Mise en contexte Enjeux culturels Principaux artistes La perspective

Renaissance_-_art_florentin
Mise en contexte
Voir Renaissance
Enjeux culturels
La Renaissance artistique de Florence vers la fin du XIVe et le début du XVe siècle a un impact considérable sur le
reste de l?Europe. La pensée humaniste naissante, ainsi que les savoir-faire scientifiques et mathématiques qui ne
cessaient de se développer, amène une vision nouvelle à cette ère. L?art de cette période n?y échappe pas, et les
avancées citées plus haut donneront naissance à de nouvelles techniques artistiques aux particularités propres à la
Renaissance.
La Renaissance se caractérise par la volonté de faire revivre la culture antique sous tous ses aspects, de redécouvrir
les acquis des anciens savoirs puisque cela semblait être l?apogée des possibilités créatrices, et de les confronter
avec les récentes découvertes scientifiques. Construire des édifices publics, créer des infrastructures urbaines,
favoriser le travail des artistes de la Renaissance et des penseurs humanistes, tout cela ne saurait se faire sans le
financement des mécènes. Ces derniers demandent aux artistes de travailler à leur propre glorification pour exalter
leur pouvoir. Ils se servent souvent de l?art pour orchestrer d?habiles campagnes de propagande. Puisque la
Renaissance idéalise tout ce qui est lié à l?Antiquité gréco-romaine, les mécènes demandent aux artistes de les
représenter sous les traits de grands hommes politiques de cette époque (comme Jules César), de héros mythiques
(comme Jupiter ou Hercule) ou même de personnages bibliques (comme Moïse). Grâce à leurs connaissances en
génie, les artistes assistent aussi les ingénieurs dans leur travail. Les artistes de la Renaissance ont la forte
impression qu?ils font revivre l?art des Anciens. Ils s?efforcent de représenter un idéal humain, avec des corps
justement proportionnés et nus la plupart du temps. Dans le souci de réalisme, ils étudient autant la géométrie que
les techniques artistiques afin d?être en mesure de peindre des tableaux donnant une illusion de perspective. Ils
étudient aussi l?anatomie humaine, dont la position des muscles, des nerfs et des os, de même que les proportions,
le mouvement et l?expression faciale. Les artistes abandonnent aussi le statut anonyme et corporatif afin d?accéder
à la dignité d?intellectuel.
Principaux artistes
• Brunelleschi, Filippo (Florence 1377 - lieu inconnu 1446)
• Donato di Niccolò di Betto Bardi, dit Donatello (Florence 1386 - lieu inconnu 1466)
• Tommaso di Giovanni Cassai, dit Masaccio (San Gionanni Valdarno 1401 - Rome 1428)
• Alessandro di Mariano di Vinni Filippi, dit Sandro Botticelli (Florence entre 1444-1445 - Florence 1510)
• Leonard de Vinci (Vinci 1452 - Ambroise 1519)
• Michelangelo di Ludovico Buonarotti Simoni, dit Michel-Ange (Caprese 1477 - Rome 1564)
• Raffaello Sanzio da Urbino, dit Raphaël (Urbino 1483 - Rome 1520)
La perspective linéaire
En fait, une foule de facteurs font en sorte que l?art de cette époque est autant particulier. Par contre, la plus grande
cause de cette particularité est sans doute due à la découverte de la perspective linéaire[1] par Brunelleschi. Cette
perspective était cependant visible sous d?autres formes d?arts de l?Antiquité, mais c?est ce dernier qui en
approfondit tous les aspects. Avec le courant humaniste, le but des artistes de l?époque est de recréer l?homme
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dans les ?uvres le plus fidèlement et le plus naturellement possible. Il y a une recherche afin de présenter l??uvre
comme si le sujet est devant et c?est ce que Brunelleschi tenta d?atteindre. Ce dernier, avec cette découverte, a
complètement révolutionné la façon de faire des artistes de l?époque. Il faut savoir que, par le passé, les artistes ne
se donnaient pas la peine de représenter leurs sujets avec un effet de profondeur, car ce qui importait, était les
personnages et les scènes représentées, qui, pour la plupart du temps, étaient bibliques.
La perspective linéaire, étant surtout d?ordre pratique, sera mise en théorie par Leon Battista Alberti qui, vers le
milieu du XVe siècle, en fait un ouvrage mathématique. De par ce fait, cette nouvelle façon de faire commence à se
répandre à l?extérieur de Florence, lieu où elle avait pris naissance. Désormais, les peintres commencent à utiliser
le point de fuite central, qui est un point déterminé par le regard de l?observateur, de par lequel l?artisan base ses
croquis afin de donner une certaine profondeur à l??uvre. D?où l?effet de dimension visible à l??il. Cela permet
également à l?artiste d?orienter le regard du spectateur vers le sujet premier de sa création.
Le Sfumato
Vers la fin du XVe siècle, on fait la découverte d'une autre technique importante : celle du Sfumato.Inventée par
nul autre que Leonard De Vinci, cette méthode consiste à ajouter un effet de clair-obscur, une sorte de voile
brumeux et flou autour de l??uvre, en y ajoutant sur plusieurs étages, de fines couches de peinture. C?est d?ailleurs
une des principales caractéristiques du tableau de La Joconde[2], qui est sans aucun doute la plus connue de ses
peintures.
Caractéristiques iconographiques et formelles
À cette époque, les artistes tentaient de représenter l'homme dans toute sa gloire et sa nature comme le prouvent les
différentes techniques présentées ci-haut. L'Église San Lorenzo est un magnifique exemple de la perspective
linéaire.
Notes et références
1. ? Gérard, LEGRAND. L?art de la Renaissance, Bologne, Éditions Larousse, 1999, p.54
2. ? Angèle,DEQUIER. Leonard de Vinci ,[En ligne], 2007, [1] (page consultée le 20 mars 2013)
Page créée par : Marianne Blanchard, Myriam Clément, Rosalie Grimard-Mongrain et Mélissa Lebeault le jeudi 21
mars 2013
La perspective linéaire
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