gertrud koch - Art contemporain en Languedoc

On a souvent fait remarquer le lien existant entre la
préférence donnée au moment en photographie et sa fixation
finale dans l’image. Cette transaction temporelle engendre la
mélancolie qui, dans le souvenir du passé, semble rompre avec
le présent et l’avenir pour demeurer dans un espace
temporairement irréel, celui du passé remémoré.
Attention has been frequently paid to the link between the
primacy of the moment in photography and its ultimate capturing
in the image. In this temporal transaction, melancholy is born. As a
moment of remembrance, it breaks away from the present and the
future to linger in a temporally unreal space: an envisioned past.
gertrud koch
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françoise cohen
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VERA LUTTER ET UNE VISION CLAIRE
VERA LUTTER AND A CLEAR VISION
L’utilisation de la technique de la camera obscura transposée à l’échelle de
l’architecture par Vera Lutter apparaît comme la mise en place d’un simple
système de transfert du réel.
Linger On est la première pièce visible dans l’exposition de Vera Lutter à
Carré d’art à Nîmes. Cette photographie d’un zeppelin, placée transversalement
dans l’espace d’une salle, est reportée sur un plan de plexiglas translucide. La
photographie originale utilisée pour l’installation a été réalisée en 1999 et apparaît
comme l’image intemporelle d’un hangar dans lequel le gros volume primitif du
zeppelin est suspendu comme dans un mouvement arrêté. Il est rare que Vera Lutter
donne des titres individuels à ses pièces autres que celui du site photographié. Linger
On fait écho au moyen de transport archaïque, à sa lenteur. Ce qui est frappant
dans la façon dont Lutter choisit de présenter l’image choisie est justement que
cette image si simple n’est pas claire. Utilisant une de ses images de grand format
(voir p. 112) Lutter a modifié numériquement l’image et l’a tirée sur plexiglas.
Elle est marquée de transparences, d’effets translucides qui transforment, voire
allègent la nature même de ce qui est représenté, vidant la réalité de son poids. À
l’époque où l’un des usages primaires de l’image photographique est de frapper
et de mobiliser l’émotion, Vera Lutter travaille sur l’apparition.
Atelier de Vera Lutter, 2012 /
Lutter’s studio, 2012
Vera Lutter’s use of the camera obscura on an architectural scale can be understood
as putting in place a simple system for the transfer of the real.
Linger On is the first piece seen by visitors to Lutter’s exhibition at Carré d’Art
in Nîmes. This photograph of a zeppelin, seen from across the room, has been
transferred onto a semitranslucent piece of Plexiglas. The original photograph
used for this installation was taken in 1999, and it comes across as a timeless image
of a hangar in which the giant, primal form of the zeppelin is suspended in frozen
movement. It is unusual for Lutter to give one of her works a title more specific
than the name of the site in which she photographed. Linger On evokes an archaic
means of transport, its slowness. What is striking about the way in which Lutter
shaped this work is that this very simple image is not clear. Derived from one of
her original large photographs (see p. 112), Lutter digitally altered the image and
then printed it on Plexiglas. It is marked by transparent spots and semitranslucent
effects that transform or even lighten the very nature of what is represented,
thereby emptying the reality of its weight. In an age when one of the primary uses
of the photographic image is to hit hard and trigger emotion, Lutter works on the
nature of appearance.
The exhibition takes the form of a retrospective built around major series
of works or approaches that have structured Lutter’s art ever since she began her
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L’exposition se présente comme une rétrospective bâtie autour des grands
ensembles ou des approches qui ont construit le parcours de Vera Lutter depuis
le début de sa carrière : les environnements industriels et urbains, les sites
monumentaux et historiques, ici une salle entière est consacrée à Venise, et au
cœur de l’exposition, les photographies de l’usine fermée de Pepsi Cola à Long
Island et les photographies de son atelier. En celles-ci, l’espace s’établit en abîme
et fait retour à l’intérieur de lui-même par l’insertion de photographies déjà
réalisées dans le site même de leur enregistrement ou par l’utilisation de miroirs.
Ces derniers tirages, réalisés entre 2000 et 2005, représentent la limite conceptuelle
au-delà de laquelle Vera Lutter a choisi de ne pas aller. Elles signifient que le cœur
de l’image n’est pas le réel mais le système de représentation, ou plutôt le reflet
abstrait qu’elle en crée.
Linger On, 2008
career in 1996: industrial and urban environments, historic monuments and sites,
Venice (a whole room of the show is dedicated to this), and, at the heart of the
exhibition, photographs of the closed Pepsi Cola factory on Long Island and of
her studio. Here, space asserts itself reflexively, doubling back on itself through
the rephotographing and mirroring of photographs already taken on the very
site where they are now, once again, recorded. These recent prints, made from
2000 to 2005, represent the conceptual limit beyond which Lutter has chosen not
to go. They signify that the heart of the image is not the real but the system of
representation, or rather, the abstract reflection of it that she creates.
The titles of the photographs cite the time needed to take them, which can
be as much as one or two weeks, or even longer. We realize that everything that
happened over that period was recorded. Lutter thus effects a compression of
the real in which, especially in the abandoned Pepsi Cola factory, we can perceive a
“judgment of time”: the anticipated ruin of mankind’s most heroic realizations. It
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Les titres des photographies incluent le temps nécessaire à la prise de vue,
parfois une ou deux semaines, ou plus. On comprend donc que tout ce qui s’est
passé dans l’espace durant cette période est enregistré. Vera Lutter opère ainsi
une compression du réel où se lit, particulièrement dans le site désaffecté de
l’usine Pepsi Cola, le « jugement du temps » : la ruine anticipée des réalisations
les plus héroïques de la société humaine. Il est dit que la camera obscura a inspiré
les images les plus claires de la peinture, la peinture hollandaise du siècle d’or.
Quatre siècles plus tard, le même procédé porté par la nécessité d’impressionner
le papier photo pendant un temps suffisamment long fait émerger un univers de
vapeurs et de faux semblants.
Vera Lutter s’est particulièrement attachée aux paysages actifs où se lisent la
concentration de la puissance économique, à l’aune de la vue de New York visible
de son premier atelier, mais aussi les sites industriels, ports, aéroports où tout est
en mouvement, à l’opposé de sa photo. Elle les a presque sculptés, creusés par la
superposition des enregistrements dans le temps de la prise de vue.
One Day est la première pièce vidéo de l’artiste. Pendant vingt-quatre heures,
l’artiste a dirigé la caméra en plan fixe vers un coin de champ paisible bordé
d’arbres. La lumière change selon le rythme d’une journée et d’une nuit d’été
et pendant de longues heures, le spectacle est infime. Hors cadre, le chant des
oiseaux, mais aussi les bruits périphériques de la ville animent ce déroulement. Cette
vidéo joue de la continuité et de l’ellipse. Continuité effective du tournage, suite
mentale et déductive pour le visiteur. La première des deux salles dédiées à l‘œuvre
dans l‘exposition présente les huit premières heures du jour, alors que la dernière
is said that the camera obscura served as the means for creating some of the most
precise images in painting, the works of the Dutch Golden Age. Four centuries later,
the very same procedure, driven by the need for long periods of time to imprint
images on photographic paper, brings forth a universe of vapors and deceptive
appearances.
Lutter has been particularly interested in active landscapes in which we can
perceive a concentration of economic power, as in the views of New York from her
first studio, but also in the industrial sites, ports, and airports where, in contrast
with her photographs, everything is in motion: she almost sculpts her images
through the superimposition of successive impressions within the exposure time.
One Day is the artist’s first video piece. For twenty-four hours she kept her
camera trained on the corner of a peaceful, tree-edged field. The light changed
slowly over the course of this summer day and night, and for many of these hours,
the spectacle before us is barely perceptible. Outside the frame, birdsong and
the peripheral noises of the city enliven this unfolding. The video plays with the
idea of continuity and the concept of an ellipse. There is the effective continuity
of the filming, forming a mental and deductive sequence for the visitor. The first
of the two rooms dedicated to the work in the exhibition presents the first eight
hours of the day, while the second presents the last eight. Visitors can thus only
partially view the work, depending on how much time they wish to dedicate to it.
Every day, eight hours of the video will always be missing: they exist, but will never
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