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22. Jahrgang ISSN 0945-5760 G 2058 Deutschland € 7,90 Österreich € 8,90 Italien € 8,90 Spanien € 8,90 Belgien € 8,90 Luxemburg € 8,90 Schweiz CHF 15,00 &zeichenstift Künstlerporträt Susanne Mull Ausgabe 2/2014 Nr. 112 Anleitung Aquarell Anke Gruss Interview Virginia Glasmacher Berufung Aktmodell Tanja Wilking Künstlerporträt Aurelia Gratzer Aktzeichnen Wer ner Maier Anleitung Acryl Cornelia Richter Künstlerporträt Alex Heil Anleitung Aquarell Monika Reiter und vieles mehr ... www.palette-verlag.de FÜR KÜNSTLER UND KUNSTINTERESSIERTE Inhalt I I palette & zeichenstift 2/2014 Künstler Virginia Glasmacher Abstrakte Landschaften Technik Seite 6 Aquarellmalerei - Die Welt der Grautöne Monika Reiter Dr. Ulrike Fuchs Technik Malanleitung Acryl Seite 12 Tanja Wilking Nackte Leinwandgröße Technik Die kolorierte Rötelzeichnung Seite 18 Aurelia Gratzer Die Ver-rückung der Wirklichkeit Lichtspiel mit Aquarell Susanne Mull Malerei als Denkpause 4 palette & zeichenstift Seite 52 Künstl er Seite 22 Marcus Schmitz „Das Menschsein ist mein Thema“ Seite 56 Sonja Lehnert-Klawa E r f a h r u n gs b e r i c h t Seite 26 Seite 60 Stadtspaziergang in Köln - Eine Stadt „met vill Geföhl“ Angelika Biber-Najork Künstl er Seite 32 Anke Sebening Freie Malerei und Illustration Anke Gruss Künstler Techni k Martin Lutz Siegrid Leitner Technik Seite 46 Mallorca: Zeichnerische Impressionen - Teil 2 Werner Maier Künstler Künstl er Alex Heil Alles, was glänzt und spiegelt Cornelia Richter E r f a h r u n g s be r i c h t Seite 42 Seite 62 Angelika Daberkow Seite 36 Besuchen Sie uns auch im Internet: www.palette-verlag.de Weitere R ubriken Agenda Ausgaben/Hefte Edition Editorial Kunsträtsel News Vorschau/Impressum Seite Seite Seite Seite Seite Seite Seite 68 70 66 3 25 72 74 palette & zeichenstift 5 Künstler I Dr. Ulrike Fuchs Virginia Glasmacher Abstrakte Landschaften Wie ein Wintersonnenaufgang im Nebel, eine Spiegelung des blau bewölkten Himmels oder eine schrundig beschädigte, teilweise vom Sonnenlicht beleuchtete, verputzte Hauswand, so wirken, je nach Farbkombination, die abstrakten Bildwelten von Virginia Glasmacher. Ihre durch Farbschichtungen geöffneten Bildräume laden zum Träumen ein. Lässt sich der Betrachter auf sie ein, entführen sie ihn in eine Wirklichkeit, die letztlich in ihm selbst begründet ist. Es sind Stimmungen, die die Malerin vorgibt. Sie basieren auf ihren Erlebnissen und Beobachtungen. Im Bild werden sie zu Anmutungen. Denn, die reine Farbe lässt keine gegenständlichen Assoziationsmöglichkeiten mehr zu. Sie ist ganz sie selbst. Durch die experimentelle Art und Weise jedoch, in der Virginia Glasmacher die Farbe auf die Leinwand aufträgt, kommt diese in Bewegung. Sie tritt in Konkurrenz zu einer anderen Farbe, einer zweiten und dritten, geht eine partielle Verbindung mit ihr ein, lässt sich oberflächlich von ihr überlagern und setzt sich dann an anderer Stelle wieder durch, bricht hervor aus dem Untergrund und drängt selbstbehauptend an die Oberfläche. Diese konkurrierende Auseinandersetzung der Farben untereinander hinterlässt Spuren auf der Bild- oberfläche. Deutlich ist erkennbar, ob sie mit dem Pinsel, mit der Rakel, dem Spachtel oder einem der anderen, von der Künstlerin immer wieder neu entdeckten Malwerkzeuge geführt wurden. Gegenseitige Abwehr wechselt mit sich Fügen oder sich Einlassen. Wie die Malerin bei Ihrer Arbeit vorgeht, wollte ich bei einem Gespräch in ihrem Freiburger Atelier erfahren. Ulrike Fuchs: Frau Glasmacher, Sie haben in den USA, an der Brown University in Providence, Neu England, Malerei und Semiotik studiert. Die Semiotik befasst sich mit der Entstehung und dem Gebrauch von Zeichen. Für mich drängt sich daher die Frage auf, ob es einen Zusammenhang zwischen Ihrer Entscheidung für eine abstrakte Malerei und diesem Studium gibt. Virginia Glasmacher: Durch das Studium der Semiotik habe ich mich zunächst vom Arbeiten mit Farbe auf Leinwand abgewandt. Das Studium war sehr konzeptuell, und der Verweis ging eigentlich ganz in die Theorie. Das heißt, meine Kommilitonen und ich, wir haben letztlich nur noch darüber gesprochen, warum man heutzutage noch künstlerisch tätig sein kann, dass das klassische Bild als solches an sich gar keine Berechtigung mehr hat und so weiter. Ausblick, Rot-Gelb-Blau, 2013, Acryl auf Leinwand, 100 x 180 cm 6 palette & zeichenstift Technik I Cornelia Richter Malanleitung Acryl Die Grundlage für ein ansprechendes Malergebnis bildet die Auswahl einer in Form, Größe und Qualität dem Sujet entsprechenden Leinwand. Abbildung 1: Zur Vorbereitung wird die Leinwand zweimal mit VanDyck-Braun grundiert, um eine dunkle Fläche zu erzeugen. Als nächstes wird das Motiv mit einem weißen Aquarellstift vorgezeichnet, um Proportionen und Orte für die Details vorzugeben. Abbildung 2: Mit einem breiten, flachen Synthetikpinsel wird der Himmel ausgeführt. Dazu wird von oben her mit einem kräftigeren warmen Blau begonnen. Dieses mischen wir uns aus Titanweiß, Cyanblau und Karminrot. Nach unten gehen wir in ein helleres und kälteres Blau über, wozu wir das Karminrot durch Azogelb mittel ersetzen und den Weißanteil erhöhen. Die Erde gestalten wir mittels eines kleineren Flachpinsels aus Synthetik. Durch Tupfen wer- 12 palette & zeichenstift den verschiedene Brauntöne aufgetragen, die wir aus Van-Dyck-Braun und Siena gebrannt, Van-Dyck-Braun und Weiß sowie Siena gebrannt, Azogelb mittel und Weiß mischen. Der Farbeinsatz richtet sich nach den Farbtönen und Helligkeitswerten des Motives, wobei man mit den dunklen Tönen beginnt und im Verlauf heller wird. Für die Wasserfläche verwenden wir die gleichen Brauntöne und beginnen ebenfalls mit den dunklen Bereichen. Dabei wird die Farbe Nass-in-Nass verarbeitet, ohne mit Wasser zu verdünnen. Die im Wasser liegenden kleinen Steine erarbeiten wir aus Grau- und Brauntönen. Die Grautöne mischen wir aus Van-Dyck-Braun, Cyanblau und Weiß und aus Van-Dyck-Braun, Cyanblau, Siena gebrannt und Weiß. Helligkeitsabstufungen erhält man durch Veränderung der jeweiligen Farbanteile. Promotion I Kunstakademie Neustift / Südtirol Kreativ sein im klösterlichen Ambiente Das Kloster Neustift verwöhnt seine Gäste in einer entspannenden Atmosphäre im mittelalterlichen Ambiente. Idyllisch im Südtiroler Eisacktal zwischen Weinhängen gelegen, bietet es traditionsreiche Geschichte und eine inspirierende Umgebung. 2014 feiert die Kunstakademie Neustift hier ihr fünfjähriges Bestehen und lässt auch heuer wieder die Verbindung von Kunst, Kloster und Bildung aufleben. Malbegeisterte und kreative Menschen sind eingeladen, die Kunst des Malens zu entdecken, zu erlernen und zu leben. Anfänger und Fortgeschrittene können in den Kursen gleichermaßen ihre künstlerischen Potentiale erfahren und erweitern. In diesem Jahr können sich die Teilnehmer gleich auf drei neue Kurse von Südtiroler Künstlern freuen. Anfang Juni entführt Johannes Stötter die Teilnehmer in die exotische Welt des Bodypainting. Mit Friedrich Sebastian Feichter findet im Juli erstmals ein Bildhauereikurs statt, bei dem sich die Teilnehmer an plastischen Arbeiten mit Holz verwirklichen können. Der Fotograf Hannes Schick rundet die Neuerungen ab. Bei ihm haben die Teilnehmer die Möglichkeit, in die künstlerische Dimension der Fotografie einzutauchen. 16 palette & zeichenstift Erfahrungsbericht I Tanja Wilking Nackte Leinwandgröße Nacktheit verzückt, Nacktheit macht parteiisch, Nacktheit entblößt. Persönliche Einstellungen zu der „Königsdisziplin“ in der Kunst reißen nicht ab und machen diesen Bereich somit zu einem spannenden, gegensätzlichen Gebiet. Ich arbeite in diesem Spannungsfeld von Schönem und Hässlichem, verständlicher und unverständlicher Kunst, Gegenständlichem und Abstraktem. Ich bin Vorlage, Grundlage, Inspiration oder einfach lebendiges Objekt, je nachdem, welche Betrachteraugen sich auf meinen Körper legen. Ich bin Aktmodell, Muse für sämtliche Spielweisen in der Kunst. Ich arbeite täglich mit meinem nackten Körper. Seit Ende des 16. Jahrhunderts wurde in Akademien auf lebende Modelle zurückgegriffen. Obwohl es sich in jener Zeit hauptsächlich um männliche Nackte handelte, waren im Kreis um Rembrandt zum ersten Mal weibliche Modelle auf den damaligen Zeichnungen zu sehen. Ende des 19. Jahrhunderts etablierten sich Pose-Sitzungen mit nackten Frauen an Akademien. Wenn auch Künstler wie Degas, Toulouse-Lautrec oder auch Picasso ihre Inspiration von Frauen „mit anfechtbarer Tugend“, also Prostituierten, bekamen, so ist in heutiger Zeit Vorsicht geboten, ein Aktmodell als nicht tugendhaft zu bezeichnen, nur weil es für die Kunst die Hüllen fallen lässt. Hier saß ich Modell für die Messe „Fischen und Jagen“ in Rosenheim, 1999. 18 2013 stand ich Modell für einen chinesischen Gastdozenten. Er modellierte eine lebensgroße Skulptur. Meinen ersten Kontakt mit Aktzeichnen nenne ich einen Zufallsmoment. Im Sommer 1993 suchte eine freie Kunstgruppe in Passau nach Modellen und fragte bei den ansässigen Uni-Theatergruppen nach, ob jemand so extrovertiert und freizügig sei, sich für die Kunst zu entblättern. Es begann eine sehr lange Überredungsphase, nach der ich nur aus dem Grund zusagte, da es dort keine Kommilitonen von mir geben würde, und ich mir so die Peinlichkeit ersparte, unbekleidet erkannt zu werden. Mir gefiel die körperliche Herausforderung, immer neue Positionen zu suchen, sowie mit sich selbst und der Stille im Raum klarzukommen. Doch, dass ich nackt war, Positionen nicht immer halten konnte und von vielen Augenpaaren angeschaut wurde, war mir vollkommen unangenehm, ich kann nicht sagen, dass ich es auch nur im Geringsten genossen hätte. Aufgrund fehlenden Selbstvertrauens hätte ich mich lieber sofort wieder angezogen. Aber wenn ich etwas beginne, ziehe ich es gewöhnlich bis zum Ende durch. Und so stehe ich auch heute noch nackt vor Fremden. Modellstehen ist harte Arbeit, schlaff „in den Seilen hängen“ zeugt von Unkonzentriertheit und Desinteresse. Jeder ist irgendwann unpässlich oder wirkt auf das Gegenüber lustlos oder auch träge. Dennoch ist das künstlerische Modellstehen eine Art Dienstleistung. Auch wenn nicht alle Modelle dies so sehen, ist die Arbeit vor Künstlern oder Seminarteilnehmern zumindest ein intensives Miteinander, bei dem jegliche Langeweile und Abgelenktheit den Schaffensprozess beeinträchtigen. Die innere wie äußere Haltung eines Aktmodells trägt entscheidend dazu bei, und ist jederzeit im vollendeten Werk erkennbar, obgleich der Laie oder künstlerisch nicht bewanderte Betrachter dies vielfach leugnen möchte. palette & zeichenstift Technik I Die kolorierte Rötelzeichnung Werner Maier 1. Die Kreidezeichnung In diesen beiden Rötelzeichnungen konzentriere ich mich auf die Außenkontur. Mein Wissen über die menschliche Anatomie ist für meine genaue Beobachtung nicht entscheidend aber doch hilfreich. Dabei sind für mich die Spannung und der Fluss der durchgehenden Linie faszinierender als ein fotografischer Realismus. Mit der Skizze versuche ich vielmehr das Individuelle der Körperstellung und die Ausstrahlung des Modells wiederzugeben. Hier achte ich auf die innere Bewegung des Körpers. Wie verdreht sich der Brustkorb zum Becken? Welche Stellung nehmen dabei Arme und Beine ein? Gelingt mir der entscheidende Zusammenhang, prägt ein lebensnaher Ausdruck die Skizze? 2. Das Aquarellieren des Aktes Zum Aquarellieren der Hautfarbe nehme ich Zitronengelb und Zinnoberrot. Die Mischung dieser beiden Töne ermöglicht mir alle nur erdenklichen Hautnuancen. Bei Schattenpartien lasse ich einen minimalen Hauch von Blaugrau einfließen. Mit den Farben modelliere ist das Hell-Dunkel der Körperformen. Ich achte auf die Wirkung der Linie und setze dabei die Farben unter Berücksichtigung des Lichtverlaufs in die Fläche. Farbe und Linie ergänzen sich in ihrem eigenständigen Charakter. 3. Das Aquarellieren des Umfeldes Als drittes koloriere ich Haare und die Umgebung (Tücher, Stühle, Schatten und so weiter). Wenn ich die Hautmodellierung beendet habe, setze ich Farbakzente, die dem Akt auf dem weißen Blatt Halt geben. Wenige Andeutungen, wie die blaue Decke oder das violett-türkise Handtuch reichen, um Raum anzudeuten. 22 palette & zeichenstift Künstler I Aurelia Gratzer Die Ver-rückung der Wirklichkeit Siegrid Leitner Die Macht der Bilder ist nicht zu unterschätzen, denn bewusst oder unbewusst wirken sie auf uns ein, verführen uns, wecken in uns Emotionen oder bewirken, dass wir unseren Begriff vom Sehen infrage stellen. Wenn die steirische Künstlerin Aurelia Gratzer die Immobilienzeitschriften durchblättert, sucht sie nach Werbeanzeigen, in denen sich so manche Fehler finden. „Die springen mich ganz spontan an. Eine rein zentralperspektivische Abbildung, die in sich stimmig ist, interessiert mich nicht. Mich interessiert das mittels Computer veränderte, zusammengesetzte Foto mit zwei oder mehr Fluchtpunkten oder einer komplett falsch verlaufenden Linie.“ Wer die Werke von Aurelia Gratzer sieht, muss bereit sein, Irritationen nicht nur hinzunehmen, sondern sich auch auf sie einzulassen, denn sie fordern unsere Wahr- Oedem 1, 2013, Acryl auf Papier, 20 x 30 cm 26 palette & zeichenstift nehmung heraus. Sie irritieren, weil sie nicht unseren Seherwartungen und -gewohnheiten entsprechen, weil sie sich trotz der präzisen Linearität einer logisch räumlichen Lesbarkeit entziehen. Sie erstaunen, weil sie anregen, über Sehgewohnheiten zu reflektieren, weil sie uns ermöglichen, die Wirklichkeit auch so zu sehen, weil sie uns von den Zwängen des Gewohnten und Alltäglichen befreien, weil sie der Fantasie alle Möglichkeiten eröffnen. Wir sehen nicht mehr das Vertraute, das wir jederzeit wiederzuerkennen gewohnt sind, sondern sind mit einer fremden, abstrakten räumlichen Situation konfrontiert. Indem sie die vermeintliche Realität überprüft, auseinander nimmt, wieder zusammenfügt, entstehen autonome Technik I Anke Gruss Lichtspiel mit Aquarell Licht und Atmosphäre sind beständige Themen in meiner Malerei, und sie sind für meine Motivauswahl entscheidend. Bei meinen Blumen- und Pflanzenbildern ist es mir wichtig, auch die Transparenz und Fragilität der Pflanzen einzufangen und gleichzeitig die Formen durch starke Kontraste herauszuarbeiten. Um dies zu erreichen, habe ich mich bei diesen Bildern für die Technik der Lasurmalerei entschieden. Viele Farbschichten werden hier übereinander gelegt, die Farben mi- schen sich optisch, und das Bild bekommt mehr Raumtiefe. Ebenso fasziniert mich immer wieder die Farbintensität, die die Bilder durch die Lasurmalerei erhalten. Diese Maltechnik ist eine langwierigere Arbeitsmethode und bedarf einiger Planung, Geduld und Farbkenntnis. Es ermöglicht mir jedoch auch ein völliges Versinken in die Arbeit. Im Folgenden stelle ich an einem Beispiel die einzelnen Arbeitsschritte vor, nach denen die Bilder entstanden sind. Abbildung 1: Zunächst fertigte ich eine grobe Tonwertskizze des Motives an, das heißt, alle Grauwerte von hell nach dunkel werden mit Graphit auf einem Zeichenpapier oder Transparentpapier skizziert. Abbildung 2: Damit der Hintergrund frei angelegt werden kann, wird die große Blüte mit einer Folie abgedeckt und die Ränder mit Maskierflüssigkeit verklebt, damit keine Farbe unter die Folie laufen kann. Abbildung 3: Nun kann die erste Farbschicht frei mit einem großen Pinsel angelegt werden, hier in Nass-in-Nass-Technik mit Aureolingelb. 32 palette & zeichenstift Künstler I Susanne Mull Malerei als Denkpause Nach künstlerischer Authentizität in meiner Arbeit musste ich eigentlich nie suchen. Ich fand sie wie von selbst in der realistischen Darstellung der Wirklichkeit. Auch die große ausladende Geste ist nicht die meine. Ich bin ein vielseitig interessierter Mensch, neugierig und offen für Neues. Ich brauche die Abwechslung, aber auch Zeit, das Erlebte zu verarbeiten. Reisen bedeutet, die Welt entdecken, Eindrücke sammeln. Seit vielen Jahren bereise ich alle Kontinente, Großstadtmetropolen, aber auch Landschaften. Mit allen Sinnen nehme ich wahr, wie wir Menschen leben. Bangkok riecht anders als Mumbai, Peking klingt anders als Buenos Aires, Sydney pulsiert anders als New York. Wie farbenfroh gekleidet sind die Menschen im Straßenbild von Madras im Vergleich zu Hongkong. Manche Landschaften lassen sich ehrfürchtig betrachten, sind unwirtlich. Andere nehmen uns Menschen auf, halten uns. Und wie unterschiedlich ist doch das Licht, je nachdem, wo und zu welcher Tages- oder Jahreszeit man sich auf dem Erdball befindet. Immer wieder zieht es meine Künstlerseele in Museen und in Ausstellungen mit zeitgenössischer Kunst. Mich interessieren die Entwicklung der Am Rhein, 2009, Öl auf Leinwand, 24 x 40 cm 36 palette & zeichenstift Skagit Valley, 2011, Mischtechnik 15 x 20 cm Malerei und die Auseinandersetzung der Künstler mit ihrer Zeit. Aber auch die handwerkliche Umsetzung an Originalen zu entdecken, begeistert mich immer wieder. Diese unzähligen Eindrücke kann ich nicht im Foto festhalten. Immer sind es auch Skizzen, die ich mit Kreide Technik I Monika Reiter Aquarellmalerei Die Welt der Grautöne Spontan verbindet man Aquarellmalerei mit Gedanken an farbenfrohe Bilder, leuchtende Farbtöne und schillernde Farbverläufe. In meinen Aquarellen sind es meist nicht die reinen Farben, welche den Ton angeben, sondern es ist das farbige Grau, der Schattenton, der gestaltbildend wirkt. Die Redewendung „Wo viel Licht ist, ist auch viel Schatten“, gilt ganz besonders für das Aquarell. Alleine durch das Zusammenfassen eines Motivs mit Hilfe der Schattentöne kann das Licht präsentiert werden und Räumlichkeit entsteht. Abbildung 1 Damit ich mich ganz auf die Farbe konzentrieren kann, ist eine Vorzeichnung des Motivs recht nützlich. Die Qualität der Zeichnung entsteht durch spontanes und flüssiges Zeichnen mit dem 7B-Bleistift, der deutliche Spuren hinterlässt. Zeichnen auch Sie selbstbewusst und flüssig, damit eine deutliche Handschrift entsteht. Eine lebendig wirkende Zeichnung muss ja nicht immer ganz genau stimmen. Abbildung 2 und 3 Mit einer Mischung aus Kobaltblau und Siena gebrannt erzeuge ich den Grauton, den ich nun unter Aussparung der Hauptlichter über das ganze Motiv ziehe. 42 palette & zeichenstift Künstler I Alex Heil Alles, was glänzt und spiegelt Alex Heil setzt sich mit Spiegelungen, Reflexen und Transparenzen auseinander. Besonders ihre Unterwasserbilder sprachen uns spontan an, und so baten wir die Künstlerin um ein Interview. Redaktion: Frau Heil, seit wann malen Sie? Alex Heil: Das kann ich Ihnen ganz genau sagen: Seit 2006. Natürlich habe ich als Kind schon gern gemalt und gezeichnet, so wie die meisten Künstler und Hobbykünstler. Aber aus beruflichen und familiären Gründen habe ich die Malerei dann viele Jahre an den Nagel gehängt. Bis mir im März 2006 das Frauenmagazin „Brigitte“ in die Hände fiel, in dem eine Modestrecke mit Künstlerinnen abgedruckt war. Eine dieser Künstlerinnen trug irgendwelche Abendkleidchen und posierte vor ihren eigenen Bildern, ihrem „t-shirt projekt“. Dabei handelte es sich um großformatige Bilder, auf denen junge Mädchen und Jungs im T-Shirt zu sehen waren. Die Gesichter waren in grellen Farben gemalt und bildeten einen merkwürdigen Kontrast zu den T-Shirts, auf denen abgeklärte Sprüche gedruckt waren, die den Bildern auch ihre Namen gaben. Ich bin bis heute fasziniert von diesen Bildern, und mein ersten Gedanke war damals: Wow, so kann man Kinder also auch darstellen. So gar nicht kitschig. Ich weiß natürlich, dass ich diesen Bildern mit meiner banalen Erkenntnis nicht gerecht werde. Aber von dem Moment an wusste ich: Das will ich auch versuchen. Die Bilder waren in Öl gemalt, also bin ich los und hab mir aus dem erstbesten Baumarkt ein paar Tuben Ölfarbe gekauft. Typisches An- o.T. (t040), 2012, Öl auf Leinwand, 50 x 50 cm 46 palette & zeichenstift o.T. (t043), 2012, Öl auf Leinwand, 40 x 30 cm fängerverhalten eben. Zu Hause hab ich mich dann gewundert, warum die Farben nicht so schön fließen wie es auf den Bildern der Künstlerin zu sehen war. Und mit Wasser ließen sich die Farben irgendwie nicht strecken … es hat dann eine ganze Weile gedauert, bis ich mir den Umgang mit Ölfarben angelesen, angeeignet und zeigen gelassen habe. Und selbst jetzt, 2 Meter Bücher, ein Malstudium und diverse Unterrichtsstunden später, bin ich noch weit davon entfernt, perfekt zu sein. Aber meine Begeisterung für die Malerei ist ungebrochen. Red.: Erzählen Sie uns etwas über Ihre Technik. A. H.: Unter meinen Bildern steht immer „Öl auf Leinwand“, aber im Grunde genommen ist das nur die halbe Wahrheit. Ich untermale in Acryl, weil es sehr schnell trocknet und ich dadurch schnell erste Farben zuordnen kann. Aber eigentlich mag ich die Acrylfarbe nicht, eben weil sie so schnell trocknet. Man hat wenig Zeit zum Überlegen. Die Ölfarbe ist da ja weitaus gefälliger, mit ihr kann man sich wunderbar viel Zeit lassen. Außerdem mag ich ihre buttrige Konsistenz, ihre Geschmeidigkeit und ihren Glanz. Deshalb lege ich die Schichten bei meinen Bildern in Öl an. Jede Schicht muss trocken sein, bevor die nächste aufgetragen wird. Das dauert natürlich. Aber das macht mir nichts. Ich finde es spannend zu sehen, wie ein Bild wächst, wie es sich langsam entwickelt. Und ich habe auch festgestellt, dass mir diese Vorgehensweise einen wertvollen Abstand verschafft: Während das Bild trocknet, gehe ich immer wieder mal hin und Technik I Mallorca Zeichnerische Impressionen - Teil 2 Martin Lutz Wer in irgendeiner Art und Weise „Kunst schaffen“ will, kommt am Zeichnen nicht vorbei. Ich betrachte meinen Skizzenblock, ganz gleich ob im Studio oder auf Reisen, als tragbares Labor, bei dem ich experimentieren und tüfteln kann; hier kann ich alte und bekannte Dinge ablegen oder neue Ideen entwickeln. Wir Künstler arbeiten mit Sinneswahrnehmungen, wir wollen, dass die Betrachter an unseren Erfahrungen und Vorstellungen teilhaben, wenn sie unsere Werke anschauen. Bert Dodson schreibt in seinem Buch „Meisterschule Zeichnen“ (Augustus Verlag 1985): „Der Betrachter weiß, dass er auf eine Zeichnung schaut, aber spürt die Gegenwart des abgebildeten Gegenstandes. Wissenschaftler und Philosophen mögen gegen Illusionen kämpfen, aber Künstler bemühen sich darum, sie entstehen zu lassen und sie zu erhalten. Das ist unsere Aufgabe“. „Terrassenblick“, Kohlestift Ein Blick auf die Nachbargrundstücke. Architektur und Vegetation bilden einen reizvollen Gegensatz. „Unten am Pool“, Kohlestift Je nach Blickwinkel und Beleuchtung gab es am Pool immer wieder neue Bildausschnitte zu entdecken. Hier versuchte ich durch Überschneidungen, Tiefe in den Bildraum zu bringen. Der Prozess des Zeichnens Zeichnen ist sehr facettenreich. Es gibt meiner Meinung nach, vereinfacht dargestellt, zwei zeichnerische Methoden. Auf der einen Seite gibt es das spielerische und zweckfreie Zeichnen. Ich schaue dabei einfach nur auf mein Motiv und versuche das wiederzugeben, was ich vor mir sehe. Die analytischen Gedanken sind hierbei so gut wie ausgeschaltet. Picasso hat dazu einmal gesagt: „Ich suche nicht - ich finde!“ Es gibt kein Ziel, man will nichts erreichen, keine Komposition erschaffen, usw. Man hat während des Zeichenprozesses keine Vorstellung und kein Bild im Kopf. Man lässt sich überraschen, und die Zeichnung entwickelt sich irgendwie von selbst. Obwohl dieser Methode etwas Kindliches anhaftet, entdeckt man bei dieser Vorgehensweise zwangsläufig immer etwas Neues, mit dem man später dann analytisch weiterarbeiten kann. 52 Auf der anderen Seite gibt es für mich das zielgerichtete Zeichnen. Von Anfang an habe ich eine mehr oder palette & zeichenstift Künstler I Marcus Schmitz „Das Menschsein ist mein Thema“ Sonja Lehnert-Klawa Gesichter, die alltäglich und einzigartig zugleich sind, Miniaturlandschaften, die fast mikroskopisch genau kleinste Details erfassen, mehrfach gespiegelte Muster aus der Natur. Die Werke von Marcus Schmitz scheinen auf den ersten Blick nichts gemeinsam zu haben. Sie beeindrucken sofort durch die Genauigkeit, ja Akribie ihrer Darstellung, und ihre technische Qualität - aber wer genau hinsieht, entdeckt noch mehr: Bei der Porträtserie „Antlitze“ brechen im Bildhintergrund Alltagsgegenstände von heute die klassische Darstellungsform auf, die Feinheit der Landschaften hingegen wirkt insgesamt retrospektiv - Idyllen von heute, die jedoch niemandem mehr vertraut sind und darum irritieren. Auch seine „Iterationen“ (Wiederholungen) gehen weit über einfaches Abbilden hinaus. Muster aus der Natur werden fotografisch aufgenommen und mehrfach gespiegelt - ein kaleidoskopischer Ausschnitt, der die Wahrnehmung für das Außergewöhnliche im normalen schärft. Auf Nachfrage kann Schmitz jedoch auch profan: Mit seiner Pop-ArtSerie eignete er sich vor allem die Techniken von Roy Lichtenstein an, um auch leicht erschwingliche Kunst anzubieten. Das gemeinsame Motiv hinter diesem weitgespannten Bogen der Sujets ist Schmitz‘ Versuch, dem Rätsel unseres Daseins auf die Spur zu kommen: „Im Grunde geht es Iterationen 4, 2013, Digitalbild, Fotopapier auf MDF-Platte Iterationen 5, 2013, Digitalbild, Fotopapier auf MDF-Platte immer nur um Menschen - um die menschliche Existenz, das Menschsein, um den Sinn des Lebens“, sagt er. „Das Menschsein ist mein Thema.“ Auf dieser Suche nach dem Sinn der menschlichen Existenz befindet sich Schmitz seit seiner Kindheit: „Mein Werdegang war kein Werdegang, sondern ein wildes Wuchern“, erzählt er. „Als Kind wollte ich Detektiv werden - weil ich den Eindruck hatte, dass irgendwo ein verborgenes Rätsel ist, dem ich auf die Spur kommen muss, um es zu lösen. Dieses Thema zieht sich wie ein roter Faden durch mein ganzes Leben.“ Aber er stellt auch fest: „Meine Sorge ist, dass dieses Rätsel zu groß und komplex ist, um es zu lösen. Es ist anstrengend, damit klarzukommen.“ Folgerichtig geht Schmitz mehr als einen Weg, um seine Suche zu bestreiten. „Für mich ist nicht nur Kunst wichtig, sondern alles, was mir hilft, mich auszudrücken, also auch das Schreiben, die Literatur.“ Und beides ist für ihn von zentraler Bedeutung: „Literatur und Kunst sind mein Leben – sie sind der Grund, warum ich lebe." 56 Sonja Lehnert-Klawa: Herr Schmitz, welche Kunst machen Sie? Marcus Schmitz: Alles, was ich tue, ist ein Spiegel meiner selbst. Damit ich nicht auf etwas Bestimmtes festgelegt werde, bin ich offen für alles. Vielleicht ist Kunst auch palette & zeichenstift Erfahrungsbericht I Stadtspaziergang in Köln Eine Stadt „met vill Geföhl“ Angelika Biber-Najork Weitgereist, habe ich schon viele interessante Städte rund um den Erdball besucht. Aber als „Fast-Kölnerin“ fühle ich mich besonders der großen Nachbarstadt verbunden. Woran liegt das? Nicht nur an der örtlichen Nähe (die Stadtgrenze Kölns ist ca. 1000 m von meinem Wohnhaus entfernt), an den Kultur- und Unterhaltungsangeboten der Rheinmetropole, und nicht nur an der Mentalität des Kölners an sich, der die Menschen von der rechten Rheinseite schlichtweg als „Immis“, also als Immigranten, bezeichnet. Nein, denn als „Immi“ habe ich meine besten Zeiten in Köln verbracht, vor vielen Jahren an der Fachoberschule für Gestaltung und später, als ich dort meine Weiterbildung zur Kunstpädagogin absolvierte. Der Anblick des Kölner Panoramas begeistert mich. Sehr atmosphärisch ist der Anblick bei einer Fahrt über die Zoobrücke in der Dämmerung. Im Aquarell „Blaue Stunde“ kann die Stimmung der Köln-Skyline gut nachempfunden werden. Am liebsten parke ich aber „auf der schäl Sick“, der falschen Rheinseite, in Deutz, um über die Hohenzollernbrücke zum Dom zu gehen. Eine Kuriosität Kölns ist der Anblick der „Liebesschlösser“ auf der Brükke. Hier verewigten sich unzählige Liebespaare mit ihren eingravierten Initialen auf Schlössern, die an den Verstrebungen befestigt werden. Der Schüssel wird anschließend in den Rhein geworfen. Begonnen hat dieser „Brauch“ vor einigen Jahren, und nun ist das Geländer Kölner Panorama, 2013, Tinte und Aquarellfarbe 20 x 40 cm 60 palette & zeichenstift Altstadt, 2013, Tintenstift und Aquarell, 28 x 33 cm kaum mehr zu sehen. Im abstrahierten Bild „Hohenzollernbrücke bei Nacht“ habe ich dies eingefangen. Entlang des Rheinufers gelangt man in die Kölner Altstadt, hier schlendern viele Touristen, aber auch Kölner durch die Gassen. An schönen Sommertagen wird man an jeder Ecke von Comedians, Gauklern und Musikern unterhalten, oder man betrachtet die kostümierten Teil- Künstler I Anke Sebening Freie Malerei und Illustration Angelika Daberkow An der S-Bahnhaltestelle Johanneskirchen in München steige ich aus. Ich laufe ca. 500 m und stehe vor einem kleinen Gartentor. Ein Türschild verrät, dass hinter dem Tor viele Menschen wohnen, ein typisches Haus ist aber nicht zu erkennen. Geradeaus ein altes Fabrikgebäude, mit Efeu berankt, rechts ein Kiesweg, der an dem Gebäude vorbei auf ein Fabrikgelände führt. Hier hat Anke Sebening ihr Künstleratelier? Tatsächlich richtete die Künstlerin Claudia Grögler 1992 als erste ihr Atelier in der so genannten Wiedefabrik, einer ehemaligen Acetylen-Fabrik ein. Viele weitere Künstler folgten ihrem Beispiel, darunter auch die Illustratorin, Malerin und Dozentin Anke Sebening. Angelika Daberkow: Seit 2003 betreiben Sie ein Atelier in der Wiedefabrik. Womit beschäftigen Sie sich am liebsten? Entstehen hier Illustrationen, Zeichnungen oder mehr Gemälde? Verlobung, Acryl auf Holz, ca. 70 x 40 cm 62 palette & zeichenstift Anke Sebening: In der Wiedefabrik entstehen hauptsächlich freie Arbeiten. Ich betrachte mein Atelier als ein Forschungslabor. Mein zentrales Thema ist hierbei die Bewegung. Für Porträts verwende ich häufig Fotos als Vorlage. Stets versuche ich eine Serie herzustellen, wie z.B. bei den fernöstlichen Werbeplakaten. A. D.: Welche Malmittel bevorzugen Sie und warum? A. S.: Ich bevorzuge Acryl, da man es schön flächig einsetzen, aber auch feine Linien ziehen kann. Gerne verwende ich es lasierend. Acryl trocknet schnell, und man kann damit zügig arbeiten. A. D.: Welchen Maluntergrund verwenden Sie? A. S.: Gerne verwende ich gebrauchte Untergründe. So umgehe ich die Angst vor dem weißen Blatt. Spuren und Holzmaserungen auf Holz- oder Sperrholzplatten bilden eine willkommene Vorgabe, auf die ich malerisch eingehen kann. A. D.: Haben Sie einen bestimmten Arbeitsrhythmus? Kommen Sie jeden Tag in die Fabrik? Im nächsten Heft I Vorschau IMPRESSUM Künstler Gabriele Einstein im Gespräch VERLAG: palette Verlagsgesellschaft mbH Rheinstraße 4 - 6; D - 56068 Koblenz HRB 5466 Tel.: +49 / 0261 / 17297 Fax: +49 / 0261 / 17295 www.palette-verlag.de HERAUSGEBER: Michael Balmes, V.i.S.d.P. Siegrid Leitner Inhaber ANZEIGEN SERVICE: Bettina Kohnz [email protected] LESERSERVICE: im Verlag Tel.: +49 / 0261 / 17297 Fax: +49 / 0261 / 17295 [email protected] Technik Anleitung Pastell REDAKTION: Monica Zelt [email protected] Susanne Mull Künstler Helga von Pfeil Farbstifte sind ein unterschätztes Medium Projekt Kraniche - Die Vögel des Glücks als Boten des Frühlings Frank Koebsch AUTOREN: Angelika Biber-Najork, Angelika Daberkow, Dr. Ulrike Fuchs, Anke Gruss, Alex Heil, Sonja Lehnert-Klawa, Siegrid Leitner, Martin Lutz, Werner Maier, Susanne Mull, Cornelia Richter, Monika Reiter, Tanja Wilking LAYOUT: Monica Zelt DRUCK: printec Offset Ochshäuser Str. 45 34123 Kassel Der Titel palette & zeichenstift ist geschützt und wird ausschließlich in Deutschland hergestellt. Verantwortlich für den redaktionellen Teil und Anzeigen: Michael Balmes palette & zeichenstift erscheint in der Regel alle zwei Mo- nate, Einzelpreis: € 7,90 / sFr 15,00 / € 8,90 (übriges europäisches Ausland), Jahresabonnement: Inland: € 45,90 inkl. Versand, Ausland: € 48,60 inkl. Versand. Die Berech- Künstler Michael Klose Landschafts(t)räume Dr. Ulrike Fuchs nung erfolgt für jeweils 6 Hefte und ist nicht auf das Kalen- derjahr bezogen. Bankverbindung: Sparkasse Koblenz, BIC: MALADE51KOB, IBAN: DE60 5705 0120 0035 0040 76. Das Abo verlängert sich automatisch um ein weiteres Jahr, wenn nicht zwei Wochen nach Erhalt der 6. Ausgabe eines Bezugjahres schriftlich gekündigt wird. Dies gilt auch für Geschenkabos. Anzeigenpreise und Bedingungen ent- nehmen Sie bitte den aktuellen Media-Daten. Die Redakti- on haftet nicht für unverlangt eingesandtes Bild- und Textmaterial. Ein Honorar kann nicht gezahlt werden. Für die ... und vieles mehr Bildnachweis: Titel: Susanne Mull, Wat Prayun (Ausschnitt), 2011, S. 3: © 20th Century Fox, S. 4-5: Virginia Glasmacher, Dr. Ulrike Fuchs, Cornelia Richter, Tanja Wilking, Foto: Karin Meier, Werner Maier, Aurelia Gratzer, Siegrid Leitner, Anke Gruss, Susanne Mull, Monika Reiter, Alex Heil, Martin Lutz, Marcus Schmitz, Angelika Biber-Najork, Anke Sebening, S. 6-11: Virginia Glasmacher, Dr. Ulrike Fuchs, S. 12-15: Cornelia Richter, S. 16-17: Kloster Neustift, S. 18-21: Tanja Wilking, Foto: Adelsberger, Foto: Julia Klemm, Foto: Alfons Neubauer, Foto: Nomi Baumgartl, S. 22-24: Werner Maier, S. 26-31: Aurelia Gratzer, Siegrid Leitner, S. 32-35: Anke Gruss, S. 36-41: Susanne Mull, S. 42-45: Monika Reiter, S. 46-51: Alex Heil, S. 52-55: Martin Lutz, S. 56-59: Marcus Schmitz, S. 60-61: Angelika Biber-Najork, S. 62-65: Anke Sebening, Angelika Daberkow, S. 72-73: Kunstmuseum Basel, Königliches Museum für Schöne Künste, Antwerpen © 2014, Lukas-Art in Flanders vzw, Foto Hugo Maertens und d/arch / ProLitteris, Zürich, Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau, Kunstmuseum Mülheim an der Ruhr in der Alten Post, © Kunstmuseum Bonn, Foto: Reni Hansen, © Städel Museum, Frankfurt am Main, Foto: U. Edelmann, Gemeentemuseum Den Haag © 2014 Mondrian/Holtzman Trust c/o HCR International USA, S. 74: Siegrid Leitner, Gabriele Einstein, Helga von Pfeil, Ulrike Fuchs, Michael Klose, Literaturnachweis: S. 18-21: Georg-W. Költzsch, „Der Maler und sein Modell. Geschichte und Deutung eines Bildthemas“, DuMont, 2000, „Pygmalions Werkstatt“, Lenbachhaus München Katalog, 2001, France Borel, „Verführung. Künstler und Modell“, E. A. Seemann, 1994 74 palette & zeichenstift inhaltliche Richtigkeit kann trotz sorgfälltiger Prüfung keine Haftung übernommen werden. Nicht nachgewiesene Abbildungen entstammen dem Archiv des Verlages. Konnten trotz sorgfältigster Recherche Inhaber von Rechten nicht ermittelt werden, wird höflich um Meldung gebeten. Erfüllungs- und Gerichtsstand ist Koblenz. Copyright für alle Beiträge. 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