Mise en page 1 - Alphonse Leduc
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Nouveautés 15 new issues Neuerscheinungen novedades novità ÉDITIONS MUSICALES ALPHONSE LEDUC PARIS PÉDAGOGIE THEORY ÉTUDE DU RYTHME EN CINQ CAHIERS STUDIES FOR RHYHTM ETÜDEN ZUM RHYTHMUS in five books in fünf Heften GEORGES DANDELOT AL 30 696 Cahier - Réf. : SY AL 30 687 Audio - Réf. : FA Professeur à l’École Normale de Musique 1 Georges Dandelot Étude du rythme, Vol.1 ALPHONSE LEDUC, Éditions Musicales, PARIS Cahier : AL 30 696 - Réf. : SY Audio : AL 30 687 - Réf. : FA Élève de Widor, Roussel et Dukas, Georges Dandelot (1895-1975) n’a retenu l’attention de la postérité que pour ses ouvrages didactiques, dont le succès semble inaltérable. Si l’on peut regretter l’oubli dans lequel sont tombées ses compositions, nul ne contestera son immense talent dans le domaine de la pédagogie musicale. Publiée en 1935, l’Étude du rythme en cinq cahiers venait combler une lacune criante : pour la première fois, une méthode progressive – graduée avec un soin minutieux – s’efforçait d’inculquer aux élèves cet « élément primordial » de toute musique. Dédié aux rythmes les plus simples qui sont « la base de tout ce qui va suivre », le premier cahier se voit enrichi d’un précieux complément : une version audio, jointe à la partition sous la forme d’une carte de téléchargement, permet désormais à l’apprenti musicien de contrôler lui-même s’il a bien reproduit le rythme demandé dans tel exercice. Naturellement, cet enregistrement peut également servir de support à la pratique des dictées rythmiques – la technique de notre temps au service d’un manuel indémodable. 2 Georges Dandelot (1895-1975), who was a pupil of Widor, Roussel and Dukas, achieved posterity only through his educational manuals, which seem to enjoy permanent success. Some may regret the fact that his compositions have fallen into oblivion, but nobody can deny his tremendous talent for musical instruction. When it was published in 1935, the fivevolume Étude du rythme filled a glaring gap: for the first time, a progressive method – graduated with minute care – set out to inculcate pupils with this “vital element” of all music. Dedicated to the simplest rhythms that are “the basis of all to follow”, the first volume now comes with a valuable addition: an audio version, attached to the score in the form of a download card, enabling budding musicians to monitor for themselves whether they have correctly reproduced the rhythms of the exercises. Of course, this recording can also be used to carry out rhythm dictations – modern-day technology at the service of a timeless method. PIANO Morceaux choisis pour piano pour morceaux choisis PiANO Niveau : 3 à 5 années de piano selected pieces for Niveau : 3 à 5 années de piano Intermediate level AL 30 694 Cahier - Réf. : AH AL 30 695 Audio - Réf. : FA Intermediate level sélection proposée par François PINEL Éditions Musicales ALPHONSE LEDUC PARIS « Ma voisine ne sait jouer que çà » – comme à la chanteuse Anne Sylvestre, le rabâchage de la Lettre à Elise vous procure d’incessants tourments ? Offrez donc à l’instrumentiste en herbe ce recueil de 38 pièces pour piano qui fera souffler un vent de fantaisie sur son répertoire étriqué. Enrichie d’une version audio accessible grâce à une carte de téléchargement, cette anthologie présente un éventail de morceaux destinés à des élèves ayant entre 3 et 5 ans de piano. Les miniatures chaleureuses tirées d’Accueil amical, l’op. 326 (!) de Darius Milhaud, témoignent des liens tissés avec la famille de Pierre Claudel qui le recevait souvent à New York pendant la guerre ; Alexandre Gretchaninoff cultive avec bonheur « l’art d’être grand-père » (G. Sacre), enchantant les pianistes avec ses Historiettes ou une Promenade au bois. Henri Tomasi offre dans Le coin de Claudinet quelques tableautins irrésistibles, tels le Réveil du petit soldat. Des extraits des Douze petites pièces faciles de Koechlin et des Bagatelles de Tcherepnine, bien d’autres trésors encore – signés Hahn, Bozza, Albéniz et Borodine – viennent compléter ce fabuleux recueil. PiANO Cahier : AL 30 694 - Réf. : AH Audio : AL 30 695 - Réf. : F A “That’s all my neighbour ever plays!” Like Anne Sylvestre, are you tormented by endless repetitions of Für Elise? Why not widen the repertoire of your budding musician with this collection of 38 whimsical pieces for piano? Enhanced with an audio version accessible through a download card, this anthology presents an array of pieces for students with 3 to 5 years of lessons under their belt. The warm miniatures from Accueil amical, op. 326 (!) by Darius Milhaud reflect his close ties with Paul Claudel’s family, who hosted him often in New York during the war. Alexander Gretchaninov cheerfully cultivates “the art of being a grandpa” (G. Sacre), enchanting pianists with his Historiettes and Promenade au bois. In Le coin de Claudinet, Henri Tomasi offers some irresistible little tableaux, such as the Réveil du petit soldat. Excerpts from Koechlin’s Douze petites pièces faciles and Tcherepnin’s Bagatelles, as well as many other treasures composed by Hahn, Bozza, Albéniz and Borodin, complete this fabulous collection. 3 PIANO Patrick Burgan Chrysalides Variations imaginales pour piano AL 30 670 - Réf. prix : AG Publiées en 2014, les Chrysalides pour piano de Patrick Burgan (né en 1960) résultent d’une commande du Concours International d’Épinal qui a inscrit cette pièce longue d’une dizaine de minutes au programme de l’édition de mars 2015. Ces Chrysalides portent à première vue un sous-titre quelque peu énigmatique « variations imaginales pour piano » qui permet cependant de saisir la métaphore organiciste ici à l’œuvre : la chrysalide désigne le stade intermédiaire entre la chenille et l’imago – forme définitive du papillon. Suivant le parcours de cette mue, les variations imaginales de Burgan partent du chaos (la pré-naissance) en passant par toutes les étapes d’une évolution qui précisent peu à peu l’image du thème – la fameuse imago – dont on ne découvre la forme accomplie, calme et apaisée, qu’à la toute fin. Là où l’auditeur perçoit du point de vue structurel un thème et variations inversé, il se voit dans le même temps confronté à l’évocation poétique d’une naissance. Lever le voile sur les arcanes de la métamorphose grâce à un langage musical gorgé de sensualité, c’est faire l’éloge vibrant de la vie. 4 Published in 2014, the Chrysalides for piano by Patrick Burgan (born in 1960) are the product of a commission by the Epinal International Piano Competition, which included the ten-minute piece in the programme of its March 2015 edition. The initially somewhat enigmatic tagline of these Chrysalides, which translates as “imaginal variations for piano” is, in fact, an organistic metaphor, the chrysalid being the intermediary stage between the caterpillar and the butterfly’s final form, the imago. Following the path of this metamorphosis, Burgan’s imaginal variations start with chaos (pre-birth) and undergo all the evolutionary stages, which gradually clarify the image of the theme – the imago, whose calm, appeased and completed form we only discover at the very end. The listener perceives an inversed theme and variations in terms of structure, but is also faced with the poetical evocation of a birth. Revealing the secrets of the metamorphosis through a musical language highly charged with sensuality, this piece is a celebration of life. CORDES I STRINGS PIANO Allain Gaussin Tokyo-City Allain GAUSSIN TOKYO-CITY pour Piano pour piano AL 30 685 - Réf. prix : AP Éditions Musicales Alphonse Leduc Paris AL 30 685 Élève d’Olivier Messiaen au CNSM de Paris, Allain Gaussin a élaboré en véritable alchimiste des sons, une œuvre sensuelle et chatoyante, désireuse de provoquer chez l’auditeur cette sorte d’« éveil intérieur » que la langue japonaise désigne sous le terme de Satori – ainsi s’intitule une pièce pour clarinette solo écrite en 1998. Composée dix ans plus tard, Tokyo-City pour piano solo relève de la même inspiration, nourrie par plusieurs séjours au Japon. Gaussin s’emploie à restituer les diverses sensations ressenties au fil de ses promenades dans la mégalopole nippone : à la crainte d’être englouti par son immensité succède l’éblouissement devant cet univers gorgé d’harmonies et de couleurs dont se dégage une formidable énergie. L’œuvre se déploie selon un double axe symétrique (dans l’ordre du registre et du tempo) : après un début énigmatique confié au grave du piano, des « polyphonies flottantes » laissent progressivement émerger une figure musicale, véritable toccata qui, par la suite, va subir une lente déformation sur le modèle de l’anamorphose. Ne subsiste alors qu’un scintillement d’harmonies cristallines : à l’extrême aigu du piano, l’œuvre s’achève dans l’épure. Réf. : AP Allain Gaussin, a pupil of Olivier Messiaen at the CNSM in Paris, and a veritable alchemist of sound, created a sensual and sparkling work that aims to induce in listeners the sort of “internal awakening” that the Japanese refer to as Satori – the title given to a piece for solo clarinet he wrote in 1998. Composed a decade later, Tokyo-City for solo piano draws on the same inspiration, fuelled by several stays in Japan. Gaussin sets out to reproduce the various sensations he experienced during his walks around the Japanese megalopolis: a fear of being swallowed up by its vastness gives way to a bedazzlement in the face of a buzzing universe awash with harmonies and colours. The work follows a dual symmetrical structure (in terms of register and tempo): after an enigmatic start entrusted to the low notes of the piano, a musical figure gradually emerges from “floating polyphonies”, producing a veritable toccata which is slowly deformed, like an anamorphosis. Then, only a glimmering of crystal-clear harmonies remains, and the work ends sparsely on the highest notes of the piano. 5 CORDES STRINGS Valérie Bime-Apparailly Je débute le violon, Vol.2 HA 9 756 Cahier - Réf. : XW HA 9 757 CD - Réf. : GG Passionnée de pédagogie, l’altiste Valérie Bime-Apparailly (née en 1962 à Bordeaux) a signé un grand nombre de méthodes d’initiation aux instruments à cordes qui font l’unanimité. Le premier volume de la méthode Je débute le violon, s’adressant à des enfants entre 5 et 12 ans, avait rencontré un tel succès auprès des musiciens en herbe et de leurs professeurs qu’il fallait bien lui donner un prolongement. C’est désormais chose faite avec la parution du volume 2, qui aborde les techniques instrumentales de base – toujours en première position. Faisant le pari de réunir rigueur et plaisir de jouer, l’auteur ouvre chaque leçon par une courte séquence d’exercices, grâce auxquels les élèves peuvent aborder les morceaux qui suivent avec toute la concentration requise. Les explications théoriques, réduites à leur expression la plus simple, sont agrémentées de croquis chargés d’en rehausser la clarté. L’album est enrichi d’un CD qui comporte l’enregistrement play back des pièces du recueil. Un ouvrage aussi éclectique que limpide. 6 With a strong commitment to education, viola player Valérie Bime-Apparailly (born in 1962 in Bordeaux) has written many beginner methods for string instruments, to universal acclaim. The first volume of the method Je débute le violon, aimed at children aged between 5 and 12, met with such success among budding musicians and their teachers alike, it simply had to be extended. That has now been taken care of, with the publication of volume 2, which addresses basic instrumental technique – still in first position. Aiming to combine precision with the pleasure of playing, the author starts each lesson with a short sequence of exercises so that pupils can then fully concentrate on the pieces that follow. The theoretical explanations are expressed in very simple terms, and are embellished with sketches that make them even clearer. The album comes with a playback CD of the collection’s pieces. An eclectic and straightforward method. CORDES STRINGS Valérie Bime-Apparailly Je débute l’alto, Vol.2 HA 9 758 Cahier - Réf. : XW HA 9 759 CD - Réf. : GG Pédagogue de renom, l’altiste Valérie Bime-Apparailly (née en 1962 à Bordeaux) est l’auteur d’un grand nombre de méthodes d’initiation aux instruments à cordes dont le succès ne s’est jamais démenti. Le second volume de la série Je débute l’alto renoue avec le pari du premier recueil : rendre indissociable la rigueur et le plaisir de jouer. Chaque chapitre s’ouvre ainsi par une courte séquence d’exercices qui permettent aux élèves d’aborder les morceaux avec sérénité et concentration. Réduites à leur plus simple expression, les explications théoriques se voient accompagnées de croquis qui en augmentent la clarté. L’album est enrichi d’un CD comportant l’enregistrement play back des différentes pièces. Un éclectisme décomplexé illumine le recueil : des classiques illustres comme la Habanera de Carmen ou les Variations sur « Ah ! Vous dirai-je Maman » de Mozart y côtoient Un éléphant, ça trompe énormément ou le Rock’n’roll des Gallinacés. La pédagogie est un art. An educationalist of renown, viola player Valérie Bime-Apparailly (born in 1962 in Bordeaux) is the author of numerous beginner methods for string instruments that have met with unflagging success. The second volume of the series Je débute l’alto once again takes up the challenge of the first collection: to combine precision with the pleasure of playing. To do this, each chapter starts with a short sequence of exercises enabling pupils to approach the pieces with serenity and concentration. Reduced to their simplest expression, the theoretical explanations are accompanied by sketches that enhance their clarity. The album comes with a playback CD containing recordings of the different pieces. A relaxed eclecticism runs through the work: illustrious classics such as the Habanera from Carmen or the Variations sur “Ah ! Vous dirai-je Maman” (“Twinkle Twinkle Little Star”) by Mozart can be found alongside Un éléphant, ça trompe énormément and Rock’n’roll des Gallinacés. Education is an art form. 7 CORDES STRINGS Patrick Burgan Songe à la douceur... pour violoncelle seul Niveau : 8e/9e Advance level AL 30 625 - Réf. : AL Entre le compositeur Patrick Burgan et le monstre sacré de la musique française Henri Dutilleux, ce sont de véritables affinités électives qui se nouèrent. Dutilleux ne manqua jamais l’occasion de dire tout le bien qu’il pensait de la musique écrite par son cadet. Dédiée à la mémoire d’Henri Dutilleux, cette pièce emprunte son titre au 2e vers de L’Invitation au Voyage, extrait des Fleurs du mal de Baudelaire – un poète qui n’a jamais cessé d’inspirer Dutilleux. Burgan invite l’auditeur à explorer l’univers musical du maître français : les multiples citations de son œuvre, dûment signalées dans la partition, forment une superbe constellation qui s’étend du Mystère de l’Instant à la Deuxième Symphonie en passant par le quatuor Ainsi la nuit, Métaboles et le concerto pour violoncelle Tout un monde lointain. À l’image de L’Invitation au Voyage, la forme imaginée par le compositeur se noue autour du principe couplets-refrain, le retour hypnotique des doux accords en pizzicato constituant l’écho des célèbres vers : « Là, tout n’est qu’ordre et beauté, / Luxe, calme et volupté ». En guise d’hommage, une délicate alchimie où s’entremêlent le chatoiement, la douceur et l’ardeur. 8 The composer Patrick Burgan and the giant of French music Henri Dutilleux formed real elective affinities with each other. Dutilleux never missed an opportunity to mention the high esteem in which he held the younger musician’s work. Dedicated to the memory of Henri Dutilleux, this piece takes its title from the 2nd verse of L’Invitation au Voyage, from the Fleurs du mal by Baudelaire – a poet who was a constant source of inspiration for Dutilleux. Burgan invites listeners to explore the musical universe of the French master: the numerous quotations of his work, duly flagged in the score, form a superb constellation that stretches from the Mystère de l’Instant to the Deuxième Symphonie via the quartet Ainsi la nuit, Métaboles and the concerto for cello Tout un monde lointain. Reflecting L’Invitation au Voyage, the composer follows the principle of verse and refrain, and the hypnotic return of the soft chords in pizzicato echoes the famous lines: “Là, tout n’est qu’ordre et beauté, / Luxe, calme et volupté”. This tribute, in the form of a delicate alchemy, combines sparkle, sweetness and spirit. CORDES STRINGS François Rabbath Nouvelle technique de la contrebasse, Cahier 5 FRANÇOIS RABBATH NOUVELLE TECHNIQUE DE LA CONTREBASSE CAHIER 5 FRANÇAIS - ENGLISH DEUTSCH - ESPAÑOL Texte en français, allemand, anglais, espagnol AL 30 623 - Réf. : YE Alphonse Leduc Éditions Musicales Véritable phénomène de la vie musicale, le contrebassiste François Rabbath, né en 1931 à Alep, s’installe dès 1955 à Paris, où il joue avec les stars (Barbara, Aznavour…) sans négliger pour autant son activité d’instrumentiste classique. Présentée dans une version quadrilingue (français, anglais, allemand, espagnol), la Nouvelle technique de la contrebasse de Rabbath s’est employée, au fil des quatre précédents volumes, à libérer l’élève du carcan de l’enseignement traditionnel. Toujours guidé par la même conviction – nul besoin de torturer son propre corps pour devenir instrumentiste –, Rabbath referme son épopée pédagogique par ce cinquième cahier, propre à offrir bien des plaisirs musicaux à l’apprenti contrebassiste qui peut s’enorgueillir d’avoir surmonté les difficultés techniques abordées dans les quatre premiers. Il trouvera dans ce recueil de véritables morceaux de concert, des œuvres aussi séduisantes que le nostalgique Cri de Venise pour contrebasse et piano et le Troisième Concerto au lyrisme étreignant, mais aussi de courtes pièces comme Souvienstu des douze peupliers ou l’irrésistible Mama Bahija pour contrebasse, batterie et orgue. AL 30 623 - Réf. : YE Bass player François Rabbath, born in 1931 in Aleppo, is a real character in the world of music. He settled in Paris in 1955, where he played with the stars (Barbara, Aznavour…) while continuing as a classical instrumentalist. Throughout the four preceding volumes, Rabbath’s Nouvelle technique de la contrebasse, presented in a four-language version (French, English, German and Spanish), endeavours to free the pupil from the shackles of traditional teaching. Always guided by the same conviction that there is no need to torture one’s body to become an instrumentalist - Rabbath rounds off his educational epic with this fifth book, which will offer great musical pleasure to the trainee bass player, who can take pride in having overcome the technical difficulties covered in the first four books. This collection includes real concert pieces - works of great charm, such as the nostalgic Cri de Venise for double bass and piano and the Troisième Concerto with its enveloping lyricism, as well as short pieces such as Souviens-tu des douze peupliers and the irresistible Mama Bahija for bass, drum and organ. 9 BOIS WOODWIND Eugène Bozza Aria pour violon (ou flûte) et piano AL 30 698 Cahier - Réf. : V AL 30 689 Audio - Réf. : FA Cahier : AL 30 698 - Réf. : V Audio : AL 30 689 - Réf. : FA Élève d’Henri Büsser et d’Henri Rabaud au Conservatoire de Paris, le compositeur et chef d’orchestre Eugène Bozza (19051991) reçut le premier Prix de Rome en 1934. C’est durant son séjour à la villa Médicis qu’il coucha sur le papier son Aria pour saxophone alto et piano – une adaptation du troisième mouvement de la Pastorale pour orgue en fa majeur BWV 590 de Johann Sebastian Bach qui devait faire le tour du monde. Cette mélodie empreinte de nostalgie, qui déploie toute son ampleur sur une pulsation régulière, a fait l’objet à son tour de nombreuses transcriptions, tout d’abord pour clarinette, puis pour violon (ou flûte) et piano. C’est cette dernière version que les Éditions Leduc ont choisi de rééditer, avec en prime une version audio qui devrait rendre bien des services à tous les musiciens ! 10 Composer and conductor Eugène Bozza (1905-1991) was a pupil of Henri Büsser and Henri Rabaud at the Conservatoire de Paris, and received the first Prix de Rome in 1934. It was during his stay the Villa Medici that he wrote his Aria pour saxophone alto et piano – an adaptation of the third movement of Johan Sebastian Bach’s Organ Pastorale in F Major BWV 590, which was to tour the world. This nostalgia-imbued melody, which expands over a regular meter, has, in turn, been the subject of numerous transcriptions, first for clarinet, then for violin (or flute) and piano. Éditions Leduc have chosen to republish this last version, with the added bonus of an audio version that should be of valuable assistance to all musicians! BOIS WOODWIND Guy-Claude Luypaerts Partita pour flûte seule AL 30 686 - Réf. : V Guy-Claude LUYPAERTS PARTITA pour Flûte seule I. Patience II. Volutes III. Chimères Éditions Musicales Alphonse Leduc Paris AL 30 686 Élève de Jean Pierre Rampal et de Tony Aubin au Conservatoire National de Paris, le flûtiste et compositeur Guy-Claude Luypaerts se partage entre sa carrière de soliste, l’enseignement et la direction d’orchestre sans délaisser pour autant l’activité créatrice. Luypaerts est resté fidèle à la terre de son enfance : pour cet habitant du village côtier de la Panne en Flandre occidentale, le rivage de la mer du Nord constitue une perpétuelle source d’inspiration : ce paysage aimé entre tous, où s’enlacent la mer, le ciel et les dunes, a servi de cadre à la composition de la Partita pour flûte en août 2014. Le choix d’un tel titre se conçoit comme un hommage à deux œuvres essentielles du répertoire pour flûte solo : la Partita en la mineur, BWV 1013 de Johann Sebastian Bach et la Sonate en la mineur Wq 179 de son fils Carl Philipp Emmanuel. Dédiée au flûtiste Maxence Larrieu qui l’a inscrite au programme de son Concours international (édition 2015), la Partita comporte trois mouvements : l’énergique détermination de Patience contraste avec les effluves rêveuses des Volutes avant que les Chimères ne déchaînent sur la mer un Jour de colère. Réf. : V Having studied under Jean Pierre Rampal and Tony Aubin at the Conservatoire National de Paris, flautist Guy-Claude Luypaerts now divides his time between his work as a soloist, teacher and orchestral conductor, without neglecting his compositional activity. Luypaerts has remained true to his childhood land: for this resident of the seaside village of Panne in western Flanders, the North Sea coastline is a continual source of inspiration. This beloved landscape, where sea, sky and dune embrace, was the setting for the composition of the Partita for flute in August 2014. The title can be seen as a tribute to two essential works in the solo flute repertoire: Bach’s Partita in A Minor, BWV 1013 and the Sonata in A Minor Wq 179 by his son Carl Philipp Emanuel. Dedicated to flautist Maxence Larrieu, who included it in the programme of his International Competition (2015), the Partita contains three movements. The energetic determination of Patience contrasts with the dreamy exhalations of Volutes, before the Chimères are unleashed upon an angry sea. 11 BOIS WOODWIND Armando Ghidoni Sweet and Go pour hautbois solo AL 30 676 - Réf. prix : AC Aujourd'hui une référence dans le répertoire, la pièce Sweet and Go pour hautbois solo, composée pour Marika Lombardi, explore avec raffinement les ressources poétiques et techniques de cet instrument. D’une durée approximative de six minutes, ce diptyque s’ouvre sur un Adagio, déclamation libre en forme de récitatif qui apparaît comme une oasis de tendresse auquel les glissandi viennent conférer un parfum oriental. Tranchant avec ce songe voluptueux, la seconde section, marquée Vivo brilante ben ritmato, permet au soliste de déployer une étincelante virtuosité. Mélodies, rythmes, nuances et couleurs : tout participe à cette fête de l’inventivité. 12 Today a reference in the repertoire, the piece Sweet and Go for solo oboe, composed for Marika Lombardi, elegantly explores the poetic and technical resources of the instrument. The diptych, approximately six minutes in length, opens with an Adagio, a free declamation in recitative that is an oasis of tenderness to which the glissandi bring a whiff of the Orient. In contrast to this voluptuous dream, the second section, marked Vivo brilante ben ritmato, enables the soloist to display a sparkling virtuosity. Melodies, rhythms, nuances and colours all contribute to this festival of ingenuity. BOIS WOODWIND Eugène Bozza Aria pour saxophone alto et piano AL 30 697 Cahier - Réf. : V AL 30 688 Audio - Réf. : FA Cahier : AL 30 697 - Réf. : V Audio : AL 30 688 - Réf. : FA De père italien et de mère française, Eugène Bozza (1905-1991) partagea ses études musicales entre l’Academia Santa Cecilia à Rome et le Conservatoire de Paris où il reçût l’enseignement d’Henri Büsser et d’Henri Rabaud. Ses compositions dans le domaine de la musique de chambre laissent transparaître une vive prédilection pour les vents, dont témoignaient déjà la Fantaisie pastorale pour hautbois et piano (1939) ou New-Orléans pour saxhorn basse et piano (1944). Alors qu’il était pensionnaire à la Villa Médicis de Rome quelques années plus tôt (1936), Bozza avait couché sur le papier son Aria pour saxophone alto et piano – une libre adaptation du troisième mouvement de la Pastorale pour orgue en fa majeur BWV 590 de Johann Sebastian Bach. Cette mélodie ample et nostalgique qui se déploie sur une pulsation régulière est devenue dans le monde entier l’une des pièces les plus jouées du répertoire pour saxophone. Devant un tel succès, les Éditions Leduc ont décidé d’enrichir sa réédition d’une version audio qui permettra aux saxophonistes de s’exercer « grandeur nature ». Born to an Italian father and a French mother, Eugène Bozza (1905-1991) divided his music studies between the Academia Santa Cecilia in Rome and the Conservatoire de Paris, where he was taught by Henri Büsser and Henri Rabaud. His chamber music compositions reveal a marked predilection for wind instruments, as reflected in Fantaisie pastorale for oboe and piano (1939) and New-Orléans for bass saxhorn and piano (1944). During his stay a few years earlier at the Villa Medici in Rome (1936), Bozza had written his Aria pour saxophone alto et piano – a free adaptation of the third movement of Johann Sebastian Bach’s Organ Pastorale in F major BWV 590. This expansive and nostalgic melody, which unfolds over a regular meter, has become one of the most widely played saxophone pieces in the world. Having enjoyed such success, Éditions Leduc has decided to supplement its republication with an audio version that will enable saxophonists to carry out “full-scale” practice. 13 BOIS WOODWIND Armando Ghidoni Sweet and Go pour saxophone solo AL 30 677 - Réf. prix : AC Créée en 2013, la pièce Sweet and Go pour saxophone solo explore avec raffinement les ressources poétiques et techniques de cet instrument que Armando Ghidoni connaît si bien (Concerto pour saxophone et orchestre à cordes ; Concerto Grosso pour saxophone alto, piano et orchestre). D’une durée approximative de cinq minutes, ce diptyque s’ouvre sur un Adagio, déclamation libre en forme de récitatif qui apparaît comme une oasis de tendresse auquel les glissandi viennent conférer un parfum oriental. Tranchant avec ce songe voluptueux, la seconde section, marquée Vivo brilante ben ritmato, permet au soliste de déployer une étincelante virtuosité – maîtrise des slaps comprise ! –, sans jamais trahir cet esprit sous-jacent d’improvisation. Mélodies, rythmes, nuances et couleurs : tout participe à cette fête de l’inventivité. 14 Premiered in 2013, Sweet and Go for solo saxophone elegantly explores the poetic and technical resources of the instrument Armando Ghidoni knows so well (Concerto pour saxophone et orchestre à cordes; Concerto Grosso pour saxophone alto, piano et orchestre). The diptych, approximately five minutes in length, opens with an Adagio, a free declamation in recitative that is an oasis of tenderness to which the glissandi bring a whiff of the Orient. In contrast to this voluptuous dream, the second section, marked Vivo brilante ben ritmato, allows the soloist to display a sparkling virtuosity – slaps included! – without betraying the underlying spirit of improvisation. Melodies, rhythms, nuances and colours all contribute to this festival of ingenuity. BOIS WOODWIND Theodore Kerkezos Études Theodore Kerkezos Études pour les notes aiguës et graves au saxophone pour les notes aiguës et graves au saxophone Studies on the high and low notes of the saxophone Etüden in der hohen und tiefen Lage des Saxophons AL 30 645 - Réf. : AL Estudio de las notas graves y agudas del saxofón Éditions Alphonse LEDUC Considéré par le magazine Gramophone comme « l’un des interprètes les plus remarquables du moment », le saxophoniste Theodore Kerkezos se partage entre une brillante carrière de soliste et une activité de pédagogue qui l’amène à enseigner au Conservatoire d’Athènes, mais aussi à dispenser des master-classes un peu partout dans le monde. Fort de cette longue expérience, le musicien grec fait paraître ses Études pour les notes aiguës et graves au saxophone grâce auxquelles les élèves pourront surmonter l’une des principales difficultés de leur apprentissage : la maîtrise des registres aigus. Organisées selon un plan méthodique, ces Études proposent des formules variées du point de vue mélodique, rythmique et dynamique avec un atout de taille : le choix entre plusieurs doigtés pour certaines d’entre elles. Le problème des différentes attaques, souvent lié au type de répertoire interprété, fait l’objet d’un soin particulier. Recommandé par des maîtres tels que Jean-Marie Londeix et Christian Lauba, ce recueil « extraordinaire » devrait combler les saxophonistes rêvant d’atteindre dans l’aigu comme dans le grave une justesse d’intonation et une rondeur de timbre qui fassent mouche. AL 30 645 – Réf. : AL Considered by Gramaphone magazine as “one of the most astounding players of the day”, saxophonist Theodore Kerkezos divides his time between a brilliant soloist career and educational activities that include teaching at the Athens Conservatoire and providing master classes around the globe. Drawing on his long experience, the Greek musician is publishing his Études for high and low notes on the saxophone to help students overcome one of the major learning difficulties: mastering the upper registers. Organised according to a step-by-step plan, the Études provide a variety of learning options in terms of melodics, rhythm and dynamics, some of which offer a valuable bonus: the choice between several fingerings. The problem of different attacks, often related to repertoire type, is given particular attention. Recommended by masters like Jean-Marie Londeix and Christian Lauba, this “extraordinary” collection will delight saxophonists who dream of achieving precise intonation and roundness of tone in both the high and low ranges. 15 BOIS WOODWIND Christian Lauba/Philippe Geiss Blue Balafon pour saxophone ténor (ou soprano) et dispositif électronique AL 30 668 Cahier - Réf. : V AL 30 669 CD - Réf. : GG La première des Neuf Études pour saxophone de Christian Lauba, intitulée Balafon, apparaît comme un chant africain utilisant la technique ancestrale du souffle continu. Cette œuvre soliste dont Richard Ducros, l’un des meilleurs interprètes des œuvres pour saxophone de Lauba, a donné une splendide interprétation dans l’album « Hard », le saxophoniste Philippe Geiss a voulu l’étoffer et la transformer – sous le nom de Blue Balafon – en une pièce pour saxophone (ténor ou soprano) et dispositif électronique, avec l’accord du compositeur. L’arrangement préconise une « articulation libre dans un esprit “jazz legato” », rendant ainsi facultatif l’emploi du souffle continu pour privilégier la formidable énergie qui se dégage du morceau. La partition est enrichie d’un CD comprenant la version complète de l’œuvre, interprétée au saxophone par Philippe Geiss, ainsi que l’accompagnement électro-acoustique isolé en guise de playback. Placée sous le signe de l’éclectisme, cette aventure musicale s’avère aussi stimulante pour l’esprit que vivifiante pour les sens. 16 Balafon, the first of Christian Lauba’s Neuf Études pour saxophone, is an “African song” that uses the ancient technique of circular breathing. This soloist work - splendidly performed in the album “Hard” by Richard Ducros, one of the greatest interpreters of Lauba’s works for saxophone – was expanded and transformed, with the composer’s approval, by saxophonist Philippe Geiss into a piece for saxophone (tenor or soprano) and electronics under the title Blue Balafon. The arrangement calls for “free articulation in a ‘jazz legato’ spirit”, making the use of circular breathing optional in order to favour the piece’s incredible energy. The score comes with a CD that includes a complete version of the work performed on saxophone by Philippe Geiss, as well as an electroacoustic accompaniment isolated for playback. This eclectic musical adventure proves itself both stimulating for the mind and invigorating for the senses. CUIVRES BRASS Gabriel Fauré Mélodies et pièces diverses, Vol.1 pour trompette et piano, Transcription de Guy Touvron HA 9 751 - Réf. prix : AU Ancien élève de Maurice André, le trompettiste Guy Touvron, soliste acclamé partout dans le monde, a été désireux de partager avec le public son amour pour la musique de Gabriel Fauré, alors même que celui-ci n’a pas composé la moindre page dédiée à son instrument. Touvron a fait le pari de recourir à l’art de la transcription, sans méconnaître la difficulté de l’entreprise : la sonorité de la trompette peut-elle restituer le charme discret des œuvres de Fauré ? Le présent volume atteste de la réussite du projet. L’écriture aérée du Cantique de Jean Racine déploie une plénitude qui rend justice au classicisme épuré de l’œuvre. Le Clair de lune dépeint par les vers de Verlaine allonge ses phrases vocales teintées de nostalgie tandis que la Sérénade toscane, aux allures de barcarolle, évoque une belle indifférente qui se refuse à apparaître sur le balcon. L’atmosphère écrasante du Spleen, les contours raffinés de l’op. 2 n°1 (Dans les ruines d’une abbaye sur un poème de Hugo), et le charme enveloppant du cantique En prière sont rendus avec la même subtilité : l’art de la transcription est celui de tous les possibles. Trumpeter Guy Touvron, a former student of Maurice André and acclaimed international soloist, was keen to share his love of Gabriel Fauré’s music, despite the fact that Fauré never composed a single page for Touvron’s instrument of choice. He turned to the art of transcription, aware of the challenge that awaited him: could trumpet tone truly render the quiet charm of Fauré’s works? This volume is proof of the project’s success. In Guy Touvron’s arrangement, the fresh, clear language of the Cantique de Jean Racine delivers a fullness that does justice to the work’s refined classicism. The Clair de lune of Verlaine’s verse lengthens its nostalgia-imbued vocal phrases, while the Sérénade toscane, with its echoes of barcarole, evokes a haughty belle who refuses to appear on the balcony. The crushing atmosphere of Spleen, the sophisticated contours of Op. 2 No.1 (Dans les ruines d’une abbaye, based on a Victor Hugo poem) and the enveloping charm of the En prière canticle are all rendered with equal subtlety. The art of transcription makes everything possible. 17 CUIVRES BRASS Gabriel Fauré Mélodies et pièces diverses, Vol.2 pour trompette et piano Transcription de Guy Touvron HA 9 752 - Réf. prix : AU Les pouvoirs expressifs de la trompette ne se limitent pas aux accents pompeux et aux sonorités éclatantes de la Marche triomphale dans l’opéra Aïda de Verdi. À tous ceux qui en douteraient encore, on ne saurait trop conseiller d’ouvrir le Vol.2 des Mélodies et pièces diverses de Gabriel Fauré, transcrites pour trompette et piano par Guy Touvron, soliste fêté partout dans le monde. Dans ce volume, la douceur et l’expressivité prédominent : avec son tempo lent et son indication initiale dolce, la célèbre mélodie Après un rêve déploie un chant legato qui se fraye un chemin jusqu’au cœur, tout comme Tristesse, animé par un geste mélodique fluide et discret. Là où Le Papillon et la Fleur sacrifie encore à l’esthétique de la romance, L’Absent (également sur des vers de Hugo) construit un vaste récit dramatique avec des moyens très sobres. Au Cimetière complète ce choix de mélodies, enrichi par deux pièces d’origine instrumentale, la Berceuse op.16 pour violon et piano et la Troisième des Romances sans paroles pour piano. Fidèles à l’esprit fauréen tel que l’a défini Jankélévitch, ces transcriptions parlent « tout bas à l’oreille de ceux qui méritent d’entendre ». 18 The trumpet’s powers of expression are not limited to the pompous accents and ringing tones of the Triumphal March of Verdi’s Aida. To all doubters, we strongly recommend opening volume 2 of Mélodiesetpiècesdiverses by Gabriel Fauré, transcribed for trumpet and piano by internationally acclaimed soloist Guy Touvron. In this volume, gentleness and expressiveness prevail. With its slow tempo and dolce opening indication, the well-known melody Après un rêve floats a legato song that goes straight to the heart, as does Tristesse with its fluid, subtle melodic gesture. While Le Papillon et la Fleur still bow to the aesthetics of the romance, the Absent (also based on Hugo’s verse) erects a vast dramatic narrative with very simple means. Au Cimetière completes this selection of melodies that is enhanced by two originally instrumental pieces, the Berceuse Op. 16 for violin and piano and the Romance sans paroles No. 3 for piano. Faithful to the Faurian spirit as defined by Jankelevitch, these transcriptions “whisper into the ear of those who deserve to hear”. PERCUSSION Jacky Bourbasquet et Claude Gastaldin Drum Session, Vol.17 Texte en français, allemand, anglais, espagnol AL 30 674 Cahier - Réf. : BD AL 30 675 CD - Réf. : GG Entre les batteurs Jacky Bourbasquet (fondateur du réseau des écoles Sonor) et Claude Gastaldin (professeur au Conservatoire de Genève), il existe « une longue et fidèle amitié » qui dépasse le simple cadre de leur pratique instrumentale. Les deux percussionnistes poursuivent depuis 1997 une aventure pédagogique de grande envergure, devenue fameuse sous le nom de Drum Session. Le 17e volume, proposé dans une version quadrilingue (français, anglais, allemand, espagnol), reprend tous les ingrédients qui ont fait le succès de la série : une structure progressive divisée en niveaux, des conseils de méthode limpides et un éventail de 29 pièces aux styles les plus variés : jazz, pop progressive, tango et funk. Cette méthode, qui privilégie le travail collectif avec orchestre, se voit enrichie d’un CD où chaque morceau est enregistré sans la batterie dans deux versions, l’une d’étude (plus lente), l’autre a tempo, auxquelles s’ajoutent des plages musicales variées pour un total de 70 minutes. « Un outil très utile, bien construit et balayant suffisamment de styles pour satisfaire le plus grand nombre » (magazine Batteur). Drummers Jacky Bourbasquet (founder of the Sonor school network) and Claude Gastaldin (professor at the Geneva Conservatoire) have a “long and faithful friendship” that goes beyond playing music. Since 1997, the two percussionists have pursued a large-scale educational adventure that earned its fame under the name Drum Session. Offered in a multilingual version (French, English, German, Spanish), the 17th volume includes everything that brought the series its success: a progressive structure divided into levels, clear method instructions and a range of pieces – 29 in total – showcasing a wide variety of styles: jazz, progressive pop, tango and funk. The method, which favours group work with orchestra, is enhanced with a CD in which each piece is recorded without the drums in two versions: one as an étude (slower), the other a tempo. A variety of tracks have been added for a total of 70 minutes of music. “A very useful tool, well-designed and including enough styles to satisfy nearly everyone” (Batteur magazine). 19 MUSIQUE DE CHAMBRE CHAMBER MUSIC Armando Ghidoni Swinging Counterpoint pour quatuor à vent (flûte, clarinette, cor et basson) AL 30 679 - Réf. prix : BK Partition et parties Cette pièce pour flûte, clarinette, cor et basson, a été créée le 18 avril 2012 à Istanbul par son commanditaire le Quatuor Nis’tanbul, composé de Sibel Pensel, Aysegül Kirmanoglu, Patrick Peignier et Arthur Menrath. Swinging Counterpoint tient toutes les promesses de son titre : le contrepoint, qui paraît se déployer avec le même naturel, la même fluidité que celui de Bach, mêle avec maestria les couleurs et le balancement du swing. L’œuvre, enregistrée par les membres du Quatuor Nis’tanbul pour le label Chant de Linos, laisse s’épanouir une inspiration jaillissante, une sincérité mélodique et une heureuse insouciance qui en font un irrésistible élan vers la vie. 20 This piece for flute, clarinet, horn and bassoon was premiered April 18th, 2012 in Istanbul by its commissioner, the Nis’tanbul Quartet, composed of Sibel Pensel, Aysegül Kirmanoglu, Patrick Peignier and Arthur Menrath. Swinging Counterpoint keeps all of its title’s promises: flowing with the same naturalness, the same fluidity as Bach’s, the counterpoint masterfully blends the colours and the lilt of swing. Recorded by the Nis’tanbul Quartet for the label Chant de Linos, the work bursts with inspiration, a melodic sincerity and a joyful insouciance. MUSIQUE DE CHAMBRE CHAMBER MUSIC Armando Ghidoni Yellow Green pour quatuor de clarinettes (3 clarinettes en si bémol et clar. basse) AL 30 678 - Réf. : BH Partition et parties Dans ce quatuor pour trois clarinettes en si bémol et clarinette basse se mêlent à la fois le charme mélodique, la sensibilité du bel canto, l’harmonie impressionniste « à la française » et les influences des rythmes jazz. Yellow Green a été créé le 23 juillet 2013 au Teatro Municipal de Niterói (Rio de Janeiro) par les musiciens du Quatuor Omega : Maurício Silva, Deusiel da Cunha de Souza, Diego Abreu et Mateus Falkemback (à la clarinette basse). Cette pièce d’une durée approximative de 9 minutes, dont le titre – Yellow Green – est un hommage aux deux couleurs du drapeau brésilien, déploie sitôt l’introduction passée une vaste fugue (marquée Vivace) teintée des couleurs du swing. L’Adagio central laisse s’épancher une mélodie rêveuse, hors du temps. Quant au bref final, il permet de rassembler le matériau thématique de la fugue, avec comme ultime conseil donné aux exécutants : « Feel jazz’ ». Cette œuvre vivifiante a été enregistrée pour le label Chant de Linos par ses dédicataires, les clarinettistes du Quatuor Omega. Melodic charm, bel canto sensibility, impressionist harmony à la française and jazz rhythm influences unite in this quartet for three B-flat clarinets and bass clarinet. Yellow Green was premiered on July 23rd, 2013 at the Teatro Municipal de Niterói (Rio de Janeiro) by the musicians of the Omega Quartet: Maurício Silva, Deusiel da Cunha de Souza, Diego Abreu and Mateus Falkemback (bass clarinet). Approximately 9 minutes in length, the title – Yellow Green – is a tribute to the two colours of the Brazilian flag. The introduction gives way to a vast Fugue (marked Vivace) dipped in the colours of swing. The central Adagio floats a dreamy, timeless melody. The brief finale brings together the fugue’s thematic material with one last recommendation for the performers: “Feel jazz”. This invigorating work was recorded for the Chant de Linos label by its dedicatees, the Omega Quartet clarinetists. 21 MUSIQUE VOCALE VOCAL MUSIC Gabriel FAURÉ MÉLODIES CHOISIES POUR VOIX ET PIANO SELECTED SONGS Gabriel Fauré Mélodies choisies pour voix et piano FOR VOICE AND PIANO Sélection proposée par François LE ROUX AL 30 692 Cahier - Réf. : AO AL 30 693 Audio - Réf. : FA Éditions Musicales ALPHONSE LEDUC PARIS Cahier : AL 30 692 - Réf. : AO Audio : AL 30 693 - Réf. : FA Plébiscitées par le public mélomane depuis plus d’un siècle, les mélodies de Gabriel Fauré (1845-1924) font ici l’objet d’une anthologie, avec en prime une version audio jointe sous la forme d’une carte de téléchargement. Au bord de l’eau et Ici bas, extraites du 1er recueil publié en 1879, donnent aux textes simples de Sully Prudhomme une aura de rêverie intérieure, rendue sensible par ce raffinement harmonique et cette fluidité dans l’écriture vocale qui constituent déjà l’essence même du charme fauréen. Quelques pages vocales sélectionnées dans le 2e volume (1897) font depuis toujours le bonheur des interprètes : Les Roses d’Ispahan restituées dans leur rêveuse immobilité, Les Berceaux dont l’oscillation évoque le tangage des vaisseaux, et le très nostalgique Clair de lune – première mise en musique de Verlaine qui inspirera par la suite à Fauré l’un de ses chefs-d’œuvre : La Bonne Chanson. De ce cycle enivré de lyrisme amoureux, le recueil retient Puisque l’aube grandit, mélodie exaltée s’il en est, et La lune blanche luit dans les bois, paysage nocturne en fa dièse majeur – deux perles qui distillent un même mystère : celui de l’apaisement. 22 Widely acclaimed by music lovers for over a century, the songs of Gabriel Fauré (1845-1924) are here collected into an anthology, complete with an audio version in the form of a download card. Excerpted from the 1st collection published in 1879, Au bord de l’eau and Ici bas bestow an aura of internal reverie on Sully Prudhomme’s simple poems, made palpable by the harmonic refinement and vocal fluidity that constitutes the very essence of Faurean charm. Several vocal pages selected in the 2nd volume (1897) continue to be favourites: Les Roses d’Ispahan restored to their dreamy stillness, Les Berceaux whose oscillation evokes the swaying of boats, and the very nostalgic Clair de lune in which Verlaine’s words, set to music for the first time, inspired Fauré to write what would become one of his masterpieces: La Bonne Chanson. From this cycle, drunk on lovelorn lyricism, the collection retains Puisque l’aube grandit, an exalted melody if there ever was one, and La lune blanche luit dans les bois, a nocturnal landscape in F sharp major – two pearls that distil the same mystery of solace. MUSIQUE VOCALE VOCAL MUSIC Gabriel Fauré Chanson de Mélisande Melisande's Song Réduction pour Chant et Piano d'après les autographes du compositeur HA 9 755 - Réf. prix : K « Un songe enchanté » l’expression du poète Charles Van Leberghe donne la mesure de l’enthousiasme que suscita auprès du public assemblé le 21 juin 1898 au Prince of Wales Theatre de Piccadilly la première représentation en langue anglaise de la pièce symboliste Pelléas et Mélisande de Maurice Maeterlinck, sertie d’une musique de scène composée par Gabriel Fauré. Le compositeur avait confié à son élève favori, Charles Koechlin, le soin d’orchestrer la partition. L’effectif instrumental réduit dont disposait le théâtre londonien convenait idéalement aux idéaux de clarté et de transparence qui animaient l’apprenti musicien. Koechlin ne reprit la Chanson de Mélisande qu’en 1936 afin d’en réaliser une seconde version avec orchestre, parue l’année suivante sous la forme d’un chant-piano. Préparée par Roger Nichols et Otfrid Nies d’après les manuscrits autographes, la nouvelle édition de cette réduction pour soprano et piano comprend le texte de la mélodie en anglais, français et allemand, la partition incluant les variantes de 1898 et de 1936, ainsi qu’une instructive préface signée Otfrid Nies. “An enchanted dream” – poet Charles Van Leberghe’s words give us an idea of the audience’s enthusiasm at the Prince of Wales Theatre in Piccaddilly on June 21st, 1898, when the first English language performance of Symbolist play Pelléas et Mélisande by Maurice Maeterlinck was performed, with incidental music by Gabriel Fauré. The composer had tasked his favourite student, Charles Koechlin, with orchestrating the score. The London theatre’s small number of musicians suited the apprentice musician’s ideals of clarity and transparency. It was 1936 before Koechlin returned to La Chanson de Mélisande, this time to create a version with orchestra, published the following year as a pianovocal score. Using autograph manuscripts, Roger Nichols and Otfrid Nies have created a new edition of the piano-vocal reduction that includes the text of the melody in English, French and German. The score contains the 1898 and 1936 variations, as well as an informative preface by Otfrid Nies. 23 MUSIQUE VOCALE VOCAL MUSIC Reynaldo HAHN MÉLODIES CHOISIES POUR VOIX ET PIANO SELECTED SONGS Reynaldo Hahn Mélodies choisies pour voix et piano FOR VOICE AND PIANO Sélection proposée par François LE ROUX AL 30 690 Cahier - Réf. : AH AL 30 691 Audio - Réf. : FA Éditions Musicales ALPHONSE LEDUC PARIS Cahier : AL 30 690 - Réf. : AH Audio : AL 30 691 - Réf. : FA Chanteur d’exception, Reynaldo Hahn (1875-1947) doit ses premiers succès au genre de la mélodie pour voix et piano, dont son journal s’attache à définir la raison d’être : « souligner une poésie, mot à mot et sans uniformité, en accentuer le sens sans la dénaturer, faire la lumière sur telle idée, estomper telle autre et présenter le tout sous une forme vocale et chantante, produire une sensation aiguë, précise, soit en touchant une fibre du cœur, soit en évoquant une image, le tout dans un morceau bien construit et écrit avec goût ». Enrichie d’une version audio jointe sous la forme d’une carte de téléchargement, cette anthologie de mélodies devrait dissiper bien des préjugés : loin d’être une miniature salonnarde, L’Heure exquise irradie une infinie tendresse, exaltée par les cadences dans l’aigu de la voix sur « Ô Bien-Aimée ! » et « C’est l’heure exquise » qui ne pouvaient qu’arracher des larmes à l’auteur de ces vers – Verlaine. Tyndaris, véritable joyau des Heures latines, dessine un espace limpide dédié aux voluptés du sommeil et de l’amour. À l’instar D’une prison ou des Cygnes, ces mélodies font plus que mouiller les yeux : elles étreignent les cœurs. 24 Exceptional singer Reynaldo Hahn (1875-1947) owes his early successes to the “songs for voice and piano” genre, whose raison d’être he defines in his journal as follows: “To highlight a poem, word for word but without uniformity; to emphasize its meaning without distorting it; to shine light upon one idea, obscure another and present it all in vocal, sung form; to produce a sharp, precise sensation by touching a heartstring or evoking an image - all in a well-structured and tastefully written piece”. Enhanced by an audio version attached as a download card, this anthology of songs should dispel a good many misconceptions. This is no salon miniature: L’Heure exquise radiates an infinite tenderness, exalted by the high vocal cadences of Ô Bien-Aimée! and C’est l’heure exquise, which surely wrought tears from the author of the verses, Verlaine. Tyndaris, the jewel of Heures latines, clears a crystal-clear space given over to the delights of slumber and of love. Like D’une prison and Cygnes, these songs do more than wet the eyes: they grip the heart. MUSIQUE VOCALE VOCAL MUSIC Betsy Jolas D’un journal d’amour Pages from a Love Diary pour voix et alto Betsy JOLAS D’UN JOURNAL D’AMOUR POUR VOIX ET ALTO PAGES FROM A LOVE DIARY FOR VOICE AND PIANO Citations de Pierre REVERDY Citations de Pierre Reverdy Éditions Musicales Alphonse Leduc Paris AL 30 681 - Réf. prix : AC AL 30 681 « Ce qui compte dans une musique partie d’un poème – d’une émotion ressentie à la lecture d’un poème – c’est la musique et la puissance d’émotion qu’à son tour elle recèle ». Ces paroles écrites en 1949 par le poète Pierre Reverdy devaient marquer profondément la jeune compositrice Betsy Jolas, qui venait d’envoyer à l’écrivain les Six mélodies pour mezzo et piano composées sur des poèmes de son maître-livre Plupart du temps, joignant une lettre où sourdait la crainte d’avoir trahi sa pensée. En matière de création, il ne faut pas se soucier de “trahison” – Betsy Jolas devait placer cette conviction au cœur de sa réflexion sur les rapports entre texte et musique. Près de soixante ans plus tard, la musicienne décide de reprendre sous formes de citations plusieurs fragments de ces poèmes bien-aimés de Reverdy en les insérant dans de nouvelles perspectives musicales et dramatiques : du souvenir exalté de cette lecture nait D’un journal d’amour, mini-cantate pour voix et alto offerte en cadeau de mariage à la soprano Eliette Prévôt et à l’altiste Antoine Tamestit, qui la créèrent ensemble à Montreuil en 2010. Réf. : !# “What’s important in music that’s based on a poem – on the emotion inspired by a poem – is the music and power of emotion it harbours within itself”. These words, written in 1949 by poet Pierre Reverdy, would make a deep impression on composer Betsy Jolas. She’d just sent the writer her Six mélodies for mezzosoprano and piano composed on poems from his masterwork Plupart du temps. The songs were accompanied by a letter that betrayed her fear of distorting his ideas. In creative terms, there was no need to worry – Betsy Jolas must have placed this conviction at the heart of her reflection on the relation between text and music. Nearly sixty years later, the musician decided to take several fragments of these beloved poems of Reverdy and place them, in the form of quotations, into new musical and theatrical perspectives. The exalted memory of the words led to D’un journal d’amour, a mini-cantata for voice and alto offered as a wedding gift to soprano Eliette Prévôt and violist Antoine Tamestit, who premiered it together in Montreuil in 2010. 25 ORCHESTRE ORCHESTRA Henri DUTILLEUX Henri Dutilleux Pièce sans titre « Muss es sein ? » PIÈCE SANS TITRE « MUSS ES SEIN ? » pour Orchestre 4* 4** 4*** 4**** – 3 4 3 1 – Timbales, percussion, vibraphone, marimba, harpe, célesta, cordes (altos, violoncelles et contrebasses). *dont 1 petite flûte – **dont 1 cor anglais – **dont 1 petite clarinette et 1 clarinette basse – ****dont 1 contrebasson Éditions Musicales ALPHONSE LEDUC PARIS Partition et Matériel en location Muss es sein ? – Traduisible par « Le faut-il ? », cette fameuse interrogation qui orne le finale du Seizième Quatuor de Beethoven n’a pas cessé de hanter l’esprit d’Henri Dutilleux (1916-2013) durant la composition de cette brève pièce orchestrale, créée à Monaco le 28 septembre 2000 sous la direction de Marek Janowski, et présentée pour la première fois en France le 26 mai 2014 par Xavier Roth et son Orchestre des Siècles. C’est à l’occasion de ce concert que les Editions Leduc ont réalisé une nouvelle gravure de la partition d’orchestre, la rendant enfin disponible. Le questionnement métaphysique ne fait pas une apparition tardive chez Dutilleux : la Seconde Symphonie (1959) se distinguait déjà par un caractère interrogatif dont on retrouve la trace tout au long de son œuvre : Le Mystère de l’instant (1989) semble résonner des mêmes préoccupations spirituelles. Au moyen d’une orchestration aussi originale (les cordes sont privées du pupitre des violons) que limpide, cette page laisse se déployer de lointains chorals qui sonnent comme autant d’invites à la méditation. 26 Partition et matériel d’orchestre en location Muss es sein? – Translatable as “Must it be?”, the famous question that graces the last movement of Beethoven’s String Quartet No. 16 haunted Henri Dutilleux (1916-2013) throughout the composition of this brief orchestral piece. Premiered in Monaco on September 28th, 2000 under the direction of Marek Janowski, it was presented for the first time in France on May 26th, 2014 by Xavier Roth and his Orchestre des Siècles. For this concert, the Editions Leduc made a new engraving of the orchestral score, rendering it available at last. Dutilleux was drawn to metaphysical musings early on: the Seconde Symphonie (1959) was already notable for a certain inquisitiveness that would pop up throughout his entire oeuvre: indeed, Le Mystère de l’instant (1989) seems to resonate with the same spiritual concerns. Through an orchestration both limpid and original (the strings are deprived of a violin section), the work sends forth far-off chorales that ring out as invitations to meditation. ORCHESTRE ORCHESTRA Reynaldo HAHN Reynaldo Hahn Le Marchand de Venise (1935) LE MARCHAND DE VENISE OPÉRA EN TROIS ACTES Opéra en 3 actes, livret de Miguel Zamacoïs, d’après la comédie de William Shakespeare Livret de Miguel Zamacois, d’après la comédie de William Shakespeare 3* 3** 2 2 – 4 2 3 1 – Saxophone alto, timbales, grosse caisse, cymbales, harpe, cordes. *La 3e prend la petite flûte **dont 1 cor anglais Sur scène : 7 musiciens Partition et matériel d’orchestre en location Créé à l’Opéra de Paris le 25 mars 1935 sous la direction de Philippe Gaubert, Le Marchand de Venise commença à prendre forme dans l’esprit de Reynaldo Hahn (1875-1947) près de trente ans plus tôt, au moment où il dirigeait à Salzbourg Don Giovanni de Mozart : l’architecture du dramma giocoso lui parut être le cadre idéal pour traiter en musique la tragicomédie de Shakespeare, dont l’adaptation française fut confiée à Miguel Zamacoïs. A tous ceux qui pourraient juger que Reynaldo visait là bien haut, on recommandera la lecture ou l’écoute de cette partition hors du commun, mise au net et rééditée par les Éditions Leduc avec le soutien du Palazzetto Bru Zane (Centre de musique romantique française). La verve mélodique du compositeur s’y épanche librement, jointe à une habileté qui fait feu de tout bois – rapide déclamation du recitativo, airs, duos et ensembles – pour caractériser chaque personnage de manière incisive : la mise en musique du fameux monologue de Shylock confère à l’usurier juif une dimension tragique. Le septuor final, dans lequel l’amour a le dernier mot, est à l’image de toute la partition : un joyau de chant pur. Éditions Musicales ALPHONSE LEDUC PARIS Partition et Matériel en location Premiered at the Opéra de Paris on March 25th, 1935 under the direction of Philippe Gaubert, Le Marchand de Venise had begun forming in Reynaldo Hahn’s mind (1875-1947) over thirty years earlier while he was in Salzburg conducting Mozart’s Don Giovanni. The structure of the dramma giocoso seemed to him the ideal framework for a musical adaptation of Shakespeare’s tragicomedy, the French adaptation of which was entrusted to Miguel Zamacoïs. To those who wonder if Reynaldo set his sights too high, we recommend reading or listening to this unusual score, republished by the Editions Leduc with the support of the Palazzetto Bru Zane (Centre de musique romantique française). The composer’s melodic verve flows freely, fused to a dexterity that stops at nothing – be it a rapid declamation of recitative, airs, duos or ensembles – in its incisive portrayal of characters: the setting to music of Shylock’s famous monologue brings a tragic dimension to the Jewish money-lender. The final septet, in which love has the last word, is like, the entire score, a pure gem of song. 27 Éditions Musicales ALPHONSE LEDUC à PARIS depuis 1841 Nouvelle adres se / New address 10, rue de la Grange Batelière 75009 PARIS Tél. : +33 (0)1 53 24 64 64 Fax : +33 (0)1 53 24 68 49 www.alphonseleduc.com e-mail : [email protected] Affilié Affilié à au Groupe Music Sales Affiliated Affiliated to to the Music Sales Group Graphisme : Armiane imprimerie En vente chez : On sale: Erhältlich bei: S.A.S. au capital de 297 000 d - C.C.P. 1198 Paris - R.C.B 572056 695