Ravel, Adams, Rachmaninov

Ravel,
BRUSSELS
Adams,
PHILHARMONIC
Rachmaninov
Brussels Philharmonic
Stéphane Denève, dir.
Denis Kozhukhin, piano
donderdag / jeudi
04.02.2016 – 20:15
STUDIO 4
donderdag / jeudi
04.02.2016 – 20:15
STUDIO 4
Ravel, Adams, Rachmaninov
Brussels Philharmonic
Stéphane Denève, dir.
Denis Kozhukhin, piano
PROGRAMMA / PROGRAMME
Maurice Ravel (1875-1937)
La Valse
John Adams (°1947)
Doctor Atomic Symphony
I. The Laboratory
II. Panic
III. Trinity
pauze
/ pause
Sergei Rachmaninov (1873-1943)
Concerto voor piano en orkest nr. 3 in d /
Concerto pour piano et orchestre n° 3 en ré mineur, op. 30
I. Allegro ma non tanto
II. Intermezzo: Adagio
III.Finale: Alla breve
De herneming van het concert in De Bijloke in Gent op 5 februari om 20u00
wordt opgenomen en uitgezonden op Klara op 18 februari
La reprise du concert à De Bijloke à Gand le 5 février à 20h
sera enregistrée par Klara et diffusée le 18 février
+ Concert gepresenteerd door / concert présenté par Greet Samyn
+C
OCKTAILBAR JEF BERBEN met op het menu / avec à la carte :
Gintleman’s Sour, Hemingway’s Raspberry Daquiri & Ceci n’est pas un cocktail
einde van het concert
/ fin du concert : +/- 22:15
TOELICHTING /
COMMENTAIRE
MAURICE RAVEL
La Valse,
poème
choréographique
nl. Hector Berlioz loodste in 1830 als
eerste de wals op het concertpodium, in
het tweede deel van zijn autobiografische
Symphonie Fantastique. De concertwals
was geboren en nog geen 90 jaar later, in
1920, sloot Maurice Ravel (1875-1937) de
geschiedenis af met La Valse. Ravel had
een voorliefde voor de Wals en koesterde
deze Weense dans als geen ander. Hij
gebruikte hem in L’Heure espagnole en Ma
Mère l’Oye en betuigde hem hulde in zijn
Valses nobles et sentimentales. La Valse is
zijn ultieme hommage aan het genre. Maar
in 1920 is niets nog wat het ooit geweest
is. Tussen de onschuldige Valses nobles et
sentimentales en de dramatische La Valse
ligt de gruwel van de Eerste Wereldoorlog.
“Ik heb het werk ontworpen als een
choreografish gedicht” schrijft Ravel,
“als een soort apotheose van de Weense
wals, in mijn geest vermengd met een
4
grillige en fatale werveling. Ik heb me
die wals voorgesteld in het kader van
een keizerlijk paleis, omstreeks 1855.”
In een korte enigmatisch toelichting
bij het werk omschrijft hij La Valse als
“un tournoiement fantastique et fatal”.
Die fataliteit is niet mis te verstaan. Ze
staat niet alleen voor de trauma’s en het
geweld van de Eerste Wereldoorlog maar
ook voor de ultieme verbrijzeling van de
oude negentiende-eeuwse romantische
levenskunst waar de Weense wals, meer
dan een eeuw lang, de zorgeloze en
onschuldige ruisende exponent was.
De eerste schetsen van La Valse
dateren van 1906 en waren aanvankelijk
bedoeld voor een symfonisch gedicht
met als titel Wien. Op vraag van de
Russische choreograaf en kunstpaus
Sergei Diaghilev maakte Ravel het
werk veertien jaar later af, zij het in een
versie voor twee piano’s. Een jaar later
schreef hij zijn briljante orkestversie.
Diaghilev kraakte het werk af, noemde
het een meesterwerk maar geen ballet.
Pas in 1928 maakte choreografe Ida
Rubinstein er een balletversie op, die in
première ging in de Opéra de Paris.
La Valse start aarzelend en de
walsmachine komt maar traag op
gang. Maar dan bewijst Ravel dat
hij alle aspecten van de Weense
wals feilloos beheerst en voert hij de
melodische flarden, als in een roes,
tot duizelingwekkende hoogtes in
zijn onvervalste rijke harmonische
stijl en zijn verbluffende orkestratie.
In het laatste stadium van de wals
wordt de dans finaal en definitief
gebroken en uiteengereten door enkele
krachtige orkestrale zweepslagen.
www.flagey.be
fr. C’est Hector Berlioz qui fut le premier
à introduire la valse dans les salles de
concert dans la deuxième partie de son
œuvre autobiographique, la Symphonie
fantastique. La valse de concert a donc vu
le jour en 1830, pour arriver à son terme
à peine 90 ans plus tard, avec La Valse
(1920) de Maurice Ravel (1875-1937). Ravel
nourrissait en effet une prédilection pour
la valse et chérissait cette danse viennoise
comme aucune autre. Il l’a introduite
dans L’Heure espagnole et Ma mère l’Oye
et lui a témoigné sa vénération dans ses
Valses nobles et sentimentales. La Valse
est son ultime hommage au genre. Mais
en 1920, rien n’est plus comme avant.
Entre l’innocence des Valses nobles et
sentimentales et le caractère dramatique
de La Valse, les atrocités de la Première
Guerre mondiale ont laissé leur trace.
« J’ai conçu l’œuvre comme un poème
chorégraphique », écrivait alors Maurice
Ravel, « comme une sorte d’apothéose de
la valse viennoise, à laquelle se mêle, dans
mon esprit, l’impression d’un tournoiement
fantastique et fatal. Je situe cette valse
dans le cadre d’un palais impérial, vers
1855. » Dans une brève explication
énigmatique de l’œuvre, il a donc décrit
La Valse comme « un tournoiement
fantastique et fatal. » Mais il ne faut pas
se méprendre sur cette fatalité. Elle
n’incarne pas seulement les traumatismes
et la violence de la Première Guerre
mondiale, mais aussi l’ultime déliquescence
du vieil art de vivre romantique du XIXe
siècle, où la valse viennoise n’a cessé
de se développer dans l’insouciance et
l’ingénuité, plus d’un siècle durant.
Les premières ébauches de La Valse
datent de 1906 et étaient destinées
initialement à un poème symphonique
intitulé Wien. À la demande du protecteur
5
des artistes et chorégraphe russe Sergei
Diaghilev, Ravel termine son œuvre
quatorze années plus tard dans une
version pour deux pianos. Il faudra
attendre un an de plus pour en découvrir
la brillante version pour orchestre.
Diaghilev critiqua l’œuvre, la qualifiant
de chef d’œuvre, mais pas de ballet. Ce
n’est qu’en 1928 que la chorégraphe Ida
Rubinstein en créa un ballet, dont la
première eut lieu à l’Opéra de Paris.
La Valse débute de façon hésitante
et la mécanique se met lentement en
place. Mais Ravel démontre ensuite
qu’il maîtrise impeccablement tous
les aspects de la valse viennoise. Les
fragments mélodiques atteignent des
hauteurs vertigineuses et enivrantes,
dans un style harmonique d’une richesse
inimitable et avec une orchestration
époustouflante. Au stade ultime de la
valse, la danse s’arrête net, sous les coups
d’une puissance orchestrale inouïe.
6
JOHN ADAMS
Doctor Atomic
Symphony
nl. Na de gruwel van de Tweede
Wereldoorlog en de rampzalige
atoombomaanvallen op Hiroshima
en Nagasaki, is niets nog wat het ooit
geweest is. “De existentiële angst voor
een mogelijke nucleaire oorlog, beheerste
mijn jeugd in de jaren vijftig en zestig”
verklaart de Amerikaanse componist
John Adams (°1947). In zijn derde opera
Doctor Atomic (2005), die handelt over
de periode vlak voor de test-ontploffing
van de atoombom in een woestijn in
New Mexico in 1945, incorporeert hij
deze uitzinnige angst. De opera geeft
een krachtig en pakkend beeld van de
spanningen, conflicten en twijfels, zowel in
het team van wetenschappers, ingenieurs
en militairen rond het hoofdpersonage J.
Robert Oppenheimer – de Amerikaanse
kernfysicus en ‘vader van de atoombom’
– maar ook in het privéleven van Adams
met zijn vrouw Kitty. Regisseur Peter
Sellars maakte het libretto op basis
van dertien verschillende documenten
zoals onder meer gedichten van Charles
Baudelaire, Muriel Rukeyser, teksten van
Edward Teller en Leslie Groves, liederen
van de Indiaanse Tewa-stam, het Lied
van de Heer uit het sanskriete Bhagavad
Gita, lezingen en geschiedenisboeken.
Het Amerikaanse St. Louis Symphony
Orchestra en het Britse BBC Symphony
Orchestra gaven Adams de opdracht om
een symfonie te schrijven op basis van
zijn opera. De huidige korte versie werd
gecreëerd in 2008. Adams herleidde de
drie uur durende opera tot een postmoderne meditatie van een vijfentwintigtal minuten. In een toelichting verklaart
Adams dat hij niet zomaar een suite
wilde maken van de opera maar een
heus onafhankelijk orkestwerk. Hij
geeft ook toe dat de Symfonie nr. 7 van
Sibelius zijn orkestraal en compositorisch
denken sterk heeft beïnvloed en
dat Varèse hem heeft geïnspireerd
op het vlak van de orkestklank.
De titel van het eerste deel, The
Laboratory, verwijst naar het Los
Alamos laboratorium in New Mexico waar
Oppenheimer en zijn wetenschappers
werkten. De krachtige openingsmaten
komen letterlijk uit het begin van de opera
en roepen beelden op van een volledig
verwoest post-nucleair landschap. In
het tweede deel, Panic, geeft Adams
uiting aan zijn panische existentiële
angst met muziek uit de tweede akte.
Dit wordt gevolgd door een scène waarin
de wetenschappers en de militairen
discussiëren over de mogelijke gevolgen
van de explosie op het klimaat en de
mens, en over de chaos die zou ontstaan
in de stad. De titel van het derde deel,
Trinity, is het codewoord dat Oppenheimer
www.flagey.be
bedacht voor de test-explosie. Hij haalde
het woord uit zijn lievelingssonnet Batter
my heart van John Donne. De muziek
van dit deel is volledig geïnspireerd op de
gelijknamige solo aria van Oppenheimer
uit de eerste acte, met de woorden van
het sonnet. Hierin richt de dichter zich
tot God en spreekt hij over zijn verloren
ziel. Hij vraagt God om hem te breken,
weg te blazen en te verbranden zodat
hij zijn ziel kan terugwinnen omdat hij
die aan de duivel heeft verkocht. “Het
is een zeer poëtisch moment” verklaart
Adams. “De muziek is eigenlijk een
plechtige, trage passacaglia. De melodie
die Oppenheimer in de opera zingt,
heb ik aan de trompet gegeven.”
fr. Après les horreurs de la Seconde
Guerre mondiale et le désastre des
bombardements atomiques d’Hiroshima et
Nagasaki, les choses ne sont plus comme
avant. « L’angoisse existentielle d’une
éventuelle guerre nucléaire a dominé
ma jeunesse dans les années 50 et 60 »,
a déclaré le compositeur américain John
Adams (°1947). Une angoisse irrépressible
qu’il a incorporée à son troisième opéra
intitulé Doctor Atomic (2005), qui traite de
la période précédant les essais atomiques
réalisés dans le désert du NouveauMexique en 1945. L'opéra donne une
7
image aussi puissante que saisissante
des tensions, conflits et incertitudes qui
régnaient non seulement dans l’équipe
de scientifiques, militaires et ingénieurs
qui entouraient le personnage principal,
J. Robert Oppenheimer (le physicien
nucléaire américain qu’on a surnommé
le ‘père de la bombe atomique’), mais
aussi de la vie privée de ce dernier
aux côtés de son épouse Kitty. C’est
le metteur en scène Peter Sellars qui
a réalisé le livret en se basant sur
treize documents différents, dont des
poèmes de Charles Baudelaire et Muriel
Rukeyser, des textes d’Edward Teller
et Leslie Groves, des chants du folklore
indien Tewa, l’œuvre en sanskrit de la
Bhagavad Gita ou Chant du Seigneur, des
conférences et des ouvrages historiques.
L’Orchestre symphonique de Saint-Louis
aux États-Unis et l’Orchestre symphonique
de la BBC au Royaume-Uni ont demandé à
Adams de composer une symphonie basée
sur son opéra. La version courte actuelle
a été créée en 2008. Adams a réduit les
trois heures d’opéra en une méditation
postmoderne d’environ vingt-cinq minutes.
Il a expliqué qu’il ne voulait pas seulement
donner une suite à l’opéra, mais réaliser
une pièce pour orchestre à part entière.
Il avoue également que la Symphonie
n° 7 de Sibelius a fortement influencé
sa réflexion en matière d’orchestration
et de composition, et que Varèse l’a
inspiré sur le plan des sonorités.
Le titre de la première partie, The
Laboratory, fait référence au laboratoire
de Los Alamos au Nouveau-Mexique,
où travaillaient Oppenheimer et ses
scientifiques. Les puissantes mesures de
l’ouverture sont littéralement issues du
début de l’opéra et évoquent l’image d’un
paysage post-nucléaire totalement désert.
8
Dans la deuxième partie, Panic, Adams
exprime son angoisse existentielle en
reprenant une musique du deuxième acte.
S’ensuit une scène où les scientifiques et
les militaires discutent des conséquences
possibles de l’explosion sur le climat
et les êtres humains, et du chaos que
cela va engendrer dans la ville. Le titre
de la troisième partie, Trinity, est le
nom de code donné par Oppenheimer
à l’essai atomique. Le mot est issu de
son sonnet préféré Batter my heart de
John Donne. La musique de cette partie
s’inspire entièrement de l’aria du même
nom interprété en solo par Oppenheimer
dans le premier acte de l’opéra, où sont
prononcés les mots de ce sonnet. Le
poète s’adresse à Dieu et lui parle de la
perte de son âme. Il lui demande de le
détruire, et souhaite être emporté par
le vent et consumé pour retrouver son
âme, qu’il a vendue au diable. « C’est
un moment très poétique », a déclaré
Adams. « La musique est en fait une
passacaille lente et solennelle. La mélodie
chantée par Oppenheimer dans l’opéra
est ici reprise par la trompette. »
SERGEI
RACHMANINOV
Pianoconcerto n° 3
in d, opus 30
nl. Hoewel de Russiche componist Sergei
Rachmaninov (1873-1943) zowel de Eerste
als de Tweede Wereldoorlog – weliswaar
gedeeltelijk – meemaakte, heeft hij nooit de
behoefte gevoeld om de gruwel van beide
wereldbranden als inspiratiebron voor
zijn muziek te hanteren. Integendeel. Zijn
muziek vindt zijn culturele voedingsbodem
in de leefwereld van het tsaristische Rusland
van voor de Revolutie, het Russische fin de
siècle. Na de Revolutie verhuisde hij naar
het Westen en legde hij zich toe op een
carrière als concertpianist. Componeren
was niet meer wat het geweest was: voor
Rachmaninov bleef zijn muziek verbonden
met de cultuur die hij had achtergelaten.
Rachmaninov voltooide zijn Pianoconcert
n° 3 in 1909 op het idyllische landgoed
van zijn vrouw, Ivanovka. Kort nadien
ondernam hij zijn eerste concertreis naar
de Verenigde Staten en creëerde het werk
als solist op 28 november in New York. Om
zijn kwaliteiten als pianist in de verf te
zetten, voerde hij de moeilijkheidsgraad van
de piano partij erg op. Toch is het concerto
in de eerste plaats zo populair omwille van
zijn onvergetelijke melodieën. De pakkende
en beroemde openingsmelodie wordt
voorgesteld door de pianist. Rachmaninov
zou zich hebben laten inspireren door oude
religieuze gezangen van de orthodoxe kerk,
die hij zo goed kende. Maar hij weerlegde
deze interpretatie en argumenteerde dat
de melodie gewoon zichzelf schreef. De
echte kracht van het werk zit echter in het
subtiele samenspel tussen piano en orkest.
www.flagey.be
fr. Bien que le compositeur russe Sergei
Rachmaninov (1873-1943) ait connu
la Première et la Seconde Guerre
mondiale (ou du moins en partie), il
n’a jamais ressenti le besoin d’évoquer
les atrocités de ces deux conflits dans
sa musique. Au contraire, il puise son
inspiration dans la Russie tsariste
d’avant la révolution, la fin de siècle
russe. Après la révolution, il a migré à
l’ouest pour se consacrer à une carrière
de pianiste-concertiste. Mais composer
ne fut plus jamais pareil : aux yeux de
Rachmaninov, sa musique restait liée à la
culture qu’il avait laissée derrière lui.
Rachmaninov a achevé son Concerto pour
piano n° 3 en 1909, dans le cadre idyllique
de la propriété de son épouse, Ivanovka.
Peu après, il entreprit sa première tournée
de concerts aux États-Unis et créa l’œuvre
en tant que soliste le 28 novembre à New
York. Il augmenta même sérieusement le
degré de difficulté de la partie au piano
pour mettre en évidence ses qualités de
pianiste. Et pourtant, la popularité de ce
concerto repose principalement sur ses
inoubliables mélodies. La sensationnelle
et célèbre mélodie d’ouverture est
interprétée par le pianiste. Rachmaninov
aurait puisé l’inspiration dans les anciens
chants religieux de l’église orthodoxe,
qu’il connaissait si bien. Mais il a toujours
réfuté cette interprétation, expliquant
qu’il avait simplement composé luimême la mélodie. La véritable force de
l’œuvre réside en réalité dans le jeu
subtil entre le piano et l’orchestre.
Kristin Van den Buys
9
BIOGRAFIEËN /
BIOGRAPHIES
DENIS KOZHUKHIN
piano
nl. De uit Nizhni Novgorod afkomstige
Denis Kozhukhin studeerde aan de
befaamde Escuela Superior de Musica
Reina Sofia (Madrid) bij Dmitri
Bashkirov en Claudio Martinez-Mehner,
en aan de Piano Academy Lake Como
bij onder andere Peter Frankl en
Andreas Staier. Hij vervolmaakte zich
bij Kirill Gerstein in Stuttgart. Kozhukhin behaalde de Eerste Prijs op
de Vendome Prize (Lissabon, 2009) en de
Derde Prijs op de Leeds International
Piano Competition (2006). Het behalen
van de Eerste Prijs op de Koningin
Elisabeth Wedstrijd 2010 betekende het
begin van een internationale carrière
voor de jonge pianist. Zijn spel wordt
gekenmerkt door een uitzonderlijk
technisch meesterschap in combinatie
met een scherpe intelligentie, maturiteit
en wijsheid. Kozhukhin heeft dat
zeldzame en uitzonderlijke talent
om een onontkoombare emotionele
10
connectie te maken met zijn publiek.
Hij was reeds te horen op prestigieuze
festivals in Verbier (waar hij in 2003
de Prix d’Honneur binnensleepte),
Lugano, Santander en Jerusalem.
Ook ‘s werelds beroemdste zalen,
zoals Carneggie Hall, Amsterdam
Concertgebouw, Wigmore Hall en
Auditorium du Louvre Paris, deed hij aan.
Als solist speelde Kozhukhin met orkesten
zoals de Chicago Symphony Orchestra,
Philadelphia Orchestra, Mariinsky
Orchestra, Yomiuri Nippon Symphony
er de Frankfurt Radio Symphony
en met topdirigenten zoals Alsop,
Temirkanov, Sinaisky en Wigglesworth.
Tevens is hij een toegewijd kamermusicus,
en mag hij grote artiesten zoals
Leonidas Kavakos, Renaud en Gautier
Capucon, Vadim Repin, het Pavel
Haas Quartet en het Jerusalem
Quartet tot zijn partners rekenen.
fr. Originaire de Nizhni Novgorod
(Russie), Denis Kozhukhin intègre la
célèbre école de musique Reine Sofia
de Madrid où il étudie avec Dmitri
Bashkirov et Claudio Martinez-Mehner.
Puis il poursuit sa formation à l’Académie
de piano du Lac de Côme où enseignent
notamment Peter Frankl et Andreas
Staier. Il termine sa formation auprès
de Kirill Gerstein à Stuttgart. Kozhukhin remporte le Prix Vendôme à
Lisbonne en 2009 et se classe troisième au
concours international de piano de Leeds
en 2006. Le jeune pianiste est propulsé sur
la scène internationale en 2010 après avoir
remporté le 1er Prix du Concours Reine
Elisabeth en 2010. Son jeu se caractérise
par une maîtrise technique exceptionnelle,
doublée d’une intelligence, d’une maturité
et d’une sagesse impressionnantes.
Kozhukhin possède ce talent rare et
exceptionnel qui lui permet d’établir un
lien émotionnel très fort avec son public.
Il s’est produit dans de nombreux
festivals parmi les plus prestigieux
dont Verbier (où il a décroché le Prix
d’Honneur en 2003), Lugano, Santander
et Jérusalem, ainsi que dans les plus
www.flagey.be
belles salles du monde (Carnegie Hall,
Concertgebouw d’Amsterdam, Wigmore
Hall et Auditorium du Louvre à Paris).
Il a joué également en solo avec de
grands orchestres dont l’Orchestre
symphonique de Chicago, l’Orchestre de
Philadelphie, l’Orchestre Mariinsky, le
Yomiuri Nippon Symphony et l’Orchestre
radio-symphonique de Francfort, sous
la baguette de chefs réputés tels Alsop,
Temirkanov, Sinaisky et Wigglesworth.
Passionné de musique de chambre, il
collaboré avec des artistes tels Leonidas
Kavakos, Renaud et Gautier Capuçon,
Vadim Repin, le Quatuor Pavel Haas
et le Quatuor Jerusalem Quartet.
deniskozhukhin.com
11
STÉPHANE DENÈVE,
dir.
nl. Vanaf september 2015 wordt Stéphane
Denève de nieuwe muziekdirecteur van
Brussels Philharmonic. Samen met het
orkest lanceert hij tegelijkertijd CffOR
(Centre for Future Orchestral Repertoire):
een uitgebreide online database, gewijd
aan 21ste -eeuwse composities voor orkest
met kans op ‘repertoire-status’. Stéphane
Denève is zo gepassioneerd door dit
nieuwe avontuur en enthousiast over
het potentieel van het orkest, dat hij
met zijn gezin naar Brussel verhuist.
Tegelijk blijft Stéphane Denève
muziekdirecteur van het Radio
Sinfonieorchester Stuttgart (SWR) en
vaste gastdirigent bij het Philadelphia
Orchestra. Van 2005 tot 2012 was hij
muziekdirecteur van het Royal Scottish
National Orchestra (RSNO). Hoewel
helemaal thuis is in een zeer breed
repertoire, heeft Denève een grote
affiniteit met Franse muziek, en zet hij zich
speciaal in voor de 21ste -eeuwse muziek.
12
Na zijn studie orkestdirectie aan het
Conservatorium van Parijs begon
Stéphane Denève zijn carrière als assistent
bij Sir Georg Solti, Seiji Ozawa en Georges
Prêtre bij het Orchestre de Paris en de
Opéra National de Paris. Zijn grote liefde
voor de stem bracht hem naar de Deutsche
Oper am Rhein, waar hij vaste dirigent
was van 1997 tot 2001. Hij dirigeerde
ook verschillende producties in het Royal
Opera House van Londen, de Opéra
National de Paris, de Scala van Milaan, de
Nationale Opera Amsterdam en het Liceu
in Barcelona, en stond op het Festival van
Glyndebourne en het Festival Saito Kinen.
Ook zijn symfonische carrière nam een
hoge vlucht. Het lijstje met Denève’s
recente Europese afspraken oogt dan
ook indrukwekkend, met onder meer het
Koninklijk Concertgebouworkest, het
Symphonieorchester des Bayerischen
Rundfunks, het Philharmonia Orchestra
(Londen), het London Symphony
Orchestra, de Münchner Philharmoniker,
het Rotterdams Philharmonisch
Orkest, de Wiener Symphoniker, het
Orchestra Sinfonica dell’Accademia
Nazionale di Santa Cecilia, het Swedish
Radio Symphony Orchestra, het Royal
Stockholm Philharmonic Orchestra.
In Noord-Amerika werkt Stéphane
Denève regelmatig samen met de orkesten
van Philadelphia, Boston, Chicago, Los
Angeles, San Francisco, Cleveland, Saint
Louis en Toronto, en maakte hij onlangs
een geslaagde debuut met het New York
Philharmonic. In Azië is hij vaak te gast
bij het NHK Symphony Orchestra in
Tokyo, het Seoul Philharmonic Orchestra,
het China National Symphony Orchestra
en het Malaysian Philharmonic Orchestra.
Stéphane Denève heeft een nauwe
band met vele topsolisten, waaronder
Jean-Yves Thibaudet, Yo-Yo Ma,
Leif Ove Andsnes, Nikolaj Znaider,
Frank-Peter Zimmermann, Piotr
Anderszewski, Leonidas Kavakos,
Lars Vogt, Gil Shaham, Emanuel Ax,
Nikolaï Lugansky, Paul Lewis, Joshua
Bell, Hilary Hahn, Natalie Dessay.
Al twee maal won Stéphane Denève de
prestigieuze ‘Diapason d’Or de l’année’: in
2007 en 2012 voor opnames rond Roussel
en Debussy. In 2012 stond hij op de
shortlist voor ‘Gramophone’s Artist of the
Year’, en in 2013 werd hij bekroond tijdens
de International Classical Music Awards.
Tenslotte hecht Stéphane Denève
veel belang aan het werken met de
toekomstige generatie musici, en steunt
hij jonge muzikanten in projecten
zoals het New World Symphony in
Miami en het Tanglewood Music
Center van de Boston Symphony.
fr. En septembre 2015, Stéphane Denève
devient le nouveau directeur musical
du Brussels Philharmonic. En étroite
collaboration avec celui-ci, il lance le
CffOR (Centre for Future Orchestral
Repertoire): une gigantesque base de
données, disponible en ligne, consacrée
aux compositions pour orchestre du XXIe
siècle susceptibles d’accéder au ‘statut
de répertoire’. Enthousiasmé par le
potentiel de l’orchestre et passionné par
cette nouvelle aventure, il déménage et
s’installe à la capitale avec sa famille.
www.flagey.be
Parallèlement, Stéphane Denève est
aussi directeur musical de l’Orchestre
symphonique de la radio de Stuttgart
(SWR) et chef principal invité de
l’Orchestre de Philadelphie. Il a en outre
été directeur musical de l’Orchestre
national royal d’Ecosse (RSNO) de 2005
à 2012. Parfaitement à l’aise dans un
très vaste répertoire, Stéphane Denève
entretient une affinité particulière
avec le répertoire français, et soutient
activement la musique du XXIe siècle.
Après des études de direction d’orchestre
au conservatoire de Paris, Stéphane
Denève entame sa carrière comme
assistant de Sir Georg Solti, Seiji Ozawa
et Georges Prêtre à l’Orchestre de
Paris et à l’Opéra National de Paris.
Passionné par la voix, il devient chef
permanent du Deutsche Oper am
Rhein de 1997 à 2001, et dirige aussi
de nombreuses productions au Royal
Opera House de Londres, à l’Opéra
National de Paris, à la Scala de Milan,
au Festival de Glyndebourne, au Festival
Saito Kinen, au Liceu de Barcelone,
au Nationale Opera d’Amsterdam...
Sa carrière symphonique prend également
son essor et, pour ne citer quelques
engagements récents en Europe, il
est invité à diriger l’Orchestre du
Concertgebouw d’Amsterdam, l’Orchestre
National de France, L’Orchestre de
la Radio bavaroise, le Philharmonia
de Londres, Le London Symphony
Orchestra, L’Orchestre philharmonique
de Munich, l’Orchestre philharmonique
de Rotterdam, l’Orchestre symphonique
de Vienne, l’Orchestre symphonique
dell’Accademia Nazional di Santa Cecilia
de Rome, l’Orchestre de la Radio Suédoise,
l’Orchestre philharmonique de Stockholm.
En Amérique du Nord, il collabore
13
régulièrement avec les Orchestres
symphoniques de Philadelphie, Boston,
Chicago, Los Angeles, San Francisco,
Cleveland, Saint-Louis, Toronto et vient
de faire ses débuts avec l’Orchestre
philharmonique de New-York. En
Asie, il dirige l’Orchestre de la NHK
à Tokyo, l’Orchestre philharmonique
de Séoul, l’Orchestre philharmonique
de Chine ou encore l’Orchestre
philharmonique de Malaisie.
Stéphane Denève entretient une relation
privilégiée avec de nombreux grands
solistes, tels Jean-Yves Thibaudet,
Yo-Yo Ma, Leif Ove Andsnes, Nikolaj
Znaider, Frank-Peter Zimmermann,
Piotr Anderszewski, Leonidas Kavakos,
Lars Vogt, Gil Shaham, Emanuel Ax,
Nikolaï Lugansky, Paul Lewis, Joshua
Bell, Hilary Hahn, Natalie Dessay.
Enfin, il a obtenu deux fois le prestigieux
Diapason d’or de l’année, en 2007 et 2012
pour des enregistrements consacrés à
Roussel et Debussy. Nommé en 2012
dans la liste des Gramophone’s artist
of the year, il a été primé au 2013
International Classical Music Award.
Finalement, le regard toujours
tourné vers l’avenir, Stéphane Denève
travaille régulièrement avec de jeunes
musiciens, notamment au New World
Symphony de Miami et au Tanglewood
Music Center du Boston Symphony.
www.stephanedeneve.com
14
BRUSSELS
PHILHARMONIC
nl. Brussels Philharmonic werd in 1935
opgericht door de Belgische openbare
omroep (NIR), en concerteerde in de
loop van zijn bestaan met internationale
topdirigenten en -solisten. Het orkest
had en heeft een uitstekende reputatie
voor het creëren van nieuwe composities,
en werkte samen met wereldvermaarde
componisten als Bartók, Stravinsky,
Messiaen en Francesconi. De historische
thuishaven Flagey, waar het orkest
repeteert en concerteert in de akoestisch
tot de wereldtop behorende Studio
4, is de uitvalbasis voor concerten in
Brussel, Vlaanderen en Europa.
Stéphane Denève volgt in seizoen 2015-2016
Michel Tabachnik op als muziekdirecteur.
Deze Franse topdirigent komt met een
duidelijke missie naar Brussel: hij wil in
zijn programma’s de muziek uit de 21ste
eeuw combineren met de grote klassiekers,
en zo een dialoog opzetten tussen het
repertoire van vroeger én dat van de
toekomst. Stéphane Denève: “Brussels
Philharmonic zal werken uitvoeren die
het repertoire van de 21ste eeuw kunnen
worden: we willen die stukken vinden die
orkesten graag spelen én het publiek graag
www.flagey.be
wil horen. Een baanbrekend project!”
Het nieuwe platform dat Denève met
Brussels Philharmonic lanceert zal
hierin een grote rol spelen: Cffor (Centre
for Future Orchestral Repertoire) wil
sleutelinformatie rond symfonische
composities vanaf 2000 verzamelen,
en initieert zo een brede wereldwijde
dialoog rond die composities die de
tand des tijd zullen doorstaan.
Op internationaal vlak heeft Brussels
Philharmonic een eigen plaats veroverd,
met vaste afspraken in de grote
Europese hoofdsteden (waaronder Parijs,
Londen, Berlijn, Wenen, Salzburg). De
aanstelling van Stéphane Denève en
de internationale vertegenwoordiging
door IMG Artists zorgen bovendien
voor tournees en concerten op nieuwe
podia, zowel binnen als buiten Europa.
Een andere specialisatie waarmee
Brussels Philharmonic zich internationaal
profileert, is filmmuziek. Voor het opnemen
en uitvoeren van soundtracks zijn Galaxy
Studios en Film Fest Gent vaste partner.
Internationale erkenning kwam onder
meer met de Oscar-winnende muziek voor
The Artist (muziek van Ludovic Bource).
Intussen bewees het orkest ook op andere
vlakken een pionier te zijn. Naast de
vooruitstrevende initiatieven die lopen,
waaronder de spin-off rond filmmuziek
‘Scoring Flanders’ en de oprichting
van een stichting voor de aankoop van
strijkinstrumenten (met Puilaetco
Dewaay Private Bankers), schrijft
het orkest innovatie bewust in op alle
vlakken en niveaus van de werking.
Samen met verschillende partners werkt
Brussels Philharmonic aan uiteenlopende
cd-reeksen: met Klara rond Vlaamse
solisten, met het Palazzetto Bru Zane
15
en dirigent Hervé Niquet rond Franse
romantische muziek, en met Film Fest
Gent rond grote filmmuziekcomponisten.
Met het eigen label, Brussels Philharmonic
Recordings, maakt het orkest referentieopnames van het grote symfonische
repertoire die internationale bijval krijgen.
Voormalig chef-dirigent Michel Tabachnik
(2008 – 2015) blijft verbonden aan Brussels
Philharmonic als Dirigent Emeritus
Brussels Philharmonic is een instelling
van de Vlaamse Gemeenschap.
De heren van het orkest worden
gekleed door Café Costume.
www.brusselsphilharmonic.be
fr. Fondé en 1935 sous l’égide de l’Institut
national de radiodiffusion (INR/NIR), le
Brussels Philharmonic a collaboré tout au
long de son existence avec de grands chefs
et des solistes d’envergure internationale.
L’orchestre s’est taillé une réputation
enviée dans la création de nouvelles œuvres
en collaborant avec des compositeurs
de renommée mondiale comme Bartók,
Stravinsky, Messiaen et Francesconi. Son
port d’attache historique est Flagey, où
il répète et donne des concerts dans le
Studio 4 – qui se distingue par l’une des
meilleures acoustiques au monde – et qui
16
lui offre une base idéale pour se produire
à Bruxelles, en Flandre et en Europe.
Le directeur musical de cette saison
2015-2016 n’est autre que Stéphane
Denève, qui succède à Michel Tabachnik.
Ce remarquable chef d’orchestre
français est venu à Bruxelles avec un
objectif très précis : inclure dans sa
programmation des œuvres du XXIe
siècle et de grands classiques, afin de
faire dialoguer les répertoires d’hier et
de demain. « Le Brussels Philharmonic
exécutera des œuvres susceptibles de
devenir le répertoire du XXIe siècle : des
compositions que les orchestres prendront
plaisir à jouer et que le public aura envie
d’écouter. C’est un projet tout à fait
innovant ! », affirme Stéphane Denève.
La nouvelle plateforme lancée avec le
Brussels Philharmonic jouera un rôle
important à cet égard : le Cffor (Centre
for Future Orchestral Repertoire)
a pour mission de rassembler des
informations essentielles à propos
d’œuvres symphoniques créées
depuis 2000 et d’ouvrir ainsi un large
débat mondial sur les œuvres qui
résisteront à l’épreuve du temps.
Le Brussels Philharmonic a également
su se faire une place sur la scène
internationale et joue régulièrement
dans les grandes capitales européennes
(dont Paris, Londres, Berlin, Vienne
et Salzbourg). L’arrivée de Stéphane
Denève et la représentation internationale
assurée par IMG Artists se traduiront
en outre par encore plus de tournées
et de concerts, en Europe et ailleurs.
Le Brussel Philharmonic se positionne
également sur la scène internationale
grâce à sa spécialisation en musique
de film. En partenariat avec Galaxy
Studios et le Festival du Film de Gand,
il enregistre et interprète des bandes
originales pour le cinéma. La musique
composée pour The Artist (par Ludovic
Bource), récompensée d’un Oscar, a entre
autres contribué à la reconnaissance
internationale de l’orchestre.
Le Brussel Philharmonic fait également
œuvre de pionnier dans d’autres domaines.
Parallèlement à des initiatives novatrices
telles que la spin-off ‘Scoring Flanders’,
axée sur la musique de film, et la création
d’une fondation pour financer l’achat
d’instruments à cordes (avec Puilaetco
Dewaay Private Bankers), l’orchestre
s’inscrit résolument dans une démarche
d’innovation à tous les niveaux.
Avec la complicité de divers partenaires,
le Brussels Philharmonic travaille
à des séries de CD aux thématiques
extrêmement variées : les solistes flamands
avec Klara, la musique romantique
française avec le Palazzetto Bru Zane
et le chef d’orchestre Hervé Niquet, les
grands compositeurs de musique de
film avec le Festival du Film de Gand.
L’orchestre présente aussi sous son propre
label, Brussels Philharmonic Recordings,
des enregistrements de référence
du grand répertoire symphonique
salués par la presse internationale.
Ancien directeur musical (2008
– 2015), Michel Tabachnik reste
attaché au Brussels Philharmonic
en tant que Chef-Emeritus.
Le Brussels Philharmonic est une
institution de la Communauté
flamande. Les musiciens de l’orchestre
sont habillés par Café Costume.
www.brusselsphilharmonic.be
www.flagey.be
17
BRUSSELS PHILHARMONIC
Musici / Musiciens
Fellow
Henry Raudales, Concertmeester/Konzertmeister
EERSTE VIOOL /
PREMIER VIOLON
Bart Lemmens (1)
Virginie Petit (3)
Olivia Bergeot
Annelies Broeckhoven
Stefan Claeys
Daniela Rapan
Anton Skakun
Philippe Tjampens
Stefanie Van Backlé
Veerle Van Roosbroeck
Gillis Veldeman
Paulina Sokolowska
Charles Wieder
TWEEDE VIOOL /
DEUXIÈME VIOLON
Mari Hagiwara (1)
Mark Steylaerts (3)
Caroline Chardonnet
Bartlomiej Ciaston
Ion Dura
Eléonore Malaboeuf
Karine Martens
Sayoko Mundy
Francis Vanden Heede
Cristina Constantinescu
Cécile Lantenois
Ann Lafaille
ALTVIOOL / ALTO
Nathan Braude (1)
Griet François (3)
Philippe Allard
Benjamin Braude
Agnieszka Kosakowska
Maryna Lepiasevich
Barbara Peynsaert
Stephan Uelpenich
Patricia Van Reusel
18
CELLO / VIOLONCELLE
Karel Steylaerts (1)
Kirsten Andersen
Jan Baerts
Barbara Gerarts
Julius Himmler
Emmanuel Tondus
Elke Wynants
Sophie Jomard
CONTRABAS / CONTREBASSE
Jan Buysschaert (1)
Sandor Budai
Simon Luce
Philippe Stepman
Michiel Kelchtermans
Tino Ladika
FLUIT / FLÛTE
Lieve Schuermans (1)
Dirk De Caluwé (3)
Eric Mertens
HOBO / HAUTBOIS
Joris Van den Hauwe (1)
Lode Cartrysse (3)
Maarten Wijnen
KLARINET / CLARINETTE
Eddy Vanoosthuyse (1)
Danny Corstjens (3)
Midori Mori (3)
FAGOT / BASSON
Karsten Przybyl
Jonas Coomans (3)
Alexander Kuksa
(1)
HOORN / COR
Hans van der Zanden (1)
Jan Harshagen (3)
Pierre Buizer
Jonathan Rongvaux
TROMPET / TROMPETTE
Ward Hoornaert (1)
Manu Mellaerts (2)
Rik Ghesquière
Luc Sirjacques
TROMBONE
David Rey (1)
Lode Smeets (3)
Tim Van Medegael (3)
TUBA
Jean Xhonneux (3)
PAUKEN / TIMPANI
Gert François (1)
SLAGWERK / PERCUSSION
Tom De Cock (3)
Pieter Mellaerts (3)
Tom Pipeleers
Stijn Schoofs
Bart Swimberghe
HARP / HARPE
Eline Groslot (3)
Karen Peeters (3)
CELESTA
Catherine Mertens (3)
GLOSSARIUM / GLOSSAIRE
chef de pupitre / aanvoerder
co-aanvoerder /
co-chef de pupitre
(3)
solist / soliste
(1)
(2)
Charles Adriaenssen, Diane de Spoelberch, Gisèle Croës, Marcel Croës, Maison de la Radio Flagey S.A.,
Omroepgebouw Flagey N.V.
Great Friend
Claude de Selliers de Moranville, Agnès de Wouters, Philippe de Wouters, Fondation pour les Arts,
Susanne Hinrichs, Aline Leal Teixeira, Manfred Loeb, Benoît Philippat de Foy, Réjane Philippart de Foy,
Sergio Gondim Simao, Marina Solvay, Bertold Theeuwes, Piet Van Waeyenberge, Wina Van Waeyenberge,
Charlotte Vandoorne, Christophe Vandoorne, Armelle Verola, Olivier Verola, Zenab sprl
Friend
Eric Bauchau, André Beernaerts, Mireille Beernaerts, Joe Beauduin, Marijke Beauduin, Lucien Beauduin,
Marie-Anne Beauduin, Philippe Boddez, Patricia Bogerd, Broqconsult, Servaas Carbonez, Anne Castro Freire,
Antonio Castro Freire, Stephen Clark, Philippe Craninx, David d’Hooghe, Jean-Claude Daoust,
Cédric de Biolley, Nicolas de Borchgrave, Fabienne de Broqueville, Pierre de Broqueville,
Olivier de Clippele, Sabine de Clippele, Alison de Maret, Pierre de Maret, Christine Destailleurs,
DLA Piper, Dominique Dumonteil, Gérard Dumonteil, Abdallah El-Azm, Martine El-Azm, Danièle Espinasse,
Jacques Espinasse, Catherine Fournier, Olivier Fournier, Hélène Godeaux, Colette Goldschmidt,
Pierre Goldschmidt, Sylvia Goldschmidt, Christine Goyens, Philippe Goyens, Stephania Greco,
Arnaud Grémont, Fiona Groetaers, Rym Hadabi, Jacques Halperin, Marleen Heijens, Roger Heijens,
Margarete Hofmann, Veerle Huylebroek, Ann Jansen, Guy Jansen, Frederika Jansen, Yvan Jansen ,
Achim Krebs, Hervé Lefébure, Alain Lefebvre, Elisabeth Lefebvre, Corine Legrand, Clive Llewellyn,
Danielle Llewellyn, Yannick Nelissen Grade, Suzanne Nelissen Grade, Jan Nellens , Lydia Nellens,
Gerardus Nijborg, Irina Nijborg, Martine Payfa, Michel Penneman, Bénédicte Ries, Olivier Ries,
Jean-Louis Rollé, Michèle Rollé, Nicolas Rombaux, Pauline Rombaux, Gisèle Roobaert, Jean-Pierre
Ruquois, Michèle Samyn, Deborah Saverys, Diego Saverys, Giuseppe Scognamiglio, Augustin Siaens,
Cécile Siaens – De Jaegher, Freddy Smet, Maria Grazia Tanese, Dominique Tchou, Caroline Teughels,
An Theeuwes, Beatrix Thuysbaert, Olivier Thuysbaert, Els Van de Perre, Paul Van Hooghten,
Pascale van Zuylen, Yvette Verleisdonk, Guy Vieillevigne, Sylvie Vieillevigne, Nathalie Zalcman
Elisso
Virsaladze
19.02.16
21.02.16
© Georg Anderhub
WITH BRUSSELS
20:15 PHILHARMONIC
WITH DAVID
20:15 OISTRAKH QUARTET