Mise en page 1 - Alphonse Leduc

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ÉDITIONS MUSICALES
ALPHONSE LEDUC
PARIS
PÉDAGOGIE THEORY
ÉTUDE DU RYTHME
EN CINQ CAHIERS
STUDIES FOR RHYHTM
ETÜDEN ZUM RHYTHMUS
in five books
in fünf Heften
GEORGES DANDELOT
AL 30 696 Cahier - Réf. : SY
AL 30 687 Audio - Réf. : FA
Professeur à l’École Normale de Musique
1
Georges Dandelot
Étude du rythme, Vol.1
ALPHONSE LEDUC, Éditions Musicales, PARIS
Cahier : AL 30 696 - Réf. : SY
Audio : AL 30 687 - Réf. : FA
Élève de Widor, Roussel et Dukas,
Georges Dandelot (1895-1975) n’a retenu
l’attention de la postérité que pour ses
ouvrages didactiques, dont le succès
semble inaltérable. Si l’on peut regretter
l’oubli dans lequel sont tombées ses compositions, nul ne contestera son immense
talent dans le domaine de la pédagogie
musicale.
Publiée en 1935, l’Étude du rythme en
cinq cahiers venait combler une lacune
criante : pour la première fois, une
méthode progressive – graduée avec un
soin minutieux – s’efforçait d’inculquer
aux élèves cet « élément primordial » de
toute musique. Dédié aux rythmes les plus
simples qui sont « la base de tout ce qui va
suivre », le premier cahier se voit enrichi
d’un précieux complément : une version
audio, jointe à la partition sous la forme
d’une carte de téléchargement, permet
désormais à l’apprenti musicien de
contrôler lui-même s’il a bien reproduit le
rythme demandé dans tel exercice.
Naturellement, cet enregistrement peut
également servir de support à la pratique
des dictées rythmiques – la technique de
notre temps au service d’un manuel
indémodable.
2
Georges Dandelot (1895-1975), who was
a pupil of Widor, Roussel and Dukas,
achieved posterity only through his educational manuals, which seem to enjoy
permanent success. Some may regret the
fact that his compositions have fallen into
oblivion, but nobody can deny his tremendous talent for musical instruction.
When it was published in 1935, the fivevolume Étude du rythme filled a glaring
gap: for the first time, a progressive
method – graduated with minute care – set
out to inculcate pupils with this “vital
element” of all music. Dedicated to the
simplest rhythms that are “the basis of all
to follow”, the first volume now comes
with a valuable addition: an audio version,
attached to the score in the form of a
download card, enabling budding musicians to monitor for themselves whether
they have correctly reproduced the
rhythms of the exercises. Of course, this
recording can also be used to carry out
rhythm dictations – modern-day technology
at the service of a timeless method.
PIANO
Morceaux choisis
pour piano
pour
morceaux choisis
PiANO
Niveau : 3 à 5 années de piano
selected pieces
for
Niveau : 3 à 5 années de piano
Intermediate level
AL 30 694 Cahier - Réf. : AH
AL 30 695 Audio - Réf. : FA
Intermediate level
sélection proposée par
François PINEL
Éditions Musicales
ALPHONSE LEDUC
PARIS
« Ma voisine ne sait jouer que çà » –
comme à la chanteuse Anne Sylvestre, le
rabâchage de la Lettre à Elise vous
procure d’incessants tourments ? Offrez
donc à l’instrumentiste en herbe ce recueil
de 38 pièces pour piano qui fera souffler
un vent de fantaisie sur son répertoire
étriqué. Enrichie d’une version audio accessible grâce à une carte de téléchargement, cette anthologie présente un
éventail de morceaux destinés à des
élèves ayant entre 3 et 5 ans de piano.
Les miniatures chaleureuses tirées
d’Accueil amical, l’op. 326 (!) de Darius
Milhaud, témoignent des liens tissés avec
la famille de Pierre Claudel qui le recevait
souvent à New York pendant la guerre ;
Alexandre Gretchaninoff cultive avec bonheur « l’art d’être grand-père » (G. Sacre),
enchantant les pianistes avec ses
Historiettes ou une Promenade au bois.
Henri Tomasi offre dans Le coin de
Claudinet quelques tableautins irrésistibles, tels le Réveil du petit soldat. Des
extraits des Douze petites pièces faciles de
Koechlin et des Bagatelles de Tcherepnine,
bien d’autres trésors encore – signés
Hahn, Bozza, Albéniz et Borodine – viennent compléter ce fabuleux recueil.
PiANO
Cahier : AL 30 694 - Réf. : AH
Audio : AL 30 695 - Réf. : F A
“That’s all my neighbour ever plays!”
Like Anne Sylvestre, are you tormented by
endless repetitions of Für Elise? Why not
widen the repertoire of your budding
musician with this collection of 38 whimsical pieces for piano? Enhanced with an
audio version accessible through a download card, this anthology presents an array
of pieces for students with 3 to 5 years of
lessons under their belt.
The warm miniatures from Accueil
amical, op. 326 (!) by Darius Milhaud
reflect his close ties with Paul Claudel’s
family, who hosted him often in New York
during the war. Alexander Gretchaninov
cheerfully cultivates “the art of being a
grandpa” (G. Sacre), enchanting pianists
with his Historiettes and Promenade au
bois. In Le coin de Claudinet, Henri Tomasi
offers some irresistible little tableaux,
such as the Réveil du petit soldat. Excerpts
from Koechlin’s Douze petites pièces
faciles and Tcherepnin’s Bagatelles, as
well as many other treasures composed by
Hahn, Bozza, Albéniz and Borodin,
complete this fabulous collection.
3
PIANO
Patrick Burgan
Chrysalides
Variations imaginales pour piano
AL 30 670 - Réf. prix : AG
Publiées en 2014, les Chrysalides pour
piano de Patrick Burgan (né en 1960)
résultent d’une commande du Concours
International d’Épinal qui a inscrit cette
pièce longue d’une dizaine de minutes au
programme de l’édition de mars 2015.
Ces Chrysalides portent à première vue
un sous-titre quelque peu énigmatique
« variations imaginales pour piano » qui
permet cependant de saisir la métaphore
organiciste ici à l’œuvre : la chrysalide
désigne le stade intermédiaire entre la
chenille et l’imago – forme définitive du
papillon.
Suivant le parcours de cette mue, les variations imaginales de Burgan partent du
chaos (la pré-naissance) en passant par
toutes les étapes d’une évolution qui
précisent peu à peu l’image du thème – la
fameuse imago – dont on ne découvre la
forme accomplie, calme et apaisée, qu’à
la toute fin. Là où l’auditeur perçoit du
point de vue structurel un thème et variations inversé, il se voit dans le même
temps confronté à l’évocation poétique
d’une naissance. Lever le voile sur les
arcanes de la métamorphose grâce à un
langage musical gorgé de sensualité, c’est
faire l’éloge vibrant de la vie.
4
Published in 2014, the Chrysalides for
piano by Patrick Burgan (born in 1960) are
the product of a commission by the Epinal
International Piano Competition, which
included the ten-minute piece in the
programme of its March 2015 edition.
The initially somewhat enigmatic tagline
of these Chrysalides, which translates as
“imaginal variations for piano” is, in fact,
an organistic metaphor, the chrysalid
being the intermediary stage between the
caterpillar and the butterfly’s final form,
the imago.
Following the path of this metamorphosis, Burgan’s imaginal variations start
with chaos (pre-birth) and undergo all the
evolutionary stages, which gradually clarify the image of the theme – the imago,
whose calm, appeased and completed
form we only discover at the very end. The
listener perceives an inversed theme and
variations in terms of structure, but is also
faced with the poetical evocation of a birth.
Revealing the secrets of the metamorphosis through a musical language highly
charged with sensuality, this piece is a
celebration of life.
CORDES I STRINGS
PIANO
Allain Gaussin
Tokyo-City
Allain GAUSSIN
TOKYO-CITY
pour Piano
pour piano
AL 30 685 - Réf. prix : AP
Éditions Musicales Alphonse Leduc
Paris
AL 30 685
Élève d’Olivier Messiaen au CNSM de
Paris, Allain Gaussin a élaboré en véritable
alchimiste des sons, une œuvre sensuelle
et chatoyante, désireuse de provoquer chez
l’auditeur cette sorte d’« éveil intérieur »
que la langue japonaise désigne sous le
terme de Satori – ainsi s’intitule une pièce
pour clarinette solo écrite en 1998.
Composée dix ans plus tard, Tokyo-City
pour piano solo relève de la même inspiration, nourrie par plusieurs séjours au
Japon. Gaussin s’emploie à restituer les
diverses sensations ressenties au fil de ses
promenades dans la mégalopole nippone :
à la crainte d’être englouti par son immensité succède l’éblouissement devant cet
univers gorgé d’harmonies et de couleurs
dont se dégage une formidable énergie.
L’œuvre se déploie selon un double axe
symétrique (dans l’ordre du registre et du
tempo) : après un début énigmatique confié
au grave du piano, des « polyphonies flottantes » laissent progressivement émerger
une figure musicale, véritable toccata qui,
par la suite, va subir une lente déformation
sur le modèle de l’anamorphose. Ne subsiste alors qu’un scintillement d’harmonies
cristallines : à l’extrême aigu du piano,
l’œuvre s’achève dans l’épure.
Réf. : AP
Allain Gaussin, a pupil of Olivier Messiaen
at the CNSM in Paris, and a veritable
alchemist of sound, created a sensual and
sparkling work that aims to induce in
listeners the sort of “internal awakening”
that the Japanese refer to as Satori – the
title given to a piece for solo clarinet he
wrote in 1998.
Composed a decade later, Tokyo-City for
solo piano draws on the same inspiration,
fuelled by several stays in Japan. Gaussin
sets out to reproduce the various sensations he experienced during his walks
around the Japanese megalopolis: a fear
of being swallowed up by its vastness gives
way to a bedazzlement in the face of a
buzzing universe awash with harmonies
and colours.
The work follows a dual symmetrical
structure (in terms of register and tempo):
after an enigmatic start entrusted to the
low notes of the piano, a musical figure
gradually emerges from “floating polyphonies”, producing a veritable toccata
which is slowly deformed, like an anamorphosis. Then, only a glimmering of
crystal-clear harmonies remains, and the
work ends sparsely on the highest notes
of the piano.
5
CORDES STRINGS
Valérie Bime-Apparailly
Je débute le violon, Vol.2
HA 9 756 Cahier - Réf. : XW
HA 9 757 CD - Réf. : GG
Passionnée de pédagogie, l’altiste
Valérie Bime-Apparailly (née en 1962 à
Bordeaux) a signé un grand nombre de
méthodes d’initiation aux instruments à
cordes qui font l’unanimité. Le premier volume de la méthode Je débute le violon,
s’adressant à des enfants entre 5 et
12 ans, avait rencontré un tel succès
auprès des musiciens en herbe et de leurs
professeurs qu’il fallait bien lui donner un
prolongement.
C’est désormais chose faite avec la parution du volume 2, qui aborde les techniques instrumentales de base – toujours
en première position. Faisant le pari de
réunir rigueur et plaisir de jouer, l’auteur
ouvre chaque leçon par une courte
séquence d’exercices, grâce auxquels les
élèves peuvent aborder les morceaux qui
suivent avec toute la concentration
requise.
Les explications théoriques, réduites à
leur expression la plus simple, sont agrémentées de croquis chargés d’en rehausser la clarté. L’album est enrichi d’un CD
qui comporte l’enregistrement play back
des pièces du recueil. Un ouvrage aussi
éclectique que limpide.
6
With a strong commitment to education,
viola player Valérie Bime-Apparailly (born
in 1962 in Bordeaux) has written many
beginner methods for string instruments,
to universal acclaim. The first volume of
the method Je débute le violon, aimed at
children aged between 5 and 12, met with
such success among budding musicians
and their teachers alike, it simply had to
be extended.
That has now been taken care of, with
the publication of volume 2, which
addresses basic instrumental technique –
still in first position. Aiming to combine
precision with the pleasure of playing, the
author starts each lesson with a short
sequence of exercises so that pupils can
then fully concentrate on the pieces that
follow.
The theoretical explanations are expressed in very simple terms, and are
embellished with sketches that make
them even clearer. The album comes with
a playback CD of the collection’s pieces.
An eclectic and straightforward method.
CORDES STRINGS
Valérie Bime-Apparailly
Je débute l’alto, Vol.2
HA 9 758 Cahier - Réf. : XW
HA 9 759 CD - Réf. : GG
Pédagogue de renom, l’altiste Valérie
Bime-Apparailly (née en 1962 à Bordeaux)
est l’auteur d’un grand nombre de méthodes d’initiation aux instruments à
cordes dont le succès ne s’est jamais démenti.
Le second volume de la série Je
débute l’alto renoue avec le pari du premier recueil : rendre indissociable la
rigueur et le plaisir de jouer. Chaque
chapitre s’ouvre ainsi par une courte
séquence d’exercices qui permettent aux
élèves d’aborder les morceaux avec sérénité et concentration. Réduites à leur plus
simple expression, les explications théoriques se voient accompagnées de croquis
qui en augmentent la clarté. L’album est
enrichi d’un CD comportant l’enregistrement play back des différentes pièces.
Un éclectisme décomplexé illumine le
recueil : des classiques illustres comme la
Habanera de Carmen ou les Variations sur
« Ah ! Vous dirai-je Maman » de Mozart y
côtoient Un éléphant, ça trompe énormément ou le Rock’n’roll des Gallinacés. La
pédagogie est un art.
An educationalist of renown, viola player
Valérie Bime-Apparailly (born in 1962 in
Bordeaux) is the author of numerous
beginner methods for string instruments
that have met with unflagging success.
The second volume of the series Je
débute l’alto once again takes up the challenge of the first collection: to combine
precision with the pleasure of playing. To
do this, each chapter starts with a short
sequence of exercises enabling pupils to
approach the pieces with serenity and concentration. Reduced to their simplest expression, the theoretical explanations are
accompanied by sketches that enhance
their clarity. The album comes with a playback CD containing recordings of the different pieces.
A relaxed eclecticism runs through the
work: illustrious classics such as the
Habanera from Carmen or the Variations
sur “Ah ! Vous dirai-je Maman” (“Twinkle
Twinkle Little Star”) by Mozart can be
found alongside Un éléphant, ça trompe
énormément and Rock’n’roll des Gallinacés. Education is an art form.
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CORDES STRINGS
Patrick Burgan
Songe à la douceur...
pour violoncelle seul
Niveau : 8e/9e
Advance level
AL 30 625 - Réf. : AL
Entre le compositeur Patrick Burgan et
le monstre sacré de la musique française
Henri Dutilleux, ce sont de véritables
affinités électives qui se nouèrent.
Dutilleux ne manqua jamais l’occasion de
dire tout le bien qu’il pensait de la
musique écrite par son cadet.
Dédiée à la mémoire d’Henri Dutilleux,
cette pièce emprunte son titre au 2e vers
de L’Invitation au Voyage, extrait des
Fleurs du mal de Baudelaire – un poète
qui n’a jamais cessé d’inspirer Dutilleux.
Burgan invite l’auditeur à explorer l’univers musical du maître français : les multiples citations de son œuvre, dûment
signalées dans la partition, forment une
superbe constellation qui s’étend du
Mystère de l’Instant à la Deuxième Symphonie en passant par le quatuor Ainsi la
nuit, Métaboles et le concerto pour violoncelle Tout un monde lointain. À l’image de
L’Invitation au Voyage, la forme imaginée
par le compositeur se noue autour du
principe couplets-refrain, le retour hypnotique des doux accords en pizzicato constituant l’écho des célèbres vers : « Là, tout
n’est qu’ordre et beauté, / Luxe, calme et
volupté ». En guise d’hommage, une délicate alchimie où s’entremêlent le chatoiement, la douceur et l’ardeur.
8
The composer Patrick Burgan and the
giant of French music Henri Dutilleux
formed real elective affinities with each
other. Dutilleux never missed an opportunity to mention the high esteem in which
he held the younger musician’s work.
Dedicated to the memory of Henri
Dutilleux, this piece takes its title from the
2nd verse of L’Invitation au Voyage, from the
Fleurs du mal by Baudelaire – a poet who
was a constant source of inspiration for
Dutilleux. Burgan invites listeners to
explore the musical universe of the French
master: the numerous quotations of his
work, duly flagged in the score, form a
superb constellation that stretches from
the Mystère de l’Instant to the Deuxième
Symphonie via the quartet Ainsi la nuit,
Métaboles and the concerto for cello Tout
un monde lointain. Reflecting L’Invitation
au Voyage, the composer follows the principle of verse and refrain, and the hypnotic
return of the soft chords in pizzicato
echoes the famous lines: “Là, tout n’est
qu’ordre et beauté, / Luxe, calme et
volupté”. This tribute, in the form of a delicate alchemy, combines sparkle, sweetness and spirit.
CORDES STRINGS
François Rabbath
Nouvelle technique
de la contrebasse, Cahier 5
FRANÇOIS RABBATH
NOUVELLE TECHNIQUE DE LA
CONTREBASSE
CAHIER 5
FRANÇAIS - ENGLISH
DEUTSCH - ESPAÑOL
Texte en français, allemand, anglais, espagnol
AL 30 623 - Réf. : YE
Alphonse Leduc
Éditions Musicales
Véritable phénomène de la vie musicale,
le contrebassiste François Rabbath, né en
1931 à Alep, s’installe dès 1955 à Paris, où
il joue avec les stars (Barbara, Aznavour…)
sans négliger pour autant son activité
d’instrumentiste classique. Présentée
dans une version quadrilingue (français,
anglais, allemand, espagnol), la Nouvelle
technique de la contrebasse de Rabbath
s’est employée, au fil des quatre précédents volumes, à libérer l’élève du carcan
de l’enseignement traditionnel.
Toujours guidé par la même conviction
– nul besoin de torturer son propre corps
pour devenir instrumentiste –, Rabbath
referme son épopée pédagogique par ce
cinquième cahier, propre à offrir bien des
plaisirs musicaux à l’apprenti contrebassiste qui peut s’enorgueillir d’avoir surmonté les difficultés techniques abordées
dans les quatre premiers. Il trouvera dans
ce recueil de véritables morceaux de
concert, des œuvres aussi séduisantes
que le nostalgique Cri de Venise pour
contrebasse et piano et le Troisième
Concerto au lyrisme étreignant, mais
aussi de courtes pièces comme Souvienstu des douze peupliers ou l’irrésistible
Mama Bahija pour contrebasse, batterie et
orgue.
AL 30 623 - Réf. : YE
Bass player François Rabbath, born in
1931 in Aleppo, is a real character in the
world of music. He settled in Paris in 1955,
where he played with the stars (Barbara,
Aznavour…) while continuing as a classical
instrumentalist. Throughout the four preceding volumes, Rabbath’s Nouvelle
technique de la contrebasse, presented in
a four-language version (French, English,
German and Spanish), endeavours to free
the pupil from the shackles of traditional
teaching.
Always guided by the same conviction that there is no need to torture one’s body
to become an instrumentalist - Rabbath
rounds off his educational epic with this
fifth book, which will offer great musical
pleasure to the trainee bass player, who
can take pride in having overcome the
technical difficulties covered in the first
four books. This collection includes real
concert pieces - works of great charm,
such as the nostalgic Cri de Venise for
double bass and piano and the Troisième
Concerto with its enveloping lyricism, as
well as short pieces such as Souviens-tu
des douze peupliers and the irresistible
Mama Bahija for bass, drum and organ.
9
BOIS WOODWIND
Eugène Bozza
Aria
pour violon (ou flûte) et piano
AL 30 698 Cahier - Réf. : V
AL 30 689 Audio - Réf. : FA
Cahier : AL 30 698 - Réf. : V
Audio : AL 30 689 - Réf. : FA
Élève d’Henri Büsser et d’Henri Rabaud
au Conservatoire de Paris, le compositeur
et chef d’orchestre Eugène Bozza (19051991) reçut le premier Prix de Rome en
1934. C’est durant son séjour à la villa Médicis qu’il coucha sur le papier son Aria
pour saxophone alto et piano – une adaptation du troisième mouvement de la
Pastorale pour orgue en fa majeur
BWV 590 de Johann Sebastian Bach qui
devait faire le tour du monde.
Cette mélodie empreinte de nostalgie,
qui déploie toute son ampleur sur une
pulsation régulière, a fait l’objet à son tour
de nombreuses transcriptions, tout
d’abord pour clarinette, puis pour violon
(ou flûte) et piano. C’est cette dernière
version que les Éditions Leduc ont choisi
de rééditer, avec en prime une version
audio qui devrait rendre bien des services
à tous les musiciens !
10
Composer and conductor Eugène Bozza
(1905-1991) was a pupil of Henri Büsser
and Henri Rabaud at the Conservatoire de
Paris, and received the first Prix de Rome
in 1934. It was during his stay the Villa
Medici that he wrote his Aria pour
saxophone alto et piano – an adaptation of
the third movement of Johan Sebastian
Bach’s Organ Pastorale in F Major BWV
590, which was to tour the world.
This nostalgia-imbued melody, which
expands over a regular meter, has, in turn,
been the subject of numerous transcriptions, first for clarinet, then for violin (or
flute) and piano. Éditions Leduc have
chosen to republish this last version, with
the added bonus of an audio version that
should be of valuable assistance to all
musicians!
BOIS WOODWIND
Guy-Claude Luypaerts
Partita
pour flûte seule
AL 30 686 - Réf. : V
Guy-Claude LUYPAERTS
PARTITA
pour Flûte seule
I. Patience
II. Volutes
III. Chimères
Éditions Musicales Alphonse Leduc
Paris
AL 30 686
Élève de Jean Pierre Rampal et de Tony
Aubin au Conservatoire National de Paris,
le flûtiste et compositeur Guy-Claude
Luypaerts se partage entre sa carrière de
soliste, l’enseignement et la direction
d’orchestre sans délaisser pour autant
l’activité créatrice. Luypaerts est resté
fidèle à la terre de son enfance : pour cet
habitant du village côtier de la Panne en
Flandre occidentale, le rivage de la mer du
Nord constitue une perpétuelle source
d’inspiration : ce paysage aimé entre tous,
où s’enlacent la mer, le ciel et les dunes,
a servi de cadre à la composition de la
Partita pour flûte en août 2014.
Le choix d’un tel titre se conçoit comme
un hommage à deux œuvres essentielles
du répertoire pour flûte solo : la Partita en
la mineur, BWV 1013 de Johann Sebastian
Bach et la Sonate en la mineur Wq 179 de
son fils Carl Philipp Emmanuel. Dédiée au
flûtiste Maxence Larrieu qui l’a inscrite au
programme de son Concours international
(édition 2015), la Partita comporte trois
mouvements : l’énergique détermination
de Patience contraste avec les effluves
rêveuses des Volutes avant que les
Chimères ne déchaînent sur la mer un
Jour de colère.
Réf. : V
Having studied under Jean Pierre Rampal and Tony Aubin at the Conservatoire
National de Paris, flautist Guy-Claude
Luypaerts now divides his time between
his work as a soloist, teacher and orchestral
conductor, without neglecting his compositional activity. Luypaerts has
remained true to his childhood land: for
this resident of the seaside village of
Panne in western Flanders, the North Sea
coastline is a continual source of inspiration.
This beloved landscape, where sea, sky
and dune embrace, was the setting for the
composition of the Partita for flute in
August 2014.
The title can be seen as a tribute to two
essential works in the solo flute repertoire: Bach’s Partita in A Minor, BWV 1013
and the Sonata in A Minor Wq 179 by his
son Carl Philipp Emanuel. Dedicated to
flautist Maxence Larrieu, who included it
in the programme of his International
Competition (2015), the Partita contains
three movements. The energetic determination of Patience contrasts with the
dreamy exhalations of Volutes, before the
Chimères are unleashed upon an angry
sea.
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BOIS WOODWIND
Armando Ghidoni
Sweet and Go
pour hautbois solo
AL 30 676 - Réf. prix : AC
Aujourd'hui une référence dans le répertoire, la pièce Sweet and Go pour hautbois solo, composée pour Marika Lombardi,
explore avec raffinement les ressources
poétiques et techniques de cet instrument.
D’une durée approximative de six minutes,
ce diptyque s’ouvre sur un Adagio,
déclamation libre en forme de récitatif qui
apparaît comme une oasis de tendresse
auquel les glissandi viennent conférer un
parfum oriental. Tranchant avec ce songe
voluptueux, la seconde section, marquée
Vivo brilante ben ritmato, permet au
soliste de déployer une étincelante virtuosité. Mélodies, rythmes, nuances et
couleurs : tout participe à cette fête de l’inventivité.
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Today a reference in the repertoire, the
piece Sweet and Go for solo oboe,
composed for Marika Lombardi, elegantly
explores the poetic and technical
resources of the instrument. The diptych,
approximately six minutes in length, opens
with an Adagio, a free declamation in
recitative that is an oasis of tenderness to
which the glissandi bring a whiff of the
Orient. In contrast to this voluptuous
dream, the second section, marked Vivo
brilante ben ritmato, enables the soloist to
display a sparkling virtuosity. Melodies,
rhythms, nuances and colours all contribute to this festival of ingenuity.
BOIS WOODWIND
Eugène Bozza
Aria
pour saxophone alto et piano
AL 30 697 Cahier - Réf. : V
AL 30 688 Audio - Réf. : FA
Cahier : AL 30 697 - Réf. : V
Audio : AL 30 688 - Réf. : FA
De père italien et de mère française, Eugène Bozza (1905-1991) partagea ses
études musicales entre l’Academia Santa
Cecilia à Rome et le Conservatoire de
Paris où il reçût l’enseignement d’Henri
Büsser et d’Henri Rabaud. Ses compositions dans le domaine de la musique de
chambre laissent transparaître une vive
prédilection pour les vents, dont témoignaient déjà la Fantaisie pastorale pour
hautbois et piano (1939) ou New-Orléans
pour saxhorn basse et piano (1944).
Alors qu’il était pensionnaire à la Villa
Médicis de Rome quelques années plus tôt
(1936), Bozza avait couché sur le papier
son Aria pour saxophone alto et piano –
une libre adaptation du troisième mouvement de la Pastorale pour orgue en fa majeur BWV 590 de Johann Sebastian Bach.
Cette mélodie ample et nostalgique qui
se déploie sur une pulsation régulière est
devenue dans le monde entier l’une des
pièces les plus jouées du répertoire pour
saxophone. Devant un tel succès, les
Éditions Leduc ont décidé d’enrichir sa
réédition d’une version audio qui permettra aux saxophonistes de s’exercer « grandeur nature ».
Born to an Italian father and a French
mother, Eugène Bozza (1905-1991) divided
his music studies between the Academia
Santa Cecilia in Rome and the Conservatoire de Paris, where he was taught by
Henri Büsser and Henri Rabaud. His
chamber music compositions reveal a
marked predilection for wind instruments,
as reflected in Fantaisie pastorale for oboe
and piano (1939) and New-Orléans for
bass saxhorn and piano (1944).
During his stay a few years earlier at the
Villa Medici in Rome (1936), Bozza had
written his Aria pour saxophone alto et
piano – a free adaptation of the third
movement of Johann Sebastian Bach’s
Organ Pastorale in F major BWV 590.
This expansive and nostalgic melody,
which unfolds over a regular meter, has
become one of the most widely played
saxophone pieces in the world. Having
enjoyed such success, Éditions Leduc has
decided to supplement its republication
with an audio version that will enable
saxophonists to carry out “full-scale”
practice.
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BOIS WOODWIND
Armando Ghidoni
Sweet and Go
pour saxophone solo
AL 30 677 - Réf. prix : AC
Créée en 2013, la pièce Sweet and Go
pour saxophone solo explore avec raffinement les ressources poétiques et techniques de cet instrument que Armando
Ghidoni connaît si bien (Concerto pour
saxophone et orchestre à cordes ; Concerto
Grosso pour saxophone alto, piano et
orchestre).
D’une durée approximative de cinq minutes, ce diptyque s’ouvre sur un Adagio,
déclamation libre en forme de récitatif qui
apparaît comme une oasis de tendresse
auquel les glissandi viennent conférer un
parfum oriental. Tranchant avec ce songe
voluptueux, la seconde section, marquée
Vivo brilante ben ritmato, permet au
soliste de déployer une étincelante virtuosité – maîtrise des slaps comprise ! –, sans
jamais trahir cet esprit sous-jacent d’improvisation. Mélodies, rythmes, nuances et
couleurs : tout participe à cette fête de
l’inventivité.
14
Premiered in 2013, Sweet and Go for
solo saxophone elegantly explores the
poetic and technical resources of the
instrument Armando Ghidoni knows so
well (Concerto pour saxophone et orchestre à cordes; Concerto Grosso pour
saxophone alto, piano et orchestre).
The diptych, approximately five minutes
in length, opens with an Adagio, a free declamation in recitative that is an oasis of
tenderness to which the glissandi bring a
whiff of the Orient. In contrast to this
voluptuous dream, the second section,
marked Vivo brilante ben ritmato, allows
the soloist to display a sparkling virtuosity
– slaps included! – without betraying the
underlying spirit of improvisation.
Melodies, rhythms, nuances and colours
all contribute to this festival of ingenuity.
BOIS WOODWIND
Theodore Kerkezos
Études
Theodore Kerkezos
Études pour les notes aiguës
et graves au saxophone
pour les notes
aiguës et graves
au saxophone
Studies on the high and low
notes of the saxophone
Etüden in der hohen und
tiefen Lage des Saxophons
AL 30 645 - Réf. : AL
Estudio de las notas graves
y agudas del saxofón
Éditions Alphonse LEDUC
Considéré par le magazine Gramophone
comme « l’un des interprètes les plus remarquables du moment », le saxophoniste
Theodore Kerkezos se partage entre une
brillante carrière de soliste et une activité
de pédagogue qui l’amène à enseigner au
Conservatoire d’Athènes, mais aussi à dispenser des master-classes un peu partout
dans le monde. Fort de cette longue expérience, le musicien grec fait paraître ses
Études pour les notes aiguës et graves au
saxophone grâce auxquelles les élèves
pourront surmonter l’une des principales
difficultés de leur apprentissage : la maîtrise des registres aigus.
Organisées selon un plan méthodique,
ces Études proposent des formules
variées du point de vue mélodique, rythmique et dynamique avec un atout de
taille : le choix entre plusieurs doigtés
pour certaines d’entre elles. Le problème
des différentes attaques, souvent lié au
type de répertoire interprété, fait l’objet
d’un soin particulier. Recommandé par
des maîtres tels que Jean-Marie Londeix
et Christian Lauba, ce recueil « extraordinaire » devrait combler les saxophonistes
rêvant d’atteindre dans l’aigu comme dans
le grave une justesse d’intonation et une
rondeur de timbre qui fassent mouche.
AL 30 645 – Réf. : AL
Considered by Gramaphone magazine
as “one of the most astounding players of
the day”, saxophonist Theodore Kerkezos
divides his time between a brilliant soloist
career and educational activities that
include teaching at the Athens Conservatoire and providing master classes around
the globe. Drawing on his long experience,
the Greek musician is publishing his
Études for high and low notes on the
saxophone to help students overcome one
of the major learning difficulties: mastering the upper registers.
Organised according to a step-by-step
plan, the Études provide a variety of learning options in terms of melodics, rhythm
and dynamics, some of which offer a valuable bonus: the choice between several
fingerings. The problem of different
attacks, often related to repertoire type, is
given particular attention. Recommended
by masters like Jean-Marie Londeix and
Christian Lauba, this “extraordinary”
collection will delight saxophonists who
dream of achieving precise intonation and
roundness of tone in both the high and low
ranges.
15
BOIS WOODWIND
Christian Lauba/Philippe Geiss
Blue Balafon
pour saxophone ténor (ou soprano)
et dispositif électronique
AL 30 668 Cahier - Réf. : V
AL 30 669 CD - Réf. : GG
La première des Neuf Études pour
saxophone de Christian Lauba, intitulée
Balafon, apparaît comme un chant africain
utilisant la technique ancestrale du souffle
continu. Cette œuvre soliste dont Richard
Ducros, l’un des meilleurs interprètes des
œuvres pour saxophone de Lauba, a donné
une splendide interprétation dans l’album
« Hard », le saxophoniste Philippe Geiss a
voulu l’étoffer et la transformer – sous le
nom de Blue Balafon – en une pièce pour
saxophone (ténor ou soprano) et dispositif
électronique, avec l’accord du compositeur. L’arrangement préconise une « articulation libre dans un esprit “jazz
legato” », rendant ainsi facultatif l’emploi
du souffle continu pour privilégier la
formidable énergie qui se dégage du
morceau.
La partition est enrichie d’un CD comprenant la version complète de l’œuvre,
interprétée au saxophone par Philippe
Geiss, ainsi que l’accompagnement électro-acoustique isolé en guise de playback. Placée sous le signe de l’éclectisme,
cette aventure musicale s’avère aussi stimulante pour l’esprit que vivifiante pour
les sens.
16
Balafon, the first of Christian Lauba’s
Neuf Études pour saxophone, is an
“African song” that uses the ancient technique of circular breathing. This soloist
work - splendidly performed in the album
“Hard” by Richard Ducros, one of the
greatest interpreters of Lauba’s works for
saxophone – was expanded and transformed, with the composer’s approval, by
saxophonist Philippe Geiss into a piece for
saxophone (tenor or soprano) and
electronics under the title Blue Balafon.
The arrangement calls for “free articulation in a ‘jazz legato’ spirit”, making the
use of circular breathing optional in order
to favour the piece’s incredible energy.
The score comes with a CD that includes
a complete version of the work performed
on saxophone by Philippe Geiss, as well as
an electroacoustic accompaniment isolated for playback. This eclectic musical
adventure proves itself both stimulating
for the mind and invigorating for the
senses.
CUIVRES BRASS
Gabriel Fauré
Mélodies et
pièces diverses, Vol.1
pour trompette et piano,
Transcription de Guy Touvron
HA 9 751 - Réf. prix : AU
Ancien élève de Maurice André, le trompettiste Guy Touvron, soliste acclamé partout dans le monde, a été désireux de
partager avec le public son amour pour la
musique de Gabriel Fauré, alors même
que celui-ci n’a pas composé la moindre
page dédiée à son instrument. Touvron a
fait le pari de recourir à l’art de la transcription, sans méconnaître la difficulté de
l’entreprise : la sonorité de la trompette
peut-elle restituer le charme discret des
œuvres de Fauré ?
Le présent volume atteste de la réussite
du projet. L’écriture aérée du Cantique de
Jean Racine déploie une plénitude qui rend
justice au classicisme épuré de l’œuvre. Le
Clair de lune dépeint par les vers de Verlaine allonge ses phrases vocales teintées
de nostalgie tandis que la Sérénade toscane, aux allures de barcarolle, évoque une
belle indifférente qui se refuse à apparaître
sur le balcon. L’atmosphère écrasante du
Spleen, les contours raffinés de l’op. 2 n°1
(Dans les ruines d’une abbaye sur un
poème de Hugo), et le charme enveloppant
du cantique En prière sont rendus avec la
même subtilité : l’art de la transcription est
celui de tous les possibles.
Trumpeter Guy Touvron, a former
student of Maurice André and acclaimed
international soloist, was keen to share his
love of Gabriel Fauré’s music, despite the
fact that Fauré never composed a single
page for Touvron’s instrument of choice.
He turned to the art of transcription,
aware of the challenge that awaited him:
could trumpet tone truly render the quiet
charm of Fauré’s works?
This volume is proof of the project’s success. In Guy Touvron’s arrangement, the
fresh, clear language of the Cantique de
Jean Racine delivers a fullness that does
justice to the work’s refined classicism.
The Clair de lune of Verlaine’s verse
lengthens its nostalgia-imbued vocal
phrases, while the Sérénade toscane, with
its echoes of barcarole, evokes a haughty
belle who refuses to appear on the
balcony. The crushing atmosphere of
Spleen, the sophisticated contours of Op.
2 No.1 (Dans les ruines d’une abbaye,
based on a Victor Hugo poem) and the
enveloping charm of the En prière canticle
are all rendered with equal subtlety. The
art of transcription makes everything possible.
17
CUIVRES BRASS
Gabriel Fauré
Mélodies et
pièces diverses, Vol.2
pour trompette et piano
Transcription de Guy Touvron
HA 9 752 - Réf. prix : AU
Les pouvoirs expressifs de la trompette
ne se limitent pas aux accents pompeux et
aux sonorités éclatantes de la Marche
triomphale dans l’opéra Aïda de Verdi. À
tous ceux qui en douteraient encore, on ne
saurait trop conseiller d’ouvrir le Vol.2 des
Mélodies et pièces diverses de Gabriel
Fauré, transcrites pour trompette et piano
par Guy Touvron, soliste fêté partout dans
le monde.
Dans ce volume, la douceur et l’expressivité prédominent : avec son tempo lent
et son indication initiale dolce, la célèbre
mélodie Après un rêve déploie un chant legato qui se fraye un chemin jusqu’au
cœur, tout comme Tristesse, animé par un
geste mélodique fluide et discret. Là où
Le Papillon et la Fleur sacrifie encore à
l’esthétique de la romance, L’Absent (également sur des vers de Hugo) construit un
vaste récit dramatique avec des moyens
très sobres. Au Cimetière complète ce
choix de mélodies, enrichi par deux pièces
d’origine instrumentale, la Berceuse op.16
pour violon et piano et la Troisième des
Romances sans paroles pour piano.
Fidèles à l’esprit fauréen tel que l’a défini
Jankélévitch, ces transcriptions parlent
« tout bas à l’oreille de ceux qui méritent
d’entendre ».
18
The trumpet’s powers of expression are
not limited to the pompous accents and
ringing tones of the Triumphal March of
Verdi’s Aida. To all doubters, we strongly
recommend opening volume 2 of Mélo­dies­et­pièces­diverses by Gabriel Fauré,
transcribed for trumpet and piano by
internationally acclaimed soloist Guy
Touvron.
In this volume, gentleness and expressiveness prevail. With its slow tempo and
dolce opening indication, the well-known
melody Après un rêve floats a legato song
that goes straight to the heart, as does
Tristesse with its fluid, subtle melodic
gesture. While Le Papillon et la Fleur still
bow to the aesthetics of the romance, the
Absent (also based on Hugo’s verse)
erects a vast dramatic narrative with very
simple means. Au Cimetière completes
this selection of melodies that is enhanced
by two originally instrumental pieces, the
Berceuse Op. 16 for violin and piano and
the Romance sans paroles No. 3 for piano.
Faithful to the Faurian spirit as defined
by Jankelevitch, these transcriptions
“whisper into the ear of those who deserve
to hear”.
PERCUSSION
Jacky Bourbasquet
et Claude Gastaldin
Drum Session, Vol.17
Texte en français, allemand, anglais, espagnol
AL 30 674 Cahier - Réf. : BD
AL 30 675 CD - Réf. : GG
Entre les batteurs Jacky Bourbasquet
(fondateur du réseau des écoles Sonor) et
Claude Gastaldin (professeur au Conservatoire de Genève), il existe « une longue
et fidèle amitié » qui dépasse le simple
cadre de leur pratique instrumentale. Les
deux percussionnistes poursuivent depuis
1997 une aventure pédagogique de grande
envergure, devenue fameuse sous le nom
de Drum Session.
Le 17e volume, proposé dans une version quadrilingue (français, anglais, allemand, espagnol), reprend tous les
ingrédients qui ont fait le succès de la
série : une structure progressive divisée
en niveaux, des conseils de méthode limpides et un éventail de 29 pièces aux styles
les plus variés : jazz, pop progressive,
tango et funk. Cette méthode, qui privilégie le travail collectif avec orchestre, se
voit enrichie d’un CD où chaque morceau
est enregistré sans la batterie dans deux
versions, l’une d’étude (plus lente), l’autre
a tempo, auxquelles s’ajoutent des plages
musicales variées pour un total de 70 minutes. « Un outil très utile, bien construit
et balayant suffisamment de styles pour
satisfaire le plus grand nombre » (magazine Batteur).
Drummers Jacky Bourbasquet (founder
of the Sonor school network) and Claude
Gastaldin (professor at the Geneva
Conservatoire) have a “long and faithful
friendship” that goes beyond playing
music. Since 1997, the two percussionists
have pursued a large-scale educational
adventure that earned its fame under the
name Drum Session.
Offered in a multilingual version
(French, English, German, Spanish), the
17th volume includes everything that
brought the series its success: a progressive structure divided into levels, clear
method instructions and a range of pieces
– 29 in total – showcasing a wide variety of
styles: jazz, progressive pop, tango and
funk. The method, which favours group
work with orchestra, is enhanced with a
CD in which each piece is recorded without
the drums in two versions: one as an étude
(slower), the other a tempo. A variety of
tracks have been added for a total of
70 minutes of music. “A very useful tool,
well-designed and including enough styles
to satisfy nearly everyone” (Batteur magazine).
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MUSIQUE DE CHAMBRE CHAMBER MUSIC
Armando Ghidoni
Swinging Counterpoint
pour quatuor à vent
(flûte, clarinette, cor et basson)
AL 30 679 - Réf. prix : BK
Partition et parties
Cette pièce pour flûte, clarinette, cor et
basson, a été créée le 18 avril 2012 à Istanbul par son commanditaire le Quatuor
Nis’tanbul, composé de Sibel Pensel,
Aysegül Kirmanoglu, Patrick Peignier et
Arthur Menrath. Swinging Counterpoint
tient toutes les promesses de son titre : le
contrepoint, qui paraît se déployer avec le
même naturel, la même fluidité que celui
de Bach, mêle avec maestria les couleurs
et le balancement du swing.
L’œuvre, enregistrée par les membres
du Quatuor Nis’tanbul pour le label Chant
de Linos, laisse s’épanouir une inspiration
jaillissante, une sincérité mélodique et
une heureuse insouciance qui en font un
irrésistible élan vers la vie.
20
This piece for flute, clarinet, horn and
bassoon was premiered April 18th, 2012 in
Istanbul by its commissioner, the Nis’tanbul
Quartet, composed of Sibel Pensel,
Aysegül Kirmanoglu, Patrick Peignier and
Arthur Menrath. Swinging Counterpoint
keeps all of its title’s promises: flowing
with the same naturalness, the same
fluidity as Bach’s, the counterpoint
masterfully blends the colours and the lilt
of swing.
Recorded by the Nis’tanbul Quartet for
the label Chant de Linos, the work bursts
with inspiration, a melodic sincerity and a
joyful insouciance.
MUSIQUE DE CHAMBRE CHAMBER MUSIC
Armando Ghidoni
Yellow Green
pour quatuor de clarinettes
(3 clarinettes en si bémol et clar. basse)
AL 30 678 - Réf. : BH
Partition et parties
Dans ce quatuor pour trois clarinettes
en si bémol et clarinette basse se mêlent
à la fois le charme mélodique, la sensibilité du bel canto, l’harmonie impressionniste « à la française » et les influences
des rythmes jazz. Yellow Green a été créé
le 23 juillet 2013 au Teatro Municipal de
Niterói (Rio de Janeiro) par les musiciens
du Quatuor Omega : Maurício Silva,
Deusiel da Cunha de Souza, Diego Abreu
et Mateus Falkemback (à la clarinette
basse).
Cette pièce d’une durée approximative
de 9 minutes, dont le titre – Yellow Green –
est un hommage aux deux couleurs du
drapeau brésilien, déploie sitôt l’introduction passée une vaste fugue (marquée Vivace) teintée des couleurs du swing.
L’Adagio central laisse s’épancher une
mélodie rêveuse, hors du temps. Quant au
bref final, il permet de rassembler le matériau thématique de la fugue, avec
comme ultime conseil donné aux exécutants : « Feel jazz’ ». Cette œuvre
vivifiante a été enregistrée pour le label
Chant de Linos par ses dédicataires, les
clarinettistes du Quatuor Omega.
Melodic charm, bel canto sensibility,
impressionist harmony à la française and
jazz rhythm influences unite in this quartet
for three B-flat clarinets and bass clarinet.
Yellow Green was premiered on July 23rd,
2013 at the Teatro Municipal de Niterói
(Rio de Janeiro) by the musicians of the
Omega Quartet: Maurício Silva, Deusiel da
Cunha de Souza, Diego Abreu and Mateus
Falkemback (bass clarinet).
Approximately 9 minutes in length, the
title – Yellow Green – is a tribute to the two
colours of the Brazilian flag. The introduction gives way to a vast Fugue (marked
Vivace) dipped in the colours of swing. The
central Adagio floats a dreamy, timeless
melody. The brief finale brings together
the fugue’s thematic material with one last
recommendation for the performers:
“Feel jazz”. This invigorating work was
recorded for the Chant de Linos label by
its dedicatees, the Omega Quartet
clarinetists.
21
MUSIQUE VOCALE VOCAL MUSIC
Gabriel FAURÉ
MÉLODIES CHOISIES
POUR VOIX ET PIANO
SELECTED SONGS
Gabriel Fauré
Mélodies choisies
pour voix et piano
FOR VOICE AND PIANO
Sélection proposée par
François LE ROUX
AL 30 692 Cahier - Réf. : AO
AL 30 693 Audio - Réf. : FA
Éditions Musicales
ALPHONSE LEDUC
PARIS
Cahier : AL 30 692 - Réf. : AO
Audio : AL 30 693 - Réf. : FA
Plébiscitées par le public mélomane depuis plus d’un siècle, les mélodies de Gabriel Fauré (1845-1924) font ici l’objet
d’une anthologie, avec en prime une version audio jointe sous la forme d’une carte
de téléchargement.
Au bord de l’eau et Ici bas, extraites du
1er recueil publié en 1879, donnent aux
textes simples de Sully Prudhomme une
aura de rêverie intérieure, rendue sensible
par ce raffinement harmonique et cette
fluidité dans l’écriture vocale qui constituent déjà l’essence même du charme
fauréen. Quelques pages vocales sélectionnées dans le 2e volume (1897) font
depuis toujours le bonheur des interprètes : Les Roses d’Ispahan restituées
dans leur rêveuse immobilité, Les
Berceaux dont l’oscillation évoque le
tangage des vaisseaux, et le très nostalgique Clair de lune – première mise en
musique de Verlaine qui inspirera par la
suite à Fauré l’un de ses chefs-d’œuvre :
La Bonne Chanson. De ce cycle enivré de
lyrisme amoureux, le recueil retient
Puisque l’aube grandit, mélodie exaltée s’il
en est, et La lune blanche luit dans les
bois, paysage nocturne en fa dièse majeur
– deux perles qui distillent un même mystère : celui de l’apaisement.
22
Widely acclaimed by music lovers for
over a century, the songs of Gabriel Fauré
(1845-1924) are here collected into an anthology, complete with an audio version in
the form of a download card.
Excerpted from the 1st collection published in 1879, Au bord de l’eau and Ici bas
bestow an aura of internal reverie on Sully
Prudhomme’s simple poems, made palpable by the harmonic refinement and vocal
fluidity that constitutes the very essence of
Faurean charm. Several vocal pages
selected in the 2nd volume (1897) continue
to be favourites: Les Roses d’Ispahan
restored to their dreamy stillness, Les
Berceaux whose oscillation evokes the
swaying of boats, and the very nostalgic
Clair de lune in which Verlaine’s words, set
to music for the first time, inspired Fauré
to write what would become one of his
masterpieces: La Bonne Chanson. From
this cycle, drunk on lovelorn lyricism, the
collection retains Puisque l’aube grandit,
an exalted melody if there ever was one,
and La lune blanche luit dans les bois, a
nocturnal landscape in F sharp major –
two pearls that distil the same mystery of
solace.
MUSIQUE VOCALE VOCAL MUSIC
Gabriel Fauré
Chanson de Mélisande
Melisande's Song
Réduction pour Chant et Piano
d'après les autographes du compositeur
HA 9 755 - Réf. prix : K
« Un songe enchanté » l’expression du
poète Charles Van Leberghe donne la
mesure de l’enthousiasme que suscita
auprès du public assemblé le 21 juin 1898
au Prince of Wales Theatre de Piccadilly la
première représentation en langue anglaise de la pièce symboliste Pelléas et
Mélisande de Maurice Maeterlinck, sertie
d’une musique de scène composée par
Gabriel Fauré.
Le compositeur avait confié à son élève
favori, Charles Koechlin, le soin d’orchestrer
la partition. L’effectif instrumental réduit
dont disposait le théâtre londonien convenait
idéalement aux idéaux de clarté et de transparence qui animaient l’apprenti musicien.
Koechlin ne reprit la Chanson de Mélisande
qu’en 1936 afin d’en réaliser une seconde
version avec orchestre, parue l’année
suivante sous la forme d’un chant-piano.
Préparée par Roger Nichols et Otfrid
Nies d’après les manuscrits autographes,
la nouvelle édition de cette réduction pour
soprano et piano comprend le texte de la
mélodie en anglais, français et allemand,
la partition incluant les variantes de 1898
et de 1936, ainsi qu’une instructive préface
signée Otfrid Nies.
“An enchanted dream” – poet Charles
Van Leberghe’s words give us an idea of
the audience’s enthusiasm at the Prince of
Wales Theatre in Piccaddilly on June 21st,
1898, when the first English language performance of Symbolist play Pelléas et
Mélisande by Maurice Maeterlinck was
performed, with incidental music by
Gabriel Fauré.
The composer had tasked his favourite
student, Charles Koechlin, with orchestrating the score. The London theatre’s
small number of musicians suited the apprentice musician’s ideals of clarity and
transparency. It was 1936 before Koechlin
returned to La Chanson de Mélisande, this
time to create a version with orchestra,
published the following year as a pianovocal score.
Using autograph manuscripts, Roger
Nichols and Otfrid Nies have created a
new edition of the piano-vocal reduction
that includes the text of the melody in
English, French and German. The score
contains the 1898 and 1936 variations, as
well as an informative preface by Otfrid
Nies.
23
MUSIQUE VOCALE VOCAL MUSIC
Reynaldo HAHN
MÉLODIES CHOISIES
POUR VOIX ET PIANO
SELECTED SONGS
Reynaldo Hahn
Mélodies choisies
pour voix et piano
FOR VOICE AND PIANO
Sélection proposée par
François LE ROUX
AL 30 690 Cahier - Réf. : AH
AL 30 691 Audio - Réf. : FA
Éditions Musicales
ALPHONSE LEDUC
PARIS
Cahier : AL 30 690 - Réf. : AH
Audio : AL 30 691 - Réf. : FA
Chanteur d’exception, Reynaldo Hahn
(1875-1947) doit ses premiers succès au
genre de la mélodie pour voix et piano,
dont son journal s’attache à définir la raison d’être : « souligner une poésie, mot à
mot et sans uniformité, en accentuer le
sens sans la dénaturer, faire la lumière
sur telle idée, estomper telle autre et
présenter le tout sous une forme vocale et
chantante, produire une sensation aiguë,
précise, soit en touchant une fibre du
cœur, soit en évoquant une image, le tout
dans un morceau bien construit et écrit
avec goût ».
Enrichie d’une version audio jointe sous
la forme d’une carte de téléchargement,
cette anthologie de mélodies devrait dissiper bien des préjugés : loin d’être une
miniature salonnarde, L’Heure exquise
irradie une infinie tendresse, exaltée par
les cadences dans l’aigu de la voix sur « Ô
Bien-Aimée ! » et « C’est l’heure exquise »
qui ne pouvaient qu’arracher des larmes
à l’auteur de ces vers – Verlaine. Tyndaris,
véritable joyau des Heures latines, dessine
un espace limpide dédié aux voluptés du
sommeil et de l’amour. À l’instar D’une
prison ou des Cygnes, ces mélodies font
plus que mouiller les yeux : elles étreignent les cœurs.
24
Exceptional singer Reynaldo Hahn
(1875-1947) owes his early successes to
the “songs for voice and piano” genre,
whose raison d’être he defines in his
journal as follows: “To highlight a poem,
word for word but without uniformity; to
emphasize its meaning without distorting
it; to shine light upon one idea, obscure
another and present it all in vocal, sung
form; to produce a sharp, precise sensation by touching a heartstring or evoking
an image - all in a well-structured and
tastefully written piece”.
Enhanced by an audio version attached
as a download card, this anthology of
songs should dispel a good many misconceptions. This is no salon miniature:
L’Heure exquise radiates an infinite
tenderness, exalted by the high vocal
cadences of Ô Bien-Aimée! and C’est
l’heure exquise, which surely wrought
tears from the author of the verses, Verlaine. Tyndaris, the jewel of Heures
latines, clears a crystal-clear space given
over to the delights of slumber and of love.
Like D’une prison and Cygnes, these
songs do more than wet the eyes: they grip
the heart.
MUSIQUE VOCALE VOCAL MUSIC
Betsy Jolas
D’un journal d’amour
Pages from a Love Diary
pour voix et alto
Betsy JOLAS
D’UN JOURNAL D’AMOUR
POUR VOIX ET ALTO
PAGES FROM A LOVE DIARY
FOR VOICE AND PIANO
Citations de
Pierre REVERDY
Citations de Pierre Reverdy
Éditions Musicales Alphonse Leduc
Paris
AL 30 681 - Réf. prix : AC
AL 30 681
« Ce qui compte dans une musique partie
d’un poème – d’une émotion ressentie à la
lecture d’un poème – c’est la musique et
la puissance d’émotion qu’à son tour elle
recèle ». Ces paroles écrites en 1949 par
le poète Pierre Reverdy devaient marquer
profondément la jeune compositrice Betsy
Jolas, qui venait d’envoyer à l’écrivain les
Six mélodies pour mezzo et piano composées sur des poèmes de son maître-livre
Plupart du temps, joignant une lettre où
sourdait la crainte d’avoir trahi sa pensée.
En matière de création, il ne faut pas se
soucier de “trahison” – Betsy Jolas devait
placer cette conviction au cœur de sa
réflexion sur les rapports entre texte et
musique.
Près de soixante ans plus tard, la musicienne décide de reprendre sous formes
de citations plusieurs fragments de ces
poèmes bien-aimés de Reverdy en les
insérant dans de nouvelles perspectives
musicales et dramatiques : du souvenir
exalté de cette lecture nait D’un journal
d’amour, mini-cantate pour voix et alto
offerte en cadeau de mariage à la soprano
Eliette Prévôt et à l’altiste Antoine
Tamestit, qui la créèrent ensemble à
Montreuil en 2010.
Réf. : !#
“What’s important in music that’s based
on a poem – on the emotion inspired by a
poem – is the music and power of emotion
it harbours within itself”. These words,
written in 1949 by poet Pierre Reverdy,
would make a deep impression on
composer Betsy Jolas. She’d just sent the
writer her Six mélodies for mezzosoprano and piano composed on poems
from his masterwork Plupart du temps.
The songs were accompanied by a letter
that betrayed her fear of distorting his
ideas. In creative terms, there was no need
to worry – Betsy Jolas must have placed
this conviction at the heart of her reflection
on the relation between text and music.
Nearly sixty years later, the musician
decided to take several fragments of these
beloved poems of Reverdy and place them,
in the form of quotations, into new musical
and theatrical perspectives. The exalted
memory of the words led to D’un journal
d’amour, a mini-cantata for voice and alto
offered as a wedding gift to soprano Eliette
Prévôt and violist Antoine Tamestit, who
premiered it together in Montreuil in 2010.
25
ORCHESTRE ORCHESTRA
Henri DUTILLEUX
Henri Dutilleux
Pièce sans titre
« Muss es sein ? »
PIÈCE SANS TITRE
« MUSS ES SEIN ? »
pour Orchestre
4* 4** 4*** 4**** – 3 4 3 1 – Timbales, percussion,
vibraphone, marimba, harpe, célesta,
cordes (altos, violoncelles et contrebasses).
*dont 1 petite flûte – **dont 1 cor anglais – **dont 1 petite clarinette
et 1 clarinette basse – ****dont 1 contrebasson
Éditions Musicales
ALPHONSE LEDUC
PARIS
Partition et Matériel en location
Muss es sein ? – Traduisible par « Le
faut-il ? », cette fameuse interrogation qui
orne le finale du Seizième Quatuor de
Beethoven n’a pas cessé de hanter l’esprit
d’Henri Dutilleux (1916-2013) durant la
composition de cette brève pièce orchestrale, créée à Monaco le 28 septembre
2000 sous la direction de Marek Janowski,
et présentée pour la première fois en
France le 26 mai 2014 par Xavier Roth et
son Orchestre des Siècles.
C’est à l’occasion de ce concert que les
Editions Leduc ont réalisé une nouvelle
gravure de la partition d’orchestre, la rendant enfin disponible. Le questionnement
métaphysique ne fait pas une apparition
tardive chez Dutilleux : la Seconde
Symphonie (1959) se distinguait déjà par
un caractère interrogatif dont on retrouve
la trace tout au long de son œuvre : Le
Mystère de l’instant (1989) semble résonner
des mêmes préoccupations spirituelles.
Au moyen d’une orchestration aussi originale (les cordes sont privées du pupitre
des violons) que limpide, cette page laisse
se déployer de lointains chorals qui
sonnent comme autant d’invites à la
méditation.
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Partition et matériel d’orchestre en location
Muss es sein? – Translatable as “Must
it be?”, the famous question that graces
the last movement of Beethoven’s String
Quartet No. 16 haunted Henri Dutilleux
(1916-2013) throughout the composition of
this brief orchestral piece. Premiered in
Monaco on September 28th, 2000 under the
direction of Marek Janowski, it was
presented for the first time in France on
May 26th, 2014 by Xavier Roth and his Orchestre des Siècles.
For this concert, the Editions Leduc
made a new engraving of the orchestral
score, rendering it available at last.
Dutilleux was drawn to metaphysical
musings early on: the Seconde Symphonie
(1959) was already notable for a certain inquisitiveness that would pop up throughout his entire oeuvre: indeed, Le Mystère
de l’instant (1989) seems to resonate with
the same spiritual concerns. Through an
orchestration both limpid and original (the
strings are deprived of a violin section), the
work sends forth far-off chorales that ring
out as invitations to meditation.
ORCHESTRE ORCHESTRA
Reynaldo HAHN
Reynaldo Hahn
Le Marchand de Venise (1935)
LE MARCHAND
DE VENISE
OPÉRA EN TROIS ACTES
Opéra en 3 actes, livret de Miguel Zamacoïs,
d’après la comédie de William Shakespeare
Livret de Miguel Zamacois,
d’après la comédie de William Shakespeare
3* 3** 2 2 – 4 2 3 1 – Saxophone alto, timbales,
grosse caisse, cymbales, harpe, cordes.
*La 3e prend la petite flûte **dont 1 cor anglais
Sur scène : 7 musiciens
Partition et matériel d’orchestre en location
Créé à l’Opéra de Paris le 25 mars 1935
sous la direction de Philippe Gaubert,
Le Marchand de Venise commença à
prendre forme dans l’esprit de Reynaldo
Hahn (1875-1947) près de trente ans plus
tôt, au moment où il dirigeait à Salzbourg
Don Giovanni de Mozart : l’architecture du
dramma giocoso lui parut être le cadre
idéal pour traiter en musique la tragicomédie de Shakespeare, dont l’adaptation
française fut confiée à Miguel Zamacoïs.
A tous ceux qui pourraient juger que
Reynaldo visait là bien haut, on recommandera la lecture ou l’écoute de cette
partition hors du commun, mise au net et
rééditée par les Éditions Leduc avec le
soutien du Palazzetto Bru Zane (Centre de
musique romantique française). La verve
mélodique du compositeur s’y épanche
librement, jointe à une habileté qui fait feu
de tout bois – rapide déclamation du recitativo, airs, duos et ensembles – pour
caractériser chaque personnage de
manière incisive : la mise en musique du
fameux monologue de Shylock confère à
l’usurier juif une dimension tragique. Le
septuor final, dans lequel l’amour a le
dernier mot, est à l’image de toute la
partition : un joyau de chant pur.
Éditions Musicales
ALPHONSE LEDUC
PARIS
Partition et Matériel en location
Premiered at the Opéra de Paris on
March 25th, 1935 under the direction of
Philippe Gaubert, Le Marchand de Venise
had begun forming in Reynaldo Hahn’s
mind (1875-1947) over thirty years earlier
while he was in Salzburg conducting
Mozart’s Don Giovanni. The structure of
the dramma giocoso seemed to him the
ideal framework for a musical adaptation
of Shakespeare’s tragicomedy, the French
adaptation of which was entrusted to
Miguel Zamacoïs.
To those who wonder if Reynaldo set his
sights too high, we recommend reading or
listening to this unusual score, republished by the Editions Leduc with the
support of the Palazzetto Bru Zane (Centre
de musique romantique française). The
composer’s melodic verve flows freely,
fused to a dexterity that stops at nothing –
be it a rapid declamation of recitative, airs,
duos or ensembles – in its incisive
portrayal of characters: the setting to
music of Shylock’s famous monologue
brings a tragic dimension to the Jewish
money-lender. The final septet, in which
love has the last word, is like, the entire
score, a pure gem of song.
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Éditions Musicales
ALPHONSE LEDUC
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