Volleyeurs-dossier-p..

MUS’AZIK présente
Ecoles « Primaires »
CONTACT
Nicolas CRUSSON – Chargé de développement et de diffusion
[email protected] / 06.76.79.56.92
Mus’Azik : [email protected] / www.musazik.fr
1
SOMMAIRE
PRÉSENTATION
PRÉSENTATION
-
…du Projet
…de la Play List 2012 – 2013
…des Musiciens
p.3
p.3
p.4
L’UNIVERS ARTISTIQUE
-
Les instruments et effets utilisés par les Volleyeurs
De la musique enregistrée à la reprise
La Folk, la Pop et le Rock dans les musiques indépendantes
p.5
p.9
p.11
PISTES PÉDAGOGIQUES
PÉDAGOGIQUES
p.13
RÉFÉRENCES
RÉFÉRENCES / LIENS
p.14
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PRÉSENTATION
PRÉSENTATION
…..du PROJET
Imaginez « I can Only Imagine », le hit de David Guetta feat.
Chris Brown & Lil Wayne version Talking Heads ou encore le
fameux “Somebody that I used to Know” de Gotye joué à la
façon de Bonnie Prince Billy et sa folk lumineuse!!
"Reprises
Reprises de volée"
volée est un concert à destination des scolaires. Ce projet réunit quatre musiciens de
la scène nantaise qui s'amusent à reprendre des tubes « grand public » du moment à la façon de...
personnalités artistiques de la pop,
pop du folk et du rock indépendants.
indépendants Leur objectif ? Faire partager
leur passion pour ces musiques de manière ludique et instructive aux spectateurs et citoyens de
demain.
…..de la PLAY LIST 2012 - 2013
-
Likke Li / I Follow Rivers /version Nick Cave and the Bad Seeds
-
Birdy / Skinny Love / version Sallie Ford and the Sound Outside
-
Gotye / Somebody that I used to know / version Will Oldham aka Bonnie Prince
Billy
Billy
-
Shakaponk / My name in Stain / version Yo la Tengo/Sonic Youth
-
David Guetta feat. Chris Brown & Lil Wayne / I can only imagine / version
Talking Heads
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Youssoupha feat Indila / Dreamin’ / version Diabologum
-
Stromae / Alors on Danse / version Dominique
Dominique A/Yann Tiersen
-
LMFAO / Party Rock Anthem / version Why ?
-
Britney Spears / Dancin' till the world ends / version Depeche Mode
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…..des MUSICIENS
Vincent DUPAS : Musicien accompli depuis une dizaine d’années, ce trentenaire,
collectionneur de vinyles, s’investit à temps plein dans plusieurs groupes de registre
rock et folk indépendant (My Name is Nobody, Fordamage,….). Actif de la scène
nantaise avec ses différentes formations, Vincent a pu montrer au travers de son
parcours artistique, ses multiples facettes de musicien et de song writer aux multiples
influences. Il a également participé pendant 4 ans au spectacle pédagogique « Peace and
Lobe » sur la gestion sonore des musiques amplifiées.
JeanJean-Christophe BAUDOUIN évolue depuis sept ans en tant que batteur (acoustique/
électronique) au sein du groupe Gong Gong, (électro-vidéo live). Habitué des tournées
nationales et internationales, il participe également à de nombreux projets annexes, tels
que Pillow Pilots (pop-rock-psyché), Faune (pop élégante), où à chaque fois il nous
montre son efficacité et son ingénierie en tant que batteur/percussionniste alliant aussi
bien les machines, les samples, les drums, les percussions sur corps…
Sa passion de la musique et ses diverses rencontres lui ont donné envie de transmettre et de partager
ses expériences. C’est pourquoi, depuis plusieurs années, il collabore à de nombreux projets d’action
culturelle.
Artistes aux multiples facettes, Rachel LANGLAIS
LANGLAIS a travaillé avec Klaktonclown
pendant 10 ans et a ensuite continué sa route en collaborant sur des projets tels que Boy
and the Echo Choir (pop folk) ou encore Blume (rock littéraire et chanson électrique).
Spécialiste de la voix et du chant (jazz vocal, chant indien...) elle est également une
multi-instrumentiste hors paire ayant à son arc un instrumentarium original (scie
musicale, toy piano, clavier, accordéon,...).
Musicien dans plusieurs formations aux influences diverses, Benjamin NEROT se fait
remarquer au sein du groupe Belone Quartet en tant que bassiste/chanteur, où il fait
se côtoyer rock, pop et musiques électroniques. Benjamin se plaît également sur
scène en solo avec sa guitare derrière le nom de The Healthy Boy, inspiré de la
musique folk indépendante américaine, il a cette faculté à laisser parler sa guitare
autant que ses mots. Avec sa voix grave, virile, profonde, il a su s’imposer dans le
paysage folk français. Avec son compère Vincent Dupas, il a également fait partie de
l’équipe pédagogique sur le spectacle « Peace and Lobe ».
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L’UNIVERS ARTISTIQUE
LES INSTRUMENTS ET EFFETS UTILISÉS
UTILISÉS PAR LES VOLLEYEURS
LA GUITARE
La guitare est un instrument de musique qui appartient à la famille des instruments à cordes. Munie d'un
manche, elle comporte souvent une caisse de résonance qui permet d'amplifier le son produit par la
vibration des cordes. Le guitariste peut faire vibrer les cordes à l'aide de ses doigts ou en utilisant un
médiator.
Instrument de prédilection dans les musiques rock, le jazz, le blues et le métal, la guitare électrique est née
dans les années vingt à l’initiative d’un ingénieur de chez Gibson. Cette invention est née de l’impossibilité
naturelle de faire des solos audibles pour les spectateurs dans une formation. On trouve les premiers
modèles de guitare électrique commercialisés en 1930. Au début, les guitares électriques étaient
simplement électrifiées et étaient encore fabriquée avec une caisse de résonance.
La guitare électrique fonctionne avec un jack (un câble) que l'on met dans un trou de la guitare. Elle ne
possède pas dans la plupart des cas de caisse de résonance, car le son est transmis à un amplificateur grâce à
des microphones situés sous les cordes. Avec les boutons rotatifs, on peut régler sur la guitare le volume et
la tonalité. Les micros sont là pour amplifier la vibration des cordes. Les guitares électriques permettent de
produire des sons impossibles à réaliser avec une guitare acoustique, comme par exemple des sons saturés
(Cf. Partie « effets » du document). Le modèle de guitare électrique le plus connu reste la Stratocaster de la
marque Fender (guitare de Jimi Hendrix).
LA BASSE ou GUITARE BASSE
La guitare basse (simplement appelée basse)
basse est un instrument de musique à cordes amplifié conçu selon le
même principe que la guitare électrique. Cet instrument est apparu dans les années 1950 pour remplacer
les contrebasses qui manquaient de puissance sonore dans les groupes de Rock' N' Roll, ainsi qu'au
problème de l'encombrement de cet instrument.
C'est un des rares instruments conçus dès l'origine pour être amplifiés : la plupart des basses sont
électriques. Une basse possède généralement 4 cordes, mais peut aussi en avoir 5, 6, 9. Elle a un manche
plus long et des cordes plus épaisses que les autres types de guitare, ce qui donne un son beaucoup plus
grave.
La basse électrique est utilisée dans le Rock, le Blues et leurs dérivés, ainsi que par certains musiciens de
jazz. Il existe aussi des basses acoustiques, qui ont une caisse de résonance pour qu'on puisse bien entendre
les notes les plus graves. Dans pratiquement tous les cas, la basse travaille en symbiose avec la batterie pour
former ce que l'on appelle la "base ou la section rythmique"
LA BATTERIE
Avec la guitare basse ou la contrebasse, la batterie fait partie de la section rythmique d'un groupe de
musique. Elle est donc utilisée dans la plupart des genres musicaux actuels pour marquer le rythme. Les
principaux éléments qui la composent (grosse caisse, caisse claire, cymbales, percussions...) dans les
marching band, fanfare de type déambulatoire au début du XXème aux Etats Unis. Une batterie rassemble
divers instruments que sont : les fûts, cymbales et autres percussions. Son apparition en tant que
regroupement de divers instruments a vu le jour au début du siècle. Depuis la batterie est née mais ce qui
n'était à l'époque que l'assemblage d'une grosse caisse, d'une caisse claire et d'une cymbale, s'est beaucoup
complexifié depuis.
5
Eléments d’une batterie
Les fûts : la caisse claire, la grosse caisse, les toms. Les fûts représentent la partie la
plus volumineuse de la batterie, et sont composés généralement de bois, mais aussi
de métal ou encore de matériaux composites. La taille des fûts peut dépendre du style
de musique joué par le batteur (souvent on utilise des gros fûts pour le rock/hiphop/funk et des petits fûts pour le jazz). Les toms sont le plus généralement au
nombre de deux ou trois (avec le tom médium, mais il n'y a pas de limite) : le tom
alto, le tom médium, la grosse caisse, le tom basse
La charleston ou Charley, est un accessoire permettant au musicien de créer la
pulsation rythmique d'un morceau.
Les cymbales sont d’une forme circulaire parfaite. Leurs matériaux sont multiples
apportant chacun leurs spécificités sonores : étain, argent, métal, bronze…. Les
principales cymbales sont la cymbale crash et la cymbale ride.
LE BANJO
Le Banjo est un instrument de musique à cordes pincées introduit à l’origine aux Etats Unis par des esclaves
noirs. Le corps du banjo est composé d’une membrane en parchemin, cuir, peau d’animal ou plus
récemment en synthétique. Cette membrane est tendue sur un cadre rond en bois ou en métal. C’est ce qui
produit ainsi un timbre très particulier. Muni d'un long manche, à l'origine sans frette, le banjo présente
quatre ou cinq cordes en métal.
Vers la fin du XIXème siècle, le banjo se popularisa aux Etats Unis et un style particulier s'imposa
notamment chez les populations campagnardes. Le banjo à cinq cordes était donc utilisé à la fois dans la
musique folklorique et dans les orchestres de musique populaire bluegrass. Le banjo à quatre cordes, joué
généralement avec un médiator, était très répandu vers 1900 dans les orchestres de variétés et souvent joué
encore dans les groupes de jazz. Vers les années 30, les compagnies de disques commencèrent à s'intéresser
aux groupes de musiques traditionnelles. La diffusion de ces disques fit renaître l'intérêt du public pour
l'instrument, toujours joué dans un style rythmique.
LES CLAVIERS
Les claviers se présentent comme un alignement de touches. La géométrie du clavier est facile à
reconnaître grâce à la disposition alternée des touches noires ou feintes : 2, 3, 2, 3… et ainsi de suite. Le
piano est un instrument à clavier de la famille des cordes frappées. On trouve aussi un ou plusieurs claviers
sur les instruments suivants : le célesta, le clavecin, le piano, le glockenspiel, le vibraphone, l’orgue, le
synthétiseur, l’accordéon…
Petit frère du piano, l’orgue a été créé en 1935 par Hammond mais sa commercialisation se développe dans
les années 50 et 60 au moment où le rock’n’roll voit fleurir une multitude de petits groupes musicaux de
quartiers ayant besoin de piano transportable et dans l’air du temps.
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Le synthétiseur appelé aussi « synthé » ou piano numérique est un instrument de musique capable de créer
et de manipuler des sons électroniquement au moyen de tables d'ondes ou d'oscillateurs électroniques.
Durant les années 70, son développement commercial aura un impact artistique notable sur la création
musicale mondiale avec, entre autre, l’émergence des musiques électroniques (ex : Kraftwerk, groupe
pionnier allemand proposant une musique uniquement joué avec des claviers numériques) puis du
mouvement techno au début des années 80 aux Etats Unis et en Angleterre.
Au début des années 1990, alors que la mode des synthétiseurs battait son plein, on a pu observer un retour
aux années 1960, tant au niveau de la mode vestimentaire, que du design d’intérieur. Cette esthétique
“sixties” s’appliqua également à certains genres musicaux. De nouveaux styles combinés d’électronique et de
vieux sons comme l'acid jazz ou l'easy listening émergèrent, ramenant “l’orgue Hammond”, le “Fender
Rhodes” ou le “Hohner Clavinet” au goût du jour.
LA SCIE MUSICALE
La scie musicale est un instrument de musique de la famille idiophone. Un idiophone,
idiophone ou autophone,
autophone est un
instrument de la famille des percussions dont le son est soit produit par le matériau de l'instrument luimême lors d'un impact, soit par un accessoire extérieur. Elle est constituée d’une lame d'acier que l'on fait
vibrer, et qui frottée par un archet, produit un son musical qui peut être modulé par la torsion et la
courbure de la scie obtenue par la pression des doigts de la main.
Il existe autant de théories sur l'origine de la scie musicale qu'il existe de sites Internet sur le sujet ! Certains
chercheurs disent qu'elle a été inventée par des bûcherons argentins, d'autres par les esclaves africains…
certains voient son origine dans les pays de l'est, d'autres encore dans les montagnes nord-américaines…
Une théorie rassemble les précédentes en disant qu'elle n'est pas apparue dans un seul endroit mais
simultanément dans de multiples coins de la terre…
DISTORSION
DISTORSION
La distorsion dite "disto
disto"
disto est l'effet des guitares rock par excellence. Il rend un son de guitare naturel, dit
"clair", plus distordu et rageur, ce qui lui donne un grain épais, comme une voix grave se mettant à crier. On
peut aussi l'utiliser sur des batteries, comme le font les groupes actuels tels que The Kills ou The Black
Keys, pour donner un son plus épais, plus lourd, plus rock.
Exemple : Nirvana : "Smells like teen spirit" sur l'album Nervermind de Nirvana (1991) => la guitare
commence en son clair, la batterie fait un break et la guitare devient plus rock et plus forte, c'est la
distorsion de la guitare !
http://www.youtube.com/watch?v=hTWKbfoikeg
REVERB / ECHO
La réverbération,
reverb
réverbération dite "rev
reverb"
erb donne au son de la profondeur, de la largesse et de la longueur, comme
quand on parle dans une grotte, sous un pont ou sous une église. La reverb était utilisée notamment dans
les musiques psychédéliques des années 60 ou 70 pour donner un effet planant, rêveur à la musique,
comme dans Pink Floyd. Elle est beaucoup utilisée par les techniciens son sur les voix des chanteurs, les
guitares, les batteries. Certains groupes en mettent tellement partout que l'effet donne un style complet à
l'ensemble, comme pour le groupe pop actuel Animal Collective, qui a remis au goût du jour les
productions pleines de réverbération, avec par exemple le titre de pop très psychédélique "my girls" :
http://www.youtube.com/watch?v=zol2MJf6XNE
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DELAY
Le delay est un effet qui donne à l'auditeur l'impression d'un écho (le son se répète plusieurs fois, à une
vitesse lente ou très rapide). On l'emploie souvent sur les guitares, dans le reggae ou la musique dub, ou sur
les voix pour donner du relief aux intonations...
Par exemple le morceau, "La Javanaise Remake" sur l'album Aux Armes Et Caetera (1979) de Serge
Gainsbourg : tout du long, les percussions se répètent 4 fois, de gauche à droite, pure esthétique Reggaedub!
http://www.youtube.com/watch?v=0sBk1JTf0pU
Anecdote : Sur le même album, SG fait un jeu de mots pour donner le titre à une de ses chansons : Des
Laids, des Laids (Delay Delay) jouant sur la répétition, comme le fait l'effet.
COMPRESSION
La compression dite « compress » est utilisée dans toutes les musiques modernes, à fortiori le hip hop ou
l'electro. Littéralement, elle compresse le son, le déforme un peu, pour le rendre facilement écoutable
partout : elle booste le son, qui devient plus efficace. Elle lui enlève des informations et ne met en valeur
que la sève de la musique : les sons qui restent deviennent plus "punchy". C'est cet effet qui convertit un son
normal en mp3 : le son est alors compressé, gommé, voire écrasé, pour rendre le fichier de la chanson plus
léger (il y a moins d'informations). On s'en sert aussi pour masteriser le son qui a été enregistré en studio,
afin qu'il passe bien partout (sur un petit balladeur mp3, un téléphone, une radio, ou un ordinateur)...
Certains groupes compressent la moindre de leurs idées dès la création, comme Justice avec "Dance" (à
noter la réverbération des chœurs des enfants dans toute l'intro du morceau...) :
http://www.youtube.com/watch?v=49esza4eiK4
WAHWAH-WAH
La wahwah-wah,
wah d'abord utilisée sur des trompettes, en bouchant le bout de la trompette pour en modifier le son
avec un sourdine qu'on tenait à la main, l'effet wah-wah, résonnant, a ensuite été repris dans les musiques
funk à l'aide d'une pédale reliée au son de la guitare, pour lui donner un son filtré et accentuer leur
résonnance. Le célèbre trompettiste Miles Davis jouait de la wah wah sur bien des productions, mais c'est
surtout Jimmy Hendrix qui a popularisé la wah-wah des guitares avec l'intro mythique de son morceau
"Woodoo Chile", où l'on pourrait chanter chaque note en disant "wah-wah", ce qui résume bien l'effet.
http://valmante.blogspace.fr/1092566/Jimi-Hendrix-Voodoo-Child-SlightReturn/?precyear=1&month=03&year=2005
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DE LA MUSIQUE ENREGISTRÉE A LA REPRISE
NAISSANCE ET DÉVELO
DÉVELOPPEMENT
VELOPPEMENT DE LA MUSIQUE ENREGISTRÉE
ENREGISTRÉE
De nos jours, la musique est présente dans notre quotidien : dans les magasins, les maisons, les
voitures,…Nous pouvons l’écouter partout dans le monde et le plus souvent quel que soit l’endroit. C’est la
pratique culturelle préférée des français (http://www.pratiquesculturelles.culture.gouv.fr/doc/08synthese.pdf)
Pourtant, jusqu’à la fin du 19ème siècle, les musiques populaires se transmettent de manière orale. Il
n’existe pas encore les lecteurs MP3, ni platines disque (CD) ou vinyle (33T) ou lecteur DVD. Pour écouter
de la musique, il fallait donc jouer soi-même d’un instrument ou écouter quelqu’un en jouer en « live ». La
diffusion musicale était donc limitée pour les populations à leur environnement proche (familial,
voisinage). La notion de public ou d’auditeur n’existait pas.
Les innovations techniques au début du 20ème siècle vont bouleverser les façons d’écouter et de faire de la
musique :
- 1877 : Charles Cros crée un système capable d'enregistrer le son sur un disque ou un
cylindre.
- 1888-1920 : Apparition du Gramophone
Ces innovations technologiques issues du secteur industriel permettent : d’enregistrer la musique, de la
fixer sur support physique et de commercialiser l’outil et le support. L’industrie du disque est en train de
naître, la commercialisation du 78 tours débutera à partir des années 20. Les premières maisons de disques
se développent, la musique s’installe dans la sphère domestique et touche de plus en plus de gens.
A partir des années 30, le développement des radios, sous l’impulsion des dernières innovations
technologiques (ex : naissance du micro, de l’amplification, ...) va jouer un rôle majeur vis à vis de
l’industrie du disque. Pouvant enregistrer et proposer une qualité sonore supérieure aux 78 tours, ce
nouveau médium va permettre de diffuser plus largement la musique (les radios privées apparaîtront en
France dans les années 40) dans les foyers et concurrencer l’industrie du disque si bien qu’il faudra attendre
l’arrivée du 33 tours dans les années 40 pour la relancer (Ex : Film / O Brothers du groupe enregistrant dans
une station de radio du sud des états Unis à cette période : http://www.youtube.com/watch?v=TzK0739QQqQ)
Autres repères historiques :
- 1948 : Le 33 tours (33 tours 1/3 par minute) est inventé par la Columbia Records.
- 1958 : Le disque enregistre les deux signaux (gauche et droit, chacun sur une paroi
du sillon), c’est le début de la stéréophonie.
- 50ies : la technologie numérique révolutionne l'enregistrement magnétique avant
de s'attaquer au disque.
- 1964 : Philips met au point la cassette audio.
- 1983 : Le disque compact audionumérique (CD) apparaît sur le marché.
- 2000 : avec le développement du web et du haut débit, le support physique tend
aujourd’hui à être supplanté par un format compressé entièrement numérique, le
mp3.
9
ORIGINAL VS REPRISE
L’arrivée de la musique enregistrée, fixe non seulement la musique sur support physique mais va définir
aussi : qui joue, qui est l’auteur, le compositeur, le producteur,… La notion de morceau « original » va
pouvoir être nommée, datée, identifiée. Le créateur et l’interprète deviennent deux statuts distincts. C’est à
partir de là que la notion de reprise, ou « cover », en anglais apparaît dans l’histoire des musiques
populaires.
Tout au long du siècle et encore aujourd’hui, l’industrie musicale et plus particulièrement les maisons de
disques produisent des « singles » à des fins commerciales, des albums d’artistes jouant des morceaux dont
ils ne sont pas les auteurs ou les compositeurs. Par exemple, la reprise se pose comme un des fondements
du rock’n’oll (ex : Bill Haley /Rock around the Clock). Dans les années 60, le succès des Beatles, des Rolling
Stones débute par l’interprétation de standards du répertoire Rythm’n’Blues des communautés noires.
Ainsi, la reprise pourrait être définie comme l’interprétation d’un morceau écrit par un autre musicien.
Des variantes au terme de reprise sont utilisées plus ou moins selon les familles musicales et les musiciens
d’une manière générale :
- Interprétation : les musiciens classiques composent à la marge et sont d’abord former pour
interpréter une œuvre de compositeurs historiques
- Standard : propre aux musiciens de jazz, ils s’appuient sur un thème du répertoire jazz identifié de
tous et sur lequel ils vont pouvoir tour à tour improviser
- Version : un artiste propose un morceau joué avec des variantes sur un même album
- Adaptation : transformation mélodique, rythmique ou des textes (ex : de l’anglais au français)
- Tribute : un artiste rend hommage à un autre artiste à travers un disque, un concert qui lui est dédié.
Plusieurs façons de faire des reprises :
- La reprise copier/coller ou stricto sensu : l’objectif est de se rapprocher le plus d’une version déjà
existante avec les mêmes instruments, les mêmes sons, le même tempo, …
- La reprise adaptées ou « adaptation musicale » : transformation des arrangements et/ou des paroles
- La reprise « parodie » : ce type de reprise se pose comme une manière de marquer son désaccord,
son opposition par rapport à un thème, une personne et ce qu’ils représentent (Ex : version My Way
des Sex Pistols)
-
La reprise « dédicace » : un groupe reprend un morceau d’un groupe apprécié, influant, à leur
manière
La reprise « version » volleyeurs
« Une reprise est « bonne » quand on sent que le morceau nous appartient et qu'on en oublierait presque la
version originale. Pour faire une bonne reprise, la chanson d'origine doit avoir des qualités certaines dans son
écriture : la mélodie, la structure… Pour cette raison, nous ne pouvons faire de miracle sur certain tubes qui
sont bombardés par les radios et qui marchent commercialement mais dont le fond et la forme ne valent rien. »
Parfois la reprise est plus connue du grand public que l’original :
- The Beatles : Twist and Shout (The Isley Brothers)
- Eric Clapton : Cocaïne (J.J. Cale)
- Bill Haley : (We're Gonna) Rock Around The Clock : Rock Around The Clock (Sonny Dae & His Knights)
- Madness : One Step Beyond (Prince Buster)
Le top 3 des chansons les plus reprises dans le monde :
- Yesterday / 1965 / Les Beatles
- My way / adaptation de « Comme ‘d’habitude / 1967 / De Paul Anka / Popularisée par Franck Sinatra
- I (can’t get no) satisfaction / 1965 / Les rolling Stones
10
La folk, la pop et le rock dans les musiques indépendantes
vues
vues par les
On peut parler de rock indépendant pour les 3 styles folk, pop et rock que nous pratiquons avec
VOLLEYEURS.
Plus qu'une notion musicale, les musiques dites « indépendantes » désignent les artistes ou groupes
distribués par des petits labels et non par de grandes maisons de disques, plus communément appelées
Major.
Cette notion est née avec le mouvement punk en Angleterre il y a 35 ans, et est liée à la réalité sociale de
l'époque contre l'establishment (Cf. chômage, luttes sociales notamment dans les milieux ouvriers,...). Cela
s'est traduit dans le secteur musical par la volonté de « faire soi-même » (DIY : Do It Yourself), de contrôler
la production et distribution de leur musique, et cela légitime une façon de vivre (underground, contre
culture).
Ces styles définissent globalement une musique dont l'écriture n'est pas basée sur les schémas
commerciaux des majors comme par exemple : morceau single de 3 minutes pour passage radio, répétition
couplet-refrain, mélodies faciles à retenir, paroles simples et production sonore standardisée.
Le rock, la pop et la folk sont des musiques différentes et évoluent chacune vers le grand public mais aussi
l'underground. Certains groupes fondés sur cette notion d'indépendance ont connu un succès tels qu'ils sont
devenus grand public : U2, Depeche Mode, Nirvana, The Black Keys, Gossip...
Chacun de ces styles développe une ou plusieurs esthétiques qui lui sont propres en matière de look, de
modes vestimentaires (ex : couleurs, marques), de langages, de références artistiques…
LE ROCK DANS « L’INDÉ
L’INDÉ »
Le rock'n'roll est né dans les années 50 aux Etats-Unis, une dérivation sauvage de la musique noire
le blues, et popularisé par le « King » Elvis Presley et les disques du label Sun Records à Chicago.
Il fait scandale dans une société très établie malgré les phénomènes sociaux et culturels qui en
découlent auprès de la jeunesse de l'époque. C'est aussi la première musique qui réunit les noirs et
les blancs sur la même piste de danse.
Mais le phénomène est vite rattrapé par l'appât du gain, et rapidement, la musique rock devient un
produit commercial comme un autre (cf. notions définies plus haut) et en quelques sortes les
artistes deviennent une marque, un produit : habits, attitude, coupe de cheveux...
Devant cette uniformité, des artistes réagissent et vont produire un rock revendicatif qui, dans les
années 80, explose les standards : le punk, le hardcore, le post rock, le garage, la new wave... bref,
encore plein de styles différents se retrouvent sous cette notion de rock.
Les instruments plus communément utilisés sont la guitare et la basse (électriques), la batterie,
des claviers. Le tout joué avec des sons souvent distordus, et la recherche sonore avec des amplis,
pédales d'effets, voix trafiquées, une façon particulière de chanter, qui vont donner une identité
propre à chaque groupe.
Quelques grands noms du rock indépendant pour
pour l’équipe des VOLLEYEURS : FUGAZI, SONIC
YOUTH, YO LA TENGO.
TENGO.
11
LA FOLK DANS « L’INDÉ
L’INDÉ »
LA POP DANS « L’INDÉ
L’INDÉ »
L'indie pop est un dérivé du rock
indé, avec les mêmes idées et
démarches, mais une musique
souvent plus mélodique, moins
saturée. Elle se définit aussi en
ayant une orchestration plus
travaillée et un instrumentarium
souvent plus étonnant et moins
attendu que dans le rock, ou bien
souvent
beaucoup
plus
d'instruments et de musiciens que
dans le format classique rock
(basse, guitare, batterie) : chorale,
mélange d'instruments électriques
et accoustiques, boite à rythme,
synthétiseurs...
Il y a tout autant une recherche de
son propre à chaque groupe que
dans le rock indé mais ce sont des
sons beaucoup plus travaillés, avec
plus d'effets que le son brut du
rock.
Les
volleyeurs
aiment
par
exemple :
ARCADE
FIRE,
RADIOHEAD,…
Le folk indé se nourrit à la base de la
musique traditionnelle folk anglosaxonne, une musique jouée en
acoustique racontant des histoires
(songwriting) en poésie sur son pays,
ses racines, sa famille, ses amis, et
selon certaines périodes politiques
(ex : Guerre du Vietnam,…), la folk
est parfois contestataire.
Trois grandes
grandes références : BOB
DYLAN, LEONARD COHEN et NEIL
YOUNG.
Le folk indé naît en suivant le même
fonctionnement que le punk et le
rock indé, en sortant des sentiers
battus : technique limitée, textes ne
suivants pas forcément une métrique,
chant imparfait mais touchant,
sensible... Les instruments utilisés
sont les mêmes que pour la musique
folk : guitare acoustique, basse,
batterie, orgue, claviers, voix et
chœurs, le tout plus ou moins bien
joué !
Les grands noms aujourd'hui de la
folk sont BONNIE PRINCE
PRINCE BILLY,
BILL CALLAHAN, CAT POWER.
POWER Ils
ont commencé il y a 20 ans avec des
albums
bringuebalants
mais
touchants et qui, au fil des années, se
sont affinés pour aujourd'hui écrire
des petits chefs-d'oeuvres.
12
PISTES PÉDAGOGIQUES
Avant le spectacle
-
-
Pourquoi va-t-on à un concert ? Que va-t-on y découvrir ? Qui sont les artistes que je vais rencontrer ?
Quelles règles vais-je devoir respecter ? Quelles sont les attitudes possibles ? (applaudir, danser,
chanter, demander un rappel….). Autant de questions que l’on sera amené à se poser avant de se
rendre dans la salle de concert.
L’écoute de morceaux (influences) est à préparer éventuellement en classe
L’affiche/ le visuel du spectacle peut être exploité afin que les élèves puissent s’interroger sur ce
qu’ils vont entendre et voir
Préparer des questions aux artistes (sous forme d’interview par ex.) permet aux élèves de faire plus
ample connaissance avec les artistes après le concert (métiers, comment çà se passe, peut on en
vivre…)
En éducation musicale : présenter des morceaux qui vont être joués, soit les originaux entendus à la radio,
soit les morceaux « à la façon de…. », expliquer ce qu’est une reprise et faire écouter les morceaux les plus
repris dans le monde, présenter les instruments qui vont être joués sur scène
En français : préparer une ITW
En histoire de l’art : présenter succinctement les liens historiques/techniques avec l’évolution des styles de
musique
Après le spectacle
Restitution du concert en exprimant son ressenti (à l’écrit, à l’oral, par le dessin…) et argumenter celui-ci
font partie intégrante de la formation du jeune spectateur ;
En éducation musicale : étudier les structures des morceaux, styles chantés (parlé, crié….), débats autour
des émotions suscitées par le spectacle, découvrir des œuvres des artistes évoqués pendant le spectacle (qui,
quand, où, pourquoi…), travail sur le rythme d’un morceau, sur les intensités/émotions dans l’interprétation,
travail sur une reprise, exemple : essayer de faire une reprise à partir d’un morceau choisi par les élèves….
En français
français : travailler sur des chroniques, articles, comptes rendus, …..Noter les émotions que suscite la
chanson à la première écoute. Quelles sont les réactions ressenties à la première écoute : qu'est-ce qui
étonne, attire, émeut ?
En technologie : technique du son, technique d’enregistrement
En anglais : effectuer des recherches sur un artiste emblématique anglais/américain, étudier un de ses
textes….
En arts plastiques : montrer des œuvres plastiques photographies, affiches…liées aux morceaux/périodes
évoqués pendant le spectacle ou lien entre des artistes/groupes musicaux et des peintres, photographes,
plasticiens
En histoire de l’art : histoire de la musique enregistrée, faire des recherches sur l’histoire du rock, de la
folk, de la pop, chercher des grands noms de groupes/artistes de cette scène et faire des fiches de
présentation
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RÉFÉRENCES
RÉFÉRENCES / LIENS
Les instruments : www.instrumentsdumonde.fr / http://batterie.poumtchac.com /
La reprise : http://fr.wikipedia.org/wiki/Reprise /
reprises-histoire
http://www.20minutes.fr/article/773662/chansons-plus-
Portail musique
musique : http://fr.wikipedia.org/wiki/Portail:Musique / http://mediatheque.cite-musique.fr
Retrouvez 3 000 œuvres d'art en ligne, classées selon le programme d'enseignement d'Histoire des arts.
www.histoiredesarts.culture.fr
Pour aller plus loin :
-
http://www.irma.asso.fr/IMG/pdf/Industrie_musicale_et_musiques_amplifiees.pdf
-
BOURHIS.H, Le Petit livre rock, Dargaud, 2007
-
GUIBERT.G, Les nouveaux courants musicaux, Mélanie Seteun, coll. Musique et société, 1998
-
MARTEL. F, Mainstream, Champs Actuel, 2011
-
SABATIER Benoit, Culture jeune : l’épopée du rock, Hachettes, coll. Pluriel, 2011
-
La reprise, in La revue des musiques populaires, Mélanie Seteun, coll. Volume, 2010
-
HEDBIGE.D, Le sens du style, Paris, La Découverte, 2008, 156p.
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