PHoTo. aRT. EDiTions.

Transcription

PHOTO. ART. EDITIONS.
Discover & order CONTEMPORARY ART.
AFFORDABLE WORKS BY 160 RENOWnED INTERNATIONAL ARTISTS.
gus heinze (Detail)
Hiepler & bru nier | NEW works
EDITORIAL
¬ Art collectors are creatures of secret, always on the search
for something special, something unique. It should be of no
surprise, therefore, that we are using this magazine to bring
you the very best from the ateliers of the world. And, as every
connoisseur should know, all LUMAS editions are unique,
hand signed, and limited in number.
Discover new, affordable editions with us: Let yourself be
seduced by the expressive black & white photographs of New
York in the 1940s from Bauhaus graduate Andreas Feininger.
Or explore the city’s alleys in the footsteps of Berenice Abbott.
Here in Europe, we bring the well-known magnum photographer Erich Lessing to your artistic hearts.
In the area of contemporary art we present the works of
Sandra Rauch, breathtaking stylistic journeys into the border
area between photography and painting. The pop art works
of Joe McDermott and the “abstract realism” of Gus Heinze
should also be explored. Enjoy discovering and collecting.
¬ Sammler sind per se geheimnisvolle Wesen. Immer auf
der Suche nach dem Besonderen, dem Einzigartigen. Und so
verwundert es kaum, dass wir auch in diesem Magazin für
Sie wieder das ganz Besondere aus den Ateliers dieser Welt
vereinen. Wissenswert für jeden Connaisseur: natürlich wie
jede LUMAS Edition einzigartig – in aller Regel handsigniert
und selbstverständlich werthaltig streng limitiert. Neugierig?
Entdecken Sie mit uns neue, erschwingliche Editionen: Lassen
Sie sich vom Bauhaus-Absolventen Andreas Feininger in
expressiven Schwarz-Weiß-Aufnahmen ins New York der 40er
Jahre entführen oder ergründen Sie die Straßenschluchten
auf den Spuren der bedeutenden Berenice Abbott. Blicken
wir zurück auf Europa, legen wir Ihnen an dieser Stelle auch
schon mal den bekannten Magnum-Fotografen Erich Lessing
ans visuelle Herz.
“Big Tank IV”
NO. hbr33: LTD. ED. 100 sign. 116 x 154 cm | 46 x 61“
NO. hbr34: LTD. ED. 150 sign. 58 x 77 cm | 23 x 30“
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Objects
by Moroso
Im zeitgenössischen Fach konnten wir für Sie u. a. neue Arbeiten von Sandra Rauch gewinnen, eine atemberaubende
Stilreise zwischen Fotografie und Malerei. Aber auch die
Pop-Art-Werke von Joe McDermott oder der „Abstrakte
Realismus“ von Gus Heinze sollten nicht unerwähnt bleiben.
Viel Freude beim Entdecken und Sammeln.
¬ Les collectionneurs sont en soi des êtres mystérieux.
Toujours à la recherche de l’insolite, de l’extraordinaire. Vous
ne seriez donc pas surpris de voir que nous avons à nouveau
réunit pour vous dans ce magazine le plus singulier des ateliers
de ce monde. Bon à savoir pour chaque connaisseur : naturellement comme toutes les éditions LUMAS, elles sont particulières, en règle générale signées et évidemment strictement
limitées.
Découvrez avec nous des nouvelles éditions à prix abordable :
laissez-vous captiver par les photos expressives en noir et
blanc du New York des années 40 de l’artiste diplômé du
Bauhaus Andreas Feininger ou sondez la profondeur des rues
sur les traces de la remarquable Bérénice Abbott. Tournons
notre regard sur l’Europe et nous vous recommandons ici
d’ores et déjà le célèbre photographe de l’agence Magnum
Erich Lessing.
Dans le domaine du contemporain, nous avons pu, entre
autre, obtenir pour vous des nouvelles œuvres de Sandra
Rauch, un voyage de style à couper le souffle entre photographie et peinture. Mais aussi à ne pas manquer, les œuvres
Pop Art de Joe McDermott ou le « réalisme abstrait » de Gus
Heinze. Nous vous souhaitons de belles découvertes et plein
de plaisir à collectionner !
Heike Dander & Gunnar Wagner
Gallery Portfolio Directors
DISCOVER LUMAS on
Facebook & twitter
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christophe jacrot | new WORKS
¬ Christophe Jacrot’s photography can uplift the
spirit. The Frenchman is able to transform the most hostile,
depressing weather into poetic moments of urban beauty
and human depth. Whether a snow-covered New York
alley, or the city of Lisbon drowning in a rain shower, his
photographs avoid direct sunlight. Artificial light sources
and visual atmosphere diffusers always play a key role in
Jacrot’s creation of a metropolis aura. Shanghai at night,
in the driving rain, so vivid in electric blue and red, could
only ever be so.
¬ Christophe Jacrots Schlechtwetter-Fotografien
sind wahre Stimmungsaufheller. Der Franzose vermag jedes
noch so abweisende Schmuddelwetter in einen poetischen
Augenblick urbaner Schönheit und menschlicher Tiefe
zu verwandeln. Egal ob eine schneeverwehte New Yorker
Straßenschlucht oder ein im Sprühregen versinkendes Lissabon, direktes Sonnenlicht täte seinen Fotografien gar
nicht gut. Stets spielen künstliche Lichtquellen und
optische Atmosphärediffuser eine wesentliche Rolle beim
Aufscheinen der Jacrot’schen Metropolenaura. Ein im
Dauerregen dampfendes, nächtliches Shanghai erstrahlt
bei ihm so frisch und klar in elektrisch blauen und roten
Lichtern, als könnte es nur so existieren.
¬ Les photographies de mauvais temps de Christophe
Jacrot sont de vrais améliorateurs d’humeur. L’artiste
transforme chaque intempérie en un moment poétique
d’une beauté urbaine et d’une profondeur humaine. Que cela
soit les rues de New York saisies par la neige ou Lisbonne
sombrant sous une pluie torrentielle, un rayon de lumière
n’améliorerait pas ses photos. Des sources de lumière artificielles et un diffuseur d’optique atmosphérique jouent ici
un rôle essentiel dans la présence de l’aura des métropoles
Jacrotbiennes. Shanghai, vaporeuse, plongée la nuit dans une
pluie persistante, resplendit chez lui, au travers des lumières
bleues et rouges électriques, de façon si fraîche et claire
qu’elle ne pourrait exister que comme ça.
“Times Square Snow Show”
NO. CJA29: LTD. ED. 150 sign. 90 x 135 cm | 35 x 53“
NO. CJA30: LTD. ED. 150 sign. 50 x 75 cm | 20 x 30“
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akos major | NEW artist
¬ A seaside resort in the off-season. Grey skies and a row
of raised pedal boats on a brace in the water. The atmosphere in Akos Major’s pictures is surreal. The image
sets the boats at an unusual distance, as if something has
taken them from the shore and dragged them out into the
water. The composition captures the scenery in a formalaesthetic manner, whilst also capturing a moment in time.
A long exposure time makes this exquisite conquest over
the subject possible. Even a simple bridge captured in this
way would extend to infinity, as if one might use it to
visit eternity.
¬ Ein Badeort in der Nebensaison. Grauer Himmel und
eine Reihe aufgebockter Tretboote auf einem Seesteg. Die
Atmosphäre in Akos Majors Bildern mutet surreal
an. Der bewusst gewählte Bildausschnitt versetzt die
bunten Boote in eine eigenwillige Distanz. Als hätte sich
von Seeseite ihrer etwas bemächtigt und sie weit hinaus
auf das Wasser gezogen. Die Komposition erfasst die
Szenerie nicht nur formal-ästhetisch, an den Motiven wird
gleichzeitig die stillgestellte Zeit förmlich greifbar. Eine
Langzeitbelichtung macht diese exquisite Sujeteroberung
möglich. Sogar ein einfacher Steg führt auf diese Weise
geradewegs ins Unendliche hinaus, als könnte man von
ihm aus die Ewigkeit besichtigen.
¬ Un lieu de baignade en basse saison. Un ciel gris et une
rangée de pédalos calés sur la passerelle d’un lac. Dans les
photos d'Akos Major, l'atmosphère semble surréelle.
Le choix conscient du cadrage place les bateaux colorés
dans une distance volontaire. Comme s’ils avaient repris
leur droit sur le lac et s’étaient retirés loin sur l’eau. La
composition cerne la scène aussi bien de façon formelle et
esthétique qu’elle rend littéralement palpable le temps figé
des motifs. Un long temps d’exposition rend possible la
conquête exquise de ce sujet. Même une simple passerelle
conduit de cette manière directement vers l’infini, comme
si l’on pouvait depuis celle-ci explorer l’éternité.
“Pedalboats”
No. AMJ01: LTD. ED. 100 sign. 110 x 165 cm | 43 x 65“
No. AMJ02: LTD. ED. 100 sign. 60 x 90 cm | 24 x 35“
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SANDRA RAUCH | NEW works
x 108 cm | 24 x 43“
Objects by boconcept
“Hong Kong diamond”
No. SRA16: LTD. ED. 100 sign. 80 x 145 cm | 32 x 57“ | No. SRA17: LTD. ED. 100 sign. 60
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sIbYlle prinzessin von preussen | new artist
¬ The artist Sibylle Prinzessin von Preussen
combines painting with the delicate technique of paper
cutting to produce playfully gentle ornamental pictures. Her
animal figures are inspired by the decorative ceilings of the
Sanssouci concert hall and the so-called Voltaire room. Lilies,
flutists, and princess dresses complete the impressive series.
¬ In ihren spielerisch leichten Ornamentbildern verbindet
die Künstlerin Sibylle Prinzessin von Preussen
die filigrane Technik des Scherenschnitts mit der Malerei.
Ihre Tierfiguren sind inspiriert von den Deckenornamenten
“Royal flute player”
No. S P P11: LTD. ED. 100 sign. 100 x 80 cm | 39 X 32“
No. S P P12: LTD. ED. 100 sign. 64 x 44 cm | 25 x 17“
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Torkil Gu dnason | NEW ARTIST
des Konzertzimmers von Sanssouci und dem sogenannten
Voltairezimmer. Lilien, Flötenknabe und Prinzessinnenkleider runden die feine Serie ab.
¬ Dans ses images d’ornement ludiques, Sibylle
Prinzessin von Preussen relie la technique
filigrane de l’ombre chinoise avec la peinture. Ses figures
d’animaux sont inspirées des ornementations de plafond
de la salle de concert de Sanssouci et de la dite chambre
de Voltaire. Lys, enfants à la flûte et habits de princesse
parachèvent la délicate série.
“Flowers 2”
No. S P P13: LTD. ED. 100 sign. 100 x 80 cm | 39 X 32“
No. S P P14: LTD. ED. 100 sign. 64 x 44 cm | 25 x 17“
“Bernadette”
No. TGU01: LTD. ED. 100 sign. 120 x 94 cm | 47 x 37“
“Yael II”
¬ Allusions to modernity and the genre of cubist portraits
are at play in the wonderfully eccentric works of the
Danish fashion photographer Torkil Gudnason.
Through a skilful eye, a digital cutter, and a sharp sense of
asymmetrical tensions and harmonies, he dismantles traditional perspectives and composes portraits of women that
are both stirringly beautiful and playfully elegant. Rarely
is a copy or pastiche more beautiful or exciting than the
original.
rische Spannungen und
Perspektiven auf und
mitreißender Schönheit
wirkt ein Zitat oder ein
als das Original.
¬ Die Anspielung auf die Moderne und das Genre des
kubistischen Porträts liegen in den wunderbar exzentrischen Arbeiten des dänischen Modefotografen Torkil
Gudnason offen zutage. Mit gekonntem Auge,
digitalem Cutter und einem feinen Gespür für asymmet-
Harmonien löst er herkömmliche
komponiert Frauenporträts voll
und spielerischer Eleganz. Selten
Pastiche schöner und aufregender
¬ L’allusion à l’époque moderne et au genre du portrait
cubiste apparaît ouvertement dans le formidable travail
excentrique du photographe de mode danois Torkil
Gudnason. Avec un œil habile, un cutter digital et
un sens affiné pour les tensions et les harmonies asymétriques, il dissout les perspectives habituelles et compose
des portraits de femmes d’une beauté éclatante et d’une
élégance joueuse. Rare est une citation ou un pastiche qui
soit plus beau et plus excitant que l’original.
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Erich lessing | NEW master
¬ The wonder of photography is to continually fill the
past with a new presence. Each moment is a part of our
history and identity. Few are able to translate the importance of historic moments into visual images as Erich
Lessing was. This can be seen in his picture from 1951,
showing Konrad Adenauer with François-Poncet in front
of the Eiffel Tower. Together, they are leaving the past
behind and striding towards the future. Lessing considered himself to be a documentarian, not a story-teller. It
is therefore of little surprise that, from the 1960s onwards,
he focused on images that were culturally inspired and of
world historical importance, such as the Hagia Sophia in
Istanbul and the Roman Forum in Rome. Even as a colour
photographer he remained true to his vibrant artistic style.
de 1951 avec Konrad Adenauer et François-Poncet devant
la tour Eiffel. Ensemble, ils laissent le passé derrière eux
et confluent vers le futur. Lessing s’est toujours compris
comme documentariste et non comme raconteur d’histoires. Dans cette mesure, ce n’est pas un hasard s’il s’est
laissé inspirer à partir des années 60 par des motifs de plus
en plus culturels et de signification historique comme la
Hagia Sophia à Istanbul et le Forum Romanum à Rome.
En tant que photographe, il est resté fidèle à son style
animé.
¬ Es ist das Wunder der Fotografie, Vergangenheit stets
mit neuer Präsenz zu füllen. Ihre Augenblicksmomente
sind Teil unserer Geschichte und unserer Identität. Wie
kaum ein anderer seiner Zeit verstand es der Fotoreporter
Erich Lessing, bedeutsame historische Augenblicke
in visuelle Botschaften zu übersetzen. Seine schonungslos
direkten Bilder des Ungarn-Aufstandes von 1956 machten
ihn als Fotoreporter weltberühmt. Auch als politischer
Porträtist verschaffte er sich einen Namen. So auch in
dem Bild von 1951, das den deutschen Bundeskanzler
Konrad Adenauer mit François-Poncet vor dem Eiffelturm
zeigt. Man sieht beide bewusst von hinten. Sie streben
gemeinsam auf das Wahrzeichen der Moderne zu und
lassen die durch den Krieg belastete Vergangenheit hinter
sich. Lessing verstand sich stets als Dokumentarist, nicht
als Geschichtenerzähler. Insofern verwundert es nicht,
dass er sich ab den 60er-Jahren zunehmend kulturell
inspirierten und welthistorisch bedeutenden Motiven
zuwandte wie der Hagia Sophia in Istanbul und dem
Forum Romanum in Rom. Seinem lebendigen Bildstil
blieb er auch als Farbfotograf treu.
“Hagia Sophia, Istanbul”
NO. ELS03: Ltd. Ed. 100 sign. 140 x 111 cm | 55 X 44“ | No. ELS04: Ltd. Ed. 100 sign. 70 x 55 cm | 28 x 22“
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¬ C’est le miracle de la photographie : remplir le passé
d’une nouvelle présence. Ses moments fugitifs font partie
de notre histoire et de notre identité. Comme peu d’autres
de son temps, le reporter photo Erich Lessing a
compris comment traduire des moments historiques
importants en messages visuels. Ainsi le montre la photo
“Konrad Adenauer und André François-Poncet, Paris”
No. ELS09: LTD. ED. 100 sign. 64 x 44 cm | 25 x 17“
No. ELS10: open EDition 24 x 17 cm | 9 x 7“
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Limited Editions | Hand Signed Originals
The appeal of originals
¬ At what point does one begin to talk of originals in art? In
the art market, only the handwritten signature of the artist is
relevant to creating an original. In photography, a medium
in which the final technical stage allows for any number of
“originals,” limited printing takes on an important meaning.
According to expert-opinion, editions should not exceed
100 prints for large works or 200 for smaller formats. This
insignia of quality can be found in limited LUMAS Editions:
dated, numbered, and personally signed by the artist – or,
in the case of deceased artists, by an authorized stamp of
the estate. The story of LUMAS is also the story of valueretaining originals, which, as auctions have shown, can
experience a significant increase in value once sold-out. You
are also purchasing art of the best provenance: from the
greatest editor of affordable originals.
¬ Ab wann spricht man in der Kunst eigentlich von
einem Original? Erst die handschriftliche Signatur des
Künstlers erhebt das Werk im Kunstmarkt zum relevanten
Original. In der Fotografie, einem Medium, das technisch
die Anfertigung einer beliebigen Anzahl von „Originalen“
zulässt, ist zudem eine Limitierung der Auflage von großer
Bedeutung. Die Auflage sollte nach gängiger Expertenmeinung 100 Exemplare bei großen Werken und 200 bei
kleineren Formaten keinesfalls übersteigen. Diese Qualitätsinsignien finden Sie bei limitierten LUMAS Editionen: datiert,
nummeriert und vom Künstler persönlich handsigniert – bei
verstorbenen Künstlern zumeist versehen mit einem autorisierten Nachlassstempel. Die Geschichte von LUMAS ist eben
auch die Geschichte von besonders werthaltigen Originalen, die – wie Auktionsergebnisse zeigen – einmal ausverkauft, eine signifikante Wertsteigerung erfahren können.
Zudem kaufen Sie Kunst von bester Provenienz: vom
größten Editeur erschwinglicher und signierter Originale.
¬ A partir de quel moment parle-t-on d’original dans l’art ?
Seule la signature manuscrite de l’artiste élève l’œuvre au
rang d’original sur le marché de l’art. Dans la photographie,
un média qui autorise techniquement un nombre aléatoire
« d’originaux », la limitation des tirages est d’une grande
importance. Les grandes œuvres, selon les experts, ne
devraient en aucun cas dépasser les 100 exemplaires, 200 pour
les formats plus petits. Dans les éditions limitées de LUMAS,
vous retrouverez ces critères de qualité : datées, numérotées et
signées personnellement par les artistes – les œuvres d’artistes
défunts sont, elles, certifiées par un tampon officiel d’héritage.
L’histoire de LUMAS est également l’histoire d’originaux
de grandes valeurs qui, comme les ventes aux enchères le
prouvent, peuvent voir leur valeur augmenter considérablement une fois tous les exemplaires vendus. De surcroît,
vous achetez de l’art de meilleure provenance: des originaux
abordables et signés de chez le meilleur éditeur.
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object by BOCONCEPT
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werner pawlok | NEW artist
¬ Werner Pawlok’s colourful series Cuba Expired is
by no means a glorification of the downfall of the former
sugar aristocracy. Rather than being a hymn to the good
old days, his shots are a respectful acknowledgement of
the morbid charm of the present. These old buildings,
with their deteriorating facades and worn interiors have
long since taken fate into their own hands. The artist pays
tribute to them, and other street scenes, with a powerful,
almost intoxicating palette of colours, seemingly mixed
together with Caribbean magic.
¬ Die farbintensive Cuba Expired Serie von Werner
Pawlok beschönigt keineswegs den Untergang der einstigen Zuckeraristokratie. Seine Aufnahmen sind keine
Hymne auf die gute alte Zeit, sondern eine respektvolle
fotografische Verbeugung vor dem morbiden Charme der
Gegenwart. Diese alten Villendiven mit ihrem blättrig
dahinwelkenden Wandschmuck und über die Zeit gebrachten Innendekoren haben ihr Schicksal längst in die
eigene Hand genommen. Der Künstler huldigt ihnen und
einigen weiteren Straßenszenen mit einer kräftigen und
beinahe schon betörenden Farbpalette, der ein karibisches
Wundermittel beigemengt zu sein scheint.
¬ La série aux couleurs intensives Cuba Expired de
Werner Pawlok n'embellie pas le déclin de l'ancienne
aristocratie du sucre. Ses photographies ne sont en aucun
cas un hymne au bon vieux temps mais plutôt une révérence photographique respectueuse au charme morbide
du présent. Ces vieilles villas de diva avec leurs décorations murales écaillées et leurs décors intérieurs démodés ont depuis longtemps pris leur destiné en main. L'artiste leurs rend hommage comme aussi à certaines scènes
de rue dont la palette de couleurs intesives, presque
ensorcelantes, semble avoir été incorporée comme un
remède miracle des caraïbes.
“House of Luisa Faxas – HavaNa”
No. WPA03: LTD. ED. 150 sign. 110 x 154 CM | 43 x 61“
No. WPA04: LTD. ED. 150 sign. 54 x 74 CM | 21 x 29“
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matthias heidErich | NEW ARTIST
Danae Falliers | NEW artist
¬ Danae Falliers’ landscapes are sensual journeys
to the edges of objective cognition. Our subjective perception reveals what is hidden to the eye; qualities such as
duration, mood, and intensity. These landscapes are not
to be measured geographically, but to be appreciated for
their hidden nuances and fleeting forms of transition.
¬ Danae Falliers’ Landschaften sind sinnliche
Expeditionen ins Grenzgebiet der objektiven Wahrnehmung. Erst unser subjektives Empfinden offenbart, was
dem Auge verborgen ist: Dauer, Stimmung, Intensität.
Es kommt dabei nicht so sehr darauf an, diese amerika-
nischen Landschaften geografisch zu vermessen, als vielmehr darauf ihre verborgenen Nuancen und flüchtigen
Formen des Übergangs zu erkennen.
¬ Les paysages de Danae Falliers offrent une
expédition sensuelle dans la zone frontalière de la perception objective. C’est le ressenti subjectif qui dévoile aux yeux
ce qui leurs est d’abord caché : temps, atmosphère, intensité. Et ceci ne dépend pas vraiment de la mesure géographique de ce paysage américain, mais plutôt du discernement de ses nuances cachées et de ses formes passagères
de transition.
“untitled I”
No. mhd01: LTD. ED. 100 sign. (4x) 55 x 55 cm | (4x) 22 x 22“
Objects by BOCONCEPT
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“Wildflower I”
No. dfa11: LTD. ED. 100 sign. 120 x 160 cm | 47 x 63“ | No. dfa12: LTD. ED. 100 sign. 60 x 80 cm | 24 x 32“
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edward steichen | master
andreas feininger | master
¬ Edward Steichen’s œuvre is one of the most
remarkable achievements in black and white artistic photography in the early 20th century. During the ‘20s and ‘30s
he was among the most important studio photographers in
New York, setting the benchmark for celebrity and fashion
photography. He revolutionised the language of photography in magazines such as Vogue and Vanity Fair. Gloria
Swanson was transformed by Steichen into a dazzling
dream of Hollywood’s silver silk. He portrayed himself, by
contrast, in relaxed poses with his box camera.
fotografie Maßstäbe. Er revolutionierte die Bildsprache in
Magazinen wie Vogue und Vanity Fair. Filmdiva Gloria
Swanson verwandelte er in einen betörenden Traum aus
seidenem Hollywood-Silber. Sich selbst porträtierte er in
lässiger Pose zusammen mit seiner Plattenkamera.
“Self Portrait”
No. EST22: LTD. ED. 100 + 32 A.p. sign. 32.9 x 26.8 cm | 13 x 11“
“Gloria Swanson”
No. EST52: LTD. ED. 100 + 32 A.p. sign. 33.2 x 26.3 cm | 13 x 10“
©Andreas Feininger Archive, c/o Zeppelin Museum Friedrichshafen
¬ Edward Steichens Œuvre zählt zu den herausragenden Momenten der künstlerischen Schwarz-WeißFotografie des frühen 20. Jahrhunderts. In den 20er- und
30er-Jahren zählte er zu den bedeutendsten Studiofotografen in New York und setzte in der Celebrity- und Mode-
¬ L’œuvre d’Edward Steichen compte parmi les
incroyables réalisations de la photographie noir et blanc du
début du XXème siècle. Dans les années 20 et 30, il fut
l’un des photographes studio les plus significatifs de New
York et imposa dans la photographie de mode de nouveaux
critères. Il révolutionna le langage visuel des magazines
comme Vogue et Vanity Fair. Il métamorphosa la diva
Gloria Swanson dans un rêve envoûtant argenté hollywoodien. Lui-même s’est photographié en pose nonchalante avec son appareil photo.
“Hudson River waterfront, New York”
No. afi07: LTD. ED. 100 archive stamp 64 x 52 cm | 25 x 20“ | No. afi08: open edition archive stamp 34 x 28 cm | 13 x 11“
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STEPHEN HALEY | NEW WORKS
¬ The Australian artist Stephen Haley describes his
urban image compositions as virtual photography. They
comprise sketch renderings that demonstrate the principles
of perspective we have applied since the Renaissance. What
particularly impresses in the careful arrangement of these
symmetrical building compositions is the overwhelming
global intimacy that emerges from the depths of each
structure. Each of these visionary architectural works is
also a sensual mental image. The artist has constructed a
visual bridge from the Renaissance to the digital future, via
the present. Reflections play a key role in Haley’s work.
Glass is used as a central metaphor for human relationships.
What connects us? What separates us? Haley’s images
22
explore these question in an aesthetic, exciting way.
¬ Der australische Künstler Stephen Haley bezeichnet
seine urbanen Bildkompositionen als virtuelle Fotografien.
Sie entstehen als Renderings, deren Perspektivprinzipien
seit der Renaissance gelten. Was an den wohldurchdachten
Raumwelten dieser verspiegelten Gebäudekompositionen
besonders erstaunt, ist der Rausch der globalen Intimität,
der aus dem Tiefenraum jeder künstlichen Wohnwabe
hervorgeht. Jede dieser Visionsarchitekturen ist zugleich
ein sinnliches Denkbild. Der Künstler schlägt eine visuelle
Brücke von der Renaissance über die Gegenwart in die
digitale Zukunft. Spiegelungen spielen eine große Rolle in
Haleys Gedankenkosmos. Glas wird zur Zentralmetapher
des menschlichen Zusammenhangs. Was verbindet uns?
Was unterscheidet uns? Fragen, die von Haleys Bildern
ästhetisch und spannungsreich diskutiert werden.
¬ L’artiste australien Stephen Haley qualifie ses
compositions urbaines de photographies virtuelles. Elles
sont créées comme des rendus 3D dont les principes de
perspective valent depuis la Renaissance. Ce qui surprend
dans les espaces de ces compositions miroitantes d’immeubles est le murmure d’intimité globale qui résulte de la
profondeur d’espace de ces habitations artificielles. Chacune de ces visions d’architecture est aussi une représen-
tation sensuelle. L’artiste tend un pont visuel depuis la Renaissance en passant par le présent jusqu’à un futur digital.
Les reflets jouent un rôle important dans son univers. Le
verre apparaît comme une métaphore des rapports humains.
Qu’est-ce qui nous lie ? Qu’est-ce qui nous différencie ? Ces
questions sont celles émises par le travail esthétique et plein
de tension de Haley.
“Intra-space I”
No. SHA10: LTD. ED. 100 sign. 64 x 180 cm | 25 x 71“
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larry yust | NEW works
“Boardwalk”
NO. LYU183: lTD. ed. 100 sign. 33 x 180 cm | 13 x 71“
No. LYU184: lTD. ed. 150 sign. 18 x 100 cm | 7 x 39“
“MacDougal St”
No. LYU193: ltd. ed. 100 sign. 23 x 180 cm | 9 x 71“
No. LYU194: lTD. ed. 150 sign. 13 x 100 cm | 5 x 39“
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Objects by MOROSO
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gus heinze | NEW artist
pep ventosa | portfolio
¬ The Parc de La Ciutadella is an oasis of calm in the centre
of bustling Barcelona. It is also home to the magnificent
tree that is the subject of Pep Ventosa’s photograph.
He created the image using his distinctive photographic style:
As if beating a drum, Ventosa circled around and combined
multiple shots into a single, vibrating image. This rhythmic
composition transforms the tree into a vibrant tribute to the
artist’s hometown.
¬ Inmitten von Barcelona liegt ein Ort der Ruhe: der Parc
de La Ciutadella. Dort findet sich dieser prächtige Baum,
den Pep Ventosa in seiner unnachahmlichen Art des
“Show Cadillac”
No. GHE01: LTD. ED. 100 sign. 90 x 100 cm | 35 x 39“
“875”
¬ At the beginning of the 1970s the New Yorker Gus
Heinze developed a photographic style that stood
apart from pure photo-realistic techniques. Whilst his
images appeared almost imprisoned by the American
way of life, he deliberately broke away from traditional
photographic formulae by manipulating the colour and
perspective of image components. He termed this reworking of reality “abstract realism”. Shop windows
and facades became figurative compositions of reflective
glass, colourful reflections, and amorphous, twisted steel
girders. The sober details of everyday life were loaded
with expressive mood.
lationen manipulierte. Für diese abstrakte Überzeichnung
des Realen schuf er den Begriff des „Abstrakten Realismus“. So verwandeln sich seine Schaufenster- und Fassadenbilder in freie gegenständliche Kompositionen aus
spiegelndem Glas, farbigen Lichtreflexen und amorph verzerrten Stahlträgern. Er wählt den Bildausschnitt so, dass
jedes noch so nüchterne Detail der Gegenstandswelt mit
expressiver Stimmung aufgeladen wird.
¬ Anfang der 70er-Jahre entwickelte der in Bremen
geborene und in New York lebende Gus Heinze
einen signifikanten Bildstil, der von Pop- und Minimal
Art inspiriert war und auf den der Begriff der fotorealistischen Malweise schon nicht mehr zutrifft. Auf der einen
Seite waren seine Motive durchaus dem amerikanischen
Way of Life verhaftet. Auf der anderen Seite durchbrach
er jedoch das fotografische Vorbild bewusst, indem er
Bildpartien mit ausgesuchten Farb- oder Perspektivmodu26
¬ Au début des années 70, l’artiste new yorkais Gus
Heinze dévelopa un style qui alla bien au-delà d’une
pure peinture photo réaliste. D’un côté, ses motifs
s’inséraient dans la tradition du Way of Life américain. De
l’autre côté, il rompit avec la référence photographique
en manipulant l’image avec une sélection différente de
couleur et de perspective. Pour ce surpassement abstrait
du réel, il créa le concept de « Réalisme abstrait ». Ainsi
ses images de devantures et de façades se transforment
en composition figurative et libre de verre miroitant,
de reflets colorés et de supports métalliques déformés.
Chaque détail inchangé du monde des objets est ici
chargé d’une expression intense.
fotografischen Trommelschlags mehrfach umrundet und
unzählige Male ins Fotopapier tremoliert hat. Rhythmisch
komponiert, verwandelt er sich in eine vibrierende Reverenz
an Ventosas Heimatstadt.
¬ Au milieu de Barcelone repose un lieu de calme: le parc
de la Ciutadella. Là se trouve cet arbre somptueux que Pep
Ventosa a contourné plusieurs fois dans sa manière
inimitable de coups de tambour photographiques et a reproduit sur papier photo un nombre de fois incalculables.
Composé de façon rythmique, il se transforme en une référence vibrante à la ville natale de Ventosa.
“Parc de la Ciutadella Four”
No. PVE67: LTD. ED. 100 sign. 105 x 140 cm | 41 X 55“ | No. PVE68: LTD. ED. 100 sign. 52.5 x 70 cm | 21 x 28“
27
sabine wild | NEW WORKS
¬ Under the title Flower Head, the viewer encounters a
beguiling Black Antoinette in Olaf Hajek’s new images.
For good reason, the naorm of Baroque allegory is clea
For good reason, the name recalls the French queen known
for her pompous lifestyle. Little stories are interwoven in
the ornamental bloom, which appear as a playful subtext
to the subject of the portrait through their rich details. The
reference to the form of Baroque allegory is c as a playful
subtext to the subject of the portrait through their rich
details. The reference to the form of Baroque allegory is
clea
For good reason, the name recalls the French queen known
for her pompous lifestyle. Little stories are interwoven in
the ornamental bloom, which appear as a playful subtext to
the subject of the portrait thk Antoinette in Olaf Hajek’s
new images. For good reason, the name recalls the French
queen known for her pom1pous lifestyle. Little stories are
interwoven in the ornamental bloom, which appear as a
playful subtext to the subject of the portrait thk Antoinette
in Olaf Hajek’s new images. For good reason, the name
recalls the French queen known for her pompous lifestyle.
Little stories are interwoven in the ornamental bloom,
which appear as a playful subtext to the subject of the
portrait thpous lifestyle. Little stories are interwoven in the
ornamental bloom, which appear as a playful subtext to the
subject of the portrait thk Antoinette in Olaf Hajek’s
new images. For good reason, the name recalls the French
queen known for her pompous lifestyle. Little stories are
interwoven in the ornamental bloom, which appear as a
playful subtext to the subject of the portrait th
¬ Unlike the proverbial forest, Sabine Wild never
rests, continually developing her style. That doesn’t
mean a return to her roots is impossible, however. Her
new forest pictures are freshly coiled and developed using
solarisation.
28
¬ Anders als der sprichwörtliche Wald ruht Sabine
Wild nie, sie entwickelt ihren Stil permanent fort.
Das schließt eine Rückkehr zu den Ursprüngen nicht aus.
Ihre neuen Waldbilder sind frisch aufgeschossen und in
Solarisation veredelt.
¬ A la différence de la proverbiale forêt, Sabine Wild
ne se repose jamais et développe son style de façon
permanente. Cela n’exclut pas un retour aux sources. Ses
nouvelles images de forêt sont fraîchement jaillissantes et
épurées en solarisation.
“wood_0925”
No. swi137: LTD. ED. 100 sign. 90 x 180 cm | 35 x 71“
No. swi138: LTD. ED. 100 sign. 45 x 90 cm | 18 x 39“
29
su n you ng byu n | new workS
peter mathis | NEW workS
¬ The Voralberger Peter Mathis is known for his
breathtaking pictures of powder snow scarred by rolling snowboard tracks. Though he has now changed his motif, he
remains true to his photographic style. Mathis’s Icelandic
mountain shots feel almost like water-colour landscapes. Their
unusual colour, careful composition, and extreme depth leave
the viewer with little doubt that they are looking at flawless
landscape photography.
¬ Von dem Voralberger Peter Mathis kennen wir fulminante Tiefschneebilder, verziert von geschwungenen Snowboardspuren. Nun hat er das Motiv gewechselt, ohne seinem
Stil untreu zu werden. Seine isländischen Berglandschaften mu-
ten wie Aquarell-Landschaften an. Doch die ungewöhnliche
Farbgebung und der sorgsam gewählte Bildausschnitt und
vor allem die extreme Tiefenschärfe lassen keinen Zweifel zu,
diese Bilder sind lupenreine Landschaftsfotografie.
¬ On connaît, du Voralberger Peter Mathis, des photos
fulminantes de neige immaculée ornée de méandres tracés par
un snowboard. Désormais il a changé de motif sans vraiment
être infidèle à la photographie. Ses paysages de montagne
islandais suggèrent des paysages d’aquarelle. Pourtant la coloration inhabituelle, le cadrage précis et surtout l’extrême profondeur de champ ne laissent pas de doute : ces images sont de
pures photographies de paysage.
“Lost Identity of value II”
No. SYB03: LTD. ED. 100 sign. 84 x 84 cm | 33 x 33“
No. SYB07: LTD. ED. 100 sign. 44 x 44 cm | 17 x 17“
30
“Iceland III”
No. PMA27: LTD. ED. 100 sign. 120 x 160 cm | 47 x 63“ | No. PMA28: LTD. ED. 100 sign. 90 x 120 cm | 35 x 47“
31
KAI STUHT & miles cockfield
NEW work
¬ Kai Stuht is a master of the sublime. While the fashion
photographer exalts baroque opulence and viscose elegance,
he juxtaposes this with the charm of the ailing to prevent any
impression of pompousness solemnity. Luxurious cotton
curtains are draped symmetrically in front of bare, industrial
walls. Amongst them, razor thin models pose like antique
goddesses and dreamy princesses. The set concept was created with the assistance of Miles Cockfield, who has
previously worked with the likes of Michel Comte and Sarah
Moon. It offers the perfect backdrop for a new production,
rich in allusion, of mythical and art-historical figures.
¬ Kai Stuht ist ein Meister des Sublimen. Auf der einen
Seite verzückt der Modefotograf mit barocker Fülle und
viskoser Eleganz, auf der anderen kontert er jeden Anflug
von gespreizter Feierlichkeit mit dem Charme des Maroden.
Edle Stoffvorhänge legen sich symmetrisch geschwungen
vor schmucklose Industriewände. Dazwischen werfen sich
hauchdünne Models wie antike Göttinnen und verträumte
Prinzesinnen in Pose. Das Set-Konzept, an dem Creative
Direktor Miles Cockfield mitgewirkt hat, der schon
mit Michel Comte und Sarah Moon zusammen gearbeitet
hat, bietet dabei eine perfekte Kulisse für eine anspielungsreiche Neuinszenierung mythischer und kunstgeschichtlicher
Vorbilder.
¬ Kai Stuht est un maître du sublime. D’un côté, le photographe de mode émerveille avec une abondance baroque et
une élégance visqueuse, de l’autre il contre chaque soupçon de
festivité exagérée avec un charme du délabrement. Des rideaux
de tissu raffinés pendent dans leurs volutes symétriques devant
un mur industriel dépouillé. Entre les deux se bousculent
de minces mannequins comme des déesses antiques et des
princesses rêveuses prenant la pose. Le concept du décor
auquel le directeur artistique Miles Cockfield, qui a
déjà travaillé avec Michel Comte et Sarah Moon, a collaboré,
offre une toile de fond parfaite pour une nouvelle mise en
scène remplie d’allusions à des références mythologiques et
de l’histoire de l’art.
“AnaÏs”
No. KSO01: LTD. ED. 100 sign. 120 x 180 cm | 47 x 71“
No. KSO02: LTD. ED. 100 sign. 80 x 120 cm | 32 x 47“
32
33
douglas busch | new workS
anna halm schu del | new workS
¬ To view the works of Anna Halm Schudel is
to lose oneself in the vastness of the internet. Each of her
icon mosaics has been created using hundreds of smaller
pictures from the World Wide Web. Together, they form an
image that seems familiar to us. If we come close to Marilyn
Monroe, however, she dissolves in front of our eyes. And
yet, she is still there: in our memory, in our mind, in our
never-ending, insatiable search for intimacy and reality.
wir Marilyn Monroe kommen, desto mehr löst sie sich
vor uns auf. Und doch existiert sie: in unserer Erinnerung,
in unserer Vorstellung, in unserer nie zu Ende gehenden,
unstillbaren Sehnsucht nach Nähe und Wirklichkeit.
¬ Anna Halm Schudels Werke zu betrachten
bedeutet, sich in der Weite des Internets zu verlieren.
Jedes ihrer Ikonenmosaike besteht aus unzähligen kleinen
Bildern des World Wide Web. Zusammen ergeben sie ein
Bild, das uns Betrachtern allzu bekannt erscheint. Je näher
¬ Regarder le travail d’Anna Halm Schudel signifie
se perdre dans l’étendue d’internet. Chacune de ses mosaïques d’icône est constituée d’un nombre incalculable de
petites images provenant du World Wide Web. Ensemble,
elles composent une image qui nous semble, à nous
spectateur, être connue. Plus on se rapproche de Marilyn
Monroe, plus elle semble se dissoudre devant nous. Et
pourtant elle existe : dans notre mémoire, dans notre imagination, dans notre désir insatiable de proximité et de réalité.
“Dreaming Beauty”
No. AHS59: LTD. ED. 100 sign. 150 x 113 cm | 59 x 44“
“Marilyn Monroe”
“Wave 1248” | “Wave 0821” | “Wave 300575”
No. DBS36 | DBS38 | DBS42: LTD. ED. 75 sign. 120 x 120 cm | 47 X 47“
No. dbs37 | DBS39 | DBS43: LTD. ED. 100 sign. 60 x 60 cm | 24 x 24“
Objects by More
34
35
marc brandenbu rg | master
olivier föllmi | NEW workS
¬ Olivier Föllmi’s travel and nature photography
captures the tenderness of life in moments of calm.
Free from manipulation of any form, his images seem to
echo the rhythm of nature, swaying gently with the blow
of the wind and the flow of the current. His new picture
is called Keiko. The cherry blossom plays an important
role in Japanese tradition. Its fleeting beauty is much
admired, representing both hope and renewal.
¬ Olivier Föllmis humanistische Reise- und Naturaufnahmen erfassen die Zartheit des Lebens in einem
Augenblick der Beiläufigkeit. Sie sind frei von jeglicher
Effekthascherei. Es ist, als passten sie sich dem Rhythmus
der Natur an und wiegen sanft mit im freien Spiel der
“o.T. I” | “o.T. II”
No. mba01: LTD. ED. 250 sign. Ø 33 cm | Ø 13“
No. mba02: LTD. ED. 250 sign. Ø 33 cm | Ø 13“
36
Objects
by Boconcept
Winde und Ströme. Keiko heißt sein neues Bild. Die
Kirschblüte in Japan spielt eine große Rolle in der Tradition. Ihre flüchtige Schönheit wird sehr verehrt. Sie steht
für Erneuerung und Zuversicht.
¬ Les photos humanistes de voyage et de nature
d’Olivier Föllmis saisissent la délicatesse de la vie
dans l’éphémère du moment. Elles sont libres de tout
effet. C’est comme si elles s’adaptaient au rythme de la
nature, suivant doucement le mouvement du vent et
des courants. Son nouveau travail s’intitule Keiko.
La fleuraison des cerisiers au Japon joue un grand rôle
dans la tradition. Sa beauté passagère est très admirée.
Elle symbolise la nouveauté et l’optimisme.
“Keiko”
No. OFO37: LTD. ED. 100 sign. 110 x 165 cm | 43 X 65“ | No. OFO38: LTD. ED. 100 sign. 60 x 90 cm | 24 x 35“
37
BMW Edition
NEW collection
¬ Classic cars with the aura and presence of works of art:
The unique BMW Mille Miglia Coupé, the playful BMW
Isetta, the dynamic BMW M1, and a jet-black BMW 326.
LUMAS has teamed up with BMW Group for a one-off
project rolling out the fascinating history of some of the
Bavarian Motor Works’ most impressive and exciting
models; an exclusive series of ten cars, each a landmark in
the history of contemporary automobile design. The models
have been lovingly preserved in halls and exhibition rooms
and all are in full working order. They have been brilliantly
shot by Erik Chmil, an accomplished connoisseur and
dynamic visionary in the field of automobile photography.
He has captured their shape, beauty, and character from
two distinctive perspectives, and three works providing
specific details and completing the portraits. Each model is
a reflection of its time. Passion, temperament, and the spirit
of the moment have been translated into form, colour, and
technical attributes. Experience how the distinctive design
elements associated with this world famous car manufacturer change over the years. Though each model can stand
alone, distinctive from the rest, they are all a part of the
same family. Witness dreams becoming reality as the past
accelerates towards the future.
¬ Klassiker mit einer Aura und Präsenz wie Kunstwerke:
das einzigartige BMW 328 Mille Miglia Coupé, die sympathische BMW Isetta, der besonders dynamische BMW
M1, ein tiefschwarzer BMW 326. In einer einmaligen
Kooperation mit der BMW Group rollen wir die faszinierende Geschichte einiger der schönsten und aufregendsten
Modelle der Bayerischen Motoren Werke auf und präsentieren eine exklusive Serie von zehn Sternstunden des
zeitgenössischen Automobildesigns. Jedes dieser fahrbereiten und in wohltemperierten Hallen und Ausstellungsräumen gepflegten Modelle erscheint in einem kunstvollen
Licht, glanzvoll erfasst von Erik Chmil, einem versierten
Connaisseur und dynamischen Visionär der Automobilfotografie. Form, Schönheit und Wesen der Wagen kommen
Objects by BOCONCEPT
38
“BMW 507 DETAIL II” | “BMW 507 DETAIL III” | “BMW 507 DETAIL I”
No. BMW43 | 45 | 41: LTD. ED. 500 STAMPED & SIGN. 80 x 80 cm | 32 x 32“
No. BMW44 | 46 | 42: OPEN EDITION STAMPED 50 x 50 cm | 20 x 20“
39
in zwei prägnanten Ansichten zur Geltung. Je drei Werke
mit spezifischen Details runden die Porträts ab. Jedes
Modell ist ein Spiegel seiner Zeit. Leidenschaft, Temperament und Zeitgeist drücken sich in Form, Farbe und
technischen Attributen aus. Aufregend darüber hinaus, die
Metamorphose der signifikanten Erkennungsmerkmale
des weltberühmten Automobilherstellers durch die
Zeit mitzuverfolgen. Jedes Modell steht für sich, keines
gleicht dem anderen und ist doch Teil der Familie. Eine
Serie, die den Traum mobilisiert und die Vergangenheit
beschleunigt.
¬ Un classique avec l’aura et la présence d’une œuvre
d’art : l’extraordinaire BMW 328 Mille Miglia Coupé, la
sympathique BMW Isetta, la très dynamique BMW M1,
ou une BMW 326 noire foncée. Dans cette coopération
exceptionnelle avec le groupe BMW, nous déroulons
l’histoire fascinante de quelques uns des plus beaux et des
plus excitants modèles du constructeur automobile de
Bavière et présentons une série exclusive de dix momentsclés du design d’automobile contemporain. Chacun de ces
modèles étincelants et prêts à être conduit, placés dans des
halles et des espaces d’exposition bien tempérés, apparait
dans une lumière précisément ajustée, brillamment saisi
par Erik Chmil, un connaisseur avisé et un visionnaire
actif de la photographie d’automobile. La forme, la beauté
et l’essence de chaque voiture sont mises en valeur de
façon remarquable. Chaque modèle est un miroir de son
temps. Passion, tempérament et esprit du temps s’exprime
dans la forme, la couleur et les attributs techniques. Ce qui
est excitant au delà de ça est de pouvoir suivre à travers le
temps la métamorphose des caractéristiques de reconnaissance du constructeur automobile mondialement connu.
Chaque modèle a sa propre identité, aucun ne ressemble à
l’autre et pourtant il appartient à cette famille. Une série qui
active le rêve et accélère le présent.
h. g. esch | portfolio
“Hong Kong 24”
No. hes52: LTD. ED. 100 sign. 120 x 150 cm | 47 X 59“ | No. hes53: LTD. ED. 100 sign. 80 x 100 cm | 32 x 39“
¬ Hong Kong by night: Lights, towers, the river, and
vastness. If it wants, the eye can always find a way down
to the river. Our attention either races off into the distance,
or comes to rest on light walls in the foreground. H. G.
Esch’s photographs of global cities create fascinating
ensembles that interweave architecture and human spaces.
“BMW 507 SIDE”
No. BMW03: LTD. ED. 500 STAMPED & SIGN. 80 x 120 cm | 32 X 47“ | No. BMW04: OPEN EDITION STAMPED 50 x 75 cm | 20 x 30“
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¬ Hongkong bei Nacht: Lichter, Türme, Fluss und Weite.
Wenn es das Auge will, findet es einen Weg hinunter zum
Fluss. Der Blick zoomt in die Ferne oder verharrt auf den
Lichtwänden des Vordergrunds. In H. G. Eschs Metropolenfotografien bilden Architektur und menschlich durchwirkter Raum stets ein faszinierendes Ensemble.
¬ Hong Kong la nuit : lumières, tours, fleuve et étendue. Si
l’œil le veut, il trouve un chemin jusqu’au fleuve. Le regard
zoom dans le lointain ou reste accroché aux murs de lumière
du premier plan. Dans les photographies de métropole
de H. G. Esch, l’architecture et les espaces entrelacés
d’hommes forment toujours un ensemble fascinant.
41
JOE MCDERMOTT | new artist
¬ Among the many influences of Joe McDermott is
pop artist Roy Lichtenstein, whose comic-style screen prints
are quoted by the talented illustrator from Philadelphia. Unlike
in the time of the old master, however, McDermott no longer
generates his images on a computer using digital colours and
binary brushes. Instead, he places two individual pictures from
a mini-strip together in a large format. This produces strong
body shapes and signs, which create multiple layers of meaning.
¬ Zu den großen Vorbildern von Joe McDermott gehört
der Pop-Art-Künstler Roy Lichtenstein, dessen Comic-Rasterdruck-Look der begabte Illustrator aus Philadelphia zitiert.
Doch anders als seinerzeit der Altmeister generiert McDermott
Annika FEUSS | NEW ARTIST
seine Bilder nunmehr am Computer mit digitaler Farbe und
binärem Pinsel. Er setzt zwei Einzelbilder zu einem Ministrip
im großen Format zusammen. Starke Körpergesten und
-zeichen generieren dabei ein Maximum an Bedeutungsvielfalt.
¬ Parmi les modèles de Joe McDermott apparaît l’artiste
du Pop Art Roy Lichtenstein dont la trame d’impression à point
est citée par le talentueux illustrateur de Philadelphie. Pourtant
à la différence de l’ancien maître, McDermott conçoit ses
images à l’ordinateur avec des couleurs digitales et un pinceau
binaire. Il assemble deux images par image en un mini-strip
sous la forme d’un grand format. De grands gestes et signaux
corporels conduisent à une grande diversité de signification.
“Deutsche Oper”
No. afu01: LTD. ED. 100 sign. 90 x 135 cm | 35 X 53“ | No. afu02: LTD. ED. 100 sign. 50 x 75 cm | 20 x 30“
¬ The French modernist Amédée Ozenfant would have
been enthralled by Annika Feuss’ impressive photo
series Unter Berlin, a graphically and aesthetically perfect
depiction of old Berlin underground stations. The daily
commuter, his eyes unable to focus for any length of time
or look past the wear and tear, sees only abstract station
decoration and fleeting transparency. The young Dusseldorf
artist reveals what is really there in a powerful, moving way.
“Untitled I”
No. JMD01: LTD. ED. 100 sign. 120 x 57 cm, 120 X 120 CM | 47 X 22“, 47 X 47“
No. JMD02: LTD. ED. 100 sign. 60 x 28 cm, 60 X 60 CM | 24 X 11“, 24 X 24“
42
¬ Der französische Modernist Amédée Ozenfant wäre begeistert gewesen von Annika Feuss’ beeindruckender
Fotoserie Unter Berlin, einer grafisch und ästhetisch perfekten Inszenierung von alten Berliner U-Bahn-Stationen.
Was dem Berufstätigen tagtäglich an abstraktem Stations-
dekor und flüchtigen Transparenzen verloren geht, weil sein
Auge über keine Langzeitbelichtung und Retuschefunktion
verfügt, das zeigt die junge Düsseldorfer Fotografin auf sehr
eindringliche Weise.
¬ Le moderniste français Amédée Ozenfant aurait été
enthousiasmé par l’impressionnante série photo Unter Berlin
d’Annika Feuss, par cette mise en scène graphique et
esthétique parfaite des vieilles stations de métro berlinoises. Ce qui reste imperceptible pour le passager régulier,
car ses yeux ne disposent pasde long temps d’exposition et
de fonction de retouche, la jeune photographe de Düsseldorf
nous le montre, avec ces décors de station abstraits et leur
transparence fugitive, d’une façon étonnante.
43
reinhard stangl | NEW artist
¬ Every bar is a stage, and every picture of a bar reveals
a utopia. Can you imagine your favourite bar closed?
It’s almost impossible. A bar is always open, and always
ready to play host to the hopes and dreams of its patrons.
The painter Reinhard Stangl chose Berlin’s legendary Paris Bar as his favourite. Its walls are adorned with
valuable paintings whose contemporary creators – including
Stangl himself, Julian Schnabel, Daniel Richter, and Markus
Lüpertz – are not afraid to use colour. Paintings within an
image are usually deliberate quotations. Stangl’s images,
however, transcend reality. Flooding the senses with fiery
reds and suggestive greens, they are more than mere
expressive snapshots of everyday life. The viewer is left
with the impression that Stangl has woven multiple time
frames and dreams into a single picture. The images show
a cross-section of the typology of a city, but also echo the
44
fragile heart of anyone who has searched for love, or simply
a fleeing moment of happiness, inside a bar.
¬ Jede Bar ist eine Bühne des Lebens und jedes Bild von
einer Bar beschreibt eine Utopie. Man versuche einmal,
sich seine Lieblingsbar geschlossen vorzustellen! Es gelingt nicht. Eine Bar ist immer geöffnet und jederzeit
empfangsbereit für Träume und Sehnsüchte. Der Maler
Reinhard Stangl favorisiert eine bestimmte Bar –
die legendäre Berliner Paris-Bar. An ihren Wänden hängen
kostbare Malereien, deren zeitgenössische Urheber – wie
Stangl selbst – keine Farbverächter sind: Julian Schnabel,
Daniel Richter, Markus Lüpertz. Bilder im Bild sind meist
absichtsvolle Zitate. Doch Stangls Bilder weisen über
die Realität hinaus. Was immer das Auge in feurigroten
und wermutgrünen Farbtönen überflutet, es ist mehr
als eine expressive Momentaufnahme eines alltäglichen
Geschehens. Man wird das Gefühl nicht los, Stangl habe
gleich mehrere Zeiten und Augenblicksträume in einem
Bild gebannt. Die Bilder zeigen stets einen Querschnitt durch
die Typologie des Großstädters, aber insbesondere bilden
sie den unruhigen Zustand jener Herzen ab, die in einer Bar
das Leben oder ganz einfach etwas Lebensglück suchen.
¬ A chaque bar correspond une scène et à chaque représentation de bar une utopie. Essayez seulement de vous représenter votre bar préféré fermé ! Cela ne fonctionne pas. Un
bar est toujours ouvert et à chaque instant prêt à recevoir
rêves et désirs. Le peintre Reinhard Stangl favorise
un bar en particulier : le légendaire Paris-Bar de Berlin. Sur
ses murs sont accrochées des peintures de choix, dont les
auteurs contemporains – comme Stangl lui-même – ne
méprisent pas la couleur : Julian Schnabel, Daniel Richter,
Markus Lüpertz. Les toiles dans ses toiles sont le plus
souvent des citations. Pourtant le travail de Stangl dépasse la
réalité. Ce qui remplit les yeux de tons rouge canin et de vert
vermout est plus que la prise d’un moment expressif d’une
action banale. On ne peut pas se défaire de l’impression que
Stangl ait réuni dans une seule toile plusieurs époques et
rêves éphémères. Les toiles montrent toujours une coupe
transversale à travers la typologie d’habitants de grande ville.
Plus particulièrement, elles représentent l’état agité de cœurs
qui cherchent dans un bar la vie ou tout simplement un peu
de bonheur.
“City Splash”
No. RST01: LTD. ED. 100 sign. 70 x 224 cm | 28 x 88“
No. RST02: LTD. ED. 100 sign. 47 x 150 cm | 19 x 59“
45
michael poliza | NEW works
¬ Africa’s wild animals, the vastness of the arctic, and,
above all, the earth’s inexhaustible reservoir of forms and
colours: These are the phenomena that led Michael
Poliza to begin taking photos of nature and animals from
a helicopter. Now he has chosen to present eight striking
portraits of individual animals from his Classic Africa series.
These black and white shots of predatory cats, giraffes, and
elephants vary in their composition, but share a gentle,
almost vintage quality: The lion’s mane appears shaggier,
the eyes of the leopard glossier. It is as if a trace of wild
photography is lurking behind the portrayal of these wild
animals.
¬ Die Welt der Tiere in Afrika, der Arktis und überhaupt das
Erlebnis der Erde mit ihren unerschöpflichen Reservoiren an
Farben und Formen animierten den gebürtigen Hamburger
Michael Poliza vor einigen Jahren zu legendären
Natur- und Tierbildern aus dem Hubschrauber: Aufnahmen,
die einen völlig ungewohnten und expressiven Blick auf die
Landschaften des schwarzen Kontinents entwarfen und ihre
tierischen Bewohner vielgestaltig zeigten. Die Verwegenheit
seiner Motive stand dabei seinem eigenen Wesen in nichts
nach. Michael Poliza war schon vieles: früher Pionier der
IT-Branche, Multiplex-Kinobesitzer, schließlich Bootsbesitzer, Weltumsegler und seit zehn Jahren leidenschaft-
YSABEL LeMAY | NEW ARTIST
licher Naturfotograf. Eine Auswahl von acht Motiven aus
der Classic Africa Serie zeigt ihn nun auch als ausdrucksstarken Porträtisten von Einzeltieren. Die Schwarz-Weißen
Aufnahmen von Raubkatzen, Giraffen und Elefanten
variieren im Ausschnitt. Gemeinsam ist ihnen ein ganz
leichter und fein ausgewaschener Vintage-Look, der die
Struppigkeit einer Löwenmähne oder den Glanz eines
Leoparden-Augenpaares umso deutlicher hervorhebt. Es ist,
als mischte sich eine Spur fotografischer Wildheit unter die
ausdrucksstarke Wildheit der Tiere selbst.
¬ Le monde des animaux en Afrique, en Arctique et en
général l’expérience de la terre avec son réservoir inépuisable
de couleurs et de formes entrainèrent le Hambourgeois
Michael Poliza à faire, il y a quelques années, des
photos légendaires de nature et d’animaux depuis un hélicoptère. Un choix de huit motifs de la série Classic Africa le
montre maintenant comme un portraitiste talentueux d’animaux. Les photos en noir et blanc de félins, de girafes et
d’éléphants varient dans le détail. Elles ont commun un léger
look vintage délavé et raffiné, qui fait particulièrement ressortir le poile ébouriffé de la crinière du lion ou l’éclat du
regard d’un léopard. C’est comme si une trace de sauvagerie
photographique se mélangeait à la sauvagerie expressive des
animaux elle-même.
“Rise”
No. YLE05: LTD. ED. 100 sign. Ø 120 cm | Ø 47“
No. YLE06: LTD. ED. 150 sign. 54 x 54 cm | 21 x 21“
“Mother´s Pride”
No. MPO95: LTD. ED. 100 sign. 64 x 84 cm | 25 x 33“
46
“Threesome”
No. MPO98: LTD. ED. 100 sign. 64 x 84 cm | 25 x 33“
47
Berenice Abbott | NEW master
¬ When Berenice Abbott returned from Paris to
New York at the end of the 1920s she was amazed at the
remarkable changes taking place in the city, and began to
photograph immediately. Her project “Changing New York”
was to last a number of years. The photographic style Abbott
developed was characterised as much by intuitive vision as
by photographic precision. It vividly depicts the intensity of
the city, almost growing beyond itself, whilst also displaying
her great passion for photography. New York’s harbour with
its many tugboats is as much a part of the project as the
new luxury skyscrapers that emerge from behind the Henry
Street district in Manhattan. Abbott translated the town’s
new energy into a series of imposing images, and in doing so
became a part of the movement herself.
dokumentierte mit großer fotografischer Leidenschaft. Der
New Yorker Hafen mit seinen vielen kleinen Schleppern
gehörte genauso zum Projekt wie die neuen Luxustürme
Manhattans, die sich hinter dem alten Viertel der Henry
Street erhoben. Abbott übersetzte die neue Energie der
Stadt in eindringliche Bilder und war selbst Teil dieser neuen
Energie.
¬ Als Berenice Abbott Ende der 20er aus Paris in
das boomende New York zurückkehrte, staunte sie über den
enormen Wandel in der Stadt und begann sofort zu fotografieren. „Changing New York“ nannte sie das mehrjährige
Mammutprojekt. Sie entwickelte einen gleichermaßen von
intuitiver Sichtweise und fotografischer Präzision geprägten
Bildstil. Die Intensität des schier über sich hinauswachsenden
New Yorks war den Bildern unmittelbar abzulesen. Abbott
¬ Lorsqu’à la fin des années 20, Berenice Abbott
quitta Paris pour retourner dans le New York florissant, elle
fut surprise de l’énorme mutation de la ville et commença
aussitôt à photographier. Poursuit pendant plusieurs années,
elle nomma son grand projet « Changing New York ». Elle
développa un style marqué par une vision intuitive et une
précision photographique. L’intensité du bouillonnement
presque débordant de New York était directement visible
dans ses photos. Abbott documenta avec une grande passion
photographique. Le port newyorkais avec ses milliers de
petits remorqueurs appartient aussi bien à on projet que les
nouvelles tours de luxe de Manhattan qui s’élèvent derrière le
vieux quartier de la Henry-Street. Abbott traduisit la nouvelle
énergie de la ville en images pénétrantes et fut elle-même une
part de cette énergie.
“Pike and Henry Street, Manhattan”
No. BAO01: LTD. ED. 150 archive stamp 49 x 61 cm | 19 x 24“
No. BAO02: OPEN EDITION 24 x 30 cm | 9 x 12“
“Watuppa, from water front, Brooklyn, Manhattan”
48
“Gasoline station, Bronx”
49
annette herdemann | NEW artist
¬ Annette Herdemann creates city portraits with
multiple layers of perspective, blending into a single image
architectural landscapes, famous views, and elements of
daily life loaded with meaning. A white, cloudy, vertical
hatch lends the pictures added intensity. The scenes appear
almost faded, as if they are emerging from the depths of the
city, unseen and with no respect to scale. The viewer can
identify dreamy memories of a distant visit, following an
order that is both intuitive and surprising.
¬ Die junge Bilddesignerin Annette Herdemann
entwirft polyperspektivische Stadtporträts, in denen architektonische Wahrzeichen, signifikante Stadtansichten und
mit Bedeutung aufgeladene Alltagselemente zu einem
dynamisch ausgewogenen Gesamtbild zusammengesetzt
sind. Eine weißlich eingetrübte Vertikalschraffur verleiht
den Bildern zusätzlich Intensität. Die Stadtszenen wirken
wie eingeblendet, als tauchten sie unversehens und bar
jeder Maßstabstreue aus der Bild- beziehungsweise Stadttiefe auf. Man kann in ihnen durchaus traumhafte Erinnerungsspuren eines intensiven Städtebesuchs sehen, die einer
intuitiven und überraschenden Anordnungslogik folgen.
¬ La jeune designer d’image Annette Herdemann
conçoit des portraits de ville aux différentes perspectives
dans lesquels des emblèmes architectoniques, des vues de
ville et des éléments de la vie de tous les jours sont agencés
dans une image dynamique et équilibrée. Une hachure
verticale blanchâtre et troublante ajoute aux images une
intensité supplémentaire. Les scènes de ville, dénuées de
toute fidélité aux proportions, paraissent en incrustation
comme si elles sortaient à l’improviste de l’image ou,
en d’autres termes, de la profondeur de la ville. On peut
facilement voir en elles les traces de souvenir d’une visite
de villes intensive qui suivent une logique d’agencement
intuitive et surprenante.
“NY01”
No. AHR01: LTD. ED. 100 sign. 100 x 150 cm | 39 x 59“
No. aHR02: LTD. ED. 200 sign. 50 x 75 cm | 20 x 30“
50
51
andreas kock | new workS
¬ Andreas Kock is an iconoclast in the mould of
Helmut Newton. The Swedish fashion photographer,
known for his extraordinary fashion shoots, looks to the
ideas and images of art and film history for his inspiration.
His new photo series is called Little Miss Newton. It is
hard to picture a more fitting tribute to the founder of the
fashion-nude genre
¬ Wie Helmut Newton ist auch Andreas Kock ein
Bilderstürmer, allerdings im Sinne einer zweiten oder
nachfolgenden Generation. Der schwedische FashionFotograf ist bekannt für seine inszenatorischen und
ungewöhnlichen Modestrecken, in denen er bewusst
auf filmische und kunstgeschichtliche Vorbilder zurück-
peter derganc | new artist
greift. Little Miss Newton lautet der Titel seiner neuen
Bilderserie. Offener und zugleich respektvoller kann man
dem Erfinder des Fashion-Nudes seine Reverenz kaum
erweisen.
¬ Comme Helmut Newton, Andreas Kock est un
iconoclaste, à comprendre ici dans le sens d’une deuxième
génération. Le photographe de mode est connu pour
ses shooting photo mis en scène et inhabituels, dans
lesquels il utilise consciemment des modèles de filme et
de l’histoire de l’art. Little Miss Newton est le titre de sa
nouvelle série. Il ne pourrait pas montrer sa référence de
façon plus ouverte et en même temps plein de respect
envers le créateur des Fashion-Nudes.
“Little miss Newton”
No. ako15: LTD. ED. 100 sign. 80 x 120 cm | 32 X 47“ | No. ako16: LTD. ED. 150 sign. 40 x 60 cm | 16 x 24“
52
“Kirchberg”
No. P D E07: LTD. ED. 100 sign. Ø 120 cm | Ø 47“
“Stuhlfelden”
¬ It was the famous French photographer Félix Nadar
who first climbed into a hot air balloon to photograph
the earth from above. Over 150 years later, the Austrian
Peter Derganc is following in his artistic footsteps.
Advanced technology allows him to take a panoramic ball
of pictures from the basket of a balloon as it flies through
the air. What we see is Austria as a small planet, surrounded
by a light blue strip of atmosphere. Whether Zell am See,
Kaprun, or the Glemmat, Derganc’s photographs give us
glimpses of a balloon’s perspective of the universe.
Zell am See, Kaprun oder das Glemmtal, bei jedem dieser
virtuellen Planeten steht weniger zur Debatte, was auf der
sonnenabgewandten Seite liegt, als der Traum von einem
gemeinsamen und dennoch für sich stehenden Ballonuniversum.
¬ Es war Nadar, der berühmte französische Fotograf,
der vor über 150 Jahren als Erster einen Heißluftballon
bestieg, um die Erde aus der Luft zu fotografieren. Der
Österreicher Peter Derganc tut es ihm kunstvoll
nach. Fortgeschrittene technische Mittel erlauben es ihm,
den Blick aus dem Lüfte befahrenden Bastkorb in ein
fotografisches Kugelpanorama zu verwandeln. Mit einem
Mal erblicken wir österreichische Kleinstplaneten, die von
einer hellblauen Atmosphärenkorona umgeben sind. Ob
¬ Ce fut Nadar, le célèbre photographe français, qui, il y a
plus de 150 ans, monta le premier dans une montgolfière
pour photographier la terre depuis les airs. L’autrichien
Peter Derganc en a fait autant avec beaucoup de
raffinement. Les nouveaux progrès techniques lui permettent de transformer le regard, depuis son panier transporté dans les airs, en un panorama sphérique photographique. Au premier regard, on peut voir des petites planètes
autrichiennes entourées d’une couronne atmosphérique
bleue claire. Qu’il s’agisse de Zell sur Mer, Kaprun ou de
Glemmtal parmi ces planètes virtuelles ou de savoir ce qui
repose à côté de ces soleils, n’est pas aussi important que
le rêve d’un univers circulaire qui, quoique commun, tient
debout seul sur lui-même.
53
hu man footprint
NEW collection
¬ Human Footprint are over-sized traces of
human existence that can be identified from high up
above. They are more than simply clumsy footprints in
the sand of the Earth, however: They may be entire cities,
artificial islands, enormous airports, the perfect form of
motorways, or the starry structure of a street network.
From 500km up in the air, Los Angeles becomes a box
of chocolates in a ribbon of motorways. Weston in South
Florida becomes a hedge sculpture from a Renaissance
garden. Paris becomes a printing plate for finely chiselled
snow crystals. They are landscapes of another type,
one that can cause both surprise and reflection.
¬ Human Footprint nennt man jene überdimensionalen, besonders gut aus der Höhe zu erkennenden
menschlichen Spuren, die mehr als nur tapsige Fußabdrücke
im Sand der Erde sind: ganze Städte und künstliche Inseln,
riesige Flughäfen sowie formschöne Autobahnmäander
oder sternförmige Straßennetze. Aus 500 km Höhe aufgenommen, verwandelt sich Los Angeles in eine Pralinenschachtel mit Zierband aus Autobahnen. Weston im Süden
Floridas wird zu einem Heckenornament im Renaissancegarten. Paris zu einer Druckplatte fein ziselierter Schneekristallbilder. Es ist eine andere Art von Landart, die nicht
selten überrascht und zugleich nachdenklich stimmt.
© eoVision - Original Data: © DigitalGlobe, distributed by e-GEOS
¬ On nomme Human Footprint chaque trace
humaine surdimensionnée, particulièrement reconnaissable
en hauteur qui soit plus qu’une simple empreinte de pied
maladroite dans le sable : des villes entières et des îles artificielles, des aéroports énormes aussi bien que des méandres
d’autoroute ou des réseaux de rues étoilés. Prise à 500 km
de hauteur, Los Angeles se transforme en une boîte de
chocolat avec un ruban d’autoroutes. Weston, dans le sud
de la Floride, se métamorphose en une haie ornementale
dans un jardin de la Renaissance, et Paris en plaque
d’impression aux cristaux de neige finement ciselés. C’est
une autre forme de Landart qui surprend le plus souvent et
en même temps laisse songeur.
“Weston” (detail)
No. HFO31: LTD. ED. 100 stamped 100 x 168 cm | 39 x 66“
No. HFO32: LTD. ED. 150 stamped 50 x 85 cm | 20 x 33“
54
55
Marvel Classics | NEW collection
TM & © 2012 MARVEL & SUBS
horst & daniel zielske | NEW works
“Brooklyn Bridge I”
No. hdz59: LTD. ED. 100 sign. 120 x 186 cm | 47 X 73“
No. hdz60: LTD. ED. 150 sign. 60 x 93 cm | 24 x 37“
“Death without warning!”
No. MC L10: OPEN EDITION STAMPED 135 x 95 cm | 53 X 37“
No. MC L11: OPEN EDITION STAMPED 90 x 63 cm | 35 x 25“
No. MC L12: OPEN EDITION STAMPED 39 x 28 cm | 15 x 11“
Objects by moroso
56
57
rafael neff | NEW workS
¬ You do not have to be a wine connoisseur to appreciate
the care and quality that goes into tending the vines of
Lafite-Rothschild. Similarly, anyone can appreciate the
beauty of Rafael Neff’s latest images. Symmetrical and
light, his pictures are more than just easy on the eye. The
more the gaze of the viewer penetrates the vaulted cellar
of the Chateau Pichon Longueville Comtesse de Lalande,
the more graceful and overwhelming the oak barrels in
the hallowed halls of vintage maturation appear. Viewing
these wines is pleasure indeed. As our attention lingers, the
barrels come into the picture more and more, gaining in
both colour and shape.
¬ Man muss kein Weinkenner sein, um die Sorgfalt und
Güte, die ein berühmtes Weingut wie das von Lafite-Rothschild seinen Reben angedeihen lässt, in Rafael Neffs
neuen Bildern wieder zu erkennen. Der Genuss für die
Augen besteht in mehr als einer Portion Symmetrie und
einem feinen Hauch Licht. Je weiter der Blick in den Gewölbekeller des Weinguts Chateau Pichon Longueville
Comtesse de Lalande in Bordeaux in Frankreich vordringt,
desto anmutiger und überwältigender erscheinen die gefärbten Eichenfässer in den heiligen Hallen der kunstvollen Jahrgangsreifung. Einem genussvollen Betrachten stehen
diese Weine in nichts nach. Mehr und mehr entfalten sie sich
im Bild und legen an Farbe und Körper zu.
¬ On n’a pas besoin d’être un connaisseur de vin pour
reconnaître dans les nouvelles photos de Rafael Neff le
soin et l’amour qu’apporte le domaine mondialement connu
qu’est celui du Lafite-Rothschild à leur vigne. Le plaisir
pour les yeux repose dans plus d’une portion de symétrie
et un léger souffle de lumière. Plus le regard s’enfonce dans
la cave voûtée du domaine Pichon Longueville Comtesse
de Lalande, plus les fûts de chêne colorés semblent légers et
hallucinants dans ces halles sacrées de la savante maturation
des cuvées. Ces vins n’en jouent pas moins dans le plaisir de
la contemplation. Peu à peu, ils murissent dans l’image et
redoublent de couleurs et de corps.
“Chateau Pichon Longueville Comtesse de Lalande,
Bordeaux, France”
No. RNE208: LTD. ED. 100 sign. 120 x 173 cm | 47 x 68“
58
59
HENgKI KOentjoro | NEW ARTIST
Yasu nari Ikenaga | NEW ARTIST
¬ Sometimes beauty is even more profound when the
possessor is unaware they are being observed. This
moment of beauty is so fragile, however, that the slightest
movement can destroy it. This is true of the traditional
Nihonga painting technique (“Japanese-style paintings” in
English). In his works, which draw from this traditional
form of art, the Japanese artist Yasunari Ikenaga
combines beauty and dreams, tradition and modernity.
His wonderful subjects lie oblivious on flowing silk scarves
adorned with flower patterns. Unlike with the traditional
technique, Ikenaga does not paint on paper or silk, but
on canvas. Like the old masters, however, he uses classic
mineral pigments, giving his images a uniquely warm tone.
“Dawning Borobudur”
No. h kn01: LTD. ED. 100 sign. 64 x 64 cm | 25 X 25“
No. h kn02: LTD. ED. 100 sign. 34 x 34 cm | 13 X 13“
Objects by CLASSICON
60
¬ Manchmal tritt Schönheit umso deutlicher hervor, wenn
sich ihre Träger unbeobachtet fühlen. Der Augenblick dieser
Schönheit ist dabei so fragil, dass die kleinste Bewegung
alles zerstören kann. Dies gilt auch für die Maltechnik
der traditionellen Nihonga-Malerei – zu Deutsch: japanisches Bild. In seinen an diese traditionelle Kunstform
angelehnten Werken verbindet der japanische Künstler
Yasunari Ikenaga Schönheit und Traum, Tradition
und Moderne. Seine wunderschönen Motive liegen gedankenverloren auf fließenden Seidentüchern voll blütenreicher
Ornamente. Anders als in der Tradition malt Ikenaga
nicht auf Papier oder Seide, sondern auf Leinwand. Doch
verwendet er – wie die alten Meister – klassische Mineralpigmente, die seinen Bildern eine unverwechselbare warme
Tönung verleihen.
¬ Parfois la beauté ressort de manière plus claire lorsque
ceux qui la portent ne se sentent pas observer. L’instant de
cette beauté est à ce moment-là si fragile que le moindre
mouvement peut tout détruire. Ceci vaut aussi pour la
technique de la peinture traditionnelle Nihonga – en français :
image japonaise. Dans son œuvre, qui s’inspire de cette forme
d’art traditionnel, l’artiste japonais Yasunari Ikenaga
relie la beauté et le rêve, la tradition et la modernité. Ses
merveilleux motifs reposent dans des pensées perdues
sur un tissu de soie fluide décoré d’ornements floraux.
Contrairement à la tradition, Ikenaga ne peint pas sur papier
ou sur soie, mais sur toile. Cependant il utilise – comme
les vieux maîtres – les pigments minéraux classiques qui
confient à ses toiles une tonalité incomparablement chaude.
“The 50th full moon, Mai”
No. IYA03: LTD. ED. 100 sign. 100 x 50 cm | 39 x 20“
No. IYA04: LTD. ED. 100 sign. 65 x 32 cm | 26 x 13“
61
bestseller
1
7
4. michel comte
“sharon stone”
No. MCO07: LTD. ED. 150 STUDIO STAMP 80 x 100 cm | 32 x 39“
6
62
2
3
4
5
5. WOLFGANG UHLIG
“sea #8”
No. WUH15: LTD. ED. 100 sign. 123.2 x 178 cm | 49 x 70“
1. beatrice hug
“Mer Lumière”
No. bhu25: LTD. ED. 100 sign. 60 x 180 cm | 24 x 71“
6. kevin best
“Still life with cascading lemon”
No. KBE03: LTD. ED. 100 sign. 90 x 72 cm | 35 x 28“
2. OLAF HAJEK
“Big Tree”
No. OHA16: LTD. ED. 100 sign. 54 x 62 cm | 21 x 24“
7. Alexander Von Reiswitz
“Bao-Bao”
No. ARE03: LTD. ED. 100 signed 60 x 60 cm | 24 x 24“
3. GERO GRIES
“AlfaRalfa”
No. GGR20: LTD. ED. 100 sign. 80 x 120 cm | 32 x 47“
8. farin urlaub
“Benten-do (Daigo-ji)”
No. JVE05: LTD. ED. 100 sign. 55 x 171 cm | 22 x 67“
8
63
LAST Prints
6
5
8
1. erin cone
“countenance”
No. eco10: LTD. ED. 100 signed 100 x 74 cm | 39 x 29“
2
1
7
2. David burdeny
“Starboard View from the KLickitytat, WA, USA”
No. dbu19: LTD. ED. 100 sign. 125 x 125 cm | 49 x 49“
3. MATTHEW CUSICK
“kara´s wave”
No. MCU02: LTD. ED. 100 sign. 50 x 75 cm | 20 x 30“
2
4. ROBERT LEBECK
“Joseph Beuys, Schottland 1974”
No. RLE25: LTD. ED. 100 sign. 34 x 49 cm | 13 x 19“
5. PENELOPE DAVIS
“Assemblage”
No. PDA22: LTD. ED. 100 sign. 40 x 184 cm | 16 x 72“
3
6. JOERG MAXZIN
“Travelling I”
No. JMA66: LTD. ED. 100 sign. 45 x 180 cm | 18 x 71“
4
7. CHRISTOPHER PILLITZ
“The Spirit of Tango III, Buenos Aires”
No. CPI19: LTD. ED. 100 sign. 80 x 123 cm | 32 x 48“
8. HOLGER LIPPMANN
“Tree I”
No. HLI21: LTD. ED. 50 sign. 95 x 180 cm | 37 x 71“
5
64
9
9. thomas eigel
“hlxu 5215512”
No. tei50: LTD. ED. 100 sign. 60 x 56.2 cm | 24 x 22“
65
modern MOUNTING by whitewall
LUMAS trusts in the high quality of
In addition to LUMAS, 68,000 photography
connoisseurs and 3,500 professionals trust the
gallery-quality of WhiteWall.
Discover WhiteWall online at WhiteWall.com
WhiteWall – the Lab of the artists
LUMAS editions are printed at WhiteWall’s professional
photo lab on Fujicolor’s Fujifilm Crystal Archive Digital
Paper Type DP II (guaranteed for 75 years) with a Lambda
exposure system and then developed using traditional
photochemical processes. The works are custom framed
or mounted: mountings at WhiteWall are finished by hand
to assure museum quality. This form’s edgeless simplicity
suits any environment, and thanks to the mounting system,
images seem to float only centimeters from the wall. Our
solid wood frames are custom made for every piece – down
to the exact centimeter – in the WhiteWall workshop.
LUMAS Editionen werden im Fachlabor WhiteWall mit
einem Lambda-Belichter auf das beste Galerie-Papier von
Fujicolor, das Fujifilm Crystal Archive Digital Paper Type DP
II (75 Jahre haltbar), belichtet und traditionell fotochemisch
entwickelt. Die Werke werden sodann auf Wunsch gerahmt
oder kaschiert: Kaschierungen werden bei WhiteWall in
66
Handarbeit auf Museumsniveau gefertigt. In ihrer randlosen
Schlichtheit fügen sie sich perfekt in jedes Umfeld ein. Durch
die Aufhänger scheinen sie wenige Zentimeter vor der Wand
anmutig zu schweben.
LUMABOND
LUMAsec
Mounting on aluminum plate under UV protective foil
Mounting on aluminum plate under acrylic glass
Kaschierung auf Aluminium-Platte unter UV-Schutzfolie
Kaschierung auf Aluminium-Platte unter Acrylglas mit
dauerelastischem Silikon
Montée sur une plaque d’aluminium et recouverte d’un
voile protecteur UV
Montée sur une plaque d’aluminium et recouverte de
verre acrylique
Dans le laboratoire professionnel WhiteWall, les éditions
LUMAS sont tirées sur le meilleur papier de Fujicolor, le
Fujifilm Crystal Archive Digital Paper Type DP II (dont la
durée de vie est de 75 ans). Le papier est exposé et traditionnellement développé chimiquement. Les œuvres sont
ensuite encadrées ou contrecollées au choix : les contrecollages sont réalisés artisanalement par WhiteWall, pour une
qualité digne des plus grands musées. Ce style épuré sans
rebord s’intègre parfaitement dans chaque environnement.
Par le biais du système d’accrochage, les œuvres sont à
quelques centimètres du mur et semblent ainsi planer sur
celui-ci. Le laboratoire WhiteWall confectionne sur mesure
pour chacune des œuvres un cadre en bois massif.
67
finest framing by WhiteWall
Our frames are made of solid German and Canadian wood
or of aluminum. All frames are constructed down to the
exact millimeter in our workshop, then professionally
assembled in a dust-free environment.
Unsere Rahmen werden aus deutschem und kanadischem
Massivholz oder aus Aluminium gefertigt. Alle Rahmen
werden in unseren Werkstätten auf den Millimeter genau
für das von Ihnen gewählte Kunstwerk gefertigt, gefolgt
von der fachmännischen und staubfreien Einrahmung.
Nos cadres sont en bois massif canadien et allemand ou bien
en aluminium. Tous nos cadres sont préparés dans nos ateliers,
sur mesure, au millimètre près et en fonction de l’œuvre que
vous avez choisie. L’encadrement est assuré par des spécialistes et garanti sans poussière.
© Cordula Lebeck
“I searched for a professional laboratory for my
work for a long time until I discovered WhiteWall:
here, everything feels right.”
Passe-partout frame
Shadow gap frame
Solid wood frame, 21 mm width (aluminum, 13 mm). Passepartout: museum-quality Hahnemühle matting paper; offwhite, pH-neutral, PAT-tested, extremely light-resistant,
beveled inner edge.
The photograph is mounted on a 3 mm mounting board under UV-protective film, then placed in a 14 mm-wide solid
wood frame with an additional 7 mm shadow gap between
frame and image.
Rahmen Massivholz, 21 mm breites Profil (Aluminium 13
mm). Passepartout: Museumskarton von Hahnemühle, altweiß, pH-neutral, da PAT-getestet, extrem lichtbeständig,
mit Schrägschnitt an das Motiv angesetzt.
Die Fotografie ist auf eine 3 mm starke Trägerplatte und unter einer UV-Schutzfolie kaschiert. Dann wird sie mit einer
sichtbaren, 7 mm breiten Schattenfuge in einen 14 mm breiten
Massivholzrahmen eingesetzt.
Cadre en bois massif, 21 mm de profondeur (cadre aluminium : 13 mm). Passe-partout: carton qualité muséale de la
société Hahnemühle, blanc cassé, pH-neutre, extrême résistance à la lumière, coupe biseautée.
La photographie est contrecollée sur une plaque rigide de 3
mm et protégée par un film anti-UV. Elle est ensuite intégrée
dans un cadre de bois massif construit sur mesure. La bordure
du cadre mesure 14 mm. L’espace ajouré entre la bordure du
cadre et la photographie mesure 7 mm.
Sabine Wild
on page 28
“Here, I can produce all of my work in
flawlessly precise museum-quality – that is what
convinced me.”
Robert Lebeck
on page 64
Our photo lab partner: WhiteWall.com
68
69
ABOUT LUMAS EDITIONS
LUMAS was established in 2004 by art collectors in Berlin. Today
in 14 galleries around the world, as well as on the website www.
lumas.info, LUMAS offers hand-signed original artwork by over
160 international artists, primarily in editions of 75 to 150. These
limited editions are higher in number than those of traditional
galleries, which enables LUMAS to offer more affordable prices
ranging from $170 to $1100. LUMAS editions are traditional
photo prints on Fujifilm Crystal Archive Digital Paper Type DP II
with a 75-year guarantee. WhiteWall, the renowned professional
photo lab for fine art photography,
exclusively produces all LUMAS
editions and provides mounting
or framing according to the artists’
wishes. The five- and six-figure
works sold by traditional galleries
often see the largest increases in
value on the art market; however, as
a number of specialized auctions have shown, larger editions such
as those sold at LUMAS hold great potential as well – especially
considering the original relatively small investment. LUMAS
is dedicated to its limited edition policy: once a motif has sold
out, no amount of demand will reopen the edition. Sometimes
a work’s value may increase only slightly, but sometimes five or
ten fold. The best advice remains to purchase a piece of art not
as a calculated investment but rather for the joy and love of the
work itself.
LUMAS wurde im Jahr 2004 von Kunstsammlern in Berlin
gegründet. In heute 14 Galerien weltweit und auf der Website
www.lumas.info bietet LUMAS in Zusammenarbeit mit mittlerweile über 160 internationalen Künstlern handsignierte Originalarbeiten von meist 75 bis 150 Exemplaren. Diese streng limitierten
Auflagen sind höher als die Auflagen der klassischen Galerien und
ermöglichen so im Gegenzug günstigere Preise – meist zwischen
€120 und €800. LUMAS Editionen sind klassische Fotoabzüge
auf Fujifilm Crystal Archive Digital Paper Type DP II, das 75
Jahre haltbar ist. WhiteWall, das
renommierte Fachlabor für künstlerische Fotografie, fertigt exklusiv
alle LUMAS Editionen an und
kaschiert oder rahmt sie nach den
Vorgaben der Künstler. Die größte
Wertsteigerung am Kunstmarkt
versprechen Spitzenangebote von
Galerien mit fünf- oder sechsstelligen Kaufpreisen. Aber auch
Editionen mit höheren Auflagen haben, wie hierauf spezialisierte
Auktionen zeigen, überraschendes Potenzial – gerade gemessen
am geringen „Einsatz“. Einmal ausverkauft, steht der regen
Nachfrage kein Angebot gegenüber. Der Preis steigt manchmal
nur geringfügig, zuweilen aber auch um das Fünf- bis Zehnfache.
Am besten ist aber derjenige beraten, der ein Kunstwerk auch
ohne diese Überlegung besitzen möchte: aus Freude und Liebe
zum Werk.
“To collect photographs
is to collect the world.”
Susan Sontag
En 2004, LUMAS a été fondé par des collectionneurs d’art
à Berlin. Avec 14 galeries dans le monde entier et son site
internet www.lumas.info, LUMAS offre aujourd’hui, en coopération avec plus de 160 artistes internationaux, des travaux
originaux et signés avec un nombre de tirages limités entre 75
et 150 exemplaires. Ces éditions restreintes dépassent, par leur
nombre, les éditions des galeries classiques. Par conséquent,
elles sont moins chères et coûtent en moyenne entre €120 et
€800. Les éditions LUMAS sont des reproductions classiques
sur papier photographique Fujifilm crystal Archive Digital Paper
Type DP II dont la durée de vie est de plus de 75 ans. Toutes
les éditions LUMAS sont produites par WhiteWall, labora-
toire technique renommé pour la photographie artistique. Les
experts de WhiteWall font aussi la finition et encadrent les
éditions selon la volonté des artistes. Sur le marché de l’art,
ce sont les propositions des galeries à un prix d’achat qui
comportent cinq ou six chiffres qui promettent la plus grande
augmentation de valeur. Comme le montrent les ventes aux
enchères spécialisées, les éditions à un plus grand nombre
d’exemplaires ont, elles aussi, un potentiel surprenant, mesuré
par rapport au prix d’achat. Une fois que tous les tirages ont
été vendus, aucune production supplémentaire n’est possible.
Parfois, le prix augmente peu, parfois, il est multiplié par cinq
et même par dix. Celui qui ne veut posséder une œuvre d’art
qu’à cause de son enthousiasme pour le travail particulier et
sans arrière-pensée financière, se retrouve, après tout, dans la
meilleure position.
70
Artist
Page
Artist
Page
Abbott, B.48 – 49
Koentjoro, H.
60
Best, K.63
Lebeck, R.
64, 69
BMW Edition38 - 40
LeMay, Y.
47
Brandenburg, M.36
Lessing, E.
12 - 13
Burdeny, D.
64
Lippmann, H.
65
Busch, D. 34
Major, A.
6-7
Comte, M.
62
Marvel Classics
57
Cone, E.
64
Mathis, P.
31
Cusick, M.
64
Maxzin, J.
65
Derganc, P.
53
McDermott, J.
42
Eigel, T.
65
Neff, R.
58 - 59
Esch, H. G.
41
Pawlok, W.
16 - 17
Falliers, D.
19
Pillitz, C.
65
Feininger, A.
20
Poliza, M.
46
Feuss, A.
43
Rauch, S.
8-9
Föllmi, O.
37
Stangl, R.
44 - 45
Gries, G.
62
Steichen, E. 21
Gudnason, T.
11
Stuht, K.
32 - 33
Hajek, O.
62
Uhlig, W.
62
Haley, S.
22 - 23
Urlaub, F.
63
Halm Schudel, A.
35
Ventosa, P.
27
Heiderich, M.
18
Preussen, S. von
10
Heinze, G. (Cover) 26 Reiswitz, A. von
63
Herdemann, A.
Wild, S.
28 - 29
Hiepler & Brunier 2
Young Byun, S.
30
Hug, B.
Yust, L.
24 - 25
Zielske, H. & D.
56
50 - 51
62
Human Footprints 54 - 55
Ikenaga, Y.
61
Jacrot, C.
4-5
Author:
Kock, A.
52
Stephan Reisner
71
LUMAS GALleries
Created by art collectors, brought to life by 160 renowned artists
and promising talents from major academies, LUMAS is passionate
about offering you original, inspiring art in affordable editions.
General gallery hours:
Monday-Friday 11 am-7 pm,
Saturday 10 am-7 pm, Sunday 1-6 pm
212-219 9497
LUMAS Paris
40, rue de Seine, 6e
01-43 29 10 29
LUMAS Paris 24, rue Saint Martin, 4e
01-76 31 00 90
LUMAS Wien Praterstraße 1 – stilwerk
01-907 26 74
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