ItaliaDanza - Balletto Oggi

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5,00 Euro • mensile • nº 226 • I. 2012 • Poste Italiane Spa - Spedizione in Abbonamento Postale - 70% - DCB Milano
la rivista internazionale della danza • mensile • n° 226
Trilingue: ITALIANO • FRANÇAIS • ENGLISH
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Directeur de la publication
Direttore responsabile / Editor-in-chief
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Roger Salas
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René Sirvin
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la revue internationale de la danse
la rivista internazionale della danza
the international dance magazine
Editorial advisor
Editorial assistant
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Traductions/Traduzioni/Translations
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n° 226 - Janvier/Gennaio/January 2012
Éditions Ballet 2000 Sarl
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4
Affiche/Cartellone/Calendar
12
Echos – nouvelles du monde de la danse
Brevi – notizie dal mondo della danza
News – from the dance world
26
Lyon, le contemporain à visage humain
Lione, il contemporaneo dal volto umano
Contemporary with a human angle in Lyon
41
Les critiques / Recensioni spettacoli / Critics :
Bolshoi Ballet, Moscow • Compagnie Rosas/Anne Teresa De Keersmaeker •
Ballet de Marseille • Michael Clark Company • Rambert Dance Company • Ballet
de l’Opéra de Paris • Wiener Staatsballett • Staatsballett Berlin • Ballet de l’Opéra
de Bordeaux • The Forsythe Company • Kirov-Mariinsky Ballet, St. Petersburg •
Marco Berrettini
58
Multimedia : TV, Web, Dvd...
64
TV
af
he • car
tellone • calendar • af
he • car
tellone calendar • af
he • car
he
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
Hamburg
Staatsoper
6, 9. III: Tod in Venedig – c. J.
Neumeier – Hamburg Ballet
10, 14, 15, 17. III: Die
Kameliendame – c. J. Neumeier
– Hamburg Ballet
AUSTRIA
Wien
Staatsoper
12, 13, 19, 20, 23. II, 3. III: Suite
en blanc – c. S. Lifar; Before
Nightfall – c. N. Christe;
L’Arlésienne – c. R. Petit –
Wiener Staatsballett
24, 26, 28. III: Anna Karenina
– c. B. Eifman – Wiener
Staatsballett
7, 10, 16. III: Glass Pieces; In
the Night – c. J. Robbins;
Stravinsky Violin Concerto;
Theme and Variations – c. G.
Balanchine – Wiener
Staastballett
Volksoper
2, 5, 8. II: Le Concours – c. M.
Béjart – Wiener Staatsballett
Hannover
Staatstheater
17, 19. II, 2, 8, 23, 28. III: “Tango!”
– c. H. Van Manen, J. Mannes,
K. Chan – Ballett der Staatsoper
Hannover
10, 15, 25. III: Alice in
Wonderland – c. J. Mannes –
Ballett der Staatsoper Hannover
Leipzig
Oper
18, 24. II: Chaplin – c. M.
Schröder – Leipziger Ballett
2, 5, 12. II: Carmina Burana; A
Dharma at Big Sur – c. M.
Schröder – Leipzig Ballet
9, 11, 23. III: Mördenballaden
– c. M. Schröder – Leipzig Ballet
BELGIQUE
Anvers
Theater’t Eilandje
31. III: Ballet Royal de Flandre:
Serenade – c. G. Balanchine;
création – c. J. Elo; After the
Rain – c. C. Wheeldon
Bruxelles
Théâtre de la Monnaie
21, 22. III: Cie Sidi Larbi
Cherkaoui: Apocrifu
Gent
Vlaamse Opera
17, 18, 19. II: La Belle au bois
dormant – c. M. Petipa (M.
Haydée) – Ballet Royal de
Flandre
CZECH REPUBLIC
Prague
State Opera
4, 7. II: Le Lac des cygnes – c.
M. Petipa, L. Ivanov – Prague
National Theatre Ballet
16, 19. II, 4. III: Don Quichotte
– c. M. Petipa – Prague National
Theatre Ballet
20, 21, 28. II: Giselle – c. Z.
Lieldid-a-Kolbina – Prague
11. III: Cinderella – c. P. Smok,
P. Dumbala – Prague National
Theatre Ballet
20. III: Sleeping Beauty – The
Story of Anastasia – c. Y. Vámos
– Prague National Theatre Ballet
National Theatre
4. II, 2, 6. III: Onegin – c. J.
Ketevan Papava, Eno Peci – Wiener Staatsballett: “Anna Karenina”, c. Boris Eifman (ph. A. Zeininger)
16-18. III: New York City Ballet:
Symphony
in
Three
Movements; Tarantella; Divertimento Nr. 15 – c. G.
Balanchine; Dances at a
Gathering – c. J. Robbins
Cranko – Prague National
Theatre Ballet
9, 10, 16. II: Le Lac des cygnes
– c. M. Petipa, L. Ivanov – Prague
26. II: Cinderella – c. P. Smok,
P. Dumbala – Prague National
Theatre Ballet
Estate Theatre
18. II: Goldilocks – c. J. Kodet
– Prague National Theatre Ballet
Berlin
Schiller Theater
5, 14, 16, 14, 15, 28. II:
Symphony of Sorrowful Songs
– c. R. Savkovic – Staatsballet
Berlin
23. III: Caravaggio – c. M.
Bigonzetti – Staatsballett Berlin
Deutsche Oper
9, 12, 17. II, 2. III: Romeo und
Julia – c. J. Cranko – Staatsballett
Berlin
6, 9, 21, 29. III: Blanche-Neige
– c. A. Preljocaj – Staatsballett
Berlin
Komische Oper
1. III: The Wonderful Wizard –
c. G. Madia – Staatsballett Berlin
DANEMARK
Copenhagen
Det Kongelige Teater – The
Old Stage
29. II, 3, 6, 8, 13, 15, 24. III:
The Lesson – c. F. Flindt; The
Concert – c. J. Robbins – Royal
Danish Ballet
30. III: Die Kameliendame – c.
J. Neumeier – Royal Danish
Ballet
Det Kongelige Teater – The
Opera House
23, 24, 28. II: A Folk Tale – c.
A. Bournonville (N. Hübbe) –
Royal Danish Ballet
Düsseldorf
Opernhaus
17, 24, 25. III: Backyard – c. U.
Ivgi, J. Greben; Violakonzert –
c. M Schläpfer; Fearful
Symmetries – c. N. Christe –
Dresden Ballet
29, 31. III: Marsch, Walzer, Polka;
Forellenquintett;
Reformationssymphonie – c. M.
Schläpfer – Dresden Ballet
Frankfurt
Frankfurt LAB
22-25. III: The Forsythe
Company: Heterotopia – c. W.
Forsythe
Ludwigshafen
Theater im Pfalzbau
12, 13. III: New York City Ballet:
Symphony in Three Movements;
Tarantella; Divertimento Nr. 15
– c. G. Balanchine; Dances at
a Gathering – c. J. Robbins
München
Nationaltheater
1, 2. II, 29, 30. III: Las Hermanas
– c. K. MacMillan; AfterLight –
c. R. Maliphant; Das Mädchen
und der Messerwerfer – c. S.
Sandroni – Bayerisches
Staatsballett
19, 20. II, 2, 3. III: La Belle au
bois dormant – c. M. Petipa (I.
Liska) – Bayerisches Staatsballett
6, 7. II: Multiplicidad: formas de
silencio y vacío – c. N. Duato –
Bayerisches Staatsballett
10, 12, 16, 19, 22. III: Illusionen
– wie Schwanensee – c. J.
Neumeier – Bayerisches
Staatsballett
– c. R. Bonachela; Mambo 3XXI
– c. G. Céspedes
12, 13, 14, 16, 17, 18, 19, 20,
24, 26. III: Les Ballets C. de la
B.: C(h)oeurs – c. A. Platel
Sant Cugat
Teatre-Auditorio
18, 19. II: Compañía Nacional
de Danza: Artifact II – c. W.
Forsythe; In Transit – c. A. Lopez
Ochoa; Walking Mad – c. J. Inger
Stuttgart
Opernhaus
4, 12. II: Orphée et Euridice –
c. C. Spuck – Stuttgart Ballet
10, 16, 19, 24. II, 12, 29. III:
Das Fräulein von S. – c. C. Spuck
– Stuttgart Ballet
25. II, 2, 4, 19, 30. III: La Sylphide
– c. A. Bournonville – Stuttgart
Ballet
23, 27. III: creations – c. M.
Bigonzetti, E. Clug, M. Goecke
– Stuttgart Ballet
FINLAND
Helsinki
Opera
1, 2, 7, 9, 11. II: Don Quichiotte
– c. P. Bart – Finnish National
Ballet
24, 25. II, 2, 7, 9, 15, 17, 20,
22, 24. III: Coppélia – c. M.
Ribaud – Finnish National Ballet
30, 31. III: La Bayadère – c.
M. Petipa (N. Makarova) –
Finnish National Ballet
Wuppertal
Opernhaus
10-13. II: Sweet Mambo – c. P.
Bausch – Tanztheater Wuppertal
9-11. III: Wiesenland – c. P.
28-30. III: Kontakthof – c. P.
FRANCE
Paris
Opéra – Palais Garnier
4, 6, 8, 9, 11, 12, 14, 15, 16.
II: Orphée et Eurydice – c. P.
Bausch – Ballet de l’Opéra de
Paris
13, 17, 18, 20, 21, 23, 24, 25,
27, 28, 30, 31. III: Dances at a
Gathering – c. J. Robbins;
Appartement – c. M. Ek – Ballet
de l’Opéra de Paris
Opéra Bastille
7, 10, 17, 19, 20, 22, 24, 27,
28. III: La Bayadère – c. R.
Nureyev – Ballet de l’Opéra de
ESPAÑA
Barcelona
Gran Teatre del Liceu
9, 10, 11, 12. II: Corella Ballet:
Le Lac des cygnes – c. M. Petipa,
L. Ivanov (A. Corella)
Madrid
Teatro Real
16, 18, 20, 21, 23. II: Danza
Contemporánea de Cuba: Folia
– c. J. Linkens; Demo-N/Crazy
Baden-Baden
Festspielhaus
4
Albi
Maison de la Musique
10. II: Ballet Biarritz: Roméo
et Juliette – c. T. Malandain
New York City Ballet: “Symphony in Three Movements”, c. George Balanchine (ph. P. Kolnik)
Dresden
Semperoper
25. II, 2, 10, 16. III: Artifact Suite;
Fünf Duos; Slingerland Pas de
Deux; Enemy in the Figure – c.
W. Forsythe – Dresden Ballet
Europäisches Zentrum der
Künste
26. II: The Forsythe Company:
N.N.N. – c. W. Forsythe
DEUTSCHLAND
Paris
Centre Pompidou
27-29. II: Ismaël Houston-Jones:
THEM
3, 4. III: Cie Rosas: Fase – c.
A.-T. De Keersmaeker
21-23. III: Julie Guibert:
Exécutions – c. H. Diephuis
Théâtre des Champs-Elysées
15-22. III: Sylvie Guillem: “6000
miles away”
Théâtre de la Ville
Théâtre de la Ville – Les
Abbesses
14-29. II: Hofesh Shechter
Dance Company: The Art of
Looking Back; Uprising – c. H.
Shechter
5-10. III: L’Expérience Harmaat:
Solaire – c. F. Lambert
20-24. III: Ambra Senatore: Passo
27-31. III: Sébastien Ramirez,
Hyun-Jung Wang: Monchichi
Théâtre Chaillot (Studio)
15-17. III: Joanne Leighton:
Made in Taiwan
Théâtre Chaillot (Salle Jean
Vilar)
1-10. II: Russell Maliphant Dance
Company: Le Projet Rodin
15-18. II: CCN de Roubaix-Nord
Pas de Calais: Inanna – c. C.
Carlson
6-10. III: Cie Montalvo-Hervieu:
Orphée
29-31. III: Cie Karas: Mirroir and
Music – c. S. Teshigawara
Théâtre Chaillot (Salle Gémier)
15-17. III: Cie Thomas Lebrun:
La Jeune Fille et la Mort
5
af
he • car
he • car
he • car
he
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
3. III: T.H.E. Dance Company:
As It Fades; Waterbloom – c.
K. Swee Boon
Pôle Culturel Camille Claudel
2. III: Olé Khamchanla: Focus;
Abdou N’gom, Clarisse Veaux:
Same-Same
Béziers
Salle Zinga Zanga
10. III: Ballet Biarritz: Roméo
Biarritz
Gare du Midi
18, 19. II: Compañía Nacional
de Danza: Extremely Close –
c. A. Cerrudo; In Transit – c. A.
Lopez Ochoa; Walking Mad –
c. J. Inger
Bordeaux
Opéra National de Bordeaux
28, 29, 30. III: Un américain à
Paris; Rhapsody in blue – c. J.
McKneely; Who Cares? – c. G.
Balanchine – Ballet de l’Opéra
de Bordeaux
Alfortville
Pôle Culturel
24. III: Ballet Biarritz: Magifique
– c. T. Malandain
Annecy
Le Renoir
29. II, 1, 3. III: Ballet de Lorraine:
Le duo d’Eden – c. M. Marin;
Welcome to Paradise – c. J.
Bouvier, R. Obadia
Aix-en-Provence
Le Pavillon Noir
8-11. II: Ballet Preljocaj: Suivront
mille ans de calme – c. A.
Preljocaj
22-25. II: Emanuel Gat Dance:
Brillant Corners
7-10. III: Balletto Teatro di Torino: Primo toccare – c. M.
Levaggi
Arradon
La Lucarne
24. III: Ballet de Lorraine:
Bouvier, R. Obadia
Dijon
Le Duo
31. III: Cellule du Ballet National
Algérien: Un monde en soi – c.
A. Lagraa
Fort de France
CMAC
30. III: Ballet de Marseille: Nuits
d’été – c. T. Malandain; Herman
Schmerman Pas de Deux – c.
W. Forsythe; Tempo Vicino –
c. L. Childs
Cannes
Palais des Festivals
4. II: Alonzo King LINES Ballet:
Refraction; Rasa – c. A. King
9. III: Cie Philippe Genty:
Voyageurs Immobiles
18. III: Rasta Thomas: Rock
the Ballet
6
Décines
Le Toboggan
29. II-2. III: Cie Ando: Christoffa
– c. D. Brun
Briey
La Menuiserie
8. III: Ballet de Lorranie: Docteur
Labus – c. J.-C. Gallotta
Calais
Le Channel
3, 4. II: Ballet de Lorraine:
Docteur Labus (4ème duo) –
c. J.-C. Gallotta; Le duo
d’Eden – c. M. Marin; The Vile
Parody of Address – c. W.
Forsythe
Avignon
CDC Les Hivernales
26. II: Catherine Diverrès: O
Sensei; Stance II
Opéra-Théâtre
25. II: Ballet de Marseille: La
Vérité 25X par seconde – c. F.
Flamand
Salle Benoît XII
27. II: Cie Catherine Diverrès:
Encor
29. II: Carlotta Ikeda: Waiting
Cognac
Avant-scène
31. III: Ballet Biarritz: Lucifer;
La Mort du cygne; L’Amour
sorcier – c. T. Malandain
Dole
La Commanderie
Cachan
Théâtre de Cachan
L’amour sorcier; Boléro – c. T.
Malandain
21, 23, 24. III: Cie Didascalie:
Dans le ventre du loup – c. M.
Lévy
Colmar
Théâtre Municipal
4, 5. II: Jardin aux lilas – c. A.
Tudor; Many – c. T. Noone; Tea
for Six – c. M. Guilhaumon –
Ballet du Rhin
Brest
Le Quartz
27. II-3. III: DAÑSFABRIK
(Festival de Brest)
Bourg en Bresse
Théâtre Municipal
2. II: Ballet Biarritz: Roméo et
Juliette – c. T. Malandain
Agnès Letestu – Ballet de l’Opéra de Paris: “La Bayadère”,
c. Rudolf Nureyev (ph. Icare)
Châlon-sur-Saône
Espace des Arts
12, 13. III: Cie Michel Kelemenis:
Henriette et Matisse
Fréjus
Théâtre Aggloscènes
2. II: Ballet Biarritz: Roméo et
Juliette – c. T. Malandain
d’Argentine – c. G. Brinas
27-31. III: Cie Zahrbat: Davaï
Davaï – c. B. Bouchelaghem
Maison de la Danse (Studio
Jorge Donn)
1-3. II: Jesus Sevari: Childe
28-30. III: Pieter Ampe,
Guilherme Garrido: Still Standing
You
Marseille
KLAP
My Way
Mende
Théâtre de Mende
L’Amour sorcier; Boléro – c. T.
Malandain
Mont de Marsan
Pôle Culturel du Marsan
8. III: Ballet Biarritz: Magifique
– c. T. Malandain
Montpellier
Opéra Berlioz
1. II: Cie Montalvo-Hervieu:
Orphée
16-18. III: Lucinda Childs Dance:
Einstein on the Beach – c. L.
Childs
Studio Cunningham/Agora
15, 16. II: Young Ho Ham: Sun
30, 31. III: Pascal Rambert: 16
ans
Théâtre Jean Vilar
9, 10. II: Hamid Ben Hahi: La
géographie du danger
CCN/Agora
15-22. III: Cie Ivana Müller: Just
Roanne
Théâtre de Roanne
in Time
Mulhouse
La Filature
23, 24. II: Cie Rosas: Cesena
– c. A. T. De Keersmaeker
11-14. III: Coppélia – c. J.
Strømgren – Ballet du Rhin
17. III: Cie Alias: Sydeways Rain
– c. G. Botelho
22. III: Mouvoir: As if (we would
be) – c. S. Thiersch
Saint-Étienne
Opéra-Théâtre
21-24. III: Cie Michel Kelemenis:
Saintes
Gallila Cinema
16, 17. II: Ballet Biarritz: Roméo
Nantes
Théâtre Gaslin
2 - 4 . II : C C N d e N a n t e s :
Absalon l’Insurgé – c. C.
Brumachon
Saint-Nazaire
Théâtre Jean Bart
22. III: Ballet de Lorraine: Le
duo d’Eden – c. M. Marin;
Bouvier, R. Obadia
Orléans
Théâtre d’Orléans
29, 30. III: Ballet de Lorraine:
Fabrications – c. M. Cunningham;
Sketches from Chronicle – c.
M. Graham; Steptext – c. W.
Forsythe
Saint-Médard-en Jalles
Le Carré des Jalles
22. III: Ballet de Lorraine: Etcetera
– c. A. Sitter
Saint-Quentin (Aisnes)
Le Spendid
12, 13. II: Ballet Biarritz: Magifique
– c. T. Malandain
Pantin
Studios du Centre National
de la Danse
21, 23. II: Anne Le Batard, JeanAntoine Bigot: Apparemment,
ce qui ne se voit pas
7-9. III: CCN de Franche-Comté
à Belfort: Les Modulables – c.
J. Leighton
15, 16. III: Patricia Greenwood
Karagozian: Unfinished
Fragments
21, 22. III: Cie Wiener Tanzund Kunstbewegung: Tableaux
vivants – c. A. Juren
Saint-Quentin-en-Yvelines
Théâtre de Saint-Quentin-en
Yvelines
1-4. II: Cie DCA: Octopus – c.
P. Decouflé
9, 10. III: Cellule Contemporaine
du Ballet National Algérien: Nya
– c. A. Lagraa
27, 28. III: Ballet Biarritz: Roméo
Cie Montalvo-Hervieu: “Orphée” (ph. L. Philippe)
Lille
Opéra
30, 31. III: Cie Maguy Marin:
Salves
Lyon
Maison de la Danse
1-5. II: Cedar Lake Contemporary
Ballet: Violet Kid – c. H. Shechter;
création – c. C. Pite
8-15. II: Ballet de l’Opéra
Tchaïkovsky de Perm: La Belle au bois dormant (III acte); La
Bayadère (Royaume des
Ombres); Serenade – c. G.
Balanchine
13-17. II: Danza Contemporánea
de Cuba
21-25. III: Che...Malambô!:
Pampa Furiosa; Les Gauchos
7
Strasbourg
Pôle Sud
16, 17. II: Boris Charmatz: Flip
Book
23. II: François Hiffler, Pascale
Murtin: Les Rois du suspense
16, 17. III: Cie Maguy Marin:
Salves
Opéra
15-19. II: Jardin aux lilas – c.
A. Tudor; Many – c. T. Noone;
Tea for Six – c. M. Guilhaumon
– Ballet du Rhin
Toulouse
Théâtre du Capitole
29. III-1.IV: Les Liaisons
dangereuses– c. D. Bombana;
Spazio-Tempo – c. J. Godani
– Ballet du Capitole
GREAT BRITAIN
Birmingham
Hippodrome
22, 23, 24, 25. II: Hobson’s
Choice – c. D. Bintley –
Birmingham Royal Ballet
29. II, 3. III: Daphnis and Chloë;
The Two Pigeons – c. F. Ashton
– Birmingham Royal Ballet
London
Covent Garden
1, 2, 6, 8, 9. II, 5. III: The Dream
– c. F. Ashton; The Song of the
Earth – c. K. MacMillan – The
Royal Ballet
7, 8, 10, 21, 22, 24. III: Romeo
and Juliet – c. K. MacMillan –
The Royal Ballet
Linbury Studio Theatre
1, 2, 3, 5, 6, 7. III: Black Ballet:
Captured – c. M. Lawrance;
creation – c. J. Watkins; creation
– c. J. Goddard; Storyville – c.
C. Hampson
Sadler’s Wells Theatre
2, 3. II: Random Dance, Hofesh
Shechter Company, Candoco
Dance Company
5. II: Russell Maliphant
Company: The Rodin Project
7-19. II: Flamenco Festival
London
29. II-1. III: Richard Alston Dance
Company: Roughcut; A
Ceremony of Carols – c. R.
Alston; Lie of the Land – c. M.
Lawrance
3-4. III: BalletBoyz: Alpha – c.
P. Robert; Torsion – c. R.
Maliphant; Void – c. J. Cemerek
6-9. III: Nederlands Dans
Theater II: Gods and Dogs –
c. J. Kylián; Cacti – c. A. Ekman;
af
he • car
he • car
he • car
he
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
Teatro Comunale
18. II: Cie Alias: Sideways Rain
– c. G. Botelho
29. III: Scuola Paolo Grassi –
Fattoria Vittadini: Calore – c. E.
Cosimi
30. III: Co. Enzo Cosimi:
Odetteodile Investigations
Firenze
Teatro Comunale
4, 5, 7, 8. II: Il lago dei cigni,
l’enigma Ciaikovsky – c. P.
Chalmer – MaggioDanza
Teatro Goldoni
10-16. III: “Shot Time”/
MaggioDanza
Genova
Teatro Politeama
7. II: Parsons Dance
Flamenco Festival London: Compañía Antonio Gades: “Fuenteovejuna” (ph. J. del Real)
Passe-Partout – c. P. Lightfoot
19, 20. III: Random Dance: FAR
– c. W. McGregor
Coliseum
4. III: Russian Ballet Icons Gala:
Anna Pavlova
13, 14. III: Birmingham Royal
Ballet: Daphnis and Chloë; The
Two Pigeons – c. F. Ashton
15-18. III: Birmingham Royal
Ballet: Coppélia – c. P. Wright
22-27. III: English National Ballet:
L’Après-midi d’un faune – c. V.
Nijinsky; Faun(e) – c. D. Dawson;
Firebird – c. G. Williamson; The
Rite of Spring – c. K. MacMillan
28. III-1. IV: English National
Ballet: creazione – c. T. Van
Schayk; Apollo – c. G.
Balanchine; Suite en Blanc –
c. S. Lifar
Tate Britain
27. II-4. III: English National Ballet
in residence at Tate Britain
Newcastle
Newcastle Theatre Royal
1-4. II: The Sleeping Beauty
– c. A. Page – The Scottish
Ballet
ITALIA
Bergamo
Teatro Donizetti
21-26. II: Martha Graham Dance
Company: Cercando Picasso –
c. J. Eilber
31. III-1. IV: Cie Philippe Saire:
I Wish I Could Believe You
Teatro Bellini
20, 21, 22, 23, 24, 25. III: Compagnia Balletto Classico Liliana
Cosi e Mariel Stefanescu
Teatro Metropolitan
12. III: Parsons Dance
Bologna
Europauditorium
11, 12. II: Parsons Dance
Teatro Comunale
23-28. III: MaggioDanza: Sogno
di una notte di mezz’estate – c.
F. Ventriglia
31. III: Balletto Teatro di Torino: Primo toccare – c. M. Levaggi
Teatro Duse
10. III: José Limón Dance
Company
Civitanova Marche
Teatro Rossini
24. II: Silvia Azzoni e solisti del
Balletto di Amburgo
16. III: Cellule Contemporaine
du Ballet Algérien: Nya – c. A.
Lagraa
Bolzano
Teatro Comunale
17. III: Les Ballets Trockadero
de Montecarlo: Le Lac des
cygnes; Patterns in Space; Go
for Barocco; Les Noces de
Raymonda
Como
Teatro Sociale
Cremona
Teatro Ponchielli
15. II: Ballet Preljocaj: Suivront
Preljocaj
1. III: Compañía Nacional Miguel
Ángel Berna: Mudéjar... bailando
mi tierra!
9. III: Emio Greco/PC: Commedia
24. III: Balletto dell’Esperia: La
morte del cigno – c. T.
Malandain; L’Après-midi d’un
faune – c. E. Scigliano; I quattro temperamenti – c. P.
Mohovich
Brescia
Teatro Grande
2. III: Compañía Antonio Gades:
Carmen
Cagliari
Teatro Massimo
Catania
Scenario Pubblico
4, 5. II: Compagnia IBI: Alice’s
Room – c. G. Velardi
18, 19. II: Sosta Palmizi: Animalie
– c. G. Rossi
9, 10, 11, 16, 17, 18, 23, 24,
25. III: Zappalà Danza: As If –
c. R. Zappalà
Ferrara
8
Lucca
Teatro del Giglio
13. III: Limón Dance Company
Mestre
Teatro Toniolo
17. III: Aterballetto: Alice nel
paese delle meraviglie – c. F.
Nappa
Milano
Teatro alla Scala
2, 4, 9. II: Excelsior – c. U. Dell’Ara – Balletto del Teatro alla
Scala
18, 22, 24, 26, 28. II, 9, 13. III:
Giselle – c. J. Coralli, J. Perrot,
M. Petipa (Y. Chauviré) – Balletto del Teatro alla Scala
31. III: L’altra metà del cielo –
c. M. Clarke – Balletto del Teatro alla Scala
Teatro degli Arcimboldi
17. II: Ballet Preljocaj: Suivront
Preljocaj
Teatro Strehler
28. II-11. III: Martha Graham
Dance Company: Cercando
Picasso – c. J. Eilber
Teatro Nuovo
31. I-5. II: Parsons Dance
Teatro Fraschini
21. II: Compañía Antonio Gades:
Carmen
22. III: Balletto dell’Opera di Riga:
Sogno di una notte di mezz’estate
– c. Y. Vámos
Piacenza
Teatro Municipale
18. III: Scuola di Ballo dell’Accademia del Teatro alla Scala
Pisa
Teatro di Pisa
2. II: Junior Balletto di Toscana: Coppélia – c. F. Monteverde
16. II: Balletto di Milano: Cenerentola – c. G. Madia
24. II: Ambra Senatore: Passo
1. III: Danzitalia: Cassandra –
c. L. Cannito
10. III: Spellbound Dance
Company: Le relazioni pericolose – c. M. Astolfi
22. III: Aterballetto: Come un
respiro; Le Sacre – c. M.
Bigonzetti
Ravenna
Teatro Dante Alighieri
25, 26. II: Parsons Dance
Reggio Emilia
Teatro Ariosto
25. II: Shantala Shivalingappa:
Swayambhu
Rimini
Valentina Buldrini: Will
27 II: Juan Kruz de Garaio
Esnaola: Esperame despierto
Teatro Palladium
31. III-1. IV: MK: Il giro del mondo
in 80 giorni
Teatro Novelli
Roma
Teatro dell’Opera
3-8. II: Coppélia – c. A. SaintLéon (E. Vu-An) – Balletto dell’Opera di Roma
6-10. III: Diversion of Angels –
c. M. Graham; Day on Earth –
c. D. Humphrey; Chaconne –
c. J. Limón; The River – c. A.
Ailey – Balletto dell’Opera di
Roma
Auditorium Conciliazione
14-18. II: Parsons Dance
Auditorium – Parco della Musica
(Sala Petrassi)
6, 7. II: Co. Sidi Larbi Cherkaoui:
Tezuka
10. II: Co. Crystal Pite: Dark
Matters
15 II: Co. Faso Danse Théâtre:
Kohkuma 7ºsud
16 II: Ugo Dehaes: Women
19 II: Co. Rachid Ouramdane:
Ordinary Witnesses
24, 25, 26. II: Co. Dave St-Pierre:
Un peu de tendresse bordel de
m...
Auditorium – Parco della Musica
(Teatro Studio)
5, 6. II: Premio Equilibrio Roma
2012
8. II: Giulio D’Anna: Parkin’ son
11. II: Zero Visibility Corp.:
(Im)possible
14. II: Martina La Ragione,
Sassari
Teatro Verdi
Siena
Teatro dei Rinnovati
11. III: José Limón Dance
Company: The More’s Pavane;
There is a Time – c. J. Limón;
Chrysalis – c. J. Fredrickson
Thiene
Teatro Comunale
Torino
Teatro Astra
15, 16. III: Balletto dell’Esperia:
Bach Eclat – c. P. Mohovich
Teatro Nuovo
18. II: Russian State Ballet
Rostov: Il lago dei cigni
1. III: Fondazione CRT – Liceo
Teatro Nuovo: Elisir d’amore –
c. E. Savina
3. III: Compagnia Fabula Saltica:
Pinocchio – c. C. Ronda
9. III: Compagnia Balletto Classico di Liliana Cosi e Marinel
Stefanescu
8. III: Balletto del Sud:
Parsons Dance Company (ph. L. Greenfield)
Shéhérazade – c. F. Franzutti
10, 11. III: Co. Argentina di Roberto Herrera
17. III: E-Motion Gruppo Phoenix
21. III: Cie Zerogrammi
22. III: Fundación Julio Boca/
Eleonora Cassano: Evita – La
Duarte – c. S. Vladimivsky
Lavanderia a Vapore – Collegno
2, 3. II: Balletto Teatro di Torino: La Follìa – c. M. Levaggi
16. II: Ornella Balestra:
Rosenzeit
4 . I I I: C o m p a g n i a A n d o :
Christoffa – c. D. Brun
22. III: Jesus Sevari: Childe
Trapani
Teatro Tito Marrone
Verona
Teatro Filarmonico
18, 19, 21, 22, 23. II: Omaggio
a Ravel – c. R. Zanella – Balletto dell’Arena di Verona
Vicenza
Teatro Comunale di Vicenza
25. II: Alessandro Certini e Virgilio Sieni: Duetto
13. III: Cellule du Ballet National
Algérien: Nya – c. A. Lagraa
23. III: Mimulus Cia de Dança:
Dolores – c. J. Mesquita
NEDERLAND
Amsterdam
Het Muziektheater
15, 18, 22, 25. II, 5. III: creations
– c. T. Brandsen, H. Van Manen,
K. Pastor, C. Wheeldon, J.
Arqués – Het Nationale Ballet
16, 19, 24, 29. II, 3. III: creations
– c. D. Dawson, P. Lightfoot/S.
León, A. Ratmansky, T. Simons
– Het Nationale Ballet
17, 18. III: Nederlands Dans
Theater I: Double You – c. J.
Kylián; creation – c. M. Goecke;
creation – c. C. Pite
Den Haag
Theater Aan het Spui
2. II: Beijing Dance Theater: Haze
– c. W. Yuanyuan
4, 5. II: “Dance Date”
9-11. II: BalletBoyz: “The Talent”
Korzo Theater
1, 2, 3. II: Alida Dors: New Talents
4, 5. II: Samir Calixto: Winterreise
Tetralogy
9-11. II: Roy Assaf, Michael
Getman, Leo Lerus: Silent
Warriors
Padova
Gran Teatro Geox
Palermo
Teatro Dante
Pavia
9
af
he • car
he • car
tellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
Vahe Martirosyan, Yen
Han – Zurich Ballet:
“A Midsummer Night’s
Dream”,
c. Heinz Spoerli
(ph. P. Schnetz)
Atrium Stadhuis
10-12. II: Streb Extreme Action
Company
NORWEGIA
Oslo
Opera
17, 19, 20, 22, 23, 29. III: Safe
as Houses; Same Difference; Shoot
the Moon – c. P. Lightfoot, S. León
– Norwegian National Ballet
Opera (second house)
27, 28, 30. III: The Ice Palace –
c. K. Støvind – Norwegian National
Ballet
POLAND
Warsaw
Teatr Wielki
4, 5. II: And the Rain Will Pass...
– c. K. Pastor – Polish National
Ballet
10, 11, 12. II: La Bayadère – c.
M. Petipa (N. Makarova) – Polish
National Ballet
19, 29. II, 3, 4. III: Le Sacre du
printemps – c. V. Nijinsky; Le Sacre du printemps – c. E. Gat; Le
Sacre du printemps – c. M. Béjart
– Polish National Ballet
30. III: Tristan – c. K. Pastor –
Polish National Ballet
PORTUGAL
Lisboa
Danses polovtsiennes – c. M.
Fokine – Mariinsky-Kirov Ballet
Mikhailovsky Theatre
1, 2. II: Casse-Noisette – N.
Boyarchikov – Mikhailovsky
Ballet
4. II: Giselle – c. J. Coralli, J.
Perrot, M. Petipa – Mikhailovsky
Ballet
7, 11, 12. II, 28, 29, 30. III: La
Belle au bois dormant – c. M.
Petipa – Mikhailovsky Ballet
15, 16, 17. II: La Bayadère –
c. M. Petipa – Mikhailovsky
Ballet
7, 8. III: Laurencia – c. V.
Chabukiani – Mikhailovsky
Ballet
10. III: Cipollino – c. G. Mayorov
– Mikhailovsky Ballet
21, 22, 24. III: Multeplicidad,
Formas de silencio y vacío –
c. N. Duato – Mikhailovsky
Ballet
Teatro Camões
8, 9, 10, 11, 16, 17, 18. III: La
Belle au bois dormant – c. M.
Petipa – Companhia Nacional
de Bailado
RUSSIA
St. Petersburg
Mariinsky Teatr
2. II: The Legend of Love – c.
Y. Grigorovich – Mariinsky-Kirov
Ballet
3. II: Apollo; Theme and
Variations; Scotch Symphony
– c. G. Balanchine – MariinskyKirov Ballet
5. II: Le Corsaire – c. M. Petip
(P. Gusev) – Mariinsky-Kirov
Ballet
8. II: Don Quichotte – c. A.
Gorsky – Mariinsky-Kirov Ballet
24. II: Giselle – c. J. Coralli, J.
Perrot, M. Petipa – MariinskyKirov Ballet
25. II: The Nutcracker – c. K.
Simonov – Mariinsky-Kirov Ballet
26. II, 17. III: The Little
Humpedback Horse – c. A.
Ratmansky – Kirov Ballet
28, 29. II: La Belle au bois
dormant – c. M. Petipa –
Mariinsky-Kirov Ballet
2, 9. III: Le Lac des cygnes –
c. M. Petipa, L. Ivanov (K.
Sergeyev) – Mariinsky-Kirov
Ballet
11. III: Shurale – c. L. Yakobson
– Mariinsky-Kirov Ballet
18. III: Petrushka; Chopiniana;
Moscow
Bolshoi Teatr (new stage)
1, 2, 4, 5. II: Anyuta – c. V.
Vassiliev – Bolshoi Ballet
7, 8. II: La Sylphide – c. A.
Bournonville – Bolshoi Ballet
10, 11, 12. II: Giselle – c. Y.
Grigorovich – Bolshoi Ballet
16, 17. II: Lost Illusions – c. A.
Ratmansky – Bolshoi Ballet
18. II: Le Lac des cygnes – c.
M. Petipa, L. Ivanov – Bolshoi
Ballet
19. II, 27. III: Cipollino – c. G.
Mayorov – Bolshoi Ballet
28. II: Herman Schmerman –
10
c. W. Forsythe;
Remansos – c. N.
Duato; Cinque – c. M.
Bigonzetti – Bolshoi
Ballet
1, 2, 3, 4. III: L a
Bayadère – c. M.
Petipa – Bolshoi Ballet
23, 24, 25. III: Flammes
de Paris – c. A.
Ratmansky
(V.
Vainonen) – Bolshoi
Ballet
Bolshoi Teatr (old
stage)
8, 9, 10, 11. III: Le
Corsaire – c. M. Petipa
– Bolshoi Ballet
16, 17, 18. III: Le Lac des cygnes
– c. M. Petipa, L. Ivanov –
Bolshoi Ballet
SUISSE
Genève
Grand Théâtre
4, 5, 6, 7, 8, 10, 11, 12. II:
Glory – c. A. Foniadakis – Ballet
du Grand Théâtre de Genève
ONU – Palais des Nations
23-25. II: The Forsythe
Company: Human Writes – c.
W. Forsythe
Zürich
Opernhaus
8, 9, 12.II: Wäre Heute Morgen
und Gestern Jetzt – c. H. Spoerli
– Zurich Ballet
19, 26. II, 2, 29, 31. III: Ein
Sommernachtstraum – c. H.
Spoerli – Zurich Ballet
24, 25. III: Don Juan; Till
Eulenspiegel – c. H. Spoerli –
Zurich Ballet
SWEDEN
Stockholm
Opera
28. II, 1, 2, 5, 7, 8. III: Le Lac
des cygnes – c. M. Petipa, L.
Ivanov (N. Conus) – Royal
Swedish Ballet
1, 2. II: Messiah – c. M. Wainrot
– Royal Swedish Ballet
ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS ECHOS
BREVI • ECHOS
NEWS •• ECHOS
BREVI •• BREVI
NEWS • ECHOS
ECHOS ••ECHOS
BREVI •• ECHOS
NEWS • ECHOS •• ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI
ECHOS • ECHOS
FRANÇAIS
ITALIANO
La Bayadère à Paris
Bayadère a Parigi
La Bayadère in Paris
Comme on l’a annoncé, début janvier, le Ballet
Royal Danois a présenté à l’Opéra Garnier de
Paris Napoli d’August Bournonville, dans la
version chorégraphique controversée de son actuel directeur, Nikolaj Hübbe (on en reparlera
dans le prochain numéro de la revue). Le Ballet de l’Opéra de Paris est à nouveau sur scène
jusqu’à la mi-février, avec la reprise d’Orpheus
und Eurydike de Pina Bausch (il s’agit de l’opéra
Orfeo e Euridice de Christoph W. Gluck, en
langue allemande, en forme d’”opéra dansé”).
Entre mars et avril, à l’Opéra Bastille, ce sera
au tour d’un grand classique du ballet du XIXe
siècle, La Bayadère de Marius Petipa, ici dans
la version chorégraphique de Rudolf Noureev,
présentée à l’Opéra en décembre 1992, quelques semaines avant la mort du grand danseur
russe. Les décors et les costumes de cette somptueuse production sont d’Ezio Frigerio et Franca
Squarciapino. Toujours en mars, mais à l’Opéra
Garnier, on affiche Dances at a Gathering, célèbre titre de Jerome Robbins de 1969 pour cinq
couples sur des musiques de Fryderyk Chopin,
et Appartement, création de Mats Ek de 2000
pour la compagnie parisienne, centrée sur l’univers des conflits familiaux.
Come annunciato, ai primi di gennaio il Balletto Reale Danese ha presentato all’Opéra Garnier
di Parigi Napoli di August Bournonville, nella
discussa versione coreografica del suo attuale
direttore, Nikolaj Hübbe (ne parleremo sul prossimo numero della rivista). Il Balletto
dell’Opéra di Parigi è poi nuovamente in scena
fino alla metà di febbraio, con la ripresa di
Orpheus und Eurydike di Pina Bausch (si tratta
dell’opera Orfeo e Euridice di Christoph W.
Gluck, in lingua tedesca, in forma di “opera danzata”). Tra marzo e aprile, all’Opéra Bastille,
sarà la volta di un grande classico del balletto
dell’Ottocento, La Bayadère di Marius Petipa,
qui nella versione coreografica di Rudolf
Nureyev, presentata all’Opéra nel dicembre del
1992, poche settimane prima della morte del
grande danzatore russo. Scene e costumi di
questa sontuosa produzione sono di Ezio
Frigerio e Franca Squarciapino. Sempre in
marzo, ma all’Opéra Garnier, è in programma
Dances at a Gathering, celebre titolo di Jerome
Robbins del 1969 per cinque coppie su musiche di Fryderyk Chopin, e Appartement, creazione di Mats Ek del 2000 per la compagnia
parigina, centrata sull’universo dei conflitti familiari.
As announced, at the beginning of January
the Royal Danish Ballet presented August
Bournonville ’s Napoli at the Opéra Garnier
in Paris; the version was the somewhat controversial rendition by its current director
Nikolaj Hübbe (see review in our next issue).
The Paris Opéra Ballet takes to the stage
again in mid-February in a reprise of Pina
Bausch’s Orpheus und Eurydike (Christoph W.
Gluck’s opera Orfeo e Euridice, sung in German and performed as an opéra-dansée). In
March and April the company is again dancing the great 19th century classic La Bayadère
by Marius Petipa which is being offered in the
version produced by Rudolf Nureyev at the
Opéra in December 1992, just a few weeks
before his death. The scenery and costumes
of this lavish production are by Ezio Frigerio
and Franca Squarciapino. Also in March, but
this time at Opéra Garnier, the company is
presenting a double bill made up of Jerome
Robbins’ famous Dances at a Gathering
(1969), a ballet for five couples to music by
Fryderyk Chopin, and Appartement, Mats Ek’s
2000 creation for the Parisian company on the
subject of family conflict.
Les rendez-vous avec la danse en mars au Théâtre des Abbesses de Paris (en association avec
le Théâtre de la Ville) sont au nombre de trois.
Le premier est avec Fabrice Lambert, chorégraphe âgé de 37 ans qui a fondé en 2000 la
compagnie Harmaat Experience, dans le but
d’entraîner dans ses pièces des créateurs multiples, plasticiens, vidéastes, etc. Ici, il présente
sa dernière pièce: Solaire. Après la chorégraphe et performeuse italienne Ambra Senatore,
le théâtre parisien accueille Sébastien Ramírez,
français d’origine espagnole qui vit en Allemagne, et Hyun-Jung Wang, allemande d’origine
coréenne. Ils présentent un duo centré précisément sur les différences culturelles et sur la recherche de l’identité dans la société
multiethnique.
Tre gli appuntamenti con la danza in marzo al
Théâtre des Abbesses di Parigi (in associazione con il Théâtre de la Ville). Il primo è con
Fabrice Lambert, coreografo francese di 37 anni
che ha fondato nel 2000 la compagnia Harmaat
Experience, con l’intento di coinvolgere nelle
sue pièces più creatori, artisti visivi, filmmakers
ecc. Qui presenta il suo ultimo lavoro: Solaire.
Toccherà poi a Passo della coreografa e
performer italiana Ambra Senatore. In seguito
il teatro parigino accoglie Sébastien Ramírez,
francese di origini spagnole che vive in Germania, e Hyun-Jung Wang, tedesca di origini
coreane: presentano un duo basato proprio sulle differenze culturali e sulla ricerca dell’identità nella società multietnica.
En mars, le Centre Pompidou de Paris présente Exécutions, un solo de Herman Diephuis
pour sa danseuse Julie Guibert. Diephuis, né à
Amsterdam il y a 50 ans, est depuis longtemps
actif en France, où il a fondé sa compagnie en
2004 (hormis les créations pour son groupe, il
travaille aussi avec des amateurs et règle des
performances site specific pour les musées, à
savoir conçues exprès pour l’espace muséal et
en relation avec les œuvres d’art exposées). Ce
solo s’inspire du thème de la chute (come la
chute du Paradis ou la chute des anges) dans
l’histoire de l’art et des mythes.
In marzo il Centre Pompidou di Parigi presenta Exécutions, un assolo di Herman
Diephuis per la sua danzatrice Julie Guibert.
Diephuis, nato ad Amsterdam cinquant’anni fa,
da diverso tempo è attivo in Francia, dove ha
fondato una sua compagnia nel 2004 (oltre alle
creazioni per il suo gruppo, lavora anche con
danzatori dilettanti e realizza performances site
specific per i musei, cioè concepite per quel
luogo e in relazione con le opere d’arte esposte). Anche quest’assolo si rifà al tema della
“caduta” (come la caduta dal Paradiso o la caduta degli angeli) nella storia dell’arte e dei miti.
Mi-février, on retrouve Carolyn Carlson au
Théâtre de Chaillot de Paris. La chorégraphe
américaine reprend Inanna, une pièce consa-
Alla metà di febbraio ritroviamo Carolyn
Carlson al Théâtre de Chaillot di Parigi. La
coreografa americana riprende Inanna, un la-
12
Amy Watson, Alban Lendorf
– Royal Danish Ballet:
“Napoli”,
c. August Bournonville
(ph. H. Soumireu-Lartigue)
E N G L I S H
Mark your calendars for three dates with dance
in Paris, at the Théâtre des Abbesses (in partnership with the Théâtre de la Ville). The first
is with 37-year-old French choreographer
Fabrice Lambert, who founded the Harmaat
Experience troupe in 2000 with the intent of
bringing together various artists – painters,
filmmakers etc. – in the making of his creations. At the Théâtre des Abbesses Lambert is
presenting his latest work: Solaire. This will
be followed by Italian choreographer/performer Ambra Senatore’s Passo. Next, a duo:
Sébastien Ramírez, a French choreographer of
Spanish descent now based in Germany, and
Hyun-Jung Wang, a German choreographer of
Korean origin; together they explore cultural
differences and the search for identity in today’s multiethnic society.
In March the Centre Pompidou in Paris is
presenting Exécutions, a solo by Herman
Diephuis for his dancer Julie Guibert. 50-yearold Diephuis, who was born in Amsterdam,
has been active in France for several years and
in 2004 founded his own troupe; apart from
presenting his creations for this troupe,
Diephuis also works with amateur dancers
and offers site specific performances in museums. Exécutions is based on the ‘Fall’
theme (i.e. the Fall of Man or that of the Rebel
Angels), as recounted throughout the centuries in art and myths.
Carolyn Carlson will be at the Théâtre de
Chaillot, Paris again in mid-February. The
crée à la déesse de la civilisation sumérienne et
aux multiples facettes de la féminité. Elle fut
créée en 2005, quand Carlson fut nommée directrice du Centre Chorégraphique National de
Roubaix-Nord Pas de Calais, qu’elle dirige
aujourd’hui encore. Après la reprise, début
mars, d’Orphée du couple Dominique Hervieu
et José Montalvo, le théâtre parisien accueille
Thomas Lebrun, actif depuis plus d’une dizaine
d’années avec sa compagnie Illico; ici, il présente une pièce sur le quatuor La Jeune Fille et
la Mort de Franz Schubert. Ensuite, Joanne
Leighton, la Belgo-australienne qui dirige le
Centre Chorégraphique National de FrancheComté de Belfort, se produit dans un solo assez spécial, Made in Taiwan: ce sera en effet au
public de choisir le costume, la musique et le
style chorégraphique (parmi une série de chorégraphes) pour son solo improvisé. Le mois
de mars se clôturera avec la compagnie Karas
du Japonais Saburo Teshigawara, qui présentera une pièce de 2010, Mirrors and Music, évoquant une sorte de dimension “autre”, celle de
la pensée et de l’imagination.
voro dedicato alla dea della civiltà sumera e
alle molteplici sfaccettature della figura femminile. Fu creato nel 2005, quando la Carlson
fu nominata direttrice del Centre
Chorégraphique National de Roubaix-Nord Pas
de Calais, che dirige ancor oggi. Dopo la ripresa ai primi di marzo di Orphée della coppia
Dominique Hervieu e José Montalvo, il teatro
parigino accoglie Thomas Lebrun, attivo da
oltre una decina d’anni con la sua compagnia
Illico; qui presenta un lavoro sul quartetto La
morte e la fanciulla di Franz Schubert. In seguito, Joanne Leighton, la belgo-australiana che
dirige il Centre Choréographique National de
Franche-Comté di Belfort, si esibisce in un
assolo singolare, Made in Taiwan: sarà infatti il
pubblico a scegliere il costume, la musica e lo
stile coreografico (tra quelli di varie coreografi) per il suo assolo improvvisato. Il mese di
marzo si concluderà con la compagnia Karas
del giapponese Saburo Teshigawara, che presenta qui un lavoro del 2010, Mirrors and
Music, evocando una sorta di dimensione “altra”, quella del pensiero e dell’immaginazione.
Sylvie Guillem revient en mars au Théâtre des
Champs-Élysées de Paris avec son récital
“6000 miles away” ; à cette occasion elle dansera dans un duo de William Forsythe (avec Nicolas Le Riche ou Massimo Murru) et dans un
solo de Mats Ek. D’autres artistes seront sur
scène, dont Ek lui-même et Ana Laguna, l’interprète-fétiche du chorégraphe suédois.
Sylvie Guillem ritorna in marzo al Théâtre des
Champs-Élysées di Parigi con il suo recital
“6000 miles away”, durante il quale danzerà in
lavori di William Forsythe (in coppia con
Nicolas Le Riche o Massimo Murru) e di Mats
Ek. Altri artisti saranno in scena, tra i quali lo
stesso Ek e Ana Laguna, interprete prediletta
del coreografo svedese.
Dañsfabrik est un nouveau festival de danse
contemporaine qui a lieu à Brest entre fin fé-
Dañsfabrik è un nuovo festival di danza contemporanea che si tiene a Brest (Francia) tra la
13
American choreographer is reviving Inanna, a work dedicated to the Sumerian goddess
of civilisation and to the
countless facets of the female
figure. Inanna was created in
2005, when Carlson was appointed director of the Centre
Chorégraphique National de
Roubaix-Nord Pas de Calais,
the post she presently holds.
At the beginning of March
Dominique Hervieu and José
Montalvo are reviving their
Orphée (“Orpheus”), after
which the Parisian theatre is
hosting Thomas Lebrun, a choreographer who has been active for about a decade with his
Illico troupe and is now presenting a work to Franz
Schubert’s quartet Death and
the Maiden. Next, Belgian-Australian choreographer Joanne Leighton, who is at the helm
of the Centre Choréographique National de
Franche-Comté de Belfort, is to perform an
unusual and improvised solo entitled Made in
Taiwan in which it will be up to the public to
choose costume, music and style of choreography (choosing between those of various choreographers). The month of March wraps up
with Japanese choreographer Saburo
Teshigawara’s troupe Karas in a work which
explores “another” dimension, that of the mind
and imagination: Mirrors and Music (2010).
Sylvie Guillem returns to the Théâtre des
Champs-Élysées, Paris in March in a show,
“6000 Miles Away”, where she dances works
by William Forsythe (partnered by Nicolas
Le Riche or Massimo Murru) and Swedish
choreographer Mats Ek. Other artists performing in this show include the aforementioned Ek with his favourite dancer, Ana
Laguna.
Dañsfabrik is a new festival of contemporary dance which is being held in various
theatres (with some performances also taking place in public venues) at Brest (France)
between the end of February and the beginning of March. It will showcase about twenty
choreographers, performers and companies,
among whom we would like to flag Scottish
Michael Clark, in Come been and gone (see
review in this issue), and Italian Raffaella
Giordano. There will also be conferences,
seminars and exhibitions.
BREVI • ECHOS
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vrier et début mars, dans divers théâtres de la
ville. La manifestation présente une vingtaine
de chorégraphes, performeurs et compagnies:
on signale entre autres la présence de l’Écossais Michael Clark avec Come been and gone
(dont on rend compte dans ces pages) et de l’Italienne Raffaella Giordano. Au programme figurent également des spectacles dans des lieux
publics, des conférences, des rencontres et des
expositions.
fine di febbraio e i primi di marzo, in vari teatri
della città. La rassegna presenta una ventina tra
coreografi, performers e compagnie: segnaliamo almeno la presenza dello scozzese Michael
Clark con Come been and gone (che recensiamo in queste pagine) e dell’italiana Raffaella
Giordano. Sono previsti anche spettacoli in luoghi pubblici, conferenze, incontri e mostre.
L’Asie à Avignon
Les Hivernales, le festival de danse de l’hiver à
Avignon, ouvre ses portes à l’Asie, fil rouge de
cette 34e édition, qui se déroule entre fin février et début mars. Le Ballet de Marseille inaugure le festival avec La Vérité 25X par seconde
de son directeur Frédéric Flamand, qui pour
cette pièce a collaboré avec le célèbre architecte et designer chinois, Ai Weiwei, qui en a
dessiné les décors. Des chorégraphes et des
danseurs en provenance du Japon, de Corée,
du Laos et de Singapore se succéderont. À noter deux Japonais: Saburo Teshigawara avec le
film A Boy Inside the Boy tourné en Italie et qui
a comme protagoniste un enfant (le sien) en
quête d’”identité”, et Carlotta Ikeda qui, avec
Waiting, revisite la tradition du Butô (la “danse
des ténèbres”, courant de danse-théâtre nippone
apparu après la Seconde Guerre Mondiale).
Les Hivernales, il festival di danza dell’inverno ad Avignone, spalanca le porte all’Asia, tema
conduttore di questa 34esima edizione, che si
svolge tra la fine di febbraio e gli inizi di marzo. Apre il Ballet de Marseille con La Vérité
25X par seconde del suo direttore Frédéric
Flamand che per questo lavoro ha collaborato
con un noto architetto e designer cinese, Ai
Weiwei, che ha disegnato la scenografia. Si succederanno coreografi e danzatori provenienti dal
Giappone, dalla Corea, dal Laos e da Singapore,
ma anche coreografi europei. Da notare due
giapponesi: Saburo Teshigawara con il film A
Boy Inside the Boy girato nelle Marche e che
ha come protagonista il suo figlioletto alla ricerca d’un’“identità”, e Carlotta Ikeda che con
Waiting ripropone la tradizione del Butoh (la
“danza delle tenebre”, corrente di teatro-danza
nipponico sorta all’indomani della Seconda
Guerra Mondiale).
Après Emanuel Gat (le chorégraphe israélien
reprend Brilliant Corners avec sa compagnie),
le Pavillon Noir d’Aix-en-Provence présente
en mars le Balletto Teatro di Torino. Au programme, Primo Toccare de Matteo Levaggi,
chorégraphe résident de la compagnie. Il s’agit
d’une pièce divisée en trois parties et créée en
collaboration avec le duo de plasticiens
Corpicrudi, qui décline le thème de la caducité
Dopo Emanuel Gat, il coreografo israeliano che
con la sua compagnia riprende Brilliant
Corners, il Pavillon Noir di Aix-en-Provence
presenta in marzo il Balletto Teatro di Torino.
In programma, Primo Toccare di Matteo
Levaggi, coreografo stabile della compagnia.
Si tratta di un lavoro diviso in tre parti e creato
con la collaborazione del duo di artisti visivi
Corpicrudi, che declina il tema della caducità
L’Asia ad Avignone
Ballet du Rhin: “Coppélia”, c. Jo Strømgren (ph. J.-L. Tanghe)
Asia in Avignon
Asia is the theme of this year’s Les Hivernales,
Avignon’s winter dance festival (now into its
34th edition), held between the end of February
and beginning of March. The festival opens with
the Ballet de Marseille in La Vérité 25X par
seconde (“The Truth 25 Times a Second”) by
its director Frédéric Flamand, with scenery by
the renowned Chinese architect/designer Ai
Weiwei. Choreographers and dancers from Japan, Korea, Laos and Singapore are expected,
as are various European ones. Mark your calendars for two Japanese artists: Saburo
Teshigawara with his film A Boy Inside the Boy,
shot around the Italian Marche region and interpreted by his young son in search of identity, and Carlotta Ikeda in Waiting, a work which
features traditional Butoh (the “dance of the
shadows”, a Japanese dance-theatre genre).
After hosting Israeli choreographer Emanuel Gat
and his troupe, reviving Gat’s Brilliant Corners,
in March the Pavillon Noir de Aix-en-Provence
(France) welcomes Italian company Balletto
Teatro di Torino in Primo Toccare by its resident choreographer Matteo Levaggi. This work,
about the fleetingness of beauty, is made up of
three parts and was created in collaboration with
‘Corpicrudi’, a duo formed by two Italian contemporary artists. The first part of Primo Toccare
was created for the Lyon Dance Biennial in 2008
but this is the first time the full version of the
work is being presented in France.
After its ‘English Programme’, which included
Antony Tudor’s Jardin aux lilas (“Lilac Garden”), the Ballet du Rhin will be back in March
at the Cotton Mill, Mulhouse (France) in
Coppélia. The version being offered was specially made for the company in 2008 by eclectic Norwegian artist Jo Strømgren, a choreographer and theatre/cinema/TV director all in
one. Strømgren revisits the myth of creating the
perfect creature in a laboratory, also drawing
his inspiration from Mary Shelley’s
Frankeinstein. The ballet will be reprised in the
following months in the other two French cities where the Opéra du Rhin troupe is based,
Strasbourg and Colmar.
At the end of March the Opéra de Lille (France)
is presenting Salves by Maguy Marin. This work
was produced for the Lyon Dance Biennial in
2010 and not only reveals choreographer Marin’s
commitment vis-à-vis political and social themes
(and her continual questions on the destiny of
Man and the world), but also her current inclination towards performance art and visual theatre.
The Cellule Contemporaine du Ballet National
Algérien, i.e. the group of acrobats and hip
hop/capoeira dancers founded by Algerian
choreographer Abou Lagraa, is expected at the
Théâtre de l’Archipel de Perpignan (France)
in March. They will be reviving Lagraa’s Nya,
a two part-work about identity and cultural
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de la beauté. La première partie de la pièce avait
été créée pour la Biennale de la Danse de Lyon
de 2008 mais le ballet est présenté maintenant
pour la première fois en France dans sa forme
intégrale.
Après sa soirée anglaise, comprenant également
Jardin aux lilas d’Antony Tudor, le Ballet du
Rhin reviendra sur scène en mars à la Filature
de Mulhouse. Au programme, la Coppélia que
le Norvégien Jo Strømgren, artiste éclectique
(chorégraphe, metteur en scène et réalisateur
de cinéma, télévision…), a créé précisément
pour cette compagnie en 2008. Strømgren
revisite le mythe de la création en laboratoire
et de la créature parfaite, puisant son inspiration également dans Frankeinstein de Mary
Shelley. Le spectacle sera repris les mois suivants aussi dans les deux autres villes de l’Opéra
du Rhin, Strasbourg et Colmar.
L’Opéra de Lille présente fin mars Salves de
Maguy Marin. Une pièce créée pour la Biennale de la Danse de Lyon en 2010 qui montre
l’approche “engagée” de la chorégraphe (thèmes politiques et sociaux, interrogations sur le
destin de l’individu et du monde…) mais aussi
son actuelle tendance vers le genre de la performance et du théâtre d’images.
Au Théâtre de l’Archipel de Perpignan se
produit en mars la Cellule Contemporaine du
Ballet National Algérien, c’est-à-dire un groupe,
voulu par le chorégraphe franco-algérien Abou
Lagraa, formé de danseurs de hip hop, copoeira
et d’acrobates. Ils reprennent ici Nya de Lagraa,
une pièce sur le thème de l’identité et du métissage entre les cultures, en deux parties, l’une
sur le Boléro de Maurice Ravel, l’autre sur les
chants de l’Algérienne Houria Aïchi. Ensuite,
ce sera au tour du Centre Chorégraphique National de Roubaix Nord-Pas de Calais, avec Le
Roi Penché de Carolyn Carlson, une pièce créée
pour les enfants qui évoque le thème du merveilleux dans la tradition du récit.
Comme on le sait, la Compañía Nacional de
Danza est dirigée depuis septembre par José
Carlos Martínez et les débuts, sous la nouvelle
direction, ont eu lieu en janvier au Teatro de
la Zarzuela de Madrid (on en parlera prochainement). Entretemps, la compagnie sera en
tournée dans plusieurs villes d’Espagne et elle
arrivera à Biarritz fin février.
Avant de donner en mars au Covent Garden
de Londres une autre série de Roméo et Juliette de Kenneth MacMillan, le Royal Ballet
propose fin février au Linbury Studio Theatre
“Exposure: Dance”, une vitrine de jeunes chorégraphes. En mars, ce sera au tour du Ballet
Black, une compagnie composée de danseurs
d’origine africaine ou asiatique, dans un programme comprenant également une création
du chorégraphe anglais Jonathan Watkins
(auteur, lors de la saison 2009/2010, d’As One
pour le Royal Ballet).
Sylvie Guillem: “Ajö”, c. Mats Ek (ph. L. Leslie-Spinks)
della bellezza. La prima parte del lavoro era
nata per la Biennale della Danza di Lione del
2008 ma il balletto viene presentato ora per la
prima volta in Francia in forma completa.
Dopo la sua serata inglese, con anche Jardin
aux lilas di Antony Tudor, il Ballet du Rhin
tornerà in scena in marzo alla Filature di
Mulhouse. In programma la Coppélia che il nor-
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cross-over. The first part is set to Boléro by
Maurice Ravel, the second to songs sung by
Algerian Houria Aïchi. After the North African troupe, the theatre will host the Centre
Chorégraphique National de Roubaix NordPas de Calais in Le Roi Penché by Carolyn
Carlson; this work for children underlines the
sense of wonder embedded in the story-telling tradition.
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La danse en expo à Beaubourg
Le Centre Georges Pompidou de Paris accueille jusqu’au 2 avril l’exposition Danser
sa vie.
Une évidence qui apparaît d’emblée dans cette
grosse exposition – elle rassemble plus de 400
tableaux, dessins, maquettes et costumes, c’est
l’importance que revêt la danse dès l’aube du
XXe siècle: non seulement, en tant qu’art en
soi mais aussi comme source d’inspiration
pour les autres arts, principalement les arts
plastiques.
Pablo Picasso et Henri Matisse lui consacrent
quelques-unes de leurs œuvres importantes, le
futurisme italien lui réserve une place centrale.
Qu’elle soit savante ou populaire, la danse
constitue une référence pour le lyrisme de
William B. Yeats et de Rainer M. Rilke, et elle
nourrit les méditations de Paul Valéry. Isadora
Duncan, pionnière de la danse libre, entraîne
dans son sillage le sculpteur Auguste Rodin,
le chorégraphe Michel Fokine, le metteur en
scène Gordon Craig et le poète Sergueï Essenine. Elle n’élabore aucune doctrine mais son
exemple soulève les héroïnes de la danse moderne, qui se délivrent d’un sentimentalisme
allusif pour se concentrer davantage sur la
métrique corporelle.
L’expressionnisme, mouvement qui s’oppose
aux critères de beauté et d’harmonie de l’art
classique méditerranéen, imprègne fortement
les artistes allemands, aussi bien dans les arts
plastiques que dans les arts vivants. La rencontre d’Emil Nolde qui la dirige vers le théoricien Laban, a été décisive pour Mary Wigman,
dont la danse tragique est liée aux horreurs
de la guerre et à la fatalité de l’existence humaine. Au même moment, l’Amérique invente
une nouvelle approche dynamique de la danse
qui reflète son optimisme pragmatique. Rituelle
avec Martha Graham pour qui la force du geste
est la force de l’émotion, elle devient ludique
avec Alwin Nikolais, aléatoire avec Merce Cunningham, contestataire avec le Judson dance
Theatre. Mais toujours dans une complicité
évidente avec les artistes plasticiens de leur
époque. Ce sont ces multiples relations tissées entre les danseurs et les peintres, musiciens, architectes, sculpteurs que montre fort
bien l’exposition.
Elle s’ouvre sur le triptyque La Danse que
Matisse a réalisé en 1905 et se clôt sur une
œuvre du plasticien contemporain Ange Leccia.
Car le dialogue de la danse avec les arts plastiques revêt aujourd’hui le plus souvent celui
de la performance. Toute l’exposition est
d’ailleurs ponctuée d’une mise en parallèle de
l’œuvre muséale avec une production récente,
le plus souvent sous forme de vidéos.
Sonia Schoonejans
Le retour de Zakharova
Après la tournée en Russie et la reprise à Milan d’Excelsior, le Ballet de La Scala danse en
février et en mars Giselle, dans l’ancienne ver-
vegese Jo Strømgren, artista eclettico (coreografo, regista di teatro, cinema, televisione…),
ha creato proprio per la compagnia francese nel
2008. Strømgren rivisita il mito della creazione
in laboratorio e della creatura perfetta, traendo
ispirazione anche da Frankeinstein di Mary
Shelley.
Al Théâtre de l’Archipel di Perpignan (Francia) arriva in marzo la Cellule Contemporaine
du Ballet National Algérien, cioè un gruppo,
voluto dal coreografo franco-algerino Abou
Lagraa, formato da danzatori di hip hop,
copoeira e da acrobati. Riprendono qui Nya di
Lagraa, un lavoro sul tema dell’indentità e del
métissage tra le culture, in due parti, una sul
Boléro di Maurice Ravel, l’altra sui canti
dell’algerina Houria Aïchi. Sarà poi la volta del
Centre Chorégraphique National de Roubaix
Nord-Pas de Calais, con Le Roi Penché di
Carolyn Carlson, un lavoro creato per i bambini che rievoca il tema del meraviglioso nella
tradizione del racconto.
La danza e le altre arti, in
mostra a Parigi
Si può visitare fino al 2 aprile la mostra Danser
sa vie al Centre Georges Pompidou di Parigi.
Questa grande mostra (più di 400 quadri, disegni, bozzetti, costumi) rivela l’importanza che
la danza ha acquisito all’alba del XX secolo:
non solo in sé ma anche come fonte d’ispirazione per le altre arti, in particolare quelle visive.
Pablo Picasso e Henri Matisse hanno dedicato
alla danza alcune delle loro opere più importanti; anche per il Futurismo essa ha avuto un
ruolo centrale. Colta o popolare, la danza ha
costituito un riferimento per il lirismo di William
B. Yeats e di Rainer Rilke, e ha alimentato le
riflessioni di Paul Valéry. Isadora Duncan, pioniera della danza libera, ha influenzato lo scultore Auguste Rodin, il coreografo Michel Fokine,
il regista Gordon Craig e il poeta Serghei Esenin;
non ha elaborato una dottrina ma il suo esempio ha incitato le eroine della danza moderna,
che si sono liberate di un sentimentalismo di
maniera per concentrarsi sulla metrica del corpo.
L’espressionismo nordico, movimento che si
oppone ai criteri di bellezza e d’armonia dell’arte classica mediterranea, ha condizionato fortemente gli artisti tedeschi, tanto nel campo delle
arti visive quanto in quello delle arti sceniche.
L’incontro con il pittore Emil Nolde che la portò
a conoscere le teorie di Laban, fu decisivo per
Mary Wigman, la cui danza tragica è legata
agli orrori della guerra e alla fatalità dell’esistenza umana. Nello stesso momento, l’America inventava un nuovo approccio dinamico
alla danza, riflesso del suo ottimismo pragmatico.
Rituale con Martha Graham, per la quale la forza
del gesto è la forza dell’emozione, la danza si
fa ludica con Alwin Nikolais, aleatoria con Merce
Cunningham, contestataria con il Judson Dance
Theater. Ma sempre in evidente intesa con gli
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Dance and other arts on
exhibition in Paris
An exhibition entitled Danser sa vie is on at
the Centre Georges Pompidou in Paris until 2
April.
This major exhibition (featuring over 400 paintings/drawings/sketches/costumes) is dedicated
to underlining the importance dance acquired
at the beginning of the 20th century, showing
also how it sparked off major movements in
other disciplines, particularly the fine arts.
Some of Pablo Picasso and Henri Matisse’s chief
works were connected to dance, which also
played a key role in Futurism. Intellectual dance
and folk dancing fed the lyricism of William
B. Yeats and Rainer Maria Rilke and the reflections of Paul Valéry. Free dance pioneer
Isadora Duncan influenced sculptor Auguste
Rodin, choreographer Michel Fokine, director
Gordon Craig and poet Sergei Esenin; she did
not codify her dance, but her example was to
inspire the future founders of modern dance
to shake off affected sentimentalism and concentrate on the natural rhythm of the body.
The Nordic Expressionist movement, which
was in antagonism with the criteria of beauty
and harmony entrenched in Mediterranean classical art, strongly influenced German visual
and theatrical artists. Her encounter with painter
Emil Nolde, who introduced her to Laban’s
theories, was decisive for choreographer Mary
Wigman whose tragic dances are connected
to the horrors of war and the fatality of human existence. Concurrently, America was inventing new and dynamic approaches to dance,
reflecting its pragmatic optimism: a ‘ritual’
approach for Martha Graham, with the force
of the emotion determining the force of movement, ‘playful’ for Alwin Nikolais, ‘random’
for Merce Cunningham, an approach of ‘protest’ for the Judson Dance Theater. All the
aforementioned choreographers entered into
an eloquent dialogue with their contemporaries in the fine arts.
This exhibition examines the multiple relations
between dancers and painters, architects and
sculptors. It opens with La Danse, Matisse’s
triptych of 1905, and closes on the work of a
present-day artist, Ange Leccia. And because
the dialogue between dance and the fine arts
usually comes to fruition in a stage performance, the exhibition also highlights recent museum performances, often in the form of videos.
Sonia Schoonejans
The return of Zakharova
After touring Russia and reviving Excelsior at
La Scala, the Ballet Company of La Scala,
Milan will be dancing Giselle in February and
March (the old version by Yvette Chauviré, with
scenery and costumes inspired by Alexandre
Benois’ sketches). Svetlana Zakharova and
Roberto Bolle will take the leading roles at some
of the February performances. The star of the
Svetlana Zakharova, Roberto
Bolle – Balletto del Teatro alla
Scala, Milano: “Giselle”,
c. Yvette Chauviré
sion chorégraphique d’Yvette
Chauviré, avec décors et costumes
d’après les maquettes d’Alexandre
Benois. Lors des représentations en
février, la protagoniste sera
Svetlana Zakharova, avec Roberto
Bolle. La star du Théâtre Bolchoï
de Moscou – qui est aussi étoile de
la Scala – revient ainsi se produire
à Milan pour la première fois après
sa maternité. En mars il y aura deux
invités, Olesia Novikova (du Théâtre Mariinsky de SaintPétersbourg) et Leonid Sarafanov
(du Théâtre Mikhaïlovsky de SaintPétersbourg). Fin mars (et en avril),
on présentera la nouveauté de la saison: une création de la chorégraphe et metteuse en scène américaine Martha Clark (67 ans) sur le
musique de la rock-star italienne
Vasco Rossi, qui a conçu aussi le
sujet.
Fin février, la Richard Alston Dance Company
sera au Sadler’s Wells Theatre de Londres,
avec un programme composé, entre autres, de
deux pièces de son chorégraphe-directeur:
Roughcut de 1990 sur la musique de Steve
Reich et sa dernière création, A Ceremony of
Carols, sur la musique de Benjamin Britten.
En mars, il y aura le retour des BalletBoyz, la
compagnie fondée en 2001 par Michael Nunn
et William Trevitt, anciens danseurs du Royal
Ballet londonien, et qui se présente aujourd’hui
avec sa nouvelle jeune formation. On accueillera ensuite le Nederlands Dans Theater
II, le groupe des jeunes: la compagnie hollandaise y dansera des pièces de Jirí Kylián (Gods
and Dogs), Alexander Ekmann (Cacti) et
Passe-Partout de Paul Lightfoot, le nouveau
directeur des deux groupes de l’NDT. Reviendra ensuite sur la scène du Sadler’s Wells la
Random Dance de Wayne McGregor qui reprendra FAR, l’un des plus grands succès du
chorégraphe anglais.
Entre fin février et début mars, l’English National Ballet est en résidence à la galérie Tate
Britain de Londres (siège de la plus grande
collection d’art britannique), où il présente des
spectacles et des ateliers dans le cadre de l’exposition Picasso and Modern British Art. Ensuite, le 5 mars, au Queen Elizabeth Hall, aura
lieu le troisième concours pour le meilleur danseur émergeant de la compagnie elle-même:
cette année il y aura six candidats (dont Yonah
Acosta, neveu de Carlos). Puis, fin mars, la
compagnie anglaise se produira dans deux pro-
artisti visivi dell’epoca.
La mostra racconta appunto queste diverse relazioni tra i danzatori e i pittori, gli architetti,
gli scultori. Si apre sul trittico La Danse che
Matisse realizzò nel 1905 e si chiude sull’opera di un artista contemporaneo, Ange Leccia.
E poiché il dialogo della danza con le arti visive si realizza oggi perlopiù nell’ambito della
rappresentazione, la mostra mette in parallelo
l’opera museale con spettacoli recenti, spesso
sotto forma di video.
Sonia Schoonejans
Ritorna la Zakharova
Dopo la tournée in Russia e la ripresa a Milano di Excelsior, il Balletto del Teatro alla
Scala danza in febbraio e marzo Giselle, nella vecchia versione coreografica di Yvette
Chauviré, con scene e costumi dai bozzetti
di Alexandre Benois. In alcune rappresentazioni di febbraio, protagonista sarà Svetlana
Zakharova, con Roberto Bolle. La stella del
Teatro Bolshoi di Mosca, e anche étoile della
Scala, torna così ad esibirsi a Milano per la
prima volta dopo la maternità. In marzo ci
saranno due ospiti, Olesia Novikova (del Teatro Mariinsky di San Pietroburgo) e Leonid
Sarafanov (del Teatro Mikhailovsky di San
Pietroburgo). A partire dalla fine di marzo (e
in aprile) sarà presentata la novità della stagione: una creazione della coreografa e regista americana Martha Clark (67 anni) su musiche della rock-star Vasco Rossi, che cura
anche la drammaturgia.
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Bolshoi Theatre of Moscow will thus be returning to Milan for the first time after having given
birth to a baby girl. Two dancers from St
Petersburg are guesting in March: Olesia
Novikova (from the Mariinsky Theatre) and
Leonid Sarafanov (from the Mikhailovsky Ballet). The season’s novelty is being presented at
the end of March (with performances in April):
a creation by 67-year-old American choreographer/director Martha Clark, to music by Italian
rock-star Vasco Rossi.
The Compañía Nacional de Danza has been
directed by José Carlos Martínez since last September; however, the company’s first performance under its new director took place in January at the Teatro de la Zarzuela in Madrid (stay
tuned for a review in our next issue). At the end
of February the Compañía Nacional de Danza
will be touring various Spanish cities, as well
as Biarritz in France.
Before embarking in March on a new round of
performances of Kenneth MacMillan’s Romeo
and Juliet at Covent Garden, London, in February The Royal Ballet is offering a platform
at the Linbury Studio Theatre, entitled “Exposure: Dance” and showcasing the works of
young choreographers. In March the Linbury
Studio will host Ballet Black, a troupe made
up of dancers of African or Asian origin, in a
programme that also includes a creation by
English choreographer Jonathan Watkins (author of As One, created for The Royal Ballet
during the 2009/2010 Season).
BREVI • ECHOS
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ECHOS • ECHOS
Marianela Núñez, Thiago Soares – The Royal Ballet: “Romeo and Juliet”,
c. Kenneth MacMillan (ph. Dee Conway)
grammes consacrés aux Ballets Russes et comprenant deux créations: la première est un
Oiseau de feu du jeune chorégraphe britannique George Williamson et la seconde est par
ailleurs confiée à un vétéran de la chorégraphie hollandaise, Toer van Schayk (77 ans).
L’Amérique à Rome
Après Coppélia dans la version chorégraphique d’Eric Vu-An, le Ballet de l’Opéra de
Rome revient en scène en mars dans une soirée avec des pièces de chorégraphes américains. En ouverture, il y aura Diversion of
Angels de Martha Graham, une pièce des années 40 pour trois couples qui représentent respectivement l’amour adulte, l’amour passionnel et érotique et l’amour de l’adolescence –
selon les mots de la grande dame de la modern dance. On donnera ensuite l’une des pièces les plus célèbres de la pionnière de la danse
moderne Doris Humphrey, Day on Earth
(1947), qui évoque le cycle de la vie, et Chaconne, solo de José Limón, datant aussi de
1947, sur la musique de Johann Sebastian
Bach. En conclusion, The River, qu’Alvin
Ailey créa pour l’American Ballet Theatre en
1970, où l’image du parcours du fleuve en
L’America a Roma
Dopo Coppélia nella versione coreografica di
Eric Vu-An, il Balletto dell’Opera di Roma torna in scena in marzo in una serata con lavori di
coreografi americani. Aprirà Diversion of
Angels di Martha Graham, pezzo degli anni
Quaranta per tre coppie che rappresentano
l’amore maturo, l’amore passionale ed erotico
e l’amore adolescenziale – secondo le parole
stesse della grande signora della modern dance.
Seguiranno uno dei lavori più noti della pioniera della danza moderna Doris Humphrey,
Day on Earth (1947), che evoca il ciclo della
vita, e Chaconne, assolo di José Limón pure
del ’47 sulla musica di Johann Sebastian Bach.
In chiusura, The River, che Alvin Ailey creò
per l’American Ballet Theatre nel 1970, dove
l’immagine del corso del fiume del titolo, dalla
sorgente alla foce, rinvia alle diverse fasi di una
relazione sentimentale. Sono annunciati gli
ospiti Raphael Boumaila (della José Limón
Dance Company) e Jennifer De Palo e Maurizio Nardi della Martha Graham Dance
Company.
In late February the Richard Alston Dance Company is offering a composite programme at the
Sadler’s Wells Theatre, London which also includes two works by its choreographer/director:
Roughcut (1990), to music by Steve Reich, together with Alston’s latest creation, A Ceremony
of Carols, to music by Benjamin Britten. March
sees the return of the BalletBoyz, making their
comeback with new, young dancers. BalletBoyz
was founded in 2001 by ex-Royal Ballet of London dancers Michael Nunn and William Trevitt.
This troupe will be followed by Nederlands Dans
Theater II, the Dutch company’s young group,
in works by Jirí Kylián (Gods and Dogs), Alexander Ekmann (Cacti) and Passe-Partout by Paul
Lightfoot, the newly-appointed director of NDT’s
two groups. Hot on their heels come Wayne
McGregor and his company Random Dance in
a reprise of FAR, one of the British choreographer’s most successful works.
question, depuis sa source à l’embouchure,
renvoie aux diverses phases d’une liaison sentimentale. On annonce les invités qui seront
Raphael Boumaila (de la José limón Dance
Company) et Jennifer De Palo et Maurizio
Nardi de la Martha Graham Dance Company.
Carlos Martínez e ha debuttato, sotto la nuova
direzione, in gennaio al Teatro della Zarzuela
di Madrid (riferiremo dello spettacolo prossimamente). Nel mentre la compagnia sarà in
tournée in varie città spagnole e a Biarritz (Francia) alla fine di febbraio.
the course of a river, from its spring to its estuary, to a love relationship. The following guest
dancers are expected: Raphael Boumaila (from
the José Limón Dance Company) and Jennifer
De Palo and Maurizio Nardi (from the Martha
Graham Dance Company).
Après la création de Christian Spuck, Das
Fraülein von S., en février et mars, le Ballet
de Stuttgart présente un programme avec
trois autres créations, à partir de la fin de mars
(jusqu’à la fin du mois de mai). Les chorégraphes sont l’Italien Mauro Bigonzetti, l’Allemand Marco Goecke (chorégraphe résident
au Ballet de Stuttgart) et le Roumain Edward
Clug, directeur de la compagnie du Théâtre
National de Maribor (Slovénie), qui avait créé
à Stuttgart Pocket Concerto en 2009. La soirée s’intitule “Körpersprache 3” (“Langage
du corps 3”).
Prima di dare in marzo sulla scena principale
del Covent Garden di Londra un’altra serie di
repliche del Romeo e Giulietta di Kenneth
MacMillan, il Royal Ballet propone alla fine
di febbraio al Linbury Studio Theatre
“Exposure: Dance”, una vetrina di giovani coreografi. Sempre al Linbury Studio sarà la volta in marzo del Ballet Black, una compagnia
composta da danzatori di origini africane o asiatiche, in un programma che comprende anche
una creazione del coreografo inglese Jonathan
Watkins (autore, nella stagione 2009/2010, di
As One per il Royal Ballet).
America comes to Rome
Fin février, puis en mars, le Ballet du
Semperoper de Dresde danse dans une nouvelle soirée William Forsythe. Au programme,
Artifact Suite (la partie centrale du ballet en
quatre actes Artifact, sur la musique de Johann
Sebastian Bach et de la compositrice contemporaine Eva Crossman-Hecht), Enemy in the
Figure (musique de Thom Willems) et
Slingerland Pas de Deux (musique de Gavin
Bryars), auxquels s’ajoute une suite composée de cinq pas de deux tirés de diverses pièces du chorégraphe américain.
Alla fine di febbraio la Richard Alston Dance
Company sarà al Sadler’s Wells Theatre di
Londra, con un programma composto, tra l’altro, da due lavori del suo coreografo-direttore:
Roughcut del 1990 su musica di Steve Reich e
la sua ultima creazione, A Ceremony of Carols,
sulla musica di Benjamin Britten. In marzo tornano poi i BalletBoyz, la compagnia fondata
nel 2001 da Michael Nunn e William Trevitt,
ex danzatori del Royal Ballet londinese, e che
si presenta oggi con una nuova giovane formazione. Sarà poi la volta del Nederlands Dans
Theater II, il gruppo dei giovani: la compagnia
olandese danza qui lavori di Jirí Kylián (Gods
and Dogs), Alexander Ekmann (Cacti) e PassePartout di Paul Lightfoot, nuovo direttore dei
due gruppi dell’NDT. Sarà poi di nuovo in scena al Sadler’s Wells Wayne McGregor con la
sua Random Dance che riprende FAR, uno dei
maggiori successi del coreografo inglese.
From late February to early March English National Ballet will be in residence at London’s
Tate Britain (which houses the United Kingdom’s largest collection of modern art) offering a series of performances and workshops in
the context of the Picasso and Modern British
Art exhibition. The 3rd edition of ENB’s Emerging Dancer Competition, to recognise and nurture the phenomenal talent of its up-and-coming dancers, will be held at the Queen Elizabeth Hall on 5 March: six finalists have been
selected (including Yonah Acosta, nephew of
Carlos Acosta). At the end of March, ENB will
present two programmes dedicated to the Ballets Russes and featuring two new works: The
Firebird by young British choreographer
George Williamson and a creation by a ‘veteran’ of Dutch choreography, 77-year-old Toer
van Schayk.
After its performances of Eric Vu-An’s version
of Coppélia, the Rome Opera Ballet is presenting a quadruple bill of works by American choreographers. The curtain rises in March on Diversion of Angels by Martha Graham (1948), a
work for three couples, respectively embodying (as the ‘Grande Dame of Modern Dance’
herself explained) mature love, passionate/
erotic love and teenage love. This will be followed by Day on Earth (1947), one of the most
famous works by the pioneer of modern dance
Doris Humphrey and which is inspired by the
cycle of life, and by José Limón’s solo
Chaconne, also dated 1947, to music by Johann
Sebastian Bach. Alvin Ailey’s creation for
American Ballet Theatre, The River (1970),
completes the programme: the work compares
Pierre Tappon, Charlotte Eatock – Richard
Alston Dance Company: “Roughcut”,
c. Richard Alston
Le chorégraphe allemand Mario Schröder
présente en mars une création pour le Ballet
de l’Opéra de Leipzig dont il est directeur.
La pièce s’inspire des Murder Ballads, l’album discographique du groupe “Nick Cave
and the Bad Seeds”, qui raconte des histoires
de mort, puisant dans tout un pan de la tradition folk anglo-saxonne. Le spectacle sera présenté jusqu’au mois de mai.
Le chorégraphe autrichien Jörg Mannes (42
Tra la fine di febbraio e l’inizio di marzo
l’English National Ballet è in residenza alla
Tate Britain di Londra (sede della più grande
collezione d’arte britannica), dove presenta
spettacoli e workshops nell’ambito della mostra Picasso and Modern British Art. Si tiene
poi, il 5 marzo, alla Queen Elizabeth Hall il
terzo concorso per il miglior danzatore emergente della compagnia stessa: quest’anno i candidati saranno in sei (tra di essi, da notare Yonah
Acosta, nipote di Carlos). In seguito, alla fine
di marzo, la compagnia inglese sarà impegnata
in due programmi dedicati ai Ballets Russes e
comprendenti due creazioni: la prima è un Uccello di fuoco del giovane coreografo britannico George Williamson e la seconda è invece
affidata a un veterano della coreografia olandese, Toer van Schayk (77 anni).
Come sappiamo, la Compañía Nacional de
Danza è diretta dal settembre scorso da José
Dopo la creazione di Christian Spuck, Das
Fraülein von S., in programma in febbraio e
marzo, il Balletto di Stoccarda presenta altre
tre creazioni in un’unica serata a partire dalla
fine di marzo (repliche fino a maggio). Firmano i tre lavori rispettivamente l’italiano Mauro
18
19
Following performances in February and March
of Das Fraülein von S., a creation by Christian
Spuck, the Stuttgart Ballet will offer a triple
bill of new creations. The programme, entitled
“Körpersprache 3” (“Language of the Body 3”),
will be premièred at the end of March, with
performances running until May. The three new
works are by, respectively, the following choreographers: Italian Mauro Bigonzetti, German
Marco Goecke (who has been the company’s
resident choreographer since 2005) and Rumanian Edward Clug, director of the Slovene National Theatre’s Ballet Maribor. Clug created
Pocket Concerto for the Stuttgart Ballet in 2009.
From the end of February, and during the month
of March, the Dresden Semperoper Ballet is
dancing a new William Forsythe programme
consisting of: Artifact Suite (the central section
of the 4-act ballet Artifact, to music by Johann
Sebastian Bach and contemporary composer
Eva Crossman-Hecht), Enemy in the Figure
(music by Thom Willems) and Slingerland Pas
de Deux (music by Gavin Bryars). A suite made
up of five pas de deux from various works by
the American choreographer, completes the
quadruple bill.
The Leipzig Ballet is premièring a new creation by its director, German choreographer
Mario Schröder, in March. The work has been
inspired by Murder Ballads, an album by “Nick
Cave and the Bad Seeds” which, as its title suggests, consists of new and traditional ballads
relaying the details of crimes of passion. Performances continue until May.
42-year-old Austrian choreographer Jörg
Mannes has been at the helm of the Hanover
State Ballet (northern Germany) since 2006.
BREVI • ECHOS
NEWS •• ECHOS
BREVI •• BREVI
NEWS • ECHOS
ECHOS ••ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI
ECHOS • ECHOS
Staatsballett
Hannover: “Alice in
Wonderland”,
c. Jörg Mannes
(ph. G. Weigelt)
Alla fine di marzo entra
in repertorio al Balletto
Reale Danese di
Copenhagen La Dama
delle camelie di John
Neumeier. Si tratta di
uno dei balletti più noti
e amati del coreografo
americano, creato nel
1978 per Marcia
Haydée, e danzato oggi
da diverse compagnie
nel mondo.
Erina Takahashi, Esteban Berlanga – English National Ballet: “Suite en blanc”,
c. Serge Lifar (ph. A. Moeller)
ans) dirige depuis 2006 le Ballet de la
Staatsoper de Hanovre (au nord de l’Allemagne). Au cours de l’actuelle saison, il a présenté un nouveau ballet inspiré d’Alice au pays
des merveilles de Lewis Caroll, qui sera repris jusqu’au mois d’avril, quand on présentera un autre nouveau ballet tiré de Madame
Bovary de Gustave Flaubert. Entretemps, en
mars, on donnera une soirée consacrée au
tango comprenant le célèbre Five Tangos de
Hans van Manen et deux autres pièces respectivement de Mannes lui-même et de Kinsun
Chan, canadien d’origine chinoise, ancien danseur du Ballet de Zurich et du Ballet de Bâle,
actif dans le domaine de la chorégraphie et
des arts visuels.
Fin mars, La Dame aux camélias de John
Neumeier entre au répertoire du Ballet Royal
Danois de Copenhague. Il s’agit de l’un des
ballets les plus connus et aimés du chorégraphe américain, créé en 1978 pour Marcia
Haydée, et dansé aujourd’hui par diverses
compagnies dans le monde.
Comme on l’a annoncé, Het Nationale Ballet, la compagnie nationale hollandaise d’Amsterdam, célèbre ses cinquante ans (nous avons
consacré à cet événement l’article de couverture du numéro 223). Pour l’occasion, entre
février et mars, on présentera deux programmes comprenant pas moins de neuf créations.
Les pièces sont signées par Hans van Manen,
chorégraphe historique de la compagnie, l’An-
Bigonzetti, il tedesco Marco Goecke (dal 2005
coreografo stabile al Balletto di Stoccarda) e
il romeno Edward Clug, direttore della compagnia del Teatro Nazionale di Maribor
(Slovenia), che già aveva creato a Stoccarda
Pocket Concerto nel 2009. La serata s’intitola
“Körpersprache 3” (“Linguaggio del corpo
3”).
Il coreografo tedesco Mario Schröder presenta in marzo una creazione per il Balletto dell’Opera di Lipsia di cui è direttore. Il lavoro
s’ispira alle Murder Ballads, l’album
discografico del gruppo “Nick Cave and the Bad
Seeds”, che attinge da un tipico filone del folk
anglosassone, cantando storie di morte. Repliche fino a maggio.
Il coreografo austriaco Jörg Mannes (42 anni)
dirige dal 2006 il Balletto della Staatsoper di
Hannover (nel nord della Germania). Nel corso dell’attuale stagione ha presentato un nuovo
balletto ispirato ad Alice nel paese delle meraviglie di Lewis Caroll, che sarà replicato fino
ad aprile, quando presenterà un altro nuovo balletto ispirato a Madame Bovary di Gustave
Flaubert. Nel mentre, in marzo, sarà data una
serata dedicata al tango con il famoso Five
Tangos di Hans van Manen e due altri lavori
rispettivamente dello stesso Mannes e di Kinsun
Chan, canadese di origini cinesi, ex danzatore
del Balletto di Zurigo e del Balletto di Basilea,
dedito alla coreografia e attivo in vari campi
delle arti visive.
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In the course of the current season, the company has premièred his new ballet based on
Lewis Caroll’s Alice in Wonderland, with reprise performances continuing until April when
the Hanover State Ballet will be premièring another Mannes ballet, this time based on Madame Bovary by Gustave Flaubert. In the month
of March, there will also be a tango programme
consisting in Hans van Manen’s celebrated Five
Tangos, together with two other works, one by
Mannes and the other by Kinsun Chan. Chan, a
Canadian of Chinese descent, is a former member of the Zurich Ballet and of the Basel Ballet
who has since become active as a choreographer, while also working in a range of various
other artistic disciplines.
At the end of March The Royal Danish Ballet
of Copenhagen is taking John Neumeier’s The
Lady of the Camellias into its repertoire. This
is one of the American choreographers bestknown and loved ballets; it was created for
Marcia Haydée in 1978 and is danced by numerous companies around the world.
As has previously been announced, Het
Nationale Ballet, the Dutch National Company
of Amsterdam, is celebrating its 50th birthday
(see the cover-story of issue No. 223). To mark
the occasion, two programmes are being presented in February and March, featuring a total
of nine creations by, respectively: Hans van
Manen (the choreographer who shaped HNB),
English choreographers David Dawson and
Christopher Wheeldon, Pole Krzysztof Pastor
(who is HNB’s resident choreographer, together
with Van Manen), the company’s dancer Juanjo
glais David Dawson, le Polonais Krzysztof
Pastor (avec Van Manen, chorégraphe résident
de HNB), le danseur de la compagnie Juanjo
Arqués, et puis le Russe Alexeï Ratmansky,
l’Anglais Christopher Wheeldon, le directeur
Ted Brandsen, le duo Paul Lightfoot et Sol
León et Tom Simons, ancien directeur de la
compagnie Dance Works Rotterdam. Et toujours en mars, Het Nationale Ballet tourne dans
plusieurs villes de Hollande avec Le Lac des
cygnes signé en 1988 par deux vétérans de la
chorégraphie hollandaise, Rudi van Dantzig
et Toer van Schayk.
Jorma Elo présente en mars une création pour
le Ballet Royal des Flandres à l’Opéra d’Anvers. Finlandais, bien connu aux États-Unis
où il est chorégraphe-résident du Boston Ballet, Elo avait déjà créé pour la compagnie
belge en 2007 Lost by Last qui a été repris en
septembre dernier. Avec la nouvelle pièce on
donnera également Serenade (1934) de
George Balanchine et After the Rain, la pièce
de Christopher Wheeldon sur Tabula rasa
d’Arvo Pärt.
Le duo Paul Lightfoot et Sol León, lui anglais,
elle espagnole, revient travailler avec le Ballet de l’Opéra d’Oslo (Norvège). Le couple
de chorégraphes résidents du Nederlands
Dans Theater (récemment Lightfoot en a été
nommé directeur) présente à Olso en mars et
en avril un triptyque, duquel se détache Safe
as Houses: les deux chorégraphes ont en effet
puisé leur inspiration pour cette pièce, sur la
musique de Johann Sebastian Bach, dans le
paysage norvégien, précisément alors qu’ils
Come già annunciato,
Het Nationale Ballet, la
compagnia nazionale
olandese di Amsterdam,
festeggia cinquant’anni
(abbiamo dedicato all’evento l’articolo di copertina del numero 223).
Per l’occasione tra febbraio e marzo saranno
presentati due programmi comprendenti in tutto nove creazioni. Firmano i nuovi lavori Hans
van Manen, coreografo storico della compagnia,
l’inglese David Dawson, il polacco Krzysztof
Pastor (con Van Manen coreografo stabile di
HNB), il danzatore della compagnia Juanjo
Arqués, e poi il russo Alexei Ratmansky, l’inglese Christopher Wheeldon, il direttore Ted
Brandsen, la coppia Paul Lightfoot e Sol León
e Tom Simons, ex direttore della compagnia
Dance Works Rotterdam. E sempre in marzo,
Het Nationale Ballet porta in tournée in varie
città d’Olanda Il lago dei cigni firmato nel 1988
da due veterani della coreografia olandese, Rudi
van Dantzig e Toer van Schayk.
Jorma Elo presenta in marzo una sua creazione
per il Balletto Reale delle Fiandre all’Opera di
Anversa. Finlandese, noto negli Stati Uniti dove
è coreografo stabile del Boston Ballet, Elo aveva già creato per la compagnia belga nel 2007
Lost by Last che è stato ripreso anche lo scorso
settembre. Insieme al nuovo lavoro saranno dati
Serenade (1934) di George Balanchine e After
the Rain, il lavoro di Christopher Wheeldon su
Tabula rasa di Arvo Pärt.
Il duo Paul Lightfoot e Sol León, inglese lui,
spagnola lei, torna a lavorare con il Balletto
dell’Opera di Oslo (Norvegia). La coppia di
coreografi stabili del Nederlands Dans Theater
(Lightfoot ne è stato nominato recentemente
direttore) presenta a Olso in marzo e aprile un
trittico, in cui spicca Safe as Houses: i due coreografi hanno infatti trovato ispirazione per
questo lavoro, su musica di Johann Sebastian
21
Arqués, Russian Alexei Ratmansky, HNB’s director Ted Brandsen, the Paul Lightfoot/Sol
León duo and Tom Simons, former director of
the Dance Works Rotterdam troupe. Also in
March, Het Nationale Ballet will be touring its
1988 version of Swan Lake (by two veterans of
Dutch choreography, Rudi van Dantzig and Toer
van Schayk) in various towns and cities of The
Netherlands.
Jorma Elo’s new creation for the Royal Ballet
of Flanders is being premièred at the Antwerp
Opera House (Belgium) in March. Elo, a Finnish choreographer who is well-known in the
USA and choreographer-in-residence with Boston Ballet, had already created in 2007 for the
Flemish company which revived the work in
question, Lost by Last, last September. Elo’s
new work will be performed in the context of a
triple bill also featuring Serenade (1934) by
George Balanchine and After the Rain by
Christopher Wheeldon (to the notes of Arvo
Pärt’s Tabula rasa).
The Nederlands Dans Theater’s resident choreographers Paul Lightfoot (from England, recently also appointed artistic director of NDT)
and Sol León (from Spain), will be working
once again with the Norwegian National Ballet in Oslo. The two, who have been creating
together for a long time, are presenting a triple
bill in March and April at the Oslo Opera House
that includes Safe as Houses, to music by
Johann Sebastian Bach. The inspiration for this
work came to Lightfoot and León from the
Norwegian countryside, while they were working in Oslo in 2010. The programme also features two works to music by Philip Glass: the
surreal Some Difference and Shoot the Moon,
about troubled social relations.
As has already been announced Swiss choreographer Heinz Spoerli is leaving his post as
director of the Zurich Ballet at the end of this
season (he is to be succeeded, as from next September, by German choreographer Christian
Spuck). Before then, Spoerli has two new creations lined up for March as part of a programme
which will be performed up until July. The first
is Don Juan, to the music composed by
Christopher W. Gluck for Gasparo Angiolini’s
ballet of 1760; the second work is set to Richard Strauss’s “symphonic poem” Till
Eulenspiegels lustige Streiche (“Till
Eulenspiegel’s Merry Pranks”).
In March the Vienna Opera Ballet is reviving
at the Staatsoper Boris Eifman’s ballet Anna
Karenina based on the homonymous book by
Leo Tolstoy. This ballet, from 2005, is one of
the 65-year-old Russian choreographer’s most
famous works. Eifman, is noted for his “dramatic compositions” – often based on Russian
literary classics or inspired by towering characters – in a classic/academic style livened up
by spectacular effects such as extreme lines and
acrobatic lifts.
BREVI • ECHOS
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travaillaient à Oslo en 2010. Au programme
également deux pièces qui emploient des musiques de Philip Glass: Some Difference, sur
un mode surréaliste, et Shoot the Moon, avec
un décor représentant des chambres qui renvoie au thème des relations sociales.
Comme on l’a annoncé, à la fin de la saison,
le chorégraphe suisse Heinz Spoerli quitte
la direction du Ballet de l’Opéra de Zurich
(à partir du moins septembre, la charge sera
confiée à l’Allemand Christian Spuck).
Entretemps, Spoerli présente en mars deux
nouvelles créations dans un programme qui
sera repris jusqu’à la fin du mois de juillet.
La première est Don Juan sur la musique
composée par Christopher W. Gluck pour le
ballet de Gasparo Angiolini de 1760; la seconde s’appuie sur le “poème symphonique”
de Richard Strauss Till Eulenspiegels lustige
Streiche.
Le Ballet du Grand Théâtre de Genève est
en scène en février avec Glory, une création
du chorégraphe grec Andonis Foniadakis sur
le Gloria de Georg Friedrich Händel. La compagnie genevoise avait déjà dansé dans le
passé une autre de ses pièces d’inspiration
religieuse, Selon désir, sur des extraits de la
Passion selon Mathieu et de la Passion selon
Jean de Johann Sebastian Bach.
Le Ballet de l’Opéra de Vienne reprend en
mars à la Staatsoper de la capitale autrichienne Anna Karenina de Boris Eifman
d’après le roman de Lev Tolstoï. Créé en
2005, c’est l’un des ballets les plus célèbres
du chorégraphe russe, qui a aujourd’hui 65
ans et qui travaille le plus souvent avec sa
compagnie à Saint-Pétersbourg (Eifman Ballet). Eifman est justement connu pour ses
“choréo-drames” inspirés des grands romans
russes ou de personnages célèbres et pour une
danse de base académique mais aux effets
spectaculaires (lignes extrêmes, portés acrobatiques…).
Depuis que le chorégraphe anglais
Christopher Wheeldon a quitté la compagnie
Morphoses, sa directrice administratrice,
Lourdes Lopez, a décidé d’en confier chaque année la direction artistique à un chorégraphe différent. Après l’Italien Luca Veggetti
l’année dernière, c’est maintenant autour du
chorégraphe suédois Pontus Lidberg, qui
créera une pièce durant toute une soirée qui
sera présentée lors de la saison. Lidberg est
connu surtout pour le film de danse primé à
plusieurs occasions The Rain qu’il a réalisé
en 2007. Il s’est formé à l’école du Ballet
Royal Suédois et a dansé dans diverses compagnies du nord de l’Europe et au Grand
Théâtre de Genève. Comme chorégraphe, il
a réalisé de nombreuses pièces en Suède et
pour des compagnies internationales, dont le
Ballet Royal Danois et la Morphoses ellemême; il a été “chorégraphe résident” au
Bach, nel paesaggio norvegese, proprio mentre lavoravano a Oslo nel 2010. In programma
anche due lavori che impiegano musiche di
Philip Glass: Some Difference, in tono
surrealista, e Shoot the Moon, ambientato tra
scorci di stanze che rinviano al tema delle relazioni sociali.
Baryshnikov Arts Center de New York, où il a
travaillé avec la danseuse du New York City
Ballet Wendy Whelan à la réalisation du film
Labyrinth Within, avec la musique de David
Lang.
Vishneva pour Martha
Graham
Come già annunciato, il coreografo svizzero
Heinz Spoerli lascia con la fine della stagione la direzione del Balletto dell’Opera di
Zurigo (a partire dal prossimo settembre l’incarico sarà affidato al tedesco Christian
Spuck). Nel mentre, Spoerli presenta in marzo due nuove creazioni riunite in un programma che sarà replicato fino a luglio. La prima è
Don Juan sulla musica composta da
Christopher W. Gluck per il balletto di Gasparo
Angiolini del 1760; la seconda impiega il “poema sinfonico” di Richard Strauss Till
Eulenspiegels lustige Streiche (“I tiri burloni
di Till Eulenspiegel”).
Diana Vishneva, étoile du Théâtre Mariinsky
de Saint-Pétersbourg, est aussi très connue à
New York, où elle est aujourd’hui principal
de l’American Ballet Theatre. Mais elle reviendra à New York en invitée de la Martha Graham Dance Company, dans une soirée spéciale
au City Center le 14 mars prochain. Elle interprétera Arianna dans Errand into the Maze,
pièce célèbre de 1947 de Martha Graham inspirée du mythe du Minotaure, musique de Gian
Carlo Menotti et décors d’Isamu Noguchi. La
soirée sera complétée par d’autres pièces célèbres de Graham: Chronicle, Appalachian
Spring et Diversion of Angels. Vishneva avait
déjà dansé Errand into the Maze voici quelques mois à Saint-Pétersbourg et à Moscou
dans son récital “Diana Vishneva: Dialogues”,
qu’elle donnera aussi à New York les jours
suivants son apparition avec la Martha Graham Dance Company. Au programme également Dialogue que John Neumeier a créé
pour elle et pour Thiago Bordin du Ballet de
Hambourg l’année dernière et Subject to
Change de Paul Lightfoot et Sol León (2003).
Les rendez-vous suivants à New York pour
Vishneva auront lieu lors de l’habituelle saison de printemps de l’ABT, entre mai et juin,
où elle dansera Giselle, La Bayadère,
Onéguine de John Cranko et Roméo et Juliette
de Kenneth MacMillan.
Il Balletto del Grand Théâtre di Ginevra è in
scena in febbraio con Glory, una creazione del
coreografo greco Andonis Foniadakis sul Gloria di Georg Friedrich Händel. La compagnia
ginevrina aveva già danzato in passato un suo
altro lavoro sempre d’ispirazione religiosa,
Selon désir, su alcuni estratti dalla Passione secondo Matteo e dalla Passione secondo Giovanni di Johann Sebastian Bach.
Il Balletto dell’Opera di Vienna riprende in
marzo alla Staatsoper della capitale austriaca
Anna Karenina di Boris Eifman dal romanzo
di Lev Tolstoi. Creato nel 2005, è questo uno
dei balletti più celebri del coreografo russo, che
ha oggi 65 anni e che lavora perlopiù con la sua
compagnia a San Pietroburgo (Eifman Ballet).
Eifman è noto appunto per i suoi “coreo-drammi” ispirati ai grandi romanzi russi o a personaggi celebri e per una danza di base accademica ma con effetti spettacolari (linee estreme,
lifts acrobatici…).
Da quando il coreografo inglese Christopher
Wheeldon ha lasciato la compagnia
Morphoses, la sua direttrice amministrativa,
Lourdes Lopez, ha deciso di affidare ogni anno
la direzione artistica a un coreografo diverso.
Dopo l’italiano Luca Veggetti lo scorso anno,
ora è stato scelto il coreografo svedese Pontus
Lidberg, che creerà un lavoro a serata intera
che sarà presentato durante la stagione. Lidberg
è noto soprattutto per il film di danza
pluripremiato The Rain che ha realizzato nel
2007. Ha realizzato numerosi lavori per compagnie internazionali, tra le quali il Balletto Reale Danese e la stessa Morphoses; è stato “coreografo residente” al Baryshnikov Arts Center
di New York.
Il New York City Ballet conclude in febbraio
la sua consueta stagione d’inverno, la cui novità è affidata al coreografo Christopher
Wheeldon; è abitudine presentare infatti una
22
creazione intorno al 22 gennaio, quando ricorre il compleanno di George Balanchine, il grande coreografo fondatore della compagnia. In
marzo invece il NYCB sarà in tournée in Germania. In programma titoli di Balanchine e
Jerome Robbins.
Vishneva in veste Graham
Diana Vishneva, stella del Teatro Mariinsky
di San Pietroburgo, è anche molto nota a New
York, dove oggi è principal dell’American
Ballet Theatre. Ma farà ritorno a New York
come ospite della Martha Graham Dance
Company, in una serata speciale al City
Center il 14 marzo prossimo. Interpreterà
Arianna in Errand into the Maze, celebre lavoro del 1947 di Martha Graham ispirato al
mito del Minotauro, sulla musica di Gian Carlo Menotti e con le scene di Isamu Noguchi.
La serata sarà completata da altri noti lavori
della Graham: Chronicle, Appalachian Spring
e Diversion of Angels. La Vishneva aveva già
danzato Errand into the Maze nei mesi scorsi a San Pietroburgo e a Mosca nel programma del suo recital “Diana Vishneva:
Dialogues”, che ridarà anche a New York nei
giorni successivi alla sua apparizione con la
Martha Graham Dance Company. In programma anche Dialogue che John Neumeier
ha creato per lei e per Thiago Bordin del Balletto di Amburgo lo scorso anno e Subject to
Change di Paul Lightfoot e Sol León (2003).
Gli appuntamenti successivi a New York per
la Vishneva saranno nella consueta stagione
di primavera dell’ABT, tra maggio e giugno,
dove danzerà Giselle, La Bayadère, Onegin
di John Cranko e Romeo e Giulietta di
Kenneth MacMillan.
Diana Vishneva – Mariinsky Theatre, St. Petersburg: “Errand into the Maze”, c. Martha
Graham (ph. N. Razina)
Igone de Jongh, Casey Herd – Het
Nationale Ballet: “Le Lac des cygnes”,
c. Rudi van Dantzig, Toer van Schayk
(ph. M. Haegeman)
Until February the Ballet du Grand
Théâtre de Genève (Switzerland) is performing Glory, a creation by Greek choreographer Andonis Foniadakis to the notes
of Georg Friedrich Haendel’s Gloria. The
Geneva-based company has already previously danced another religious work by
Foniadakis, Selon désir, to excerpts from
Johann Sebastian Bach’s St. Matthew Passion and St. John Passion.
Vishneva for Graham
Diana Vishneva, star of the Mariinsky Theatre
of St Petersburg, is nowadays also very wellknown in New York as she is also a principal of
American Ballet Theatre. On 14 March, however, she will be returning to New York to guest
with the Martha Graham Dance Company on a
very special evening at City Center. On that occasion, she will dance the role of Ariadne in
Errand into the Maze, Martha Graham’s famous
work (1947) based on the myth of the Minotaur,
with music by Gian Carlo Menotti and scenery
by Isamu Noguchi. Three other celebrated
works by Graham complete the quadruple bill:
Chronicle, Appalachian Spring and Diversion
of Angels. Vishneva has already interpreted Errand into the Maze in recent months, both in
Petersburg and Moscow, as part of her recital
“Diana Vishneva: Dialogues”. She will offer
that recital also in New York on the nights following her appearance with the Martha Graham
Dance Company. The programme also features
Dialogue, which John Neumeier created last
year for her and Thiago Bordin of the Hamburg Ballet, as well as Subject to Change by
Paul Lightfoot and Sol León (2003). Vishneva’s
subsequent engagements in New York will be
in the context of ABT’s Spring Season, between
May and June: Giselle, La Bayadère, Onegin
(by John Cranko) and Romeo and Juliet by
Kenneth MacMillan.
When English choreographer Christopher
Wheeldon left the Morphoses company, its executive director Lourdes Lopez decided that
every year a different choreographer would be
taken on as resident artistic director. After engaging Italian Luca Veggetti last year, she has
now chosen Swedish choreographer Pontus
Lidberg who is expected to create a fullevening work, to be premièred in the course of
the season. Lidberg is especially noted for his
award-winning dance film The Rain (2007). He
studied at the Royal Swedish Ballet School and
danced with a number of northern European
companies, as well as with the Grand Théâtre
in Geneva. As a choreographer he has created
numerous works in Sweden, as well as for international companies such as The Royal Danish Ballet and Morphoses itself; he has been a
choreographer-in-residence at the Baryshnikov
Arts Center in New York where he worked with
New York City Ballet dancer Wendy Whelan
on a film, Labyrinth Within, to music by David
Lang.
The novelty of New York City Ballet’s season, which ends in February, is a new work by
choreographer Christopher Wheeldon; every
year NYCB premières a creation on or around
22nd January (to commemorate the company’s
founding father George Balanchine’s birthday).
In March NYCB will be on tour in the German
towns of Ludwigshafen and Baden-Baden. A
Balanchine/Jerome Robbins programme is on
offer (see our Calendar pages for details).
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ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS
Alvin Ailey,
Judith Jamison,
Robert Battle
Alvin Ailey
American Dance
Theater:
“Arden Court”,
c. Paul Taylor
(ph. P. Kolnik)
Le New York City Ballet
clôture en février son habituelle saison d’hiver au
State Theatre du Lincoln
Center. À cette occasion, le
chorégraphe Christopher
Wheeldon a signé une nouvelle pièce: il est de tradition en effet de présenter
une création autour du 22
janvier, lors de l’anniversaire de George Balanchine,
fondateur de la compagnie.
En mars, par ailleurs, le
NYCB sera en tournée en
Allemagne, avec deux étapes, l’une tout d’abord à
Ludwigshafen, puis l’autre
à Baden-Baden. Au programme, des pièces de Balanchine et Jerome Robbins
(voir notre Affiche).
L’Alvin Ailey American
Dance Theater a présenté
une saison de cinq semaines
entre novembre et janvier au
New York City Center. C’était sa première
saison sous la direction du chorégraphe Robert Battle qui a remplacé récemment Judith
Jamison, directrice de la compagnie depuis la
mort d’Alvin Ailey en 1989 et interprète-fétiche du grand chorégraphe américain. Outre des
pièces historiques d’Alvin Ailey (comme le
celèbre Revelations, Night Creature et Cry) et
de quelques chorégraphies de Judith Jamison,
de Robert Battle et d’autres, on a également
présenté une création du chorégraphe hip hop
Rennie Harris, Home, inspirée des histoires de
gens infectés par le HIV. D’autres pièces ont
été dansées par la compagnie pour la première
fois: Arden Court de Paul Taylor, Minus16 du
chorégraphe israélien Ohad Naharin et
Takademe, l’une des premières pièces de Battle
inspirée du Kathak, danse traditionnelle indienne. La compagnie est attendue la prochaine saison à Paris, dans le cadre des “Étés
de la Danse”.
L’Alvin Ailey American Dance Theater ha
presentato una stagione di cinque settimane tra
novembre e gennaio al New York City Center.
Era la prima stagione sotto la direzione del coreografo Robert Battle che ha sostituito Judith
Jamison, direttrice della compagnia dalla morte di Alvin Ailey nel 1989 e interprete prediletta del grande coreografo americano. Oltre ad
alcuni storici lavori di Ailey (come Revelations,
Night Creature e Cry) e a coreografie di Judith
Jamison, Robert Battle e altri, è stata presentata anche una creazione del coreografo hip hop
Rennie Harris, Home, ispirata alle vicende di
persone affette da HIV. Altri lavori sono stati
danzati dalla compagnia per la prima volta:
Arden Court di Paul Taylor, Minus16 del coreografo israeliano Ohad Naharin e Takademe,
uno dei primi lavori di Battle ispirato al Kathak,
danza tradizionale indiana. La compagnia è attesa la prossima estate a Parigi, nell’ambito delle
“Étés de la Danse”.
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The Alvin Ailey American Dance Theater’s
season at New York City Center lasted five
weeks, from November to January. It was the
troupe’s first season under the direction of choreographer Robert Battle. He has taken over from
Judith Jamison who was at the helm of the company ever since choreographer Alvin Ailey
passed away in 1989 (Jamison, it will be remembered, was Ailey’s favourite dancer). Aside from
some of Ailey’s most notable works (such as Revelations, Night Creature and Cry) and others by
Judith Jamison, Robert Battle etc., the Alvin Ailey
Dance Company premièred Home, a creation by
hip hop choreographer Rennie Harris to commemorate World AIDS Day, and debuted in:
Arden Court by Paul Taylor, Minus16 by Israeli
choreographer Ohad Naharin and Takademe by
Battle (one of his first choreographies, inspired
by Kathak, a traditional style of Indian dancing).
Looking ahead, the Alvin Ailey Dance Company
is expected in Paris next summer.
LA COUVERTURE
LA COPERTINA
Lyon, le
Lione, il
contemporain à contemporaneo
visage humain dal volto umano
C’est-à-dire, la danse
contemporaine en perspective
internationale et réelle, non
provinciale et velléitaire. Le
Ballet de l’Opéra de Lyon, dans
la vision claire de son directeur
Yorgos Loukos, est en effet en
équilibre entre ce qui demeure
vivant de la “nouvelle danse”
française et les tendances les
plus éclectiques de la danse dans
le monde, y compris le “postclassique”. Mais la véritable
étoile de la compagnie est celle
sans “visage humain” sur notre
couverture: la célèbre Cendrillon
de Maguy Marin
Le Ballet de l’Opéra National de Lyon –
l’ancien Lyon Opéra Ballet – est dirigé depuis 1991 par Yorgos Loukos (né en Grèce et
fort d’une carrière européenne et américaine)
qui le présente comme “une compagnie de
formation classique tournée vers la danse contemporaine et on peut dire qu’actuellement
elle reflète la danse en mouvance dans le
monde”. Una définition élastique qui a permis à la compagnie d’aborder, sans frontières, l’éventail de la chorégraphie contemporaine, de Maguy Marin à Trisha Brown et à
Jérôme Bel, pour arriver à danser maintenant
– et sans que cela soit en contradiction – son
premier ballet de George Balanchine, Concerto
Barocco.
Lors de la même soirée, présentée en décembre, on a affiché également deux pièces
de Benjamin Millepied, “un Français à New
York”, danseur et chorégraphe du film très
médiatique de Darren Aronofsky, le “thriller
avec danse” Le Cygne noir (Millepied s’est
formé au Conservatoire de Lyon, après ses
premiers pas avec sa propre mère, professeur
de danse contemporaine).
Loukos continue: “Les danseurs, dans la pratique que leur apporte la diversité des styles
proposés, sont, dans la compagnie, entraînés
à différentes techniques. Depuis plus de vingt
ans, elle s’est constitué un répertoire important – 93 pièces, dont 48 créations mondiales
–, en faisant appel à des chorégraphes privilégiant le langage, le faisant évoluer, inventant son environnement et sa mise en espace”.
En effet, la liste des chorégraphes, outre ceux
Cioè, la danza contemporanea in
prospettiva internazionale e
reale, non provinciale e
velleitaria. Il Ballet de l’Opéra
de Lyon, nella visione chiara del
suo direttore Yorgos Loukos, è
infatti in equilibrio tra ciò che è
rimasto vivo della “nouvelle
danse” francese e le tendenze più
eclettiche della danza nel mondo,
“post-classico” compreso. Ma la
vera star della compagnia resta
quella senza “volto umano”
nella nostra copertina, la famosa
Cenerentola di Maguy Marin
Il Ballet de l’Opéra National de Lyon – già
Lyon Opéra Ballet – nelle parole del suo direttore dal 1991, Yorgos Loukos (nato in Grecia,
ma con una carriera europea e americana), si
presenta come “una compagnia di formazione
classica rivolta alla danza contemporanea, che
si può dire rifletta oggi la danza in movimento
in tutto il mondo”. Una definizione elastica che
ha permesso alla compagnia di affrontare, senza barriere, tutto il ventaglio della coreografia
contemporanea, da Maguy Marin a Trisha Brown
a Jérôme Bel, per approdare adesso – e senza
che questa sia una contraddizione – al suo primo balletto di George Balanchine, Concerto Barocco. Nello stesso spettacolo, presentato in dicembre, figurano due lavori di Benjamin
Millepied, “un Français à New York”, danzatore
e coreografo del supermediatico film “thriller
con danza” di Darren Aronofsky, Il cigno nero
(Millepied ha alle spalle studi al Conservatorio
di Lione, dopo i primi passi con la propria madre, insegnante di danza contemporanea).
Continuiamo a scorrere il profilo del Ballet
de l’Opéra de Lyon: “I danzatori della compagnia, praticando stili molto differenti, sono ormai esperti in diverse tecniche. Da più di
vent’anni si è formato un repertorio importante – 93 titoli, di cui 48 sono creazioni – chiamando coreografi che privilegiano il linguaggio
della danza, facendolo evolvere, inventando il
suo ambiente scenico e la sua costruzione nello
spazio”.
In effetti, la lista dei coreografi, oltre a quelli
già citati, è impressionante : i “post-moderni”
americani Merce Cunningham, Lucinda Childs,
Bill T. Jones, Ralph Lemon, Stephen Petronio,
Susan Marshall, gli “scrittori del movimento”
Jirí Kylián, Mats Ek, William Forsythe, Nacho
26
THE COVER
Contemporary
with a human
angle in Lyon
Or rather, a truly international
contemporary kind of dance, not
in the least bit provincial or
unrealistic. The Lyon Opera
Ballet, as envisaged so clearly by
its director Yorgos Loukos, strikes
a balance between those features
of French “nouvelle danse” that
are still thriving and the markedly
eclectic (including “post-classic”)
trends of world dance. Anyway,
the company’s real star remains
Maguy Marin’s “faceless”
Cinderella (our cover photo)
Greek-born Yorgos Loukos, whose career has
unfolded in Europe and America, describes the
Ballet de l’Opéra National de Lyon – formerly
the Lyon Opéra Ballet, of which he has been
the artistic director since 1991 – as “a classicbased company which looks to contemporary
dance and reflects dance in movement all over
the world”. This is a flexible definition that has
allowed this troupe to tackle, unhindered, the
entire gamut of contemporary choreography (from
Maguy Marin to Trisha Brown and Jérôme Bel),
and, last December, to take on its first George
Balanchine ballet, Concerto Barocco – without
this seeming in the slightest bit incongruous –
in the context of a programme that also featured
two works by “Frenchman in New York”
Benjamin Millepied. The latter, the dancer and
choreographer of Darren Aronofsky’s highly
mediatic “dancing thriller” film Black Swan, stud-
Yorgos
Loukos
Ballet de l’Opéra de Lyon: “This Part in Darkness”, c. Benjamin Millepied (ph. M. Cavalca)
qu’on vient de citer, est impressionnante : les
“post-modernes” américains Merce Cunningham, Lucinda Childs, Bill T. Jones, Ralph
Lemon, Stephen Petronio, Susan Marshall, les
“écrivains du mouvement” Jirí Kylián, Mats
Ek, William Forsythe, Nacho Duato, Anne Teresa De Keersmaeker, Sasha Waltz, les explorateurs de territoires nouveaux mêlant gestuelle et images Philippe Decouflé et Mathilde
Monnier, et les représentants de la “jeune danse
française” Alain Buffard, Boris Charmatz, Rachid Ouramdane, Christian Rizzo et Catherine Diverrès.
Aux côtés de ce riche éventail, on trouve
les tendances ouvertes à la théâtralité, comme
la “relecture” décapante de quelques œuvres
de référence: la Cendrillon pour poupées et
la Coppélia avec ses Marylin Monroe multipliées, conçues par Maguy Marin, ou Roméo et Juliette d’Angelin Preljocaj, situé dans
un pays de l’est soviétique, racontant une
histoire d’amour impossible entre une fille
de la Nomenklatura politique et un garçon
SDF, ou le Casse-Noisette ludique de Dominique Boivin.
Bref, à regarder le curriculum de cette compagnie, installée dans la même ville où la
Maison de la Danse et la prestigieuse Biennale de la Danse ont offert toute la danse
du monde, d’hier et d’aujourd’hui, on perçoit un tableau parfait de l’histoire de la danse
contemporaine française, des courants et des
Duato, Anne Teresa De Keersmaeker, Sasha
Waltz, gli esploratori di nuovi territori che mescolano gesto e immagine Philippe Decouflé et
Mathilde Monnier, e i rappresentanti della “giovane danza francese” Alain Buffard, Boris
Charmatz, Rachid Ouramdane, Christian Rizzo
et Catherine Diverrès.
Accanto a questo ricco menù di proposte ci
sono le tendenze aperte alla teatralità, come la
“rilettura” caustica di qualche balletto di riferimento, come la Cendrillon per bambole e la
Coppélia con tante Marylin Monroe, viste da
Maguy Marin, o Roméo et Juliette di Angelin
Preljocaj, ambientato in un paese dell’est sovietico, con una storia d’amore impossibile tra la
figlia della Nomenklatura politica e un ragazzo
senza casa, o il Casse-Noisette giocosissimo di
Dominique Boivin.
Insomma, a guardare il curriculum di questa
compagnia, che si trova ad agire nella città dove
la Maison de la Danse e la prestigiosa Biennale
de la Danse hanno proposto tutta la danza del
mondo, di ieri e di oggi, si legge uno spaccato
perfetto della storia della danza contemporanea
francese, delle correnti e dei periodi che hanno
segnato il gusto e l’avventura della danza in Francia negli ultimi decenni.
Stavolta, però, c’è stato un programma “americano diverso”, Balanchine più Millepied appunto, non giocato sul terreno del postmodern,
ma su quello del balletto contemporaneo che
oltreoceano ha già saputo assorbire le tendenze
27
ied at the Lyon Conservatoire (after being “initiated” by his mother, a teacher of contemporary dance).
Let us continue examining the Lyon Opera
Ballet’s credentials: “The troupe’s dancers practice
a number of highly diverse styles and are consequently experts in different techniques. A substantive repertoire has been built up in over twenty
years – 93 works, of which 48 are creations –
by calling in choreographers who privilege and
develop the language of dance, invent its scenic
ambience and structure it in space.”
If the truth be told, the list of choreographers
(apart from those mentioned above) is indeed
impressive: American “post-moderns” Merce
Cunningham, Lucinda Childs, Bill T. Jones, Ralph
Lemon, Stephen Petronio and Susan Marshall;
“writers of movement” like Jirí Kylián, Mats
Ek, William Forsythe, Nacho Duato, Anne Teresa
De Keersmaeker and Sasha Waltz; explorers of
virgin territory who blend movement with image like Philippe Decouflé and Mathilde Monnier;
not to mention representatives of “young French
dance” such as Alain Buffard, Boris Charmatz,
Rachid Ouramdane, Christian Rizzo and Catherine
Diverrès.
Over and above this rich fare, one should not
forget the troupe’s attention to theatricality with
their caustic “re-renderings”. These include
Maguy Marin’s doll-house Cinderella and her
Coppélia populated by Marilyn Monroe replicas, Angelin Preljocaj’s, Romeo and Juliet set
Julian Nicosia – Ballet de l’Opéra de Lyon: “Sarabande”, c. Benjamin Millepied (ph. M. Cavalca)
périodes qui ont marqué le goût et les dynamiques de la danse en France dans les dernières décennies.
Mais cette fois nous avons assisté à un programme “américain différent”, Balanchine
plus Millepied précisément, non pas dans le
domaine du postmodern, mais dans celui du
ballet contemporain qui, au-delà de l’océan,
s’est déjà pétri des tendances les plus modernes sans oublier ledit “néoclassique” lequel, avec Balanchine, a jeté les bases de l’histoire de la danse en Amérique.
Est-il hasardeux de présenter aux côtés d’un
chef-d’œuvre de Balanchine comme Concerto
Barocco (ici avec un corps de ballet féminin
très engagé et compact, et avec deux bonnes
solistes, Mariane Joly et Julia Carnicer), des
pièces comme Sarabande et This Part in
Darkness de Millepied? Pourrait-il devenir
la nouvelle star de la chorégraphie française?
Est-il vraiment l’un des nouveaux noms qui
comptent parmi les chorégraphes entre trente
et quarante ans de la scène internationale, avec
les Anglais Christopher Wheeldon et Wayne
McGregor (ou l’Italien Matteo Levaggi), bref
les “post-classiques” actuels?
Il n’y a aucune arrogance du genre starsystème chez Millepied, qui, lors de la première à Lyon, s’est présenté sur scène parmi
les applaudissements en jean, baskets et veste
décontractée. Mais est-il vraiment un bon chorégraphe? Eh bien oui. Il sait certainement
più moderne senza perdere di vista quel cosiddetto “neoclassico” che, con Balanchine, è una
base della storia della danza americana.
È azzardato presentare accanto a un capolavoro balanchiniano, Concerto Barocco (qui con
un gruppo femminile molto impegnato e compatto, e con due buone soliste, Mariane Joly et
Julia Carnicer), lavori come Sarabande e This
Part in Darkness di Millepied? Può essere lui la
nuova star del balletto francese? È davvero uno
dei nomi nuovi che contano tra i trentenni della
scena internazionale, accanto agli inglesi
Christopher Wheeldon e Wayne McGregor (o
all’italiano Matteo Levaggi), i “postclassici” di
ora, insomma?
Non c’è nessuna spocchia divistica nel coreografo Millepied, che alla prima si è presentato
in scena per gli applausi in jeans, scarpe da tennis e giacca da passeggio più che da sera. Ma è
bravo davvero? Ebbene sì, certamente sa come
si deve fare oggi. Sarabande sulla musica di Bach
è il concentrato della sua conoscenza vissuta del
classico e del contemporaneo e del jazz; è un
quartetto maschile che scorre nel vento, libero e
organico, senza sforzi – è il movimento tipico
di Millepied stesso. Gli interpreti sono Randy
Castillo, Harris Gkekas, Franck Laizet e Raúl
Serrano Núñez, in camicie a quadri e calzoni
quasi da western, ma molto molto chic. This Part
in Darkness, poi, sulla musica di David Lang e
Max Richter per 16 danzatori, stavolta uomini e
donne, gioca con il video che raddoppia gli in-
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in an Eastern European police state, an impossible love story between the daughter of a party
bigwig and a homeless boy, or Dominique
Boivin’s fun-packed The Nutcracker.
Over the years, the Maison de la Danse and
the prestigious Dance Biennial have brought to
Lyon practically all that world dance has to offer. The troupe’s own profile is in itself a crosssection of the history of contemporary French
dance, of the currents and periods that have influenced its trends over the past few decades.
This time however, we were offered a different kind of “American” programme, Balanchine
plus Millepied, not post-modern dance but contemporary ballet, a genre which, on the other
side of the Atlantic, succeeded in absorbing the
most modern of tendencies without losing sight
of its so-called “Neoclassicism”, with Balanchine
one of the foundations, on which the history of
American dance is based.
Is it risky to present works like Millepied’s
Sarabande and This Part in Darkness alongside a Balanchine masterpiece such as Concerto Barocco (danced by a strongly motivated and compact female ensemble, with two
notable soloists like Mariane Joly and Julia
Carnicer)? Is Millepied really one of the new
thirty-something-year-old choreographers that
count on the international scene, together with
his English colleagues Christopher Wheeldon
and Wayne McGregor (or Italian Matteo
Levaggi), i.e. the so-called “Post-classics” of
today?
Millepied does not give himself the airs of
a star, indeed on opening night he came on stage
in jeans, sneakers and a jacket that was definitely not a smoking one. But does he really
have talent? Yes he does and he is most definitely “in sync”. Sarabande, to music by Bach,
is a work which blows free and effortlessly in
the wind – the typical Millepied hallmark – and
encapsulates his personal experience in ballet
and contemporary/jazz dance. It is a work for
four male dancers, danced by Randy Castillo,
Harris Gkekas, Franck Laizet and Raúl Serrano
Núñez, in plaid shirts and cowboy-like (though
very stylish) trousers. This Part in Darkness, a
work for 16 dancers, both male and female, wearing t-shirts, vests and brown or black casual trousers, is set to music by David Lang and Max
Richter and uses video projections to replicate
the dancers. It is a skilfully-worked lyric composition that alternates between ensembles and
duets, between a classic vocabulary and postmodern movements, equally graceful as they flow
and ebb.
One must admit that this Bordeaux-born Yankee is quite brilliant. As are the Lyon Opera Ballet
dancers for whom Millepied had the following
words of praise: “Of all those with whom I have
worked, you have understood best exactly what
I have in mind.” And he has indeed worked
with a lot of dancers – from New York City
Ballet, American Ballet Theatre, with the Ballet du Grand Théâtre de Genève, Pacific Norwest
Ballet, Het Nationale Ballet in Holland, to the
Paris Opéra Ballet, not to mention his production as choreographer-in-residence at the
Baryshnikov Arts Center in New York, 2006-7.
In 2009 Millepied created the enjoyable Years
Dorothée Delabie – Ballet de
l’Opéra de Lyon: “Second
Detail”, c. William Forsythe
(ph. J.-P. Maurin)
29
Carlos Lainez Juan,
Mariane Joly –
Ballet de l’Opéra de
Lyon: “Concerto
Barocco”,
c. George Balanchine
(ph. M. Cavalca)
comment faire. Sarabande sur la musique de
Bach est un concentré de tout ce qu’il sait
du classique, du contemporain et du jazz;
c’est un quatuor qui souffle comme le vent,
libre et organique, sans efforts – c’est le cachet distinctif de Millepied. Les interprètes
en sont Randy Castillo, Harris Gkekas,
Franck Laizet et Raúl Serrano Núñez, en
chemise à carreaux et pantalon presque genre
western, mais très très chic. Ensuite, This
Part in Darkness, sur la musique de David
Lang et Max Richter pour 16 danseurs, cette
fois pour garçons et filles, joue avec la vidéo qui dédouble les interprètes en t-shirt,
débardeur et pantalon décontracté marron
terpreti in magliette, canottiere e pantaloni casual marroni e neri. Si tratta di una composizione sapientemente lirica, variegata tra gruppi e
duetti, tra linguaggio accademico e gesto
postmoderno, anch’essa molto fluida e liquida
nel farsi e disfarsi.
È piuttosto bravo, bisogna dirlo, il ragazzo
yankee nato a Bordeaux. E sono bravi anche i
danzatori lionesi che lui elogia: “Avete capito
meglio di tutti quelli con cui ho lavorato ciò che
ho in mente”. E di esperienza ne ha fatta, con
gruppi di danzatori del New York City Ballet e
dell’American Ballet Theatre, al Ballet du Grand
Théâtre de Genève, al Pacific Norwest Ballet, a
Het Nationale Ballet in Olanda, all’Opéra di Parigi,
30
later for Baryshnikov in which the Russian star
fancifully dances with an old video of his young
self, rehearsing in St Petersburg.
And now? Plenty of projects, both for films
and live creations, including in Lyon where he
is expected at the forthcoming Dance Biennial
directed, for the first time, by Dominique Hervieu.
Moreover, Millepied is about to start up his own
new troupe in Los Angeles – and it is no secret
that in the USA one needs to fight even harder
than in Europe to find the means for such an
undertaking. But his reputation is helping him
along and his “L. A. Dance Project”, appended
to the local Music Center, is set to debut at the
Walt Disney Concert Hall in September 2012.
aide précieuse. Les débuts sont prévus en
septembre 2012 au Walt Disney Concert Hall.
Mais à Lyon, Millepied se sent chez lui
et la compagnie de l’Opéra l’a accueilli avec
enthousiasme, ainsi que le public, curieux
de découvrir ce qu’est devenu le jeune talent de naguère.
En vidéo avec Marin et
Preljocaj
Ballet de l’Opéra de Lyon: “Grosse Fuge”, c. Maguy Marin (ph. M. Cavalca)
et noir. Il s’agit d’une pièce fort lyrique,
passant des ensembles aux duos, jonglant
entre langage académique et gestuelle postmoderne, très fluide et liquide même, dans
sa dialectique de composition et décomposition.
Il faut le dire: il est bien, ce garçon yankee né à Bordeaux. Et les danseurs aussi,
ils sont bien. Millepied les apprécie beaucoup: “Vous avez compris mieux que tous
ceux avec qui j’ai travaillé ce que j’ai dans
la tête”. Et il a une grande expérience, avec
les danseurs du New York City Ballet et de
l’American Ballet Theatre, avec le Ballet du
Grand Théâtre de Genève, le Pacific Norwest
Ballet, Het Nationale Ballet en Hollande,
le Ballet de l’Opéra de Paris, sans parler de
son travail comme chorégraphe résident
(2006-7), au Baryshnikov Arts Center de
New York.
Pour Baryshnikov, il a créé en 2009 le
joli Years later où il dialogue ironiquement
et tendrement avec sa propre image projetée, tirée d’un film d’archives où on le voit,
tout jeune, lors d’une répétition à Léningrad.
Et pour l’avenir? Il a beaucoup de projets, pour des films ainsi que pour des créations live, et toujours à Lyon très prochainement, où l’on a déjà pensé à l’inviter à
l’occasion de la prochaine Biennale, la première dirigée par Dominique Hervieu. Et pas
seulement, étant donné que Millepied s’apprête à créer une compagnie à lui à Los Angeles; et aux États-Unis, on le sait, il faut
lutter encore plus qu’en Europe pour trouver les moyens nécessaires à une telle entreprise. Pour son “L. A. Dance Project”,
lié au Music Center, sa renommée sera d’une
senza contare il lavoro come coreografo residente, nel 2006-7, al Baryshnikov Arts Center
di New York. Per Baryshnikov ha creato nel
2009 l’ameno Years later dove lui dialoga ironicamente e teneramente con la propria immagine proiettata, in un film d’archivio dove lo si
vede giovanissimo in prova a Leningrado.
E adesso? Progetti tanti, sia per film sia per le
creazioni live, ancora prossimamente a Lione, dove
si è già pensato a lui in occasione della prossima
Biennale, la prima diretta da Dominique Hervieu.
E non solo, visto che Millepied si appresta ad
avviare un suo nuovo gruppo a Los Angeles; e
negli USA, si sa, bisogna lottare ancor più che in
Europa per trovare i mezzi necessari a una simile
impresa. Segno che, per questo suo “L. A. Dance
Project” aggregato al locale Music Center, la fama
lo sta aiutando. Il debutto è previsto nel settembre 2012 alla Walt Disney Concert Hall.
Ma a Lione, Millepied si sente a casa e la
compagnia dell’Opera lo ha accolto nel migliore dei modi, come anche il pubblico, curioso di
scoprire che cosa sia diventato quel suo giovane talento di un tempo.
But Millepied feels at home in Lyon and the
Opera Ballet has given him a hearty welcome,
as has the audience which is curious to see how
finely this young talent from their city has grown.
Marin and Preljocaj on
video
Maguy Marin, once known as French
“nouvelle danse”’s enfant terrible, has had a
very special relationship with the Lyon Opera Ballet over the years. Two of her most
successful works were actually created for this
troupe and can be seen on DVDs released by
Germany’s Arthaus.
First of all, Cinderella. This ballet, to Sergei
Prokofiev’s score, interrupted by sounds of
Maguy Marin, l’ancienne enfant terrible
de ladite “nouvelle danse” française, a créé
au cours des années un lien spécial avec le
Ballet de l’Opéra de Lyon. On peut voir aussi
en vidéo (sur des DVD publiés par la maison allemande Arthaus) deux des ses plus
grands succès, créés précisément pour cette
compagnie.
Tout d’abord Cendrillon. Datant de 1985
sur la partition de Sergueï Prokofiev (entrecoupée de vagissements), le ballet devint tout
de suite un cas dans la nouvelle chorégraphie française, et dans le monde entier. La
vidéo fut réalisée en ’89 et, au cours des années, elle a été retransmise par les télévisions,
produite en cassette VHS et ensuite en DVD.
La réalisation vidéo rend efficacement l’atmosphère méditative et à la fois étrangement
inquiétante de ce ballet singulier, situé dans
une maison de poupées. Les danseurs – le
visage recouvert d’un masque de celluloïd
et les costumes rembourrés – incarnent dans
la forme audacieuse et anti-esthétique craintes et rêveries, désirs et répulsions de l’univers enfantin, en montrant le trait “expressionniste” de la danse de Maguy Marin.
Françoise Joullie dans le rôle-titre est émouvante; Dominique Laine (la marâtre) et Jayne
Plaisted et Danièle Pater (les belles-sœurs)
sont excellentes dans la caractérisation grotesque.
Le second ballet en DVD est Coppélia
(1993). Il ne s’agit pas toutefois d’une captation du spectacle mais d’une réélaboration
Caelyn Knight : “Beach Birds”, c. Merce Cunningham (ph. M. Cavalca)
Maguy Marin, l’ex enfant terrible della “nuova danza” francese, ha stretto negli anni un
legame speciale con il Balletto dell’Opera di
Lione. Due dei suoi maggiori successi, creati
per la compagnia, si possono vedere anche in
video, su DVD editi dalla casa tedesca Arthaus.
Anzitutto Cendrillon. Creato nel 1985 sulla partitura di Serghei Prokofiev (inframmezzata
da vagiti), il balletto divenne sùbito un caso
della nuova coreografia francese. Il video fu
realizzato nel ’89 e negli anni è stato trasmesso dalle televisioni, prodotto in casetta VHS
e poi in DVD.
La regia video rende efficacemente l’atmosfera meditativa e insieme perturbante di questa
singolare Cenerentola ambientata in una casa
di bambole. Danzatori con volti ricoperti da
maschere di celluloide e costumi imbottiti incarnano nella forma audace e anti-estetica fantasticherie e paure, desideri e repulsioni dell’universo infantile, mostrando il tratto
“espressionista” della danza di Maguy Marin.
Davvero commovente Françoise Joullie nel
ruolo protagonistico; eccellenti Dominique
Laine (la matrigna) e Jayne Plaisted e Danièle Pater (le sorellastre) nel rendere la caratterizzazione grottesca.
Il secondo balletto in DVD è Coppélia
(1993). Non si tratta tuttavia di una ripresa
dello spettacolo ma di una rielaborazione per
la videocamera che ne fa un vero film; fanno
da set cinematografico i cortili delle case popolari nella periferia di Lione.
Swanilda (sempre la Joullie) è un maschiaccio
arrabbiato – forse alter ego della Marin stessa
32
33
In video con Marin e
Preljocaj
Ballet de l’Opéra de Lyon: “CasseNoisette”, c. Dominique Boivin
(ph. M. Cavalca)
infants wailing, became an icon of new French
choreography when it was created in 1985.
The video was made in 1989 and has, over
the years, been broadcast on TV and released
as a VHS cassette, subsequently on DVD.
It expertly renders the brooding and perturbing atmosphere of this unusual Cinderella
set in a doll’s house. Audaciously, and in anything but an aesthetic manner, dancers wearing plastic masks and padded costumes embody an infant’s fantasies, fears, desires and
repulsion, thereby showing the “Expressionist” dimension of Maguy Marin’s work.
Françoise Joullie was really moving in the
title role while Dominique Laine (the Stepmother) and Jayne Plaisted and Danièle Pater
(the Ugly Sisters) were excellent in rendering
these grotesque characters.
The second ballet on DVD is Coppélia
(1993). This is not the recording of a stage
performance but an adaptation for video (hence,
a real film), the sets of which are the courtyards of council housing in the suburbs of Lyon.
Swanilda (Joullie again) is an angry tomboy – perhaps Marin’s own alter ego – in contrast to Coppélia’s artificial femininity. The
rudimental automated 19th century doll of the
original ballet, which comes to life and is
the symbol of the Romantic ideal that becomes reality, is here a two-dimensional image straight out of the cinema, TV and advertising screens, replicated over and over
again as an item of cheap (and not always
successful) mass production. Thus, this grand
classic of the French late-Romantic ballet is
the pretext for a work of protest, created with
a clear feminist touch and cleverly directed
too, a work that nevertheless features touching choreographic poetry.
We find the Lyon Opera Ballet again on
another Arthaus DVD, in Angelin Preljocaj’s
Romeo and Juliet created for the troupe in
1990 (the recording was made two years later).
The ballet is set to Prokofiev’s score (interspersed with sound effects) and transposes
the Shakespearean plot to an unnamed country
of the Soviet bloc during the Communist dictatorship. The dancing is harsh, jagged, at
times even vicious. But it is has breadth and
sensuality in the duets of the protagonists,
danced by Pascale Doye and Nicolas Dufloux.
Cristiano Merlo
“Cendrillon”, c. Maguy Marin
Peggy Grelat Dupont, Misha Kostrzewski – Ballet de l’Opéra de Lyon:
“Roméo et Juliette”, c. Angelin Preljocaj
pour la caméra qui en fait un vrai film; les
cours des HLM de la banlieue de Lyon servent de cadre au scénario cinématographique.
Swanilda (toujours Joullie) est un garçon
manqué enragé – peut-être l’alter ego de Marin
elle-même – en contrepoint avec la féminité
artificielle de Coppélia. L’automate primitif
du XIXe siècle qui s’anime, symbole de l’idéal
romantique qui devient réalité, est ici une image bidimensionnelle, produit du cinéma de
masse, de la télévision et de la publicité, réitérée sans cesse comme un objet sériel (mais
pas toujours façonné comme il faut). Le grand
classique du Romantisme chorégraphique tardif français donne ainsi le prétexte à une pièce
contestataire, à l’approche féministe, mais dans
une mise en scène intelligente et avec une
chorégraphie à la poésie touchante.
On retrouve enfin le Ballet de l’Opéra de
Lyon dans un DVD (toujours Arthaus) du
Roméo et Juliette qu’Angelin Preljocaj créa
pour cette troupe en 1990 (mais la captation
fut réalisée deux ans plus tard). Sur la musique de Prokofiev (entrecoupée de bruitages),
le chorégraphe transpose l’histoire dans un
pays de l’ex Union Soviétique au temps du
communisme, avec une danse âpre, anguleuse,
parfois brutale. Mais aussi ample et sensuelle,
dans les duos des protagonistes, interprétés
ici par Pascale Doye et Nicolas Dufloux.
Cristiano Merlo
– in contrappunto con l’artificiosa femminilità di Coppélia. Il rudimentale
automa ottocentesco che prede vita,
simbolo dell’ideale romantico che si
fa realtà, diventa qui un’immagine bidimensionale, prodotto del cinema di
massa, della televisione e della pubblicità, replicata infinite volte come
un oggetto di serie, non sempre ben
riuscito. Il grande classico del balletto tardo-romantico francese offre così
il pretesto a un lavoro contestatario,
dall’immancabile piglio femminista,
eppure di acuta intelligenza registica
e di toccante poesia coreografica.
Ritroviamo infine il Balletto dell’Opera di Lione in un DVD (sempre Arthaus) del Romeo e Giulietta
che Angelin Preljocaj creò per la
compagnia francese nel 1990 (ma
la registrazione è di due anni dopo).
Sulla musica di Prokofiev (intervallata da bruitages), il coreografo traspone la vicenda in un non meglio
definito paese dell’ex Unione Sovietica ai tempi del comunismo, con
una danza aspra, angolosa, a volte
brutale. Ma anche ampia e sensuale, nei duetti dei protagonisti, interpretati qui da Pascale Doye e
Nicolas Dufloux.
Cristiano Merlo
34
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ON STAGE !
Ballet du Théâtre Bolchoï, Moscou
Balletto del Teatro Bolshoi Mosca
La nouvelle Belle de
Grigorovitch
La nuova Bella di
Grigorovich
Grigorovich’s New
Beauty
La Belle au bois dormant – chor. Youri
Grigorovitch d’après Marius Petipa, mus. Piotr
I. Tchaïkovsky
Moscou, Théâtre Bolchoï
La Bella addormentata – cor. Yuri Grigorovich
da Marius Petipa, mus. Piotr I. Ciaikovsky
Mosca, Teatro Bolshoi
The Sleeping Beauty – chor. Yuri Grigorovich
after Marius Petipa, mus. Pyotr I.
Tchaikovsky
Moscow, Bolshoi Theatre
Après six longues années d’incertitudes, de
retards et de scandales et avec des frais estimés autour de 500 millions d’euro, l’ancien
Théâtre Bolchoï de Moscou a enfin rouvert
ses portes. De la façade sablée, avec sa colonnade couleur perle surmontée de son quadrige en bronze traîné par Apollon, en passant par le foyer rose pastel, jusqu’à la salle
principale avec sa combinaison de somptueux
tissus rouge italien, ses moulures dorées et ses
lampes étincelantes, on admire le splendide
réaménagement d’un théâtre du XIXe siècle
dans toute sa gloire impériale.
Et dans quel autre ballet que La Belle au
bois dormant les danseurs du Bolchoï auraientils pu mieux revendiquer leur place dans la
vénérable maison? À condition que ce soit,
certes, une personnalité emblématique de ce
théâtre comme Youri Grigorovitch qui la produise. C’est la troisième version de La Belle
au bois dormant que l’ancien directeur,
aujourd’hui âgé de 84 ans, signe pour la compagnie. Comme on pouvait bien l’imaginer,
il s’agit tout compte fait d’une consolidation
de ses précédentes versions, mais on a l’impression que cette fois Grigorovitch a été visité par les fées Superficialité et Inconsistance.
Grigorovitch a sans doute raison de croire
que le public actuel n’est pas disposé à assister à un long ballet en quatre actes, avec de
nombreux tableaux et une pantomime incompréhensible, mais ce qui a été proposé ici n’est
pas non plus une alternative convaincante.
Nous avons vu une version en deux actes
drastiquement raccourcie de La Belle au bois
dormant (en deux blocs, avec le prologue et
l’acte I et puis les actes II et III) durant moins
de trois heures (l’entracte compris).
Grigorovitch l’a définie comme “une anthologie de danse classique”. Et cela pourrait être
vrai, mais malheureusement il s’agit d’une
anthologie peu cohérente du point de vue
dramaturgique. La pantomime a toujours été
réduite dans ses productions, mais cette fois
au détriment de la logique.
Les décors et les costumes ont été confiés à
Ezio Frigerio et Franca Squarciapino; de ce
point de vue donc, cette Belle du Bolchoï s’apparente à celles de l’Opéra de Paris et de La
Scala de Milan. La représentation originelle
de cette cour de style baroque italien est stupéfiante (et même presque bien assortie à la
splendeur du théâtre lui-même), mais les décors n’évoquent pas la magie du conte de fées.
Dopo sei lunghi anni di incertezze, ritardi,
scandali e con un costo stimato intorno ai 500
milioni di euro, lo storico Teatro Bolshoi di
Mosca ha finalmente riaperto i battenti. Dalla
facciata color sabbia, con il suo antico colonnato
bianco perlaceo solcato dalla quadriga di bronzo
trainata da Apollo, passando per il ridotto rosa
pastello, fino alla sala principale con la sua combinazione di sontuoso tessuto rosso italiano,
modanature dorate e lampade fastose, si ammira lo splendido restauro di questo teatro
ottocentesco in tutta la sua gloria imperiale.
E in nessun balletto se non nella Bella addormentata i danzatori del
Bolshoi avrebbero potuto rivendicare al meglio il loro
ruolo nella venerabile casa,
purché fosse una personalità emblematica del teatro
come Yuri Grigorovich a
produrla. Questa è la terza
versione della Bella addormentata che l’ex direttore,
oggi ottantaquattrenne, firma per la compagnia. Come
immaginabile, si tratta in
buona sostanza di un consolidamento delle sue precedenti versioni, anche se
in questo caso sembra che
a far visita a Grigorovich
siano state le fate Superficialità e Inconsistenza.
Grigorovich ha probabilmente ragione nel
credere che il pubblico di oggi non sia più
disposto ad assistere a un lungo balletto in
quattro atti, con numerosi quadri e pantomime incomprensibili, ma ciò che qui è stato proposto in alternativa non è comunque convincente.
Ciò che abbiamo visto è una versione in
due atti drasticamente accorciata della Bella
addormentata (in due blocchi, con il prologo
e il I atto e poi il II e il III atto) della durata di
meno di tre ore (compreso l’intervallo).
Grigorovich l’ha definita “un’antologia della
danza classica”. E potrebbe essere vero, ma
sfortunatamente è un’antologia con poca coerenza drammatica. La pantomima è sempre
stata ridotta nelle sue produzioni, ma in questo caso a discapito della logica.
Scene e costumi sono stati affidati a Ezio
Frigerio e Franca Squarciapino, così che, da
questo punto di vista, questa Bella del Bolshoi
pare un parente stretto di quelle in scena
36
Svetlana Zakharova, Karim
Abdullin – Bolshoi Ballet:
“La Belle au bois dormant”,
c. Yuri Grigorovich
(ph. Marc Haegeman
at Bolshoi Theatre)
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Bolshoi Ballet, Moscow
After six long years riddled with uncertainties, delays, scandals and an estimated
bill of 500m Euros, Moscow’s historic
Bolshoi Theatre has finally opened its doors
again. From the sandy shade golden facade
with its pearly white antique colonnade and
bronze Apollo Quadriga, through the pastel
pink foyer into the main auditorium with
its glittering combination of lush red Italian fabric, gilded mouldings and sparkling
chandeliers – here is a splendid restoration
of a 19th century theatre in all its imperial
Bolshoi Teatr (ph. M. Haegeman)
glory.
And while no ballet is better suited for
the dancers to reclaim their place in this venerable building than The Sleeping Beauty,
it had to be an emblematic Bolshoi figure
like Yuri Grigorovich to produce it. This is
the third version of The Sleeping Beauty that
the 84-year-old former director stages for
the company. Not surprisingly, it is in essence a consolidation of his old aesthetics,
although this time he seems to have been
visited by the fairies Superficiality and Flimsiness.
Grigorovich may be right to assume that
present-day audiences are no longer willing to sit through a ballet evening of four
long acts with numerous parades and incomprehensible mime, yet what he offers as an
alternative is far from convincing either.
What we see is a heavily abridged 2-act
version of The Sleeping Beauty (with Pro-
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Le ballet se déroule toujours dans la même
ambiance. La toile de fond, avec son bâtiment
circulaire à la Bramante, entouré d’un paysage portuaire de style Claude Lorraine, ne
change que vaguement au cours du spectacle.
Peut-être Grigorovitch ne croit-il plus aux
contes de fées mais pour un ballet peuplé de
fées, de dryades et d’autres personnages
féériques, c’est un drôle de point de vue. Les
moments clefs de l’histoire sont présentés de
manière trop aléatoire. Le tableau du voyage
en barque n’est pas très efficace, et celui du
réveil de la cour, coupé lui aussi, est faible du
point de vue théâtral et constitue un véritable
“anti-climax”.
La vraie victime de tout cela est la musique
de Tchaïkovsky: trop de parties coupées sans
aucune raison si ce n’est de raccourcir le spectacle. Le tableau de la forêt au second acte est
réduit à l’entrée du Prince et à la farandole
des paysans. Les modifications à l’intérieur
des tableaux et des danses elles-mêmes sont
encore plus agaçantes – comme au début du
premier acte, dans la polonaise, dans l’apothéose et dans le pas de deux final pour Aurore
et son Prince.
Le véritable enchantement de cette nouvelle
Belle demeure la danse. Lors de la première,
Svetlana Zakharova a dansé Aurore avec son
mélange d’assurance raffinée et d’autorité détachée. Le jour suivant, Nina Kaptsova a donné
un cœur à sa princesse dans une interprétation heureuse qui lui a valu d’être promue
“étoile”. David Hallberg – de l’American Ballet
Theatre, qui a intégré récemment le Ballet du
Bolchoï (le premier américain) – a été très
apprécié dans le rôle de Désiré (aux cotés de
Zakharova); il a dansé avec un élan magnifique. Alexander Volchkov y a ajouté plus de
poids et d’émotion le jour suivant. Maria Allash
a été une Fée des Lilas plutôt contenue, mais
Kaptsova ainsi que Daria Kokhlova ont été
deux princesses Florine magnifiques, accompagnées par les Oiseaux bleus Artem
Ovcharenko et Vladislav Lantratov, de plus
en plus en progrès. La sinistre interprétation
d’Alexeï Loparevitch dans le rôle de Carabosse était crédible et Vitali Biktimirov a été
un Catalabutte bien drôle. Il n’y aucun doute,
ils savent tous comment faire, mais ils mériteraient (ainsi que le théâtre) une production
de ce ballet plus substantielle.
Marc Haegeman
Compagnie Rosas
De Keersmaeker d’antan
Bartók/Mikrokosmos – chor. Anne Teresa De
Keersmaeker, mus. Béla Bartók; Quator n 4
– chor. Anne Teresa De Keersmaeker, mus.
Béla Bartók; Cesena – chor. Anne Teresa De
Keersmaeker, mus. Björn Schmelzer
Moncalieri (Turin, Italie), Fonderie Limone
(Festival TorinoDanza)
Revoici Anne Teresa De Keersmaeker, avec
ses pièces tout de suite reconnaissables, sérieuses, pures et dures, volitives, sans aucune
all’Opéra di Parigi e alla Scala di Milano. La
rappresentazione fantasiosa di questa corte in
un stile barocco italiano è stupefacente (e in
una certa sintonia con lo splendore del teatro
stesso), ma le scenografie non evocano la magia della fiaba. Tutto il balletto si svolge nella
stessa ambientazione, con un edificio circolare
in stile bramantesco sullo sfondo, circondato da
un paesaggio portuale alla Claude Le Lorrain,
che varia solo leggermente lungo lo spettacolo.
Forse Grigorovich non crede più nelle favole ma per un balletto popolato da fate, driadi
e altri personaggi fiabeschi resta un insolito
punto di vista. I momenti chiave della vicenda sono presentati in modo troppo casuale. La
scena del viaggio in barca non è molto efficace, e quella del risveglio, tagliata anch’essa, è
debole dal punto di vista teatrale e ha l’effetto di un vero anti-climax.
Chi ne risente di più è la musica di
Ciaikovsky: troppe parti tagliate senza nessuna ragione se non quella di accorciare i tempi. La scena nella foresta nel secondo atto è
ridotta all’ingresso del Principe e alla farandola
dei contadini. Ancora più fastidiose sono le
modifiche all’interno delle scene o delle danze stesse – come nella scena di apertura del I
atto, nella polacca, nell’apoteosi e nel passo a
due finale per Aurora e il Principe.
Il vero incanto di questa nuova Bella sta
invece nella danza. Alla prima, Svetlana
Zakharova ha danzato Aurora con quel suo
misto di sicura raffinatezza e autorevolezza
distaccata. Il giorno dopo, Nina Kaptsova ha
dato alla sua principessa anche un cuore in
una felice interpretazione che gli è valsa la
promozione a “étoile”. David Hallberg –
dell’American Ballet Theatre, è entrato recentemente al Balletto del Bolshoi (primo americano) – è stato molto apprezzato nel ruolo di
Désiré (accanto alla Zakharova), in cui ha danzato con un slancio magnifico. Alexander
Volchkov vi ha aggiunto peso ed emozione il
giorno seguente. Maria Allash è stata una Fata
dei Lillà un po’ sottotono, ma sia la Kaptsova
sia Daria Kokhlova sono state due magnifiche principesse Florina, accompagnate dagli
Uccelli blu Artem Ovcharenko e Vladislav
Lantratov, in gran crescita. L’interpretazione
sinistra di Alexei Loparevich nel ruolo di
Carabosse era credibile e Vitali Biktimirov è
stato un buffo Catalabutte. Non c’è dubbio,
tutti loro sanno come fare, ma meriterebbero
(insieme al teatro) una produzione più sostanziosa di questo balletto.
Marc Haegeman
Compagnie Rosas
De Keersmaeker d’epoca
Bartók/Mikrokosmos – cor. Anne Teresa
De Keersmaeker, mus. Béla Bartók; Quator
n 4 – cor. Anne Teresa De Keersmaeker,
mus. Béla Bartók; Cesena – cor. Anne
Teresa De Keersmaeker, mus. Björn
Schmelzer
Moncalieri (Torino), Fonderie Limone (Festival
TorinoDanza)
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logue and 1st Act, and 2nd and 3rd Acts as
two blocks) which clocks in just under three
hours (including a 30-minute interval).
Grigorovich calls it “an anthology of classical dance.” That it may well be, but unfortunately it is one that makes little dramatic sense. Mime had long been banned
from his productions, but now most of the
dramatic coherence is gone as well.
Ezio Frigerio and Franca Squarciapino were
entrusted with decor and costume design, turning this Bolshoi Beauty into a close relative
of the one dancing in Paris and Milan. While
visually stunning as a fantasized depiction
of a 17th and 18th century court in Italian classical theatre style (and almost matching the
splendour of the theatre itself), the designs
are also eschewing all fairytale magic. The
whole ballet takes place in the same location, with the background, showing a
Bramante-like circular edifice surrounded by
harbour vistas in the style of Claude Le
Lorrain, only slightly varying with time.
Perhaps Grigorovich doesn’t believe in
fairytales anymore, but for a ballet populated with fairies, dryads and other fairytale-book characters that’s a rather odd point
of view. The key moments are handled too
casually. The trimmed Panorama doesn’t
make much of an impression either. The
awakening itself, truncated too and theatrically weak, is a real anti-climax.
Tchaikovsky’s music is the greatest victim: too many bars were cut without any
other reason than to shorten the running time.
The scene in the forest in the second part is
nothing more than the entrance of the Prince
and the villagers’ farandole. More annoying are the numerous edits within scenes or
dances – as in the opening of the 1st Act,
the polonaise, the apotheosis, and the final
pas de deux for Aurora and her prince, which
seems reduced to a part of the divertissement with just another couple dancing the
next number.
The real enchantment of this new Beauty
came from the dancing. At the première,
Svetlana Zakharova danced Aurora with her
radiant blend of steely refinement and cool
ballerina authority. The second day, Nina
Kaptsova gave her princess also a heart in a
take-home performance that was justly rewarded with a promotion to principal. David
Hallberg, newly contracted from American
Ballet Theatre as the first American to join
the Bolshoi, made a favorable impression as
Désiré with Zakharova, dancing with finely
etched elan. Alexander Volchkov added
weight and drama the following evening.
Maria Allash was rather subdued as Lilac,
but both Kaptsova and Daria Kokhlova danced
magnificent Florines, with Artem Ovcharenko
and Vladislav Lantratov as their soaring Blue
Birds. Alexei Loparevich was credibly sinister as Carabosse, Vitali Biktimirov funny
as Catalabutte. There is no doubt, they know
how to carry it off and they (as well as the
theatre) deserved a more profound production.
Marc Haegeman
concession, sauf à l’auto-ironie, qui s’insinue
furtivement. BALLET2000 en a parlé depuis
toujours, mais cela vaut la peine de vérifier
de temps en temps si un auteur surmonte la
phase de la jeunesse et celle de la mode pour
acquérir une maturité qui confirme sa valeur.
Humorale et sévère, aigre-douce et incisive,
De Keersmaeker, avec ses Rosas d’aujourd’hui
a présenté à Turin deux des premières pièces
qui l’ont fait connaître sur les plus grandes
scènes internationales de la danse contemporaine, et Cesena, la création pour le Festival
d’Avignon 2011 (dont nous avons rendu
compte lors de la première dans le numéro
222).
Bartók/Mikrokosmos est un double duo, pour
deux danseurs et deux pianistes, avec leurs
deux pianos à queue, placés l’un face à l’autre.
Sur sept morceaux des Mikrokosmos de Bartók se développent autant d’actes d’amour et
de guerre de couple, entre ententes d’adolescents et conflits agressifs et douloureux.
Elizaveta Penkóva et Jakub Truskowski ont
très bien su prendre la place des créateurs,
Johanne Saunier (maintenant répétitrice) et Jean
Luc Ducourt. Les deux pianistes, Jean-Luc
Fafchamps et Stefan Ginsburgh, sont extraordinaires quand ils font dialoguer la musique
avec les trajectoires de la danse. Excellent aussi
que leur entremet solo musical sur Monument
de György Ligeti.
On revoit ensuite volontiers l’”ancien”
Quator n. 4, également avec de nouveaux protagonistes, qui redonnent fraîcheur à la pièce,
un classique de Rosas datant de 1987, sur musique et chant live. Et on sait – De Keersmaeker
l’a dit et répété – que, pour elle, la musique
est la clef, la matière, le pilier de son œuvre.
Il en est de même pour Cesena, une collaboration entre Rosas et l’ensemble vocal
Graindelavoix.
Passant de la nuit au jour à l’aide
des éclairages théâtraux (lors de
la première à Avignon, par contre, le spectacle avait été donné
en plein air, sous la lumière naturelle de l’aube), chanteurs et danseurs, presque indiscernables étant
donné qu’ils forment un tout, se
rassemblent, s’éparpillent ou forment des files, dans une mise en
danse/mise en espace à la précision extrême.
De Keersmaeker arrive toujours
à surprendre par son goût musical pur et par sa gestuelle chorégraphique d’une intelligence
gaillarde, même quand elle ne
construit pas une vraie chorégraphie.
Riecco Anne Teresa De Keersmaeker, con
i suoi lavori immediatamente riconoscibili, seri,
duri, volitivi, senza concessioni se non
all’autoironia, che serpeggia sottopelle.
BALLETTOOGGI ne ha riferito da sempre,
ma vale la pena di riverificare di tanto in tanto se un autore supera la fase giovanile, quella alla moda, per acquisire una maturità che
ne confermi il valore.
Umorale e severa, agrodolce e incisiva, la
De Keersmaeker, con le sue Rosas di oggi ha
ripresentato a Torino due dei suoi primi lavori che l’hanno fatta conoscere sulle maggiori
scene internazionali della danza contemporanea, e Cesena, la novità nata per il Festival di
Avignone 2011 (recensito in quell’occasione
sul numero 222).
Bartók/Mikrokosmos è un doppio duetto, per
due danzatori e due pianisti, con i loro due
pianoforti a gran coda uno di fronte all’altro.
Su sette brani di Mikrokosmos di Bartók si
sviluppano altrettanti atti di amore e guerra di
coppia, tra guizzi d’intesa adolescenziali e
conflitti aggressivamente dolenti. Elizaveta
Penkóva e Jakub Truskowski hanno saputo
subentrare nel migliore dei modi ai creatori,
Johanne Saunier (ora assistente alla coreografia)
e Jean Luc Ducourt. I due pianisti, Jean-Luc
Fafchamps e Stefan Ginsburgh, sono straordinari nel far dialogare la musica con le traiettorie della danza. Ottimi poi anche in un
intermezzo solo musicale su Monument di
György Ligeti.
Dopo di che si rivede volentieri anche il
“vecchio” Quator n 4, pure questo con nuove
protagoniste, che restituiscono freschezza al
pezzo, un classico di Rosas datato 1987, su
musica e canto dal vivo. E si sa – la De
Keersmaeker l’ha detto e ripetuto – che per
lei la musica è la chiave, la materia, la spinta
vitale che le ispira ogni sua opera.
Cie Rosas: “Bartók/
Mikrokosmos”, c. Anne-Teresa
De Keersmaeker
(ph. H. Sorgeloos)
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Compagnie Rosas
Vintage De Keersmaeker
Bartók/Mikrokosmos – chor. Anne Teresa De
Keersmaeker, mus. Béla Bartók; Quator n 4 –
chor. Anne Teresa De Keersmaeker, mus. Béla
Bartók; Cesena – chor. Anne Teresa De
Keersmaeker, mus. Björn Schmelzer
Moncalieri (Turin, Italy), Fonderie Limone
(Festival TorinoDanza)
Once again Anne Teresa De Keersmaeker
with her immediately recognisable works: serious, hard, wilful, only occasionally yielding
to a subtle self-irony. BALLET2000 has always
reviewed her works, but every now and then it
is worthwhile checking out whether an author
has outgrown his/her youthful stage – the trendy
one – acquired maturity and is preserving his/
her worth.
Moody and stern, bittersweet and incisive,
De Keersmaeker, with her Rosas of today presented two of her early works in Turin – works
that propelled her to fame on the major international stages of contemporary dance – together
with Cesena, the novelty created for the 2011
Avignon Festival (see review in BALLET2000,
issue No. 222).
Bartók/Mikrokosmos is a double duo for two
dancers and two piano players, with two grand
pianos facing each other. To seven excerpts from
Bartók’s Mikrokosmos seven acts of love and
war between couples are represented on stage,
with hints of puppy love and aggressively painful
conflicts. Elizaveta Penkóva and Jakub
Truskowski successfully took the place of the
original creators, Johanne Saunier (now an assistant choreographer) and Jean Luc Ducourt.
The two pianists, Jean-Luc Fafchamps and
Ballet de Marseille
Flamand et le mythe de
Nijinsky
Moving Target – chor. Frédéric Flamand, mus.
diverses
Cannes, Palais des Festivals (Festival
International de Danse de Cannes)
Nouvellement intronisé directeur du Festival de Danse de Cannes, ce rendez-vous bisannuel de fin d’année, le chorégraphe belge
et directeur du Ballet de Marseille Frédéric
Flamand y a présenté une programmation éclectique où diverses avant et arrière-gardes se sont
croisées autour du thème des “nouvelles mythologies”.
C’est ainsi qu’on a pu voir Hofesh Shechter,
le dernier chorégraphe israélien dont la danse
aux accents tribaux enchante le public autant
que la critique, en même temps que Michael
Clark, l’enfant terrible anglais des années 80,
dont le style continue à s’apparenter à celui
d’un Cunningham traversé par le rock. Mais
au-delà du thème rassembleur, il s’agissait toujours d’une danse très physique, que ce soit
celle d’Édouard Lock qui ouvrait le festival
ou celle d’Emio Greco qui le clôturait, le premier fasciné par la virtuosité du ballet classique, le second obsédé par la vitesse.
Entre les deux, une œuvre ancienne de Frédéric Flamand mais qui n’a pas pris une ride:
Moving Target. Créé en 1996 pour le Ballet
Royal de Wallonie que Flamand dirigeait à
l’époque, Moving Target (“cible mouvante”)
s’inspire des carnets non expurgés de Vaslav
Nijinsky où apparaît la schizophrénie du grand
danseur. C’est aussi le premier ballet pour lequel le chorégraphe s’adjoint la collaboration
d’un architecte, en l’occurrence le duo
newyorkais Diller et Scofidio.
Ceux-ci ont installé un immense miroir qui,
en dédoublant l’image des danseurs, expose
en même temps la fragile frontière entre la
réalité et l’illusion, entre la raison et la folie,
enfin entre le corps vivant et le corps virtuel,
préoccupation récurrente chez Flamand. La
présence du miroir n’est pas anodine quand
on sait le rôle qu’il tient dans la vie du danseur, au même titre que la barre (aussi présente sur le plateau).
Moving Target interprété cette fois par le
Ballet de Marseille, c’est-à-dire par des danseurs de formation plus classique, donne une
limpidité supplémentaire au propos de Flamand.
Les corps sont jetés dans l’espace et se confrontent à toutes les turbulences de notre époque, spots publicitaires (amenés avec beaucoup d’humour) et autres injonctions d’une
société où la consommation fonctionne à plein
régime.
La musique, interprétée directement, joue,
elle aussi, sur le brouillage des repères, en
parasitant des passages de mélodies connues.
Décidément, Frédéric Flamand reste un
maître dans le mélange des genres.
Sonia Schoonejans
Idem per Cesena dell’estate 2011, che nasce dalla collaborazione di Rosas e l’ensemble
vocale Graindelavoix.
Riproducendo con le luci teatrali il passaggio dalla notte al giorno, ciò che è accaduto
alla prima ad Avignone quando lo spettacolo
è stato proposto all’aperto dal termine del buio
alle prime luci dell’alba, cantanti e danzatori,
quasi indistinguibili perché tutti fanno tutto,
si raggruppano, si sciolgono, si allineano, in
una mise en danse/mise en espace di estrema
precisione.
La De Keersmaeker è ancora capace di sorprendere per il suo gusto musicale puro e per
il gesto coreografico spavaldamente intelligente,
anche senza costruire una coreografia vera e
propria.
Balletto di Marsiglia
Flamand e il mito di
Nijinsky
Moving Target – cor. Frédéric Flamand, mus.
varie
Cannes, Palais des Festivals (Festival de Danse
de Cannes)
Nominato direttore del Festival de Danse
di Cannes (appuntamento biennale con la danza contemporanea verso la fine dell’anno in
Francia), Frédéric Flamand, coreografo e direttore del Balletto di Marsiglia, ha presentato una programmazione eclettica in cui diverse avanguardie e retroguardie si sono riunite
intorno al tema delle «nuove mitologie».
Abbiamo così potuto vedere Hofesh
Shechter, l’ultimo coreografo israeliano la cui
danza dagli accenti tribali affascina pubblico e critica, così come Michael Clark, l’enfant
terrible inglese degli anni Ottanta, il cui stile continua ad assomigliare a quello di un
Cunningham attraversato dal rock (v. oltre,
recensione, ndr). Ma al di là del tema conduttore, la danza che si è vista è sempre stata
molto fisica, che si trattasse di quella di
Édouard Lock che ha aperto il festival o di
quella di Emio Greco che lo ha chiuso, il
primo affascinato dal virtuosismo della danza
classica, il secondo ossessionato dalla velocità.
Nel mezzo, abbiamo visto un vecchio lavoro dello stesso Frédéric Flamand che tuttavia non mostra una grinza: Moving Target.
Creato nel 1996 per il Ballet Royal de
Wallonie che Flamand dirigeva all’epoca,
Moving Target («Bersaglio in movimento»)
si ispira ai diari non censurati di Vaslav
Nijinsky nei quali appare la schizofrenia del
grande danzatore. È anche il balletto che ha
avviato la sua collaborazione con gli architetti, nel caso specifico il duo new-yorkese
Diller & Scofidio.
Questi ultimi hanno installato un immenso specchio che, raddoppiando l’immagine
dei danzatori, mostra al tempo stesso il labile confine tra la realtà e l’illusione, la ragio-
42
Stefan Ginsburgh, were extraordinary in creating a dialogue between the music and the dancing. They were excellent also in a purely musical intermezzo to György Ligeti’s Monument.
After this, one is glad to see also “old” Quator
n 4, also with new girls, who infuse freshness
into the work, a classical creation of Rosas dated
1987, to live music and song. It is known, of
course - De Keersmaeker has said it time and
again – that music is for her the key, the substance, the vital force which inspires her every
work.
Ditto for Cesena – from summer 2011 – born
from the collaboration of Rosas and the
Graindelavoix vocal ensemble.
The progression from darkness to daylight,
which took place at the Avignon première when
the work was presented in the open air with
early sunrise dispelling the night, was recreated here with theatre lights. Singers and dancers
– impossible to distinguish them since here everyone does everything – group together, fall
out, line up, in an extremely precise dance in
space.
De Keersmaeker still manages to surprise us
with her pure musical taste and her brashly intelligent choreographic movements, even without
creating a choreography proper.
Ballet de Marseille
Flamand and the Myth of
Nijinsky
Moving Target – chor. Frédéric Flamand, mus.
Various
Cannes (France), Palais des Festivals (Festival
de Danse de Cannes)
Belgian choreographer and director of the
Ballet de Marseille Frédéric Flamand has been
appointed director of the Festival de Danse which
is held every two years in Cannes (France). He
presented an eclectic programme in which various retro and avant-garde companies assembled around the theme of “New Mythologies”.
We saw Hofesh Shechter, the latest Israeli
choreographer whose dance fascinates audience
and critics with its tribal accents, as well as
Michael Clark, the British enfant terrible of the
‘Eighties, whose style continue to look like
Cunningham streaked with rock. But beyond
the leading theme, the dance we saw was always very physical, whether it was Édouard
Lock’s work that opened the Festival or Emio
Greco’s that closed it; the former is fascinated
by classical virtuosism, the latter obsessed by
speed.
In-between, we saw an old work of Frédéric
Flamand’s that, however, does not show any
wrinkles: Moving Target. Created in 1996 for
the Ballet Royal de Wallonie – of which he
was at that time director – Moving Target is
inspired by the uncensored diaries of Vaslav
Nijinsky which reveal the great dancer’s schizophrenia. It is also the work that started his collaboration with architects, in this case the New
Ballet de Marseille: “Moving Target”, c. Frédéric Flamand (ph. O. Houeix)
Michael Clark Company
Clark: classicisme punk
Come, been and gone – chor. Michael Clark,
mus. Andy Pink
de Cannes)
Le chorégraphe écossais Michael Clark (49
ans) n’a pas perdu son sourire narquois, un
peu triste et doucereux, avec son épingle de
nourrice encore et toujours plantée dans le
cartilage de son oreille; et c’est toujours le
danseur-né qui se révèle lorsqu’il esquisse ses
premiers pas en scène, même si le temps passe
et s’il apparaît ici enfermé dans une sorte de
chaise que l’on trouvait également dans son
Sacre du printemps très spécial, ironiquement
et résolument British.
Il s’agit toujours du même bad boy, qui aime
jouer entre deux opposés, le rock et la danse
académique; le rock viscéral et le ballet rigoureux, c’est-à-dire la forme qui sait remettre de l’ordre – comme il le dit lui-même –
dans une vie déréglée comme la sienne.
Dans la bande sonore de Come, been and
gone se détache Heroin des Velvet Underground; voici une danseuse – le maillot piqueté de fausses seringues – qui tient la ve-
ne e la follia, e infine il corpo vivo e il corpo
virtuale, tema ricorrente nell’opera di Flamand.
La presenza dello specchio non è gratuita,
se pensiamo al ruolo che esso ha nella vita
del danzatore, come la sbarra (pure presente
in scena).
Moving Target, interpretato ora dal Balletto di Marsiglia, cioè da danzatori con una
formazione più classica, mostra più chiaramente il proposito di Flamand. I corpi sono
gettati nello spazio, posti di fronte a tutte le
turbolenze della nostra epoca, con spot pubblicitari (trattati con molto umorismo) e altre ingerenze di una società in cui il consumismo funziona a pieno regime.
La musica, eseguita dal vivo, gioca anch’essa sulle interferenze che si insinuano nei passaggi di musica continui.
Non c’è dubbio, Frédéric Flamand resta
un maestro della fusione dei generi.
Sonia Schoonejans
Clark: classicismo punk
Come, been and gone – cor. Michael Clark,
mus. Andy Pink
de Cannes)
43
York firm Diller & Scofidio.
They devised an enormous mirror that doubles the image of the dancers and shows the
elusive boundary between reality and illusion,
reason and madness and, lastly, the real body
and the virtual one: this is a recurring theme in
Flamand’s work. The presence of the mirror is
not gratuitous if we think of the role it plays in
a dancer’s life – similarly to the barre which
is also represented on stage.
Moving Target shows Flamand’s intention
more clearly now that it is interpreted by the
Ballet de Marseille, that is by dancers with a
more classical training. Bodies are thrown into
space, exposed to all the turbulence of our age,
TV ads (treated with lots of humour) and other
disturbances in a society in which consumerism works full-time.
The music – performed live – also plays upon
the interferences that continously sneak in.
No doubt about it, Frédéric Flamand is still
a master at the fusion of genres.
Sonia Schoonejans
Clark: a classical punk
Come, been and gone – chor. Michael Clark,
mus. Andy Pink
Benjamin Warbis: “Come, been and gone”,
c. Michael Clark (ph. J. Walters)
dette dans un solo tout en cambrures et en
chutes, extases et repliements. Le pièce célèbre les 25 ans de créativité de Clark, qui
continue de regarder derrière et devant lui:
il mélange les lignes typiques du ballet et
celles typiques de Cunningham, pour y ajouter
le glamour des costumes de Stevie Stewart
et Richard Torry, y compris les pointes rapides et les voiles qui couvrent les visages –
ce qui chez lui remonte à vrai dire aux années 80, à une époque où les polémiques et
les débats pour ou contre l’Islam n’étaient
pas encore à l’ordre du jour.
Tout cela sur le rock anglo-saxon des années 70; il y a aussi David Bowie, qui apparaît, dans toute sa splendeur androgyne, sur
un grand écran dans la mythique vidéo de
Heroes. Ici, les phrases de la chorégraphie
sont brèves, minimes, tout comme les phrases chantées, mais elles explosent à la fin dans
un “tutti” fait de sauts et d’élans enivrants.
En utilisant le rock avec le même sérieux qu’il
Il coreografo scozzese Michael Clark (49
anni) non ha perso il suo sorriso sornione, un
po’ triste e un po’ dolce, con la spilla da balia
punk ancora e sempre piantata nella cartilagine dell’orecchio; e ha sempre lo stesso marchio di danzatore nato che si rivela al suo primo passo in palcoscenico, pur nel passare del
tempo e pur apparendo racchiuso in una specie di sedia che appariva già nella sua singolare Sagra della primavera, ironicamente e
indubitabilmente British.
È sempre lo stesso bad boy, che gioca le
sue carte tra due opposti, il rock e la danza
accademica, il rock viscerale e il balletto rigoroso, cioè la forma che sa mettere ordine –
lo dice lui stesso – in una vita spericolata come
la sua, che non manca di rivelarsi anche stavolta.
Nella colonna sonora di Come, been and
gone, creato per il 25ennale del gruppo, spicca Heroin dei Velvet Underground; ecco che
una danzatrice con la calzamaglia picchiettata di finte siringhe tiene la scena in un solo di
inarcamenti e cadute, tra estasi e ripiegamenti.
Il pezzo celebra i cinque lustri di creatività di
Clark, guardando indietro e avanti: mixa al
solito le linee del balletto e quelle tipiche di
Cunningham e ci mette il glam dei costumi di
Stevie Stewart e Richard Torry, comprese le
punte fiammanti e i veli davanti al volto che
risalgono a fine anni Ottanta, in tempi non
sospetti di dibattiti e polemiche anti o pro Islam.
Tutto questo sul sound dell’amato rock anglosassone anni Settanta, con al centro la
superstar David Bowie, che appare anche su
grande schermo nel mitico video di Heroes e
in tutto il suo splendore androgino. Qui le frasi
di movimento sono brevi, minime, come le
frasi cantate, ma finiscono per esplodere in
un “tutti” fatto di salti e slanci inebriati. Usando
il rock con la stessa serietà con cui utilizzò la
musica di Stravinsky, il Clark di oggi non contraddice quello di ieri nel fare del “classicismo contemporaneo”, nel rivendicare una
schietta e giocosa libertà di vestirsi e comportarsi secondo le proprie inclinazioni, dimostrandolo nella passione per il fashion più
alternativo, dall’epoca di Body Map (con gli
oblò aperti sulle natiche e le alte zeppe ai piedi) in poi.
Il suo Swamp ha aperto la serata, come un
calmo prologo in blu, elegante nel disegno,
nitido nell’esecuzione degli interpreti, tutti
eccellenti. Michael Clark crede nel potere della
bella danza e lo dichiara ancora una volta in
questo trittico-pastiche, tra virtù e vizio, tra
abbandono e controllo, come gli piace dire.
Rambert Dance Company
De Frutos per Rambert
RainForest – cor. Merce Cunningham, mus.
David Tudor; Seven for a Secret, Never to Be
Told – cor. Mark Baldwin, mus. Stephen
McNeff; Elyslan Fields – cor. Javier De Frutos,
mus. Alex North
Londra, Sadler’s Wells Theatre
44
Cannes (France), Palais des Festivals (Festival
de Danse de Cannes)
Scottish choreographer Michael Clark (49)
has not lost his sheepish, half-sad half-sweet
grin, nor his punk safety pin, which is still
stuck in the cartilage of his ear; and he retains
his born dancer’s hallmark, which is obvious
from his first step on stage; even though time
has gone by and he appears enclosed inside a
kind of chair (which one had already seen in
his peculiar, ironically and undoubtedly British Rite of Spring).
He is always the same “bad boy”, who plays
his cards between opposites, rock and classical dance; visceral rock and rigorous ballet,
that is the form that can impose order – he
says so himself – in a reckless life like his,
that is revealed here once more.
Heroin by Velvet Underground is the piece
that stands out most from the soundtrack of
Come, been and gone, created for the group’s
25th anniversary. We see a woman wearing a
leotard studded with fake syringes, she holds
the stage in a solo made up of back-arching
movements and falls, ecstasy and folding-in.
The work celebrates Clark’s twenty five years
of activity and looks both back and forward.
As usual, it mixes balletic lines with those which
are typical of Cunningham: it adds the glam
of Stevie Stewart and Richard Torry’s costumes, including the flaming pointes and the
veils on the faces that date back to the late
‘Eighties, when debates and polemics against
and pro Islam did not yet exist.
All this to the sound of his beloved British
rock of the ‘Seventies, with superstar David
Bowie in all his androgynous splendour, also
on a large screen in the legendary video Heroes. Here movements are brief, minimal, like
the sung words but they explode at the end in
a “tutti” made up of ecstatic jumps and leaps.
Using rock with the same seriousness with
which he employed Stravinsky’s music, today’s Clark is not in contradiction with yesterday’s Clark; his is a contemporary “classicism”, he advocates the plain and playful
freedom to dress and behave according to one’s
inclinations, and shows it in his passion for
the most unconventional fashion, from the days
of Body Map (round holes on the buttocks
and high platform shoes) onwards.
His Swamp opened the evening, like a calm
Prologue in Blue, with its elegant design and
neat performances by all the excellent interpreters. Michael Clark believes in the power
of good dancing and proclaims it once more
in this triptych pastiche, poised between virtue and vice, between abandon and control as he likes to put it…
De Frutos for Rambert
RainForest – chor. Merce Cunningham, mus.
David Tudor; Seven for a Secret, Never to Be
Told – chor. Mark Baldwin, mus. Stephen
le fait avec Stravinsky, le Clark d’aujourd’hui
ne contredit pas le Clark d’hier; son “classicisme contemporain” continue de revendiquer
la liberté franche et joyeuse de s’habiller et
de se comporter selon ses propres penchants,
ce qui est démontré par sa passion pour la
mode la plus tendance, de l’époque de Body
Map (avec des ouvertures sur les fesses et
des chaussures à semelles compensées) jusqu’à celle d’aujourd’hui.
Son Swamp a ouvert la soirée, calme prologue en bleu, élégant dans son dessin et net
dans l’exécution des interprètes, tous excellents. Michael Clark croie dans le pouvoir
de la belle danse et le déclare encore une fois
dans cette pièce partagée entre vice et vertu,
abandon et maîtrise, comme il l’aime.
De Frutos pour
Rambert
La Rambert Dance Company – che è ancora “la” grande compagnia britannica di danza
contemporanea – ha presentato al Salder’s
Wells Theatre di Londra un programma con
pezzi molto diversi.
Dopo aver aperto con la ripresa di RainForest
di Merce Cunningham del 1968 per sei
danzatori, sulla musica elettronica di David
Tudor e con le scene di Andy Warhol, è stata
la volta dell’ultimo lavoro del direttore Mark
Baldwin, Seven for a Secret, Never to Be Told.
Il titolo deriva da una filastrocca, e infatti i
danzatori sono vestiti come bambini. Solo lavoro spensierato del programma, consiste in
danze eseguite come tanti giochi: si succedono entrate e uscite, si formano vari gruppi e
la danza è declinata secondo registri diversi,
dallo scherzoso all’allegro al serioso. La musica di Stephen McNeff (si è detto) s’ispira a
L’Enfant et les sortilèges di Maurice Ravel
McNeff; Elyslan Fields – chor. Javier De
Frutos, mus. Alex North
London, Sadler’s Wells Theatre
The Rambert Dance Company – still the
outstanding British contemporary dance company – offered in London a programme of
strong contrasts.
After opening the programme with a revival
of Merce Cunningham’s 1968 RainForest for
six dancers, to David Tudor’s electronic score
and with designs by Andy Warhol, it was the
turn of the company’s director Mark Baldwin’s
latest work, Seven for a Secret, Never to Be
Told. The titles come from a nursery rhyme,
and the dancers are dressed as children. The
only cheerful work in the programme, it consists of dancers in varying groupings and varying moods performing a series of game-like
dances, sometimes mischievous, sometimes
Pieter Symonds, Dane Hurst – Rambert Dance Company: “Seven for a Secret, Never to Be
Told”, c. Mark Baldwin (ph. E. Richmond)
RainForest – chor. Merce Cunningham,
mus. David Tudor; Seven for Secret, Never
to Be Told – chor. Mark Baldwin, mus.
Stephen McNeff; Elyslan Fields – chor. Javier
De Frutos, mus. Alex North
Londres, Sadler’s Wells Theatre
La Rambert Dance Company – qui demeure
toujours “la” grande compagnie britannique
de danse contemporaine – a présenté au
Salder’s Wells Theatre de Londres un programme de pièces fort différentes les unes
des autres.
Après avoir ouvert avec la reprise de
RainForest de Merce Cunningham de 1968
pour six danseurs, sur la musique électronique de David Tudor et avec les décors d’Andy
Warhol, on a présenté la dernière pièce du
directeur Mark Baldwin, Seven for a Secret,
Never to Be Told. Le titre provient d’une
comptine, et les danseurs sont en effet habillés en enfants. Seule pièce à l’esprit insouciant du programme, elle se compose d’une
série de danses exécutées comme autant de
jeux d’équipe: les entrées et les sorties s’enchaînent, des groupes divers se forment et la
danse est déclinée selon des registres différents: ludique, joyeux, sérieux. La musique
de Stephen McNeff (nous a-t-on dit) s’inspire de L’Enfant et les sortilèges de Maurice
Ravel mais dans une note du programme le
compositeur admet qu’il ne s’agit que d’une
référence marginale (en effet, on ne reconnaît que quelques passages clairement inspirés de la musique de Ravel). McNeff parle
de sa partition, composée de 15 numéros,
comme d’une série de vignettes musicales.
L’interprétation des danseurs pieds nus est
délicieuse.
Le chorégraphe vénézuélien Javier De
Frutos (48 ans) déclare que sa création Elysian
Fields (“Champs Élysées”) fait référence aux
œuvres de Tennesee Williams. De Frutos préfère les mets piquants (et Tennessee Williams
45
fait en effet partie de cette catégorie), avec
sexe et violence à gogo.
La pièce commence avec une femme très
dépressive. La référence en est sans doute à
Un Tramway nommé Désir, ou peut-être à
La Chatte sur un toit brûlant. Les danseurs
jouent avec une diction américaine et le texte
est trop souvent difficile à comprendre. Je
dois avouer que la pièce, quoique bien dansée, m’a paru discutable. Toutefois la plupart du public était enthousiaste.
Dommage que la compagnie n’ait pas célébré son 85e anniversaire avec un événement
majeur. Les 85 ans coïncident avec les débuts de Marie Rambert, mais il est important de rappeler son penchant pour ce que
l’on appelait à l’époque danse moderne. En
tout cas, Mark Baldwin peut être fier de ses
bons danseurs.
Freda Pitt
Ballet de l’Opéra de Paris
McKie, la finesse
d’Onéguine
Onéguine – chor. John Cranko, mus. Piotr I.
Tchaikovsky
Paris, Opéra Garnier
Avec Roméo et Juliette et La Belle Hélène, Onéguine est le troisième ballet de John
Cranko à figurer au répertoire du Ballet de
l’Opéra de Paris (entré en avril 2009). Et pour
les danseurs, c’est toujours un bonheur d’interpréter une œuvre de Cranko. Sans doute
est-ce la manière si personnelle avec laquelle
le chorégraphe britannique né en Afrique du
Sud – formé au Royal Ballet de Londres et
directeur du Stuttgart Ballet jusqu’à sa disparition prématurée – réussissait à faire parler la danse. Maître du ballet narratif, il pouvait faire rire ou pleurer, se sentant aussi à
l’aise avec les sujets dramatiques qu’avec les
comédies.
Lors de la reprise d’Onéguine, au mois de
décembre dernier, la distribution de la première fut particulièrement brillante: Nicolas
Le Riche s’étant blessé, ce fut Evan McKie,
danseur principal du Ballet de Stuttgart, qui
tint le rôle d’Onéguine. Et quel Onéguine!
Fin, racé, il est le parfait danseur noble, dépourvu de toute mièvrerie, de toute affectation et de tout excès. Il n’interprète pas
Onéguine, il est Onéguine, ce jeune homme
mélancolique, distant, qui jette sur le monde
un regard ironique et blasé.
À l’opposé du caractère désenchanté
d’Onéguine, le poète Vladimir Lensky, ami
et future victime d’Onéguine, est un personnage plein d’entrain, superbement interprété
par Josua Hoffalt qui passe avec aisance de
la joie de vivre à la jalousie, puis à la gravité. Myriam Ould-Braham trouve dans le rôle
d’Olga, fiancée de Lenski, un rôle à la mesure de son caractère mutin.
Quant à Tatiana, l’amoureuse déçue, c’est
elle qui porte l’essentiel du ballet: Aurélie
ma in una nota il compositore ammette che è
un riferimento solo marginale (infatti, si riconoscono solo pochi momenti chiaramente ispirati alla musica di Ravel). McNeff parla del
suo lavoro, composto da 15 numeri, come di
una serie di vignette musicali. Deliziosa è l’interpretazione dei danzatori a piedi nudi.
Il coreografo venezuelano Javier De Frutos
(48 anni) afferma che la sua creazione Elysian
Fields (“Campi Elisi”) si ispira ai lavori di
Tennesee Williams. De Frutos predilige i sapori forti (e Tennessee Williams rientra in effetti in quest’ultima categoria) con sesso e violenza in primo piano.
Il lavoro comincia con una donna in forte
stato depressivo. Il riferimento è probabilmente
a Un tram chiamato desiderio, o forse alla
Gatta sul tetto che scotta. I danzatori recitano
con dizione americana e il testo è troppo spesso
di difficile comprensione. Devo confessare che,
per quanto ben danzato, ho trovato il lavoro
discutibile. Tuttavia la maggioranza del pubblico lo ha accolto con grande entusiasmo.
È stato un peccato che la compagnia non
abbia festeggiato il suo 85o anniversario con
un evento maggiore. Gli 85 anni fanno riferimento agli inizi di Marie Rambert, ma è importante ricordare la sua inclinazione per quella
che era chiamata all’epoca danza moderna. In
ogni modo Mark Baldwin può dirsi orgoglioso dei suoi bravi danzatori.
Freda Pitt
Balletto dell’Opéra di Parigi
Onegin in finezza
Onegin – cor. John Cranko, mus. Piotr I.
Ciaikovsky
Parigi, Opéra Garnier
Con Romeo e Giulietta e La Belle Hélène,
Onegin è stato il terzo balletto di John Cranko
a entrare nel repertorio del Balletto dell’Opéra
di Parigi (vi figura dall’aprile del 2009). Per i
danzatori, crediamo sia sempre un piacere interpretare un’opera di Cranko. Forse per quel
modo così personale con cui il coreografo britannico nato in Sud-Africa – formatosi al Royal
Ballet di Londra e direttore del Balletto di
Stoccarda fino alla morte prematura nel 1973
– riusciva a far parlare la danza. Maestro del
balletto narrativo, sapeva far ridere o piangere, a suo agio tanto con i soggetti tragici quanto
con le commedie.
All’ultima ripresa di Onegin, nel dicembre
scorso, il cast della prima ha brillato particolarmente: dato che Nicolas Le Riche era infortunato, è stato l’ “ospite” Evan McKie,
danzatore principale del Balletto di Stoccarda,
a interpretare il ruolo di Onegin. E che Onegin!
Elegante e aristocratico, è il perfetto danseur
noble, privo di ogni sorta di stucchevolezza,
affettazione o eccesso. Non interpreta Onegin,
è Onegin stesso, giovane uomo malinconico,
distaccato, che guarda il mondo con occhio
ironico e cinico.
In contrasto con il carattere disincantato di
Onegin, il poeta Vladimir Lensky, amico e
46
happy, sometimes serious. There are many exits
and entrances. Stephen McNeff’s score is said
to be based on Maurice Ravel’s L’Enfant et
les sortilèges, but in a note he admits that the
basis is only marginal (indeed, I detected only
a few bars clearly derived from it). He calls it
a score made up of fifteen numbers – a series
of musical vignettes. The barefoot dancers are
delightful, but it has to be admitted that the
work is somewhat overlong.
Javier De Frutos states that his mystifyingly
entitled Elysian Fields (a world première) is
inspired by the works of Tennesee Williams.
De Frutos tends to favour strong meat, and
Tennessee Williams actually comes into that
category, with sex and violence to the fore.
The work begins with a woman throwing
herself about in great distress. It probably refers to A Streetcar named Desire, or perhaps
Cat on a Hot Tin Roof. The speaking dancers
had been coached in the American drawl. The
narrative was too often obscured. I must confess that I found the work, however well-performed from a dance point of view, thoroughly
unpleasant. It was, however, received with great
enthusiasm from the majority of the audience.
A pity the company did not mark its 85th
anniversary with something more celebratory.
The 85 years go back to Marie Rambert’s
ballettic beginnings, but it is important to remember that she was in favour of the shift to
what was then called modern dance. At all
events, Mark Baldwin can be proud of his wellchosen dancers.
Freda Pitt
Paris Opéra Ballet
McKie, Onegin’s finesse
Onegin – chor. John Cranko, mus. Pyotr I.
Tchaikovsky
Paris, Opéra Garnier
With Romeo and Juliet and La Belle Hélène,
Onegin was the third ballet by John Cranko
to enter the repertoire of the Paris Opéra Ballet (in April 2009). It is always a pleasure for
a dancer to interpret a Cranko ballet. Maybe
this is because of the personal way in which
the British choreographer – born in South Africa, trained at the Royal Ballet in London and
director of the Stuttgart Ballet until his premature death – knew how to make dance speak.
A master of narrative ballet, he could make
one laugh or cry and was at ease both in tragedies and comedies.
At the latest revival of Onegin, last December, the cast of the première especially shone.
As Nicolas Le Riche had had an accident, Stuttgart Ballet principal Evan McKie interpreted
the title role. And what an Onegin he was!
Elegant and aristocratic, he is the perfect
danseur noble, devoid of any kind of coyness,
affectation or excess. He does not interpret
Onegin, he is Onegin, the melancholy, detached
young man who looks at the world with an
mocking, cynical eye.
In contrast to Onegin’s disenchanted nature,
Aurélie Dupont, Evan McKie – Ballet de l’Opéra de Paris: “Onegin”, c. John Cranko (ph. H. Soumireu-Lartigue)
Dupont, que les récentes maternités semblent
avoir rendue plus forte et plus sensuelle, en
donna une interprétation éblouissante. Pas un
faux pas, pas un geste en trop, une technique superbe, avec des pliés moelleux, des arabesques et des pirouettes parfaites, des envolées légères et une finesse d’interprétation
qui font de cette danseuse peut-être la plus
belle étoile du Ballet de l’Opéra de Paris.
Sonia Schoonejans
Marie-Antoinette
revient à Versailles
Marie-Antoinette – chor. Patrick de Bana, mus.
Georg Philipp Telemann, Antonio Vivaldi,
Joseph Boulogne Saint-Georges, Wolfgang
A. Mozart, Johann Christian Bach, JeanPhilippe Rameau, Jean-Féry Rebel, Luis
Miguel Cobo
Versailles, Opéra Royal
Le Wiener Staatsballett (à savoir la compagnie de ballet de l’Opéra de Vienne), dirigé aujourd’hui par l’ancien danseur étoile
de l’Opéra de Paris Manuel Legris, a présenté Marie-Antoinette de Patrick de Bana
futura vittima di Onegin, è un personaggio travolgente, splendidamente interpretato da Josua
Hoffalt che passa con facilità dalla gioia di
vivere alla gelosia, e poi alla gravità. Myriam
Ould-Braham trova nel personaggio di Olga,
la fidanzata di Lensky, un ruolo che le è
congeniale per il suo carattere sbarazzino.
Quanto a Tatiana, l’innamorata delusa, è lei
la vera protagonista del balletto: Aurélie
Dupont, che le recenti maternità sembrano aver
reso perfino più forte e sensuale, ne dà un’interpretazione abbagliante. Non un passo falso, non un gesto di troppo. La tecnica eccellente, con morbidi pliés, arabesques e pirouettes
perfette e slanci leggeri, e la finezza
interpretativa fanno forse di questa danzatrice l’étoile più luminosa, oggi, del Balletto
dell’Opéra di Parigi.
Sonia Schoonejans
Maria-Antonietta torna
a Versailles
Marie-Antoinette – cor. Patrick de Bana, mus.
Joseph Boulogne Saint-Georges, Wolfgang A.
Mozart, Johann Christian Bach, Jean-Philippe
47
Vladimir Lensky, poet, friend and future victim of Onegin, is an enormously appealing
character and was splendidly interpreted by
Josua Hoffalt, shifting easily from joie de vivre
to jealousy and then to gravity. Myriam OuldBraham finds a congenial role in the character of Olga, Lensky’s fiancée, thanks to her
happy-go-lucky temperament.
As for Tatiana, disappointed in love, she is
the real protagonist of the ballet: Aurélie
Dupont, who seems to have acquired strength
and sensuality following her recent motherhood, gives a dazzling interpretation. Not one
false step, not one gesture too many. Her excellent technique, with soft pliés and arabesques, perfect pirouettes and light leaps,
together with her interpretative subtlety, make
her perhaps the loveliest étoile of the Paris
Opéra Ballet.
Sonia Schoonejans
Vienna Opera Ballet
Marie-Antoinette
returns to Versailles
Marie-Antoinette – chor. Patrick de Bana, mus.
Joseph Boulogne Saint-Georges, Wolfgang A.
précisément là où flotte le fantôme de ladite
reine: à l’Opéra Royal du Château de Versailles.
Patrick de Bana est né à Hambourg (mais
sa famille est de Madagascar) et il a dansé
avec le Béjart Ballet Lausanne et la Compañía
Nacional de Danza de Madrid avant de s’adonner à la chorégraphie (il a même fondé une
compagnie en 2003, Nafas Dance Company).
Il a créé Marie-Antoinette (un ballet en deux
actes qui dure deux heures) à Vienne en 2010
(à l’origine de la pièce, il y avait un duo créé
pour lui et Agnès Letestu, étoile de l’Opéra
de Paris). Letestu a aussi signé les costumes
du spectacle, sobres et efficaces.
Dans le but de “mieux communiquer” les
troubles de la reine, de Bana introduit deux
personnages allégoriques, le Destin (Kirill
Kourlaev) et l’Ombre de Marie-Antoinette
(Alice Firenze). Leurs duos servent de transition entre les différents tableaux. C’est lors
de ces moments de transition que se glissent
les interventions du compositeur Luis Miguel
Cobo (mais le contraste avec le reste de la
musique de compositeurs du XVIIIe siècle
n’est pas choquant). Bien que cela nous permette d’apprécier les qualités de Kourlaev,
les deux figures symboliques demeurent tout
à fait inutiles. La dramaturgie se suffit à ellemême sans besoin d’ajouter d’autres personnages que ceux de la reine, Louis XVI, Madame Elisabeth (la délicieuse Ketevan
Papava), Hans Axel von Fersen (Kamil
Pavelka), Marie-Thérèse d’Autriche (l’imposante Dagmar Kronberger), ainsi que le Comte
de Mercy (Fabrizio Coppo) et Louis XV
(Christoph Wenzel).
L’insurrection des “révolutionnaires” est
caractérisée par des costumes contemporains.
Un clin d’œil à l’histoire actuelle? Par ailleurs,
le ballet n’est pas (fort heureusement) une “fresque historique” mais un “aperçu intimiste” sur
le destin malheureux d’une souveraine.
L’élément le plus intéressant de la mise en
scène consiste dans son dynamisme, qui caractérise également la construction chorégraphique. Le souffle se fait haletant. Sans s’éloigner du “classique” (dont on emploie ici
l’essence formelle et le vocabulaire), de Bana
s’empare aussi des techniques contemporaines et les mélange dans une même phrase.
Le résultat est fluide et plusieurs moments
se détachent comme des duos ou des portés
remarquables. L’emploi de “signes” stylistiques rococo est inévitable, mais sa juxtaposition avec le “moderne” n’est pas
dérangeante. Toutefois, on se demande pourquoi on a choisi les demi-pointes au lieu des
pointes, qui sembleraient convenir davantage
à cette chorégraphie.
On a évité de montrer la guillotine. La mort
de Marie-Antoinette n’est qu’esquissée, avec
bon goût mais avec puissance: un port-detête allusif et un son interrompu…
Mais il faut dire que sans une Olga Esina
lumineuse dans le rôle de Marie-Antoinette,
ou sans un Roman Lazik expressif (il rappelle
beaucoup Manuel Legris) dans le rôle de Louis
XVI, le résultat n’aurait pas été le même.
Isis Wirth
Rameau, Jean-Féry Rebel, Luis Miguel Cobo
Versailles (Francia), Opéra Royal
Il Wiener Staatsballett (ossia la compagnia
di balletto dell’Opera di Vienna), diretto oggi
dall’ex étoile dell’Opéra di Parigi Manuel
Legris, ha presentato Marie-Antoinette di
Patrick de Bana proprio dove aleggia il fantasma della regina di Francia del titolo: all’Opera Reale del Castello di Versailles.
Patrick de Bana (di famiglia del
Madagascar) è nato ad Amburgo e ha danzato con il Béjart Ballet Lausanne e la
Compañía Nacional de Danza di Madrid prima
di darsi alla coreografia (fondando anche un
suo gruppo nel 2003, Nafas Dance Company).
Ha creato Marie Antoinette (balletto in due
atti della durata di due ore) a Vienna nel 2010
(all’origine del lavoro vi era un duo creato
per sé e Agnès Letestu, étoile dell’Opéra di
Parigi). La Letestu ha anche firmato i costumi, sobri ed efficaci, dello spettacolo.
Nell’intento di “comunicare meglio” i tormenti della regina, de Bana introduce due personaggi allegorici, il Destino (Kirill Kourlaev)
e l’Ombra di Maria-Antonietta (Alice Firenze). I loro duetti fungono da passaggio tra le
diverse scene tagliate col coltello. È in questi momenti di transizione che si collocano
gli interventi del compositore Luis Miguel
Cobo (ma il contrasto con il resto della musica, di compositori del Settecento, non è parso
stridente). Per quanto ciò ci permetta di apprezzare le qualità di Kourlaev, le due figure simboliche paiono del tutto inutili. La drammaturgia si regge senza bisogno d’altro sui
personaggi della regina stessa, di Luigi XVI,
di Madame Elisabeth (la deliziosa Ketevan
Papava), Hans Axel von Fersen (Kamil
Pavelka), Maria-Teresa d’Austria (l’imponente
Dagmar Kronberger), e anche sul Conte de
Mercy (Fabrizio Coppo) e Luigi XV
(Christoph Wenzel).
L’insurrezione dei “rivoluzionari” è caratterizzata da costumi contemporanei. Una strizzata d’occhio alla storia attuale? Del resto,
il balletto non è (per fortuna) un “affresco
storico” ma uno “scorcio intimista” sul destino sfortunato di una sovrana.
L’elemento di maggior interesse della messa
in scena risiede nel suo dinamismo, che caratterizza anche la costruzione coreografica.
Il respiro si fa ansante. Senza allontanarsi dal
“classico” (di cui impiega l’essenza formale
e il vocabolario), de Bana usa anche tecniche contemporanee, unendo l’uno e l’altro
in una stessa frase. Il risultato è fluido e diversi sono i momenti che spiccano, come alcuni duetti o “lifts” notevoli. Inevitabile che
vengano poi anche impiegati “segni” stilistici
del rococò; la sua contrapposizione con il
“moderno” tuttavia non infastidisce. Ma ci
si domanda perché siano state scelte le mezze punte invece delle punte, che sembrerebbero più congeniali a questa coreografia.
Si è evitato di mettere in scena la ghigliottina. La morte di Maria-Antonietta è solo suggerita, con buon gusto ma con forza: un “portde-tête” allusivo e un suono interrotto…
Ma va detto che senza la luce che emana
48
Mozart, Johann Christian Bach, Jean-Philippe
Rameau, Jean-Féry Rebel, Luis Miguel Cobo
Versailles (France), Opéra Royal
The Wiener Staatsballett (Vienna Opera
Ballet), directed by former Paris Opéra étoile
Manuel Legris, presented Marie-Antoinette
by Patrick de Bana in the very place haunted
by the ghost of the French Queen of the title: at the Royal Opera of the Palace of Versailles.
Patrick de Bana (whose family is from
Madagascar) was born in Hamburg and
danced with the Béjart Ballet Lausanne and
the Compañía Nacional de Danza in Madrid before becoming a choreographer (he
also founded his own group in 2003, Nafas
Dance Company). He created MarieAntoinette (a two-act ballet lasting two hours)
in Vienna in 2010 (the work had initially
started off as a duo for himself and Agnès
Letestu, an étoile of the Paris Opéra). Letestu
also designed the sober and effective costumes of this ballet.
In order to “better convey” the queen’s
suffering, de Bana introduces two allegorical
characters, Destiny (Kirill Kourlaev) and the
Shadow of Marie-Antoinette (Alice Firenze).
Their duos serve as a bridge between the
various, roughly-cut scenes. In such moments
of transition composer Luis Miguel Cobo
intervenes (yet the contrast with the rest of
the music, by 18th century composers, does
not sound incongruous). Much as this enables us to appreciate Kourlaev’s qualities,
the two symbolical figures seem to be totally pointless. The dramatic structure stands
without the help of characters other than the
Queen herself, Louis XVI, Madame
Elisabeth (the delightful Ketevan Papava),
Hans Axel von Fersen (Kamil Pavelka),
Marie-Therese of Austria (an imposing
Dagmar Kronberger), and also Count de
Mercy (Fabrizio Coppo) and Louis XV
(Christoph Wenzel).
The insurrection of the “revolutionaries”
is represented by contemporary costumes.
Is this a wink at current history? In any case
this ballet is (luckily) not an “historical
fresco” but an “intimate look” at the unhappy
destiny of a sovereign.
The most interesting feature of the staging is its dynamism, which also pervades
the choreographic structure. The pace becomes breathless. Although De Bana does
not move away from the classical style,
whose formal structure and vocabulary he
employs, he also uses contemporary techniques and joins both vocabularies in the
same sentence. The result is fluidity, with
many good points, such as remarkable duos
or lifts. Twisted movements become expressive. It was impossibile to avoid using Rococo stylistic patterns; but their juxtaposition with the classic style is not disturbing.
However one wonders why demi-pointes
were chosen instead of pointes which would
have seemed more suited to this kind of choreography.
The guillotine is not shown on stage.
Olga Esina – Wiener Staatsballett: “Marie-Antoinette”, c. Patrick de Bana (ph. D. Dimov)
Staatsballett Berlin
Peer Gynt débute à
Berlin
Peer Gynt – chor. Heinz Spoerli, mus. Edvard
Grieg, Brett Dean et Mark-Anthony Turnage
Berlin, Deutsche Oper
Sans doute Peer Gynt constituera-t-il le point
fort de cette saison 2011-2012 du Ballet de
l’Opéra de Berlin dont la programmation comporte, par ailleurs, une forte proportion de
reprises. Ce ballet de Heinz Spoerli, le célèbre chorégraphe suisse, est à la fois une évidente réussite artistique et un grand succès
public. Inutile d’y revenir en détail, BALLET2000 en ayant rendu compte, lors de sa
création à l’Opernhaus de Zurich, en 2007.
On se contentera d’en souligner l’unité chorégraphique, dramaturgique et musicale. Et
cela en dépit des difficultés que soulève le
drame de Henrick Ibsen avec ses scènes pittoresques situées au Maroc et en Égypte, ainsi
que dans un asile d’aliénés.
La musique pourrait aussi paraître disparate en raison du recours fait à des pièces de
deux compositeurs contemporains, Brett Dean
et Mark-Anthony Turnage. Mais miraculeusement, le passage de la musique d’Edvard
Olga Esina, nel ruolo di Maria-Antonietta, o
senza l’espressivo Roman Lazik (che tanto
ricorda Manuel Legris) nel ruolo di Luigi XVI,
il risultato non sarebbe stato lo stesso.
Isis Wirth
Peer Gynt di Spoerli a
Berlino
Peer Gynt – cor. Heinz Spoerli, mus. Edvard
Grieg, Brett Dean e Mark-Anthony Turnage
Berlino, Deutsche Oper
Questo Peer Gynt costituirà forse il piatto
forte di questa stagione 2011-2012 del Balletto dell’Opera di Berlino (diretto da Vladimir
Malakhov), che infatti ha in programma più
che altro riprese di titoli già in repertorio.
Questo balletto di Heinz Spoerli, coreografo svizzero ben noto anche in Germania, non
solo è un successo artistico, ma ha anche avuto
un grande apprezzamento da parte del pubblico. Non ritorneremo qui sui dettagli dello
spettacolo, dato che BALLETTOOGGI lo aveva
recensito alla creazione, all’Opernhaus di
Zurigo nel 2007. Ci limiteremo a evidenziarne
l’unità coreografica, drammaturgica e musicale. E tutto ciò nonostante le difficoltà poste
49
Marie-Antoinette’s death is only hinted at,
with good taste but also force: a suggestive
“port-de-tête” and an interrupted sound…
But it must be stated that without the light
emanating from Olga Esina, in the role of
Marie-Antoinette, or without expressive Roman Lazik (who reminds one so much of
Manuel Legris) in the role of Louis XVI,
the result would not have been the same.
Isis Wirth
Spoerli’s Peer Gynt
debuts in Berlin
Peer Gynt – chor. Heinz Spoerli, mus. Edvard
Grieg, Brett Dean and Mark-Anthony
Turnage
Berlin, Deutsche Oper
This Peer Gynt will perhaps be the highlight of the Berlin Ballet’s 2011-2012 season which almost exclusively features only
revivals of previously-performed works. This
ballet by Heinz Spoerli, the most famous
Swiss choreographer, is not only an artistic
success but has also met with passionate
approval from the audience. We will not linger on the work’s details, since BALLET2000
LA SCENA
-NON SCENA DI SONIA NIF
OSI
SCENA-NON
NIFOSI
Vladimir Malakhov – Staatsballett Berlin: “Peer Gynt”, c. Heinz Spoerli (ph. B. Stöß)
Grieg pour la pièce d’Ibsen à l’un et à l’autre
se fait en douceur, sans le moindre hiatus.
À la richesse musicale (avec chœur et solistes) répond une fascinante diversité visuelle,
qu’il s’agisse des scènes avec les trolls, le roi
de la montagne ou dans le désert. Un large
pan de la seconde partie du spectacle se danse
d’ailleurs sur du sable… Ce qui, limitant les
prouesses virtuoses, permet des effets inhabituels dans le registre des glissades!
Si, à la première, le corps de ballet n’avait
pas toujours le synchronisme requis, les solistes s’imposaient d’éclatante façon. À l’applaudimètre, Dinu Tamazlacaru l’emportait haut
la main. Ce Roi de la montagne est un véritable feu follet, plus souvent dans les airs que
sur terre. Nadja Saidakova campe une émouvante Solveig et Polina Semionova une ensorcelante Anitra. Magnifique acteur, Vladimir Malakhov (Peer) nous laisse toutefois le
regret des années où il dansait vraiment ses
rôles. Leonard Jakovina incarne une mort séduisante. Autre excellente surprise, le comédien Sebastian Hülk qui, dans le rôle du
Sprecher (“récitant”), s’intègre merveilleusement à l’action scénique, jusqu’à saisir violon et archet. Et à en jouer!
Jean Pierre Pastori
dal dramma omonimo di Henrick Ibsen con
le sue scene pittoresche ambientate in Marocco e in Egitto e anche in un ospedale per
alienati mentali.
Le scelte musicali potrebbero sembrare disparate dato il ricorso anche a pezzi di due
compositori contemporanei, Brett Dean e
Mark-Anthony Turnage. Ma, miracolosamente, il passaggio dalla musica di Edvard Grieg
(quella composta per la pièce di Ibsen) all’uno e all’altro avviene dolcemente, senza
il minimo stridore.
Alla ricchezza musicale (con coro e solisti dal vero, ovviamente, trattandosi di un grande teatro d’opera come quello di Berlino) corrisponde un’affascinante varietà visiva, che
si tratti della scena dei Trolls (sorta di elfi
mostruosi), di quella del re della montagna
o di quella nel deserto. Per buona parte del
secondo atto si danza infatti sulla sabbia…
Cosa che, pur limitando le prodezze
virtuosistiche, permette di creare effetti insoliti nel registro delle glissades!
Alla prima, il corpo di ballo non ha sempre mostrato il sincronismo necessario, ma i
solisti si sono imposti brillantemente. Il più
applaudito è stato Dinu Tamazlacaru. Questo Re della Montagna è un vero fuoco fa-
50
reviewed it at when it was created at the
Zürich Opera House in 2007. We shall simply underline its choreographic, dramatic and
musical unity; all this in spite of the difficulties presented by Henrik Ibsen’s homonymous play, with its picturesque scenes set
in Morocco and Egypt, as well as in a mental asylum.
The musical choices might look heterogeneous, as one hears pieces of two contemporary composers too, Brett Dean and
Mark-Anthony Turnage. But, miraculously,
the transition from Edvard Grieg’s music
(composed for Ibsen’s play) to both contemporary musicians takes place gently, without stridency.
The musical richness (with chorus and soloists) is coupled with a fascinating visual
variety, be it the scene with the Trolls, the
Mountain King or in the desert. A good part
of the second act is danced on sand…This
makes unusual effects possible, especially
in the glissades, though limiting virtuoso dexterity!
At the première, the corps de ballet did
not always display the necessary synchronism, but the soloists emerged with brilliancy.
The one who got most applause was Dinu
Anteprima veneziana per la Sonia Nifosi Motion Dance Group
che presenta la nuova produzione “Della Prova e Del Viaggio”.
Questa interessante proposta artistica arriva dopo i prestigiosi
riconoscimenti che la compagnia ha ottenuto la scorsa stagione dalla critica internazionale per l’originalità dei suoi spettacoli. “Della Prova e Del Viaggio” è uno studio della coreografa per riflettere e far riflettere sul concetto dell’apparire e sulla
ricerca dell’essere, percorrendo la strada delle leggi sottili per
mezzo delle quali si ottiene la conoscenza del dominio di sé
“Giulietta degli Spiriti”
sulla realtà materiale, attraverso quello che c’è dietro
la danza firmata Nifosi.
Associazioni di idee, fantasie e richiami interni che
si muovono in ordine sparso tra il quotidiano mondo
dei ballerini e quello dei
“Viaggi di Gulliver” di J.
Swift. Uno spazio scenico
in allestimento, dei
danzatori in prova che viaggiano attraverso le fasi della
preparazione di uno spettacolo al debutto sviluppando connessioni e intrecci
che riportano all’ infanzia,
dove ricorrono immagini
tratte da una favola dai con“Monolocale vendesi”
tenuti un po’ paradossali
dove, col cambiare delle
dimensioni degli esseri
umani, cambia la proporzione tra i fatti e quindi il giudizio sui
fatti stessi. Un’ avventura creativa che avviene “a vista” in un
apparente disordine della scena-non scena. Una danza che
muove i passi tra l’inconscio e le emozioni.
Il 16 marzo al “Teatro ai Frari” di Venezia 70 minuti di grande
coinvolgimento insieme agli artisti di questa prestigiosa compagnia per un affascinante viaggio che approderà in numerose città italiane.
Ballet de l’Opéra de Bordeaux
Numéro un!
Chopin Número Uno – chor. Mauricio Wainrot,
mus. Fryderyk Chopin; Carmina Burana –
chor. Mauricio Wainrot, mus. Carl Orff
Bordeaux, Opéra
Bordeaux est une des rares villes françaises à conserver, au sein de son Opéra, une
compagnie de ballet de haut niveau.
Dirigée depuis 1996 par Charles Jude, ancien danseur étoile de l’Opéra de Paris, celleci possède non seulement un répertoire classique mais également une grande ouverture
vers le moderne et le contemporain. Les 38
danseurs de la compagnie possèdent tous une
formation hétéroclite et dansent avec la même
conviction la Giselle de Jules Perrot et Marius Petipa ou l’Annonciation d’Angelin
Preljocaj. Et si le public français veut voir
(ou découvrir) des chorégraphes au style très
différent mais tous formés au ballet classique, comme Robert North, Oscar Araiz, ou
encore Vaclav Kunez, c’est à l’Opéra de
Bordeaux qu’il pourra les applaudir.
Le chorégraphe argentin Mauricio Wainrot,
à qui est consacré le premier programme de
la saison, fait partie de ces artistes internationaux que la plupart des institutions chorégraphiques françaises semblent bouder. Et
pourtant, quel talent que celui de Wainrot.
La première pièce du programme, Chopin
Número Uno, créée pour sa compagnie El
Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín
il y a tout juste un an, est une œuvre profondément poétique où les 14 danseurs évoluent, dans des ensembles ou des duos, sur
le Concerto pour piano et orchestre numéro
1 du compositeur polonais, comme si la
musique émanait de leur corps. La souplesse
et la continuité d’un mouvement qui semble ne jamais devoir s’arrêter, rappellent Jirí
Kylián, et pourtant le style de Wainrot est
singulier, plus lyrique, plus expressif.
Il est vrai qu’en Argentine, comme au
Chili, un fort courant expressionniste a pris
racine dès les années 40 lorsque des danseurs allemands, fuyant la guerre, y ont enseigné. Le jeune Wainrot, qui faisait ses classes classiques à l’École Supérieure du Teatro
Colón de Buenos Aires, s’est aussi intéressé
à ce courant et a étudié auprès d’Eda
Aisemberg, ancienne élève de Mary Wigman.
Sa double formation, classique et expressionniste, à laquelle s’ajoute une grande
musicalité, font de Wainrot un chorégraphe
tout à fait original dont l’invention chorégraphique se renouvelle sans cesse.
Il ne pouvait que se sentir à l’aise avec la
musique très rythmée du compositeur allemand Carl Orff qui crée en 1937 ses célèbres Carmina Burana à partir de manuscrits
du XIIIème siècle retrouvés dans un monastère. Se saisissant de cette œuvre chorale,
Mauricio Wainrot en dégage la puissance
dramatique, alterne sensualité et spiritualité
et entraîne les danseurs dans une performance
tuo, più spesso in aria che coi piedi per terra.
Nadja Saidakova interpreta un’emozionate
Solveig e Polina Semionova è un’ammaliante
Anitra. Attore magnifico, Vladimir Malakhov
(Peer) ci fa rimpiangere tuttavia i tempi in cui
danzava davvero i suoi ruoli. Leonard Jakovina
incarna una Morte seducente. Altra eccellente sorpresa, l’attore Sebastian Hülk che, nel
ruolo dello Sprecher (il declamatore), si inserisce perfettamente nell’azione scenica, fino
a prendere in mano archetto e violino. E a suonarlo!
Jean Pierre Pastori
Balletto dell’Opera di Bordeaux
Numero uno a Bordeaux
Chopin Número Uno – cor. Mauricio Wainrot,
mus. Fryderyk Chopin; Carmina Burana – cor.
Mauricio Wainrot, mus. Carl Orff
Bordeaux, Opéra
Bordeaux è una delle poche città francesi
a conservare all’interno del suo teatro dell’opera una compagnia di balletto di buon
livello.
Diretta dal 1996 da Charles Jude, ex étoile
dell’Opéra di Parigi, la compagnia, oltre al
repertorio classico, mostra una grande apertura verso il moderno e il contemporaneo. I
38 danzatori della compagnia vantano una
formazione eclettica e danzano con la stessa
convinzione la Giselle tradizionale e
l’Annonciation di Angelin Preljocaj. E se il
pubblico francese vuol vedere (o scoprire)
dei coreografi di stili molto diversi ma tutti
formati alla danza classica, come Robert
North, Oscar Araiz, o ancora Vaclav Kunez,
potrà applaudirli proprio all’Opera di
Bordeaux.
Il coreografo argentino Mauricio Wainrot,
al quale è stato dedicato il primo programma della stagione, fa parte di quegli artisti
internazionali che la maggior parte delle istituzioni francesi sembra snobbare. Eppure,
Wainrot è davvero un talento. Il primo lavoro in programma, Chopin Número Uno, creato per la sua compagnia El Ballet
Contemporáneo del Teatro San Martín esattamente un anno fa, è un’opera intensamente poetica. 14 interpreti danzano, in gruppi o
in duetti, sul Concerto per pianoforte e orchestra numero 1 del compositore polacco,
come se la musica emanasse dai corpi. La
morbidezza e la continuità del movimento che
sembra non fermarsi mai ricordano Jirí Kylián,
eppure lo stile di Wainrot è originale, lirico
ed espressivo.
Va detto che in Argentina, come in Cile,
una forte corrente espressionista si è insediata
fin dagli anni Quaranta quando vi insegnavano danzatori tedeschi, giunti in fuga dalla
guerra. Il giovane Wainrot, che faceva le sue
lezioni di danza classica alla scuola del Teatro Colón di Buenos Aires, si è anche interessato a questa corrente e ha studiato con
Eda Aisemberg, allieva di Mary Wigman. La
sua doppia formazione, classica ed espres-
52
Tamazlacaru. This Mountain King is a regular will o’ the wisp, and more often up in
the air than touching ground. Nadja
Saidakova interprets an emotional Solveig
and Polina Semionova a fascinating Anitra.
Though a magnificent actor, Vladimir
Malakhov (Peer) makes us however feel regret for the times when he really used to
dance his roles. Leonard Jakovina is a seductive Death. Actor Sebastian Hülk was
another excellent surprise: in the role of the
Sprecher (the Speaker), he becomes a part
of the scenic action, even to the point of
wielding violin and bow – and playing it!
Jean Pierre Pastori
Bordeaux Opera Ballet
Number one in
Bordeaux
Chopin Número Uno – chor. Mauricio
Wainrot, mus. Fryderyk Chopin; Carmina
Burana – chor. Mauricio Wainrot, mus. Carl
Orff
Bordeaux (France), Opera House
Bordeaux is one of the few French cities
whose opera house can boast a quality ballet company. Since 1996 the company has
been directed by Charles Jude, a former étoile
of the Paris Opéra; besides its classical repertoire it is open to a modern and contemporary one. The 38 dancers in the company
have an eclectic training and can convincingly dance both Jules Perrot and Marius
Petipa’s Giselle and Angelin Preljocaj’s
Annonciation. And if French audiences want
to see (or discover) choreographers of different styles, but all trained in classical ballet,
like Robert North, Oscar Araiz, or Vaclav
Kunez, the place to do so is the Bordeaux
Opera House.
Argentinian Mauricio Wainrot, to whom
the first programme of the season was devoted, is one of those international choreographers that most French dance institutions seem to snub. Yet Wainrot is a real
talent. The first work in the programme, Chopin Número Uno (“Chopin Number One”)
was created for his own company, El Ballet
Contemporáneo del Teatro San Martín, exactly one year ago. It is an intensely poetic
work: 14 interpreters dance, in groups or
duos, to the Polish composer’s Piano and
Orchestra Concerto No.1, as though music
were emanating from their bodies. The softness and continuity of movement, that seems
never to stop, reminds one of Jirí Kylián,
yet Wainrot’s style is more original, more
lyrical and expressive.
It must be said that in Argentina, as in
Chile, a strong Expressionistic trend has been
underway since the ‘Forties, when German
dancers, fleeing from the war, were teaching there. Young Wainrot, who studied ballet
at the School of the Teatro Colón in Buenos Aires, also took an interest in this trend
Yumi Aizawa, Alvaro Rodríguez Piñera – Ballet de l’Opéra de
Bordeaux: “Chopin número uno”, c. Mauricio Wainrot
(ph. S. Colomyes)
qui exige un engagement total. Cette version des Carmina Burana, créée il y a plus
de dix ans pour le Ballet Royal des Flandres,
n’a rien perdu de sa force. Pour cette reprise, elle était magnifiée par l’Orchestre et
le Chœur de l’Opéra de Bordeaux. À l’issue d’une des représentations, le danseur espagnol Alvaro Rodríguez Piñera a été nommé
soliste de la compagnie.
Sonia Schoonejans
The Forsythe Company
Siegal, la danse et
l’architecture
Civic Mimic – chor. Richard Siegal, mus.
Hubert Machnik
Dresde, Festspielhaus Hellerau
Dans le bâtiment historique de la
Festspielhaus Hellerau de Dresde, The
Forsythe Company a présenté Civic Mimic
de l’Américain Richard Siegal, avec
l’”architecture” de R&Sie(n) Architects (un
cabinet fondé à Paris en 1989 par François
Ballet de l’Opéra de Bordeaux: “Carmina Burana”, c. Mauricio
Wainrot (ph. S. Colomyes)
sionista, alla quale si aggiunge una grande
musicalità, fa di Wainrot un coreografo molto
originale la cui inventiva coreografica si rinnova sempre.
Non può che sentirsi a suo agio sulla musica assai ritmata del compositore tedesco Carl
Orff che creò nel 1937 i suoi celebri Carmina
Burana a partire da manoscritti del XIII secolo ritrovati in un monastero. Mauricio Wainrot
libera la forza drammatica di questa composizione corale, alterna sensualità e spiritualità
e coinvolge i danzatori in uno spettacolo che
necessita di un impegno totale. Questa visione dei Carmina Burana, creati dieci anni fa
per il Balletto Reale delle Fiandre, ha mantenuto tutta la sua forza.
Sonia Schoonejans
Siegal, la danza e
l’architettura
Civic Mimic – cor. Richard Siegal, mus.
Hubert Machnik
Dresda, Festspielhaus Hellerau
53
and studied with Eda Aisemberg, a pupil of
Mary Wigman. His dual background, classical and Expressionistic, to which a great
musicianship is added, makes Wainrot a highly
original choreographer, whose choreographic
inventiveness is constantly renewed.
He cannot but feel at ease with the strongly
rhythmic music of German composer Carl
Orff’s celebrated Carmina Burana (1937),
based on 13th manuscripts found in a monastery. Mauricio Wainrot releases the dramatic
force of this choral music, alternates sensuality and spirituality and involves his dancers
in a performance that demands total commitment. This version of Carmina Burana, created ten years ago for the Royal Ballet of Flanders, has preserved all its powerfulness.
Sonia Schoonejans
Siegal, dance and
architecture
Civic Mimic – chor. Richard Siegal, mus.
Hubert Machnik
Roche) et la musique live du compositeur et
guitariste Hubert Machnik.
Siegal, un ex forsythien, fondateur (en 2005)
et directeur de “The Bakery Paris-Berlin”, a
suscité un certain intérêt avec ses pièces primées en Allemagne et aux États-Unis, comprenant souvent des performances et des musiques live. Il a ainsi collaboré avec des
musiciens tels qu’Alberto Posadas
(Glossopoeia).
Le thème qui l’a inspiré maintenant est celui
de l’interrelation sociale de l’individu (le
corps) avec l’”espace” (l’architecture), sur la
base d’un conditionnement. C’est-à-dire dans
quelle mesure la “mimique” du corps humain
peut créer des signes dans l’espace et dans
une communauté déterminée. C’est pourquoi
la collaboration avec François Roche se révèle assez importante. La structure architecturale consiste en une longue estrade blanche à divers niveaux, soutenue par des
montants métalliques: les danseurs y évoluent
dessus, dessous et tout autour.
Le but de la performance, c’est de faire
comprendre comment un milieu clos au contact
avec d’étrangers développe des formes subtiles de communication corporelle. Les cinq
danseurs (Kenneth Flak, Caroline Geiger,
Francesca Mattavelli, Külli Roosna, Camille
Revol et Paula Sánchez) déploient, pendant
plus d’une heure et dix minutes, une grande
énergie; ils bougent sans cesse, dans une excitation continuelle, nourrie par la musique
qui change selon la circonstance. Les constructions plastiques produisent des effets différents; tantôt c’est le plié qui l’emporte, tantôt
les extensions poussées jusqu’à une certaine
limite ou les gestes surprenants. Le spectateur demeure en suspens.
Nello storico edificio della Festspielhaus
Hellerau di Dresda, The Forsythe Company
ha presentato Civic Mimic dell’americano
Richard Siegal, con l’”architettura” di
R&Sie(n) Architects (uno studio fondato a
Parigi nel 1989 da François Roche) e la
musica dal vivo del compositore e chitarrista Hubert Machnik.
Siegal, un ex forsythiano, fondatore (nel
2005) e direttore di “The Bakery ParisBerlin”, è stato oggetto di attenzione per
alcuni suoi lavori premiati in Germania e
negli Stati Uniti e che comprendono spesso performances e musica dal vivo. È così
che ha collaborato con musicisti come Alberto Posadas (Glossopoeia).
Il tema che lo ha ispirato ora è quello
dell’interrelazione sociale dell’individuo (il
corpo) con lo “spazio” (l’architettura), sulla
base di un condizionamento. Ovvero come
la “mimica” del corpo umano possa creare
segni nello spazio e in una comunità determinati. Ecco che la collaborazione con
François Roche si rivela piuttosto importante. La struttura architettonica consiste
in una lunga pedana bianca ad altezze diverse, sostenuta da paletti di metallo, sopra, sotto e intorno alla quale evolvono i
danzatori.
L’obiettivo della performance è di far
comprendere come in un ambiente chiuso
al contatto con estranei si sviluppino delle
forme sottili di comunicazione corporea. I
cinque danzatori (Kenneth Flak, Caroline
Geiger, Francesca Mattavelli, Külli Roosna,
Camille Revol e Paula Sánchez) dispiegano,
per più di un’ora e dieci minuti, grande
energia; si muovono senza posa, in un’eccitazione continua, alimentata dalla musi-
Dresden (Germany), Festspielhaus Hellerau
In the historical building of Festspielhaus
Hellerau in Dresden, The Forsythe Company
presented Civic Mimic by American Richard Siegal, with “architecture” by R&Sie(n)
Architects (a studio founded in Paris in 1989
by François Roche) and live music by composer and guitarist Hubert Machnik.
Siegal, a former Forsythe disciple, founder
(in 2005) and director of “The Bakery ParisBerlin”, gained consideration for some of
his works, which received awards in Germany and in the United States. They often
feature live music which is how he came to
collaborate with musicians such as Alberto
Posadas (Glossopoeia).
The theme that has inspired him now is
that of the individual’s social interaction with
“space”, also seen as the body’s interaction
with architecture, on the basis of conditioning. Which means how the “mimic” of the
human body creates signs in a given space
or community. So the collaboration with
François Roche takes on a certain importance. The architectural structure consists
in a long white podium at different levels,
supported by metal pegs: dancers dance over,
under and around it.
The purpose of the performance is to make
the spectator understand how subtle forms
of bodily communication develop when we
come into contact with strangers in a closed
space. The five dancers (Kenneth Flak,
Caroline Geiger, Francesca Mattavelli, Külli
Roosna, Camille Revol and Paula Sánchez)
display great energy for more than an hour
and ten minutes; they dance non-stop in a
constant state of excitement fuelled by a
Francesca Mattavelli – The Forsythe Company: “Civic Mimic”, c. Richard Siegal (ph. S. Dittrich)
Centr
o Internazionale di Danza
Centro
Toni Candelor
o
Candeloro
A Lecce, una nuova realtà nel Sud d’Italia. Nuova, ma
fondata sull’esperienza di Toni Candeloro, uno dei più
noti artisti italiani nel mondo della danza, e legata
all’attività professionale del suo Balletto di Puglia.
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Ginnastica correttiva, fisioterapia applicata alla danza.
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Eventi: spettacoli, stages, mostre, incontri.
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54
Il est clair que Siegal sait ficeler une œuvre
– qu’elle soit “performative” ou non – et
qui ne laisse pas indifférents. Les interprètes savent insuffler aux spectateurs l’énergie qu’ils dégagent dans une sorte d’osmose.
C’est une pièce “optimiste”, positive, qui
exprime ses intentions théoriques par le mouvement. Ce qui ne déplaît pas de nos jours,
où beaucoup de chorégraphes ne tablent que
sur la “pensée”.
Siegal semble vouloir dire que la “réflexion” (dans ce cas celle architecturale,
bien que prévisible étant donné que l’espace
est un élément partagé entre danse et architecture) n’est pas en contraste avec la “danse
pure”. Danse qui se nourrit ici de références classiques et de la chorégraphie des années 1970.
On peut voir et apprécier Civic Mimic
comme une pièce abstraite, sans avoir besoin d’une explication conceptuelle, ni même
de son titre-référence: “mimique civique”.
Isis Wirth
Ballet Kirov du Théâtre
Mariinsky de Saint-Pétersbourg
Bayadère impériale
La Bayadère – chor. Marius Petipa, mus.
Ludwig Minkus
Turin (Italie), Teatro Regio
En automne, le Ballet Kirov du Théâtre
Mariinsky de Saint-Pétersbourg a présenté
au Teatro Regio de Turin trois programmes.
À la grande compagnie russe nous avons consacré la couverture et l’article principal du
numéro de septembre de notre revue, lors
de sa tournée à Londres et à Turin. Cela vaut
la peine de rendre compte au moins de La
Bayadère.
Il s’agit de la version chorégraphique en
trois actes (sans la scène finale de l’écroulement du temple) de Vladimir Ponomarev
et Vatchtang Tchaboukiani de 1941, avec
des ajouts de Konstantine Sergueev et Nikolaï
Zoubovsky. Il suffit de lire la liste de tous
ces noms pour comprendre que cette Bayadère a trouvé au fil du temps sa forme définitive pour entrer au grand répertoire, qui
doit être connu, vu et revu, pour en apprécier les valeurs esthétiques.
La possibilité de bénéficier de La Bayadère dans l’interprétation d’une compagnie
prestigieuse comme celle du Théâtre
Mariinsky ne fait qu’augmenter notre plaisir. Tout d’abord pour son corps de ballet
féminin impeccable, voire sublime dans l’acte
des ombres, les 32 créatures “clonées” d’une
rare perfection et même émouvantes dans
la répétition hypnotique de l’arabesque penchée qui les conduit vers Solor, l’homme
que se disputent la bayadère Nikya et la fille
du Rajah Gamzatti, qui fait tuer sa rivale.
C’est pourquoi Solor, brisé par la douleur,
s’adonne à l’opium et voit se multiplier sa
bayadère.
Quelle expérience que d’admirer Oulyana
ca che varia a seconda della situazione. Le
costruzioni plastiche possono essere ad effetto o più posate; a volte predomina il plié,
altre le estensioni portate a un certo limite
o i gesti sorprendenti. Lo spettatore resta
in bilico.
È chiaro che Siegal è dotato, se non di
originalità in quanto tale, di una certa capacità di imbastire un’opera che –
“performativa” o no – non lascia indifferenti. Gli interpreti sanno infondere agli
spettatori l’energia che emanano in una sorta
di osmosi. È questo un lavoro “ottimista”,
positivo e solare, che esprime tutte le sue
intenzioni teoriche tramite il movimento.
Cosa che non dispiace oggi che molti dei
coreografi si accontentano del “pensiero”.
Siegal sembra voler dire che la “riflessione” (in questo caso quella architettonica,
per quanto prevedibile dato che lo spazio
è un tratto comune tra danza e architettura) non è in contrasto con la “danza pura”.
Danza che qui si nutre di riferimenti classici o della coreografia degli anni 70 del
secolo scorso.
Possiamo vedere e apprezzare Civic
Mimic come un lavoro astratto, senza che
sia necessaria una qualche spiegazione concettuale. E nemmeno un rinvio preciso al
suo titolo-riferimento: “mimica civica”.
Isis Wirth
Balletto Kirov del Teatro
Mariinsky di San Pietroburgo
Bayadère imperiale
La Bayadère – cor. Marius Petipa, mus.
Ludwig Minkus
Torino, Teatro Regio
Il Balletto Kirov del Teatro Mariinsky
di San Pietroburgo ha presentato al Teatro
Regio di Torino tre programmi. Vale la pena
di riferire almeno della Bayadère (di cui
pure BALLETTOOGGI ha dato conto in altre
occasioni).
Si tratta della versione coreografica in
tre atti (senza la scena finale del crollo del
tempio) di Vladimir Ponomarev e Vachtang
Ciabukiani del 1941, con l’inserimento di
danze di Konstantin Sergheyev e Nikolai
Zubovsky. Basta già la lista di tanti nomi
a chiarire che questa Bayadère si è “stabilizzata” nel tempo in questa sua forma come
titolo di grande repertorio, che va conosciuto, visto e rivisto, per comprenderne
appieno i valori estetici.
La possibilità di godersi La Bayadère con
una compagnia di lusso come quella del
Teatro Mariinsky rafforza il piacere. Anzitutto per il suo corpo di ballo femminile
impeccabile, sublime nell’atto delle ombre,
le 32 creature “clonate” di rara perfezione, persino commoventi, nella ripetizione
ipnotica dell’arabesque penchée che le conduce a Solor, conteso tra la baiadera Nikya
e la figlia del Rajah Gamzatti, la quale fa
uccidere la sua rivale. Ecco perché Solor,
56
music that changes according to the situation. The plastic movements are either emphatic or calmer; at times pliés are predominating, at times extensions are pushed to a
certain limit or else there are startling gestures. The spectator is left hanging on.
It is plain that Siegal is gifted, if not with
originality per se, with a certain ability to
build a work that – whether a true performance or not – does not leave one unmoved.
The interpreters manage to infuse their energy into the audience, through a kind of osmosis. This is an “optimistic” work, positive
and luminous, which expresses all theoretical intentions through movement. Something
most welcome today when most choreographers are satisfied with mere “thought”.
Siegal seems to declare that “reflection”
(in this case on architecture, much as one
should expect that, since space is an element shared both by dance and architecture)
is not in contrast with “pure dance”. Here
dance feeds either on ballet or on the choreography of the 1970’s.
We can see and appreciate Civic Mimic
as an abstract work, without needing any
explanation of the concept, nor of its symbolic title: “civic mimic”.
Isis Wirth
Kirov Ballet of the Mariinsky
Theatre, St. Petersburg
Imperial Bayadère
La Bayadère – chor. Marius Petipa, mus.
Ludwig Minkus
Turin (Italy), Teatro Regio
The Kirov Ballet of the Mariinsky Theatre
in St. Petersburg presented three programmes
at the Teatro Regio in Turin. BALLET2000
devoted its September cover-story to the company on the occasion of its tour in London
and Turin. It is however worthwhile discussing at least La Bayadère one more time.
This is the 1941choreographic version in
three acts (without the final scene in which
the temple collapses) by Vladimir Ponomarev
and Vachtang Chabukiani, with the insertion
of dances by Konstantin Sergeyev and Nikolai
Zubovsky. Such a list of names suffices to
make clear that this Bayadère has been “crystallized” in time in this shape as a title of the
classical repertoire and that it must be studied, seen and seen again so that its aesthetic
values may be appreciated in full.
The opportunity of enjoying La Bayadère
performed by a high-profile company such as
that of the Mariinsky Theatre increases the
pleasure. First of all thanks to its impeccable
female corps de ballet which is sublime in the
Act of the Shadows; one sees 32 “clones” of
rare perfection; they are almost moving in the
hypnotic repetition of the arabesque penchée
which leads them to Solor – the hero over whom
temple dancer Nikiya and Gamzatti the Rajah’s daughter were in competition – the latter having had her rival killed. This is why
Ulyana Lopatkina – Mariinsky-Kirov Ballet: “La Bayadère”,
c. Marius Petipa (ph. N. Razina)
Lopatkina dans le rôle de Nikya, au lyrisme
puissant et à la technique sans tache, consciente comme elle l’est qu’une grande ballerine “doit” être une Diva tout au long du
spectacle.
La Gamzatti de Viktoria Tereshkina est
belle, mais sans plus. Dans le rôle de Solor,
Danil Korsuncev est correct, sûr de lui et
attentif à sa partenaire. Le fakir Magdaveya
est le brillantissime Grigori Popov; l’idole
doré de Filip Stepin l’est un peu moins. Les
solistes de la danse des bayadères et des danses indiennes sont magnifiques, sans oublier
les trois Ombres du IIIe acte, Anastasia
Nikitina, Maria Sirinkina et Oksana Skoryk.
Et l’ensemble est un festival de couleurs pour
les yeux.
Mariinsky-Kirov Ballet: “La Bayadère”, c. Marius Petipa (ph. N. Razina)
affranto, si dà all’oppio e vede la sua
baiadera moltiplicata.
E qui ammirare Uliana Lopatkina nel ruolo di Nikya è un’esperienza a sé, per la forza
convinta del suo lirismo, accompagnato da
una tecnica senza macchia immersa nell’estrema consapevolezza che una grande
ballerina “deve” essere una Diva, in ogni
istante del suo stare in scena.
La Gamzatti di Viktoria Tereshkina è bella
e necessaria nella costruzione della vicenda, come dev’essere e nulla di più. Il Solor
di Danil Korsuncev è giusto, sicuro, attento alla partner. Il fachiro Magdaveya è il
brillantissimo Grigori Popov; l’idolo d’oro
di Filip Stepin lo è un po’ meno. Ma l’insieme è una festa di colore per gli occhi e
57
Solor, overcome with grief, smokes opium and
has a multiple vision of his bayadère.
Here admiration for Uliana Lopatkina as
Nikiya is a special experience, because of the
convincing force of her lyricism and her spotless
technique; she is immersed in the deep awareness that a great dancer “must” be a Diva every
moment she is onstage.
Viktoria Tereshkina’s Gamzatti is lovely and
instrumental to the structure of the plot – as
she must be, nothing more. Danil Korsuncev’s
Solor is right: secure and attentive to his partner. Magdaveya the Brahmin is danced by the
extremely brilliant Grigori Popov; Filip Stepin
as the Golden Idol is a bit less so. But altogether this is a colourful feast to the eye and
a joy thanks to so much good and true danc-
C’est la démonstration que l’esprit maison de Saint-Pétersbourg maintient et renforce son image resplendissante et sa suprématie dans l’univers d’un classicisme qui
enchante, respectant la tradition tout en
s’ouvrant à notre époque.
Marco Berrettini
Rencontres spatiales…
Sì, viaggiare – idée et chorégraphie Marco
Berrettini, son Marco Berrettini, Samuel
Pajand
Paris, Théâtre de la Bastille (Festival
d’Automne)
Après plusieurs années de silence qui suivirent l’échec en 2004 de sa pièce No
paraderan, voici que Marco Berrettini revient en force dans le panorama chorégraphique contemporain. Ce chorégraphe italien, passé par la London School of
Contemporary Dance, puis diplômé de la
Folkwangschule de Essen (sous la direction
de Pina Bausch et de Hans Züllig), grand
lecteur du philosophe allemand Peter
Sloterdijck, se passionne pour toutes les formes de l’altérité, notamment celles induites par l’usage d’internet.
Dans Sì, viaggiare (“Oui, voyager”) créé
cet été à Vienne lors du Festival Impulstanz,
ils sont neuf danseurs, habillés en cosmonautes, juchés sur le toit d’une soucoupe volante,
qui vont pendant une heure et demie, déployer
la question de la rencontre avec l’autre, thème
depuis quelque temps récurrent dans l’œuvre
de Berrettini.
Lors de la préparation de Sì, viaggiare,
Berrettini a passé plus de six mois sur des
sites de rencontre, des blogs de discussion,
des réseaux sociaux, recueillant un matériau
considérable qu’il ajoute à certains concepts
de Sloterdijck comme celui de “l’accompagnateur” soumis à ses danseurs afin qu’ils
soient expérimentés.
Sur scène, les rencontres vont se construire
entre les neuf personnages jetés sur une planète inconnue, étrangers les uns aux autres,
en suivant des combinatoires diverses. Leur
visage, dissimulé sous le casque, ne peut rien
exprimer et laisse toute latitude au corps dont
le moindre geste acquiert une importance
énorme. Le style est sobre voire minimaliste
mais intriguant. Sì, viaggiare, s’il emprunte
son titre à une chanson de l’Italien Lucio
Battisti, fait davantage référence à un souvenir d’enfance de Berrettini lié à l’envoi dans
l’espace d’une sonde supposée rentrer en contact avec des extra-terrestres. Elle s’appelait
“Voyager” et relevait de la Nasa. Rencontre
improbable….
En revanche, celle de Berrettini avec son
public a réussi cette fois, tant il est capable
de créer une atmosphère avec presque rien,
un rien qui flotte dans l’air et nous poursuit
avec insistance.
Sonia Schoonejans
una gioia per tanta buona e vera danza e
tante magnifiche ballerine nei ruoli solistici,
per le danze delle baiadere e per quelle indiane, senza dimenticare le tre Ombre del
terzo atto, Anastasia Nikitina, Maria
Sirinkina e Oksana Skoryk.
È la dimostrazione che la “fabbrica”
pietroburghese mantiene e consolida il suo
smalto splendente e il suo primato nell’universo di un classicismo che incanta, nel rispetto della tradizione e insieme nello spirito di oggi.
Marco Berrettini
Incontri spaziali
Sì, viaggiare – cor. Marco Berrettini, suono Marco Berrettini, Samuel Pajand
Parigi, Théâtre de la Bastille (Festival
d’Automne)
Dopo alcuni anni d’assenza, che hanno
fatto seguito all’insuccesso nel 2004 della
sua pièce No paraderan, ecco Marco
Berrettini ritornare in forze nel panorama
coreografico. Questo coreografo italiano,
formatosi alla London School of
Contemporary Dance, diplomato della
Folkwangschule di Essen (diretta allora da
Pina Bausch e Hans Züllig), grande lettore
del filosofo tedesco Peter Sloterdijck, s’interessa a tutte le forme di alterità, in particolare a quelle create da internet.
In Sì, viaggiare, creato quest’estate a
Vienna nell’ambito del Festival Impulstanz,
si esibiscono nove danzatori, vestiti da cosmonauti, sul tetto di un disco volante; il
tema dello spettacolo, della durata di un’ora
e mezza, è appunto l’incontro con l’altro.
Durante la preparazione di Sì, viaggiare, Berrettini ha passato più di sei mesi sui
siti di incontri, sui blogs e i social networks,
raccogliendo un materiale considerevole a
cui ha aggiunto alcuni concetti di
Sloterdijck.
In scena hanno luogo gli incontri tra i
nove personaggi atterrati su un pianeta sconosciuto, estranei gli uni agli altri, secondo combinazioni diverse. Il viso, nascosto
sotto i caschi, è privato della sua espressione che passa così al corpo; ogni minimo gesto acquista dunque una grande importanza. Lo stile è sobrio, anzi minimalista,
ma affascinante. Sì, viaggiare, che prende
in prestito il titolo da una canzone di Lucio
Battisti, è più legato in verità a un ricordo
d’infanzia di Berrettini: l’invio di una sonda
nello spazio che avrebbe dovuto entrare in
contatto con gli extraterrestri. La sonda si
chiamava “Voyager”. Incontro improbabile….
Invece, quello di Berrettini con il suo pubblico questa volta ha avuto successo. Il coreografo sa infatti creare un’atmosfera senza
quasi nulla, un nulla che aleggia nell’aria
e che seguiamo senza staccare lo sguardo.
Sonia Schoonejans
58
ing and so many magnificent girls in the solo
parts, the Indian and the bayadères’ dances.
And we must not forget the three Shadows in
the third Act, Anastasia Nikitina, Maria
Sirinkina and Oksana Skoryk.
Here is the proof that the St. Petersburg
“powerhouse” is keeping up and indeed consolidating its shining aura and supremacy in
the universe of classical ballet: enchanting, in
full of respect both for tradition and for today’s spirit.
Marco Berrettini
Encounters in space
Sì, viaggiare – chor. Marco Berrettini, sound
Marco Berrettini, Samuel Pajand
Paris, Théâtre de la Bastille (Festival
d’Automne)
After a few years’ absence following the
flop of his pièce No paraderan in 2004, Marco
Berrettini is back on the choreographic scene
with a vengeance. This Italian choreographer,
who studied at the London School of Contemporary Dance and got his diploma at the
Folkwangschule in Essen (at that time directed
by Pina Bausch and Hans Züllig), is a great
reader of German philosopher Peter Sloterdijck
and is interested in all forms of ‘otherness’,
particularly those created by Internet.
In Sì, viaggiare (“Yes, travelling”), created
last summer in Vienna at the Festival
Impulstanz, nine male dancers dressed as astronauts perform on the roof of a flying saucer: the theme of the work, lasting one and a
half hours, is the encounter with the other.
During the preparation of Sì, viaggiare,
Berrettini spent more than six months studying chat lines, blogs and social networks, collecting considerable material to which he added
some notions of Sloterdijck’s such as the one
of the “accompanist” who is subordinated to
the dancers in order to make them savvier.
On stage one sees the encounters of the nine
characters who have landed on an unknown
planet; they are strangers to one other, according
to different combinations. Faces are hidden
under helmets and are therefore devoid of expression; this is left to the body, the slightest
gesture thus acquiring great importance.
The style is bare, indeed minimalist, but fascinating. Sì, viaggiare borrows its title from a
song by (Italian pop singer) Lucio Battisti but
is in fact connected to a childhood memory
of Berrettini’s: the launch into outer space of
a probe that was to make contact with alien
races. The space probe was called “Voyager”.
An unlikely encounter…
But Berrettini’s own encounter with his audience was successful this time. This choreographer knows how to create an atmosphere
out of almost nothing: a nothing that floats in
the air and that we follow with persistence.
Sonia Schoonejans
M u l t i M ed i a
Yvette Chauviré, Erik Bruhn: “Giselle”,
1964 (ph. Serge Lido)
Cinéma
Cinema
Cinema
Les rendez-vous avec le ballet dans des
centaines de cinémas d’Europe et d’Amérique se poursuivent (le projet est dû à la société Pathé Live; voir le site
www.pathelive.com pour la liste des cinémas en France).
Le 11 mars, du Théâtre Bolchoï de Moscou on retransmettra en direct Le Corsaire:
ce ballet, d’origine française (créé en 1856
par Joseph Mazilier sur la musique d’Adolphe Adam) et réélaboré par la suite plusieurs
fois en Russie par Marius Petipa avec des
ajouts musicaux d’autres compositeurs, est
ici présenté dans la version chorégraphique
montée en 2007 par Alexeï Ratmansky et
Youri Bourlaka précisément pour la grande
compagnie moscovite.
Le 29 avril, toujours du Théâtre Bolchoï,
suivra Le Clair Ruisseau de Ratmansky luimême, qui en 2003 a recréé ce titre du ballet
soviétique sur la musique de Dmitri Chostakovitch (à l’origine il fut créé en 1935 par
Fedor Lopukhov, mais la chorégraphie originale a été perdue).
Continuano gli appuntamenti con il balletto in centinaia di cinema d’Europa e d’America, prodotti dalla società francese Pathé Live
(vedi il sito web www.pathelive.com, e per la
lista dei cinema italiani: www.
nexondigital.com).
L’11 marzo in diretta dal Teatro Bolshoi di
Mosca sarà trasmesso Le Corsaire: questo balletto d’origine francese (creato nel 1856 da
Joseph Mazilier sulla musica di Adolphe Adam)
e rielaborato poi più volte in Russia da Marius
Petipa con aggiunte musicali di altri compositori, è qui presentato nella versione coreografica firmata nel 2007 da Alexei Ratmansky e
Yuri Burlaka proprio per la grande compagnia
moscovita.
Seguirà il 29 aprile, sempre dal Teatro Bolshoi,
Il limpido ruscello dello stesso Ratmansky, che
nel 2003 ha ricreato questo titolo del balletto
sovietico sulla musica di Dmitri Shostakovich
(all’origine fu creato nel 1935 da Fedor
Lopukhov, ma la coreografia originaria è andata perduta).
The appointments with ballet in hundreds
of cinemas in Europe and USA. continue,
thanks to French company Pathé Live (see
website www.pathelive.com).
On March 11 Le Corsaire will be relayed
live from the Bolshoi Theatre in Moscow: this
ballet of French origin (created by Joseph
Mazilier to Adolphe Adam’s music in 1856)
and re-worked a number of time by Marius
Petipa in Russia, with additions by other composers, is presented here in the choreographic
version that Alexei Ratmansky and Yuri
Burlaka made specially for the great Muscovite company in 2007.
On April 29, again from the Bolshoi Theatre, Ratmansky’s The Bright Stream will be
shown; he recreated this Soviet ballet to music by Dmitri Shostakovich in 2003. (The
Bright Stream was created originally by Fedor
Lopukhov in 1853, but the original choreography is lost).
DVD
Delouche ou le témoin des
générations
Étoiles pour l’exemple – par Dominique
Delouche – Doriane Films
BALLET2000 a rendu compte au cours des
années des DVD de la série “Étoiles pour
l’exemple” de Dominique Delouche; le dernier, Balanchine in Paris, sorti il y a quelques mois, a été présenté dans le numéro 222.
La Doriane Films a commercialisé maintenant un coffret de six DVD rassemblant les
films qui composent cette heureuse “collection”.
Amoureux du ballet, le réalisateur Dominique Delouche (80 ans) commença à tourner ses court-métrages sur la danse dès 1960,
avec des étoiles de la scène chorégraphique
française: on se souvient du Spectre de la
danse avec Nina Vyroubova, Serge Lifar,
Attilio Labis et Serge Golovine, d’Aurore avec
Rosella Hightower et d’Autour de la Sylphide
avec Ghislaine Thesmar (qui figurent, avec
plusieurs autres, comme “bonus” des six
DVD). Dès la fin des années 1980, Delouche
– qui entretemps avait gagné l’appellation de
“cinéaste de la danse” – se mit à travailler à
cette série, consacrée au récit de la vie et de
la carrière des grandes personnalités du ballet qui servent d’exemple aux jeunes générations et à celles à venir. Il s’agit (en ordre)
d’Ekaterina Maximova et Vladimir Vassiliev,
Maïa Plissetskaïa, Yvette Chauviré, Nina
Vyroubova, Monique Loudières, Serge Peretti,
Violette Verdy, Alicia Markova, Serge Lifar et George Balanchine.
DVD
Delouche: nel solco delle
generazioni
Étoiles pour l’exemple – di Dominique Delouche
– Doriane Films (in francese e in inglese)
BALLETTOOGGI ha reso conto negli anni
dei DVD della serie “Étoiles pour l’exemple”
di Dominique Delouche; l’ultimo, Balanchine
in Paris, uscito pochi mesi fa, è stato recensito
sul numero 222. La Doriane Films ha messo
ora sul mercato un cofanetto di sei DVD che
raccoglie i filmati di cui si compone questa fortunata “collezione”.
Innamorato del balletto, il regista Dominique
Delouche (80 anni) cominciò a girare
cortometraggi sulla danza fin dal 1960, con
étoiles della scena coreografica francese: si ricordano Le Spectre de la danse con Nina
Vyroubova, Serge Lifar, Attilio Labis e Serge
Golovine, Aurore con Rosella Hightower e
Autour de la Sylphide con Ghislaine Thesmar
(che figurano, con vari altri, tra i “bonus” dei
sei DVD). Dalla fine degli anni 80, Delouche
– che nel mentre si era conquistato l’appellativo di “cinéaste de la danse” – prese a lavorare
a questa serie, dedicata al racconto della vita e
della carriera di grandi personalità del balletto
che sono da esempio per le giovani generazioni e per quelle a venire. Sono (in ordine)
Ekaterina Maximova e Vladimir Vassiliev, Maya
Plissetskaya, Yvette Chauviré, Nina Vyroubova,
Monique Loudières, Serge Peretti, Violette
Verdy, Alicia Markova, Serge Lifar e George
Balanchine.
A caratterizzare questi film non sono tanto
le immagini d’epoca (per altro scarse), ma le
interviste agli stessi personaggi (quando possi-
60
DVD
Delouche: the trail of
generations
Étoiles pour l’exemple – by Dominique
Delouche – Doriane Films (in French and
English)
BALLET2000 has regularly reported, in this
DVD era, about the Dominique Delouche series “Étoiles pour l’exemple”; the lastest release, a few months ago, Balanchine in Paris,
was reviewed in issue No. 222. Doriane Films
has just published a boxed set of 6 DVDs containing all the films that make up this successful collection.
In love with ballet, producer Dominique
Delouche (80) started making short films on
dance as far back as 1960, with étoiles of the
French stage: one remembers Le Spectre de
la danse with Nina Vyroubova, Serge Lifar,
Attilio Labis and Serge Golovine, Aurore with
Rosella Hightower and Autour de la Sylphide
with Ghislaine Thesmar (which are featured,
among others, in the bonuses of the 6 DVDs).
At the end of the ‘Eighties Delouche – who
meanwhile had acquired the nickname of
“cinéaste de la danse” – began working on
this series which is devoted to narrating the
life and career of great ballet stars, an example to the new generations and to those to come.
They are (in this order) Ekaterina Maximova
and Vladimir Vasiliev, Maya Plisetskaya,
Yvette Chauviré, Nina Vyroubova, Monique
Loudières, Serge Peretti, Violette Verdy, Alicia
Markova, Serge Lifar and George Balanchine.
What makes these films remarkable are not
so much the period pictures (sparse, by the
way), but the interviews with these celebrities (whenever possible) or with those who
knew them (which considerably lengthens the
Ce ne sont pas les images de l’époque (très
rares) qui caractérisent ces films, mais plutôt les interviews des protagonistes eux-mêmes (quand c’est possible) ou d’autres qui
les ont connus (ce qui enrichit pas mal la liste
des personnalités présentes dans le film). Mais
Delouche s’intéresse surtout à transmettre le
savoir de la danse; ce sont donc les longues
séances de coaching qui l’emportent: ici, les
artistes des générations passées apprennent
aux jeunes danseurs les rôles dans lesquels
ils ont brillé (rôles créés souvent sur euxmêmes), afin d’en travailler l’interprétation
et les détails de style.
On y trouve des anecdotes curieuses, les
manies et tempéraments de personnalités extraordinaires, des aperçus fascinants de la vie
d’artiste, capables de séduire les passionnés
de tous âges. Une pièce de collection, incontournable.
Cristiano Merlo
Web
De Keersmaeker contre
Beyoncé
C’est le scandale du moment: la diatribe
autour du plagiat qui oppose Anne Teresa
De Keersmaeker à Beyoncé qui aurait copié
ses chorégraphies.
Sur YouTube, on met en parallèle
Countdown de la pop star avec les séquences de la compagnie Rosas dirigée par De
Keersmaeker. Qu’en dire? Est-il regrettable
que dans un clip musical destiné à la consommation de masse on commence à employer
un matériau chorégraphique et esthétique différent de celui habituel, même si cela implique un “vol”? Il n’y a qu’à écouter ce que
dit la victime de ces danses “volées”.
«Comme beaucoup de gens – dit
Keersmaeker – je suis resté pantoise quand
j’ai reçu par Facebook un message qui me
communiquait que deux des mes chorégraphies – Rosas danst Rosas (1983) et
Achterland (1990) – apparaissaient dans le
nouveau vidéoclip de Beyoncé, Countdown.
On m’a demandé si j’étais en train de vendre la compagnie Rosas au circuit commercial… Quant j’ai vu la vidéo en question, je
suis restée ébahie, non seulement à cause de
la ressemblance avec les mouvements de
Rosas danst Rosas, mais aussi avec les costumes, les décors et la réalisation du film de
Thierry De Mey… Les gens m’ont demandé
si j’étais fâchée ou flattée. D’un côté, je suis
heureuse que Rosas danst Rosas puisse atteindre ainsi – peut-être – un public de masse
qu’un tel spectacle de danse n’aurait jamais
pu connaître (bien que Rosas soit célèbre dans
le monde de la danse depuis les années 80).
bile) o ad altri che li hanno conosciuti (allungando così di molto la lista delle personalità
presenti nei film). Ma, poiché Delouche è interessato soprattutto alla trasmissione del sapere
di danza, sono le lunghe sedute di coaching a
imporsi: quelle in cui gli artisti delle generazioni passate insegnano ai giovani danzatori i
ruoli nei quali hanno brillato (ruoli spesso creati proprio su di loro), soffermandosi sull’interpretazione, sulla cura dello stile e dei dettagli.
Ne emergono aneddoti curiosi, vezzi e caratteri di personalità straordinarie, scorci affascinanti di vita d’artista, capaci di sedurre gli
appassionati di ogni età. Un pezzo da collezione, irrinunciabile.
Cristiano Merlo
list of those who appear in these films). However, since Delouche is mainly interested in
transmitting dance knowledge, the salient moments are the long coaching sessions: where
artists of the past generations teach young dancers the roles in which they shone in their day
(roles they themself often created), lingering
on interpretation, attention to style and details.
Thus we find here curious anecdotes, along
with the whims and tempers of extraordinary
celebrities, fascinating glimpses of artists’ lives,
that will seduce fans of every age. A collector’s item, not to be missed.
Cristiano Merlo
Web
De Keersmaeker versus Beyoncé
De Keersmaeker contro
Beyoncé
È lo scandalo del momento: la diatriba per
plagio di Anne Teresa De Keersmaeker contro
Beyoncé che avrebbe copiato la sua coreografia.
Su YouTube, si vedono a confronto
Countdown della pop star e le sequenze del gruppo Rosas diretto dalla De Keersmaeker. Che
dire? È un male che in un clip musicale destinato al consumo di massa si cominci a usare
qualche materiale coreografico ed estetico diverso dal solito, anche a costo di un “furto”?
Ad ogni modo, sentiamo che cosa dice la vittima delle danze “rubate”.
61
Web
It is the scandal of the day: Anne Teresa
De Keersmaeker accuses Beyoncé of plagiarism, of copying her choreography.
On YouTube, one can juxtapose the pop
star’s Countdown with footage of the Rosas
group directed by De Keersmaeker. What can
one say? Is it an evil when in a musical clip
for mass enjoyment unusual choreographic and
aesthetic material begins to be employed, even
at the cost of a “theft”? In any case, let us
hear what the victim of the “stolen” dance has
to say.
“Like so many people, I was extremely surprised when I got a message through Facebook
about the special appearance of my two choreographies – Rosas danst Rosas (1983) and
Achterland (1990) in Beyoncé’s new videoclip
Et Beyoncé n’est certes pas le pire des
émulatrices, elle chante et danse très bien et
avec bon goût! D’un autre côté, il y a des
règles et des conséquences pour ce genre d’actions, et je ne peut pas croire qu’elle ou ses
collaborateurs n’en soient pas conscients. En
conclusion, l’épisode ne m’a pas énervée, au
contraire, il m’a fait réfléchir sur certaines
choses. Par exemple, pourquoi faut-il que la
culture populaire ait besoin d’une trentaine
d’années pour reconnaître le travail expérimental en danse?... Et que dit-elle à propos
de Rosas danst Rosas? Dans les années 1980,
la pièce fut considérée comme une affirmation du pouvoir féminin, une prise de position sur la sexualité des femmes. On m’a souvent demandé si c’était une pièce féministe.
Maintenant que je la voit dansée par Beyoncé,
je la trouve agréable mais je n’y vois rien de
tout cela. Elle reste séduisante au sens commercial du terme, comme peut l’être un
entertainment».
De son côté, Beyonce admet que quelques
séquences de son Countdown ont été inspirées de la pièce de la chorégraphe belge mais
Anne Teresa De Keersmaeker parle de plagiat pur et simple, Beyoncé ne l’ayant jamais contactée pour lui demander son autorisation.
Installations à Cannes. Le Festival de
Danse de Cannes, placé cette année sous la
direction de Frédéric Flamand, depuis toujours pionnier de la réflexion sur le rapport
entre danse et nouvelles technologies, a complété sa programmation de spectacles (v.
comptes rendus) avec deux installations.
Sur le site des chorégraphes Nicole et Norbert Corsino (www.nncorsino.com), on peut
trouver des informations sur Mues, qui numérise les mouvements lents, essentiels, de
deux danseuses rendues abstraites, projetées
sur de nombreux écrans, certains en interaction avec les déplacements du visiteur. Voici
la description donnée par les deux auteurs:
“Une chorégraphie des corps nus s’exprime
jusqu’à l’épuisement du mouvement. Tout se
meut à une vitesse à peine perceptible, à la
frontière de la photographie et de la peinture
et laisse apparaître une transformation lente
du corps-paysage”.
Un titre fleuve par contre que celui de l’installation du vidéaste, plasticien et musicien
“Come molti sono rimasta davvero sorpresa
quando ho ricevuto tramite Facebook un messaggio che mi comunicava che due mie coreografie – Rosas danst Rosas (1983) e Achterland
(1990) – apparivano nel nuovo videoclip di
Beyoncé, Countdown. Mi è stato chiesto se stavo
vendendo il gruppo Rosas al circuito commerciale… Quando ho visto il video in questione,
sono rimasta di stucco non solo per la somiglianza con i movimenti di Rosas danst Rosas,
ma anche con i costumi, la scenografia e con
le riprese del film di Thierry De Mey… La
gente mi ha chiesto se sono arrabbiata o lusingata. Da un lato sono felice che Rosas danst
Rosas possa così raggiungere forse un pubblico di massa che un tale spettacolo di danza non
avrebbe mai potuto coinvolgere, nonostante sia
diventato celebre nel
mondo della danza
fin dagli anni Ottanta. E Beyoncé non
è certo la peggiore
tra gli emulatori,
canta e danza molto bene e ha buon
gusto! Dall’altro lato
ci sono delle regole
e delle conseguenze per questo genere di azioni, e non
posso credere che lei
o i suoi collaboratori non ne siano
consapevoli. Concludendo, l’episodio non mi ha fatto arrabbiare, anzi, mi ha fatto riflettere su alcune cose.
Del tipo, perché la cultura popolare ha bisogno di trent’anni per riconoscere un lavoro sperimentale di danza?... E che cosa dice sul lavoro di Rosas danst Rosas? Negli anni Ottanta,
fu considerato un’affermazione del potere femminile, una presa di posizione sulla sessualità
delle donne. Mi è spesso stato chiesto se fosse
un lavoro femminista. Ora che lo vedo danzato da Beyoncé, lo trovo piacevole ma non vedo
nulla di tutto ciò. Resta seducente in senso commerciale, come può esserlo un entertainment”.
Dal canto suo, Beyoncé ammette che alcune
sequenze di Countdown sono state ispirate al
lavoro della coreografa belga ma Anne Teresa
De Keersmaeker parla di puro plagio dato che
la Beyoncé non l’ha mai contattata per chiederle un’autorizzazione.
Installazioni a Cannes. Il Festival de Danse
de Cannes, quest’anno sotto la direzione di
Frédéric Flamand, da sempre pioniere della riflessione sul rapporto danza e nuove tecnologie, ha completato il suo programma di spettacoli (v. recensioni) con due installazioni.
Al sito dei coreografi francesi Nicole e Norbert
Corsino (www.nncorsino.com), si possono trovare notizie su Mues, “arte numerica” che
digitalizza cioè i movimenti lenti, essenziali,
di due danzatrici rese astratte, proiettate su tanti
schermi, tra cui molti a funzionamento interattivo
con gli spostamenti dei visitatori. La descrizione fornita dalla coppia di autori recita: “Una
coreografia di corpi nudi procede fino allo sfinimento del movimento. Tutto avanza a una
62
Countdown. I was asked if I were now selling
out Rosas into the commercial circuit... When I
saw the actual video, I was struck by the resemblance of Beyoncé’s clip not only with the movements from Rosas danst Rosas, but also with the
costumes, the set and even the shots from the film
by Thierry De Mey… People asked me if I’m
angry or honoured. Neither, on the one hand, I
am glad that Rosas danst Rosas can perhaps reach
a mass audience which such a dance performance could never achieve, despite its popularity
in the dance world since 1980s. And, Beyoncé is
not the worst copycat, she sings and dances very
well, and she has a good taste! On the other hand,
there are protocols and consequences to such actions, and I can’t imagine she and her team are
not aware of it. To conclude, this event didn’t
make me angry, on the contrary, it made me think
a few things. Like, why does it take popular culture thirty years to recognise an experimental work
of dance?... And, what does it say about the work
of Rosas danst Rosas? In the 1980s, this was seen
as a statement of girl power, based on assuming
a feminine stance on sexual expression. I was often asked then if it was feminist. Now that I see
Beyoncé dancing it, I find it pleasant but I don’t
see any edge to it. It’s seductive in an entertaining consumerist way”.
As to Beyoncé, she admits that a few sequences
from Countdown were inspired by the Belgian
choreographer’s work, but Anne Teresa De
Keersmaeker talks about sheer plagiarism, since
Beyoncé never contacted her to seek permission.
Installations in Cannes. The Festival de
Danse de Cannes, this year under the direction
of Frédéric Flamand, who was always a pioneer in the relationship between dance and new
technologies, completed its programme (see
reviews) with two installations.
On the website of French choreographers
Nicole
and
Norbert
Corsino
(www.nncorsino.com), one can find news about
Mues, “numeric art”: this means it digitalizes
the slow, essential movements of two women
who are abstracted and shown on several screens,
many of which are interactive with the movements of the visitors. The two authors provide
the following description: “A choreography of
naked bodies goes on and on to the exhaustion
of movement. Everything proceeds at barely
perceptible speed, on the border with photography and painting, showing a slow transformation of the body as landscape.”
The fine work of filmmaker, visual artist and
musician Thierry De Mey has a long title: From
Inside & Equi Voci-Equal Voices. Depending
on the audience’s choice – they must tread on
one of the squares of light on the floor – footage is shown of William Forsythe’s One Flat
Thing, Reproduced, with its famous large tables, or the rotations of the hip-hopper boys
from Kinshasa, or else Il Cretto di Gibellina, a
work by Alberto Burri in memory of the earthquake that destroyed a Sicilian village. The three
videos are available on YouTube.
iPad, iPhone, iKhan. The Teatro di San Carlo
in Naples has published, with an iPad application, a series of videos of its best performances. One has only to connect to iTunes and
Thierry De Mey: From Inside & Equi VociEqual Voices. À partir des choix du public –
qui doit marcher sur l’un des trois carrés de
lumière au sol – elle montre les images de One
Flat Thing, Reproduced de William Forsythe
avec ses grandes tables, ou les évolutions des
jeunes hip-hoppeurs de Kinshasa ou le Cretto
di Gibellina, œuvre de l’artiste Alberto Burri
en mémoire du tremblement de terre qui ravagea la ville sicilienne. On peut visionner les
trois vidéos sur YouTube.
iPad, iPhone, iKhan. Le Teatro di San Carlo
de Naples publie, avec une application pour
iPad, une série de vidéos de ses meilleures représentations. On peut accéder à l’AppStore pour
acheter les films en question sur iTunes. Le
site web du danseur et chorégraphe anglais
Akram Khan est élégant et tournoyant tout
comme son Kathak. Et maintenant, pour celui
qui veut connaître ses pièces et ne perdre aucune
nouveauté, on dispose d’une application pour
iPhone, l’”iKhan”. S’agit-il de l’histoire bien
connue du nouveau et de l’ancien qui, dans la
culture orientale, seraient susceptibles de cohabiter en parfaite harmonie?
Opéra multimédia. L’Opéra de Paris développe ses supports multimédia avec un compte
Twitter, twitter.com/#!/operadeparis. Grâce à
des messages concis, l’Opéra garde le lien avec
ses spectateurs internautes et les informe en
temps réel de l’actualité du Palais Garnier et
de l’Opéra Bastille. En plus, l’Opéra compte
une nouvelle page Facebook, facebook.com/
operadeparis, avec désormais plus de 17 000
fans qui peuvent commenter et partager quotidiennement articles, vidéos et photographies
exclusives de ses spectacles.
Ensuite le Site Internet de l’Opéra,
operadeparis.fr, s’est doté d’une rubrique Opéra
Vidéo qui permet aux internautes de découvrir
tout l’univers de l’Opéra à travers cinq canaux
vidéo: extraits de spectacles, rencontres avec
les artistes, répétitions, métiers de l’Opéra et
présentations des œuvres par Philippe Jordan
(directeur musical), Brigitte Lefèvre (directrice
de la danse) et Christophe Ghristi (directeur de
la dramaturgie).
Pour finir voici Mémopéra, la mémoire de
l’Opéra de Paris de 1989 à nos jours. La base
de données MEMOPERA donne accès à toutes les représentations ayant eu lieu au Palais
Garnier et à l’Opéra Bastille depuis l’ouverture. Elle permet ainsi aux amateurs d’opéra
et de ballet de retrouver tous les chanteurs,
danseurs, metteurs en scène, chorégraphes,
etc… ayant participé aux productions de
l’Opéra de Paris. Limitée pour l’heure à 1989,
cette base est destinée à remonter le temps et
à s’étendre progressivement à travers les décennies.
Livres
Michael Clark – sous la direction de Suzanne Cotter et Robert Violette – Violette Editions, 2011 (en langue anglaise)
Il s’agit d’un livre d’art, voire d’un objet
d’art, avec une couverture élégante en noir
velocità appena percettibile, al confine con la
fotografia e la pittura e mostra una lenta trasformazione del corpo-paesaggio”.
Un lungo titolo invece per il bel lavoro del
“filmmaker”, artista visivo e musicista Thierry De
Mey: From Inside & Equi Voci-Equal Voices. A
seconda della scelta del pubblico – che deve calpestare uno dei tre quadrati di luce al suolo – mostra le immagini di One Flat Thing, Reproduced
di William Forsythe con i famosi tavoloni, o le
evoluzioni dei ragazzini hip-hoppers di Kinshasa
o il Cretto di Gibellina, opera di Alberto Burri in
memoria del terremoto che devastò la città siciliana. I tre video sono disponibili su YouTube.
iPad, iPhone, iKhan. Il Teatro di San Carlo
di Napoli pubblica, con un’apposita applicazione su iPad, una collana di video sulle proprie
migliori rappresentazioni. Basta collegarsi a
iTunes per cliccare sul nodo dedicato
dell’AppStore dove acquisire i filmati in questione. Il sito web del danzatore e coreografo
inglese Akram Khan è elegante e rotante come
il suo amato Kathak. E ora, per conoscere il suo
lavoro, è disponibile anche un’applicazione per
iPhone, “iKhan”, per chi non vuol perdere nessuna notizia e novità. È la solita storia del nuovo e del vecchio che, nella cultura orientale, possono convivere in perfetta armonia?
Opéra multimediale. L’Opéra di Parigi arricchisce i suoi supporti multimediali con un
account Twitter, twitter.com/#!/operadeparis.
Tramite dei messaggi concisi, l’Opéra mantiene i contatti con i suoi spettatori internauti e li
informa in tempo reale sulla programmazione e
le attività al Palais Garnier e all’Opéra Bastille.
L’Opéra annovera anche una nuova pagina
Facebook, facebook.com/operadeparis, dove ha
ormai più di 17.000 fans che possono commentare e interagire quotidianamente.
Inoltre, il sito web dell’Opéra, operadeparis.fr,
ha una nuova voce, “Opéra Vidéo”, che permette
ai navigatori di scoprire tutto l’universo dell’Opéra
attraverso cinque canali video: estratti dagli spettacoli, incontri con gli artisti, prove, dietro le
quinte e presentazione delle opere con Philippe
Jordan (direttore musicale), Brigitte Lefèvre (direttrice della compagnia di balletto) e Christophe
Ghristi (direttore della drammaturgia).
E per finire, Mémopéra, la memoria dell’Opéra
di Parigi dal 1989 a oggi. Il data-base Mémoopéra
dà accesso ai dati di tutte le rappresentazioni
che hanno avuto luogo al Palais Garnier e
all’Opéra Bastille dalla sua apertura. Permette
così agli appassionati d’opera e balletto di ritrovare tutti i cantanti, i danzatori, i registi, i coreografi ecc. che hanno partecipato alle produzioni
dell’Opéra. Questi archivi che per ora partono
dal 1989 si arricchiranno nel tempo con i dati
delle epoche precedenti.
Libri
Michael Clark – a cura di Suzanne Cotter e Robert
Violette – Violette Editions, 2011 (in inglese)
Si tratta di un libro d’arte, di un oggetto d’arte anzi, con un’elegante copertina in bianco e
nero, 348 pagine e più di 580 illustrazioni. Vuole tracciare lo straordinario percorso di un
64
to click on the AppStore icon where one can
buy such films.
The website of British dancer and choreographer Akram Khan is elegant and rotating
like his beloved Kathak. And now, in order
to get acquainted with Khan’s work an iPhone
application, “iKhan”, is also available for those
who do not want to miss any piece of information or news. Is this the usual story of “new”
and “old” that, as Oriental culture teaches us,
can live side-by-side in harmony?
Opéra multimediale. The Paris Opéra is
enriching its multimedia structures with a
Twitter account: twitter.com/#!/operadeparis.
Through its tweets, the Opéra keeps in touch
with its web audience, providing information
about programmes and activities at the Palais
Garnier and Opéra Bastille in real time. The
Opéra has also acquired a new Facebook page,
facebook.com/operadeparis, which now has
more than 17,000 fans who can leave comments and interact daily.
Besides, the Opéra website, operadeparis.fr,
has a new entry, “Opéra Vidéo”, which enables surfers to discover the Opéra’s whole universe through five video channels: excerpts from
performances, interviews with the artists, rehearsals, backstage and introduction to operas
with Philippe Jordan (Musical Director), Brigitte
Lefèvre (Director of the Ballet Company) and
Christophe Ghristi (Director of Dramaturgy).
And there is also Mémopéra, the memory
of the Paris Opéra from 1989 to our time. The
Mémoopéra database gives access to the data
of all the performances that took place at the
Palais Garnier and at the Opéra Bastille since
the latter’s opening. Thus it enables opera and
ballet aficionados to trace all singers, dancers, producers, choreographer etc. who took
part in the Opéra’s productions. These archives,
now starting from 1989, in time will be enriched with data from earlier years.
Books
Michael Clark – edited by Suzanne Cotter and
Robert Violette – Violette Editions, 2011 (in
English)
This is an art book, indeed an art object,
with its elegant black and white cover, 348
pages and more than 580 illustrations. It aims
at tracing the extraordinary career of a dancer
and choreographer of the purest Royal Ballet
school: Michael Clark, formerly a promising
member of British ballet who rose to fame by
working hard on his image and that of his postclassic rock group. Evidence of this is the fact
that the editor of this volume is Suzanne Cotter, a writer and a curator who specialises in
the work of contemporary visual artists who
are now international celebrities.
Apart from Cotter, who masterminded this
operation, other authors contributed to the
contents: Michael Bracewell and Stephanie
Jordan, plus the commentary of many friends
and admirers, besides Clark himself. Among
others, Richard Alston, Karole Armitage,
Charles Atlas, Mikhail Baryshnikov, Sarah
et blanc, 348 pages et
plus de 580 illustrations.
Il retrace l’extraordinaire parcours d’un danseur et chorégraphe,
Michael Clark, qui a
étudié à l’école du
Royal Ballet, espoir du
ballet anglais, qui, par
contre, a fait époque en
travaillant beaucoup sur
sa propre image et sur
celle de sa compagnie,
post-classique et rock.
La preuve en est que le
responsable de ce volume est Suzanne
Cotter, écrivaine et organisatrice d’expositions qui s’est beaucoup
occupée de plasticiens contemporains
aujourd’hui connus au niveau international.
D’autres ont contribué à cette œuvre collective, Michael Bracewell et Stephanie Jordan, Clark lui-même, et des amis et des professionnels (avec leurs témoignages), dont
Richard Alston, Karole Armitage, Charles Atlas, Mikhail Baryshnikov, Sarah Lucas, Judith Mackrell.
Pour compulser le livre il suffit d’aller sur
le site de la maison d’édition
www.violetteeditions.com, et pour l’acheter
il peut être pratique et rapide chercher sur
www.amazon.co.uk.
E.G.V.
Trois décennies de recherche européenne
sur François Delsarte – sous la direction
de Franck Waille – Éd. L’Harmattan
Le théoricien français du XIXème siècle
François Delsarte commence enfin à être reconnu dans le milieu chorégraphique européen.
En effet, il a été longtemps négligé dans les
manuels d’histoire de la danse, sauf en Amérique, puis en Russie, où ses théories sur l’incidence de l’émotion sur le geste ont connu
un énorme succès. Il est vrai que ses écrits
étaient restés longtemps inédits et que c’est
principalement par un Américain, l’acteur
Steele Mackaye, que ses idées se répandirent.
Ces dernières années, plusieurs universitaires ont étudié l’apport de Delsarte au développement de la danse moderne, deux colloques ont eu lieu récemment sur le sujet, et
un livre vient opportunément faire le point
sur les différents aspects de cet énigmatique
et paradoxal Delsarte. Car il est en effet surprenant de penser qu’un des inspirateurs les
plus décisifs de la danse moderne n’ait jamais été ni danseur, ni même particulièrement attaché au monde de la danse. Mais sa
conscience du geste et les relations que Delsarte a établies entre le geste et l’émotion
furent capitales pour le développement de la
danse au début du XXème siècle.
Les textes réunis dans ce petit ouvrage ne
sont pas toujours d’égale importance mais ils
apportent plusieurs éclairages fondamentaux
pour comprendre la genèse de la danse moderne.
Sonia Schoonejans
Lucas and Judith Mackrell.
To browse this book simply go to the website
of the publishing house www.
violetteeditions.com; to buy it in a fast and
practical way, go to www.amazon.co.uk.
E.G.V.
danzatore e coreografo, Micheal Clark, di pura
scuola Royal Ballet, promessa del balletto inglese, che invece ha fatto epoca lavorando molto sull’immagine di sé e del suo gruppo,
postclassico-rock. Prova ne sia che la responsabile del volume è Suzanne Cotter, scrittrice e
curatrice di mostre che si è occupata del lavoro
di artisti visivi contemporanei oggi internazionalmente noti Oltre a lei, regista dell’operazione, hanno contribuito per i contenuti Michael
Bracewell e Stephanie Jordan, con testimonianze di molti amici ed estimatori, accanto a Clark
stesso. Tra i tanti, Richard Alston, Karole
Armitage, Charles Atlas, Mikhail Baryshnikov,
Sarah Lucas, Judith Mackrell.
Per sfogliare il libro basta andare al sito della
casa editrice www.violetteeditions.com, mentre
per comprarlo è pratico e rapido collegarsi a
www.amazon.co.uk.
Trois décennies de recherche européenne sur
François Delsarte – a cura di Franck Waille –
Éd. L’Harmattan (in lingua francese)
François Delsarte, teorico francese dell’Ottocento, comincia finalmente a essere riconosciuto nell’ambiente coreografico europeo. È stato
infatti a lungo trascurato dai manuali di storia
della danza, salvo in America e poi in Russia,
dove le sue teorie sull’incidenza dell’emozione
sul gesto hanno invece conosciuto un notevole
seguito. Ma è pur vero che i suoi scritti sono
rimasti a lungo inediti e che è soprattutto grazie
ad un Americano, l’attore Steele Mackaye, che
le sue idee si sono diffuse.
In questi ultimi anni, diversi ricercatori universitari hanno studiato l’apporto di Delsarte allo sviluppo della danza moderna, si sono tenuti due
convegni sull’argomento, e un libro fa ora il punto sui diversi aspetti di questo enigmatico e paradossale Delsarte. Infatti fa specie pensare che uno
degli ispiratori più influenti della danza moderna
non sia mai stato danzatore, né sia mai stato particolarmente legato al mondo della danza. Eppure la coscienza del gesto e le relazioni che stabilì
tra il gesto e l’emozione furono capitali per lo
sviluppo della danza agli inizi del XX secolo.
I testi riuniti in questo piccolo libro non hanno tutti la stessa importanza, ma apportano
delucidazioni fondamentali per comprendere la
genesi della danza moderna.
Sonia Schoonejans
65
Trois décennies de recherche européenne sur
François Delsarte (“Three Decades of
European Research on François Delsarte”) –
edited by Franck Waille – Éd. L’Harmattan
(in French)
19th century French theorist François Delsarte
is beginning to be recognised in the European
choreographic milieu at last. He has been longneglected by dance history books, except in
America and later in Russia where his theories about the influence of emotions upon gestures have, on the contrary, enjoyed considerable following. But it is true that his writings
have remained unedited for a long time and
his ideas began to spread thanks to an American, the actor Steele Mackaye.
In recent years several academic researchers have studied Delsarte’s contribution to the
development of modern dance. Two seminars
were held on the subject and a book is now
offering a survey of the different aspects of
enigmatic and paradoxical Delsarte. It is indeed odd to reflect that one of the most powerful influences on modern dance is somebody
who was never a dancer, nor was he particularly connected to the world of dance. Yet
Delsarte’s awareness of gesture and the relationship which he established between gesture and emotion were crucial to the development of dance at the beginning of the 20th
century. The texts assembled in this little book
are not all equally important, but they shed
crucial light that leads us to a better comprehension of the genesis of modern dance.
Sonia Schoonejans
programmes • programmi • calendar • programmes TV programmi • calendar • programmes • programmi
ARTE
www.arte.tv
26. II: Roméo au pays des Soviets, de Prokofiev
(docum.)
Classica
www.classica.tv
1, 4, 10, 12, 16, 21. II: Black Spring – Co.
Heddy Maalem; Primo Toccare – c. Matteo
Levaggi – Balletto Teatro di Torino
2, 7. II: Akram Khan: If not, why not?; Petite
Mort, Sarabanda – c. Jirí Kylián – Nederlands
Dans Theater
2, 7. II: Danza in scena: Meredith Monk
2, 5, 7, 11, 13, 17, 29. II: Danza in scena:
Alain Platel, l’umanità in primo piano
3, 5, 9, 14. II: Le Lac des cygnes – c. Heinz
Spoerli – Zurich Ballet, int. Polina Semionova
4, 6, 10, 22. II: Danza in scena: Emio Greco
– La Commedia
6, 8, 11, 17, 19, 23, 28, 29. II: Roland Petit –
25o anniversario Ballet de Marseille (docum.);
Massimo Murru in prova con Roland Petit
(docum.)
8. II: Carolyn Carlson – master class
13, 15, 18, 24, 26. II: Tristi tropici, La casina
dei biscotti – Co. Virgilio Sieni; La danza contemporanea in Italia – intervista Virgilio Sieni
20, 22, 25. II: A Midsummer Night’s Dream
– c. George Balanchine – Balletto del Tea-
tro alla Scala, int. Alessandra Ferri, Roberto Bolle
27. II: Shéhérazade,
Le Spectre de la
Rose, Les danses
polovtsiennes,
L’Oiseau de feu – c.
Michel Fokine – KirovMariinsky Ballet, int.
Svetlana Zakharova
Mezzo
www.mezzo.tv
4. II: Les danses
polovtsiennes – c.
Michel Fokine – Le
Ballet du Kremlin; La
Sylphide – c. August
Bournonville – Le
Ballet du Kremlin;
Flammes de Paris –
c. Alexei Ratmansky,
Vassili Vainonen –
Bolshoi Ballet, int.
Natalia Osipova, Ivan
Vassiliev
1, 6. II: Die Grosse
Messe – c. Uwe
Scholz – Leipzig Ballet
5, 8, 13, 15, 18. II:
The Nutcracker – c. Helgi
Tomasson – San
Francisco Ballet
9, 20, 22, 27. II: Magnificat
– c. Heinz Spoerli – Zurich
Ballet
12, 25. II: Caravaggio –
c. Mauro Bigonzetti –
Staatsballett Berlin, int.
Vladmir Malakhov, Polina
Semionova
19, 22. II: Sarabande,
This Part in Darkness –
c. Benjamin Millepied –
Ballet de l’Opéra de Lyon
26, 29. II: Triade – c.
Benjamin Millepied; The
Concert; In the Night –
c. Jerome Robbins –
Mezzo live HD
www.mezzo.tv
3, 12, 13, 15, 17. II: Peer Gynt – c. Heinz
4, 5, 6, 8, 10, 11, 18, 19, 20, 22, 24. II: Le
Lac des cygnes – c. Heinz Spoerli – Zurich
Ballet
9, 25, 26, 27, 29. II: Magnificat – c. Heinz
Sky
www.skyprogrammeinformation.co.uk
4. II: Amélia – c. Édouard Lock – La La La
Human Steps
4, 5. II: La Dame aux camélias – c. John
Neumeier – Ballet de l’Opéra National de
Paris
7, 8, 11. II: L’Arlésienne – c. Roland Petit
– Ballet de l’Opéra de Paris
Alessio Carbone –
Opéra de Paris:
“The Concert”,
c. Jerome Robbins
(ph. H. SoumireuLartigue)
66
8, 10. II: L’Oiseau de feu – c. Michel Fokine
– Ballet de l’Opéra de Paris
11. II: Boléro – c. Maurice Béjart – Ballet
de l’Opéra de Paris
20, 25. II: Sylvia – c. John Neumeier –
I t a l i a D a n za
supplemento speciale di BALLET2000 / BALLETTOOGGI n° 226
L’Opera di Ro ma e le fate ignoranti
Da quasi due anni – cioè dalla partenza di Carla Fracci come direttrice – il
Balletto del Teatro dell’Opera di Roma sembra preda di spiriti maligni, o almeno
incompetenti, che hanno ridotto drasticamente quantità e qualità degli spettacoli.
Tutti agli ordini del celebre direttore d’orchestra, notoriamente dispotico e
notoriamente nemico della danza. Il nuovo direttore del ballo, Micha van
Hoecke, non ha per ora responsabilità precise. Ma il futuro è preoccupante
Negli ultimi diciotto mesi il mondo fatato del balletto si è trasformato, all’Opera di Roma, in un
pianeta da incubo: tre fate maligne – Superficialità, Incompetenza, Ignoranza – d’accordo con
Carabosse, si oppongono alla
Fortuna e al Futuro della bella addormentata (la danza, si sa) e
cingono d’assedio il Teatro dell’Opera, tramando per decretare
(“finalmente!”) la definitiva rovina della compagnia di ballo.
Spettacoli cancellati, crollo ver-
Micha
van
Hoecke
ticale del numero degli spettacoli
di balletto in cartellone (da quasi
un centinaio a meno di cinquanta), balletti programmati in produzioni prestigiose, poi rappresentati in versioni sconosciute.
“Nuove” coreografie di titoli di repertorio rivelatesi rifacimenti di
versioni storiche notissime (che
chiunque abbia masticato un
pochino di balletto in vita sua può
riconoscere). E ancora: autori
annunciati e “non pervenuti”; “nuove creazioni” che sono in realtà
semplici adattamenti di lavori pre-
cedenti. E infine, rapporti con la
stampa ridotti a poco meno di
zero: in mancanza di qualcuno
che sia in grado di gestirle con
un minimo di autorevolezza, le
conferenze stampa per il balletto sono state semplicemente abolite, così che dei titoli in programmazione si sa poco o nulla. Prima
che vadano in scena, nulla. Al momento dell’andata in scena poco
e quel poco spesso impreciso,
quando non ridicolmente inesatto: si veda lo svarione nel quale
è incorso l’estensore dell’ “Argomento” del recente Schiaccianoci:
per chi legga il programma il balletto dovrebbe concludersi con
l’apparizione alla giovane protagonista, Clara, del padrino
Drosselmeyer e del nipote di costui, nel quale ella riconosce
l’amato Schiaccianoci. Niente di
tutto ciò accade in scena: l’episodio è stato tagliato.
Sono trent’anni almeno che
le fate lavorano nell’ombra –
non solo a Roma: ovunque,
nel resto d’Italia – per la cancellazione di quel che resta della tradizione italiana del balletto. Pare che
siano ormai sul punto
di farcela.
A nulla è valso che
per un decennio
(2000-2010) una, apparentemente potente, Fata dei Lillà, sotto
le spoglie di Carla Fracci, si sia
adoperata con eccellenti risultati
(e qualche, inevitabile,
défaillance), per la rinascita di una
compagnia che già vent’anni prima pareva spacciata.
E’ bastato – caso unico fra le
grandi capitali europee – il (presunto?) mancato gradimento di
un preclaro servitore di Euterpe
(la musa della musica, per chi non
lo ricordasse) e, come già alla
Scala diversi anni fa, la Fata dei
pagnia romana, nonostante la
crisi che già si fa sentire, realizza il “pareggio” con l’opera (diciotto titoli d’opera e diciotto titoli di balletto in cartellone) con
un totale di spettacoli che sfiora
il record delle cento recite, e allestendo una stagione commemorativa del centenario dei
Ballets Russes ineguagliata nel
mondo: tredici titoli.
segue>
Lillà ha dovuto far fagotto.
Altro che lieto fine! Vai a fidarti
delle favole....
Ma proviamo a sbrogliare l’aggrovigliata matassa e torniamo all’indomani della doppia vittoria –
alle elezioni politiche e a quelle
amministrative per il Comune di
Roma – del centrodestra: aprile
2008.
Per Carla Fracci, alla guida
della compagnia di balletto della capitale da otto stagioni, il destino pare segnato. La Fracci
non ha mai nascosto le sue simpatie per la sinistra. Nonostante il prestigio internazionale, la
competenza, l’esperienza incomparabile e gli ottimi risultati conseguiti, la doppia convivenza –
con un governo e con un’amministrazione comunale contrari –
appare impossibile.
Invece, spiazzando tutti, il nuovo sindaco, Gianni Alemanno
lì per lì accetta lo status
quo. Lasciando completare alla Fracci un’annata eccezionale:
nel 2009 la com-
Carla
Fracci
(ph. F.
Niccoli)
come annunciato, da quest’anno la rivista
unifica i suoi due titoli (finora BALLETTO OGGI
per la diffusione in Italia e BALLET2000 per l’estero)
e assume il titolo unico
il cambiamento riguarda soltanto la testata in copertina
ItaliaDanza 1
Ben presto però, innamoratosi
dell’idea (già veltroniana) di fare
di Riccardo Muti il nuovo Re di
Roma affidandogli la direzione
musicale dell’Opera, il sindaco –
divenuto nel frattempo commissario straordinario del teatro – vira
bruscamente.
La stagione 2010 si è avviata
nella più ampia incertezza: si è
cominciato con l’annunciare, in
febbraio, l’intenzione di congedare
la Fracci “alla scadenza del contratto”. Poi Alemanno in persona
ha affermato che la decisione sul
futuro direttore del ballo era sospesa in attesa che il Maestro Muti
firmasse l’agognato contratto.
(Che cosa c’entrasse Muti nella
scelta del direttore del ballo,
Alemanno però non l’ha spiegato). Messa alla porta la Fracci a
fine luglio, al rientro dopo l’estate
i due terzi della stagione autunnale
da lei programmata sono stati
semplicemente cancellati.
Orbene, dopo mesi di tira e
molla, nel corso di un’affollata
conferenza stampa, Muti ha infine annunciato che a Roma come
direttore musicale non sarebbe
venuto mai. Si è però mostrato
compiaciuto del fatto che in ogni
settore del teatro fossero state nominate persone adeguate, evidentemente di sua fiducia. E ha
espresso il suo compiacimento
anche per il fatto che alla direzione del ballo fosse stata – nel
frattempo – nominata una persona che godeva della sua fiducia:
Micha van Hoecke. Fiducia che
egli non accordava, par di capire, alla Fracci.
Van Hoecke, belga, sessantasei
anni al momento della nomina,
già danzatore nel “Ballet du
XXème Siècle” creato a Bruxelles da Maurice Béjart e poi direttore della scuola Mudra, creata
dallo stesso Béjart nella capitale
belga, non aveva, lo ricordiamo,
precedenti esperienze alla guida
di una compagnia di balletto come
quella dell’Opera. Ma aveva la
fiducia di Muti. E Muti è uomo
d’onore.
Alla presentazione della stagione 2010-2011, la prima cosa a
balzare all’occhio era la drastica
riduzione del numero degli spettacoli di balletto in cartellone: 48
(comprendendo anche quelli
degli allievi della scuola di danza): circa la metà rispetto a quelli
programmati l’anno prima. E
come l’anno prima ci son poi stati
ulteriori tagli: ai giovani allievi della
scuola – puntigliosamente preparatisi per sostenere otto recite di
un loro Don Chisciotte – si è impedito di andare in scena a pochi giorni dal debutto, nonostante le centinaia di biglietti già
venduti ai ragazzi delle scuole di
Roma. Con che effetto educativo,
si può facilmente immaginare:
quale insegnamento a proposito
del mantenere la parola data? Al
lettore le conclusioni.
Ma le delusioni e le assurdità
della stagione 2010/2011, annunciata come “una grande svolta”
dal sovrintendente e come l’avvio “di un cammino preciso” dal
direttore artistico, sono state
molteplici: il Lago dei cigni, programmato in una nuova versione di Attilio Labis, è poi andato
in scena nella “solita” versione di
Gaia Straccamore e corpo di ballo dell’Opera di Roma:
“Lo Schiaccianoci”, c. Slawa Mukhamedov (da L. Ivanov - V. Vainonen)
Picasso e Graham ritrovati
Ritorna nei teatri italiani lo spettacolo Cercando Picasso (la tappa principale è tra febbraio e marzo al Teatro Strehler di Milano).
Si tratta di un
lavoro teatrale del regista Antonio Calenda in omaggio a Pablo
Picasso (con testi tratti dagli scritti dello stesso pittore, in particolare Le Désir attrapé par la queue, “Il desiderio preso per la coda”).
Ad interpretare il ruolo di un Picasso in età, ossessionato dalle
donne e dal sesso, è l’attore Giorgio Albertazzi (85 anni). L’oggetto del desiderio è evocato da un gruppo di danzatrici della
Martha Graham Dance Company, impegnate in coreografie della stessa Graham e della loro direttrice Janet Eilber.
Martha Graham dance Company: “Cercando Picasso”, c. Janet
Eilber, regia Antonio Calenda (ph. T. Le Pera)
Galina Samsova, voluta dalla
Fracci a suo tempo.
“Tre nuove creazioni” sono state
annunciate per la compagnia –
di Virgilio Sieni, Shen Wei e
Lindsay Kemp (con evidente gusto per i forti contrasti) – ma Shen
Wei è poi svanito. E al posto del
trittico originario è stata presentata un’unica novità,
di Sieni, e due adattamenti di lavori precedenti: uno della
coppia Abbondanza
Bertoni e uno, effettivamente, di Kemp.
Il metodo dei cambi “last minute” è diventato una costante:
in ottobre, per la prima rappresentazione
assoluta a Roma de
La Bayadère – finalmente una buona
idea – l’annunciata
versione di Natalia
Makarova (che non
trova tutti d’accordo
quanto a meriti intrinseci, ma almeno è
una versione precisa,
e nota) è saltata. Al
suo posto una versione sconosciuta, di un
coreografo altrettanto
sconosciuto, Rafael
ItaliaDanza 2
Avnikjan, proveniente dall’Est.
Ultimo atto di questa deprimente
saga Lo Schiaccianoci: prima tappa della prossima stagione (sulla quale già circolano ipotesi da
brivido). Pubblicizzata – fin dalla
conferenza stampa di presentazione dell’intera stagione 20112012, in ottobre – come una coreografia di Slawa Mukhamedov
(altro Carneade del balletto tirato fuori dal cilindro dello sconfinato Est europeo) da Marius
Petipa (all’Opera ignorano che la
coreografia è attribuita a Lev
Ivanov?), la versione si è poi rivelata un (modesto) adattamento di quella creata nel 1934 da
Vassili Vainonen per l’allora “Balletto Sovietico”, poco dopo
ribattezzato “Balletto del Teatro
Kirov di Leningrado”.
Mukhamedow, interpellato, ha
confermato che si trattava della
versione di Vainonen, sottolineando di avere specificato fin da
principio che avrebbe rimontato
quella, con i necessari adattamenti. Sovrintendente, direttore artistico, direttore del ballo – inseguiti per quarantott’ore,
all’indomani del debutto – non
hanno rilasciato dichiarazioni. Forse non avevano effettivamente
niente da dire.
Donatella Bertozzi
Agenti o dirigenti?
Raramente i teatri “acquistano” gli spettacoli di
danza dalle compagnie stesse; più spesso si
rivolgono alle agenzie. Ci parla Roberto Giovanardi,
l’esperto direttore di Aterscambi, la più “ufficiale”
e influente organizzazione del genere in Italia
Chi decide quali compagnie di
danza vedremo in Italia? O chi
propone ciò che poi i teatri scelgono? Tra i “promoter” (per non
dire agenzìe, perché questa è
un’agenzìa un po’ speciale) più
influenti, se non il più influente
in assoluto, c’è Aterscambi (emanazione “commerciale” dell’ATER,
Associazione Teatri dell’Emilia
Romagna) con il suo direttore e
anima operativa da sempre, Roberto Giovanardi. Quasi 60 anni,
carriera nella danza iniziata (bene)
con la nascita dell’Aterballetto,
Giovanardi ha maturato una lunga e ampia esperienza sul campo.
A lui chiedo lumi su “come funziona” la danza che si vede in Italia. Qual è l’equilibrio tra domanda e offerta, nell’esperienza di
Aterscambi con i nostri teatri?
«La nostra è un’agenzia piuttosto anomala, non agisce tra un
teatro che compra e una compagnia che si offre. E adesso inoltre non è più come ai nostri inizi,
al tempo di Gosconcert, che era
l’agenzia unica per gli artisti russi. Ora seguiamo anche progetti
non prettamente di mercato; per
esempio se “vendiamo” il Ballet-
to del San Carlo di Napoli o della Scala o, nel più piccolo, la compagnia di Monica Casadei. Facciamo un’offerta più che
corrispondere a una domanda.
Non ci atteniamo strettamente alle
regole del mercato».
E in caso di importazione di compagnie dall’estero?
«È lo stesso; se si invita la compagnia di Emio Greco dall’Olanda, non lo si fa certo per soldi.
Nella danza non ci sono scandali mercantili, come accade per
la musica».
E allora è Aterscambi a decidere che cosa c’è in scena?
«È vero che siamo abbastanza
“presenti”; recentemente, ad
esempio, abbiamo avuto al Regio di Torino il Balletto KirovMariinsky di San Pietroburgo, e
intanto Shen Wei a Reggio Emilia
e Trisha Brown al MAXXI di Roma.
E così potrebbe sembrare che
Aterscambi sia una multinazionale
molto potente, che determina ciò
che si vede, ma non è così».
Allora è chi compra che sa che
cosa vuole?
«Bisogna distinguere: le Fondazioni Liriche dove non c’è una
compagnia di balletto della casa,
Equilibrio, festival e premio
Si tiene in febbraio all’Auditorium Parco della Musica di Roma
l’ottava edizione di “Equilibrio”, rassegna di nuova danza internazionale; in programma, quest’anno, figurano coreografi e compagnie da Belgio, Canada, Norvegia, Cuba, Italia, Burkina Faso,
Algeria, Giappone e Spagna. Anche quest’anno la direzione artistica è stata affidata al coreografo belgo-marocchino Sidi Larbi
Cherkaoui, che presenterà la sua ultima creazione, Tezuka, ispirata appunto ai fumetti giapponesi di Osama Tezuka, considerato il “padre dei manga”. Ma, in apertura, saranno presentati i
finalisti del Premio Equilibrio, un concorso di progetti coreografici per giovani compagnie e performers, alla quinta edizione; i
candidati presentano dei lavori-studio che potranno essere finanziati e sviluppati. In seguito, la coreografa canadese Crystal
Pite presenta a Roma Dark Matters, dove la materia oscura del
titolo (tema già trattato in altri suoi lavori) è rappresentata da
danzatori-ombra che mettono in moto lo spettacolo. La Compañía
de Danza Contemporánea de Cuba danza poi, tra l’altro, in lavori di Rafael Bonchela, uno dei nomi di punta della coreografia
britannica di oggi, e del cubano Jorge Céspedes, e il canadese
Dave St-Pierre, attivo con la sua compagnia in Svizzera, riprende uno dei suoi lavori iconoclasti e provocatori fin dal titolo, Un
peu de tendresse bordel de merde. In programma anche un lavoro del franco-algerino Rachid Ouramdane, Ordinary Witnesses,
centrato sulla violenza corporale e psichica nell’uomo e sulle sue
ripercussioni.
Roberto Giovanardi qui con Maurice Béjart, di cui è stato
rappresentante in Italia per molti anni
e i “teatri di tradizione”, vogliono
uno standard di qualità alto, compagnie di nome in àmbito classico e/o un titolo forte. In questo
momento di crisi non ci si può limitare, come un tempo, alle compagnie del Kirov e del Bolshoi,
al Balletto Stanislavsky o al gruppo di Boris Eifman, ormai famoso; adesso dobbiamo proporre
anche il Balletto di Kiev, il Balletto del Kremlino, il Balletto di
San Pietroburgo ex Jakobson, tutti
per così dire di seconda fascia.
Chi vuole il balletto classico, che
è sempre richiesto dal pubblico,
mira al rapporto qualità-prezzo in
base al budget disponibile, tanto più se c’è l’esigenza di un balletto con orchestra dal vivo, come
è dovuto nei teatri musicali. Quindi
si considerano interessanti anche
compagnie come i Ballets de
Monte-Carlo o il Ballet de l’Opéra
de Nice. Nei “teatri di tradizione”,
come a Ferrara, Cremona, Modena, si può puntare su un repertorio più vario, su un mix di
classico, moderno, contemporaneo, presentando una rosa di disponibilità, in base alla quale i
responsabili della programmazione scelgono. Il tallone d’Achille
è il classico con musica registrata. Parma ha il suo focus solo sul
classico e finora aveva in cartellone un paio di balletti l’anno, con
orchestra. Torino è un caso a
parte per via di Torino Danza e
della sua linea artistica centrata
sul contemporaneo».
Qual è in generale il livello italiano, dunque, rispetto agli altri paesi europei?
«In un modo o nell’altro abbiamo quasi rimontato il gap con il
resto d’Europa. Adesso qui da noi
vediamo tutto. Ma c’è ancora una
differenza tra il Nord e il Sud del
paese. C’è un pubblico molto in-
ItaliaDanza 3
teressato ma una ancora scarsa
capacità di offrire. Siamo vittime
di una distribuzione di risorse troppo ineguale: alla danza va solo
2,3-2,4% del FUS, il Fondo Unico dello Spettacolo, comprendendo tutto, produzioni, festival, circuiti».
Ci troviamo, in un certo senso,
in uno stato di sudditanza rispetto alla Francia?
«Certo la Francia investe molto,
manda i suoi artisti all’estero;
quest’anno in tutta Italia. E il contrario non si dà».
Il pubblico italiano come reagisce?
«Il pubblico risponde, ma funziona
per settori; ci sarebbe molto lavoro da fare sul pubblico: quello
maturo va condotto verso il contemporaneo; quello giovane verso
il classico».
Come si può lavorare sulla conoscenza e sulla promozione
della danza?
«La promozione è oggi necessaria, e ha regole particolari, basta
pensare al caso Black Swan. Qui
siamo ancora agli assessori-promotori nei comuni... all’estero ci
sono i produttori di mestiere, che
rischiano anche, come ad esempio al Sadler’s Wells Theatre di
Londra, o i programmatori come
a Les Étés de la danse di Parigi
che scelgono con successo anche compagnie “minori”, ad esempio di recente il Miami City Ballet».
Tornando al “caso” Torino, dove
c’è tanta danza contemporanea,
come è andato il Balletto KirovMariinsky a Torino?
«Un trionfo. La voglia di classico
ai massimi livelli, che è fortissima, è stata pienamente soddisfatta, sia per il programma Fokine
sia per La Bayadère o Il lago dei
cigni».
intervista di
RECENSIONI
IN BREVE
a Ottolenghi
una risposta di Vittori
Vittoria
a una domanda di Alfio Agostini
La scuol
a dell
a
scuola
della
Sc
al
a in fest
a
Scal
ala
festa
La Scuola – cor. Frédéric Olivieri,
mus. Johann Sebastian Bach;
Trois Gymnopédies – cor. Roland
Petit, mus. Erik Satie; Lo Schiaccianoci (valzer dei Fiocchi di neve)
– cor. Frédéric Olivieri, mus. Piotr
I. Ciaikovsky; Theme and
Variations – cor. George
Balanchine, mus. Piotr I.
Ciaikovsky; Scuola di Ballo dell’Accademia del Teatro alla Scala
Milano, Teatro alla Scala
La Scuola di Ballo del Teatro alla
Scala di Milano (fondata nel 1813)
è stata integrata dieci anni fa all’allora nascente Accademia del
Teatro alla Scala, un’istituzione
per la formazione legata al grande teatro milanese che, oltre al
dipartimento danza, prevede i
corsi per musicisti e cantanti e
per varie figure professionali del
teatro (costumisti, scenografi,
sarti, macchinisti, light
designers…), nonché un master
in gestione e promozione dello
spettacolo. L’ultimo giorno dell’anno, per festeggiare i dieci anni del-
l’Accademia, la Scuola di Ballo ha
presentato una serata di gala nella
Scala stessa (dove da tempo non
si esibiva).
Dal 2003 la scuola è diretta dal
francese Frédéric Olivieri (a suo
tempo étoile dei Ballets de Monte-Carlo e poi direttore di
MaggioDanza e del Balletto della Scala). In questi anni Olivieri
ha dato l’opportunità agli allievi
di danzare anche lavori di grandi
coreografi, di ieri e di oggi (li abbiamo visti in Serenade e Theme
and Variations di George
Balanchine, Sinfonia in re di Jirí
Kylián, The Vertiginous Thrill of
Exactitude di William Forsythe…),
mentre un tempo i “saggi” prevedevano perlopiù coreografie montate dai maestri della scuola (che
coreografi evidentemente non
sono) o di autori marginali del panorama italiano. È un cambiamento di cui rallegrarsi.
Dopo un breve brano di presentazione con tutti gli allievi, curato
dallo stesso Olivieri sul Concerto in re minore di Johann
Sebastian Bach, tre ragazzi dell’ultimo corso (Francesco Colombo, Germano Trovato e Lusymay
Di Stefano) hanno ben figurato
Bologna, dal Cigno Nero a José Limón
Il Teatro Duse di Bologna presenta da quest’anno una programmazione attenta anche alla danza. «Gli appuntamenti di quest’anno – dice il nuovo direttore del teatro Walter Mramor – vogliono essere un assaggio di una programmazione più ampia
che desideriamo sviluppare nel prossimo futuro. Il nostro obiettivo è quello di fare del Teatro Duse rinato un teatro dove la danza sia “di casa”, che accolga eventi internazionali e grandi compagnie».
Dopo il tango in forma teatrale della compagnia argentina di Miguel
Ángel Zotto, in gennaio il teatro ha presentato il gala di balletto
concepito da Daniele Cipriani col titolo “Il Cigno nero”, con Maxim
Beloserkovsky e Irina Dvorovenko dell’American Ballet Theatre,
Silvia Azzoni e Alexandre Riabko del Balletto di Amburgo,
Christophe Duquenne e Myriam Ould-Braham dell’Opéra di Parigi, insieme ad alcuni danzatori dell’Opera di Roma. Il programma prevedeva vari brani tratti dal Lago dei cigni (tra cui il passo
due del “Cigno Bianco” e quello del “Cigno nero”, che dà il titolo
alla serata), ma anche altri titoli del Novecento ispirati al mito del
cigno, come La morte del cigno di Michel Fokine, oltre a estratti
da balletti di John Neumeier e del coreografo inglese Ben
Stevenson.
In marzo, il Teatro Duse accoglie (in prima nazionale) la Limón
Dance Company (che proseguirà poi la sua tournée in altre città
italiane – vedi luoghi e date nel nostro Cartellone). La compagnia è custode dell’opera coreografica di José Limón, che la fondò nel 1946 con Doris Humphrey, altra pioniera della danza moderna americana, ed è diretta dal 1978 da Carla Maxwell. Quattro
i lavori del grande coreografo messicano che la compagnia danzerà a Bologna: The Moor’s Pavane (“La pavana del Moro”), quartetto del 1949 ispirato a Otello; There Is a Time del 1956, basato
sul motivo coreografico del cerchio declinato in diverse forme; e
due pezzi del 1971: l’assolo Chaconne e Dances for Isadora,
una sequenza di cinque assoli in omaggio a Isadora Duncan su
musiche di Fryderyk Chopin.
Anche stavolta, Vittoria Ottolenghi ci offre un suo micro-saggio,
colloquiale ma non qualunque, come risposta a una sola domanda.
– Lei ama dire che la danza, a cui ha dedicato la sua vita di
critico e di animatore culturale, le è “cascata nel piatto”... Ma
qual è davvero l’origine del suo interesse per la danza?
Chiara Scarrone – Scuola di Ballo della Scala: “Tema e Variazioni”.
c. George Balanchine (ph. C. Cerea)
nelle Trois Gymnopédies di
Roland Petit sulla musica di Erik
Satie, trovando il giusto tono
interpretativo per questo “pezzo
d’atmosfera” con il suo tocco chic,
la vaghezza romantica e l’ironia
sopraffina.
La scena si è poi imbiancata per
il valzer dei Fiocchi di neve dallo
Schiaccianoci (in una versione
coreografica curata dallo stesso
Olivieri; la scuola aveva presentato il balletto integralmente alcuni giorni prima al Teatro Strehler
di Milano). Qui le ragazze della
“Neve” (sesto, settimo e ottavo
corso) hanno dato una buona prova d’insieme.
La serata si è conclusa con
Theme and Variations che
Balanchine creò nel 1947 in
omaggio alla tradizione del balletto imperiale russo, sull’ultimo
movimento della Suite per orchestra n. 3 di Piotr I. Ciaikovsky. Un
balletto di grande complessità
tecnica e stilistica per la ballerina-solista: basti dire che fu creato per Alicia Alonso.
Ed è bello poter segnalare qui
Chiara Scarrone, diplomatasi lo
scorso anno e oggi nel corpo di
ballo della Semperoper di Dresda
(il contratto le fu offerto proprio
quando Aaron S. Watkins, direttore della compagnia di balletto
del teatro tedesco, la vide in questo ruolo poco prima del suo diploma). Olivieri l’ha richiamata a
Milano per l’occasione.
Non negheremo le imprecisioni,
pur nell’esecuzione degnissima
ItaliaDanza 4
per una giovane danzatrice, ma
pare che Chiara Scarrone abbia
ben inteso lo stile del balletto e
che sappia imporsi con una personalità raggiante e un senso sorprendente della scena per i suoi
19 anni (evidente perfino nel modo
di salutare il pubblico al proscenio
o di accogliere sul palco il direttore d’orchestra). È la stessa impressione che ha fatto il giorno del suo
diploma in uno sfavillante Pas
d’esclave (dal Corsaire). Tra tutti
emanava una luce diversa.
Cristiano Merlo
Site specific e
itiner
ante
itinerante
Le Vent noir – cor. Susanna
Beltrami, mus. varie; Compagnia
Susanna Beltrami
Milano, DanceHaus
La DanceHaus (sic, pasticcio di
parole anglo-tedesco) è un “centro
performativo” sorto nel 2008 a
Milano per iniziativa della coreografa Susanna Beltrami (52 anni,
attiva in Italia fin dagli anni Ottanta). In quest’edificio industriale
riadattato, con sale componibili
e grandi vetrate luminose, hanno sede la scuola e la compagnia della Beltrami, altri complessi
(come il gruppo di “physical
theatre” Kataklò) e le organizzazioni di vari progetti di formazione. La DanceHaus è infatti concepita come una “comunità della
danza”, un luogo di scambi, di ri-
– V.O. – Me lo sono domandata per anni, senza che potessi trovare una risposta, ma
non me ne importava niente. Mi piaceva e basta. Proprio come l’amore. Che m’importava – nell’amore – il
perché? C’era, tutto qui.
Ma di certo non perché io
stessa abbia danzato. Anzi.
Per capire il vero incantesimo della danza, ho dovuto
liberarmi totalmente dai
ciarpami della Duncan, o
meglio, di gentili signore
allieve di allieve di Isadora
Duncan che circolavano in
Italia negli anni ‘30 e ‘40. Io
non c’entravo niente, era soltanto mia madre, educatrice
di appassionata vocazione, che cercava di spingermi verso il meglio
in quegli anni. No, il mio vero interesse per la danza teatrale è
nato quando perfino il ricordo delle lezioni di danza classica, negli anni della prima adolescenza, era ormai lontano. Per fortuna:
ho potuto, così, ricominciare da zero. Perchè, da noi, per conoscere e trovare veramente la danza (classica, contemporanea o
quant’altro) bisogna avere il coraggio di ricominciare da zero. In
altre parole, in termini di una nuova cultura, la mia, la nostra.
cerca e di studio.
Nell’ambito del festival milanese
Exister, la Beltrami ha presentato con la sua compagnia Le Vent
noir (“Il vento nero”), “una performance itinerante e site specific”,
ossia uno spettacolo a più tappe
concepito appositamente per i diversi spazi della DanceHaus. Così
che piccoli gruppi di spettatori
sono invitati di volta in volta a
sostare in varie sale, le quali rappresentano le diverse stanze di
una casa (un austero tinello, una
cucina polverosa, una candida
camera da letto, giù fino alla terra umida dove poggia l’edificio);
a ognuna delle stanze corrisponde una rêverie, sorta di sogno a
occhi aperti, stimolato dal ricordo e dall’immaginazione. È dalle opere del filosofo francese
Gaston Bachelard che la Beltrami
mutua il concetto di “rêverie” e
l’immagine simbolica della “casa”,
trasportandoci in una dimensione sognante ma vigile, misteriosa e insieme familiare, in cui si
affastellano ricordi d’infanzia,
conflitti, paure, desideri.
Regia e luci sono curate: tutto è
volto a creare una sorta di empatia
tra gli interpreti e gli spettatori; e
il set design di Giorgio Martino
evoca efficacemente l’intimità del
focolare, una sorta di casa della
nonna. La danza varia da stanza a stanza: quella nel tinello,
dove incombe l’immagine severa della famiglia matriarcale, è
costruita in uno spazio ridotto e
soffocante, con movimenti taglienti e posture rigide; quella nella camera da letto è nevrotica e convulsa, tra bianche lenzuola dove
si consuma una sessualità
animalesca e antichi catini ricolmi
d’acqua con cui lavarsi
ossessivamente e forse liberarsi
dalla colpa; nella “stanza in fondo”, l’ultima, quella da cui non è
più possibile muoversi, l’angolo
più protetto della casa, assistiamo a un duo sereno, con il quale si realizza il pacifico riconoscimento di sé.
I bravi danzatori (limitatamente a
quello che qui vediamo) sono
convinti e convincenti. Non sempre tuttavia la coreografia trova
il suo tocco di originalità e resta
piuttosto convenzionale. Ma nel
suo insieme lo spettacolo incuriosisce e affascina. Alcune repliche saranno date agli inizi di
marzo (per maggiori informazioni: www.dancehaus.it).
Cristiano Merlo
Arriva Preljocaj
Il Ballet Preljocaj, la compagnia
di Aix-en-Provence del coreografo franco-albanese Angelin
Preljocaj, è in tournée in Italia in
febbraio, prima al Teatro degli
Arcimboldi di Milano e poi al Teatro Ponchielli di Cremona (vedi
le date nel nostro Cartellone). In
programma Suivront mille ans
de calme che Preljocaj ha creato nel 2010 per un gruppo di suoi
danzatori e per altri del Balletto
del Teatro Bolshoi di Mosca; ma
qui figurano solo quelli di
Preljocaj (il lavoro è infatti ora
danzato separatamente dalle
due compagnie). Ispirato al testo dell’Apocalisse di San Giovanni, su musiche elettroniche
del disc jockey francese Laurent
Garnier, il pezzo è stato definito
una sorta di Excelsior dei nostri
giorni, un inno alla pace e all’unione delle nazioni.
Fattoria Vittadini
La Fattoria Vittadini è una giovane compagnia di 11 danzatori
tra i 20 e i 26 anni fondata nel
2009 da un gruppo di diplomati
dell’Atelier di Teatrodanza della
Scuola d’Arte Drammatica Paolo Grassi di Milano. In questi
anni si è esibita in lavori di coreografi di punta del contemporaneo internazionale, Short Ride
in a Fast Machine dell’americana Lucinda Childs e Study of
Sudden Birds della coreografa
israeliana Yasmeen Godder; o
di autori italiani, come Quest…
punti di vita di Ariella Vidach. Ma
sono stati creati anche nuovi lavori: la coreografa Maya
Weinberg e la drammaturga Shir
Freibach, entrambe israeliane,
hanno firmato per la compagnia
My True Self, basato sulla ricerca dell’ “io” nel processo di creazione artistica. La Fattoria
Vittadini ha poi realizzato una
serie di “progetti interni”, affidati
cioè ai suoi stessi componenti.
Vecchi e nuovi lavori saranno in
scena in febbraio e poi in maggio al Teatro Ringhiera di Milano.
Zappalà in creazione
Continuano gli works in progress
(ossia i lavori in fasi successive)
del coreografo siciliano Roberto
Zappalà. In marzo allo Scenario
Pubblico di Catania, dove ha
sede la sua compagnia, presenta Silent As…, lo studio iniziale
di un nuovo lavoro che si concluderà nel 2013. Il progetto ha
come fonte d’ispirazione la
Shoah, lo sterminio degli ebrei
durante la Seconda Guerra
Mondiale, per raccontare tante
altre piccole shoah che affliggono l’umanità. Il silenzio evocato
dal titolo rinvia all’indifferenza
del mondo di fronte ai crimini dell’uomo e sarà rappresentato dalla neve: «Il mondo sotto la neve,
o mentre nevica, è un mondo
dove il tempo rallenta, si riduce
la visibilità e i movimenti sono
altri, diversi dai soliti di ogni giorno; è soprattutto un mondo dove
i suoni si riducono, si
opacizzano, dove il silenzio è
sovrano» – dice la nota di presentazione. Nella stagione dello Scenario Pubblico ritroviamo
anche, in febbraio, la compagnia
della coreografa Giovanna
Compagnia Enzo Cosimi: “Odette-Odile Investigation”, c. Enzo Cosimi
(ph. G. Orlandi)
ItaliaDanza 5
Velardi con un lavoro ispirato ad
Alice nel paese delle meraviglie,
e un lavoro di teatro-danza di
Giorgio Rossi, Animalie, che si
presenta come una sarabanda
di personaggi improbabili. Alla
fine di marzo, sarà la volta della
compagnia del coreografo svizzero Philippe Saire con I wish I
could believe you, un lavoro caustico sul mondo luccicante dello
“show business”, e in aprile della Compagnia Enzo Cosimi con
OdetteOdile Investigations, ispirato al doppio personaggio del
Lago dei cigni.
Giuseppe Picone e
il
capodanno
veneziano
Il Concerto di Capodanno del
Teatro La Fenice di Venezia è da
nove anni ormai la risposta italiana al tradizionale e
celeberrimo concerto della Filarmonica di Vienna dalla sala d’oro
del Musiekverain della capitale
austriaca. E come durante la diretta televisiva da Vienna, anche
a Venezia ci sono dei brani danzati (ma registrati in precedenza). Quest’anno, a Vienna le
danze sono state affidate a Davide Bombana, mentre a Venezia ha curato le coreografie
Mvula Sungani (nato a Roma, di
origini africane e attivo in Italia
con una sua compagnia). Nella
sigla d’apertura Giuseppe
Picone ha danzato tra le piazze, le calli e i ponti di Venezia
alla ricerca di una fantomatica
donna ritrovata poi tra i palchi
della Fenice, invitando il pubblico televisivo ad assistere al concerto (diretto dal ventisettenne
venezuelano Diego Matheuz). In
seguito quattro coppie di
danzatori del Balletto del Teatro
alla Scala, in costumi
ottocenteschi, hanno danzato
sul Valzer del commiato di Nino
Rota (composto per la famosa
scena del ballo del film Il Gattopardo di Luchino Visconti) e su
Libiam ne’ lieti calici dalla Traviata di Giuseppe Verdi, che conclude tradizionalmente il concerto veneziano con un brindisi al
nuovo anno.
La
Danza
Ponchielli
al
È proprio con il Ballet Preljocaj
che si apre in febbraio la rassegna annuale “La Danza” del Teatro Ponchielli di Cremona, alla
sua ventiquattresima edizione.
L’appuntamento seguente sarà
in marzo con il bailaor
saragozzano Miguel Ángel
Berna, che presenta qui, con sei
Il Premio Ro ma e il Bolshoi
Ha avuto luogo in dicembre all’Auditorium Parco della Musica
della capitale il “Premio Roma”, intitolato alla memoria di Jia
Ruskaja (fondatrice dell’Accademia Nazionale di Danza nel 1948)
e organizzato dalla “Fondazione dell’Accademia Nazionale di Danza” che è legittima titolare del Premio Roma. Ma attenzione: tale
fondazione oggi non ha nulla a che fare con l’Accademia stessa
(diretta da Margherita Parrilla) se non una serie di contenziosi e
di azioni legali. Questo tiene a precisare Larissa Anisimova, di
origine russa, attiva e combattiva presidentessa della Fondazione, che imputa alla Parrilla una serie di abusi e di illiceità nella
gestione dell’Accademia e del suo patrimonio. Ne riparleremo.
Per ora, ricordiamo la serata di gala del premio (affidata alla direzione artistica di Eleonora Abbagnato, apparsa in scena raggiante nella sua gravidanza avanzata) che ha avuto protagonista la scuola di balletto del Teatro Bolshoi di Mosca. Una ventina
di diplomandi della grande accademia moscovita, una delle più
importanti del mondo, si sono esibiti in un programma di brani
classici desueti del repertorio russo (da Les Millions d’Arlequin e
La Fille mal gardée) e in un pezzo creato da Davide Bombana,
mostrando qualità d’insieme e solistiche da giovani professionisti di gran classe e confermando che il prestigio della loro scuola
è sempre ben fondato.
Il Premio Roma è stato consegnato a Marina Leonova (attuale
direttrice della scuola del Bolshoi, per il valore pedagogico), ad
Alfio Agostini (critico ed editore, per “la diffusione della cultura di
danza”) e a Luca Masala (giovane nuovo direttore dell’Académie
Princesse Grace di Monte-Carlo). Un premio speciale è stato
consegnato al giovanissimo danzatore Aran Bell, allievo di Denys
Ganio e considerato da molti un enfant prodige del balletto, che
ha in effetti condiviso con i colleghi russi il grande successo dell’insieme della serata.
Premio Roma: Accademia di Balletto del Teatro Bolshoi di Mosca
“Les millions d’Arlequin”, c. Marius Petipa
danzatori della sua compagnia
e alcuni musicisti, uno spettacolo
del 2004, Mudéjar… ¡bailando
mi tierra!. Dall’Olanda, arriverà
poi il coreografo italiano Emio
Greco con Commedia, l’ultima
parte di una tetralogia ispirata
alla Divina Commedia dantesca
e messa in scena con il suo collaboratore, il regista Pieter C.
Scholten (vedi recensione sullo
scorso ItaliaDanza). Seguirà la
compagnia torinese Balletto
dell’Esperia con un “Trittico
‘900", per il quale tre celebri titoli del repertorio novecentesco
sono stati ri-creati da coreografi
di oggi: si tratta della Morte del
cigno (per tre danzatrici) del
francese Thierry Malandain,
dell’Après-midi d’un faune di
Eugenio Scigliano e dei Quattro
temperamenti
di
Paolo
Mohovich, il coreografo stabile
della compagnia, che dice di
aver voluto rendere “un omaggio a George Balanchine”. In
aprile l’Aterballetto riprenderà
Alice nel paese delle meraviglie,
la recente creazione di Francesco Nappa con le installazioni
multimediali di Gilles Papain,
noto video-designer francese.
Seguiranno i BalletBoyz, con la
ItaliaDanza 6
loro nuova giovane formazione,
nel programma “The Talent”
(che abbiamo recensito al debutto da Londra) e il Balletto
dell’Opera di Lubiana nella
Giselle del coreografo inglese
David Dawson. Chiude la rassegna, in maggio, la Gauthier
Dance, la compagnia tedesca
del coreografo Eric Gauthier
che presenta qui però Poppea/
/Poppea di Christian Spuck, il
coreografo tedesco che dirigerà dal settembre prossimo il Balletto dell’Opera di Zurigo. Il lavoro s’ispira all’Incoronazione di
Poppea di Claudio Monteverdi.
Il Teatro Grande di Brescia
presenta nei prossimi mesi alcuni appuntamenti con la danza. In marzo la Compañía Antonio Gades riprende Carmen,
uno dei balletti più noti del
danzatore e coreografo spagnolo morto nel 2004, il primo nato
dalla sua collaborazione sullo
schermo con il regista Carlos
Saura. In aprile farà tappa a
Brescia anche la Random
Dance, la compagnia di Wayne
McGregor, il coreografo stabile
del Royal Ballet (l’altra tappa
italiana sarà alla Lavanderia a
Vapore di Collegno-Torino); in
programma, Entity, il lavoro
nato dalla collaborazione di
McGregor con alcuni scienziati
cognitivisti. Qualche giorno
dopo è atteso il ritorno della
Forsythe Company, la compagnia del coreografo americano
William Forsythe (con Yes, We
Can’t).
La Compañía Antonio Gades fa
tappa in febbraio anche al Teatro Creberg di Bergamo, che
qualche giorno dopo accoglie
anche la Parsons Dance, la
compagnia del coreografo americano David Parsons impegnata in una lunga tournée per tutta Italia, con una sorta di “il meglio di…”. Tra gli appuntamenti
di marzo anche la Spellbound
Dance Company nei Carmina
Burana del suo coreografo
Mauro Astolfi e Les Ballets
Trockadero de Monte-Carlo, la
compagnia americana di uomini en travesti che propone parodie del balletto classico e dell’opera dei grandi coreografi del
Novecento.
Il Balletto dell’Arena di Verona, diretto da Maria Grazia
Garofoli, torna in scena alla fine
di febbraio con una serata intitolata “Omaggio a Ravel”. Il programma si compone di quattro
lavori firmati da Renato Zanella
(50 anni, ex direttore del Balletto dell’Opera di Vienna) rispet-
tivamente su Valses nobles et
sentimentales, La Valse,
Pavane pour une enfant défunte
e Boléro. Tra gli ospiti la tedesca Beatrice Knop, una delle
danzatrici principali dell’Opera di
Berlino.
fine di aprile, mentre la finale al
Teatro Manzoni di Milano il 28
maggio. Saranno attribuiti premi
in danaro.
Sono aperte le iscrizioni alla terza edizione del Premio MAB,
“Premio Internazionale di Danza Classica Maria Antonietta
Berlusconi per i Giovani”. Il concorso comprende tre categorie:
due per danzatori (“juniores” dai
12 ai 16 anni e “seniores” dai 17
ai 24 anni) e una per coreografi
(si possono presentare assoli,
passi a due e coreografie di
gruppo, purché di “stile classico
o neoclassico”; questa categoria non ha limiti di età). La
preselezione avviene tramite video da spedire entro il 29 marzo all’associazione (tutte le informazioni si trovano sul sito
www.premiomab.it) o presentandosi il 24 febbraio alla Fortezza
da Basso di Firenze (nel corso
di Danza in Fiera), dove si terranno le eliminatorie. Le semifinali avranno luogo a Rimini alla
Dal 23 al 26 febbraio alla Fortezza da Basso di Firenze si tiene Danza in Fiera, la più grande
manifestazione fieristica di attività commerciali (nazionali e internazionali) del settore, dalle
grandi marche ai piccoli artigiani; ma ci sono anche aree dedicate alle attività di compagnie e
scuole di danza, associazioni,
case editrici ecc.. Il programma
prevede inoltre numerosi stages,
lezioni di danza (dal classico al
contemporaneo, dall’hip hop al
tango), concorsi, audizioni,
workshops, spettacoli, mostre,
video-proiezioni eccetera, il tutto animato da personalità italiane e internazionali della danza
e del balletto. Tra gli ospiti, è
annunciata Polina Semionova
del Balletto dell’Opera di Berlino che terrà due stages e un incontro con il pubblico.
Libri
Polina Semionova
a Danza in Fiera
Piqué
Macedonie indigeste di parole
Pare che ultimamente il giornalista italiano di danza abbia riscoperto
la passione per le “parole-macedonia” o “parole-valigia”, quelle
cioè composte da due o più termini uniti da un trattino o da una
crasi (la fusione della vocale finale della parola che precede con
la vocale iniziale di quella che segue).
Già in anni passati, infatti, per Carla Fracci si è molto usato il
composto danzattrice, per indicare lo spirito attorale con cui la
grande danzatrice interpretava le mille eroine che il regista Beppe
Menegatti ripescava dalla storia e rimodellava per lei nei loro
balletti.
Oggi è di gran voga il termine danzautore (ugualmente documentata ma meno diffusa l’ortografia: danz’autore), su modello
di cantautore: dunque si tratterebbe di un artista che è al tempo
stesso il creatore e l’interprete dei suoi pezzi (da Akram Khan a
Shen Wei, a Saburo Teshigawara, giù fino ad Ambra Senatore
gli esempi si sprecano). Ma la critica di danza non fa di queste
sottigliezze e lo usa un po’ a caso, perlopiù come semplice sinonimo di ‘coreografo’. Termine quest’ultimo assai bistrattato, talvolta sostituito anche da un’altra parola-valigia: coreo-autore (un’invenzione non nuova ritornata in auge, di cui Serge Lifar, se oggi
fosse vivo, si affretterebbe a rivendicare il copyright).
Piace pure molto (anche a me) il coreo-regista: come definire
altrimenti l’americano Robert Wilson? Con un tutt’altro senso calzerebbe bene anche al già citato Menegatti. Ma l’apoteosi dell’improbabile si raggiunge con il tele-coreo-autore (si trova anche: telecoreoautore): Franco Miseria o Marco Garofalo per
intenderci!
Altro termine snobbato è ‘danzatore’. Il critico italiano medio gli
preferisce ‘interprete’. Ma poiché ‘interprete’ ha una connotazione
forse troppo teatrale, ecco spuntare l’inutilissimo coreo-interprete.
Restiamo in attesa che qualche coreo-giornalista o coreo-storico dal piglio cruscante regolarizzi l’uso e l’ortografia di queste
indigeste (ma a volte inevitabili) macedonie.
Cristiano Merlo
LIBRI
Judson Dance Theater – di
Rossella Massaglia – Ed.
Ephemeria, 2011
Si vede che l’autrice, Rossella
Massaglia, ricercatrice di valore
formata all’Università di Bologna,
ha studiato con una partecipazione
totale l’argomento di questo libro,
utile a tutti gli “autori” di oggi per
acquisire la consapevolezza del
retroterra dal quale provengono.
Il Judson Dance Theater è stato
un colletttivo di artisti di New York
che in due anni, dal 1962 al 1964,
hanno sperimentato al Greenwich
Village tutto ciò che poi sarebbe
sfociato nella postmodern dance.
Qui lavoravano, fianco a fianco,
Steve Paxron, Trisha Brown,
Lucinda Childs, e Robert
Rauschenberg, che Cunningham
sceglierà come collaboratore di
scena plastico-visuale. Un fenomeno di “controcultura” alle soglie del
famoso ’68, che combatteva in
modo radicale i tecnicismi
codificati senza valori artistici.
Nell’introduzione si trova la
storia di questo gruppo
straordinario, raccontata
con chiarezza; è bello riflettere su certi temi presenti nel volume, dove si
toccano tanti punti chiave,
come i compromessi e
potenzialità della creazione collettiva. Cronologia e
bibliografia sono un modello di completezza.
Danze di carattere – di
Joulia Sofina – Alfredo
Ferrero Editore, 2011
Le danze di carattere –
quelle della tradizione popolare, rimodellate e stilizzate dalla danza accademica – rappresentano un
tratto di colore e di vivacità del balletto romantico. Dai
divertissements dello Schiaccianoci e del Lago dei cigni a
Raymonda, da Don Chisciotte a
Coppélia alla Bayadère, danze di
tradizione slava, ungherese o spagnola, del vicino o del lontano
oriente hanno arricchito l’arte coreografica dell’Ottocento e ne sono
diventate un elemento appunto
“caratteristico”. È dunque naturale che nelle scuole, alle lezioni di
danza classica, repertorio e passo a due, si aggiungano anche
quelle di danza di carattere.
Questo libro (più di 600 pagine)
è un manuale di tecnica e di didattica delle danze di carattere
accademiche, indirizzato principalmente agli insegnanti di danza
ItaliaDanza 7
classica. L’autrice è Ioulia Sofina,
maestra russa specialista del genere, che ha studiato in diverse
scuole in Russia (paese che vanta
una lunga tradizione nell’insegnamento di queste danze) ed attiva
in Italia dal 1998.
Dopo una parte introduttiva con
cenni storici, si trova il programma di studio per i cinque anni canonici (la Sofina usa come riferimento il metodo dell’Accademia
Vaganova di San Pietroburgo) e
l’analisi degli aspetti tecnici e
stilistici delle diverse danze di carattere accademiche, ma anche
di quelle propriamente
folkloristiche, divise per area geografica. Per esempio, chi fosse
interessato alla mazurka, troverà
nel capitolo sulle danze polacche
il racconto delle sue origini cinquecentesche e contadine, il suo passaggio a danza di sala e la sua
fortunata introduzione nel ballet-
to romantico. In seguito sono descritti, con le indicazioni dei tempi musicali, le posizione delle braccia e della parte superiore del corpo,
i passi base e quelli più complessi, dal tipico pas couru al golubez
(che la mazurka condivide con altre danze di tradizione ungherese).
Si trovano infine esemplificazioni
di esercizi o mini-coreografie da
eseguire in classe.
Il volume è ricco di utili illustrazioni
dimostrative, immagini storiche e
d’archivio e bozzetti della stessa
autrice (molto attenta alla cura del
costume).
Il libro si può acquistare al sito della
casa
editrice:
www.alfredoferreroeditore.it.
Cristiano Merlo
ItaliaDanza 8

ItaliaDanza - Balletto Oggi

Transcription

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