atelier supérieur d`animation

ATELIER
SUPÉRIEUR
D’ANIMATION
CYCLE SUPÉRIEUR EN 3 ANS
ATELIER
SUPÉRIEUR
D’ANIMATION
CYCLE SUPÉRIEUR EN 3 ANS
UN CYCLE SUPÉRIEUR CONÇU ET COORDONNÉ
PAR CATHERINE TOTEMS ET HÉLÈNE BEAU
« UNE ÉCOLE DE CINÉMA D’ANIMATION OUVERTE
SUR LA CRÉATION CONTEMPORAINE »
SOMMAIRE GÉNÉRAL
L’ATELIER DE SÈVRES ET LE CYCLE SUP ANIMATION
ÉDITO
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L’ACCÈS DANS LE CYCLE SUPÉRIEUR
LE DÉROULEMENT DU CONCOURS
LES PROFILS REQUIS
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LE PROGRAMME DE LA 1ÈRE ANNÉE
PÔLE CULTURE
PÔLE EXPÉRIMENTATION
PÔLE TECHNIQUE
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LE PROGRAMME DE LA 2E ANNÉE
PÔLE CULTURE
PÔLE EXPÉRIMENTATION
PÔLE TECHNIQUE
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L’ATELIER SUPÉRIEUR D’ANIMATION EST UN LABORATOIRE OU S’ÉPANOUIT UNE
NOUVELLE GÉNÉRATION D’AUTEURS-RÉALISATEURS ET D’ANIMATEURS POUR
DEMAIN. CE CYCLE SUPÉRIEUR DE TROIS ANS PROPOSE UNE ÉCOLE DE CINÉMA
D’ANIMATION OUVERTE SUR LA CRÉATION CONTEMPORAINE MÉLANT CINÉMA,
ANIMATION, ÉCRITURE, ART ET EXPÉRIMENTATION. AVEC LE CONCOURS DE
PROFESSIONNELS ET D’EXPERTS DANS LES DOMAINES DE LA CRÉATION, DE LA
RÉALISATION ET DU CINÉMA D’ANIMATION, CETTE ÉCOLE FORME DES PROFESSIONNELS EN PRISE DIRECTE AVEC UN UNIVERS EN MUTATION CONSTANTE ET
RESTE AINSI EN LIEN AVEC LES RÉALITÉS ET LES MÉTIERS D’AUJOURD’HUI.
POUR Y PARVENIR, L’ATELIER SUPÉRIEUR D’ANIMATION MET EN PLACE UNE
PÉDAGOGIE PLURIDISCIPLINAIRE ÉVOLUTIVE SOUTENUE PAR UNE ÉQUIPE DYNAMIQUE ET DES MOYENS TECHNIQUES AFIN DE FAIRE ÉMERGER LES TALENTS DE
DEMAIN.
VINCENT VILLARD
DIRECTEUR DE L’ATELIER DE SÈVRES
LE PROGRAMME DE LA 3E ANNÉE
PÔLE CULTURE
PÔLE EXPÉRIMENTATION
PÔLE TECHNIQUE
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LES MÉTIERS, LES DÉBOUCHÉS ET LES STAGES
L’ÉQUIPE PÉDAGOGIQUE ET LES INTERVENANTS
LES CONFÉRENCES
LES FESTIVALS ET VOYAGES
LES FORUMS ET PARTENARIATS
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L’ATELIER DE SÈVRES PROPOSE UNE FORMATION SUPÉRIEURE DE 3 ANS, DESTINÉE AUX ÉTUDIANTS QUI SOUHAITENT DEVENIR AUTEUR RÉALISATEUR
D’OEUVRES AUDIOVISUELLES ET CINÉMATOGRAPHIQUES ANIMÉES ET INNOVANTES.
LA PÉDAGOGIE EST BASÉE SUR L’EXPÉRIMENTATION, LA CRÉATION, L’ÉCRITURE,
L’HISTOIRE DE L’ART, DU SPECTACLE VIVANT, ET DU CINÉMA, LE DESSIN ET LES
NOUVELLES TECHNOLOGIES (2D ET 3D).
ELLE S’APPUIE SUR DES COURS, DES CONFÉRENCES, DES WORKSHOPS DE RECHERCHE ET DE CRÉATION, DES ATELIERS D’ÉCRITURE ET DES ATELIERS TECHNIQUES, DES PRODUCTIONS AUDIOVISUELLES PERSONNELLES OU EN ÉQUIPE.
CET ENSEIGNEMENT EST DÉLIVRÉ PAR DES PROFESSIONNELS ET DES ARTISTES
FRANÇAIS ET ÉTRANGERS ET IL EST COMPLÉTÉ PAR UN SUIVI PERSONNALISÉ
DES ÉTUDIANTS.
L’ENSEIGNEMENT TECHNIQUE S’ACQUIERT EN MULTIPLIANT LES EXERCICES, LES
EXPÉRIMENTATIONS ET LES RÉALISATIONS, TOUT EN LAISSANT LA PART BELLE
À LA CRÉATIVITÉ PERSONNELLE ET À L’INNOVATION.
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1ÈRE ANNÉE - DE L’EXPÉRIMENTATION À L’ÉCRITURE
L’année se déroule sur un rythme alternant semaines de cours, semaines
d’ateliers et semaines de réalisations.
Les cours suivants sont délivrés de la mi-septembre à la fin mai : perspective, modèle vivant, infographie, narration, étude de la couleur et histoire du
cinéma, design, storyboard, layout, animation traditionnelle en 2D.
6 ateliers d’écriture et d’expérimentation, d’une durée d’une semaine, sont
dispensés en peinture animée, sable, rotoscopie, paper cut, stop motion et
pixilation.
Lors de temps forts, un clip, une adaptation et un court-métrage sont réalisés, expérimentant ainsi les notions acquises lors des cours et des ateliers.
La conception du book et de la démo réel sont demandés pour la recherche de
stage et le passage dans l’année supérieure.
2E ANNÉE - DE L’ÉCRITURE À LA RÉALISATION
3 grands modules de recherche : l’animation dans le spectacle vivant et les
arts plastiques, l’animation et le documentaire, l’animation et le transmédia constituent les temps forts de la 2e année.
Des ateliers de techniques 3D (modélisation et rendu, setup, animation), de
volume (maquette décor et marionnettes), de prise de vue réelle, de direction d’acteurs, d’organisation de production et du pipe-line, sont dispensés
en fonction de ces modules.
La fin de l’année permet aux étudiants de concevoir leur projet de 3ème année, ainsi que leur book et leur demo réel, pour la recherche de stage et le
passage dans l’année supérieure.
3E ANNÉE - DE LA CONCEPTION À LA DIFFUSION
Le spectacle vivant, l’installation plastique ou vidéo, l’adaptation, le court
métrage, le pilote de long métrage ou de série, le transmédia ou le turbo
média, constituent les formes artistiques possibles d’écriture et de création
dans lesquelles les étudiants proposent leur projet de fin d’études. Ils ont une
année pour le réaliser.
Jusqu’en décembre, validation de l’écriture définitive, pré-production et organisation de la production et des plannings en fonction des projets.
De janvier à mai, fabrication, post-production, diffusion et communication.
Pitch, making of, mémoire.
Chaque année est validée par le contrôle continu et par un jury de professionnels et de plasticiens.
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STAGES, FESTIVALS ET ÉCHANGES
Les stages professionnels sont obligatoires entre la 1ère et la 2e année,
ainsi qu’entre la 2e et la 3e année,
en France ou à l’étranger. Des partenariats établis avec de grandes
écoles européennes ou hors Europe,
facilitent les échanges et permettent
aux étudiants de s’adapter à d’autres
cultures en développant leur réseau
professionnel.
La participation aux voyages dans
les Festivals Français et Européens
est fortement encouragée.
La pratique de l’anglais indispensable, est entretenue durant toute la
durée de la formation.
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L’ACCÉS DANS LE CYCLE SUPÉRIEUR
EN 1ÈRE ANNÉE SUR CONCOURS
avec une épreuve écrite et un entretien
L’épreuve écrite se déroule sur une journée.
Elle est basée sur l’écriture et la créativité autour d’un thème donné.
Dans un deuxième temps, les candidats admissibles sont convoqués pour un
entretien autour du dossier artistique.
LES PRÉREQUIS
Être titulaire du Baccalauréat ou équivalent pour les étrangers.
Être âgé de 26 ans au plus au moment de l’inscription.
Langue française exigée (oral et écrit).
Bonne culture générale et artistique (arts vivants et arts plastiques).
Niveau prépa ou Manaa en dessin.
Dispositions et goût développé pour l’écriture.
Grande curiosité et ouverture d’esprit.
Aptitudes pour l’expérimentation, la créativité et le travail en équipe.
EN 2 ANNÉE SUR CONCOURS
E
avec un entretien autour du dossier graphique et de la demo réel
LE PROFIL REQUIS
Auteur réalisateur d’œuvres audiovisuelles aux techniques hybrides.
Connaissance des techniques de base en animation 2D : traditionnelle
et numérique.
Niveau confirmé en dessin.
Goût prononcé pour l’expérimentation, le cinéma et le cinéma d’animation.
Niveau élevé en culture générale.
Expression orale et écrite de qualité.
Aptitudes pour l’expérimentation, la créativité et le travail en équipe.
Grande curiosité et ouverture d’esprit
EN 3E ANNÉE SUR CONCOURS
avec un entretien autour du dossier graphique, de la demo réel
et du pitch du projet de réalisation.
LE PROFIL REQUIS
Auteur réalisateur d’œuvres audiovisuelles aux techniques hybrides.
Connaissance des techniques de base en animation 2D : traditionnelle
et numérique.
Connaissance des techniques de base en animation 3D : modélisation, set up
et animation.
Goût prononcé pour l’expérimentation, le cinéma et le cinéma d’animation.
Niveau élevé en culture générale, expression orale et écrite de qualité.
Aptitudes pour l’expérimentation, la créativité et le travail en équipe.
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LE DOSSIER ARTISTIQUE IDÉAL POUR ENTRER EN 1ÈRE ANNÉE
Montrer le goût et les dispositions pour l’écriture :
illustrations d’histoires courtes, extraits de bandes dessinées, ébauches de
scénarios dessinés, carnets de croquis narratifs, recueil choisi de textes écrits
ou de synopsis, carnets de voyage, …
Mettre en évidence la capacité à développer des univers personnels de
styles et de genres variés, en expérimentant différents outils, plastiques et
numériques.
Carnets de croquis et esquisses, dessins, illustrations, collages, peintures,
encres, pastels, aquarelles, modelage, sculpture, gravure, photographie, maquettes en volume, animations, extraits vidéo…
Prouver l’aptitude et l’aisance en dessin, en soulignant autant que possible, le sens de l’observation et du mouvement, la qualité du graphisme et
la sûreté du trait, la maîtrise de la perspective, la recherche du cadrage et de
la composition.
LE DOSSIER ARTISTIQUE POUR ENTRER EN 2E ANNÉE
présentera les mêmes qualités que pour l’entrée en 1e année.
Il sera complété par des travaux montrant des connaissances spécifiques
en techniques d’animation (design, storyboard, layout, décors, animation)
et par un montage vidéo montrant le savoir-faire en réalisation et mise en
scène de séquences animées.
LE DOSSIER ARTISTIQUE POUR ENTRER EN 3E ANNÉE
présentera les mêmes qualités que pour l’entrée en 2e année.
Il sera complété par un montage vidéo montrant le savoir-faire avec l’outil
3D et la diversité des expérimentations réalisées seul ou en équipe.
Un projet de réalisation, destiné à être produit et finalisé pendant la 3ème
année devra être présenté et argumenté.
Il peut prendre une des formes artistiques suivantes :
Court-métrage, adaptation d’une œuvre existante, pilote de long-métrage ou
de série, projet transmédia, installation plastique ou vidéo.
Dans tous les cas, le dossier sera présenté de façon à offrir une lecture facile et
évidente pour le jury.
Formats libres (images photographiées, filmées, scannées ou imprimées si les originaux ne sont pas transportables).
Si Clé USB (vidéos uniquement au format QuickTime et montage d’une durée
n’excédant pas 6 minutes).
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3 PÔLES PRINCIPAUX DANS LA FORMATION
PÔLE CULTURE
Acquérir un point de vue sur le monde, passé, présent et à venir, semble
aujourd’hui essentiel, développer des thèmes de réflexion pour enrichir son
regard et forcer le discours et le sens de son travail, c’est l’objectif que se fixe
le pôle culture.
Par une réelle approche du cinéma et de ses langages, de l’art et de ses territoires, des différentes formes d’écriture, les étudiants s’interrogent avec
curiosité sur la création afin de prendre conscience des problématiques liées
à la réalisation d’œuvres animées.
PÔLE EXPÉRIMENTATION
Donner le temps de la recherche en expérimentant toutes les techniques et
en se confrontant à la narration, permet aux étudiants de faire évoluer écriture, graphisme, mise en scène et animation et de créer d’autres formes de
langages graphiques et plastiques. Grâce au matériel mis à disposition et à
l’expertise des intervenants, par une approche manuelle et sensible de la 2D
en passant par le dessin, la matière, le volume, l’espace et le son, la pratique
et les sens s’affinent, ouvrant aux étudiants toutes les voies de la création.
C’est l’objectif du pôle expérimentation.
PÔLE TECHNIQUE
Garante d’un savoir-faire professionnel, la maîtrise technique est aujourd’hui
indispensable dans les procédés de fabrication d’un film.
En donnant la connaissance des outils et des techniques essentielles du métier, l’objectif de ce pôle est de libérer les étudiants des frustrations techniques et d’augmenter leur capacité de création, car tout devient concrètement réalisable avec le savoir-faire. Ils deviennent alors capables de choisir et
de soumettre les outils, numériques ou traditionnels aux besoins de chaque
projet.
Beaucoup de techniques sont abordées : dessin, couleurs, design, storyboard,
layout, décors, animation, effets spéciaux, compositing, conception sonore,
montage image et son, et beaucoup d’outils sont explorés : en 2D, en 3D, en
stéréoscopie, en stop motion, en live action.
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ANNÉE
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CYCLE SUPÉRIEUR EN 3 ANS
PROGRAMME
DE LA 1ÈRE ANNÉE
LES COURS SONT PROGRAMMÉS EN FONCTION DES CYCLES DE CRÉATION ET DE
RÉALISATION DE MI-SEPTEMBRE À MI-JUIN
LES EXERCICES ET LES EXPÉRIMENTATIONS ANIMÉES ABORDENT SIMULTANÉMENT PROBLÉMATIQUES D’ÉCRITURE ET NOUVELLES FORMES PLASTIQUES.
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PÔLE CULTURE
PÔLE EXPÉRIMENTATION
ART, CINÉMA ET CINÉMA D’ANIMATION
DE LA CONCEPTION DE PROJETS AUX TECHNIQUES HYBRIDES
Ce cours alimente la réflexion autour des thématiques abordées dans l’année : le clip, l’adaptation d’œuvres existantes, le court métrage. Il recouvre
artistiquement et historiquement la palette incluant les formes dites « image
par image » ; mais aussi les autres formes d’expression plastique ou liées à
l’art contemporain, à l’espace et aux nouvelles technologies (spectacle vivant,
vidéo et supports numériques, installations).
Au cours de workshops encadrés par des artistes auteurs contemporains, les
étudiants réalisent de très courts métrages en prenant le temps d’expérimenter successivement les techniques d’animation image par image en peinture
animée, sable, rotoscopie, papercut, stop motion et pixilation. Lorsque le
sujet s’y prête, les étudiants les mélangent et développent des techniques
dites hybrides. Ils découvrent également à l’occasion de chaque workshop
toutes les étapes de fabrication de la conception au compositing (assemblage
numérique de tous les éléments d’un film).
INITIATION AU LANGAGE CINÉMATOGRAPHIQUE
L’expérience visuelle et l’immersion sont les moyens mobilisés dans ce cours,
pour entrer dans le langage et le vocabulaire cinématographique, l’analyse de
films cultes faisant référence.
Le scénario, les plans, les angles de prise de vue, les mouvements de caméra,
les raccords, le montage, le traitement de la lumière, le son, le jeu des acteurs,
délivrent alors tous leurs secrets.
EN PEINTURE ANIMÉE, l’animateur va créer le mouvement en peignant directement sous la caméra et en photographiant chaque changement. Le mouvement est ainsi créé par la matière, les couleurs qui se mélangent et la lumière.
Il est possible d’éclairer la peinture par au dessus et par en dessous grâce à
une installation sur plusieurs niveaux avec des vitres. On peut aussi utiliser le
pastel et des supports tels que du calque de la toile ou du papier.
Le principe général de l’animation de sable, technique très plastique et poétique, est celui d’une table lumineuse sur laquelle on vient animer image par
image une couche de sable, plus ou moins épaisse. La prise de vue est réalisée
par le dessus. L’effet d’ombres et lumières est créé par les déplacements du
sable, qui rendent les ombres plus ou moins marquées. On peut imaginer le
même principe avec d’autres matériaux.
SCÉNARIO
Le scénario est le fondement d’un film.
Définir un concept, mettre ses idées par écrit, éviter ce qui est convenu, donner ses opinions, se mettre en danger, débloquer son imagination, autant de
réflexions qui conduisent à la description détaillée des différentes scènes d’un
film ou d’un projet.
Ce cours indique aux étudiants la démarche pour analyser, concevoir et écrire
un film d’animation, un court métrage, un clip, une adaptation d’une œuvre
existante.
LA ROTOSCOPIE est une technique cinématographique qui consiste à dessi-
CONCEPTION SONORE
Dans un film, le son est pensé, écrit, construit en même temps que l’image.
Acquérir le vocabulaire de la pensée sonore pour composer avec la musique,
les sons, le silence et les dialogues…. d’un point de vue narratif comme esthétique, et laisser au son une grande place à la créativité et à la subjectivité
en jouant avec l’illustration, le décalage ou la contradiction par rapport à
l’image…les workshops et les 3 réalisations permettent aux étudiants de réfléchir à ces problématiques tout en détaillant les apports techniques possibles
de l’enregistrement, des bruitages, du montage et du mixage.
ACTING ET MISE EN SCÈNE
L’animateur est aussi acteur et metteur en scène.
Donner les outils pour pouvoir ressentir, éprouver, analyser avant de retranscrire sur le papier ou devant la caméra, décomposer toutes les phases d’un
geste, d’une attitude ou d’une émotion, c’est le propos du cours d’acting.
Pouvoir se placer dans l’espace, se déplacer, comprendre ce qui va se passer
devant la caméra (composition, cadrage, décor, acteurs), enchaîner avec le
plan d’avant et celui d’après, trouver le bon rythme de narration, c’est l’art
indispensable de la mise en scène.
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PITCH
A l’origine, le pitch est utilisé par
le scénariste ou l’auteur réalisateur
pour «vendre son histoire» auprès
d’une société de production, d’une
commission de financement ou
d’un forum professionnel. C’est un
résumé du scénario, une note d’intention pour séduire et convaincre.
Il est accompagné d’indications graphiques et même parfois, sonores. Il
faut apprendre à le jouer devant un
public de façon convaincante.
Le cours a pour objet :
- d’analyser des pitchs existant, en
fonction de la typologie des projets
(courts métrages, pilote de long
métrage, transmédia, documentaire),
- d’écrire les pitchs des projets en
cours
- de s’entraîner devant un public.
ner image par image les contours d’une figure filmée en prise de vue réelle
pour en transcrire la forme et les actions dans un film d’animation. Le relevé
peut donner un résultat d’animation très réaliste mais il peut aussi n’être
qu’un point de départ grâce à une interprétation libre des mouvements et
des formes.
LA STOP MOTION OU ANIMATION EN VOLUME, utilise aussi le tournage image
par image ; il s’agit de créer l’illusion d’un mouvement à partir d’objets immobiles et en volume. Entre chaque image filmée, les objets de la scène sont
légèrement déplacés. Lorsque le film est projeté à une vitesse normale, la
scène semble animée en trois dimensions.
LE PAPERCUT est basé sur le même principe mais avec des formes plates en
papier découpé. Tous les éléments nécessaires au film sont conçus en silhouettes ou en pantins.
LA PIXILATION est une technique d’animation qui permet des trucages donnant l’illusion qu’un acteur ou un objet peut entrer dans le sol, sortir d’un
mur, disparaître et réapparaître ….des acteurs réels ou des objets sont filmés
image par image, en s’immobilisant à chacune des positions qu’ils prennent.
Lorsque les étudiants abordent la
réalisation du clip, de l’adaptation
d’une œuvre existante, ou du court
métrage personnel, ils utilisent les
connaissances et découvertes acquises pendant ces workshops, pour
pousser plus loin leurs recherches,
affûter leur technique et créer de
nouveaux styles dans des registres
différents.
ATELIER D’ÉCRITURE pour concevoir
le pitch du projet.
Des exercices d’écriture sont proposés autour de la thématique des
projets.
Les étudiants s’exercent à pitcher à
l’oral afin de convaincre les jurys,
et de trouver les mots et les images
justes, efficaces et synthétiques.
ATELIER D’ÉCRITURE pour rédiger le
scénario.
Une fois le pitch validé, le scénario
se construit et s’affine avec toutes
les indications détaillées et les dialogues, si nécessaire.
DÉVELOPPEMENT VISUEL
Le développement visuel est constitué de toutes les recherches autour
du film et de son univers : décors,
personnages, accessoires, ambiances
lumière et couleurs, effets spéciaux.
La culture générale et l’imagination
sont déterminantes à cette étape.
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PÔLE TECHNIQUE
DESIGN : tous les éléments nécessaires au film vont être conçus et détaillés
en fonction des choix de réalisation : éléments visuels, accessoires, décors,
effets spéciaux.
Le cours de design consiste à donner les clés pour être en capacité d’imaginer
et de concevoir l’ensemble en fonction des techniques, de la dramaturgie, et
du style graphique choisis.
STORYBOARD ET ANIMATIQUE SONORE
Vient la phase du storyboard, avec la mise en image du scénario plan par
plan. Il est un outil de communication fondamental pour toute l’équipe qui
va travailler sur le film.
Il réclame de connaître le langage cinématographique : plans, séquences,
cadrages, mouvements de caméra, raccords, montage. Il met en jeu le rythme
et la dramaturgie dans l’espace et dans le temps.
SUIVI DE L’ANIMATIQUE :
le storyboard est filmé avec les mouvements de
caméra, les entrées et sorties de champ, les actions, mouvements et effets
spéciaux en poses clé.
Ce montage d’images est synchronisé avec la maquette sonore. Le rythme et
la mise en scène du film sont déterminés à cette étape très importante.
SCÉNOGRAPHIE, LAY OUT ET ANIMATIQUE DU LAYOUT
Il intervient avant la mise en couleurs des décors et avant la phase d’animation.
Il s’agit de la mise en place de tous les éléments de décors avec l’évolution des
personnages et des actions scène par scène, à la dimension réelle de fabrication et de tournage. Il demande une bonne expérience de la composition
d’images, de la perspective et de l’animation
L’ANIMATIQUE DU LAYOUT, permet de vérifier les cadrages, la composition des
plans, les enchaînements et de préciser le pipe line choisi pour la production
du film. La maquette sonore y est synchronisée avec l’image comme pour le
storyboard. Grâce à ce montage, la mise en scène et la direction artistique se
précisent au fur et à mesure afin de faciliter les étapes suivantes en décor et
en animation.
ANIMATION
C’est principalement l’animation 2D qui est étudiée en 1ère année.
Animer demande rigueur, précision et patience ainsi qu’un goût prononcé
pour la mise en scène et l’acting.
Ce cours a pour objectif d’analyser la décomposition des mouvements et de
les recréer image par image avec différents moyens comme le crayon à dessin,
le papier découpé, la peinture, la stop motion. Plus on anime, plus on s’améliore et plus cela stimule le potentiel créatif de chacun. La possibilité de mixer
ces techniques d’animation déclenche grande force poétique et vraie magie.
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COULEUR ET LUMIÈRE
Le rôle symbolique de la couleur,
sa relation avec la musique, ou le
timbre d’un instrument ou d’un son,
l’histoire de la peinture, l’analyse de
la lumière et des matières apportent
des réponses dans ces domaines
fondamentaux pour installer l’ambiance d’un film et obtenir une belle
qualité de l’image. Les expérimentations avec des outils variés, alliées à
l’utilisation de photoshop ou de TV
paint permettent d’enrichir les trouvailles de rendus.
DESSIN
Qu’il soit dessin de modèle vivant,
académique, expressif, construit, en
volume ou au trait, d’observation ou
d’imagination, le dessin est inhérent
et indispensable à tous les projets.
Utilisé dans les différents cours,
recherches, scénarimage, développement visuel, storyboard et animation.
L’objectif de ce cours est de pouvoir
exprimer une idée, une intention
narrative, un cadrage, une émotion,
les caractères d’un personnage, un
mouvement … par un dessin.
INFOGRAPHIE
En animation, une grande partie
du travail est désormais effectuée à
l’aide d’un ordinateur. Les crayonnés à la main sont numérisés. Les
décors, même quand ils sont peints
de façon plus traditionnelle, sont
aussi numérisés.
Parfois on travaille l’ensemble directement sur tablette graphique avec
un stylet.
Le cours d’infographie en première
année a pour objectif de maîtriser
les logiciels comme Photoshop pour
la couleur, TVpaint pour l’animation
et la couleur, Dragon Frame pour acquérir les images animées sous la caméra, After Effects pour l’animation
et les effets visuels, et Première pour
le montage de l’image et du son.
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ANNÉE
2
CYCLE SUPÉRIEUR EN 3 ANS
PROGRAMME
DE LA 2E ANNÉE
LES COURS SONT PROGRAMMÉS EN FONCTION DES MODULES DE CRÉATION ET DE
RÉALISATION DE MI-SEPTEMBRE À MI JUIN.
L’ÉCRITURE EST ESSENTIELLE : RECHERCHE ET DÉVELOPPEMENT DE NOUVELLES
FORMES D’ÉCRITURES EN CINÉMA D’ANIMATION.
PROCHES DU RÉEL, LES TECHNIQUES EXPÉRIMENTÉES EN 2E ANNÉE, SONT EN
LIEN DIRECT AVEC LA SCÈNE ET LE DOCUMENTAIRE (INFOGRAPHIE 3D, MAQUETTE DÉCOR ET MARIONNETTE, PRISE DE VUES RÉELLES). CELA N’EXCLUT
PAS D’UTILISER DES OUTILS 2D EN 2E ANNÉE, BIEN AU CONTRAIRE.
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PÔLE CULTURE
ART, CINÉMA ET CINÉMA D’ANIMATION
Une présentation synthétique de l’évolution des images de synthèse parce que
la 3d est aujourd’hui incontournable en cinéma d’animation et les recherches
effectuées sur la stéréoscopie (images en relief) et la réalité augmentée
(images virtuelles superposées à des images réelles en temps réel) sont autant
de directions nouvelles à connaître tant d’un point de vue technologique que
d’un point de vue artistique.
FOCUS SUR L’ANIMATION EN VOLUME
Pour mieux comprendre les interactions possibles entre la 3D, la stop motion
et la prise de vue réelle, pour montrer les grands axes déjà explorés dans ces
domaines et accompagner l’apprentissage d’une réflexion artistique.
Avant de concevoir les projets, des journées de présentation et de recherches sont organisées avec des professionnels reconnus dans les
domaines concernés (arts plastiques et spectacle vivant, documentaire,
transmédia).
CINÉMA D’ANIMATION ET CRÉATION CONTEMPORAINE
Il s’agit d’explorer les interactions entre les arts scéniques, les arts plastiques et l’animation en étudiant des œuvres théâtrales, chorégraphiques ou
plastiques dans lesquelles coexistent les différents registres. Cela conduit à
confronter les codes de représentation et à stimuler la recherche de nouvelles
écritures.
CINÉMA D’ANIMATION ET DOCUMENTAIRE
Ce genre est devenu incontournable en quelques années. Découvrir les animations documentaires qui ont été réalisées et réfléchir sur la question de
l’appropriation du réel par la création artistique et sur la notion de reportage
sont les objectifs principaux à atteindre.
CINÉMA D’ANIMATION ET TRANSMÉDIA
Le transmédia est un processus dans lequel les éléments d’une fiction sont
dispatchés sur diverses plateformes médiatiques (livres numériques, tablettes
graphiques, sites web, jeux vidéo, téléphones mobiles) dans le but de créer
une expérience de divertissement coordonnée. Il convient dès lors de s’interroger sur cette nouvelle forme de narration qui demande une participation
plus active de la part des publics visés et qui ouvre des champs inexplorés
pour les animateurs.
PRODUCTION ET DIFFUSION
En dehors de l’aspect créatif, ces projets nécessitent des organisations spécifiques en terme de production et de diffusion. Le cours permet d’en débrouiller les ficelles principales et de dégager les démarches à suivre, selon la typologie du travail choisi, pour monter un projet.
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ANALYSE DES DIFFÉRENTES FORMES
D’ÉCRITURE
Le but est de mettre en évidence
les particularités d’écriture que
revêtent ces genres : il s’agit de décrypter les contraintes tout en proposant des pistes de recherche.
La relation image-son évolue elle
aussi avec la découverte de ces
nouveaux médiums. Les étudiants
abordent la problématique du son
avec une perception différente de
l’espace et du public.
ÉCRITURE D’UN DOSSIER de présentation du projet et réalisation d’un
making of (intentions et concept)
L’objectif de ce cours est de faire
prendre conscience aux auteurs réalisateurs de l’importance de savoir
se présenter soi-même et de mettre
en valeur ses intentions de façon
lisible et efficace sans pour autant
réduire la force du concept.
Dossier à concevoir pour le CNC,
dossier de présentation pour
convaincre des producteurs, des
financiers, des diffuseurs, des
conservateurs… autant de supports
écrits et argumentés nécessaires à
la promotion d’une œuvre. Il en est
de même pour la mise en forme du
making of de cette œuvre, réel support de communication et de savoir
faire. C’est un montage visuel et
sonore qui explique au public toutes
les étapes de la conception du projet. C’est une œuvre en soi.
PÔLE EXPÉRIMENTATION
Trois modules de réalisations expérimentales se succèdent pendant la 2ème
année offrant la possibilité de concevoir 3 projets aux techniques hybrides :
- réalisation d’un projet autour des arts plastiques et/ou du spectacle vivant
- réalisation d’un documentaire
- réalisation d’un projet transmédia
Plonger dans les techniques d’animation 2D, 3D, et dans la prise de vue réelle,
en les faisant fusionner, c’est aller dans le sens de l’innovation et c’est ce
qu’on appelle aujourd’hui l’hybridation.
L’expérimentation se fait intensément dans ce sens toute l’année en conception, développement et fabrication des films selon le processus ci-dessous :
Présentations par des artistes auteurs contemporains pour chaque thématique
Recherches personnelles de concept
Ateliers d’écriture: scénario, dialogues, conception sonore
Développement visuel des projets
Ecriture du storyboard
Animatique sonore
Pitch des projets
Design de tous les éléments nécessaires au projet
Scénographie et layout des projets
Choix du pipeline et planification de la production
Mise en œuvre de la fabrication
Post-production
CONCEPTION ET ÉCRITURE DU PROJET DE 3E ANNÉE
En fin de deuxième année, grâce aux expériences multiples et aux différentes
réalisations effectuées en amont, les étudiants réfléchissent, avec les conseils
de leurs professeurs, à un grand projet qui est développé durant un an en
troisième année.
Il est pitché et validé par un jury, en fin de 2ème année, composé d’artistes
et de professionnels.
Il est destiné à être réalisé, produit et finalisé et peut prendre une des formes
artistiques suivantes : court-métrage, adaptation d’une œuvre existante, pilote de long métrage ou de série, projet transmédia, installation, plastique
ou vidéo.
CONFÉRENCES,
FORUMS ET FESTIVALS
Grâce à des conférences de réalisateurs, d’auteurs, de plasticiens, liées
à l’oeuvre animée, et à la présence
des étudiants dans les forums et les
festivals spécialisés, des échanges
naissent, la connaissance du milieu
professionnel se met en place progressivement et aide chaque étudiant à préciser peu à peu ses aptitudes et sa vocation.
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PÔLE TECHNIQUE
MISE EN SCÈNE ET REPÉRAGE
Lors du projet documentaire animé, il est demandé aux étudiants de réfléchir
à la mise en scène de leur projet, de penser au dispositif, aux lieux et aux
éléments indispensables au parti pris narratif, et à la dimension poétique
des images.
Design, direction artistique de la couleur et de la lumière, storyboard, layout,
animation 2D, effets spéciaux, vont être étudiés et approfondis en fonction
des thématiques traitées, au cours des expérimentations et des réalisations.
Une attention particulière est apportée au choix du pipe line qui est mis en
place une fois que les tests préalables de rendus ont pu être effectués.
Le pipeline détermine la façon dont sont fabriqués toutes les étapes du film ;
une fois qu’il est adopté, il permet de planifier le temps et l’ordre de fabrication de toutes les phases du film. Le pipe line varie avec chaque production
surtout dans le cas de techniques hybrides.
Les points suivants sont particulièrement étudiés au cours de la 2ème année :
VOLUME ET STOP MOTION
Création de décors en volume et création de marionnettes ou pantins avec
différents types de structures
De la main à l’ordinateur, de la sculpture au numérique :
Ce cours a pour objectif d’intégrer la notion de profondeur pour acquérir
une perception en trois dimensions, et passer ainsi du réel à la 3D numérique
tout naturellement.
Par la création puis l’animation de marionnettes dans un décor, on aborde
toutes les phases de réalisation en volume animé et on anticipe la manipulation entre le réel et le virtuel.
3D NUMÉRIQUE
Le cours d’initiation à la 3D apporte aux étudiants la compréhension des différentes phases de conception et les initie aux bases de l’animation, afin qu’ils
puissent concevoir eux même des éléments simples avec Maya et les animer.
MODÉLISATION DE DÉCOR, D’OBJET, DE PERSONNAGE
La modélisation tridimensionnelle est l’étape en infographie qui consiste à
créer, dans un logiciel de modélisation 3D, un objet, un espace, un personnage
en trois dimensions, à partir d’un design dessiné en 2D ou à partir d’une
sculpture.
TEXTURES
ANIMATION 3D
L’animateur 3D est effectivement
comme un marionnettiste qui manipule ses personnages avec sa souris.
Lorsqu’on connaît bien les bases de
l’animation en volume, et qu’on a
une bonne perception de l’espace,
il est plus facile de jongler avec les
courbes de Maya, le logiciel 3D.
EN INFOGRAPHIE,
Les étudiants acquièrent la maîtrise des logiciels indispensables à la production
de leurs œuvres comme Photoshop, Première, After Effects, TVpaint, dragon
frame, tout en affinant leur savoir-faire en montage et en effets spéciaux.
Ils sont formés à la gestion de production numérique, au compositing et aux
calculs de rendus complexes.
Ils prennent en main le logiciel 3D.
RENDU
Le rendu c’est le réglage de toutes
les lumières et effets sur les personnages, les objets et les décors.
PRISE DE VUE RÉELLE
La prise de vue réelle est une technique de cinématographie, consistant à filmer en direct, il s’agit d’un
terme surtout utilisé en animation
par opposition à la prise de vue
image par image. Elle permet de
redonner ses lettres de noblesse à
la magie des trucages et des effets
visuels si chers à l’animation.
Cadre, éclairage, prise de vue, enregistrement, direction des acteurs,
sont autant d’éléments enseignés
lors de ce cours de prise de vue
réelle, afin d’envisager les projets en
connaissance de cause et plus largement d’enrichir la technique cinématographique des étudiants.
Dans le domaine de la 3D, une texture est une image en deux dimensions que
l’on va appliquer sur une surface ou un volume en trois dimensions de manière à habiller cette surface ou ce volume. Il est possible de scanner toutes
sortes de matières et de textures et de les importer dans le logiciel 3D.
SET UP D’OBJET ARTICULÉ, SET UP DE PERSONNAGE
C’est la construction du squelette du personnage, avec les articulations et les
éléments de contrôle pour l’animateur. Celui-ci prend en main son personnage, comme une marionnette, et lui donne vie de la meilleure des façons
possible.
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ANNÉE
3
CYCLE SUPÉRIEUR EN 3 ANS
PROGRAMME
DE LA 3E ANNÉE
LORS DE CETTE 3ÈME ANNÉE, LES ÉTUDIANTS CONCRÉTISENT LES RECHERCHES
ET EXPÉRIMENTATIONS EFFECTUÉES AUPARAVANT SUR LES NOUVELLES FORMES
D’ÉCRITURE, EN RÉALISANT UN FILM OU UNE INSTALLATION DANS LES CONDITIONS RÉELLES DE FABRICATION ET DE PRODUCTION.
LES COURS SONT DÉDIÉS À L’ACCOMPAGNEMENT DES PROJETS D’OCTOBRE À FIN
MAI.
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PÔLE CULTURE
Toujours dans le souci d’apporter un maximum d’informations, le pôle culture
en troisième année est axé sur l’écriture, l’organisation de la production, l’aspect professionnel et juridique du projet.
Cours et conférences sur le scénario et les différentes recherches d’écriture
accompagnés d’un partenariat avec la NEF, association sur les nouvelles
formes d’écriture en cinéma d’animation qui est en cours d’élaboration ; il
permettra de bénéficier des conférences et interventions de professionnels
et universitaires…
Cours de gestion de production sur la planification du travail et l’établissement d’un budget pour en connaître le coût et pouvoir demander des subventions si nécessaire.
Informations juridiques sur le droit d’auteur et la protection des œuvres
Informations sur le fonctionnement du statut d’intermittent et de la maison
des artistes.
PÔLE EXPÉRIMENTATION
La conception et la réalisation du projet de fin d’études constituent le pôle
expérimentation en insistant sur le libre choix de la forme d’écriture et du
média artistique, et le libre choix des techniques.
SPECTACLE VIVANT
Le spectacle fait aujourd’hui appel à des musiciens, des plasticiens, des comédiens, des danseurs… et des animateurs. Alliant nouvelles technologies et
tradition, la « scène » contemporaine utilise la projection et l’incrustation
dans les spectacles. La magie et la féérie deviennent palpables en temps réel.
Les étudiants ont la possibilité de développer leur grand projet en scénographie, de la conception à la réalisation ; ils peuvent travailler seul ou avec un
théâtre, un metteur en scène, une compagnie de danse ou de spectacle de
rue…
L’école propose des partenariats avec des conservatoires et des institutions
liés à l’écriture, la musique, et le spectacle en général, mais les étudiants
peuvent en proposer de nouveaux.
INSTALLATION PLASTIQUE ET/OU VIDÉO
En souhaitant dépasser l’idée générale du support vidéo, et/ou en présentant l’œuvre animée autrement que sur un simple écran, ce type de projet
nous propose une revisite de l’installation, une nouvelle approche plastique
et contemporaine du film d’animation mais aussi de la vidéo, comme une
intention complémentaire : l’interactivité et la projection de l’image.
ADAPTATION D’UNE ŒUVRE EXISTANTE
L’adaptation est considérée juridiquement comme une nouvelle œuvre. Il faut
donc « une réécriture » de l’œuvre originale (livre, bande dessinée ou film).
Elle ne restitue pas tous les moments de celle-ci en détails, en raison notamment de la transposition dans un autre médium, par exemple de l’écrit au
visuel.
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PILOTE DE LONG MÉTRAGE OU DE SÉRIE
Dans son grand projet, l’étudiant
choisit sa propre interprétation de
l’intrigue en imposant son point
de vue personnel. Le projet d’adaptation est une réalisation à part
entière qui ne doit pas dénaturer le
propos initial mais laisse une grande
part à l’imaginaire et à la libre interprétation, permettant un nouveau
regard sur les œuvres choisies. Les
adaptations ne pourront être diffusées que si elles sont autorisées.
« pilote de long-métrage cinématographique ou d’œuvre audiovisuelle », c’est
à dire un film de format court précédant la production d’un film au format
long, et généralement utilisé pour la validation de choix techniques et artistiques ou la recherche de financements
« pilote de série audiovisuelle », c’est-à-dire un épisode zéro servant par la
suite à démarcher un diffuseur.
COURT-MÉTRAGE
Le transmédia se caractérise par l’utilisation combinée de plusieurs médias
(film, site internet, jeu, application) pour développer des univers narratifs ;
chaque média employé développe un contenu différent. La narration transmédia est singulière par rapport aux modes de narration classique car elle
conjugue une grande diversité de contenus autour d’un même univers narratif.
Un court métrage est un film de cinéma d’une durée inférieure à vingt
minutes. Le terme « court métrage »
fait référence à la longueur du film
projeté. On retrouve dans le court
métrage les mêmes catégories cinématographiques que dans le long
métrage (film documentaire, fiction,
film expérimental, film politique,
etc.). La majorité des films d’animation indépendants sont des courts
métrages, souvent pour des questions budgétaires et parfois techniques ou esthétiques.
Écrire un court-métrage peut permettre à de jeunes auteurs ou réalisateurs de donner une nouvelle visibilité à leur carrière. Mais le genre
impose de maîtriser différents styles
d’écriture pour se différencier :
avoir une ligne narrative claire, sortir des lieux communs, trouver une
voie personnelle pour donner une
autre vision du monde, savoir déterminer un format et s’y tenir, rester
centré, trouver une écriture entre
les champs visuels et sonores….
Trouver le concept, scénariser l’écriture, maitriser le coût, trouver un
producteur, préparer la production,
développer la partie artistique, graphique et plastique, fabriquer puis
diffuser son court métrage, tels sont
les enjeux du projet de 3e année.
TRANSMÉDIA ET TURBOMÉDIA
Les projets transmédia et turbomédia sont des nouvelles formes d’expression
qui interrogent aujourd’hui l’écriture et forcent les réalisateurs à faire preuve
d’innovation voir d’audace aussi bien dans le graphisme et l’animation que
dans le scénario.
À la frontière entre la BD, le dessin-animé et le jeu-vidéo, le turbomédia est
autant une plateforme technologique qu’une forme narrative faisant en sorte
que le lecteur soit acteur et puisse interagir d’un simple clic.
MISE EN PLACE ET DÉMARRAGE DU PROJET AU 1ER TRIMESTRE, PRODUCTION ET
POST-PRODUCTION AUX 2E ET 3E TRIMESTRES
- Pitch et présentation à des artistes auteurs contemporains
- Direction artistique et recherches personnelles
- Atelier d’écriture du projet : scénario et conception sonore
- Développement visuel du projet
- Storyboard et animatique sonore
- Color script
- Design
- Scénographie et layout
- Planification du pipeline
- Ateliers 3D et volume si nécessaire
- Enregistrements
- Réalisation et production
- Post-production
- Diffusion
PÔLE TECHNIQUE
Lors de la production et la fabrication du projet de 3ème année, les étudiants
bénéficient d’un encadrement technique adapté au type de projet choisi : storyboard, layout, animation 2D, set up, modélisation, animation 3D, maquettes
décors ou personnages en volume, compositing, prise de vue réelle, techniques
hybrides, son, montage,…
Les étudiants se spécialisent dans les techniques choisies pour la fabrication
des projets de fin d’études.
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LES MÉTIERS ET LES DÉBOUCHÉS
Le cycle SUP Animation de l’Atelier de Sèvres est résolument tourné vers
la création, l’expérimentation et l’écriture pour le cinéma, la télévision,
la publicité, le spectacle vivant et les arts plastiques, le multimédia, le
transmédia, le jeu vidéo, l’illustration, l’édition et la recherche.
Il permet de découvrir une grande diversité de techniques afin de favoriser
une expression artistique libérée des contraintes liées aux outils.
L’accent sera mis aussi volontairement sur la production et la diffusion des
œuvres afin de permettre à ceux qui le souhaitent de créer un collectif ou une
structure de production.
Afin de faciliter le passage vers ce monde professionnel extrêmement vaste,
l’Atelier de Sèvres leur propose :
- des conférences
- des stages
- des rencontres avec d’anciens élèves
- des participations aux forums professionnels
Les stages d’immersion professionnelle sont obligatoires chaque année et
d’une durée de un à trois mois.
Les métiers auxquels mène ce cycle supérieur sont très divers ; les plus
directement concernés en Cinéma d’Animation sont les suivants :
Auteur, créateur du concept, il est à l’origine de l’œuvre et participe à l’adaptation ou/et à la réalisation du projet.
Réalisateur, maître d’œuvre de l’adaptation, du style et du découpage, il
dirige et coordonne en collaboration avec les responsables des équipes artistiques et techniques les opérations d’étude, de préparation et de réalisation
d’une œuvre dans le respect des contraintes de production.
Storyboarder, il a pour mission l’adaptation graphique, le développement
du découpage et le timing du scénario mis en image, scène par scène, sous la
direction du réalisateur.
Layoutman, il assure la mise en place plan par plan, à la taille réelle de
fabrication, des éléments de décor, des actions des personnages, des effets
spéciaux, des cadrages et mouvements de caméra en veillant à valoriser les
partis pris artistiques.
Décorateur, il conçoit les décors clés en collaboration avec le réalisateur et
le directeur artistique : maquettes, modèles couleurs, continuité du rendu, de
l’éclairage, des ambiances et des couleurs.
Matt painter, il produit et retouche, manuellement ou sur palette, les décors
intérieurs ou extérieurs pour les intégrer à des sources visuelles originales.
Animateur, il crée le jeu des personnages, des éléments et des effets spéciaux
numériques à animer image par image, pour chaque plan, en fonction du storyboard. Il peut animer en 2D avec différents outils comme le crayon, le pinceau, le papier-découpé, le stylet d’une tablette numérique et les logiciels 2d
dédiés à l’animation, mais aussi en 3D avec des marionnettes, du sable, de la
pâte à modeler, et les logiciels 3d dédiés à l’animation.
Directeur de l’animation et chef animateur, ils encadrent et supervisent
le travail des équipes d’animation (animateurs, assistants et intervallistes)
sur une ou plusieurs productions, en assurant la cohérence artistique et technique ainsi que la productivité.
Opérateur compositing, il réalise la composition de l’ensemble des éléments
provenant de différentes sources pour constituer l’image finale d’un plan en
ajoutant éventuellement des effets complémentaires.
Scénariste, il développe et conçoit l’écriture du film en collaboration avec le
réalisateur.
Directeur artistique, il veille au respect du style et des critères artistiques
et graphiques d’une œuvre sous la direction du réalisateur.
Dessinateur d’animation ou designer, il conçoit la représentation graphique des personnages (attitudes et expressions, style, couleurs et textures),
des lieux, accessoires et effets spéciaux.
La fabrication de toutes ces créations est exécutée par des dessinateurs, des
artistes peintres, des infographistes 2D ou 3D, des plasticiens et des accessoiristes en volume, selon le mode de représentation choisi.
Pour chaque fonction, le degré de responsabilité peut varier d’assistant à
superviseur, en fonction de la créativité, de l’expérience et du niveau de compétence dans la technique de fabrication ou du rôle dans l’équipe.
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LES
INTERVENANTS
& FESTIVALS
CYCLE SUPÉRIEUR EN 3 ANS
BIOGRAPHIES
INTERVENANTS
ATELIER DE SÈVRES
ANIMATION
LES COURS SONT PROGRAMMÉS EN FONCTION DES CYCLES
DE CRÉATION ET DE RÉALISATION DE MI-SEPTEMBRE À MIJUIN LES EXERCICES ET LES EXPÉRIMENTATIONS ANIMÉES
ABORDENT SIMULTANÉMENT PROBLÉMATIQUES D’ÉCRITURE ET NOUVELLES FORMES PLASTIQUES.
CAROLINE ATTIA LARIVIERE
PIERRE MAZINGARBE
Diplômée de l’École Nationale des Arts Décoratifs de
Paris en 2004 où elle a réalisé son premier film « Tango
sur scie », Caroline Attia travaille depuis comme illustratrice et réalisatrice de film d’animation. Parmi ses films, «
End gun violence » a été nominé aux «Annie Awards» en
2008, « Elevator operator » a reçu le prix du meilleur clip
au festival du film d’animation d’Istanbul en 2012, « Pinchaque, le tapir colombien » a reçu une mention spéciale
à Expotoon et le prix de la meilleure animation à Festiver
en Colombie. Elle développe actuellement comme auteur
graphique différents projets de série dont « Casimilo et
les légendes du Nouveau Monde » et «Pirates Millésime»,
tout deux produits par Sacrebleu productions. Elle mène
en parallèle une activité d’illustratrice en ayant collaboré, notamment, avec les magazines ELLE, le New York
Times, Harvard Magazine.
Pierre Mazingarbe travaille en tant qu’auteur-réalisateur
pour le cinéma, tout en développant un pratique liée au
dessin, dans le champs de l’art contemporain. Il a étudié
l’animation aux Arts décoratifs de Paris, puis le cinéma
au Fresnoy-studio national des arts contemporains. Il est
l’auteur de courts-métrages multiprimés en festivals, qui
s’inscrivent dans un cinéma de l’imaginaire.
CÉLIA RIVIERE
Graphiste et animatrice de formation Célia Rivière travaille en tant que réalisatrice à Paris dans le secteur du
film d’animation. Diplômée des Gobelins en 2008, elle
travaille régulièrement sur divers projets de publicité,
habillage tv ou série pour enfant. Son travail est représenté chez Les Télécréateurs à Paris et dans quelques
autres productions à l’étranger, ses films étant sélectionnés et primés dans de nombreux festivals spécialisés. Elle
est par ailleurs membre fondatrice de l’atelier MessieursDame, et enseigne à l’Atelier de Sèvres depuis la création
de la section animation.
FLORENTINE GRELIER
Diplômée d’un DMA en cinéma d’animation et d’un
Master professionnel en réalisation, Florentine aime
explorer les nombreuses techniques du cinéma image
par image. Après un premier film en marionnette animée, elle réalise son court métrage «Ru», achevé dans un
cadre professionnel et produit par LES 3 OURS. Depuis
la fin de ses études, elle enseigne le cinéma d’animation
dans plusieurs écoles parisiennes et encadre des ateliers
d’initiation, tout en poursuivant ses expérimentations.
Ses derniers films sont des auto-productions : «Sommeil paradoxal» en peinture animée sur pellicule 16mm
(2011), «Pixel Joy» animé entièrement sur Nintendo DS
(2012) et «Ivres» qui mélange verre de vin en stop-motion
et peinture (2014).
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JULIEN DAVID
Auteur-Réalisateur
Après des études à l’ENSAD, Julien David a écrit et réalisé pour la télévision et le cinéma différentes oeuvres de
fiction tels que : « Les Multiples » (diff. Canal Plus), « Le
Python » (diff. Arte), « Dr Cac » (diff. France 5) ou « Les
Lapins Crétins » (diff. France 3). Il a également collaboré
avec plusieurs dizaines de maison de production à des
formats courts destinés à la télévision, au Web et à la
publicité.
Il a gardé en parallèle de son activité professionnelle
une pratique constante de la peinture et du dessin et est
intervenu dans différentes écoles, dont « Les Gobelins »
au département animation, de 2004 à 2015.
VINCENT ESCRIVE
Vincent Escrive, diplômé d’une école de cinéma (Esra),
s’est orienté vers le film d’animation Volume (Stop Motion).
Il a collaboré à la fabrication de nombreux films travaillant sur les effets spéciaux pour le cinéma, ou les effets
visuels en stop motion, notamment sur des projets en
stop motion avec Michel Gondry.
Toujours de manière légèrement décalée, il choisit d’utiliser des objets, végétaux, papiers, éléments qu’il va ensuite photographier et animer image par image.
Depuis 2002, il a réalisé plusieurs séries pour la télévision, il réalise des films de commande et des courts-métrages dont celui pour la Philharmonie de Paris.
De grandes enseignes lui font confiance pour leur communication comme Kellogg’s, Dacia, Parco, Hermès, Radio France, Leroy Merlin, Muséum etc.
MAXIME MARY
Maxime Mary est character designer sur Paris. Il travaille principalement pour des projets de série, longs
et courts métrages d’animation. Il a fait ses études à
Nantes, à l’école Pivaut, avant d’aller à Paris pour étudier
aux Gobelins, d’où il est sorti en 2011. Il fait également
de l’illustration, et s’est installé récemment en atelier
avec d’autres artistes du milieu de l’animation.
CORINNE DESTOMBES
Après 10 années passées sur les plateaux de tournages
en image live, Corinne Destombes débute sa collaboration avec l’animation et les studios Folimage en 2007, sur
les séries et les courts-métrages. Elle devient productrice
des formats courts en 2010, supervise le dispositif La Résidence d’artistes et développe des projets de séries. Toujours à la recherche d’auteurs talentueux et de films inédits, elle défend notamment les productions de qualité
pour le jeune public. Elle collabore régulièrement à des
jurys, débats et workshops en France comme à l’étranger.
ROBERT W. BENNETT
Originaire de Meridian, Mississippi aux USA, Robert W.
Bennett, a suivi une formation à partir de1984 à Paris auprès de celui qu’on appelle « le père du mime moderne »
Etienne Decroux,créateur de la technique «Mime Corporel Dramatique », et fondateur d’une école de mime qui a
formé Jean-Louis Barrault et Marcel Marceau.
C’est en 1994 que Robert a commencé à enseigner à Gobelins, l’école de l’image pour participer à l’exercice de
« Marche à caractère ». Depuis, il travaille dans plusieurs
pays européens et aux USA, notamment pour donner
un cours « d’Acting Corporel » au sein des formations
dédiées au cinéma d’animation et de différents studios
dont Walt Disney Feature Film France, Warner Brothers
Feature Film USA et AStudio à Copenhagen. Il a aussi
donné des cours dans le cadre de la master class de Richard Williams.
NICOLAS WEIS
Ancien élève de l’Atelier de Sèvres et diplômé de l’ESAG
Penninghen en 2003, Nicolas Weis travaille aujourd’hui
à Los Angeles pour les studios d’animation et de jeux
vidéos.
Il a participe au développement visuel des films Astroboy, Dragons, les Croods, Dragons 2 et sur celui du jeu
vidéo Sonic Boom. Nicolas travaille en ce moment chez
Paramount animation.
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ALEXIS HUNOT
MICHAEL BATAILLE
Spécialiste en cinéma d’animation
Il a tout d’abord collaboré en tant que journaliste à plusieurs magazines Storyboard, Positif, Animeland, Synopsis…
Puis très rapidement il a voulu écrire encore plus pour
mettre en avant ce cinéma. Tout d’abord avec la création
d’un site internet Zewebanim.com et en animant une
émission de radio Bulles de rêves sur radio Libertaire.
Il fait de nombreuses conférences et participe aussi à des
festivals en tant que membre de jury ou de comité de sélection. Mais aussi en tant que collaborateur par exemple
dans des festivals : Annecy, Image par image, Bruz, au
Forum des images en France ou bien pour le Ficam au
Maroc.
Présentations de séances, interviews des personnalités
présentes, table ronde … l’important est pour lui de pouvoir parler et montrer la force du cinéma d’animation.
L’envie de partager cette passion fait qu’il est aujourd’hui
prof dans quelques écoles en France (Supinfocom Valenciennes, Emca, Esaat, Gobelins et bien sûr l’atelier de
Sèvres).
Il est membre du comité de sélection des courts-métrages
pour le César de l’animation
Après cinq années d’étude en graphisme au lycée Corvisart et au lycée d’arts graphiques Auguste Renoir, il
obtient le diplôme de Concepteur-Réalisateur de Films
d’Animation à l’école Gobelins en 2000.
Il travaille en tant que storyboarder, designer et superviseur d’animation pour des longs-métrages, courts métrages, publicités, pilotes, habillage TV et séries animées.
Ces dernières années il a travaillé essentiellement pour le
studio Xilam Animation, avec France Télévisions, Canal+,
Gulli...
Depuis 2013 il enseigne le cinéma d’animation à l’atelier
de Sèvres. Les techniques d’animations traditionnelles et
la conception de cours métrages.
En parallèle, il a une formation de sculpteur classique,
ornementation, statuaire, portrait.
LINE HERBERT-ARNAUD
Docteure en Histoire de l’art contemporain, Professeure
d’histoire de l’art à l’Ecole Supérieure d’Art d’Avignon,
commissaire d’exposition indépendante, collabore à différentes revues comme Art Press, Mouvement, Pratiques,
MCD …
JULIEN BELLOTEAU
Après avoir étudié pendant 2 ans en communication visuelle, il est parti étudier l’animation 2D et 3D à l’Emca.
Il a pu ensuite commencer à travailler dans le cinéma
d’animation en tant qu’animateur et cela depuis 8 ans. Il
a aujourd’hui l’expérience de plusieurs long métrage, Arthur les minimoys (Buf), Asterix et le domaine des dieux
(Mikros) et Pets, le dernier film d’animation du studio
Illumination MC Guff.
CONFÉRENCES
TOUT AU LONG DU CURSUS, LES PLUS GRANDS PROFESSIONNELS DU MONDE DE L’ANIMATION, DE LA PRODUCTION, DE LA DIFFUSION AINSI QUE LES INSTITUTIONS,
SONT INVITÉS À PARTICIPER À DES CONFÉRENCES ET DES
WORKSHOPS AVEC LES ÉTUDIANTS. CES MOMENTS PRIVILÉGIÉS DE RENCONTRES ET D’ÉCHANGES AVEC LE MONDE
PROFESSIONNEL PERMETTENT AUX ÉTUDIANTS DE DÉCOUVRIR DE NOUVEAUX UNIVERS VISUELS ET DE DÉVELOPPER
LEUR CRÉATIVITÉ.
CETTE OUVERTURE VERS LES PROFESSIONNELS OFFRE
AUX ÉTUDIANTS L’INFORMATION LA PLUS LARGE ET LEUR
PERMET DE PRENDRE CONSCIENCE DES RÉALITÉS ET DE
L’ÉVENTAIL DES MÉTIERS.
ALEXANDRE DUBOSC
Après des études de réalisation à Sup.Info.Com,
Alexandre Dubosc décroche un Master européen en Art
( M.A.I.S.C.A.). Il travaille à Paris dans plusieurs sociétés
pour le cinéma et la télévision dont entre autres « Mac
Guff Ligne ». En 2002 il réalise « L’Amante », étonnant
court métrage d’animation mélangeant technique numérique et traditionnel, et qui annonce un tournant dans sa
carrière. Son désir de recherche dans la création prend
alors le dessus et il s’affirme aujourd’hui comme auteurexpérimentateur sur différents médiums : image fixe ou
animée, de la pâte à modeler à l’image de synthèse. Entre
films et photographies, la démarche actuelle d’Alexandre
Dubosc explore d’une manière inventive les limites d’une
fascination « alimentaire » à travers l’image et les mots.
Ludiques et gourmandes, ses créations installent un jeu
entre le spectateur et les objets intimes de notre frigo que
l’on croit connaître.
UGO GATTONI
INÈS JERRAY
Ines Jerray est artiste plasticienne, enseignante et chercheur, docteur en arts plastiques et arts du spectacle.
Sa formation artistique s’est articulée entre pratique et
théorie (Université Paris 8, Académie des Beaux-Arts de
Milan, l’ENSAD, Université d’Artois et Institut Supérieur
des Beaux arts de Tunis). Elle a enseigné à l’Institut Supérieur des Beaux-Arts de Sousse et à l’Institut des arts et
métiers de Kairouan. Elle est Membre de l’équipe Textes
et Cultures - Praxis et esthétique des arts - de l’Université
d’Artois.
L’ATELIER DE SÈVRES A DÉJÀ REÇU,
ENTRE AUTRES :
JOHN COVEN
BASTIEN DUBOIS
Ugo Gattoni est un artiste et directeur artistique parisien
dont le travail surréaliste et de portraits, est extrêmement détaillé. Ses représentations de paysages urbains
étranges, objets et artefacts surnaturels sont renommés
dans le monde entier pour leur niveau de compétence
inégalée. Réalisé principalement avec du graphite ou de
l’encre, le travail d’Ugo est un tourbillon monochromatique de détails infimes, composé de personnages oniriques et de typographie. Il est arrivé à la célébrité en
2011 lorsqu’il a créé une peinture murale de 33 pieds à
Paris, et plus tard son livre intitulé Nobrow Bicycle lui a
attiré l’attention de la marque de luxe Hermès.
MILES HYMANN
ALEXANDRE DUBOSC
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MILES HYMAN
Né aux USA en 1962, il a étudié aux Beaux-Arts de Paris,
et vit en France. Miles Hyman travaille avec de nombreux
journaux et éditeurs de chaque côté de l’Atlantique. Illustrateur reconnu pour la presse (The New Yorker, Le
Monde, The International Herald Tribune, Libération), il
a mis en images de grands noms de la littérature, comme
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John Dos Passos (Manhattan Transfert) ou Joseph Conrad
(L’Agent secret) chez Futuropolis. Miles Hyman a également collaboré avec Marc Villard et Philippe Djian et
signé les couvertures de la série de romans policiers Le
Poulpe (éd. La Baleine). Ses travaux sont régulièrement
exposés dans des galeries à Paris, Genève et Beverly Hills.
BILL PLYMPTON
Né et élevé à Portland, en Oregon, il est diplômé de
l’Université d’État de Portland en design graphique. Bill
Plympton a déménagé à New York en 1968. Il a commencé sa carrière en réalisant des dessins animés pour des
publications telles que le New York Times, National Lampoon, Playboy et Vis. En 1987, il a été nominé pour un Oscar pour son court métrage d’animation « Your Face ». En
2005, il a reçu une autre nomination aux Oscars, cette fois
pour un court-métrage » »Chien de garde ». «Push Comes
to Shove « un autre court-métrage, a remporté la palme
du prestigieux Festival de Cannes 1991. Après avoir
produit de nombreux courts-métrages qui sont apparus
sur MTV et Spike et Mike, il a exercé son talent pour le
long-métrage. Depuis 1991, il a fait 10 longs — métrages,
7 d’entre eux, « The Tune », « Mondo Plympton », « J’ai
épousé un étrange », « Mutant Aliens », « Hair High »,
« Des idiots et des anges », et « Cheatin » sont tous des
films d’animation.
BASTIEN VIVÈS
Il poursuit des études d’Arts Appliqués à l’Institut de la
littérature française à Genève, puis trois ans à l’École
supérieure d’arts graphiques Penninghen à Paris et enfin aux Gobelins, toujours à Paris, où il étudie le cinéma
d’animation.
Un des auteurs du « Jour du musée », un album de BD
réunissant cinq auteurs. On le connaît aussi sur le web
sous le nom de Bastien Chanmax, pseudo avec lequel il
connaît ses premiers succès (notamment sur le forum
Catsuka) avec le personnage de Poungi la racaille (2006,
Danger public).
Son premier album, Elle(s), est publié en 2007 aux éditions Casterman sous le label KSTR qui vient d’être créé.
À 25 ans, en janvier 2009, il reçoit le Prix Révélation
du festival d’Angoulême pour son album « Le Goût du
chlore ».
Depuis le 1er mars 2010, il participe au feuilleton en ligne
« Les Autres Gens » scénarisé par Thomas Cadène.
« Polina » a été lauréat du Prix des Libraires BD 2011 et
du Grand prix de la critique BD 2012.
Il travaille aux côtés de Balak et Michaël Sanlaville sur le
manga français « Last Man » qui devrait connaître douze
tomes et sera très prochainement adapté en animation
et en jeu vidéo.
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BENJAMIN RENNER
BASTIEN DUBOIS
Après son bac, Benjamin Renner fait une classe préparatoire aux écoles d’art, puis intègre les Beaux-arts
d’Angoulême dont il ressort avec un DNAP de Bande dessinée. Il entre ensuite dans l’école d’animation La Poudrière, à la Cartoucherie de Bourg-lès-Valence. Il y réalise
ses courts métrages d’animation, dont son film de fin
d’études, La Queue de la souris, en 2007, dans lequel une
souris est capturée par un lion et doit argumenter pour
le convaincre de la laisser en vie. À sa sortie de l’école,
Renner est engagé pour un projet de long métrage d’animation dans la série d’albums pour la jeunesse Ernest
et Célestine de Gabrielle Vincent, pour lequel il travaille
d’abord comme directeur artistique. Puis le producteur
Didier Brunner lui propose de passer à la réalisation
en travaillant avec deux réalisateurs plus expérimentés,
Vincent Patar et Stéphane Aubier. Benjamin Renner coréalise ainsi avec eux Ernest et Célestine.
En janvier 2015, il fait paraître une bande dessinée, Le
Grand Méchant Renard.
Né en 1983 à Lille (France), Bastien Dubois a obtenu son
diplôme à Supinfocom Valenciennes en 2006. Son diplôme
était un court métrage intitulé AH (coréalisé avec Simon
Moreau et Joris Bacquet) une petite fille qui regarde dans
sa soupe chaude l’alphabet, puis plonge pour trouver un
paysage surréaliste de lettres dans un monde d’enfants
espiègles. Bastien Dubois est un grand voyageur, c’est
après qu’il ait parcouru du nord de la France à Istanbul
qu’il a eu l’idée de faire un journal de Voyage animé. Son
premier film indépendant Madagascar est un Carnet de
voyage réalisé durant un voyage d’un an à la Grande île
rouge. Ce film a été très bien reçu et projeté dans plus de
200 festivals de films internationaux, dont Sundance. Le
film finalement valu une nomination aux Oscars en 2011.
En 2012, il a dirigé un programme de télévision basé sur
Madagascar, carnet de voyage appelé Visages des lieux,
série de 20 films d’animation de 3 minutes présentant
divers pays à travers le monde et diffusé sur Arte.
TOM HAUGOMAT ET BRUNO MANGYOKU
Né dans la grisaille parisienne en 1985, Tom Haugomat
s’est vite intéressé au dessin et à son potentiel narratif.
Après une année d’études en histoire de l’art et archéologie, il s’oriente vers une préparation artistique. C’est à
l’école des Gobelins en section « Conception et réalisation
de films d’animation » qu’il se découvre une passion pour
l’image en mouvement. Il y rencontre Bruno Mangyoku,
un jeune dessinateur avec qui il travaille à la conception
des projet de courts-métrages Jean-François (Arte, 2010)
et Nuisible (Arte, 2013).
Ils ont tous deux été en classe préparatoire à l’Atelier de
Sèvres.
JUANJO GUARNIDO
Diplômé des Beaux-Arts à Grenade, il participe à la
conception de plusieurs fanzines et publie des illustrations chez Comics Forum — Planeta de Agostini pour
l’édition espagnole de Marvel Comics. Il s’installe ensuite
à Madrid où il travaille aux studios d’animation Lápiz
Azul où il rencontre Juan Díaz Canales, le futur scénariste de Blacksad.
Juanjo Guarnido est embauché en 1993 aux Studios Walt
Disney de Montreuil. Il y travaille comme dessinateur des
décors puis comme animateur. Il met à profit ses heures
libres pour entreprendre son célèbre album, Blacksad.
Juanjo Guarnido s’est lancé ensuite dans un projet avec
l’ambition de réaliser le premier clip Full Animation de
l’histoire, la réalisation d’un clip animé pour le groupe de
metal Freak Kitchen en collaboration entre autres avec
Julien Bizat ancien de l’Atelier de Sèvres.
KEVIN MANACH ET UGO BIENVENU
Ugo Bienvenu commence sa formation artistique à l’école
Estienne en DMA illustration, avant d’intégrer la section cinéma d’animation à Gobelins l’école de l’image
dans laquelle il coréalise son premier court-métrage en
équipe, Jelly Sunday, pour le festival international du film
d’animation d’Annecy, ainsi que « Jean-Luc ». Il réalise
le clip du titre « Voyage chromatique » pour Renart, du
label Dawn Records, avec Kevin Manach entamant par la
même une étroite collaboration.
Le duo Ugo Bienvenu et Kevin Manach (anciens des
Gobelins) continue de réaliser de belles choses dans leur
univers si singulier et toujours chez Miyu Productions,
leur dernier travail étant le clip pour le titre Fog du
groupe Jabberwocky, entièrement en animation traditionnelle 2D sur papier.
NICOLAS MÉNARD
TOMM MOORE
Tomm Moore (né le 7 Janvier 1977) est un illustrateur
irlandais, artiste de bandes dessinées et cinéaste. Il est co
— fondateur de Cartoon Saloon, une société de production en studio d’animation basé à Kilkenny, en Irlande.
Ses deux premiers longs-métrages, Le Secret de Kells
(2009) et Song of the Sea (2014), ont tous deux été nominés pour l’Oscar du meilleur film d’animation.
JOHN COVEN
John Coven fait partie des plus grands concepteurs de
storyboards américains de films mais également de jeux
vidéos, de pubs ou encore de films d’animations depuis
plus de 25 ans. Diplômé de l’École Nationale supérieure
des Beaux-Arts et de l’école Supérieure des Arts Décoratifs de Strasbourg en illustration, John Coven devient
peu à peu une véritable légende du storyboard. Il a également enseigné pendant 10 ans au Art Center College of
Design à Pasadena et au Otis College of Art and Design
à Los Angeles. Parmi les films sur lesquels il a travaillé,
on retrouve : Jurassic World, The Green Hornet, Godzilla, Wolverine, X-Men, The Usual Suspects… et beaucoup
d’autres.
Nicolas Ménard, artiste et réalisateur québécois travaillant à Londres, est diplômé de l’École de design de
l’UQAM et diplômé du Royal College of Art.
Au croisement entre l’image animée et l’image imprimée,
son travail combine l’illustration et le design graphique
dans une démarche poétique et conceptuelle. Il a travaillé pour la télévision pour des chaînes comme ARTV,
Historia et Vrak.TV. Il a d’ailleurs déjà gagné quelques
prix, malgré sa jeune carrière. Ainsi, il passe la majorité de son temps à réaliser des courts métrages comme
Somewhere, Tourist’s Illuminate, des livres, des dessins
et d’autres créations.
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FESTIVALS ET
PARTENARIATS
L’ATELIER DE SÈVRES PARTICIPE À DIFFÉRENTS ÉVÈNEMENTS ET EST EN LIAISON AVEC LES ACTEURS ET LES INSTITUTIONS IMPLIQUÉES DANS LE CINÉMA D’ANIMATION
TELS QUE (LISTE NON EXHAUSTIVE) :
FESTIVAL DU FILM D’ANIMATION D’ANNECY
BRUZ
www.annecy.org
www.festival-film-animation.fr
Depuis 1960, Annecy est devenue la capitale mondiale du
film d’animation ! L’animation ne se limite pas au traditionnel « dessin animé ». Cet art à part entière, a su se
développer et gagner en renommée au fil des décennies !
Chaque année en juin, le Festival réunit plusieurs milliers d’aficionados ; animateurs reconnus ou artistes en
herbe, réalisateurs et producteurs, enseignants et étudiants, graphistes ou artistes, passionnés ou néophytes,
grand public... se retrouvent et échangent.
Toutes les nationalités se retrouvent pour élire le meilleur film d’animation de l’année, et décerner de nombreux prix... Pour le grand public, c’est une occasion
unique d’assister à des premières mondiales en salle,
de profiter de projections gratuites en plein air sur
le Pâquier, dans une ambiance chaleureuse et internationale. C’est également un lieu stratégique où les producteurs et diffuseurs de nombreux pays viennent vendre ou
acheter les dernières nouveautés sous les chapiteaux du
Marché International du Film d’Animation.
Organisé par l’AFCA (Association Française de Cinéma
d’Animation)
Projections de courts et longs métrages, rencontres avec
les auteurs, avant-premières, secrets de fabrication, ateliers, master-class, performances et soirées festives rassemblent à Bruz les grands curieux de tous âges et les
professionnels de toute la filière du cinéma d’animation.
LA NEF ET LES ATELIERS D’ECRITURE EN CINEMA
D’ANIMATION
www.cinemanimation.abbayedefontevraud.com/rencontres/rencontres-professionnelles-du-cinema-danimation
Cette initiative prend appui sur la Résidence internationale d’écriture en cinéma d’animation qui, depuis
2006, a permis l’accueil d’une centaine de cinéastes
et a fait de l’Abbaye de Fontevraud un lieu privilégié
de recherche et de création dans le domaine. Chaque
année, « Les chemins de la création » invitent tous les
professionnels de l’animation – producteurs, auteurs,
techniciens, étudiants, représentants d’institutions… —
à deux jours d’échanges et de réflexion sur les enjeux
propres à l’écriture en animation.
FESTIVAL DU FILM D’ANIMATION DE PARIS
www.croqanime.wix.com/site
Ce festival gratuit et ouvert à tous est l’occasion de découvrir des dizaines de films d’animations venus de tous
les horizons, de participer à des tables-rondes et de rencontrer des professionnels du milieu.
60
LE CARREFOUR DE L’ANIMATION – PARIS
www.forumdesimages.fr/les-films/les-programmes/carrefour-cinema-animation
Temps fort annuel du Forum des images dédié à l’image
par image, le festival Carrefour du cinéma d’animation se
tient chaque année début décembre.
CLERMONT FERRAND
www.clermont-filmfest.com
Le Festival international du court métrage de ClermontFerrand est un festival de cinéma consacré au film court,
ouvert au grand public, qui se tient annuellement dans
la capitale arverne. En nombre d’entrées, c’est probablement le plus important festival consacré au court métrage dans le monde. En France, c’est le deuxième festival
de cinéma après le Festival de Cannes pour la fréquentation (public et professionnels).
FICAM – MEKNÈS/MAROC
www.ficam.ma/fr/site/festival/presentation/1
La Fondation Aïcha®, en partenariat avec l’Institut français de Meknès, organise le Festival International de
Cinéma d’Animation de Meknès. Dans sa démarche
citoyenne, la Fondation Aïcha® compte parmi ses actions
l’accompagnement et l’organisation de manifestations
culturelles. L’objectif à travers FICAM®, est de participer à l’émergence de jeunes talents et de promouvoir le
cinéma d’animation au Maroc et en Afrique. FICAM® est
le premier festival du genre au Maroc, en Afrique et dans
le monde arabe. Véritable projet d’éducation à l’image, le
festival est devenu un évènement incontournable auprès
des jeunes marocains passionnés du cinéma d’animation
et des médias marocains et internationaux.
PICTOPLASMA BERLIN
www.pictoplasma.com
Pictoplasma est une organisation dédiée à l’art de la
conception des personnages, et remarquable pour sa
dominance contemporaine. Depuis 1999, ils ont encouragé la scène du design de personnages international en
publiant des collections de visuels, dans l’organisation de
conférences et en maintenant les Archives Pictoplasma,
un inventaire extensif, collection et vitrine de character
design contemporain.
ANIMA – BRUXELLES/BELGIQUE
www.animafestival.be
Le festival Anima a lieu chaque année en février ou en
mars depuis 1982.
Anima comporte une compétition internationale et une
compétition nationale ; il participe à la sélection du Cartoon d’Or, prix européen du court métrage d’animation
décerné par les principaux festivals d’animation. Le festival propose en outre chaque année des rétrospectives et
des hommages, et invite en moyenne une cinquantaine
de réalisateurs et d’autres professionnels. Anima propose
aussi des ateliers et des conférences qui s’adressent aux
jeunes professionnels (Futuranima).
LES INSTITUTIONS
Le CNC Centre National du Cinéma
Le RECA Réseau des Écoles d’Animation
Les RAF Rencontres Animation Formation
L’AFCA Association Française du Cinéma d’Animation
LA SACD Société des Ateurs Compositeurs d’art Dramatique
Le SPFA Syndicat des Producteurs de Films d’Animation
L’école est une plate-forme dynamique qui participe aux
festivals internationaux et aux forums professionnels.
Elle est moteur dans l’élaboration de projets d’expositions
et initiatrice d’associations et de partenariats.
Sa politique est de favoriser toutes les actions permettant
l’insertion et la reconnaissance artistique des diplômés.
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FICHE D’INSCRIPTION
AU CONCOURS
2016-2017
ATELIER SUPÉRIEUR D'ANIMATION
TÉLÉCHARCHEZ LA FICHE D’INSCRIPTION AU CONCOURS SUR WWW.ATELIERDESEVRES.COM
FICHE D'INSCRIPTION
RENSEIGNEMENTS DEMANDÉS
Concours d'entrée en 1er année :
Nom : ..................................................................................
Prénom(s) : .........................................................................
Né(e) le : ............................................ à : ..........................
Nationalité : .......................................................................
Adresse personnelle: .........................................................
.............................................................................................
.............................................................................................
Tél. fixe : .............................................................................
Portable : ............................................................................
@ : ......................................................................................
Session N°1 : mars 2016
Session N°2 : juin 2016
A RENVOYER AU PLUS TARD LE :
- le 29 février 2016 pour la session de mars
- le 29 avril 2016 pour la session de juin
cachet de la Poste faisant foi
BACHELIER :
Oui
ANNÉE SCOLAIRES
ÉTABLISSEMENT
Non
DIPLÔME / NIVEAU
2013/2014
2014/2015
2015/2016
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COMPOSITION DU DOSSIER D'INSCRIPTION :
LA PARTICIPATION AU CONCOURS EST GRATUITE.
- la fiche d'inscription
- copie du Baccalauréat ou certificat
de scolarité du dernier établissement fréquenté
- copie d'une pièce d'identité
- pour les étudiants étrangers : TCF
(test de connaissance du français)
- une photo d'identité
- une enveloppe affranchie à vos nom et adresse
LE DOSSIER D'INSCRIPTION EST À ENVOYER À :
ATELIER DE SÈVRES
47, RUE DE SÈVRES
ATELIER SUPÉRIEUR D'ANIMATION
75006 PARIS
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ATELIER DE SÈVRES
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75006 PARIS
TÉL. : 01 42 22 59 73
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