Catálogo de la XXII Muestra de Artes Plásticas del Principado de

Transcription

XXII Muestra
de Artes
PlÁsticas del
Principado de
Asturias 2011
XXII Muestra
de Artes
PlÁsticas del
Principado de
Asturias 2011
Consejera de Bienestar
Social e Igualdad
Paloma Menéndez Prado
Directora General
de Politicas Sociales
Patricia Arce García
Equipo técnico de
programas culturales
Mª José Baragaño Castaño
Catálogo
EXPOSICIÓN
ÍNDICE
Textos
Comisariado
Textos
Social e Igualdad
Benjamin Weil
Emilio Marcos Vallaure
Consejero de Cultura y Deporte
Texu
Emilio Marcos Vallaure
Consejero de Cultura y Deporte
Seguros
Benjamin Weil
Director de Actividades de
LABoral Centro de Arte y
Creación Industrial
Benjamin Weil
Luís Feás Costilla
Crítico de Arte y
Comisario de Exposiciones
Marga Llamas Cuesta
María Repáraz Pérez
Selección de artistas
realizada por:
Benjamin Weil
Crítico de Arte
y Comisario de Exposiciones
Antonio Alonso de la Torre
Profesor
Adriana Suárez Noriega
Galería Adriana Suárez
Enmarcación
Catalana-Occidente
Promueve
Consejería de Bienestar
Social e Igualdad
Social e Igualdad
Crítico de Arte y
Comisario de Exposiciones
Colaboran
Diseño gráfico
Jorge Lorenzo. Diseño y
Comunicación Visual
Traducción
Caroline Lelanchon (Francés)
Lambe y Nieto (Inglés)
Fotografías
Enrique Ros Wagener
Pags. 33, 53, 54, y de 83 a 89
Amalia Ulman
Pags. de 34 a 41
Andrés Gómez
Pags. de 63 a 71
David Martínez Suárez
Pags. de 73 a 81
Imprime
Imprenta Narcea
Depósito legal
AS-4452/2011
CajAstur
Obras
Trayectorias
La Muestra de Artes Plásticas
del Principado de Asturias es
una actividad realizada por el
Programa Culturaquí
paloma menéndez prado
ministre du gouvernement
consejera de
de la principauté des asturies
pour le bien-être social et l’égalité
bienestar social e igualdad
La Muestra de Artes Plásticas del Principado
de Asturias constituye, por la variedad de sus
propuestas y la vitalidad de sus participantes,
uno de los exponentes más atractivos del panorama artístico joven en nuestra región, una
radiografía fiel en la cual se pueden constatar
las distintas influencias y derivas que condicionan el tejido creativo asturiano. Además, su
periodicidad anual, pues no en vano esta será
la Muestra número 22, nos permite contemplar y analizar cómo ha evolucionado el arte en
la región con una perspectiva inmejorable.
Un hecho que se ha venido constatando en
las últimas ediciones de la Muestra es que,
en lugar de servir esta únicamente como
proyección hacia el exterior de sus participantes, muchas veces ocurre lo contrario. Es
decir, estamos recopilando bajo una única
mirada aquello que está fraguando en Asturias
y aquello que los asturianos están haciendo
fuera. Una circunstancia que, lejos de introducir elementos distorsionadores, enriquece
considerablemente el producto final.
La reciente reestructuración efectuada en la
Administración del Principado de Asturias ha
encomendado a la Consejería de Bienestar
Social e Igualdad las competencias en materia
de juventud. Ello no es óbice para que se mantenga una constante y estrecha colaboración
con la Consejería de Cultura y Deporte, de la
cual se beneficie este binomio, joven+artista,
que es a fin de cuentas el gran protagonista
de esta Muestra en particular y el Programa
Culturaquí en su conjunto.
La Muestra d’Arts Plastiques de la Principauté
des Asturies constitue, pour la variété de ses
propositions et la vitalité de ses participants,
l’un des événements les plus attractifs du
panorama artistique jeune dans notre région,
une radiographie fidèle qui permet de déceler les
différentes influences et les dérives influençant
head of department of social
welfare and equality
Seen in terms of the variety of the work on exhibit
and the vitality of its participants, the Plastic Arts
Exhibition of the Principality of Asturias is definitely
one of the most exciting demonstrations of our
region’s emerging art scene as well as an X-ray
faithfully recording the various influences and
directions on view in the creative fabric of Asturias.
Besides, its yearly periodicity, and remember we
aujourd’hui le tissu créatif des Asturies. Par ailleurs,
sa fréquence annuelle - et cette édition est déjà la
vingt-deuxième ! - nous permet de contempler et
d’analyser l’évolution de l’art dans la région sous un
jour exceptionnel.
Il a été constaté lors des dernières éditions de la
Muestra que, si celle-ci permet de projeter ses
participants vers l’extérieur, elle a aussi souvent
l’effet inverse : nous rassemblons en effet ici,
sous un regard unique, tout ce qui se forge
dans les Asturies et tout ce que les Asturiens
font à l’extérieur. Une circonstance qui, loin
d’introduire des éléments de distorsion, enrichit
considérablement le produit final.
La restructuration récente de l’Administration de
la Principauté des Asturies a investi le Ministère
Régional du Bien-être social et de l’Égalité,
des compétences afférant à la Jeunesse. Cela
n’empêche en aucun cas le maintien d’une
collaboration constante et étroite avec le Ministère
de la Culture et des Sport, qui ne peut que profiter
au binôme Jeune+Artiste, seul protagoniste
de cette Muestra spécifique et du Programme
Culturaquí dans son ensemble.
are now celebrating its 22nd event, gives us an
unbeatable perspective of art in the region and a
chance to follow and study its evolution.
Something confirmed over recent years is that,
instead of acting exclusively as a platform for
participants to project themselves outside the
region, the Plastic Arts Exhibition also functions in
the opposite direction. In other words, it showcases
under the same spotlight both what is being done
here in Asturias as well as what Asturian-born
artists are creating outside of our region. Far from
acting as a distorting element, this criterion helps
to further enrich the final outcome.
The recent reorganisation of the governing bodies
of the Principality of Asturias has entrusted all
matters concerning youth issues to the Department
of Social Welfare and Equality. This by no means
impedes an ongoing and close collaboration
with the Department of Culture and Sport, a
collaboration from which the combination of youth
and artist, which is ultimately the focus of this
specific show and of the Culaturaquí Programme as
a whole, will surely benefit.
emilio marcos vallaure
consejero de
cultura y deporte
A lo largo de sus veintidós convocatorias, la
Muestra de Artes Plásticas ha alcanzado el
reconocimiento que logran las iniciativas que
son capaces de señalar con sus frutos un
vigor y una fertilidad poco común. Por ello,
no es arriesgado decir que sin la Muestra el
arte asturiano contemporáneo en su vertiente
creativa más joven y receptiva no sería el que
es o, cuando menos, no habría llegado a hacerse visible tanto en la propia Asturias como en
la escena española y europea.
Esta vitalidad, el mantener activa la atención
hacia la producción artística más reciente sin
desfallecer y sin hacer concesiones al oportunismo, ha sido una contribución inestimable
de los propios artistas, pero también de los
trabajadores de la administración regional que
se han encargado a lo largo de estas más de
dos décadas de la organización y puesta en
marcha de una convocatoria que ya tiene la
categoría de clásica en el panorama artístico
asturiano. Sin su entrega y labor constante, la
Muestra de Artes Plásticas no habría logrado
alcanzar ese justo prestigio, ni tampoco sería
como lo es el escaparate perfecto de una
producción que nos une al movimiento de la
modernidad en su expresión más actual.
Demostración de esta tensión por servir de
auténtica vía para promover y difundir el arte
de los más jóvenes creadores, es la selección
llevada a cabo en esta edición por el jurado y el
comisario Benjamín Weil, quien ha logrado un
equilibrado y contundente “estado de la cuestión” artística a través de la selección de obras
que conforman esta Muestra. Su papel en esta
convocatoria sirve de puente entre este ámbito
de atención oficial a los jóvenes artistas y el
trabajo que se desarrolla en LABoral Centro de
Arte, un espacio en el que la práctica totalidad
de los artistas asturianos encuentran eco con
sus propuestas y establecen un diálogo franco
con otros creadores emergentes.
De ahí que en este tiempo, como ha ocurrido
hasta esta precisa convocatoria, la Consejería
de Cultura y Deporte mantenga su constante
y activa atención al arte joven, colaborando
estrechamente con la Consejería de Bienestar
Social e Igualdad, de la que depende a partir
de ahora la Muestra de Artes Plásticas, para
fortalecer e impulsar esta iniciativa cultural de
primer orden, cuya tradición hecha constante
vanguardia se inscribe en nuestra línea de
trabajo de dotar y proyectar nuestras instituciones más sólidas por su función, aceptación
pública y brillantes resultados.
ministre de la culture et du sport
head of dept of culture & sport
Au fil de ses vingt-deux éditions, la Muestra d’Arts
Plastiques a atteint le niveau de reconnaissance qui
distingue les initiatives ayant fait la preuve, par leurs
fruits, d’une vigueur et d’une fécondité rares. Il n’est
donc pas risqué d’affirmer que, sans la Muestra, l’art
asturien contemporain, dans sa facette la plus jeune
et réceptive, ne serait pas ce qu’il est ou, du moins,
n’aurait pas été aussi visible dans les Asturies et sur la
scène espagnole et européenne.
Over its twenty-two editions to date, the Plastic
Arts Exhibition has garnered a degree of recognition
only within the reach of initiatives able to boast a
vitality and productiveness beyond the common.
Therefore, it is no exaggeration to say that, without
this annual event, young creative contemporary art
from Asturias would not be what it is today or, at the
very least, it would not have achieved the visibility
it now has here in Asturias itself as well as in Spain
and Europe.
Cette vitalité, la constance d’une attention active,
sans failles, sans concessions à l’opportunisme, dont
a bénéficié la production artistique la plus récente,
est due à l’inestimable contribution des artistes
eux-mêmes, mais à celle aussi des travailleurs de
l’administration régionale qui ont assuré, pendant
plus de deux décennies, l’organisation et la mise en
œuvre de ce rendez-vous qualifié de Classique parmi
les classiques du panorama artistique asturien.
Sans leur dévouement et leur travail, la Muestra
d’Arts Plastiques ne jouirait pas aujourd’hui de ce
juste prestige et ne serait pas, comme elle l’est dans
les faits, la vitrine idéale d’une production qui nous
rattache au mouvement de la modernité dans son
expression la plus actuelle.
Nous voulons pour preuve de cette ambition qui la
pousse à devenir une véritable voie de promotion et
de diffusion de l’art des créateurs les plus jeunes,
la sélection qu’ont effectuée pour cette édition le
Jury et le Commissaire Benjamin Weil qui a réussi à
produire un « état de la question » artistique équilibré
et indiscutable à travers le choix des œuvres qui
constituent cette Muestra. Son rôle est de servir de
passerelle entre ce domaine d’attention officielle aux
jeunes artistes et le travail mis en œuvre à LABoral
Centre d’Art où la quasi-totalité des artistes asturiens
trouvent une résonance propice à leurs propositions et
établissent un dialogue ouvert et franc avec d’autres
créateurs émergents.
Ainsi donc, le Ministère en place pour la Culture et le
Sport continue de porter, aujourd’hui comme par le
passé, une attention constante et active à l’art jeune,
en étroite collaboration avec le Ministère pour le
Bien-être social et l’Égalité dont dépend dorénavant
la Muestra d’Arts Plastiques, de sorte à consolider et
à impulser cette initiative culturelle de premier ordre,
dont la tradition muée en avant-garde constante,
s’inscrit dans notre ligne de travail qui consiste à doter
et à projeter nos institutions les plus solides de par
leur fonction, l’acceptation publique dont elles sont
l’objet et l’éclat de leurs résultats.
This vitality, tirelessly maintaining an active
interest in recent art production without making
any concessions to opportunism, has been an
invaluable contribution made by the artists
themselves, but also by the workers in the
regional administration who have looked after the
organisation of the exhibition all these years and
have run an event that is now widely viewed as a
core moment in the art scene in Asturias. Without
their commitment and constant work, the Plastic
Arts Exhibition would not have earned this welldeserved prestige, nor would it have become the
perfect showcase for the artistic production that
binds us to the most happening expressions of
contemporary movements.
A demonstration of this drive to act as a true
channel for promoting and diffusing art made by
promising young talents, is the selection carried
out this year by the jury and the curator Benjamin
Weil, who have achieved a balanced “state of the
art” with the range of works taking part in this
exhibition. Their role acts as a bridge between this
official public attention lent to young artists and
the work that is being developed at LABoral Centro
de Arte, a centre in which practically the whole
spectrum of artists from Asturias find an echo with
their proposals and establish an open dialogue with
other emerging creators.
Over all this time, right up until the present
edition, the Department of Culture and Sport has
maintained its constant and active support for
young art, collaborating in close contact with the
Department of Social Welfare and Equality, which
will be the official public body in charge of the
Plastic Arts Exhibition from now on, to strengthen
and drive forward this top class cultural initiative,
which has been at the forefront of the arts, and
part and parcel of our policy to enrich our most
prestigious institutions thanks to their function,
public acceptance and brilliant results.
Del retrato al paisaje:
rehaciendo el mapa del mundo
benjamin weil
director de actividades
LABoral centro de arte
La tarea de comisariar una exposición colectiva
entraña, por lo general, seleccionar artistas
y obras con puntos de contacto para esbozar
un tema o debatir el hilo común que deriva de
su yuxtaposición. Pero el ensamblaje de una
colectiva puede surgir de un criterio diferente:
en este caso, la selección por parte de un jurado
de un conjunto de artistas que presentan los
últimos frutos de un proceso creativo continuado. De cualquier modo, esa selección de obras
revela una instantánea del actual estado de
la escena artística asturiana, algo que, en sí
mismo, ya sería tema para una exposición.
Y aunque, en el mundo cada vez más globalizado que nos ha tocado vivir, el propio concepto
de escena artística local podría parecernos un
contrasentido, en su defensa podemos aducir
que los individuos son producto de la cultura local en la que crecieron. Asturias es una tierra de
múltiples particularidades. Con una tradición
industrial vigorosa, la región ha conservado una
fuerte identidad rural; a menudo, sus habitantes emigraron, regresando a veces —con
mayor o menor riqueza— de tierras lejanas.
Podríamos decir que, geográficamente, Asturias
se encuentra aislada del resto de España por
unos altos picos al sur y el océano al norte. Sus
ciudadanos se sienten enormemente orgullosos de pertenecer a esa apartada región
del país, que tanto contrasta con la visión que
suele tenerse de España, que, de alguna forma,
mantiene una identidad diferenciada y que
siempre fue bastión de resistencia.
Algunos de los seis artistas cuyos trabajos
han sido seleccionados este año residen
en Asturias; otros, han optado por vivir en
otras tierras. Todos parecen haber viajado y
trabajado en otros lugares, pero todos ellos
mantienen, también, un fuerte lazo con su
territorio de nacimiento. Pero más allá de esas
consideraciones geográficas, el panorama que
muestran las obras expuestas refleja también
las inquietudes actuales de una nueva generación de artistas. Resulta, por ejemplo, digno
de mención el interés que comparten por el
continuum histórico expresado a través de un
cierto clasicismo formal. De alguna manera,
también revelan preocupaciones relacionadas
con la identidad y con los cambios que en los
últimos años han afectado al entorno. Pre-
ocupaciones que encontramos en cualquier
lugar del globo y que guardan relación con las
fricciones existentes entre la idea del territorio
local y la identidad por un lado, y el resultado
de su integración en el tiempo y el espacio de
un planeta inmerso en un continuo encogimiento como consecuencia del advenimiento
de eso que a menudo llamamos «Sociedad de
la Información». Nuestra percepción del espacio y el tiempo ha cambiado, lo que afecta,
naturalmente, también a nuestra forma de
relacionarnos entre nosotros y con el paisaje
—físico o mental— que habitamos.
La del tiempo es también una consideración
importante. Vivimos en un mundo que nos
exige procesar a toda velocidad una cantidad
de información cada vez mayor y, sin embargo,
todas estas obras parecen demandar un detenimiento y una desaceleración que nos permita descifrar su complejidad y disfrutar de
ella. Lo que apuntaría al laborioso proceso de
su creación, pero confirmando asimismo que
el marco temporal del arte es decididamente
diferente del que posee el «mundo exterior».
Jugando con referencias de la historia del arte,
así como con la cultura del consumo de masas
o con elementos de nuestra sociedad mediática, cada artista brinda una oportunidad para
adentrarse en otra dimensión temporal.
Los íntimos retratos fotográficos de Félix
Carpio Moreno son fruto del agudo interés de
este artista por crear una relación de confianza con las personas que elige representar. Y
aunque el actual estado de la tecnología ha
hecho posible la aparición de cámaras muy
reducidas con las que tomar imágenes instantáneas, Félix Carpio Moreno se decanta por
un equipo analógico de grandes dimensiones
que da como resultado un tipo de imagen más
construida. Al artista le interesan también las
imperfecciones técnicas de ese instrumental
ya obsoleto, unos accidentes que se convierten
en parte integrante de sus composiciones: sus
fotografías en blanco y negro están en las antípodas de la instantánea. En ellas percibimos
algún grado de intimidad entre el fotógrafo
y las modelos, curiosamente en muchos
casos mujeres, pudiéndose afirmar que esa
intimidad de que hablamos nace también de
una cierta tensión producto de la condición
masculina del artista. El sujeto mantiene una
fuerte presencia y su apariencia es, a menudo,
muy intensa. El artista ha optado por reforzar
la sensación de intimidad imprimiendo a sus
retratos una apariencia bastante doméstica
sin dejarse influir demasiado por el formato
expositivo. Se trata de imágenes que podríamos encontrar en un álbum de fotos, permitiendo al espectador acceder a una relación
mucho más íntima con lo representado.
La intimidad es también el camino elegido por
Sandra Estrada Pérez. Sus, de algún modo,
intemporales loops en vídeo representan unas
figuras humanas en unas pantallas pequeñas
y enmarcadas. Un trabajo con referencias más
evidentes a la pintura que al cine o la imagen
en movimiento en general y que nos hace
pensar en unos pequeños iconos que exigieran una mirada más cercana. Con todo, los
movimientos de esos cuerpos representados
son casi mecánicos, un efecto que la continuidad del material videográfico contribuye
a reforzar. Vistos en su conjunto, los vídeos
forman una extraña coreografía que podría
sugerir un cuerpo desencarnado, una forma
casi abstracta, como queriendo aludir a un
tema capital en este mundo nuestro, crecientemente interconectado y virtual, en el que
la mayor parte de las interacciones humanas
se ven intermediadas por la tecnología y en el
que los encuentros de los cuerpos son cada
vez más escasos, con el profundo efecto que
eso tiene en el modo en que nos relacionamos.
Tenemos pendiente la invención de un nuevo
lenguaje corporal, un lenguaje que permita la
mediación. Pensemos, por ejemplo, en cómo
los actores del cine mudo, dada su incapacidad de utilizar palabras, debían exagerar sus
expresiones faciales y sus movimientos para
transmitir sentimientos…
La reflexión sobre el cuerpo de una comunidad ocupa el centro de la práctica artística de
Amalia Rodríguez Ulman, una creadora cuyo
interés se centra en la definición de la identidad en un tiempo de globalización creciente.
Tras investigar en el rico campo de los medios
de comunicación y constatar que las referencias étnicas impregnan la cultura hegemónica,
la artista ha ideado unos motivos que evocan
la pintura corporal tradicional o los tatuajes;
después, recurre a la tradicional técnica del
batik para estampar esos motivos en seda.
Ernesto Junco Vega ha desplegado una producción deudora de las raíces de la abstracción.
En efecto, el recurrente formato cuadrado
que elige para sus cuadros evoca la célebre
serie Homenaje al cuadrado de Josef Albers.
Recurriendo a la técnica mixta, el artista trabaja unos entornos estratificados que funden
referencias a la pintura de paisaje sin dejar de
apuntar también al serialismo. Unas fuertes referencias formales que asumen un significado
totalmente diferente en una serie de trabajos
más reciente, en la que no deja de reflexionar
humorísticamente sobre las últimas invenciones de nuestra cultura de consumo. Valiéndose
del patrón de los códigos QR, que podría pasar
por una mera abstracción, toma también
prestada la funcionalidad del sistema para
incrustar material grabado en vídeo en esas
«pinturas», accesibles mediante el fotografiado
del código con un smartphone, como haríamos
con cualquier código de QR encontrado en una
revista o en un anuncio en la calle. Más allá
de la estructura clásica de la pintura abstracta subyace una información oculta: aquí, el
concepto de realidad aumentada asume un
enfoque tan radicalmente diferente como el de
la noción de abstracción formal.
La idea de vínculo entre una variedad de elementos formales se halla también presente en
la obra de Verónica García Ardura, que realiza
unos paisajes abstraídos a base de acuarela
y tinta, creando después unos conjuntos de
dibujos de diversos tamaños, colocados sobre
la pared y «expandidos» e interconectados a
través de un dibujo mural. Cada hoja de papel
se convierte en el nodo de una red en constante reconfiguración pues cada instalación se
concibe para el espacio en el que se expone.
El territorio demarcado por la pared expositiva recuerda también la red que forman los
pueblos y ciudades con sus entornos rurales
o suburbanos. Esos mapas mentales reflexionan sobre lo real y lo virtual, desdibujando,
de alguna forma, las fronteras entre los dos
ámbitos y planteando una nueva dimensión
espacial de la experiencia.
Desde un punto de vista formal, David Martínez
toma prestados elementos del entorno industrial para crear unas esculturas que él define
como «módulos» y que a menudo expone en
combinación, como intentando dar forma a
algún tipo de paisaje en el espacio expositivo. Un efecto que pone de relieve, con más
fuerza incluso, en su último trabajo, en donde
la superficie de una simple mesa alberga un
intrincado ensamblaje de elementos que incluyen un láser y un dispositivo que hace posible
la producción de vapor, revelando, a su vez, un
haz que sería, de otro modo, invisible. De una
forma muy particular, la pieza evoca la inquietante presencia de esos complejos de industria
pesada presentes en tantos lugares de Asturias y que constituyen una parte fundamental
de la identidad de la región. Un sentimiento
que queda reforzado por la idea de incluir un
proceso en la construcción de la pieza.
En su conjunto, estas obras conforman una
muestra colectiva bastante coherente sin dejar por ello de mantener una fuerte presencia
individual. Como en tantas colectivas, resulta
fascinante comprobar cómo las obras se
retroalimentan entre sí y contemplar el diálogo
que surge de su coexistencia dentro del mismo
espacio, enriqueciendo nuestra comprensión
de cada una de ellas. Juntas, las piezas sugieren la riqueza y la potencia de una generación
de artistas que sabe cómo «remezclar» todo
tipo de referencias para crear piezas llenas de
inteligencia y de belleza.
benjamin weil
directeur artistique
Le défi du conservateur d’une
exposition de groupe consiste
en général à sélectionner
des artistes et des œuvres
qui ont quelque chose en
commun, de sorte à fixer
un thème ou à discuter
du fil conducteur qui se
dégage de leur juxtaposition.
Toutefois, une exposition
de groupe peut également
être le fruit d’un assemblage
sur d’autres critères : en
l’occurrence, la sélection
par le jury d’artistes ayant
recours, dans leur processus
créatif en cours, aux derniers
progrès et découvertes. De
cette sélection d’œuvres se
dégage alors une instantanée
de l’état actuel de la scène
asturienne de l’art, une sorte
de thématique en soi.
La notion même de scène
artistique locale dans un
monde de plus en plus
globalisé peut être comprise
comme une contradictio in
terminis. Et pourtant, l’on peut
parfaitement arguer que les
individus sont le produit de la
culture locale dans laquelle
ils ont grandi. La région des
Asturies est une terre aux
nombreuses particularités. La
tradition industrielle y est forte
alors que la région a maintenu
une profonde identité rurale
; ses habitants ont souvent
émigré avant de revenir,
fortunés ou pas, de leurs pays
Du portrait au paysage :
remapping du monde
Sin embargo, más que evocar prendas de
ropa, las telas se presentan como banderas,
como tratando de subrayar la emergencia de
una identidad global que estaría por encima de la nacional. Extraídas de su contexto
cultural concreto, las formas pierden también
algo de su significado para convertirse, sin
más, en algo entrañablemente exótico. Es un
hecho que la globalización del consumismo
ha reconfigurado drásticamente el sentido de
identidad y de pertenencia a una comunidad.
De un extremo a otro del globo, la gente lleva la
misma ropa, con las mismas hechuras, colores
y hasta marcas; usa los mismos teléfonos y se
mantiene permanentemente interconectada
por conductos de comunicación parecidos.
Con la especificidad cultural en vías de extinción, habrá que inventar nuevos medios con
los que comprender y expresar la identidad.
lointains. Géographiquement,
les Asturies sont en quelque
sorte coupées du reste de
l’Espagne par de hautes
montagnes au Sud, et par
l’océan au Nord. Et les citoyens
sont magnifiquement fiers
d’appartenir à cette partie
retirée du pays, qui défie la
vision commune que l’on se
fait souvent de l’Espagne et se
distingue comme un bastion de
résistance.
Quelques-uns des six artistes
dont le travail a été sélectionné
cette année habitent dans les
Asturies. D’autres ont choisi
de vivre ailleurs. Mais tous
ils semblent avoir voyagé et
travaillé un peu partout. Pour
la plupart, ils ont gardé des
liens étroits avec la terre sur
laquelle ils sont nés. Au-delà
de ces considérations d’ordre
géographique, le panorama
que présentent les œuvres
exposées est également le
reflet des préoccupations
actuelles d’une nouvelle
génération d’artistes. Il est
à noter, par exemple, qu’ils
partagent tous un certain
intérêt pour le continuum
historique, comme en témoigne
un certain classicisme formel.
Ils manifestent également des
préoccupations ayant trait à
l’identité, et aux changements
subis par l’environnement
ces dernières années. Des
préoccupations en somme
que l’on retrouve partout sur le
globe : les frictions entre l’idée
d’une identité et d’un territoire
locaux, et le fait d’occuper
le temps et l’espace d’une
planète qui se rétrécit sans
cesse suite à l’avènement de la
Société dite « de l’Information
». Notre perception de l’espace
et du temps a en effet changé,
et cela touche évidemment
aussi la façon dont nous nous
conduisons les uns avec les
autres, et envers le paysage
que nous habitons – qu’il soit
physique ou mental -.
Le temps est également un
élément important. Alors
que nous vivons un monde
qui nous impose de traiter
plus d’informations et plus
vite, ces œuvres semblent
requérir toute notre attention
et impliquent donc un
indispensable ralentissement
si nous voulons en déchiffrer
et apprécier la complexité.
Cela est probablement dû
au processus méticuleux de
leurs factures, mais aussi au
temps de l’art comme qui est
décidément différent de celui
du «monde extérieur». En
jouant avec des références
historiques de l’art, tout
comme avec la culture
consumériste de masse ou
avec les éléments de notre
société médiatique, chaque
artiste a créé une opportunité
de pénétrer une autre
dimension du temps.
Les portraits de Félix Carpio
Moreno sont intimes. Ils sont
le fruit de la volonté qu’a
l’artiste d’établir une relation
de confiance avec les gens
qu’il choisit de photographier.
Alors que l’état actuel de
la technologie a mis sur
le marché de très petites
caméras qui prennent des
photos instantanées, Felix
Carpio Moreno préfère les
appareils à grande échelle, qui
impliquent un type d’image
plus construit. L’artiste
s’intéresse aussi aux défauts
techniques propres au vieux
matériel, ces accidents
qui sont partie intégrante
de ses compositions : ses
photographies en noir et blanc
sont exactement le contraire
de l’instantané. On y perçoit
un certain degré d’intimité
entre le photographe et son
sujet. Et, chose intéressante,
la plupart de ses portraits
sont des portraits de femmes.
Ce qui peut porter à penser
que cette intimité dérive aussi
d’un certain degré de tension,
puisque l’artiste est homme.
Le sujet est fortement présent
et son regard souvent assez
intense. L’artiste a choisi
de renforcer le sentiment
d’intimité en décidant
d’imprimer ses photos sur
un format assez domestique
plutôt que de les mettre en
scène pour l’exposition. Ce
sont des images que l’on
pourrait trouver dans un album
photo, et le résultat pour le
spectateur est une relation à
l’image beaucoup plus intime.
L’intimité est aussi le choix de
Sandra Estrada Pérez. Ses
vidéos en boucle, quelque peu
intemporelles, représentent
des figures humaines et sont
produites sur de petits écrans,
encadrés. La référence renvoie
plus à la peinture qu’au film,
ou au mouvement d’images
en général. L’on pense à ces
petites icônes qui nécessitent
un examen attentif. Et
pourtant, les mouvements
des corps représentés sont
presque mécaniques. Cet
effet est renforcé par le
continuum de la séquence
vidéo. Mises ensemble,
ces vidéos conforment une
chorégraphie étrange, une
espèce de corps désincarné,
une forme quasi abstraite, qui
poserait une question cruciale
dans notre monde toujours
plus interconnecté et virtuel.
Lorsque la technologie devient
le médiateur des interactions
humaines, les rencontres sont
moins corporelles et la façon
de se comporter avec autrui
s’en trouve profondément
affectée. Un nouveau langage
corporel doit être inventé,
un langage qui puisse être
intermédié. L’on pense, par
exemple, aux acteurs des films
muets qui devaient emphatiser
leurs expressions faciales
et leurs mouvements, afin
d’exprimer des sentiments
sans avoir recours aux mots.
Au cœur des travaux d’Amalia
Rodriguez Ulman, une réflexion
sur le corps d’une communauté
: elle porte son intérêt sur la
définition de l’identité à une
époque de mondialisation
accrue. Ayant étudié le
champ fécond des médias,
et réalisé que les références
ethniques ont imprégné la
culture dominante, l’artiste
a inventé des modèles qui
évoquent la peinture corporelle
traditionnelle ou les tatouages.
Elle les a ensuite imprimés
sur de la soie, suivant la
technique traditionnelle
du batik. Toutefois, plutôt
que de renvoyer à l’idée de
vêtements, les tissus évoquent
des drapeaux, comme pour
alerter de l’émergence
d’une identité globale qui
supplanterait celle de la
nationalité. Dissociées de leur
contexte culturel spécifique,
les formes ont également
perdu toute signification
et deviennent juste
délicieusement exotiques. En
effet, la mondialisation du
consumérisme a profondément
remodelé le sentiment
d’identité et l’appartenance à
une communauté. D’un bout
à l’autre du globe, les gens
portent les mêmes vêtements,
les mêmes formes, dans les
mêmes couleurs, voire les
mêmes marques. Ils utilisent
les mêmes téléphones
et sont en permanence
connectés les uns aux autres
par le biais de canaux de
communication similaires.
La singularité culturelle
étant progressivement
gommée, de nouveaux moyens
d’appréhender et d’exprimer
l’identité doivent être inventés.
Ernesto Junco Vega a bâti
un corpus d’œuvres qui
se nourrit à la racine de
l’abstraction. Le format
carré récurrent qu’il a choisi
pour ses peintures évoque
en effet la fameuse série
Hommage au Carré de Josef
Albers. À partir de techniques
mixtes, l’artiste crée des
environnements superposés
où les références aux peintures
de paysages se mélangent,
tout en regardant vers le
Sérialisme. Ces références
formelles fortes prennent un
sens complètement différent
dans une série plus récente
d’œuvres, tout en reflétant
avec humour les dernières
inventions de notre culture
consumériste. Lorsqu’il utilise
le modèle des QR codes, qui
pourrait passer pour de la
simple abstraction, il emprunte
aussi la fonctionnalité du
système, afin d’ancrer les
séquences vidéo dans ces
« peintures », accessibles à
travers la photographie du code
prise avec un smartphone,
comme un QR code trouvé dans
une revue ou une publicité de
rue. Au-delà de la structure de
classification de la peinture
abstraite, l’on trouve des
informations cachées : la notion
de réalité augmentée prend ici
une tournure complètement
différente, tout comme la
notion d’abstraction formelle.
Cette idée de lien entre
différents éléments formels
sous-tend également le travail
de Verónica García Ardura, qui
dessine des paysages abstraits
à l’aquarelle et à l’encre, puis
crée des arrangements de
dessins de différentes tailles,
qui sont placés sur le mur
et « prolongés » et liés les
uns aux autres par un dessin
mural. Chaque feuille de
papier devient un nœud dans
un réseau continuellement reformé, et chaque installation
est spécifique à un site. Le
territoire délimité sur le mur
d’exposition ressemble aussi
au réseau que forment les
villages ou les villes et leurs
environnements ruraux et
suburbains. Cette cartographie
mentale réfléchit au réel et
au virtuel, en effaçant en
quelque sorte la frontière
entre ces deux domaines et
en reformulant la dimension
spatiale de l’expérience.
David Martinez emprunte
formellement au monde
industriel certains des
éléments de son œuvre
sculpturale qu’il qualifie de
«modules». Ils sont souvent
présentés en association, afin
de créer une sorte de paysage
dans l’espace d’exposition.
Cet effet est encore plus
présent dans son œuvre la
plus récente. La surface plane
d’une simple table accueille
un assemblage complexe
d’éléments qui comprennent
un laser et une installation
permettant la production
de vapeur qui, à son tour,
révèle le faisceau autrement
invisible. Cette pièce évoque
surtout la présence obsédante
des complexes industriels
lourds rencontrés un peu
partout dans les Asturies, et
qui constituent une partie
essentielle de l’identité de
la région. L’idée d’inclure un
process dans la conception de
l’œuvre renforce ce sentiment.
Ensemble, ces œuvres
constituent une exposition
de groupe assez cohérente,
tout en maintenant une
forte présence individuelle.
Comme c’est le cas dans de
nombreuses expositions de
groupe, il est assez séduisant
de voir la façon dont chacune
de ces œuvres instruit les
autres, et dont le dialogue qui
se dégage de leur co-existence
dans un même espace enrichit
la compréhension que l’on peut
avoir de chacune d’entre elles.
Ensemble, elles dévoilent
la richesse et la force d’une
génération d’artistes qui sait
remixer les références de toutes
sortes afin de créer des œuvres
d’intelligence et de beauté.
artistic director
The curatorial endeavor of a
group show usually implies
selecting artists and works
that have something in
common, to draw a theme or
discuss the common thread
that emerges from their
juxtaposition. However, a
group exhibition may also be
the assemblage that results
from a different criterion: in
this case, a juried selection of
artists who have presented
the latest development in
their ongoing creative process.
And yet, from this selection
of works emerges a snapshot
of the current state of the
Asturian art scene, some kind
of a theme in itself.
The very notion of a local
art scene in the ever-more
globalized world we inhabit
could be understood as a
contradiction in terms. And
yet, one could argue that
people are the product of
the local culture they were
brought up in. Asturias is a
land of many particularities.
Its industrial tradition is
strong, while the region has
maintained a strong rural
identity; its inhabitants
have often emigrated, and
sometimes returned from
faraway lands with more or
less wealth. Geographically,
Asturias is somehow isolated
from the rest of Spain by high
From portrait
to landscape:
remapping the world
benjamin weil
mountains in the South, and
the ocean on the North. Its
citizens are enormous proud to
belong to that secluded part of
the country, which also defies
the common vision one may
have of Spain and somehow
stands apart, having always
been a bastion of resistance.
Some of the six artists whose
work has been selected this
year live in Asturias, others
have elected to live elsewhere.
All seem to have traveled and
worked in other places. They
all maintain a strong tie to
the land they were born on,
for the most. Beyond those
geographical considerations,
the panorama the exhibited
works offer also reflects the
current preoccupations of a
new generation of artists. It is
noteworthy, for instance, that
they share a certain interest
in the historical continuum,
as revealed by a certain
formal classicism. Somehow,
they also denote concerns
that relate to identity, and to
the changes brought to the
environment in the recent
years. One can retrieve similar
concerns everywhere on the
globe. They have to do with the
frictions that exist between
the idea of a local territory and
identity and the result of its
being integrated in the time
and space of a planet that
continuously shrinks, with the
advent of what is often referred
to as “the Information Society”.
Our perception of space and
time has shifted, and this of
course also affects the way
we relate to each other, and
to the landscape we inhabit –
whether physical or mental.
Time is also an important
consideration. Whereas we
live in a world that requires our
processing of more information
in an accelerated fashion, all
these works seem to require
attention, and imply a slowing
down, in order to decipher and
enjoy their intricacy. This may
point to the tedious process
of their making, but also to
the time frame of art as being
decidedly different from the
one of the “outside world”.
Playing with art historical
references, as well as with
mass consumerist culture
or elements of our media
society, each artist creates
an opportunity to and enter
another time dimension.
The photographic portraits
of Felix Carpio Moreno are
intimate, and the result of
the artist’s keen interest in
establishing a relationship
of confidence with the
people he chooses to picture.
Whereas the current state
of technology has brought
very small cameras that take
instant pictures, Felix Carpio
Moreno prefers large-scale
analog equipment, which
implies a more constructed
type of image. The artist is
also interested in the technical
flaws of old fashioned
equipment, accidents that
become an integral part of his
compositions: his black and
white photographs are the
exact contrary of a snapshot.
One denotes a certain degree
of intimacy between the
photographer and his subject.
Interestingly enough, most of
these portraits are of women,
and one could argue that this
intimacy is also borne out of
a certain degree of tension,
given that the artists is
male. The subject is strongly
present and her look often
quite intense. The artist has
chosen to reinforce the feeling
of intimacy by electing to print
his photographs in a fairly
domestic format, rather that
staging those portraits for the
exhibition. They are images
one could encounter in a photo
album, and the result for the
viewer is a much more intimate
relationship to the image.
Intimacy is also a choice made
by Sandra Estrada Pérez. Her
somewhat timeless video loops
depicting human figures are
presented on small screens,
and framed. The reference
is more painterly than it is
to film, or moving images in
general. One thinks of small
icons, which require a close
look. And yet, the movements
of the depicted bodies are
almost mechanical, and this
effect is being reinforced by
the continuum of the video
footage. Together, these
videos form a strange
choreography that could
suggest a disincarnated body,
almost an abstract shape, as
if to point to a question that
is central to our ever more
interconnected and virtual
world. When most human
interactions are mediated by
technology, bodily encounters
are lesser and this profoundly
affects the way of relating
to one another. A new body
language has to be invented,
one that can be mediated. One
thinks for instance how actors
in silent movies had to overdo
on their facial expressions and
movements, so as to convey
feelings without being able to
use words.
Reflecting upon the body of
a community is at the core
of Amalia Rodríguez Ulman’s
works. She has focused her
interest on the definition of
identity in a time of increased
globalization. Having
researched the rich field of the
media, and realized that ethnic
references have permeated
mainstream culture, the
artist has invented patterns
that evoke traditional body
paint or tattoos. She then
has printed them onto silk
fabric, using the traditional
technique of batik. However,
rather than evoking clothing,
the fabrics are presented
as flags, as if to point to the
emergence of a global identity
that would supersede the one
of nationality. Removed from
their specific cultural context,
the shapes have also lost any
meaning and simply become
charmingly exotic. Indeed, the
globalization of consumerism
has profoundly reshaped
the sense of identity and the
belonging to a community.
From one end of the globe
to the other, people wear
the same clothes, whether
in terms of shape, color or
even, brand. They use the
same phones, and remain
permanently engaged with
one another by way of similar
communication channels.
As cultural particularity is
gradually erased, new means
to comprehend and express
identity need to be invented.
Ernesto Junco Vega has been
unfolding a body of work
that borrows from the roots
of abstraction. Indeed, the
recurrent square format he
has elected for his paintings
evokes the famed Homage to
the Square series of works
by Josef Albers. Using mixed
techniques, the artist crafts
layered environments that
blend references to landscape
paintings, while also pointing
to Serialism. These strong
formal references take a
completely different meaning in
a more recent series of works,
while reflecting humorously
on the latest inventions in our
consumerist culture. Using
the pattern of QR codes,
which could pass as simple
abstraction, he also borrows
the functionality of the system,
so as to embed video footage
in those “paintings”, which
can be accessed by way of
photographing the code with a
smartphone, as one would any
QR code found in a magazine
or on a street ad. Beyond
the classing structure of the
abstract painting, therefore
lies concealed information:
the notion of augmented
reality here takes a completely
different turn, as does the
notion of formal abstraction.
This idea of link between
various formal elements also
informs the work of Verónica
García Ardura, who draws
abstracted landscapes with
watercolor and ink and then
creates arrangements of
drawings of various sizes,
which are placed on the wall
and “extended” and linked to
each other with a wall drawing.
Each sheet of paper becomes a
node in a constantly re-shaped
network, as each installation
is site specific. The territory
delineated on the exhibition
wall also resembles the
network formed by villages
or cities and their rural – or
suburban – environments.
These mental maps reflect
upon the real and the virtual,
somehow erasing the boundary
between those two realms
and formulating a new spatial
dimension of experience.
David Martinez formally
borrows elements from
the industrial environment
to sculptural work, which
he refers to as “modules”.
They are often presented in
combination, so as to create
some sort of landscape in the
exhibition space. This effect
is even more present in his
most recent work. The plane
surface of a basic table hosts
an intricate assemblage of
elements that include a laser
and a setup, which enables the
production of steam, which
in turn reveals the otherwise
invisible beam. This piece
especially evokes the haunting
presence of heavy industrial
complexes encountered in
many parts of Asturias, and
which constitute an essential
part of the region’s identity.
The idea of including a process
is the construct of the piece
reinforces that feeling.
Together, these works form
quite a coherent group
exhibition, while maintaining
a strong individual presence.
As is the case with many
group exhibition, it is quite
compelling to see how each of
those works inform the other,
how the dialogue that emerges
from their co-existence in
the same space enriches the
comprehension one may have
of each of them. Together,
they suggest the richness and
the strength of a generation
of artists who knows how to
“remix” references of all kinds
in order to create works of
intelligence and beauty.
DESBORDANDO LÍMITES
luis feás costilla
crítico de arte y
comisario de exposiciones
XXII muestras son mucho enseñar, promover
y compartir. En total se aproximan a los ciento
cincuenta artistas, los más veteranos de los
cuales rondarán ya los sesenta años de edad,
toda una vida consagrada al arte, con independencia del éxito. El gran mérito de la Muestra de
Artes Plásticas del Principado de Asturias ha
sido su continuidad en el tiempo, la constancia
desde su implantación en 1990, sin desfallecer
una sola vez, con lo que eso implica de apoyo y
consolidación de las jóvenes promesas, cuyos
merecimientos, librados ya a sus propias fuerzas, se han tenido que ir constatando a medida
que han ido pasando los lustros y las décadas.
La labor de la Muestra, así como de su complemento, las exposiciones individuales de la
Sala Borrón de Oviedo, seleccionadas también
mediante jurado, es insustituible, y por tanto es
de esperar que se mantenga incólume ante los
nuevos designios administrativos.
La crisis, o mejor dicho la depresión económica, que impide acudir por temor y prevención
a recursos con los que en realidad se cuenta,
ha afectado inevitablemente a la edición de
este año y por consiguiente la dotación de los
premios es menor, pero eso no ha sido obstáculo para que el número de concursantes
sea de nuevo muy elevado, hasta alcanzar los
cincuenta y siete, de los que el jurado ha tenido
que seleccionar a seis. Una tarea difícil que
se ha saldado con un no pretendido resultado
paritario, tres chicos y tres chicas, y una diversidad de técnicas que van desde la pintura y la
fotografía al vídeo y la instalación, a veces en el
mismo autor. Se nota que la característica principal de los artistas menores de treinta y cinco
años, nacidos a partir de 1976, es la indiferencia frente a las etiquetas clasificatorias, pues
todos ellos se mueven con total desparpajo
entre las diferentes disciplinas, pasando de una
a otra sin inhibirse lo más mínimo, sin prejuicios ni contradicciones, sólo buscando en cada
momento la herramienta que mejor se pueda
adaptar a sus fines específicos.
En esta edición, el Premio Asturias Joven de
Artes Plásticas ha recaído en Amalia Ulman (Mar
de Ajó, Argentina, 1989), que ya había obtenido
en 2008 el premio Astragal por su proyecto Una
palabra, en el que recogía recuerdos y objetos
del barrio de Cimadevilla de Gijón, al que llegó
con un año y donde se crió. Recién licenciada en
Bellas Artes por el Central Saint Martin’s de Londres, empezó trabajando con fotografía y vídeo,
llegando a colaborar en proyectos como el de
Melody Fair, de Ramiro E, expuesto en LABoral
Centro de Arte de Gijón.
Sin embargo, el dossier que presentó a la
Muestra de Artes Plásticas, y gracias al cual
se alzó con el premio, mostraba fundamentalmente su interés por el uso artístico de
Internet, una herramienta que su generación
no considera virtual sino natural y muy real y
que permite crear a unos costes muy bajos,
casi nulos. Su trabajo experimental en blogs e
instalaciones “post-internet” le ha permitido
comisariar proyectos internacionales como
el denominado Mawu-Lisa, de la New Gallery
de Londres, en el que participaron veinticinco
artistas digitales multimedia teniendo como
base los estudios de género.
Según ella misma define, su interés se centra
en profundizar en la política relativa a las
nuevas tecnologías, la apropiación de material
multimedia, la comunicación entre humanos
en un mundo conectado a la red y la relación
del cuerpo con respecto a lo virtual. Sin embargo, una cierta nostalgia por utilizar cosas
tangibles que le transmitieron algunos de
sus profesores en la Universidad de las Artes
de Londres ha hecho que a la Muestra 2011
haya presentado unos trabajos manuales
realizados mediante batik, técnica de teñido
por reserva de cera, tradicional en Indonesia y
Malasia, con los cuales prosigue sus investigaciones en torno a lo exótico y lo tribal, que
ya había plasmado en Travel Club, su proyecto
de graduación. Como se decía en un reportaje
periodístico reciente sobre la artista, siempre
hay algo de experimento sociológico en la obra
de Amalia Ulman, preocupada por las relaciones de poder y el concepto de «lo otro».
Por su parte, Félix Carpio (Gijón, 1983) se
encuentra más apegado a su trabajo como
fotógrafo profesional, si bien poco a poco se
ha ido adentrando en el campo de lo artístico.
Técnico en Imagen por el Centro Internacional
Imagen y Sonido del Principado de Asturias en
Noreña, imágenes suyas han sido expuestas
en el Círculo de Bellas Artes de Madrid o en el
Esalen Institute de California. Así mismo fue
seleccionado en el certamen de fotografía Pu-
rificación García de 2009 y más recientemente,
en febrero de 2011, ha sido ganador del primer
premio de fotografía Canson.
Pero el más importante reconocimiento obtenido hasta el momento se produjo en el Taylor
Wessing Photographic Portrait Prize de 2010,
de la National Portrait Gallery de Londres, en
el que una de sus fotografías fue la imagen
principal de la exposición y la portada del
catálogo. Fue la obra Wafa, un retrato de una
joven tomada en Siria, la que al fotógrafo gijonés, a caballo entre Asturias, Galicia y Madrid,
le ha servido para dar un impulso a su carrera
y para centrarse en el motivo que más le interesa: el retrato individual o de grupo. Al utilizar
una cámara analógica de placas, su preparación, lenta y minuciosa, le permite adentrarse
en la personalidad del retratado, al que capta
en composiciones de mirada frontal y ribetes
clásicos, con ciertas licencias heterodoxas
como permitir que ciertos efectos de sobreexposición velen parcialmente la imagen, lo que
provoca extrañeza en el espectador.
En cuanto a Sandra Estrada (Oviedo, 1981), se
atreve con todo, desde la pintura en directo a
la videocreación. Técnica superior en Grabado
y Técnicas de Estampación por la Escuela de
Arte de Oviedo y licenciada en Bellas Artes
por la Universidad de Vigo, con estudios en
las ciudades inglesas de Kingston y Londres
y en Nueva York, su temprana inquietud en
el mundo del arte le ha hecho tocar todos
los palos, aunque su integración en el grupo
Libacolectivo le ha hecho decantarse por la
performance y la instalación videográfica,
gracias a las cuales ha podido estar presente
en Laboral Centro de Arte y Creación Industrial
de Gijón y en el concurso de performances de
la Fundación Serralves de Oporto.
Incluso cuando trabaja en actuaciones pictóricas, como en el proyecto Retratos de un
espacio, realizado en un café-bar de Oviedo, su
obra siempre tiene algo que ver con el proceso
y la acción performativa. En este sentido, quizá
su más interesante propuesta sea una serie de
vídeos secuenciales en los que distintas figuras humanas, masculinas y femeninas, danzan
en un plásticamente atractivo baile de agua,
deshaciéndose en torrentes de inquietante
fuerza telúrica.
Técnico en Serigrafía y Artes Aplicadas a la
Piedra por la Escuela de Arte de Oviedo y
licenciado en la Facultad de Bellas Artes de
Pontevedra, está claro que al joven artista
ovetense le gustan las contraposiciones, no
sólo de técnicas pictóricas sino también entre
las diferentes técnicas artísticas. Su gran reto
está ahora en unir la pintura y el vídeo, para lo
cual ha ideado un ingenioso sistema a través
de códigos digitales Bidi que permitirá descargar información en el teléfono móvil y captar,
a partir de una de sus reconocibles pinturas
sobre tela o tabla, un vídeo hecho expresamente para este formato, lleno de connotaciones personales.
Particularmente reacio a las etiquetas es el
comprometido David Martínez Suárez (La
Hueria, San Martín del Rey Aurelio, 1984), declarado partidario de la facticidad y de la obra
que se basta a sí misma. Licenciado en Bellas
Artes por la Universidad del País Vasco, donde
ha realizado también un master de Investigación y Creación en Arte, y autor de trabajadas
películas documentales sobre la lucha obrera,
su arma de combate es el montaje, como
los potentes ensamblajes en madera y neón
presentados en la Sala Borrón en 2008, de
explícita reivindicación de los conflictos laborales vividos en la cuenca minera asturiana de
la que es originario.
Últimamente trabaja en mesas de experimentación con punteros láser, cuyos haces de
luz y de color tienen que ver con la industria
metalúrgica y se resaltan mediante humos y
vapores que recuerdan la quema de neumáticos por parte de los piquetes obreros. La
presentación se acompaña de erizos similares a los utilizados para el levantamiento
de barricadas, cuya estructura geométrica
aúna estilización artística y un contundente
mensaje social.
Finalmente, Verónica García Ardura (Gijón,
1976) siempre ha combinado la pintura con la
poesía, la escenografía teatral y la dirección
de escena. Licenciada en Bellas Artes por la
Universidad de Salamanca, sus pinturas, a la
acuarela o al óleo, en formatos pequeños o
grandes, procuran aunar su concepción artística –que tiene que ver con una cierta interiorización del paisaje, a la manera oriental– con
un adecuado acto generador que la integre,
ya sea en el papel de sus escuetas pinceladas
de agua o en el lienzo de sus brochazos más
densos, con los que construye estampas japonesas de exacta opacidad.
En su más reciente exposición individual, titulada Habitar la pared y celebrada a comienzos de este mismo año en la Sala Borrón de
Oviedo, la propuesta ha ido incluso más lejos y
ha llegado a proyectarse literalmente sobre la
pared, en un ejercicio performativo –teatral–
que une la pintura de manchas rápidas con la
caligrafía y la escritura programática, ocupando toda la sala. El desarrollo de esta idea le
ha llevado con toda naturalidad a un dibujo de
núcleo pictórico y extensiones ramificadas que
se despliegan por toda la superficie del papel,
desbordando sus límites.
luis feás costilla
critique d’art et
commissaire d’exposition
AU-DELÀ DES LIMITES
Hasta ahora, Ernesto Junco (Oviedo, 1976) era
conocido sobre todo como pintor, en lienzos
fundamentalmente monocromos que en un
primer momento eran negros, como los que
expuso en la galería Cimentada de Oviedo en
2000, y posteriormente verdes, como los que
mostró el año pasado en la Casa Municipal
de Cultura de Avilés. Su interés está en el
contraste entre elementos irracionales y racionales, entre mancha libre y mancha geométrica, entre solución azarosa y estructura bien
pensada, entre lo expresivo y lo analítico, entre
lo pintado y lo sin pintar.
XXII Muestras. Que
d’enseignement, de promotion
et de partage ! Près de
150 artistes dont les plus
vétérans doivent friser la
soixantaine aujourd’hui,
toute une vie consacrée à
l’art, indépendamment du
succès. Le grand mérite de la
Muestra d’Arts Plastiques de
la Principauté des Asturies
réside dans sa continuité, sa
constance, depuis l’année de
sa création, en 1990. Sans
jamais faillir. Avec ce que
cela implique de soutien et
de consolidation des jeunes
espoirs dont les talents, une
fois livrés à leurs propres
forces, ont été vérifiés à
mesure que passaient les
lustres et les décennies. Le
travail mené par la Muestra
et son complément - les
expositions individuelles
de la Salle Borrón d’Oviedo,
également sélectionnées par
un jury - est irremplaçable.
Il faut donc souhaiter qu’il
ne se voie en rien affecté
par les nouveaux desseins
administratifs.
inhérente au prix est donc
inférieur. Cela n’a toutefois pas
été un obstacle au nombre
des concurrents qui reste
extrêmement élevé puisqu’ils
étaient cinquante-sept, parmi
lesquels le Jury a dû choisir
six noms Une tâche difficile
qui s’est soldée par un résultat
involontairement paritaire :
trois garçons et trois filles, et
une diversité de techniques
allant de la peinture et la
photographie à la vidéo et
à l’installation, parfois chez
un même auteur. Il est à
noter que la caractéristique
principale des artistes de
moins de trente-cinq ans,
nés donc après 1976, est
leur indifférence face aux
étiquettes classificatrices
: tous ils se meuvent avec
une totale aisance dans les
différentes disciplines ; tous ils
passent de l’une à l’autre sans
la moindre inhibition, sans
préjugés ni contradictions, à
la recherche, tout simplement
de l’outil s’adaptant le mieux,
selon le moment, à leurs
besoins spécifiques.
La crise, ou plus exactement
la dépression économique qui
empêche d’avoir recours, par
crainte et par prévention, à
des ressources qui, en réalité
existent, a inévitablement
touché l’édition de cette année.
Le montant de la somme
Le Prix Asturias Joven des
Arts Plastiques revient cette
année à Amalia Ulman (Mar de
Ajo, Argentine, 1989), qui avait
déjà remporté, en 2008, le prix
Astragal pour son projet Una
palabra [Un mot]. Elle y évoquait
ses souvenirs et quelques objets
du quartier de Cimadevilla, à
Gijón, ville où l’artiste arrive
à l’âge de un an et où elle
grandit. Récemment diplômée
des Beaux-Arts par le Central
Saint Martins de Londres, elle
commence par travailler la
photographie et la vidéo, et en
vient à collaborer à des projets
comme le Melody Fair de Ramiro
E, exposé dans au LABoral
Centre d’Art de Gijón.
Et pourtant, le dossier qu’elle
présente à la Muestra d’Arts
Plastiques, et grâce auquel elle
a remporté le prix, témoigne
principalement de son intérêt
pour l’utilisation artistique
d’Internet, un outil que sa
génération ne considère pas
comme virtuel mais bien réel et
naturel, et qui permet de créer
à des coûts dérisoires, voire
nul. Son travail expérimental
sur le blog et des installations
« post-internet » lui ont valu de
« commissarier » des projets
internationaux tels que la
Mawu-Lisa de la New Gallery
de Londres à laquelle prennent
part vingt-cinq artistes
numériques multimédia sur la
base des études de genre.
Comme elle le précise ellemême, son intérêt se porte
sur la politique relative aux
nouvelles technologies, sur
l’appropriation de matériel
multimédia, la communication
en mode connecté au réseau
des êtres humains, et sur la
relation au virtuel du corps.
Toutefois, une certaine
nostalgie des choses tangibles
que lui ont transmise ses
professeurs de l’Université des
Arts de Londres l’ont incitée
à présenter à la Muestra
2011 des travaux manuels
réalisés à base de batik, une
technique de teinture par
réserve de cire, traditionnelle
en Indonésie et en Malaisie,
au travers desquels elle
poursuit les recherches sur
l’exotique et le tribal qu’elle
avait d’ores et déjà produites
dans Travel Club, son projet de
diplôme. Un récent article de
presse disait qu’il y a toujours
quelque chose, dans l’œuvre
d’Amalia Ulman, qui relève de
l’expérimentation sociologique,
de la préoccupation pour
les relations de pouvoir et le
concept d’« altérité ».
Pour sa part, Félix Carpio
(Gijón, 1983) reste attaché à
son métier de photographe
professionnel, même si,
progressivement, il a pénétré
le domaine de l’artistique.
Technicien en Image à Noreña
pour le Centre International
d’Image et de Son de la
Principauté des Asturies,
certaines de ses photos ont été
exposées au Cercle des BeauxArts de Madrid ou à l’Institut
Esalen de Californie. Également
sélectionné lors du concours
de photographie Purification
Garcia en 2009, il se voit
décerner, plus récemment, en
Février 2011, le premier Prix de
Photographie Canson.
Mais s’il est une distinction
dont il peut se targuer, c’est le
Taylor Wessing Photographic
Portrait Prize de la National
Portrait Gallery de Londres,
en 2010, dont l’affiche de
l’exposition et la couverture
du catalogue reprend l’une de
ses photographies. Wafa, un
portrait de jeune femme pris
en Syrie, donne une nouvelle
impulsion à la carrière de
ce photographe de Gijón,
qui vit à cheval entre les
Asturies, la Galice et Madrid,
et l’incite à se concentrer sur
la discipline qui l’intéresse le
plus, le portrait individuel et
de groupe. Parce qu’il utilise
un appareil analogique à
plaques, la préparation lente
et minutieuse lui permet de
pénétrer à loisir la personnalité
du modèle qu’il capture dans
des compositions frontales
aux tournures classiques,
cadencées par quelques
licences hétérodoxes,
comme lorsque des effets
de surexposition voilent
partiellement l’image et
surprend le spectateur.
Quant à Sandra Estrada
(Oviedo, 1981), elle ose tout.
De la peinture en direct à la
vidéocréation. Technicienne
supérieure en Gravure et
Techniques d’Estampage
de l’Ecole d’Arts d’Oviedo et
diplômée des Beaux-Arts
de l’Université de Vigo, elle
poursuit ses études dans les
villes anglaises de Kingston
et Londres, et à New York. Si
sa préoccupation précoce
pour le monde de l’art l’a
menée à toucher un peu à
tout, son adhésion au groupe
Libacolectivo l’a induite à se
décanter pour la performance
et l’installation vidéographique.
Elle est ainsi présente au
Laboral Centre d’Art et de
Création Industrielle de Gijón,
et elle se présente au concours
de performances de la
Fondation Serralves de Port.
Même lorsqu’elle travaille
à des initiatives picturales
comme le projet Retratos de
un espacio [Portraits d’un
espace], réalisé dans un
café-bar d’Oviedo, son œuvre
est, d’une certaine manière,
de l’ordre du processus et de
l’action performative. En ce
sens, sa proposition la plus
intéressante est probablement
la série séquentielle de vidéos
dans lesquelles différentes
figures humaines, hommes
et femmes, représentent une
danse d’eau plastiquement
très attrayante, se défaisant
dans des torrents à la force
tellurique inquiétante.
Jusqu’à présent, Ernesto
Junco (Oviedo, 1976)
était surtout connu en
tant que peintre. Ses
toiles, fondamentalement
monochromes, noires dans
une première étape, celles,
par exemple, qu’il expose en
2000 à la galerie Cimentada
d’Oviedo, puis vertes comme
celles qu’il présente l’an
dernier à la Maison Municipale
de la Culture d’Avilés. Leur
intérêt réside dans le contraste
entre les éléments rationnels
et irrationnels, entre les
taches libres et les taches
géométriques, entre la solution
aléatoires et la structure
réfléchie, entre les aspects
expressif et analytique, entre
ce qui est peint et ne l’est pas.
Technicien en Sérigraphie et
en Arts Appliqués à la Pierre,
à l’École d’Arts d’Oviedo et
diplômé de la Faculté des
Beaux-Arts de Pontevedra,
le jeune artiste aime très
manifestement les contrastes.
Et pas seulement entre les
différentes techniques de
peinture, mais aussi entre
les différentes techniques
artistiques. Son grand défi
est maintenant d’assembler
peinture et vidéo. Pour
ce faire, il a imaginé un
ingénieux système de codes
numériques Bidi qui permet de
télécharger des informations
sur le téléphone portable et de
capturer, partant de l’une de
ses peintures caractéristiques
sur toile ou sur planche, une
vidéo expressément conçue
pour ce format et chargée de
connotations personnelles.
Particulièrement hostile aux
étiquettes, David Martinez
Suarez (Le Hueria, San Martín
del Rey Aurelio, 1984), est un
artiste engagé et partisan
déclaré de la facticité et de
l’œuvre qui se suffit à ellemême. Diplômé des BeauxArts à l’Université du Pays
Basque où il obtient aussi
un Master en Recherche et
Création dans l’Art, auteur de
documentaires extrêmement
peaufinés sur la lutte ouvrière,
son arme de combat est le
montage. Ainsi en témoignent
les assemblages puissants
de bois et de néons de la
Salle Borrón en 2008, dont
le caractère explicitement
revendicatif évoque les conflits
du bassin minier asturien dont
il est originaire.
Plus récemment, il travaille à
des tables d’expérimentation,
avec des pointeurs laser dont
les faisceaux de lumière et de
couleur qui évoquent l’industrie
métallurgique sont mis en
évidence par des vapeurs et
des fumées qui rappellent la
mise à feu de pneus par les
piquets de grèves ouvrières. La
présentation est accompagnée
de hérissons tchèques
semblables à ceux qui servent à
dresser des barricades, dont la
structure géométrique conjugue
la stylisation artistique et un
message social fort.
Veronica Garcia Ardura enfin,
(Gijón, 1976), a toujours
combiné la peinture et la poésie,
la scénographie au théâtre et
la mise en scène. Diplômée
des Beaux-Arts à l’Université
de Salamanque, ses œuvres,
aquarelle ou huiles, petites ou
grandes, tentent de combiner
sa conception artistique
- qui relève d’une sorte
d’intériorisation du paysage à la
manière orientale - et un acte
générateur adéquat susceptible
de l’intégrer sur le papier, par
de légers traits, sobres et
succincts, à l’eau, ou sur toile,
à base de coups de pinceaux
plus denses, qui produisent
des estampes japonaises d’une
opacité exacte.
Dans sa précédente exposition
individuelle intitulée Habitar la
pared [Habiter le mur] tenue au
début de l’année dans la Salle
Borrón d’Oviedo, la proposition
est allée encore plus loin
puisqu’elle a été littéralement
projetée sur le mur, dans un
exercice performatif - théâtral
- qui unissait une peinture aux
taches rapides à la calligraphie
et à l’écriture programmatique,
et occupait toute la salle. Le
développement de cette idée
l’a conduite tout naturellement
à un dessin au noyau pictural
et aux extensions ramifiées
qui se répandent sur toute
la surface du papier, au-delà
même de ses limites.
art critic and
exhibition curator
Twenty-two annual events
stand for a whole lot of
exhibiting, promoting and
sharing. Taken together we
are talking about around one
hundred and fifty artists, the
more mature ones now around
sixty years of age, amounting
to a whole life dedicated to
art, independently of worldly
success. The great value of the
Plastic Arts Exhibition of the
Principality of Asturias has
been its continuity over time
and its perseverance since its
first event in 1990, never once
failing to meet its commitment.
This has meant an unrelenting
engagement with and support
of promising young talent,
whose merits, once left up to
their own devices, have had to
be continuously revalidated
with the passing of the years
and the decades. The mission
of this exhibition, as well as
the satellite solo shows held
at Sala Borrón in Oviedo,
also selected by a jury, is
irreplaceable, and therefore
one would hope that it will
continue to remain untouched
following the new plans of the
public administration.
The economic crisis, or perhaps
one might better say the
depression, which has prevented
the resources which are in fact
still there from being fully used,
either out of fear or precaution,
OVERFLOWING LIMITS
luis feás costilla
has inevitably affected this year’s
edition and as a consequence
the prize money has been
reduced. However, this has
not been an obstacle for the
presentation of entries. The
number received was once again
very high, with fifty seven entries
registered, from which the jury
had the difficult task of choosing
six. One unforeseen result was
the equality, with three men
and three women chosen.
Another feature was the diversity
of techniques ranging from
painting to photography, video
to installation, sometimes even
from the same artist. One can
also discern, among the artists
under the age of thirty five, born
after 1976, a shared feature in
their complete indifference to
classifying labels. All of them
move effortlessly between the
different disciplines, shifting
from one to the other without
the least interruption, without
any signs of prejudices or
contradictions, instead searching
at each particular moment for
the tool most appropriate to their
specific requirements.
This year, the Asturias Young
Artist Award has gone to
Amalia Ulman (Mar de Ajó,
Argentina, 1989), an artist
who has previously won the
Astragal Award in 2008 for her
project Una palabra, in which
she collected memories and
objects from the district of
Cimadevilla in the city of Gijón,
where she was brought up
after arriving with her family
when she was just one year
old. After graduating recently
in Fine Arts from Central Saint
Martin’s in London, she started
working with photography and
video, and has collaborated on
projects such as Melody Fair,
by Ramiro E, on view at Laboral
Centro de Arte in Gijón.
Having said that, the dossier
she entered for the Plastic
Arts Exhibition, and for which
she was chosen for the prize,
basically revealed her interest
in the artistic use of Internet,
a tool her generation no
longer considers as virtual
but as something natural and
very real and which enables
them to create at a very low,
almost negligible cost. Her
experimental work with blogs
and “post-internet” installations
has given her the experience to
curate international projects
such as Mawu-Lisa, at New
Gallery in London, a show
including work by twenty-five
multimedia digital artists
exploring gender issues.
As she says herself, her
interest is focused on
exploring the politics of new
technologies, the appropriation
of multimedia material,
communication between
humans in a net-connected
world and the relationship
of the body with respect to
the virtual. Nevertheless, a
certain nostalgia for the use
of tangible things transmitted
by some of her teachers at
the University of the Arts in
London encouraged her to
present manual works made
using batik, a traditional waxresist dyeing technique from
Indonesia and Malaysia, with
which she explores issues
concerning the exotic and
the tribal, something she had
already broached in Travel
Club, her degree project. A
recent magazine report on the
artist maintains that there is
a component of sociological
experiment in Amalia Ulman’s
work, concerned with
relationships of power and the
concept of “the other”.
plate camera, its slow and
meticulous preparation
allows him to penetrate the
personality of the subject
portrayed, which he captures
in compositions with a frontal
gaze and classical elements,
with certain heterodox licences
that allow effects of overexposure to partially veil the
image, provoking a sense of
estrangement in the spectator.
Though Félix Carpio (Gijón,
1983) works mostly as a
professional photographer, he
is gradually getting more and
more involved in the artistic
side of the medium. Since
graduating with a diploma in
Image from the International
Image and Sound Centre of
the Principality of Asturias
in Noreña, his images have
been seen in exhibitions at
the Círculo de Bellas Artes
in Madrid and at the Esalen
Institute in California. His
work was also selected
for the Purificación García
photography competition in
2009 and, more recently, in
February 2011, he won the
Canson prize for photography.
Sandra Estrada (Oviedo,
1981) embraces all kinds
of challenges, from live
painting to video-creation.
With a diploma in Etching and
Printing Techniques from the
Art School of Oviedo and a
degree in Fine Arts from the
University of Vigo, Estrada has
also studied in Kingston and in
London, England, and in New
York. Thanks to her very early
engagement with the world of
art, she has explored the whole
diversity of its expressions,
though her belonging to the
Libacolectivo group has led her
to concentrate on performance
and video-installation, thanks
to which her work has been
seen at Laboral Centro de
Arte y Creación Industrial in
Gijón and in the performance
competition at the Serralves
Foundation in Porto.
However, his most important
recognition to date has
been in the Taylor Wessing
Photographic Portrait Prize,
2010, at the National Portrait
Gallery in London, where one
of his photos was used as the
main image for the exhibition
and for the cover of the
catalogue. Wafa, his portrait of
a young woman taken in Syria,
has given great impetus to the
career of this photographer
from Gijon, living between
Asturias, Galicia and Madrid. It
has also centred his focus on
the individual or group portrait,
the area that most interests
him. Using an analogue
Even when she is working
with painterly actions, like
the project Retratos de un
espacio, made in a café-bar in
Oviedo, her work always has
something to do with process
and performative action. In
this regard, perhaps her most
interesting proposal is a series
of sequential videos in which
different human figures, both
male and female, dance in a
visually pleasing water ballet,
breaking up into torrents of
unsettling tellurian force.
Until now, Ernesto Junco
(Oviedo, 1976) was known
mostly as a painter, for
his basically monochrome
pictures, initially all black,
like those on view at the
Cimentada gallery in Oviedo
in 2000, and then green, as
seen last year at the Casa
Municipal de Cultura in Avilés.
He is interested in the contrast
between irrational and rational
elements, between free stains
and geometrical marks,
between random solution and
well thought-out structure,
between the expressive and
the analytic, between the
painted and the unpainted.
With a diploma in Silk-screen
Printing and Stone Applied
Arts from the Art School of
Oviedo and a degree from the
Fine Arts School of Pontevedra,
this young artist from Oviedo
clearly thrives on contrast,
not only in painting itself but
also in different art techniques.
His great challenge now is to
combine painting and video,
for which he has conceived an
inventive system using BiDi
digital codes that enables him
to download information onto a
mobile phone and create, using
one of his signature paintings on
canvas or board, a video made
specifically for this format, full
of personal connotations.
The socially committed artist
David Martínez Suárez (La
Hueria, San Martín del Rey
Aurelio, 1984), is particularly
adverse to labels and is a firm
advocate of facticity and of
the work of art that speaks for
itself. A graduate with a degree
in Fine Arts from the University
of the Basque Country, where
he also completed a master
in Art Research and Creation,
he has created several
documentary films on the
workers struggle. His weapon
of choice in this battle is the
assemblage, like his powerful
wood and neon installations
for Sala Borrón in 2008,
explicitly defending positions
of workers’ conflicts in the
mining area of Asturias from
where he comes.
He has been working recently
on experimentation tables with
lasers, whose beams of light
and colour resonate with the
metallurgic industry. Highlighted
using smoke and steam, they
bring to mind the burning of
tyres by a picket of striking
workers. The presentation is
accompanied by elements
similar to those used for building
barricades, to create geometric
structures combining artistic
stylisation and an outspoken
social message.
Finally, Verónica García Ardura
(Gijón, 1976) has always
combined painting with poetry,
stage design and direction.
A graduate with a degree in
Fine Arts from the University
of Salamanca, her paintings,
whether in watercolour or
oil, in big or small formats,
manage to combine her artistic
conception –which has to do
with a certain internalisation
of the landscape, following
the oriental style– with an
appropriate generative act
that ties it in, whether on the
paper of her concise strokes of
watercolour or on the canvas
of her denser brushwork, with
those constructed with precise
opacity in Japanese prints.
In her most recent solo
exhibition, titled Habitar la
pared held at the beginning of
2011 at Sala Borrón in Oviedo,
the proposal went even further
and was literally projected on
the wall, in a performative–
theatrical exercise that
combines the painting of
quick stains of colour with
calligraphy and programmatic
writing, taking over the whole
gallery. The development of
this idea has led her naturally
to a kind of drawing with a
painterly core and branching
extensions that unfold over
the whole surface of the paper,
overflowing its limits.
Amalia Ulman
Félix Carpio
Sandra Estrada
Verónica García Ardura
Ernesto Junco
obras
Mar de Ajó (República Argentina) // 1989
[email protected]
www.amaliaulman.eu
amalia ulman
1.- Blank Batik // 2011
Seda natural, tinte deep purple,
tinte indigo, nylon y bambú
200 x 90 cm
5.- Weeping Mountain // 2010
Impresión digital sobre papel
manipulada manualmente.
1 x 2 m. aprox.
2.- Daily Research // 2011
Fotografías encontradas en
www.fotocumbia.com
(Autor desconocido)
6.- Rock--Sun // 2011
Pan de centeno y septum.
Fotografía
Dimensiones variables.
3.-Ibe:.in (en proceso)
Apropiación de estilo kalapalo
(masculino y femenino) para
propósitos estilísticos europeos.
Performance diaria documentada
en fotografías.
4.- App // 2011
Capturas de pantalla, obra web.
Dimensiones y duración variables
dependiendo de usuario/ pantalla
7.- Hypoallergenic Thorium
Swirl Septum ornament:
PRIMITIVE SERIES // 2011
Collage digital
Dimensiones variables
8.- Recipientes básicos // 2011
Vasija de cerámica con motivos
“orientales” hecha a mano en el
2001.
Vasija producida en serie procendente de China.
9.- Recipientes Básicos // 2011
Intento de impresión de un modelo en 3D de una vasija
10.- Poncho // 2011
Poncho de alpaca color navy hecho a mano (decoración tribanda)
Gijón // 1983
[email protected]
WWW.THEFELIXCARPIO.COM
félix carpio
1.- Carlo // 2010
Serie: Siria
37 x 29 cm
Fotografía
Inyección de tinta sobre papel
4.- Wafa // 2010
Serie: Siria
37 x 29 cm
Fotografía
7.- Mamá // 2010
Serie: Gijón
37 x 29 cm
Fotografía
2.- CFR // 2010
Serie: California
29 x 37 cm
Fotografía
5.- Marjan // 2010
Serie: Siria
37 x 29 cm
Fotografía
8.- Lisa // 2010
Serie: California
29 x 37 cm
Fotografía
3.- Rania // 2010
Serie: Siria
29 x 37 cm
Fotografía
6.- Sankara // 2010
Serie: California
37 x 29 cm
Fotografía
9.- Leire // 2010
Serie: Bilbao
37 x 29 cm
Fotografía
Oviedo // 1981
[email protected]
www.sandraestradaartist.blogspot.com
The hand of the inert // 2011
6 pantallas con
enmarcación barroca
Instalacion-videocreacion
64 x 52 x 14 cm cada una
sandra estrada
Gijón // 1976
[email protected]
www.averquetraelviento.com
verónica garcía ardura
De los Límites a la Continuidad
2011
2. Grabado, Tinta china y Dibujo
sobre Papel Basic 36 x 48 cm.
4. Grabado, Tinta china y Dibujo
sobre Papel Basic, 36 x 24 cm.
1. Collage y dibujo sobre Papel
Basic. 70 x 50 cm.
3. Grabado y Dibujo sobre Papel
Super Alfa. 38,5 x 56 cm.
5. Grabado y Dibujo sobre Papel
Basic. 36,5 x 51 cm.
la Hueria (SMRA) // 1984
[email protected]
www.davidmartinezsuarez.net
1 y 2.- Laser mesa // 2011
158 x 203 x 82 cm
Caballetes de metal, panel de
madera, construcciones en laton,
acero y espejo, instalación eléctrica, punteros laser y placa de
cocina con agua.
david martínez suárez
3.- (stills) Laser_Luz coherente
2010
aspecto: 16:9
duración: 9 min
formato: video HD
4.- Acción directa // 2011
59 x 85 cm y 42 x 59 cm
Impresión fotográfica sobre papel
5.- Erizo Alba // 2010
90 x 120 cm
Collage fotográfico
Oviedo // 1976
[email protected]
1.- S/T // 2008
Serie: Lindes
50 x 50 cm
Acrílico sobre lienzo
2-3.- S/T // 2008
Serie: Tramas
30 x 30 cm
Acrílico y óleo sobre lienzo
ernesto junco
4-5.- S/T // 2010
50 x 50 cm
6-7.- S/T // 2011
100 x 100 cm
8.- S/T // 2011
Serie: PinturaQR
100 x 100 cm
Acrílico sobre lienzo
9.- Cut#2 // 2011
Serie: Cuts
Video
Medidas variables
Duracion:2:30min
Amalia Ulman
Félix Carpio
Sandra Estrada
Verónica García Ardura
Ernesto Junco
trayectorias
amalia ulman
félix carpio
mar de ajó (república argentina) // 1989
gijón // 1983
[email protected]
[email protected]
www.amaliaulman.eu
www.thefelixcarpio.com
Licenciada en Bellas Artes, Central Saint Martin’s, Londres.
Técnico Superior en Imagen, Centro Internacional
de Imagen y Sonido del Principado de Asturias en Noreña.
Exposiciones individuales
Exposiciones colectivas
Proyectos curacionales
2012 Survival Series Arcadia
Missa
2011 Deaddrops, New
York(EEUU) // SelfLove, Copenhagen Place,
London // (upcoming)
BYOB Barcelona // Internet
Pavilion,Venice Biennale, Italy
// BYOB, Matadero (curado
por Barriobajero) Madrid //
HairDom(Colaboración con
Félix Lee),Barbican Auditorium,
London // BYOP, Woodmill,
London // Everything, ICA,
London // Submission
for DIS Magazine, Online
// Barmecidal Proyects,
Online(Canada)
2011 MAWU-LISA, New Gallery,
London(http//mawu-lisa.biz)
2011 Byob Frieze
2010 Diving the Surf
Primitive Gallery, Londres
2009 Una Palabra
Espaciu Astragal,
Conseyu de la Mocedá de Xixón
2008 Pas de Deux
Galería Mediadvanced, Gijón
2007 Sin Título
Galería Luzernario, Gijón
2006 Sin Título
Galería Luzernario, Gijón
Premios
2008 Premio Astragal
Ha participado en diversos
talleres:
2011 Taller Diálogos con la
creatividad impartido por
Javier Vallhonrat.
2009 Taller SoulMotion, Esalen
Institute, Big Sur-California
y Taller Crator´s Map, Esalen
Institute, impartido por Dave
Zaboski, animador de Disney
y artista plástico.
Premios
2011 Galería MEDIADVANCED,
Gijón
2011 II Premio Nacional
Canson de Fotografía
2011 I Premio, Premio
Nacional de Fotografía,
CANSON, Sonimag
2010 // 2011 Taylor Wessing
Photographic Portrait
Prize. Imagen principal de
la exposición y portada del
catálogo. Itinerancia: National
Portrail Gallery, Londres y
The Sunderland Museum and
Winter Gardens.
2009 Esalen Institute, Big
Sur-California // Premio de
Fotografía Purificación García.
Itinerancia: Circulo de Bellas
Artes de Madrid, Palacio
Revillagigedo de Gijón y Outono
Fotográfico de Ourense.
sandra estrada
oviedo // 1981
[email protected]
www.sandraestradaartist.blogspot.com
Técnico Superior de Artes Plásticas y Diseño en Grabado
y Técnicas de Estampación, Escuela de Arte de Oviedo.
Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo.
Ha realizado varios cursos de
formación complementaria
entre los que podemos
destacar:
2004 “Técnicas litográficas
sobre piedra y técnicas
calcográficas”. Estampa
Mágica de Gijón.
2011 Curso de programador y
diseñador de paginas web.
2003 “Técnicas de
transferencia”. Antiguo
Instituto de Gijón dirigido por
Santiago Serrano // ”Evolución
gráfica en las técnicas
de grabado calcográfico,
serigrafía, litografía, xilografía
y derivaciones técnicas”, Centro
Internacional de Estampa
Contemporánea, Fundación
Ciec-Coruña // Sistema
Hayter. VII Jornadas de
Grabado y Edición de Arte de
la Escuela de Arte de Oviedo,
dirigido por Héctor Saunier.
2008 ”Composición del espacio
pictórico a través de la luz y su
relación con el Color”. Porrúa,
Asturias // “Manipulación de
maquinaria y herramientas
básicas en el taller de madera”.
Facultad de Bellas Artes de
Pontevedra.
2005 Iniciación a dirección
artística en cine y televisión.
Universidad de Vigo. //
Curso: “Superior de pintura”
Fundación Santa María de
Albarracín en colaboración
con la Facultad de Bellas Artes
de la Universidad Complutense
de Madrid, dirigido por Dr. José
Sánchez- Carralero,
2002 “Tipografía”. VI Jornadas
de Grabado y Edición de Arte
de la Escuela de Arte de
Oviedo, dirigido por Emilio
Sdum.
En la actualidad realiza
Proyectos Artísticos para
particulares y galerías de arte.
2010 Libacolectivo “Ganadores
del concurso de performances”,
Fundación Serralves, Oporto
(Portugal) // Desea, piensa,
parpadea, instalación
multimedia, Libacolectivo,
Creación Industrial de Gijón //
Perforesearches, Libacolectivo,
Ganadora del concurso de
Performances, Fundación
Serralves, Oporto (Portugal)
2009 Gabinete de crisis,
Roteiro en estado crítico,
Libacolectivo, Santiago de
Compostela // Please Wait,
instalación multimedia, Sala
X, Universidad de BB.AA,
Pontevedra.
2008 ART MADRID, Espacio
Alfa Romeo, Pabellón de
Cristal, Madrid // Faculty of
Art, Design and Architecture,
Kingston University of London.
2007 Suicidio artificial I, videocreación, Casa de la Cultura del
Cocello de Arnes, A Coruña //
Textual, X Jornadas de Grabado
y Edición de Arte, Escuela
de Arte de Oviedo // Centro
de Arte Casa Duró, Mieres //
Fundación Museo de Artes del
Grabado y la Estampa Digital,
Riveira, A Coruña // Textual,
Centro Municipal de Arte y
Exposiciones CEMAE, Avilés.
2006 Sala de Exposiciones
de la Facultad de BBAA de
Pontevedra
2005 Da Facultade a Rua,
exposición día de San
Ero, Facultad de BBAA de
Pontevedra // Benedictus Ego
Sum, Facultad de BBAA de
Pontevedra
2004 Casa de la Cultura de
Pola de Laviana, Tapia de
Casariego y Biblioteca Pública
“Pérez de Ayala” de Oviedo.
2003 Escuela de Arte de Oviedo
2002 Escuela de Arte de Oviedo
Premios y becas
2007-2008 Beca Erasmus en
la University of Art, Desing
and Architecture of Kingston,
Inglaterra (UK)
2005-2008 Beca Formación
complementaria en los
sistemas informáticos de
creación por la Universidad de
Vigo. En el taller de Grabado de
la Facultad de Bellas Artes de
Pontevedra.
Publicaciones
2009 Obra seleccionada en el
Catálogo Novos Creadores
2008 Obra seleccionada en
el Catálogo Salón de Arte
Moderno y Contemporáneo
ARTMADRID 2008.
2007 Catálogo Textual. Centro
de Arte Casa Duró de Mieres.
verónica garcía ardura
gijón // 1976
[email protected]
www.averquetraelviento.com
Licenciada en Bellas Artes por la Universidad
de Salamanca en la especialidad de Pintura.
Ha realizado cursos de
litografía en la Academie
Royale des Beaux Arts de
Liége (Bélgica), “Escenografía,
iluminación y vestuario. La
transformación del espacio”, en
la Universidad Complutense de
Madrid y “Entre la mirada y la
palabra. Creación escénica”, en
Laboral Ciudad de la Cultura.
2011 Interacciones ICA. Ilustre
Colegio de Abogados de Oviedo
// Habitar la pared. Sala
Borrón de Oviedo.
2010 Galería Amaga, Avilés
2008 Galería Dasto. Oviedo
2005 Galería Dasto, Oviedo
2000 Casas de Cultura de Pola
de Siero y Avilés
Exposiciones colectivas:
2011 Galería de Arte Amaga,
Avilés // Estío 11. Galería de
Arte Gema Llamazares, Gijón
// CUSTOM, Cánones de la
moda alterados por el arte,
Modoo, Oviedo
2007 XIVª Concurso de Mujeres
Pintoras del Oriente de Asturias.
Casas de Cultura de Ribadesella,
Infiesto, Llanes y Arriondas
// Galería Dasto, Oviedo //
Certamen de Dibujo “Daniel
Martínez Pedrayes”, Rotary Club
de Avilés y Galería Amaga.
2010 XIX Certamen de Pintura
“Nicañor Piñole”, San Martín
del Rey Aurelio. Galerías
Amaga de Avilés y Gema
Llamazares de Gijón.
2006 // 2007 Territorios
afines. Exposición de artistas
asturianos en Buenos Aires.
Museo Eduardo Sivori, Buenos
Aires (República Argentina)
2009 Galería de Arte
Amaga, Avilés // Enfocarte,
intervención en el espacio
público, Parque de Ferrera,
Avilés // 12 meses, 12
artistas, Galería Texu, Oviedo //
Calendario Misiva 2009, Casas
de Cultura de Caravia Alta y
Pola de Siero
2006 II Certamen Nacional
de Pintura Contemporánea
“Casimiro Baragaña” // IX
Certamen Nacional de Pintura
de Villaviciosa // Proyecto
Polarte de intervención en el
espacio público. Fundación de
Cultura de Pola de Siero // II
exposición Artistas Plásticos de
Siero. Casa de Cultura de Siero
// Galería Dasto, Oviedo.
2008 Galería Dasto,
Oviedo // Libros de artista.
Litografía Viña de Gijón. //
Presencias, teatro y mujer,
en conmemoración del “Día
Mundial del Teatro”, Biblioteca
de Asturias Ramón Pérez de
Ayala, Oviedo e itinerante.
2005 I Certamen Nacional
de Pintura Contemporánea
“Casimiro Baragaña” //
VIII Certamen de Pintura
de Villaviciosa // Artistas
Plásticos de Siero. Casa de
Cultura de Pola de Siero //
Un viaje al país del Principito.
Centro de Cultura Antiguo
Instituto de Gijón
2000 Conectando Cultura. Casa
de Cultura de Pola de Siero
// Asturias Arte-Joven 1999,
Oviedo.
2004 Centro de Arte
Contemporáneo Acerarte.
Oviedo // A dos líneas. Casa
de Cultura de Pola de Siero //
Triformis. Café Cícero. Oviedo
// Asturias Arte-Joven 2003.
Gijón, Oviedo y Avilés.
Premios y Becas
2003 Homenaje al Círculo.
Centro Cultural Recoleta.
Buenos Aires (República
Argentina)(página web:http//
www.geocities.com/
homenajealcirculo/
2002 Paysage&Dépaysage.
Academie Royale des Beaux
Arts. Liège. Bélgica. // Museo
vivo. Sala Cultural “Monte de
Piedad” de Cajastur, Gijón //
Asturias Arte-Joven 2001.
Oviedo, Gijón y Avilés
2001 Arte Alternativo. Centro
Cultural “Antiguo Instituto”, Gijón
// 5 pintores asturianos .Sala
Velázquez, Ateneo. Sevilla /A/
Hora. Alianza Francesa. Mendoza
(República Argentina) // Museo
vivo. Sala Cultural “Monte de
Piedad” de Cajastur, Gijón
2007 Ganadora del XIV
Mujeres Pintoras del Oriente
de Asturias
2005 Ayuda a la Creación y
Producción Artística concedida
por el Patronato de Cultura de
Siero para el proyecto expositivo
en Buenos Aires, República
Argentina // Subvención a
la Formación y Producción
Artística concedida por la
Consejería de Cultura y Turismo
del Principado de Asturias.
Producción Artística concedida
Siero // Ayuda a Actividades
Cinematográficas concedida
por el Principado de Asturias,
para la realización del
cortometraje “La vida contada
en un corto”
Producción artística concedida
Siero para la realización de la
exposición A dos líneas.
2002 Beca de Ayuda a la
Formación Artística concedida
Siero para la realización del
curso “Arte y paisaje” dirigido por
Javier Maderuelo en el Circulo
de Bellas Artes de Madrid.
2001 Beca de Ayuda a la
Formación Artística concedida
por el Patronato de Cultura
de Siero para la realización
de un curso de Litografía en
Liège(Bélgica).
Obras en:
Fundación Príncipe de Asturias
Fundación Municipal de
Cultura de Siero
Hotel Santo Domingo de Oviedo
Colecciones particulares de
Oviedo, Gijón, Salinas, Siero,
Cantabria, Madrid, París,
Inglaterra, Bélgica…
Otras actividades
Compagina tareas de
ilustración y diseño tanto
gráfico como escenografías
con comisariado de
exposiciones y dirección
artística de proyectos
david martínez suárez
la hueria (SMRA) // 1984
[email protected]
www.davidmartinezsuarez.net
Licenciado en BB.AA. por la Universidad del País Vasco y está realizando
un máster de Investigación y Creación en Arte en la misma universidad.
2009 Galería Pilar Parra &
Romero, Madrid
2011 Ez Diren Gauzak.
Exposición colectiva
organizada por MLDJ, Sala
Oxford, Zumaia, Gipuzkoa
// Arte < 30. Galería Trama y
Sala Parés, Barcelona // Haz,
Espacio MLDJ, Bilbao // 2011
RESPIRA HONDO Fundación
María Forcada, Tudela,
Navarra.
2008 Tout Va Bien (Todo Va
Bien), Sala Borrón, Oviedo //
Casa de Cultura de Avilés
2009 Inmersiones, Sala
Amárica, Vitoria-Gazteiz
2008 Residientes. Fundación
Bilbao Arte Fundazioa, Bilbao
// Dos meses en uno. c. art
Pranti & Boc Galerie, Bregenz,
Austria // Entornos próximos.
Museo Artium, Vitoria-Gasteiz //
Copoycine. Espacio Abisal, Bilbao
2007 XX Exposición
audiovisual. Sala de
exposiciones del BBVA, Bilbao
// Sala Araba, Vitoria-Gasteiz
// Jóvenes Artistas Asturianos.
FADE, Oviedo // Ertibil.
Muestra itinerante de Artes
Visuales, Bizkaia
2006 Salón de artes
emergentes, Getxo, Bizkaia
// XIX Exposición audiovisual.
Sala de Exposiciones del BBVA,
Bilbao // Sala de exposiciones
de Barakaldo, Bilbao // Sala
Araba, Vitoria-Gasteiz //
Ertibil. Muestra itinerante de
Artes Visuales, Bizkaia
2005 Leihoak. Festival MEM,
Bilbao // Somos buena gente.
Casa de la Cultura, “Escuelas
Dorado”, Sama de Langreo,
Asturias
Pases audiovisuales
Talleres y proyectos
2009 Open MEM, L’mono,
Bilbao
2010 PRIMER PROFORMA
2010 Badiola, Euba, Prego,
MUSAC Museo de Arte
Contemporáneo de Castilla y
León
2007 Proyección del
documental “Nalón”. Day of
Architecture, Organizado por el
Flemish Architecture Institute
(VAi). A través del FLACC
workplace for visual artists.
Genk, Bélgica
Becas y premios
2010 Beca de difusión del
Gobierno Vasco. MLDJ
Proyecto colectivo de los
artistas: Manu Uranga, Lorea
Alfaro, David Martínez Suárez y
Jon Otamendi
2008 Beca de residencia y
espacio de cesión temporal.
Fundación Bilbao Arte
Fundazioa, Bilbao // Beca de
residencia. KUB Kunsthaus
Bregenz, Austria
2007 VISUAL APPOINTMENTS.
Conversaciones con artistas.
Isabell Heimerdinger,
Jeppe Hein, Democracia,
Pello Irazu y Juan Pérez
Agirregoikoa. Comisario:
Iñigo Cabo. Fundación Bilbao
Arte Fundazioa, Bilbao //
FICCIONES PLEGABLES
Taller de Jorgen Leth y Dan
Holmberg. Organizado por
Olatz González, Iñaki Imaz,
Asier Mendizábal. Arteleku,
Donostia-San Sebastián //
INTERMEDIAE // MINBAK
4 días // 5 noches ARCO’07
COREA, colaboración con el Art
Center Nabi de Seúl. Matadero
de Madrid // CLOSING TIME
Proyecto de investigación de
la UPV // EHU. Dirección: Iñigo
Cabo. Proyecto artístico para la
BIENNALE DE PARIS 15 EME.
EDITION. 2006.
2006 BANDAS Y GENTE
APARTE Taller de Jon Mikel
Euba. MUSAC, León //
Enthusiasm_archivo_taller:
Nuevas perspectivas sobre las
prácticas amateurs en la época
del capitalismo cognitivo.
Coordinado por Carles Guerra
y Leire Vergara. Arteleku,
Donostia-San Sebastián
ernesto junco
oviedo // 1976
[email protected]
Técnico de serigrafía y artes aplicadas a la piedra por la Escuela de Arte
de Oviedo y Licenciado en BB.AA por la Universidad de Pontevedra
Ha realizado el taller de
performances “o xogo, o
discurso e o corpo” dirigido por
Adriano e Fernando Guimaràes
en el Museo MARCO de Vigo en
el año 2005
2010 Galería Adriana Suárez.
Gijón // Casa Municipal de
Cultura de Avilés
2011 CUSTOM, Cánones de
la moda alterados por el arte.
Centro Modoo, Oviedo
2008 Casa de Cultura de
Cangas de Onís
2010 Galería Adriana Suarez,
Gijón
2005 Casa de Cultura de
Cangas de Onís
2009 Galería Texu, Oviedo
2000 Galería Cimentada de
Oviedo
1998 Hospital de Jarrio, Carrio.
1995 Piezas Escultóricas
Permanentes. Centro de Salud
de Cangas de Onís
2005 Exposición Menoscuarto.
Facultad de BBAA de
Pontevedra, Pontevedra //
Museo de arte contemporáneo
de Vigo // MARCO, Espaço
Artes Múltiplas, s. LazaroPorto
Colaboraciones
1999 Colaboración en la
restauración de la Catedral
de Oviedo // Colaboración en
diversos proyectos pictóricos
del artista asturiano José Luis
Pantaleón

Catálogo de la XXII Muestra de Artes Plásticas del Principado de

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