Dossier de presse - Barbara Decrock Artiste Peintre

Transcription

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Dossier de presse
100% APV
quatrième édition
4
5
6
7
9
Sommaire
Le projet ‘‘100% APV’’
Arts Plastiques et Visuels ?
Le campus de Tourcoing
La Galerie Commune
Les artistes
David Agius . Amanda Ariawan . Roxane Camus . Mathilde Chieux . Barbara Decrock
Mélissa Do . Éve Domingos . Valentin Duchenne . Delphine Glorieux . Daniel Homann
Gaultier Levent . Luis Meyer . Emilian Mierzejewski . Fanny Pentel, Alizée Ségard
Stéphanie Serre . Émilie Silver . Laila Soultana . Hadrien Téqui . Isabelle Vandromme
30
Autour de l’exposition
30
Rencontre
31
Table ronde
33
Informations pratiques
Le projet
Collectif d’organisation
David Agius
Michiko Borisova
Anne Creissels
Barbara Decrock
Solène Devambez
Mélissa Do
Valentin Duchenne
Delphine Glorieux
Elisa Lombard
Stéphanie Serre
Laila Soultana
Hadrien Téqui
Stella Veillerette
À travers l’exposition “100% APV” le pôle Arts
Plastiques de l’Université Lille 3 entend
valoriser la démarche de ses étudiants de
première et de deuxième année de master,
engagés dans une pratique artistique
autonome.
Conçue comme une exposition collective de
jeunes artistes, “100% APV” est l’occasion de
confronter les étudiants aux exigences d’un
environnement semi-professionnel.
L’Université des Sciences Humaines et Sociales
de Lille propose un Master Arts - parcours Arts
Plastiques et Visuels.
Cette formation offre aux étudiants désireux de
déployer des projets artistiques à un niveau
professionnel, des outils et des opportunités
engageant pleinement leur démarche d’artiste,
par le biais d’ateliers professionnalisant
(rédaction de documents, création de sites
internet, appels à projets et à résidence, etc.)
ainsi que par le biais de workshops, de projets
artistiques et d’expositions (Galerie Commune
sur le site du Pôle Arts Plastiques, Galerie des 3
Lacs, foire d’art contemporain Art Up!, nocturne
du Louvre-Lens, par exemple) particulièrement
ambitieux.
Ce projet, à l’initiative d’Anne Creissels, est
porté par un collectif d’étudiants, présentant
pour la plupart eux-mêmes des pièces, et
volontaires pour organiser l’exposition, piloter
l’événement et assurer sa visibilité.
Cette quatrième édition de ‘‘100% APV’’ se
déploie pleinement : 20 jeunes artistes
présentent des pièces inédites dans l’espace
d’exposition de la Galerie Commune, dialoguant
entre elles dans une scénographie élaborée
collectivement.
Une programmation autour de l’exposition
permet de prolonger l’événement et de
favoriser le contact avec les différents acteurs
du monde de l’art. Cette année, un jury,
composé de Jean-Max Colard (commissaire et
critique d’art), Katia Kaméli (artiste et
professeure associée), Fabien Marquès (La
Confection Idéale), Lucie Orbie (coordinatrice
de 50°Nord) et Kaixuan Feng (artiste), va
décerner le prix ‘‘100% APV’’ à l’un des jeunes
artistes.
4
5
Simultanément, les séminaires de recherche et
les manifestations scientifiques (journées
d’études, colloques, cycles de confèrence,
rencontres avec des artistes) permettent
d’explorer les questions vives qui traversent les
champs de l’art contemporain, renforçant les
connaissances et le regard critique des étudiants
plasticiens, et leur capacité à s’engager dans
une recherche d’envergure.
Arts
Plastiques
et Visuels ?
Le campus
de
Tourcoing
Le Pôle Arts Plastiques a la particularité d’être
délocalisé à Tourcoing, et ne se trouve donc
pas sur le campus universitaire de Lille 3 à
Villeneuve d’Ascq.
Le campus arts plastiques de Tourcoing
désigne alors une expérience originale en
France, depuis octobre 1999 : l’association sur
un même site d’une structure universitaire, le
Département Arts Plastiques, et d’une école
d’art, l’Ecole Supérieur d’Art ( ESA) de la région
Nord/Pas-de-Calais. Des passerelles entre les
deux cursus sont possibles et souhaitées. L’ESA
et le Département Arts Plastiques partagent
plusieurs
équipements
:
amphithéâtre,
bibliothèque, cafétéria et la Galerie Commune,
galerie d’exposition.
Inaugurée en 1999, la Galerie Commune se
compose d’un rez de chaussée et d’une
mezzanine. Son architecture spécifique en fait
un espace d’exposition singulier qui demande,
pour chaque exposition, de penser et d’aménager
un espace en fonction du projet de l’artiste ou
du commissaire d’exposition.
6
7
Les expositions personnelles ou collectives
proposées à la Galerie Commune s’attachent à
présenter un état des lieux de la création
contemporaine en arts plastiques. Une politique
de soutien envers les artistes émergents issus
de la scène régionale est plus particulièrement
menée.
La Galerie Commune se positionne à la fois
comme un lieu d’exposition de la création
contemporaine de la région Nord-Pas de Calais
et comme un outil pédagogique pour les
étudiants du Pôle Arts Plastiques.
Galerie
Commune
8
9
Les
Artistes
01.
David Agius
02.
Amanda Ariawan
03.
Roxane Camus
04.
Mathilde Chieux
05.
Barbara Decrock
06.
Mélissa Do
07.
Éve Domingos
08.
Valentin Duchenne
09.
Delphine PK
10.
Daniel Homann
11.
Gaultier Levent
12.
Luis Meyer
13.
Emilian Mierzejewski
14.
Fanny Pentel
15.
Alizée Ségard
16.
Stéphanie Serre
17.
Émilie Silver
18.
Laila Soultana
19.
Hadrien Téqui
20.
Isabelle Vandromme
David
Agius
Déterritorialisation/Prolifération, vidéo numérique HD, 52 minutes, 2016
100%
APV
Depuis une dizaine d’années, David Agius
développe la notion particulière du seuil, objet
paradoxal qui apparaît comme « une limite
marquant un passage vers un autre état, ou vers
une situation nouvelle ». Au travers d’une pratique
multidisciplinaire, il cherche ainsi à évacuer les
questions propres au corps et à s’éloigner des
horizons sensibles pour souligner des lieux où
l’humain n’a pas sa place. Se creuse ainsi un
interstice
désanthropomorphisé,
uniquement
intelligible, comme une frontière, une zone
spécifique, un no man’s land qu’il a appelé « seuil
». Ainsi, sa démarche artistique réside dans la
transfiguration de ces seuils pour les rendre
perceptibles. À la frontière entre notion théorique
et objet plastique tangible, le seuil revêt plusieurs
sens qui nourrissent sa pratique.
Déterritorialisation/Prolifération
est
une
installation de laquelle émerge, de la rencontre
entre différentes espèces de micro-organismes,
des seuils spécifiques. Placés dans un dispositif
spécifiquement
conçu
pour
l’œuvre,
les
micro-organismes
sont
cultivés
dans
un
environnement approprié mais hautement sélectif.
Pour
survivre,
les
belligérants
devront
naturellement mettre en place des stratégies de
prolifération, rejouant ainsi la sélection naturelle
darwinienne. Dans une relation systématique, les
choix stratégiques permettront de mettre en jeu
et de questionner des mécaniques d’un seuil,
parfois compris comme une frontière, comme un
entre-deux infranchissable, où même comme la
limite démographique d’une population.
Amanda Ariawan est une jeune artiste d’origine
indonésienne qui vit en France. Les œuvres qu’elle
présente s’inscrivent le plus souvent dans une
problématique d’hybridation entre le traditionnel et
le contemporain, l’organique et l’artificiel, le passé
et le présent.
Son exposition la plus récente, Kembali ke Akar
(Retour aux racines), qui a eu lieu pendant son
retour à Jakarta en été 2015, présente des travaux
qui montrent sa réflexion personnelle sur son
identité individuelle et culturelle, liée à son origine
Javanaise et la nature, mais aussi à l’urbanisation
et la mondialisation comme les facteurs qui ont
changé son rapport avec ses racines.
10
11
Dans la série ‘Hybrides Cultures’, créée en grande
partie sur des textiles traditionnels Batik et Sarong,
l’artiste mélange des matériaux hybrides provenant
de deux lieux et deux temps différents. La
composition de formes géométriques inventée par
l’artiste est superposée sur le motif du tissu
traditionnel pour faire cohabiter le contemporain
avec la tradition. Ainsi, du matériau de base et de
ses origines à la composition qu’elle opère par le
collage, la peinture et le pliage, l’artiste raccorde
deux ères que l’évolution de la société écarte :
l’antique et le contemporain, le local et le global.
Amanda
Ariawan
Sekat (cloison), découpage de tissus et tapis sur Sarong (tissage
traditionnel indonésien), corde, pôle en métal, 125 x 200cm, 2013
100%
APV
Roxane
Camus
Le travail plastique de Roxane Camus repose sur
l’évolution et le comportement de sa graphie sur
différents supports. Cette année, l’artiste a porté
son choix sur le verre qui, sous forme de plaque, à
ceci de particulier qu’il prolonge le regard et
l’espace sans le rompre. Une fois cette lentille
inscrite, elle se matérialise tout en se fondant avec
son environnement.
Ombre gravée (détail), plaque de verre, source lumineuse et filtre noir,
18 x 29cm, 2015
100%
APV
Sa graphie, d’ordinaire autonome et profonde est
devenue plus docile une fois le verre mordu. En
effet, les lignes et courbes habituellement
étouffantes et complexes ont cédé la place à une
composition plus claire et moins dense. Pourtant,
la complexité de lecture n’a pas disparu pour
autant. Si on ne la retrouve plus sur l’œuvre
achevée, c’est parce que celle-ci ne se suffit plus à
elle-même et agit comme une partie d’un tout. En
somme, ce n’est plus une graphie autonome mais
une véritable installation qui dépend de chaque
partie pour déployer ses multiples facettes. D’un
espace plat se limitant au contour du support,
Roxane Camus déplace sa graphie dans l’ombre et
l’espace, un domaine plus immatériel.
Dans l’œuvre Ombre gravée, la graphie s’étend
mais ne se révèle pas, elle reste brute et
prisonnière de la densité du verre. À l’image d’un
photophore, l’œuvre se déploie dans l’espace mais
reste quand bien même assez statique car
immobile. Ce n’est pas une cohorte macabre qui
s’élève ici, mais une œuvre débarrassée de ce qui
empêchait sa lecture la plus pure. De plus, et c’est
sans doute ce qui lui donne son immersion visuelle,
il s’agit de l’ombre d’une gravure : la chair du verre
mordue se dissout dans l’immatérialité, perdant sa
dureté. La plaque ainsi présentée agit comme une
mue, une étape intermédiaire mais nécessaire à la
lecture finale.
Mathilde
Chieux
La pratique plastique de Mathilde Chieux se définit
par la récupération d’objets abandonnés et abîmés
; son parti-pris étant de donner un aspect précieux
à ces matériaux sales et délaissés, en les
retravaillant de manière plus ou moins minutieuse.
Les futurs supports retrouvent vie grâce à des
motifs narratifs : des monstres mi-humains et
mi-animaux, un mode d’emploi pour des accessoires
de tortures destinés à un bestiaire fantastique, les
états de vie d’une biche ou encore un poulet
découpant sa propre chair.
12
13
L’animal est un thème récurrent dans le travail de
Mathilde. Le côté sauvage de la bête correspond à
l’aspect brut des matériaux utilisés. Le savoir-faire
technique est proscrit pour laisser place à des choix
instinctifs et une naïveté assumée. Les peintures,
dessins, artefacts et textiles sont des témoignages
et illustrations de ressentis personnels comme la
dualité du corps humain et du corps animal ou la
tension entre féminité et animalité.
Deux facettes d’une personnalité, deux panneaux de 60 x 40 cm,
acrylique sur bois, 2012
100%
APV
Barbara
Decrock
Sans titre, encre de chine et couture sur papier, 10 x1 0 cm (x10), 2015
100%
APV
L’étude de planches anatomiques et biologiques
forme le point de départ du travail plastique de
Barbara Decrock. Les éléments ainsi prélevés
composent un répertoire qui oriente des
explorations formelles dans lesquelles différentes
typologies sont combinées afin de générer des
formes hybrides. Ce procédé est pour l’artiste, une
tentative de semer l’ambiguïté autours des limites
existantes propres
à l’esthétique de chaque
domaine. Il en résulte des objets difficilement
identifiables, comme suspendus entre ces
multiples langages.
À partir de taches, de formes accidentelles et
non-intentionnelles,
se
développent
des
organismes ambigus. Ce processus est empreint
d’une réflexion sur la dualité du vivant et de
l’inanimé dans la représentation picturale. Les
composants initialement compris comme des
organismes vivants deviennent indiscernables et
inanimés de par leur fusion. Cette libre association
de formes et d’idées permet également une plus
grande liberté de la main de l’artiste dans
l’expression des parties d’une composition.
La représentation du nid est au cœur du travail de
Mélissa Do. Il est devenu pour l’artiste, un objet de
recherche et d’expérimentations plastiques ouvrant
vers des questionnements théoriques. Représenté
dans la ville où la nature, il offre selon elle, un
endroit utopique à l’Homme, lié au sentiment de
bien-être et de confort.
Dans ses œuvres, Mélissa crée des nids à partir de
matériaux de consommation courante, que l’on
trouve en grande quantité dans les foyers. Il en
résulte des installations (dans la ville ou dans
l’espace
d’exposition)
qui
sont
ensuite
photographiées, questionnant ainsi notre rapport à
ces objets, à l’environnement et à la société.
14
15
Dans la série ‘Souvenirs’, l’artiste réalise des nids
en verre avec des objets malencontreusement
cassés lui appartenant et ayant, pour la plupart,
une valeur sentimentale. L’utilisation du verre vient
alors contredire la définition même du nid. Jouant
sur le caractère ambigu de cet élément, Mélissa Do,
à la manière du Petit Poucet, tente de définir son
propre cheminement dans la nature.
Mélissa
Do
Souvenirs #3, photographie contrecollée sur aluminium, 30 x 20 cm, 2014
100%
APV
Éve
Domingos
Noppera-bou, Série ‘Mononoke’, linogravure sur papier, 21 x 29,7 cm, 2016
100%
APV
Ève Domingos s’intéresse à la narration et au récit
dans sa pratique de l’estampe. En se basant sur
des recherches issues du folklore oriental, elle
réactualise des contes populaires appartenant à
une tradition orale. L’artiste utilise ces références
dans la composition de ses gravures auxquelles
s’ajoute un récit permettant de raconter le conte
représenté.
Le nain de jardin mort pour mieux revivre, voici le
but premier de l’oeuvre Gnome Horto Sepulturae de
Valentin Duchenne. C’est de redécouvrir, de
redonner une nouvelle forme de vie à ces objets de
décoration qu’on ne voit plus, qui sont kitsch et
pourtant aimés par une communauté de personnes
qui se passionnent pour eux alors que d’autres en
ont un profond dégout.
Ses gravures sont une réflexion sur l’incidence de
la culture du spectateur dans le regard qu’il porte
à une image. Grâce à une approche singulière, qui
est pourtant inscrite dans l’histoire de l’art via la
figuration narrative, elle réfléchit sur la question
de la narration dans une même image.
Pour leur redonner une nouvelle forme de vie,
l’utilisation de procédé mortuaire est apparut
comme une évidence pour l’artiste, notamment par
l’utilisation de symboles funèbres pour amener à
une résurrection de l’objet. Afin d’arriver à ce
résultat, l’artiste a cherché différentes façons de
célébrer la mort dans les domaines des religions,
des régions du monde, des périodes historiques ou
encore d’un point de vue scientifique. Ne souhaitant
pas se limiter à un rite religieux lors de la réalisation
de ces rites funéraires - la mort étant universelle le but ici est d’essayer de regrouper le plus de choix
possible autour de ces nains de jardins.
Ses gravures présentent le récit des « mononoké »,
fantômes vengeurs du folklore japonais, dont les
origines et les contes restent dans cette dimension
orale. Il est donc difficile de trouver des traces
écrites de ces récits. Dans une démarche liée à la
recherche, Ève Domingos nous propose une
relecture occidentale où il s’agit ici de donner
corps à un héritage verbal à travers une
interprétation personnelle. Ses gravures résultent
d’une dualité qui se retrouve sur plusieurs niveaux
: d’une part, dans un jeu entre cultures occidentale
et orientale, d’autre part dans les médiums
utilisés, à la fois traditionnel (la gravure) et
moderne (impression numérique).
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La façon de reproduire ces traditions se fait de la
même manière « kitsch » qu’apporte un nain de
jardin, de cette production irréelle, exagérée et
imagée. C’est pour cela que par exemple la
reproduction de la momification du nain de jardin
n’est pas vraiment fidèle d’un point de vue
historique. La reproduction ici est juste symbolique.
Valentin
Duchenne
Gnome Horto Sepulturae, installation, dimensions variables, 2015
100%
APV
Delphine
PK
Golden Fleece, tissus, 80 x 100 cm, 2015
100%
APV
Chacune de ses œuvres résulte d’éléments
biographiques issus du quotidien, appartenant
aussi bien au présent qu’au passé. Des récits
intimes que l’artiste utilise pour créer un
vocabulaire visuel et constituer une mythologie
personnelle. Par le détournement d’objets, DPK
développe alors de nouvelles formes plastiques
basées sur des associations subjectives. En jouant
sur la perception sensible de ces objets, l’artiste
questionne notre rapport au monde où les mythes
antiques et les traditions populaires sont
réinterprétés.
Pour cette exposition, la pièce proposée est une
composition textile. Intitulée Golden Fleece, cette
œuvre fait référence au mythe grec de la toison
d’or. Le bélier, animal protecteur, est ici remplacé
par la représentation d’un cheval. Cet animal
possède plusieurs connotations liées à l’enfance et
au jeu mais devient utilitaire pour l’adulte, car le
cheval tire et porte des charges ou des personnes.
Dans cette production, le rapport à la toison est
alors inversé car elle devient un élément à porter.
De plus, nous pouvons la toucher pour se laisser
porter par une imagerie personnelle en réaction à
son contact, laisser remonter le détail dans la
conscience affective¹.
¹Roland Barthes, La chambre claire, Editions Gallimard, 2005, p. 88.
Daniel
Homann
Alain Demhonn dans Le monde aigri écrivait :
« Marchant dans les rues salies, la nausée me prit à
nouveau. Les yeux grands ouverts je vis une somme
de jumeaux marchant contre moi vers un destin
partagé. Combien de temps avait il fallut pour que
cela arrive ? Depuis combien de temps n’étais-je
pas sorti ? »
C’est à la lecture de ces mots que CIRT Hash se mit
à réfléchir sur son identité, son identité par rapport
aux autres et l’identité des autres.
Delphine PK est une artiste plasticienne
multidisciplinaire. Ses recherches s’articulent
autour de la culture populaire, du patrimoine et
des mythes antiques, en lien avec la notion de
mémoire collective.
18
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Ses travaux réutilisent couramment les médias,
conscient que quelque chose d’essentiel s’y joue.
Ainsi, on y voit fréquemment des images récupérées
dans la publicité papier - transformées en pochoir
dans Péon Quasar, utilisées comme support de
peinture dans Menace Mineure ou détournées dans
divers collages récents. Mais aussi des images
tirées d’internet - captures d’écrans de réseaux
sociaux dans Lorgnette Identitaire ou photographies
de catalogue de lingerie dans ses impressions sur
tickets de caisse (actuellement sans titre).
Plastiquement, le travail de CIRT Hash peut prendre
beaucoup de formes. L’artiste utilise régulièrement
la peinture via pochoirs et bombes aérosols, mais
aussi toute la chaîne de production d’une image. Sa
formation en photographie industrielle (non sans
lien avec ses thématiques de recherche) lui a permis
d’acquérir une connaissance technique de l’outil
photographique qu’il peut ainsi détourner : prises
de vue avec des appareils variés (numérique ou
argentique), numérisation de négatifs argentiques
via des procédés alternatifs, impressions jet d’encre
sur supports non-conventionnels ou modification
totale d’une image via logiciels de retouche.
“Amor Fati’’ (le retour à la terre), bombes aérosol sur lambris de sapin,
100 x 100 cm, 2015
100%
APV
Gaultier
Levent
Magnetic Golden Freddy, matériaux divers, dimensions variables, 2015
À travers Magnetic Golden Freddy, Gaultier Levent
a cherché à détruire le dispositif télévisuel ou plus
particulièrement à le rendre non fonctionnel.
En effet, il s’agit ici d’un magnétoscope
(volontairement non-fonctionnel) dont la matière
même a été retravaillée pour venir déconstruire
son aspect industriel. Mais ce magnétoscope n’est
pas simplement un objet industriel démuni de
toute notion de production à la chaîne. La tête
d’ours sur le dessus de l’appareil représente le
Golden Freddy dont l’histoire et le symbole
donnent tout le sens à l’oeuvre.
En quelques mots, le Golden Freddy (personnage
de fiction basé sur des faits réels) est un
divertissement destiné aux enfants, mais dont
l’image a été utilisée par un adulte pour commettre
l’irréparable, il s’agit donc d’un leurre. L’idée de
placer ce visage, en particulier sur un magnétoscope
(non-fonctionnel), prend alors tout son sens :
celui-ci est un leurre et de manière plus vaste, le
dispositif télévisuel est également une illusion.
À la manière du Golden Freddy donc, le costume
du magnétoscope a été revêtu par certains pour
commettre l’irréparable.
100%
APV
Luis
Meyer
Inspiré par le “flâneur” de Baudelaire, Luis Meyer a
commencé à développer un intérêt particulier pour
la marche et la déambulation dans les différentes
villes et lieux qu’il a pu visiter.
Pour son nouveau projet, l’artiste a souhaité
s’interroger sur la ville de Lille. Ses parcours
quotidiens lui font découvrir le monde qui l’entoure
: marcher lentement ou parcourir les rues à vélo lui
permet d’observer et interpréter la réalité jusque
dans ses manifestations les plus banales.
20
21
Lors de ses explorations, l’artiste effectue des
séries de photographies de lieux très transités - les
rues, les station de bus, le train, la nature, les
bâtiments. Ce corpu est ensuite travaillé de manière
à créer une nouvelle image hybride, lui permettant
de retranscrire plastiquement ses expériences
urbaines. C’est-à-dire qu’il explore l’image
graphique et le dessin par la gravure (le monotype)
et le collage à même le mur de l’espace d’exposition,
créant ainsi une atmosphère particulière.
Chaque espace dans lesquels les oeuvres se
déploient fait écho à un espace urbain, permettant
d’effectuer un glissement de l’image, du réel à
l’imaginaire. L’artiste propose alors un récit visuel
de scènes chaotiques de la vie quotidienne par
rapport au comportement de l’homme citadin. Car
selon la notion de Walter Benjamin, le flâneur
représente également une figure essentielle dans
le processus d’organisation de l’espace. Ainsi, les
oeuvres de Luis Meyer proposent un regard critique
sur la manière de penser l’homme dans son
environnement actuel.
Ecos Cotidianos (scénographie urbaine), dessin mixte et gravure sur
mur, dimensions variables, 2016
100%
APV
Emilian
Mierzejewski
Artiste plasticien, Emilian Mierzejewski a fait le
choix de la non-spécialisation. L’artiste essaye
dans sa démarche de saisir quelque chose du
tumulte urbain où se joue un mouvement perpétuel
mais aussi une certaine poésie. Ses voyages, d’un
médium à l’autre, sont l’occasion d’aller à la
rencontre du quotidien avec un oeil nouveau, de
porter un regard sur ce qui d’ordinaire n’attire pas
l’attention. Il cherche ainsi à réaliser des oeuvres
proposant un nouveau désordre des choses.
Le travail plastique de Fanny Pentel se caractérise
par une double exploration du corps : celle de ses
mouvements et celle celle de sa mise en
déplacement dans différents espaces connus et/ou
inconnus. Ces deux approches, l’une centrée sur le
corps et l’autre sur l’espace que crée le corps en
mouvement, deviennent complémentaires. L’artiste
parcourt le corps humain, du macro-déplacement
au grès de l’épiderme à la perte des repères
géographiques lors de déambulations dans la ville ;
du tout petit déplacement à l’engagement de tout
son corps dans l’espace. L’une et l’autre de ces
démarches s’alternent et s’imbriquent pour
répondre à un besoin croissant de questionner et
de réhabiter l’espace qui nous entoure.
22
Capture d’écran tirée de Wallride, 2016
100%
APV
23
Le projet présenté pour cette exposition, Une
enclave dans la ville, s’inscrit dans une démarche
collective et participative avec le Collectif Au Pied
Levé (Carole Jeanne, Meïlo, Nolwenn de Bonviller).
Tout a commencé lors d’une rencontre avec un
collectif de Femmes Gitanes qui s’est ouvert sur
une réflexion autour de nos modes de vie ; sur ce
qui nous est permis ou non de faire. L’artiste essaie
de dépasser le simple constat en cherchant ce qu’il
y a de plus singulier et de plus poétique à habiter
autrement. Comment (re)donner une forme de
mobilité là où tout est entravé ?
Fanny
Pentel
et le collectif
Au Pied Levé
Une enclave dans la ville #2, Photographies cousues, 10.5 x, 7.5 cm, 2015
100%
APV
Alizée
Ségard
Anonymes - vagues impressions, cristallisation de sel de mer sur plaque de
métal rouillée, 270 x 30 cm, 2016
100%
APV
L’ensemble des travaux d’Alizée Ségard présente
des caractéristiques communes et fait part de ses
sensibilités. Passant d’un médium à un autre,
l’artiste ne donne pas de finalité au support utilisé
mais recherche davantage ce qui pourrait le mieux
l’aborder. Ainsi, l’artiste passe de la photographie
de chambre d’hôtel où le drap devient un indice
sur la personne y ayant séjourné, à un travail de
gravure ou de projection sur la division cellulaire.
Plus récemment l’artiste s’est portée sur un travail
de la ligne - parfois inerte - qu’elle aime à rendre
organique. Gravée dans du papier épais, elle
renvoie à cette idée de système nerveux et de
cheminement électrique de l’information. Sa
dernière œuvre, Anonymes - vagues impressions,
se traduit également par une ligne. Il constitue ce
moment clef, cet instant éphémère, presque
imperceptible mais qui n’est pas sans conséquence.
Il résulte d’un processus récurrent mais qui ne
présente (absolument) jamais le même résultat. En
partant de cette observation, l’artiste s’est
intéressée aux vagues : elles impactent les
éléments puis se retirent en laissant un fin dépôt
de sel comme témoin fantomatique de leur
présence.
Réaliser un portrait sans passer par la pose
superficielle d’un modèle : tel est l’enjeu actuel du
travail photographique de Stéphanie Serre. Dans
ses images, le corps s’efface progressivement au
profit d’objets entreposés dans des lieux dédiés à
l’oubli. Accumulés, entassés, ces objets ont été un
jour mis de côté, soumis au refoulement. En
définitive, ces pièces, ces débarras deviennent
comme des portraits étrangement fidèles dans
lesquels le corps n’aurait même plus sa place.
Actuellement, Stéphanie Serre se concentre sur les
modèles particuliers que sont les animaux. Ceux-ci
ne sont pas choisis au hasard, ils ont tous échappé
à leur destinée tragique : poisson rouge réintroduit
dans son environnement naturel ou poule rescapée
des camps de la mort. En s’arrêtant sur ces êtres
particuliers, elle amène à interroger nos rapports
aux Autres.
24
Stéphanie
Serre
25
n° 688, 2015, photographie marouflée sur aluminium, 2015
100%
APV
Emilie
Sliver
Palimpseste #1, feutre sur papier, 21 x 29,7 cm, 2016
Emilie Silver s’intéresse actuellement au savoir en
tant que matériau. L’incorporer, se laisser traverser
par lui en y insufflant sa subjectivité par
l’intermédiaire du geste graphique et de l’écriture
manuscrite, fait partie intégrante de sa démarche
artistique. L’artiste cherche à en produire une trace
matérielle, en résonance avec le travail des moines
copistes du Moyen-Âge. À contre-courant de notre
époque tournée vers le numérique, où l’écriture
tant à se dématériliser et où tenir un crayon
devient un acte militant, Emilie Silver propose
d’écrire, de recopier et de transcrire afin de ne pas
oublier ; de transmettre pour donner davantage
corps au savoir.
Le papier et le crayon deviennent ses outils,
témoignant du lien entre le dessin et l’écriture. Le
dictionnaire est alors choisi comme symbole.
Celui-ci permet de mettre en tension le caractère
abstrait, conceptuel et objectif des définitions
d’une part et, d’autre, la matérialité du papier, la
gestualité de l’acte de copie et la subjectivité
introduite par l’écriture manuscrite.
Laila Soultana a développé une obsession pour le
corps. Sa pratique, soit photographique, soit
sculpturale, tente de questionner cette vision
singulière, parfois intime, qu’elle a de son propre
corps et celui des autres. Ses oeuvres traduisent un
intérêt particulier pour la dialectique et la porosité
qu’entretiennent deux organismes en révisant les
stéréotypes de l’identité sexuelle. L’artiste tente
alors de sublimer l’incarnation brute du désir dans
un mélange des genres aux séductions parfois
innatendues.
Laila
Soultana
Ses oeuvres se traduisent par un condensé
d’allégories qui prônent la métamorphose féminine
et masculine, tout en jouant sur leurs ambiguîtés.
C’est une boîte de pandore ouverte sur une imagerie
dédié à la femme, à l’homme ; des oeuvre qui
s’inscrivent dans une histoire de l’art hermaphrodite,
faisant écho à une mémoire collective.
26
27
Elles arrivent armées (1/3), 53 x 43 x 22 cm, plâtre et punaises, 2015
Les sessions de travail oscillent de ce fait entre
discipline, rigueur et concentration mais elles
deviennent
également
méditatives,
par
l’automatisme du geste et le lâcher-prise.
100%
APV
100%
APV
Hadrien
Téqui
Le travail d’Hadrien Téqui s’intéresse aux
conditions d’apparition, de propagation et de
disparition d’une forme. Sa réflexion vis-à-vis de
ces phénomènes s’articule autour d’une relation
entre l’art, la technologie et l’imaginaire.
En recourant aux techniques les plus avancées
pour ses différents projets, l’artiste tente de
susciter une ambiguïté dans le regard du
spectateur. Cette ambiguïté joue des codes de la
technologie et de l’imaginaire pour modifier notre
perception de l’espace et du temps.
Driftwood, installation, bois flotté, capteur, système sonore 2015,
Flash Info
100%
APV
Hadrien Téqui sera présent sur le stand
REVELATION BY
du 25 au 28 février 2016
LILLE GRAND PALAIS
Chaque pièce résulte d’un protocole dont les
conditions sont établies par l’artiste. Cependant,
leur production se déroule sans son contrôle. Les
qualités plastiques, quant à elles, sont également
non-déterminées par l’artiste. Ainsi, la production
se déroule de manière contingente. Il en résulte
des formes qui sont autant de possibles, de
probabilités d’un même processus. En intégrant
l’erreur comme moteur de travail, Hadrien Téqui
accepte que la pièce dérive de l’intention initiale.
Qu’il s’agisse d’une sculpture ou d’une vidéo, le
résultat final est non-intentionnel. La forme
produite s’impose, mais elle ne relève pas du choix
de l’artiste.
Photographe plasticienne depuis 1990, Isabelle
Vandromme exploite la photographie dans son
essence même. Son travail résulte d’une lente
appropriation allant de la recherche au croquis, à
la réalisation de maquettes puis à la prise de vue.
Avec elle, l’appareil photographique devient une
simple boîte noire qui enregistre par saccade la
trace lumineuse d’un décor miniature coloré.
28
29
Inspirées par le cinéma ou la musique, elle crée
ainsi de petites architectures géométriques qui
représentent la mise en boîte des images du corps
féminin. Cette mise en abîme du morcellement
photographique – que Philippe Dubois¹ cite par la
coupe temporelle et spatiale de l’image
photographique
- est accentuée par une
présentation en série. Son travail est présenté
sous la forme d’une installation de succession
d’images plus ou moins agrandies, matérialisées
par le velours mat du support papier. Cette mise
en espace est envisagée pour que l’installation
s’anime lors de la circulation du regardeur – comme
Marcel Duchamp l’énonce dans son processus
créati².
Isabelle
Vandromme
La chanson des voyelles, Série de 24 photographies numériques couleur,
encadrées au format carré 40 x 40 cm, 2014
¹DUBOIS Philippe, L’acte photographique, Editions Nathan, 1990, p153.
²DUCHAMP Marcel : « Somme toute, l’artiste n’est pas le seul à
accomplir l’acte de création car le
spectateur établit le contact de l’œuvre avec le monde extérieur en
déchiffrant et en interprétant ses qualités profondes et par là ajoute
sa propre contribution au processus créatif », Fédération américaine
des arts, Houston, avril 1957.
100%
APV
Rencontre
Mardi 08 mars, 17h-19h :
rencontre avec Katia Kameli
sur le campus Arts Plastiques
de Tourcoing
100%
APV
Katia Kameli est une artiste pluridisciplinaire. Elle
vit à Paris. Elle obtient son DNSEP à l’Ecole
Nationale des Beaux-Arts de Bourges puis un
post-diplôme, le College-Invisible, dirigé par Paul
Devautour à l’Ecole Supérieure d’Arts de Marseille.
Afin de prolonger l’événement et de favoriser le
contact avec les différents acteurs de l’art
contemporain,
les
membres
du
collectif
d’organisation ont souhaité organiser une table
ronde sous la thèmatique du collectif.
Son travail protéiforme, exprime l’entre-deux,
l’intermédiaire où le signe d’appartenance est
rejeté au profit de la multiplicité. Son
positionnement est donc celui de l’hybridité, le «
tiers-espace » qui rend possible l’émergence
d’autres visions, de positions, de formes. Ce
tiers-espace dérange les histoires qui le
constituent, il les place en état critique, il permet
donc une réécriture, des allers-retours entre «
l’Histoire » et les « narrations ». Les formes
hétérogénes qu’elle manipule, vidéo, photographie,
installation, dessin, participent aussi à ce
déplacement.
Nous souhaitons aborder cette thématique à la
fois du point de vue des curateurs, des artistes
mais aussi des galeristes.
En 2007-08, elle est lauréate du programme,
Paris-New York, CulturesFrance et part en résidence
à Location One, NY. Son travail a trouvé une
visibilité et une reconnaissance sur la scène
artistique et cinématographique nationale et
internationale comme entre autres: Le Centre
Georges Pompidou (2008 et 2015), la Cinémathèque
Française (2007), le Centre d’art contemporain de
Tel Aviv (2008), la Galerie Anne de Villepoix (2008),
Paris, Rotunda Gallery, New York (2008), Biennale
de Seville (2008), Manifesta 8 (2010), Cornerhouse,
Manshester (2011), Les rencontres de Bamako
(2011), la Biennale de Marrakech (2012), la Biennale
de Dakar (2012), le Musée d’Art Contemporain de
Marseille (2013), la galerie Taymour Grahne à New
York (2014), Bozar à Bruxelles (2014), Art-Lab à
Berlin (2014), la galerie du jour Agnès b (2015), et le
Havre Magasinet de Boden en Suède (2015).
Cette table ronde prendra place dans le cadre d’un
séminaire de Véronique Goudinoux, maître de
conférences à l’Université Lille 3, qui y participera
également et qui vient notamment de publier
l’ouvrage Œuvrer à plusieurs. Regroupements et
collaborations entre artistes, Presses universitaires
du Septentrion, 2015, 236 p.
30
Table ronde
Mercredi 09 mars, 14h-17h :
table ronde sur la création et
le collectif.
sur le campus Arts Plastiques
de Tourcoing
31
100%
APV
Contact
[email protected]
Site web
www.centpourcentapv.olympe.in
www.centpourcentapv.blogspot.com
32
33
Galerie Commune
Département Arts Plastiques Université Lille 3
36bis rue des Ursulines
59200 Tourcoing
France
Métro - Tourcoing Centre
Horaires
lundi, mercredi - vendredi 13h00 - 17h30
Entrée libre
Informations
Pratiques

Dossier de presse - Barbara Decrock Artiste Peintre

Transcription

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