the fashioN VisioNaRY

Creativity has its place
Summer 2014 Issue 5 /
La créativité a sa place
Été 2014 Numéro 5
the fashion VISIONARY
Kid Koala’s Chaos / Scenes of Summer / A Culinary Comeback
Le chaos de Kid Koala / Prises estivales / Retour culinaire en force
AvAilAble UrbAn Office
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contents
The Starting Block . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 7
Block de départ . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 7
Contributors . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 9
Collaborateurs . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 9
For Montreal’s rising fashion star Cécile Raizonville,
made-in-Quebec is a badge of honour . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 11
THE MOMENT
OUTSIDE THE BOX A very old Toronto neighbourhood is reborn; cronut
culture; Matisse and Dalí visit Calgary; an app inventor shares his
newest iPhone addictions . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 14
MY SPACE
Calgary producer Rob Kelly’s sources of inspiration . . . . . 17
British set designer Benjamin Gerlis adapts a Kid Koala
graphic novel for the stage . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 18
THE CREATOR
ARTIST’S BLOCK
Orest Tataryn’s neon cube . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 21
A tour of the vibrant, playful office of Toronto ad
agency Grip Limited . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 22
Pour Cécile Raizonville, étoile montante de la mode à
Montréal, la mention « fait au Québec » est une médaille d’honneur . 11
Le moment
Un très vieux quartier de Toronto renaît;
la culture cronut; Matisse et Dalí visitent Calgary; un concepteur
d’applications dévoile ses indispensables pour iPhone . . . . . . . . . . 14
hors des sentiers battus
mon espace
Le producteur Rob Kelly et ses sources d’inspiration . . . . 17
Le scénographe britannique Benjamin Gerlis adapte
pour la scène un roman graphique de Kid Koala . . . . . . . . . . . . . . . 18
lE créatEUR
ART EN BLOCK
Le cube néon d’Orest Tataryn . . . . . . . . . . . . . . . . . . 21
Visite des bureaux animés et ludiques de l’agence de
publicité torontoise Grip Limited . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 22
THE INTERIOR
l’intérieur
THE BUSINESS After a few years away from the spotlight, Montreal
chef Joe Mercuri is back—and more ambitious than ever . . . . . . . . 28
L’ENTREPRISE Après quelques années loin des projecteurs, le chef
montréalais Joe Mercuri est de retour — plus ambitieux que jamais . 28
THE PORTFOLIO
There is nothing ordinary about a BC summer . . . . . . 32
Three category-defying creatives discuss the
benefits of mixing disciplines. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 40
THE CONVERSATION
MADE
A big bang at Vancouver’s Celebration of Light . . . . . . . . . . . 44
NOW & THEN
RETHINK
A heritage building that still makes news . . . . . . . . . . . 47
Why the indirect route is often best . . . . . . . . . . . . . . . . . 49
FILL IN THE BLANK
Gary Taxali’s clownish infill . . . . . . . . . . . . . . . . 50
ON THE COVER / en page couverture
et quatrième de couverture
Photo / photo : richmond lam
Hair and Makeup / coiffure et maquillage :
Martine L’heureux of Push Management Inc.
le portfolio
L’été en Colombie-Britannique n’a rien d’ordinaire . . . . 32
la conversation Défiant la norme, trois esprits créatifs discutent des
avantages à mêler les disciplines . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 40
construit
Grand boum pour la Celebration of Light de Vancouver . . . 44
D’HIER À aujourd’hui
REPENSÉ
Un monument historique toujours d’actu . . . . . 47
Pourquoi la voie indirecte est souvent la meilleure . . . . . . . 49
Veuillez COMBLER l’espace
La dent creuse farceuse de Gary Taxali . . . 50
DESIGN EXCHANGE
CANADA’S DESIGN MUSEUM
234 BAY ST | TORONTO | DX.ORG
JUN 12 – AUG 10
AN EXHIBITION EXPLORING THE FUSION
OF DESIGN AND GASTRONOMY
www.accioncultural.es
the starting block
photos by / par Stéphanie Locas
“You cannot dig a hole
in a different place by
digging the same hole
deeper.” / « Vous ne
pouvez pas creuser un
trou dans un nouvel
endroit en creusant
le même trou plus en
profondeur. »
Every article in every issue of Block—and every other publication—
starts the same way: as a Big Blank Page (BBP). Typically, filling
that BBP is no great task, but occasionally—even for the most
seasoned writers—it can seem impossible.
In these cases, the secret is usually to try harder. Sometimes,
however, the key is to try different. Edward de Bono, the Malteseborn creativity guru, sums it up thusly: “You cannot dig a hole in
a different place by digging the same hole deeper.” De Bono, the
father of lateral thinking, argues that solving creative problems
often requires us to break normal patterns of thought and force
ourselves to adopt multiple, counterintuitive perspectives.
No doubt, de Bono—a Rhodes Scholar whose CV includes
stints as a physician, a record-setting canoeist and a Nobel Prize
nominee—would have added much to this issue’s Conversation
(page 40), in which three genre-defying creative minds discuss
the merits of what we might call digging different holes. In
Rethink (page 49), Leah McLaren picks up the same thread in
her discussion of obliquity—the counterintuitive theory that
sometimes, the best way to solve a creative problem is to get as
far away from it as possible.
At the heart of de Bono’s argument is an idea that pops up in
every issue of Block: Often, the road to creative success is long,
winding, bumpy and unpredictable. But no matter the destination,
the journey is always a joy.
Chaque article d’un numéro de Block — ou de toute autre publication
— débute de la même façon: par une Grande page blanche (GPB).
Typiquement, cette GPB n’est pas difficile à remplir, mais parfois cela
semble impossible, même pour des rédacteurs expérimentés.
Dans ce cas, le secret est généralement d’essayer plus fort. Parfois
pourtant, il faut juste essayer autrement. Edward de Bono, le gourou
maltais de la créativité, résume les choses ainsi: « Vous ne pouvez
pas creuser un trou dans un nouvel endroit en creusant le même trou
plus en profondeur. » Père de la pensée latérale, de Bono affirme que
la résolution de problèmes de nature créative nous force souvent
à repenser nos modèles habituels et à adopter des perspectives
multiples et contre-intuitives.
Nul doute que de Bono, récipiendaire d’une bourse Rhodes,
médecin, canoéiste émérite et candidat au prix Nobel, aurait enrichi La
conversation de ce numéro (page 40) au cours de laquelle trois esprits
créatifs discutent des mérites de ce qu’on pourrait appeler le forage de
trous différents. Dans Repensé (page 49), Leah McLaren poursuit dans
la même veine avec sa discussion sur l’obliquité — la théorie contreintuitive qui soutient que la meilleure façon de résoudre un problème
de créativité est parfois de s’en éloigner le plus possible.
L’idée centrale de la démonstration d’Edward de Bono resurgit
à chaque numéro de Block: en matière de création, la route vers le
succès est souvent longue, tortueuse, cahoteuse et imprévisible. Mais
peu importe la destination, le voyage est toujours un bonheur.
Block / 7
28 Eastern Ave. Toronto ON www.stacklab.ca
contributors
Editor-in-chief / Rédacteur en chef
Benjamin Leszcz
Creative DIRECTORS / Directrices
artistiques
Whitney Geller & Yasemin Emory
Editor / Rédaction
Doug Wallace
Photo & illustration Editor /
iconographe
Catherine Dean
02
assistant designer / adjointe À la
directrice du design
01
Melissa Núñez
Translator / Traductrice
Dominique Bergeron
04
03
1. After finishing a master’s degree in philosophy at the University
of Cambridge, Catherine French joined Whitman Emorson as
its Communications Intern. She wrote the Q+A (page 15) and My
Space (page 17). / Catherine French s’est jointe à l’équipe de Whitman
photos by / par 1. Melissa NÚñez 2. Glen pepin 3. Lukas peet 4. taxali studio
Emorson en tant que stagiaire en communication, après avoir terminé
sa maîtrise en philosophie à l’université de Cambridge. Elle a rédigé
Questions-réponses (page 15) et Mon espace (page 17).
2. Writer Joanne Latimer is a regular contributor to Maclean’s,
Chatelaine, The Ottawa Citizen and The Montreal Gazette. In this
issue, she captures a day in the life of our cover subject, emerging
fashion designer Cécile Raizonville (page 11). / Joanne Latimer
écrit régulièrement pour Maclean’s, Châtelaine, Ottawa Citizen et The
Montreal Gazette. Dans ce numéro, elle nous fait partager un jour de
la vie de Cécile Raizonville, la créatrice de mode montante (page 11).
Également en couverture.
3. Gary Taxali’s illustrations have appeared in Time, The New Yorker,
Playboy and GQ. This issue, he tackles our Fill in the Blank (page 50).
He lives and works in Toronto. / Les illustrations de Gary Taxali ont
été publiées dans Time, The New Yorker, Playboy et GQ. Dans ce
numéro, nous lui avons confié Veuillez combler l’espace (page 50).
Il habite et travaille à Toronto.
4. Our Portfolio for this issue (page 32) was created by Vancouver-
based photographer Jennilee Marigomen, who has contributed to
Inventory, Nylon and Wallpaper* magazines. / Ce mois-ci, le portfolio
(page 32) a été réalisé par une photographe de Vancouver, Jennilee
Marigomen, qui a également travaillé pour les magazines Inventory,
Nylon et Wallpaper*.
COPY EDITors - PROOFREADers /
réviseures - correctrices
Catherine Connes, Michaela Cornell,
Emilie Dingfeld
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520 King Street West, Suite 300
Toronto, Ontario
M5V 1L7 Canada
(416) 977-9002
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847 Adelaide Street West
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(416) 855-0550
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Block is published four times a year. /
Block est publié quatre fois par an.
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The Moment / Le Moment
tue.
apr.
22
11:00
aM
“Creative collaboration is
important to my process,” says
29-year-old designer Cécile
Raizonville, as she browses spools
of linen thread and swatches
of merino wool at the Montreal
Centre for Contemporary
Textiles. Raizonville will use her
selections for the Spring 2015
collection of Matière Noire—her
line of sustainable, avant-garde
women’s wear, which she produces
alongside Quebecois weavers
and knitwear artisans. / « les
collaborations constituent une
partie importante de mon processus
» dit la designer de 29 ans, Cécile
Raizonville, tout en jetant un coup
d’œil aux bobines de lin et aux
échantillons de laine mérinos du
Centre des textiles contemporains
de Montréal. Elle utilisera sa sélection
pour la collection printemps 2015
de Matière Noire — sa marque de
vêtements féminins écoresponsables
et avant-gardistes, produite en
association avec des artisans tisseurs
et tricoteurs québécois.
Block / 11
The Moment / Le Moment
After studying at the Escola
Superior de Disseny Felicidad
Duce in Barcelona, Raizonville
honed her craft in the fashion
houses of Paris, Barcelona and
New York. In 2011, the France
native moved to Montreal
to launch her label, which is
distinguished by details like Inuitand Navajo-inspired prints, drop
sleeves and structured linings.
Within two years of launching,
she won the prestigious MercedesBenz StartUp award.
Raizonville describes herself
as a Tumblr addict who draws
inspiration from diverse sources,
including the novelist Haruki
Murakami, the photographer
Wolfgang Tillmans and the
documentarian Loïc Prigent, of
whom she says, “His films about
the 24 hours before a couture show
are like an extension of fashion
school!” / Après des études à l’école
Rather than loudly promote her eco-credentials, Raizonville allows
her bold designs to take centre stage. / Plutôt que de crier haut et
fort les qualités éthiques et durables de sa ligne, Raizonville laisse ses
créations audacieuses parler d’elles-mêmes.
supérieure de mode Felicidad Duce
de Barcelone, Cécile Raizonville a
perfectionné ses compétences dans
des maisons de couture à Paris,
Barcelone et New York. En 2011, la
designer française a emménagé à
Montréal pour lancer sa marque,
caractérisée par des imprimés
d’inspiration Inuit et Navajo, des
manches tombantes et des doublures
structurées. À peine deux ans après,
elle remportait le prestigieux prix
Mercedes-Benz StartUp.
Raizonville se décrit comme
une accro de Tumblr, qui tire son
inspiration de sources diverses,
incluant l’écrivain Haruki Murakami,
le photographe Wolfgang Tillmans
et le documentariste Loïc Prigent.
« Ses films sur les 24 heures
précédant un défilé de haute
couture sont comme la prolongation
de l’école de mode! » dit-elle.
Matière Noire
matierenoirestudio.com
by / par Joanne Latimer
Photos / Photos RICHMOND LAM
12
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Outside the Box / Hors des Sentiers Battus
The News / les actualités
In the 1840s , a handful of wealthy Torontonians built houses in
Wellington Place Neighbourhood, along what’s now Front Street
and Wellington Street, just west of Spadina. Since then, the area
has transformed—first into an industrial hub, and more recently,
a creative hub. Now, plans are underway to return the area to its
pedestrian-friendly glory. Allied Properties REIT, along with
RioCan REIT and Diamond Corp., is building The Well, a 7.67acre mixed-use development. With Toronto’s Hariri Pontarini
Architects master-planning the community and Montreal’s Claude
Cormier + Associés designing the landscape, The Well will include
boutiques, offices and condominiums, with green space and an
indoor promenade. “Knowledge workers, shoppers, residents and
neighbours will enrich the urban experience for one another,”
says Allied President and CEO Michael Emory. “The common
spaces in The Well will significantly enhance the area’s sense of
community.” / En 1840, quelques Torontois fortunés se sont fait
construire des maisons dans le quartier Wellington Place, à proximité
de Front Street et Wellington Street, juste à l’ouest de Spadina. Depuis,
le quartier s’est transformé — en zone industrielle puis, en zone
créative. Aujourd’hui, des plans sont en cours pour lui faire revivre sa
gloire de zone piétonne. Allied Properties REIT, en collaboration avec
RioCan REIT et Diamond Corp., construisent actuellement The Well,
un projet à usages multiples de 3,1 ha. Avec la firme torontoise Hariri
Pontarini Architects, en charge du plan directeur des infrastuctures
communautaires, et la firme montréalaise Claude Cormier + Associés,
responsable de l’aménagement paysager, The Well sera composé de
boutiques, de bureaux et de condominiums, avec des espaces verts et
une promenade intérieure. « Les travailleurs du savoir, les clients, les
résidents et les voisins enrichiront l’expérience urbaine des uns et des
autres » note Michael Emory, PDG d’Allied. « Les espaces communs
renforceront le sentiment d’appartenance communautaire. »
by / par emily katz
14
“People will line up for hours to
get their hands on these goods,
because they validate their sense
of knowledge and class. But trends
are forces of fashion and culture,
dictated by those deciding what’s
in and what’s out—the marketers
pushing products or the media who
raise them up as this season’s musthave taste.” / « LES GENS FONT LA FILE PENDANT DES HEURES POUR y goûter,
afin de valider leur sentiment d’être
dans le coup. Mais les tendances SONT
DES FORCES DE LA MODE ET DE LA CULTURE,
DICTÉES PAR CEUX QUI DÉCIDENT DE CE QUI EST branché ou dépassé — les pros
du marketing qui veulent vendre ou
les média qui érigent chaque produit en saveur de la saison. »
—David Sax, author of The Tastemakers, on the cronut, a croissantdonut hybrid /— David Sax, auteur de The Tastemakers, à propos du
cronut, mi-croissant mi-donut (beigne)
illustration courtesy of / avec l’aimable autorisation de DundeeKilmer Integrated Design Team
The WORD / Mot pour mot
Outside the Box / Hors des Sentiers Battus
Joseph Mallord William Turner (British, 1775-1851), The Fountain of Indolence, 1834, oil on canvas, 105.7 x 166.4 cm, Gift of The Beaverbrook Foundation.
/ Joseph Mallord William Turner (BritanNique, 1775-1851), La fontaine de L’indolence, 1834, huile sur toile, 105,7 x 166,4 cm, Don de La Fondation Beaverbrook
The Q&A / Questions-réponses
The ENDORSEMENTs / Mentions spéciales
Mike Wagman , the Toronto-based co-founder and CEO of acclaimed
mobile apps Rithm (music-sharing) and MavenSay (socially driven
recommendations), shares three apps he couldn’t live without. / MIKE
As chief curator of Fredericton’s Beaverbrook Art Gallery,
Terry Graff oversees one of North America’s largest collections
of masterworks. What’s the history of the Beaverbrook? In
1959, Lord Beaverbrook gave a major art collection to the people of
New Brunswick. He called the collection his most important life
accomplishment. right now, 75 of your masterworks are on
loan to calgary’s glenbow museum. don’t you miss them? Since
Lord Beaverbrook collected la crème de la crème, we always get
requests. When museums in Europe do exhibitions about Turner
or Delacroix, they call. Our major Salvador Dalí painting, Santiago
El Grande, is at the Dalí museum now. How do you transport
the works? The Calgary works were previously in Alabama, so we
used two climate-controlled trucks. We do everything by the book:
The temperature, light, humidity, crate structure and packing
have to be controlled. Do you often borrow works? New art is
always arriving. When a crate comes in, it’s like Christmas. / Le
conservateur en chef de la Galerie d’art Beaverbrook à Fredericton,
Terry Graff, est responsable d’une des plus grandes collections
de chefs-d’œuvre en Amérique du Nord. QUELLE EST L’HISTOIRE
DE BEAVERBROOK? En 1959, Lord Beaverbrook a offert une grande
collection d’œuvres d’art au Nouveau-Brunswick. Il l’a qualifiée comme
étant sa plus importante réalisation. 75 DE VOS TABLEAUX SONT AU
MUSÉE GLENBOW À CALGARY. ILS NE VOUS MANQUENT PAS? Puisque
Lord Beaverbrook collectionnait la crème de la crème, nous recevons
toujours des demandes. Lorsque des musées européens font des
expositions sur Turner ou Delacroix, ils nous contactent. Notre toile de
Salvador Dalí, Santiago El Grande, est au musée Dalí en ce moment.
COMMENT LES TRANSPORTEZ-VOUS? Les œuvres à Calgary reviennent
d’Alabama, nous avons donc utilisé deux camions à température
contrôlée. EMPRUNTEZ-VOUS SOUVENT DES ŒUVRES? Nous avons
constamment des nouveautés.
WAGMAN , cofondateur et PDG torontois des célèbres applications pour
téléphone portable Rithm (partage de musique) et MavenSay (bons
plans via les réseaux sociaux) nous dévoile les trois applications dont il
ne peut se passer.
Pocket. I don’t like to mess with daytime productivity. Pocket is
a staple when it comes to saving articles to read for mornings on
the subway (iPhone) or nights on the couch (iPad). Kik. Free, fast
messaging with friends. It’s awesome to use when travelling, plus
it lets you share videos and music or play games. Waterloo’s answer
to the mobile messaging wars. Tab. This app allows you to pay your
bills at Toronto restaurants without having to wait for the cheque
or open your wallet. It’s like Uber, but for restaurant payments.
It’s still in beta, but I’m already impressed. / Pocket. Je refuse
de nuire à ma productivité pendant la journée. Pocket est un
indispensable en terme de sauvegarde d’articles à lire le matin dans
le métro (iPhone) ou le soir sur le divan (iPad). Kik. Textos rapides et
gratuits avec les copains. Idéal en voyage, cela vous permet également
de partager des vidéos, de la musique ou de jouer à des jeux. C’est
la réponse de Waterloo (en Ontario) à la guerre des messageries
pour téléphone portable. Tab. Cette application vous permet de
payer vos factures dans les restaurants de Toronto sans avoir à
attendre la note ou à ouvrir votre portefeuille. C’est comme Uber,
mais pour les restaurants. Elle est encore en version bêta, mais elle
m’impressionne déjà.
interview by / entrevue par Catherine French
interview by / entrevue par Catherine French
Block / 15
Block / 15
W W W. DAV I D S F O OT W E A R . C O M
6 6 B L O O R S T. W
B AY V I E W V I L L AG E
YORKDALE SHOPPING CENTRE
My Space / Mon Espace
by / par Catherine French
Photo / Photo COLIN WAY
ROB KELLY, WHO IS A DIRECTOR, executive producer and
partner at the Calgary-based film production company
Kelly Brothers Productions, has designed his workspace
to optimize productivity. “Everything on my desk is either
stuff I use all the time or things that inspire me,” he says.
“Everything is very functional. I’m not a clutter guy.” / Rob
Kelly, réalisateur, producteur exécutif et associé chez Kelly
Brothers Productions, a conçu son espace de travail afin
d’optimiser sa productivité. « Tout ce qui s’y trouve m’est soit
utile au quotidien, soit me sert d’inspiration, » dit-il. « C’est
très fonctionnel. Je n’aime pas être encombré. »
01/ Rare Bird Award / Le prix de l’Oiseau rare
“This is a custom trophy; a client gave it
to us for having the most nominations
but zero wins at an awards ceremony.” / « Cet oiseau est un trophée fait sur mesure
qu’un client nous a offert après avoir eu le
plus de nominations, mais aucun prix lors
d’une cérémonie. »
05 / Tin Man Trophy / L’homme de fer
“A good friend made this for
me after I did the Ironman
Canada in 2011.” / « Un ami
m’a fabriqué ce trophée pour
avoir participé à l’Ironman
Canada en 2011. »
02 / ENFP / ENFP
“This is my MyersBriggs personality type.
ENFPs live in a world of
possibilities.” / « Voilà mon
type psychologique MyersBriggs. Les ENFP vivent dans
un monde de possibilités. »
04 / Ticket stub / Un billet de cinéma
03 / Noise-cancelling headphones / Des
écouteurs anti-bruit
“The ticket stub is from A Second Chance, our first
documentary. It’s from Landmark Cinemas 7 in
Penticton.” / « C’est le billet de A Second Chance, notre
premier documentaire. Il provient du Landmark
Cinemas 7 à Penticton. »
“I’m an audio junkie. Plus, it gets loud
in this office. They are lifesavers.” / « Je suis accro à tout ce qui est audio. En
plus, ça résonne dans ce bureau. Ils me
sauvent la vie. »
Block / 17
The Creator / Le Créateur
Beautiful Chaos
British set designer Benjamin Gerlis finds inspiration in Montreal, where he’s building a
lonely version of the city in miniature. / Le scénographe britannique Benjamin Gerlis s’est inspiré
de Montréal pour construire sa ville, solitaire et miniature.
Photo / Photo LM Chabot
HAIR AND MAKEUP / COIFFURE ET MAQUILLAGE : SID ARMOUR
interview by / entrevue par Gordon Bowness
18
Set designer Benjamin Gerlis
is a member of the Londonbased collective Stripeland. He
works on theatre, opera and film
productions. / Le scénographe
Benjamin Gerlis est membre de
la coopérative londonienne
Stripeland. Il travaille pour le
théâtre, l’opéra et le cinéma.
We’re adapting DJ Kid Koala’s graphic novel Nufonia Must Fall,
a futuristic love story featuring a robot and a girl, for the stage. As
set designer, I’m creating the show’s overall aesthetic. We’ve got a
dozen or so miniature sets onstage, with three puppeteers either
crawling underneath the sets or preparing the next one. We’ve also
got two video cameras shooting the puppets; the footage will be
shown in real time on a big screen. Throughout, the Afiara Quartet
plays and Kid Koala spins. There’s a huge amount of stuff going
on—it’s going to be quite chaotic in a beautiful way.
Overall, the production is very cinematic. This has to do
with the director, K.K. Barrett [production designer for the
films Her, Where the Wild Things Are and Lost in Translation].
He’s incredible.
As a designer, I get inspiration from travelling to cities and
just walking around and taking pictures. For this, of course, I’ve
been influenced by Montreal, where the story is set. I was keen to
help create a world in which a robot falls in love with a girl. So I
suggested the world of Expo 67, that kind of reality and its retrofuturistic optimism. I’ve been really influenced by the Montreal
Metro. It’s full of amazing ’60s and ’70s architecture, like crazy
light boxes and weird angles. I’m trying to create a sparse world
—a cold, lonely place, home to two lonely characters.
NOUS AVONS RÉALISÉ l’adaptation scénique du roman graphique
du DJ Kid Koala, Nufonia Must Fall, une histoire d’amour futuriste
entre un robot et une jeune femme. En tant que scénographe, j’ai créé
l’esthétique générale de la pièce. Nous avons près d’une douzaine de
plateaux miniatures, avec trois marionnettistes qui rampent sous la
scène ou qui préparent la prochaine animation. Nous avons aussi deux
caméras qui filment les marionnettes; les séquences sont projetées
en temps réel sur un grand écran. La bande sonore est jouée en direct
par Afiara Quartet et Kid Koala, aux tables tournantes. Il se passe
énormément de choses en même temps — c’est assez chaotique,
mais superbe.
Dans l’ensemble, la production est très cinématographique. Cela est
étroitement lié au réalisateur K.K. Barrett [le chef décorateur des films
Her, Where the Wild Things Are et Lost in Translation]. Il est incroyable.
En tant que designer, je m’inspire de mes voyages, simplement
en me promenant et en prenant des photos. Pour ce projet, bien
entendu, j’ai été influencé par Montréal, où le récit a lieu. J’avais très
envie de participer à la création d’un monde dans lequel un robot
tombe amoureux d’une jeune femme. J’ai évoqué l’univers d’Expo 67 et
l’architecture des années 70 avec des boîtes à lumière et des angles
étranges. J’ai essayé de créer un monde minimaliste — un endroit froid
et solitaire, où vivent deux personnages qui souffrent de solitude.
Block / 19
This is Ranger Aidan.
He is helping to
establish the
world's first
Homegrown
National Park in
Toronto this year.
Learn more
about how the
David Suzuki Foundation's
Homegrown Park Rangers
are bringing nature home
one fun, green
intervention
at a time.
HOMEGROWN
NATIONAL PARK
www.davidsuzuki.org/homegrown
Photo by ktchn.com
photo by / par derek shapton
artist’s block
orest tataryn
Block / 21
22
The Interior / L’Intérieur
fun house
The Toronto office of Grip Limited reflects the ad agency’s
playful and creative company culture. / Les bureaux
torontois de l’agence de publicité Grip Limited sont à
l’image de sa culture d’entreprise: créatifs et ludiques.
by / par Gordon Bowness
Photo / Photo Michael van Leur
The waiting room at the office of Grip Limited in Toronto, an
award-winning ad agency, isn’t so much a room as it is a glowing,
white orb. The spherical structure is open, in part, allowing
visitors to admire the reception area’s three-storey atrium, which
is otherwise distinguished by its curvy glass, buzzy atmosphere
and unbeatable architectural views: Will Alsop’s building at the
Ontario College of Art and Design University and Frank Gehry’s
extension to the Art Gallery of Ontario are both visible from the
reception-area window.
The overall impression is modern and chic, but there’s an
unmistakable sense of fun, too, as evidenced by the big orange
slide, which swiftly transports riders to the lower level. Do you
dare? / LA SALLE D’ATTENTE des bureaux torontois de l’agence de
publicité primée Grip Limited est en forme de globe blanc lumineux.
Cette structure sphérique est en partie ouverte afin de permettre
aux visiteurs d’admirer l’aire de réception de l’atrium à trois étages
qui se distingue par ailleurs par ses vitres incurvées, son atmosphère
grouillante et sa vue imprenable sur deux monuments architecturaux:
le bâtiment de l’École universitaire d’art et de design de l’Ontario
de Will Alsop, et l’extension de l’AGO, le musée des beaux-arts de
l’Ontario, conçue par Frank Gehry.
L’impression globale est résolument chic et moderne mais
impossible de passer à côté de l’aspect ludique, comme en témoigne
le grand toboggan orange qui permet de se rendre à l’étage inférieur.
Oseriez-vous l’emprunter?
Block / 23
“What we do is create narratives,” says Johnson Chou, whose
eponymous firm designed the 27,000-square-foot office. “Grip
wanted us to infuse a kind of playfulness and wit in their space,
which is very characteristic of their work, and the way they
approach that work. The journey, the process, has to be as enjoyable
as the product.” Hence the slide, which has become an icon of the
agency, whose blog is called The Big Orange Slide.
Chou has a long history with Grip. In 2003, he designed the
agency’s first office on Queen Street West. Grip returned to him in
2006 for its new office at 179 John Street, an eight-storey brickand-beam warehouse built around 1900 and acquired by Allied
Properties REIT in 2008. Grip first occupied the fifth and sixth
floors, and then in 2011, it expanded onto the seventh floor, which
Chou also designed.
Grip was founded in 2002 by eight partners who wanted to get
back to the messy and fun business of creating. They envisioned a
flat corporate structure with fewer middlemen and less tinkering,
so campaign ideas would stay strong and fresh throughout the
creative process. Key to Grip’s steady growth—the team now
numbers around 180—is collaboration among staff and clients,
and a dual sense of ownership and openness.
That’s why Chou cut a huge hole in the floor. “It was very
important that there was a communal space that the entire office
can gather within,” says Chou. “A space that linked everyone
without a sense of hierarchy. That’s why the very first thing we
had to do was create that opening.”
24
« Nous créons des écits » explique Johnson Chou, dont l’entreprise
éponyme a conçu les bureaux de 27 000 pieds carrés. « Grip souhaitait
insuffler une allégresse et une intelligence au sein de l’espace, des
caractéristiques qui lui sont propres et définissent sa façon d’aborder
les projets. Le parcours et le processus doivent être aussi agréables
que le produit en lui-même. » D’où le toboggan, devenu l’icône de
l’agence, qui a même intitulé son blogue The Big Orange Slide.
Grip et Chou ont un long passé en commun. En 2003, ce dernier
a conçu les premiers bureaux de l’agence rue Queen O. Grip l’a
recontacté en 2006 pour ses nouveaux bureaux 179 John Street
dans un entrepôt de briques de huit étages datant de 1900 et acheté
en 2008 par Allied Properties REIT. Grip en a d’abord occupé les
cinquième et sixième étages, puis en 2011, le septième, également
aménagé par Chou.
Grip a été fondée en 2002 par huit associés qui voulaient
replonger dans l’univers amusant et désordonné de la création. Ils ont
imaginé une structure corporative linéaire avec moins d’intermédiaires
et moins d’interférences, afin que les idées demeurent fortes et
fraîches tout au long du processus créatif. La réussite de la croissance
de Grip — l’équipe compte maintenant 180 personnes — est la
collaboration entre les employés et les clients et un sentiment mutuel
d’ouverture d’esprit et de copropriété.
C’est la raison pour laquelle Chou a voulu trouer le plancher. « Il
était très important qu’il existe un espace commun où tout le bureau
pourrait se rassembler » explique-t-il. « Un espace qui relie tout un
chacun sans impression de hiérarchie. »
The Interior / L’Intérieur
The airy design—including a large hole in one floor—reflects an emphasis on openness
and collaboration. / L’espace aéré - incluant une grande ouverture au milieu des
étages – traduit l’accent mis sur l’ouverture d’esprit et la collaboration.
Block / 25
THE WOW FACTOR IS STILL THERE AFTER
EIGHT YEARS, AND THAT’S WHAT WE LIKE
THE MOST ABOUT THIS SPACE. / même
après huit ans, l’effet de surprise
est toujours là, et c’est ce que
nous aimons le plus à propos de cet
espace.
With the atrium anchoring the design, Chou stripped the building
back to its brick and wood. Into the large expanses, he inserted a
series of eye-catching meeting rooms, many with a self-contained,
sculptural quality. (Chou, a former gallerist, favours the word
“sculptural.”) Wrapping around the meeting rooms are openconcept work areas, private offices and editing suites; the common
spaces are as thoughtfully designed as the working spaces.
Throughout the office are fanciful overtures to Grip’s clients.
In homage to beer accounts such as Budweiser and Kokanee, one
boardroom is clad in frosted stainless steel to evoke a beer fridge;
its door is opened via an old refrigerator handle. In a nod to fastfood chains like KFC and Taco Bell, workstations on the top floor
look like booths at a diner.
“The biggest fear when you are doing something that’s got more
character is that it becomes dated quickly,” says Rich Pryce-Jones,
a partner at Grip and the agency’s point man during renovations.
“The nice thing about Chou’s clean and minimalist work is that
it hasn’t really aged. You see people walk in and go, ‘Wow.’ The
wow factor is still there after eight years, and that’s what we like
the most about this space.” / L’atrium servant d’ancrage au design,
Chou a fait réapparaître la brique et le bois de l’immeuble. Au sein de
ces espaces aérés se trouve une série de salles de réunion avec une
qualité sculpturale individuelle (le terme « sculptural » est un des mots
favoris de Chou, autrefois propriétaire d’une galerie d’art). Des espaces
de travail ouverts, des bureaux privatifs et des salles de montage
entourent ces salles de conférences; les espaces communs ayant été
conçus avec autant d’attention que les espaces de travail.
Les bureaux sont ponctués d’hommages aux clients de Grip. Pour
honorer Budweiser et Kokanee, une des pièces est revêtue d’acier
givré évoquant un réfrigérateur à bières, et sa porte dotée d’une
ancienne poignée de frigo. En clin d’œil aux chaînes de restauration
rapide telles KFC et Taco Bell, les espaces de travail de l’étage
supérieur sont équipés de banquettes de casse-croûte.
« Quand on crée quelque chose qui a de la personnalité, le risque
est que cela se démode vite » constate Rich Pryce-Jones, associé chez
Grip et chargé des rénovations. « La beauté du travail minimaliste de
Chou est que celui-ci a bien vieilli. Les gens entrent et sont émerveillés.
Même après huit ans, l’effet de surprise est toujours là, et c’est ce que
nous aimons le plus à propos de cet espace. »
26
The Interior / L’Intérieur
In this boardroom, and throughout the office, original details of the century-old, brick-andbeam building remain visible. / Les détails originaux de l’immeuble centenaire sont visibles
dans cette salle de conférence, comme dans l’ensemble des bureaux.
Block / 27
With two new, buzzworthy restaurants, Mercuri has
re-established a bold presence in Montreal. / Grâce
à ses deux restaurants dont tout le monde parle,
Mercuri s’impose à nouveau à Montréal.
28
The Business / L’Entreprise
the comeback kid
After a few years out of the spotlight, acclaimed chef Joe Mercuri is
transforming the Montreal dining scene. Again. / Après quelques années
loin des projecteurs, le chef acclamé Joe Mercuri transforme
la scène culinaire montréalaise. À nouveau.
by / par stéphanie verge
Photo / Photo gabrielle sykes
A heritage building in Old Montreal is, perhaps, the last place
you would expect to find a venture by the premium-casual
hospitality group, Houston Restaurant Inc. And a premiumcasual eatery is, perhaps, the last place you would expect to
find Joe Mercuri, the 40-year-old chef who vaulted into the
culinary stratosphere in 2003, when enRoute magazine called
his envelope-pushing fine dining spot, Brontë, Canada’s Best
New Restaurant.
Joe Mercuri, however, is all for confounding expectations.
After Brontë closed in 2010, Houston approached Mercuri,
offering not only to hire him as a consultant for four years, but
also, to back his next venture. “I have a seven-year-old son who
wanted to go to chain restaurants with his friends. Once you’re
there you start asking yourself, Why don’t I see fresh vegetables on
these plates?” says Mercuri. “What better way to get my message
across—using fresh produce, sourcing locally—than to work for a
big business?”
Mercuri has retained his role as Houston’s executive chef, but
lately, he has been focused on his “next venture” in Old Montreal,
which he describes as “one space, two concepts.” The two spots
sprawl across 5,000 square feet within the red brick building
at 645 Wellington Street, which was built starting in 1870 and
acquired by Allied Properties REIT in 2010. The fine dining
portion is called Mercuri Suite; the casual lunch and cinq-à-sept
alternative is Bar Mercuri.
Whereas Brontë meant meeting the demands of diners as well
as hotel guests (it was located within Le Méridien Versailles), the
new spot allows Mercuri total control. “I love being able to cook
what I want,” he says. “When I’m cooking, I get excited—I really
love being in the kitchen.”
The restaurant business has been a part of Mercuri’s life for
three decades: When he was 13, he started washing dishes at
the Lachine mainstay Il Fornetto. He moved up to busboy, then
waiter, and, eventually opened a salad-and-sandwich spot down
the street. Cooking school was then followed by stints at Lucca
(Italian), Mediterraneo (Mediterranean) and Cube (French).
Un bâtiment historique dans le Vieux-Montréal est, sans doute, le
dernier endroit où l’on s’imagine trouver Houston Restaurant Inc., un
groupe proposant un service de restauration relax. Et un restaurant
décontracté est, sans doute aussi, le dernier endroit où l’on s’attend à
trouver Joe Mercuri, ce chef de 40 ans propulsé dans la stratosphère
culinaire en 2003 lorsque sa table gastronomique Brontë a été élue
Meilleur nouveau resto canadien par le magazine enRoute.
Joe Mercuri, pourtant, aime bien dérouter.
Lorsque Brontë a fermé ses portes en 2010, Houston a offert à
Mercuri non seulement de l’engager en tant que consultant pendant
quatre ans, mais aussi de soutenir son prochain projet. « J’ai un
fils de sept ans qui voulait aller dans ce type de restaurants avec
ses amis. Une fois sur place, vous commencez à vous demander
pourquoi il n’y a pas de légumes frais dans l’assiette » raconte
Mercuri. « Quelle est la meilleure façon de faire passer mon message
— l’utilisation de produits frais et locaux – si ce n’est de travailler
pour un grand groupe? »
Mercuri a conservé sa position de chef principal chez Houston,
mais dernièrement, il s’est également concentré sur son prochain
projet dans le Vieux-Montréal, qu’il décrit comme « un espace, deux
concepts ». Les deux concepts en question s’étendent sur 5000 pieds
carrés au 645 rue Wellington, dans un immeuble de briques rouges
construit en 1870, et racheté par Allied Properties REIT en 2010. La
table gastronomique se nomme simplement Mercuri tandis que la
partie bistro, plus relax et axée sur les 5 à 7, s’appelle le Bar Mercuri.
Alors que chez Brontë (situé dans Le Méridien Versailles), Mercuri
devait satisfaire à la fois les demandes des clients du restaurant et de
l’hôtel, ce nouvel endroit lui donne carte blanche. « J’adore pouvoir
cuisiner ce que je veux, » dit-il. « Quand je cuisine, je suis enthousiaste
— j’adore être en cuisine. »
La restauration fait partie de la vie de Mercuri depuis trois
décennies: à 13 ans, il a commencé comme plongeur chez Il Fornetto,
à Lachine. Il est ensuite devenu commis-serveur, puis serveur pour
enfin ouvrir un comptoir à salades et sandwich un peu plus loin dans
la même rue. L’école de cuisine a ensuite été suivie d’emplois chez
Lucca (italien), Mediterraneo (méditerranéen) et Cube (français).
Block / 29
Though Mercuri’s techniques
are influenced by a range
of European traditions, his
restaurants are unmistakably
Montréalais. / Bien que les
techniques de Mercuri sont
influencées par une
variété de traditions européennes,
ses restaurants sont
incontestablement montréalais.
30
The
TheBusiness / L’Entreprise
Business / L’Entreprise
Mercuri’s tour through European cuisine informed his style, but
don’t call it fusion. This is Modern Montreal. “I’ve never lived or
worked anywhere else. Montreal is where I’ve learned how to eat,
how to taste, how to develop flavours,” he says. “Fusion is when a
classically trained chef works abroad, discovers new ingredients
and brings them home. My ingredients were already here.”
Jean-Talon Market. Atwater Market. Chinatown. Little
Italy. These are Mercuri’s scouting grounds, and his penchant
for seasonal offerings can lead to everything from mushroom
tartare to braised octopus with olives and chilies. Another source
of inspiration is Mercuri’s favourite feature of the new space: a
charcoal- and wood-burning oven. Much of the cooking for the
two restaurants is done in it, whether it’s fish, whole pieces of
meat, vegetables in the oven’s ash or birds à la ficelle. The chef
fine-tuned the process by roasting beets and squashes under
ash, and mushrooms under hay, at his family’s country place in
Ontario—about as far afield as he goes for inspiration.
Now that his second-born has arrived, Mercuri is shopping
around a reality-TV series based on the business, titled The Juice.
The term was the first bit of restaurant lingo he learned, courtesy
of a server who sternly warned him to never let anyone fall in the
juice, i.e. get overwhelmed by demand. “There’s the good juice,
when you’re extremely busy and everything is flowing; and the
bad juice, when you’re extremely busy and everything is falling
apart,” says Mercuri. At his new spots, the juice, so far, is all good.
La tournée de Mercuri à travers la cuisine européenne a influencé son
style, mais n’appelez pas cela fusion. C’est du Montréal moderne. « Je
n’ai jamais habité ou travaillé ailleurs. J’ai appris à manger, à goûter et
à développer des saveurs à Montréal, » dit-il. « La cuisine fusion, c’est
lorsqu’un chef de formation classique travaille à l’étranger, découvre
de nouveaux ingrédients et décide de les rapporter chez lui. Mes
ingrédients ont toujours été là. »
Le marché Jean-Talon. Le marché Atwater. Le quartier chinois. La
Petite-Italie. Voilà les endroits qui inspirent Mercuri et son penchant
pour les produits saisonniers, qui deviendront tartares de champignons
ou pieuvre braisée aux olives et aux piments. L’outil préféré de Mercuri
au sein du nouvel espace, et son autre source d’inspiration, est le four
à bois. La majorité des cuissons y est effectuée, que ce soit poissons,
pièces de viande entières, légumes sous la cendre ou volailles à
la ficelle. Le chef a perfectionné ce processus en faisant rôtir des
betteraves et des courges sous la cendre, et des champignons sous
le foin, dans son chalet familial en Ontario — le plus loin qu’il aille
pour s’inspirer.
Maintenant que son deuxième projet est né, Mercuri cherche à
réaliser une émission de téléréalité culinaire qui s’intitulerait The Juice.
Ce terme est la première expression qu’il a apprise dans le monde
de la restauration, gracieuseté d’un serveur qui l’avait averti de ne
laisser personne être dans le jus, c’est à dire se laisser dépasser par la
demande. « Il y a le bon jus, quand vous êtes très occupé et que tout
se passe bien; et le mauvais jus, quand vous êtes très occupé et que
tout s’écroule » explique Mercuri. Dans ses nouveaux restaurants, le
jus se porte à merveille jusqu’à présent.
Block / 31
The Portfolio / Le Portfolio
simple joys
Photos / Photos jenNilee marigomen
jennilee marigomen’s photography depicts life’s simplest
pleasures: a walk through a park; a breezy beach; a beautiful sunset.
Marigomen, who also works at Vancouver’s Gallery 295, is focused
on capturing the extraordinary moments of ordinary life. This series,
shot mainly along the Seawall that encircles Vancouver’s Stanley
Park, does just that. “It is quite wonderful,” she says, “that a place
like this—so beautiful and ancient, filled with wildlife and 100-yearold trees, and experienced by generations before us—exists right
in downtown Vancouver.” / Les photos de jennilee marigomen
illustrent les plaisirs simples de la vie : promenades dans un parc ou
en bord de mer, couchers de soleil. Marigomen, qui travaille aussi à la
Gallery 295 à Vancouver, immortalise les moments extraordinaires d’un
quotidien ordinaire. À l’image de cette série de photographies, prises
notamment le long du Seawall qui encercle le Stanley Park à Vancouver.
« C’est vraiment merveilleux, observe-t-elle, qu’un endroit comme
celui-ci — splendide, ancestral, une nature à l’état sauvage, aux arbres
centenaires, dont plusieurs générations ont profité — existe en plein
cœur de ville. »
32
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The Portfolio / Le Portfolio
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The Portfolio / Le Portfolio
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The Portfolio / Le Portfolio
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The Portfolio / Le Portfolio
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The Portfolio / Le Portfolio
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The Portfolio / Le Portfolio
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The Conversation / La Conversation
blurred lines
So what if poet-sculptor-blogger looks funny on a business card? Three category-defying creative
minds discuss the benefits of crossing the lines. / Le titre de poète-sculpteur-blogueur surprend sur une carte
de visite? Peu importe. Trois esprits créatifs discutent des avantages à défier la norme.
interview by / entrevue par Mark Slutsky
illustration / illustration Raymond Biesinger
Sean Michaels is the author of the new
Jim Munroe is a novelist, filmmaker,
Alexis O’Hara is a spoken word artist,
novel, Us Conductors, and the founder
video game maker and the head of the
musician and visual artist, and the
of the acclaimed music blog Said the
Toronto video game arts and community
creator of “Squeeeque! The Improbable
Gramophone. / Est l’auteur du roman Us
organization The Hand Eye Society. / Est
Igloo,” an igloo made of old, functioning
Conductors et le fondateur du blogue
romancier, cinéaste, concepteur de
speakers. / Est musicienne, artiste en
musical Said The Gramophone.
jeux vidéo et à la tête de l’organisation
création parlée et visuelle, et a réalisé
40
torontoise pour l’art et la communauté
Squeeque! The Improbable Igloo, un igloo
des jeux vidéo, The Hand Eye Society.
fait à partir d’anciens haut-parleurs.
The Conversation / La Conversation
AO We live in a time right now
where basically everything
is interdisciplinary, because
we live in a screen-based
world. There are these media
platforms that are permeating
so many different levels. / Nous
vivons à une époque où presque
tout est interdisciplinaire, puisque
nous vivons dans un monde
d’écrans. Et les plateformes
médiatiques pénètrent des
strates très diverses.
JM I don’t remember a time
when I was like, “I’m done
with writing.” But I kept
pursuing other projects that
were in different media,
alongside my writing. I started
making games in about 2000,
and then gradually shifted my
focus from novel-writing to
games. / Je ne me souviens pas
d’un moment où je me suis dit:
« Je n’ai plus envie d’écrire de
romans. » Je me suis concentré
peu à peu sur d’autres projets
dans d’autres types de
médias, en plus de l’écriture.
J’ai commencé à concevoir
des jeux vidéo en 2000, puis
Block / 41
The Conversation / La Conversation
graduellement, je suis passé de
l’écriture aux jeux.
AO Yeah—spoken word was a
fun medium for me to start off
and find my voice and develop
some performing techniques,
but then it felt like it was too
limited in scope, and there was
sort of a ceiling as to how far
you can get. / Oui — le slam ou
le spoken word a été un médium
amusant pour moi à mes débuts.
Cela m’a permis de découvrir
ma voix et de développer des
techniques de scène, mais par
la suite cela m’a semblé limité,
comme une sorte de plafond qui
vous empêche d’aller plus loin.
On the one hand, there’s
something so seductive about
some of these old professions
SM
there’s
something
seductive
about old
professions
that have simple
names. / Les
vieux métiers au
titre simple ont
quelque chose
de séduisant.
42
that have such simple names,
like the Writer, the Poet,
the Painter. It’s nice when
someone asks what I do, to not
have to say I’m a blogger slash
whatever, to be able to say, “Oh,
I’m a writer,” or “I’m a critic.”
There’s something secure about
that identity. But if I were to
actually look at my practice
and the things that electrify
it, it’s absolutely about those
moments when you start getting
a certain energy from those
slashes. / D’un côté, ces vieux
métiers ont quelque chose de
séduisant avec leur titre simple,
comme écrivain, poète, peintre.
C’est agréable quand quelqu’un
me demande ce que je fais de
ne pas avoir à lui répondre que
je suis blogueur trait d’union
quelque chose, mais plutôt « Je
suis écrivain » ou «Je suis critique
». Cette identité est rassurante.
Mais si j’observe réellement mes
activités et les choses qui les
électrisent, ce sont ces multiples
traits d’union qui me donnent
de l’énergie.
AO I think people sometimes
have problems with labels.
There are assumptions
made about what a thing is
and therefore you become
that assumption. And that’s
uncomfortable for most
artists, to be defined in that
way. / Je crois que les gens
ont souvent de la difficulté
avec les étiquettes. Ils font des
suppositions sur ce qu’une
chose doit être, et vous voilà
catégorisé. La plupart des
artistes sont mal à l’aise d’être
définis de la sorte.
JM My feeling is, it can be
quite complementary to
work in one medium and
then switch to another. Not
just creatively, but also from
the perspective of getting to
know new people. / Selon moi,
travailler dans un médium, puis
se tourner vers un autre peut être
complémentaire. Pas seulement
pour l’aspect créatif, mais
aussi pour faire la connaissance
de nouvelles personnes.
AO Certainly I’ve thought if
I were walking in a straight
line, if I could just pick one
discipline, then I might be
able to afford a house. But I
just spent the last four years
in media arts festivals, with
people who are doing computer
programming and all this
high-tech stuff, and I’m just
wiring speakers together, you
know? But I have this piece that
really works in that world, and
it works for many reasons. And
then I said, Okay, I’m a media
artist now. I’ve got to follow it
up. What’s my next piece? And
I just kept stumbling, making
these pieces that were just not
working. So now, I’m going to
go back to making music for a
while. / Évidemment, j’ai pensé
que si je marchais droit et que je
choisissais une seule discipline,
je pourrais peut-être avoir
les moyens de m’acheter une
maison. Mais je viens de passer
les quatre dernières années
dans des festivals artisticomédiatiques avec des gens qui
font de la programmation et
plein de choses dans le domaine
des hautes technologies, et moi
pendant ce temps-là, j’installe
des haut-parleurs, tu vois?
I love the story of American
sprinter Carlin Isles, who
was a top sprinter, but not
one of the absolute best in the
world. One day, he asked his
manager to look into sports
where his sprinting abilities
would be useful. His manager
suggested rugby, and now he’s
a top rugby player. They just
pass the ball to him and he
runs really fast down the field.
I love the moment where the
fact that he was a sprinterslash-athlete suddenly made
him an incredible rugby player.
I feel some of that in my own
work, where even though it’s
SM
The Conversation / La Conversation
seductive to be able to say I’m
a writer, the things that I get
from my online work or from
my music writing, the different
ways that I do things, it’s fun
to know that you’re really just
stealing tricks from other
ways of doing things. / J’adore
l’histoire du sprinter Carlin Isles,
qui était excellent mais pas le
meilleur au monde. Un jour, il a
demandé à son agent de faire des
recherches pour voir dans quels
sports ses talents pourraient être
utiles. Son agent lui a suggéré
le rugby, et aujourd’hui, il est un
des meilleurs joueurs de rugby
au monde. Ils lui passent le ballon
et il court très rapidement sur
le terrain. J’adore ce moment
où le fait d’être un sprinter trait
d’union athlète a soudain fait de
lui un incroyable joueur de rugby.
Je ressens un peu la même
chose dans le cadre de mon
travail: même si le fait de dire
que je suis écrivain a quelque
chose de séduisant, ce que
m’apporte mon travail en ligne ou
la composition, mes différentes
façons de travailler, tout cela rend
le processus amusant et montre
que l’on peut piquer des trucs à
nos diverses activités.
JM I‘ve had that experience a
lot with bringing the writing
I do into a game context. I’m
nothing special when looked
at as part of the novelist
community—there are a ton of
people who are more successful
or just better at writing than
I am—but in the games world,
where there’s not a lot of great
writing, it really stands out.
It’s the same with friends of
mine who are really talented
illustrators or cartoonists, but
their stuff doesn’t get noticed
because it’s not super-unique.
But you bring something that’s
moderately unique in the
comics world into the games
world and it just stands out like
crazy and people love it. When
the context for a work changes,
it can be pretty powerful. / J’ai
vécu cette expérience à maintes
reprises en mettant mon écriture
au service des jeux vidéo. Je ne
suis pas spécialement considéré
comme un grand écrivain au sein
de la communauté littéraire —
il y a beaucoup de gens qui ont
plus de succès ou qui écrivent
mieux que moi – mais dans le
domaine des jeux, où l’écriture
de qualité est plus rare, mes
textes sortent du lot. C’est la
même chose pour certains
de mes amis illustrateurs
ou bédéistes qui sont très
talentueux, mais qui ne reçoivent
pas beaucoup d’attention
puisque leur travail n’est pas
super-original. Mais si vous
transposez quelque chose de
raisonnablement original du
monde de la BD au monde des
jeux vidéo, alors vous vous
démarquez et les gens adorent.
Lorsque le contexte de l’œuvre
change, le résultat peut être
grandiose.
I’m very bad at recognizing
that in myself, because I
function constantly in a
state of insecurity, which
AO
keeps me on my toes and I
think ultimately makes me a
better performer. But yeah,
I’ve certainly accumulated a
lot of things along the way; I
have a good toolbox. / Je ne
suis pas très douée pour voir
ça en moi car je fonctionne
dans un état d’insécurité
permanent, ce qui me garde
bien alerte et finalement fait de
moi une meilleure artiste. Mais
effectivement, j’ai certainement
accumulé beaucoup de choses
en cours de route; j’ai une boîte
à outils solide.
So much of art is based
on metaphor. Like, “It’s a
painting of an empty glass
that represents my existential
melancholy!” There’s
something so interesting about
using different metaphors
and different media to access
something that I can’t access
as easily with writing. After
watching the movie The Great
Beauty, which is a strangely
shaped and plotted film, I
remember asking myself:
“How would I write a book like
that film?” With both, you’re
gesturing toward the same
feelings, but using different
metaphors or an entirely
different vocabulary. I find that
really inspiring. / L’art se base
SM
when the
context for a
work changes,
it can be pretty
powerful. /
LORSQUE LE
CONTEXTE DE
L’ŒUVRE CHANGE,
LE RÉSULTAT
PEUT ÊTRE
GRANDIOSE.
média pour atteindre une chose
à laquelle l’écriture ne me donne
pas si facilement accès. Après
avoir vu La Grande beauté, un
film à l’intrigue et au format
étranges, je me souviens m’être
demandé comment j’écrirais un
livre comme ce film. Avec les
deux supports, vous exprimez
les mêmes sentiments, mais
en utilisant des métaphores et
un vocabulaire entièrement
différents. Je trouve cela très
inspirant.
souvent sur les métaphores.
Par exemple, « Ce tableau
d’un verre vide représente ma
mélancolie existentielle! » Il y a
quelque chose de très intéressant
dans l’utilisation de différentes
métaphores et de différents
Block / 43
Made / Construit
Boom time
Getting technical about pyrotechnics. / La technique derrière la pyrotechnie.
by / par Kevin Chong
At the Honda Celebration of light in Vancouver this summer,
a crowd of 1.2 million will collectively crane their necks toward
the night sky above English Bay as it becomes etched with light.
Teams representing three countries will marry pyrotechnics
to a musical theme, delighting the crowds at this annual
spectacle. Behind each explosion, however, is much hard work
and preparation.
“All fireworks start as chemicals or carbon,” explains the
event’s producer Kelly Guille, whose official job title is—actually—
Chief of Awesome. “By mixing different formulations, we are left
with stars, which is what creates the colour you see in the sky.
We pack the stars into shells, which are shot into the sky out of
mortars. When a time fuse, lit at launch, burns into the centre of
the shell, it explodes.”
The fireworks sit on racks on top of a bed of sand and are set
off from behind a retaining wall. For safety’s sake, the fuse of each
mortar shell is lit with an electric match, triggered automatically
from a safe distance away. Each type of fireworks explosion has its
own name. The loud ones, with just a white flash and a bang, are
called salutes. “A lot of the effects are named after nature,” Guille
says. “A willow shell is the gold draping, slow-falling effect.” Other
common effects include the peony (a round flare of changing light)
and the brocade (a shower of lacy sparks).
Each performance in Vancouver’s Celebration of Light will
last nearly half an hour. Judges will evaluate the teams using five
criteria, including originality and colour. Guille says that the
winning team gets “boasting rights”—and it’s a resumé-builder
for future competitions and clients.
For most attendees, however, there are no winners or losers:
Just a bright, booming, spectacular celebration.
44
À VANCOUVER CET ÉTÉ, pendant la Honda Celebration of Light, 1,2
million de spectateurs tendront collectivement le cou vers le ciel gravé
de lumière au-dessus d’English Bay.
Des équipes représentant trois pays marieront la pyrotechnie
à un thème musical, enchantant les foules durant ce spectacle annuel.
Toutefois, chaque explosion demande énormément de travail et
de préparation.
« Au départ, tous les feux d’artifice ne sont que produits chimiques
ou carbone » explique le producteur Kelly Guille, dont le titre officiel
est — vraiment — Chef du fabuleux. « En mélangeant des formules
différentes, nous obtenons des étoiles qui créent la couleur que vous
apercevez dans le ciel. Nous entassons les étoiles dans des bombes,
qui sont tirées à l’aide de mortiers. Lorsque le détonateur, allumé au
moment du tir, se consume au centre de la bombe, celle-ci explose. »
Les feux d’artifice sont déclenchés derrière un mur de soutènement.
Pour des raisons de sécurité, la mèche de chaque bombe est allumée à
l’aide d’une allumette électrique, amorcée automatiquement à distance.
Chaque type de feu d’artifice possède un nom. Les plus bruyants, un
éclair blanc et une détonation, sont appelés les salutes. « De nombreux
effets tirent leur nom de la nature » note Guille. « La bombe saule
pleureur est drapée d’or et a une tombée lente. » Il y a aussi la pivoine
(un flamboiement sphérique d’étoiles changeantes) et le brocart (une
pluie d’étincelles rappelant la dentelle).
Chaque spectacle à Vancouver dure environ une demi-heure. Les
équipes sont jugées selon cinq critères, incluant l’originalité et la couleur.
Guille explique que l’équipe gagnante remporte le « droit de se vanter »
— elle bâtit ainsi sa réputation pour les compétitions et les clients à venir.
Pour la plupart des spectateurs par contre, il n’y a ni gagnant ni
perdant : simplement une célébration de la lumière, spectaculaire et
retentissante.
Photos courtesy of brand.live / avec l’aimable autorisation de brand.live
Made / Construit
Block / 45
Now & Then / D’hier à aujourd’hui
the newsmaker
This Vancouver landmark has enjoyed a century in the spotlight. / Un monument centenaire à Vancouver, toujours sous les feux des projecteurs.
by / par Guy Saddy
1927
in 1918, Harry “The Human Fly” Gardiner
had almost reached the summit of what was once the tallest
building in the British Empire. As he shimmied up the Beaux Arts
cupola and slipped inside, the crowd below cheered. It wouldn’t be
the last time Vancouver’s Sun Tower would make news.
Designed by W.T. Whiteway and completed in 1912, the
17-storey, 269-foot-tall Edwardian structure at 128 Pender Street
was commissioned by mayor L.D. Taylor to be the headquarters
of his Vancouver World newspaper. But the World was not long for
this world, and the Seattle-based moving company Bekins bought
the building in 1924. In 1937, however, the building reverted to
its originally intended use when the Vancouver Sun moved in.
Rechristened the Sun Tower, the iconic structure would keep the
name even after its namesake moved out in 1965.
Acquired in 2011 by Allied Properties REIT, the Sun Tower
remains one of the most recognizable buildings in Vancouver—and
beyond. From a major role as the skyline-dominating Watchtower
on the hit TV series Smallville, to a bit part in the Twilight
feature-film franchise, the Sun Tower’s star allure is enduring and
unmistakable. Always has been. Just ask Harry Gardiner.
Left / à gauche : W. J. Moore right / à droite : Harry Choi
ON a NovembER DAY
2014
UN JOUR DE NOVEMBRE 1918, Harry « The Human Fly » Gardiner
atteignait presque le sommet de ce qui était alors le plus haut immeuble
de l’Empire britannique. Tandis qu’il se hissait et se faufilait à l’intérieur
de la coupole des Beaux Arts, la foule l’applaudissait. Ce n’était pas la
dernière fois que la Sun Tower de Vancouver ferait la une des journaux.
Dessinée par W.T. Whiteway et achevée en 1912, la structure
édouardienne de 17 étages et 82 mètres de haut, située au 128 rue
Pender, avait été mandatée par le maire L.D. Taylor pour devenir le
siège social de son journal, le Vancouver World. Mais ce dernier n’a pas
fait long feu, et la compagnie de déménagement de Seattle, Bekins, a
racheté l’immeuble en 1924. En 1937 pourtant, il retrouvait sa vocation
d’origine en accueillant le Vancouver Sun. Rebaptisée Sun Tower, la
structure iconique a depuis conservé ce nom, même après le départ
de son homonyme en 1965.
Achetée en 2011 par Allied Properties REIT, la Sun Tower demeure
l’un des immeubles les plus célèbres de Vancouver — et au-delà. De
rôle principal en tant que tour d’observation dominant la ligne d’horizon
dans la série Smallville à une apparition dans la saga cinématographique
Twilight, la prestance de la star Sun Tower est remarquable. Elle l’a
toujours été. Il vous suffit de demander à Harry Gardiner.
Block / 47
Dirty means getting your hands in the
dirt to get things done. It’s what inspired
me to found Evergreen over 20 years ago.
And getting dirty is how we’re building
a healthier city. Because dirty is doing.
Dirty is thinking. Dirty is green.
Dirty is good.
Geoff Cape,
CEO and Founder of Evergreen.
Get dirty for your city at
evergreen.ca
48
Rethink / Repensé
unlikely inspiration
by / par Leah McLaren illustration / illustration jason logan
Desperately in love and in my
20s, I quit my job and followed
a man to a new country. Soon it
became apparent things weren’t
working out. The man seemed
withdrawn and showed no sign
of wanting to make a serious
commitment. Heartbroken, but
without a quarrel, I packed my
bags and returned home. A few
weeks later he called and asked:
would I marry him, please?
This was my first lesson
in what philosophers and
economists call the theory of
obliquity, which purports that if
you want to go in one direction,
often the best way to get there is
to head off in the other.
It seems paradoxical, but
evidence of obliquity abounds.
We instinctively know that
going for a brisk walk is usually
a better solution to writer’s block
than staring at a blank screen.
Similarly, that the best creative
ideas often arrive in bed or in the
shower. But why—and when—
does obliquity work?
According to the British
economist John Kay, the oblique
approach shines “in difficult
terrain or where outcomes
depend on interactions with
other people.” Obliquity, he
writes, is “characteristic of
systems that are complex,
imperfectly understood and
change their nature as we
engage with them.”
Kay cites forest fires as
a perfect example. For most
of the 20th century, the U.S.
National Parks Service fought
to extinguish every forest fire.
Maddeningly, the incidence
of blazes only increased.
why, next time you’re struggling
with some intractable, creative
problem, you should probably
close your laptop and head
to the pub. / FOLLEMENT
Over time, firefighters
realized that most minor forest
fires naturally extinguish
themselves. As these fires
run their natural course,
firebreaks are created through
the destruction of combustible
underbrush. In other words,
smaller forest fires often
prevent larger ones. Once the
Parks Service started letting
firefighters use discretion
when deciding which fires to
fight, damages from the
blazes plummeted.
There is, of course, much
to be said for directness in
life. An unpaid bill, obliquely
ignored, will not take care of
itself. A crumbling wall requires
direct attention. But for life’s
complicated, holistic problems—
problems of work, of fulfillment,
of wishing to, say, write a
bestseller or create an enduring
work of art—an indirect
approach is often wisest.
This is why performance
artist Marina Abramović
has said she gets some of her
best ideas in airports. It’s why
Beethoven spent the better
part of every afternoon strolling,
and not composing. And it’s
AMOUREUSE, et dans la
vingtaine, j’avais quitté mon
emploi pour suivre un homme
à l’étranger. L’homme en
question semblait détaché et ne
montrait aucun signe sérieux
d’engagement. Le cœur brisé, j’ai
fait ma valise et je suis rentrée à
la maison. Quelques semaines
plus tard, il me téléphonait pour
me demander si j’acceptais de
l’épouser.
Ce fut ma première leçon
de ce que les philosophes et
économistes appellent la théorie
de l’obliquité, qui veut que la
meilleure façon de se rendre à
un point donné est bien souvent
de prendre la direction opposée.
Cela semble paradoxal, mais
les preuves soutenant cette
théorie abondent. Nous savons
d’instinct qu’une promenade
est généralement la meilleure
solution pour vaincre l’angoisse
de la page blanche plutôt que de
fixer un écran vide. De même,
les meilleures idées créatives
nous viennent souvent au lit ou
sous la douche. Mais pourquoi
— et quand — l’obliquité
fonctionne-t-elle?
Selon l’économiste
britannique John Kay, l’approche
oblique est une réussite surtout
« dans des situations difficiles ou
lorsque les résultats dépendent
d’interactions avec d’autres
personnes. » L’obliquité, dit-il, est
« caractéristique de systèmes
complexes, mal compris et dont
la nature change lorsque nous
les abordons. »
Kay cite les feux de
forêt en exemple. Pendant
presque tout le 20e siècle, le
U.S. National Parks Service
a combattu chaque feu
de forêt. Étrangement, le
nombre d’incendies n’a fait
qu’augmenter.
Les pompiers ont réalisé
avec le temps que la plupart
des feux de forêt mineurs
s’éteignent d’eux-mêmes. Au fur
et à mesure que le feu avance,
les zones broussailleuses
calcinées forment des coupefeu naturels. En d’autres
termes, les petits feux de forêt
préviennent souvent les grands.
Les dommages ont fortement
diminué lorsque le Service des
parcs a laissé aux pompiers le
choix de combattre tel ou tel feu.
L’approche directe a, bien
évidemment, ses mérites au
quotidien. Une facture non
payée, obliquement ignorée, ne
se paiera pas d’elle-même. Un
mur qui s’écroule aura besoin
d’une attention immédiate. Mais
pour les problèmes compliqués
de la vie — professionnels,
accomplissement personnel,
désir d’écrire un livre à succès
ou de créer une œuvre d’art
pérenne — l’approche indirecte
est souvent la plus sage.
Voilà pourquoi Marina
Abramovic a ses meilleures
idées dans des aéroports et que
Beethoven passait ses aprèsmidis à se promener, et non à
composer. Alors la prochaine
fois que vous serez en panne
d’inspiration, fermez plutôt votre
ordinateur et rendez-vous au bar
le plus proche.
Block / 49
Fill in the Blank / Veuillez combler l’espace
THE CHALLENGE: Every issue we ask a different artist: What would you
do with your very own urban infill? / LE DÉFI : Dans chaque numéro,
nous demandons à un artiste ce qu’il ferait de sa propre dent creuse.
illustration / illustration Gary taxali
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Cécile Raizonville, shot by Richmond Lam. April 22, Montreal. / Cécile Raizonville, photographiée par Richmond Lam. 22 avril, Montréal.