mode, cette drôle de bande
s’est construit une grande réputation littéralement sur la route. C’est la bande-son
cosmopolite d’un pays en transition, un Portugal du 21e siècle ouvert au monde et aux
sonorités d’ailleurs. « Nous voulons explorer le monde », dit Miranda, « avec toujours
notre beau petit pays dans nos bagages ».
La musique d’OqueStrada est un mix cosmopolite entre le funanà capverdien, la semba
angolaise, les accointances brésiliennes,
convoqués dans une guinche rieuse aux
côtés de la musette, du reggae balkanique
ou du ska urbain. Sur scène, on voit apparaître une tasca (bar populaire portugais)
imaginaire, ou le théâtre et la musique sont
intimement liés, et où le public n’est plus
seulement spectateur mais devient complice à part entière. On y entend résonner le
groove du café du coin, un mix très portugais de joie de vivre et de douce nostalgie.
Mine de rien, les musiciens d’OqueStrada
ont inventé à eux seuls le Tasca Beat, un
son original et inventif sur base de galette
fado, qui fusionne l’entrain des chansons
populaires avec le funk et le hip hop dans un
esprit frondeur.
MARTA MIRANDA, VOICE
PABLO, WASHTUB, BASS
JOÃO LIMA, PORTUGUESE GUITAR
NELSON ALMEIDA, ACCORDION
ANDRÉ BAHIA, GUITAR
MOISÉS FERNANDES, TRUMPET
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ENTRÉE GRATUITE
FÊTE DES CULTURES
Les cultures du monde se donnent rendez-vous à Dudelange pour l’espace d’un weekend.
Pour la 14e fois consécutive, la Commission consultative d’intégration de la Ville de Dudelange organise cette manifestation amicale, musicale, conviviale et festive, avec la participation de plus de 20 associations locales. La Ville offre un lieu en plein centre, propice aux
rencontres, échanges et partages entre les différentes communautés, luxembourgeoise
et non-luxembourgeoises, lieu de convergence des ethnies, cultures et langues du monde,
concentrées dans un microcosme urbain spécifique.
Des spécialités culinaires, des boissons exotiques, de l’artisanat et des produits du monde
seront étalés sur de nombreux stands, sous un grand chapiteau sur la place de l’Hôtel de Ville.
Le concept de la manifestation se trouve sous le signe du métissage : l’échange entre les arts
et les genres se révèle de plus en plus fluide et tend à une perméabilité croissante des
différentes cultures. Les performances musicales et folkloriques en provenance de plusieurs pays et régions du monde vont divertir le public tout au cours de la fête. Parmi les
divers groupes, on verra entre autres :
UNE INITIATIVE DE LA COMMISSION CONSULTATIVE D’INTÉGRATION (CCI) DE LA VILLE DE DUDELANGE
EN COLLABORATION AVEC LES ASSOCIATIONS LOCALES ET ÉTRANGÈRES.
ORGANISATION : SERVICE CULTUREL ET CCI
INDIAN AIR – FUNKY SITAR
Indian Air – Funky Sitar est le projet peu commun du musicien autrichien Klaus Falschlunger,
un des représentants les plus actifs de la scène indo-européenne. La musique indienne et les sonorités magiques du sitar que Falschlunger joue à la perfection, sont la base des compositions très originales du musicien. En compagnie de l’allemand Andreas Gilgenberg à la clarinette basse et le percussionniste bulgare Sani Kunchev, il crée un style nouveau basé sur le funk, avec un groove irrésistible.
EAST AFFAIR
East Affair est un groupe cosmopolite dont la musique repose d’emblée sur la provenance des quatre
musiciens qui le composent. Pourtant la musique
du quartette hétérogène est ouverte aux styles
les plus divers du monde. Vainqueurs du 1er Creole
Global Music Contest de Berlin, le Tchèque Jura
Wajda à la cymbale, l’Allemand Kim Effert à la guitare, le Serbe Fedor Ruskuc à la contrebasse et
l’Allemand Christoph Hillmann au cajon déploient
une énergie impressionnante sur scène. Leur virtuosité, leur entrain et leurs cadences follement
véloces emmènent les spectateurs dans un tourbillon de vitalité créative puisant dans les styles les
plus divers de l’Europe de l’Est, mais aussi dans les
rythmes espagnols, cubains et orientaux.
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OCL + LUCILIN #1
Minimal Music
United Instruments of Lucilin et l‘Orchestre
de Chambre du Luxembourg proposent en
collaboration un concert autour de la musique minimaliste.
Pour cette 1re coopération, le programme est
à la fois pointu et accessible, en réunissant
tous les grands noms de la musique minimaliste - Philip Glass, John Adams, Louis Andriessen, Steve Reich - ce mouvement né dans
les années 60, qui utilise la répétition comme
technique de composition.
Cette musique, avant tout caractérisée par
des pulsations régulières, puise sa source
dans des univers différents, à l‘image de la
nouvelle pièce de Steve Reich, Radio Rewrite,
inspirée par des morceaux du groupe Radiohead et qui n‘a pour l‘instant été jouée qu‘une
seule fois en Europe.
COPRODUCTION
OCL - LUCILIN - CCRD OPDERSCHMELZ
PHILIP GLASS (*1937),
MUSIC IN SIMILAR MOTION (1969) - 12’
JOHN ADAMS (*1947),
SHAKER LOOPS (1978) - 24’
LOUIS ANDRIESSEN (*1939),
WORKERS UNION (1975) - 12’
STEVE REICH (*1936),
RADIO REWRITE (2012) - 20’
UNITED INSTRUMENTS OF LUCILIN
ORCHESTRE DE CHAMBRE
DU LUXEMBOURG
DIRECTION : DAVID REILAND
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À travers les multiples disciplines artistiques dans lesquelles
il se manifeste, Le Noir est un style, une atmosphère, une attitude, une philosophie, un tempérament, un mouvement.
Pour cette 7e édition nous nous concentrons sur la musique. Le
jazz bien-sûr - LA musique du Noir par excellence, avec le retour
de James Taylor, maître du Acid jazz, de Soweto Kinch, découvert
au jazzmachine avec Chlorine Free et l’emblématique trompettiste du jazz contemporain Roy Hargrove.
Pour la première fois, nous osons un détour vers la musique
classique et nouvelle avec un duo de femmes talentueuses à
l’écriture et aux claviers pour un concert exceptionnel.
Nous avons glissé dans cette programmation ambitieuse un petit clin d’œil décalé avec une lecture proposée par deux acteurs
importants de la scène culturelle luxembourgeoise, qui se mêlent
de choses qui les regardent – de crimes, et de vierges à l’enfant.
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SOWETO KINCH, ALTO SAX, VOCALS
NICK JURD, BASS
SHANEY FORBES, DRUMS
15€ (+FRAIS/VVK - GEBÜHREN)
SOWETO KINCH TRIO
Soweto Kinch is number one in a field that he‘s
made his own, as saxophonist, band leader,
composer and rapper/MC. There‘s no compromise in Kinch‘s music, which lurches from angular beats to gentle swing, from machine-gun
rap to poetic introspection.
It’s a clever and entertaining juxtaposition of
idioms that kicks pure jazz and authentic rap
into a brave new world.
The Guardian
Mr Kinch demonstrates what England has to
teach the USA about narrative Hip-Hop. Don’t
sleep on Mr Kinch.
The New York Times
Kinch‘s raps range from angry invective to languid beauty, and his lyrical attacks are fresh and
imaginative.
All About Music
Soweto Kinch est LE phénomène venu de Birmingham, ayant glané plusieurs distinctions internationales importantes au cours des dernières
années : Lauréat du Montreux Jazz Saxophone
Competition en 2002, du BBC Jazz Award pour
le meilleur instrumentiste et meilleure formation en 2004, et du MOBO Award pour le meilleur
spectacle de Jazz en 2007. Ce saxophoniste virtuose est également le plus talentueux représentant du mouvement Hip-Hop en Angleterre.
Tiraillé entre sa culture et son amour du jazz et
sa propre sensibilité rap, il invente une musique
qui sonne comme une fusion naturelle entre
post bop et hip hop. Parmi ses principaux mentors figurent Sonny Rollins et Courtney Pine,
mais aussi Q-Tip et The Roots, influences qu‘il
a su distiller dans ses deux premiers albums :
« Conversation with the Unseen » et « A life in
the day of B-19 ». Son dernier et ambitieux album « The Legend of Mike Smith », un vrai tour
de force d’une durée de deux heures, sorti en
2013, confirme que Soweto Kinch est un des
grands saxophonistes et rappeurs de sa génération. Saxophoniste émérite, il est aussi un
freestyler hors-pair et créateur important
d’une musique urbaine consciente de ses origines et de son rôle politique et social.
Avec des sonorités résolument modernes, des
scansions à l‘accent londonien de banlieues à
couper au couteau, des gimmicks mélodiques
impossibles à chanter, Soweto cultive le gros
son. C‘est surtout un musicien doué qui ne
manque pas d‘écorcher de sa verve auto-dérisoire les banlieues londoniennes qui l‘ont vu
grandir. Respectueux des pères du jazz américain, il évoque l‘esclavage des noirs, l‘esclavage au travail, la dictature de la banlieue, la
cupidité. Son groupe, lyrique et inventif dans le
son, s‘exprime brillamment entre jazz bien
trempé, hip hop décalé et lignes de basses
très groovy.
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LIKE A MOTH
TO THE LIGHT
Cathy Krier, piano
Création musicale de Catherine Kontz
Cathy Krier
Catherine Kontz
Cathy Krier commence ses études de piano à
l’âge de 5 ans au Conservatoire de musique de
Luxembourg. Depuis, de classes de virtuosité à
la Hochschule für Musik und Tanz Köln aux concerts avec des orchestres prestigieux et enregistrements de plusieurs CDs, dont celui consacré
à l’œuvre de Leos Janacek, la pianiste continue
sur sa lancée vers une carrière internationale.
Sa nomination par la Philharmonie pour l’ECHO
dans la catégorie « Rising Stars », survenue alors
qu’elle recevait l’éloge de la presse internationale,
lui permettra d’entamer une tournée dans 20 salles de concert importantes.
Compositeure et musicienne luxembourgeoise,
Catherine Kontz collabore avec des musiciens
et des plasticiens à Londres, où elle a fait ses
études au Goldsmiths College. Elle y a produit et
dirigé un projet de théâtre musical – MiE – pour
8 mimes/acrobates et 39 musiciens. Spectacle
salué par la critique. Récemment elle a présenté son premier opéra NEIGE au Grand Théâtre
de la Ville de Luxembourg. Catherine Kontz est
aussi pianiste, celliste et même chanteuse dans
son groupe pop French For Cartridge.
Touch of noir présente en première la nouvelle
composition écrite par Catherine et interprétée
par Cathy – un duo à découvrir absolument.
« LIKE A MOTH TO THE LIGHT » part du comportement de la mite vis-à-vis de la lumière et le
traduit à travers mouvement, son et lumière le
lépidoptère en une pièce de musique hypnotisante. Le jeu entre la musique et la lumière est
amplifié par le costume de la pianiste, la chorégraphie de ses mouvements et la mise en scène.
COMMISSIONED BY OPDERSCHMELZ /
TOUCH OF NOIR FESTIVAL, LUXEMBOURG, OCTOBER 2014
WRITTEN FOR CATHY KRIER
PROGRAMME :
JOHANN SEBASTIAN BACH : FANTAISIE CHROMATIQUE ET FUGUE EN RÉ MINEUR - BWV 903
GYÖRGY LIGETI : MUSICA RICERCATA (1951-1953)
JEAN-PHILIPPE RAMEAU : NOUVELLES SUITES DE PIÈCES DE CLAVECIN (1726-1727)
CATHERINE KONTZ : LIKE A MOTH TO THE LIGHT… (2014)
LIGHTING DESIGN BY KRISTINA HJELM
COSTUME BY ELLAN PARRY
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JAMES TAYLOR, HAMMOND, B3 ORGAN, KEYBOARDS
MARK COX, GUITAR
ANDY MCKINNEY, BASS
PAT ILLINGWORTH, DRUMS
FESTIVAL PASS 45€
THE JAMES TAYLOR
QUARTET
„James Taylor is a virtuoso on the Hammond
B-3 organ with a gifted ear for arranging. This is
a great band to see live, with Taylor fiercely soloing with one hand while pouring vodka for the
audience with the other.“
All Music Guide
„A raw, joyously propulsive surge of excitement.“
The Times
Le très « british » James Taylor, un vrai fils spirituel de Jimmy Smith et Herbie Hancock, est
considéré comme l‘un des maîtres incontestés
de l‘orgue Hammond B3. Organiste du mythique
groupe garage power-pop anglais « The Prisoners », James Taylor est depuis la fin des 80‘s
l‘un des chefs de file du mouvement Acid Jazz
qu‘il a contribué à créer. Avec sa musique puissante au groove incroyable, il a réussi à réconcilier férus de jazz et aficionados de soul mais il a
aussi anticipé la forme actuelle du house et du
hip hop. Ses relectures magistrales de thèmes
de films policiers du cinéma et de la télévision,
dont e.a. Mission Impossible, Starsky and Hutch,
Dirty Harry, sont souvent supérieures même
aux versions originales. Admirateur inconditionnel de Lalo Schifrin, Quincy Jones et Oliver
Nelson, il est allé jusqu‘à composer des bandes
sonores pour polars imaginaires.
Les disques de ce quartette deviennent rapidement des best-sellers dans l’Angleterre des
années Acid et bien au-delà. Taylor fait partie
de cette génération de claviéristes qui eurent à
cœur de remettre à l’honneur l’orgue hammond,
tombé en désuétude à la fin des sixties lors du
déferlement des synthétiseurs. James Taylor,
gourou de l’orgue Hammond, a un pied bien
ancré dans le nouveau millénaire, et l’autre tout
aussi solidement arrimé à la période pré-1970.
Avec son premier album « Mission Impossible »
en 1987, le Quartet a jeté les bases de ce qui
allait devenir un son emblématique : jazz organique à la sauce funk et nasty groove.
À côté de brillantes réalisations en studio où
James a notamment collaboré avec U2, Tina Turner, Manic Street Preachers, The Pogues et Tom
Jones le Quartet est avant tout réputé et apprécié
pour ses spectacles mémorables. Avec l’orgue
Hammond de James donnant le ton, le groupe se
lance dans des jam-sessions, mélanges de solos
toniques, de rythmes audacieux et de mélodies
canailles. Habitué du Jazz Café London, du Blue
Note Milano et du Ronnie Scott’s, James Taylor
parcourt le circuit des spectacles au RoyaumeUni, en Europe et aux Etats-Unis L’album « James
Taylor Quartet live at the Jazz Café London »,
sorti en février 2008, reflète l‘incroyable énergie
sur scène de l‘ensemble.
Pour sa performance au CCRD opderschmelz,
James Taylor recrée la sonorité crue et le groove
acide du quartette de ses débuts, démontrant
que l’originalité de son style demeure résolument contemporaine.
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ROMAN NOIR POLYCHROME
Les Dessous de la Vierge à l’Enfant
Lecture par les auteurs
Serge Basso de March et Enrico Lunghi
Prenez un inspecteur de police en parfait état de
marche et ses deux collègues du même métal,
un tableau du XVe siècle, une prostituée russe,
quelques cafés, deux directeurs de musée pas
amusés, la pluie et l’automne, quelques nostalgiques du Troisième Reich, une détective privée
qui ne se prive pas, quelques jeux de mots, une
historienne de l’art amoureuse. Placez le tout
au Luxembourg. Remuez sauvagement dans un
grand shaker à polars traditionnels. Laissez
bouillir à écriture douce pendant douze mois,
jusqu’à ébullition. Ajoutez-y quelques pincées
de sang et une histoire d’amour improbable. Par
sécurité, laissez votre femme et quelques amis
corriger les maladresses et votre éditeur éliminer les fautes de frappe. Servez chaud et vous
verrez que la Vierge à l’Enfant n’a pas toujours
des dessous très catholiques.
EN COLLABORATION AVEC LES ÉDITIONS PHI
ET LE THÉÂTRE DU CENTAURE.
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ROY HARGROVE QUINTET
One of the best trumpeters to emerge from the
90s, blending Afro-Cuban rhythms inventively
with neobop.
AllMusic
Le pistolero du piston n’a pas fini de surprendre.
Libération
Trumpeter Roy Hargrove has firmly established
himself as one of his generation‘s premier players in jazz and beyond.
All About Jazz
Trompettiste emblématique du jazz contemporain, apparu dans le sillage de Wynton Marsalis,
Roy Hargrove s’est affirmé très jeune comme
un leader doté d’un fort tempérament et ancré
dans la tradition de son instrument. Aimé des
anciens, admiré par les plus jeunes, il s’exprime
avec une énergie communicative et une fougue
qui le relient à certains de ses plus illustres
prédécesseurs. En 1990, comptant déjà plusieurs séances en sideman à son actif, il signe
« Diamond in the Rough », un premier album où
se mêlent des musiciens de générations différentes. Initialement influencé par Clifford
Brown, son style prolixe est essentiellement
tributaire de Freddie Hubbard mais il affirme,
au fil du temps, une sonorité de blues qui lui appartient en propre.
En 1991, Hargrove partage la scène du Carnegie
Hall avec Sonny Rollins. Parallèlement à sa fréquentation des grandes et des nouvelles gloires
du jazz comme Johnny Griffin, Stanley Turrentine,
Joe Henderson et Joshua Redman, Hargrove
mène un quintet inspiré des petites formations
illustres de l’âge d’or du hard bop. Il s’affirme
comme l’incarnation d’un certain idéal moderne
du trompettiste de jazz. Considéré comme le légataire brillant de la tradition de son instrument,
il figure aux côtés de Ray Brown, Phil Woods, Roy
Haynes, ou encore Michael Brecker et Herbie
Hancock. De notoriété internationale dans les
années 90, il se plonge alors dans des aventures
musicales souvent inattendues, notamment dans
ses collaborations avec le rappeur Common et la
chanteuse Erykah Badu. S’inspirant du renouveau de la musique populaire noire, il a recours
au R&B, au funk et au hip-hop et s’érige en prince
du « groove », sans pour autant éclipser ses talents de trompettiste.
FESTIVAL PASS 45€
© Andrea Boccalini
ROY HARGROVE, TRUMPET
JUSTIN ROBINSON, ALTO SAX
SULLIVAN FORTNER, PIANO
AMEEN SALEEM, BASS
QUINCY PHILLIPS, DRUMS
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DAY 1
Au cours de deux soirées consécutives, le centre culturel régional opderschmelz
va présenter cinq auteurs-chanteurs représentatifs de la scène actuelle
internationale des singers/songwriters. Mettant sur un pied d’égalité musique
et textes, les cinq artistes d’exception ont choisi de présenter leurs chansons
sous une forme épurée et finement ciselée.
SOPHIA
Hinter dem Pseudonym und Bandnamen Sophia
verbirgt sich der spleenige Allroundmusiker
Robin Proper-Sheppard. Neben einer wenig
tröstlichen Lebenseinstellung beinhaltet die
Musik des Wahl-Londoners eine außergewöhnliche Tiefe und Ehrlichkeit, Eigenschaften die ihm
schon mit seiner ersten Band The God Machine
eine treue Anhängerschaft eingebracht hat. Mit
schweren Gitarrenarrangements, tiefgründigdeprimierten Lyrics, einer konsequenten AntiEstablishment-Haltung und mitreißenden Konzerten hatten sich diese Band europaweit einen
Namen gemacht. In Proper-Sheppards neuen
Band Sophia überwiegen die finsteren Gedanken, in seiner Welt ist wenig Raum für Sonnenschein. Seine eigene Musik ist im Vergleich
zu seiner ersten Band jedoch deutlich ruhiger
geworden. Mit regelmäßigen Auftritten und der
zweiten Studioplatte „The Infinite Circle“ (1998)
festigen Sophia ihren Ruf. Das Album „People
are like Seasons“ stößt auf große Aufmerksamkeit. Das fein ausgetüftelte „Technology won‘t
savec us“ erscheint 2006. Das Album“There Are
No Goodbyes“ (2009) gilt als Proper-Sheppard
bisher düsterstes Opus.
SIMONE FELICE
Als Songschreiber, Sänger und Schlagzeuger hatte sich Simone mit seinen Geschwistern Ian und
James schon einen Namen bei den Felice Brothers
gemacht, außerdem verpflichtete ihn Rick Rubin
als Schlagzeuger für die Avett Brothers. Nachdem er 2009 seine Brüder verließ, hat er mit The
Duke & The King zwei Platten veröffentlicht. Dann
erscheint, praktisch zeitgleich mit dem ersten Soloalbum „Simone Felice“, sein Romandebüt „Black
Jesus“. In beiden erzählt der Romanautor und
Songwriter von Stripbars, Sensationsgier, Kriegsopfern, Verliererfiguren, White Trash und trost-
losen, öden Nestern mit klingenden Namen wie
Rome und Cairo. Simone Felice beschäftigt sich
vordringlich mit den Schattenseiten der menschlichen Existenz und bezieht sich auf seine eigenen
Erfahrungen. Doch das Multitalent bleibt Romantiker, mit einem Herz voller Hassliebe für Amerika. Sein zweites Album „Strangers“ ist eine Weiterentwicklung seines intensiven Debüts. Felice
scheint sich mit dem Gedanken angefreundet zu
haben, musikalisch auf eigenen Füßen zu stehen,
jedenfalls klingt er um einiges selbstbewusster.
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DAY 2
SEA AND AIR
Sea and Air das sind Eleni und Daniel Benjamin,
ihres Zeichens deutsch-griechisches Ehepaar und
hervorragende Duettpartner. Mit ihrem Wortspiel
„Sie und Er“, das so spielerisch wie experimentierfreudig daher kommt, spiegeln sie das Wesen
ihrer Musik wieder. Experimentell und eigenwillig,
so könnte man den Stil des liebevoll laborierenden
Paars beschreiben. Traumwandlerisch sicher,
mit dem Willen zur gepflegten Merkwürdigkeit,
mit sanftem Manierismus und doppelbödigem
Dresscode, bringen sie ihre verschrobene Songs
zur Aufführung. Symbiotisch vermischt sich hier
Popmusik der siebziger Jahre mit den unterschiedlichsten musikalischen Einflüssen aus griechischer Folklore bis hin zu den Einflüssen Johann
Sebastian Bachs. Der Titel des 2011 erschienenen
Albums „My Heart´s Sick Chord“ ist ein Wortspiel,
welches auf das Lieblingsinstrument Bachs, das
Cembalo (auf englisch ‘Harpsichord’) hinweist.
Die musikalischen Besonderheiten von SEA + AIR
schätzen auch internationale Künstler wie Sufjan
Stevens, White Stripes, José Gonzalés oder im
Sommer 2010 gar Whitney Houston, die sie als
Support mit auf ihre Tour nahmen. Im vergangenen Oktober startete das sympathische Duo
seine eigene Welttournee. SEA + AIR waren am
29.04.2012 zu Gast bei TV Noir.
ANDY HOUSCHEID
Eine neue Stimme und eine, die es zu entdecken lohnt. Wie auch immer die Erwartungen sein mögen,
Andy Houscheid ist eine starke, künstlerische Persönlichkeit. Er studierte bei den renommierten JazzPianisten Diederik Wissels in Brüssel, Richie Beirach in Leipzig und Klaus Ignatzek in Oldenburg. Mal
bedächtig, mal beschwingt, mit willkommenen Ausflügen in Pop und Rock, aber immer anspruchsvoll,
so kann Andy Houscheid mit einer bestens eingespielten Band beeindrucken. Gemeinsam mit dieser
Band bearbeitet er mit viel Niveau, bemerkenswerten deutschen Texten und großem Facettenreichtum das Thema ‚Leben – Liebe – Freud und Leid’, mit Songs, wie sie das Leben schreibt. Balladeske
Ouvertüren, schmeichelnder Tiefton, entspannte Rhythmik sind nur ein paar der durchaus positiven
Klischees, die man in den gutgesinnten Kommentaren der Presse findet. Wach und beweglich ist dieser
junge Mann, der sein Publikum oft schon mit den ersten Tönen in seinen Bann zieht.
EZIO
EZIO sind Ezio Lunedei und Booga, sie machen ihr Ding. Und ihr
Ding, das sind abwechslungsreiche Songs, mit Blick fürs Detail
komponiert und erarbeitet, dargebracht in einem meisterhaften Spiel und mit einer Präzision, die sich nur durch langjährige
Erfahrung erreichen lässt. Ihre Musik bewegt sich in einem Spektrum zwischen extrem rhythmusbetonten, fast fiebrig treibenden
Latin-Rock-Nummern und filigranen Balladen, hoffnungslos
ehrlich und verträumt lyrisch. Seit Mitte der Neunzigerjahre
haben Ezio zahlreiche Alben veröffentlicht, touren regelmäßig
durch Europa, und sind immer noch ein absoluter Geheimtipp.
Kaum vorstellbar zudem, aber auf dem neuen Album „Adam and
The Snake“ sind die Songs reifer, energiegeladener und besser als
alles, was Ezio Lunedei bislang geschrieben hat. Das Thema ist aber
so durch und durch Ezio-typisch, wie es nur geht. Und es geht um
die schmerzliche Frage, was es bedeutet, ein Mann zu sein – außer
Kontrolle, am eigenen Talent zweifelnd, von Versuchungen und
Profilneurose geplagt, schwach und verletzlich. Keiner beschreibt
diese Gefühle besser als Ezio Lunedei, der weiss wovon er spricht,
und der gewichtige Booga hält ihm dabei in betont cooler Manier
den Bass. Das Publikum auf Konzerten und Festivals in jüngster
Zeit hat die neuen Stücke mit so viel Begeisterung aufgenommen,
dass 2014 ein sehr erfolgreiches Jahr zu werden verspricht.
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SPYRO GYRA
Celebrating 40 Years on Stage
35 Years since Release of Morning Glory!
Depuis quatre décennies, la musique du
légendaire groupe Spyro Gyra se distingue
résolument du reste de la production jazzrock contemporaine. En 2014, Spyro Gyra
fête ses 40 ans d’existence et célèbre en
même temps le 35e anniversaire de l’album
« Morning Glory ».
Spyro Gyra, c’est comme un lieu familier,
un cadre aux repères connus, mais qui évolue au fil du temps, de la vie, de la maturité,
des générations. Ce groupe newyorkais fait
une certaine unanimité auprès des musiciens et des amateurs de jazz. Spyro Gyra
a dépassé les modes, s’en est inspiré, les a
intégrées en douceur, en a été parfois fer de
lance, mais est toujours resté fidèle à son
esthétique de départ, à ses bases. Loin de
l’étiquette musicale, le mot Fusion pourrait
effectivement accrocher à la ligne directrice
de cette entité car tout se mêle dans leur impressionnante discographie qui compte plus
de 30 albums, totalisant près de 10 millions
de disques vendus.
Le tandem Beckenstein / Schuman est toujours au cœur de Spyro Gyra. Cuivres pug
naces, lignes de basse toujours originales,
swing débridé, cocottes de guitares et solos
distordus, synthés aux nappes denses,
improvisations parfois féroces et instantanées, saxs lumineux, sons samba et salsas
complexes, drumming virtuose, et un funk
incroyable ponctuent les spectacles live
impressionnants. Injustement décriés par-
fois pour leur smooth et lounge jazz de leurs
albums des années 90 sur le fameux label
GRP dont ils étaient un des plus beaux fleurons, ils ont pris leur revanche sur scène
avec des performances fulminantes.
Les musiciens de Spyro Gyra ont toujours joué
dans la cour des grands. Plusieurs sidemen
et invités de renommée sont passés dans le
groupe, laissant leur empreinte, mais parfaitement intégrés dans le concept musical
« spyrogyrien » : Dave Samuels, Steve Gadd,
Marcus Miller, Eddie Gomez, Toots Thielemans, Will Lee, Hiram Bullock, Richard Tee,
John Tropea, Tom Scott, Randy Brecker, et
d’autres encore qui ont marqué leur accointance avec le concept d’un groupe qui par sa
persistance, mine de rien, a largement contribué à façonner le paysage musical contemporain. Leur magnifique dernier album « The
Rhinebeck Sessions », un modèle du genre,
unanimement salué par la critique, témoigne
de la jeunesse et de la forte influence de
Spyro Gyra sur la scène internationale.
JAY BECKENSTEIN, SAXOPHONE
SCOTT AMBUSH, BASS
TOM SCHUMAN, KEYBOARDS
JULIO FERNANDEZ, GUITAR
LEE PEARSON, DRUMS
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© Sven Becker
ENFANTS
5€ (+FRAIS/VVK GEBÜHREN)
CAISSE DU JOUR / TAGESKASSE
7€
ADULTES
15€
ÂGE : 2-4
CLASSES : CRÈCHES + PRÉCOCE
DURÉE : 35’
SANS PAROLES / OHNE SPRACHE
VOLO
C’est décidé, aujourd’hui c’est le jour du
grand envol... Mais, qui est ce drôle d’oiseau ? Et que cache-t-il dans ses valises ?
Curieux, deux personnages s’approchent
et se rapprochent. À petits pas, à pas hésitants, « Volo » raconte une rencontre inattendue, une histoire où les différences se
transforment en complicité.
« Volo » (italien : « un vol » ou « je vole ») parle
de nos rêves et de nos envies comme destinations idéales vers lesquelles s’envoler. VOLO
ouvre aussi la porte à l’inconnu et à l’imprévu,
aux possibles déviations de parcours.
L’actrice Luisa Bevilacqua et le saxophoniste Maxime Bender se découvrent et se
confrontent dans un univers marqué par une
belle improvisation musicale.
IDÉE : LUISA BEVILACQUA
CO-CONCEPTION : LUISA BEVILACQUA
ET DAN TANSON
MISE EN SCÈNE : DAN TANSON
MUSIQUE : MAXIME BENDER
COSTUMES : NATERCIA REBELO
SCÉNOGRAPHIE ET MARIONNETTES :
CARMEN VAN NYVELSEEL
CRÉATION LUMIÈRE : NICO TREMBLAY
INTERPRÈTES : LUISA BEVILACQUA,
MAXIME BENDER
Es ist soweit: Heute beginnt die große Reise!
Aber wer ist dieser schräge Vogel? Und was
versteckt er nur in seiner Tasche? Zwei neugierige Figuren treffen aufeinander und kommen sich näher, vorsichtig, sehr vorsichtig.
„Volo“ erzählt die Geschichte einer unerwarteten Begegnung bei der aus Unterschieden eine Partnerschaft wächst.
„Volo“ (auf Italienisch: „ein Flug“ oder „ich
fliege“) erzählt von unseren Träumen als
idealen Bestimmungsorten und legt dabei
den Schwerpunkt auf das Unvorhersehbare
und die möglichen Abweichungen vom vorgezeichneten Weg.
PRODUCTION ET DIFFUSION :
TRAFFO_CARRÉROTONDES
CRÉATION NOVEMBRE 2013
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TRIBUTE TO THE BEATLES
Magical Mystery Night
Avec le projet « Tribute to the Beatles » la
gloire des quatre garçons dans le vent, loin
d’être ternie, se trouve redorée. Après plus
de cinquante ans, tout le monde fredonne
encore les mélodies impérissables des
Beatles. L’atmosphère magique et la remarquable diversité de l’œuvre des « Fab Four »
sont recréées dans un hommage richement
orchestré. Les instruments désormais traditionnels de la musique pop de l’époque et
les voix se trouvent littéralement remparés
par les cordes et les cuivres, pour emmener
les auditeurs sur un voyage fabuleux à travers l’univers des Beatles, les invitant à réapprécier les classiques bien connus sous
une autre forme, ou encore à découvrir des
bijoux moins connus et des morceaux plus
expérimentaux.
Le titre du spectacle se réfère à la magnifique « Magical Mystery Tour » en 1968, au
cours de laquelle les Beatles présentaient
un côté inattendu, spirituel, rêveur et fantaisiste, de leur musique, largement influencée par l’Inde et tout ce qu’elle représentait, dans le plus pur style façon Sergeant
Pepper de leur mythique album. C’est à une
véritable fête des sons et des couleurs, une
célébration de la période la plus créative de
John, Paul, George et Ringo, que convie ce
projet définitivement magique.
www.tribute-to-the-beatles.lu
ERIC MAAS, VOCALS
ELOÏSE MAAS-HARTHEISER, VOCALS
REBECCA MAAS, VOCALS
JEAN-JACQUES WATHGEN, GUITARS
ADY ZEIMET, GUITARS
RAYMOND LINDEN, GUITARS
CLAUDE SCHAUS, PIANO & KEYBOARDS
JÖRG VOCK, BASS
RICO WINANDY, PERCUSSIONS
NICO WEGÉ, DRUMS
JUDITH MAGYARICS, VIOLIN
ELISABETH ZASMAN, VIOLIN
ALBAN BIRCH, VIOLA, BARITONE SAXOPHONE
TOM FELTGEN, VIOLONCELLO
SEBASTIAN FLACH, DOUBLE BASS
MAÏTÉ LOUIS, FLUTE
TOM SCHELLER, TRUMPET
MARC SCHELLER, TROMBONE
PAUL KLEIN, TENOR SAXOPHONE
© J.M. «Lupo» Ludowicy - lupo.lu
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TOMASZ STANKO, TRUMPET
DAVID VIRELLES, PIANO
THOMAS MORGAN, BASS
GERALD CLEAVER, DRUMS
TOMASZ STANKO
NEW YORK 4TET
Wisława is a dream-ticket jazzmeeting
between a cutting-edge European legend,
and an equally honed triumvirate of pioneering New York-based youth.
The Guardian
Stanko
’ may well have put together the best
group of his career with his New York Quartet.
All About Jazz
Virelles, Cleaver and Morgan create a wonderfully mystical atmosphere in which Stanko’s playing emerges as a wandering, soulful voice calling out in the haze.
Huffington Post
Tomasz Stanko qui a su résister à l’influence
américaine en imposant un autre langage,
mérite pleinement sa réputation de figure de
proue du jazz européen. Dès les années 60,
dans le quintette de son mentor Krzysztof
Komeda, il développait des idiomes d’un lyrisme patent, mêlant le spleen de la musique
populaire de son pays à des structures plus
libres, influencées par Ornette Coleman,
Albert Ayler et Charles Mingus. Au fil des
années, Stanko a structuré sa musique dans
un constant effort de communication avec son
public, avec un sens inné de l’essentiel. Il est
un des musiciens les plus importants à avoir
émergé en Pologne. Une rencontre déterminante marque son orientation esthétique :
il est engagé en 1963 par le pianiste et compo-
siteur Krzysztof Komeda, musicien-fétiche de
Roman Polanski, avec lequel il expérimente
les formes ouvertes éloignées de la structure
traditionnelle des standards. La carrière de
Tomasz Stanko prend une véritable dimension
internationale avec la fin du Rideau de fer.
Stanko partage maintenant son temps
entre les villes de Varsovie et New York,
cette dernière est même devenue une base
stimulante pour écrire et développer des
projets musicaux, et aussi rencontrer des
musiciens, pratiquer avec eux, monter un
nouveau groupe, enregistrer un disque et
partir avec eux en tournée. « Wislawa », le
double CD du Quartet permet de découvrir
le répertoire du groupe inspiré par l’œuvre
de Wislawa Symborska, prix Nobel de poésie. Le résultat est magnifique: à un Stanko
inspiré à la sonorité plus lyrique que jamais,
répondent un couple rythmique totalement
soudé et complémentaire et un pianiste
super réactif, à la latinité non dissimulée,
laissant entrevoir des racines africaines.
À 71 ans, Tomasz Stanko fait retentir sa
trompette, grave, poétique, d’une folle intensité, avec l’assurance d’un somnambule.
Avec une déconcertante facilité, il passe
d’une sonorité mélancolique et contemplative à un phrasé dramatique et expressif.
À l’instar de son collègue italien Enrico
Rava, Stanko est devenu l’un des plus importants catalyseurs de la scène jazz.
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PHILHARMONIA
L’orchestre Philharmonia, fondé en 2009,
est composé d’environ 90 musiciens, amateurs confirmés ainsi que quelques professionnels. Il se produit régulièrement dans
toutes les grandes salles au Grand-Duché
et donne, de temps à autre, des concerts à
l’étranger.
L’orchestre a aussi une vocation pédagogique en offrant à de jeunes talents la possibilité de se produire en soliste avec un
orchestre symphonique.
Pour ce concert, Philharmonia présente son
premier violoncelliste Olivier Lefèvre, jeune
talent luxembourgeois désormais confirmé.
Olivier Lefèvre studierte Cello und Kammermusik am Conservatoire de la Ville de
Luxemburg mit dem Diplôme Supérieur in
Cello, Diplôme Supérieur in Kammermusik
sowie dem Diplôme de concert in Kammermusik. In der Masterclass arbeitete er mit
Desmond Hoebig (1. Cellist des Cleveland
Orchestra).
Zur Zeit ist Olivier Lefèvre 1. Cellist bei „
Luxembourg Philharmonia“ und 1. Cellist der
„Mosel Mozart Musiker“, sowie Cellist bei
„Estro Armonico“ und „Traumkapitän“ Olivier
Lefèvre ist ausserdem Kursusleiter am
Musikausbildungszentrum House of Music
am Wissenschaftspark Petrisberg in Trier.
ROBERT SCHUMANN (1810 -1856) :
CONCERT POUR VIOLONCELLE ET ORCHESTRE OP.129 (1850)
JOHANNES BRAHMS (1833-1897) : SYMPHONIE N.4 OP.98 (1884-1885)
LEITUNG: MARTIN ELMQUIST
SOLIST: OLIVIER LEFÈVRE
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© Miguel Elizalde
ALFREDO RODRIGUEZ, PIANO
REINIER ELIZARDE RUANO, BASS
BORJA BARRUETA, DRUMS
ALFREDO RODRIGUEZ TRIO
The Invasion Parade
“One of the most prolific and gifted jazz pianists
of the 21st century.”
Quincy Jones
The astonishing 28-year-old Cuban-born piano virtuoso Alfredo Rodriguez, discovered and
mentored by Quincy Jones, has drawn comparisons to such pinnacles of jazz pianism as Art
Tatum, Bill Evans, and Keith Jarrett.
Boston Globe
Repéré par Chick Corea et Wayne Shorter,
le jeune Alfredo Rodriguez a été découvert
au festival de Montreux par Quincy Jones
en personne. Depuis, Alfredo est devenu le
protégé du légendaire compositeur et producteur. En tant que mentor et ami, Quincy
a produit « Sounds of Space », le premier
album d’Alfredo Rodriguez. Le prodigieux
jeune pianiste cubain est une future grande étoile du jazz mondial. Evoquant souvent
le génie de Keith Jarrett, Thelonius Monk
et Art Tatum, Rodriguez fait preuve d’une
technique infaillible, d’une virtuosité confondante et d’une inventivité de tout instant.
Ses performances lumineuses se distinguent par une explosion de rythmes, des cascades de notes déferlantes, mais aussi par
l’élégance de son toucher, l’intensité de son
jeu et ses compositions ciselées.
Dans son nouvel album « The Invasion Parade », Alfredo Rodriguez explore ses souvenirs de Cuba, son peuple et sa culture.
Il bénéficie de la patte du légendaire Quincy
Jones, coproducteur de l‘album, qui a invité
des musiciens d’exception. « J’ai recherché
dans la musique cubaine des styles et des
rythmes différents », explique Rodriguez,
« j’ai voulu retrouver les racines de notre
musique, si diverse, et y ajouter ma touche personnelle. L’invasion que j’évoque
dans « The Invasion Parade » est pacifique,
C’est la fête traditionnelle qui commémore
chaque année à Santiago de Cuba la fin de la
Guerre d’Indépendance. Chacun envahit la
rue et participe à cette parade en dansant,
en jouant de tous les instruments possibles
et imaginables. J’ai aussi voulu ajouter une
note particulière en intégrant aux différentes musiques cubaines des sonorités venues d’ailleurs. Avec ce disque, je vous invite
tous à une célébration. »
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BLUES NIGHT
The Brew - The Kid Colling Cartel - Layla Zoe
THE BREW
Die britische Bluesrock-Band mit generationsübergreifender Besetzung spielt sich mit nicht
abreissendem Erfolg durch die internationale Musikwelt. Im Jahr 2006 veröffentlichten The Brew ihr
gleichnamiges Debütalbum. Mit diesem und ihrem
zweiten Album „The Joker“ (2008) machten sie sich
europaweit einen Namen in der Szene. Die unbändige Live-Energie des Power-Trios aus der kleinen
englischen Hafenstadt Grimsby gründet sich auf
einen modernen Sound, in dem der typisch englische Retro-Charme, den THE BREW auszeichnet,
intakt bleibt. Man hat das Gefühl, in die Anfänge des
70er Rocks zurückkatapultiert zu werden, in die Zeiten als Bands wie The Who oder Led Zeppelin als
unumstrittene Könige des Rock ihre Fans in der
ganzen Welt bewegten.
THE BREW gehören zu den „mitreißendsten LiveActs der Gegenwart“ (Rocks Magazin), und sie sind
durchaus Kinder unserer Zeit. Die Vergangenheit
stellt für die zeitgemäße, moderne Band, die zu
ihren Roots steht, zwar eine wichtige Inspiration,
aber auch der Einfluss zeitgenössischer Acts wie
The Black Keys, Rage Against The Machine, Kasabian oder auch Kula Shaker, ist unüberhörbar. Auf
der Herbsttour 2014 werden THE BREW ihr neues
Album „Control“, ein zeitgemässes und druckvolles Album, live vorstellen und auch bekannte Klassiker ihrer vorigen Alben spielen.
TIM SMITH, VOCALS, BASS
JASON BARWICK, GUITARS
KURTIS SMITH, DRUMS
© Jean-Claude Empain
KID COLLING, VOCALS & GUITARS
ERNEST FOY, KEYS
GREGORY NOVOPEREZ, BASS
YANNICK BALLMAN, PERCUSSION
THE KID COLLING CARTEL
Stephan Colling, alias Kid Colling, est un chanteur, auteur, compositeur, arrangeur et guitariste luxembourgeois. Dès ses premiers pas,
il est fasciné par les sons du mississippi blues
et le rythme des big bands. En marge de ses
études, il est constamment à la recherche de
collaborations et de projets pour élargir son
univers musical. Après avoir chanté avec Marly
Marques dans son premier groupe de rhythm
& blues, Kid Colling travaille comme guitariste
en compagnie de l’harmoniciste Dave White et
pour différentes autres formations.
En 2012, le musicien fonde le The Kid Colling
Cartel. Son groupe de « modern blues » joue en
grande partie des compositions personnelles
tout en s’ouvrant à d’autres genres musicaux,
notamment le jazz, le rock, le funk et pop – sans
jamais renier ses racines. Entre morceaux rythmés et chansons plus apaisées, les cinq titres
de son premier EP révèlent une voix et le talent
appréciable du jeune artiste. Le jeu de guitare de
Kid Colling est pointu et d’une grande diversité.
Le blues de Kid Colling, influencé notamment par
BB King, Lucky Peterson et Larry Carlton est tout
à fait contemporain, chaleureux et énergique.
LAYLA ZOE
das Album „Sleep Little Girl“, das sowohl in
der europäischen wie auch in der kanadischen
Bluesszene eine sehr positive Resonanz hatte.
Es folgte am 30. August 2013 die Veröffentlichung des zweiten gemeinsamen Albums von
Zoe und Freischlader mit dem Titel „The Lily“
auf „Cable Car Records“, das rundum ausgezeichnete Kritiken bekam.
© Jacques Clerin
Die außergewöhnliche und charismatische
Sängerin wurde in Kanada geboren und lebt
heute in Europa. Mit ihrer außergewöhnlichen
Persönlichkeit, einem beachtlichen Stimmvolumen, viel Charme und Ausstrahlung präsentiert sich hier eine Sängerin so intim, ehrlich
und verletzlich wie selten eine andere Künstlerin. Layla verfügt ebenfalls über EntertainerQualitäten. Das Publikum mag ihre persönlichen Anekdoten zu ihren Songs, während ihr
attraktiver Mix aus Blues, Bluesrock, Soul und
Funk äusserst anregend, ja aufregend wirkt.
Layla’s Talent blieb nicht lange unentdeckt,
und so bekam sie bald Engagements an vielen namhaften Bluesfestivals in Kanada, den
USA und später auch in Europa, wo Layla den
deutschen Shootingstar des Blues Henrik
Freischlader kennenlernte. Es folgte eine
Zusammenarbeit der beiden Bluesprotagonisten, die bis heute ihre Früchte trägt: nach
bereits fünf in Kanada veröffentlichten Alben
unterschrieb Layla bei Freischlader’s Cable Car
Records und veröffentlichte im November 2011
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LAYLA ZOE, VOCALS
JAN LAACKS, GUITARS
HARDY FISCHÖTTER, DRUMS
GREGOR SONNENBERG, BASS
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AVEC DENIS JOUSSELIN
MISE EN SCÈNE: SOPHIE LANGEVIN
SCÉNOGRAPHIE: FRANÇOIS DICKES
CRÉATION SONORE: ANDRÉ DZIEZUK
CRÉATION LUMIÈRES: DAVID DEBRINAY
RÉGIE: FABRIZIO LEVA
PRODUCTION: MARJA-LEENA JUNKER
LA NUIT JUSTE
AVANT LES FORÊTS
de Bernard-Marie Koltès (1977)
Un homme parle. Il fait nuit, il pleut, il est dans
la rue. Quelqu’un croise sa route et provoque
sa parole. Il dit ses désirs, ses errances, sa
vie de zones ou se croisent putes et loubards,
écorchés de la vie et loulous trop fragiles. Le
désir de la rencontre et du partage va le faire
parler une heure et quinze minutes.
Vingt ans que B.M Koltès est mort et pourtant
son théâtre basé sur une recherche permanente de la communication entre les hommes
résonne sans aucune mesure dans la tragédie
de l’être du xxème siècle.
« La nuit juste avant les forêts » est une magnifique prise de parole intime et organique
d’un homme à la dérive.
Bernard-Marie Koltès est né dans une famille
bourgeoise de Metz. Dès sa jeunesse il est
ancré dans la révolte (à l’image de celle de
Jean Genet). Il voit, à l’âge de vingt ans, Maria Casarès dans Médée. Il rencontre Hubert
Gignoux, alors directeur du TNS Théâtre
national de Strasbourg, qui lui propose d’intégrer l’école du TNS ; il y entre en section
scénographie, puis y réalise une dizaine de
mises en scène. Il commence alors à écrire
pour le théâtre. En 1970, il monte sa propre
troupe de théâtre, le « Théâtre du Quai » et
écrit « L’Héritage » que Maria Casarès lit pour
la radio. Entre un passage au Parti communiste français (1974-1978), de nombreux
voyages en Amérique latine, en Afrique et à
New York, Koltès écrit de nombreuses pièces
comme, le long monologue écrit pour Yves
Ferry « La Nuit juste avant les forêts », qui est
montée en off au Festival d’Avignon en 1977.
Son théâtre, en rupture avec la génération
précédente du théâtre de l’absurde, est une
recherche permanente sur la communication entre les hommes. Au début des années
1980, il rencontre Patrice Chéreau qui devient
son metteur en scène. Il crée au Théâtre des
Amandiers de Nanterre « Combat de nègre et
de chiens », « Quai Ouest » en 1986, puis trois
versions de « Dans la solitude des champs »
de coton. Chéreau créera encore « Le Retour
au désert », en 1988, peu avant la disparition
de Koltès.
UNE PRODUCTION DU THÉÂTRE
DU CENTAURE DE LUXEMBOURG
AVEC LE SOUTIEN DE LA VILLE DE LUXEMBOURG,
DU MINISTÈRE DE LA CULTURE ET DU FONDS
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WENIG SPRACHE (MIX VON FR/DE)
DAUER 45 MIN.
ALTER 6-99 JAHREN
WILHELM B.
Musiktheater für Kinder und Erwachsene
von La Compagnie du Grand Boube (L)
Die Geschichte beginnt in einem kleinen, zeitlosen Dorf. Balduin ist Musiker und mag die einfachen Dinge im Leben. Onkel Fritz, sein alter
Waffenbruder und Nachbar, genießt seine Zeit
alleine zu Hause. Die beiden Männer müssen
sich mit Alltagsproblemen herumärgern: Die
unzufriedene Ehefrau, die Fliege die beim Lesen
stört oder der knurrende Magen wenn nichts
zu Essen im Haus ist. Und dann wäre da noch
Fipps, der durchtriebene Affe des Lehrers. Das
stattliche Männchen kann nicht nur auf Französisch parlieren, sondern hat auch noch eine erfolgreiche Frisörlehre hinter sich. Als Fipps die
beiden, Onkel Fritz und Balduin, austrickst um
an eine halbe Banane zu kommen, gibt es Ärger.
Die beiden Männer – vom Futterneid getrieben –
versuchen mit unterschiedlichen Taktiken, dem
(allzu) schlauen Affen eine Falle zu stellen. Ob
das wohl gut geht?
REGIE: CAROLE LORANG
DRAMATURGIE, ANPASSUNG: MANI MULLER
MUSIKALISCHE KOMPOSITION UND KLAVIER: FRANZ KLEE
BÜHNENBILD UND KOSTÜME: PEGGY WURTH
SPIEL: PITT SIMON, FRANZ KLEE, JEANNE WERNER
LICHT: NICO TREMBLAY
Dans un village hors du temps, tranquille et sans
histoire, se croisent Balduin, un poète en herbe,
qui aime le calme et les choses simples de la vie,
et l’oncle Fritz, son voisin, un homme marié resté
seul à la maison, pendant que sa femme est partie
en voyage. Les deux hommes sont aux prises avec
les petites difficultés du quotidien: une mouche
agaçante qui fait du bruit quand on veut lire un
livre, un creux à l’estomac quand on n’a pas d’encas sous la main… C’est alors que surgit Fipps, le
singe de monsieur l’instituteur. C’est un singe très
spécial, car l’instituteur, qui connaît sans doute
très bien son métier, a réussi à lui apprendre à
parler. Or, non seulement le singe parlant parle
un peu fort et dérange l’oncle Fritz, qui veut lire
en silence, mais l’animal arrive, par la ruse,
à subtiliser à Balduin la banane qu’il était en train
de déguster. La guerre est déclarée! Tandis que
le singe - coiffeur de métier - s’occupe consciencieusement de sa clientèle, les deux hommes imaginent une stratégie pour l’attraper et le punir…
PRODUKTION: COMPAGNIE DU GRAND BOUBE
KOPRODUKTION: TRAFFO_CARRÉROTONDES,
KULTURHAUS NIEDERANVEN,
MIT DER UNTERSTÜTZUNG DES KULTURMINISTERIUMS
DIFFUSION: TRAFFO_CARRÉROTONDES
Wilhelm Busch
Wilhelm Busch schuf 1865 die sprichwörtlich
gewordenen Figuren Max und Moritz in einer
Umwelt, die von Vertretern der bürgerlichen
Gesellschaft repräsentiert wurde. Busch gibt
nicht nur die Moral, dass das Vollführen von
Streichen mitunter böse, gar tödlich enden kann,
er zeigt mit ironischem Blick auch einen Spiegel
seiner Gesellschaft.
In der einfachen und pointiert gereimten Form
hat diese Geschichte bis heute einen hohen Unterhaltungswert. Und Streiche spielen wird nicht
aussterben, solange es Kinder gibt. Die Compagnie du Grand Boube sieht in Busch einen Vorläufer
für kulturelle Phänomene wie den Dadaïsmus, das
absurde Theater und kunstvolle Comic-Bücher.
ENFANTS
7€
ADULTES
15€
Écrivain, poète humoristique et dessinateur
allemand, Wilhelm Busch est né le 15 avril 1832
à Wiedensahl (D) et mort à Mechtshausen (D) le 9
janvier 1908.
En tant qu‘auteur d‘histoires dessinées (Bildergeschichten) - notamment celle, très populaire
à l‘époque, de deux petits filous qui mettent tout
un village sens dessus dessous (Max und Moritz,
1865) - il est légitimement considéré comme l‘un
des précurseurs de la bande dessinée.
Son univers, à la fois quotidien et décalé, où le
trait humoristique, la caricature grotesque l‘emportent le plus souvent sur la morale petite-bourgeoise, dont Busch s‘amuse d‘ailleurs à dépeindre
les conséquences avec complaisance seulement
pour s‘en moquer avec d‘autant plus de jubilation,
préfigure la désillusion des mouvements artistiques d‘après 1918, notamment le dadaïsme.
© Mani Muller
„Man hat den Autor für einen Bücherwurm und
Absonderling gehalten. Das erste mit Unrecht.“
So urteilt Wilhelm Busch über Wilhelm Busch.
Zwar las er gern die großen Dichter, die Bibel, den
Homer; Gegenstand seiner eignen Dichtung war
jedoch immer das Leben. In den Dörfern seiner
Schulzeit erlebt er die Menschen mit ihrer Moral
und ihren Macken.
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Centre d’art Nei Liicht
Rue Dominique Lang
Ouvert du mercredi au
dimanche de 15H00 à 19H00
Visites guidées sur demande
Laurianne Bixhain
BATHING BY ELECTRIC LIGHT
20.09.2014 - 23.10.2014
Vernissage : samedi 20 septembre
à partir de 11H30
Dominique Cerf
QUAND JE M’APPELLE,
ÇA SONNE OCCUPÉ !
08.11.2014 - 20.12.2014
Vernissage : samedi 08 novembre
à partir de 11H30
Marco Godinho
L’ABÎME DE CHRONOS
24.01.2015 - 28.02.2015
Vernissage : samedi 24 janvier
à partir de 11H30
Centre d’art Dominique Lang
Gare centre - Ville
Ouvert du mercredi au dimanche
de 15H00 à 19H00
Visites guidées sur demande
Marcin Sobolev
LES PIEDS DANS LA BOUE...
20.09.2014 - 23.10.2014
Vernissage : samedi 20 septembre
à partir de 11H30
Armand Strainchamps
RECENT WORKS
13.11.2014 - 20.12.2014
Vernissage : jeudi 13 novembre
à partir de 18H00
Keong -A Song
SAUVAGE
24.01.2015 - 21.02.2015
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Vernissage : samedi 24 janvier
à partir de 11H30
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opderschmelz CCRD
1a, rue du Centenaire, réception,
tous les jours de 09h00 à 21h00
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culturel de rencontre Abbaye de
Neumünster), Marnach (Cube 521)
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Palais, ’Coque’, Funbringer Ticket
Service), Wickrange (Asport)
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selon les points de vente.
Pas de taxe de prévente
à opderschmelz CCRD
et à la caisse communale
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de modification
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Voiture
Bus
Depuis Luxembourg-Ville, Arlon ou Trèves
A3 dir. Metz
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au centre suivre les panneaux «France» ou
CCR opderschmelz/CNA
Depuis Thionville ou Metz
A3 dir. Luxembourg, sortie Volmerange
continuer jusqu’à Dudelange
route de Volmerange – suivre panneaux
CCR opderschmelz/CNA
CENTRE D’ART
DOMINIQUE LANG
Ligne 9, arrêt Schnautzelach
Train
Ligne Bettembourg-Dudelange
station «Dudelange centre» et suivre la route
de Thionville à droite sur 200m
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70, rue de la libération
AUTOROUTE A3
CENTRE D’ART
NEI LIICHT
HÔTEL DE VILLE
ET PLACE DE L’HÔTEL DE VILLE
PLACE FOHRMANN
GARE
DUDELANGE VILLE
3
ACIERIE
2
1
BETTEMBOURG
ESCH VIA COLLECTRICE
ARRÊT DUDELANGE
CENTRE
parkings à proximité :
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(place en nombre limité)
2
parking supermarché Match
3
parking place Jean Fohrmann à 300m - 3min
4
parking Park and Ride (skate park) à 800m - 8 min
4
PARKING
PARK&RIDE (SKATEPARK)
GARE DUDELANGE
USINES
CENTRE DE DOCUMENTATION
SUR LES MIGRATIONS HUMAINES
FRANCE
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opderschmelz
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F. + 352 51 61 21 291
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Renseignement billeterie
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1a, rue du centenaire, L-3475 Dudelange
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Partenaires locaux
Brasserie amarcord : +352 26 51 23 18
Restaurant Kathmandu : +352 51 64 09
Restaurant Parc Le’h : +352 518990
Hotel-Restaurant Cottage : +352 52 05 91
www.cottage-hotel.lu
Hotel-Restaurant mille 9 sens : +352 512849
www.mille9sens.lu
centre de documentation
sur les migrations humaines
Application disponible en téléchargement
gratuit sur l’App Store.
opderschmelz
Centres d’art de Dudelange
opderschmelz remercie pour leur soutien:
CCRD opderschmelz est membre du RÉSEAU LUXEMBOURGEOIS
DES CENTRES CULTURELS RÉGIONAUX DÉCENTRALISÉS A.s.B.L.
Conception et layout
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www.bunkerpalace.com
Like A Jazz Machine
Visual - layout : bunkerpalace.com
Op
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DE
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septembre decembre

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