Programme du soir

Jazz & beyond
Dimanche / Sonntag / Sunday
09.03.2014 20:00
Grand Auditorium
Joshua Redman Quartet
Joshua Redman saxophones
Aaron Goldberg piano
Reuben Rogers double bass
Gregory Hutchinson drums
~90’ sans entracte / ohne Pause
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Sur un fil
Joshua Redman
Guillaume Bregeras
Étrange équilibre avec lequel Joshua Redman traverse les années.
En construisant une carrière propre et maline, le saxophoniste
iconoclaste des années 1990 trace une route rectiligne. Sans embûche. Poli, éduqué, déférent envers ses aînés, Joshua Redman
ressemble au gendre idéal. Au compagnon de route parfait. Le
tout enveloppé dans une image où s’affiche un sourire à ‹un million de dollars›, comme aiment à résumer ses compatriotes américains. Mais qui se cache réellement derrière le saxophoniste le
plus doué de sa génération, celle qui vu grandir James Carter,
Brandford Marsalis et Craig Handy notamment?
Un travailleur acharné tout d’abord. Quiconque a pu l’observer en tournée peut rendre compte de sa manière compulsive à
manipuler sans cesse son instrument. De ses propres mots: «je
répète tout le temps», on retient la seconde partie. Comme ses
mentors, Sonny Rollins en tête, il réalise des gammes dès le matin jusqu’à quelques minutes de chaque concert. La ponctuation
de ses solos par des triolets qui est sa marque de fabrique doit
tout à cet acharnement. Et quelle que soit la formation dans laquelle il évolue, du trio au grand orchestre, c’est avec la même
minutie qu’il prépare et rédige le cadre dans lequel il va évoluer.
Car contrairement à certains de ses pairs, plus attirés par la descendance ‹free› du jazz, Joshua Redman privilégie l’improvisation avec filet: «Je pense que la structure est importante. Je ne sais pas
si je suis un structuraliste et je ne sais pas ce que cela veut vraiment dire
transposé au jazz. Mais la structure est une composante essentielle pour
l’objectif que l’on atteint en jouant de la musique. Le format d’un morceau ou d’une improvisation a certainement un lien très fort avec l’histoire que vous racontez en musique.»
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Une structure d’autant plus importante pour le fils d’un des
saxophonistes les plus réputés dans le style ‹libre› né de la révolte
afro-américaine dans les années 1960. Son père Dewey Redman,
comme Ornette Coleman, à qui il voue un culte plus discret
qu’à Sonny Rollins, ont déjà tout défriché. Pour exister, il lui a
donc fallu s’affranchir. Diplômé d’Harvard en sciences sociales,
accepté à l’université de Yale et destiné à une carrière lucrative
d’avocat, il a choisi la musique. Puis le jazz. Et New York. Logique pour un saxophoniste ténor et soprano.
Mais alors, comment se dépêtrer de l’ombre paternelle, davantage présente aux yeux du public et des critiques qu’à ceux du
fils prodigue dont il a grandi éloigné? En passant une à une les
étapes balisées par la guilde des jazzmen qui l’ont précédé: trouver un maximum d’engagements auprès de musiciens plus âgés
pour obtenir la reconnaissance du sérail. Puis jouer tous les soirs
dans des jam sessions avec les meilleurs de sa génération afin de
démontrer son talent, son ambition.
Mais cela ne suffit pas. Dans chaque parcours atypique se glisse
une dose de chance. Celle de Joshua Redman est d’évoluer dans
un contexte économique très favorable au jazz. Les années 1990
ressemblent sur ce point aux années 1960 avec l’émergence
d’une classe de musiciens hors pair, mais aussi de producteurs
besogneux. Ces derniers opèrent dans l’ombre et négocient le
retour du jazz dans les plus grands labels, qu’on appelle encore
à l’époque les «Majors». Chacun identifie son Messie et investit
massivement. Les élus sont alors signés pour plusieurs disques et
reçoivent des avances faramineuses au regard de la réalité d’un
marché qui tend à se marginaliser.
Pour Joshua, ce sera Warner. Pour d’autres, Sony ou BMG… Un
bon choix puisque son label lui permet d’enregistrer rapidement
ses premiers disques, qui reflètent l’univers du jeune saxophoniste, et attirent l’oreille des critiques. La musique est pointue
mais accessible, le mix entre compositions originales et standards parfait… toujours ce subtil équilibre!
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Il incarne alors parfaitement l’opposition de style que la presse
tente de créer entre les jeunes loups qui émergent de partout. Et
surtout à New York: «Un trait de caractère unique définissant ma génération est que nous avons grandi dans une controverse générale entretenue par la presse opposant les visions moderne et traditionnelle du jazz.
Et lorsque je suis arrivé à New York en 1991, c’était un débat récurrent.
C’est comme si on vous incitait à choisir, à prendre parti pour une vision
d’un jazz acoustique classique, ou à faire quelque chose de radicalement
différent, révolutionnaire. Certains musiciens ont accepté cette vision dichotomique et ont choisi. D’autres ont résisté pour essayer de travailler
avec des langages différents, plus variés et je pense appartenir à cette catégorie.»
En équilibre entre les deux côtés de l’échiquier, Joshua Redman
se trouve finalement être le plus libre de tous. De très loin. Jamais contraint dans un exposé trop intellectualiste ou dans un
pastiche antidaté, il publie un album par an les dix premières années de sa vie discographique. Toujours au centre de son jeu et
de son répertoire, un groove méthodique, implacable. À chaque
concert, il faut être le témoin du regard et des cris extatiques du
public qui ponctuent le climax de ses improvisations. Cela devient quasiment une routine – de celles dont on ne se lasse pas.
Aller écouter Redman et son quartette est alors une valeur sûre.
Que ce soit dans un club bondé ou dans une salle vouée à la
musique classique, il arrive à embarquer tout le monde, comme
Sonny Rollins, son seul vrai modèle finalement, le faisait avant
lui. S’il avoue que le Colosse du saxophone «est de loin ma plus
forte influence», au point d’avoir du mal à garder de la distance
lorsqu’il l’interviewe pour le magazine Jazz Times en 2005, il n’en
garde pas moins une vision détachée. Ce qui lui a notamment
permis de maintenir la presse éloignée des comparaisons, si difficiles à vivre pour ceux qui, au même âge, souffraient d’un raccourci trop hâtif avec tel ou tel maître du passé.
Une presse dont il a su parfaitement jouer en préservant là aussi un équilibre entre proximité apparente et réel éloignement:
«Lorsque j’étais jeune, j’attachais beaucoup d’importance aux livrets ac4
compagnant les disques. J’adorais lire des critiques et des analyses sur la
musique. Et lorsque je suis arrivé à New York, j’en lisais souvent sur des
concerts auxquels j’avais assisté, notamment dans le New York Times.
Par contre, je n’en ai jamais tenu compte dans ma musique lorsqu’elles
me concernaient. J’ai toujours privilégié l’autocritique, ce qui d’ailleurs
me paralysait même parfois à l’idée de jouer par la suite.»
Là encore, à une question personnelle sur son rapport avec les
médias qui l’ont tant porté au début de sa carrière, le saxophoniste emmène son interlocuteur vers un sujet plus vaste et plus
lointain. Joshua Redman possède un sens aiguisé du rapport aux
gens. Un sens quasi politique, inné, qui lui attire à la fois la sympathie des gens et le respect des personnes de pouvoir. Ce n’est
finalement peut-être pas un hasard qu’il obtienne son diplôme à
Harvard la même année que Barack Obama dont il dira simplement quelques jours après sa première élection à la présidence
des États-Unis: «chaque morceau que nous avons joué jusqu’ici était
pour Obama. Tout le jazz soutenait Obama avant même de le savoir!»
Métisse lui aussi.
Il a en commun avec le premier président afro-américain de l’histoire de son pays, une enfance passée exclusivement au côté
de sa mère à cause d’un père absent. Et dans le cas de Redman,
c’est naturellement vers l’art que la danseuse Renee Shedroff
l’a amené. L’exposant dès le plus jeune âge à des sons lointains
comme ceux de la musique carnatique indienne ou moyenorientale. Ce qui transpirera toujours de manière très subtile
dans ses créations et improvisations.
Car Joshua est obsédé par autre chose que les influences ethniques ou mélodiques trop évidentes dans sa musique. Là encore, il préserve l’équilibre là ou d’autres, comme John Zorn par
exemple, foncent tête baissée dans un genre stylistique connoté.
Ses obsessions varient au fil des années. D’abord préoccupé par
la mélodie, par le rythme, puis par l’harmonie, il s’attache de
plus en plus à aborder la musique en fonction de l’espace sonore, des timbres et de la texture même de ce qu’il en ressort:
«Lorsque l’on songe aux différents aspects de la musique, on raisonne
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d’abord en termes de rythme, de mélodie, d’harmonie et de structure. Et
en tant que jazzman, c’est d’abord ce que j’ai exploré. Puis, à mesure
que je me suis senti plus à l’aise avec ces éléments, et gagnant peut-être
aussi en sensibilité et en subtilité, je me suis davantage préoccupé de la
texture du son.»
Mais pour être certain de ne jamais tomber trop loin de ce qui
a fait son succès, ce père attentif s’entoure de compagnons de
route qui gravitent dans la même galaxie musicale depuis 25 ans.
Ce qui garantit, au-delà de toute notion esthétique, une forte
propension pour le jeu, au sens premier: celui d’en tirer le maximum de plaisir.
Le plaisir comme pierre angulaire? N’oublions pas, des nombreux talentueux saxophonistes de sa génération, Joshua Redman est le plus perméable aux éléments extérieurs, le plus opiniâtre et le plus joueur. Le plus concentré aussi. Et ce malgré un
passage difficile de deux ans dont rien ne transpire, si ce n’est
une plus grande richesse et profondeur dans la construction de
ses compositions, où il continue invariablement à imposer sa vision: «La perte de mon père et la naissance de mon fils à quelques mois
d’intervalle en 2006 sont deux événements très marquants dans ma vie.
C’était à la fois joyeux et inspirant, triste et mélancolique à la fois. Il est
certain que cela m’a touché et les répercussions, peut-être même les luttes
que j’ai connues les deux années suivantes y sont directement liées.»
Un trou d’air qui n’aura pas d’impact négatif sur sa vie professionnelle. Deux événements antagonistes qui arrivent au cours
d’une même année, comme si le sort le forçait lui aussi à se
maintenir sur ses deux pieds, parfaitement équilibré entre des
émotions opposées, sans jamais privilégier totalement une face
de l’histoire plutôt que l’autre. Pour le faire basculer dans une
nouvelle partie de sa vie, moins en prise avec son passé et toujours aussi libre. Mais avec encore plus de choses à dire: «Lorsque
vous devenez plus mature, tout ce que vous avez appris est intégré, et
vous avez davantage de choses à dire, votre voix est encore plus unique.»
Et de la génération dorée des années 1990, Joshua Redman en
est assurément l’exemple le plus parfait.
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Ein starker Charakter
Joshua Redman
Thomas Schöffner
Joshua Redman ist älter geworden. Und das ist gut so. «Nun, wo
die Hälfte meines Lebens hinter mir liegt und ich viel erlebt habe, bin ich
ein besserer Song-Interpret, als ich es mit 22 war», gab er gerade zu.
Und hat sich zuletzt mit langjährigen musikalischen Freunden
wie Brad Mehldau und Brian Blade an ein reines Balladen-Album gewagt. Mit Orchesterbegleitung. Was von einigem Selbstvertrauen zeugt. Denn um die Beatles, Johann Sebastian Bach
und Kern & Hammerstein tatsächlich als echte Lyrik und nicht
als unechten Kitsch zu präsentieren, braucht man einen starken
Charakter. Und den hat Redman längst ausgebildet. Zur herausragenden Technik und kraftvollen Experimentierfreude gesellt
sich nun auch die Erfahrung, die in jedem Ton hörbar ist. Sein
aktuelles Programm besteht sowohl aus einigen neuen Balladen
als auch aus groovenden Eigenkompositionen. Auf der Bühne
steht mit ihm seine eingespielte Band: der wunderbar variable
Aaron Goldberg am Klavier, Reuben Rogers mit seinem atmenden Bass-Spiel und der mit großem Einfühlungsvermögen trommelnde Greg Hutchinson.
«Eine gewisse Naivität»
Joshua Redman, 1969 in Berkeley, Kalifornien geboren, hatte
wenig von seinem berühmten Vater. Der Tenor-Saxophonist
Dewey Redman war zu eben jener Zeit an der Seite von Ornette
Coleman damit beschäftigt, den herkömmlichen Jazz endgültig
aufzubrechen. Und lebte getrennt von seinem Sohn und dessen
Mutter, einer studierten Tänzerin. «Meine Lehrer waren die Platten –
Dexter Gordon, John Coltrane und Ben Webster», gibt Joshua Redman
zu. Und neben Sonny Rollins, den Redman als musikalischen
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Geschichten-Erzähler verehrt, ist es ganz besonders Coltrane,
dessen Intensität ihn stets begeisterte. «Unter der komplexen Struktur
von Jazz-Musik liegt Inspiration, Leidenschaft, Emotion», findet Redman, «und keiner hat diese Essenzen eindrucksvoller vermittelt als John
Coltrane.»
Im Alter von sechs Jahren nahm Redman die Gitarre, mit zehn
dann das Saxophon zur Hand. Und spielte bald im Berkeley
Highschool Jazz Ensemble. Man muss es betonen: Redman
war Autodidakt, er hat sich sein Können tatsächlich selbst beigebracht. Und weil Musik für ihn immer ein großer Spaß war,
sahen seine ernsten Zukunftspläne eigentlich ganz anders aus:
Anwalt wollte er werden. Er schloss 1991 die Harvard University summa cum laude ab und hatte bereits seine Zulassung für
die privilegierte Yale Law School in der Tasche. Dann kam der
Moment, den Redman immer wieder als «Glück» umschreibt:
Er nahm sich ein paar Monate Auszeit, zog zu Freunden nach
New York, jammte ein wenig in den Clubs – und gewann im
Herbst 1991 den renommierten Thelonious Monk International
Jazz Saxophon Wettbewerb. «Da waren Musiker dabei, die eigentlich viel besser waren als ich», gibt er heute zu, «aber vielleicht war es
eine spezielle Energie von mir oder eine gewissen Naivität.» Oder doch
einfach seine große Begabung. Denn schnell nahm er Platten
mit Legenden wie Elvin Jones auf und bekam selbst einen Plattenvertrag bei einem Major.
Zwischen 1993 und 1996 veröffentlichte Redman sechs CDs unter
seinem eigenen Namen. Gleich sein Debüt «Joshua Redman»
wurde für den Grammy nominiert. Auf «Wish» begleiteten ihn
eine Allstarband aus Pat Metheny, Charlie Haden und Billy Higgins. Bei «Moodswing» ging Redman mit der neuen Jazz-Generation auf musikalische Erkundungstour: mit Brad Mehldau,
Christian McBride und Brian Blade – heute allesamt längst von
jungen Löwen zu Topstars gereift. Erstaunlich erwachsen klang
Redman bereits damals, mit einem runden, ausdrucksstarken Ton,
mit dem er seine perfekt artikulierten Melodien durch die Balladen kreisen ließ und die Midtempo-Stücke mit gehöriger Power
anging. Gemeinsam mit Brian Blade und Keyboarder Sam Yahel
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Joshua Redman Quartet
(photo: Arne Reimer)
formierte Redman zu Beginn der 2000er Jahre die Joshua Redman
Elastic Band. Auf den Spuren von Weather Report machten sie
hart groovenden Elektro-Jazz, der immer nach neuen rhythmischen und melodischen Ideen strebte. 2004 übernahm er für drei
Jahre die künstlerische Leitung des neu gegründeten SFJazz Collectives, eines herausragenden Westküsten-Ensembles, und formierte daraus vor Kurzem auch sein Projekt James Farm.
Langjährige Weggefährten
«Ich bin in einem Haushalt aufgewachsen, wo man Ornette Coleman
gleich nach Otis Redding hören konnte», erinnert sich Redman, «wo
‹A Love Supreme› und ‹Sergeant Peppers› beide in der Heavy Rotation liefen.» So ist es kaum verwunderlich, dass er längst auch
Pop- und Rockmusik in seine ganz eigene Sprache des Jazz übersetzt. Zuletzt in engem Austausch mit einem langjährigen Weggefährten: Pianist Brad Mehldau. Neben ihrer gemeinsamen
Liebe für Pop- und Rockmusik sind beide auch selbstbewusste
Anhänger melancholischer und getragener Sounds. Auf mehreren aktuellen Einspielungen inspirieren sie sich dabei gegenseitig. Mehldaus elegisches Großwerk «Highway Rider» lebt etwa
im programmatischen Titel «Don’t be sad» von Joshua Redmans
nachdenklich singendem Tenor.
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Auf Redmans aktueller CD «Walking Shadows» spielt Mehldau
nun das Klavier und hat die Orchesterbegleitung instrumentiert.
Mit klassischer Eleganz schmiegen sich die Streicher um Redmans Träumereien. Den Titel des Albums fand Redman in einem Macbeth-Monolog von Shakespeare. «Ich mochte die Bilder,
die dieser Titel heraufbeschwört», erklärt er, «er suggeriert Stille, langsame und sanfte Bewegungen, das Widerspiel von Hell und Dunkel.»
Beim Standard «Lush Life» geht Redmans klarer Tenorton eine
feine Konversation mit den Streichern ein und erhebt sich dann
voller Spieldrang aus der gleichsam sparsamen wie höchst melodischer Begleitung von Klavier, Bass und Drums. Den Pop-Songs
widmet Redman besondere Aufmerksamkeit. Paul McCartneys
«Let it be» interpretiert er als einen «Country Gospel Song mit
einem einfachen, entspannten Zugang», wie er selbst beschreibt.
Und «Doll is mine» von der Indie Band Blond Readhead reduziert
er auf eine beinahe magische zeitlupenhafte Begleitung.
«Ich habe schon sehr lange mit der Idee geliebäugelt, ein Balladen-Album
aufzunehmen, fühlte mich aber nie bereit dazu», gibt Redman zu.
Und ergänzt: «Weder technisch noch als Person.» Vielleicht sind es
wirklich die Erfahrungen, die Redmans Musik von Jahr zu Jahr
immer stärker gemacht haben. Etwa die Erlebnisse des Jahres
2006, als erst sein Sohn Jadon geboren wurde und wenig später
sein Vater starb, mit dem er gerade an einem gemeinsam Album
gearbeitet hatte. Auf jeden Fall hat er seiner Musik über die Zeit
viele Bedeutungsschichten hinzugefügt. Seine engsten musikalischen Vertrauten blieben dabei stets dieselben. Auch die Band,
mit der er sein neues Programm in der Philharmonie präsentiert,
gehört zum engen Redman-Zirkel. Auf die fein ausdifferenzierten Rhythmen des 1970 in Brooklyn geborenen Drummers Greg
Hutchinson, den Dianne Reeves ein «absolutes Genie» nannte,
setzte Redman schon auf seiner Debüt-CD vor zwanzig Jahren.
Hutchinson spielte als Teenager mit Trompeter Red Rodney,
wurde ins Trio von Sängerin Betty Carter und bald auch ins Trio
von Ray Brown berufen. Er feuert mit großer Raffinesse seit Langem das Roy Hargrove Trio an und hat viele weitere Topstars wie
Charles Lloyd, Diana Krall, und John Scofield auf unterschiedlichsten musikalischen Pfaden begleitet.
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Im Jahr 2000 konnte man Hutchinson schließlich auf Joshua
Redmans CD «Beyond» erstmalig mit der famosen Gruppe hören, die bis zum heutigen Tag regelmäßig Redmans Musik auf
den großen Bühnen präsentiert. Am Bass steht der 1974 auf den
Jungferninseln geborene Reuben Rogers, der mit seinem Bachelor
vom Berklee College of Music nicht nur einen Titel, sondern
auch Erfahrung an der Seite von Jackie McLean, Wynton Marsalis und ebenfalls Roy Hargrove und Charles Lloyd vorzuweisen hat. Rogers’ kraftvoll nuanciertes Spiel machte auf «Beyond»
etwa «Belonging (Lopsided Lullaby)» zu einem feinfühlig drängenden Stück. Rogers’ Läufe bildeten mit Hutchinsons vielschichtig
zarten Percussion ein betörendes Rhythmusnetz. Gleichzeitig schien Hutchinson auf alle melodischen Kniffe in Redmans
Spiel die passende Antwort zu haben. Als «Wunschlisten-Quartett» bezeichnete der Bandleader bereits damals seine Gruppe.
Pianist Aaron Goldberg lieferte sich beim gleichen Stück einen
kraftvollen Dialog mit Redmans Sax, groovte dabei cool durch
alle Lagen und begeisterte mit vibrierenden Oszillaten. Goldberg
– 1974 in Boston geboren – studierte an der New School for
Jazz and Contemporary Music und hat mittlerweile sogar einen
Master in Analytischer Philosophie vorzuweisen. Er spielte mit
Wynton Marsalis und in seinem Trio und seiner Gruppe OAM
regelmäßig mit Reuben Rogers.
Redman, Park, Rogers und Hutchinson haben ihrem Œuvre mit
«Passage of Time» (2001) sogar ein ambitioniertes Konzeptalbum
hinzugefügt. Auf der Bühne geht es ihnen jedoch zentral um den
Spielspaß: «Es ist ein so großartiges Quartett, ein wirklich aufregende
Band», schwärmt Redman und erklärt für die aktuelle Tour weiter,
«wir werden unterschiedlichste Musik spielen. Einige Balladen von
‹Walking Shadows›, aber auch viele Up-Tempo-Nummern, Originalkompositionen genauso wie Standards.» Joshua Redman hat über
all die Jahre zu einer enormen Lockerheit gefunden. Beweisen
muss er niemand mehr etwas. Gepaart mit seinem neuen Enthusiasmus für die Melancholie macht ihn das unberechenbarer und
aufregender denn je.
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Interprètes
Biographies
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Joshua Redman Quartet
Le Joshua Redman Quartet, composé d’Aaron Goldberg,
Reuben Rogers et Gregory Hutchinson, interprétera ce soir une
musique nouvelle et originale ainsi que des classiques du jazz
écrits et sélectionnés tout spécialement pour lui par Joshua
Redman, mais aussi une sélection de titres extraits de l’album
aux accents lyriques et porté sur la ballade de Joshua Redman,
sorti en mai 2013, «Walking Shadows». La musique du groupe
se veut exigeante, provocatrice et visionnaire, mais également
animée, mélodique et expressive, ainsi qu’en lien avec l’idiome
jazzistique des années 1950 et 1960. Les musiciens exigent
d’eux-mêmes et de leur public une énergie et un engagement
profond, offrant à tous une musique joyeuse et festive.
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Joshua Redman Quartet
The Joshua Redman Quartet featuring Aaron Goldberg, Reuben
Rogers and Gregory Hutchinson will be performing new original
music and jazz classics that Redman wrote and chose specifically for this group of musicians, as well as selections from
Redman’s May 2013 release, «Walking Shadows», a balladsoriented album of lyrical music. This band’s music can be challenging, provocative, and forward-looking, but also hard-swinging, melodic, and soulful, with a strong link to the jazz idioms
of the 1950s and 1960s. The musicians demand serious energy
and engagement of themselves and their listeners, and create
music with a joyous and celebratory spirit.
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Joshua Redman
(photo: Michael Wilson)
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Joshua Redman saxophones
Creating his own take on the classic jazz-with-strings album was
the initial impetus for Joshua Redman’s «Walking Shadows»,
a collection of ballads, both vintage and contemporary, that can
be as eloquently moody and restless in feel as they are hauntingly beautiful and serene. With his friend and frequent collaborator, the pianist Brad Mehldau, on board as producer – the first
time Mehldau has assumed that role for a project other than
one of his own – Redman has retooled a familiar formula. The
jazz-with-strings concept serves as a starting point, as foundation and inspiration, for Redman’s exploration of an ambitiously
eclectic set of tunes performed in a variety of configurations.
The strings themselves are an active, emotive presence on the
six songs in which they are featured and their absence on other
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tracks only seems to heighten the drama of those more austerely arranged compositions. Redman and Mehldau culled material from the best of the Great American Songbook, including
«Easy Living», «Lush Life», «Stardust», and «The folks who live
on the hill». But they also looked much further afield, reframing
pieces from J.S. Bach (the Adagio from his organ Toccata in C)
to the Beatles («Let it be»), from a soulful John Mayer number
(«Stop this train») to the angular rock of New York indie stalwarts
Blonde Redhead («Doll is mine»), plus a few original tracks from
Redman and Mehldau. While the songs required an individualized approach, Redman and Mehldau managed to artfully fit
them all together to form a kind of seamless narrative, an often
brooding and melancholic one that seems to unfold, as the
Macbeth-derived album title suggests, between the light and
the dark. «The strings add a richness and a lushness, a romanticism and even a touch of nostalgia to the music», explains Redman. «But we also wanted that to be balanced with an intimacy
and a directness and a rawness, so as we started to think about
the different tunes, we also thought about the different possible configurations for them. There are six songs with strings,
but two of them don’t have the rhythm section. And there are
quartet songs, a couple of trio songs (one without bass, one
without piano), a duo song. We tried to explore a variety of instrumentation and texture in the course of making the record».
Redman cut Walking Shadows last September at Avatar in Manhattan with Mehldau on piano, longtime friends and collaborators Larry Grenadier and Brian Blade on bass and drums, and
15 orchestral players. James Farber engineered and Dan Coleman, who had previously worked with Mehldau on his 2010
Highway Rider release, served as conductor. Along with Mehldau, Coleman contributed string arrangements, as did composer Patrick Zimmerli, who’d written and arranged for Mehldau’s
2011 «Modern Music» duo-piano disc. The tracks were recorded live in the studio, the string parts included, making for an exciting, albeit high stakes, session that required both great attention to detail and plenty of improvisatory daring. Key to the recording, says Redman, «was trying to make sure we preserved
that sense of spontaneity and interactivity and conversation and
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surprise which is at the core of great small-group jazz, even in
contexts where we were playing along with this larger ensemble with strings. That was part of our job: to help make the orchestra sound as if it were genuinely a part of the improvisation
and conversation, of the ebb and flow, of the give and take,
even though, of course, the strings themselves weren’t really
improvising at all. It’s one of the reasons it was so important for
us to record everything live, with the strings at the same time,
as opposed to recording them in a session as an overdub,
which might have been technically and logistically a lot easier.
But musically, I think that would have made everything feel less
natural and integrated. And Brad, Larry, and Brian are all geniuses in that respect. They just instinctively know how to be completely open, free, and interactive in the moment, but at the
same time be fully aware of the larger context in which they’re
playing, and conscious of the overall texture and structure.
Above all, they’re always mindful of how everything is contributing to the development and interpretation of the song». In 1998,
Redman and these same players cut a well-received ballads
set as a quartet called «Timeless Tales (For Changing Times)»,
a then-meets-now effort that juxtaposed standards with repertoire from the likes of Prince, Joni Mitchell, and Bob Dylan. In
the 15 years since, Redman has developed a deeper appreciation for the songwriter’s craft, for the words as well as the music: «I did reference the lyrics to many of those ‹Timeless Tales›
songs, but I don’t think I let most of them sink in as much as
I did with this project. With ‹Walking Shadows›, my relationship
with the lyrics was much more immersive. And, in many cases,
it actually helped to determine which songs we might play and
how we might play them». Mehldau had brought up the possibility of cutting John Mayer’s «Stop this Train». As he recounts,
«Josh has such a way of getting at the heart of a song, and this
is a really great song. It has the kind of Beatles harmony that I
know is already part of his sensibility, so I knew that it wouldn’t
be a stretch for him». In its original form, «Stop this train» was
a sweetly boyish complaint about the inevitability of growing
up (and old). Redman’s expressive lead lends it more truly adult
sensibility. Continues Mehldau, «What I love about Josh’s per24
formance is the way he brought the blues into this kind of world
in the figuration he plays around the melody as it builds intensity. He took the song and made it jazz». Redman himself contributed perhaps the most left-field idea, Blonde Redhead’s «Doll
is mine», which he originally heard via his James Farm band
mates: «I never really imagined I’d play one of their songs, especially not in this context – for a jazz ballads record. My concept was to take the song and slow it down a lot, playing it almost like an old school soul ballad, but at the rehearsal Brian
Blade came up with a totally different approach to the drum
beat – something much more fluid, nuanced and subtle. It was
so much better than my concept, though it took me a few takes
in the studio to actually realize it. After the session, Brad and
I were listening and evaluating and we realized that ‹Doll is
mine› really had something unique in terms of atmosphere and
groove – very relaxed yet forward-moving, with natural heartfelt,
melancholic bluesy expression». Redman also guided the pop
benediction of Paul McCartney’s «Let it be» to a surprising
place: «I had this vision of almost playing it like a country gospel
song, a very simple, relaxed approach, with a little bluesy tinge
but a plainspoken directness. And that’s how we approached
the main melody. But then there is the tag where it gets more
extroverted and agitated, where it starts to really take off. It becomes the most hard-hitting small-group playing on the record.
I liked that contrast. I also feel it relates to a possible lyrical irony imbedded in the song. The lyrics of the first verse are obviously about being peaceful, about finding solace and comfort
in the midst of anxiety and trouble, about accepting things.
We play the song in that way at first; but the vamp at the end
is resisting that. There’s a tension, a refusal to let things be as
they are, a striving or longing for a better world, that perhaps
refers to the more idealistic, protest vibe implicit in the second
verse. We’re playing with messages, with lyrics». In other cases, the strings were very much part of the transformative process, supplying a real voice of their own throughout. Redman
says, «We wanted them to feel essential, not incidental, to the
music. They needed to be a critical part of the interpretation,
of the musical conversation. For example, the verse to ‹Lush life›»
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– arranged by Zimmerli – «has very active and prominent strings;
they’re playing key melodic figures. Actually, Patrick kind of
wrote that section so that it would sometimes sound like certain strings were ‹improvising› counter-lines against my pretty
straightforward statement of the verse melody. On the other
hand, with a song like ‹Let me down easy›, «the Redman original that serves as the album’s melancholic denouement, the
role of the strings feels maybe a bit more supportive and atmospheric with respect to the way Brad, Larry, Brian, and I are playing». Dan Coleman’s arrangement of Wayne Shorter’s «Infant
eyes», on which Redman switches from tenor to soprano sax,
perhaps falls somewhere in between: «I think in some ways
the melodic voice of the orchestra on that song might be enhanced by my improvisational approach. At times, I’m really trying to listen to and interact with the strings, taking some of the
ideas they throw out there and responding to them and elaborating on them, using them as the basis for further improvisation. The rhythm section is right in there with me, doing the
same thing, so overall it has a very conversational and interactive feel». Jazz-with-strings is a sub-genre that has produced
such milestones as Charlie Parker With Strings, Stan Getz’s
Focus, and Art Pepper’s «Winter Moon». Redman cites works
by Clifford Brown, Ben Webster, and Wynton Marsalis among
his personal favorites, as well as the vocal jazz recordings of
Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Frank Sinatra, and
Nat Cole. But it was after participating in Mehldau’s «Highway
Rider» sessions, and accompanying Mehldau on tour following
the double-disc’s release, that his interest was seriously piqued
to work in an orchestral setting – and he knew he had to get
Mehldau involved if he was going to do it: «I relate so strongly
to his aesthetic and we connect on so many levels. There’s really no one I could have trusted more – especially for a project
like this, with all the work that had to be done and all the decisions that had to be made, and with finding an honest and interesting and hopefully compelling way to integrate these two
worlds – the world of improvised jazz and the world of orchestrated strings». For this pair of old friends, the process didn’t
end at the tracking session’s conclusion. Finding the right place28
ment for the strings, defining their role within the overall mix,
was their final, and perhaps most crucial, task. Explains Redman, «This was something we spent a lot of time working on
and trying to make sure we got right for each song. I think
James Farber, our engineer, really did a brilliant job in that respect. And we had a really great working vibe at the mix with
him and Brad and me listening, evaluating, discussing and finally making the ‹right› decisions. We had our general concepts
and our assumptions and our philosophies. But we really had to
feel everything out on a case-by-case, song-by-song basis. So
much depended not only on the particular song and the particular arrangement, but also sometimes on the particular vibe of
the particular take we might have chosen. In the end, though,
I think we were striving for something that felt natural. We wanted the final mixes to be warm and lush and enveloping, even
comforting – after all, it is, essentially, a ballads album. But I
think we also didn’t necessarily want any aspects of the sonics
or the production to call too much attention to themselves. We
wanted to highlight the music, not the technique. We’d rather
people come away thinking ‹this music feels good› as opposed
to just ‹this record sounds great›». (Michael Hill)
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IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII JAZZ & BEYOND
Prochain concert du cycle «Jazz & beyond»
Nächstes Konzert in der Reihe «Jazz & beyond»
Next concert in the series «Jazz & beyond»
Mardi / Dienstag / Tuesday 01.04.2014 20:00
Grand Auditorium
Hiromi piano
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Stephan Gehmacher, Directeur Général
Responsable de la publication: Stephan Gehmacher
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Imprimé au Luxembourg par: Imprimerie Fr. Faber
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