heroes - galerie Kamel Mennour

Transcription

VENTE CARITATIVE EXCEPTIONNELLE
AU PROFIT DE L’INSTITUT IMAGINE
avec le soutien de CHRISTIE’S
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Lundi 17 octobre 2016
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Blum & Poe, Sadie Coles HQ, David Kordansky Gallery, Galerie kreo,
Dominique Lévy Gallery, Metro Pictures, neugerriemschneider,
Pace Gallery, Galerie Eva Presenhuber, Regen Projects,
Galerie Thaddaeus Ropac, Van de Weghe & kamel mennour
VENTE CARITATIVE EXCEPTIONNELLE
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UNE INITIATIVE DE KAMEL MENNOUR
AU PROFIT DE L’INSTITUT IMAGINE
avec le soutien de CHRISTIE’S
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Exposition des œuvres :
Mardi 11 octobre, de 11 h à 19 h
Mercredi 12 octobre, de 11 h à 19 h
Jeudi 13 octobre, de 11 h à 19 h
Vendredi 14 octobre, de 11 h à 19 h
Samedi 15 octobre, de 11 h à 19 h
Dimanche 16 octobre, de 11 h à 19 h
kamel mennour, 28 avenue Matignon, Paris 8e
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Dîner & vente :
Le lundi 17 octobre à 19 h 30
à l’Institut Imagine, 24 boulevard du Montparnasse, Paris 15e
avec la participation au marteau de Maître François de Ricqlès, président de Christie’s France
Maître de cérémonie : Guillaume Durand
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Pour toute information :
[email protected]
Institut Imagine • +33 1 42 75 44 67
kamel mennour • +33 1 56 24 03 63
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Ordres d’achat & enchères téléphoniques :
Jennifer Thomas, [email protected] • +33 1 40 76 85 61
« Redonnons leur enfance à tous nos petits héros.
Ensemble, nous serons plus forts dans le combat contre la maladie. »
Pr Stanislas Lyonnet & Kamel Mennour
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« We can be heroes, just for one day. »
David Bowie
Le succès de la première édition de « Heroes » a fait souffler un vent d’espoir dans les laboratoires
d’Imagine : la solidarité de tous a permis de gagner un temps précieux dans le développement
de nouveaux traitements.
Cette année, douze galeries internationales s’associent de manière tout à fait inédite autour
de Kamel Mennour pour soutenir l’Institut Imagine dans sa mission : comprendre et guérir les
maladies génétiques.
Aussi, fidèle à cette initiative de cœur, Christie’s s’engage cette année encore aux côtés de
l’Institut Imagine. Parce que des enfants du monde entier espèrent que l’on puisse un jour
nommer et guérir la cause de leur souffrance, nous avons besoin de démontrer notre capacité
à unir nos forces au-delà des frontières.
Des œuvres majeures, signées de grands artistes contemporains, vous sont proposées dans ce
catalogue. Grâce à votre générosité, grâce à vos enchères, elles auront le pouvoir d’inventer un
avenir plus serein pour tous les petits « Heroes » qui souffrent d’une maladie génétique. Nous comptons donc sur votre soutien sans faille aux chercheurs et médecins d’Imagine.
Merci par avance,
The success of the first “Heroes” charity auction was a boon to Imagine’s research labs, bringing
new hope and vigor. The funds raised through the generosity of donors and bidders will save
precious time in discovering treatments for genetic diseases.
This year’s event will be even more exciting as twelve international galleries show their
solidarity with the cause and join Kamel Mennour to support the Imagine Institute and its
mission to better understand and cure genetic diseases.
Loyal in its support of Imagine, Christie’s is committed to “Heroes” once again this year.
Because children around the world live in hope that their illness and suffering will one day
find a name and a cure, the international dimension of the auction demonstrates our ability
to bring people together across borders.
The catalog includes major works signed by contemporary artists. Through your participation
in the auction, these artworks will have the power to help make a better future for our young
heroes with genetic diseases.
“Heroes” would not be possible without your unflagging support for Imagine’s researchers and
medical staff.
Thank you in advance for your continuing support,
François de Ricqlès
Président, Christie’s France
HEROES,
UNE VENTE CARITATIVE EXCEPTIONNELLE
L’Institut Imagine, Kamel Mennour et Christie’s s’associent de nouveau pour défendre
les valeurs d’humanisme, d’ouverture et de créativité à l’occasion d’une seconde vente
caritative exceptionnelle au profit de l’Institut Imagine – lieu unique de recherche, de soins
et d’enseignement sur les maladies génétiques de l’enfant à l’adulte.
Les fonds récoltés seront entièrement investis dans la recherche et le développement de
nouveaux traitements. Rappelons qu’il faut entre 500 € et 1 500 €, selon les maladies, pour
séquencer l’ADN d’un patient et de ses parents en vue d’un diagnostic génétique.
Kamel Mennour est partenaire de l’Institut Imagine depuis sa création. En 2014, l’artiste
François Morellet et Kamel Mennour s’associaient pour offrir une installation monumentale
3 arcs de néon inclinés à 0°-90°-45° sur l’un des trois pignons donnant sur le jardin d’Imagine
pour soutenir les familles, les médecins et les chercheurs mobilisés pour guérir les maladies
génétiques. En septembre 2015, lors de la première vente « Heroes » initiée par Kamel
Mennour, près de 3 millions d’euros avaient pu être collectés pour Imagine. Grâce à la
générosité des enchérisseurs et donateurs, Imagine a pu financer l’intégration du laboratoire
de bio-informatique clinique d’Antonio Rausell. D’autres projets stratégiques ont été initiés
et accélérés par ce fabuleux élan de générosité : la création d’une plate-forme dédiée au
développement de modèles par la méthode « Crispr-Cas9 », ou encore l’entrée en phase
clinique d’une découverte qui permettrait aux patients receveurs de greffes d’éviter de subir
une chimiothérapie (traditionnellement utilisée pour diminuer le risque de rejet du greffon). Cette initiative de cœur s’inscrit donc dans le prolongement de ces deux premières actions,
et vise une nouvelle levée de fonds déterminante pour l’avenir de l’Institut. Imagine a en
effet besoin de renforcer ses plate-formes technologiques, notamment la plate-forme de
cellules induites pluripotentes (iPS) ; mais aussi d’accélérer l’application thérapeutique de
ses découvertes en doublant les essais cliniques tout comme le nombre de patients inclus
dans ces études.
À l’image des 850 chercheurs, médecins, étudiants ou ingénieurs du monde entier qui
œuvrent à l’Institut, cette nouvelle vente caritative d’exception, animée par Christie’s,
est rendue possible grâce à la générosité de dix-sept artistes de renommée internationale
et de treize galeries de Los Angeles, New York, Londres, Berlin, Zurich ou encore Paris :
Blum & Poe, Sadie Coles HQ, David Kordansky Gallery, Galerie kreo, Dominique Lévy
Gallery, Metro Pictures, neugerriemschneider, Pace Gallery, Galerie Eva Presenhuber,
Regen Projects, Galerie Thaddaeus Ropac, Van de Weghe et kamel mennour ; mais aussi
de différentes personnalités et de grandes maisons ayant toutes accepté de proposer des
expériences uniques.
HEROES,
AN EXCEPTIONAL CHARITY AUCTION
The Imagine Institute, Kamel Mennour, and Christie’s are once again joining forces to defend
humanism, openness and creativity by organizing a second charity auction benefitting the
Imagine Institute, a unique research, training and clinical care center for genetic diseases
affecting children and adults.
The funds raised will be invested in research and the development of new treatments for
genetic diseases. It is important to remember that the cost of sequencing DNA from a patient
and family members in order to establish a genetic diagnosis ranges from €500 to €1,500,
depending on the disorder.
Kamel Mennour has been a partner of the Imagine Institute since its founding. In 2014,
he and François Morellet gifted Imagine with the monumental installation 3 arcs de néon
inclinés à 0°-90°-45°, which has remained on one of the Institute’s garden walls in support
of the families, physicians and scientists working together to cure genetic diseases. The first
“Heroes” auction in September 2015, also organized at the initiative of Kamel Mennour with
the support of Christie’s, raised nearly €3 million for Imagine. Thanks to the generosity of
bidders and donors, Imagine was able to finance the creation of its new Clinical Bioinformatics
lab, under the directorship of Antonio Rausell. Such incredible outpouring of support also
allowed other strategic projects to be launched or given a crucial boost, including a new model
development tool for the Crispr-Cas9 genome editing method and entry into the clinical
phase of an innovative technique allowing patients receiving transplants to avoid undergoing
chemotherapy (traditionally used to reduce the risk of graft rejection). This October we will
continue in the spirit of these two previous initiatives with the goal of raising funds vital for
the future of Imagine. In order to move forward, the Institute needs to strengthen its core
facilities, in particular its equipment for the generation, maintenance and characterization
of induced pluripotent stem (iPS) cell lines, and to speed up the use of its findings in therapy
by doubling its clinical trials and the number of enrolled patients. Drawing inspiration from
the tireless efforts of the 850 scientists and clinicians from around the world committed
to meeting Imagine’s objectives, this initiative is made possible thanks to the generosity of
thirteen art galleries in Los Angeles, New York, London, Berlin, Zürich, and Paris: Blum &
Poe, Sadie Coles HQ, David Kordansky Gallery, Galerie kreo, Dominique Lévy Gallery, Metro
Pictures, neugerriemschneider, Pace Gallery, Galerie Eva Presenhuber, Regen Projects, Galerie
Thaddaeus Ropac, Van de Weghe, and kamel mennour; seventeen internationally renowned
artists; as well as various other leading cultural figures, all of whom have agreed to offer unique
experiences.
ŒUVRES
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WORKS
12
LOT 1
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HAROLD ANCART (Belgique / Belgium, 1980-)
La Nuit Encore et Encore, 2011
Craie grasse sur papier, ensemble de trois dessins / Oilstick on paper, set of three drawings
114,9 x 74,9 cm (chq. / each) / 130 x 89 cm (avec cadre / with frame)
Pièce unique / Unique piece
Estimation / Estimate : Prix sur demande / Price upon request
Provenance : C.L.E.A.R.I.N.G., New York •
Collection personnelle de Christophe Van de Weghe, New York
Le travail d’Harold Ancart mêle peinture, dessin et divers autres médiums au sein
d’installations pointant les contextes sociaux et architecturaux des espaces dans lesquels
l’artiste intervient. « J’aime à penser mes expositions moins comme des successions d’objets
à contempler, que comme des zones de tensions entre des zones de vide ». La subtilité de ses
interventions dans l’espace va de pair avec son utilisation de matériaux évanescents qui ne
subsistent dans l’œuvre qu’à l’état de traces : encre, poussière de charbon, suie, tâches noirâtres
de brûlures. Présentant un intérêt manifeste pour les paysages et les formes biomorphiques,
l’artiste combine béton, résine epoxy et volumes en acier sculpté, avec des photographies
trouvées à demi consumées et des peintures abstraites.
Harold Ancart combines paintings, drawings, and mixed media sculptures into large
installations that draw attention to the social and architectural condition of the space in
which the work is exhibited. “I like to envision exhibits not so much as a succession of objects
to be looked at, but as tensions created between the various zones of emptiness.” The subtlety of
Ancart’s interventions into space mirror his use of evanescent materials for mark-making; he
incorporates ink, charcoal powder, soot, and dark traces left behind by flames into his works.
Presenting concrete, epoxy resin, and steel sculptures alongside burnt found photographs and
abstract paintings, Ancart displays an interest in biomorphic forms and landscapes.
© The Artist, courtesy Van de Weghe, New York
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LOT 2
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RONAN & ERWAN BOUROULLEC (France, 1971-, 1976-)
Console “ Y-220” - Collection Y, 2016
Métal et cuir / Metal and leather
74 x 220 x 40 cm
Éditeur / Producer : Galerie kreo
Prototype 1/2 (édition de 8 / edition of 8, + 2 épreuves d’artiste / artist proofs)
Numérotée et signée / Numbered and signed
Provenance : Galerie kreo, Paris/London
Les frères Ronan et Erwan Bouroullec développent depuis plus de quinze ans une œuvre
commune reconnue par les plus grandes institutions internationales. Plusieurs expositions
monographiques leur ont été dédiées ces dernières années, notamment au Museum of
Contemporary Art de Chicago, au Design Museum et au Victoria & Albert Museum de
Londres, au Museum Boijmans Van Beuningen de Rotterdam et récemment au musée des
Arts décoratifs à Paris et au Centre Pompidou-Metz. Les frères Bouroullec mènent un travail d’une grande exigence et d’une grande délicatesse.
Ils imaginent des meubles et objets aux lignes minimales, souvent inspirées par l’univers
végétal, et toujours avec le souci de l’intégration dans l’espace architectural et de
l’usage quotidien.
Avec la console “Y-220”, on retrouve la douceur du cuir, le contraste du métal, des lignes
souples et tendues, emblématiques de leur travail.
The work developed by Ronan and Erwan Bouroullec over the last 15 years has been embraced
today by the most important institutions all over the world. The brothers have been the subject
of a number of recent retrospective exhibitions including at the Museum of Contemporary Art
in Chicago, the Design Museum and the Victoria & Albert Museum in London, the Museum
Boijmans Van Beuningen in Rotterdam, and lately the musée des Arts décoratifs in Paris and
the Centre Pompidou-Metz.
Their minimalistic designs are rigorous yet delicate. Often inspired by nature, they are built
for everyday use and to be incorporated into given architectural environments. With its
contrasting smooth leather and metal, its graceful and definite lines, the “Y-220” console is an
iconic example of their work.
© The Artists, courtesy Galerie kreo, Paris/London
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LOT 3
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BRASSAÏ (Hongrie / Hungary, 1899-1984)
1 • Sculpture de Germaine Richier, Don Quichotte à la lance, vers 1955 - Circa 1955-1959
Épreuve gélatino-argentique / Gelatin silver print, 29,9 x 22,7 cm
2 • Sculpture de Germaine Richier, L’homme de la nuit, vers 1955 - Circa 1955-1959
Épreuve gélatino-argentique / Gelatin silver print, 29,2 x 21 cm
3 • Sculpture de Germaine Richier, L’Ouragane, vers 1955 - Circa 1955-1959
4 • Sculpture de Germaine Richier, Le Diabolo, vers 1955 - Circa 1955-1959
5 • Sculpture de Germaine Richier, La reine, vers 1955 - Circa 1955-1959
6 • Sculpture de Germaine Richier, La Tauromachie, vers 1955 - Circa 1955-1959
Épreuve gélatino-argentique / Gelatin silver print, 30 x 23 cm
7 • Sculpture de Germaine Richier, Le cavalier, vers 1955 - Circa 1955-1959
8 • Sculpture de Germaine Richier, Le fou, vers 1955 - Circa 1955-1959
Épreuve gélatino-argentique / Gelatin silver print, 30 x 15,4 cm
9 • Sculpture de Germaine Richier, Le roi, vers 1955 - Circa 1955-1959
10 • Sculpture de Germaine Richier, vers 1955 - Circa 1955-1959
11 • Sculpture de Germaine Richier, vers 1955 - Circa 1955-1959
Toutes estampillées au verso / All stamped on the reverse : BRASSAÏ / 81, RUE DU FAUBU St.
JACQUES / PARIS – XIV PORT-ROYAL 23-41 ; MARC DACHY /3 3 avenue Jean Moulin /7 5014 Paris
Provenance : Dominique Lévy Gallery, New York • Bernard Lamarche-Vadel Collection •
Christie’s Paris (09/10/13, lot 187) • Collection privée / Private collection
Littérature / Literature :
- Germaine Richier, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Musées Nationaux, Paris, 1956, n° 1.
- Germaine Richier 1904-1959, Galerie Colette Creuzevault, Paris, 1966.
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Ce n’est qu’au printemps 1930 que Brassaï commence à photographier « pour saisir la beauté des
rues, des jardins, dans la pluie et le brouillard, [...] pour saisir la nuit de Paris », dit-il.
Réalisées au milieu des années 1950, ces photographies rendent hommage à l’œuvre de Germaine
Richier. Prises dans l’atelier de l’artiste, elles témoignent de la force créatrice de sa contemporaine.
It was not until the spring of 1930 that Brassaï started to take photographs, “in order to catch
something of the beauty of the streets, the gardens, in the rain and the fog, [...] to catch something
of Paris at night”, as he said.
This series of photographs, taken in the mid-1950s, pays homage to the work of Germaine
Richier. Taken in the artist's studio, they bear witness to the creative force of this contemporary
of Brassaï’s.
Courtesy Dominique Lévy Gallery, New York
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LOT 4
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PIER PAOLO CALZOLARI (Italie / Italy, 1943-)
Untitled, 2014
Plomb, colorants, alcool / Lead, dyes, alcohol
98,3 x 188 x 2 cm
Provenance : L’artiste / The artist & kamel mennour, Paris/London
Pier Paolo Calzolari est peintre, sculpteur et performeur. Actif dès 1965, l’artiste porte son
projet artistique à maturation dans la période allant de 1967 à 1972 ; apparaissent alors les
matériaux qui vont ensuite devenir récurrents dans son travail : le sel, le cuivre, le feu, la
glace, le plomb, l’étain, le lichen, les feuilles de tabac, le néon, etc. Durant cette phase, il fait
partie du groupe d’artistes italiens que le critique Germano Celant désigne par l’appellation
« arte povera », qui indique une attitude commune de remise en question culturelle, plus
qu’un véritable mouvement artistique. Après 1972, l’artiste débute une recherche personnelle
et anticonventionnelle sur la peinture, explorant plusieurs types de supports. Intéressé depuis
toujours par la transformation alchimique de la matière et donc par le passage du temps, Pier
Paolo Calzolari utilise ainsi dans son travail des matériaux et des objets hétérogènes, issus de
traditions et d’environnements divers, qui entrent selon les mots de l’artiste « en conversation »
pour révéler leur potentiel poétique et leurs implications symboliques.
Pier Paolo Calzolari is a painter, sculptor and performer. He began to work as an artist in 1965,
bringing his project to its maturity in the period from 1967 to 1972. These were the years that
saw the appearance of the materials that would become a recurrent feature of his work: salt,
copper, fire, ice, lead, brass, lichen, tobacco leaves, neon... During this phase of his practice
he belonged to a group of Italian artists that the critic Germano Celant dubbed “arte povera”.
The name indicated a common attitude of cultural questioning rather than a veritable art
movement. After 1972, Calzolari began a personal and anti-conventional investigation into
painting, exploring different kinds of backing to his paintings. With his long-standing interest
in the alchemical transformation of matter and hence in the passage of time, Calzolari chose to
work with heterogenous objects and materials from diverse environments. These objects and
materials, in the words of the artist, “enter into conversation”, revealing their poetic potential
and their symbolic implications.
© The Artist, courtesy kamel mennour, Paris/London
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LOT 5
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PIERRE CHARPIN (France, 1962-)
“M&C” High Console – Collection Marble & Clown, 2015
Marbre noir Marquina / Marquina black marble
90 x 140 x 36 cm
Édition / Edition 1/8 (+ 2 épreuves d’artiste / artist proofs, + 2 prototypes)
Plasticien de formation, Pierre Charpin se consacre depuis les années 1990 à la conception
d’objets et de mobilier. Il mène de front des projets de recherche autour du verre avec le CIRVA
ou de la céramique avec le CRAFT et la manufacture de Sèvres, mais aussi des créations pour
des éditeurs de renommée internationale. Nombre de ses œuvres font partie des collections
des plus prestigieuses institutions telles le musée des Arts décoratifs, le Grand-Hornu ou le
Fonds National d’Art Contemporain. Une rétrospective de son travail fut présentée à la villa
Noailles en 2015.
La console “M&C” est sculptée dans un bloc de marbre. Tel qu’il l’exprime, « le retrait se manifeste
comme une évidence ». Le designer, à l’image de la forme, se fait ici discret pour mieux mettre
en exergue les potentialités du marbre.
Pierre Charpin vient d’être nommé « Designer de l’année » pour 2017.
Artist by training, since the 1990s Pierre Charpin has been making objects and furniture. He has
projects investigating glass at the CIRVA, and ceramics in collaboration with the CRAFT and
the manufacture de Sèvres, as well as designing for internationally renowned manufacturers.
His works have joined the collections of some of the most prestigious institutions including
the musée des Arts décoratifs in Paris, the Grand Hornu in Belgium, and the Centre Pompidou.
A retrospective exhibition was held in villa Noailles in 2015.
The “M&C” console has been sculpted from a block of marble. The designer emphasizes the
potential of the material by patiently shaping and emptying the raw stone because “marble is
all about removal” and it is through the console that “this idea of removal is fully in evidence.”
Pierre Charpin has been named “Designer of the Year” for 2017.
© The Artist, courtesy Galerie kreo, Paris/London
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LOT 6
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SHANNON EBNER (États-Unis / USA, 1971-)
Symbolic Command Signals No. 1, 2 & 3, 2009
Tirages chromogéniques / Chromogenic prints
160 x 114,3 cm (chq. / each) / 162,2 x 116,7 x 5 cm (avec cadre / with frame)
Édition / Edition 4/4 (+ 2 épreuves d’artiste / artist proofs)
Estimation / Estimate : Prix sur demande / Price upon request Provenance : Sadie Coles HQ, London
Shannon Ebner joue sur les limites existant entre image et texte, sur la frontière séparant
le vu et le lu. L’artiste excelle à détourner notre attention vers la forme architecturale, le
« squelette » sous-jacent des mots et de leur assemblage par la typographie, mais aussi des
signes et des symboles peuplant l’univers visuel de notre quotidien de citadins. Son travail est
une exploration du graphisme langagier, par le truchement de signes qu’elle utilise tels quels
ou en les reconformant.
Dans le tryptique Symbolic Command Signals No. 1, 2 & 3, Shannon Ebner combine trois
photographies grand format de signaux lumineux, allumés/éteints, régulant la circulation
sur les passages piétons. Dans ces images prises en très gros plan, ces signes qui rythment
nos trajets dans la ville sont sortis de leur contexte et grossis au point d’en acquérir un sens
« fautif ». En effet, par le chevauchement des trois phases consécutives du signal, Shannon
Ebner télescope le symbolisme graphique au point de lui faire signifier simultanément l’ordre
et le contre-ordre.
Shannon Ebner’s art tests the boundary between image and text, seeing and reading. It often
coaxes our attention towards the formal architecture or underlying ‘bone structures’ of words
and typography, as well as the signs and symbols that populate everyday urban scenery. Her
works explore graphic language through signs that are both found and constructed.
In the triptych Symbolic Command Signals No. 1, 2 & 3, Ebner combines three large-scale
photographs of pedestrian-crossing signals, lit and unlit. In these closely-cropped images,
the ubiquitous municipal signals are isolated and magnified to expose a ‘misprint’. While the
purpose of these signs is to direct us when to walk or not walk, Ebner’s images depict one sign
at three consecutive intervals in which graphic symbols accidentally overlap and morph into
‘walk’ and ‘don’t walk’ at the same time.
© The Artist, courtesy Sadie Coles HQ, London
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LOT 7
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OLAFUR ELIASSON (Danemark-Islande /
Denmark-Iceland, 1967-)
Ultraviolet lava lovers, 2010
Acier inoxydable, pierres de lave, câbles, ampoules
/ Stainless steel, lava rocks, cables, bulbs
130 x 33 cm ø / 163 x 45 cm ø
Estimation / Estimate : Prix sur demande /
Price upon request
Provenance : L’artiste / The artist ;
courtesy neugerriemschneider, Berlin
Depuis 25 ans, l’artiste islando-danois Olafur Eliasson élabore une œuvre aux multiples facettes,
où se côtoient l’installation, la sculpture, la photographie, le cinéma et l’architecture, parfois
tous combinés dans des œuvres d’une formidable dynamique et efficacité formelle.
Pour Ultraviolet lava lovers, Olafur Eliasson a recours à deux de ses matériaux de prédilection : la
lumière et la roche volcanique. Perchés au sommet de leur support métallique, deux spécimens
de lave durcie enchâssent des dispositifs lumineux générant un halo violet. Placées côte à
côte, les deux parties de l’œuvre semblent s’observer, créant ainsi une tension qui évoque les
amoureux auxquels le titre de l’œuvre fait allusion.
For over twenty-five years, Danish-Icelandic artist Olafur Eliasson has created a diverse body of
work ranging from installation to sculpture, photography, film, and architecture, often fusing
these elements in formally precise, dynamic ways. For Ultraviolet lava lovers, Eliasson expands
on his continued engagement with the use of of lighting elements and volcanic rock. Perched
atop metal stands, two pieces of the once molten lava partially encase light fixtures exuding a
purple glow. When placed together, the two parts of the work seem to stare at one another,
creating a tension between them and evoking the lovers alluded to in the work's title.
© The Artist, courtesy neugerriemschneider, Berlin
26
LOT 8
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SAM FALLS (USA, 1984-)
Untitled (Venice, CA, Palm drawing 11, diptych), 2014
Pigment sur papier, diptyque / Pigment on paper, 2-parts
46,5 x 61 cm (chq. / each) / 47 x 62,5 x 4,5 cm (avec cadre / with frame)
Provenance : Galerie Eva Presenhuber, Zürich
C’est sa passion pour la physique théorique, alors qu’il était encore adolescent, qui a éveillé
chez Sam Falls un intérêt pour la photographie. Son travail trace depuis des parallèles entre ces
deux disciplines, en se concentrant sur la couleur et la lumière. Déclinant dans ses œuvres une
grande variété de thèmes et de sujets et usant de différents styles et médiums, l’artiste emploie
souvent les objets de son quotidien comme supports pour ses recherches. Éclatantes de
couleurs et vibrantes d’émotions, ses œuvres posent avec beaucoup de finesse de nombreuses
questions relatives à la photographie et à l’art conceptuel. Sam Falls n’est pas seulement
photographe, mais également écrivain, peintre, vidéaste et commissaire d’expositions.
Sam Falls’s interest in photography began during his teenage years stemming from his interest
in theoretical physics. His work draws parallels between the two disciplines through their
focus on color and light. As an artist Falls moves between varied themes and subject matter in
his work, and he also experiments with different styles and mediums. Falls often uses personal
fixtures in his life as the subject of his work. His works are full of vibrant color and emotion
and hint at larger questions concerning photography and conceptual art. Falls is not only a
photographer but also a writer, painter, videographer, and a curator.
© The Artist, courtesy Galerie Eva Presenhuber, Zürich
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LOT 9
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SAM GILLIAM (États-Unis / USA, 1933-)
Solstice IX, 2016
Aquarelle sur papier de riz / Watercolor on rice paper
185,4 x 97,8 cm / 193,7 x 106 x 3,8 cm (avec cadre / with frame)
Signée et datée en bas à droite sur le devant / Signed and dated
on the bottom right on the front
Provenance : David Kordansky Gallery, Los Angeles, CA
C’est en 1967 que Sam Gilliam a entrepris de plier, tordre ou froisser ses feuilles de papier ou
ses toiles avant de les colorer respectivement à l’aquarelle et à l’acrylique. Contrevenant aux
canons en vigueur à la Washington D.C. Color School, il mit ainsi au point une des premières
innovations formelles dans l’abstraction américaine de l’après-guerre : de support, la toile
devenait médium. N’ayant de cesse de renouveller son processus de création, l’artiste utilise
aujourd’hui des pigments de couleurs vives, avec lesquels il imbibe du papier de riz qu’il a au
préalable plié. Grâce aux interventions en partie volontaires et en partie accidentelles ayant
présidé à leur répartition, les teintes radieuses s’apparient et s’entremêlent laissant apparaitre
des formes en miroir qui rythment la surface des œuvres. Particulièrement riche et contrasté, le
procédé d’encrage de Sam Gilliam conserve malgré tout la légèreté de l’aquarelle, générant sur
ce papier particulier une impression de densité quasi atmosphérique. Les tonalités sombres ou
claires se juxtaposent le long des lignes du pliage, dessinant comme un relief sculptural, tandis
que les aplats semblent onduler ou se plisser sous nos yeux. In 1967 Gilliam began folding, bunching, and crumpling his paper and canvas painting substrates
before staining them, respectively, with watercolor or thinned acrylic. Breaking from the flatness
and pure opticality of his Washington D.C. Color School peers, he initiated one of the signal
formal innovations in postwar American abstraction: treating the canvas as a physical medium
itself. Now soaking mesmerizingly vibrant pigments into folded rice paper, Gilliam updates his
own tradition, and incites new and timely dramas of amorphous color. Following from interactions
both intentional and incidental, radiant hues bleed together and overlap in chance encounters,
and forms mirror each other rhythmically over structuring creases. Gilliam’s particularly rich,
high-contrast, and aqueous staining generates an expansive sense of atmospheric depth across
the paper. Dark and light tones juxtaposed along the fold lines appear as if in sculptural relief, and
the flattened sheet looks as though it is corrugated or pleated.
© The Artist, courtesy David Kordansky Gallery, Los Angeles, CA
30
LOT 10
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KONSTANTIN GRCIC (Allemagne / Germany, 1965-)
“Nada ” Table - Collection Champions , 2011
Aluminium laqué et plateau en verre / Lacquered aluminium and glass top
75 x 150 cm ø
Sacré « Designer de l’année » en 2016, Konstantin Grcic est une des figures emblématiques du
design. À travers ses créations se dessine une esthétique radicale. La plupart de ses produits
ont reçu des prix internationaux tels que le Compasso d’Oro et font partie des collections
permanentes de prestigieux musées tels le MoMA, le Victoria & Albert Museum de Londres,
le Centre Pompidou… Des expositions monographiques de son travail ont également été
présentées à travers le monde, notamment au Museum Boijmans Van Beuningen de Rotterdam,
à la Haus der Kunst de Munich, au Art Institute de Chicago, à la Serpentine Gallery de Londres
ou plus récemment au Bielefeld Museum. La table “Nada” fait partie de la collection Champions développée pour la Galerie kreo. Grcic
conçoit une nouvelle structure très épurée et légère, en aluminium, laquée à la main comme
une voiture de course (plus d’une dizaine de couches de laque) ; et qui porte un langage
graphique très inspiré du sport, entièrement conçu par le designer : logos, couleurs… Une
pièce emblématique de son travail.
Winner of the “Designer of the Year” Award in 2016, Konstantin Grcic is a leading figure in
design. A radical aesthetics makes its appearance in his work. Most of his creations have been
awarded international prizes, including the Compasso d’Oro, and can be found in the permanent
collections of MoMA in New York, the Victoria & Albert Museum in London, and the Centre
Pompidou in Paris. Retrospective exhibitions of his work have been held worldwide, including
at the Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam, the Haus der Kunst in Munich, the Art
Institute in Chicago, the Serpentine Gallery in London, and recently the Bielefeld Museum.
The “Nada” table, exclusively designed for Galerie kreo, is part of their Champions collection.
Grcic has created a clean, light aluminum structure, hand painted with 12 layers of paint like
a sports car, and decorated with a sports-inspired graphic design entirely conceived by the
designer. Logos, colors... A truly representative example of Konstantin Grcic’s work.
© The Artist, courtesy Galerie kreo, Paris/London
32
LOT 11
•
HUANG YONG PING (Chine / China, 1954-)
Empires - Monumenta 2016 (maquette à l’échelle 1/50), 2016
Cuivre doré, laiton, Trespa, chêne massif, résine, peinture noire, broderie /
Copper, brass, metal, Trespa, oakwood, resin, black paint, embroidery
205 x 501 x 305 cm
Estimation / Estimate : Prix sur demande / Price upon request Provenance : L’artiste / The artist & kamel mennour, Paris/London
Historique des expositions / Exhibition History :
- kamel mennour, Paris (10/05 – 18/06, 2016)
Littérature / Literature : - Huang Yong Ping, Empires – Monumenta 2016, Réunion des musées nationaux – Grand Palais, 2016.
- Huang Yong Ping, Empires – Monumenta 2016, Beaux Arts éditions, 2016.
Artiste invité de l’édition 2016 de Monumenta au Grand Palais, Huang Yong Ping a conçu
une installation gigantesque, nommée Empires, qui figure parmi les plus vastes projets d’art
jamais réalisés en intérieur, atteignant 29 mètres de hauteur pour une surface totale de
4 330 m2. Cette œuvre est décrite par Jean de Loisy comme « un paysage symbolique du monde
économique d’aujourd’hui ». L’artiste a représenté « la modification du monde, les métamorphoses
des puissances politiques et économiques, l’ascension de nouvelles régions géographiques, le
déclin d’anciens empires et l’apparition provisoires de nouveaux candidats à la puissance et les
violences que ces ambitions provoquent ». Véritable copie miniature de l’installation du Grand
Palais, cette maquette rend compte du processus de création de l’artiste. Elle est à la fois une
esquisse, un instrument de travail et une œuvre d’art en soi.
In 2016, for Monumenta at the Grand Palais, Huang Yong Ping created a gigantic installation
entitled Empires. Reaching a maximum height of 29 meters and covering an area of 4 330
square meters, Empires was one of the largest indoor installations ever realized. Jean de Loisy
describes the work as “a symbolic landscape of today’s economy”. According to him, Huang Yong
Ping depicted our “changing world, the transformations undergone by political and economic
powers, the rise of new geographical regions, the fall of old empires and the appearance in the
interim of new candidates to power, with the violence such ambitions are prone to unleash.” This
model, a complete miniature of the installation at the Grand Palais, shows the artist’s creative
process. It is at once a sketch, a work tool, and a work of art in its own right.
34
LOT 12
•
ANSELM KIEFER (Allemagne / Germany, 1945-)
Untitled, 2014
Émulsion au gélatino-bromure d’argent et techniques mixtes sur photographie, cadre de
l’artiste / Silver emulsion and mixed media on photograph, artist frame
65 x 124 x 8 cm
Provenance : Galerie Thaddaeus Ropac, Paris/Salzburg
L’œuvre d'Anselm Kiefer est profondément ancrée dans l'histoire de son pays d’origine,
l’Allemagne. Né quelques mois avant la fin de la Seconde Guerre mondiale, l’artiste n’a de cesse
d’interroger la mémoire vive de ce passé tragique. Le site de Tempelhof à Berlin, immense
complexe construit dans les années 1930 et désormais converti en parc public, fait partie
intégrante de l’histoire récente de la ville. Il est également considéré par beaucoup comme un
précurseur des aéroports de la fin du 20e siècle pour sa démesure.
Cette œuvre a été présentée au Centre Pompidou lors de la rétrospective consacrée à l’artiste
du 16 décembre 2015 au 18 avril 2016.
Anselm Kiefer’s work is rooted in the history of Germany, his native country. Born a few
months before the end of the Second World War, he keeps interrogating the painful memories
of this tragic past. Berlin Tempelhof airport, a vast architectural complex built in the 1930s and
now converted into a public site, is embedded in the city’s recent history. It is also regarded by
many as an early model for the oversized airports of the late 20th century.
This work was exhibited on the occasion of the retrospective dedicated to the artist at Centre
Pompidou from December, 16th 2015 to April, 18th 2016.
© The Artist, courtesy Galerie Thaddaeus Ropac, Paris/Salzburg
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LOT 13
•
CLAUDE LÉVÊQUE (France, 1953-)
La vie en rose, 2016
Néon multicolore : rose, vert, bleu, mauve / Multicolored neon: pink, green, blue, purple
19 x 100 cm
Écriture / Writing : Romaric Étienne
Épreuve d’artiste / Artist proof 1/2 (édition de 5 / edition of 5)
Provenance : L’artiste / The artist & kamel mennour, Paris/London
Artiste majeur de la scène contemporaine internationale, invité en 2014 et 2015 par le
musée du Louvre à proposer une création spécifique, en deux volets, pour la Pyramide et les
fossés médiévaux, Claude Lévêque utilise le néon pour sa valeur de standard universel en
reproduisant des phrases ou de simples mots dans une graphie tremblée et fragile — ici celle
de Romaric Etienne —, qui contient en soi toute la philosophie de l’œuvre de Claude Lévêque
et renvoie le spectateur à son propre vécu. Ces phrases sont des fragments de langage, des
affirmations libératoires et incantatoires, telle une correspondance poétique d’états d’âmes.
Claude Lévêque is a major figure on the international contemporary arts scene, invited by
the Louvre Museum to create two site-specific works, for the Louvre Pyramid in 2014 and
for its medieval foundations in 2015. Claude Lévêque employs neon as a universal standard
using it to reproduce sentences or simple words in a trembling, fragile script, in this case that
of Romaric Etienne. Such handwriting contains his work’s whole philosophy, throwing the
viewer back on her own experiences. These sentences are fragments of language, liberating,
incantatory affirmations, like poetically corresponding states of mind.
38
LOT 14
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GLENN LIGON (États-Unis / USA, 1960-)
Stranger Study #28, 2016
Craie grasse et poussière de charbon sur toile / Oil stick and coal dust on canvas
101,6 x 76,2 cm
Provenance : Regen Projects, Los Angeles, CA
Glenn Ligon est l’une des figures emblématiques de cette génération d’artistes de la fin
des années quatre-vingt, dont les recherches conceptuelles interrogent les soubassements
sociaux, linguistiques et politiques des notions de race, de genre, ainsi que de la sexualité en
général. L’œuvre Strangers Study #28 reprend un fragment du célèbre essai de James Baldwin,
Stranger in the Village, qui relate l’expérience de l’auteur installé pour quelque temps dans une
bourgade suisse reculée ; et le met en perspective avec la situation politique de l’Amérique des
droits civiques d’une part, et la relation coloniale entre l’Europe et l’Afrique d’autre part.
Glenn Ligon is at the forefront of a generation of artists who came to prominence in the
late 1980s with conceptually based work that investigates the social, linguistic, and political
constructions of race, gender, and sexuality. Stranger Study #28 excerpts a fragment of James
Baldwin’s seminal essay Stranger in the Village, that recounts the author’s experience of being
a “stranger” in a remote Swiss village, relating it to the political situation in civil rights America
and the colonial relationship between Europe and Africa.
REGEN PROJECTS
© The Artist, courtesy Regen Projects, Los Angeles, CA
40
LOT 15
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LOUISE NEVELSON (Ukraine, 1899-1988)
Untitled, 1976
Bois peint en noir / Wood painted black 167,6 x 99,1 x 14,6 cm Pièce unique / Unique piece
Estimation / Estimate : Prix sur demande /
Price upon request
Provenance : Pace Gallery
Pionnière de l’expressionnisme abstrait avec ses installations et ses interventions in situ,
Louise Nevelson s’est également rendue célèbre par son travail sur la monochromie. À l’aide
de morceaux de bois ramassés aux alentours de son atelier, l’artiste crée des compositions
sculpturales qu’elle recouvre ensuite d’une couche de peinture. Louise Nevelson est l’une
des artistes invités, au côté de David Smith, dans l’exposition « Abstract Expressionism »
actuellement présentée à la Royal Academy of Arts.
Louise Nevelson, a leading Abstract Expressionist who pioneered site-specific and installation
art, is renowned for her monochromatic works. Comprised of elements of found wood
materials amassed from areas surrounding her studio, she transformed these disparate
elements by unifying and then coating them with a new paint surface. Nevelson is included,
along with David Smith, in the “Abstract Expressionism” exhibition currently on view at the
Royal Academy of Arts, London.
© The Artist, courtesy Pace Gallery
42
LOT 16
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CINDY SHERMAN (États-Unis / USA, 1954-)
Untitled, 2010-2012
Tirage chromogénique couleur / Chromogenic color print
86,4 x 59,1 cm / 88,3 x 61 cm (avec cadre / with frame)
Provenance : Metro Pictures, New York
Cindy Sherman compte parmi les artistes majeurs des cinquante dernières années. Diplomée
en 1976 de l’université de l’État de New York, à Buffalo, c’est à New York même qu’elle réalisa
ses célébrissimes Untitled Film Stills. Elle n’a, depuis lors, eu de cesse de se photographier, en
se mettant en scène avec un art consommé du costume, du décor et des postures. Cindy Sherman is counted among the most influential artists of the last half-century. Upon
graduating from the State University of New York at Buffalo in 1976, Sherman relocated to
New York City where she began making the seminal Untitled Film Stills. She has gone on to
photograph and cast herself in various roles through her masterful use of costume, setting
and pose.
© The Artist, courtesy Metro Pictures, New York
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LOT 17
•
KISHIO SUGA (Japon / Japan, 1944-)
Circle of Accumulation, 2009 Bois, acier / Wood, steel 180 x 180 x 13 cm Pièce unique / Unique piece Estimation / Estimate : Prix sur demande / Price upon request Provenance : Blum & Poe, Los Angeles / New York / Tokyo
Historique des expositions / Exhibition History : - Blum & Poe, Los Angeles (3/11 – 22/12, 2012)
Littérature / Literature : - Kishio Suga, Los Angeles, Blum & Poe, 2013, p. 19. Kishio Suga est l’une des figures marquantes du Mono-ha [école des Choses], un groupe
d’artistes qui eut une influence radicale sur l’art japonais de la fin des années soixante et du
début des années soixante-dix. Ces artistes cherchaient à confronter, de manière éphémère et
en intervenant presque toujours a minima, matériaux naturels et matériaux industriels : pierre,
plaque d’acier, verre, ampoule, coton, éponge, papier, bois, fil, corde, cuir, huile, eau, etc. Les
recherches actuelles de Kishio Suga prolongent de manière significative cet héritage. Délicates
tout en étant saisissantes, beaucoup de ses productions mettent en œuvre des notions comme
l’horizontalité, la suspension ou la gravité. Prolifique, l’artiste est également connu pour ces
petits assemblages qu’il présente soit aux murs, soit au sol. Kishio Suga lie, contraint, empile,
découpe, colle, peint, scotche, cale, incline, gratte, cloue, visse, grave, courbe et plie ses
matériaux de prédilection (bois, pierres, bâches en plastiques, béton, etc.) jusqu’à leur donner
la forme souhaitée.
Kishio Suga was one of the leading figures of Mono-ha (“School of Things”), a group of artists
who radically redefined Japanese art during the late 1960s and early 1970s. The Mono-ha artists
explored the encounter between natural and industrial materials, such as stone, steel plates,
glass, light bulbs, cotton, sponge, paper, wood, wire, rope, leather, oil, and water, arranging
them in mostly unaltered, ephemeral states. Suga’s ongoing investigation of “situation” and the
“activation of existence” is a crucial aspect of this legacy. Many of Suga’s works are characterized
by delicate but arresting visualizations of horizontality, suspension, and gravity. The artist is
also prolific in creating a diverse variety of small assemblages that are mounted on the wall
or placed on the floor. Suga variously ties, binds, stacks, cuts, glues, paints, tapes, wedges,
leans, peels, nails, screws, carves, bends, and folds the materials employed (wood, stones,
concrete, transparent plastic, etc.) into their current forms. © The Artist, courtesy Blum & Poe, Los Angeles/New York/Tokyo
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MOMENTS D’EXCEPTION
•
EXCEPTIONAL MOMENTS
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Un portrait par Paolo Roversi
A portrait by Paolo Roversi
•
•
Un dîner d’exception préparé pour vous et chez vous par deux chefs d’exception :
Yannick Alléno et Pierre Hermé
An exceptional dinner specially prepared for you at your home by two exceptional chefs:
Yannick Alléno and Pierre Hermé
•
•
Se glisser dans une robe haute couture choisie et confectionnée pour vous,
par Azzedine Alaïa, trois essayages dans ses ateliers
Slip into a haute couture dress chosen and made specially for you by Azzedine Alaïa,
with three outfitting sessions at his studio
•
•
Assister à une séance d'entraînement du Real Madrid suivie d'une rencontre amicale
avec Zinédine Zidane au centre d’entraînement, la Ciudad Real Madrid de Valdebebas
Watch Real Madrid train, followed by a friendly match with Zinédine Zidane
at the Ciudad Real Madrid Training Centre in Valdebebas
•
•
Un vol à bord d’un Rafale de l’Armée de l’Air française
Fly in a French Airforce Rafale fighter jet
•
•
Entrer dans l’intimité de la maison Dior, assister au défilé en front row,
découvrir le backstage et visiter les ateliers avec Maria Grazia Chiuri
An intimate glimpse behind the scenes at Dior, with a front-row seat for the fashion show,
a special backstage tour, and a visit to the studio with Maria Grazia Chiuri
•
•
Voyage d’exception sur un luxueux voilier de 46 m pour 12 personnes
avec 9 membres d’équipage
An exceptional voyage for twelve people of your choice plus a crew of nine
on a luxury 46-metre sail boat
•
•
Visite exclusive du Domaine de Château Latour en compagnie de François Pinault
(voyage en avion privé)
Exclusive visit with François Pinault to the Château Latour estate
(travel in a private jet)
•
•
Aller retour en avion privé, découverte des coulisses du Tour de France
suivie d’une étape de montagne en voiture officielle du Tour,
accès backstage au podium protocolaire au plus près des champions
With a return flight in a private jet, discover the behind the scenes of the Tour de France,
complete a mountain stage in an official Tour de France car,
and enjoy backstage access to the podium, right where the champions are
•
•
Un après-midi à bord d’un sous-marin de la Marine Nationale Française
Spend an afternoon onboard a French Navy submarine
Et d’autres encore...
And more...
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51
CONDITIONS GÉNÉRALES DE VENTE
•
52
Les conditions exposées ci-dessous ainsi que les lexiques et avis présentés au catalogue
constituent les termes applicables à la vente. Ils peuvent être modifiés par des notices affichées
ou par des indications orales données lors de la vacation et portées au procès-verbal de vente.
En portant une enchère, toute personne accepte d’être liée par les présentes conditions :
A • DÉFINITIONS DES TERMES UTILISÉS DANS LES CONDITIONS GÉNÉRALES
Dans les conditions générales exposées ci-dessous, certains termes sont utilisés régulièrement
et nécessitent une explication :
- l’« acheteur » ou « adjudicataire » désigne la personne qui aura porté l’enchère la plus élevée,
acceptée par la personne dirigeant la vente et tenant le marteau ;
- le « lot » désigne tout article qui aura été consigné entre nos mains afin qu’il soit vendu
aux enchères et en particulier l’objet ou les objets décrits sous tout numéro de lot dans les
catalogues ;
- « le prix d’adjudication » désigne le montant de l’enchère la plus élevée pour un lot, acceptée
par la personne dirigeant la vente et tenant le marteau ;
- « le commissaire-priseur habilité » désigne la personne dirigeant la vente et tenant le marteau.
B • LES ORGANISATEURS DE LA VENTE
La vente est organisée par :
• L’Institut Imagine agissant en tant qu’initiateur de la vente, vendeur et propriétaire des
œuvres d’art mises en vente : l’Institut Imagine édite les factures à l’attention des adjudicataires
et reçoit les paiements s’agissant des œuvres d’art. Les œuvres seront en outre exposées dans
les locaux de la galerie kamel mennour avant la vente de charité et devront y être enlevées par
les adjudicataires après celle-ci ;
• L’Institut Imagine agissant en tant que vendeur des moments d’exception : l’institut édite
les factures à l’attention des adjudicataires et reçoit les paiements s’agissant des moments
d’exception.
• Christie’s agissant pour le compte de l’Institut Imagine en conduisant la vente de charité et
en enregistrant les ordres d’achat.
C • L’ACHETEUR
I. AVANT LA VENTE
a • Il est vivement conseillé aux acheteurs potentiels d’examiner le ou les biens pouvant
les intéresser avant la vente de charité. Des rapports sur l’état des lots sont habituellement
disponibles sur demande.
Les œuvres seront exposées du 11 au 16 octobre 2016 de 11h à 19h à l’adresse suivante :
kamel mennour
28 avenue Matignon
75008 Paris
54
b • Catalogue et autres descriptions
Le lexique et/ou les avis et/ou les informations importantes pour les acheteurs, présentent
notre méthode de rédaction du catalogue. Toutes les mentions comprises dans les descriptions
du catalogue ou dans les rapports concernant l’état d’un lot, toute déclaration orale ou écrite
faite par ailleurs, constituent l’expression d’une opinion et non l’affirmation d’un fait. Les
références faites dans la description du catalogue ou dans le rapport concernant l’état du
lot, relatives à un accident ou à une restauration, sont faites pour faciliter l’inspection et
restent soumises à l’appréciation devant résulter d’un examen personnel de l’acheteur ou de
son représentant compétent. L’absence d’une telle référence dans le catalogue n’implique
aucunement qu’un objet soit exempt de tout défaut ou de toute restauration, de plus
une référence à un défaut particulier n’implique pas l’absence de tous autres défauts. Les
estimations de prix de vente ne doivent pas être considérées comme impliquant la certitude
que l’objet se vendra pour le prix ainsi estimé ou que la valeur ainsi donnée est une valeur
garantie.
II. AU MOMENT DE LA VENTE
a • Enregistrement
Lors de la vente, chaque acheteur devra compléter et signer un formulaire d’enregistrement
et présenter toute pièce d’identité requise.
b • Enchères faites en nom propre
En portant une enchère, les enchérisseurs assument la responsabilité personnelle de régler
le prix d’adjudication.
c • Enchères simultanées
En cas de contestation au moment des adjudications, c’est-à-dire s’il est établi que deux
ou plusieurs enchérisseurs ont simultanément porté une enchère équivalente, soit à haute
voix, soit par signe et réclament en même temps un lot après le prononcé du mot « adjugé »,
ledit lot sera immédiatement remis en adjudication au prix proposé par les enchérisseurs et
tout le public présent sera admis à enchérir de nouveau.
d • Ordres d’achat
Pour la commodité des clients n’assistant pas à la vente en personne ou par l’intermédiaire
d’un mandataire ou encore transmettant des enchères par téléphone, Christie’s s’efforcera
d’exécuter les ordres d’enchérir qui lui seront remis par écrit avant la vente de charité. Ces
ordres d’achat doivent être donnés en euros (€). Ces enchérisseurs sont invités à remplir
le formulaire annexé et à l’envoyer par email à [email protected]. Si Christie’s reçoit
plusieurs ordres écrits pour des montants identiques sur un lot particulier et si, lors des
enchères, ces ordres représentent les enchères les plus élevées pour le lot, celui-ci sera
adjugé à l’enchérisseur dont l’ordre aura été reçu le premier.
L’exécution des ordres écrits est un service gracieux que Christie’s s’efforcera de rendre
sous réserve d’autres obligations à satisfaire au moment de la vente. Le défaut d’exécution
55
d’un ordre d’achat ou toute erreur ou omission à l’occasion de l’exécution de tels ordres
n’engagera pas la responsabilité de Christie’s.
III. APRÈS LA VENTE
a • Il n’y aura pas de frais acheteurs perçus en plus du prix marteau.
e • Enchères par téléphone
Si un acheteur potentiel se manifeste avant la vente de charité, Christie’s pourra le contacter
durant la vente de charité afin qu’il puisse enchérir par téléphone mais cela sans engagement de
responsabilité, notamment au titre d’erreurs ou d’omissions relatives à la réception d’enchères
par téléphone.
b • Paiement
Lors de l’enregistrement, l’acheteur devra communiquer à Christie’s, la galerie kamel mennour
qui conservera l’œuvre après la vente jusqu’à ce qu’elle soit enlevée par l’acheteur, et l’Institut
Imagine son nom et son adresse permanente. La vente se fera expressément au comptant.
L’acheteur devra régler immédiatement le prix d’achat global en euro par virement, chèque ou
carte bancaire à l’attention de l’Institut Imagine en cas d’acquisition d’une œuvre d’art ou en
cas d’acquisition d’un moment d’exception.
f • Images vidéo ou numériques
Lors de certaines ventes, un écran vidéo est installé. Des erreurs de manipulation peuvent
survenir et Christie’s et l’Institut Imagine ne peuvent assumer de responsabilité concernant
ces erreurs ou encore la qualité de l’image.
g • Prix de réserve
Certains lots sont offerts avec un prix de réserve, qui correspond au prix minimum et
confidentiel en-dessous duquel le lot ne sera pas vendu. Il ne peut être supérieur à l’estimation
basse communiquée sur demande.
h • Conversion de devises
Certains lots (œuvres d’art) seront accompagnés d’une estimation indiquée en dollars ($).
Lesdits lots feront néanmoins l’objet d’enchères en euros (€) de la part des enchérisseurs lors
de la vente de charité.
i • Conduite de la vente de charité
Le commissaire-priseur habilité a la faculté discrétionnaire de refuser toute enchère,
d’organiser les enchères de la façon qu’il juge convenable, de retirer tout lot de la vente, de
réunir ou de séparer un ou plusieurs lots et, en cas d’erreur ou de contestation pendant ou
après la vente, de désigner l’adjudicataire, de poursuivre les enchères, d’annuler la vente ou de
remettre en vente tout lot en cas de contestation.
j • Adjudicataire, risques, transfert de propriété
Sous réserve de la décision du commissaire-priseur habilité, et sous réserve que l’enchère
finale soit égale ou supérieure au prix de réserve, le dernier enchérisseur deviendra l’acheteur
et la chute du marteau matérialisera l’acceptation de la dernière enchère. Les lots adjugés
seront sous l’entière responsabilité de l’adjudicataire 14 jours après la vente, le jour de la
vacation étant pris en compte dans le calcul. Le transfert de risque interviendra de manière
anticipée si la livraison est réalisée avant l’expiration du délai susvisé. Aucun lot ne sera remis
à l’acquéreur avant acquittement de l’intégralité des sommes dues. En cas de paiement par
chèque, le transfert de propriété n’aura lieu qu’après encaissement du chèque.
56
c • Assurance
L’acquéreur sera lui-même chargé de faire assurer ses acquisitions. L’institut Imagine décline
toute responsabilité quant aux dommages que le ou les lots (œuvres d’art) pourraient encourir
en cas de défaillance de l’acquéreur à ce titre.
d • Retrait des achats
La galerie kamel mennour retiendra les lots (œuvres d’art) vendus jusqu’à ce que tout montant
dû ait été reçu dans son intégralité et dûment encaissé.
e • Emballages, manipulations et transport
L’emballage des lots est assuré par la galerie kamel mennour.
L’enlèvement et le transport des lots (œuvres d’art) sont à la charge et sous la responsabilité
des adjudicataires.
Il est conseillé aux adjudicataires de procéder à un enlèvement rapide de leurs lots afin d’éviter
les frais de manutention et de gardiennage.
Le lieu d’enlèvement des lots est situé à l’adresse suivante :
kamel mennour
47 rue Saint-André des Arts
75006 Paris
Le magasinage n’engage la responsabilité de la galerie kamel mennour à aucun titre que ce
soit.
IV. LOI ET COMPÉTENCES JURIDICTIONNELLES
En tant que de besoin, les droits et obligations découlant des présentes conditions générales
de vente seront régies par la loi française et seront soumis en ce qui concerne tant leur
interprétation que leur exécution, aux tribunaux compétents de Paris.
57
24, boulevard du Montparnasse
75015 Paris
+33 1 42 75 44 67
[email protected]
www.institutimagine.org
Premier pôle européen de recherche, de
soins et d’enseignement sur les maladies
génétiques, l’Institut Imagine a pour mission
de les comprendre et les guérir. L’Institut
rassemble 850 des meilleurs médecins,
chercheurs et personnels de santé dans une
architecture créatrice de synergies. C’est ce
continuum inédit d’expertises, associé à
la proximité des patients et au soutien de
mécènes, qui permet à Imagine d’accélérer
les découvertes au bénéfice des malades.
Les quelque 9 000 maladies génétiques
recensées touchent 35 millions de patients
en Europe, dont 3 millions en France, où l’on
compte chaque année 30 000 nouveaux cas.
60 % des enfants accueillis en consultation
de génétique repartent sans diagnostic
génétique et 90 % des maladies génétiques
n’ont pas encore de traitement curatif. Face
à cette problématique majeure de santé
publique, le défi d’Imagine est double :
diagnostiquer et guérir. Tous les soutiens
sont précieux dans ce combat pour la vie !
FRANÇOIS MORELLET
3 arcs de néon inclinés à 0°-90°-45°, 2014 Installation lumineuse pérenne / Permanent light installation Don de François Morellet et Kamel Mennour à l’Institut Imagine /
Gift to the Imagine Institute by François Morellet and Kamel Mennour
58
47, rue Saint-André des arts
6, rue du Pont de Lodi
75006 Paris
•
28, avenue Matignon
75008 Paris
•
51 Brook Street
London W1K 4HR
+33 1 56 24 03 63
[email protected]
www.kamelmennour.com
Depuis 1999, Kamel Mennour présente,
au sein de ses trois espaces parisiens et
de sa galerie londonienne, le travail d’une
trentaine d’artistes contemporains, jeunes et
internationalement consacrés.
•
Nous tenons à remercier tout particulièrement :
Son Altesse Royale la Princesse de Hanovre,
Dominique Lévy Gallery • Dominique Lévy, Leila Saadai,
Madame Jacques Chirac,
Metro Pictures • Janelle Reiring, Helene Winer, Tom Heman,
Pericles Kolias, Margaret Zwilling, Schuyler Volz, Maître François de Ricqlès et les équipes de Christie’s France,
neugerriemschneider • Tim Neuger, Burkhard Riemschneider, Dr. Stephan Urbaschek, Pierre-René Lemas - président du comité de campagne, Isabelle Azoulai,
Monsieur et Madame Nicolas Bazire, Florence de Botton, Omar Chérif, Olivier Combastet,
Stéphane Fouks, Jacques Garaïalde, Guillaume Houzé, Pierre Leroy, Jean Madar,
Jean Nouvel, Teddy Riner, Monsieur et Madame Michel Rosenberg, Maître Georges Terrier,
Sidney Toledano,
Pace Gallery • Arne Glimcher, Marc Glimcher, Rachel Boyle, Galerie Eva Presenhuber • Eva Presenhuber, Markus Rischgasser, Christian Schmidt, Regen Projects • Shaun Caley Regen, Jennifer Loh, Jane McCarthy,
Professeur Claude Griscelli, Professeur Alain Fischer, Professeur Arnold Munnich,
Professeur Stanislas Lyonnet, Professeure Marina Cavazzana, Karine Rossignol, Les membres fondateurs de l’Institut Imagine, Les équipes scientifiques, médicales, paramédicales, techniques et support d’Imagine,
les artistes :
Harold Ancart, Ronan & Erwan Bouroullec, Pier Paolo Calzolari, Pierre Charpin,
Shannon Ebner, Olafur Eliasson, Sam Falls, Sam Gilliam, Konstantin Grcic,
Huang Yong Ping, Anselm Kiefer, Claude Lévêque, Glenn Ligon, Louise Nevelson,
Cindy Sherman et Kishio Suga,
les personnalités & grandes maisons :
A.S.O., Azzedine Alaïa, Yannick Alléno, Maria Grazia Chiuri & la maison Dior,
Guillaume Durand, les Galeries Lafayette, Pierre Hermé, le Ministère de la Défense,
François Pinault & Domaine de Château Latour, Paolo Roversi et Zinédine Zidane,
les galeries, les galeristes et leur équipe :
Blum & Poe • Timothy Blum, Jeffrey Poe, Sam Kahn, Ashley Rawlings, Sadie Coles HQ • Sadie Coles, Lidija Kononenko, Claudia Fruianu,
David Kordansky Gallery • David Kordansky, Mike Homer, Kurt Mueller,
Galerie kreo • Clémence et Didier Krzentowski, Estelle Bzowski,
Galerie Thaddaeus Ropac • Thaddaeus Ropac, Kristina Tencic, Pierre-Henri Foulon,
Van de Weghe • Christophe Van de Weghe, Pierre Ravelle-Chapuis,
et kamel mennour • Kamel Mennour, Marie-Sophie Eiché, Jessy Mansuy-Leydier, Emma-Charlotte Gobry-Laurencin, Samy Ghiyati, Dylan Lessel, Rolla Wazni, Antoine de La Béraudière,
Céline Brugnon, Charles Halperin, Agathe Ferrand, Pierre-Maël Dalle, Marine Gohard, Laëtitia Neveu,
ainsi que : Caméra Subjective, Havas, Interparfums, Kraft E.L.S AG, Lagardère, les Éditions Délicieuses, Faircom,
le Fleuriste du Coin, Les Fleurs du Bien, Madame Figaro, Marcadé Event, Moët Hennessy,
Salesforce, Sony, Élodie Soulié, We are from L.A •
•
© 2016 Les artistes / The artists: Harold Ancart, Erwan & Ronan Bouroullec/ADAGP,
Pier Paolo Calzolari/ADAGP & Fondazione Calzolari, Pierre Charpin/ADAGP,
Shannon Ebner, Olafur Eliasson/ADAGP, Sam Falls,
Sam Gilliam/Artists Rights Society (ARS), Konstantin Grcic, Huang Yong Ping/ADAGP,
Anselm Kiefer/ADAGP, Claude Lévêque/ ADAGP, Glenn Ligon, François Morellet/ADAGP,
Estate of Louise Nevelson/Artists Rights Society (Ars), Cindy Sherman, Kishio Suga
© 2016 Les galeries / The galleries: Blum & Poe, Sadie Coles HQ,
David Kordansky Gallery, Galerie kreo, Dominique Lévy Gallery, Metro Pictures,
neugerriemschneider, Pace Gallery, Galerie Eva Presenhuber, Regen Projects,
Galerie Thaddaeus Ropac, Van de Weghe & kamel mennour
© 2016 Les photographes des œuvres / The photographers of the works: Stefan Altenburger,
Ron Amstutz, Sylvie Chan-LIat, Charles Duprat, Fabrice Gousset, Julie Joubert,
Kerry Ryan McFate, Fabrice Seixas, Lee Thompson, Joshua White, Jens Ziehe
Tous droits réservés. La reproduction d’un extrait quelconque de ce catalogue, par quelque
procédé que ce soit, tant électronique que mécanique, est interdite sans l’autorisation écrite
de la galerie kamel mennour, Paris/London.
•
COORDINATION ÉDITORIALE
Emma-Charlotte Gobry-Laurencin • Assistée de Pierre-Maël Dalle & Samy Ghiyati
GRAPHISME
Éloïse de Guglielmo & Amélie du Petit Thouars (MOSHI MOSHI Studio)
TRADUCTIONS & RELECTURES
Michel Pencréac’h (Français / French)
Jack Cox (Anglais / English)
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En couverture : Claude Lévêque, HEROES, 2014. Écriture : Romaric Étienne.

heroes - galerie Kamel Mennour

Transcription

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