Origines Parcours, formations initiales, influences déterminantes

Keith Haring
(1958 – 1990), un artiste engagé
1- L’enfance de l’art
Origines
Keith Haring est né en 1958 et a grandi dans de petites villes de Pennsylvanie, à l’est
des Etats-Unis. Dès l’âge de quatre ans, il dessine beaucoup, encouragé par son père.
« Mon père dessinait pour moi des figurines de bande dessinées et elles ont fortement
influencé mes premiers débuts – il fallait cerner quelque chose avec une ligne
ininterrompue, les contours simples que l’on voit dans les bandes-dessinées » a-t-il
confié. Les personnages de Walt Disney et d’autres héros de dessins animés vus à la
télévision éveillent l’enthousiasme de l’artiste en herbe et l’influenceront de manière
durable. Issu d’une famille « modèle » de la classe moyenne, il reste d’abord, dans sa
ville de province, relativement isolé de la révolution culturelle américaine ; seules
les visites rendues à sa grand-mère chez qui il lit Look et Life lui permettent de s’ouvrir
sur le monde et l’informeront plus tard de la situation politique de son époque. Mais la
télévision reste le médium essentiel : elle va devenir le relais incontournable
d’évènements qui vont résonner en lui, que ce soit la guerre du Viêt-Nam ou l’arrivée du
premier homme sur la lune.
Parcours, formations initiales, influences déterminantes
Keith Haring confiera plus tard qu’une exposition au Hirschhorn Museum de
Washington DC s’est avérée déterminante pour sa carrière artistique : il y
découvre des travaux d’Andy Warhol pour la première fois, une série de
Marylin. Cette expérience le conforte dans sa vocation et après avoir passé ses
examens de fin d’étude en 1976, il s’inscrit à la Ivy School of Professional art de
Pittsburg. Il y suit des cours de dessin publicitaire sur le conseil de ses parents
mais remarque vite qu’il ne veut pas travailler dans ce domaine et interrompt
ses études au bout d’un an. Bien qu’il ne soit plus inscrit à l’université, il
continue de profiter de son infrastructure en participant à des séminaires, en
exploitant la bibliothèque. Il s’intéresse notamment à Jean Dubuffet, Paul
Klee, Stuart Davis, Jackson Pollock… Il sortira émerveillée d’une
rétrospective consacrée à Pierre Alechinsky en 1977 au Museum of Art de
Pittsburgh. Celle-ci influencera son cheminement de manière durable.
Untitled, 1978. Encre de Chine sur papier, 291 x 271 cm. New York, The Keith Haring Foundation
Untitled, 1978. Encre Sumi sur papier, 51 x 66 cm. New York, Keith Haring
Foundation.
Keith Haring quitte ensuite Pittsburgh pour New York, et
s’inscrit à School of Visual Art (SVA), où il suit des cours de
dessin, peinture, sculpture, sémiologie et histoire de l’art. C’est
à ce moment là qu’il fait des rencontres décisives et prend
conscience que son énergie débordante et son enthousiasme
pour la création artistique sont partagés par d’autres étudiants
dont Kenny Scharf, avec qui il se lie d’amitié. Il fait également
la connaissance de Jean-Michel Basquiat, dont il a remarqué
la « griffe » dans les lieux publics.
On voit ci-dessus l’une des premières œuvres de Keith Haring, résolument abstraite, dont les influences sont multiples : on peut y
déceler une référence à la calligraphie extrême-orientale, mais aussi à la peinture moderne et plus particulièrement à Jackson Pollock.
2- Pop art, street art, bad painting, etc.
Une esthétique “pop” ?
Keith Haring, en collaboration avec LA II, Untitled, 1982. Acrylique et encre sur carton, 29,8 x 59,4 cm.
Graphisme
Le graphisme de Keith Haring repose sur une évidente recherche de simplicité : les formes sont réduites à l’essentiel, les
détails des figures ne sont pas représentés, les personnages sont à l’inverse stylisés et sans relief. En effet, Keith Haring
ne cherche pas à donner du réalisme à ses personnages en créant des jeux ombres, ou tout autre effet de modelé qui
donnerait l’illusion d’un volume : ils sont totalement plats ! Le style de Keith Haring renvoie aux codes de la bande-dessinée
ainsi qu’à l’univers du dessin animé si cher à l’artiste. En observant ces bonshommes schématiques, sans visage, dénués de
toute singularité et sans identité définie, on pense en outre aux pictogrammes qui envahissent l’espace urbain, dans lequel
évolue Keith Haring.
Le vocabulaire formel de Keith est volontairement réduit : les même figures ou personnages réapparaissent sur différents
supports, dans des proportions et des couleurs variées. Reviennent ainsi de façon récurrente le bébé rayonnant (radiant
baby), le chien géométrisé, et bien évidemment les innombrables bonshommes dont les postures se déclinent au gré des
œuvres dans des situations plus ou moins absurdes. Le personnage de Mickey Mouse apparaît en outre tel un leitmotiv,
symbole incontournable de l’hégémonie américaine, dont la puissance se manifeste notamment à travers la diffusion d’une
culture de masse, standardisée, à l’heure de la mondialisation.
Espace, composition
Concernant le traitement de l’espace, on n’a là encore aucunement le souci d’une retranscription réaliste. La perspective
ou tout autre effet de profondeur sont absents de l’ensemble de l’œuvre de Keith Haring : l’échelle des plans traditionnelle
est donc mise de côté au profit d’un « univers plat » – on a alors parlé de Flatland – où se juxtaposent les figures en deux
dimensions. C’est ainsi l’affirmation d’une bidimensionnalité inhérente à l’art pictural : une feuille de dessin, une toile ou une
bâche sont des supports plats, alors pourquoi, finalement, chercher à donner l’illusion d’une profondeur artificielle? On a ainsi
certaines compositions traitées en « all over », qui n’ont ni sens de lecture, ni début, ni fin, qui se prolongent indéfiniment
au-delà des limites du support à la manière d’une toile de Jackson Pollock.
Couleur
Dans le choix et l’association des couleurs, Keith Haring va faire preuve d’une grande spontanéité, optant, la plupart du temps,
pour une palette vive et contrastée, juxtaposant parfois de nombreuses couleurs opposées sur un seul et même support
(on observe par exemple cela dans la grande toile-hommage Michael Stewart – USA for Africa de 1985). A l’inverse, on
observe chez lui une autre tendance qui consiste à réduire au maximum l’usage de la couleur, voire à la supprimer : on trouve
en effet de nombreuses compositions fondées sur la simple opposition noir/blanc.
Un art commercial ?
Réagissant à une demande de plus en plus importante, et fort de son succès, Keith Haring déclare que son œuvre est un
produit destiné aux masses (et non à l’élite), et que sa commercialisation va dans le sens d’un rapprochement avec un
public élargi. Son iconographie fait rapidement son entrée dans la vie quotidienne des new-yorkais, et progressivement elle
devient connue dans le monde entier. Début 1983, on voit apparaître les premières copies sous forme de t-shirt et de posters.
Keith Haring va au bout de cette logique commerciale en ouvrant en 1986, à Soho, (Manhattan), son premier Pop Shop où se
vendent ses produits et ceux de quelques-uns de ses amis artistes. Le nom de Keith Haring © devient dès lors un label
autonome. Cet aspect mercantile vaudra certaines critiques à Keith Haring, qui se sentira incompris. Car son but n’est pas de
s’enrichir avec son art, mais plutôt de faire disparaître les barrières entre le monde de l’art et le quotidien des gens, quelque
soit leur origine ou leur statut. Les produits sont en effet commercialisés à bas prix, et l’expression consacrée de « pop art »
(art populaire) prend ici tout son sens !
«The public needs art, and it is the responsibility of a “self-proclaimed artist” to realize the public needs art, and not to make
bourgeois art for a few and ignore the masses…» notel’artiste dans son journal dès le 4 octobre 1978.
Le Pop Shop situé au 292 rue Lafayette à New York a fermé
ses portes en 2005. Les nombreux produits dérivés restent
cependant commercialisés sur Internet, dans les boutiques
des musées, etc. Il existe aussi de nombreuses
contrefaçons !...
Keith Haring revendique la filiation avec Andy Warhol pour
qui la commercialisation et la célébrité est le corollaire
assumé de toute démarche artistique. Les liens avec
l’esthétique publicitaire et plus largement la société
de consommation constitue le fondement incontournable
du Pop art.
Andy Mouse – New Coke, 1985, acrylique sur toile, 303,5 x 296,5cm.
Untitled, 1985, acrylique et huile sur toile, 304,8 x 365,8 cm.
Kenny Scharf, Andy Warhol et Keith Haring à New York
le 16 juin 1986.
L’amitié entre Keith Haring et Andy Warhol est réelle,
marquée par une estime mutuelle et des échanges
artistiques allant de visites d’ateliers réciproques à des
projets réalisés en commun. Keith Haring, encore jeune,
bénéficie des expériences et des relations de Warhol.
En retour, Haring le met au contact de jeunes artistes
issus de la scène alternative. Keith Haring rend
hommage à Andy Warhol dans plusieurs de ses œuvres
en créant le personnage d’Andy Mouse : en l’associant
ainsi au personnage de Walt Disney, il en fait une icône
auréolée du même succès.
La rue et le subway comme terrain d’expérimentation
Les débuts dans le métro
Si les études ont pu apporter des connaissances déterminantes à Keith Haring, le plus important fut pour lui l’école de la rue !
Keith Haring dessinant dans le métro de New-York au début des années 1980.
Keith Haring a une prédilection pour les supports dits « pauvres » et choisit d’abord le papier pour laisser s’exprimer sa
créativité et son irrépressible besoin de dessiner. Jeune étudiant new-yorkais, il affectionne particulièrement les espaces
publicitaires du métro et plus largement les murs de la ville, qu’il arpente avec sa bande de copains tagueurs, en toute
illégalité. Le bad painting, style d’apparence volontairement bâclée, est apparu dès la fin des années 1970 et souvent associé
aux noms de Keith Haring et Jean-Michel Basquiat. Tous deux issus de la même génération, ils font partie de cette avantgarde qui a œuvré pour la reconnaissance du street art. Les subway drawings, éphémères, fragiles, sont effectués à la
craie blanche sur fond noir, ils ponctuent le parcours des voyageurs au début des années 1980, rompant avec l’esthétique
saturée des affiches publicitaires.
Peintures murales
Peinture murale, New York, Houston Street, 1982.
e
« Crack is wack », (« Le crack, c’est nul »), peinture murale, New York, 128 rue et 2
Avenue, 1986.
e
Hôpital Necker, escalier de secours de la
clinique de chirurgie infantile, Paris, 1987.
En 1986, Keith Haring réalise une peinture murale de plus de 300 mètres de long sur le mur de Berlin-Ouest
De 1961 à 1989, un mur long de 155 kilomètres scinde la ville de Berlin. En 1986 Keith Haring est invité par le musée du
Checkpoint Charlie (situé juste au pied du mur) à réaliser une peinture murale, censée égayer le triste obstacle. L’artiste
commence par recouvrir le mur d’une couche de peinture jaune, puis il figure, sans dessin préalable, une frise de personnages
géants , rouges et noirs, qui se déploient horizontalement, s’adaptant aux dimensions du support. (Le choix des couleurs
renvoie au drapeau allemand). Ici chaque homme est le prolongement d’un autre comme pour évoquer le lien qui les unit…
malgré ce mur qui veut les séparer. Cette chaine humaine, monumentale, devient alors un symbole d’union, de fraternité
et d’espoir. Aujourd’hui, ces hommes peints ont disparu, détruits avec le mur, mais les photographies qui en gardent la trace
sont le témoignage de la force de l’engagement de Keith Haring, de son caractère universel.
Investir l’espace public, c’est être au contact des gens : lorsqu’il peint en plein air, une interaction se crée avec
l’environnement et ceux qui le peuplent. Cette dimension est essentielle pour comprendre l’art de Keith Haring, qui se veut
accessible au plus grand nombre.
3- Art engagé, art enragé
Attention au nucléaire !
Affiche pour le désarmement nucléaire, 1982. Lithographie
offset, 61,3 x 45,8 cm. Tirage 20 000 exemplaires.
New York, collection Keith Haring Foudation.
Fervent écologiste, Keith Haring proteste contre les dangers
qui menacent la planète. En juin 1982, il participe à un
rassemblement antinucléaire. Il imprime 20 000 affiches
à ses propres frais et les offre à tous les participants. Le poster
est divisé en deux parties : En bas, deux personnages, armés
d’un grand bâton : leur affrontement va provoquer une
explosion nucléaire. Difficile de ne pas penser aux tensions
entre Etats-Unis et URSS pendant la guerre froide : de 1945
à 1991, crises diplomatiques et course aux armements se sont
succédé entre les deux superpuissances, faisant craindre une
guerre nucléaire au monde entier. En haut, justement, le
radiant baby est propulsé au paradis, prisonnier dans un
champignon atomique. ..
« The medium is the message »
Untitled, 1982. Feutre marqueur et peinture acrylique
sur toile trouvée, 244 X 210 cm. Bryn Mawr,
Pennsylvanie, collection Suzi et Scott Lustgarten.
Si la télévision trônait dans le salon de la famille
Haring, comme dans la plupart des foyers américains,
elle finit par inquiéter Keith ! Rapidement, il comprend
que cet écran est l’outil idéal pour manipuler les gens.
Ils la regardent religieusement, facile de leur faire
croire n’importe quoi… L’artiste se méfie également
des ordinateurs, car il craint que la machine ne finisse
par nous contrôler, voire pire, nous remplacer.
Instrumentalisation via l’image ou propagande
télévisuelle, le médium façonne notre pensée, et ce
« formatage » peut s’avérer dangereux. C’est bien la
question qu’a voulu soulever le théoricien canadien
Marshall Mac Luhan dont on retient cette phrase
aujourd’hui devenue célèbre « The medium is the
message», (Pour comprendre les médias, 1964).
Dire NON aux drogues, militer contre le sida
Crack Down! Affiche de 1986, 56 x 44 cm. New York, The Keith Haring
Foundation.
Dans les années 1980, une nouvelle drogue arrive à New York, le crack. Keith
Haring voit l’un de ses assistants devenir dépendant à cette substance, et
décide d’alerter la population de ce fléau. Il veut montrer que cette drogue
tue et qu’il faut refuser d’en consommer ! Keith Haring s’implique en outre
pour sensibiliser aux dangers du SIDA : avant que d’en être lui-même victime
– l’artiste décédera des suites de cette maladie en 1990, à l’âge de 31 ans –
il constate que nombre de ses amis et connaissances ont contracté le virus et
prend alors conscience du danger et de la nécessité de s’en protéger.
Pour sauver des vies, il faut interpeller un maximum de personnes, c’est
pourquoi l’affiche est un support privilégié : pouvant être tirée à de très
nombreux exemplaires, elle permet en effet une plus large diffusion
qu’une simple toile.
Dénoncer le racisme et protester contre l’apartheid
Michael Stewart – USA for Africa, 1985;
Collection Lindemann, Miami Beach. 305 x 458
cm.
Autre combat de l’artiste, la lutte contre le
racisme. Cette toile relate un événement qui s’est
déroulé à New York en 1983 : l’artiste graffitiste
afro-américain Michael Stewart meurt, roué de
coup par la police. EN 1985, Keith Haring qui
s’insurge dans son journal contre les policiers qui
sortent acquittés du tribunal, lui rend hommage
avec ce tableau et dénonce la violence raciale
qui existe autant à New York qu’à Johannesburg
(les deux croix rouges sur la Terre) avec
l’apartheid. L’homme noir au visage terrifié se fait
étrangler et piétiner par des hommes blancs,
menacé par une main verte, celle de la
corruption. Les gens l’entourant préfèrent
fermer les yeux ; la Mort, elle, vient le chercher (il
lui est désormais lié, menotté). C’est une des rares
œuvres où le personnage n’est pas anonyme mais
représenté avec un visage défini et expressif.
Keith Haring a également été un activiste anti-apartheid : en 1985, à
Central Park, lors d’un rassemblement dédié à cette cause, il distribue
gratuitement cette affiche afin de sensibiliser la population au sort des
noirs sud-africains. Un visuel fort qui parle de lui-même, un slogan simple
mais percutant, Keith use des codes de l’affiche publicitaire à des fins
politiques ; il veut interpeller un maximum de gens, c’est pourquoi il investit
l’espace public.
4- Du support plat à l’œuvre en volume
Peindre sur un support en trois dimensions
Dans la lignée des artistes du Pop art, qui tels Andy Warhol ou Roy Lichtenstein détournent des objets du quotidien
pour les ériger au rang d’œuvre d’art, Keith Haring s’approprie ce symbole de la modernité qu’est la voiture en recouvrant
l’intégralité de la carrosserie de ses dessins, de la même manière qu’il l’aurait fait sur une bâche ou sur une toile. Le spectateur
est invité à tourner autour de l’objet devenu sculpture, et porte sur celui-ci un regard nouveau.
Untitled (car), 1986, peinture à l’émail sur une Buik Special 1963, 137 x 180 x 480 cm.
Untitled, (BMW peinte), 1990. Paris,
galerie Enrico Navarra.
Réenchanter l’espace urbain
Artiste populaire aimé de tous, Keith Haring a réalisé plusieurs de ces sculptures monumentales en acier peint, qui
contrastent avec la monotonie de la ville de par leur couleur et leur dynamisme.
Untitled (Dancing Dog), 1989.
Peinture polyuréthane sur acier
A-36. 411,5 x 322,6 x 31,8 cm.
Untitled, 1987. Acier peint. 462,3 x
350,5 x 340,5 cm.
© Keith Haring Foundation.
Red dog for Landois, 1987. Münster, Acier peint.