Tape Installation [2012]

NUMEN / FOR USE
Tape Installation [2012]
Surface de 350m2 env.,
550 rouleaux de scotch
Numen / For Use est un collectif créé en 1998 par trois amis, diplômés de la Zagreb School of Design :
Sven Jonke, Christoph Katzler et Nikola Radeljkovic.
La série Tape, présentée dans plusieurs villes depuis 2009 (Vienne, Berlin, Melbourne…), trouve son origine
dans un concept défini initialement pour un spectacle de danse : la forme devait évoluer en fonction des
mouvements des danseurs entre des piliers. Ils étiraient des rouleaux de scotch tout en dansant. La forme
finale dessine ainsi comme une trace visuelle de la chorégraphie. Les Tape Installations reprennent ce principe
et dessinent des formes organiques dans l’espace en s’appuyant sur les éléments structurels des lieux qu’ils
occupent. Leurs structures de scotch, d’une résistance étonnante, sont susceptibles d’accueillir jusqu’à une
dizaine de visiteurs.
Surface of 350m2 approx.,
550 rolls of tape
Numen / For Use is a collective founded in 1998 by three friends, graduates of the Zagred School of Design:
Sven Jonke, Christoph Katzler and Nikola Radeljkovic.
The Tape series, presented in several cities since 2009 (Vienna, Berlin, Melbourne and more), has its origin
in a concept initially defined for a dance performance: the form evolved in accordance with the movements
of the dancers between pillars. While dancing, they stretched out rolls of tape. In this way, the final form
provides a visual record of the choreography. The Tape Installations reiterate this principle and draw organic
forms in space by making use of the structural elements in the venues they occupy. These surprisingly strong
tape structures can hold up to ten visitors.
MICHELANGELO
PISTOLETTO
Labirinto e Grande Pozzo [2012]
120cm de hauteur, 5km de carton ondulé, miroir
Michelangelo Pistoletto est un artiste italien, figure majeure du développement de l’art conceptuel et l’un des
fondateurs du mouvement Arte Povera apparu dans les années 1960.
L’artiste a réalisé de nombreux labyrinthes à partir de carton ondulé, toujours pensés en fonction de l’espace
dans lequel ils s’inscrivent. Le labyrinthe représente, selon lui, « un chemin sinueux et imprévisible qui nous
mène à la connaissance, à la révélation ». La forme du labyrinthe, dans lequel le visiteur se perd et perd
ses repères, est souvent utilisée comme métaphore de la découverte de soi, d’un cheminement personnel. En
associant le miroir au labyrinthe, Pistoletto nous invite à une nouvelle expérience : notre appréhension de
l’espace est altérée. Cet effet est amplifié par le miroir central dans lequel chacun peut y croiser son reflet tout
en observant celles et ceux qui les entourent.
Courtesy GALLERIA CONTINUA, San Gimignano / Beijing / Le Moulin
120cm high, 5km from of corrugated cardboard, mirror
The Italian artist Michelangelo Pistoletto is a major figure in the development of conceptual art and one of the
founders of the Arte Povera movement that appeared in the 1960s.
The artist has made many labyrinths from corrugated cardboard, always conceived of in terms of the space
in which they are inserted. For him, the labyrinth represents “a winding and unpredictable path that leads
us to knowledge and revelation”. The form of the labyrinth, in which the visitor gets lost and loses his or her
bearings, is often used as a metaphor for self-discovery, a journey of personal development. By associating
the mirror with the labyrinth, Pistoletto invites us into a new experience: our awareness of space is altered. This
effect is amplified by the central mirror in which each visitor can encounter his or her reflection while observing
everyone around.
Courtesy GALLERIA CONTINUA, San Gimignano / Beijing / Le Moulin
LEANDRO ERLICH
Train fantôme [2012]
Installation sonore
En collaboration avec Thierry Coduys, ingénieur son
Leandro Erlich, né à Buenos Aires, est architecte de formation.
Ici, pour la première fois dans son travail, il propose une installation sonore. C’est à la Gare Saint Sauveur
que lui est venue l’idée de travailler sur le "train fantôme", objet forain par excellence, privé de son dispositif
pour n’en retenir que la surprise et l’effroi. Non pas celui d’un squelette qui surgit ou d’un fantôme muni
d’une tronçonneuse, mais le train de la Gare Saint Sauveur que l’on n’attendait plus. Bien que le visiteur ait
conscience de l’artifice de l’installation, il conservera une incertitude constante entre la réalité et l’illusion.
Selon l’artiste, le pire serait de perdre notre capacité à être surpris.
À voir du même artiste : Elevator Maze (Exposition Phantasia au Tripostal)
Courtesy GALLERIA CONTINUA, San Gimignano / Beijing / Le Moulin
Sound installation
In collaboration with Thierry Coduys, sound engineer
Leandro Erlich, born in Buenos Aires, is an architect by training.
Here, for the first time in his work, he is proposing a sound installation. It was the Gare Saint Sauveur that gave
him the idea of working on the “ghost train”, the ultimate fairground attraction, but here the only elements he
retains from the ghost train ride are surprise and dread. Not the surprise of a skeleton or a chainsaw-wielding
ghost leaping out of the dark, but that of the train from the Gare Saint Sauveur appearing unexpectedly. While
the visitor will is of the artifice of the installation, it maintains a constant uncertainty between reality and illusion.
According to the artist, the worst thing would be if we lost our ability to be surprised.
By the same artist: Elevator Maze (Phantasia exhibition, Tripostal)
Courtesy GALLERIA CONTINUA, San Gimignano / Beijing / Le Moulin
Robert Morris
Mirror Installation [2012]
Robert Morris, né et vivant à New York, est considéré comme l’un des principaux représentants et théoriciens
du "Minimalisme".
Dans le cadre de Fantastic Attractions, Robert Morris présente une installation inédite pensée pour la Gare
Saint Sauveur : Mirror Installation, un ensemble de six œuvres, dont cinq ont déjà été montrées séparément et
une nouvelle créée spécialement à partir des éléments d’Orion Day, exposée en 1980. Chacune des œuvres
est composée de miroirs et définit un espace où la perception des visiteurs est mise en abyme. Une scène
du film La Dame de Shanghai d’Orson Wells (1947) est l’une des références de l’artiste, plus précisément la
scène de fusillade qui se déroule dans le Magic Mirror Maze. Les personnages se perdent dans les dédales
d’un labyrinthe de miroirs, leurs reflets se démultiplient, jusqu’à se briser sous l’impact des balles.
Les différentes pièces présentées ici jouent chacune à leur manière avec "la plus irréelle des surfaces, celle
du miroir" et l’artiste demande implicitement au spectateur d’être partie prenante de l’œuvre.
Robert Morris, born and living in New York, is considered one of the main representatives and theoreticians
of “Minimalism”.
As part of the Fantastic Attractions programme, Robert Morris is presenting a new installation conceived for the
Gare Saint Sauveur: Mirror Installation, a set of six works, five of which have already been shown separately
and a new work specially created from parts of Orion Day, exhibited in 1980. Each of the works is made of
mirrors and together they define a space in which the perception of the visitor undergoes an effect of mise en
abyme. A scene from Orson Wells’ film The Lady from Shanghai (1947) is one of the artist’s reference points,
more precisely the shooting scene that takes place in the Magic Mirror Maze. The characters get lost in the
twists and turns of a hall of mirrors, their reflections multiply until being smashed under the impact of the bullets.
The different pieces presented here all in their own way play with “the most unreal of surfaces, that of a mirror”
and the artist implicitly asks the spectator to be part of the work.
Robert Morris
Mirror Installation [2012]
Détail
1.Portland Mirrors, 1977, 4 miroirs, 183 x 244 cm chacun
2.Williams College Mirrors, 1977, 12 miroirs, 213 x 244 cm chacun
Courtesy du Williams College Museum of Art, Williamstown, Massachusetts.
Don de l’artiste, à l’issue de la residence “the Williams College Artist-in-Residence”, 80.51.3
3. Rome Mirrors, 1976, miroirs, 91 x 91 cm
4. Mirror (film), 1969
5. New Work, 2012, 3 miroirs, 244 x 244 cm
6. Mirrored cubes, 1965, miroirs, 122 x 122 x 122 cm chacun
Courtesy Sonnabend Gallery, New York
Detail
1. Portland Mirrors, 1977, four mirrors, each 183 x 244 cm
2. Williams College Mirrors, 1977, 12 mirrors, each 213 x 244 cm
Courtesy of Williams College Museum of Art, Williamstown, Massachusetts.
Donation by the artist, at the end of “the Williams College Artist-in-Residence” 80.51.3.
3. Rome Mirrors, 1976, mirrors, 91 x 91 cm
4. Mirror (film), 1969
5. New Work, 2012, 3 mirrors, 244 x 244 cm
6. Mirrored Cubes, 1965, mirrors, 122 x 122 x 122 cm each
Courtesy Sonnabend Gallery, New York
Olivier Dollinger
The Missing Viewer [2009]
Vidéo HD en boucle, 7’
Collection Frac des Pays de Loire.
Olivier Dollinger vit et travaille à Paris. Dans son travail vidéo et ses dispositifs, il s’intéresse à des phénomènes
culturels tels le tunning, le culturisme, l’hypnose ou la magie. Dans The Missing Viewer, il rend hommage au
magicien Robert Houdin. Surnommé le " rénovateur de l’art magique ", cet illusionniste français du 19ème
siècle est considéré comme l’un des plus grands prestidigitateurs de tous les temps. Il est à l’origine de
presque tous les "grands trucs" de la magie actuelle. L’un des ses plus grands admirateurs n’est autre que le
cinéaste Georges Méliès, inventeur des trucages cinématographiques.
Un des tours préférés de Méliès était "la boîte à escamoter". C’est le tour qu’Olivier Dollinger a choisi de
mettre en scène. Deux jumeaux exécutent une lente chorégraphie sans jamais se regarder, apparaissant et
disparaissant.
« J’essaye de toucher notre nouvelle réalité. On est entouré de fantômes, d’images qui sont là sans être là.
Notre inconscient collectif est nourri aux mêmes hormones médiatiques et notre perception en est modifiée
indirectement. » Olivier Dollinger
HD video loop, 7’
Collection FRAC des Pays de Loire.
Olivier Dollinger lives and works in Paris. In his video work and devices he looks at cultural phenomena such
as tuning, bodybuilding, hypnosis or magic. In The Missing Viewer, he pays tribute to the magician Robert
Houdin. Known as the “man who revived the art of magic”, this 19th century French illusionist is considered
to be one of the greatest conjurors of all time. He is credited as the source of almost all the “big tricks” in
magic today. One of his greatest admirers was none other than the filmmaker Georges Méliès, the inventor of
cinematographic special effects.
One of Méliès’ favourite tricks was the “disappearing person box”. This is also the trick that Olivier Dollinger
has chosen to stage. Twins perform a slow dance, appearing and disappearing without ever looking at each
other.
“I try to touch our new reality. We are surrounded by ghosts, by images that are there without being there.
Our collective unconscious is fuelled by the same media-produced hormones and our perception is indirectly
altered as a result.” Olivier Dollinger
Oscar Munoz
Linea del Destino (La ligne du destin)
[2006]
Projection sur un écran, sans son, 1'56 min
Oscar Munoz est né en Colombie. Plusieurs de ses œuvres ont pour référence le mythe de Narcisse, ce jeune
homme beau et fier, qui à cause d’une malédiction, voit son reflet dans l’eau et en tombe amoureux. Il reste
de longs jours à se contempler et à désespérer de ne jamais pouvoir rattraper sa propre image. Il finit par
mourir d’une passion qu’il n’aura pu assouvir.
Dans Linea del Destino, l’artiste nous donne à observer son reflet dans l’eau qu’il tient au creux de sa main.
Son visage apparaît puis disparaît pour réapparaître. Pour Oscar Munoz, « l’échec de notre condition
actuelle ne porte pas sur notre connaissance de nous-mêmes, mais sur notre difficulté à coexister avec nousmêmes et avec notre environnement ».
Courtesy Galerie Mor-Charpentier, Paris
Projection on a screen without sound, 1.56 min
Oscar Munoz was born in Colombia. Several of his works reference the myth of Narcissus, the handsome
and proud young man who, as a result of a curse, sees his reflection in the water and falls in love with it. He
remains there for many days contemplating his reflection, in despair that he will never be able to catch his own
image. He eventually dies of a passion that he cannot satisfy.
In Linea del Destino, the artist has us observe his reflection in the water he holds in the palm of his hand. His
face appears, disappears and reappears. For Oscar Munoz, “the failure of our current condition is not to do
with our knowledge of ourselves, but with our difficulty coexisting with ourselves and our environment.”
Courtesy Galerie Mor-Charpentier, Paris
SOPHIE PEREZ &
XAVIER BOUSSIRON
La trouille de la trouille, train fantôme
[2012]
Sophie Perez fonde la Compagnie du Zerep en 1997. Avec Xavier Boussiron, elle se lance dans la mise en scène de
spectacles où se chevauchent les styles, les genres, entre danse, performance et théâtre, les agacements existentiels,
les références musicales, l'idée de lʼintrigue et du documentaire, les films d'horreur et les figurines nostalgiques, le rire
comme camarade de chambrée du sort, l'onirisme, l'irrévérence expérimentale, les arcanes du boulevard, les mauvaises
plaisanteries joliment éclairées…
C’est dans le même esprit qu’ils ont ici réaménagé tout l’intérieur d’un authentique train fantôme et proposé une scénographie
tenant dans moins d’une minute trente, le temps de faire un tour de train. Leur goût un peu élémentaire du gros blasphème
a été nourri par la puissance de charme de la fête foraine : « Des sensations les moins garanties aux plus ténues, on le sait,
le train fantôme excite l’œil, l’imaginaire donc l’intellect, parce qu’il défie une armada d’images, de désirs et de possibles
qui fait passer la pilule de l’obscénité, de l’idée de la terreur. Le train fantôme c’est une grande grimace esthétique, à la
fois bordélique et profonde, triviale et sophistiquée ».
Conception et réalisation : Sophie Perez et Xavier Boussiron
Réalisation sculptures : Daniel Mestanza, Corine Petitpierre, L2B2
Lumière : Gildas Roudaut
Son : Xavier Boussiron
Régie : générale Laurent Friquet
Sophie Perez founded the Zerep Company in 1997. With xavier Boussiron, she began staging shows in which styles
and genres overlapped in a hybrid between dance, performance and theatre, combining existential annoyances, musical
references, the idea of plot and documentary, horror films and nostalgic figurines, laughter as fate’s roommate, dreaminess,
experimental irreverence, the intricacies of the boulevard, beautifully lit bad jokes, and more.
It is in the same spirit that, for this installation, they refurbished the entire interior of an authentic ghost train and proposed
a scenography lasting less than 90 seconds, the time it takes to go on a train ride. Their somewhat elementary taste for
crude blasphemy has been fuelled by the powerful charm of the fairground: “From the least guaranteed to the most tenuous
sensations, as we know, the ghost train excites the eye, the imagination and therefore the intellect because it releases an
armada of images, desires and possibilities that makes it easier to take the obscenity and the idea of terror. The ghost train is
a big aesthetic grimace, at the same time chaotic and profound, trivial and sophisticated.”
Design and production: Sophie Perez and Xavier Boussiron
Sculptures: Daniel Mestanza, Corine Petitpierre, L2B2
Lighting: Gildas Roudaut
Sound: Xavier Boussiron
Stage manager: Laurent Friquet
Pierrick Sorin
Autoportrait en monstres [2012]
Pierrick Sorin est né à Nantes. Son travail s’est principalement construit autour de "petits théâtres optiques", sorte
de boîtes animées de vidéos. Il en est souvent l’unique et principal acteur et il se moque, sur un mode burlesque,
de l’existence humaine et de la création artistique. Son univers est un savant mélange du cinéma de George
Méliès, de Buster Keaton, de Jacques Tati et du cinéma burlesque américain. Il emprunte aux slapsticks (genre du
cinéma burlesques du début du 20ème siècle) la simplicité des moyens, le mode humoristique et dérisoire teinté de
cynisme ; à George Méliès, qu’il considère comme le "modèle d’inventivité", le bricolage ingénieux et la magie
visuelle.
Dans l’Autoportrait en monstres, le visiteur est invité à se prendre en photo. Il se retrouve alors affublé
d’un corps monstrueux ou fantastique. On ne manquera pas de penser aux trucages un peu grossiers de
démembrement et aux tours d’escamotage chers aux débuts du cinéma.
Pierrick Sorin was born in Nantes. His work is mainly built around “small optical theatres”, sorts of boxes
showing videos. He is often the main, and only actor in these burlesque videos in which he pokes fun at
human existence and artistic creation. The world he has created is a sophisticated mix of the cinema of
George Méliès, Buster Keaton, Jacques Tati and American burlesque. From slapstick (a burlesque cinema
genre from the early 20th Century) he borrows the simplicity of means as well as the humorous, preposterous
style tinged with cynicism; and from George Méliès, whom he considers as the “model of inventiveness”, he
borrows ingenious DIY and visual magic.
In Self-Portrait as monsters, the visitor is asked to take a picture of himself. He then finds himself festooned with
a monstrous or fantastic body. An effect that will not fail to bring to mind the somewhat crude dismemberment
and disappearance tricks dear to early cinema.
Carsten Höller
Amusement Parks [2005-2007]
c-print / aluminium, plexiglas,
117,5 x 149 cm
- Lignano Ski Lab
- Lignano Matterhorn
- Forte dei Marmi Upside Down
- Forte dei Marmi Ballerina
Carsten Höller, né à Bruxelles, vit et travaille à Stockholm.
Au-delà du spectaculaire, l’artiste s’intéresse avant tout à l’effet qu’il produit sur le public : d’une part visuels, la
lumière persistante dont l’image s’inscrit sur la rétine, et d’autre part, physique, celui de la vitesse et l’inquiétude
qu’elle éveille.
Dans la série des 4 photographies de manèges forains présentés ici, l’artiste perturbe l’appréhension visuelle du
spectateur en créant un effet optique qui re-donne à l’objet son mouvement.
Carsten Höller reprend des photographies réalisées par Attilio Maranzo en Suisse et en Italie. Il superpose une série
de clichés en léger décalés, et par un jeu de couleur parvient à créer un effet de vibration. Ainsi, les photographies
nous amènent à vivre visuellement, une expérience proche de celle que l’on appréhenderait physiquement en étant
sur le manège.
Courtesy AIR DE PARIS, Paris
c-print/aluminium, plexiglas,
117.5 x 149 cm
- Lignano Ski Lab
- Lignano Matterhorn
- Forte dei Marmi Upside Down
- Forte dei Marmi Ballerina
Carsten Höller, born in Brussels, lives and works in Stockholm.
Beyond the spectacular, the artist is primarily interested in the effect he produces on the public: visual, on the one
hand, through the persistent light whose image is registered on the retina, and physical, on the other, through speed
and the anxiety it arouses.
In the series of four photographs of amusement parks presented here, the artist disrupts the spectator’s visual understanding
by creating an optical effect that injects movement in the object.
Carsten Höller uses photographs taken by Attilio Maranzo in Switzerland and Italy. He superimposes a series of slightly
offset shots, and through a colour scheme manages to create an effect of vibration. In this way, the photographs cause
us to visually undergo an experience close to that which we would have physically while on the carousel.
Courtesy AIR DE PARIS, Paris
CARSTEN HÖLLER
Y [2003]
960 ampoules, aluminium, bois, câbles,
circuit électrique, panneaux lumineux, miroirs
Y a été créée en 2003 pour le pavillon italien de la Biennale de Venise. Elle tient son nom de sa forme, en
"y" et est formée de seize grands anneaux lumineux que le spectateur peut traverser. Les 1000 ampoules
s’allument et s’éteignent par flashs rapides et intermittents, dans le sens des aiguilles d’une montre. La
structure, pourtant fixe, semble se mouvoir tel un vortex ou une spirale. Le miroir fixé à l’une des extrémités,
dans lequel la spirale de lumière se reflète inversée, vient augmenter la sensation de perte d’orientation.
Pour Carsten Höller, Y fait également référence au roman de Marx Frisch Le Désert des Miroirs (1964) dans
lequel le personnage principal joue avec plusieurs identités, allant jusqu’à se faire passer pour un aveugle.
S’improvisant aveugle selon ses désirs, il prend plaisir à observer la réaction des gens qui agissent comme
s’il ne pouvait pas les voir.
Courtesy Thyssen-Bornemisza Art Contemporary
960 light bulbs, aluminium, wood, cables,
electric circuit, light panels, mirrors
Y was created in 2003 for the Italian Pavilion at the Venice Biennale. This installation takes its name from its
“y” shape and consists of sixteen large rings of light that the spectator can walk through. 1000 light bulbs
switch on and off in rapid, sporadic flashes moving in a clockwise direction. Although the structure is fixed in
place, it appears to move like a vortex or a spiral. The mirror attached to one end, in which the spiral of light
is reflected upside-down adds to the feeling of disorientation.
For Carsten Höller, Y is also a reference to Marx Frisch’s novel Wilderness of Mirrors (1964) in which the main
character plays with multiple identities, even pretending to be blind. Improvising his blindness when the whim
takes him, he enjoys observing the reactions of people who act as if he can’t see them.
Courtesy Thyssen-Bornemisza Art Contemporary
STEPHANE THIDET
Park [2005]
Série de 4 photographies
60 x 80 cm, photographies couleur sous Diassec
Stéphane Thidet vit et travaille à Paris. Son travail, de la vidéo, à l’installation ou la sculpture, est souvent lié
aux souvenirs d’enfance ou au divertissement collectif populaire. A l’occasion d’un voyage à New York –
pour la petite histoire – la perte de son portefeuille l’amène à trouver refuge chez des amis sur l’île de Coney
Island.
Ce fut pour Stéphane Thidet une rencontre marquante avec l’univers de la fête foraine et surtout les vestiges
d’une époque de faste. Il y a quelque chose de cette nostalgie dans la série de photographies Park #.
Ces photographies, réalisées de nuit, présentent une vision fantomatique de la fête foraine, où les figures
humaines, à contre-jour ou éclairées par une lumière blafarde, habitent un décor déshumanisé. La fête fait
place au vide. Dans Park 1, un adulte tient un enfant par la main. Ils semblent comme pétrifiés. « Ils regardent
un manège arrêté qui semble être remis en lumière. A l’instant de la prise de vue, on ne sait pas si la fête
s’arrête ou si elle recommence. Le souvenir d’un temps indéfini laisse le spectateur dans le doute. » Marie de
Brugerolle
Courtesy Galerie Aline Vidal
A series of 4 photographs
60 x 80 cm, Colour photographs on Diassec
Stéphane Thidet lives and works in Paris. His work, ranging from video to installation and sculpture, is often
linked to childhood memories or collective popular entertainment. While on a trip to New York, the loss of his
wallet led to him staying with friends on Coney Island.
For Stéphane Thidet this encounter with the world of the fairground and above all with the vestiges of a
splendid era left a strong impression. There is something of this nostalgia in this series of photographs Park #.
These photographs, taken at night, present a ghostly vision of the fairground, where human figures pictured
against the light or illuminated dimly inhabit a dehumanised decor. The carnival has been replaced by a void.
In Park#1, an adult holds a child’s hand. It is as if they were petrified. “They are looking at a stopped carousel
that seems to have turned on its lights. At the instant of the shot, we don’t know if the festivities have stopped or
if they are starting again. The memory of an indefinite time leaves the viewer in doubt.”(Marie de Brugerolle).
Courtesy Galerie Aline Vidal
STEPHANE Thidet
Rêve d’une tour [2006]
1000 x 180 cm
Acier, bois, ampoules foraines
Son souvenir de Coney Island, Stéphane Thidet l’évoque aussi à travers son installation Rêve d’une tour. Les
différents éléments qui la constituent - trois modules principaux et une "tête" circulaire illuminées par plusieurs
rangs d’ampoules foraines – sont répartis sur le sol et créent un assemblage potentiel autour duquel le spectateur
peut déambuler. Si la tour était reconstituée elle ferait plus de dix mètres de haut. Le "puzzle" s’apparente à
un jeu de mécano géant. Cependant, ce n’est pas un jouet, ni un modèle réduit, ni une maquette. Il s’agit bien
d’une tour de foire véritable, re-composée par l’artiste, d’après ses souvenirs. Elle reste ainsi à l’état de rêve,
d’où son titre, car aucune élévation ne sera jamais possible. « L’enjeu n’est pas dans l’inachevé ou l’infini, mais
dans la possibilité ou l’impossibilité d’activer le dispositif dans le réel. » Marie de Brugerolle
Collection privée
Stéphane Thidet est représenté par la Galerie Aline Vidal
1000 x 180 cm
Steel, wood, fairground bulbs
Stéphane Thidet also evokes his memory of Coney Island through his installation Dream of a tower. The
different components from which it is constituted – three main modules and a circular “head” illuminated by
several rows of fairground bulbs – are spread over the ground and create a potential assemblage around
for the viewer to walk around. If the tower was put back together it would be more than ten meters high. The
“puzzle” is akin to a giant game of mecano. However, it is not a toy, nor a scale model or mock-up. It is very
much a real fairground tower, re-composed by the artist, based on his memories. It therefore remains in a
dream state, hence the title, because no elevation will ever be possible. “It’s not about the unfinished or the
infinite, but about the ability or inability to activate the device in the real world” (Marie de Brugerolle).
Private Collection
Stéphane Thidet is represented by Galerie Aline Vidal
STEPHANE Thidet
Je n’existe pas [2011]
202,5 x 15 cm,
8 écrans LCD diffusant 8 vidéos couleur en boucle
Je n’existe pas est un ensemble de huit écrans sur lesquels des ampoules allumées éclatent une à une, puis se
rallument et ainsi indéfiniment. L’œuvre se réfère implicitement au stand de tir forain. A l’origine de cette œuvre,
Stéphane Thidet s’inspire du clignotement des guirlandes foraines. Il en propose une version dématérialisée. Il
n’y a plus ni carabine ni joueur. Seul l’éclat sonore des ampoules renvoie au stand de tir. L’œuvre oscille entre la
légèreté d’une guirlande de lumière et la pulsion destructrice de la cible, entre la vie et la mort, l’émerveillement
et le désenchantement, autant de paradoxes qui définissent, selon l’artiste, l’univers de la fête foraine.
Courtesy Galerie Aline Vidal
202.5 x 15 cm,
8 LCD screens playing eight colour videos on a loop
I do not exist is a set of eight screens on which lit bulbs explode one by one, then light up again and so on
indefinitely. The work implicitly refers to the fairground shooting gallery. Stéphane Thidet’s original inspiration
for this work is the flashing strings of lights found in fairs, of which he proposes a dematerialised version here.
Rifle and player have disappeared. Only the loud bursting of the bulbs refers to the shooting gallery. The work
oscillates between the lightness of a string of lights and the destructive impulse of the target, between life and
death, wonder and disenchantment, so many paradoxes that, according to the artist, define the fairground
atmosphere.
Courtesy Galerie Aline Vidal
BRUCE NAUMAN
Pulling Mouth [1968]
Film cinématographique 16 mm noir et blanc
Silencieux, 10'36"
Bruce Nauman, né aux Etats-Unis, a commencé par réaliser des performances et des films dans son atelier,
avant d’utiliser massivement le néon.
Cette vidéo fait partie d'un ensemble de quatre films regroupés sous le titre de " Slo Mo Films ", comprenant
également Black Balls, Bouncing Balls, et Gauze. Pour les réaliser, il a loué une caméra industrielle qui
permet de faire de très gros plans et des ralentis importants. La vitesse varie entre mille images et quatre mille
images par seconde. Ces films prirent entre quatre et six secondes à être faits en fonction de la vitesse choisie.
L’action est ainsi réellement ralentie. Parfois c’est si lent qu’on ne peut saisir totalement et immédiatement ce
qui change. Dans Pulling Mouth, l’artiste se filme en train d’étirer sa bouche avec ses doigts, comme testant
les possibilités élastiques que peut lui offrir son corps mais aussi ses limites.
Courtesy Electronic Arts Intermix
16 mm silent, black and white film, 10’36"
Bruce Nauman was born in 1941 in the United States. He began creating films and performances in his
studio before using neon massively. His work is inspired by everyday life and can be seen as a metaphor for
human behaviour. He seeks to reveal man’s behaviour when faced with extreme situations. He defines himself
as an artist who attacks the spectator: “I want my work to be vehement and aggressive because it forces
people to pay attention”. He is also aggressive towards his own body in Pulling Mouth.
This video is part of a series of four films grouped under the title of “Slo Mo Films”, also including Black Balls,
Bouncing Balls and Gauze. To make these films, Nauman rented an industrial camera capable of doing
extreme close-ups and slow-motion. The speed varies between one thousand and four thousand pictures frames
per second. These films took between four and six seconds depending on the selected speed. The action
therefore is really slowed down. Sometimes it is so slow that we cannot fully and immediately grasp what is
changing. In Pulling Mouth, the artist films himself while stretching his mouth with his fingers as if testing the
elastic possibilities that his body can offer, but also its limitations. For Philippe-Alain Michaud, Bruce Nauman
is in the same “clowning vein” as the primitive cinema of the early twentieth century. He returns to the themes
of distortion, dislocation and dismemberment, always in a comical and quirky spirit.
Courtesy Electronic Arts Intermix
La Chambre
burlesque
Les slapsticks (comédies burlesques muettes) ont été montrés pour la première fois, dans les années 1910, dans le cadre
de fêtes foraines. En effet, à ses débuts le cinéma était essentiellement nomade, en particulier de 1895 à 1914. Les forains
ayant racheté aux frères Lumière des droits, des salles de cinématographe mobiles verront le jour en fête foraine et des
cinéastes comme George Méliès y présenteront leurs films. L’esthétique des slapsticks, basée sur l’absurde, mélangeant le
comique et le tragique, a eu un écho retentissant chez un bon nombre d’artistes contemporains.
Ces comédies sont animées d’un tourbillonnement débridé cher à l’humour américain. Elles perpétuent les traditions du
cirque, du music-hall et du burlesque. Souvent, la distance prise avec la réalité est accentuée par des trucages. L’action est
fréquemment vue au ralenti ou en accéléré ; elle défie toutes les lois de la physique.
Une chambre est consacrée à cet univers du cinéma burlesque dont elle reprend un décor et des accessoires typiques.
Conception de la chambre : Claire Dussaux, Frédérique Bertrand, Perrine Grzegorczyk
Slapsticks (silent burlesque comedies) were first shown in the 1910s, at fairgrounds. In fact, in its early days, cinema was
essentially nomadic, especially from 1895 to 1914. Fairground operators bought the rights from the Lumière brothers and so
mobile cinematograph halls appeared at funfairs and filmmakers such as George Méliès presented their films in this setting.
The aesthetics of the slapstick, based on the absurd and combining comedy and tragedy, had a huge impact on many
contemporary artists.
These comedies were driven by a relentless whirl of action dear to American humour. They perpetuated the traditions of the
circus, vaudeville and burlesque. Often, the distance with reality was accentuated by special effects. The action was frequently
seen slowed down or speeded up, defying all laws of physics.
One room is devoted to this world of burlesque cinema, borrowing from its decor and props.
Room design by Claire Dussaux, Frédérique Bertrand, Perrine Grzegorczyk
LISTE des films de
la chambre burlesque
- Anonyme, Un Monsieur qui a mangé du taureau, 1909
- Anonyme, La Loïe Fuller dans la cage aux lions, 1900
- Anonyme, The Tramp’s surprise (Le Clochard surpris), 1899
- Anonyme, Le Barbier fin de siècle, 1896
- Stuart Blackton, The Thieving hand (La Main voleuse), 1908
- Segundo de Chomon, Le Rêve des marmitons, 1908
- Cecil Hepworth, How to stop a motor car ? (Comment arrêter une voiture ?), 1902
- Buster Keaton, Convict 13 (Le prisonnier numéro 13), 1920
- Clément Maurice, Little tich, la danse des grands souliers, 1900
- Gaston Velle, Le paravent mystérieux, 1904
Distributeur : Lobster films
Remerciement à Maria Chiba
- Anonymous, Un Monsieur qui a mangé du taureau (A gentleman who has eaten bull), 1909
- Anonymous, La Loïe Fuller dans la cage aux lions (Loïe Fuller in the lion cage), 1900
- Anonymous, The Tramp’s surprise, 1899
- Anonymous, Le Barbier fin de siècle (The end of century Barber), 1896
- Stuart Blackton, The Thieving hand, 1908
- Segundo de Chomon, Le Rêve des marmitons (The Cooks’ dream), 1908
- Cecil Hepworth, How to stop a motor car?, 1902
- Buster Keaton, Convict 13, 1920
- Clément Maurice, Little tich, la danse des grands souliers (Little tich, the big shoes dance), 1900
- Gaston Velle, Le paravent mystérieux, 1904 (The mysterious screen)
Distributor: Lobster Films
Thanks to Maria Chiba
La Chambre
Georges MÉliÈs
Georges Méliès, né en 1861, véritable légende du cinéma français, est magicien à ses débuts et directeur du théâtre
Robert Houdin. On retrouve dans nombre de ses films (il en a réalisé pas moins de 501) l’esthétique burlesque.
Nous avons souhaité lui rendre hommage en reconstituant une tente comme on les trouvait à l’époque dans les fêtes
foraines et qui servaient d’espace de projection pour les premiers films burlesques. Les films étaient muets et la qualité de
la bande souvent mauvaise mais le public interagissait avec le film, riant ou huant à haute voix, envoyant des chaussures
ou des tomates si cela ne lui plaisait pas. Un pianiste accompagnait et rythmait les différentes scènes, avec des musiques
d’époque.
Projection dans la première salle : Anonyme, Living Picture and menagerie (Distributeur : Lobster films)
Remerciement à Pauline Duclaud-Lacoste, qui a créé l’Association « Les amis de Méliès » et qui nous a aidé à penser cette
salle hommage à Méliès.
Georges Méliès, born in 1861 and a true legend of French cinema, started out as a magician and director of the Robert
Houdin theatre. Many of his films (he made a total of 501 films) are characterised by a predilection for the burlesque aesthetic.
We wished to pay tribute to Méliès by recreating a tent as they were found at the time in fairgrounds, used as a space to
project the first burlesque films. The films were silent and the quality of the reel often poor but the audience interacted with the
film, laughing or booing loudly, throwing shoes or tomatoes if they didn’t like it. A pianist provided accompaniment, giving a
rhythm to the different scenes with music of the time.
Projection in the first room: Anonymous, Living Picture and menagerie (Distributor: Lobster Films)
Thanks to Pauline Duclaud-Lacoste, who created the Association “Les amis de Méliès” and helped us devise this homage to
Méliès.
Liste des films
de la Chambre
Georges MÉliÈs
- Chute du 5ème étage, 1906
- Le Roi des tireurs, 1905
- Le Roi du maquillage, 1904
- Nain et géant, 1901
- La Dislocation mystérieuse, 1901
- L’Homme à la tête de caoutchouc, 1901
- Un homme de têtes, 1898
- L’Escamotage d’une dame chez Robert Houdin, 1896
Distributeur : Lobster films
- Chute du 5ème étage (Fall from the 5th floor), 1906
- Le Roi des tireurs (King of the shooters), 1905
- Le Roi du maquillage (The King of make-up), 1904
- Nain et géant (Dwarf and giant), 1901
- La Dislocation mystérieuse (The mysterious dislocation), 1901
- L’Homme à la tête de caoutchouc (The Man with the rubber head), 1901
- Un homme de têtes (A man of heads), 1898
- L’Escamotage d’une dame chez Robert Houdin (Making a lady disappear at the Robert
Houdin theatre), 1896
Distributor: Lobster Films
Barnaby Gunning
FANTASTICITÉ [2012]
100 000 briques LEGO
Barnaby Gunning est un architecte qui vit entre l’Angleterre et l’Italie. Il a travaillé avec Renzo Piano et
Norman Foster avant d’ouvrir sa propre agence d’architecture.
L’architecte propose ici aux enfants de Lille de construire la ville de leurs rêves. A la manière du jeu SIM
City et à l’aide de 100 000 briques de LEGO, ils participent à l’élaboration et au développement d’une cité
innovante et fantastique. Le point de départ est une toute petite île entourée d’une rivière qui ne prendra sa
forme définitive qu’à la fin de l’exposition, évoluant ainsi au fil des jours et des ateliers proposés aux enfants.
A l’image de Coney Island, cette ville LEGO sera le lieu et le témoin d’évolutions architecturales innovantes,
issues et dépendantes de l’imagination de chacun des participants.
Remerciement à LEGO pour avoir fourni les 100 000 briques.
FANTASTICITY
100,000 LEGO bricks
Barnaby Gunning is an architect who lives between England and Italy. He worked with Renzo Piano and
Norman Foster before starting his own architectural practice.
In this work, the architect invites the children of Lille to build the city of their dreams. In the manner of the game
SIM City and with 100,000 LEGO bricks, they will participate in the preparation and development of an
innovative and fantastic city. The starting point is a tiny island surrounded by a river that will not take on its final
form until the end of the exhibition, thus evolving from day to day and in the course of workshops organised
for the children. Just like Coney Island, this LEGO City will be the setting and witness to innovative architectural
developments, produced by and dependent on the imagination of each participant.
Thanks to LEGO, for providing the 100,000 bricks.
ROMAN SIGNER
Actions [1975-1980] [1981-1984] [1985-1989]
Films super 8, couleur et silencieux
Roman Signer vit et travaille en Suisse. Depuis 1973, il réalise des « actions-sculptures », qu’il appelle aussi
"événements" : de petites catastrophes, des explosions, des effondrements… qu’il met en scène et filme.
Ces "événements" semblent toujours échouer et produisent des résultats absurdes et dérisoires. Roman Signer est
ainsi dans une esthétique du bricolage et du ratage, que l’on retrouve notamment chez Méliès.
Les objets utilisés par Roman Signer, pareils aux personnages de ce type de films, sont victimes de sketchs ou
d’accident. On est toujours à la frontière entre le comique et le drame. Pour Jean-Yves Jouannais, ces performances
pourraient se résumer à une collection de catastrophes dont le sens nous fait défaut, dont la portée semble masquée
par le visuel excessif du gag. « Elles produisent une poésie exemplairement idiote, un chant dédié aux vertus de
l’imperfection ».
Courtesy Galerie Art : Concept
Super 8 film, colour, silent
Roman Signer lives and works in Switzerland. Since 1973, he has made “action sculptures”, which he also
calls “events”: small disasters, explosions, collapses... which he stages and films.
These “events” always seem to fail and produce absurd and pathetic results. Roman Signer therefore places
himself in an aesthetic of DIY and failure, as notably also found in Méliès.
Objects used by Roman Signer, like the characters in such films are victims of sketches or accident. We are
always on the threshold between comedy and drama. For Jean-Yves Jouannais, these performances could
be summed up as a series of disasters whose meaning escapes us, and whose scope seems masked by the
excessive visuals of the gag. “They produce an exemplary foolish poetry, a song to the virtues of imperfection.”
Courtesy Galerie Art: Concept
MARK DION
The Shooting Gallery (La galerie de tir)
[2010]
158,5 x 29 à 37 cm x 240 cm, meuble en bois, peluches, objets en argile et
papier mâché (oiseaux et lapins), tissus, carabine et dessins
Mark Dion est né aux Etats-Unis où il vit et travaille. The Shooting Gallery est une forme hybride, entre le cabinet de curiosités
et le stand de foire. Le tir à la carabine, issu des fêtes foraines, a depuis son origine fasciné les artistes.
Avec The Shooting Gallery de Mark Dion, l’artiste nous invite à tirer à la carabine sur des animaux inoffensifs (oiseaux et
lapins), certes en plâtre. Celui qui touche la cible remporte un dessin de l’artiste représentant l’un des animaux de son choix,
traditionnellement "chassé" : le cerf, le lièvre ou le canard, mais également ceux que l’on tente d’éradiquer, comme le rat.
Toute la force de l’œuvre est là, dans cette ambivalence du jeu forain proposé par l’artiste, qui renvoie à la chasse, un jeu
d’une autre nature qui ne sert plus à satisfaire un besoin vital, mais le geste de l’homme qui joue le jeu de la mort. Pour mieux
insister sur la part de cruauté du chasseur, l’artiste installe une rangée d’animaux en peluche au sommet du tir ; ainsi le joueur
qui manquerait sa cible, prend le risque d’atteindre le symbole de l’enfance protecteur par excellence, le doudou.
Courtesy Galerie in situ Fabienne Leclerc, Paris
158.5 cm x 29-37 cm x 240 cm - wooden furniture, soft toys, clay and papier
mâché objects (birds and rabbits), fabrics, rifle and drawings
Mark Dion was born in the United States where he lives and works. The Shooting Gallery is a hybrid form, between the cabinet of
curiosities and the fairground booth. Since it first appeared, the fairground shooting gallery has fascinated artists.
With The Shooting Gallery, Mark Dion invites us to use a rifle to shoot at harmless animals (birds and rabbits), albeit plaster ones.
Whoever hits the target wins a drawing by the artist representing an animal of his/her choice, traditionally “hunted” animals such as
deer, rabbit or duck, but also animals that mankind tries to eradicate, such as the rat.
The strength of the work force lies in this ambivalence of the fairground game proposed by the artist, which alludes to hunting, a game
of another kind that no longer serves to meet a vital need, but is a gesture by mankind playing the game of death. To better emphasise
the hunter’s cruelty, the artist installs a row of stuffed animals at the top of the gallery; in this way, if the player misses the target, he or
she takes the risk of hitting the ultimate protective symbol of childhood, the baby’s comforter.
Courtesy Galerie in situ Fabienne Leclerc, Paris
Zacharie
Gaudrillot-roy
Les premières « foires foraines » étaient des stands et des petits manèges démontables se déplaçant à travers tout le pays.
Parmi ces stands, les entre-sorts principalement composés d’une façade attractive, destinée à créer un effet d’annonce auprès du
visiteur. De l’autre côté se dissimule un phénomène plus ou moins étrange, voir illusoire. Les photos de Zacharie Gaudrillot-Roy
évoquent cette ambivalence du réel à travers des façades urbaines nues, dépouillées de leurs usages, telle une ville fantôme.
Quelques dates :
6 mai 1986 - naît à L’Arbresle (près de Lyon). Octobre 2008 - entrée à l’école de Condé de Lyon, section photographie. Juin et
juillet 2009 - stage de photographie pour la ville de Lyon et son mensuel « Lyon Citoyen » Septembre et octobre 2010 - stage
de photographie pour couvrir les évènements durant la période d’ouverture de la 10ème Biennale d’art contemporain de Lyon.
Juin 2010 - obtention du diplôme de Condé, Cycle supérieur de photographie. 5 octobre 2010 - Statut d’Auteur Photographe.
Du 13 avril au 15 aout 2011 - exposition « Paranoïa » à la Gare Saint-Sauveur de Lille, à l’issue du prix SFR jeunes Talents. 30
septembre 2011 - ouverture de l’atelier photo « l'abat-jour » au 33 rue René Leynaud, Lyon. Participation au parcours d’« Artistes
en Pentes » sur la Croix-Rousse. De septembre à novembre 2011 - Travail pour la Biennale d'art contemporain de Lyon.
The first “fairgrounds” were stands and small, easily dismantled rides travelling across the country. Among these stands one found
sideshows, mainly consisting of an attractive façade designed to catch the visitor’s attention. On the other side there lay a strange or
even illusory phenomenon of some kind. Zacharie Gaudrillot-Roy’s photos evoke this ambivalence of reality through their depiction of
bare urban facades, stripped of their uses, like a ghost town.
Some dates
6 May 1986 - born in Arbresle (near Lyon). October 2008 - enrolled in the photography section at the École de Condé in Lyon. June
and July 2009 - photography internship for the city of Lyon and its monthly publication “Lyon Citoyen”. September and October 2010
- photography internship to cover events during the opening of the 10th Contemporary Art Biennale in Lyon. June 2010 - graduated
from École de Condé Cycle with a degree in photography. 5 October 2010 - obtained status of professional photographer. 13 April
to 15 August 2011 - “Paranoia” exhibition at the Gare Saint-Sauveur in Lille, following SFR Young Talents competition. 30 September
2011 - opening of the photography workshop “l’abat-jour” (lampshade) at 33 Rue René Leynaud, Lyon. Participation in the competition
“Artistes en Pentes” on the Croix-Rousse. From September to November 2011 - Working for the Lyon Contemporary Art Biennale.
sfrjeunestalents.fr
Carrément vous.