juillet 2009 - Guts Of Darkness

Transcription

Guts Of Darkness
Le webzine des musiques sombres et expérimentales : rock, jazz,
progressif, metal, electro, hardcore...
juillet 2009
Vous pouvez retrouvez nos chroniques et nos articles sur www.gutsofdarkness.com
© 2000 - 2009
Un sommaire de ce document est disponible à la fin.
Page 2/107
Les chroniques
Page 3/107
ASKEW (Ed) : Ask The Unicorn
Chronique réalisée par Dioneo
Te doutais-tu, Dylan ? Savais-tu, Zimmerman ? Quelle brèche tu allais tailler ? Quelles traces de toi les jours
allaient charrier ? Tout ce que tu rendais possible ? En plantant là, où elle sortait, ta voix de sinus obturés ? En
remontant du flot ta poésie de gorge ouverte ? … Avec son air de Brautigan mal luné (pléonasme ?), Ed Askew
a tout du barde beat égaré dans l’ère du Verseau. De l’Anormale Évidence qui grippe, imperceptible, le
centrifuge des neuves routines. Du Singulier qui s’enkyste, à l’interstice d’une époque, répandant à ses chairs
les sécrétions du frottement. Irritant, irrité, sans répit. Libéré par fragments, flottants au gré des fluides, des
nuits et de l’histoire qui l’avaient précédé. Qu’on l’écoute aujourd’hui, la question n’est plus la même. Ce qu’il
doit à l’acide, aux fleurs de saison, à ce que voulait autours de lui cette jeunesse aux cheveux long… Toutes
ces contingences passent au second plan. C’est ailleurs qu’il presse l’énigme. Des doigts, aux fibres de l’acier
d’un curieux instrument, ramassé au hasard d’un folklore trouvé. Recréé, approprié aux buts seuls, aux cibles
de ses flèches. En Colombie, pour la géographie. Une mandole épuisante, aux cordes triples et dures, au jeu
astreignant, exigeant. Et ce choix difficile pousse sa voix, l’oblige à l’arracher. À jeter comme les pierres la
douceur de ses mots. À lancer comme un appel ses choses qu’alors encore il fallait taire. Alors que l’Amour
Libre -tel on le prétendait- devenait prétexte, excuse à consommer la chair. Mais la chair exogène. Le goût des
hommes, de leurs corps indéniables. La nature délicate et forte, insoucieuse des festivals (ô Feuilles d’Herbe,
autre poème…). La douleur, le sourire des matins bleuis au sortir des nuits sans repos. Quand il reste à veiller
le temps d’un jour entier. Dans ces périodes classiques, parfois presque médiévales, ces morts et
renaissances, petites ou capitales, taillées en rocs alexandrins ou ciselés en vers impairs, vibrent un souffle
puisé loin. En amont, en tréfonds. Sans résignation pousse un territoire. Terre libre et sans merci, aride
peut-être, où toute source prend son sens, où le moindre filet porte le sel d’un vie compacte ou bien défaite,
serrée autours de ses manques, articulée aux méandres des nœuds. Il y a dans ce folk isolé toute la force et les
brisures de cette musique qui n’est pas un genre mais un mode, un cheminement, une exacte distance. Y
foisonne l’individu, l’histoire de l’instant qui toujours est rhizome. La conscience de l’être qui chante : d’être
d’un lieu et d’un moment, au cœur, aux marges, aux zones franches d’un monde. L’horreur tranquille ou affolée
des liens qui l’ancrent à ce décor. La joie d’être malgré. Ce qui se passe ici ne sera jamais d’aucun musée. C’est
un plaisir de contrebande, un courant sous-terrain. On s’y jette avec plaisir ou bien l’on s’en détourne, agacé,
rebuté par ces vagues aux reflets incernables. Ce qu’y s’y ouvre est à jamais Question. Inachevé, unique. Le
défaut dans l’armure des anthologies, par où s’instille et suinte l’oxygène et le non-pareil… Savais-tu,
Déclameur sans pairs, qu’en d’autres sentiers cheminaient d’autres frères, porteur de doutes et de sentences ?
Qui nous dira, aux vallées et aux pics, s’ils franchirent comme toi vapeurs et nuées ? Qui entendra, encore, ce
qu'ils en ramenèrent ?
Note : 5/6
Page 4/107
PROIEKT HAT / BRIGHTER DEATH NOW : Feel / Bad
Chronique réalisée par Wotzenknecht
Rendons grâce à l'enfant-roi de la pop décédé la semaine dernière en faisant tourner le plus bruyant - à défaut
d'être le plus brillant - hommage qu'on ait pu lui rendre dans sa carrière. Servi dans un packaging du meilleur
goût (le KKK sur la pochette, une fillette noire serrant son père mutilé au verso), deux variantes de chansons
particulièrement idiomatiques : “Can you feel it ?” ramolli et passé dans du goudron puis sous un
rouleau-compresseur dans la version no-fi death industrielle de Proiekt Hat et le plus tubesque “Bad” chanté
par Roger Karmanik et son Brighter Death Now qui fait ici presque penser à ZymOsiZ tant il est punchy et
musclé avec une voix très enjouée (les paroles vont particulièrement bien à Roger, peut-être même mieux qu'à
Michael) - “Beause I'm bad, I'm bad, you know it ! You know I'm bad, I'm bad, you know it ! I'm bad, I'm bad, I'm
really really baaaad” tellement funk qu'il a tendance à un peu écraser son compère de l'autre face, toujours plus
implicite. Ca grince de partout, et ça se rechante même sous la douche.
Note : 3/6
Page 5/107
QUINOLINE YELLOW : Cyriack Parasol
“Skam est le label dont les sorties sont achetées par des geeks ultimes pour une somme ridicule qui les
rangent dans un coin sans jamais les écouter puis les revendent lorsqu'ils ont besoin d'argent pour s'acheter
de nouveaux composants informatiques.” Voilà une description plutôt bien sentie du label qu'on peut trouver
au détour d'internet et qui résume son paradoxe : des sorties de qualité très différentes mais souvent pressées
en petites quantités avec des visuels de toute beauté et dont l'aspect nerd explose celui de Warp à qui il ne fera
pourtant jamais d'ombre vu les considérations élitistes et les différences dans l'étendue de leurs distributions
respectives. Ecrasés sous le poids de Gescom, Bola et Boards of Canada, certains petits noms parviennent
tout de même à se faire entendre comme ce Quinoline Yellow qui ravira tout fan d'electronica à séquences
malmenées, à mélodies affables et à déstructuration rythmique quasi-compulsive. On pense volontiers à
Autechre période 'Chiastic Slide' pour ces beats granuleux, presque rocheux, se promenant sur des nappes qui
rappellent quant à elles les Boards ou une forme d'IDM soft comme on peut en apprécier dans l'écurie Boltfish
mais avec un travail beaucoup plus avancée au niveau composi... programmation. Le genre de disque bloqué à
4/6 car bourré de qualités mais manquant d'un au-delà ; et l'album 'Dol-Goy Assist' qui s'en suivra est tout à fait
dans le même acabit, même si cela ne me dispense pas de lui consacrer une chronique distincte. Quant à
vouloir justifier la présence d'un mouchoir dans le packaging ou du pavé sur la toxicologie au verso, je passe
mon tour.
Note : 4/6
Page 6/107
QUINOLINE YELLOW : Dol-Goy Assist
J'aurai peine à dire quelque chose de plus que ce que j'ai déjà dit sur la chronique de 'Cyriack Parasol' :
Quinoline Yellow tape dans l'intelligent dance music faite par des geeks et pour des geeks (jusqu'aux titres),
peut-être avec ici des algorithmes séquentiels encore plus prononcés ; on retrouve l'imitation du vivant comme
chez Autechre mais avec des sonorités moins originales ou abstraites qui ramènent en tête les travaux de
Darrell Fitton (Bola) ou certains µ-ziq, encore que Mike Paradinas ait trouvé une sacrée voie de traverse ces
derniers temps pour sortir du moule (cf le torve et insidieux 'Duntisbourne abbots...'). On se laisse glisser avec
régal le long des notes étalées et négligemment posées les unes sur les autres tandis que les structures
métalliques ou croustillantes se font et se défont sans heurts ni relâchement tout autour de nos oreilles. 'If
Iwastickledbytheruboflove' est le seul titre purement ambient de l'opus et apporte une petite touche nécessaire
pour éviter une trop grosse redite sur la seconde partie. A noter que l'objet est de toute beauté et inclut un livret
rempli de photos de détails de voitures, à la frontière de l'abstraction, rappelant le travail de Stefan Alt mélangé
à la patte inimitable des Designer's Republic. Un visuel de circonstance pour une musique léchée et sur le fil
entre émotion et abstraction, complexité et facilité, calcul froid et feeling finalement tout humain.
Note : 4/6
Page 7/107
GATE TO GATE : I Turn Black Keys
Une heure et vingt minutes empêtré dans du goudron à l'image de cette pochette qui fond, voilà en substance
ce que propose Gate to Gate, le projet sludge-noise de Greh Holger (Hive Mind) et Connelly (pas Jennifer la
bonnasse ; juste Mike de Wolf Eyes). 'I Turn Black Keys' se compose d'un inédit d'une quarantaine de minutes
puis de deux rééditions de K7 limitées ce qui donne trois parties plutôt distinctes mais à la qualité constante.
D'une, l'affreux bain noir et gluant du titre éponyme, véritable océan de tourbe sonique dégueulasse refusant
toute déflagration propre à la harsh noise. On est juste noyé dans des grumaux sonores qui finissent par se
décoller sur la fin comme une machinerie de torture prisonnière d'un tarmac encore tiède mais tentant malgré
tout de nous charcuter. C'est sale, graisseux et totalement inesthétique. L'autre versant du projet est plus black
noise (mais si, la noise satanique de goret comme le font Allegory Chapel Ltd et quelques autres malades en
manque de sensations fortes) avec le doublé 'Bane' plus riche en défouraille analogiques que l'on retrouverait
chez KK.Null ou Menche lorsqu'ils collaborent avec des noiseux moins raffinés. Plus étrange, le premier
chapitre de 'House with the Clocks...' qui avec son aspect décousu et ses chouinements rappelle Stalaggh
tandis que la partie II, très violente, clôt le tout sur de la harsh noise bourrée d'effets électroniques
psychédéliques à la Astro. Un disque copieux, bourrin et très évocateur pour toutes les bonnes occasions.
Note : 4/6
Page 8/107
MILLER (Harry) : Children at Play
Chronique réalisée par Hellman
Le contrebassiste Harry Miller fait partie de cette génération d'artistes sudafricains venus chercher refuge et
gloire au Royaume-Uni à la fin des années soixante. Parmi les plus connus, nous citerons les claviéristes
Manfred Mann et Chris McGregor avec lesquels, par ailleurs, il s'est produit à de nombreuses reprises. Mais le
background free du personnage lui a rapidement permis d'entrer en connexion avec la scène d'avant garde
britannique, cotoyant au plus près des artistes réputés tels que John Surman, Keith Tippett ou Mike Westbrook.
Fervent partisan d'une vision farouchement indépendante, il est aussi le fondateur du trop rare label Ogun qui,
très logiquement, publiera certains disques signés Brotherhood of Breath, Ovary Lodge ou du doux dingue Lol
Coxhill. Quand vient l'heure de son premier manifeste, "Children at Play", Miller choisit de jouer la carte de
l'exercice en solitaire. Le disque, paru en 1974, n'est pas aussi impénétrable qu'on pourrait le croire. Miller
s'accompagne de quelques percussions pour donner un côté plus organique à ses compositions ("H and H").
"Homeboy" et sa mélodie chantante, doublée par ses soins à la flûte, ne peut pas non plus trahir les origines
ethniques du musicien, célébrées ici avec entrain. Restent donc les deux pièces éponymes et "Foregone
Conclusion", les titres les plus ambitieux, les plus longs et les plus difficiles d'accès qui mettent en valeur la
technicité de l'artiste tout en rendant aussi justice à la grande musicalité de son approche de l'instrument,
osant parfois s'aventurer dans les recoins de la musique néo-classique, comme en témoigne le final de toute
beauté qui referme ce disque sur une note grave et poignante à la fois.
Note : 4/6
Page 9/107
MILLER (Harry) : Family Affair
L'intitulé exact est "Harry Miller's Isipingo". Car il s'agit bien d'un groupe. Et quel groupe ! Marc Charig, Mike
Osborne et Malcolm Griffiths, soit un bon trois quart de la section de cuivre du Brotherhood of Breath dans
lequel il joue aux côtés du batteur Louis Moholo qu'il retrouve ici par ailleurs et auquel s'ajoute le pianiste Keith
Tippett ... "Family Affair" est le titre de leur seul et unique album, un titre qui n'est donc pas usurpé. La plage
titulaire nous met tout de suite dans le bain, avec son thème aérien et fringuant, conduit par une rythmique tout
en swing et en souplesse, successivement auréolé par une série de chorus flamboyants et passionnés. Les
dernières minutes du titre accélère la cadence pour mieux nous préparer à une suite plus chaotique. C'est
"Touch Hungry", plus free en essence, où les instruments solilioquent tous ensemble. La basse profonde et
lancinante apporte un côté dramatique à cette introduction bigarrée, pronlogeant dans le temps ses accords
profonds, alors que le piano de Keith Tippett entre à petits pas de souris, mimant pour ainsi dire l'effet produit
par un harpiste. Le morceau s'installe alors dans une espèce d'indolence trouble qui va perdurer jusqu'à sa
conclusion à la reprise du thème. La seconde face s'ouvre sur le drive endiablé de "Jumping", version speed
des exercices modaux introduits par Miles Davis avec "So What" il y a vingt ans de cela ; mais ce qui rend ce
titre particulièrement puissant, c'est le lyrisme incroyable dont il fait preuve, notamment sur le solo de Mike
Osborne, soutenu par le binôme contrebasse/piano qui, une fois encore, élève le débat en lui donnant ce goût
d'infini. L'album de se conclure sur l'émouvant "Eli's Song" au thème mémorable, sorte d'adaptation pour
formation élargie du fantastique "Contemplation" de McCoy Tyner. En conclusion, "Family Affair" ne devrait
pas rester dans la sphère strictement privée de quelques privilégiés ; il devrait au contraire devenir l'affaire de
tous tant cet album est pétri d'instants de magie et de beauté.
Note : 6/6
Page 10/107
MILLER (Harry) : Bracknell Breakdown
Le plutôt rare "Bracknell Breakdown" nous replonge dans une prestation inédite livrée à South Hill Park à l'été
1977 où le contrebassiste Harry Miller s'associe pour un temps au tromboniste autrichien Radu Malfatti, proche
collaborateur de Derek Bailey et Evan Parker. Trombone et contrebasse, voilà une combinaison inédite qui,
pendant près de quarante minutes, vont trimballer l'auditeur dans les dédales de leurs propres recherches. Ça
pince, ça couine, ça s'éparpille dans tous les sens. Ça fait des sons bizarres, parfois métalliques, on se
demande comment. Ça évoque des images, c'est certain, "The Audient Stood On Its Foot" terminant même sa
longue course sur un bruit de moteur simulé. La complainte déchirante se poursuit sur l'ironique "Friendly
Duck" qui suit son petit bonhomme de chemin sur les traces de son grand-frère. Les deux musiciens sont en
parfaite adéquation, dans un jeu de questions réponses permanent où l'objectif n'est pas nécessairement de
composer quelque chose de neuf, mais d'immortaliser l'instant présent au travers d'interventions parfois
saugrenues, mais toujours vectrices d'images. Curieusement, si son parcours est différent, il semble suivre le
même parcours, débouchant sur un final à l'identique, laissant peut-être présager qu'il s'agit là de deux
interprétations différées d'une seule et même démarche ponctuelle. "Bracknell Breakdown" est donc un disque
à mettre entre les oreilles des plus curieux, de ceux qui aiment en permanence entendre la musique capable de
se remettre en question.
Note : 3/6
Page 11/107
MILLER (Harry) : In Conference
"In Conference" laisse entrevoir les nouvelles perspectives qui s'ouvrent alors à Harry Miller. Un pont se crée
entre l'Angleterre et les Pays-Bas, et ce pont porte le nom de Willem Breuker. Le saxophoniste, illustre
représentant du Globe Unity Orchestra, va batailler pendant près d'une heure aux côtés de Trevor Watts pour
donner au disque ce même souffle lyrique qui rendit l'expérience Isipingo si merveilleuse. Les autres musiciens
qui accompagnent Miller pour cette nouvelle réalisation studio ne sont pas en reste. Cette fine équipe, la même
qui guidait la destinée de "Family Affair" va installer l'album sur des bases solides. Sans surprises on retrouve
donc le fidèle Louis Moholo à la batterie et le pianiste Keith Tippett, auquel s'adjoint son épouse pour quelques
exercices vocaux en fin de disque. Nous en reparlerons. "In Conference" s'ouvre sur le bien nommé "Traumatic
Experience", tout érigé à la gloire de l'hollandais volant, une pièce de choix qui réussit la gageure d'extérioriser
des sentiments de pure introversion, éclatant de vitalité et de mal-être à la fois. Les amateurs retrouveront la
patte de Tippett dans ce titre, celui de ses premières réalisations sur Vertigo ou en compagnie du "Septober
Energy". La mélodie de "Orange Grove" se fait comme l'écho de "Homeboy" sur "Children at Play" : un
manifeste de plus quant aux inspirations premières du compositeur. Détour donc par la case Brotherhood of
Breath. En face B, "Dancing Damon", puis "New Baby" introduisent donc le chant de Julie Tippetts, chanteuse
étonnante, capable de suivre toutes les inflexions prodiguées par les cuivres, parfois les plus inimaginables.
Élements de jazz modal et hard bop se percutent pour un rendu qui n'oublie jamais que briser les règles n'est
pas un but en soi, et que ne pas les respecter est tout aussi important que les respecter. Le coda quasi
silencieux de "Traumatic Experience Closed" vient mettre un point final à une nouvelle session admirable d'une
authenticité à toute épreuve.
Note : 5/6
Page 12/107
MILLER (Harry) : Down South
Le temps passe et il est de plus en plus difficile pour Miller de faire valoir son talent sur le sol britannique en
cette période de disette. En transit régulier vers la Hollande où il accompagne de plus en plus souvent Willem
Breuker dans ses multiples projets à géométrie variable, le sudafricain succombe à cet appel insistant et décide
de s'y établir définitivement. C'est là-bas que, cinq longues années après "In Conference", il enregistre "Down
South" à la tête d'un tout nouveau quintette. Il y retrouve l'excellent Marc Charig. Il y invite aussi un étonnant et
méconnu compatriote en la personne du saxophoniste Sean Bergin. Wolter Wierbos (trombone) et Han Bennink
(batterie) constitueront quant à eux l'aile hollandaise du combo. En l'absence de piano, le groupe semble plus
arrimé au sol que jamais, l'imposante force de propulsion de Bennink donnant presque une dynamique rock à
certains morceaux ("Schooldays"). Dans l'ensemble, il n'y a pas de revirement spectaculaire ; la musique de
Harry Miller brasse toujours autant d'influences diverses. Cependant, elle rend peut-être plus que de coutume
hommage aux lointaines terres de Capetown qui l'ont vu naître. C'est ce qu'on peut clairement percevoir au
travers des mélodies qui égrainent le parcours de "Ikaya", "Opportunities", "Molofo" ou tout simplement la
plage titre. Des retrouvailles festives en quelque sorte, pleine de nostalgie et peut-être même un soupçon de
regrets. Ce sera aussi hélas le dernier enregistrement du contrebassiste, Miller décédant la même année dans
un tragique accident de voiture. Aujourd'hui, la seule manière de rédécouvrir l'oeuvre de ce musicien généreux
est de mettre la main sur le box 3cds que son épouse a fait publier sur Ogun fin 1999.
Note : 4/6
Page 13/107
BUTTHOLE SURFERS : Brown reason to live
Chronique réalisée par dariev stands
"There's a time to live and a time to die/I smoke Elvis Presley's toenails when I want to get high." C’est la toute
première sortie des Butthole Surfers... A l’époque célèbres pour leurs shows pyrotechniques et bravant les
limites de la décence en vigueur de leur texas natal, les surfeurs du troufignon (car c’est ainsi qu’il faut
vraiment traduire leur patronyme…), n’avaient pas vraiment d’ambition à devenir un groupe de rock au sens
traditionnel du terme. Terroriser les foules de l’Amérique profonde via des shows/happenings entre le cirque
déjanté et l’arrosage de premiers rangs avec diverses substances (voire des tirs de balles à blanc…) leur
suffisait amplement. Groupe nomade, errant entre San Antonio et New York (Gibby Haynes vivait dans une
cabane à l’époque), ils ont du être surpris de voir qu’il existait quelque part un type assez fou pour les signer
sur son label et leur permettre d’enregistrer dans un vrai studio (ce qui ne se reproduira plus avant un moment,
il n’y a qu’à écouter la prod des albums suivants du groupe). Ce label, c’est Alternative Tentacles, et ce type,
c’est Jello Biafra. Le gang de Paul Leary ayant une fâcheuse tendance à se brouiller avec tout ceux qu’ils
croisent, les relations seront houleuses pendant quelques années avec le label de l’ex-Dead Kennedys, qu’ils
seront l’un des rares groupes à quitter très rapidement, laissant en guise de cadeau ce truc à la pochette
proprement insultante (c’était très certainement le but), reprenant l’occupation favorite du duo Leary/Haynes
avant la formation du groupe : collectionner des photos d’interventions médicales choquantes ou de maladies
rares trashos et les regrouper avec des remarques moqueuses dans un fanzine nommé Strange V.D.. Haynes
se fera choper avec au boulot et virer, ce qui l’encouragera à rejoindre Leary en Californie du sud, qui lâche la
fac à un semestre de sa fin de cursus pour fonder le groupe. Les deux, brillants étudiants et premiers de la
classe, avaient pourtant une carrière de golden boy tout tracée devant eux. Premier message au monde des 4
bouseux chevelus : The Shah Sleeps in Lee Harvey’s Grave. On est dans l’ambiance Butthole jusqu’au cou. Un
titre forcément emblématique car il permet d’imaginer le choc ressenti à l’époque par ceux qui l’ont découvert…
(il n’y a qu’à écouter la fin du morceau et imaginer la tête du gars). Le groupe avait volontairement placé son
morceau le plus agressif et hystérique en intro, avant d’enchaîner 4 tubes d’une bizarrerie totale : habillé d’un
son 100% eighties, au côté clean et new wave contrastant avec la musique comme un fond blanc avec un étron
(typique du Butthole 1ère période), Hey serait presque entraînant, tandis que Something est carrément jouissif,
avec ses parties de guitares noisy à faire pâlir Sonic Youth… Barbecue Pope, derrière ses airs de grosse farce,
est encore un tube de plus, habité mine de rien par la guitare super-efficace et mélodique de Leary, que Haynes
semble se donner un mal fou à pourrir en poussant divers cris et beuglements. Enfin, y’a ce Wichita Cathedral
psychobilly et irrésistible où mêmes les dindes rôties de thanksgiving dandinent du croupion… Où comment
réaliser la synthèse résolument post-moderne (rions un peu) entre Chrome et les Forbans. La fin du disque
n’est que cacophonie superfétatoire… Inutile de dire que dès ce premier jet (sans aucun calembours), les
Butthole se mettaient à dos tous les puristes, que ce soit punk, rock, hardcore… Impossible pour eux de
raccrocher le moindre wagon, du moins jusqu’au phénomène Nirvana qui rendra bankable et marketable (et
jetable, pour les majors) jusqu’au pire des freaks. Pour la suite, on passe directement au premier album du
groupe, je laisse le live PCPPEP de côté car il ne fait que reprendre les chansons de ce premier EP en live, hors
elles ont déjà l’air d’être à moitié improvisées en studio, donc pas d'un intérêt fabuleux… Même chose pour les
inédits de la réédition cd, moins drôles que le reste, la Farce étant le but avoué du groupe à cette époque, ne
Page 14/107
l’oublions pas. De toutes façons, comme l’a fait remarquer Paul Leary a posteriori sur les années de défonce
intense du groupe : "On n’avait aucune idée de ce qu’on faisait, mais on le faisait quand même.".
Note : 5/6
Page 15/107
BUTTHOLE SURFERS : Psychic, powerless... another man's sac
“Hey Butt, What the Fuck ?” Voilà typiquement le genre d’album considéré comme un classique par certains,
orné d’une pochette tout bonnement faramineuse, mais qui ne fait aucun effet sur ma modeste personne… A
l’époque, avec leurs deux batteurs faux jumeaux, Theresa Taylor et King Coffey, les Butthole Surfers avaient
vraiment quelque chose du freak show d’avant-guerre… Un Gibby Haynes pas encore tout à fait sorti de
l’adolescence en guise de monsieur loyal, accompagné par un Paul Leary aux coupes de cheveux révoltantes…
Stylistiquement (j’adore employer ce genre de mot pour un groupe comme les Butthole Surfers, dont l’absence
de style est notoire), Psychic, Powerless… est à Brown Reason to Live ce que Confusion is Sex était au premier
Sonic Youth : une version plus bruitiste, sous-produite et chaotique, emballé dans une pochette bien DIY qui
annonce le début des vraies hostilités. Qualitativement, le premier EP était 100 fois meilleur. L’album ne
commence vraiment qu’avec Dum Du, un truc bonnard, pogotant tel foutre, tout à fait représentatif de la folie du
groupe à leurs débuts. C’est idiot, mais ça donne envie de sauter sur place. Woly Boly malheureusement, ne
sera pas une parodie de Wooly Booly (le classique garage de Sam the sham & the pharaos, aussi con que
Surfin’ Bird) mais un morceau casse-noix de plus. Un genre dans lequel les butthole excellaient à ce stade de
leur brinquebalante carrière, il faut bien l’avouer. Que ce soit l’entrée en matière Concubine (rien, mais alors
rien à voir avec Converge), le faussement pop Negro Observer, ou encore le bourré comme un coing Lady Sniff
(premier d’une longue série de chansons destinées à donner la gerbe au malheureux qui écoutera ça au
casque), la liste des bidules sans intérêt (si ce n’est celui de nous faire rire… ou pas) est longue. Trop longue.
Heureusement, il y a – non, pas Findus, tas d’larves – mais Cherub (encore que ça peut être une marque de
surgelés américaine, faut s’attendre à tout), longue diarrhée psychédélique où des démons violacés armés de
mégaphones descendent la tête en bas les parois de vos conduits auditifs en frôlant des grappes de cérumen.
Oui je sais c’est dégueulasse, mais c’est tout ce que ça évoque, très sincèrement. Autre déception : Mexican
Caravan n’est pas une reprise sous délirium tremens de Spanish Caravan des Doors ! C’est dommage, surtout
que leurs reprises de Hurdy Gurdy Man et American Woman, quelques années plus tard, les montera très à
l’aise dans ce genre d’exercice (le sabordage de standards 60’s). Et au beau milieu de ce foutoir trône fièrement
la chanson-titre du groupe, celle par laquelle leur nom est arrivé, un soir où le patron du club, voulant les
présenter, confond le titre du machin avec le nom du groupe (ils en changeaient à chaque représentation, du
genre Ashtray Babyheads, Dick Clark Five, 9 Foot Worm Makes Own Food ou Vodka Family Winstons…). Au
final un album, euh… comment dire : bidon. Ils auraient pu en faire un EP sans problème, d’autant qu’ils feront
réellement mieux sur le format album peu après.
Note : 2/6
Page 16/107
BUTTHOLE SURFERS : Cream corn from the socket of davis
Quatre mois après avoir enregistré Psychic Powerless et le premier EP dans le "shittiest studio in the whole
world", qui n’est autre que le studio BOSS, auquel il devront de l’argent, ce qui foutra en l’air leur deal avec
Alternative Tentacles, le groupe remet ça avec un TROISIEME disque enregistré à crédit dans ce même studio…
Un 2ème projet d’album en fait, finalement avorté, ce que le groupe explique par le choix draconien à faire entre
payer le studio et s’acheter des drogues et de l’alcool. Ils n’ont pas choisi le studio. Ça s’appelait Rembrandt
Pussy Horse, et le groupe n’avait encore rien sorti dans le commerce. En fait, Cream Corn regroupe deux
nouvelles chansons enregistrées avec le nouveau 8-pistes du groupe en face A et deux rescapés des sessions
de ce fameux Rembrandt Pussyhorse, (notez l’évolution sémantique) bébé avorté qui verra finalement le jour
l’année suivante une fois qu’Alternative Tentacles eut retiré ses… tentacules du projet. Du coup, le groupe
remplacera To Parter et Tornadoes par deux autres titres enregistrés à la hâte, histoire que Rembrandt reste à
100% un nouvel album. Vous avez suivi ? Pas grave, le seul truc à retenir est le suivant : cet EP dégage une
insanité et une insalubrité joyeusement concentrée, ce qui le rend plus trippant que les albums. Un peu comme
une bouteille de Monsieur Sale, où de WC pas net. Comment ça, vous ne suivez toujours pas ? Bon, c’est pas
compliqué, ces 4 titres sont quasiment les meilleurs de la première période de la troupe (le line-up fluctuait trop
pour parler de groupe). Tous des classiques de leurs concerts. Surtout Tornadoes et Two Part, que vous
pouvez voir lors d’une hilarante émission de tv avec des Beastie Boys prépubères si vous farfouillez un peu le
ToiTube. Cette dernière sonne presque comme une parodie du Noir Dez des débuts ! L’hémaurme Tornadoes,
quant à lui, annonçait avec maestria les chevauchées noise rock d’Independant Worm Saloon, façon Dead
Kennedys. Les deux nouveaux morceaux de la face A, eux, sont des "chansons à vomir" (à écouter après les
chansons à boire) typiques, avec performance authentique de Gibby Haynes (on entend même les grumeaux
tomber dans la cuvette, joli). Bref, à ajouter au palmarès des chansons "fingers in the mouth" du groupe, idéal
pour se faire vomir après une soirée trop arrosée (Lady Sniff excellait déjà dans ce registre délicat et sensuel).
Note : 4/6
Page 17/107
BUTTHOLE SURFERS : Rembrandt pussyhorse
A l’origine un mini-album, devenu LP à part entière à force d’enregistrements à droite à gauche (deux ans de
gestation, tout de même), heures de studio grappillées par ci par là par un groupe tout à fait fauché, notamment
sur Creep in the cellar, où ils parviennent à obtenir du temps de studio à l’œil en laissant le proprio jouer du
piano sur le titre (et de l’orgue sur Perry)… On y entend également un violon (c’était un studio de country, et le
groupe a eu la flemme d’effacer les pistes du groupe précédent !) que le groupe découpera et détournera avec
un sadisme torve, profitant ainsi du multipiste local pour développer un son nettement plus abouti que les
disques précédents, même si le tout reste plus drogué que Brown reason to live. Résultat : après quelques
aventures, le groupe fini par avoir "De quoi faire un album" (sic), ce qui en dit long sur l’hétérogénéité du
machin. Un halo de drogues et de questions entoure ce disque, au titre typiquement Buttholien… Jeff Pinkus, le
bassiste ex-black flag (de quoi faire remonter une crédibilité), prétend qu’il s’agit des premières chansons
écrites par le groupe… Sauf qu’il ne joue même pas sur Pussyhorse ! Les autres confessent n’avoir strictement
aucun souvenir des sessions… Ce qui fait fort dans cette période souvent vue comme dorée pour le groupe,
c’est l’aspect totalement en roue libre de la carriole Butthole Surfers, à faire passer les pires flaques d’Alice
Cooper (voir ses 2 premiers albums) pour des récitals de Maria Callas. C’est ici qu’ils commencent à
"reprendre" des vieilles scies des années 70, dont la première victime sera le American Woman des Guess Who
(meilleur morceau du disque), entendu depuis dans American Beauty et repris par Lenny Kravitz, laissant
éclater le panache de Leary à la six-cordes… Il y a aussi le thème de Perry Mason, qui deviendra Perry après un
petit tour par la case tex-mex et orgue foutraque. Black Sabbath et Donovan suivront sur les disques suivants,
donnant un avant goût de ce qu’allait pouvoir être le grunge. Si le début de l’album se prête à une sorte de pop
déglinguée mais encore comestible, malgré l’ambiance assez dérangeante de Creep in the cellar, on entre, dès
Waiting for jimmy to kick, dans un train fantôme où même les quelques éléments familiers du groupe se sont
fait la malle… Strangers die everyday propose un petit tour de manège à dada sur paranoïa, comme dirait
Gérard Blanc. Whirling Hall of Knives entame une série de recherches sonores pour le groupe qui empile avec
succès les couches d’effets de gratte sur 16 pistes (ne jamais sous estimer la technique et l’inventivité de
Leary, seul bon musicien du groupe), ce qu’ils appliqueront à la voix grâce aux fameux "Gibbytronics" sur le
quasiment flippant Mark says alright (dans un autre contexte, sans doute…), qui rejoint l’hystérie dadaïste des
Residents. D’ailleurs Mark n’est autre que le Pitbull du groupe, qu’on peut voir sur leurs photos de presse... La
remarquable version dub de Creep in the cellar vient parachever ce disque d’une bargerie totale, qui franchit un
nouveau palier dans la déjante du groupe. Nos nerfs sont mis à rude épreuve, et bien que ce genre de projet
faussement psyché et authentiquement slacker allait pulluler lors des 90’s, aucun ne parviendra autant à
chatouiller les synapses de l’auditeur, la faute peut-être à ce son incroyablement 80’s (avril 86, on est au beau
milieu du trou noir), où tout est noyé dans une reverb de supermarché, que personne n’aura l’idée de reprendre
pour ce genre de zique, et peut-être pas à tort… Ceux qui avaient d’abord cru à une blague de courte durée
commençaient ici à baliser… Butthole Surfers : Un nom qui allait rester dans les anals. Bien profond.
Note : 4/6
Page 18/107
BUTTHOLE SURFERS : Locust abortion technician
“Papa ?” – “Oui, fils” – “ça veut dire quoi, le regret ?” – ‘Eh bien fils, le truc marrant avec le regret c’est qu’il
vaut mieux regretter quelque chose que t’as fait, que de regretter quelque chose que t’as pas fait. Au fait, si tu
vois ta maman ce week-end, n’oublie pas de lui dire : SATAN !!!! SATAN !!!! SATAN !!!!!!’ TADA !! TADADAMMM
!!! TADA !!! TADADAM !!!. Bon, y’a pas à tortiller du butthole pour caguer straight, c’est la meilleure intro
d’album de tous les temps ou pas ? Après le viol en règle de la Femme Américaine des Devine Qui (les Guess
Who, andouille), c’est au tour du Sweet Loaf de Black Sabbath se faire pécho doggystyle, en mode "j’t’y colle
une intro au clavier façon série tv, une voix Zappaïenne à s’y méprendre et un dialogue façon Alain Chabat
dans ‘papa c’est quoi cette bouteille de lait’ et c’est bon". Rajoutez y le riff principal répété en boucle et des
interludes à la con, et vous y êtes. Enorme. Destroy. Ultime. Poutrallisime. Après ça, l’album pourrait être
pourri, on s’en fout, on a eu notre tranche de rigolade sur galette (de vomi). Et d’ailleurs, ça ne rate pas, c’est
n’importe quoi jusqu’à l’avant dernier titre. Ah si, y’a Human Canno107all, un bon gros sprint typique des
Surfers, dans la lignée de Tornadoes où de Who was in my room last night. Le reste de la face A ne commence
à avoir de la gueule que joué en 45 tours, mais du coup la voix de souris gâche tout, les cons. Quoique, même
les titre purement dédiés à la torture de l’auditeur comme Hay en deviennent sympa à force d’écoutes répétées.
Preuve qu’on peut s’habituer à tout, même à la lie de la lie… La face B, en quelque sorte, ne commence qu’à
partir de Graveyard (sorte de version moins sous lexomil du titre de la face A, enfin je crois), premier truc à
ressembler à peu près à une chanson de rock (mais c’est comme Didier Bourdon, il ressemble à Alain de loin).
USSA est une giclure de rage et de pus jetée à la face de Reagan, The O-Men est une sale blague au son de
guitare qui persiste dans le noise régressif et jouissif, Kuntz n’est autre qu’un traditionnel thaïlandais dédié à
accompagner la chasse, à peine remixé par le groupe… (c’est à se demander comment ils pouvaient se
permettre tous ces "emprunts", pas toujours flatteurs pour les originaux). On peut comprendre le son
globalement infâme et craquelé de partout de cet album : le groupe était passé de 16 à 8 pistes depuis le
précédent LP, dans un studio muni d’un seul micro et de matériel vétuste, quoique l’album fut comme
d’accoutumée enregistré un peu à droite et à gauche. Seule entorse à ce son graveleux, le solo pur comme du
cristal qui intervient sans raison aucune sur 22 going on 23, morceau final où une vieille mélasse noise se
répand dans vos enceintes tandis qu’on écoute la voix d’une fille qui raconte à la radio le trauma de son
agression sexuelle (une légendaire mythomane, parait-il)… Avant que Leary empoigne la 6 cordes donc, et
prenne l’omnibus galactique vers l’infini et l’au-delà, façon Durutti Column. C’est BEAU. On pourrait gloser des
heures sur ce solo dantesque, instant de beauté pure arrachés à la fange en récompense à tout ceux qui ont eu
les nerfs de tenir jusque là. La tête dans les étoiles, le reste du corps immergé dans la fosse sceptique, quelle
belle image, n’est ce pas... Du coup non content d’avoir l’intro, on aussi l’une des meilleures outros d’album de
tout les temps, pour le même prix, même si ce qui s’est passé entre est glorieusement vermoulu… Du pain béni
pour les très jeunes Mr Bungle, qui attraperont un peu de la contagieuse folie exhibée ici, pochette recto verso
comme musique.
Note : 5/6
Page 19/107
BUTTHOLE SURFERS : Hairway to steven
Les Butthole Surfers se foutaient de la gueule du monde. Et le monde le lui rendait si bien. Indifférence totale…
Du moins jusqu’à ce qu’un certain Cobain ne débarque, lui qui cite "Locust Abortion Technician" parmis ses 50
albums préférés de tout les temps (c’est dire si il était suicidaire, déjà dans ses goûts musicaux), et qui ouvrira
la boîte de pandore : des dizaines de groupes à freaks signés sur des majors dans un grand élan d’irréalisme
commercial… Et j’ai pas dit "d’idéalisme". Les Butthole avait-ils vu venir le virage, eux qui avaient – comme
pour profiter du temps qui leur restait – considérablement corsé leur propos avec l’album précédent, et qui
lâcheront un dernier étron irresponsable avec le bien nommé Pioughd ? Entre les deux : ce Hairway To
Steven… Pas besoin de relever le jeu de mots. Il fera la légende de l’objet, avec l’artwork. Pour le reste ?
Reportez-vous à la première phrase. Cet album est le premier à témoigner de l’obsession de Leary pour les
cavalcades acoustiques à la Led Zep III, ce qui explique la forte présence de grattes sèches, permettant à
Haynes de se rapprocher un peu plus ce qu’on pourra bientôt appeler du chant, et aux maigres mélodies de
mieux s’exprimer. Pinkus expliquera que Hairway était le premier album consistant de vraies chansons,
répétées depuis des années, et non de grosses blagues improvisées en studio. Ce qui ne veut pas dire que cet
album est plus accessible que ses prédécesseurs. Juste qu’il fait moins mal à la tête. Il ne s’agit pas de l’album
"acoustique" du groupe ; simplement, les diarrhées d’effets crunchy tout comme les fluctuations noise en roue
libre y copulent avec les délicats arpèges country de Leary. Comme pour le précédent, les titres ne sont écrits
que sur le macaron du vynile (comme c’est pratique), sauf que là ce ne sont pas des titres mais des dessins
scatos tout pourris ! Sinon, c’était pas drôle. Gibby Haynes : "Je me demande pourquoi on avait fait ça. Mais on
pouvait toujours compter les bandes sur le vynile". Du coup, je me prends au jeu et ne vous donnerai pas les
titres communément utilisés par les fans depuis la parution du Double Live… La première piste,Jimi (faut
avouer que c’est plus pratique), souvent considérée comme l’un de leurs meilleurs morceaux, est probablement
le truc le plus inepte et casse-burnes jamais pondu par un être humain. Ah, les samples cache-misère… un
gimmick bien connu des années 90 ici annoncé avec quelques années d’avance : chèvre, bowling, rires, voire
faux applaudissements sur John E. Smoke… Tout y passe. On peut également un peu déplorer que le son de
batterie soit encore et toujours aussi cheap et années 80. Alors certes, la prod est meilleure qu’avant, et un titre
psyché comme Backass dévoile de nouveaux aspects de la musique du groupe, qui pour la première fois,
réfléchit avant d’enregistrer, sans privilégier la déconne avant tout. Mais le groove brille par son absence. Fort
heureusement, la 5ème piste (Rocky sur le Double Live), dont le dessin représente une seringue, est un tube
immédiat, qui donne envie de chanter Day Tripper par-dessus, ce qui est en soi un gage de qualité. Premier
morceau sortable du groupe, malgré un chant toujours aussi hirsute… Le reste est juste lourd. Bref, un album
foncièrement GAY (pour le cirque on repassera, et pour l’efficacité c’est pas encore ça du tout), le cul entre
deux périodes antagonistes, à vite ranger dans l’étagère avec un post-it "lui laisser sa chance un jour de
défonce léthargique".
Note : 3/6
Page 20/107
CREATE : In the Blink of an Eye
Chronique réalisée par Phaedream
Après le bouillonnant et spectral Lost On An Island Of Adventure, Create continue son exploration des rythmes,
parfois sobres ou complexes, qui respirent dans des nébulosités astrales. Masterisé par Ron Boots, In The
Blink Of An Eye est divisé en 2 portions; l’une en direct et l’autre en studio. Une approche intéressante nous
permettant de saisir les évolutions structurelles des compositions de Stephen Humphries.
Commençons par les titres en direct. L’ouverture de No Inhibitions se présente avec des ondes torsadées qui
ondulent sur des réverbérations circulaires. Un synthé lyrique, aux souffles flûtés, circule dans cette masse
sonore statique, ajoutant une mélodie contrastante dans une marée d’effets sonores caustiques qui crachent
des poussières industrialisées. Vers la 4ième minute une lourde séquence émerge de cette fixation sonore,
allumant un rythme aux sinuosités constantes qui fraye avec lourdeur sur des strates veloutées, couvant le
mouvement de sérénades apocalyptiques. Dès lors, un superbe défilé d’harmonies synthétisées survolent cette
structure rythmique sautillante avant de recroiser le mouvement atmosphérique initial en mi-parcours, avant de
reprendre un rythme plus mordant sur des synthés plus acuités. Collisions présente une structure séquentielle
plus furtive, mais assez lourde, dont la mesure croît sur un synthé aux multiples couches, tant sédentaires que
volages, où des vocalises androgynes flirtent avec de brèves intercales harmonieuses.
L’intro d’In the Blink of an Eye, la pièce titre, sort tout droit des girons de No Inhibitions. Le rythme s’installe
plus rapidement sur un séquenceur circulaire qui ondule parmi de brefs éclats d’un clavier intempestif. Le
rythme est lourd, nappé d’un synthé aux ondes flottantes et aux strates valsantes qui enveloppent une
structure plus agressive, nourrie de solides solos qui se perdent dans les multi couches d’un synthé aux
couleurs agressives en conformité avec les permutations séquentielles. Un bon titre aux directions rythmiques
inattendues, marqué par la sonorité synthésiste unique à Create. Plus tranquille et porté à la rêvasserie, A
Glimmer of Hope flotte sur des accords carillonnés, ourlé d’un synthé lovant. De fines percussions allument un
rythme qui crescende à bout de souffle, d’un rythme statique nourri d’un synthé caustique aux boucles
infernales qui stagnent dans une mer très électronique. Rise to the Occasion débute dans un cosmos à chorale
mellotronnée. De fines percussions roulantes insufflent un rythme léger qui forme un étrange tchatcha, digne
des bons mouvements de Klaus Schulze.
In the Blink of an Eye poursuit la tradition sonore de Create. Un album aux rythmes aléatoires qui surprennent
tant par leurs permutations que leurs lentes évolutions lascives, notamment sur Rise to the Occasion. Un bel
album qui plaira assurément aux amateurs de Create, d’Air Sculpture et de Klaus Schulze, ce qui est tout à fait
nouveau chez Stephen Humphries.
Note : 4/6
Page 21/107
PROIEKT HAT : Make Sense
Faire sens. Voilà un axiome qui retombe comme un pavé dans la mare à l'heure où faire le bilan de la scène
industrielle revient à vouloir reconstituer l'accident du vol Rio-Paris. Des ruines fumantes de Throbbing Gristle,
les japonais auront récupéré l'aspect punk, les finlandais se seront ré-appropriés le terrorisme social, le vieux
continent l'aspect culturel et/ou technoïde et les américains la provocation imbécile. Mais l'erreur de Genesis
P-Orridge, un brin présomptueux, est de croire que cet échec relatif décrédibilise tout son travail et ses
motivations initiales. Une oeuvre appartient au monde dès lors qu'elle est créée et toute interprétation, bonne
ou mauvaise, fait avancer la création : sinon, à quoi bon écouter du métal depuis Black Sabbath ? Du rock
depuis les Beatles ? Bref, sortir à l'heure actuelle un artefact purement 'industriel' dans le sens original du
terme lancé par Monte Cazazza peut paraître autant désuet que rafraîchissant. Dans un gros écrin en vinyle se
cache donc une des sorties les plus ciblées de ce projet suédois pro-sioniste dont le logo est, rappelons-le, une
étoile de David sertie de deux wolfsangels... Chaque titre est accompagné d'un petit paragraphe sur la capacité
qu'a chacun de pouvoir juger et saisir le monde dans toute sa largeur, à l'opposé d'un texte prosélyte ou
imprécateur. Il s'éloigne donc d'un esprit rentre-dedans d'un Con-Dom ou The Grey Wolves pour jouer au
Zarathoustra nietzschéen : je ne donne rien d'autre que des clefs qui elles-même doivent être soumises à une
réflexion avant de se les réapproprier. Et musicalement me direz-vous ? Même constat : on entendra dans le
son ce que nous sommes prêts à entendre. L'aplatissement du monde par le néant ? La purification par la
pollution ? La victoire des machines ou leurs cris d'agonie ? Un simple signal d'alarme, soulevé par les
implacables mécanismes qui nous piétinent sans interruption sur 'On a Solemn Note' et 'Peace without a Soul'
? Faire sens, c'est aussi savoir se positionner aujourd'hui et maintenant. Proiekt Hat n'impose rien, il dispose :
charge à nous d'en faire quelque chose.
Note : 4/6
Page 22/107
THE ASSOCIATES : The affectionate punch
Il est des disques que vous avez beau écouter et réécouter, ils vous incitent toujours à y revenir, comme si
vous étiez à chaque fois sur le point de les déshabiller de leur dernier voile de mystère… Des disques que vous
ne pouvez vous empêcher de tenter d’élucider, encore et encore, et qui se dérobent à chaque fois sous vos
oreilles, signe d’une réussite de l’artiste difficile à contester. Ce premier album des Associates est de ceux-là…
Un groupe oublié s’il en est, qui s’était taillé une place dans le monde du rock anglais à coup d’audace et de
culot : signé sur Fiction, fameux label pour avoir hébergé Cure, sur la foi d’une reprise de Bowie sans
autorisation (ce qui, avec Bowie, peut mener loin…), le groupe menaçait ensuite de plaquer sa tournée en
première partie de Cure si Fiction ne lui proposait pas un studio pour enregistrer son album ! Grand bien leur
en a pris : The affectionate punch est un chef d’œuvre. Prod exceptionnelle de Chris Parry, moins datée que sur
les albums des Cure, chant inoubliable, parfois décharné, parfois soulful, toujours sur un fil étrange entre
grandiloquence et absence maladive d’émotion, rythmique insaisissable changeant de tout au tout à chaque
morceau, et pour finir guitares hyper travaillées, très présentes et agressives… Les ingrédients sont là,
magnifiés par la personnalité de Billy MacKenzie, un jeune homme qu’on qualifiera, faute d’un mot existant
dans le dictionnaire pour définir son humeur très spéciale, de perturbé. Que trouve-t-on ici ? Désolation,
passion, hallucinations, rancœur tenace et mélancolie putride comme seules les 80’s peuvent en secréter. La
chanson titre et A Matter of Gender (où McKenzie l’acteur se rêve en amant brûlant à la voix glacée) entament
chaque face sur des sursauts de tempéraments d’un romantisme effréné, dansants et catchy sans en négliger
les textes, qui cultivent sur tout le disque un mystère épais. On pense au songwriting de Jarvis Cocker (Pulp), à
son excès de théâtralité, voire à du cabaret sur Even dogs in the wild, qui aborde l’air de ne pas y toucher un
thème sordide et mal défini. Le chant est sanguin, extrêmement singulier, et porté par des textes, encore une
fois, époustouflants. L’opacité est ici maniée comme une arme de précision, bien plus que chez Bowie, qui se
fait ici doubler dans la dernière ligne droite avant liquidation synthétique (Let’s Dance). De quoi parle-t-il sur la
ballade saturnienne Logan Time, au parfum latent de morphine ? "Now my voice deep with age, talks in tongues
of younger days". Et Transport to Central, où l’on sent encore une fois que la mélodie tranquille n’est qu’un
leurre, couvrant mal ces guitares lacérant l’espace et ces bruits indus en fond (la fin de la face A est quasiment
une torture), sans parler de ce pont où l’atmosphère change pour quelques secondes à peine, la voix devenant
soudain éteinte. On dirait un pitch de scénario SF, mais rien n’est sûr. On croit bien deviner le malaise d’un
futur père sur le troublant Paper House, aux guitares sans pitié, mais que dire des métaphores hirsutes de "A",
où McKenzie chante tout l’alphabet tel un possédé ? Une chose est sûre, il est "deeply concerned" par ce qu’il
raconte, et nous aussi, par la même occasion. Cette manière de tourner autour du sujet sans jamais l’évoquer
peut faire penser aux Talking Heads à première vue, mais tout le côté maladroit, surjoué, et parfois drôle de
Byrne a disparu. L’enchaînement des 2 premiers titres fait montre d’une maîtrise parfaite, Amused as Always
étant la claque ultime, la seringue qui se casse dans le bras, le tocsin de minuit… Le travail de production est
titanesque : le refrain prend un contrepied surnaturel au couplets, et le solo fait décoller la chanson en plein
cœur d’un nuage chargé de pluie et d’électricité (cette rythmique doublée à la voix, ugh, c’est écoeurant de
brillance). S’il fallait trouver des références, on penserait à Marc Almond, où au Robert Smith de Boys Don’t
Cry, qui fait d’ailleurs ici une apparition aux chœurs, comme pour attester qu’à l’époque, la distance entre les
Page 23/107
deux groupes n’étaient pas si grande. Un disque qui me laisse perplexe, et c’est la mort dans l’âme que je lui
mets 5/6, avec la conviction de n’avoir rien compris du tout mais d’avoir aperçu le Mensonge des mensonges,
ou bien la grande Vérité, je ne sais plus très bien, un soir de pleine lune entre les contradictions qui flottent à la
surface des choses… "If I threw myself from the ninth storey, would I levitate back to three, well would I ?"
Note : 5/6
Page 24/107
EMMENS (Gert) : Nearest Faraway Place Vol. 2
Voici le 2ième volet de cette trilogie à compléter, qui a pris forme lors du festival E-Day organisé par Kees Aerts
et Ron Boots du label de Groove. Fidèle à ce que Gert Emmens produit depuis des années, ce 11ième opus du
synthésiste Hollandais, est rempli de séquences aux rythmes variés, de synthés aux solos ingénieux et aux
mélodies accrochantes ainsi que des mellotrons aux arrangements émouvants. Un album où la Berlin School
oscille entre la vieille et la nouvelle génération.
Divisé en 7 parties, tout comme le Volume I, la partie 8 démarre assez rapidement. Après une courte intro
cosmique, une séquence qui sautille avec force donne un tempo constant, enveloppé d’un mellotron qui étale
sa douceur sur une cadence très entraînante. Des notes carillonnées filtrent une douce harmonie rêveuse,
pavant une nouvelle direction cadencée. Un rythme bifurquant sous un fin synthé aux harmonies lyriques et un
mellotron aux chœurs sobres qui coulent dans une ambiance syncrétique. Doucement nous traversons vers la
9ième partie où une guitare cosmique offre ses accords dans une nébulosité enchanteresse avec des voix
Espagnoles aux incantations répétitives. Progressivement nous sommes submergés par une séquence
agressive qui moule un rythme lourd et hypnotique, appuyé d’un clavier qui se love au tempo. Un tempo lourd,
cerné d’une chorale mellotronnée, qui éclate avec des percussions électroniques entouré de bons solos
sinueux. Une intro flottante ouvre la partie 10. De lourdes vapeurs cosmiques échappent une séquence
nerveuse donc le mouvement en staccato donne une impression échotique qui s’atténue graduellement, offrant
une structure rythmique hypnotique noyée dans une ambiance cosmique aux fins mouvements synthétisés.
Mais Gert Emmens ne cogite pas trop longtemps dans les sphères minimalismes. Vers la 7ième minute, le
mouvement prend une tangente animée d’un rythme plus hachuré et ornée d’une suave chorale mellotronnée.
La finale est d’une douceur insoupçonnée, nous guidant vers la délicieuse rumba qu’est la 11ième partie. Une
rumba cosmique avec des notes carillonnées qui flirtent avec un fin synthé harmonieux. La 12ième partie nous
replonge dans un concept électro cosmique. Intro nébuleuse qui engendre une séquence qui chemine dans une
ambiance lourde et musicale. Encore une fois, Gert Emmens multiplie les rythmes séquentiels autour d’un
mellotron enveloppant, créant une atmosphère instable sous des harmonies romanesques. La partie 13 offre
une intro tapageuse et bigarrée qui fait place à une séquence à la Phaedra, nappée d’un mellotron aux souffles
spectraux. Minimalisme, la séquence accélère la cadence, répercutant un genre de percussion échotique qui
bouscule un univers sobrement harmonieux où une voix française improvise des paroles sur un rythme plus
lourd, plus mellotronné. Un beau titre empreint d’une nostalgie sentimentale, d’un sentiment d’amour perdu. La
14ième partie débute avec un éclat tintamarresque avant de s’assoir sur de lourdes réverbérations circulaires
qui flottent avec échos dans un néant sonore. Doucement, une séquence papillote comme les ailes d’une
libellule métallique, avant d’épouser le style Emmens qui restructure le mouvement avec des directions
cadencées variées sous de grosses vapes synthétisées, créant un univers tantôt peu invitant, tantôt plus
harmonieux.
Et ainsi se compose l’univers musical de Gert Emmens. Encore une fois le synthésiste Hollandais étonne,
même si nous sommes habitués à son style, avec une approche imaginaire que l’on peut vivre comme une
Page 25/107
nébulosité fait toujours place à la beauté iridescente. Une autre œuvre majeure dans l’art moderne de la MÉ.
Note : 5/6
Page 26/107
M.J. HARRIS / MARTYN BATES : Murder Ballads (The Complete Collection)
Amis neurasthéniques, bonsoir. Tout le monde sait à peu près en quoi consiste une 'murder ballad' : une
comptine macabre et universelle dont les protagonistes finissent inéluctablement dans un bain de sang, au
pied d'une falaise ou au bout d'une corde. Si Nick Cave les a déjà brillamment remis à jour avec son album
homonyme, lui même n'aurait songé à pousser l'aspect anxiogène et funèbre de ces histoires aussi loin. En
entendant ce que Mick Harris offre comme tapis roulant, on pense tout de suite à Lull, son projet d'ambient
isolationniste à forte teneur en claustrophobie. Contrairement à son travail sous son premier projet solo Scorn,
Mick ne laisse ici aucune place au rythme et pas une seule mélodie ne vient poindre le bout de son nez ; il tisse
sa trame avec un nuancier de teintes qui vont et viennent dans des niveaux d'abstraction dont il a le secret. Et
Martyn Bates de chantonner les histoires par dessus de sa voix éthérée et androgyne, parfois comme en
transe, parfois aidé par quelques overdubs ou échos, parfois pas du tout – et c'est là que l'effet est le pire : sur
certains titres, la présence de Martyn semble presque palpable, comme s'il nous sussurrait ses atrocités à
l'oreille pour tenter de nous endormir. On est tiraillés entre l'idée de se plonger dans le vide et celle de suivre le
dénouement des douze saynètes, heureusement présentes dans le livret pour ceux qui auraient du mal à venir
à bout des trois heures ; on craint de s'endormir dans les bras de ces deux vampires qui anesthésient peu à
peu notre corps avec leurs vapeurs délétères qui contrairement au monoxyde de carbone ont une fragrance
toute raffinée pour mieux nous piéger dans leur sein. Trois disques, trois plantes carnivores qui se referment
imperceptiblement mais inexorablement sur nous tandis que l'on repose tendrement sur leur duvet soyeux et
chloroformant.
Note : 4/6
Page 27/107
LAVA : Demo
Chronique réalisée par saïmone
Pour un groupe qui s’appelle Lava on ne peut pas dire que ce soit du propre. Par contre tu peux être sûr que ça
va te laver les oreilles : le son est DIY as fuck, d’ailleurs on n’entend pas la moindre basse, et la voix est
surmixée. Ca c’est cool, parce que la voix, mon salaud, mon coquin, mon loulou, c’est de la vraie balle de
bombe… au granulé à clou. Ecorchée à un degré étourdissant, râpeuse comme ta joue qui frotte sur du Placo,
qui vient des guts et remonte jusqu’à la throat tout juste cutée. He didn’t bleed. Parce que c’est le premier
élément qui poignarde ta poitrine ; et qu’ensuite tu feras attention aux riffs abominables, secouée de secousse
noise le temps de quelques harmoniques neo-metal et de solo étouffée au fond de la salle tel un rebus de
metalleux qui subsiste en toi – yo Pepper ! Pour qui connait les gaziers, les références font pas dans le doute,
les grands anciens sont convoqués – je parle pas de ta merde heroic-fantasy abruti, je parle des vieux – EHG,
Iron Monkey, Negative Reaction, Grief (hahaha). Dire que ces même gaziers sont de Paname a de quoi
surprendre, tellement l’odeur se rapproche plus de la bouse Vendéenne que du bitume de la Métropole ; encore
qu’on oublie les gaz d’échappements et les vieux kebabs malsains. Bon, si t’avais pas capté, Lava c’est du
sludge qui poutre old school, celui qui est bon, avec les grosses accélérations soudaines digne du pire des fils
de putes ("My god is…"), le gros feeling punk et groovy, les riffs qui t’évitent pas, tout ça porté par un chanteur
tout bonnement incroyable – et j’dis pas ça parce qu’il a dormi chez moi, le bougre : il a vraiment une voix pas
possible, assez malsaine et haineuse, comme quand on coupe le bras d’un gars avec une scie et qu’on en fait
un joli moignon. En fait Lava c’est ça, le pire du pire : de la musique de bad boys jouée par des gars bien
comme il faut ; le plus malsain, le plus dérangeant, quand la bienséance refoule le plus crade depuis l’enfance
et que toute cette merde te sors d’un coup par jet saccadé. Excellent. Dommage pour le son…
Note : 4/6
Page 28/107
VOLAPÜK : Le Feu du Tigre
Volapük, voilà un nom bien singulier pour un projet qui l'est tout autant. Un projet musical donc mené par
Guigou Chenevier dont on n'avait plus eu de nouvelles depuis l'aventure excentrique des Etron Fou Leloublan.
En dépit des apparences, cette nouvelle entité a bel et bien un sens, à commencer par celui qu'impose son
nom, qui est aussi et avant tout celui d'une langue artificielle créée par un prêtre allemand à la fin du
dix-neuvième siècle. Il y eut bien un groupe du nom de Esperanto dans les années soixante-dix, alors pourquoi
pas Volapük qui, précisément, signifie "langue universelle" ? Belle philosophie de départ qui se traduit dans les
faits par la création d'une musique sans nul autre pareil, instantanément identifiable, immédiatement
personnelle. Ce trio original n'a pas choisi la facilité en orchestrant son discours autour d'une combinaison
inédite : Chenevier à la batterie et aux percussions, Michel Mandel aux instruments à vents (clarinette basse,
mais aussi saxophone bien que non crédité) et enfin Guillaume Saurel au violoncelle. Volapük jette donc son
dévolu sur l'option acoustique, érigeant une esthétique musique de chambre commune à Fukkaduk, Miriodor
ou Univers Zero, formations réunies sous la bannière du rock en opposition. Comme souvent, cette
combinaison est propice à l'adaptation de musique inspirées du folklore de l'est européen, avec un soupçon de
jazz mais aussi ce côté foncièrement iconoclaste qui donne à cette mise en oeuvre tout son piment. "We Can",
"Des objets de la plus grande importance", "Aimables Innomables", "Catafalque" ou "El Sombrero" font partie
des tous grands moments du disque où Volapük se réapproprie une manière de créer la musique où l'intensité
de jeu et l'intelligence des arrangements prévalent sur tout le reste. "Le Feu du Tigre" marque des points grâce
à sa candeur et son originalité.
Note : 4/6
Page 29/107
VOLAPÜK : Slang !
À sa manière, l'illustration de pochette de ce "Slang !" nous confirme ce que nous savions déjà ou, du moins,
pensions deviner : que pour son second disque, Volapük ne va pas changer son fusil d'épaule, mais bien
continuer sur sa lancée l'exploration des possibilités offertes par une géométrie aux contours si typés. Les
premières plages de ce nouvel effort semblent en tout cas indiquer que le groupe ne ménage pas ses efforts et
que, plus que jamais, il est tenté de mettre à l'épreuve leur mécanique interne à travers des titres prétextes à
toute sorte d'expérimentations. Pure recherche en matière sonore ("La flêche qui vole est immobile" et ses
cymbales crissantes, "Na Zdrowie" et son cuir malemené) ou fascination maladive pour les temps composés
("Three Curiously Insubstantial Duets #3" et sa séquence morse en 5-9-4-6 ou encore "Les Enfants de la
Guerre", témoin de cette approche rock in opposition reconnaissable entre mille) prennent le pas sur une
écriture qui, dès le départ, ne faisait de toute manière aucune concession à la moindre facilité (l'amusante et
faussement à côté de la plaque "Chanson du Vô"). "Citron 21", "Une Femme aux Balkans" ou "Dunaj" montrent
que l'inspiration des musiques de l'est est toujours tangible ; quelques menus effets électroniques prodigués
au gré des titres (sur "Taragot" notamment, presque mécanique) apportent un léger contraste dont il reste
encore à déterminer l'intérêt réel. En conclusion, il est bien difficile de départager "Slang !" de son
prédécesseur, tous les deux témoins d'une démarche identique, à ceci prêt que la grosse majorité des titres de
"Slang !" ont été à la base composés pour un spectacle de la chorégraphe Maguy Marin. C'est dans ce détail,
anodin en soi, qu'il faut sans doute aller chercher la raison de l'extrême densité des titres présentés sur ce
second essai, tout aussi réussi que "La Faim du Tigre" mais plus demandant. "Slang !" fait donc la différence
dans sa complexité.
Note : 4/6
Page 30/107
VOLAPÜK : Pukapök
Paru sur un obscur label polonais dans un superbe digipack blanc et argent, ce live inédit, à ce jour le seul
témoignage en concert donné par Volapük, se révèle être d'un intérêt considérable. Tout d'abord, il permet de
nous familiariser davantage avec l'univers singulier mis en place par le groupe de Guigou Chenevier depuis
deux albums déjà dans un contexte moins lisse, promesse d'une nervosité propre à toute prestation publique.
Preuve en est l'interprétation tendue de "<<2. 3. 4.>>" qui prend ici d'incroyables proportions, multipliant les
chausse-trappes, chose qui, à la base, est une des caractéristiques principales de cette musique pour le moins
exigeante. C'est bien simple : le public en reste sans voix ! Tension sourdes, textures travaillées, matières en
suspens, combinaisons multiples de rythmiques impaires bien appuyées, juxtapositions improbables d'effets
divers, envolées lyriques de l'indispensable Michel Mandel, airs d'inspirations slaves ou d'Extrême-Orient, ce
titre résume à lui tout seul toute la philosophie du groupe et la complexité de leur démarche. "Pukapök" fait
donc la lumière sur certains des titres les plus emblématiques de "La Faim du Tigre" et "Slang !",
respectivement représentés par trois et quatre morceaux, laissant transparaître de manière plus évidente
encore la frivolité du premier ("Chandelle Verte", "La Faim du Tigre" et "Bach is Back" en ouverture) et la
gravité du second (le terrible "Dunaj", les errances maladives de "Machine à Coudre" ou encore un "Taragot"
qui s'émancipe de sa plastique figée). Plus encore, ce nouveau disque nous propose deux titres encore inédits,
"L'oeuf d'Apük" et "La Valse Chinoise", à paraître sur "Polyglöt", petits présents symboliques mais peu
convainquants. "Pukapök", parution tout à fait recommandable de par son authenticité, n'a finalement qu'un
seul défaut : sa rareté.
Note : 4/6
Page 31/107
VOLAPÜK : Polyglöt
Le trio devient quartette. C'est sans doute le principal enseignement à tirer de cette nouvelle publication
Cuneiform. La violoniste et chanteuse Takumi Fukushima, ancienne After Dinner, élargit donc le groupe et
l'enrichit d'une voix supplémentaire qui se fond sans problèmes dans les textures déjà finement ciselées par
Volapük. Ce changement sur la durée ("Where is Tamashii ?" en 2003 l'appuiera et le confirmera au-delà de
toute attente) ne se fait pourtant pas remarquer tout de suite ; les interventions du violon en contrepoint du
violoncelle pendant son solo sur "Vieux Futur" nous mettent certes la puce à l'oreille, mais c'est véritablement
sur le référentiel "Nusrat" qu'apparaît cette nouveauté, grâce au chant pour l'instant encore très discret de
Takumi. Référentiel, voilà d'ailleurs un adjectif qui sied particulièrement bien à ce "Polyglöt". Sur ce nouveau
disque, Volapük se disperse tout en restant extrêmement concentré et visite les folklores étrangers avec une
rare aisance ; le déjà cité "Nusrat", les éloquents "Sanza" et "Marimba" aux couleurs africaines, ou encore
"Technovo" et sa mélodie d'inspiration asiatique sont autant d'éléments à apporter au dossier. Pour autant, le
changement induit par la présence d'un quatrième musicien ne révolutionne pas de manière drastique la
mécanique interne du groupe. Tout au plus, Guillaume Saurel reconsidère par instants son approche de
l'instrument, tantôt en s'évertuant à prendre en charge les notes fondamentales assurées par une hypothétique
basse, tantôt en s'abandonnant plus volontiers aux dissonances et autres textures sonores qu'il affectionne
tout particulièrement. Parfois même il troque son violoncelle pour la flûte. En résumé, "Polyglöt" est un album
dense et riche qui, s'il montre toute la vitalité et la curiosité dont a toujours su faire preuve Volapük, se donne
avant tout pour moyen la pratique d'une musique qui aspire à plus de subtilité et de nuances.
Note : 4/6
Page 32/107
VOLAPÜK : Where is Tamashii ?
Lentement mais sûrement, la musique de Volapük s'est laissée glisser sur les traces d'une musique de
chambre qui transgresse les barrières sans avoir l'air d'y toucher. Les arrangements précieux de "Polyglöt"
donnait à ce disque des airs de changement en douceur dans la continuité, se traduisant par une approche
peut-être plus mesurée mais aussi, c'est ce que nous aurons finalement retenu, plus timorée qu'autrefois. Avec
la publication quasi confidentielle de "Where is Tamashii ?" à l'automne 2003, "Polyglöt" apparaît désormais
plus que jamais comme un disque de transition. Fukushima, jusqu'ici simple invitée, prend désormais fait et
cause au sein de Volapük, co-signant tous les titres et s'affirmant sur la plupart d'entre eux. La plage titulaire
est à ce titre un bel exemple de cette transgression vers un ailleurs qui se remodèle à chaque nouvelle livraison
; on pourrait presque mettre ce titre en parallèle avec l'esthétique post rock déployée par les américains
Rachel's, si ce n'est que celui-ci se pare du chant de la belle japonaise et qu'à chaque série de couplets
viennent se greffer des ponts à chaque fois différents, visitant toute une série de styles musicaux
dissemblables. Volapük style. "Sasayaki" enfonce le clou dans une approche plus radicalement pop et un chant
complètement flippé. Plus étonnant encore, "Chantage", "Mission" et "Nouvelle Vague" introduisent l'apparition
d'une basse électrique ! Et si ce n'en est pas une (après tout, elle n'est pas créditée), l'effet désiré reste
sensiblement le même ... Dans l'ensemble, la majorité des titres de ce "Where's Tamashii ?" se déploient sur
des temps d'expositions plus longs avec, toujours, en ligne de mire, cette volonté farouche de faire éclore le
beau de rencontres en apparence saugrenues. Tout en étant forts proches dans leurs intentions, chaque album
de Volapük est une aventure à part entière qui vaut le détour. Leur dernier disque en date ne déroge pas à la
règle.
Note : 4/6
Page 33/107
ASH RA TEMPEL : Schwingungen
Ouf!!! On parle énormément de Krautrock, de Koshmik Musik et de MÉ ces temps-ci sur GOD (pas toujours
dans le respect des opinions des autres) que j’ai décidé d’y mettre mon grain de sel….en tentant une chronique
(bien humble, va sans dire) sur le 2ième album d’Ash Ra Temple; Schwingungen. À vrai dire, j’ai jeté (et perdu)
une oreille aux Cosmic Jokers…..indénommable à mes oreilles. Donc pourquoi pas ce 2ième opus du délire
‘’Gottschingnien’’ qui n’est pas piqué des vers? Et ce, dans tous les sens du terme. Voici une chronique d’un
Nord Américain sur une musique qui déferlera dans un style plus accessible en le rock progressif, que nous
découvrirons par la musique de la Côte Ouest Américaine et, plus tard, par Yes, Genesis et surtout Pink Floyd.
Et c’est ce que je retiens le plus de Schwingungen.
Klaus Schulze partie, Manuel Göttsching ré oriente la musique d’Ash Ra Temple dans des couloirs plus
hallucinatoires avec une musique explosive où la folie ‘’vocabulatoire’’ de John L.,ex chanteur d’Agitation Free,
s’apparente aux hallucinations vocales d’un Jim Morrison sans le côté poésie. Côté musique? Wolfgang
Mueller fait bien oublier Schulze et Ash Ra vogue sur une musique psychédélique aux délires champignonnés.
Light: Look at your Sun est la seule pièce comestible sur cet album. Elle s’ouvre sur de fins accords d’une
guitare ‘’bluesy’’ de Göttsching et d’une voix frileuse de L. Un beau blues comme il s’en faisait tellement à
l’époque. Göttsching est en feu et sa guitare est sulfureuse, témoignant du talent de cet artiste trop effacé.
Après cette ouverture aguichante, le verset obscur et délirant de Schwingungen s’organise lentement autour de
Darkness: Flowers must Die. Des bongos légers, accompagnées d’un rumine babine aux sonorités tribales
débauchent une intro atmosphérique qui est plus près de la nature que du cosmos. Le manche de la six-cordes
à Gottsching déchire cette ambiance avec une hachuration qui étend une paisible ambiance où ses accords en
boucles s’appuient sur des cymbales papillonnantes. Mais John L. détruit cet univers sonore et prend les
devants d’une scène musicale où alto, percussions et basse hachurent un rythme lourd qui épouse à merveille
les élucubrations hallucinatoires de L. qui s’époumone comme Jim Morrison sur une musique de Zappa et ses
Mothers. Une structure névrotique, campée sur des riffs de guitares et du sax alto, dessine un beat percutant
aux effets d’hélices circulaires sur des solos très enflammés de Manuel Göttsching. Fou, incontrôlable. Mais si
vous êtes capable de supporter le délire du chanteur, la structure musicale est très digne d’intérêt. Un mélange
de Pink Floyd , des Mothers et d’un Morrison totalement ‘’cracké’’. Suche & Liebe est ni plus ni moins un
mélange des deux styles très à l’opposé de la face 1. Un beau blues qui percute le mur des drogues
hallucinogènes sur une musique endiablée où le rock tasse le blues pour culbuter dans les délires
psychédéliques des plus profonds, magnamisée par la superbe guitare de Gottsching qui termine le morceau
comme son entré ‘’bluesée’’, avec une touche, mais brève, de spectre atmosphérique. J’ai adoré le côté musical
de Schwingungen, mais la folie vocabulatoire de John L., quoiqu’assez acceptable par moments, m’éloigne de
l’envie de réécouter ce disque plus souvent. Dommage, car la musique est explosive….
Note : 4/6
Page 34/107
CASTRATI : Let the cat out of the [plastic] bag
Chronique réalisée par Twilight
S'il y a bien un groupe de la jeune scène actuelle de l'Hexagone qui incarne l'esprit batcave, c'est Castrati. Un
nom, des pseudos, une attitude, de l'humour noir, du dandysme...J'avoue qu'après les avoir vus en concert, il
eût été facile de manquer d'objectivité; ces gars-là sont taillés pour la scène, à commencer par leur chanteur
Onük qui apporte à lui seul, tant par le chant haut perché, limite nonchalant, le look, que la gestuelle, la touche
batcave au milieu des riffs plutôt deathrock de ses collègues. Heureusement le groupe me facilite la tâche , ce
premier essai sur cd se révèle plutôt réussi. Quelques esprits chagrins me rétorqueront que le son n'est pas
neuf, que les influences sont vite identifiables et tralalala. Ce n'est pas totalement faux, ce genre de sons est
connu mais il n'empêche, les Castrati maîtrisent pleinement leur univers car il leur est personnel, tant dans les
thèmes (cette étrange présence de chats) que les atmosphères. Les compositions sont solides mélodiquement,
à commencer par 'How Pugsley killed little Gregory' (savourez l'humour noir de la chose), hit potentiel qui a tout
pour embraser les dancefloors deathrock. Pareil pour 'Organic cars' et sa petite intro à l'orgue facilement
reconnaissable. La voix décadente de Önuk séduira ou agacera de par son timbre haut perché et ses volutes
quasi nonchalantes; personnellement, je la trouve parfaitement adaptée au climat des morceaux. Orientés
deathrock à coup de riffs tranchants, ils sont soutenus d'une touche de clavier bien à propos. Bref, un beau
premier essai pour un jeune groupe qui ne cesse de progresser et d'affiner sa réputation par ses concerts. 4,5/6
Note : 4/6
Page 35/107
KHOLD : Hundre ar gammal
Chronique réalisée par Sheer-khan
Khold a beau s'être tu durant trois longues années, il ne revient pas
changé, réinventé... non, Khold n'a jamais bougé, et il ne bougera
jamais. Un black metal des origines, avec sa dose de rock, de groove
mid tempo à la pression misanthropique imparable, ses riffs lourds...
Gard domine, comme à son habitude, de toute sa sécheresse
malveillante; il insulte avec classe et froideur, il déteste sans
limite, il méprise sans scrupule et menace avec précision. "Hundre ar
gammal" n'est donc rien d'autre que le cinquième album de Khold. Rien
d'autre, qu'un album de Khold. C'est du riff à Headbang à en donner
des leçons à Darkthrone, de la lenteur malade à appliquer en couche
mince sur les plaies infectées du cerveau, du black metal qui sait se
tenir : fier, droit et retenu, sans effet ni prouesse, sans excès,
sans une once de pitié. La puissance vient de la maîtrise et du
contrôle, l'efficacité de l'évidence; Khold ne va jamais trop vite, il
Page 36/107
ne pèse jamais trop lourd; il dévaste à distance, il s'impose par le
mépris... même pas la peine de t'éclater la gueule. Trois ans de
silence... pour apprendre à être plus retord, plus inspiré, plus
multiple. Khold arrive à saisir en exprimant l'ennui; il énergise et
fait monter le sang à la tête en n'étant qu'envies mortes et
désillusions. Up tempos qui s'en vont prêter allégeance à La
Fournaise, mid aux riffs pète-machoires, pesanteurs désolées : "Hundre
ar gammal" est une chaîne de collines de cendres où les vapeurs de
souffre, le ciel et la poussière de charbon sont les seuls
respirables... tant pis pour les poumons. Chez Khold, la rage est
comme passée, la haine tenue en laisse, prête à être lâchée comme un
pitbull, assise comme un trophée au pied du trône de Gard. Aussi
passéiste qu'intemporelle, l'oeuvre de Khold s'alourdit avec "Hundre
ar gammal" de son bloc le plus solide et le plus vaste... un black
metal des origines, avec sa dose de rock, de groove et de mépris... au
sentiment inerte, glacial et désolé comme la surface de la lune.
Note : 5/6
Page 37/107
DEEP PURPLE : Highway stars
Chronique réalisée par Chris
S'il y a un groupe prolifique au niveau compilation, c'est bien Deep Purple ! En effet on ne compte plus les
innombrables sorties du groupe parues au fil des années dans cet exercice délicat de la compilation. Parue en
2006, la compilation "Highway stars" se propose de faire "un p'tit tour express" de l'oeuvre de Deep Purple sur
la période 1968 à 1975. L'originalité du disque étant de présenter la quasi totalité des morceaux, non pas en
version originale, mais en versions "remix" ou remastérisées. Seul le dernier titre de la compilation, "Gettin'
tighter" échappe à ce petit lifting bienvenue. Ces enregistrements sont issus de la grande vague de
remasterisation de la plupart des grands classiques du groupe. Ces diverses remasterisations se sont étalées
sur une petite dizaine d'années entre 1995 et 2004. La tracklist est plutôt bonne, même si certains choix peuvent
paraître un peu étrange : il manque en effet à l'appel quelques grands incontournables du groupe, et dans le
même temps on se retrouve avec quelques morceaux assez peu emblématiques et donc plus dispensables
(mais pas mauvais pour autant), tels que "Rat rat blue" ou encore "Kentucky woman". La compilation n'offre
qu'une seule incursion dans le domaine du live par l'intermédiaire de l'énorme "Strange kind of woman" dans
une des meilleures versions qu'il m'ait été donné d'écouter : celle du "Made in Japan" sur laquelle Gillian et
Blackmore s'éclatent comme jamais ! Au final cette compilation parvient relativement bien à remplir son
objectif, mais si elle laisse quand même l'auditeur un poil sur sa fin... Non pas sur la qualité des morceaux, la
sélection ici est exemplaire et le son tout simplement excellent, mais tout simplement parce qu'il faut bien
reconnaître qu'il n'est pas si évident que cela de faire rentrer tout Deep Purple en un peu plus d'une heure de
musique ! Aussi, pour ceux qui souhaiteraient avoir un aperçu plus complet de la carrière de Deep Purple, je ne
peux que recommander la compilation double cd "The compact disc anthology" dont la tracklist saura
satisfaire le fan le plus exigent...
Note : 4/6
Page 38/107
DEEP PURPLE : Greatest hits
Chronique réalisée par Chris
Et hop ! Encore une p'tite compilation de Deep Purple ! La particularité de celle-ci est quelle se concentre sur la
période "BMG" des britanniques, reconnue pour être plutôt insipide artistiquement parlant. Le CD regroupe des
enregistrements live et studio parus entre 1990 et 1996 avec au programme, 6 titres live tous directement issus
du live "Come hell or high water" de 1994 et 5 titres studios issus des albums : "Slaves and masters" (1990),
"The battle rages on..." (1993), et "Purpendicular" (1996). A l'écoute on s'aperçoit rapidement que la compilation
est portée par les quelques vieux classiques du groupe, tel que "Highway star", "Child in time" ou encore
"Smoke on the water", repris ici dans des versions live tout à fait intéressantes où Deep Purple parvient à
raviver une flamme que l'on croyait plus ou moins chancellante. Les autres extraits live, "Anya" et surtout
"Perfect strangers", parviennent à tirer honnêtement leur épingle du jeu. La sélection des titres studios à pour
sa part bien plus de mal à convaincre, et si "The battle rages on" parvient à faire illusion, que dire d'un "Love
conquers all", d'un "King of dreams" ou encore d'un "Aviator", tous aussi fades qu'une vieille laitue sans
vinaigrette. Sur tous ces titres on sent un groupe ampoulé, vraiment à la peine au niveau de l'inspiration, avec
des mélodies faciles et sans grand intérêt. Bref, n'y allons pas par 4 chemins : la galette est sauvée par sa
partie live, point barre. Le reste étant pour le moins anecdotique. Du coup autant acheter le live en question :
"Come hell or high water", ce sera à coup sûr une meilleure affaire.
Note : 3/6
Page 39/107
DIE FORM : Confessions
Vous avez des enfants ? C'est l'heure de les mettre au lit. 'Confessions', ou l'album le plus caoutchouteux,
lubrique et ouvertement démonstratif du duo. Les apparats dance/electro sont là pour leur simple esthétique,
au même titre que le cuir et le latex : un piment libertin ouvertement assumé, porté en étendard de désir, de jeu
et de gracieuse désinvolture. Cette fois, on dépasse le cadre de l'évocation ou du tâtonnement coquin pour
rentrer dans le vif du sujet : l'acte sexuel ritualisé dans tout ce que le fétichisme a à offrir en matière
d'orchestration codifiée. Depuis l'immense 'Silent Order', véritable ouverture sans retour sur fond de beats
claquant comme autant de coups de fouet jusqu'à la libido déshumanisée d'un 'Mechanized' (John Zewizz
reprenant The Silicon Teens, oui oui), Philippe Fichot laisse de côté sa dramaturgie toute gothique pour
s'affairer aux mouvements musculaires quasiment machinaux (le biomécanique 'Blind Obedience'), pour
ressasser en tout sens ses obsessions électro-sex jusqu'à hacher menu les interventions de sa belle afin de
parfaire sa quête de la forme hybride parfaite ('Deep Skin' ou l'accomplissement du cyborg minimal, maximal,
androgyne et hermaphrodite). Le coït procédurier, entre chair et acier, cuir et peau, cyprine et sperme, glace et
métal : rarement la psychorigidité n'aura été positivement jouissive, décomplexée et dansante.
Note : 4/6
Page 40/107
DIE FORM : Extremum
Fini de rire : Extremum est le chef d'oeuvre de Die Form. Une oeuvre claustrophobique, impérieuse, noire
comme une cage d'acier perdue dans le néant ; c'est une prison désinfectée, aseptisée, beaucoup trop propre :
un paradis noir pour automates érotiques abandonnés et autres fantasmagories macabres que seul Hans
Bellmer aurait pu mettre en forme sans en perdre la substantifique moelle. Eliane, grands dieux ; LES Eliane
tant sa voix est multipliée, déformée, transfigurée chante parfois de façon spectrale, aidée ou non de
stupéfiants électroniques abstraits ('Deep Inside'), parfois comme possédée, hypnotisée par la force de volonté
d'un Philippe Fichot à l'assurance plus que persuasive (l'étouffant 'Glassphyxie', pur moment d'hypnose dans
une chambre froide). L'électronique se fait architecturale, structure métallique et machinerie médicale
sophistiquée (retour à l'hosto avec le chirurgical et sublime 'Operating Theater', morgue réchauffée par les
chaudières avoisinantes sur l'old school et cauchemardesque 'O.T.E.D.') tout en poussant le paradoxe
DieFormien érotisme sulfureux/rigidité cadavérique à un nouvel extrême. Les difformités engendrées par les
fantasmes de Fichot remplissent les salles d'op ('Transvocal Mutations') tandis que quelques touches
humaines subsistent ici et là (guitare électrique et mélodie romantique sur 'Electronic Brainpan', le refrain
envoûtant de 'Suffocations' – on croirait Emma Shapplin perdue en robe de chambre dans un bloc opératoire)
mais ne soyons pas dupes, il ne s'agit là que de sujets d'expérimentations n'ayant pas encore mis les pieds
dans les bons secteurs, tels 'Radiomorphism' et 'Neurolepsia' – les spots sont manifestement sur nous...
Twilight nous parlait d'une tour d'ivoire avec 'Suspiria de Profundis' – 'Extremum' en est la salle
d'expérimentations souterraine, et ce n'est pas demain que ses cobayes reverront la lumière du jour. Certains
ont même commencé à se reproduire dans leurs cages : écoutez donc les geignement foetaux sur
'Transgressions'...
Note : 6/6
Page 41/107
DIE FORM : Rose au Coeur Violet
Dans le labyrinthe Die Form, il y a nombreux recoins mystérieux et autres cachette secrètes sous forme de
side-projects, de mini limités ou de picture-discs ultra léchés - ce mini en fait assurément partie, j'ai craqué
pour sa bien étrange pochette et son très beau titre, emprunté à Hans Bellmer, tout comme les anagrammes
érotiques dans le packaging, lui même offrant la totalité du corps dénudé de la demoiselle en cage à qui voudra
bien soulever la rose au coeur violet... Un bien étrange artefact donc, regroupant deux titres de 'Suspiria de
Profundis', une variante des grands 'Silent Order' & 'Savage Logic' ainsi qu'un alléchant aperçu de son
side-project Die Form Sadist School sous forme de deux titres plus glauques et sales qu'à l'accoutumée,
renouant avec l'ambiance médicale morbide de 'Some Experiences with Shock' : l'impérieux et assuré 'Bite of
God' et surtout l'electro-indus noirâtre d'Eclipse', inesthétique au possible tout en conservant une touche bien
mélodique. Un objet très réussi pour faire le tour en vitesse de la bête engendrée par Philippe Fichot et ses
succubes, depuis le salace et orgiaque 'Slavesex' jusqu'au romantisme crépusculaire de 'Cantique' en passant
par les machineries cradingues de sa Sadist School. Gothique, poétique et décadent, what else ?
Note : 4/6
Page 42/107
CRUISE [CTRL] : We’ve met before, haven’t we?
Je tairai les conditions par lesquelles ce cd promo est arrivé jusqu’à moi, par respect pour les protagonistes et
pour ne pas jeter l’opprobre sur une musique qui, elle, n’avait rien demandé (elle demande jamais rien,
d’ailleurs, la musique, c’est ça qui est bien, notez.). Toujours est-il que les belges de Cruise [ctrl] avaient
visiblement très envie de se voir chroniquer sur guts of darkness. Ne les décevons pas, donc. Mais avant,
retranscrivons quand même la première expérience du chroniqueur, qui, ayant finalement réceptionné le colis
par voie détournée, fait l’erreur habituelle de lire le feuillet promo avant de mettre le cd (difficile d'y couper, à
ça, malheureusement). Une fiche promo qui apparaît d’abord comme un exemple de crevardise : se réclamant
de David Lynch (à part les titres, rien, absolument rien à voir, mais ça vous étonne ?) et du Dogme de Lars Von
Trier, tout ça parce qu’ils ont trouvé un synthé bloqué à 120bpm dans une brocante (ça aura au moins eu le
mérite de me faire rire, et faut reconnaître l’effort d’imagination), le groupe en fait des tonnes sur la première
feuille, tout en anglais histoire de montrer que ça rigole déjà plus (il faudrait citer le texte en entier mais en un
mot, c’est digne de Jean-Claude Van Damme, et si j’arrive à ne pas faire de blagues sur les belges d’ici la fin de
cette chro, j’aurai du mérite). Et vient ensuite une deuxième feuille, en français celle-là, visiblement destinée
aux tourneurs, qui sont dispensés de parler l’anglais, y’a d’autres arguments pour eux. Le tout est super classe
et sérieux. J’insère donc, hilare, le cd dans le lecteur, en me disant que ça intérêt à déchirer après tout ce barda
qui prend plus de temps à lire que d’écouter la musique (oui, tout ça pour un 3 titres, teaser du prochain album,
How’s Annie). Première écoute : je me poile, la personne dans la pièce avec moi aussi, on remballe le tout dans
un coin au rayon "J’ai pas de face" (ah merde, il déborde déjà). Ça pourrait être la fin de l’histoire, mais si vous
lisez ces lignes aujourd’hui c’est visiblement qu’il en est autrement, sans quoi l’affaire n’aurait pas grand
intérêt. Je tentai donc l’expérience au casque quelque temps plus tard. Les textures granuleuses apparaissent,
la musique prend soudain du relief… Si le premier titre reste un peu fade avec son beat répétitif et standard, on
plonge, sur The Bunny Room (censé évoquer la scène des lapins dans Inland Empire…), dans un univers
arythmique où les oscillations analogiques crades règnent en maître. Where is alice ? alice who ? cumule le
meilleur des deux titres pour un genre d’EBM mort-né, glauque à souhait, avec un genre de ventilo qui souffle
des basses imprécises en arrière-plan, incitant à monter le son pour se prendre des gros résidus dans la face…
Bien cool. A réévaluer à la hausse, sans doute, sur un format plus long, idéal pour apprécier ce genre de trip.
Dommage qu’il faille se taper tout l’attirail de l’attrape-chroniqueur avant, l’hameçon rouillé et empoisonné est
tellement plus savoureux que ce petit asticot ridicule… Une telle musique méritait mieux.
Note : 3/6
Page 43/107
THE ORB : The Orb's Adventures Beyond The Ultraworld
Avant de commencer à parler de ce premier (et déjà double) album de The Orb, il convient d’apporter une
précision qui pourra surprendre l’amateur de musique de ces latitudes, et surtout de cette époque : Adventures
beyond the ultraworld, album pratiquement dénué de morceau dansable, fut un carton en son temps (numéro 1
des ventes durant l’année 92, époque bigarrée s’il en est en grande bretagne). On raconte même que les
prisonniers l’adoraient car il leur permettait une invasion instantanée, avec seulement une paire d’écouteurs. Si
je disais « pratiquement » sans titre dansable, en introduction, c’est parce que Little Fluffy Clouds, tube de fin
de rave, a été intelligemment placé en ouverture, et qu’il s’agit du seul morceau un peu uptempo de l’album,
avec ses multiples samples non autorisés, allant de Ennio Morricone à Steve Reich. Après ça, c’est calage
jusqu’à la fin, comme le verso de la pochette, qui montre Paterson assis comme un prince sur un bouddha
doré. La face B étant même un exercice d’ambient presque total, seulement perturbé par le ressac des vagues
et les cris des oiseaux (back side of the moon), ou bien par de discrètes clochettes, dissimulées sous des
strates mélodiques immobiles et apaisantes (le fantastique Spanish castles in space, qui n’a pas pris la
moindre ride). On regrettera un peu de ne pas ressentir la présence des invités sur cet album, pourtant
nombreux, de Steve Hillage, accompagné par la claviériste Miquette Giraudy, à Paul Ferguson et Martin Glover
alias Youth, échappés de Killing Joke. Ce dernier étant peut-être le seul dont on reconnaît la patte. L’album
n’est pas exempt de passages chiants comme ce long ronflement spatial inutile sur Earth, venant souligner un
peu lourdement les titres, déjà bien explicites. Le deuxième disque est nettement supérieur au premier,
beaucoup plus coloré et influencé par le dub : Perpetual Dawn est une fleur de reggae électronique, annonçant
3 Kilos de Prodigy,et Outlands sample la voix d’allumé de Lee Perry prise sur l’intro de son chef d’œuvre
Blackboard Jungle. Et puis il y a la basse rondelette de Star 6 & 7 8 9, morceau cool et planant au possible qui
débouche sur ce qui était déjà le manifeste du groupe, sorti en 89 : A huge ever growing brain that rules from
the centre of the ultraworld : live mix mk 10 (rien que ça). Une merveille baba cool, où des chœurs béats se
posent sur une rythmique spatiale et lourde et des séquences en arpèges typiquement Berlin School, tandis
que le fantôme de Minnie Riperton, disparue trop tôt, résonne dans la galaxie (pratiquement toute la chanson
Loving You est samplée !)… Un genre d’autobahn interstellaire, qui se termine en piste de décollage vers l’infini
et l’au-delà. On a beaucoup parlé de The Orb à l’époque comme du groupe inventeur de l’ambient (considérant
Eno simplement comme un « précurseur »). Ils apparaissent bien sûr, aujourd’hui, avec le recul, bien plus
comme des bricoleurs surdoués en avance sur la mode et s’étant trouvé au bon endroit au bon moment. Mais
ils sont toujours restés, sur tous leurs albums, fidèles à leur ligne directrice, sans jamais s’abaisser à un
gimmick commercial ou à un changement de mode ; mode qui n’a pas toujours avantagé le style
ambient-house (ou ambient-dub, c’est selon). Il y a d’excellents moments sur ce Ultraworld. Il suffit de savoir
les débusquer et les apprécier.
Note : 4/6
Page 44/107
PRIMAL SCREAM : Screamadelica
Attention car là c’est du très lourd. Screamadelica, chef d’œuvre insurpassable de Primal Scream (que faire
après ça ?), est et restera le témoignage d’une période de défonce et de délire comme rarement en a connu la
musique anglaise. Difficile de trouver une ambiance plus propice à la fête au ralenti sous les étoiles,
retranscrivant l’expérience d’une rave en pleine nature, où les montées de trip se conjuguent aux rythmiques
tribales de la house music. C’est d’ailleurs au cours d’une rave que le groupe rencontre Andrew Weatherall, DJ
et pilier de scène électronique anglaise, personnage culte au rôle déterminant sur cet album. C’est pourtant
Alan McGee, parton du label Creation, qui leur fait découvrir l’acid house en 88, lors du fameux "Second
Summer of Love". A partir de là, le groupe, alors considéré comme ringard, est associé à la découverte de la
house et de l’ecstasy, aux smileys et à la scène Madchester, bien qu’ils viennent à la base de la très artisanale
scène indie ecossaise (Jesus & Mary Chain bien sûr, Edwyn Collins, les Vaselines.. que du bon). Ils ne
lâcheront d’ailleurs jamais leur fascination pour le rock et la soul, plaçant un Movin’ On Up comme rescapé de
l’année 69 en première piste, ainsi qu’une photo de livret qui semble ouvrir sur un monde disparu, dans la
lignée des futurs Brian Jonestown Massacre… Et n’oublions pas Slip Inside His House, chanté "trip inside this
house", qui reprend en mode house bordélique la chanson-monstre du psychédélisme américain, des 13th
Floor Elevators. Inner Flight, lui, invite au voyage intérieur, à l’introspection, et annonce Damaged, I’m Coming
Down et Shine Like Stars, quatre ballades magnifiques, instants de beauté capturés sous les étoiles entre les
chants des criquets et le carillon du marchand de sable... Trois perles venues d’on ne sait quelle constellation
qui justifient à elles seules l’achat du skeud, même si vous n’aimez pas la house old school et les effets dub.
Come Together et Loaded, les deux machines à dancefloors (ayant déjà cartonné en single avant la sortie du
disque), réveillent l’auditeur pour mieux le plonger dans une transe groggy primale et tribale, une gigue spatiale
sans fin, endiablée, aux accents gospel. Les relents acides se confondent avec percussions 60’s et le tout
semble avoir macéré assez longtemps pour devenir dangereusement hallucinogène. En effet, Weatherall a
travaillé et remixé les bandes du groupe, sans que celui-ci lui ait demandé ! Après avoir écouté le remix de
Loaded (à la base un morceau de l’album précédent), Gillepsie, alors écoeuré par l’échec total du groupe sur la
scène rock, prend le morceau comme un choc. C’est décidé, son groupe ne ratera pas le train de l’Acid House
qui déferle alors telle une avalanche sur la pauvre angleterre. Weatherall, sorcier des loops, justifie ici tout un
procédé, en accouchant probablement d’un des plus grands remixes de tous les temps, aux côtés de Paid in
Full par Coldcut (même famille, et ça s’entend) et Karmacoma par Portishead. La jonction entre le Summer Of
Love ’67 et celui de 88 est faite ici. Entre Acid Rock et Acid House. S’ensuit une descente dans les tréfonds du
dub le plus moite et bariolé, et la redescente en douceur façon Gillepsie : Shine Like Stars, comptine cristalline
à la Jesus & Mary Chain qui nous laisse chancelant, à peine remis de cette expérience hautement
psychédélique. La reprise de Higher Than The Sun à la fin de l’album (A Dub Symphony In Two Parts, rien que
ça) propulse l’auditeur dans un maelstrom tribal digne des heures les plus barrées du Floyd 70’s ! Le trip
commence vraiment vers 3min30, quand une basse rondelette déboule (Jah Wobble, ladies and gentlemen) et
sonne l’arrivée du remix dub de Weatherall. A partir de là, on entre dans un espace sonore inédit, entre
respiration de dark vador, chants africains et la voix de Gillepsie, quasiment disparue dans un brouillard
d’ecstasy et d’herbe, tandis que Martin Duffy égrène ses lignes de claviers délicieusement vintage, entre
Page 45/107
mélodica jamaïcain et orgue à la Booker T... A noter la présence du duo ambient-house The Orb à la production
de Higher Than The Sun et Come Together, aux côtés de Jimmy Miller - fameux pour avoir mis en boîte Beggars
Banquet des Stones – au mixage. Grand écart improbable, mais improbable n’est pas anglais. “I’m gonna live
the life I love/I’m gonna love the life I live” chante Denise Johnson (diva house typique de chez typique de
l’époque) sur Don’t Fight It, Feel It, déclaration d’intention hédoniste (“I’m gonna get high ‘til the day I die”)...
L’intrusion de voix et d’éléments black dans le rock anglais de l’époque n’était pas dû au hasard : c’était la
conséquence de l’influence de la house de Chicago, musique 100% black, qui allait mettre la scène indé
anglaise, depuis trop longtemps en autarcie, face à ses vieilles influences 60’s et 70’s. Ainsi on peut entendre le
prêche de Jesse Jackson lors du Wattstax de 1972, festival du label Stax désigné comme le Woodstock noir, en
ouverture de Come Together, et les maniaques auront peut-être reconnu le rire de Sly Stone à la fin de Slip
Inside This House. Si vous voulez savoir comment est sorti le groupe de cette expérience (tout l’album est
construit comme un trip, dès la deuxième piste, la sobriété est proscrite et le basculement est irréversible), il
suffit d’écouter l’immense Damaged, aux paroles lucides de Gillepsie, qui aura laissé quelques neurones dans
l’affaire, avant de déclarer aux anges, les bras grands ouverts "IIiiiiiii’ve neeveeer beeeeen so
haaaaaaaappyyyyyy"… Putain de grand disque.
Note : 5/6
Page 46/107
COMPILATIONS - DIVERS : Come Again II
Japanoise ou “exorcisme de la limite” comme le dit avec cynisme le texte du livret, sensé définir en quelques
circonvolutions verbales la raison d'être de telles explosions soniques pourtant sur un label reconnu pour ses
excentricités ; Furnace étant la sous-division de Silent Records (sur lequel on trouve déjà du PGR, The
Haters...). Voici le remède à la “pop mu-sick”, venu d'Extrême-Orient pour parfaire la désorientation extrême de
l'Occident, offert par un certain Mishio Teshima après un premier 'Come Again' relevant plus du mythe que de
l'objet rare (triple 7” en 63 exemplaires …) cette fois-ci avec un tirage illimité et surtout mieux distribué de par le
monde. Un monde ravi de se faire charcuter les oreilles par la harsh noise de Masonna, Merzbow, Monde Bruits
ou Incapacitants dépeignant un présent industrialisé sans lumière ni ombres ; un monde curieux de
comprendre le mystère que recèlent les musiques concrètes d'Aube, Agencement, S*Core, Abominable
Snowman Effuse Anal Tibet (!) ; un monde soucieux de chercher le moindre sens aux ovnis électroniques
d'Hatanarash et Violent Onsen Geisha ; un monde apeuré par la puissance des improvisations absurdes
reprenant pour certains des éléments rituels ou traditionnels tels les cordes dissonantes de Dislocation ou les
barbarismes vocaux de Tatsuya Yoshida ; un monde buvant la tasse dans un élément où il n'a pas pied et où
son seul repère de chaos restait jusqu'alors le free jazz. Un monde prenant sa dose d'anti-monde, comme un
moule en négatif revenant étouffer la forme qu'il avait mis tant de temps à générer. Et pan dans les dents.
Note : 4/6
Page 47/107
THE METEORS : Hymns for the hellbound
The Meteors: près de vingt-cinq ans de carrière au compteur, au moins autant d'albums, sans oublier plus de
quatre mille concerts dans le monde entier...Tout ce temps depuis que P.Paul Fenech, dégoûté de la mièvrerie
d'un certain rockabilly, injectait au genre une bonne dose de noirceur démoniaque que l'on qualifiera vite de
'psychobilly' d'après les propres termes du groupe. J'avoue que si j'apprécie les Meteors, j'avais un peu oublié
d'y jeter une oreille ces derniers temps jusqu'à ce que le label I used to fuck people like you in prison m'envoie
à chroniquer le dernier essai solo de leur infatigable leader. Les Meteors, pas sur Guts ? Il fallait y remédier.
Oui, mais par où commencer ? Contre toute attente, j'ai opté pour les derniers enregistrements; après tout,
n'était-ce pas le meilleur moyen de faire un petit bilan objectif du potentiel de nos rockers de l'enfer après
toutes ces années ? Je fus bluffé, ce 'Hymns for the hellbound' est vraiment bon. Si certaines formations
psychobilly ont quelque chose de très punk dans le son, l'essence même de celui des Meteors a toujours été et
reste le rockabilly, pêchu certes, mais sans excès speed. Le cru 2007 démontre que si le fond n'a pas changé, la
forme, elle, est devenue beaucoup plus subtile; le côté un peu brut des débuts a fait place à quelque chose que
je qualifierais de 'spectral', quant à l'aspect mélodique, il est meilleur que jamais. Le timbre rocailleux de
Fenech se marie à merveille aux climats sombres du disque mais en apportant de véritables émotions...C'est
presque une mélancolie résignée qui pointe derrière les lignes de 'Paradise lost', 'My slaughtering ways' porte
une touche épique en sa mélodie; ce n'est certes pas du neuf chez les Meteors mais cet aspect s'est
perfectionné, sans la moindre impression de dilution de l'essence maléfique qui porte Fenech depuis les
débuts. Et dire que la prochaine galette se révélera meilleure encore...
Note : 5/6
Page 48/107
THE METEORS : Hell train rollin
Visiblement, les deux nouveaux compères dont P.Paul Fenech s'est entouré, à savoir Wolfgang Hordemann et
Simon (The Prince) Lindon, forment avec lui une équipe efficace puisque deux ans après le bon 'Hymns for the
hellbound', le trio revient avec ce 'Hell train rollin' qui, s'il reprend la formule du précédent, se montre plus
audacieux dans les sons. On y sent toute l'expérience du groupe et les divers essais de son leader en solo, ce
qui permet aux musiciens de conserver des bases psychobilly classiques tout en y incorporant quelques
touches que ne se permettraient pas forcément de jeunes formations. Cela débute avec les sonorités
métalliques des percussions de l'excellent 'Never stop the hate train' et se poursuit avec l'ajout d'un harmonica
bluesy sur 'Devilbone fugue', les nuances travaillées (et franchement jouissives) de la guitare de 'This town'.
Les bonnes choses ne s'arrêtent pas là pourtant; je citerais l'excellent 'Another day on fire' dont j'adore la
mélodie, '4 pound hammer' pour son jeu de basse claquant et rythmé sans parler de la superbe reprise de 'The
old man down the road' de John Fogerty. 'Hell train rollin' me semble également se rencentrer sur une pêche
toute rockabilly, sans perdre la subtilité des acquis ('It that's the way you want it', 'Psychobilly number 1' le bien
nommé ou 'Down and dirty'). Si j'avais un conseil à donner, ce serait celui d'acheter ce cd avec 'Hymns for the
hellbound' car les deux opus me paraissent complémentaires. Quoiqu'il en soit, je ne serais par surpris que leur
qualité donnent envie à certains de (re)découvrir les débuts de ce groupe mythique.
Note : 5/6
Page 49/107
THE METEORS : Wreckin' crew
Voilà un indispensable; il s'agit certes du second album des Meteors mais du premier où P.Paul Fenech assure
entièrement le chant (tâche qu'il partageait avec le contrebassiste Nigel Lewis sur l'opus précédent). C'est à ce
moment également que le trio confirme son engagement dans ce que l'on baptisera 'psychobilly' en s'éloignant
des tentations vaguement garage des débuts; 'Wreckin' crew' reste d'ailleurs considéré comme l'un de leurs
meilleurs disques. Il est vrai qu'il regorge de bons morceaux, notamment avec la reprise de 'Johnny remember
me', celle de 'Wild thing', 'Blue sunshine' où le titre éponyme. Ce qui selon moi en fait le charme, c'est sa touche
'roots'. En effet, si le psychobilly s'est plus que développé, générant même divers sous-genres, louchant
clairement du côté de l'horror punk dans ses déclinaisons les plus violentes, celui des Meteors a toujours puisé
son essence dans le rockabilly pur. Certes les thématiques (zombies, science-fiction, spectres et tout le toutim)
étaient bien différentes de celles des autres formations du style à cette époque mais au niveau du son, les
divergences ne sont pas si notables, excepté le fait que Fenech et ses complices axent l'écriture sur ce qu'on
trouve de plus rythmé en la matière. Si le son de guitare est travaillé, nous sommes loin des climats spectraux
qu'on trouvera par la suite, quant au chant, il n'a pas encore son aspect rocailleux (nicotine ?), ce qui ne
l'empêche pas d'être efficace. La qualité mélodique est une des forces du groupe et cette galette en est un bon
témoignage, que ce soit dans les tentations punky de 'Get off my cloud' et 'Axe attack' ou le feeling presque
blues de 'I don't worry about it'. Ceux qui privilégient le côté punk du psychobilly pourraient se trouver déçus et
dans un sens, je les comprends, il m'avait fallu du temps à moi aussi. J'aurais tendance à dire que c'est plutôt
quant à ce que cet album apporte au rockabilly qu'il faut chercher pour en apprécier la saveur; au fur et à
mesure des écoutes, on réalise alors que les Meteors, loin d'être passéistes, insufflent un souffle résolument
moderne bien plus proche de la tradition la plus barjot du garage que du rockabilly des bals de Papa et Maman.
Ils feront bien plus fort par la suite mais cette 'retenue' (vous avez vu la pochette ?) fait de 'Wreckin crew' un
enregistrement particulier de leur carrière, un peu comme la véritable pierre de fondation des années à venir.
Note : 5/6
Page 50/107
ASH RA TEMPEL : Ash Ra Tempel VI - Inventions for electric guitar
En 1974, rien ne va plus pour Manuel Göttsching. Son groupe s’est disloqué sous l’effet des excentricités et
des escroqueries diverses de Rolf-Ulrich Kaiser. Klaus Schulze, excédé, est parti se perdre dans les limbes de
la musique électronique berlin school (j’en connais d’autres), et Harmut Enke, le plus marqué de tous par la
philosophie de Timothy Leary, semble avoir pris le même aller simple que Syd Barrett pour les étoiles. Même
Rosi Müller, compagne du guitariste, semble absente du tableau. C’est pourtant avec elle qu’il décida, lassé des
séances sous trips des studios Dierks organisées par le couple fou Kaiser-Letmann (on en reparlera), de
prendre la poudre d’escampette avant que son cerveau grille à son tour. Fini la Koschmische Musik pour lui.
Göttsching, malgré la photo de pochette et le packaging encore marqué par cette époque de défonce et
d’ultra-productivité (matez moi ces accroches : "galaxy sound", "cosmic symphony", et ce regard de benêt
baba cool ultime !), est déjà branché sur les vibrations qui le mèneront au culte E2-E4 quelques années plus
tard. Seul avec sa guitare, méditatif, enfin posé, revenu des doutes et des tribulations space-rock furieuses. Il
était temps pour lui de faire fructifier sa musique, et de ne plus se faire escroquer. Le "Tempel" d’Ash Ra
Tempel, lassé de ces pillages, allait bientôt disparaître sous terre, marquant cette nouvelle orientation. Pour
l’heure, étant toujours sous contrat avec Kaiser, Göttsching livre ce qu’il appelle son "Ash Ra Tempel VI",
sixième opus du groupe si l’on excepte le divers projets collectifs avec Leary, Wegmuller et toute la smala. La
mention "Manuel Göttsching" en plus petit sous le nom du groupe illustre bien l’ambiguïté : comme pour le
fameux dernier album de Tubeway Army, le leader est en fait en train de livrer son premier album solo, sans
lâcher un nom devenu mythique pour les amateurs. Mais musicalement, le grand changement est déjà
intervenu. Les notes de pochettes sont courtes et explicites : après 6 ans de folles expériences, il est temps de
retirer des leçons. La voie à suivre pour Göttsching : la musique électronique. Mais à sa façon bien entendu.
“Music, effects and sounds are played with electric guitar only. There are no other instruments used.” On a du
mal à le croire, au début, mais une écoute attentive corrobore ces dires. "Inventions…" n’usurpe en rien son
titre. C’est une merveille de quiétude et d’équilibre : Les basses sont sourdes et machiniques, comme
provenant d’un monde souterrain et industriel. Les médiums sont frétillants et percussifs, comme joués par des
milliers de doigts qui pianotent en rythme sur les cordes d’acier ; et les aigus sont perçants et légers, comme
des confettis d’aluminium… Tout cela tourbillonne, vibrionne, et danse autour de la fée électricité durant de
longues minutes, d’une façon qui rapproche plus ce disque de certaines œuvres du courant minimaliste /
répétitif de Terry Riley, comme In C, que des sarabandes sous LSD organisées par Rolf-Ulrich Kaiser. Et
pourtant, cet album est bel est bien sorti sous la bannière des Cosmic Couriers, comme l’en attestent le petit
logo jaune en forme de cible sur la pochette et le superbe macaron du vynile typique de la bannière. L’album
est composé de deux longues pièces hypnotiques, vers la fin desquelles intervient un solo de guitare comme
filtré à travers une talk-box, flamboyant mais discret, seule rémanence de l’époque des premiers opus. Echo
Waves est sublime, parfaite. On sent que Göttsching a trouvé SA formule. Pluralis est un poil moins
convaincante, mais l’atmosphère de cockpit de spacecraft est là. Il y a même un superbe morceau purement
ambient, Quadrasphere, au titre qui rappelle l’autre grande spécificité de cet album (exigence de l’artiste où
caprice de luxe de Kaiser ?) : il est écoutable non plus seulement en stéréo et mono comme tout LP, mais en
quadriphonie ! J’ai choisi de le chroniquer sans avoir de système me permettant de tester cette fonctionnalité,
Page 51/107
sans quoi il aura sûrement fallu attendre très longtemps avant de trouver. Cette musique n’a de toute façon pas
besoin d’artifices pour fonctionner, immédiatement. C’est frais, c’est grand, c’est zen.
Note : 5/6
Page 52/107
PANOPTICON : Bootleg 1.3 : Revenge - PaNoPTiCoN Live @ CAFÉ CENTRAL
On sent d’emblée, en lançant le fichier de playlist .m3u amoureusement concocté par Domenico Solazzo dans
Winamp, que le batteur avait en effet une sacré revanche à prendre sur ce fichu Café Central. Théâtre d’une des
toutes premières prestations de Panopticon, l’une des meilleures d’après Solazzo lui-même, le Café Central
était depuis associé à la déception, celle de ne pas pouvoir écouter ce qui s’est passé ce soir-là, un problème
technique ayant empêché tout enregistrement… (Passez quand même voir les vidéos volées ce soir-là sur le
blog de Panopticon). Un épisode qui était resté, comme qui dirait, en travers de la gorge du maître de
cérémonie, qui revient donc sur les lieux du crime, on imagine, avec plusieurs magnétos tournant ce soir-là…
Ce n’est d’ailleurs pas dans l’habitude du groupe de jouer deux fois au même endroit, ce qui peut donner un
indice sur le côté nécessaire de ce Revenge. On sent d’emblée, disais-je, que Solazzo est là pour en découdre :
Here We Go démarre en trombe, et commence sous les meilleures auspices une performance de… 78 minutes.
La revanche est donc complète. La basse est à l’honneur, et les intros de morceaux sont plus nettes, moins
évanescentes que d’habitude (Morse Code Delta et ses palpitations synthétiques). Du moins jusqu’à
Horripilations, qui semble comme diffuser le doute parmi la formation. Tandis que claviers et batterie
entretiennent le suspens d’une nouvelle rincée d’énergie, les deux saxophones minaudent en mode racolage
actif sur 364 Days to Say I Love You (allusion à la St Valentin ?). C’est pourtant eux qui invitent la mélodie par la
porte de derrière sur le relativement désert Inward travel of the mind. La suite semble déraper vers un free jazz
sans pilote, faute de mieux, mais ce qui est bien c’est qu’ils y vont à fond, tandis que le fidèle Antoine Guenet
balance des motifs de claviers façon "boss de fin de niveau" (Some place more place). La fin est à ce titre bien
explicite, après un "Bury my knee…" qui aura tenté de trouver de l’espace, avec le morceau titre, qui referme le
tout dans un paroxysme de désordre amélodique. Un set globalement plus expressif que d’habitude, comme à
la recherche d’un renouvellement… Un peu trop long pour écouter d’une traite, mais assez dense pour
l’apprécier par petits bouts. Une chose est sûre à propos de ce Revenge : il se prête moins au tapis sonore que
ses prédécesseurs. Préférez-y l’autre mode d’écoute idéal de la musique de Panopticon : les yeux dans le vide,
en ne faisant que ça, en laissant le son se déverser sur votre fatigue, et la surprenante richesse harmonique
vous submerger.
Note : 3/6
Page 53/107
GUERRE FROIDE : Nom
Histoire de nous faire patienter en attendant leur nouveau disque, Guerre Froide nous titillent l'audition avec ce
mini qui clouera le bec de ceux qui reprochaient à leur son de jouer sur la fibre passéiste. Ces trois
savoureuses pièces, si elles restent totalement dans la lignée de leur style, proposent en effet une
orchestration plus dure, notamment dans la boîte à rythmes qui claque de manière plus assurée. On sent aussi
un travail plus fouillé (je n'ai pas dit compliqué) sur la programmation, ce qui ajoute une pêche bienvenue,
évitant une forme de monotonie que j'avais parfois reprochée sur certains anciens morceaux. Que ceux qui
aiment le Guerre Froide cold wave se rassurent, ils n'ont pas changé leur fusil d'épaule, ils se sont simplement
renouvelés et essayés à quelques nouvelles choses, ainsi le chant de Yves passé aux effets sur le bon 'Planète
hurlante'. Voilà donc une petite galette bien réjouissante, gagnant en noirceur ce qu'elle cède en grisaille,
prouvant visiblement que l'inspiration est au programme pour nos Français; j'en attends l'album avec d'autant
plus d'impatience.
Note : 4/6
Page 54/107
DOMINION : Luksa
Avant d'entrer en contact avec Dominion, l'image principale que j'avais des Philippines était celles des
bas-fonds de Manille, la pauvreté; jamais je n'aurais imaginé une seconde y trouver une formation goth; comme
quoi...S'il n'est pratiquement pas connu par ici, le groupe s'est déjà taillé une bonne petite réputation dans son
pays, et ce, même hors des circuits underground habituels. Tout n'a pourtant pas été facile et il
aura fallu à Doi Porras, unique membre d'origine, beaucoup de courage et de persévérance pour surmonter les
départs successifs, la perte de l'un des ses amis proches, les réenregistrements sans fin...mais 'Luksa' est bel
et bien là, album mêlant
un gothic rock traditionnel et rythmé dans la veine de Rosetta Stone, Children on stun, Nösferatü , voir Fields of
the Nephilim ('Sadness remains') avec des touches nettement plus dark wave comme sur 'Luksa' ici présenté
dans plusieurs versions, les plus réussies étant selon moi l'originale et le 'dirge mix'. Pour ma part, j'aime les
chansons
orientées gothic rock, pas foncièrement originales mais plutôt bien ficelées et maîtrisées; le timbre de Doi colle
bien au genre et les lignes de guitare tiennent la route. 'Luksa' plus axé sur le clavier s'aventure dans une voie
mélancolique, flirtant
avec un feeling trip hop plutôt séduisant; hélas, le 'drowning mix' et surtout l'infect 'heterodyne club mix' (boom
boom power !) ruinent totalement la beauté triste de la de la mélodie et se révèlent parfaitement inutiles.
Signalons encore deux pistes
instrumentales, l'intro 'Paglalakbay', très réussie avec ses atmosphères dark ambient aux parfums asiatiques,
et 'From inside act II' plutôt inutile avec ses nappes interminables. Je vais d'ailleurs être direct, retranchez-le
ainsi que les deux derniers mixes de 'Luksa' et l'album s'en portera mieux; on ne peut se départir, à cause
d'eux, d'une impression de remplissage, voir même d'incohérence au niveau des ambiances. C'est dommage,
niveau gothic rock, sans révolutionner le genre, Dominion a toutes les qualités requises pour plaire aux
amateurs du genre. Connaissant les difficultés subies par le combo, je ne puis néanmoins que me réjouir de
cette sortie que j'attends depuis près de cinq ans, et souhaiter que le mauvais sort cesse de s'acharner sur Doi
et ses collègues, d'autant que dans la foulée, leur label pourrait rééditer un ancien album. Soyons positifs, à
l'image de leur nouveau nom de site sur lequel le disque peut être commandé.
Note : 4/6
Page 55/107
COMPILATIONS - LABELS : In the Butchers Backyard
Dans l'arrière-cour d'une petite boucherie de Linköping se trouvait un vieux cimetière où nombre de cadavres
plus ou moins enterrés à la hâte ont continué à gigoter bien après leur mort. Roger Karmanik a cru bon
d'enregistrer le dernier souffle des agonisants de son label K7 Sound Source pour leur offrir un épitaphe digne
de ce nom afin que leurs âmes puisse être réincarnées (par des rééditions sur d'autre labels) ou éliminées pour
de bon dans le cas d'Un-Core (side-project avorté de Jouni d'In Slaughter Natives, sorte de MZ.412 de
porcherie). Il y en a donc, du cadavre qui geint et du marbre qui grince, sur les titres death indus très glauques
de Deaf Machine et P/D(B) (pré-No Festival of Light), il y a de l'emportement graisseux sur les hybrides
électrocadavériques de Megaptera et Defekt, même du groove avec les grinçants et rythmés Systema – le final
de 'Let me Come Inside', funky à souhait – ainsi que sur l'ovni très Residents d'En Halvkokt I Folie (l'unique
morceau pouvant prétendre à être musical). Mais ce qui frappe vite, c'est toutes ces intentions ritualistes qui
semble grattées à même les tombes, comme des relents de danses macabres et autres rites occultes que les
morts réactiveraient sans se douter de la portée de leur acte – quelles portes s'ouvrent lorsque cognent sans
relâchement les percussions hypnotiques et abrutissantes d'Archon Satani, qui est donc Stravöstrand pour
oser sonner les cloches et jouer avec les tambours de la cité en flammes surplombant le gouffre de l'Enfer
(Rest in Hell) tandis que son ex-compagnon de route réveille les premiers souffles sensuels d'Ordo Equilibrio –
Quelles portes oubliées Benny Nilsen traverse-t-il dans son parcours sous le nom de Morthond, et pourquoi
ConSono et Raison d'être quant à eux préfèrent-ils évoquer des lieux sacrés beaucoup plus sages ? Dans ce
cimetière où tout arrive sauf le repos éternel, les vapeurs du “monde d'à côté” se mélangent entre elles en une
vague odeur poussiéreuse tout en refermant paradoxalement d'un sarcophage déjà légendaire toute la première
époque de l'industrie de la viande froide.
Note : 5/6
Page 56/107
þEYR : Mjötviður til fóta
Pour certains, ce fut David Bowie, dans le cas de þeyr, c'est un concert des Clash en Islande en 1980 qui
bouleversera les choses. Le groupe, alors encore à ses débuts, décidera dès lors de se tourner vers la
new-wave et le punk, ce qui influencera radicalement son écriture. Avant d'aller plus loin, signalons que parmi
les musiciens nous trouvons alors un certain Hilmar Örn Hilmarsson qui travaillera plus tard avec Psychic TV,
Current 93 ou Sigur Rós ainsi que le batteur Sigtryggur Baldursson qui rejoindra K.U.K.L puis les Sugarcubes
aux côtés de Björk. Sous l'influences du premier, les musiciens s'intéresseront à l'occultisme, le paganisme
islandais, les Illuminati, l'alchimie tout en s'intéressant en parallèle à la psychologie, à la société
islandaise...Leur rencontre avec Jaz Coleman leur permettra de voyager à Londres et résultera même en une
collaboration sous le nom de Niceland et l'enregistrement de trois morceaux qui ne verront jamais le jour. Nulle
surprise donc si je mentionne dans les influences de þeyr: Killing Joke, Warsaw, Siouxsie and the Banshees
mais aussi Talking Heads et Yes. Trois album, des changements de personnel, le split en 1983, un projet de
réédition en cd au cours des années 90, hélas sans lendemain puis enfin en 2001 ce 'Mjötviður til fóta'
rassemblant les travaux parus sur leur propre label, Esquimaux Management. On y découvre un combo engagé
dans une musique post punk sombre et rituelle ('Rudolf', 'Maggasýn', 'Tedrukkinn') mais ne dédaignant pas
pour autant quelques expérimentations épileptiques ('þeyr'), une larme de dub froide ('Ópið') et de folie à la
Virgin Prunes ('Iss', 'það er nóg'). De mon point de vue, nous tenons en þeyr l'un des meilleurs groupes dark et
l'un des plus sombres également de la scène post punk islandaise. Si quelques titres manquent à cette
compilation, elle permet néanmoins un regard assez juste sur la qualité de leur travail, l'usage de la langue
islandaise ajoutant au caractère de la musique. Notons encore pour les passionnés de la scène de Reykjavik
que þeyr apparait à deux reprises dans l'excellent film 'Rokk í Reykjavik', notamment avec le clip de 'Rudolf' et
le génial 'Killer boogie'
Note : 5/6
Page 57/107
EGO : Í mynd
Bubbi Morthens est l'un des chanteurs favoris des Islandais. Notre homme a débuté dans la musique assez
rapidement en enregistrant en 1979 (à 23 ans) son premier disque solo. Ses paroles y reflétaient déjà une
préoccupation sincère quant au sort des
classes sociales défavorisées islandaise. Nulle surprise à le voir rejoindre ensuite un combo
punk, Utangarðsmenn, qui ouvrira notamment pour les Clash à Reykjavik. Bubbi s'en ira après le quatrième
album et, accompagné de son frère BergÞór à la batterie et du bassiste þorleifur Guðjónsson, fondera Egó (qui
verra pourtant encore bien des changements de personnel). L'Islande est fière de ses groupes, quel que soit
leur style; chez Skifán, sorte de FNAC islandaise, je suis tombé sur une rangée de cds intitulée 'les 100
meilleurs albums de musique islandaise de tous les temps'. Intrigué par la pochette, j'ai écouté et acheté. 'I
mynd' est le second opus du trio mais les avis sont unanimes, il est meilleur que son prédécesseur; très bien,
je m'en contenterai (encore que les titres présents dans le film 'Rokk í Reykjavik' me laisseraient penser le
contraire). Pour résumer, je dirais que ce disque est assez typique de musiciens issus du terreau punk qui s'en
distancient. Il démarre par deux bons titres (particulièrement 'Við trúðum blint'), assez sombres, un peu cold
wave/punk, avant d'enchaîner sur un 'Saetir strákar' aux légers parfums de Peter Murphy; pas mal du tout.
L'écriture est simple, la rythmique bien mise en valeur (d'où cette noirceur post punk bien agréable)...La suite
se dilue dans quelque chose de plus classique malgré quelques beaux sursauts punky dans les riffs de
'Mescalin'; le problème est que le chant, légèrement rageur au début, a tendance à se faire trop doux à mon
goût. La dernière étincelle d'intérêt sera, contre toute attente, 'Dancing reggae with death' dans une veine
dub/reggae telle qu'on pouvait la trouver chez les Clash; sa petite pointe de mélancolie rend la chanson plutôt
plaisante même si le style n'est pas forcément ma tasse de thé. Un peu mitigé donc, je ne regrette pas mon
achat, ne fut-ce que pour la première partie du disque, dommage que la suite ne tienne pas la comparaison et
se laisse aller à quelque chose de plus accessible et ennuyeux, même si j'ai déjà entendu pire dans le domaine.
Sauf erreur, Egó sortira encore un disque puis Bubbi se lancera en solo.
Note : 3/6
Page 58/107
VONBRIGÐI : Eðli annarra
Vo107rigði (déception en français) bien qu'issus de la scène punk de Reykjavik se distinguent avec þeyr par le
côté sombre de leur son. Plus directs et moins tribaux que ces derniers, ils n'en flirtent pas moins avec la
frange post punk du goth, notamment de par la noirceur des guitares, le plomb de la basse, et l'aspect soigné
des atmosphères. Les musiciens débuteront très jeunes (16 ans en moyenne) et splitteront en 1985 après avoir
pondu deux EPs. L'histoire pourrait s'arrêter là, sauf que le groupe s'est reformé en 2004 et s'est empressé de
retourner en studio pour retravailler les anciennes chansons et enregistrer du nouveau matériel; c'est ce que
propose 'Eðli
annarra'. N'ayant pas de point de comparaison avec le passé, je jugerai ce cd en tant que tel. Visiblement, les
musiciens n'ont pas perdu la fibre, la musique est pêchue à souhait (l'héritage punk) mais fait valoir ses
qualités mélodiques et une certaine noirceur ('Sjálfsmord', Holdleg atlot'), limite gothique (l'excellent 'A mörkum
hinna heimspekilegu hvunndagskennda', le mélancolique 'Fótspor í köldu herbergi')...On sent les guitares
tranchantes, une tension perpétuelle qui éclate parois en rage totale (un 'Farðu !' 100% punk) mais se heurte
aussi à un mur d'incompréhension. Profondément urbaine, la musique de Vo107rigði est de celle qui foule le
pavé à grand coups de bottes, sans apitoiement sur elle-même, avec pour seule arme une énergie noire tournée
vers l'avenir...L'usage de la langue islandaise est parfait, le chant de Jóhann Vilhjálmsson se coulant tour à tour
dans le moule de la folie, de la colère, d'une sorte de réflexion maladive qui ajoute à la profondeur des climats.
Pas de faiblesse, pas un instant la tension ne retombe au cours de ces dix-sept compositions dont l'aspect
glauque contraste singulièrement avec la neutralité de la pochette.
Note : 5/6
Page 59/107
THE MAXIES : Greenland is melting
The Maxies, ce sont un peu les coucous du punk rock; dans le nid, ils ont piqué aux Ramones (leur principale
influences avec Green Day) le gimmick de la fausse famille (sans parler du fameux logo avec l'aigle et la batte,
remplacé chez eux par un ours polaire); au garage surf, ce sont les orgues et les costumes de scène (mais aux
couleurs du drapeau groenlandais) qu'ils empruntent. D'ailleurs, leur Groenland natal, ils l'ont quitté pour le
soleil de la Californie mais y font sans cesse référence dans leurs paroles ou leur iconographie...Bref, les
Maxies sont tout sauf originaux, ils pillent sans vergogne (même Wall of Voodoo y passe sur 'Frustration), et ils
assument totalement, jouant la prétention adolescente doublée d'une attitude 'punks de la banquise'. Et si
c'était là leur arme, cet humour limite gamin, doublé d'un brin de cynisme ('Greenland is melting', I hate
Sundays') ? Quoiqu'il en soit, cette galette s'écoute sans se prendre la tête, bercée qu'elle est entre pêche skate
punk et accroche pop. Calibrage MTV ? Presque, sauf que les Maxies ne se prennent pas aux sérieux et sèment
quelques beaux morceaux ('Back home in Greenland' et son orgue, 'Sorry' et ses effluves mod/garage), sans
négliger de faire rire au passage ('My band'), ce qui leur vaut probablement un peu d'indulgence de ma part. Ce
premier enregistrement se déguste donc comme un glaçon plein de bulles: ça pétille, ça rafraîchit et ça fond
très vite...jusqu'à la prochaine canicule.
Note : 3/6
Page 60/107
KEYROUZ (Soeur Marie) : Chant Traditionnel Maronite
C'est sûr, les chants traditionnels maronites livrés ici sont loin d'avoir la puissance limpide et mystique des
chants byzantins et melchites que Soeur Marie Keyrouz présente dans le même cycle. Plus terrestres, plus
humains, ces accompagnements religieux s'accommodent aussi d'instruments proche-orientaux tels que l'oud
(proche cousin du luth), le qanun (proche de la cithare), et le nay, sorte de longue flûte en roseau. L'étendue
mélodique est restreinte à une quarte ou une quinte et à plusieurs reprises le choeur répond à la soliste,
prouvant si besoin était l'évidente fonction liturgique et communautaire de ces pages traditionnelles. Certains
textes ont été retranscrits en arabe tandis que d'autres sont carrément empruntés à d'autres répertoires –
syro-catholiques et syro-orthodoxe nous dit le livret. Si la cohérence et la qualité de l'ensemble reste
confondante, le recueil en entier peut de prime abord dérouter par sa modalité archaïque et sa tonalité
soudainement joyeuse au milieu de titres plus austères (c'est le risque à prendre en abordant divers temps
liturgiques). Les rythmes lents mais variés font avancer l'auditeur le long d'une procession abordant avec
passion et retenue les différentes périodes de l'année, entrecoupés de petits instrumentaux de toute beauté.
Sans doute une des meilleures portes d'entrée vers les racines du christianisme avant de se perdre dans les
enregistrements les plus forts de S.M.Keyrouz.
Note : 5/6
Page 61/107
COVEN : Witchcraft destroys minds and reaps souls
La fin des années 60's et ses paradoxes...Alors qu'on s'éclate en plein 'flower power', 'peace and love',
méditation et autres, se développe en parallèle un goût marqué pour l'occultisme et en particulier pour le
satanisme. Il suffit de voir les thématiques des films de la Hammer à cette époque et de considérer la création
de formations telles que Black Widow, Black sabbath ou Coven. Ceux qui ont lu 'Les Seigneurs du Chaos' se
souviennent peut-être du passage consacré à ce groupe américain, à l'origine d'une mini controverse puisque
leur bassiste se prénomme Oz Osbourne et une de leur chanson a pour titre 'Black Sabbath', or à la même
époque, en Angleterre...Une tempête dans un verre d'eau puisque Ozzy et ses complices révolutionneront la
musique en posant les bases du doom metal, tandis que Coven, plus classique en terme de composition,
sombrera peu à peu dans l'anonymat. Les Américains bénéficient malgré tout d'un statut culte de par le
contenu ouvertement satanique de leur album,
'Witchcraft destroys minds and reaps souls' incluant en dernière piste une messe noire de près de 13 minutes
(aaah, le symbolisme des chiffres), un poster montrant les membres préparant la cérémonie sur le corps nu de
leur belle chanteuse;
il semblerait qu'on leur doive également l'usage du signe cornu de la main devenu si populaire chez les fans de
heavy...Tous ces éléments se retourneront d'ailleurs contre eux après les meurtres commis par les illuminés de
Charles Manson et leur maison de
disques, Mercury, fera retirer l'oeuvre en question des bacs. Fort bien mais la musique dans tout ça ? C'est là,
l'objet de cette chronique, lui rendre quelque peu justice car cette galette inclut quelques perles, à commencer
par 'Black Sabbath' qui ouvre les hostilités. Il est certain qu'en dehors de leurs thématiques occultes, les
compositions de Coven ne se distinguent pas foncièrement d'une forme de rock psychédélique ou de
proto-hard rock déjà en vogue à cette époque. On songe tour à tour aux Doors ('For unlawful carnal
knowledge'), Alice Cooper, les Yardbirds, Black Sabbath...Quant à Jinx Dawson, elle a tout d'une Janis Joplin
moins folle mais plus inquiétante et sa voix a un charisme que je trouve réellement séduisant. Mélodiquement,
Coven signe donc quelques belles pièces, 'Black Sabbath' dont je parlais auparavant mais également 'The white
witch of Rose Hall', 'Coven in Charing Cross' ou 'Wicked woman', alternant riffs sentis, passages bluesy,
atmosphères mystiques. Les petits intermèdes occultes font sourire aujourd'hui mais pour le reste, cet album
tient bien la route et on sent battre en ses sillons l'énergie sombre dont se
nourriront nombre de formations heavy metal, rock, voir même gothic rock par la suite...4,5/6
Note : 4/6
Page 62/107
HARPER (Roy) : The Sophisticated Beggar
Roy Harper. Ce nom vous dit certainement quelque chose. Led Zeppelin lui a rendu hommage sur leur troisième
album ("Hats Off to Roy Harper"). Les intouchables Pink Floyd lui ont tendu le micro pour "Have A Cigar", titre
figurant sur leur album "Wish You Were Here" ... Mais qui est donc ce mystérieux Roy Harper qui suscite tant
d'attention et de respect de la part d'artistes populaires confirmés ? Se plonger dans sa discographie nous
permettra sans doute de récolter quelques éléments de réponse. Quand fût proposé au jeune chanteur folk Roy
Harper l'opportunité d'enregistrer dans l'urgence un premier disque, celui-ci ne se fit pas prier. Armé seulement
de sa guitare, de sa voix et de sa plume, il emballe une première série de titres qui renferment en chacun d'eux
les germes d'une carrière dont la constance et l'intégrité ont été source d'admiration, à défaut d'inspiration,
pour bon nombre de ses contemporains. Le disque, produit par l'éphémère label Strike, souffrira hélas d'une
assez déplorable distribution, si bien que "The Sophisticated Beggar" est à inscrire dans la longue liste de
disques qui finiront par révéler leurs charmes bien des années plus tard, au gré de ses nombreuses rééditions
(on en compte plus d'une douzaine à ce jour). Le chant mi-plaintif mi-brouillon, entre Bert Jansch et Donovan,
sa verve poétique, et son jeu de guitare qui doit beaucoup au picking ("Blackpool") vont rapidement devenir les
éléments prépondérants qui identifieront le monde musical de Roy Harper. Excepté "Mr.Station Master" et
"Committed", clairement psychédéliques dans l'esprit, propulsés par une rythmique beat, son orgue et sa
guitare, ou encore le délire du titre bonus "Hup Hup Spiral", "The Sophisticated Beggar" ne s'embarasse que
très rarement d'effets studio divers (bandes à l'envers, écho) ; juste la dose nécessaire pour agrémenter d'un
peu de fantaisie ce parcours autrement linéaire, comme si la douce folie de Syd Barrett venait se frotter à la
mélancolie de Nick Drake.
Note : 4/6
Page 63/107
HARPER (Roy) : Come Out Fighting Ghengis Smith
Columbia, qui à l'époque faisait encore son boulot avec un minimum de sérieux, repéra le jeune prodige Roy
Harper, et décida ainsi de lui donner sa chance. C'est donc en grande pompe que Harper débarque sur la
maison de disque de Dylan. "Freak Street" laisse tout de suite entendre l'ampleur des moyens engagés mais
aussi l'ambition qui, indirectement, en découlent : sur une mélodie qui emprunte ses variations sur les raga
indiens, le morceau jouit de l'apport d'un ensemble de cordes subtilement mis en retrait pour mieux se faire
remarquer. Autre fait marquant, Harper bénéficiera tout au long de cette session de la présence d'un batteur
attitré en la personne de Laurie Allan (Delivery), présent sur une grande majorité des titres de l'album. Son jeu
percussif d'adapte sans problèmes aux différents morceaux, caressant les peaux de ses balais, ou jouant du
tambourin quand l'occasion se présente. C'est Shel Talmy que Columbia choisit pour produire le disque. Le
parcours du producteur américain (The Who, The Kinks, The Easybeats) laisse entendre que le label mise
beaucoup sur cette nouvelle recrue. Tel est pris qui croyait prendre : l'ampleur de l'enjeu, exécuté avec trop
d'empressement si on en croit les propos du principal intéressé, ne semble pas impressionner Harper qui, lui,
comprend bien qu'il a là une occasion en or pour s'essayer à de nouvelles choses. La seconde face du disque
en est l'illustre exemple puisque Harper s'essaye pour la première fois aux longues expositions. Sur "Circle"
d'abord, dix minutes, puis la plage titulaire, "Come Out Fighting Ghengis Smith", à une minute près son cadet.
Ces essais, ratés en raison de constructions alambiquées et sans cohérence propre, démontrent déjà
néanmoins l'intention que possède l'artiste de vouloir explorer d'autres façons de concevoir sa musique, en la
confrontant à des formes ou des styles qui pourraient lui apporter une nouvelle dimension. Ce n'est que partie
remise.
Note : 3/6
Page 64/107
HARPER (Roy) : Folkjokeopus
Le très mitigé en terme de résultats concrets "Come Out Fighting Ghengis Smith" pousse plus rapidement que
prévu Harper à la porte de sa maison de disque. C'est Liberty qui accueille le tandem Talmy/Harper à la
réalisation de "Folkjokeopus", troisième album du songwriter britannique. On peut déjà le dire : le passage sur
Liberty pour Harper sera tout aussi expéditif. Un album, et puis s'en va. Mais à la différence de "Come Out
Fighting Ghengis Smith", "Folkjokeopus" négocie brillament sa soif de diversité, rendant l'album pertinent dans
ses approches tout en nuances, passionnant dans ses digressions. Et dommage pour Liberty s'ils ne s'en soit
pas rendu compte ... Les arrangements dont jouit l'album viennent véritablement en servir les compositions.
L'album s'ouvre sur des titres à l'orientation clairement pop, "Sgt.Sunshine" et "She's The One", secondé par la
vocaliste Jane Scrivener et les talents d'un réel groupe comportant dans ses rangs piano, basse et batterie.
Puis l'album emprunte les chemins de Katmandou avec l'orientalisant "In The Time of Water". On frôle le
mysticisme sur "Composer of Life", sa harpe, ses flûtes et sa voix haut perchée comme si nous étions à
l'entrée du paradis. Un paradis qui prend forme sur le fabuleux "One for All", pièce quasi instrumentale de toute
beauté, jouée seul à la guitare acoustique et qui nous ballade pendant plus de huit minutes à travers des
paysages tourmentés. Après une petite pause ("Exercising Some Control") dans cet esprit loufoque si cher à la
culture britannique, l'album repart de plus belle avec l'imposant "McGoohan's Blues" : en se reposant sur la
mythologie engendrée par le feuilleton "The Prisoner", ce titre hanté pendant plus de quinze minutes par la
guitare sèche prend des allures de protest song, de pamphlet ouvertement allumé contre le système, quelque
part entre le "Working Class Hero" de Lennon et le Peter Hammill en solitaire. Ainsi, "Folkjokeopus" est le
premier disque de Roy Harper à donner du sens à l'aura mystérieuse qui entoure l'artiste.
Note : 5/6
Page 65/107
HARPER (Roy) : Flat Baroque and Berserk
Introduit par certains membres de Pink Floyd aux grands pontes de EMI, c'est assez logiquement que Harper se
trouve une place de choix dans le catalogue Harvest, inaugurant ainsi une riche collaboration qui s'étalera sur
toute une décennie en compagnie de Peter Jenner, nouveau producteur officiellement attitré, et qui suivra
fidèlement Harper depuis ce "Flat Baroque and Berserk" jusqu'à l'ultime "The Unknown Soldier" en 1980. Très
vite, on s'aperçoit que l'album tâche au mieux de recoller aux origines de la légende Harper, celui du tout
premier "Sophisticated Beggar", favorisant l'approche du tout acoustique pour se focaliser sur ce qui fait la
force de l'artiste ; ses textes. Dans la plantureuse discographie de Roy Harper, "Flat Baroque and Berserk"
restera avant tout comme l'album sur lequel figure le féroce "I Hate White Man" et ses paroles coup de massue
où pointent amertume et ironie : "And I Hate The Whiteman / In His Doctrinaire Abuse / Oh I Hate The Whiteman
/ And The Man Who Turned You All Loose ...". Enregistré dans les conditions du live, son interprétation en est
d'autant plus poignante, le public présent à ce moment-là ne s'y trompe pas. Toute la première face possède ce
même caractère introverti et tendu à la fois qui vous laissent la mâchoire serrée. La seconde poursuivra dans le
même esprit, en faisant toutefois deux entorses à la règle ; il y a tout d'abord, pour l'ouvrir, la superbe ballade
"Another Day" que les amateurs de This Mortal Coil reconnaîtront peut-être, et ensuite "Hell's Angel" qui vient
refermer le disque sur une note aussi impromptue qu'ouvertement énergique et qui voit Harper accompagné
par The Nice, pourtant non crédités à l'origine ! Cette dernière chanson vaut surtout pour le contraste qu'elle
impose ; si l'anecdote est amusante, on est en droit de se demander ce que sa présence apporte véritablement
à l'ensemble qui, vous l'aurez compris, joue dans une toute autre catégorie, celle d'un spleen élégamment
entretenu.
Note : 4/6
Page 66/107
HARPER (Roy) : Stormcock
Plus le temps passe, plus "Stormcock" prend de la bouteille, et plus il en impose. C'est définitivement un album
à redécouvrir, une de ces oeuvres personnelles qui résonnent comme un de ces lointains souvenirs qu'on a
bien failli oublier à tout jamais, dominés par d'autres plus clinquants. C'est que l'époque est fertile et le nombre
de créations dignes d'intérêt vraiment important. Le registre de Roy Harper s'écartant quand même de manière
assez radicale de nos préoccupations habituelles, pas étonnant que "Stormcock" ou son auteur soient pour
nous de véritables énigmes. Que ce soit pour "Come Out Fighting Ghengis Smith", "Folkjokeopus" ou encore
"Flat Baroque and Berserk", Harper nous a montré à chaque fois qu'il était viscéralement attiré par les formes
d'expositions les plus longues. Mieux encore : avec le temps, il a su nous prouver qu'il pouvait gérer ce genre
de tentatives casse-gueule sans devenir ennuyeux ou redondant. Sur "Stormcock", mis en confiance par un
producteur qui sait comment au mieux servir sa musique (il l'a prouvé sur son prédécesseur) et des conditions
d'enregistrement en tous points optimales (le studio Abbey Road), Harper va donner le meilleur de lui-même
pour ainsi aboutir à la réalisation de son album le plus ambitieux de toute sa carrière, articulé autour de quatre
longues plages, entre sept et quatorze minutes chacune ! Comme de coutume, le décor ne s'embarasse
d'aucun artifice : seules la voix et la guitare de Harper dominent ce monde décharné où ses accords et ses
clameurs claquent comme la vindicte de la fatalité. "Me and My Woman", rehaussé des arrangements
orchestrés par David Beford qui viennent cisailler le titre dans son parcours, ou "The Same Old Rock", qui se
transforme à mi-chemin en débauche guitaristique assurée par un Jimmy Page qui, pour des raisons de droits,
se fait alors appeler Flavius Mercurius, sont les deux moments clefs d'un album réellement habité et touché par
la grâce.
Note : 5/6
Page 67/107
CURRENT 93 / HÖH : Island
'Island' est le fruit de la collaboration entre David Tibet, lors de son séjour en Islande, avec divers artistes
locaux; HÖH bien évidemment qui signe la plupart des mélodies mais aussi God Krist (K.U.K.L.), Björk
(comment séjourner dans l'île sans enregistrer avec elle ?), Thór Eldon Jonsson (Sugarcubes), Einar Örn
benediktsson (Purrkur Pilnikk, K.U.K.L. et The Sugarcubes)...Sans oublier quelques collaborateurs habituels de
Current 93 tels que Rose McDowall, Joolie Wood. Pas besoin d'avoir visité l'Islande pour apprécier ce petit
chef-d'oeuvre mais pour ceux qui l'ont fait, il prendra indéniablement une couleur différente. A première écoute,
les qualificatifs de 'paisible', 'mystique', 'triste' viennent aux lèvres...Triste ? C'est encore autre chose, ce
sentiment d'espace infini, ce ciel aux teintes si particulières, crépuscule sans fin durant l'été, grisaille durant
l'hiver...C'en est presque effrayant mais merveilleusement rassurant à la fois. 'Island' est rythmé par des
percussions tranquilles, des nappes de synthé, des tintements de clochettes, quelques pincements de corde
lointains tandis que la voix de David semble flotter dans une dimension entre deux mondes ('Anyway people
die', 'Laments for my Suzanne'); même le classique 'Fields of rape' est ici transfiguré. J'aimerais pouvoir ici
arrêter la chronique mais hélas voici qu'en piste 9 apparaît une nouvelle version de 'Crowleymass' très orientée
new wave 80's qui brise d'un coup cette quasi transe dans laquelle nous avait plongés les compositions. Et ça
ne s'arrête pas ainsi, 'Paperback honey' est typique d'un certain humour 93 avec ses orchestrations variété.
'Falls of Christopher Robin' se rapproche du côté sombre et mordant des débuts, exception faite des mélodies
plus synthétiques. 'Fields of rape and smoke' renoue avec les atmosphères mystiques de la première partie du
disque avec notamment récitation en islandais par Einar Örn, avant la mélancolie de 'Merry-go-round and
around' en parfait final de cette incursion en terre (tête ?) étrangère. J'enrage, ce disque frisait le sans-faute,
pourquoi ces trois titres totalement hors de propos au milieu de cette poésie musicale aussi belle et infinie que
le ciel sous lequel elle a été enregistrée ?
Note : 5/6
Page 68/107
DIE FORM : Bach Project
Les mélanges contre-nature, ça fait toujours débat et c'est tant mieux. Bach Project est l'essai qui tombe à point
nommé pour raviver un peu certaines questions ; j'aurais eu de quoi faire une thèse rien que sur le remake de la
célébrissime tocate 'BWV 565-2' si mon directeur me l'avait demandé au lieu de me virer de l'école. Les faits,
d'abord : après Laibach, le festival de Leipzig dédié à Bach a commandé à Die Form son interprétation des
oeuvres du maître avec pour seule contrainte que les partitions soient reconnaissables à l'oreille, et ce afin
d'accompagner un spectacle musical approprié ; du reste : carte blanche. Le résultat : une récupération large
d'oeuvres pour piano, d'arias, de sonates, de cantates, pièces individuelles ou tirées de symphonies dans une
version électronique froide mais loin d'être macabre, lisse mais pas neutre, psychorigide mais pas cadavérique,
sensible mais pas emportée. Une retenue élégante autour d'une appropriation discrète mais manifeste – des
bidouillages supplémentaires, des rythmiques technoïdes, et toujours cette approche électronique inhumaine
accompagnée de la voix souple mais volontairement impassible d'Eliane. Maintenant, deux points de vue. Soit
on est un goth et on s'extasie – car le goth est comme un chat : farouche mais prévisible – du packaging
superbe, de la complexité rare des arrangements néoclassiques de Philippe Fichot, de la grâce absolue du
résultat tout réservé qu'il soit au milieu d'une discographie qui le considérera comme un cousin étrange. Ou
bien on est un partisan de la “grande musique”, ho ho, et l'on s'insurgera de l'hérésie proférée ici, tout
hérétiques que furent Jacques Loussier, Pierre Henry et Wendy Carlos en leurs temps en y voyant qu'un
abominable simulacre aseptisé d'une musique à l'origine riche et profonde. Oui mais voilà, le monde n'est pas
tout noir ou tout blanc. Et Jean-Sébastien Bach, tout humain qu'il était, n'en était pas moins méthodique dans
son écriture. Méthodique jusqu'à épuiser parfois un processus de développement systématique que les
romantiques s'empresseront d'oublier. Et en cela, il n'est pas si éloigné de la rigidité négationniste de Die Form.
Ces derniers exhortent le vivant par son inversion, montrent l'homme sous la machine et la machine sous
l'homme, le corps dieformé jusqu'à devenir poupée de désir, allégorie systémique d'un monde se résumant à
un livre de mathématiques. Mais les mathématiques sont aussi affaire d'érotisme. Leur complexité refait surgir
la beauté soudaine du vivant, le mystère divin, la simplicité d'un monde qui fonctionne, d'un art cinétique total.
Et c'est bien là que Die Form a tout bon. Il ne fait pas du goth, pas plus que du Bach – il fait tout bonnement du
Die Form. Philippe Fichot a commencé à jouer aux poupées avec la psyché humaine en 1977 avec 'Zoophilic
Lolita', et ça n'est pas le plus grand compositeur de l'Histoire occidentale qui l'empêchera de poursuivre trente
années plus tard la même obsession. Il n'y a ici nulle matière à s'horrifier, pas plus à s'extasier ; ceux qui le
feraient passeraient à côté de l'essentiel, comme indignes de l'indicible subtilité du jeu dévoilé ici. Bach Project
ne parle que de systèmes, d'érotisme, de désir et de désindividualisation, que l'on soit vêtu de cuir ou d'étoffe.
“Songe aux têtes de mort qui se ressemble toutes.” François Coppée... A méditer.
Note : 5/6
Page 69/107
ALLUSTE : The Big Monster
Après un 1ier album qui laissait entrevoir de belles possibilités, Allsute ne déçoit pas en livrant un 2ième opus
encore plus alerte et vivant. The Big Monster offre 8 titres, tous élaborés avec finesse, dans une faune sonore
riche où les rythmes percutent sous toutes formes et dans toutes directions, laissant toute la place aux
mélodies romanesques. Un style toujours aussi Italien, si charmeur avec un synthé parfois caustique, parfois
lyrique sur de superbes arrangements.
Une douce intro romanesque, où flûte et chœurs errent dans un néant parfumé, ouvrent The Long Night of the
Eagle. Une fine pulsation dessine un tempo lent, ceinturé de strates onctueuses et orné d’effets sonores
crotales qui serpente dans un univers flûté. Lentement le titre prend forme sur des pulsations qui sautillent
aléatoirement, forgeant un rythme graduel qui croise un synthé aux chœurs vaporeux et aux accords de
guitares sur des percussions aux cymbales échotiques à la Jarre. Les percussions s’entrechoquent dans une
tension sonore qui s’atténue vers un bref moment atmosphérique. Une batterie ouvre les valves à un
séquenceur hoquetant et à une autre ligne séquencée à la mélodie hypnotique, dans une faune sonore dense.
Un moment intense où nos oreilles ont peine à capter cette richesse sonore qui prend assise sur une superbe
mélodie qui accroche dès les premières pulsations enclenchées. Ce superbe titre dépeint l’univers sonore de
The Big Monster; séquences lourdes et aléatoires qui serpentent des structures évolutives en constantes
évolutions. Comme sur The Return of the Gods, et sa lourde résonnance sonore, martelée d’accords
enclumées, qui débouche vers une nébulosité atmosphérique bigarrée. Une séquence ondulante ourle en
cascade, alors qu’un synthé surplombe cette structure de cerceaux aux boucles corrosives. Un titre où le
rythme est nuancé par des approches séquentielles multiples, comme sur le mélodramatique Hidden Reality,
Follow the Wind et la pièce titre qui flirte sur les cordes d’un western cosmique Italien, avant d’exploser avec
une batterie martelante.
Une belle guitare acoustique ouvre The Grand Father, suivi d’une basse ourlante qui gruge cette superbe
mélodie et d’un synthé aux échos vocables. Des structures séquentielles viennent et vont, ajoutant une
profondeur rythmique riche en diversité, mais sans jamais altérer la structure mélodieuse qui coule sur un
synthé larmoyant et nostalgique. Un beau titre d’une douceur saisissante, tout comme le très beau Dawn of the
New Day qui progresse toutefois avec plus de force. The Defeat of Morality embrasse les effluves d’un Schulze
contemporain avec une séquence aux accords secs et légèrement sautillants, sur les soufflés d’une sirène
solitaire. Un violoncelle métallique se moule à cette structure qui enlace différents rythmes séquencés, avant
de fondre sur un synthé mordant qui s’épanouit sur une finale aux axes sonores qui permutent avec lyrisme et
hypnotisme. Un autre gros morceau sur ce 2ième opus d’Alluste.
Ce 2ième essai d’Alluste est définitivement plus solide et plus raffiné que l’album éponyme. Une belle réussite
pleine d’effluves cosmiques qui s’harmonisent avec des chœurs discrets et des séquences étonnamment
déroutantes sur un concept mélodieux très romantique. Un bien bel album de MÉ.
Note : 5/6
Page 70/107
BOOTS (Ron) : Current
Bien que Current, le 16ième album de Ron Boots, date d’une douzaine d’années, il a très bien vieilli. C’est un
album percutant avec des structures rythmiques lourdes qui sont en constantes permutations. Un opus qui
démontre par-dessus tout l’impact du synthésiste Hollandais sur l’évolution de la Berlin School contemporaine.
Un très bon album bourré de rythmes tantôt névrotiques, tantôt hypnotiques où les harmonies se taillent une
place onirique.
Current (Part I) part le bal avec de brefs chuchotements intrigants. Tranquillement le titre épique installe ses
assises avec un séquenceur qui sautille nerveusement, accompagné d’un discret synthé flûté. Sans perdre de
temps, Ron Boots manipule les rythmes, ajoutant une ligne de basse qui farandole sèchement sur un
séquenceur plus vivant et un synthé aux notes fragilement carillonnées, dessinant une mélodie captivante qui
tourne autour d’une structure en constante évolution. Le tempo est lourd, surtout avec les strates
enveloppantes qui enrobent cette mélodie qui se veut une semi comptine hypnotique. Subtilement, le rythme
devient plus circulaire sur des séquences entrecroisées et un synthé plus lourd qui plongent dans un univers
atmosphérique où tout est au ralenti et hésitant. Un univers sonore atonal, avec de magnifiques couches
synthétisées, qui s’éveille sur séquenceur au galop lourd et un synthé qui sautille avec plus de force. Current
(Part 1) se dirige vers un superbe Berlin School cavalant, avec de bonnes frappes de batteries et des solos qui
accentuent autant la cadence rythmique que l’acuité sonore. Un très bon morceau fougueux, tout comme Below
Paradise (Current Part 2) qui se veut une suite encore plus lourde, rythmée et explosive.
Après une intro atmosphérique lourde et légèrement bigarrée, Ambiguity s’anime sur une ligne de basse
flottante et un synthé aux cercles réverbérant, qui s’empilent sur un autre aux courts souffles spectraux. La
structure s’active sur une batterie électronique qui agence une cadence semi disco aux éclats qui percutent
dans un univers électronique des plus syncrétique. Alignment est notre premier rendez-vous atmosphérique.
Un titre lourd se nourrit de ses réverbérations et qui peinent à cacher un synthé donc les solos percent
finement cette atmosphère chargée. Sans trop s’en apercevoir, une batterie installe une cadence lascive
formant un tempo sensuel. Une cadence qui gravite autour d’un synthé aux solos plus francs, feutré de chœurs
discrets. Close Call démarre sec. Percussions sur séquences aux accords sautillants et clairs, Close Call
s’enroule autour d’un synthé aux strates atmosphériques où d’étranges voix se multiplient derrière un rythme
lent, qui accentuera constamment sa course, aux accords carillonnés sur synthé valsant.
Reciprocal débute sur un orage et une ligne de basse qui souffle un tempo lent. Des notes carillonnées
échappent des prismes multi sonores, sous une fine couche réverbérante, alors que le tempo se dessine sur
une structure hésitante. Une cadence nerveuse, au mouvement hachuré, prisonnière d’un statisme musical
quasi atonal et hypnotique sur un lointain synthé lyrique et de fines percussions épars. Un beau titre d’une
douceur cosmique, qui recèle de belles sonorités cristallines sur un beau synthé étrangement nerveux. Smiles
est une courte pièce énergétique au synthé ‘’siffloteur’’ et au séquenceur nerveux, idéal pour un plancher de
danse.
Page 71/107
Note : 5/6
Page 72/107
TANGERINE DREAM : Atem
On peut aimer ou ne pas aimer la musique d’Edgar Froese, mais il faut reconnaître que cet homme savait
peindre de sacrées pochettes. Traumatisé par Dali, il illustre ici l’ambiance de la plage titre : une respiration,
une intro monumentale au mellotron, façon Indiana Jones dans le desert de Jordanie, et la vie hors du temps
d’un bébé immergé dans son œuf aux couleurs surnaturelles (Jerome Froese en fait. J’m disait bien qu’il avait
les bajoues d’son Vater). Le groupe s’éloigne ici progressivement du style de Zeit, double album à part, sans
percus et radical… à partir de là, les formats seront raccourcis. Atem, la dernière balise avant le grand
changement, est un disque dominé par le Mellotron, aux ambiances moins neutres et plus organiques. La
pièce-titre en fait d’ailleurs un excellent usage ; longtemps après l’intro évoquée plus haut, elle s’achève sur
une liturgie souterraine : tandis que les machines gargouillent et se lamentent comme à leur habitude, sans
structure ni mélodie apparente, le mellotron crache en sourdine ce qui semble être un chœur de voix lugubre,
comme un murmure caverneux, une sorte de mantra quasiment inaudible, sauf au casque… Très étrange. La
face B l’est peut-être encore plus, avec ce Fauni-Gena à l’orchestration typique des BO de films SF des années
70, longue déambulation dans une forêt immobile, aux lourds rideaux de brume, et se terminant par ce qui
ressemble déjà à une séquence. Pourtant les seuls rythmes présents dans cette période pré-séquenceur étaient
alors des percussions. Circulation of events est encore plus inquiétant, totalement étranger après des
premières notes pourtant familières et rassurantes. Le groupe est ici peut-être influencé par Cluster, qui
égrenait des ambiances similaires. L’album se clot sur Wahn, où Froese et Franke pètent une durite après tout
ce calme, et partent dans un début de cérémonie chamane avant le travelling arrière final sur cette planète
tribale, revenant au mellotron orchestral de l’intro. Un opus qui fige le line-up classique du groupe, et la fin des
intervenants extérieurs, malgré la parenthèse "Green Desert", enregistré en aout 73 sans Peter Baumann, qui
ne sortira qu’en 86. Atem, lui, sera distribué par Polydor en Angleterre, grâce au nez creux de Rolf-Ulrich Kaiser
(que j’appellerai dorénavant RUK), qui mettra son logo "Kosmische Musik" sur la galette, ce qui rendra furieux
Edgar Froese, qui rompra pour de bon avec RUK dans la foulée. Pourtant, c’est en tombant sur ce disque que
John Peel - le légendaire DJ anglais et l’un des plus infatigables découvreurs musicaux de notre siècle tombera amoureux de Tangerine Dream. Il sacralisera Atem album de l’année et le passera en boucle dans son
émission (imaginez ça aujourd’hui, pour voir). Résultat : fuyant le label Ohr et la mainmise abusive de RUK, TD
se retrouve accueilli à bras ouvert par Virgin (qui rééditera les premiers TD) dès 74 et vend des Phaedra par
camions. Avant cela se produit un évènement peut-être plus important encore : Chris Franke acquiert à son
tour un Moog 3P, le même que Fricke leur avait "prêté" (il était carrément venu jouer, ce qui se comprend vu
que la complexité des réglages que nécessitait l’engin) pour Zeit. C’est celui de Mick Jagger, que le chanteur
avait revendu aux ingénieurs du studio Hansa, à côté du mur de Berlin (les mêmes qu’utiliseront Bowie et Iggy
Pop plus tard). Les ingénieurs, pas plus doués que Jagger pour réussir à comprendre l’imposant appareil,
appelèrent Franke à la rescousse et lui demandèrent s’il pensait qu’on puisse enregistrer des tubes avec cette
chose. Franke, comprenant sa chance, lança un "Laissez tomber" de derrière les fagots, et c’est à lui que revint
la machine, pour une somme probablement rondelette malgré tout. Après des mois de prise de tête pour faire
fonctionner le bidule, Franke découvrit un de ses nombreux modules : le séquenceur, qui permettra à la
musique du groupe, qui manquait alors un peu de rythme et de structure, de gagner un squelette qui la rendra
Page 73/107
bien plus accessible. The rest is history, et disponible dans l’armoire du grenier de votre papa, entre Santana et
l’album à la vache. Si si, cherchez bien.
Note : 3/6
Page 74/107
CLUTCH : Transnational speedway league : anthems, anecdotes, and undeniable truths
Un groupe qui s’appelle Embrayage qui sort un album appelé ‘Transnational Speedway League’... Difficile de
faire plus routier dans l’esprit. Et pourtant, Clutch n’avait vraiment rien en commun avec les Guns’n’Roses, par
exemple. A l’époque beaucoup plus proches du hardcore que du blues, le groupe faisait partie des nombreux «
chanceux » à s’être fait signer sur une major malgré leur musique sans concession, dans la foulée de la
nirvanamania. Ils seront peut-être, avec les Melvins, ceux qui auront le plus déçu les espoirs des leur maison
de disque, niveau ventes. Des Melvins que les Clutch devait admirer, d’ailleurs, puisqu’ils firent tout le chemin
de leur Maryland natal jusqu’à San Francisco pour se faire produire par Jonathan Burnside, un habitué du
studio avec les Melvins. La genèse de Transnational est particulière : après une première session de titres lents
et très sombres, exhalant la violence désespérée et le vice, le chanteur Neil Fallon réalise que sa musique va
plomber l’auditeur, or il voudrait aussi qu’on s’éclate avec sa musique. La décision est prise de retourner en
studio pour graver une série de titres plus uptempo et surtout bien funs, aux paroles goguenardes, inspirées
par l’environnement haut en couleur dans lequel le groupe a grandi. C’est white trash, et la gouaille de Fallon
est digne du personnage de Budd dans Kill Bill. Parmi les titres de cette deuxième session, on trouve A Shogun
Named Marcus, El Jefe Speaks, Walking in the great shining path of monster trucks et 12 Ounce Epilogue dont
le refrain est un hommage à celui d’It’s Only Rock’n’Roll des Stones : « coca cola and armageddon, I like it, like
it, yes I do ». Je vous laisse jauger l’cambouis… Qui a dit que le bon rock de cette époque ne savait pas rigoler
? Nos 4 petites frappes aux cheveux courts étaient de toute façon trop marqués par la bible belt pour faire du
grunge. On est plus dans la tradition outrageusement groovante de Grand Funk et de Mountain. On retrouve
donc ces quelques titres swinguant au point de faire de l’ombre à RATM période ‘Vietnow’, d’un second degré
bienvenu, aux côtés de titres bien sombres et rudes comme il faut, quasiment métal comme ce Bacchanal,
tendu et frustré comme du bon Nomeansno. On s’enfonce encore un peu plus avec ce Milk of Human Kindness
sans pitié, où nos oreilles hachées menues par les guitares plombées et monocordes se prennent un pleine
poire un texte à faire passer les cochonneries de Reznor et Marilyn Manson pour des charades de bambins. Les
4 Clutch tiennent ici à passer pour de vrais durs, des sudistes pur jus, qui préfèrent glorifier et romancer leur
déchéance que de s’en plaindre… On peut penser à Eyehategod, d’autant plus quand le groupe se met à
accélérer subitement, comme aux trois quarts de l’énorme Binge and Purge, ou le chanteur, après 4 minutes de
paranoïa à regarder autour de lui, rôdant comme un tigre, un rugissement coincé entre les moustaches, finit par
identifier le ptit con qui lui veut du mal… et là c’est le drame : “COME ON MOTHERFUCKER LET’S THROW
DOWN”, “I MAKE YOU WISH THAT YOU’VE NEVER BEEN BORN” hurle-t-il… C’est la baston. Les dents vont
voler, les arcades sourcilières péter. Après un tel titre, ou d’autres encore plus oppressant car très opaques
comme Heirloom 13 ou Effigy, on comprend assez pourquoi Neil Fallon avait ressenti le besoin d’alléger un peu
le propos. Musicalement, si l’on omet ces 4 exceptionnelles chansons « fun » en question, il n’y a rien qui
dépasse : les rythmiques sont carrées, ultra dynamiques, au son 100% 90’s (basse gonflée en plus), et les
guitares regardent déjà vers l’avenir : Helmet, Faith No More… Les influences 70’s qu’on trouve habituellement
dans le Stoner sont absentes, ce qui tend à prouver qu’on est ici en face d’un de ces spécimens hybrides des
90’s (attention, j’ai pas dit fusion). Logique puisque le groupe se déclarait fan de Sleep, de Obsessed, tout
comme de la scène Dischord. On aurait quand même souhaité un peu plus de groove cambouiesque, tant les
Page 75/107
deux premières chansons foutent la banane directos. Les paroles, elles, d’une maturité stupéfiante pour un
premier album, évoquent celles de Mike Patton à la même époque, en plus ‘gros bras’. Neil Fallon est un fin
lettré, un samuraï du nouveau monde, mais il n’en est pas moins un redneck, comme il le rappe quasiment dans
le refrain du tuant A Shogun Named Marcus (j’ai longtemps lu « A Shotgun named Marcus », ce qui n’est pas si
loin de l’atmosphère white trash décrite ici). Y’avait même un clip sur MTV et un parental advisory bleu et
transparent, spécialement pour eux. Si ça s’appelle pas donner d’la confiture à des cochons ! Le groupe est
aujourd’hui retourné dans son anonymat, mais tient vaillamment la barre, on devrait d’ailleurs leur remettre la
légion d’honneur. Je veux.
Note : 5/6
Page 76/107
SLEEP : Holy mountain
Qui, je vous le demande, qui peut résister à l’enchaînement des 3 premiers titres de cet album ci-présent ?
Estomaquage et abasourdissement furent mes seuls compagnons lors de ma première écoute. Sleep fait
mouche. Sleep sait exactement quels accords jouer pour dégager ce feeling plus vieux que monde, et donner
l’impression que leur musique revient des ages farouches. Ces mecs ne sont pas là pour tâtonner, ils ont une
mission à accomplir. Dragonaut pourrait à elle seule justifer l’achat de l’album, et une note rondelette pour cette
chronique. C’est un des plus grands morceaux cultes du Stoner, gravé dans le marbre, sorti de terre sous cette
forme parfaite (si l’on omet ce solo de guitare final, faute de goût dans un tel contexte entièrement dévoué au
groove gras et épais comme une peau de dragon). Les paroles émanent directement d’une infusion à base de
LSD de trop d’heures passées à jouer à Donjons & Dragons à la lueur orange et bleue d’une lava lamp
défectueuse. "Ride the dragon mmgneuh crimson gn’eeeeeeeyyyyeeee". Ouais mec, fais tourner, as-t-on envie
de lui répondre benoîtement. Mais on ne peut pas. On est bien trop occupé à hocher du buste en rythme, un
sourire idiot rivé sur le visage. Pourtant, en cette très grunge année 92, personne n’écoute encore du stoner. Et
pour cause, le mot n’est pas encore utilisé. C’est avec une petite longueur d’avance sur les grands frères du
genre, Kyuss - au patronyme tout aussi inspiré de donjons & dragons que le sont les lyrics hilarants de Sleep –
que Sleep sort ce Holy Mountain, au beau milieu d’une déferlante made in Seattle qui n’a que faire de leurs
tempos lents et de leur chant étouffé, comme celui d’une grenouille au fond d’une baignoire. Mais les artisans
de ces genres maudits (Stoner, Doom, Sludge…) ont à l’époque l’habitude de n’exister qu’en marge des
musiques lourdes, comme si leur tempos lourds et leurs taux de graisse déraisonnable faisaient d’eux des
lépreux, des malformés du genre. Et ce n’est pas avec des disques comme celui-ci, d’une orthodoxie absolue,
que le vent médiatique allait tourner. L’album souffre d’ailleurs de sa longueur sur une face 2 nettement
inférieure à la première (à partir de la plage titre). Une fois qu’on a compris qu’on rêvait pas, qu’ils étaient
vraiment capables de jouer ce groove hors des ages, les répétitions hypnotiques du groupe, qui ne savait alors
pas quoi en faire (les expériences Jerusalem/Dopesmoker et Om allaient proposer des solutions radicales) sont
un peu lourdes, dans le bon (heavy) et mauvais (littéral) sens du terme. Il faut dire qu’à l’image de Wretch de
Kyuss, autre album fondateur du stoner, ce Holy Mountain n’était à la base qu’une grosse démo, dont Earache,
subjugué par la nouveauté du truc, a voulu faire un album… On savoure néanmoins toujours ces cymbales
délicieuses (seuls sonorités "aigues" ou presque, en fait), et cette basse incroyablement mélodique, raclant les
graves extrêmes sur la fin de la chanson titre, qui avec le plus varié From Beyond, dévoile l’attirance du groupe
pour les formats longs et immersifs. Cette fois, les solos ne sont pas de trop, sur ce titre stratosphérique et
70’s à souhait. Et sur Inside The Sun, c’est compressés dans une capsule spatiale d’urgence qu’on les imagine,
le regard et la voix figés en une expression de terreur, fuyant un soleil qui aurait manqué de peu de les
engloutir… Ce n’est plus du tout les joyeux orcs dansant la gigue du début. Une musique qu’on imagine bien
servir de bande-son à la lecture d’une vieille bd SF millésimée de Druillet ou Enki Bilal. Seul regret à avoir : que
le son n’ait pas plus été à la hauteur de l’ambiance. Pas de Chris Goss à l’horizon ici, et on imagine
qu’enregistrer des instruments accordés si bas devait être relativement nouveau à l’époque… La suite les verra
abandonner définitivement le format chanson, ce qui rend ce disque d’autant plus précieux.
Page 77/107
Note : 4/6
Page 78/107
KYUSS : Welcome to the Sky Valley
En fait, Welcome to the sky valley ne s’appelle pas vraiment Welcome to the sky valley. Et encore moins « Sky
Valley » tout court. Kyuss l’avait vu comme un album éponyme, histoire de le marquer du sceau du « c’est notre
meilleur album, on en a conscience et on en est fiers, ils nous représente ». Mais le public en avait décidé
autrement et c’est très bien ainsi. Chroniquer un tel objet s’avère extrêmement difficile. Mettre des mots sur
cette musique ne paraît pas la chose la plus naturelle à faire à son écoute (j’ai d’ailleurs épuisé toutes les
formes de headbanging de salon possibles avant de m’atteler à la tâche). J’ai pensé à une chronique-trip qui
mettrait en scène Blondin, Tuco et Sentenza qui viendrait chacun décrire l’un des 3 mouvements de cet
album… Car Sky Valley est une cathédrale, bâtie sur trois piliers gigantesques, absorbant chacun plusieurs
chansons en tout cohérent, organique, possédant un début façon démarrage en burn, un suspens méditatif et
une explosion libératrice (sauf le dernier, qui explose en permanence, toujours plus haut, toujours plus cool).
Le premier mouvement s’ouvre sur un riff grand et gros comme l’Ayers Rock, qui nous asphyxie
instantanément dans un caldarium de guitares généreuses qui ronronnent comme des réacteurs de fusée et de
basses subsoniques qui font trembler la terre. Nuées de skunk, cactus globuleux, hallucinations toxiques…
Gardenia est une terre inconnue, comme quand Tintin pose le pied sur cette île aux champignons géants dans
‘L’étoile mystérieuse’. “push it over baybayyyyyyyyy, makin’ luuuuuuuuuuv to you !!”, bouillonne Garcia,
nullement perturbé par ces mirages. Quel chemin parcouru depuis Blues for the red sun ! Les structures sont
démultipliées, les solos et les ponts psychédéliques aussi, et l’inventivité mélodique (jamais évidente au
premier abord avec eux) du groupe a tout simplement explosé, permettant aux ornements 70’s tissés par Josh
Homme de croiser le fer avec des assauts métal qui débarquent sans crier gare, puis qui refusent de s’arrêter
sur Supa Scoopa and Mighty Scoop (par ici le titre qui tue). Les 4 hommes (sans jeux de mots) se font plaisir, et
à nous aussi. Le deuxième mouvement monte d’un cran : les titres s’enchaînent encore plus organiquement ;
Space Cadet est peut-être le plus beau morceau du groupe, et sans doute l’une des plus belles chansons
jamais enregistrées, comme le rêve d’un crâne de buffle desséché dans sa poussière, un beau soir, tout seul
sous le ciel bleu marine. Une ballade psychédélique, satellite de la Planet Caravan de Black Sabbath, découvert
en 94 grâce au télescope Kyuss, mais si vous voulez mon avis, il s’écoulera un moment avant d’en trouver un
autre. On passe des pionniers aux orfèvres futuristes avec Demon Cleaner, single de l’album au clip ravageur,
qui laisse pantois devant la nouvelle orientation vocale de Garcia (plus proche de ce que fera Homme dans les
Queens), et surtout devant cette modernité totale, qui inspirera Tool au point de reprendre le titre sur scène
plusieurs fois. Le son de Chris Goss est énorme, en avance de 10 ans, bien plus abouti que sur les albums
précédents. Quant au morceau, il semble provenir d’une autre dimension, comme si Kyuss avait une face
cachée qu’on n’avait jamais vu jusqu’ici. Le mouvement III nous achève dans un sprint final qui pourrait bien
constituer l’acmé de l’œuvre de Kyuss. Chacun des 4 titres est un classique définitif du Stoner, ou plutôt du
desert rock, car ‘stoner’ est un terme inventé à posteriori qu’Homme et les autres ont toujours rejeté. La
musique de Kyuss n’est pas seulement imbibée de la sueur du désert, elle EST le désert. Et cette salve finale ne
peut que vous en convaincre. ‘I live my life alooooooooone... never going hoooooome...’ Que puis-je dire
d’autre ? A l’instant où Garcia profère ces paroles de sa voix de biker fier comme un roitelet, on sait déjà que
Welcome to the sky valley va nous accompagner toute notre vie. On s’y croit, tout comme lui, au volant d’une
Page 79/107
harley millésimée, soulevant des rideaux de poussière de sable de 10 mètres de haut dans notre sillage, libéré
de toute loi et de toute contrainte. Pour ceux qui auraient du mal à saisir l’esprit, bien particulier, de ce groupe
unique, jetez un œil aux témoignages vidéo des « generator parties » organisées par le groupe dans le désert
(en gros, une cinquantaine de chevelus se donne rendez-vous au beau milieu du désert californien, avec
binouzes et instruments, et ‘branche le groupe électrogène, baby, VRRRROAAAAAAAAAAMMMMMMM’). Si
après ça, vous ne pigez toujours pas, secouez vos cheveux. Shake your hair, motherfuckers. L’Homme et le
Gosse ont accouché d’un classique du rock’n’roll, au même titre que Led Zep 4 et que le premier Black Sab…
Certainement pas indispensable… OBLIGATOIRE.
Note : 6/6
Page 80/107
CHRISTIAN DEATH : Skeleton kiss
Dans la liste des objets destinés aux fans uniquement, citons ce maxi. Rozz alors en grand besoin d'argent a
signé chez Cleopatra qui souhaitait qu'il réenregistre ses anciens titres, ce qui débouchera sur 'Iron Mask'. Pour
ne pas perdre le filon, nous voici dans la foulée avec ce mini (trop souvent vendu au prix d'un album, là est
l'arnaque) présentant, nous dit-on, des version remixées de morceaux présents sur l'album (merci, on s'en
serait pas douté), soit deux déclinaisons de 'Skeleton kiss' ainsi que 'Spiritual cramp' et 'Resurrection' (ce
dernier en concert)...Ok, de très bonnes chansons mais dans des mixes totalement inutiles; on se demande
bien ce que l'édition 'Alternate death' avec les guitares coupées apporte de plus à l'édifice. Quant à
'Resurrection', elle a été fournie sans cesse sur tous les live sortis par le label américain, jusqu'à
l'écoeurement, c'est dire si on l'écoute distraitement bien que le son soit correct et l'interprétation hantée à
souhait. Un objet de fans à se procurer d'occasion éventuellement mais par pitié, ne le payez pas au prix d'un
album !
Note : 2/6
Page 81/107
SIOUXSIE AND THE BANSHEES : Superstition
Qu'il vient tardivement celui-là...Forcément, c'est l'album des Banshees que j'apprécie le moins et je viens
seulement de l'acquérir pour une bouchée de pain, ce qu'il vaut à mon humble avis. Bon, même un mauvais
disque de la Sioux est meilleur que...Oui, mais est-il donc si mauvais ? Non, pas tant que ça en réalité, c'est de
la pop et de la bonne d'un point de vue strictement musical. Même une kitscherie comme 'Kiss them for me' a la
saveur et les arrangements d'un film made in Bollywood (l'usage des percussions et de la cithare, la touche
bhangra des choeurs probablement). Le premier point qui me hérisse un brin, ce sont ces fichus claviers trop
légers dans leurs sonorités et leurs mélodies ('Silly thing', 'Fear of the unknown'); ça sonne commercial tout ça
et je trouve que même le groupe n'y met pas des tonnes de conviction même si Budgie martèle ses peaux
comme un dieu, même si la production est impeccable et que Madame Siouxsie chante toujours aussi bien. Où
est le frisson alors ? Pas dans le refrain convenu de 'Fear of the unknown', ni le groove luxuriant de 'Kiss them
for me', la banalité de 'Shadowtime', ni même dans les belles tentatives post new wave que sont 'Silver
waterfalls' ou 'The Ghost in you'. Et pourtant, il n'existe pas de mauvais album de Siouxsie and the Banshees
disais-je...Car nous avons la mélancolie délicate et nocturne de 'Drifter', le désespoir effacé de 'Little sister',
sans oublier un 'Softly' qui se pose comme un murmure dans les oreilles. A ce jeu-là, Siouxsie s'est toujours
montrée imbattable et elle le prouve. D'ailleurs, comment détester la mélodie de 'Silly thing' quand elle est
portée par sa voix ? Les Cure ont eu 'Wild mood swing', les Banshees auront eu 'Superstition' qui est mieux.
Pas facile de cracher du venin sur une formation pareille. 3,5/6
Note : 3/6
Page 82/107
SIOUXSIE AND THE BANSHEES : Break up
Ce pirate est constitué de plusieurs parties. La première concerne les sept premiers morceaux qui proviennent
d'un enregistrement live à Coventry en 1981; part belle est donc faite aux compositions issues de 'Ju-Ju',
exception faite de 'Red light', 'Christine' et 'Eve white Eve black' mal nommée ici 'Son of a bitch'. Le son est très
correct, l'interprétation bien pêchue, nous sommes dans la période sombre du combo. Suit une face B,
'Supernatural thing' capturée à Tuil (?!? S'agit-il de la petite localité des Pays-Bas ?), c'est dire si c'est un plus
de ce bootleg. Là aussi, bon son. Il n'en va pas de même pour 'Tenant' à Paris où les conditions sont nettement
moins réussies; il faut un effort pour reconnaître la chanson, ce qui est bien dommage vu qu'il ne s'agit pas
forcément d'un classique des Banshees sur scène. Les pistes suivantes sont indiquées comme 'démos' sans
autre explication...En tous cas, le son n'est pas terrible sur 'Make up to break up', 'Carcass', 'Love in a void'
mais le feeling plutôt punky. Plus tardifs, les derniers titres bénéficient d'une meilleure qualité d'enregistrement
mais ne diffèrent pas foncièrement des versions sur album, sauf peut-être 'Green finger'. L'un dans l'autre, ce
bootleg n'est donc pas dénué d'intérêt, sans réel inédit mais avec des titres peu courants, qui plus est avec un
son correct.
Note : 4/6
Page 83/107
CHRISTABEL DREAMS : Christabel dreams
J'avais connu les formations italiennes plus déchirées; au contraire, les compositions de Christabel dreams
semblent empreintes d'une assurance tranquille. S'il émane d'elles une forme de tristesse qu'on trouve dans la
cold wave, elles dégagent également une force organique plus typique du post punk, notamment de par une
rythmique roulante. On les croirait presque tranquilles, ces quatre chansons, et pourtant derrière ce masque,
on sent bien la blessure mais pas celle qui s'apitoie, celle qui relève la tête et plonge son regard au plus
profond de l'horizon. Le chant de Christian Gatti y est pour beaucoup dans cette impression de force, les
guitares assurant la touche un peu froide du son tandis que la basse bétonne le fond. Pas mal du tout pour un
premier essai, on sent que les structures ont été soigneusement travaillés sans perdre une forme
d'immédiateté. Ce disque est pourtant de ceux qui sont assez riches pour mériter plusieurs écoutes; pas de
tube immédiat mais des chansons profondes ('Candles light') qui ne se dévoilent vraiment qu'à qui veut bien les
découvrir.
Note : 4/6
Page 84/107
COMPILATIONS - TRIBUTE ALBUMS : Alternative Tentacles Records – Virus 100
Tenir un tel objet, sobre et classe, entre les mains, c’est tenir un vrai morceau d’histoire. Le coup de la compil
pour fêter la centième référence d’un label, on le connaît, c’est plus où moins un classique inévitable. Mais
quand il s’agit d’Alternative Tentacles, l’un des plus grands label indés américains, on tend l’oreille. L’idée est
ici de proposer à divers groupes fans d’Alternative Tentacles d’enregistrer une reprise de leur choix des Dead
Kennedys, dont le chanteur, Jello Biafra, n’était autre que le co-fondateur du label. Le tout regroupé malgré tout
sous le sceau de la fameuse chauve-souris, entre imagerie batcave et l’aigle des ramones. Attention : il s’agit
ici bien d’un tribute et non d’une compilation 100% made in Alternative Tentacles, puisque plusieurs artistes
figurant ici n’ont jamais été signé sur le label. Ce qui en fait donc l’un des meilleurs tributes au monde, sous
ses dehors de compil bête et méchante. Une fois ces précisions apportées, on peut grossièrement classer ces
reprises en 3 catégories : les punky qui envoient sec quoi qu’il arrive : L7, Thugs (merveille de punk day-glo,
coloré et mélodique dans le sens noble du terme), Steel Pole Bath Tub, Sister Double Happiness, et les
méchantes claquasses en ouverture que sont les Didjits et Evan Johns, qui joue de la guitare, du saxo et
chante en même temps (« recorded totally live » d’après la pochette, qui ne manque pas de blagues). Ces deux
dernières étant franchement GICLATOIRES. Viennent ensuite les reprises totally metal, avec Napalm Death et
Sepultura... et puis, enfin, les autres. Les Ovnis. FNM, Neurosis, qui fait – ça vous étonne ? – du Neurosis,
Nomeansno, qui surprend avec sa version a cappella, visiblement enregistrée avant toutes les autres à toute
vitesse (ils seront remplacés au pied levé par Victims Family, dans le même style), les Disposable Heroes of
Hiphoprisy, Kramer (c’est quoi c’truc ?) et enfin Mojo Nixon, qui envoie du country-punk, genre qu’on imaginait
pas trouver ici ! Les femmes sont à l’honneur avec Alice Donut et L7, auteurs de versions quasiment ultimes,
L7 pour une jouissance pogotante instantanée (meilleure performance purement punk de tout le skeud), et Alice
Donut pour la déjante complète, défonce terminale et outro décalée à la Bungle... En parlant d’eux, on à droit à
une autre version de Let’s lynch the landlord, celle, complètement loungey (avec l’accordéon de dédé en guest)
de Faith No More, où Patton travestit sa voix jusqu’à la rendre méconnaissable, comme souvent. On apprend
sur la pochette que « Jim Martin does not appear courtesy of big part music », ce qui en dit long sur l’ambiance
qui régnait déjà dans le groupe… Mettons fin au suspens insoutenable : qui donc a eu l’honneur de violenter le
tube sacré California Über Alles ? Eh bien comme chez Alternative Tentacles on aime l’anticonformisme, c’est
un groupe de rap qui s’y colle ! Les Disposable Heroes of Hiphoprisy, menés par Michael Franti, s’en sortent
pas trop mal, façon Public Enemy, en usant du sampler et sans se faire chier à coller à l’original. Bon choix.
Sister Double Happiness hérite d’un Holiday in Cambodia qui nous achève après cette succession de réussites
éclatantes. En gros, à moins de détester sévèrement les Dead Kennedys ou tous les styles présents ici (ça
ferait beaucoup), vous trouverez forcément votre compte sur ce tribute. Mais vous me direz, Alice Donut, Steel
Pole Bath Tub, Disposable Heroes of Hipoprisy, L7, Victims Family... autant de groupes qui ont l’air d’envoyer
leur maman et absents du site... La chose ne saurait rester trop longtemps ainsi sans être réparée, soyez-en
sur... Aussi je retourne au turbin, ragaillardi par cette compile à la fraîcheur manifeste. Aussi fraîche que mon
exemplaire est décrépi (la pochette du moins). Ça prouve qu’il a servi, et qu’on ne s’en lasse pas ! (… punaise
j’ai failli mettre 6 à un tribute moi, j’ai eu chaud)
Page 85/107
Note : 5/6
Page 86/107
ROACH (Steve) : Dynamic Stillness
L’immobilisme dynamique. C’est tout un tour de force que de créer une telle illusion sonore qui coule comme
lourde rêverie. Cet album, Steve Roach l’a mûri au cours des 3 dernières années, au cours desquelles il a aussi
réalisé des albums plus percutant. C’est aussi une quête du silence qui se transmet par des ondes sonores
atonales, qui sont légèrement en mouvement, personnifiant la force tranquille par l’errance d’un esprit
repentant. Nous sommes dans les terroirs de Structures from Silence et A Deeper Silence, mais avec plus de
lourdeur, plus de chagrin et plus de nostalgie.
Une lourde ondée musicale accentue un mouvement sombre en ouverture de Birth of Still Places. Un monde de
réverbérations sonores qui roucoule lentement mais avec une force sonore, comme une hypnose cérébrale.
Puissante, mais langoureusement lente, la structure musicale se déploie comme un gros serpent charmeur,
prêt à vous happer pour le sommeil, sur une longiligne pièce musicale de près de 61 minutes, divisée en 2
actes soporifiques, mais doucement éthérée; Birth of Still Places et Long Tide. De puissant, le mouvement
s’atténue doucement, comme si le sommeil s’emparait de nous. A Darker Light ouvre sur une structure moins
tempétueuse, comme un doux vent chaud qui caresse notre ouïe. Un doux vent qui se poursuit sur Opening
Sky.
Le CD2 ouvre avec la même ‘’chloromorphomité’’ que le CD1 se termine. Nature of Things est un long couloir
aux ondes finement oscillantes qui gravitent dans un cosmos sombre, laissant filtrer des chœurs errants. Un
voyage cosmique, comme si nous y étions. Toujours dans le confort douillet de l’immobilisme, Further Inside
coule doucement, comme des boucles enchanteresses qui voudraient former une cadence invisible. Un long
morceau où le rythme tente de jaillir, retenu qu’il est par une force intérieure que Roach contrôle avec l’aide de
ses synthés. Une quête mélodramatique qui encourage plus la rêverie nostalgique, que la méditation qui se
rattache à Slowly Revealed. Un titre plus doux et plus romanesque avec ses délicieux effluves de tranquillité
qui voguent sur une mer harmonieuse avec ses fines ondulations enchanteresses. On ne s’en lasse pas, tant le
mouvement coule avec une étrange mélodie soufflée par un romantisme obscur, où filtrent de subtiles
essences flûtées dans une ambiance spectrale. Canyon Stillness dépeint la force créatrice de Steve Roach. Ici,
comme tout au long de Dynamic Stillness, Roach forge sa musique avec un doigté inouïe pour ses structures
nominatives. Tout au long de cette pièce de 23 minutes, on sent les vents sifflés au travers les sillons
imparfaits des canyons du désert Roachien. Un désert aux milles facettes utopiques qui bercent les illusions
créatrices de Steve Roach.
Dynamic Stillness est un puissant album flottant, bourré d’émotions et de sensibilité d’un artiste en constante
quête d’un idéal spirituel. Très beau et surtout très sincère. Du Roach à son meilleur.
Note : 5/6
Page 87/107
WU-TANG CLAN : Enter the wu-tang (36 chambers)
Comparer le mouvement de l’air généré par la langue lors d’un rap à un style de combat au sabre, il fallait oser.
Et encore plus d’arriver avec un véritable nouveau style vocal. 36 Chambers et 9 MC’s. Certains ont fait de la
cabane, tous ont de sales histoires à raconter, comme RZA, le metteur en son, dont le frère s’est fait buter
(Raconté dans Tearz). La volonté derrière la concrétisation du projet Wu-Tang (qui, comme GZA se tue à le
répéter, s’est élaboré sur le long terme, fusse-t-il peut-être à 3h du mat sous méthédrine dans une cage
d’escalier) vient de là : 9 types qui veulent se sortir de la merde et des trafics pour de bon, certains y ayant déjà
laissé des neurones (le phénomène ODB, clown mais aussi Illest Motherfucker de la bande). Le déclic ? Le
procès pour meurtre de RZA, dont il sera acquitté. Plutôt que de se cotiser pour payer la caution, les neuf durs
à cuire mettront chacun 100 dollars pour payer le studio. RZA a un plan. Il décroche un contrat unique, en or
massif, avec Loud (MCA) : chacun des 9 membres peut sortir des albums solos sous d’autres labels, clause
dont ils useront et abuseront, fort heureusement pour le hip-hop. Après moult brainstormings à base de skunk,
donc, le crew Wu-Tang est mis sur pied autour des 3 cousins : RZA, le boss de la bande, GZA alias The Genius
et Ol’Dirty Bastard, comme son nom l’indique. Je ne citerai pas les 9, ils sont assez reconnaissables à l’écoute
vu leurs flows assez différents, mais sachez que le Wu-Tang est plus qu’un groupe : c’est un mythe, un
concept, une sorte de comic book à se faire dans sa tête à l’écoute, un délire à la Tarantino où Staten Island,
quartier de NY encore peu représenté dans le hip-hop, devient Shaolin Island. Dialogues de films de kung-fu,
bruits de sabres, jeux d’échecs et rapidité d’exécution encore jamais vue à l’époque constituent l’univers du
Wu, véritable mise en orbite d’un genre musical souvent trop coincé dans ses clichés et ses propres codes.
Première piste : Bring tha mothafuckin ruckus. Saturation de la bande sous le poids de cette armada de MC
chauds comme la braise... Les samples s’entrechoquent, le beat est pris de hoquets, la fumée et les étincelles
jaillissent, provoquées par la friction des rimes sur le fer du mic. Les tueries sont trop nombreuses : de Protect
Ya Neck, au moins aussi chargé et hardcore (on a pratiquement pas le temps d’entendre le beat : les couplets
de 8 MC’s défilent et ça poutre !), à l’émouvant Tearz, où les 2 bretteurs ont la voix brisée et font dans la
sobriété et l’amertume du deuil mal consommé. Chacun des 9 tarés a son heure de gloire : sur ‘Da Mystery…’,
Ol Dirty Bastard et Masta Killa lâchent des couplets ultimes, poussant l’art hip-hop à son niveau maximum…
C’est limite si il faut pas une bo107onne d’oxygène au mec une fois le dernier mot craché. De son côté, le GZA,
arme secrète du groupe, relativement discret sur les autres morceaux (il pose en général son couplet en
dernier, la place la plus difficile) fait cavalier seul sur l’immense Clan in da front (à l’instru anthologique, et le
mot est faible), pour lequel il trouve un refrain bien old school et tubesque, après une énumération du Clan au
complet par RZA, le grand ordonnateur de cette nouba, qui inclue non seulement les 9 membres principaux,
mais aussi la garde rapprochée, les innombrables Killa Beez. Comme dira Akhenaton quelques années plus
tard : « petit présomptueux ne vois-tu pas le nombre déployé ». Au-delà des nombreux morceaux dévoués à
glorifier la force de frappe du clan, CREAM est peut-être le chef d’œuvre du disque. Ainsi que l’origine du
célèbre sample du « Petit Frère » d’IAM. La tristesse dans la voix de method man, exprimant à la fois
résignation, colère, et envie d’en découdre malgré tout, et de se faire plein de fric (inutile de le cacher)... Ici, le
règne de l’argent est plus déploré que célébré, un choix qui deviendra trop rare dans les années suivantes (y
compris dans les Wu-Tang suivants). Raekwon et surtout Inspectah Deck – dont le couplet est à chialer -
Page 88/107
semblent raconter l’histoire de types sensibles poussés à bout, comme des animaux traqués qui chercheraient
dans le rap un impossible juste milieu entre la misère noire et la richesse indécente, entre le bon vieux temps
idéalisé et l’enfer du temps présent (Can it all be so simple). Un refuge pour lécher leur plaies, même s’ils
savent qu’il ne durera que le temps de quelques vers. Alors ils donnent tout, sans rémission. Ce que les
orgueilleux jeunes MC’s n’avoueront pas, leur fragilité, leur mélancolie, leur désespoir, est magnifiquement
retranscrit par les instrus de RZA, véritables poèmes sonores. Parlons-en des instrus. Elles ont rendu l’album
révolutionnaire, comme on sait. Samples de vieux vyniles soul bien granuleux et à l’époque passés de mode,
qui épousent à merveille le propos des chansons et apportent surtout une touche de délicatesse et de
sensibilité féminine dans un univers 100% masculin ou la meilleure preuve d’amitié semble être de se souhaiter
des trucs du genre « j’vais t’accrocher par la bite du haut du 12ème étage » (Intro de Method Man). Et puis il y a
ces samples de piano dissonant dont seul RZA a le secret, entre musique de dojo moite et bribes de bizarreries
sixties… Souvent posés sur des basses riches et délectables, qui font un contrepoint agréable à ces sons
inhabituels (pour l’époque on a peine à imaginer), ces instrus sont le tapis parfait pour un rap évidé de toute
scorie mélodique ou gimmick old-school, aux paroles la plupart du temps secondaires, chargées d’argot et de
phrases assassines. C’est rapide, acrobate, irrégulier, et à des lieues du phrasé bien calibré à la syllabe près
des ténors du hip hop d’alors, pour qui la norme était encore d’un seul MC par groupe quelques années avant !
Les détails foisonnent : écoutez les changements d’instrus de fou lors de Wu Tang Clan ain’t nuthin to fuck wit,
les tintements lointains de 7th Chamber pendant que les MC’s te cisaillent la face façon Crazy 88, ou encore les
‘ouh ah’ hypnotiques en fond dans Da Mystery of Chessboxin’… 36 Chambers est un album dur, plutôt difficile
d’accès, même sur les tubes les plus évidents, excepté Method Man, morceau à part, hallucinant de maîtrise
verbale, basé sur 3 pauvres notes de piano de saloon… C’est un gunfight verbal, et l’enculé de Method shoote
plus vite que l’ombre de Rakim. Du très grand hip-hop, a faire découvrir à ceux qui aiment prétendre que «
rapper c’est facile ». Et le salaud remet ça quelques minutes plus loin avec des rimes différentes ! Cette
chronique est longue, saturée de mots, à l’image de l’album finalement, qui sans être parfait mérite la note
maximale, simplement pour avoir donné cet incroyable kick dans la fourmilière, et d’avoir gravé ces 15
diamants dans la légende. Et aussi parce que comme on a pu le lire pas loin : « on ne note pas la grande
musique comme les autres ». Enter The Wu-Tang c’est de la Grande Musique.
Note : 6/6
Page 89/107
JUDAS PRIEST : Demolition
Chronique réalisée par Nicko
Après un retour aux affaires avec le nouveau vocaliste, Ripper Owens, le Priest doit confirmer après l'honnête
"Jugulator" et l'excellent double-live qui a suivi. En ce début de 21ème siècle, le quintette, qui a très souvent
joué avec des thèmes de sciences-fiction, arrive avec un album très porté sur les ambiances électroniques et
autres éléments futuristes. Judas veut apparaitre comme une groupe au top et tourné vers l'avenir. Il ne veut
pas sortir un nouvel album de thrash/power metal lambda, il veut aller de l'avant et proposer de la nouveauté à
son public. "Demolition" se présente donc comme un album de heavy metal au son très mécanique, froid et
quasiment constamment teinté de claviers et d'ambiances futuristes. Autant le dire direct, on est loin d'un
"Screaming for vengeance"... Ici, les compos manquent de mordant, l'album est long, mais long. Les guitares
ont un son très moderne, limite indus par moment. Il y a quelques moments sympas comme sur "One on one"
(malgré un son pas approprié), le slow "Lost and found" ou "Jekyll and Hyde". De plus, niveau production, ça
manque clairement de patate tout ça. Autant on retrouve l'agressivité de "Jugulator", autant la rythmique de
plomb a disparu. Ripper chante bien, mais on sent qu'il reste sur la défensive, pas de grandes envolées aiguës
ni de grande performance vocale. L'album manque aussi cruellement de rythme avec une très grande majorité
de titres mid-tempos, qui rendent l'écoute du disque très ennuyeuse. "Demolition" représente tout à fait le
genre d'album qui plombe un retour, là où une grosse baffe aurait définitivement remis le groupe en selle. Au
lieu de cela, on se retrouve avec un album médiocre et monotone. A oublier.
Note : 2/6
Page 90/107
JUDAS PRIEST : Live in London
Bah voyons, un album studio, un live... Autant rentabilisé à fond le nom Judas Priest. Et encore, devrais-je dire,
un album studio, un DVD live puis le live tout cela étalé sur un an et demi. Après, on peut les comprendre, vu la
qualité plus que moyenne du dernier album et son échec commercial, autant se focaliser sur les concerts où là,
y'a pas de débat possible, "The Priest is back" ! Mais bon, là, quand même, on sent le groupe qui abuse un
minimum. Parce qu'après "Demolition", ils nous ont fait le coup du live, ok, mais là, ils nous sortent sur
double-CD le même concert que le DVD... mais en version complet ! Car sur le DVD, il manque un tiers des
titres (sans compter l'amputage scandaleux de l'intro "The Hellion" avant "Electric eye"). Donc là, même quand
on a acheté le DVD (au final pas au niveau de ce qu'on est en droit d'attendre du Priest), on se sent obligé de
prendre ce double-live, et ce, même si 4 ans plus tôt était sorti le "'98 live meltdown". A part ces considérations
extra-musicales, on ne peut qu'admettre que le Priest, en concert, c'est énorme. Le passage parisien de cette
tournée reste pour moi, l'un de mes tout meilleurs concerts toutes catégories confondues, avec un "Painkiller"
magique. Donc, oui, le niveau est très élevé, le son est excellent, avec une bonne participation du public
londonien. Le groupe assure un max, Ripper est le digne successeur d'Halford, on ne peut que le vérifier à
nouveau. Seul bémol, la version allongée de "Victim of changes" avec Tipton qui s'amuse tout seul à rejouer le
même riff ad vitam aeternam... Sinon, y'a pas à dire, on est gâté avec près de 2H10 de show et quelques
morceaux ressorti des placards pour l'occasion ("The sentinel", "Desert plains" ou "United" - bon, là, ils
auraient pu faire l'impasse). Alors, oui, il s'agit d'un très bon live, du niveau du précédent. Après, est-il vraiment
indispensable ? Si vous n'avez pas le "'98 live meltdown", oui, donc 5/6, sinon 4/6.
Note : 4/6
Page 91/107
JUDAS PRIEST : Angel of retribution
Fallait s'y attendre... The Metal God is back !!!! Après un album décevant, "Demolition", il fallait trouver une
"astuce" (bon, ils sont pas allé la chercher loin...) pour faire rebondir à nouveau la carrière du Priest. Rob
Halford, qui avait quitté le navire en 1991 pour faire quelques projets divers et variés s'était rapproché du heavy
metal traditionnel sur ses précédentes productions solo. Il n'en fallait pas plus pour que durant l'été 2003
l'annonce officielle sorte. Rob Halford est de retour au sein de Judas Priest. Ripper Owens, beau joueur, sort
avec les honneurs et sa passage au sein du quintette lui permet de faire bondir sa propre carrière, d'abord au
sein d'Iced Earth puis en solo. Le soucis, maintenant que le retour est effectif, c'est de sortir un album qui a de
la gueule. Eh bien, autant le dire haut et fort, cet "Angel of retribution" est tout bonnement bluffant ! 10
morceaux et quasiment que des hymnes heavy metal dont certains n'ont absolument rien à envier aux grands
morceaux des britanniques. "Judas rising" et "Hellrider" font partie des morceaux incontournables de la
carrière du groupe, ni plus ni moins. L'inspiration est de retour, c'est à la fois direct, rentre-dedans, mais aussi
recherché et surtout méga-bon. ca donne envie de sauter partout, les riffs restent dans la tête, les
arrangements sont au p'tits oignons, y'a du feeling, la production est claire et puissante. Ca donne un peu la
même impression que lorsqu'Iron Maiden avait sorti son "Brave new world". Rob Halford n'a (encore) rien
perdu de ses capacités vocales. Les morceaux sont variés, bref voilà l'album que le groupe aurait dû sortir
après "Painkiller" (même s'il n'a pas la même hargne bien entendu). Le Judas Priest mélodique est
véritablement de retour avec des morceaux prenants, taillés pour le live. Qu'y-a-t-il à ajouter si ce n'est que ce
retour est, encore une fois, inespéré, grandiose et qu'il montre une nouvelle fois que Judas Priest est un très
grand groupe de heavy metal. Alors qu'on ne l'attendait plus revenir à un tel niveau, le voilà bel et bien vivant et
prêt à en découdre sur scène. Ajouté à cela pour la version Digipack un DVD bonus avec quelques titres en
concert histoire de bien montrer qu'en live, le groupe assure encore, même si Halford commence à lutter dans
les aiguës... Ca reste quand même du bonheur, tout comme cet album vraiment fabuleux.
Note : 5/6
Page 92/107
HARPER (Roy) : Lifemask
Il aura fallu deux ans pour donner un successeur à l'unique "Stormcock". C'est moins dans le produit fini que
dans le cheminement même qui a conduit à sa création qu'il faut peut-être chercher l'origine de ce léger délai.
Après s'être tant investi dans la réalisation et la production de "Stormcock", Harper se découvre une maladie
congénitale qui a bien failli lui coûter la vie ! À la lumière de ces évènements, la mise au monde laborieuse de
"Lifemask" résonne presque comme une renaissance pour l'artiste. Sans atteindre le côté épique et définitif de
son prédécesseur, "Lifemask" regorge malgré tout de beaux et poignants moments qui en font un des tous
meilleurs disques du singer/songwriter. "Highway Blues" ou "South Africa" sont deux superbes chansons dans
la grande tradition des torch songs dont Harper nous abreuve depuis déjà tant d'années. De riches arpèges à la
guitare soulignent un chant qui se lamente et erre dans les interstices laissés derrière elles par des paroles
faussement affables. De discrètes interventions au synthétiseur ça et là viennent donner en appoint un peu
plus de profondeur à des plages qui en soi ne manquent pourtant pas de relief. Bien que cette fois entouré d'un
véritable groupe, au sein duquel on retrouve les Laurie Allan, Brian Davison ou encore Jimmy Page, leur
contribution reste toutefois minime, réduite pour ainsi dire à un écho lointain, apparaissant et disparaissant au
gré des titres comme des des bribes de mémoires qui ont du mal à se fixer. L'album de se conclure sur "The
Lord's Prayer", pièce ambitieuse en cinq mouvements de plus de vingt minutes, qui s'évertue à célébrer le côté
éclaté d'un album qui, dans son déroulement, était jusque là plutôt cohérent : constellé de superbes mélodies
qui s'enchevêtrent dans un labyrinthe dont le désordre volontaire n'est connu que de la raison pure, il laisse à
la fin de sa course l'auditeur dans un rare état d'hébétement, se demandant encore longuement quelle est la
nature de ce qu'il vient juste d'écouter ...
Note : 5/6
Page 93/107
HARPER (Roy) : Valentine
Aussi grotesque que cela puisse paraître, l'album "Valentine" tire bel et bien son nom du fait qu'il ait été publié
le 14 février de l'an 1974. Si son propos est des plus délicat en essence, il ne se veut pas pour autant une
simple collection de jolies bluettes. Il n'est néanmoins pas erroné de parler de collection à son égard puisqu'il
est en réalité la somme des plages les plus courtes réalisées par Harper lors des sessions "Stormcock" et
"Lifemask". Si on retrouve un Harper au sommet de sa forme sur certains titres comme "Forbidden Fruit" ou
"Twelve Hours of Sunset", l'auteur compositeur s'adonne aussi à des genres rarement visités, comme le jazz
("Acapulco Gold") ou plus simplement le rock avec "Male Chauvinist Pig Blues", la seule occasion qu'il vous
sera jamais donné dans votre vie d'écouter Keith Moon et Jimmy Page jouer ensemble ! Si on connaît l'intérêt et
la faculté de Harper à s'égarer sans peur dans des endroits peu convenus, ce qui est plutôt malvenu ici, c'est
l'enchaînement à priori peu réfléchi dans lequel l'ordre de ces titres se succède. En effet, rien n'est fait pour
qu'on puisse échapper à ce sentiment de compilation, ce qui gâche à mon sens le plaisir d'écoute qu'on aurait
pu tirer de "Valentine" s'il avait été pensé en d'autres termes. Du coup, le manque de personnalité qui se
dégage du disque en fait une oeuvre de seconde zone, et ce malgré la présence de forts beaux moments, mais
pris isolément. C'est d'ailleurs à cet effet, pour le seul plaisir d'entendre l'une ou l'autre chanson, qu'on pensera
dans un premier temps à se réécouter "Valentine", pour se rendre compte par la suite qu'on fait
systématiquement l'impasse sur certains titres. La réédition cd comporte quelques titres bonus figurant
originellement sur l'album live qui devait le suivre, "Flashes From The Archives Of Oblivion". Ce qui a pour
triste effet de renforcer un petit peu plus encore l'aspect particulièrement décousu de ce malheureux
"Valentine".
Note : 3/6
Page 94/107
HARPER (Roy) : HQ
Le tapis rouge déroulé depuis ses tous débuts en l'honneur de Roy Harper ne se dément toujours pas. "HQ"
comporte la liste la plus impressionnante d'invités prestigieux que le guitariste ait jamais eu sous sa main,
faisant par là-même de ce disque son album le plus rock. À cette même époque, Roy Harper venait de fonder le
groupe Trigger en compagnie de David Cochran, l'ex-Nucleus Chris Spedding et l'ex-King Crimson Bill Bruford
... Il les retrouve ici, mais pas que eux. Viennent s'ajouter à la liste Messieurs David Gilmour et John Paul Jones
qu'il est inutile de présenter, je pense. Mais si pour enregistrer un chef-d'oeuvre il suffisait de réunir un
panthéon de musiciens de classe internationale, ça se saurait ... L'histoire a démontré que c'était rarement le
cas. Bien qu'étant convenablement produit et exécuté (le contraire eut été impardonnable), apparaîssant
comme une oeuvre mûrement réfléchie et pertinente quant à l'objectif visé, "HQ" sonne aujourd'hui comme un
disque terriblement daté. En s'écartant peut-être de manière trop drastique de l'univers doucement tourmenté
du troubadour des temps modernes, "HQ" se donne des airs d'album faussement progressif qui ne pourra
jamais satisfaire les deux parties concernées du public. Les rythmes sont appuyés, les guitares déboulent sur
chaque titre, assurant leur petit quart d'heure de gloire à chaque intervenant, et on n'a de cesse de se demander
où a bien pu passer toute la profondeur que l'artiste donnait encore il y a peu à ses chansons ? Un non-sens
parmi d'autres qui en dit long sur les effets pervers induit ainsi encourus : le rockabilly de "Grown Ups Are Just
Silly Children" joué à la batterie par Bill Bruford alors que tout le monde sait que ce batteur n'a aucun sens du
groove ! Le bout du tunnel intervient tardivement avec un bien trop court "Forget Me Not", seule plage
acoustique de l'album. Suivent la ballade "Hallucinating Light" et "When An Old Cricketer Leaves The Crease"
qui viennent définitivement calmer le jeu d'un album qui, dès le départ, semblait s'être trompé de casting.
Note : 2/6
Page 95/107
HARPER (Roy) : Bullinamingvase
Il est plus qu'évident que la notoriété dont a pu bénéficier Roy Harper tout au long de sa carrière ainsi que
l'appui constant de toute une ribambelle de musiciens parmi les plus respectés d'Angleterre ont eu tout deux
une terrible incidence sur son travail. Le décevant "HQ" n'était pas une concession, mais bien une affirmation
presque indécente de cette respectabilité acquise naturellement. Il n'y aura, il ne peut pas, il ne peut plus y
avoir de machine arrière. Harper a donc pris en cours de route le train de la modernité et s'il lui est tout à fait
possible de revenir sur les choix qu'il a effectué alors, il reste que le chanteur folk demeure désormais tributaire
d'un mode de production en constante évolution. En ce sens, "Bullinamingvase" est la suite logique de "HQ".
Sauf que Harper met définitivement de côté ses aspirations rock pour revenir fort heureusement à un discours
plus nuancé. Il y a toujours des chorus de guitare et une section rythmique solide ("Cherishing The
Lonesome") mais le jeu plus retenu semble définitivement mieux adapté aux compositions de l'artiste. Le
synthétiseur trouve encore sa place sur des plages comme "These Last Days" ou "Naked Flame", renouant
avec la gloire passée du Harper de "Folkjokeopus" tout en s'adaptant à l'inéluctable évolution du marché. La
pièce finale, "One of Those Days in England (parts 2-10)" vient renforcer ce parallèle probablement inconscient
à travers cette longue suite aux dédales labyrinthiques dont seul Roy Harper a le secret, mélodiquement
puissant et souvent mystérieux. Il y a du Pink Floyd, du Genesis, du Jethro Tull, du Van Der Graaf Generator
là-dedans. Dans tous les cas, un titre qu'il faut avoir écouté un paquet de fois avant de pouvoir en apprécier
toutes les subtilités. Par certains aspects, "Bullinamingvase" sonne donc comme un réajustement bienvenu par
rapport à la plate nervosité affichée tout au long de la première face de "HQ". Mais l'heure de gloire est
définitivement passée.
Note : 3/6
Page 96/107
HARPER (Roy) : The Unknown Soldier
Le cas "Unknown Soldier" est peut-être encore plus délicat que "HQ". Mais au moins Roy Harper a-t-il cette fois
une excuse valable. En conflit avec sa maison de disque, s'opposant à la publication de bandes qu'il juge en
l'état encore impropre à la diffusion (ce qui deviendra "Commercial Breaks" et publié seulement en ... 1994 !), il
faudra attendre trois ans avant qu'un nouveau disque puisse paraître sous son nom, et celui-ci marquera la fin
de l'ère EMI-Harvest. Ce disque, c'est "The Unknown Soldier" dont une part importante des titres étaient sensés
figurer sur ce qui aurait du être son prédécesseur ("I'm in Love with You", "The Flycatcher" et "Ten Years
Ago"). Poussé dans le dos par David Gilmour, le guitariste des Pink Floyd contribue à l'écriture d'une bonne
moitié du matériel présent sur l'album, le tout débouchant sur un album hybride de plus qui s'enlise
définitivement dans les travers de la production de l'époque. "Bullinamingvase" n'aura donc fait rêver qu'un
temps. Les claviers criards de "Playing Games" donnent le coup d'envoi et accessoirement le signal d'alarme
d'un album qui n'aura de cesse de cacher ses faiblesses derrière une production inadéquate et souvent
poussive. "Short and Sweet", qui ouvre la seconde face, en est le parfait exemple. Ce titre qui porte la marque
indélébile de Gilmour, et pourtant promis à un bel avenir dans son développement, croule bien assez tôt sous
les effets de manche d'une orchestration criarde et des arrangements ternes. "First Thing in The Morning" et
"True Story" prolongent tristement cette irrémédiable descente aux enfers. Le comble, c'est que les titres
publiés près de quinze ans plus tard sous forme de démos sur l'album maudit "Commercial Breaks" sont plus
convaincants que les versions présentes sur "The Unknown Soldier". Seul moment à retenir peut-être : le duo
inédit entre Roy Harper et une toute jeune Kate Bush pour "You", chanson dont le déroulement et l'atmosphère
générale semble trouver sa source dans les chutes studio de "The Wall".
Note : 2/6
Page 97/107
COSMIC HOFFMANN : Hypernova
Voici le 3ième volet d’une collection d’archives du mentor de Mind Over Matter. Constitué de 9 titres,
Hypernova est un voyage musical divisé entre l’ambiant cosmique et les rythmes lents à tendance hypnotique.
Des pulsations séquencées, accompagnées d’un synthé sifflotant, ouvrent le cosmique Looking for Space. Un
fin rythme sur un synthé aux accords solistes ondule dans les sphères nébuleuses d’une galaxie musicale avec
un effet hypnotique. Un peu comme une éternelle danse lascive qui nourrit l’insomnie, Looking for Space coule
avec une douceur cadencée sur un synthé truffé de superbes solos, ceinturé d’un mellotron dense et sinueux,
qui alimentent le cosmos d’effets sonores analogues. Requiem For A Dying Star est une lente agonie où le
mellotron inonde les astres de lentes strates enveloppantes. Un titre cosmique lent, quasi atonal, comme le
lourd Alienapolis qui nous trempe dans de lourdes atmosphères d’un suspense galactique.
Cosmic Garden est légèrement plus cadence. Un rythme souple avec de légers riffs de guitare qui vrillent en
boucles, échappant de bons solos. Hypnotic est animé de percussions tablas qui instaurent un rythme de
danse tribale très hypnotique. Le mellotron y est délicieux et charme avec son essence flûté. Floating in Time
ourle sur des percussions feutrées et une ligne mellotronné lourde, forgeant un étrange rythme sans
percussions, ni séquenceurs rythmiques. Un immense prisme sonore où le synthé échappe de brefs solos aux
sonorités acuitées qui dérivent dans un cosmos dessiné par un mellotron aux ondes enveloppantes. Un beau
titre qui reflète les années électroniques psychédéliques, tout comme Spiral Nebula et sa fusion guitare/synthé
sur percussions tribales cosmiques ainsi que son lourd manteau mellotronné qui traîne dans un cosmos aux
étoiles filantes. Start Riders est le plus bouillant titre sur Hypernova. Un rythme lourd circulaire qui tournoie
comme un galop giratoire ceinturé d’un mellotron aux ondes spectrales qui pourraient être aussi les ailes d’un
cavalier sans nom. Le tempo monte et descend fébrilement dans une spirale sonore aux multiples serpentins
synthétisés qui hurlent tel des sorcières, sur un mellotron aux ondes imperturbable. Du ‘’space rock cosmique’’
qui galope avec ardeur dans une sphère sonore pimenté de sonorités chamarrées. Un excellent titre. Mercury
termine cette collection de Cosmic Hoffman dans une mer de prisme scintillante qui nous guide vers un synthé
légèrement symphonique aux accords austères. La nébulosité s’éprend d’une intro à l’eau de rose, pour nous
plonger dans un statisme musical qui tournoie tel un cyclone sonore. S’ensuit une marche funèbre qui conclut
cet album dans une ambiance planante, céleste et éternelle.
Encore une fois, Klaus Hoffmann-Hook nous fait le coup de la séduction dans un univers sonore où plusieurs
échoueraient. Cette collection d’archive démontre l’influence que cet artiste trop méconnu a eu sur la MÉ, tant
séquencée que spirituelle (tout comme cette collection d’ailleurs), ainsi que la musique progressive.
Note : 4/6
Page 98/107
YOUNG MARBLE GIANTS : Colossal youth
Il était une fois, mais pas deux, comme disait la femme fontaine. Les Young Marble Giants, n’ayant enregistré
qu’un seul album, (ceci en est une réédition – au son parfait - avec des bonus d’égale qualité, soit les EP Test
Card et Final Day), resteront comme un one shot miraculeux, ovni mélancolique, même au milieu de cette scène
indie galloise naissante, qui allait donner naissance à tant de merveilles. Leur musique n’est que formes et
traits enfantins sur fond de nuit silencieuse, comme le "3 personnages sur fond noir" de Miro. Bleu, blanc et
noir. Il y a tant à méditer ici. Entendez ces exquises guitares western à la Shadows sur Choci Loni, qui ne
seraient rien sans l’aération que leur donne Stuart Moxham. Elles occupent même le premier plan sur les 7
courts instrumentaux de la fin du cd, qui font penser à un genre de surf music acoustique. Ainsi, les
compositions sont toutes mises en valeur par la production, dont on ne soulignera jamais assez l’importance
pour un disque pop, fusse-t-elle réalisée avec peu de moyens. Ici, elle confère à ce réservoir à mélodies
apaisantes une aura de disque intemporel, à la cohérence infaillible, plein de haïkus sortis de nulle part et de
notes anthracite, entre miel et bo107on amer. Une alchimie près de l’os, qui aura une influence considérable sur
les Breeders, par exemple, dont l’amateurisme "de bon aloi" ne peut que faire penser aux 3 gallois, que ce soit
via la basse simpliste et géniale de Philip Moxham ou la voix d’Alison Statton. La première dévale dans les
aigus comme sur un escalier (Constantly Changing), et la deuxième semble dans la lune en permanence,
rêveuse, à côté de ses pompes. Reste la guitare, plus ancrée dans le son post-punk de son époque, jouée par
Stuart Moxham, également responsable des parties d’orgue et de boite à rythme, jouées sur un vieux synthé
archaïque appelé le "synthophone", ou quelque chose comme ça. Un instrument probablement rare et désuet,
fabriqué par le cousin ingénieur téléphonique des Moxham, un certain Peter Joyce, qui devient alors le
quatrième membre du groupe (il était à la mode à l’époque, de donner un petit nom à un synthé ou une boîte à
rythme, histoire de se sentir plus nombreux). Le résultat est unique au monde, et le restera à jamais. C’est
comme si chaque chanson exprimait un moment bien précis de notre vie, une humeur particulière, avec une
acuité et une vérité parfaite, immaculée. Searching fo Mister Right serait une nuit d’insomnie à chasser les
ombres chinoises sur le papier peint, tout en chuchotant pour ne pas réveiller la lune. La chanson-titre semble
un vrai petit traité de philosophie à l’intention de tout les égocentriques, le tout sur une mélodie imparable.
Pourtant, les jeunes géants de marbre et la jeunesse colossale, tout ceci ne provient que d’une minuscule note
du musée d’Athènes, en dessous d’une statue du temple de Poséidon. Elle est d’ailleurs reproduite dans le
livret. Colossal Youth est l’un de ces albums cultes si captivant dans leur simplicité qu’il en incite à s’emballer,
à y voir des secrets et des significations qui n’y sont pas. Tout le monde y est allé de sa transposition, y a collé
ses fantasmes et ce qu’il voulait bien y voir, tant les vignettes de Moxham savent se faire à la fois désincarnées,
discrètes, lovées dans un coin de votre chambre sans qu’on sache si elles ont peur où vous jugent, et en même
temps, si intimes et si familières. C’est le même talent qu’on les astrologues, celui de vous faire croire à un
miracle alors que c’est vous qui assimilez tout ce qu’ils vous disent comme adressé directement à votre âme.
Les chansons des Young Marble Giants, pourtant, ne sont pas la chronique d’un monde déshumanisé, comme
certains ont voulu le voir… Elles ne sont pas contre le monde, ou contre le système : elles sont en dehors, elles
sont déjà de l’autre côté. "Go for credit in the real world", lance Alison Statton, ‘moi j’ai déjà donné’,
pourrait-elle ajouter. En dehors de cette hypothèse, difficile d’avancer quoi que ce soit, tant la fascination
Page 99/107
qu’exerce cette musique tient à son mystère, à son absence de repères traditionnels, à cette osmose
surnaturelle entre chaque instrument, qui semble nous faire croire qu’il serait possible de faire aussi bien, là,
tout de suite, dans la cuisine, avec les poêles, les casseroles et les cuillères. En parlant de casseroles, tout ceci
était trop beau pour durer, il fallut donc bien que le groupe se sépare :Alison sort avec Philip, Stuart qui fait
absolument tout dans le groupe (compos, textes, arrangements…), est jaloux, d’autant plus qu’elle attire toute
la gloire à elle, pensez donc : personne n’imagine une seule seconde que ces chansons ne viennent pas du
fond de son cœur, à elle. Furax, il envoie péter le groupe alors qu’ils allaient sans doute devenir énormes, leur
popularité aux USA s’avérant dépasser l’entendement, et tente une carrière solo, soldée d’un échec, bien
entendu. Il aura un grave accident de moto en 81 qui l’handicapera longtemps. Un banal vaudeville, mais qui
aura pour conséquence de cultifier encore plus les 2 albums et quelques EP et singles du groupe, qui resteront
à jamais son unique testament (pas de reformation, les gens, ou on tue le chien). Le cd s’achève par une Ode à
Booker T., hommage appuyé à celui qui est peut-être finalement la seule influence traçable du groupe,
l’organiste de Otis Redding, avec ses sonorités 60’s si reconnaissables. Toujours avec ce chant et ces accords
à la frontière exquise entre justesse et fausseté, à l’équilibre précaire. "Life is so much better when you’re
toeing the line" seront les mots de la fin.
Note : 5/6
Page 100/107
EL_VIS : Esse Conceptus
EL_VIS c’est Piotr Lenart, un synthésiste Polonais, ainsi qu’un animateur de radio, qui s’est fait connaître sur la
superbe compilation Ticket To Mars avec Mars Reflection. Sa musique est légère, pas vraiment compliquée, et
aussi mélodieuse que chaleureuse. De l’électro pop, comme Kraftwerk aurait sans doute créé si le quatuor
Allemand avait été plus créatif. Paru en Pologne en 2006, Esse Conceptus est déjà le 10ième album d’EL_VIS et
le 1er sur le label Syngate. Une belle collection de 12 titres très entrainants et très enjôleurs qui flirtent avec les
styles rétros de Space Art, Jean Michel Jarre, Kraftwerk, Peter Baumann et Frédéric Mercier sur son sublime
Music from France (vous connaissez?...tout simplement superbe).
La pièce titre ouvre sur un séquenceur nerveux et lourd. Le rythme est suavement frénétique, pavant la voie à
un synthé flûté aux lamentations torsadées qui se dandinent sur une boîte à rythme aux tambours roulants. Le
synthé est parfumé d’arpèges xylophonées, ainsi qu’un beau chant harmonieux. Un titre qui accroche à cause
de sa finesse et qui nous entraîne dans des pensées nostalgiques, tout comme le splendide J&A qui est
néanmoins plus mélodramatique sur une structure musicale plus arquée et Marsjanska Kwarantanna ainsi que
Gwiezdny Adres. Reflect-Ion est une douce mélodie qui se love sur un très beau synthé musical. Un synthé qui
filtre quelques belles nappes célestes, ceinturant des arpèges qui sautillent sur un rythme sobre. Un titre à
saveur rétro comme il en pleut un peu partout sur tout l’opus. Je pense notamment à Immanuel Kwant,
Kosmiczna Strefa Kontrolna, Ostatni Kwark et Moon No 51 avec ses rythmes changeants sur des spirales
synthétisées bouclées. Obiekt Spoza Ukladu est dans la plus pure tradition Kraftwerk, alors que Lot Orbitalny
vogue avec quiétude sur de belles nappes onctueuses sur un rythme langoureux ceinturé d’arpèges nerveux.
Un très bon titre, sans doute le plus progressif sur Esse Conceptus.
Sans verser dans la traditionnelle MÉ de style England ou Berlin School, EL_VIS nous propose un univers
musical doucereux aux synthés charmeurs et aux séquences souples. Avec ses 12 titres qui s’écoutent en
boucle sans verser dans une quelconque redondance, Esse Conceptus est un bel album, idéal pour amadouer
les oreilles novices à la MÉ.
Note : 4/6
Page 101/107
DRIFTIN’ THOUGHTS : Nightshifts
Conduit par l’énigmatique Marcus Hildebrandt, Driftin’ Thoughts a réalisé 4 albums depuis sa formation en
1987. Selon les experts, Nightshifts serait la référence en ce qui a trait à la carrière de Driftin’ Thoughts. Produit
initialement sur l’étiquette de Spheric Music en 1998, Syngate réintroduit Nightshifts en Mai 2007. Une
collection de 12 titres aux essences très variées, délaissant le classique Berlin School pour œuvrer dans des
sillons plus entraînants, plus près du côté électrifiant de l’England School.
In Motion débute avec un serpentin mélodieux qui s’enfonce dans les girons d’un soft techno sur des
percussions rock et un mellotron aux arrangements orchestraux valsants sur un rythme semi débridé. Une
bonne séquence sautillante ceinture un rythme couvert de mélodieuses strates synthétisées. Un morceau qui
tangue entre le rock électronique et la techno, comme The Intruder, qui est plus sauvage, Games 99 qui sort
d’un moule de Mark Shreeve, Touch of Infinity qui a du Frédéric Mercier dans le nez, Vortex Flight, les
bouillants et énergiques Terminal Threshold, Offbeat Challenge et Back Through The Vortex. En fait, Driftin’
Thoughts explore les rythmes aux travers différents facettes et inspirations musicales, mais la base reste
toujours collée à du rock, bien plus que du pop, ou de la pure MÉ. C’est plutôt de la MÉ mixée à de la musique
de danse aux mellotrons qui valsent et enrobent des structures très animées. Certes il y a des petites perles de
tranquillité comme Flying Free et ses arrangements romanesques à la Yanni, Midnight Sky et son envoûtement
hypnotique sur de beaux accords mélodieux. Il y a aussi des moments atmosphériques, plutôt des intros, qui
se glissent vers des mouvements animés d’une souplesse plus pop comme Gravito Waves.
Nightshifts de Driftin’ Thoughts est un bel album d’une MÉ plus vivante qui est capturée dans un univers à
peine spatiale, mais juste assez pour apprécier ses effets sonores qui gravitent autour de morceaux où l’on
peut danser sans contraintes. Une juste réédition, qui a bien vieillie, pour un opus qui peut influencer une
génération à la recherche d’une MÉ pas compliquée mais bien agencée.
Note : 4/6
Page 102/107
PEOPLE UNDER THE STAIRS : The Om Years
Je sais que vous attendez du lourd, du hip-hop féroce, du east coast brutal et bruitiste, mais que voulez-vous,
l'été approche... Fausse excuse pour vous parler d'une de mes formations hip-hop chéries, le duo People Under
The Stairs, dont The Om Years est une double compilation. L'avantage des best-of, dans le hip-hop, c'est of
course la disparition de tout les interludes et featurings opportunistes... Ce "Om Years" est une véritable
somme, regroupant 30 titres sans défaut ni déchet de People Under The Stairs, d'une cohérence et d'un bagoût
à toute épreuve. L'objet se présente comme suit : un premier cd gonflé à bloc des meilleurs titres du groupe,
choisis par les fans (qui ont bon goût), et un deuxième cd de "B-Sides & Rarities" inédits en cd, très honnête,
entre instrus jazz et tubes cachés. Le tout n'inclue pas de titres de leur dernier album, Fun DMC, sorti en 2008.
Pourquoi acheter cette compile d'un groupe inconnu au bataillon de la plupart ? Eh bien c'est simple,
surnommé The P ou encore "The dopest of dope", People Under The Stairs est l'un des plus grand groupes de
hip-hop au monde, qu'on le crie haut et fort ! Et cette compile ne fait que le confirmer. Tout respire ici
l'honnêteté et la simplicité, cette même simplicité qui fait défaut à la plupart des groupes de hip-hop ayant
rencontré un succès commercial depuis ces 15 dernières années. Le groupe a toujours cultivé une image
artisanale, à dimension humaine, quitte à passer le plus souvent pour de gentils second couteaux. Leur nom
fait référence aux appartements en demi-sol bon marchés dans lesquels vivent les désargentés - à moins que
ce soit le film de Wes Craven. Pourtant, pas une once de rancoeur ou de colère dans leur musique... Les deux
laurel et hardy du rap (un petit péruvien tout skinch' et un gros black qui ne se prennent pas au sérieux)
oscillent tranquillement entre un rap old-school et tendrement rétro à la Ugly Ducking ou Jurrasic 5 et un
hip-hop jazz classe au possible initié par Gangstarr et perpétué par des noms comme Digable Planets, Madlib
ou The Roots (un de ces 4 en ces pages). Les lyrics sont positifs, contrastant avec la vanité et la violence des
groupes west coast, posés sur des instrus toujours lumineuses et finement ciselées, comme sur le très smooth
et planant The Cat, le mélancolique The Breakdown, orné par la sublime et mélodieuse basse de Headnodic
(Mighty Underdogs...) Acid Raindrops, ode à la marijuana et à un certain esprit chill-out, décontracté du gland,
de la côte ouest, dont People under the stairs se font les fervents apôtres. L'intro et de nombreux passages
dans les lyrics ne manquent pourtant pas de nous le rappeler : s'il y a bien une dope pour laquelle les deux
MC's font du prosélytisme, c'est la musique. Après des dizaines et des dizaines d'écoutes, on ne peut que les
approuver, surpris par le plaisir d'écoute sans cesse renouvelé, et par la constante richesse de leurs morceaux,
qui gardent une fraîcheur inattendue là où tant de groupes nous auraient déjà fait décrocher... J'en oublie
presque de vous parler du flow, tiens : c'est juste l'un des meilleurs qu'il m'ait été donné d'entendre - souple,
élégant, mettant l'accent sur les rimes et sur la musicalité plutôt que sur l'agressivité ou la monotonie, il
s'inscrit dans la tradition des Rakim, A Tribe Called Quest et autres De La Soul... Achetez-le au moins pour le
plaisir d'entendre le très sly stonesque San Francisco Knights surgir de la brume de samples dès le début du
disque : un moment nutella, comme on dit dans le jargon journalistique. Et probablement l'un des plus grands
morceaux de hip-hop de tout les temps, à frémir de bonheur... à chiper, à choper.
Note : 5/6
Page 103/107
Informations
Vous pouvez retrouvez nos chroniques et nos articles sur www.gutsofdarkness.com.
© 2000 - 2009
Page 104/107
Table des matières
Les chroniques ........................................................................................................................................................................... 3
ASKEW (Ed) : Ask The Unicorn....................................................................................................................................... 4
PROIEKT HAT / BRIGHTER DEATH NOW : Feel / Bad .............................................................................................. 5
QUINOLINE YELLOW : Cyriack Parasol........................................................................................................................ 6
QUINOLINE YELLOW : Dol-Goy Assist ........................................................................................................................ 7
GATE TO GATE : I Turn Black Keys............................................................................................................................... 8
MILLER (Harry) : Children at Play ................................................................................................................................... 9
MILLER (Harry) : Family Affair..................................................................................................................................... 10
MILLER (Harry) : Bracknell Breakdown ........................................................................................................................ 11
MILLER (Harry) : In Conference .................................................................................................................................... 12
MILLER (Harry) : Down South....................................................................................................................................... 13
BUTTHOLE SURFERS : Brown reason to live .............................................................................................................. 14
BUTTHOLE SURFERS : Psychic, powerless... another man's sac................................................................................. 16
BUTTHOLE SURFERS : Cream corn from the socket of davis ..................................................................................... 17
BUTTHOLE SURFERS : Rembrandt pussyhorse........................................................................................................... 18
BUTTHOLE SURFERS : Locust abortion technician..................................................................................................... 19
BUTTHOLE SURFERS : Hairway to steven .................................................................................................................. 20
CREATE : In the Blink of an Eye.................................................................................................................................... 21
PROIEKT HAT : Make Sense ......................................................................................................................................... 22
THE ASSOCIATES : The affectionate punch ................................................................................................................. 23
EMMENS (Gert) : Nearest Faraway Place Vol. 2 ........................................................................................................... 25
M.J. HARRIS / MARTYN BATES : Murder Ballads (The Complete Collection)......................................................... 27
LAVA : Demo .................................................................................................................................................................. 28
VOLAPÜK : Le Feu du Tigre.......................................................................................................................................... 29
VOLAPÜK : Slang ! ........................................................................................................................................................ 30
VOLAPÜK : Pukapök...................................................................................................................................................... 31
VOLAPÜK : Polyglöt ...................................................................................................................................................... 32
VOLAPÜK : Where is Tamashii ?................................................................................................................................... 33
ASH RA TEMPEL : Schwingungen ................................................................................................................................ 34
CASTRATI : Let the cat out of the [plastic] bag ............................................................................................................. 35
KHOLD : Hundre ar gammal........................................................................................................................................... 36
DEEP PURPLE : Highway stars ...................................................................................................................................... 38
DEEP PURPLE : Greatest hits......................................................................................................................................... 39
Page 105/107
DIE FORM : Confessions ................................................................................................................................................ 40
DIE FORM : Extremum ................................................................................................................................................... 41
DIE FORM : Rose au Coeur Violet ................................................................................................................................. 42
CRUISE [CTRL] : We’ve met before, haven’t we? ........................................................................................................ 43
THE ORB : The Orb's Adventures Beyond The Ultraworld............................................................................................ 44
PRIMAL SCREAM : Screamadelica ............................................................................................................................... 45
COMPILATIONS - DIVERS : Come Again II ............................................................................................................... 47
THE METEORS : Hymns for the hellbound ................................................................................................................... 48
THE METEORS : Hell train rollin................................................................................................................................... 49
THE METEORS : Wreckin' crew .................................................................................................................................... 50
ASH RA TEMPEL : Ash Ra Tempel VI - Inventions for electric guitar ........................................................................ 51
PANOPTICON : Bootleg 1.3 : Revenge - PaNoPTiCoN Live @ CAFÉ CENTRAL..................................................... 53
GUERRE FROIDE : Nom ............................................................................................................................................... 54
DOMINION : Luksa ........................................................................................................................................................ 55
COMPILATIONS - LABELS : In the Butchers Backyard.............................................................................................. 56
þEYR : Mjötviður til fóta ................................................................................................................................................. 57
EGO : Í mynd ................................................................................................................................................................... 58
VONBRIGÐI : Eðli annarra............................................................................................................................................. 59
THE MAXIES : Greenland is melting ............................................................................................................................. 60
KEYROUZ (Soeur Marie) : Chant Traditionnel Maronite .............................................................................................. 61
COVEN : Witchcraft destroys minds and reaps souls ..................................................................................................... 62
HARPER (Roy) : The Sophisticated Beggar ................................................................................................................... 63
HARPER (Roy) : Come Out Fighting Ghengis Smith..................................................................................................... 64
HARPER (Roy) : Folkjokeopus ....................................................................................................................................... 65
HARPER (Roy) : Flat Baroque and Berserk.................................................................................................................... 66
HARPER (Roy) : Stormcock ........................................................................................................................................... 67
CURRENT 93 / HÖH : Island.......................................................................................................................................... 68
DIE FORM : Bach Project ............................................................................................................................................... 69
ALLUSTE : The Big Monster.......................................................................................................................................... 70
BOOTS (Ron) : Current ................................................................................................................................................... 71
TANGERINE DREAM : Atem........................................................................................................................................ 73
CLUTCH : Transnational speedway league : anthems, anecdotes, and undeniable truths .............................................. 75
SLEEP : Holy mountain ................................................................................................................................................... 77
KYUSS : Welcome to the Sky Valley.............................................................................................................................. 79
CHRISTIAN DEATH : Skeleton kiss.............................................................................................................................. 81
Page 106/107
SIOUXSIE AND THE BANSHEES : Superstition ......................................................................................................... 82
SIOUXSIE AND THE BANSHEES : Break up .............................................................................................................. 83
CHRISTABEL DREAMS : Christabel dreams................................................................................................................ 84
COMPILATIONS - TRIBUTE ALBUMS : Alternative Tentacles Records – Virus 100............................................... 85
ROACH (Steve) : Dynamic Stillness ............................................................................................................................... 87
WU-TANG CLAN : Enter the wu-tang (36 chambers) ................................................................................................... 88
JUDAS PRIEST : Demolition.......................................................................................................................................... 90
JUDAS PRIEST : Live in London ................................................................................................................................... 91
JUDAS PRIEST : Angel of retribution ............................................................................................................................ 92
HARPER (Roy) : Lifemask.............................................................................................................................................. 93
HARPER (Roy) : Valentine ............................................................................................................................................. 94
HARPER (Roy) : HQ ....................................................................................................................................................... 95
HARPER (Roy) : Bullinamingvase.................................................................................................................................. 96
HARPER (Roy) : The Unknown Soldier ......................................................................................................................... 97
COSMIC HOFFMANN : Hypernova .............................................................................................................................. 98
YOUNG MARBLE GIANTS : Colossal youth ............................................................................................................... 99
EL_VIS : Esse Conceptus .............................................................................................................................................. 101
DRIFTIN’ THOUGHTS : Nightshifts .......................................................................................................................... 102
PEOPLE UNDER THE STAIRS : The Om Years ........................................................................................................ 103
Page 107/107

juillet 2009 - Guts Of Darkness

Transcription

Documents pareils

wallabirzine n°14

La méthode Eminem

Quel lycéen étiez-vous

D-un(e)-prof-a-l-autre-Numero-77-Avril-2015

27e Open Air Gampel du 16 au 19 août 2012

Feuilleter le livret 7 édition 2013 [format PDF]

Agenda saisons 2016-2017 - Serge Utgé-Royo

le 04/10/2007

Feuilleter le livret 6 édition 2012 [format PDF]

Inventaires iconographiques d`archives privées : 1 – L`album Riquier