Untitled - Bard College

Transcription

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The LUMA Foundation was established in 2004 to support the activities of independent artists and pioneers, as well as institutions working in the fields of art and
photography, publishing, documentary, and multimedia. The foundation specializes in challenging artistic projects combining a particular interest in environmental
issues, human rights, education, and culture in the broadest sense. Our current
focus is to develop a truly experimental cultural center in the Parc des Ateliers in
the city of Arles, France, working with the architect Frank Gehry. This ambitious
project envisions an interdisciplinary center for artistic production and research,
exhibitions, education, and archives.
The LUMA Arles summer program 2011 is an integral part of the evolutionary process we have undertaken to develop what we hope will become a cultural model
for the early part of our century.
In addition to the 2011 LUMA Award, which will be announced by Trisha Donnelly,
recipient of the 2010 edition, on Monday, July 4 at the Alyscamps, Donnelly will be
presenting a selection of films by George Kuchar projected at the Hôtel du Cloître
and one of her pieces can be seen at the Alyscamps throughout the summer.
On the main square in Arles, the Place de la République, the first chapter in Doug
Aitken’s installation Arles: City of Moving Images will be presented from the 4 till
the 12 of July. A second chapter of this installation is programmed for October in
the Grande Halle at the Parc des Ateliers. The projection will take place every evening from 10:30 pm starting on July 4. That same evening, from 11:00 pm, a series
of public conversations will be staged at the Alyscamps site featuring Hans-Peter
Feldmann, Juergen Teller, and Taryn Simon, accompanied by a slideshow.
The LUMA Foundation is also pleased to present a symposium titled “The
Human Snapshot,” which brings together many of today’s leading thinkers to
discuss the effect of the photographic image, its distribution through new media,
and its impact on human rights. This academic symposium was produced by the
Center for Curatorial Studies at Bard College, NY, as a first example of possible
long-term co-productions between Bard College and the LUMA Foundation.
The LUMA Foundation aims to explore crossovers between the visual arts, human rights, and the environment in the broadest sense. LUMA Foundation’s Arles
Summer program is the beginning of our efforts to develop a unique discourse that
develops in Arles.
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THE HUMAN SNAPSHOT
July 2–3, 2011
Site des Alyscamps, rue Renaudel, 13200 Arles
The Human Snapshot is a conference on latter-day forms of universalism as
circulated and consolidated through contemporary art and photography. The
conference is organized by the LUMA Foundation in collaboration with the Center
for Curatorial Studies at Bard College (CCS Bard): Thomas Keenan and Tirdad
Zolghadr, in collaboration with Johanna Burton and Tom Eccles, originally based
on a research project by Ariella Azoulay.
HUMANISM & UNIVERSALISM
While it is commonplace today in academia and politics alike to invoke the claims
and norms of human rights, the apparent conceptual underpinnings of this discourse—humanism and universalism—have been subject to radical challenges in
recent years. As it happens, one of the major sites of the critique of universalism
is critical discourse on the visual arts and the photographic image, which is, in
fact, one of the most important operators of what we might call actually-existing
universality today. Arguably, it is even that very critique, and the discourse of local
and cultural context, which grants contemporary art the luxury and efficiency of an
unchecked universalist agenda. Complex presumptions of universal communicability are always already at play in ambitious projects of international scope, and
are all the more volatile as a result. A crucial question here is to which extent the
discourses of both contemporary art and human rights are irrevocably linked to
a classical universalist foundation. Can the two traditions be unhinged, and what
difference would the separation make? Moreover, what role does the image, in
all its material manifestations, continue to play within this ideological apparatus?
These and other questions are to be discussed through a series of lectures and
a workshop in Arles, beginning with a discussion of the legendary 1955 exhibition
“The Family of Man,” drawing on recent research by visual theorist Ariella Azoulay.
Other speakers will discuss the actual channels of distribution the discourses and
images of universalism have at their disposal, but also the class interests at stake
in any such distribution, and, finally, the impact of new forms of technology, from
the democratization of the camera image to revolutions broadcast online.
THE FAMILY OF MAN AND ITS CHANNELS OF DISTRIBUTION
This event takes the photo exhibition “The Family of Man” and its critical legacy as
a point of departure. Organized by Edward Steichen at the Museum of Modern Art
in 1955, it selected roughly five hundred images from nearly two million submissions, taken by 273 photographers in almost seventy countries. Among the things
that set the 1955 exhibition apart, its forceful universalist agenda stands out. What
are present-day pendants of “The Family of Man,” and how might the exhibition’s
thematic ground resonate with ongoing debates in contemporary art and human
rights?
“The Family of Man” was one of the most widely visited exhibitions ever, and its
catalogue is still among the most widely distributed. Moreover, its reception was
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dramatic and polarized, sparking pedagogical initiatives and polemical “counterexhibitions.” Taking Steichen’s exhibition as a point of departure, the event explores contemporary sites of exhibition and circulation that facilitate the circulation
of ideas ranging from artworld internationalism to the discourse of human rights.
Which narratives and imageries have proven easier to export and import, which
particular shades of humanist ideology are spawned in the process, and whose
interests are at stake in the configurations at hand? The event will also investigate
the historical implications of the respective media defining the imagery in question.
Online culture, with its purportedly universal interactivity à la YouTube and
Facebook, has altered our relationship to the image, to its potential credibility, and
to ideas of a globalized visual culture itself.
THE HUMAN SNAPSHOT: SCHEDULE
SATURDAY, JULY 2, 2011
9:45 AM
Introduction
Maja Hoffmann, President, LUMA Foundation
Tirdad Zolghadr, Senior Academic Advisor and LUMA Foundation Fellow, Center
for Curatorial Studies, Bard College
10:00 AM
Keynote Address
Ariella Azoulay, Leverhulme Visiting Professor, Durham Centre for Advanced
Photography Studies
The Family of Man as a Visual Universal Declaration of Human Rights
The exhibition “The Family of Man” was a landmark event in the history of photography and human rights. It was visited by millions of spectators across the world
and was an object of critique that has become paradigmatic in the fields of visual
culture and critical theory. Roland Barthes was the leading voice. He shaped the
intellectual reception of the exhibition and set the tone for later critics. His conceptual observations were precise and compelling. A contemporary revision of “The
Family of Man” should start with questioning Barthes’s observation and his role as
a viewer. In my lecture I will argue that Barthes missed most of what the photographs in the exhibition showed, that what he claimed to see were invisible ideas,
and that the hidden ideology he ascribed to the exhibition was nothing more than
Steichen’s explicit intention in curating it. Instead of granting Steichen the position
of an omnipotent author, as Barthes did, I propose to pay close attention to the
exhibition’s potentialities, and instead of reading the photographs as descriptive
statements with universal claims, I propose to read them as prescriptive statements claiming universal rights. In short, I will propose to reconstruct the exhibition
as the first visual declaration of human rights.
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10:30 AM
Roger Buergel, independent curator, curator of documenta 12 in 2007
The Conditions for the Appearance of an Image
Two legendary exhibitions, “The Family of Man” (1955) and “documenta” (1955),
will be compared to “Bahia no Ibirapuera,” an exhibition conceived by Lina Bo
Bardi and Martim Gonçalves during the fifth Bienal de São Paulo in 1959. While
the two Western exhibitions, due to their ideological underpinnings, had to be
unashamedly universalist in their poetic zeal, “Bahia no Ibirapuera” (as well as
other exhibitions by Bo Bardi) suggested an elegant way out of the impasse of an
unspecified or humanist viewership. By foregrounding contingency or the aleatory
as principles of display, Bo Bardi staged forms of sensual collaboration in which
relational regimes based on individuality (and knowledge) lose their footing in favor
of what Leo Bersani calls “the multiplication of the individual’s positionality in the
universe.”
11:00 AM
Respondent
Anselm Franke, writer and curator at the House of World Cultures in Berlin
11:30 AM
Half hour audience Q&A
12:00 PM
Lunch Break
1:00 PM
Alessandro Petti, Director, Decolonizing Architecture Art Residency, Bethlehem
Sandi Hilal, Director, Decolonizing Architecture Art Residency, Bethlehem
Return to the Commons
Territorially speaking, the Common is a concept that is different to both the public
and the private. Private and public lands are institutionalized relations between
people and things, regulated by the state, which guarantees private property and
maintains the public one. In Palestine, the idea of the public is particularly toxic.
Although prior to Israeli colonization there existed a wide multiplicity of collective
lands, upon occupying the land and excluding its people, the Israeli state flattened them all into one category—“State Land”—and seized control. State lands
were reserved to the only public acknowledged as legitimate—the Jewish Israeli
one. The contours of public land become the blueprint for colonization, and state
lands are often transformed into settlements. This form of sovereignty is willing to
acknowledge Palestinian individual rights, in the “best” of cases, but, as we know,
colonization has severely targeted Palestinian private property too. So in what way
is the Common any different? It is a set of relations between people and things,
organized by the principle of equality, that is not necessarily mediated by the state
and through which the Palestinian-Israeli context provides priceless occasions for
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reflecting on old dichotomies anew.
1:30 PM
Michel Feher, philosopher, co-founder, and President of the association Cette
France-là, Paris
A Xenophobic Democracy
This talk addresses the advent of a new regime of a xenophobic democracy in
the European Union. More precisely, the question is the following: How are we to
make sense of the fact that an increasingly overt xenophobic immigration policy is
arguably the main object of consensus among European governments, considering that the EU is supposed to be both morally cemented by the “never again” of
1945 and politically informed by the victory of liberal democracy and its universal
values in 1989? The purpose is not to expose the hypocrisy of political elites or
question the nature of their proclaimed universalism but to understand why the
so-called “problem of immigration” has become so central in their discourses while
claiming to hold true to humanist values.
2:00 PM
Respondent
Eyal Sivan, Associate Professor, Media Production, School of the Humanities and
Social Sciences, University of East London
2:30 PM
3:00 PM Coffee break
3:30 PM
Marion von Osten, artist and Professor at the Academy of Fine Arts Vienna
The Colonial Modern. Of Pylons, Airplanes and Donkeys
A lecture performance with five projected images and a public reading that could
start like this: “Since World War II, aerial photographs are urban planners’ preferred perspective for land-surveying purposes, and are a strong example of
civil applications of military technologies. In ‘La Découverte Aérienne du Monde,’
(1948) the French sociologist Paul-Henry Chombart de Lauwe, a key thinker of
French post-war urbanism, formulates a methodology for ‘extracting’ geospatial
information from aerial photographs. Aerial photography was a particularly important tool for urban intervention in the case of ‘New Towns,’ such as the master plan
of Casablanca under French colonial rule.”
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4:00 PM
Eyal Weizman, Director of the Centre for Research Architecture, Goldsmiths
College,
University of London
The Family of the Dead
The universalizing anthropology of Steichen’s 1950s exhibition may well be challenged by the forensic anthropologists of today. For these scientists digging up
grave sites, jungles, and killing fields in Spain, Guatemala, and Bosnia in search
of the victims of state crime, classifications of images of the living from around
the world are replaced with those of the dead. Here, the study of bone and skull
morphology becomes an epistemic and historiographic problem. Developments in
the study of skulls, by means of algorithmic computing, have also led to another
type of image/interpretation technique. Face recognition software of the kind that
connects skull morphology—the “topography of the face”—with actual or potential
crime bares strange resemblances to phrenology, the nineteenth century racial
classification of skulls in relation to behavioral tendencies. In both cases, physical
anthropology poses urgent questions of aesthetic and political nature. In this talk
I will refer to work undertaken with Shumon Basar and Jane and Louise Wilson
(Face Scripting) and research undertaken in collaboration with Tom Keenan and
the Forensic Architecture project team.
4:30 PM
Respondent
Thomas Keenan, Associate Professor of Comparative Literature, Director, Human
Rights Project, Bard College
5:00 PM
SUNDAY JULY 3, 2011
9:45 AM
Introduction
Tom Eccles, Executive Director, Center for Curatorial Studies, Bard College
Thomas Keenan, Associate Professor of Comparative Literature, Director,
Human Rights Project, Bard College
10:00 AM
Dominique Gonzalez-Foerster, artist
Tropicale Modernité
In this presentation, artist Dominique Gonzalez-Foerster revisits key moments in
her practice from a particular angle, exploring the notion of “tropical modernism” in
relation to architecture, film, and literature—starting with Tropicale Modernité, her
1999 proposal for the Mies van der Rohe Pavilion in Barcelona.
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10:30AM
Bassam el Baroni, director of Alexandria Contemporary Arts Forum
Matters of Universality in Fine Art, Contemporary Art, and Cultural Politics
This talk will address the differences in the particular universalities pertaining to
“fine art” and “contemporary art” and discuss what it means for a universality to
be functional or non-functional. Moreover, it will consider universality as a largely
clouded and unannounced space for contestations between different art practices
and cultural politics. Most peoples’ image of what art is can be tagged under the
term “fine art,” art characterized by the academic application or manipulation of
canonical art histories. Contemporary art’s hostility towards “fine art” is perhaps
because, unlike the latter, it lacks populist credentials. “Fine art” can be defined
as art with a non-functional universality, a universality created by the canon, long
expired yet still effective, whereas contemporary art’s universality is a functional
universality, existing as a matter of sheer fact. In other words, what makes contemporary art contemporary is its willingness, or perhaps its need, to be compatible with a dominant and functional form of universality at present.
11:00 AM
Respondent
Katya Sander, artist
11:30 AM
12:00 PM Lunch break
1:00 PM
Suhail Malik, Reader in Critical Studies at Goldsmiths
The Politics of Neutrality
The moral viability of globalization is partly consolidated by the mutual support
of three distinct practical universalisms: (a) human rights, claiming a neutrality
that gives them common validity; (b) contemporary art, constructing particularized indeterminacies of experience and interpretation; and (c) photography and its
offshoots, materializing image-realities ubiquitously. Their convergence constructs
a “second humanism,” giving credence to globalization on the basis of indefinite,
non-prescriptive claims—a formalism generating democracy as its recognized
quasi-order. Is there a politics adequate to this powerless-powerful affirmation of
equivocation and contingency on a world-scale? What/who is its subject?
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1:30 PM
Georges Didi-Huberman, philosopher and art historian at École des Hautes
Études en Sciences Sociales (EHSS) Paris
Fragments of Humanity
This talk proposes some fragments from an ongoing reflection on what might be
called “l’exposition des peuples” (the exhibition of peoples). Beginning with the
double sense of the term “exhibition,” which denotes the act of making visible, but
also the inherent menace of this act itself (to be “exhibited” is to be threatened—at
times one is even “exhibited to disappear”), thus invoking the very conditions of
the appearance of the people (or peoples) both in theoretical discourse and the
production of images.
2:00 PM
Respondent
Hito Steyerl, artist and Professor at the University of Art Berlin
2:30 PM
3:00 PM
Coffee break
3:30 PM
Alex Klein, artist and Program Curator, ICA Philadelphia, University of
Pennsylvania
Humanist Correspondence: Thomas Hirschhorn’s Family of Man (Man)
This talk uses the notion of humanist correspondence—the familiar letter as a
mode of public address—as a framework to consider ongoing debates surrounding
photography and universalism. Drawing on themes in Renaissance Humanism,
personal anecdote, and critiques surrounding Edward Steichen’s exhibition “The
Family of Man,” the talk will revisit an exchange between Thomas Hirschhorn and
Thierry de Duve as an opportunity to question the limits of photographic representation within art practice.
4:00 PM
Hal Foster, Townsend Martin ’17 Professor of Art and Archaeology, Princeton
University
Toward a Grammar of Emergency
In this talk I consider the work of Thomas Hirschhorn, who represents Switzerland
in the current Venice Biennale. I take up four concepts key to his practice but with
relevance far beyond it: the precarious, the bête, expenditure, and emergency.
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4:30 PM
Respondent
Denis Hollier, filmmaker, author, and producer. Professor of media art at the
University of Arts Berlin
5:00 PM
THE LIBRARY IS ON FIRE
In conjunction with “The Human Snapshot” symposium, Charles Arsène‐Henry, at
the invitation of Maja Hoffmann and the LUMA Foundation, is developing a reading
room forming a three‐dimensional bibliography of sorts. The Library is on Fire is
the first installment of the LUMA library, and will be open to the public this autumn
in London, functioning as an antechamber and laboratory for the future library.
It will include four rooms:
A reading room, in which different library designs will be tested.
A printing room, where a series of publications will be produced.
A projection room, where images of all types will be programmed.
An empty room, mainly used as a place to experiment with the lecture format.
The Library is on Fire will also initiate the acquisition of books that will form the
collection of the LUMA library. This collection will develop along specific forms of
inquiries, in parallel to the institution’s other departments, and generate its own
research engine.
PARTICIPANT AND ORGANIZER BIOGRAPHIES
Charles Arsène-Henry is a writer and editor based in London. In 2009, he founded White Box Black Box, which inquires into the different formats of research and
fiction. In 2010, he taught a unit at the Architectural Association Summer School
where students produced a collective speculative fiction. In 2011, he curated
“Translated By” with Shumon Basar. He has been reading French literature for
Faber and Faber since 2006.
Ariella Azoulay, Hermeneutics and Cultural Studies, Bar Ilan University
Director of Photo-Lexic, International Research Group, Minerva Center, Tel Aviv
University
2010 Gladstein Visiting Professor, Human Rights Center, University of Connecticut
2011 Leverhulme Research Professor, Durham University.
Bassam el Baroni is a curator and art critic from Alexandria, Egypt. He is the
co-founder and director of the non-profit art space Alexandria Contemporary Arts
Forum and was co-curator of Manifesta 8, 2010 in Murcia, Spain. Recent exhibi11
tions and engagements include the ongoing collaborative archive project “The
Arpanet Dialogues,” started in 2010 with Jeremy Beaudry and Nav Haq; “Trapped
in Amber: Angst for a Re-enacted Decade,” co-curated with Helga-Marie Nordby
at UKS, Oslo, Norway in 2009; and “Cleotronica 08,” an international media art
festival in Alexandria, 2008. Since 2009, el Baroni has developed and performed a
series of dramatized context-specific lectures titled FOXP2, which combine notions
of pre-history, genealogy, economics, and art criticism to create episodes of possible universalisms.
Roger M. Buergel was educated at the Academy of Fine Art in Vienna and Vienna
University. He has organized various exhibitions, often jointly with Ruth Noack,
such as “Things we don’t understand” (2000, Generali Foundation, Vienna), a
reappraisal of aesthetic autonomy, and “The Government” (2003-05, MACBA
Barcelona, MAC Miami, Secession Vienna, and Witte de With Rotterdam), an exploration of contemporary governmentalities in Western societies. Buergel was the
Artistic Director of documenta 12 (2007). He taught art history at the Art Academy
Karlsruhe while organizing a retrospective of Ai Weiwei’s works in 2010 (“Barely
Something,” Museum DKM Duisburg). He is currently working on a “Museum of
Global Trade Routes,” due to open in Zurich in spring 2013.
Johanna Burton was appointed Director of the Graduate Program at CCS Bard
in July 2010. Burton is a New York–based art historian and critic who has written
extensively on postwar and contemporary art for numerous publications, including
Artforum, Parkett, and Texte zur Kunst, and is the editor of Cindy Sherman (2006),
a collection of critical essays on the artist for The MIT Press’s October Files series.
Burton’s other recent writings include texts on the women-only art magazine Eau
de Cologne (published in Witness to Her Art, eds. Rhea Anastas and Michael
Brenson, Center for Curatorial Studies, 2006) and Lee Lozano (on the occasion of
the artist’s inclusion in an exhibition curated by Helen Molesworth at the Wexner
Center in Columbus, Ohio, in Spring 2008); and she has written catalogue essays
for recent career survey exhibitions of Dara Birnbaum, Mel Bochner, and Mary
Heilmann. She was Associate Director and Senior Faculty Member at the Whitney
Independent Study Program in New York from June 2008—July 2010.
Georges Didi-Huberman has been teaching as Maître de Conférences at the
Centre d’Histoire et Théorie des Arts, part of the École des Hautes Études en
Sciences Sociales (EHSS) in Paris since 1990. In his numerous publications, DidiHuberman challenges art historical methodologies and opens them up to a theory
and philosophy of the image that includes rigorous psychological queries pertaining to art and the gaze. He has also taught at Johns Hopkins University,
Northwestern University, University of California, Berkeley, University of Tokyo, the
Freie Universität Berlin, and the Courtauld Institute in London, and has curated
several exhibitions, including “L’Empreinte” at the Centre Georges Pompidou
Paris in 1997. In 1997 Didi-Huberman received the Hans-Reimer-Preis of the Aby
Warburg Foundation (Hamburg), and in 2007 he received the Humboldt Award for
research.
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Tom Eccles is Executive Director of the Center for Curatorial Studies, Bard
College and former Director of the Public Art Fund, New York (1997–2005). Since
joining CCS Bard in 2005, he has overseen the construction of the Hessel
Museum of Art, which opened in November 2006, co-curated the inaugural exhibition of the Marieluise Hessel Collection, “Wrestle,” and has organized exhibitions
with Martin Creed, (2007), Keith Edmier (2008), Rachel Harrison (2009), and
Josiah McElheny (2011). In 2005, he organized the U.S. version of “Uncertain
Sates of America” at CCS Bard. He also commissioned the permanent installation of Olafur Eliasson’s The parliament of reality on the grounds of Bard College
(2009). Also in 2009, he curated Ernesto Neto’s anthropodino at the Park Avenue
Armory and “As Long As It Lasts,” a group exhibition at Marian Goodman Gallery
(both in New York).
Michel Feher is a philosopher, founding editor of Zone Books, NY, and President
of Cette France-là, Paris. He is the author of Powerless by Design: The Age of
the International Community (2000) and the co-editor of Nongovernmental Politics
(2007), with Gaëlle Krikorian and Yates McKee. He most recently co-authored and
edited cette France-là 1, 06-05-2007/30-06-2008, and cette France-là 2,
01-07-2008/30-06-2009.
Hal Foster, Townsend Martin ’17 Professor of Art and Archaeology, came to
Princeton in 1997. He teaches lecture and seminar courses in modernist and
contemporary art and theory and directs the graduate proseminar in methodology.
Foster is an associate member of the School of Architecture and the Department
of German and works with the programs of Media and Modernity and European
Cultural Studies. Recent books include Art Since 1900 (2005), a co-authored textbook on 20th-century art; Prosthetic Gods (2004), concerning the relation between
modernism and psychoanalysis; and Design and Crime (2002), on problems in
contemporary art, architecture, and design. His book, Figment: Painting and
Subjectivity in the First Pop Age, is due out in 2011, to be followed by Image
Building: Essays on the Art-Architecture Rapport. He is presently at work on a
theory of modernism as a way (in the words of Walter Benjamin) “to outlive culture,
if need be.” A member of the American Academy of Arts and Sciences, Foster continues to write regularly for October (which he co-edits), Artforum, and the London
Review of Books.
Anselm Franke is a curator and critic based in Berlin and Brussels. Until the end
of 2010, he was the Director of Extra City Kunsthal Antwerp, where he curated
exhibitions such as “No Matter How Bright the Light, the Crossing Occurs At Night”
(2007), “Mimétisme” (2008), and “Sergei Eisenstein: The Mexican
Drawings” (2009). In 2008, he was a co-curator of Manifesta 7 in Trento, Italy
and a co-curator of the first Brussels Biennale. His long-term project “Animism”
started in Antwerpen (Extra City and MuHKA Antwerpen) and Kunsthalle Bern in
2010, and will be shown in different versions in the Generali Foundation in Vienna
(September 2011) and the House of World Cultures in Berlin (March 2012). Since
2011, Anselm Franke is responsible for the theory program at the Higher Institute
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for Fine Arts (HISK) in Ghent and he teaches at the HfG Karlsruhe, among others.
He is currently completing his PhD at the Center for Research Architecture/Visual
Cultures at Goldsmiths College, University of London.
Dominique Gonzalez-Foerster is a French artist working with video and installations and was the recipient of the Marcel Duchamp Prize in 2002. She lives and
works in Paris and Rio de Janeiro. Gonzalez-Foerster’s work was first exhibited in
Britain in the 1992 group exhibition “Exhibit A,” which took place at the Serpentine
Gallery in London. In 1994, she was included in the group exhibition “The Winter
of Love” at the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris and in “Traffic” (March
1996, the CAPC), curated by Nicolas Bourriaud. In 2006, her work was included in
the São Paulo Bienal and in 2008, she produced an installation for the Tate Modern turbine hall called TH.2058—the title an acronym for “Turbine Hall [in the year]
2058.” On 14 April 2011, Gonzalez-Foerster created the large-scale performance
2011.T.1912 at the Guggenheim Museum, New York.
Denis Hollier is a literary scholar and professor of French at NYU. He has published Against Architecture: The Writings of Georges Bataille (October, The MIT
Press), The Politics of Prose: Essays on Jean-Paul Sartre (University of Minnesota
Press), and Absent without Leave: French Literature in Front of Threat of War
(Harvard University Press).
Sandi Hilal is an architect based in Bethlehem. She is consultant with the UNRWA
on the camp improvement program and visiting professor at Al-Quds/Bard
University in Abu Dis-Jerusalem. She is a founding member of DAAR—
Decolonizing Architecture Art Residency. In 2006, she obtained the title of research
doctorate in transborder policies for daily life in the University of Trieste. She is
a co-author of different research projects published and exhibited internationally:
“Stateless Nation,” with Alessandro Petti and “Border devices,” with
multiplicity. Her publications include Senza Stato una Nazione (Marsilio, Venezia
2003); “Living Among the Dead” (Domus 880, April 2005); “Road Map” (Equilibri,
August 2004), La Stanza dei Sogni (Liguori Editore, 2004); and “Stateless Nation”
(Archis, Preview # 4 2003). Her projects have been published in national and international newspapers and magazines, such as the New York Times, The Guardian,
Il Manifesto, Al Ayyam, Al-Quds, Artforum, and Archis.
Thomas Keenan teaches human rights, literature, and media theory at Bard
College, where he is Associate Professor of Comparative Literature and Director of
the Human Rights Project. He is the author of Fables of Responsibility: Aberrations
and Predicaments in Ethics and Politics (Stanford University Press, 1997), and
co-edited The End(s) of the Museum (Barcelona, 1996), New Media, Old Media
(Routledge, 2005), and Thinking in Dark Times (Fordham University Press, 2009).
His forthcoming book, about media, conflict, and human rights, is called Live Feed:
Crisis, Intervention, Media. He has served on the boards of the Soros
Documentary Fund, WITNESS, the Journal of Human Rights, the Crimes of War
Project, and Scholars at Risk.
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Alex Klein is an artist working between Los Angeles and Philadelphia, where she
was recently appointed Program Curator at the ICA Philadelphia, University of
Pennsylvania. She is a co-founder of Oslo Editions, which organized and published the lecture series CONTRA MUNDUM I-VII (2010) and in 2009 she edited
the critical volume on photography Words Without Pictures (LACMA / Aperture,
2010). She has been a visiting lecturer at the USC Roski School of Fine Arts,
UCLA, and Otis College of Art and Design and has held positions at the Los Angeles County Museum of Art and The Metropolitan Museum of Art, New York. She
received her MFA from UCLA and her MA in the History of Art from the Courtauld
Institute of Art, London.
Suhail Malik is Reader in Critical Studies at Goldsmiths, London. Recent writings
include: “Why Art? The Primacy of Audience,” Global Art Forum, Dubai (2011);
“The Wrong of Contemporary Art: Aesthetics and Political Indeterminacy” (with
Andrea Phillips) in Reading Rancière (2011); “Screw (Down) the Debt:
Neoliberalism and the Politics of Austerity” in Mute (2010); “You Are Here” for
Manifesta 8 (2010); “Civil Society Must Be, Like, Totally Destroyed” in Sanity
Assassin (2010); and “Abu Ghraib and the Onto-Politics of the Spectacle” in
Episode (2008).
Marion von Osten works as an artist, author, and curator. The main interests
of her projects are the changed conditions of the production of cultural work in
post-colonial societies, technologies of the self and the governance of mobility.
Since 2006, she has been a professor at the Academy of Fine Arts Vienna. From
1999–2006, she was professor for artistic practice at HGK Zurich and researcher
at the Institute for the Theory of Art and Design and Institute for Cultural and
Gender Studies, HGK Zurich, and lecturer at Critical Studies program at the
Malmö Art Academy. From 1996–1998, she was curator at Shedalle Zurich.
Publications include Das Erziehungsbild. Zur visuellen Kultur des Pädagogischen
(edited with Tom Holert, Vienna, 2010); Colonial Modern. Aesthetics of the Past.
Rebellions for the Future (edited with Tom Avermaete and Serhat Karakayali,
London 2010); Projekt Migration (edited with Aytac Erylmaz, Martin Rapp,
Regina Römhild, and Kathrin Rhomberg, Köln 2005); Norm der Abweichung, T:G
04 (Zurich/Vienna, 2003); MoneyNations (edited with Peter Spillmann, Vienna,
2003); and Das Phantom sucht seinen Mörder. Ein Reader zur Kulturalisierung der
Ökonomie (edited with Justin Hoffmann, Berlin, 1999).
Alessandro Petti is an architect, urbanist and researcher based in Bethlehem. He
teaches at Honors College Al-Quds/Bard University in Abu Dis-Jerusalem,
Director of the research office DAAR—Decolonizing Architecture Art Residency.
He is involve with Sandi Hilal and Eyal Weyzman in the research project Decolonizing Architecture, a project that explores the problems and potentiality associated with re-use, re-inhabitation, and subversion of colonial structures. In 2010, they
won the Price Claus Prize for Architecture and were shortlisted for the Chrnikov
Prize. In 2006, he obtained the title of Research Doctorate in Urbanism at the
IUAV University of Venice under the supervision of Prof. Giorgio Agamben. Petti
15
has written on the emerging spatial order dictated by the paradigm of security and
control in Arcipelaghi e enclave (Archipelagos and enclaves, Bruno Mondadori,
Milan, 2007). He co-curated different research projects on the contemporary urban
condition such as “Border devices” (2002–2007), with multiplicity, and “Stateless
Nation” with Sandi Hilal (2002–2007), see www.statelessnation.org. His recent
publications are: “Return to Nature” in Ecological Urbanism (Lars Muller
Publishers, 2010); “Asymmetries” in State of Exception and Resistance in the Arab
World (Arab Unity Studies, 2010); “Future Archaeology” (Afterall, February 2009);
“Dubai Offshore Urbanism” in Heterotopia and the City (Routledge, 2008); and
“Temporary Zones. Alternative Spaces or Territories of Social-spatial Control?” in
Post-it City (CCCB, 2008).
Katya Sander is a conceptual artist, working especially with architecture, interventions, text, and films that explore the influence of the imaginary on political issues,
everyday life, and language. For Sander, the imaginary is not only subjective
ideas, but also shared, collective articulations and projections of what is possible
and what can be imagined. Architecture and language and their roles in the production of meaning and sociality thus play a central role. Often through specific notions or figures, Sander investigates how social imaginations are constructed, and
how they influence our actions and reflections. Especially production of spectatorship and consumption—and thus issues of gaze, desire, address, and projection—
in contemporary society is of interest for Sander. Sander’s method combines
factual information and real actions placed in various levels of stagings or settings, as well as the opposite: performed actions or interventions carried out in the
framework of everyday spaces, activities, and functions—often not art-spaces.
Sander thus inquires into relations between the narrative and the real, questioning
how political subjectivity comes into being.
Eyal Sivan was born in 1964 in Haifa, Israel and grew up in Jerusalem. Sivan is
currently Reader (associate professor) in media production and co-leading the MA
program in Film, Video and New Media at the School of Humanities and Social
Sciences, at the University of East London (UEL). After working as a professional
photographer in Tel-Aviv, Sivan left Israel in 1985 and settled in Paris. Since then
he splits his time between Europe and Israel. Known for his controversial films,
Sivan directed more than ten worldwide awarded political documentaries and produced many others. His cinematographic body of work was shown and awarded
various prizes in prestigious festivals. Besides worldwide theatrical releases and
television broadcasts, Sivan’s films are regularly exhibited in major exhibitions
around the world. He publishes and lectures on the Israeli-Palestinian conflict,
documentary filmmaking and ethics, political crimes and representation, political
use of memory, genocide and representation, and so forth. Sivan is the founder
and artistic director of the Paris-based documentary film production company
momento! and the film distribution agency Scalpel. He is the founder and Chief
Editor of South Cinema Notebooks—a journal of cinema and political critique
edited by the Sapir Academic College in Israel, where he lectures regularly. He is a
member of the editorial board of the Paris-based publishing house La Fabrique, as
16
well as of the French social and political studies journal De l’Autre Côté.
Hito Steyerl lives and works in Berlin as a documentary filmmaker and author. In
addition to philosophy, she studied cinematography and documentary filmmaking at the Academy of Visual Arts, Tokyo, and the Munich Academy of Television
and Film. She has published essays concerning questions of (cultural) globalization, urbanism, racism, and nationalism. Other research interests include political
theory, global feminism, and migration. Her latest book is Die Farbe der Wahreit
(The Color of Truth), 2006.
Eyal Weizman is an architect and Director of the Centre for Research Architecture
at Goldsmiths, University of London, and Director of the ERC-funded research
project Forensic Architecture. Since 2007, he is a founding member of the architectural collective DAAR—Decolonizing Architecture Art Residency. Weizman has
taught, lectured, curated, and organized conferences in many institutions worldwide. His books include The Least of all Possible Evils (Nottetempo 2009, Verso
2011), Hollow Land (Verso, 2007), A Civilian Occupation (Verso, 2003), the series
Territories 1,2, and 3, Yellow Rhythms, and many articles in journals, magazines,
and edited books. Weizman is a regular contributor and an editorial board member
for several journals and magazines including Humanity, Cabinet, and Inflexions.
He has worked with a variety of NGOs worldwide and was member of B’Tselem’s
board of directors. Weizman is the recipient of the James Stirling Memorial Lecture
Prize for 2006–2007, a co-recipient of the 2010 Prince Claus Prize for Architecture
(for DAAR), and has been nominated to deliver the Paul Hirst and the Edward
Said Memorial Lectures amongst others. He studied architecture at the
Architectural Association in London and completed his PhD at the London
Consortium/Birkbeck College.
Tirdad Zolghadr is Senior Academic Adviser and the LUMA Foundation Fellow
at the Center for Curatorial Studies, Bard College. Curatorial work includes the
Taipei Biennial 2010 with Hongjohn Lin, the UAE Pavilion, Venice Biennale, 2009,
“Lapdogs of the Bourgeoisie” with Nav Haq, and the Sharjah Biennial 2005 with
Jack Persekian & Ken Lum. He writes for frieze magazine and is author of Solution
168-185 and editor of Necessities (both Sternberg Press, 2010). His novel
Softcore was published in 2007 (Telegram Books, transl. German, Italian), the
working title of his second novel is Top Ten. Zolghadr is a curatorial advisor to the
Artist Pension Trust and editor-at-large for Cabinet magazine.
The Center for Curatorial Studies at Bard College (CCS Bard)
The Center for Curatorial Studies at Bard College (CCS Bard) is an exhibition,
education, and research center dedicated to the study of art and curatorial practices from the 1960s to the present day. In addition to the CCS Bard Galleries
and Hessel Museum of Art, the Center houses the Marieluise Hessel Collection,
as well as an extensive library and curatorial archives that are accessible to the
public. The Center’s two-year M.A. program in curatorial studies is specifically
designed to deepen students’ understanding of the intellectual and practical tasks
17
of curating contemporary art. Exhibitions are presented year-round in the CCS
Bard Galleries and Hessel Museum of Art, providing students with the opportunity
to work with world-renowned artists and curators. The exhibition program and the
Hessel Collection also serve as the basis for a wide range of public programs and
activities exploring art and its role in contemporary society.
For further information, call +1-845-758-7598, e-mail [email protected], or visit www.
bard.edu/ccs.
18
LUMA AWARD 2011
Award Announcement on July 4 from 11:30 pm. Entrance of the Alyscamps, Avenue des Alyscamps
The first edition of the LUMA Award took the form of an exhibition featuring fifteen
artists, all using the medium of photography as a central part of their practice. It
was presented at the 2010 Rencontres d’Arles photography festival. The winner of
the 2010 award, Trisha Donnelly (selected by Peter Fischli and David Weiss), will
choose the recipient of the 2011 LUMA Award.
The artists nominated for this year’s award, presented in a freely distributed book,
represent a focus on research, archives, and what has broadly become known as
“knowledge production.” Rather than considering art as an isolated activity, they
share a belief in the centrality of art and the image to an understanding of our time.
Nominees for the 2011 LUMA Award are:
Shadi Habib Allah, Uri Aran, Kenneth Anger, Desire Machine Collective, Sharon
Hayes, Aaron Flint Jamison, Helen Marten, Raya Martin, Jonas Mekas,
Christodoulos Panayiotou, Trevor Paglen, James Richards, Albert Serra, Rania
Stephan, and Erik Wysocan
Nominated by Tom Eccles, Liam Gillick, Hans Ulrich Obrist, Philippe Parreno, and
Beatrix Ruf.
Presented in a special Mousse publication.
19
EXHIBITIONS AND CONVERSATIONS
OPENING JULY 4, 2011
TRISHA DONNELLYJULY 4–AUGUST 29, ÉGLISE SAINT-HONORAT DES
ALYSCAMPS
Trisha Donnelly is among a generation of artists to have come of age over the past
decade or so, whose practice seems rooted in incommunicability and opacity.
Often taking the form of gatherings of objects in various media, from assembled
sculptures to drawings and photographs, Donnelly’s exhibitions tease the viewer
with their intimations of meaning and orientation within these spaces is seldom
straightforward, but is pregnant with possibility.
Curators: Hans Ulrich Obrist and Beatrix Ruf.
VARIETY OF VIDEO SHORTS FROM THE WORLD OF GEORGE KUCHAR
July 4–12, 2011, Hôtel du Cloître
Daily from 11:00 am to 6:00 pm. Full projection cycle ca. 07:10:00
Trisha Donnelly will present a selection of works by the American filmmaker
George Kuchar, who belonged to Andy Warhol’s New York underground scene, at
the Hôtel du Cloître.
George Kuchar directed over 200 films and videos (including over fifteen with
his twin brother Mike Kuchar), many of which are short films by students in his
courses at the San Francisco Art Institute. His work is archived at the Video Data
Bank (http://www.vdb.org/artists/george-kuchar). In the Critics’ Poll of the 100 best
films of the twentieth century, which originally appeared in the January 4, 2000 edition of the Village Voice, Hold Me While I’m Naked was ranked 52nd.
DOUG AITKEN, ARLES: CITY OF MOVING IMAGES 4–12 JULY, PLACE DE LA
RÉPUBLIQUE,
Daily projection starts at 10:30 pm. The first chapter of Doug Aitken’s installation
Arles: City of Moving Images will be presented on the main square in Arles, the
Place de la République. This multimedia installation is made of images filmed in
Arles and in the Camargue, projected on a custom-made screen visible on both
sides. A second chapter of this installation is scheduled for October 2011 at the
Grande Halle of the Parc des Ateliers.
“The piece itself is a unique piece that will never be an edition or travel anywhere
outside this landscape. To me, the importance is that it’s created from the DNA of
that place but it will only ever reside in it. It almost sits in the middle of this huge invisible grid we’ve created to make the work, and it’s a deposit of all of those faults
and divisions of the landscape coming together to create one—almost
holographic—fictional landscape.”
Doug Aitken
20
PUBLIC EVENING CONVERSATIONS AND SCREENINGS
July 4, from 11:00:30 pm. Entrance of the Alyscamps site, Avenue des Alyscamps
Simon Baker, Curator Photography and International Art, Tate Modern, and Taryn
Simon, artist.
Hans Ulrich Obrist, Co-Director of Exhibitions and Programs and Director of
International Projects at the Serpentine Gallery, and Hans-Peter Feldmann, artist.
Beatrix Ruf, Director/Curator of the Kunsthalle Zurich, and Juergen Teller,
Photographer.
PRACTICAL INFORMATION
For directions, details about summer 2011 LUMA Foundation events, and reservations for the symposium and public talks, please visit the LUMA Office at Hotel du
Cloître, 13200 Arles. +33(0)4.90.96.54.07
(The office will be open from June 27–July 16). More information is also available
at www.bard.edu/ccs
For press inquiries, please contact Brunswick Arts:
Maria Finders, [email protected]
Or Mustapha Bouhayati, [email protected]
21
La Fondation LUMA a été créée en 2004 pour soutenir les activités d’artistes
indépendants et de pionniers, ainsi que d’institutions travaillant dans les domaines de l’art, notamment de la photographie, de l’édition, du documentaire et
du multimédia. La fondation se spécialise dans les projets artistiques provocateurs
qui affichent un intérêt particulier à la fois pour les problèmes environnementaux,
les droits de l’homme, l’éducation et la culture au sens le plus large. Nous cherchons actuellement à mettre en place un centre culturel authentiquement expérimental au Parc des Ateliers de la ville d’Arles, en France, en collaboration avec
l’architecte Frank Gehry. Ce projet ambitieux porte sur un centre interdisciplinaire
regroupant production artistique, recherche, expositions, enseignement et
archives.
Le programme d’été à Arles de la Fondation LUMA 2011 fait partie intégrante d’un
processus évolutif engagé pour créer ce que nous espérons deviendra un modèle
culturel pour ce début de siècle.
Outre l’annonce du prix LUMA 2011, lundi 4 juillet aux Alyscamps, Trisha Donnelly,
lauréate de l’édition 2010 présentera une sélection de films de George Kuchar
projetés à l’Hôtel du Cloître, et une de ses œuvres pourra être visionnée aux
Alyscamps pendant tout l’été.
Sur la place principale d’Arles, la Place de la République, le premier chapitre de
la série de Doug Aitken Arles : Une ville d’images mouvantes sera présenté du 4
au 12 juillet. Un deuxième chapitre de cette série est programmé en octobre à la
Grande Halle du Parc des Ateliers. La projection aura lieu tous les soirs à 22h30
à partir du 4 juillet. Ce même soir, à partir de 23h00, une série de débats publics
sera organisée aux Alyscamps, avec la participation de Hans-Peter Feldmann, de
Juergen Teller et de Taryn Simon, assortis d’un diaporama.
La Fondation LUMA a également le plaisir de présenter un colloque intitulé « The
Human Snapshot », qui réunit de nombreux penseurs de renom pour discuter
des effets de l’image photographique, de sa diffusion dans les nouveaux médias
et de son impact sur les droits de l’homme. Ce colloque universitaire, produit par
le Center for Curatorial Studies at Bard College, dans l’État de New York, est la
première d’une série de coproductions entre Bard College et la Fondation LUMA
qui pourraient s’inscrire dans la durée.
La Fondation LUMA vise à explorer la rencontre entre les arts visuels, les droits de
l’homme et l’environnement au sens large. Le programme d’été à Arles de la
Fondation LUMA est notre première tentative de matérialisation d’un discours
original en cours de gestation à Arles.
22
THE HUMAN SNAPSHOT
2 au 3 juillet 2011
Site des Alyscamps, rue Renaudel, 13200 Arles
Conférence à Arles sur les formes les plus récentes d’universalisme véhiculées et
réaffirmées par l’art contemporain et la photographie. Cette conférence, organisée
par la Fondation LUMA en collaboration avec le Center for Curatorial Studies at
Bard College (CCS Bard) en la personne de Thomas Keenan et Tirdad Zolghadr,
en collaboration avec Johanna Burton et Tom Eccles, s’appuie à l’origine sur un
projet de recherche de Ariella Azoulay.
HUMANISME ET UNIVERSALISME
Bien qu’il soit courant d’invoquer des principes et des normes régissant les droits
de l’homme dans le monde universitaire et politique, les fondements conceptuels
apparents de ce discours (l’humanisme et l’universalisme) ont donné lieu à de
vives polémiques au cours de ces dernières années. Il se trouve que l’une des
principales manifestations de la critique de l’universalisme porte sur le discours
critique concernant les arts visuels et l’image photographique, qui constitue un des
éléments essentiels de ce que nous pourrions appeler aujourd’hui l’universalité
dans toute sa réalité. On peut même dire que ce sont cette critique elle-même
ainsi que le discours du contexte local et culturel, qui offrent à l’art contemporain le
luxe et l’efficacité d’un programme universaliste sans contrainte. Les hypothèses
complexes sur la capacité à transmettre un message universel sont d’ores et déjà
appliquées dans le cadre de projets ambitieux de portée internationale et sont
donc d’autant plus variables. Une question cruciale s’impose à nous : dans quelle
mesure les discours tant de l’art contemporain que des droits de l’homme sont-ils
irrévocablement associés à un socle universaliste classique ? Ces deux traditions
sont-elles inséparables et, le cas échéant, qu’apporterait une séparation ? Par
ailleurs, quel rôle l’image, dans toutes ses manifestations matérielles, continue-telle à jouer au sein de ce système idéologique ? Il s’agit là de quelques-unes des
questions qui seront traitées dans une série de conférences et d’ateliers à Arles,
en commençant par un débat sur l’exposition légendaire de 1955 « Family of
Man », alimenté par une étude récente de Arielle Azoulay, théoricienne des arts
visuels. D’autres intervenants parleront des canaux de diffusion des discours et
des images de l’universalisme disponibles actuellement, mais également des
intérêts de classe en jeu dans une telle diffusion et, pour conclure, de l’impact des
nouvelles technologies, de la démocratisation de l’image photographique à la diffusion des images des révolutions en ligne.
THE FAMILY OF MAN ET SES CANAUX DE DIFFUSION
Cet événement prend l’exposition photographique « The Family of Man » comme
point de départ. Organisée par Edward Steichen au Museum of Modern Art de
New York en 1955, elle portait sur une sélection d’environ 500 images sur près
de 2 millions de photos envoyées, prises par 273 photographes dans près de 70
pays. Parmi les éléments qui donnaient à l’exposition 1955 son caractère unique,
son programme universaliste se situait au premier plan. Quels sont les pendants
actuels de « The Family of Man » et dans quelle mesure la thématique de fond de
23
l’exposition trouve-t-elle un écho dans les débats actuels sur l’art contemporain et
les droits de l’homme ?
« The Family of Man » fut l’une des expositions les plus visitées qui soient et
son catalogue est toujours parmi les plus diffusés. En outre, l’accueil qui lui a
été réservé a été incroyable et polarisé, et elle fut à l’origine d’initiatives pédagogiques et de « contre-expositions » polémiques. Prenant comme point de départ
l’exposition d’Edward Steichen, l’événement explore les sites d’art contemporain
consacrés aux expositions et à la diffusion des œuvres qui facilitent la circulation
des idées, de l’internationalisme du monde artistique au discours sur les droits
de l’homme. Quels récits et quels imaginaires se sont révélés les plus faciles à
exporter et à importer, quelles nuances particulières de l’idéologie humaniste se
développent dans le cadre de ce processus et quels intérêts sont en jeu dans les
configurations en question ? L’événement se consacrera également à l’examen
des implications historiques des médias concernés dans la définition de l’imagerie
étudiée. La culture en ligne et sa prétendue interactivité universelle (YouTube,
Facebook, etc.), ont altéré notre relation à l’image, à sa crédibilité potentielle et
aux idées d’une culture visuelle mondialisée.
THE HUMAN SNAPSHOT : PROGRAMME
SAMEDI 2 JUILLET 2011
9h45
Introduction
Maja Hoffmann, présidente, Fondation LUMA
Tirdad Zolghadr, conseiller d’études en chef et LUMA Foundation Fellow au Center
for Curatorial Studies, Bard College
10h00
Discours
Ariella Azoulay, professeure invitée Leverhulme, Durham Centre for Advanced
Photography Studies
The Family of Man, déclaration universelle visuelle des droits de l’homme
L’exposition « The Family of Man » a été un événement marquant dans l’histoire
de la photographie et des droits de l’homme. Elle a accueilli des millions de
spectateurs du monde entier et a fait l’objet d’une critique désormais devenue
un incontournable dans les domaines de la culture visuelle et de la théorie
critique. Roland Barthes en a été le principal porte-parole. Il a exercé une influence décisive sur l’accueil réservé à l’exposition dans le monde intellectuel et sur
les critiques formulées par la suite. Il a formulé des observations conceptuelles
précises et pertinentes. Une révision contemporaine de « The Family of Man »
devrait débuter par une remise en question de l’observation de M. Barthes et
de son rôle en tant que spectateur. Lors de ma conférence, je déclarerai que M.
24
Barthes est passé à côté de ce qui constituait l’essentiel dans les photographies
de l’exposition, que ce qu’il prétendait avoir vu était en fait des idées invisibles et
que l’idéologie masquée qu’il reprochait à l’exposition d’infuser n’était rien d’autre
que ce qu’Edward Steichen avait l’intention explicite de mettre en valeur. Au lieu
d’accorder à M. Steichen un rôle d’auteur omnipotent, comme l’a fait M. Barthes,
je propose de porter notre attention sur les potentialités de l’exposition et, au lieu
de lire les photographies comme des énoncés descriptifs affirmant des principes
universels, je propose de les lire comme des énoncés prescriptifs affirmant des
droits universels. En bref, je proposerai de reconcevoir l’exposition comme la première déclaration visuelle des droits de l’homme.
10h30
Roger Buergel, conservateur indépendant, conservateur de documenta 12 en
2007.
Les conditions d’apparition d’une image
Deux expositions légendaires, « Family of Man » (1955) et « documenta » (1955),
seront comparées à « Bahia no Ibirapuera », exposition conçue par Lina Bo Bardi
et Martim Gonçalves pendant la cinquième Biennale de São Paulo en 1959.
Contrairement aux deux expositions occidentales qui, en raison de leurs fondements idéologiques, se devaient d’afficher un universalisme sans ambages dans
leur élan poétique, « Bahia no Ibirapuera » (tout comme les autres expositions
de Lina Bo Bardi) nous suggérait une façon élégante de sortir de l’impasse d’une
position de spectateur indéfinie ou humaniste. En mettant en avant la contingence
ou l’aléatoire comme principes d’exposition, Lina Bo Bardi a montré des formes
de collaboration sensuelles dans lesquelles les régimes relationnels reposant sur
l’individualité (et le savoir) cèdent la place à ce que Leo Bersani appelle « la multiplication de positionnements de l’individu dans l’univers ».
11h00
Répondant
Anselm Franke, écrivain et conservateur de House of World Cultures à Berlin.
11h30
Séance de questions-réponses d’une demi-heure avec le public
12h00
Déjeuner
13h00
Alessandro Petti, directeur, Decolonizing Architecture Art Residency, Bethléem
Sandi Hilal, directrice, Decolonizing Architecture Art Residency, Bethléem
Retour aux biens communs
En matière de territoire, le bien commun est un concept différent selon qu’on parle
du domaine public ou du domaine privé. Les domaines privés et publics corre25
spondent à des relations institutionnalisées entre les personnes et les choses,
régies par l’État, qui garantit la propriété privée et conserve la propriété publique.
En Palestine, le concept de domaine public est particulièrement toxique. Avant la
colonisation israélienne, une grande diversité de terres collectives existait. Lors
de l’occupation du territoire et de l’expulsion des individus, l’État israélien a tout
regroupé dans une seule catégorie, le domaine public dont il a pris le contrôle. Le
domaine public était réservé au seul public reconnu comme légitime, les Israéliens juifs. Le périmètre du domaine public est ainsi devenu la ligne de démarcation de la colonisation et les terres du domaine public sont souvent transformées
en colonies. Cette forme de souveraineté se montre disposée à reconnaître les
droits individuels des Palestiniens (dans le meilleur des cas), mais, comme nous
le savons tous, la colonisation a sérieusement affecté la propriété privée palestinienne. En quoi le bien commun est-il donc différent ? Il s’agit d’un ensemble de
relations entre les personnes et les choses, organisées selon le principe d’égalité,
dans lesquelles n’intervient pas nécessairement l’État et au sujet desquelles la
situation israélo-palestinienne offre de multiples et rares opportunités de réexaminer les anciennes dichotomies.
13h30
Michel Feher, philosophe, cofondateur et président de l’association Cette Francelà, Paris
Une démocratie xénophobe
Ce discours traite de l’avènement d’un nouveau régime de démocratie xénophobe
dans l’Union européenne. Pour être plus précis, la question se pose de la façon
suivante : comment accepter le fait qu’une politique migratoire de plus en plus
ouvertement xénophobe constitue le principal objet de consensus parmi les États
européens, si l’on considère que l’UE est censée avoir été fondée sur le principe
moral du « plus jamais ça » de 1945 et avoir atteint sa maturité politique après la
victoire de la démocratie libérale et de ses valeurs universelles en 1989 ? Le but
n’est pas d’exposer l’hypocrisie des élites politiques ou de questionner la nature
de leur universalisme proclamé, mais de comprendre pourquoi le soi-disant
« problème de l’immigration » occupe désormais une place centrale dans leur
discours, alors qu’ils se déclarent fidèles aux valeurs humanistes.
14h00
Répondant
Eyal Sivan, maître de conférences, production audiovisuelle, School of the
Humanities and Social Sciences, University of East London
14h30
15h00
Pause café
26
15h30
Marion von Osten, artiste et professeure à l’Académie des Beaux-Arts, Vienne
Le style colonial moderne : des pylônes, des avions et des ânes
Conférence accompagnée de la projection de cinq images et d’une lecture publique qui pourrait démarrer comme suit : « Depuis la Seconde Guerre mondiale,
les photographies aériennes constituent la perspective préférée des urbanistes
pour l’arpentage et constituent un exemple saisissant des applications civiles de
technologies militaires. Dans « La Découverte Aérienne du Monde » (1948), le
sociologue français Paul-Henry Chombart de Lauwe, penseur de premier plan de
l’urbanisme d’après-guerre en France, élabore une méthodologie pour
« extraire » des informations géospatiales de photographies aériennes. La photographie aérienne a constitué un outil particulièrement important pour l’intervention
urbaine dans le cas des villes nouvelles, comme pour le plan directeur de
Casablanca, sous la domination coloniale française. »
16h00
Eyal Weizman, directeur du Centre for Research Architecture, Goldsmiths College,
La famille des morts
L’anthropologie universalisante de l’exposition de 1950 de Edward Steichen pourrait bien être remise en question par les anthropologues médico-légaux. Pour ces
scientifiques qui fouillent les charniers, les jungles et les champs de massacres
en Espagne, au Guatemala et en Bosnie à la recherche des victimes de crimes
d’État, la classification des images des vivants du monde entier est remplacée
par celle des morts. L’étude de la morphologie des os et des crânes devient un
problème épistémique et historiographique. Les avancées réalisées dans l’étude
des crânes, au moyen de calculs algorithmiques, ont également débouché sur une
autre technique d’imagerie/interprétation. Les logiciels de reconnaissance des visages qui mettent en relation la morphologie de la boîte crânienne avec des crimes
réels ou potentiels entretiennent une étrange relation avec la phrénologie, classification raciale des crânes en fonction des tendances du comportement utilisée
au 19ème siècle. Dans les deux cas, l’anthropologie physique pose des questions urgentes de nature esthétique et politique. Au cours de cette conférence, je
ferai référence à un travail entrepris par Shumon Basar en compagnie de Jane et
Louise Wilson (Face Scripting) et à des travaux de recherche entamés en collaboration avec Tom Keenen et l’équipe du projet Forensic Architecture (Architecture
médico-légale).
16h30
Répondant
Thomas Keenan, maître de conférences en littérature comparée ; directeur,
27
17h00
DIMANCHE 3 JUILLET 2011
9h45
Introduction
Tom Eccles, directeur exécutif, Center for Curatorial Studies, Bard College
Thomas Keenan, maître de conférences en littérature comparée ; directeur,
10h00
Dominique Gonzalez-Foerster, artiste
Tropicale Modernité
Lors de cette présentation, l’artiste Dominique Gonzalez-Foerster reviendra sur les
moments clés de sa carrière sous un angle particulier, l’exploration de la notion de
« modernité tropicale » en rapport avec l’architecture, le cinéma et la littérature, en
commençant par sa proposition Tropicale Modernité pour le Pavillon Mies van der
Rohe à Barcelone.
10h30
Bassam el Baroni, directeur de l’Alexandria Contemporary Arts Forum
Questions d’universalité dans les beaux-arts, l’art contemporain et la
politique culturelle
Cette conférence s’attachera à mettre en exergue les différences entre les
universalités particulières des « beaux-arts » et de l’« art contemporain », et la
signification d’une universalité fonctionnelle ou non fonctionnelle. Par ailleurs, la
discussion se centrera autour de l’universalité en tant qu’espace considérablement
brouillé et inédit de contestations entre les différentes pratiques artistiques et les
politiques culturelles. L’image la plus répandue concernant la définition de l’art
peut être rangée sous l’étiquette « beaux-arts », art caractérisé par l’application
ou la manipulation académique d’histoires de l’art canoniques. L’hostilité de l’art
contemporain envers les « beaux-arts » vient peut-être du manque de crédit dont
il jouit auprès du public, à l’inverse de l’autre. Les « beaux-arts » peuvent être
définis comme un art revêtant une universalité non fonctionnelle, une universalité
créée par le canon, périmé depuis longtemps mais toujours en vigueur, tandis que
l’universalité de l’art contemporain est une universalité fonctionnelle, qui existe de
manière purement factuelle. Autrement dit, ce qui définit l’« art contemporain »,
c’est sa volonté, ou peut-être son besoin, d’être compatible avec une forme dominante et fonctionnelle d’universalité au présent.
11h00
Répondant
Katya Sander, artiste
28
11h30
12h00
Déjeuner
13h00
Suhail Malik, Chargé de cours en Études critiques à Goldsmiths College,
Politique de neutralité
La viabilité morale de la mondialisation repose en partie sur trois différents types
d’universalismes pratiques qui s’appuient mutuellement : (a) les droits de l’homme,
en affirmant une neutralité qui leur accorde une validité commune, (b) l’art contemporain, en construisant des indéterminations particularisées de l’expérience et
de l’interprétation et (c) la photographie et ses ramifications, en matérialisant des
réalités-image omniprésentes. Leur convergence crée un « second humanisme »,
accordant ainsi du crédit à la mondialisation sur la base d’affirmations indéfinies
sans énoncé de principes : une démocratie génératrice de formalisme comme
son quasi-ordre reconnu. Existe-t-il une politique pour cette affirmation puissante/
impuissante de l’équivocation et de la contingence à l’échelle mondiale ? Quel/qui
en est le sujet ?
13h30
Georges Didi Huberman, philosophe et historien d’art à l’École des Hautes Études
en Sciences Sociales (EHSS), Paris
Parcelles d’humanité
Nous proposerons quelques fragments d’une réflexion en cours sur ce qu’on
pourrait nommer l’exposition des peuples. En partant du double sens de ce mot
exposition, qui dénote l’acte de rendre visible, mais aussi la menace inhérente à
cet acte même (être « exposé », c’est être menacé, c’est donc, à la limite, être
« exposé à disparaître »), nous évoquerons les conditions de l’apparition des
peuples dans les dispositifs théoriques et dans la production des images.
14h00
Répondant
Hito Steyerl, artiste et professeure à l’Université des Arts de Berlin
14h30
15h00
Pause café
29
15h30
Alex Klein, artiste et conservatrice de programme, ICA Philadelphia, University of
Pennsylvania
Correspondance humaniste : Family of Man (Man) selon Thomas Hirschhorn
Cette conférence aborde la notion de correspondance humaniste, la fameuse
lettre utilisée comme instrument de communication avec le public, comme
cadre pour réfléchir aux débats actuels à propos de la photographie et de
l’universalisme. S’appuyant sur des thèmes de l’humanisme de la Renaissance,
des anecdotes personnelles et les critiques de l’exposition « The Family of
Man » de Edward Steichen, la discussion s’attardera sur un échange entre
Thomas Hirschhorn et Thierry de Duve pour questionner les limites de la
représentation photographique dans la pratique de l’art.
16h00
Hal Foster, professeur d’art et d’archéologie, Townsend Martin ‘17, Princeton
University
Vers une grammaire de l’urgence
Lors de cette discussion, je m’intéresse à l’œuvre de Thomas Hirschhorn, qui
représente la Suisse à la Biennale de Venise cette année. J’en extrais quatre
concepts dont la pertinence s’étend bien au-delà de l’œuvre : le précaire, le bête,
la dépense et l’urgence.
16h30
Répondant
Denis Hollier, réalisateur, auteur, producteur et professeur d’arts audiovisuels à
l’Université des Arts de Berlin
17h00
THE LIBRARY IS ON FIRE
Parallèlement au colloque « The Human Snapshot », Charles Arsène-Henry, sur
invitation de Maja Hoffmann et de la Fondation LUMA, organise une salle de
lecture constituée d’une sorte de bibliographie en trois dimensions, complétée par
un livret présentant toutes les références. Ainsi, le public pourra découvrir, sur un
site proche et sous différents formats, la toile de fond intellectuelle et affective du
colloque, entre, avant et après les différents débats.
The Library is on Fire constitue la première étape de la bibliothèque de la
Fondation LUMA. Cette bibliothèque, qui fera partie de la future institution LUMA à
Arles, est encore en cours de planification. C’est pourquoi, il ne s’agit pour le moment que d’un site temporaire, qui permet de réfléchir à la nature contemporaine
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de l’accès au contenu et de sa production. Elle ouvrira cet automne à Londres et
servira d’antichambre et de laboratoire à la future bibliothèque LUMA. La bibliothèque comporte quatre pièces :
Un salon de lecture, dans lequel différentes conceptions de bibliothèques seront
testées.
Une salle d’impression, où une série de publications sera produite.
Une salle de projection, où des images de tous types seront programmées.
Une salle vide, principalement utilisée comme lieu d’expérimentation du format de
lecture.
The Library is on Fire commencera également à acquérir des livres qui formeront
partie de la collection de la bibliothèque LUMA. Cette collection sera étoffée en
fonction des demandes, parallèlement aux autres départements de l’institution et
génèrera son propre moteur de recherche.
BIOGRAPHIES DES PARTICIPANTS ET DES ORGANISATEURS
Charles Arsène-Henry est un éditeur et un écrivain qui vit à Londres. En 2009,
il a créé l’agence de pensée White Box Black Box, dont le premier projet est une
série de Capsules du savoir, sous forme imprimée et numérique, destinées à des
personnes ou institutions spécifiques. Les thèmes passés et présents de son
travail sont notamment Images du cerveau, Texture de rêves, Structure de la nuit
et Infinité.
Ariella Azoulay
Herméneutique et études culturelles, Bar Ilan University
Directrice de Photo-Lexic, groupe de recherche internationale, Minerva Center, Tel
Aviv University
Professeure invitée Gladstein 2010, Human Rights Center, University of
Connecticut
Professeure de recherche Leverhulme 2011, Durham University.
Bassam el Baroni est conservateur et critique d’art à Alexandrie, en Égypte. Il
est cofondateur et directeur de l’espace artistique à but non lucratif Forum des
arts contemporains d’Alexandrie et était co-commissaire de Manifesta 8, en 2010
à Murcie, en Espagne. Ses expositions et ses participations récentes comprennent un projet d’archivage collaboratif en cours, « The Arpanet Dialogues » (Les
dialogues d’Arpanet), démarré en 2010 avec Jeremy Beaudry et Nav Haq,
« Trapped in Amber: Angst for a Re-enacted Decade », pour laquelle il était cocommissaire avec Helga-Marie Nordby à l’UKS d’Oslo, en Norvège en 2009, et
« Cleotronica 08 », festival d’arts audiovisuels international à Alexandrie, en 2008.
Depuis 2009, M. el Baroni a élaboré et présenté une série de conférences dramatisées adaptées au contexte intitulées FOXP2, qui combinent des notions de
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préhistoire, de généalogie, d’économie et de critique d’art pour créer des épisodes
d’universalismes possibles.
Roger M. Buergel a étudié à l’Académie des Beaux-Arts de Vienne et à
l’Université de Vienne. Il a organisé plusieurs expositions, souvent en collaboration avec Ruth Noack, telles que « Things we don’t understand » (Les choses
que nous ne comprenons pas) (2000, Fondation Generali, Vienne), réévaluation
de l’autonomie esthétique, ou « The Government » (Le gouvernement) (2003-05,
MACBA Barcelone, MAC Miami, Sécession viennoise et Witte de With, Rotterdam), exploration des gouvernementalités contemporaines dans les sociétés
occidentales. M. Buergel a été directeur artistique de documenta 12 (2007), puis
a enseigné l’histoire de l’art à l’Académie des arts de Karlsruhe tout en organisant
une rétrospective de l’œuvre d’Ai Weiwei en 2010 (« Barely Something » (À peine
quelque chose), au musée DKM de Duisburg). Il travaille actuellement sur un
Musée des routes mondiales du commerce, dont l’ouverture est prévue à Zurich
au printemps 2013.
Johanna Burton, nommée directrice du programme de second cycle de CCS
Bard en juillet 2010, historienne et critique d’art vivant à New York, est l’auteur de
multiples écrits sur l’art d’après-guerre et l’art contemporain pour de nombreuses
publications, notamment Artforum, Parkett et Texte zur Kunst. Elle est éditrice de
Cindy Sherman (2006), collection d’essais critiques sur l’artiste pour la série
October Files de MIT Press. Ses autres écrits récents incluent des textes sur la
revue d’art destinée à un public exclusivement féminin Eau de Cologne (publiée
in Witness to Her Art ; éditeurs : Rhea Anastas et Michael Brenson, Center for
Curatorial Studies, 2006) et Lee Lozano (à l’occasion de l’inclusion de cette artiste
dans une exposition dont l’organisateur était Helen Molesworth au Wexner Center
de Columbus, Ohio, au printemps 2008). Elle a écrit des essais de catalogue pour
de récentes expositions explorant la carrière de Dara Birnbaum, Mel Bochner et
Mary Heilmann. Elle a été directrice associée et membre aînée de la faculté au
Whitney Independent Study Program à New York de juin 2008 à juillet 2010.
Georges Didi-Huberman. Depuis 1990, Georges Didi-Huberman est maître de
conférences au Centre d’histoire et de théorie des arts, rattaché à l’École des
hautes études en sciences sociales (EHSS) à Paris. Dans ses nombreuses publications, Didi-Huberman remet en question les méthodologies de l’histoire de l’art
et les ouvre à une théorie et une philosophie de l’image comportant des interrogations psychologiques rigoureuses en rapport avec l’art et le regard. Il a également
enseigné à la Johns Hopkins University, à la Northwestern University, à l’University
of California à Berkeley, à l’Université de Tokyo, à la Freie Universität de Berlin et
au Courtauld Institute de Londres, et a été conservateur de plusieurs expositions,
notamment « L’Empreinte » au Centre Georges Pompidou, à Paris en 1997. En
1997, Didi-Huberman a reçu le Hans-Reimer-Preis de la Fondation Aby Warburg
(Hambourg) et, en 2007, le Prix Humboldt de la recherche.
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Tom Eccles est directeur exécutif du Center for Curatorial Studies, Bard College
et ancien directeur du Public Art Fund de New York (1997–2005). Depuis qu’il a rejoint le CCS Bard en 2005, il a supervisé la construction du Hessel Museum of Art,
qui a ouvert ses portes en novembre 2006, il a été co-commissaire de l’exposition
inaugurale de la collection Marieluise Hessel, « Wrestle » (Lutte) et il a organisé
des expositions avec Martin Creed, (2007), Keith Edmier (2008), Rachel Harrison
(2009) et Josiah McElheny (2011). En 2005, il a organisé la version américaine de
« Uncertain Sates of America » (Incertains États d’Amérique) au CCS Bard. Il a
également été conservateur de l’exposition permanente The parliament of reality
(Le parlement de la réalité) d’Olafur Eliasson dans les installations du Bard
College (2009). De même, en 2009, il fut conservateur de l’exposition
« anthropodino » d’Ernesto Neto à Park Avenue Armory et de « As Long As It
Lasts » (Tant que ça dure), exposition collective à la Marian Goodman Gallery
(toutes deux à New York).
Michel Feher, philosophe, est éditeur fondateur de Zone Books, dans l’État de
New York, et président de Cette France-là, à Paris. Il est l’auteur de Powerless by
Design: The Age of the International Community (2000) et co-éditeur de
Nongovernmental Politics (2007), avec Gaëlle Krikorian et Yates McKee. Il a tout
récemment co-écrit et édité Cette France-là 1, 06-05-2007/30-06-2008 et Cette
France-là 2, 01-07-2008/30-06-2009.
Hal Foster, titulaire de la chaire Townsend Martin 1917 et professeur d’art et
d’archéologie, est arrivé à Princeton en 1997. Il dispense des cours et des séminaires sur la théorie, l’art moderne et contemporain ; il dirige également le groupe
de travail des étudiants de troisième cycle en méthodologie. Foster est membre
associé de la School of Architecture et du Department of German ; il travaille
également sur les programmes d’études concernant les médias, la modernité
et les cultures européennes. Ses récents ouvrages sont Art Since 1900 (2005),
un manuel scolaire sur l’art du XXè siècle (comme co-auteur), Prosthetic Gods
(2004) concernant la relation entre le modernisme et la psychanalyse et Design
and Crime (2002) sur les problèmes de l’art contemporain, de l’architecture et du
design. Son livre, Figment: Painting and Subjectivity est attendu pour 2011 et sera
suivi de Image Building: Essays on the Art-Architecture Rapport. Il travaille actuellement sur une théorie du modernisme comme moyen de « survivre à la culture,
s’il le faut » (« to outlive culture, if need be », selon les mots de Walter Benjamin).
Membre de l’American Academy of Arts and Sciences, Foster continue d’écrire régulièrement pour October (qu’il coédite), Artforum et the London Review of Books.
Anselm Franke est conservateur et critique à Berlin et à Bruxelles. Jusqu’à la fin
de l’année 2010, il était directeur d’Extra City - Kunsthal à Anvers, dans le cadre
duquel il a organisé des expositions comme « No Matter How Bright the Light, the
Crossing Occurs At Night » (2007), « Mimetism » (2008) et « Sergei Eisenstein :
The Mexican Drawings » (« Sergei Eisenstein : les dessins mexicains ») (2009).
En 2008, il a été coconservateur de Manifesta 7 à Trente, en Italie et de la première Biennale de Bruxelles. « Animism », son projet à long terme, a démarré à
33
Anvers (à l’Extra City et au MuHKA d’Anvers) et à la Kunsthalle de Bern en 2010
: il sera présenté dans différentes versions à la Generali Foundation de Vienne
(septembre 2011) et à la Haus der Kulturen der Welt à Berlin (mars 2012). Depuis
2011, Anselm Franke est chargé du programme théorique au Higher Institute for
Fine Arts (HISK) de Gand et enseigne, entre autres, à la HfG Karlsruhe. Il termine
actuellement son doctorat au Center for Research Architecture/Visual Cultures du
collège Goldsmiths, à l’université de Londres.
Dominique Gonzalez-Foerster est une artiste française travaillant avec vidéo
et installations. Elle a été lauréate du prix Marcel Duchamp en 2002. Elle vit et
travaille à Paris et à Rio de Janeiro. L’œuvre de Gonzalez-Foerster a d’abord été
exposée en Grande-Bretagne lors de l’exposition collective « Exhibit A » de 1992,
qui s’est déroulée à la Serpentine Gallery de Londres. En 1994, elle a participé
à l’exposition collective « The Winter of Love » au Musée d’Art moderne de la
Ville de Paris et à « Traffic » (en mars 1996, au CAPC) dont le conservateur était
Nicolas Bourriaud. En 2006, son œuvre a été exposée à la Biennale de São Paulo
et, en 2008, elle a produit une installation pour le Turbine hall de la Tate Modern
appelée TH.2058 — le titre étant un acronyme de « Turbine Hall [de l’an] 2058
», c’est-à-dire 50 ans dans le futur. Le 14 avril 2011, Gonzalez-Foerster a réalisé
une représentation de grande envergure, au musée Guggenheim de New York,
intitulée 2011.T.1912.
Denis Hollier est professeur de littérature française à l’université de New York. Il
a publié Against Architecture: The Writings of Georges Bataille (October, The MIT
Press), The Politics of Prose: Essays on Jean-Paul Sartre (University of
Minnesota Press) et Absent without Leave: French Literature in Front of Threat of
War (Harvard University Press).
Sandi Hilal est architecte à Bethléem. Elle exerce en tant que consultante à
l’UNRWA dans le cadre du programme d’amélioration des camps et en tant que
professeure invitée à l’ Al-Quds/Bard University d’Abu Dis-Jérusalem. Elle est
membre fondatrice de la DAAR—Decolonizing Architecture Art Residency. En
2006, elle a obtenu le titre de Docteur en recherche en politiques transfrontalières
pour la vie quotidienne, à l’université de Trieste. Elle a coécrit différents projets de
recherche publiés et diffusés sur le plan international : « Stateless Nation » en collaboration avec Alessandro Petti et « Border devices » avec le collectif Multiplicity.
Ses publications comprennent Senza Stato una Nazione (Marsilio, Venise 2003),
« Living Among the Dead » (Domus 880, avril 2005), « Road Map » (Equilibri, août
2004), La Stanza dei Sogni (Liguori Editore, 2004) et « Stateless Nation » (Archis,
aperçu n° 4, 2003). Ses projets ont été publiés dans des journaux et des magazines nationaux et internationaux comme the New York Times, The Guardian, Il
Manifesto, Al Ayyam, Al-Quds, Artforum et Archis.
34
Thomas Keenan enseigne les droits de l’homme, la littérature et la théorie sur les
médias au Bard College, dans lequel il est professeur invité de littérature
comparée et Directeur du Human Rights Project. Il est l’auteur de Fables of
Responsibility: Aberrations and Predicaments in Ethics and Politics (Stanford
University Press, 1997) et a coédité The End(s) of the Museum (Barcelona, 1996),
New Media, Old Media (Routledge, 2005), ainsi que Thinking in Dark Times
(Fordham University Press, 2009). Son prochain ouvrage, qui traitera des médias,
des conflits et des droits de l’homme, est intitulé Live Feed: Crisis, Intervention,
Media. Il exerce au sein des comités éditoriaux du Soros Documentary Fund, du
Journal of Human Rights, the Crimes of War Project, and Scholars at Risk et a
participé au groupe de réflexion de WITNESS.
Alex Klein est une artiste travaillant entre Los Angeles et Philadelphie, où elle
a été récemment nommée conservatrice de programme à l’ICA Philadelphia, de
l’université de Pennsylvanie. Cofondatrice d’Oslo Editions qui ont organisé et
publié la série de conférences CONTRA MUNDUM I-VII (en 2010), elle a édité
en 2009 un ouvrage fondamental sur la photographie, Words Without Pictures
(LACMA / Aperture, 2010). Elle a été conférencière invitée à la USC Roski School
of Fine Arts, UCLA et à l’Otis College of Art and Design et a assumé des fonctions
au Los Angeles County Museum of Art et au Metropolitan Museum of Art de New
York. Elle détient une maîtrise en beaux-arts obtenue à l’UCLA et une maîtrise en
histoire de l’art du Courtauld Institute of Art de Londres.
Suhail Malik est maître de conférences aux Critical Studies à Goldsmiths, à
Londres. Dans ses récents ouvrages figurent « Why Art? The Primacy of Audience
», Global Art Forum, Dubai (2011); « The Wrong of Contemporary Art: Aesthetics
and Political Indeterminacy » (en collaboration avec Andrea Phillips) dans
Reading Rancière (2011), « Screw (Down) The Debt: Neoliberalism and the
Politics of Austerity » dans Mute (2010), « You Are Here » pour Manifesta 8
(2010), « Civil Society Must Be, Like, Totally Destroyed » dans Sanity Assassin
(2010) et « Abu Ghraib and the Onto-Politics of the Spectacle » dans Episode
(2008).
Marion von Osten est artiste, auteure et conservatrice. Le principal intérêt de ces
projets réside dans les conditions modifiées de la production de l’œuvre culturelle
dans les sociétés postcoloniales, les technologies du soi et la gouvernance de
la mobilité. Elle exerce depuis 2006 le poste de professeur à l’Academy of Fine
Arts de Vienne. De 1999 à 2006, elle a été professeure de pratique artistique à
la HGK de Zurich, chercheuse à l’Institute for the Theory of Art and Design et à
l’Institute for Cultural and Gender Studies à la HGK de Zurich, ainsi que conférencière au programme d’Études critiques à la Malmö Art Academy. De 1996 à 1998,
elle a été conservatrice à la Shedhalle de Zurich. Elle a entre autres publié Das
Erziehungsbild. Zur visuellen Kultur des Pädagogischen (édité avec Tom Holert,
Vienne, 2010), Colonial Modern. Aesthetics of the Past. Rebellions for the Future
(édité avec Tom Avermaete et Serhat Karakayali, Londres 2010), Projekt Migration
(édité avec Aytac Erylmaz, Martin Rapp, Regina Römhild et Kathrin Rhomberg, à
35
Cologne en 2005), Norm der Abweichung, T:G 04 (Zurich/Vienne, en 2003),
MoneyNations (édité avec Peter Spillmann, Vienne en 2003) et Das Phantom
sucht seinen Mörder. Ein Reader zur Kulturalisierung der Ökonomie (édité avec
Justin Hoffmann, Berlin, 1999).
Alessandro Petti est architecte, urbaniste et chercheur à Bethléem. Il enseigne à
l’Honors College Al-Quds/Bard University d’Abu Dis-Jérusalem, il est directeur du
bureau de recherches de la DAAR—Decolonizing Architecture Art Residency. En
collaboration avec Sandi Hilal et Eyal Weyzman, il participe au projet de recherche
sur l’architecture de décolonisation, qui explore les possibilités et les problèmes
associés à la réutilisation, à la récupération et à la subversion des structures coloniales. En 2010, ils ont remporté le prix Claus Prize d’architecture et ont été présélectionnés pour le prix Chrnikov Prize. En 2006, il a obtenu le titre de Docteur
en recherche en urbanisme à l’université IUAV de Venise, sous la supervision du
professeur Giorgio Agamben. Petti a pris pour sujet l’ordre spatial émergent fondé
sur le le paradigme de la sécurité et du contrôle, dans son ouvrage Arcipelaghi e
enclave (Archipels et enclaves, Bruno Mondadori, Milan, 2007). Il a organisé différents projets de recherche sur la condition urbaine contemporaine comme
« Border devices » (de 2002 à 2007) avec le collectif Multiplicity et « Stateless
Nation » (de 2002 à 2007) en collaboration avec Sandi Hilal. De plus amples informations sont disponibles sur www.statelessnation.org. Ses publications récentes
sont : « Return to Nature » dans Ecological Urbanism (Lars Muller Publishers,
2010), « Asymmetries » dans State of Exception and Resistance in the Arab World
(Arab Unity Studies 2010), « Future Archaeology » (Afterall, février 2009), « Dubai
Offshore Urbanism » dans Heterotopia and the City (Routledge, 2008) et
« Temporary Zones. Alternative Spaces or Territories of Social-spatial Control? »
dans Post-it City (CCCB 2008).
Katya Sander est une artiste conceptuelle, qui se consacre notamment à
l’architecture, aux interventions, aux écrits et aux films qui explorent l’influence
de l’imaginaire sur les enjeux politiques, le quotidien et le langage. Pour Sander,
l’imaginaire ne se compose pas uniquement d’idées subjectives mais comporte
également des articulations et des projections collectives communes de ce qui est
possible et de ce qui peut être imaginé. L’architecture et le langage, ainsi que leur
rôle dans la production de signifiance et de sociabilité jouent ainsi un rôle central.
Fréquemment, au moyen de notion ou d’images spécifiques, Sander examine la
manière dont les imaginations sociales sont construites et en quoi elles influencent nos actions et nos réflexions. En particulier, l’élaboration de l’interaction avec
le spectateur et la consommation — et ainsi les enjeux du regard, du désir, du
discours et de la projection — dans la société contemporaine intéressent Sander.
La méthode de Sander associe les informations factuelles aux actions réelles,
positionnées à des niveaux divers de scènes ou de décors, aussi bien que le contraire : des actions ou des interventions réalisées dans le cadre des espaces, des
activités et des fonctions du quotidien — des espaces rarement réservés à l’art.
Sander étudie alors les relations entre le narratif et le réel, posant la question de la
manière dont la subjectivité politique prend naissance.
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Eyal Sivan est né en 1964 à Haïfa, en Israël, et a grandi à Jérusalem. Actuellement maître de conférences (professeur agrégé) dans la production de médias,
Sivan codirige le programme de maîtrise en film, vidéo et nouveaux médias à la
School of Humanities and Social Sciences, à l’université d’East London (UEL).
Après avoir exercé en tant que photographe professionnel à Tel-Aviv, Sivan a
quitté Israël en 1985 et s’est installé à Paris. Depuis lors, il partage son temps entre l’Europe et Israël. Connu pour ses films controversés, Sivan a dirigé plus de 10
documentaires politiques, auxquels ont été décernés des prix du monde entier, et
en a produit beaucoup d’autres. Son abondante œuvre cinématographique a été
présentée et récompensée par plusieurs prix dans de prestigieux festivals. Outre
la distribution dans les salles et les diffusions télévisées à l’échelle planétaire, les
films de Sivan sont régulièrement projetés à l’occasion de grandes expositions
dans le monde entier. Il publie et donne des conférences sur le conflit israélopalestinien, la réalisation de films documentaires, l’éthique, les crimes politiques
et leurs représentations, l’utilisation politique de la mémoire, le génocide et sa
représentation, et ainsi de suite. Sivan est le fondateur et le directeur artistique
de la société parisienne de production de films documentaires momento! et de
l’agence de distribution de films Scalpel. Il est le fondateur et le rédacteur en chef
de South Cinema Notebooks — un journal de cinéma et de critiques politiques
éditées par le Sapir Academic College d’Israël, où il donne régulièrement des conférences. Il est membre du comité éditorial de la maison d’édition parisienne La
Fabrique, ainsi que du journal d’études sociopolitiques français De l’Autre Côté.
Hito Steyerl vit et travaille à Berlin en tant que cinéaste documentaire et auteur.
Outre la philosophie, elle a étudié la cinématographie et la réalisation de films
documentaires à l’Academy of Visual Arts de Tokyo et à l’Academy of
Television and Film de Munich. Elle a publié des essais concernant les questions
de la mondialisation, de l’urbanisme, du racisme et du nationalisme (culturels).
Dans le cadre de ses recherches, elle s’intéresse aussi à la théorie politique, au
féminisme mondial et à la migration. Son dernier ouvrage s’intitule Die Farbe der
Wahreit (La couleur de la vérité), 2006.
Eyal Weizman est architecte, directeur du Centre for Research Architecture de
Goldsmiths, à l’université de Londres et du projet de recherche financé par l’ERC
sur l’architecture judiciaire. Depuis 2007, il est membre fondateur du collectif
architectural DAAR—Decolonizing Architecture Art Residency de Beit Sahour, en
Palestine. Weizman enseigne, donne des conférences, exerce en tant que conservateur et organise des congrès dans de nombreuses institutions du monde entier.
Parmi ses ouvrages figurent The Least of all Possible Evils (Nottetempo 2009,
Verso 2011), Hollow Land (Verso, 2007), A Civilian Occupation (Verso, 2003), la
série Territories 1, 2 et 3, Yellow Rhythms, et de nombreux articles dans des journaux, des magazines, et des livres publiés. Weizman est un intervenant régulier
et membre du comité éditorial de plusieurs journaux et magazines, parmi lesquels
Humanity, Cabinet et Inflexions. Il a travaillé avec nombre d’O.N.G. du monde
entier et a fait partie du conseil d’administration de B’Tselem’s. Weizman a reçu
le prix James Stirling Memorial Lecture en 2006 et en 2007, a été colauréat du
37
prix Prince Claus d’architecture (pour la DAAR) 2010 et a, entre autres, été invité
à prononcer les discours commémoratifs en hommage à Paul Hirst et à Edward
Said. Il a étudié l’architecture à l’Architectural Association de Londres et a obtenu
son doctorat au London Consortium/Birkbeck College.
Tirdad Zolghadr est conseiller d’études en chef et LUMA Foundation Fellow au
Center for Curatorial Studies au Bard College. Sont à mettre à l’actif de son travail
de conservateurla Biennale 2010 de Taipei en collaboration avec Hongjohn Lin,
le pavillon de l’UAE, la Biennale 2009 de Venise, « Lapdogs of the Bourgeoisie »
avec Nav Haq et la Biennale 2005 de Sharjah en compagnie de Jack Persekian
et Ken Lum. Il écrit pour le magazine frieze, est l’auteur de Solution 168-185 et
éditeur de Necessities (parus tous deux chez Sternberg Press, 2010). Son roman
Softcore a été publié en 2007 (Telegram Books, traduit en allemand et en italien),
le second roman sur lequel il travaille s’intitule Top Ten. Zolghadr est conseiller en
conservation pour l’Artist Pension Trust et envoyé spécial du magazine Cabinet.
Le Center for Curatorial Studies de Bard College (CCS Bard)
Le Center for Curatorial Studies de Bard College (CCS Bard) est un centre
d’exposition, d’enseignement et de recherche dédié à l’étude de l’art et aux
pratiques de conservation depuis les années 60 jusqu’à ce jour. En plus des CCS
Bard Galleries et du Hessel Museum of Art, le centre héberge la Marieluise Hessel
Collection, ainsi qu’une bibliothèque étendue et des archives accessibles au public. Le programme d’études de Maîtrise en curatoriat sur deux ans, proposé par le
Centre, est spécifiquement destiné à approfondir la compréhension des étudiants
relative aux tâches intellectuelles et aux pratiques curatoriales en matière d’art
contemporain. Des expositions sont présentées tout au long de l’année dans les
CCS Bard Galleries et au Hessel Museum of Art, offrant aux étudiants l’opportunité
de travailler avec des artistes et des conservateurs de renommée mondiale. Le
programme d’exposition et la Hessel Collection servent également de base pour
une large gamme d’activités et de programmes publics explorant l’art et son rôle
dans la société contemporaine.
Pour de plus amples informations, composez le +1-845-758-7598, faites parvenir
un courrier électronique à l’adresse [email protected] ou rendez-vous sur www.bard.
edu/ccs.
38
PRIX LUMA 2011
Remise du prix le 4 juillet à partir de 23h30. Entrée des Alyscamps, avenue des
Alyscamps
La première édition du prix LUMA s’est déroulée sous la forme d’une exposition
présentant 15 artistes, mettant tous la photographie au centre de leur pratique.
Elle a été présentée au Festival de la photographie lors des Rencontres d’Arles
2010. La gagnante du prix 2010, Trisha Donnelly (sélectionnée par Peter Fischli et
David Weiss) choisira le lauréat du prix LUMA 2011.
Les artistes nominés pour la récompense cette année, présentés dans un livret
distribué gratuitement, s’intéressent à la recherche, les archives et à tout ce qui
est, de manière générale, désormais connu sous le nom de « production du savoir
». Plutôt que de considérer l’art en tant qu’activité isolée, ils ont en commun la
conviction du rôle central joué par l’art et l’image dans une compréhension de
notre temps.
Les nominés pour le prix LUMA 2011 sont :
Shadi Habib Allah, Uri Aran, Kenneth Anger, Desire Machine Collective, Sharon
Hayes, Aaron Flint Jamison, Helen Marten, Raya Martin, Jonas Mekas,
Christodoulos Panayiotou, Trevor Paglen, James Richards, Albert Serra, Rania
Stephan et Erik Wysocan
Proposés par Tom Eccles, Liam Gillick, Hans Ulrich Obrist, Philippe Parreno et
Beatrix Ruf.
Présentés dans une publication spéciale de Mousse.
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EXPOSITIONS ET DÉBATS
OUVERTURE LE 4 JUILLET 2011
TRISHA DONNELLY DU 4 JUILLET AU 29 AOÛT, À L’ÉGLISE SAINT-HONORAT
DES ALYSCAMPS
Trisha Donnelly appartient à une génération d’artistes qui ont atteint leur maturité
professionnelle au cours de ces dix dernières années et dont la pratique semble
enracinée dans l’incommunicabilité et dans l’opacité.
Prenant souvent la forme de recueils d’objets sur différents supports, depuis les
assemblages de sculptures jusqu’aux dessins et aux photographies, les expositions de Donnelly taquinent le spectateur avec leurs suggestions de sens, tandis
que l’orientation à l’intérieur de ces espaces, rarement explicite, s’avère féconde
en possibilités.
Conservateurs : Hans Ulrich Obrist et Beatrix Ruf
DIFFÉRENTS EXTRAITS VIDÉO DU MONDE DU GEORGE KUCHAR
Du 4 au 12 juillet 2011, à l’Hôtel du Cloître
Tous les jours de 11h00 à 18h00. Environ 7h10 de cycle de projection intégrale
Trisha Donnelly présentera une sélection des œuvres du cinéaste américain
George Kuchar, qui a appartenu à l’univers underground du New York de Andy
Warhol, à l’Hôtel du Cloître.
Georges Kuchar a dirigé environ 200 films vidéo (dont plus de 15 avec son frère
jumeau Mike Kuchar), dont bon nombre sont des court-métrages d’étudiants de
ses cours au San Francisco Art Institute. Son œuvre a été archivée dans une
banque de données vidéo à l’adresse (http://www.vdb.org/artists/george-kuchar).
Dans la liste des 100 meilleurs films du XXe siècle du Critics Poll, initialement
parue dans le numéro du 4 janvier 2000 du Village Voice, Hold Me While I’m
Naked était classé 52ème.
DOUG AITKEN, ARLES : UNE VILLE D’IMAGES MOUVANTES DU 4 AU 12
JUILLET, PLACE DE LA RÉPUBLIQUE,
La projection quotidienne commence à 22h30. Le premier chapitre de l’installation
de Doug Aitken, Arles : Une ville d’images mouvantes, sera présenté place de la
République, la place principale d’Arles. Cette installation multimédia est composée
d’images filmées à Arles et en Camargue, projetées sur un écran spécial visible
des deux côtés. Un second chapitre de cette installation est programmé pour
octobre 2011 à la Grande halle du Parc des ateliers.
« La pièce en soi est une pièce unique qui ne sera jamais reproduite ni déménagée hors de ce cadre. Ce qui est primordial, pour moi, est que celle-ci soit créée
à partir de l’ADN de ce lieu mais qu’elle reste à jamais en lui. Elle est presque
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sise au beau milieu de cette prodigieuse grille invisible, que nous avons créée
afin de réaliser l’œuvre, et elle représente le gisement de toutes les anomalies et
de toutes les divisions du cadre s’assemblant pour ne plus créer qu’un paysage
imaginaire — presque holographique. »
Doug Aitken
DEBATS ET VISIONNAGES PUBLICS DU SOIR
4 juillet, à partir de 23h30 Entrée du site des Alyscamps, avenue des Alyscamps
Simon Baker, conservateur en photographie et art international au Tate Modern, et
Taryn Simon, artiste.
Hans Ulrich Obrist, codirecteur des expositions et programmes, et directeur des
projets internationaux à la Serpentine Gallery, et Hans-Peter Feldmann, artiste.
Beatrix Ruf, directrice et conservatrice de la Kunsthalle de Zurich et Juergen
Teller, photographe.
INFORMATIONS PRATIQUES
Pour obtenir des indications sur les modalités d’accès au site et des détails sur
les événements organisés par la Fondation LUMA au cours de l’été 2011, ainsi
que pour effectuer des réservations pour le colloque et les conférences publiques,
veuillez vous rendre au bureau de la Fondation LUMA à l’Hôtel du Cloître, 13200
Arles, ou composer le +33(0)4.90.96.54.07.
(Le bureau sera ouvert du 27 juin au 16 juillet). De plus amples informations sont
disponibles sur www.bard.edu/ccs
Pour les demandes émanant de la presse, veuillez contacter Brunswick Arts :
Maria Finders, à l’adresse [email protected]
ou Mustapha Bouhayati, à l’adresse [email protected]
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