CH - Ear We Are
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THE FESTIVAL FOR IMPROVISED MUSIC ALTE JURAGARAGE BIEL / BIENNE 07 / 08 / 09 02 – 2013 donnerstag / jeudi 07–02–2013 20:30 h the thing (NO / SE) 21 : 45 h roscoe mitchell (us) 23:00 h maja ratkje & lasse marhaug (no) Ear we are the festival for improvised music alte juragarage biel / Bienne 07 / 08 / 09 02 – 2013 freitag / vendredi 08–02–2013 20 : 30 hRüdiger Carl & Sven-Åke Johansson (DE / SE) 21 : 45 h jacques demierre & vincent barras (CH) 22 : 30 h thomas peter (ch) 23 : 30 hshabazz palaces (US) SAMSTAG / SAMEDI 09–02–2013 16 : 00 hokkyung lee (KR / US) 17 : 00 h roman nowka (ch) – 21 : 00 h pascal auberson & christophe calpini & laurent poget (ch) 22: 15 h rudolf eb.er (CH / Jp) 23: 00 h keith rowe & john tilbury (uk) 00: 00 hMarc Ribot’s ceramic dog (US) INSTALLATION – PENDANT TOUT LE FESTIVAL thomas peter (ch) COMBOSITION (ch) EDITORIAL / EDITO Wo geht das Wort in Klang über, wo der Klang ins Wort? Die Stimme und das Wort, der Körper selbst als Klangraum ist der inhaltliche Schwerpunkt der achten Ausgabe des Ear We Are – Festival for improvised music. Wir freuen uns sehr, dass wir jeden Abend eine besondere Position zum Umgang mit der Sprache in der Musik präsentieren können. Von der experimentierfreudigen Sängerin Maja Ratkje über Poésie sonore (Demierre / Barras) und zeitgenössischen Hip-Hop (Shabazz Palaces) bis hin zu Pascal Auberson mit seinem erweiterten ChansonBegriff – erleben Sie verschiedene Zugriffe auf den Umgang mit Sprache und Stimme. Auch sonst widmet sich das Ear We Are 2013 der Erforschung des Neuen und dem Neuentdecken des scheinbar Bekannten: das vielseitige und kontrastreiche Programm vereint aktuelles Musikschaffen aus den Stilrichtungen Noise, Jazz, Freejazz und konzeptueller Musik, elektronisch wie akus- tisch. Es sind grosse MusikerInnen aus der Geschichte der freien Musik in Biel zu Gast, es sind hochkarätige Positionen, Fragen und Experimente, die Sie in der Juragarage erleben können. Es sind aber auch unbekanntere und jüngere MusikerInnen, ungewohnte und neue Ansätze, die zu entdecken sind. So steht eine intensive Entdeckungsreise bevor, die keine schwere Ausrüstung erfordert, im Gegenteil: es ist nur die Leichtigkeit und neugierige Offenheit vonnöten, die Überraschungen ermöglicht und zulässt. Wir freuen uns auf drei dichte und vielseitige Abende, an denen wir gemeinsam mit Ihnen der zeitgenössischen freien Musik einen Resonanzraum geben. À partir de quelle frontière ténue le mot se transforme-t-il en son, et inversement? La voix et le verbe, le corps en tant qu’espace sonore, tel est le thème central de cette huitième édition d’Ear We Are – Festival for improvised music. Chaque soir, une façon différente d’utiliser le langage dans la musique sera mise en lumière. Des expérimentations multiples de la chanteuse Maja Ratkje à Pascal Auberson avec son concept élargi de la chanson, en passant par la poésie sonore (Demierre / Barras) et le hip hop contemporain (Shabazz Palaces), la parole offre différentes voies (ou voix) d’accès. Toujours en quête de nouveauté, Ear We Are 2013 se consacre également à la redécouverte de ce qui semble connu: notre programme éclectique réunit les créations musicales actuelles des scènes noise, jazz, free-jazz et conceptuelle, tant électroniques qu’acoustiques. Bienne accueille des artistes majeurs de l’histoire de la musique libre, pour faire découvrir des prises de position, des questionnements et des expérimentations de haut vol au Garage du Jura. Place également à de jeunes talents moins connus, à des approches inhabituelles et inédites de la création musicale d’aujourd’hui. Nous vous proposons une exploration intense, qui n’exige aucun bagage culturel volumineux, bien au contraire: seule la légèreté, la curiosité et l’ouverture d’esprit s’imposent pour laisser libre cours à l’étonnement et à l’émerveillement. Pendant ces trois soirées denses et riches, nous sommes impatients de pouvoir offrir, à vos côtés, une caisse de résonance à la musique libre contemporaine. (SE / NO) Composé de Mats Gustafsson au saxophone, d’Ingebrigt Håker Flaten à la basse et de Paal Nilssen-Love aux percussions, ce trio scandinave associe avec une énergie percutante les influences les plus éclectiques. The Thing emprunte aussi bien aux traditions européennes et américaines de la musique libre qu’au free-jazz, qui s’insinue dans des sonorités rock plus récentes. Un trio intemporel, à l’énergie terrienne. DONNERSTAG 07–02–2013 20 : 30 The Thing ist eine der kraftvollsten Bands des nordeuropäischen Jazzs. Nicht verwunderlich, betrachtet man die Musiker: Der Schwede Mats Gustafsson ist eine zentrale Figur in der freien Musikszene. Mit Bands wie Gush oder in Peter Brötzmann`s Chicago Tentet machte er sich in den letzten zwei Jahrzehnten einen Namen als energetischer Saxophonist. Der Bassist Ingebrigt Håker Flaten und der Schlagzeuger Paal NilssenLove ihrerseits gelten als Norwegens härteste Rythm-Section. Seit 1992 zusammen unterwegs, spielten sie u.a. in der Band School Days mit Ken Vandermark oder in der nordischen Jazz-Band Atomic. Die gemeinsame Arbeit als The Thing starteten die drei im Jahr 2000. Ursprünglich setzte sich das Trio vor allem mit Stücken von Don Cherry auseinander, schnell mischten sich aber andere Kompositionen ins Repertoire: In der Zusammenarbeit mit der Jazzgrösse Joe McPhee spielte die Band Free Jazz Standards von Musikern wie David Murray, Frank Lowe oder Norman Howard ein. Die Begeisterung des Trios für Rockmusik vergrösserte die musikalische Spannweite und so fanden Kompositionen von PJ Harvey, The White Stripes, The Sonics oder der Yeah Yeah Yeahs ihren Weg ins Repertoire von The Thing. In dieser Art führte der Weg geradlinig zu dem, was die Band heute ist, ein zeitloses und erdiges Powertrio. Die drei Musiker verbinden in lebendiger Weise verschiedene Einflüsse: Europäische und amerikanische Traditionen der Freien Musik geben sich die Hand, Freejazz mischt sich mit Rock. (US) Avec le saxophoniste Roscoe Mitchell, Ear We Are 2013 accueille un invité de marque. Ce septuagénaire charismatique, originaire de Chicago, compte depuis les années 60 parmi les pionniers du jazz. Son histoire s’écrit tout d’abord dans le hard bop, aux côtés d’Albert Ayler ou d’Henry Threadgill. Toujours curieux, éternel apprenti, il n’a de cesse de défricher de nouvelles pistes d’improvisation, hors des sentiers battus. En 1965, il est l’un des membres fondateurs de l’Association for the Advancement of Creative Musicians. Son album «Sounds», interprété avec Les- ter Bowie et Malachi Favors, sort en 1966. En 1967, Joseph Jarman et Philip Wilson rejoignent le trio: l’Art Ensemble of Chicago, l’un des groupes majeurs du jazz d’avant-garde, était né. Dans cette formation qui, par son jeu ludique et empreint d’une énergie ardente, proclame haut et fort son identité noire et ses racines africaines, Roscoe Mitchell imprime une marque profonde dans l’évolution du jazz. Au fil des décennies, il enregistre plus d’une centaine d’albums avec l’Art Ensemble, à la tête d’autres formations, ou aux côtés de musiciens d’autres groupes et projets. Compositeur, soliste, leader ou encore accompagnateur, le musicien a influencé de mille et une façons des générations de musiciens de toutes sensibilités, pas uniquement jazz. Dans le cadre d’Ear We Are, il se produit dans l’un de ses (trop rares) concerts en solo. JEUDI 07–02–2013 21 : 45 Mit dem über siebzigjährigen Saxophonisten Roscoe Mitchell gastiert einer der ganz Grossen des Jazz beim Ear We Are 2013. Der Bläser aus Chicago zählt seit den 60erJahren zu den Pionieren des Jazz. Seine Geschichte startet im Hardbop, geht über die freie Improvisation bis zum Art Ensemble of Chicago, einer der einflussreichsten Bands der Jazz-Avantgarde. Ob als Komponist, Solist, Bandleader oder Mitmusiker, Roscoe Mitchell prägte mehrere Generationen von (nicht nur Jazz-)MusikerInnen. Am Ear We Are ist er in einem Solokonzert zu erleben. DONNERSTAG 07–02–2013 23 : 00 (NO) Après The Thing, la musique du Nord déferle en force avec le duo norvégien formé par Maja Ratkje et Lasse Marhaug. Ces deux artistes débordent eux aussi d’une énergie puissante, qui plonge cette fois ses racines dans des courants plus récents: noise et musique électronique constituent le socle de leurs improvisations, toujours sur le fil du rasoir. La voix de Maja Ratkje, chanteuse et musicienne électronique, se fraie un chemin dans un dédale de machines, Lasse Marhaug répond par des tirades envolées. À eux deux, ils font apparaître un paysage noise à la fois vibrant et lacéré. Nach The Thing ist mit dem norwegischen Duo Maja Ratkje und Lasse Marhaug ein zweites Mal Musik aus dem Norden Europas angesagt. Auch bei diesen beiden Künstlern geht es um Energie, diesmal aber mit Wurzeln in neueren Tendenzen: Noise, elektronische und zeitgenössische Musik bilden den Unterbau dieses improvisatorischen Grenzgangs. Auf der einen Seite steht da die Komponistin, Sängerin und elektronische Musikerin Maja Ratkje. Sie schrieb unter anderem Stücke für das Klangforum Wien, die Oslo Sinfonietta und das norwegische Radioorchester. Sie ist aber ebenso aktiv als Sängerin und elektronische Musikerin, sei dies als Solistin, in Formationen wie SPUNK oder in Arbeiten mit MusikerInnen wie Joëlle Léandre, Ikue Mori oder Stephen O’Malley. Auf der anderen Seite steht der Inbegriff für norwegische Noise-Musik, Lasse Marhaug, der sich in zahlreichen Kollaborationen mit Improvisation, Jazz und nicht zuletzt auch mit Metal auseinandergesetzt hat. Die Liste der Projekte und Zusammenarbeiten von Lasse Marhaug ist lang. Sie reicht von Jazkamer über Nash Kontroll zu Origami Replika, von Merzbow über Sunn O))) zu The Skull Defekts. Gemeinsam schaffen Maja Ratkje und Lasse Marhaug ein faszinierendes und dichtes Klanguniversum: Sie lassen eine mal mitreissende, mal zerrissene Noiselandschaft entstehen, die von grossen Bögen geprägt ist. Wer einen Vorgeschmack auf dieses Duo haben möchte, dem seien die bemerkenswerten Alben Music for Faking, Music for Gardening, Music for Loving und Music for Shopping empfohlen. (DE / SE) Ces deux artistes ont profondément marqué l’éclosion de la scène européenne et de la musique libre dans les années 70. Rüdiger Carl, accordéoniste, clarinettiste, chanteur, compositeur et ancien saxophoniste ténor allemand, occupe le devant de la scène musicale libre depuis les années 60. Membre du Globe Unity Orchestra, il a longtemps travaillé avec Irène Schweizer et participé à de nombreux projets avec Louis Moholo, Han Bennink, Hans Reichel, Joëlle Léandre ou encore Carlos Zingaro. Rüdiger Carl s’est toujours mû au cœur de l’improvisation libre, avant de se consacrer à des travaux et à des expériences plus conceptuels, avec une musique «mise en scène». Né en Suède mais Allemand de cœur, Sven-Åke Johansson est tour à tour compositeur et musicien, poète et artiste plasticien, auteur et instigateur de nombreuses productions musicales. Il figure parmi les pionniers et les icônes de l’improvisation musicale libre en Europe et a travaillé au fil des années avec d’innombrables musiciens tels qu’Alexander von Schlippenbach, Hans Reichel, Dietmar Diesner, Axel Dörner, mais aussi des artistes d’autres disciplines: Shelley Hirsch, Andrea Neumann, Heiner Goebbels, Blixa Bargeld… Ensemble, Rüdiger Carl et SvenÅke Johansson invitent l’auditeur à un univers sonore aussi poétique que ludique, dans un concert teinté d’humour et de clins d’œil ironiques, ponctué de performances. Une musique pleine de fraîcheur, de surprise et de liberté. VENDREDI 08–02–2013 20 : 30 Der deutsche Akkordeonist, Klarinettist, Sänger und Komponist Rüdiger Carl und der gebürtige Schwede und Wahldeutsche, Komponist und Musiker, Poet und bildender Künstler Sven-Åke Johansson sind zwei Musiker, die den Aufbruch der europäischen Szene und die Blüte der freien Musik in den 70er-Jahren entscheidend mitgeprägt haben. Gemeinsam laden die beiden Musiker in eine ebenso poetische wie verspielte Klangwelt, einem von Witz geprägten Konzerterlebnis gespickt mit performativen Elementen. (CH) Freitag 08–02–2013 21 : 45 Le pianiste genevois Jacques Demierre travaille depuis longtemps avec sa voix, en plus de son clavier. Avec Vincent Barras, il s’est attelé à la poésie sonore, un art qui se situe aux confins des traditions littéraires et musicales. L’instrument s’écarte du chant, pour privilégier un matériau sonore composé de syllabes, de la sonorité et du rythme de la parole. Elément après élément, cette matière verbale est ensuite travaillée en compositions surprenantes, qui donnent vie à un univers unique et atypique. Die Arbeit des Duos Vincent Barras & Jacques Demierre vertieft und befragt seit mehreren Jahren das klangliche und poetische Experimentieren an der Schwelle der traditionellen Kategorien Literatur und Musik. Die Kompositionen der beiden befassen sich mit der Materialität des Klangs an der Grenze zwischen Sprache und Musik. Sie basieren auf Grundklängen der gesprochenen Sprache, welche Demierre und Barras in Raum und Zeit gestalten. So entstehen anatomische, organische Gedichte, die durch die Körper der Performer in Szene gesetzt werden. Die Sprecher sind sowohl erklingende Instrumente als auch Prinzip der semantischen Organisation der Stücke. Die drei jüngsten Kompositionen – gad gad vazo gadati (2002), bh n (a) (2006) und manarauieoo (2009) – bilden einen Triptychon. Sie verfolgen die experimentelle Forschung an der Materie des Sprechens im Sinne des Schweizer Sprachwissenschaftlers Ferdinand de Saussure: «La Parole» meint den konkreten Sprechakt, also die individuelle Realisierung der «Sprache» («langue») durch den je einzelnen Sprecher. Zugleich ist die «Parole» aber auch der Ort der Hervorbringung neuen sprachlichen Sinns, also der Ort der Genesis und Veränderung der «Sprache». Der Ansatz der Kompositionen spielt mit poetischen Mitteln – Arbeit mit der Syntax und der Phonetik – und mit musikalischen Parametern wie Zeitstruktur, Klangfarben und Wiederholungen. Die Analyse von alten und modernen Sprachen und deren Re-Arrangement werden so zu exakten Klangskulpturen, zu witzigen, verspielten Musikstücken an der Grenze bekannter Klanglichkeit. VENDREDI 08–02–2013 22 : 30 & PENDANT TOUT LE FESTIVAL Der Zürcher Musiker und Komponist Thomas Peter ist in verschiedenen Bereichen tätig. Er arbeitet als Komponist elektroakustischer Musik, als Laptop-Performer, spielt improvisierte Musik, erschafft Klanginstallationen und Theatermusik. Am Ear We Are 2013 ist er in doppelter Funktion zu Gast: Zum einen mit einer Klanginstallation, die den Aussenraum der ehemaligen Tankstelle belebt, zum anderen als elektronisch agierender Solist. (CH) Ear We Are accueille le musicien et compositeur zurichois à double titre: pour un bref liveset électronique improvisé et, tout au long de ces trois jours, pour une installation audio qui dépasse les frontières du festival. Les deux créations émanent du même matériau: pendant le reste de l’année, l’ancien Garage du Jura sert en effet d’atelier. Chaque jour, des artisans polissent, martèlent, soudent du métal et scient du bois – le garage sert de cadre à un ouvrage manuel. Le matériau est touché, manié; il est distendu, sa surface remaniée, jusqu’à prendre une nouvelle forme. Une transformation tactile qui passionne le musicien, par les bruits arrachés, l’exploration de la structure même de la matière et des sons: la rugosité des différentes surfaces, la résonance des matériaux, la résistance opposée lorsque le métal ou le bois sont frappés, grattés ou raclés, génèrent une vaste palette de sonorités. Thomas Peter recherche avant tout les structures intérieures de ces bruits: il s’agit de décomposer chaque son, d’en extraire la substance et d’ouvrir de nouvelles perspectives sonores. Les bruits quasi imperceptibles sont amplifiés et mis au premier plan. De nouveaux échos sont mis au jour, de nouveaux sons naissent, dotés d’une identité musicale propre. Ce travail des matériaux sonores dans le cadre d’un protocole d’expérimentation – un réseau de nombreux hautparleurs – conduit sans cesse à de nouvelles interprétations de la matière. Originaire de Seattle, le crew Shabazz Palaces compte parmi les plus innovants du hip-hop actuel. Ishmael Butler aka «Palaceer Lazaro» et le multi-instrumentiste Tendai «Baba» Maraire propulsent le hiphop dans de nouvelles sphères. Loin des voies toutes tracées du mainstream, Shabazz Palaces envoûte par ses sonorités à la pointe de la musique électronique: des basses sourdes, que l’on dirait issues du dubstep, des beats aériens, entrecoupés de sons parfois ouverts, parfois sombres. Les cascades vocales de Butler jaillissent dans un déferlement qui entraîne tout sur son passage. (US) Das Duo Shabazz Palaces aus Seattle kommt daher wie eine klassische Hip-Hop-Combo und ist gleichzeitig das komplette Gegenteil davon. Die beiden Musiker Ishmael Butler aka «Palaceer Lazaro» – bekannt aus früheren Jahren als Butterfly des Jazz-Rap-Trios Digable Planets – und der Multiinstrumentalist Tendai ‹Baba› Maraire führen den Hip-Hop in neue Sphären. Nach zwei selbst herausgegebenen Minialben präsentierte das Duo 2012 mit «Black Up» ein ebenso faszinierendes wie irritierendes Meisterwerk, erschienen auf dem Rocklabel Sub Pop, auf welchem in den 90er-Jahren Nirvana und Soundgarden Grunge-Geschichte schrieben. Abseits des HipHop-Mainstreams lockt Shabazz Palaces mit Klängen auf der Höhe aktueller elektronischer Musik: tiefe Bässe wie aus einer Dub-StepNummer, luftig treibende Beats und mal offene, flüchtige mal düstere Klangsphären. Über diese so festen wie flexiblen Fundamente legen sich mit grosser Sogwirkung Ishmael Butlers Reimkaskaden. Ishmael Butler und Tendai ‹Baba› Maraire entfachen ein elektrisierendes Spiel aus Ebenen und Schichten, aus Raps und Rhythmen, aus afrikanischen Chants, Mantras und geheimnisvoll lauernden Basstönen. Das Duo spürt den Pop dabei bei den Urwurzeln auf und kreiert eine aktuelle, von viel Flow getragene Form von Hip-Hop. Im besten Sinn: HipHop des 21. Jahrhunderts. Freitag 08–02–2013 23 : 30 (KR / US) Okkyung Lee verkörpert eine jüngere Generation in der Improvisationskunst. Die Südkoreanerin lebt seit geraumer Zeit in den USA, wo sie Komposition und Cello studierte. Ihr Talent und ihre energetische Spielweise machten sie in den letzten Jahren zu einer gefragten Musikerin. Okkyung Lee besticht mit einer eigenständigen Stimme, die auf zeitgenössischen Cellotechniken und grossen Erfahrungen in Improvisation und Komposition aufbaut. Sie lässt Jazz, traditionelle koreanische Musik und Geräusche verschmelzen und schafft ein einzigartiges Klanguniversum. Okkyung Lee incarne une nouvelle génération de l’art de l’improvisation. Installée depuis longtemps aux États-Unis, où elle a étudié la composition et le violoncelle, la SudCoréenne possède un timbre musical hors du commun, résultat d’une parfaite maîtrise des techniques contemporaines de son instrument, acquise au fil d’une longue expérience de l’improvisation et de la composition. Imprégnée d’influences classiques, jazz, de musique coréenne traditionnelle et de sonorités pop, elle a su créer un univers unique. Son talent et son jeu énergique ont captivé de nombreux musiciens de la scène expérimentale et d’expérimentation. Ces dix dernières années, elle a travaillé avec Derek Bailey, Fred Frith, Christian Marclay, Laurie Anderson, Shelley Hirsch, Jim O’Rourke, Zeena Parkins, John Ed- SAMSTAG 09–02–2013 16 : 00 wards, Butch Morris ou encore John Zorn. Au-delà de ses recherches purement musicales, qui la poussent à se produire sur scène ou en studio à un rythme frénétique, Okkyung Lee, infatigable, se jette à corps perdu dans des projets multimédias: on ne compte plus les artistes et les chorégraphes avec lesquels elle a signé des performances multidisciplinaires, présentées entre autres dans le cadre d’Issue Project Room, Roulette ou The Kitchen à New York. Ear We Are invite la violoncelliste pour un concert en solo. (CH) Le guitariste Roman Nowka est l’une des perles les mieux cachées de la scène biennoise. Souvent dans l’ombre de ses comparses, il s’est fait connaître comme groover d’une dextérité sinueuse et bassiste retors dans des groupes comme Lucien Dubuis Trio ou Reto Weber’s Squeezeband. Œuvrant désormais en solo, il convainc par ses propres créations, aussi ludiques que nerveuses, aussi brutes que personnelles. Sans jamais se complaire dans la virtuosité, toujours au bord de la fêlure, ses pièces sont autant de bijoux jazz que de nouvelles musicales aux angles saillants. SAMSTAG 09–02–2013 17 : 00 Der Gitarrist Roman Nowka ist wohl einer der unterschätztesten Musiker der Bieler Szene. Meist recht zurückhaltend im Schatten seiner Mitmusiker stehend, kennt man ihn als vertrackten Groover und verqueren (Bass-)Melodiker von Bands wie Lucien Dubuis Trio und früher Reto Weber's Squeezeband. Mit «Me, Myself and I» legt er zum ersten Mal ein Solo-Album vor. Und was für eines. In acht kurzen Stücken entführt er seine Zuhörer in eine ganz besondere Welt: Verspielt und spastisch, humorvoll und teilweise so krude, dass man sich fragt, ob er sein Instrument wirklich beherrscht. Doch genau auf dieser Kippe werden seine Stücke wunderbar poetisch und humorvoll. Hier ist kein Gitarrist, der mit Virtuosität protzt, sondern einer, der ganz bescheiden seine Stücke am äussersten Rand von Brüchigkeit spielt, Stücke, die jazzige Kleinode und musikalische Kurzgeschichten voll Ecken und Kanten, voll Witz und Überraschungen sind. Hier kündigt sich eine äusserst erfrischende musikalische Entdeckung an. pascal auberson & christophe calpini & laurent poget (CH) Er nennt sich Anartiste und ist einer der ganz Grossen der Westschweizer Szene, der Chansonnier, Pianist und Künstler Pascal Auberson. Auf seinem langen musikalischen Weg hat der charismatische Kopf unzählige Konzerte gespielt und mit zahlreichen Alben die Szene geprägt. Beim Ear We Are gastiert der Musiker mit dem Gitarristen Laurent Poget und dem eher aus Hip-Hop-Projekten wie Stade bekannten Schlagzeuger Christophe Calpini an den E-Drums. Eine überraschende Mischung aus zartem Pop, kraftvollem Chanson und verspieltem Experiment. Autoproclamé «anartiste», le chansonnier et pianiste Pascal Auberson est depuis longtemps un acteur majeur de la scène suisse romande. Enchaînant les tournées, cette figure charismatique a largement influencé la création musicale par ses nombreux albums. Il prend la parole pour présenter son concert à Ear We Are: «En 2009, j’ai créé le spectacle «Kelomès» avec le duo Stade. Nous étions sept musiciens sur scène, une grosse infrastructure, des éclairages imposants, une mise en scène complexe. […] À la demande de mon tourneur, j’ai décidé de réduire la voilure afin de pouvoir tourner dans de plus petits lieux. Christophe Calpini, excellent batteur, arrangeur et mixeur de sons magnifiques, m’a proposé de réorchestrer des chansons et d’en faire des nouvelles en simplifiant la formule. Laurent Poget, guitariste de haut vol, nous a rejoints en ajoutant des grooves et des sonorités personnelles. Quant à moi, je chante en m’accompagnant parfois au piano tout en travaillant des sons électropoétiques sur un clavier sampler. Le but de cette alchimie consiste à raconter des histoires chantées/ parlées, précises, improvisées parfois afin de laisser des vagues nous submerger, au gré de notre inspiration. Je suis depuis toujours un grand amoureux des mots, des mots en français qui est la langue de mon enfance, ma langue de référence politique, sociologique et philosophique. Nous tentons de faire une alchimie de nos différentes influences qui vont de Schubert à Stravinsky, de Brel à Ferré, de Bashung à Hendrix, de A à Z, du yin jusqu’au yang, sans toutefois oublier que seul sous la douche le refrain est sacré!» SAMEDI 09–02–2013 21 : 00 (CH / JP) Rudolf Eb.er, aka Runzelstirn & Gurgelstock, est l’un des fondateurs du collectif d’action sonore «Schimpfluch» (avec Joke Lanz, entre autres), qui a influencé la noise dans les années 90. Souvent agressif, l’artiste défie son public par des provocations directes et physiques, tant visuelles que sonores. Installé depuis longtemps au Japon, Rudolf Eb.er poursuit ses recherches psychoacoustiques, ses performances actionnistes et ses créations visuelles. Rencontre avec un artiste à fleur de peau, qui repousse les frontières en s’aventurant toujours un peu loin que ses contemporains. Rudolf Eb.er aka «Runzelstirn & Gurgelstock» hat 1987 das Klangund Aktionskollektiv «Schimpfluch» (u.a. mit Joke Lanz) begründet, mit welchem er in den neunziger Jahren den Begriff Noise prägte. Frühe Klangstudien untersuchten die Wichtigkeit von Timing und die Kraft der Stille. Sie führten zur Entwicklung von irritierenden und radikalen Schnitt-Kompositionen, von «auditiver Alchemie», von dokumentier- SAMSTAG 09–02–2013 22 : 15 ten Extremsituationen, von PsychoField-Recordings und direktem Aktionismus. Er entwarf einen Aktionismus des Unerwarteten. Als «ArtBrut-Shamane» beschäftigte sich Rudolf Eb.er mit dem Unbewussten und tierischen Instinkten. Abreagierende Ausbrüche, arrangiert in der hohen Kunst von Timing und Ausgerichtetheit wie im Kung-Fu praktiziert sind Markenzeichen seiner Performances. Ob als Rudolf Eb.er oder unter seinem Pseudonym «Runzelstirn & Gurgelstock», der Künstler schuf sich weltweit einen Namen. Oft aggressiv, direkt und körperlich provozierte und provoziert der Künstler sein Publikum rund um den Globus visuell und akustisch. Inzwischen lebt der in der Schweiz aufgewachsene Künstler seit Jahren in Japan, wo er seine psycho-akustischen Studien, seine aktionistischen Performances und sein verstörendes visuelles Schaffen weiterführt. Eine Begegnung mit einem kompromisslosen Künstler, der die Grenzen immer etwas weiter ausdehnt als seine Zeitgenossen. Mit den beiden Briten, dem Gitarristen Keith Rowe und dem Pianisten John Tilbury, gastieren zwei Pioniere der experimentellen englischen Musikszene beim Ear We Are 2013. Beide sind in der Improvisation und zugleich in der zeitgenössischen Neuen Musik zuhause. Sie prägten als Einzelmusiker und in gemeinsamen Werken die englische und europäische Improvisationsszene. Als Duo erschaffen sie äusserst feine Klangskulpturen, minimal und reichhaltig an Farben, präzise in der räumlichen Gestaltung und abgründig poetisch. (UK) SAMEDI 09–02–2013 23 : 00 Avec les Britanniques Keith Rowe à la guitare et John Tilbury au piano, l’édition 2013 d’Ear We Are accueille deux pionniers de la scène expérimentale outre-Manche. Depuis des années, l’improvisation et la nouvelle musique contemporaine n’ont plus de secrets pour eux. Au-delà de l’improvisation, John Tilbury a calé son doigté précis sur les créations de compositeurs comme Mor- ton Feldman, John Cage, Christian Wolf ou encore Cornelius Cardew. Keith Rowe, peintre à l’origine, s’est lui aussi beaucoup confronté à la musique composée. Mais c’est surtout par son jeu reconnaissable entre tous que le guitariste a influencé la nouvelle relève musicale: guitare couchée à plat sur une table, il applique des variations de timbres, mais aussi des modifications plastiques et, par l’adjonction d’éléments exogènes, crée une palette de tonalités qui enrichissent le son de l’instrument d’une multitude de couleurs et de nuances. Grâce à leurs nombreuses collaborations et enregistrements dans les contextes les plus variés, les deux musiciens comptent, au moins depuis les années 90, parmi les plus influents de l’improvisation libre et de la musique électroacoustique. Avec leur groupe AMM, les deux Britanniques ont inspiré plusieurs générations de musiciens. Se produisant en duo à Ear We Are, ils signent des sculptures sonores ciselées, aussi minimalistes que riches en couleurs, aussi précises dans leur utilisation de l’espace que fondamentalement poétiques. Une rétrospective avant-gardiste sur un chapitre majeur de l’histoire de la musique européenne. (US) Après avoir fait ses armes avec Tom Waits et Solomon Burke, le guitariste Marc Ribot donne libre cours à ses pulsions créatives dans son groupe Ceramic Dog, passant des mélodies les plus douces aux explosions sonores les plus brutales. Sa musique atypique et inclassable se situe entre punk, jazz, sons cubains et apocalyptiques. Entouré par Shahzad Ismaily à la basse et Ches Smith aux percussions, ce musicien d’exception concocte un cocktail détonnant, plein de fougue et d’énergie terrienne. Selbstbeschreibung: 1. Chien de Faïence: Ausdruck für: erstarrt in Emotion, wie im absolut stillen Moment vor dem Kampf. 2. Ein ultimatives Kitsch-Objekt. 3. Ein Free-Punk-Funk-Experimental-Psychedelic-Post-ElectronicaKollektiv, mit Marc Ribot und zwei der besten, jungen Musiker der New Yorker und kalifornischen Untergrund-Improv-Experimental-RockSzene, dem Bassisten Shahzad Ismaily und dem Schlagzeuger Ches Smith. 4. Kein «Projekt», sondern eine richtige Band. Der Gitarrist Marc Ribot hat sich bei Tom Waits, Solomon Burke und John Lurie die Sporen verdient. Später prägte er mit seiner unverwech- SAMSTAG 09–02–2013 00 : 00 selbar verspielten und sperrigen Art des Gitarrenspiels Werke von Grössen wie John Zorn, Elvis Costello oder Robert Plant. Am Ear We Are wartet er mit seinem eigenen Trio auf. Mit Ceramic Dog schwelgt er in zuckersüssen Melodien, oder er lässt es brachial krachen. Eigenständig und schräg spielt er Musik, die oft nur schwer zu verorten ist und die um Punk, Jazz, kubanischen Son und Apokalypse kreist. Unterstützt vom Bassisten Shahzad Ismaily und vom Drummer Ches Smith – bekannt als Schlagzeuger der Avantgarde Band Secret Chiefs 3 – mixt der Ausnahmemusiker seinen Cocktail voll Feuer, Spielfreude und erdiger Energie. Ein Feuerwerk der Stile, ohne in selbstgefälligen Eklektizismus zu verfallen, eine der eigenständigsten und vielseitigsten Stimme der New Yorker Szene. Marc Ribot eben. (CH) PENDANT TOUT LE FESTIVAL Die Bielerin Juliette Keller, der Berner Thierry Kleiner und die Bernerin Maria Prüssing sind «combosition – Büro für Inszenierungen im Raum». combosition inszeniert Themen, Personen, Festivals, Messen, Events. Die Truppe verwendet oft alltägliche Materialien, setzt sie auf überraschende Weise ein. Repetition und Reduktion als künstlerische Instrumente sind wiederkehrende stilistische Elemente der Arbeit. Auf diese Weise interveniert combosition im Raum, komponiert mit Gewohntem und markiert das Spezielle. Genau richtig also für das Ear We Are. Juliette Keller, Thierry Kleiner et Maria Prüssing forment combosition, un bureau de mise en scène de l’espace. Originaire de Bienne, Juliette Keller a été copropriétaire d’Essor32, galerie biennoise de bijoux contemporains, pendant 10 ans. Quant au Bernois Thierry Kleiner, il a longtemps été photographe, avant d’être aujourd’hui membre du comité du forum de photographie PasquArt, à Bienne. Ensemble, ils ont fondé «combosition» en 2010. Plus tard, Maria Prüssing, elle aussi Bernoise, a apporté au duo sa longue expérience en logistique et en organisation. «combosition» propose des idées de mise en scène pour des hommes et des femmes, des festivals, des salons, des événements, etc. Le trio travaille en combo; le noyau dur de l’équipe conçoit et développe les projets, avant de faire appel à des spécialistes pour l’analyse et la réalisation. L’appropriation du thème commence après l’inventaire du lieu, car le travail est sans cesse un aller-retour entre espace et matière. Des matériaux connus de tous sont agencés de façon surprenante, pour créer des installations qui marquent longtemps les esprits. L’équipe travaille à partir de photographies et de plans de l’endroit. La répétition et la réduction, utilisées comme instruments artistiques, sont des effets stylistiques récurrents. «combosition» intervient dans l’espace, compose avec les éléments du quotidien et souligne l’extraordinaire. Cette édition d’Ear We Are en dresse un parfait exemple. Venez le découvrir! ENTDECKUNGEN / DÉCOUVERTES Hinter dem Programm des Ear We Are stehen vier markante Köpfe der Bieler Musikszene: Gaudenz Badrutt, Hans Koch, Christian Müller und Martin Schütz. Das bewusste Weglassen von Inseraten in diesem Programmheft haben wir auch diesmal wieder zum Anlass genommen, noch etwas mehr über Musik zu schreiben. Die Aufgabe: Jeder der vier Musiker soll zwei Alben, Musikfilme oder Musikbücher aus seiner eigenen Sammlung vorstellen, von denen er denkt, dass sie ausserordentlich hörens-, sehens- oder lesenswert sind. Was dabei herausgekommen ist, ist im Folgenden zu lesen und geniessen: La programmation d’Ear We Are est assurée par quatre musiciens clés de la scène biennoise: Gaudenz Badrutt, Hans Koch, Christian Müller et Martin Schütz. Dans ce programme, nous renonçons à la publicité afin de disposer de plus de place pour écrire sur la musique: ci-après, nous vous présentons des enregistrements de nos propres collections que nous considérons comme particulièrement importants et intéressants. Josef Anton Riedl Klangregionen 1951 – 2007 Edition RZ 2009 / Doppel-CD TIPPS VON GAUDENZ BADRUTT: Musik aus dem Nichts – Die Geschichte der elektroakustischen Musik in der Schweiz Chronos Verlag, Herausgeber Bruno Spoerri, 2010 Bruno Spoerri, Pionier in elektronischer Musik, gibt uns mit diesem Buch eine schöne Übersicht der elektroakustischen Musik in der Schweiz von den Anfängen in den Fünfzigerjahren bis zur heute aktiven Szene. Und dies nicht nur im akademischen Bereich, sondern weit darüber hinaus. Ein Portrait des im Jura lebenden Eisenplastikers und Komponisten Oscar Wiggli findet darin Platz, aber auch eine Umschau über elektronische Musik in Pop und Rock, in der man schliesslich über Boris Blank auf DJ Tatana stösst. Man begegnet in diesem Buch zahlreichen MusikerInnen, welche uns vom Ear We Are her bekannt sind. Spannend und aufschlussreich. Josef Anton Riedl (né en 1929) s’est forgé une solide réputation de compositeur, notamment dans l’électroacoustique. Une étiquette en partie imputée à tort: en témoigne la pièce «Paper Music I», uniquement composée à partir de froissements et de manipulations de papier. Le résultat, saisissant, entrerait aujourd’hui plutôt dans la catégorie de la noise. Ou encore «Zeichnen – Klatschen»: le crissement du dessin qui se trace est amplifié à l’extrême à l’aide de microphones, et se mêle aux applaudissements de trois autres interprètes. Des procédés certes fréquents aujourd’hui, mais musicalement rafraîchissants. Un résultat brut, inattendu, dadaïste et d’une richesse insolente. En aucun cas ringard. Tipps von Hans Koch: Jimmy Giuffre mit Paul Bley, Steve Swallow Fusion und Thesis, Verve, unter Jimmy Giuffre 3, 1961 ECM, 1992, Emphasis & Flight (1961), hatOLOGY, 2003 erst nicht viel Beachtung bei den Jazzfans aus, wurde später aber von offenen Fans und Musikern als eine der wichtigsten Jazzformationen der Jazz-Geschichte betrachtet. Es war nicht dieser laute Free Jazz, den damals Albert Ayler oder Archie Shepp spielten, die Musik dieses Trios kam eher gedämpft daher, vergleichbar mit Kammermusik. Sie ist noch heute sehr frisch und klanglich modern – sehr empfehlenswert. Arthur Bispo do Rosário (Brasilien) Jimmy Giuffre war amerikanischer Klarinettist, Saxophonist, Komponist und Arrangeur. Während seiner gesamten Karriere schrieb er kreative und ungewöhnliche Arrangements. Immer mehr konzentrierte er sich auf das Klarinettenspiel. Seine Musik entdeckte ich damals, als ich mich mit Cool-Jazz (Lee Konitz, Art Pepper, Gerry Mulligan etc.) beschäftigte. Jimmy Giuffre ist mir auf den beiden Platten (Jimmy Giuffre 3) mit Paul Bley und Steve Swallow sofort aufgefallen. Es öffnete mir meinen musikalischen Horizont. So viel Stille und keine virtuosen Klangkapriolen, es war einfach magisch. Dieses Trio löste zu- de 50 ans, près de Rio de Janeiro. C’est là qu’il s’est consacré à l’art, selon la mission divine qui lui aurait été confiée. Se prenant pour SaintJoseph, auquel Jésus serait apparu escorté d’anges auréolés de bleu, il ne s’est jamais considéré comme un artiste. Pourtant, de nombreux concepts de l’art moderne se retrouvent dans ses broderies et ses assemblages, conçus à partir des matériaux, forcément limités, qui se trouvaient à sa disposition. Bispo do Rosário avait trouvé son mode d’expression à travers cette technique artisanale. Un artiste à découvrir d’urgence. Tipps von Christian Müller: En novembre 2012, j’ai donné quelques concerts au Brésil. Nous étions à la Biennale de Sao Paulo, et j’avais le temps d’en voir une partie. Je n’avais jamais entendu parler d’Arthur Bispo do Rosário, mais ses œuvres m’ont conquis. Cet autodidacte, découvert sur le tard, serait né en 1911 à Japaratuba, dans l’Etat du Sergipe, sur la côte est du Brésil. Souffrant de schizophrénie, il a créé à partir d’objets du quotidien un charivari de cartes brodées, de robes confectionnées à partir de chiffons et d’interminables listes cousues dans du carton, dans l’asile psychiatrique où il a été interné plus Oren Ambarchi In the Pendulum's Embrace Touch / Southern Lord Cinq ans après sa sortie, l’album «In the Pendulum’s Embrace» du multi-instrumentaliste australien Oren Ambarchi me fascine toujours autant. En trois morceaux, quatre sur la version vinyle, le guitariste m’entraîne dans un univers sonore hors du temps, qui, par une lenteur posée et réfléchie, s’affranchit avec délicatesse de la vitesse fulgurante imposée par l’époque actuelle. Quelques notes de guitare, détournées par des pédales d’effets et rappelant les ondes sinusoïdales d’un synthétiseur analogique, posent le socle de l’ensemble. Sur cette base évoluent des accords isolés, des phrasés mélodiques, des drones immobiles, des effets Larsen finement modulés ou, soudain, une voix sortie de nulle part, jouée à l’envers, qui évoque en fredonnant un lointain souvenir. Une musique simple et intemporelle, précise, anachronique et splendide. Alex Ross The Rest Is Noise Tipps von Martin Schütz: Flexion Records www.flexionrecords.net In der Zeit des zusammenbrechenden CD-Markts und des oft nur an Verzaufszahlen orientierenden Geschäfts mit Musik prägen immer mehr – oftmals von Musikern selber geführte – Klein- und Kleinstlabels die Landschaft der unkommerziellen, experimentellen Musik. Nicht auf der Suche nach dem Geld, sondern vielmehr mit Leidenschaft, Stolz und Liebe zur Musik sind es gerade diese Versuche, welche mir im heutigen Musikwelt sehr wertvoll erscheinen. Sie präsentieren ihrer Hörerschaft Ungewohntes, Sperriges und Spezielles, sie helfen mit, dass die musikalische Landschaft vielfarbig bleibt. Im Falle des Labels «Flexion Records» muss man dazu nicht einmal weit gehen: Das Label wird vom Bieler Musiker Jonas Kocher geführt und präsentiert sorgfältig ausgearbeitete Kleinauflagen eigener Musik, von Bieler Musikern wie von bekannteren und unbekannteren Musikern aus seinem weitgespannten Netzwerk. Reinhören in greifbare Editionen lohnt sich, der Download von vergriffenen Ausgaben auch. John Frusciante Letur-Lefr & Pbx Funicular Intaglio Zone Brillant et tempétueux, l’ancien guitariste des Red Hot Chili Peppers n’a cessé de sortir des disques originaux et parfois très étranges, même pendant ses années passées au sein de ce groupe longtemps incontournable. En 2012, John Frusciante a sorti deux albums inclassables, «Letur-Lefr» et «Pbx Funicular Intaglio Zone», à la signature très personnelle. Une musique réfractaire qui s’érige, consciemment ou non, contre l’hébétude dominante du courant mainstream. Les créations de John Frusciante témoignent d’une liberté intérieure grisante, malheureusement trop rare. Son art s’engage en permanence contre la rigidité de l’individu et de la société, conditionnée par la peur. Une expérience sonore libératrice, à aborder vierge de tout préjugé. Alex Ross, Musikjournalist des «New Yorker» nimmt in seinem Buch «The Rest Is Noise» (mit dem Untertitel «Das 20. Jahrhundert hören» / Deutsche Ausgabe im Piper Verlag) den Leser mit auf eine Reise anhand der Musik durch dieses Jahrhundert, beginnend bei Strauss, Mahler und Wagner bis zum Ende dieser ereignisreichen 100 Jahre. Eine ausserordentlich spannende Lektüre, die die Entwicklungen und verschiedenen Strömungen der Musik Europas, der Sowjetunion und der USA so plastisch schildert und vor allem verknüpft mit den gesellschaftlichen Veränderungen, kulturellen Strömungen und politischen Geschehnissen. Ross schafft es, dieses kakophonische Jahrhundert wie einen Roman zu erzählen, dazu gibt es eine Website mit Musikbeispielen: therestisnoise.com Where to eat > DELÉMONT ALTSTADT/ VIEILLE VILLE Seevorstadt Neumarktstrasse Nidaugas Zentralstrasse se P Spitalstrasse < NEUCHATEL Gö str uffias se Juraplatz Jura place du jura 1 P SOLOTHURN > ZÜRICH 1 Heilmannstrasse Heilmannstrasse rue heilmann Heilmann rue General-Dufourstrasse BE RN hofBahn se stras < 1 BAHNHOF/ GARE WHERE WE ARE Alte Juragarage Göuffistrasse 18 CH-2502 Biel / Bienne RESERVATIONEN / RÉSERVATIONS [email protected] Mattenstrasse Bus 1 ab Bahnhof SBB Richtung Eisbahn / Bus 1 de la gare CFF direction Patinoire EINTRITTSPreise / Prix D'ENTRÉE Festivalpass /Passeport-festival: 100.— Fr. Donnerstag / Jeudi: 35.— Fr. Freitag / Vendredi: 40.— Fr. Samstag ganzer Tag / Samedi, la journée: 55.— Fr. Samstag Nachmittag / Samedi après-midi: 30.— Fr. Samstag Abend / Samedi soir: 45.— Fr. Gute Küche in angenehmem SzeneAmbiente ganz in der Nähe des Festivals / Bonne cuisine et atmosphère chaleureuse, à cinq minutes du festival: Restaurant St.Gervais, Untergasse 21 2502 Biel, 032 322 48 22 www.stgervais.ch Ausgewählte Küche in gediegenem Altstadtambiente direkt neben dem Festival / Plats savoureux et cadre soigné, à deux pas du festival: Les Caves, Obergasse 24a 2502 Biel, 032 322 36 34 www.restolescaves.ch Spanische Küche im angenehmen Familienbetrieb mit viel Charme / Cuisine espagnole et ambiance familiale pleine de charme: Restaurant Schöngrün Madretschstrasse 102, 2503 Biel 032 365 21 31 www.schoengruen-biel-bienne.ch Fischessen direkt am Ufer des Bielersees / Pour déguster du poisson au bord du lac: Restaurant Räblus, Neuenburgstrasse 90, 2505 Biel-Vingelz 032 322 40 51, www.raeblus.ch Japanisch in der Altstadt / Pour manger japonais au cœur de la vieille ville: Sushi Nori Ogura, Burggasse 2 2502 Biel, 032 323 04 70, www.sushinoriogura.ch Where to sleep Gediegen und ruhig, in einem ehemaligen Herrschaftshaus mit herrlichem Garten / Petit hôtel soigné et calme dans une ancienne maison de maître entourée d’un très beau jardin: Hotel-Bistrot Villa Lindenegg Lindenegg 5, 2502 Biel, 032 322 94 66 www.lindenegg.ch Die gehobene Klasse mit vier Sternen / Etablissement de standing, 4 étoiles: Mercure Hotel Plaza, Neumarktstrasse 40, 2502 Biel 032 328 68 68, www.accorhotels.com Die einfache Art der Übernachtung im Hostel / Pas cher et pas compliqué: Lago Lodge, Uferweg 5, 2560 Nidau 032 331 37 32, www.lagolodge.ch Impressum DANK Ein freundlicher Dank für die finanzielle Unterstützung des Festivals geht an die Stadt Biel, den Kanton Bern, die Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia, die Fondation Suisa und die Migros Aare. Ein spezieller Dank geht an MS Bau und Bauhaus GmbH für das Zuverfügungstellen der Festivalörtlichkeiten, an Groovesound GmbH für die tatkräftige Mithilfe, an kong für die kreative graphische Arbeit, an Eclipse SA für die materielle Unterstützung und an Radio SRF 2 Kultur für die Zusammenarbeit. Herausgeber: Ear We Are, Nelkenstrasse 51, 2502 Biel/Bienne Texte & Redaktion: Christian Müller Traductions: Astrid Steffan Graphik: kong.ch Ear We Are sind: Gaudenz Badrutt, Hans Koch, Helen Moser, Christian Müller, Daniel Schneider, Martin Schütz, Gabi Wäckerle