césar franck (1822–1890)

CÉSAR FRANCK (1822–1890)
1
2
3
4
Violin Sonata in A
Violinsonate A-dur · Sonate pour violon et piano en la majeur
I Allegretto ben moderato
II Allegro
III Ben moderato: Recitative-Fantasia
IV Allegretto poco mosso
6.06
7.54
7.35
6.19
RICHARD STRAUSS (1864–1949)
5
6
7
Violin Sonata in E flat op.18
Violinsonate Es-dur · Sonate pour violon et piano en mi bémol majeur
I Allegro, ma non troppo
II Improvisation: Andante cantabile
III Finale: Andante – Allegro
11.19
8.34
9.00
8
Allegretto in E AV149 E-dur · en mi majeur
1.19
9
10
11
Wiegenlied op.41 no.1
Waldseligkeit op.49 no.1
Morgen! op.27 no.4
4.22
2.59
3.51
Total timing:
James Ehnes violin
Andrew Armstrong piano
69.39
César Franck and Richard Strauss: Violin Sonatas
Few works in the entire canon of sonatas for violin and piano stand higher in general esteem
than Franck’s Violin Sonata in A. Indeed, now that his Symphony and Variations
symphoniques are heard far less frequently in concert halls than they used to be (more’s
the pity!), the Violin Sonata has a claim to be his most popular work. It was composed in
1886, when Franck was 63 and at the height of his powers, as a wedding present for his friend
the great Belgian virtuoso Eugène Ysaÿe (1858–1931).
It is not generally known that Franck and Ysaÿe were distantly related (whether or not the
two were aware of this is uncertain): in 1660 a nailsmith, George Ysaÿe, married a lady named
Marguerite Franck. Whatever the case, Franck first met Ysaÿe in 1876 at the Paris home of
Ysaÿe’s erstwhile teacher Henri Vieuxtemps. Over the next few years, the two developed a
close friendship, so that when Ysaÿe announced his marriage to Louise Bourdeau, the
daughter of an army officer, Franck was naturally invited to the wedding. This took place
on 28 September 1886 in Arlon on the Belgium–Luxembourg border, but Franck was unable
to attend, sending his apologies and a small parcel via his friend Charles Bordes, whose
sister-in-law, the pianist Léontine Bordes-Pène, was also present. At the wedding reception,
Bordes handed the parcel to Ysaÿe, who opened it and discovered inside the manuscript of
the Violin Sonata dedicated to him. After a brief perusal of the music, Ysaÿe asked Mme
Bordes-Pène if she would care to join him in a performance of the work. She, it turned out,
had already familiarized herself with the score in Paris – which was just as well. The piano
part is among the most demanding in the repertoire (it shouldn’t be forgotten that Franck
set out as a virtuoso pianist; in 1838, for instance, while at the Paris Conservatory he
competed for the first prize in piano – Alkan was one of the jurors – playing Hummel’s
B minor concerto brilliantly). How well Bordes-Pène coped with the task is not related –
the last movement in particular is littered with major-tenth chords – but she it was who
later joined Ysaÿe for the work’s first public performance. This was held on 16 December
1886 in the Musée Moderne de Peinture in Brussels as part of a Franck festival. The Sonata
was the last piece on the programme, and by the end of the first movement dusk had fallen.
The museum banned all artificial light, so, rather than abandon the sonata, the two pressed
on to the end playing from memory in virtual darkness.
Taking his cue from Liszt, Franck uses cyclic form for the sonata (it has been suggested that
some of its material derives from an earlier, lost violin sonata promised for Liszt’s daughter
Cosima, some 28 years earlier). That is to say, his themes are transformed not only within a
single movement but used in modified forms throughout all four movements, giving the work
a unified structure. The first movement (Allegretto ben moderato), in modified sonata form,
is sometimes seen as a long introduction, its reflective first theme providing the thematic
core for the whole work. In the fiery second movement (Allegro), after the piano’s statement
of the opening theme, another is presented that reminds us of the first movement, before
the violin’s vehement second subject. The third movement is described as a ‘RecitativeFantasia’ and reflects on the first movement as well as hinting at ideas for the finale (Allegretto
poco mosso), the best-known movement, in which, famously, the main melody is heard in
canon (i.e. like a ‘repeat-after-me’ dialogue). It suggests, irresistibly, two happily married voices
in perfect harmony – leading to a deliriously joyous ending.
Few works are so indelibly linked to their dedicatee. Ysaÿe was still playing the Sonata in
his late sixties, albeit with an impaired technical assurance. He gave his final performance
of his friend’s masterpiece in Paris in 1926 with the pianist Yves Nat.
Three characteristics link Strauss’s early Violin Sonata in E flat op.18 to Franck’s: their
common Germanic musical language; the use of unifying technique (Strauss uses not
thematic transformation but a repeated rhythmic pattern in the first and third movements
to achieve this); and the link to marital bliss: Strauss wrote the sonata at the time when he
had just met and fallen passionately in love with his wife-to-be, the soprano Pauline de
Ahna.
Begun only a year after Franck’s, the first two movements were finished by August 1887 with
the finale completed on 1 November. Strauss had played the violin since the age of eight
and had already written a violin concerto before he was 20, as well as a number of chamber
works with prominent violin parts. Indebted to Schumann and Brahms, the Violin Sonata
was to be the last of his three works in the genre after the Piano Sonata op.5 (I880–81) and
Cello Sonata (1883), and also the last of his compositions written in standard classical form.
That said, elements of his later mature style are present (the turbulent main theme of the
finale, for instance, anticipates the opening of his tone poem Don Juan), the two densely
written interweaving parts creating an almost symphonic texture.
The opening Allegro, ma non troppo is cast in traditional sonata-allegro form and bursts
with melodic invention. It opens with passionate declarations from both players flowing
into a tender, almost Schubertian theme followed by a third yearning melody (espressivo e
appassionata) the whole movement exuding some of the drive and energy of the symphonic
poems. The slow (Andante cantabile) movement is headed ‘Improvisation’ – an ineffably
lovely ‘song without words’ with a dramatic middle section. The third and final movement
with its subdued introduction (Andante) plunges (Allegro) into a mood of heroic grandeur
with much virtuosic writing – and it is here that one notices the rhythmic pattern alluded
to above consisting of a dotted note followed by a semiquaver or quaver and then by a
triplet, a device which can be found throughout this and the first movement.
Strauss dedicated the Sonata to his friend and cousin Robert Pschorr. Its first public
performance was given, just three days after he completed the score of Don Juan, on
3 October 1888 in Elberfeld (today’s Wuppertal) by Robert Heckmann (1848–1891), to whom
Grieg dedicated his G minor String Quartet, and the pianist Julius Buths (1851–1920) who, by
the by, later conducted the European premieres of both The Dream of Gerontius and the
Enigma Variations. Strauss remained fond of the Sonata. He was present at the concert in
Munich given in honour of his 85th birthday on 11 June 1949, just three months before his
death.
Most of Strauss’s 200 or so lieder were composed between 1882 and 1905 (the first,
‘Weihnachtslied’, when he was six years old). Morgen! (‘Tomorrow!’) is a setting from May
1894 of words by the Scottish-born poet and anarchist John Henry Mackay (1864–1933) who
settled in Berlin in the early 1890s. Like the other songs op.27, this ravishingly beautiful love
song was a wedding gift to Strauss’s wife, and is among his most popular works.
Waldseligkeit (‘Woodland rapture’) is a poem by Richard Dehmel (1863–1920), another
champion of the underdog (his writing resulted in a trial on charges of obscenity). Strauss’s
song was written in 1901, an orchestral version appearing in 1918. Wiegenlied (‘Cradle Song’),
with a text by the same poet, was composed in 1899.
Before the songs on this album, we return to Strauss’s early love of the violin with the last
independent chamber music he wrote. The Allegretto in E dates from 1948, immediately
preceding his final masterpiece, the Four Last Songs. Only a great composer can tell a
complete story with such charm and in such a short time.
© Jeremy Nicholas, 2014
César Franck und Richard Strauss: Violinsonaten
Wenige Werke im Kanon der Sonaten für Geige und Klavier werden allgemein höher
geschätzt als Francks Violinsonate A-dur. Heute, wo seine Sinfonie und seine Variations
symphoniques (leider!) wesentlich seltener in den Konzertsälen zu hören sind, als es früher
der Fall war, könnte die Violinsonate durchaus als sein beliebtestes Werk gelten. Sie entstand
1886, als Franck 63 Jahre alt war und auf der Höhe seiner Fähigkeiten stand. Er komponierte
sie als Hochzeitsgeschenk für seinen Freund, den großen belgischen Virtuosen Eugène Ysaÿe
(1858–1931).
Es ist eine kaum bekannte Tatsache, dass Franck und Ysaÿe entfernt verwandt waren (ob die
beiden sich dessen bewusst waren, ist ungewiss): Im Jahre 1660 heiratete George Ysaÿe, ein
Nagelschmied, eine Dame namens Marguerite Franck. Wie dem auch sein mag, fest steht, dass
Franck Ysaÿe zum ersten Mal 1876 im Pariser Heim von Ysaÿes ehemaligem Lehrer Henri
Vieuxtemps begegnete. Im Laufe der nächsten Jahre entwickelte sich zwischen den beiden
eine enge Freundschaft, so dass Franck, als Ysaÿe seine bevorstehende Heirat mit Louise
Bourdeau, der Tochter eines Armeeoffiziers, bekanntgab, selbstverständlich zur Hochzeit
eingeladen war. Diese fand am 28. September 1886 in Arlon an der belgisch-luxemburgischen
Grenze statt. Franck war jedoch verhindert. Er ließ seine Entschuldigung und ein kleines Paket
von seinem Freund Charles Bordes überbringen, dessen Schwägerin, die Pianistin Léontine
Bordes-Pène, ebenfalls präsent war. Beim Hochzeitsempfang überreichte Bordes das Paket
Ysaÿe, der es öffnete und darin das ihm gewidmete Manuskript der Violinsonate erblickte.
Nachdem er die Noten kurz durchgesehen hatte, fragte Ysaÿe Mme Bordes-Pène, ob sie ihn
bei einer Aufführung des Werkes begleiten würde. Sie hatte sich, wie sich herausstellte, bereits
in Paris mit den Noten vertraut gemacht – glücklicherweise. Die Klavierstimme zählt zu den
anspruchsvollsten im gesamten Repertoire (man sollte nicht vergessen, dass Franck seine
Karriere als virtuoser Pianist begann; 1838 beispielsweise, als er am Pariser Konservatorium
studierte, gewann er mit seiner brillanten Interpretation von Hummels Konzert in h-moll den
ersten Preis im Klavierspiel – Alkan zählte zu den Juroren). Wie gut Bordes-Pène die Aufgabe
meisterte, ist nicht bekannt – insbesondere der letzte Satz steckt voller Akkorde mit großen
Dezimen – doch fest steht, dass sie später Ysaÿe bei der ersten öffentlichen Aufführung
begleitete. Diese fand am 16. Dezember 1886 im Musée Moderne de Peinture in Brüssel im
Rahmen eines Franck-Festivals statt. Die Sonate stand als letztes Stück auf dem Programm,
und am Ende des ersten Satzes war die Dämmerung eingebrochen. Das Museum hatte den
Einsatz von künstlichem Licht untersagt, und so spielten die beiden, anstatt die Sonate
abzubrechen, bis zum Ende beinahe in Dunkelheit und aus dem Gedächtnis weiter.
Franck ließ sich von Liszt inspirieren und legte der Sonate eine zyklische Form zugrunde (es
ist darauf hingewiesen worden, dass Teile des Materials einer früheren, verloren gegangenen
Violinsonate entstammten, die etwa 28 Jahre zuvor Liszts Tochter Cosima versprochen
worden war). Die Themen werden also nicht nur innerhalb eines einzigen Satzes bearbeitet,
sondern erscheinen in modifizierter Form in allen vier Sätzen, was dem Werk eine einheitliche
Struktur verleiht. Der Kopfsatz (Allegretto ben moderato) in abgewandelter Sonatenform
wird manchmal als eine lange Einleitung ausgelegt; das reflexive erste Thema der Violine
bildet den thematischen Kern des ganzen Werkes. Im hitzigen zweiten Satz (Allegro) wird
nach der pianistischen Präsentation des einleitenden Themas ein weiteres, an den ersten
Satz erinnerndes, vorgestellt, bevor die Violine mit ihrem vehementen zweiten Thema
einsetzt. Der dritte Satz ist als „Rezitativ-Fantasie“ bezeichnet und spiegelt den ersten Satz
wider, wobei bereits Ideen des dritten Satzes (Allegretto poco mosso) angedeutet werden,
des bekanntesten Satzes, der dafür berühmt geworden ist, dass die Hauptmelodie im Kanon
zu hören ist (also wie in einem „nachgesprochenen“ Dialog). Er erinnert auf bezaubernde
Weise an zwei in perfekter Harmonie glücklich vereinte Stimmen – und endet in einem
wahren Freudentaumel.
Nur wenige Werke sind derart untrennbar mit ihrem Widmungsträger verbunden. Ysaÿe
spielte diese Sonate noch in seinen späten Sechzigern, wenn auch mit leicht beeinträchtigtem
technischem Können. Seine letzte Darbietung des Meisterwerkes seines Freundes erfolgte
im Jahre 1926 gemeinsam mit dem Pianisten Yves Nat in Paris.
Drei Charakteristika verbinden Strauss’ frühe Violinsonate in Es-dur, op. 18 mit Francks:
ihre gemeinsame germanische Musiksprache, die Verwendung einer vereinheitlichenden
Technik (Strauss setzt zu diesem Zwecke keine thematische Transformation sondern ein
wiederholtes rhythmisches Muster im ersten und dritten Satz ein) sowie die Verknüpfung
zu ehelichem Glück – Strauss schrieb die Sonate zu der Zeit, als er gerade seine zukünftige
Frau, die Sopranistin Pauline de Ahna, kennengelernt und sich leidenschaftlich in sie verliebt
hatte.
Strauss begann mit seiner Sonate nur ein Jahr nach der von Franck; die ersten beiden Sätze
wurden im August 1887 fertiggestellt, das Finale am 1. November. Strauss spielte selbst Geige,
seitdem er acht Jahre alt war, und im Alter von 20 Jahren konnte er bereits auf ein von ihm
komponiertes Violinkonzert sowie eine Reihe von Kammermusikwerken mit herausragenden
Violinstimmen zurückblicken. Die Violinsonate war von Schumann und Brahms inspiriert und
sollte nach der Klaviersonate op. 5 (1880/81) und der Cellosonate (1883) sein letztes von
drei Werken dieses Genres sowie die letzte seiner Kompositionen in der üblichen klassischen
Form werden. Nichtsdestoweniger sind alle Elemente seines späteren ausgereiften Stiles
präsent (das turbulente Hauptthema des Finales beispielsweise antizipiert den Beginn seiner
Tondichtung Don Juan), und die beiden dichten, ineinander verwobenen Stimmen erschaffen
eine beinahe sinfonische Struktur.
Der eröffnende Allegro, ma non troppo steht in der Form eines traditionellen Sonatenallegros
und steckt randvoll mit melodischem Erfindungsreichtum. Es beginnt mit leidenschaftlichen
Appellen beider Instrumente, die dann in ein zartes, beinahe schuberthaftes Thema
übergehen, auf das eine dritte, sehnsüchtige Melodie folgt (espressivo e appassionata); der
ganze Satz scheint vom Antrieb und der Energie der sinfonischen Dichtungen beseelt. Der
langsame Satz (Andante cantabile) trägt den Titel „Improvisation“ – es handelt sich um ein
unbeschreiblich schönes „Lied ohne Worte“ mit einem dramatischen mittleren Abschnitt.
Der dritte und letzte Satz stürzt sich nach der zurückhaltenden Einleitung (Andante) im
Allegro in eine Stimmung heroischer Erhabenheit – und hier zeigt sich das oben
angesprochene rhythmische Muster, das aus einer punktierten Note gefolgt von einer
Sechzehntel- oder Achtelnote und dann einer Triolengruppe besteht, ein Schema, das sich
im gesamten dritten und auch im ersten Satz findet.
Strauss widmete die Sonate seinem Freund und Cousin Robert Pschorr. Die erste öffentliche
Aufführung fand am 3. Oktober 1888 in Elberfeld statt (dem heutigen Wuppertal), nur drei
Tage nach Fertigstellung der Partitur von Don Juan. Aufgeführt wurde das Werk von Robert
Heckmann (1848–1891), dem Grieg sein Streichquartett in g-moll widmete, und dem Pianisten
Julius Buths (1851–1920), der im Übrigen später die kontinentaleuropäischen Erstaufführungen
von Elgars The Dream of Gerontius und den Enigma-Variationen dirigieren sollte. Strauss
blieb der Sonate stets verbunden. Sie wurde am 11. Juni 1949 in München beim Konzert zu
Ehren seines 85. Geburtstags aufgeführt, dem er nur drei Monate vor seinem Tod beiwohnte.
Die meisten der etwa 200 Lieder von Strauss entstanden zwischen 1882 und 1905 (das erste,
„Weihnachtslied“, als er sechs Jahre alt war). Morgen! stammt vom Mai 1894; es handelt
sich um die Vertonung eines Textes des in Schottland geborenen Dichters und Anarchisten
John Henry Mackay (1864–1933), der in den frühen 1890er Jahren nach Berlin zog. Ebenso wie
die anderen Lieder des op. 27 war dieses atemberaubend schöne Liebeslied ein
Hochzeitsgeschenk an Strauss’ Frau. Heute zählt es zu seinen beliebtesten Werken.
Waldseligkeit ist ein Gedicht von Richard Dehmel (1863–1920), einem weiteren Vorkämpfer
der Außenseiter (seine Schriften führten zu einem Gerichtsverfahren aufgrund von
Obszönität). Strauss’ Lied entstand 1901, eine Orchesterversion erschien 1918. Wiegenlied
ist ein Text vom gleichen Dichter, die Vertonung wurde 1899 komponiert.
Bevor sich auf dieser Aufnahme die Lieder anschließen, erfolgt eine Rückkehr zu Strauss’
Jugendliebe, der Geige. Das Allegretto in E-dur ist seine letzte eigenständige
Kammermusikkomposition. Es stammt von 1948 und geht direkt seinem letzten Meisterwerk
voran, den Vier letzten Liedern. Nur ein wirklich großer Komponist kann eine vollständige
Geschichte mit solchem Charme und in so kurzer Zeit erzählen.
Jeremy Nicholas
proscrit toute lumière artificielle et, plutôt que d’abandonner la sonate, les deux musiciens
continuèrent jusqu’à la fin de mémoire dans la plus grande obscurité.
Übersetzung: Leandra Rhoese
En s’inspirant de Liszt, Franck utilise une structure cyclique pour la sonate (il a été suggéré
qu’une partie de son matériau provient d’une sonate pour violon plus ancienne et perdue,
promise à la fille de Liszt, Cosima, quelque vingt-huit ans plus tôt). Ses thèmes sont donc
transformés non seulement au sein d’un seul mouvement mais apparaissent sous différentes
formes tout au long des quatre mouvements, conférant une unité à l’œuvre. Le premier
mouvement (Allegretto ben moderato), dans une forme sonate altérée, est parfois
considérée comme une longue introduction, son premier thème contemplatif fournissant
le noyau thématique de toute l’œuvre. Dans l’impétueux deuxième mouvement (Allegro),
après la reprise du thème initial au piano, le thème suivant nous rappelle le premier
mouvement, avant le deuxième sujet véhément confié au violon. Le troisième mouvement
est décrit comme un « Recitativo-Fantasia » qui renvoie également au premier mouvement
et fait allusion aux idées du finale (Allegretto poco mosso), le mouvement le plus connu, et
célèbre pour sa mélodie principale entendue en canon (c’est-à-dire comme un « dialogue
de perroquet »). Il suggère, irrésistiblement, l’heureux mariage de deux voix en parfaite
harmonie – qui mène à une conclusion follement joyeuse.
César Franck et Richard Strauss : les sonates pour violon
Peu d’œuvres dans tout le répertoire des sonates pour violon et piano bénéficient d’une
plus grande estime que la Sonate pour violon en la majeur de Franck. De fait, maintenant
que sa symphonie et ses Variations symphoniques sont bien moins entendues dans les salles
de concert qu’avant (hélas !), la Sonate pour violon peut être considérée comme son œuvre
la plus populaire. Elle fut composée en 1886 par Franck, âgé de soixante-trois ans et au
sommet de son art, comme cadeau de mariage pour son ami, le grand virtuose belge Eugène
Ysaÿe (1858–1931).
Rares sont ceux qui savent que Franck et Ysaÿe étaient des parents éloignés (on ne sait si
eux-mêmes étaient au fait de cela ou non) : en 1660, un cloutier, George Ysaÿe, épousa une
femme du nom de Marguerite Franck. Quoi qu’il en soit, Franck rencontra Ysaÿe pour la
première fois en 1876 dans la résidence parisienne de l’ancien professeur d’Ysaÿe, Henri
Vieuxtemps. Au cours des années suivantes, les deux hommes se nouèrent d’amitié, et
lorsqu’Ysaÿe annonça son mariage avec Louise Bourdeau, la fille d’un officier, Franck fut
bien évidemment invité. Les noces furent célébrées le 28 septembre 1886 à Arlon à la
frontière entre la Belgique et le Luxembourg, mais Franck ne put y assister – il adressa ses
excuses ainsi qu’un petit paquet par l’intermédiaire de son ami Charles Bordes, dont la bellesœur et pianiste Léontine Bordes-Pène était également présente au mariage. Lors de la
réception, Bordes présenta le paquet à Ysaÿe qui l’ouvrit et y découvrit le manuscrit de la
Sonate pour violon dédiée à son nom. Après avoir parcouru la partition, Ysaÿe demanda à
Mme Bordes-Pène si elle accepterait de se joindre à lui pour exécuter l’œuvre. Il s’avéra
qu’elle s’était déjà familiarisée avec la musique à Paris – ce qui n’en était que mieux. La partie
de piano figure parmi les plus exigeantes du répertoire (n’oublions pas que Franck se fit
d’abord connaître comme un pianiste virtuose ; en 1938, encore étudiant au Conservatoire
de Paris, il remporta par exemple le premier prix de piano – Alkan faisait partie du jury –
en jouant (brillamment) le Concerto en si bémol de Hummel. On ne sait si Bordes-Pène se
montra alors à la hauteur de la tâche – le dernier mouvement en particulier foisonne
d’accords majeurs de dixième – mais c’est elle qui accompagnerait Ysaÿe lors de la création
de l’œuvre. Elle fut donnée le 16 décembre 1886 au Musée moderne de la peinture de
Bruxelles dans le cadre d’un festival César Franck. La Sonate était la dernière pièce
programmée, et à la fin du premier mouvement, la nuit était déjà tombée. Le musée avait
Peu d’œuvres sont si indélébilement liées à leur dédicataire. À soixante ans passés, Ysaÿe
jouait encore la sonate, même si sa technique avait perdu en assurance. Il exécuta le chefd’œuvre de son ami pour la dernière fois à Paris en 1926 avec le pianiste Yves Nat.
Trois caractéristiques relient la Sonate pour violon en mi bémol majeur op.18 de Strauss
et celle de Franck : leur langue musicale germanique ; l’utilisation d’une technique
d’unification (Strauss n’emploie pas de transformation thématique mais une figure rythmique
répétée dans les premier et troisième mouvement pour y parvenir) ; et le thème du bonheur
marital : Strauss écrivit la sonate au moment où il venait de rencontrer et tomber
passionnément amoureux de sa future épouse, la soprano Pauline de Ahna.
Les deux premiers mouvements de sa sonate, commencée seulement un an après celle de
Franck, étaient terminés en août 1887 et Strauss acheva le finale le 1er novembre. Strauss
jouait du violon depuis l’âge de huit ans et avait déjà composé un concerto pour violon
avant ses vingt ans, ainsi qu’un certain nombre d’œuvres de musique de chambre avec
d’importantes parties de violon. Redevable de Schumann et Brahms, la sonate pour violon
sera la dernière de ses trois œuvres du genre après la Sonate pour piano op.5 (1880–1881) et
la Sonate pour violoncelle (1883), ainsi que la dernière de ses compositions écrites dans une
forme classique. Ceci dit, les éléments de son style de la maturité sont déjà présents
(le premier thème agité du finale, par exemple, annonce le début de son poème symphonique
Don Juan), et les deux parties denses et entremêlées créent une texture presque
symphonique.
L’Allegro, ma non troppo initial adopte la forme sonate-allegro traditionnelle et regorge
d’inventivité mélodique. Il s’ouvre par des déclarations passionnées des deux instruments
qui se fondent en un thème tendre, presque schubertien, suivi d’une troisième mélodie
langoureuse (espressivo e appassionata). De tout le mouvement émane, dans une moindre
mesure toutefois, l’entrain et l’énergie des poèmes symphoniques. Le mouvement lent
(Andante cantabile) est intitulé « Improvisation » – une « chanson sans paroles » d’une infinie
beauté avec une section intermédiaire dramatique. Le troisième et dernier mouvement, avec
sa douce introduction (Andante), plonge dans un climat de grandeur héroïque (Allegro) d’une
grande virtuosité compositionnelle – c’est ici que l’on remarque la figure rythmique évoquée
précédemment qui consiste en une note pointée suivie d’une double croche ou d’une croche
puis d’un triolet – procédé présent tout au long de ce mouvement et du premier
mouvement.
Strauss dédia la sonate à son ami et cousin Robert Pschorr. La première audition fut donnée
trois jours seulement après qu’il finit la partition de Don Juan, le 3 octobre 1888 à Elberfeld
(aujourd’hui Wuppertal) par Robert Heckmann (1848–1891), dédicataire du Quatuor à cordes
en sol mineur de Grieg, et le pianiste Julius Buths (1851–1920) qui allait par ailleurs diriger
les premières européennes du Dream of Gerontius et des Enigma Variations. Strauss demeura
très attaché à la sonate. Il assista au concert de Munich donné en l’honneur de son
85ème anniversaire le 11 juin 1949, juste trois mois avant sa mort.
La majorité des quelque deux cents lieder de Strauss fut composée entre 1882 et 1905
(il écrivit le premier, « Weihnachtslied », à l’âge de six ans). Morgen! (« Demain ! »), composé
en mai 1894, met en musique un texte du poète et anarchiste d’origine écossaise John Henry
Mackay (1864–1933) qui s’installa à Berlin au début des années 1890. Comme les autres lieder
de l’opus 27, cette chanson d’amour absolument délicieuse était un cadeau de marriage de
Strauss pour sa femme et elle compte parmi ses œuvres les plus populaires. Waldseligkeit
(« Félicité de la forêt ») est un poème de Richard Dehmel (1863–1920), autre champion des
marginaux (ses écrits furent taxés d’obscènes et jugés en procès). Strauss composa son lied
en 1901, puis en fit une version orchestrale en 1918. Wiegenlied (« Petite berceuse »), sur un
texte du même poète, fut composée en 1899.
Les lieder sur cet album sont précédés d’un retour aux premières amours de Strauss pour le
violon et la dernière œuvre de musique de chambre indépendante qu’il écrivit. L’Allegretto
en mi majeur date de 1948, et fut composé juste avant son ultime chef-d’œuvre, les Quatre
derniers lieder. Seul un grand compositeur peut conter une histoire entière avec un tel
charme en si peu de temps.
Jeremy Nicholas
Traduction : Noémie Gatzler
Executive producer for ONYX: Matthew Cosgrove
Executive producer: Matthew Cosgrove for ONYX
Producer: Simon Kiln
Balance engineer: Mike Clements
Recording location: Potton Hall, Suffolk, 19–21 May 2014
Cover photo: Kate Ehnes
Design: Jeremy Tilston for WLP
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LC 19017
ONYX 4141
 2015 JAMES EHNES 훿 2015 PM CLASSICS LTD. ALL RIGHTS OF THE MANUFACTURER AND OF THE RECORDED WORK RESERVED. UNAUTHORISED HIRING, LENDING,
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Also available on ONYX
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American Chamber Music
Barber · Bernstein · Carter · Copland · Ives
James Ehnes · Seattle Chamber Music Society
ONYX 4139
Prokofiev: Symphonies 1 & 2 · Sinfonietta
Bournemouth Symphony Orchestra
Kirill Karabits
ONYX 4113
Britten · Shostakovich: Violin Concertos
Bournemouth Symphony Orchestra
James Ehnes · Kirill Karabits
ONYX 4121
Khachaturian: Violin Concerto
Shostakovich: String Quartets 7 & 8
James Ehnes · Mark Wigglesworth
Melbourne Symphony Orchestra · Ehnes Quartet
www.onyxclassics.com
ONYX 4141