Comparaison 5 : De Heem – Richter

Comparaison 5 : De Heem – Richter
La nature morte
Au XVIIe siècle, la nature morte comme genre de peinture fait son apparition dans l’Europe
continentale. Ces œuvres sont caractérisées par la représentation d’objets inanimés et
d’éléments du monde terrestre. Elles servent surtout à démontrer la virtuosité de l’artiste. Le
genre de la nature morte atteint son apogée en Hollande, une société démocratique avec une
économie de marché. Premiers cultivateurs de fleurs de l’Europe de l’Ouest et bons vivants, les
Hollandais excellent dans la production en série de natures mortes.
Dans une nature morte, le choix des objets est très significatif. Habituellement, les artistes
emploient des symboles pour coder les significations. Le type de nature morte appelée vanité,
qui évoque non pas la gloire personnelle mais la futilité des biens terrestres, est composé
d’objets suggérant le caractère éphémère de la vie. À l’époque, les gens connaissent
l’avertissement : « Vanité des vanités, tout n’est que vanité. Quel profit l’homme tire-t-il de
tout son travail sous le soleil? Une génération s’éteint, une autre naît. » À cette époque, les
gens achètent souvent ces tableaux sur le marché libre parce qu’ils représentent des leçons de
morale.
Nature morte aux fruits et papillons v. 1645-1655 – Jan Davidz De Heem
Que voyez-vous dans ce tableau?
Un bol en porcelaine de Chine rempli d’une sélection de fruits.
Énumérez certains des fruits
Des groseilles, des prunes, des pêches, des oranges, des cerises et des cassis.
Qu’y a-t-il d’inhabituel dans ce choix de fruits?
Les fruits proviennent de différentes saisons et de différentes parties du monde. Par exemple,
les oranges et les pêches.
Quels sont les objets animés?
Des chenilles, des papillons, des fourmis, des coccinelles et d’autres petits insectes.
Qu’indiquent les mouches et les insectes sur les fruits?
Les pêches qui grouillent de fourmis, le citron pelé ou la moitié d’orange mangée indique que
les fruits sont très mûrs et commencent à pourrir.
Pourquoi l’artiste nous présente-t-il des articles de luxe?
Pour illustrer sa maîtrise technique, l’artiste a soigneusement composé cette œuvre et son
éclairage. La porcelaine de Chine à la mode importée par la Compagnie des Indes néerlandaise
est en elle-même un produit de luxe.
Au moment où l’artiste nous présente ces produits de luxe, il évoque leur destruction.
Pourquoi?
À première vue, la nature morte évoque la générosité de la terre, mais une mouche a piqué le
fruit, un indice que tout périt avec le temps. L’artiste nous dit que la vie est éphémère, qu’avec
le temps, tout se détruit. Nous vivons, nous mourons. Voilà le thème de la vanité.
Quels sont les symboles cachés dans ce tableau qui contribuent au thème de la vanité?
La mouche a piqué le fruit. Le fruit est périssable comme nous le sommes et évoque la fugacité
de la vie. Les fruits ne proviennent pas tous de la même saison, ce qui évoque le passage du
temps. L’artiste représente les diverses phases de l’évolution d’un papillon : de la larve au
papillon. Voilà symbolisées les différentes étapes de la vie, le cycle de la vie. Les papillons sont
également souvent associés à l’âme des morts. Tout comme le fruit qui s’abîme et les insectes
qui se métamorphosent, la vie humaine est éphémère.
À votre avis, pourquoi les artistes ont-ils choisi le thème de la vanité dans leur travail à cette
époque?
La vanité était une façon pour les artistes d’adhérer à la théologie calviniste et d’offrir des
signes d’avertissement sur la manière dont l’homme perd son temps en frivolités. Dans cette
œuvre, on observe le cycle de la vie, ses dons et sa fugacité. À cette époque, on apprenait aux
chrétiens à passer leur vie à préparer leur mort.
Comment décririez-vous l’espace dans ce tableau?
La profondeur de la composition est obtenue par des éléments architecturaux comme la table à
l’avant-plan et les effets d’ombre et de lumière. Le trompe-l’œil est rehaussé par l’ombre
projetée par le clou sur le mur de pierre.
La nature morte
Au XXIe siècle, peut-on appliquer les mêmes principes de recherche à ce genre riche et
complexe? La nature morte a-t-elle toujours le même sens qu’elle avait dans la Hollande du
XVIIe siècle?
Lis 2000 – Gerhard Richter
Que voyez-vous dans ce tableau?
Un bouquet de lis blancs dans un vase en verre déposé sur une table.
À votre avis, pourquoi l’artiste a-t-il choisi le lis?
Cette fleur magnifique est populaire auprès des artistes depuis toujours, particulièrement à la
Renaissance.
Le lis a-t-il une valeur symbolique?
On associe habituellement le lis au printemps et à Pâques. Ce lis blanc est un symbole chrétien
traditionnel de pureté, de chasteté et de virginité. On l’associe souvent à la Vierge Marie et il
apparaît souvent dans les tableaux sur l’Annonciation.
La transparence du vase en verre a-t-elle une signification?
Le vase en verre est également un symbole fréquent de l’Annonciation : parce qu’il est clair, le
verre symbolise la pureté parfaite de la Vierge.
Qu’est-ce qui est frappant dans ce tableau?
Bien que son exécution soit extrêmement soignée, l’image est dépourvue de contours nets et
frise l’abstraction. L’artiste a évité les coups de pinceau et a étalé la peinture le plus également
possible. Elle ressemble à une photo floue.
Jusqu’à quel point l’artiste a-t-il soigné la composition du tableau?
La toile est divisée en deux par une puissante horizontale. Dans le champ supérieur, l’espace
au-dessus de la ligne de la table, les objets qui représentent le monde matériel ont un volume
mesurable. Sous la ligne, dans le monde immatériel, le vase, les fleurs et les feuilles sont
transformés en ombres abstraites.
Quel est le rôle de la lumière dans ce tableau?
Une puissante source lumineuse à l’extérieur du tableau illumine les fleurs d’en haut et
projette un motif hachuré d’ombres sur la surface de la table.
À votre avis, pourquoi l’artiste a-t-il choisi de brouiller l’image?
Si l’artiste tente de saisir la beauté fugace des fleurs, le flou de l’image rend visible le passage
de l’espace et du temps comme si l’on voyait ces fleurs depuis la fenêtre d’un train rapide.
Quel est le thème du tableau?
Habituellement, le passage du temps indique une vanité. Nous savons que ce thème a exercé
une forte influence sur l’imagination de Richter. Bien des artistes l’ont utilisé historiquement
comme un rappel de la fragilité de la vie humaine et de la fugacité des plaisirs terrestres
devant la certitude de la mort.
Les couleurs de ce tableau possèdent un sens. Comment les décririez-vous?
Les couleurs sont surtout chaudes, des jaunes crémeux et des rouges vin. Nous savons aussi
que la palette de Lis ressemble à celle d’une série de tableaux que Richter a faits en 1973 et qu’il
a intitulé L’Annonciation d’après Titien; c’est-à-dire qu’ils sont tous inspirés de L’Annonciation
de Titien à la Scuola di San Rocco de Venise.
Aujourd’hui, quelle pourrait être la valeur de la nature morte?
Lis symbolise la fragilité de la vie et la vanité des désirs terrestres devant la certitude de la
mort. Richter désire montrer que ce genre très ancien dont nous avons encore besoin et que
nous continuons d’aimer, est toujours plein de vitalité.