acta universitatis palackianae olomucensis facultas

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ACTA
UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS
FACULTAS PHILOSOPHICA
PHILOLOGICA 93
ACTA
UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS
PHILOLOGICA 93
ROMANICA XIX
ESTUDIOS EN HOMENAJE
AL PROFESOR JIŘÍ ČERNÝ
Univerzita Palackého v Olomouci
Olomouc 2007
En esta miscelánea extraordinaria, dedicada a prof. PhDr. Jiří Černý, CSc., jefe del
Departamento de las Lenguas Románicas desde hace muchos años, contribuyeron con
sus trabajos los docentes, los doctorandos y algunos estudiantes de las cuatro secciones
del Departamento. Los artículos y las reseñas fueron ordenados en forma indicada.
Cada autor asume responsabilidad de su propio texto. En el caso de los trabajos de los
estudiantes, asumen corresponsabilidad sus tutores.
1. vydání
Editors © Marie Voždová, Slavomír Míča, Radim Zámec, 2007
ISBN 978-80-244-1816-2
ISSN 1802-8713
Sumario
Jan Holeš
Professeur Jiří Černý septuagénaire
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 13
Jan Holeš
Bibliographie des œuvres du professeur Jiří Černý (1967–2007)
...........
15
ARTÍCULOS
Jan Holeš
Créoles à base française
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 25
Jiří Chalupa
Las garras de Leviatán. Los rasgos totalitarios de la inquisición española
Jiří Chalupa
En defensa del trono y del altar. El ideario carlista en el siglo XIX
. . . 35
. . . . . . . . . 47
Eva V. Johnson
¿Reconquista o asimilación? Problemática de la (in)migración de los
Chicanos/Mexicanos a los EE.UU. en su contexto histórico . . . . . . . . . . . . . . . . 57
Jaromír Kadlec
La Mauritanie, pays francophone ?
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 67
Lenka Kováčová
Riflessioni sul valore semantico dei comparativi e superlativi duplici degli
aggettivi buono, cattivo, grande e piccolo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 77
Eduard Krč
Elementos absurdos/fantásticos y su organización en Preparativos de viaje
de Javier Tomeo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 91
Alessandro Marini
Appunti per una breve storia del cinema italiano: poetiche, autori, tendenze
Slavomír Míča
L’origine et la signification des noms des personnages queniens
103
. . . . . . . . . . . . 127
Daniel Nemrava
Escrituras del exilio en la narrativa Argentina comtemporánea: conflicto de
discursos (en busca de las delimitaciones conceptuales y metodológicas) . . . . 137
5
Markéta Riebová
Ariel y Calibán. El pensamiento filosófico de José Ortega y Gasset en el
contexto hispanoamericano . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 147
Kateřina Ritterová
Especificidade da tradução musical nas canções infantis e o problema da
cantabilidade . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 159
Jiří Špička
Liolà di Luigi Pirandello e la sua fortuna scenica in Italia
. . . . . . . . . . . . . . . . . 165
Jiří Šrámek
La conscience du mythe familial dans Le mystère Frontenac de François
Mauriac . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 185
Jitka Uvírová
Les mots en campagne : la présidentielle 2007
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 193
Marie Voždová
L’apprenti et son maı̂tre – Anouilh et Giraudoux
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 199
Lenka Zajícová
El reciente desarrollo en las políticas lingüísticas en Paraguay
. . . . . . . . . . . . . 207
Radim Zámec
Controversias de las negociaciones de paz con las Autodefensas Unidas de
Colombia (AUC): perspectiva política . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 223
Klára Bachurková
El proceso histórico de la construcción del Estado de Colombia y sus
fracasos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 231
Kristýna Křeháčková
« Qui, parmi vous, mérite la vie éternelle ? »
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 245
Martin Kučera
François d’Assise : un exemple du héros bobinien
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 253
Petr Šelepa
L’appellativisation des noms propres d’origine mythologique en français
Pavla Volenová
O tribo Mbyá, o seu modo de ser e a sua mitologia
. . . 261
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 269
Jan Zatloukal
Jan Čep face aux tendances modernistes de la littérature française
d’après-guerre . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 277
6
TRADUCCIÓN
Jarmila Petříková
Le baiser papillon/Polibek motýla – Colette Guedj
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 287
RESEÑAS
Jiří Chalupa
Jordi Canal: El carlismo. Dos siglos de contrarrevolución en España,
Alianza Editorial, Madrid, 2000, 2004, 479 págs. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 299
Jiří Chalupa
José Álvarez Junco: Mater Dolorosa. La idea de España en el siglo XIX,
Taurus, Madrid, 2001, 684 págs. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 300
Jiří Chalupa
Helena Zbudilová y Luis Jaraquemada Bueno: Introducción al mundo
hispano: América Hispánica. Jihočeská univerzita, České Budějovice, 2006,
182 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 302
Jaromír Kadlec
Edmond Biloa : Le français en contact avec l’anglais au Cameroun.
Munich, Lincom, 2006, 194 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 304
Jaromír Kadlec
Emmanuel Kwofie : La diversité du français et l’enseignement de la langue
en Afrique. Paris, L’Harmattan, 2004, 179 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 306
Jaromír Kadlec
Thierry de Samie : Essais d’Afrique en sciences du langage. Paris,
L’Harmattan, 2005, 135 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 307
Lenka Kováčová
Cecilia Andorno: La grammatica italiana. Bruno Mondadori, Milano 2003,
167 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 309
Eduard Krč
A. Rey Hazas (dir.): Mostrar con propiedad un desatino. Eneida, Madrid,
2004. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 309
Eduard Krč
Javier Tomeo: Homenatge/Homenaje (ACEC, núm. 25, julio 2006)
. . . . . . . . 313
Eduard Krč
José Luis Calvo Carilla: La mirada expresionista: Novela española del siglo
XX. Mare Nostrum Comunication, 2005, 248 págs. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 314
7
Slavomír Míča
Jean-Pierre Longre : Raymond Queneau en scènes,
PULIM, Limoges 2005, 285 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 315
Slavomír Míča
Jacqueline Villani : Le roman, Belin, Paris 2004, 239 pp.
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . 316
Petra Svobodová
Maria de Fátima Néry-Plch – Silvie Špánková – Zuzana Burianová:
Portugalština pro pokročilé. Mgr. Anton Pasienka vydavatelství
a nakladatelství AP, Brno 2006, 238 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 317
Jitka Uvírová
Loı̈c Depecker : L’invention de la langue : le choix des mots nouveaux.
Armand Colin – Larousse/HER, Paris, 2001, 720 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 320
Jitka Uvírová
Montserrat López Díaz, María Montes López (éds.) : Perspectives
fonctionnelles : emprunts, économie et variation dans les langues. Actes du
XXVIIIe Colloque de la Société internationale de linguistique fonctionnelle.
Axac, Lugo, 2006, 544 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 324
Marie Voždová
Pierre Brunel : Voix autres, voix hautes. Onze romans de femmes au XXe
siècle. Paris, Klincksieck, 2002, 221 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 331
Marie Voždová
Jacques Lorcey : L’homme de chez Maxim’s. Georges Feydeau, sa vie. Du
mariage au divorce. Georges Feydeau, son œuvre. Anglet,
Atlantice-Séguier, 2004, tome I, 291 pp., tome II, 244 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . 332
Marie Voždová
Magali Boursier, Morgan Batoz (éds.) : Études françaises en Slovaquie,
Volume X, Bratislava, Institut français de Bratislava, 2005, 164 pp. . . . . . . . . 334
Marie Voždová
Patrice Pavis : Dictionnaire du théâtre [Divadelní slovník], Divadelní ústav,
Praha, 2003, 493 pp. (Traduction de Daniela Jobertová) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 336
Jana Doležalová
Jérôme Wannepain : Francophonie et diversité linguistique, Opera
romanica 7. České Budějovice, Jihočeská univerzita, 2005, 272 pp.
. . . . . . . . . 337
Jana Doležalová
Javier Suso López – Rodrigo López Carillo : Le français face aux défits
actuels. Histoire, langue et culture. Grenade, APFUE – GILEC
Universidad de Granada, 2004, 2 volumes, 850 et 788 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . 339
8
Martin Kučera
Marie Voždová, Slavomír Míča (éds.) : Romanica Olomucensia XVII,
Université d’été Langue(s) et langages, Philologica 90. UP, Olomouc, 2006,
221 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 340
Martin Kučera
Anne Ubersfeld : Paul Claudel poète du XXe siècle. Mayenne, Actes Sud –
Papiers, 2005, 286 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 342
Blanka Kulhajová
Ivana Čeňková – Miroslava Sládková – Jovanka Šotolová : Dialogue des
cultures : interprétation, traduction. Praha, Univerzita Karlova, 2006,
210 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 343
Blanka Kulhajová
Ivo Buzek : Studia Romanistica 5. Ostrava, Ostravská univerzita, 2005,
225 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 344
Blanka Kulhajová
Jaromír Kadlec – Jan Holeš : Francouzština na americkém kontinentě.
Univerzita Palackého v Olomouci, Olomouc 2006. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 345
Zuzana Raková
Jan Holeš – Jaromír Kadlec : Francouzština v Evropě. Olomouc, Univerzita
Palackého, 2005, 204 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 346
Zuzana Raková
Magdalena Paluszkiewicz-Misiaczek – Anna Reczyńska – Anna Śpiewak :
Place and Memory in Canada : Global Perspectives/Lieu et mémoire au
Canada : Perspectives globales.
Kraków, Polska Akademia Umiejȩtności, 2005, 593 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 347
Zuzana Raková
Ivo Buzek – Jana Veselá : Studia Romanistica 6. Ostrava, Ostravská
univerzita, 2006, 272 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 348
Jan Zatloukal
Tzvetan Todorov : La littérature en péril, Flammarion (Café Voltaire),
Paris 2007, 95 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 349
9
Prof. PhDr. Jiří Černý, CSc.
Professeur Jiří Černý septuagénaire
Le 29 février 2006, prof. PhDr. Jiří Černý, CSc., éminent savant et pédagogue
tchèque, a atteint sa soixante-dixième année. D’autres auteurs ont déjà décrit ses
travaux et ses activités professionnelles en d’autres lieux.1 Néanmoins, cet important anniversaire est l’occasion de rappeler les points principaux de sa carrière et
ses récentes réussites.
Jiří Černý est né à Hradec Králové le 29 février 1936. Après les études au lycée
J. K. Tyl à Hradec Králové, il a poursuivi ses études en philologies espagnole et
russe à la Faculté des Lettres de l’Université Palacký à Olomouc, ayant pour maı̂tres
des personnages comme O. Bělič, O. Tichý, E. Spálený, A. Isačenko et d’autres. De
1959 à 1963, prof. Černý a travaillé comme lecteur de la langue tchèque, donnant
des cours de tchèque pour les étudiants étrangers à Mariánské Lázně. De plus,
en 1961–1962, il a séjourné à La Havane, où il a été employé comme traducteur
et interprète au Ministère de l’éducation. Depuis 1963, il enseigne à la Faculté
des Lettres de l’Université Palacký à Olomouc, d’abord à la Chaire des langues
romanes et, après sa dissolution, également à la Chaire des études tchèques et slaves
(1972–1989). Depuis 1989, il est directeur de la Chaire des langues romanes à
Olomouc. En 1993, il a été nommé maı̂tre de conférences et en 1998 professeur de
linguistique générale de la même faculté.
Cependant, ses activités dépassent largement le cadre de sa faculté. Jiří Černý
est bien connu en Pologne, où il a contribué au développement des langues romanes dans trois universités. De 1976 à 1981, il a enseigné à l’Université Maria
Curie-Sklodowska à Lublin, collaborant à l’institution de la chaire des langues
romanes. Pour cette aide et d’autres mérites, il a reçu, en 2003, le titre de professeur honoraire. En 1984–1986, il a dispensé des cours à l’Université de Silésie
à Katowice. En 2004, il donne des cours à l’Université de Bielsko-Biala. En dehors des universités polonaises, il ne faut pas oublier ses activités en Espagne : en
1995–1996, il a collaboré à la fondation de la section tchèque de la Chaire des langues slaves à l’Université de Granada, où il revient annuellement encore aujourd’hui
en tant que pédagogue. Enfin, en 2002–2004, il a consolidé les études espagnoles à
la Faculté de Philologie de l’Université Matej Bel à Banská Bystrica, en Slovaquie.
Il a également donné des conférences dans plusieurs universités espagnoles et portugaises, au Mexique, au Chili, au Brésil, en Pologne et aux États-Unis. En 2003, il a
été décoré de la haute distinction Isabel la Católica d’Espagne, une reconnaissance
royale de son œuvre de rapprochement entre l’Espagne et la République Tchèque.
L’activité scientifique de prof. Černý est très large, comprenant la linguistique
espagnole, portugaise et surtout générale. La grande « Histoire de la linguistique »
(Dějiny lingvistiky, 1996a) est son œuvre fondamentale. Sa première version a été
publiée en quatre volumes polycopiés, à une époque idéologiquement peu favorable
aux études de ce type (1975, 1980a, 1983a, 1989a). La traduction de ce livre –
1 Mištinová, A. – Reska, J. (2002) : « Los estudios hispánicos en la República Checa », in :
Estudios hispánicos 10, Acta Universitatis Wratislawiensis, 185–194. Krč, E. (2004): « Španělská
sekce katedry romanistiky », in : Romanica Olomucensia 13, Philologica 85, AUPO, Olomouc,
77–79. Holeš, J. (2006) : « Jiří Černý sedmdesátiletý », Časopis pro moderní filologii 88, 124–126.
Holeš, J. (2006) : « Výběrová bibliografie prací profesora Jiřího Černého », Časopis pro moderní
filologii 88, 126–128.
13
ou disons plutôt son adaptation espagnole, Historia de la lingüística (1998a) a
reçu une attention méritée, comme en témoignent plusieurs comptes rendus.2 Jiří
Černý est récemment revenu à ce même sujet en publiant une « Petite histoire de
la linguistique » (Malé dějiny lingvistiky, 2005a)3. Avec son « Introduction à l’étude
de la langue » (Úvod do studia jazyka, 1998b), également publiée en Espagne (Introducción al estudio de la lengua, 2002), elle représente un manuel d’une valeur
inestimable pour les étudiants de première année des programmes philologiques.
Son autre domaine de prédilection est la sémiotique. Après plusieurs articles sur
les théories du signe (1998d,f ; 2003a), il a publié la « Sémiotique » (Sémiotika,
2004a), résumant les problèmes principaux de la sémiotique et sémantique4 . Ses
idées sont toujours exprimées avec une clarté et une concision toute particulières,
toujours compréhensibles même si abstraites et complexes. C’est probablement la
raison principale du succès exceptionnel des publications de Jiří Černý en République Tchèque et à l’étranger. D’autres travaux, que nous énumérons dans la
Bibliographie, concernent les catégories grammaticales (1969a ; 1970a,b,c ; 1971a,b ;
1972a,b ; 1973a,b ; 1976 ; 1984a ; 1989b) et toute la morphologie espagnole (2000a),
l’espagnol et le portugais utilisés en Amérique Latine (1991a ; 1998c; 1999a ; 2000b;
2001a,b,c), la linguistique textuelle (1990a, 1994a), l’école linguistique de Prague
(1992a, 1994b), etc. Ses publications ont été maintes fois citées, leurs comptes rendus ont été publiés en République Tchèque, en Pologne, en Espagne et en Slovaquie.
Pour terminer ce court aperçu des activités de Jiří Černý, il faut mentionner encore les centaines de bourses négociées pour les étudiants, ses activités dans divers
comités pédagogiques et scientifiques, les projets de recherche dirigés. Il faudrait
évoquer encore ses conférences, ses éditions (une dizaine de Romanica Olomucensia
qui font partie de la série Acta Universitatis Palackianae Olomucensis), etc. La liste
est loin d’être complète : Jiří Černý est en train de finaliser une vaste publication
collective intitulée « Qui est qui dans la linguistique tchèque », un grand dictionnaire élaboré avec le soutien de la Fondation Scientifique de la République Tchèque
(GAČR), comportant les biogrammes de centaines de grands personnages de la
linguistique tchèque. Il pense déjà à de nouveaux projets, comme un dictionnaire
des américanismes. . .
Nous sommes heureux d’avoir l’occasion de lui exprimer toute notre admiration
pour son travail. Nous lui souhaitons encore beaucoup d’années d’activités productrices.
Jan Holeš
2 Muljačič, Ž. (2004) : « Černý Jiří (2000) : Historia de la lingüística », Estudios Romànicos
XXVI, Barcelona, 287–290. Salazar García, V. (1999) : « Jiří Černý : Historia de la lingüística,
Cáceres, Universidad de Extremadura, 1998, 532 págs », in : Estudios de lingüística 13, Alicante,
311–318.
3 Holeš, J. (2007) : « Černý, Jiří : Malé dějiny lingvistiky », Časopis pro moderní filologii 89,
39–41.
4 Sobotíková, K. (2004) : « Jiří Černý, Jan Holeš, Sémiotika », Bohemistyka IV, 219–221.
14
Bibliographie des œuvres du
professeur Jiří Černý (1967–2007)5
(1967, avec Lubomír Smiřický): Lecturas I, Praha : SPN, 157 p.
(1967/1968): «K problematice terminologie španělských slovesných časů a modů»,
CJŠ XI, no. 4, 153–161.
(1968a): «Robert P. Stockwell, J. Donald Bowen, John W. Martin: The
Grammatical Structures of English and Spanish», PP 11, no. 1, 60–61.
(1968b): «El pretérito español y la categoría del aspecto», in: Rapports et
communications (Résumés), XIIème Congrès International de Linguistique
et Philologie Romanes, Bucarest, 42–43.
(1968c): «José Roca Pons: Introducción a la gramática», PP 11, no. 3, 189–190.
(1969a): «Sobre la asimetría de las categorías del tiempo y del aspecto en el verbo
español», PP 12, no. 2, 83–93.
(1969b): «Gregorio Escudero, Dumitru Copceag: Gramatica limbii spaniole»,
ČMF 51, no. 1, 63–64.
(1970a): «O vzniku a vývoji gramatických kategorií», SaS 31, no. 3, 207–222.
(1970b): «El pretérito español y la categoría del aspecto», in: Actes du XIIe
Congrès International de Linguistique et Philologie Romanes I, Bucarest,
787–792.
(1970c): «Sobre el origen y la evolución de las categorías morfológicas», Español
actual 17, Madrid, 1–13.
(1970d): «Ramón Cerdà Massó: Lingüística – hoy», PP 13, no. 3, 172–173.
(1970e): «Fernando V. Peixoto da Fonseca: O português fundamental», ČMF 52,
no. 3, 175–176.
(1970f): «Problemas y principios del estructuralismo lingüístico», PP 13, no. 4,
224–225.
(1970g): «Kurs portugalského jazyka a kultury v Lisabonu», ČMF 52, no. 1,
47–49.
(1971a): «Dos niveles temporales del verbo español y la doble función del
pretérito imperfecto», Estudios Filológicos 7, Valdivia: Universidad
Austral de Chile, 173–195.
5 AUPO: Acta Universitatis Palackianae Olomucensis; CJŠ: Cizí jazyky ve škole; ČMF: Časopis
pro moderní filologii; LP: Linguistica Pragensia; PP: Philologica Pragensia; RomOl: Romanica
Olomucensia; SaS: Slovo a slovesnost; UP: Univerzita Palackého.
15
(1971b): «La categoría de actualidad en el verbo español», Résumés des
communications, Québec, 18.
(1971c): «Lingvistický postgraduální kurs OFINES v Madridu», ČMF 53, no. 2,
89–90.
(1971d): «Antonio Quilis: Album de fonética acústica» (compte-rendu), PP 14,
no. 2, 79.
(1972a): «Tiempos pretéritos compuestos y la estructura del sistema verbal»,
Español actual 22, Madrid, 1–10.
(1972b): «El verbo español y sus tiempos pretéritos», in: RomOl I, AUPO,
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20
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(à paraı̂tre) «Jan Blahoslav», «Bohuslav Hála», «Ľudovít Novák», «Milan
Romportl», «Pavol Jozef Šafárik», «Josef Chlumský» (avec J. Holeš), in:
Stammerjohan, Harro, ed.: Lexicon grammaticorum. Who’s Who in the
History of World Linguistics, Tübingen: Max Niemeyer Verlag.
Jan Holeš
21
ARTÍCULOS
ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS
ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007
Jan Holeš
1
Introduction
Jusqu’à la 2ème moitié du XXème siècle, la linguistique tournait le dos aux langues créoles. Les études portant sur les créoles étaient considérées en quelque sorte
comme les «parents pauvres» de la linguistique, ces parlers mêmes regardés comme
des corruptions des langues européennes qui ne semblaient même pas dignes d’intérêt. De toute façon, leur étude aurait probablement été vouée à l’échec, vu l’inaccessibilité du matériel linguistique et la nécessité de se fier aux sources de seconde
main. Particulièrement dans le cas des créoles, qui n’existaient presque pas sous
forme écrite, cela représentait un problème sérieux.
Aujourd’hui, les linguistes sont d’accord pour admettre que les créoles sont des
langues distinctes et que leur analyse pourrait contribuer à une meilleure compréhension des problèmes généraux du langage. On rédige leurs grammaires et
vocabulaires. Or, même si les études créoles ont beaucoup progressé, il y a toujours
beaucoup de travail à effectuer.
Le lecteur trouvera une liste assez longue des langues créoles et des pidgins
dans la publication de Hancock (1977), qui en répertorie 127. Malheureusement,
leur vrai nombre n’est pas et ne sera jamais connu. Parfois, il est difficile de dire s’il
s’agit vraiment d’un créole, parfois, il est impossible de décider si l’on a affaire à
deux créoles distincts ou à deux dialectes d’une seule langue créole. D’autres créoles
n’ont jamais été décrits ou enregistrés.
Il existe un nombre considérable de créoles et pidgins à base non-indo-européenne, mais les créoles à base de langues indo-européennes sont le mieux décrits. À
part le français, ce sont surtout l’anglais, le portugais, l’espagnol, le néerlandais et
certaines autres langues qui servaient comme langues-bases.
Les créoles formés à partir du français (portugais, espagnol) étaient parfois
classés parmi les langues romanes, même si une telle classification est contestable,
si nous considérons le fait que les langues romanes n’ont fréquemment fourni que
leur vocabulaire. Doit-on les considérer comme langues africaines ou plutôt comme
langues à double origine génétique ? Ainsi, quelques auteurs préfèrent les qualifier
de créoles à vocabulaire français ou, encore plus prudemment, de créoles à base de
vocabulaire français (Vintilă-Rădulescu, 1979, 15).
25
2
Créole, pidgin, sabir, lingua franca, . . .
Le lecteur tchèque trouve relativement peu d’informations sur les créoles1 et pidgins2 à base de français. On trouve des renseignements élémentaires dans Šabršula (1980, 262–264). On peut mentionner également une actualité de Kadlec
(2001/2002) sur le projet du ministère français de l’éducation concernant l’enseignement du créole dans les départements français d’outre-mer.
Le pidgin est caractérisé comme une langue à vocabulaire et grammaire restreints utilisée dans certains cas par des sujets parlant une autre langue. Lorsqu’un
pidgin devient langue maternelle des sujets parlants, on a affaire à un créole qui
remplit, par contre, toutes les fonctions de langue naturelle. Pour remplir cette
fonction, il faut que ses moyens d’expressions deviennent plus complexes. Il est naturel qu’au cours du passage d’un pidgin au statut de langue créole, les deux états
doivent coexister chez plusieurs générations, créant ainsi un continuum linguistique.
En comparaison avec les langues créoles, les pidgins français sont trop peu
décrits. Selon divers témoignages, il y avait, au temps de la colonisation, un pidgin français dans les Caraı̈bes. Dans la région de Montréal, il y avait des pidgins
nés au contact du français et des langues indiennes. De ces parlers, il ne subsiste
qu’un créole cris-français. Parmi les pidgins plus récents, on mentionne surtout le
petit-nègre ou le petit-français, répandu jadis dans les unités coloniales en Afrique
(appelé aussi français-tirailleur). Les autorités coloniales publiaient des manuels
de petit-nègre à l’intention des officiers et des sous-officiers des corps contenant
une forte proportion de troupes africaines. Les langues pidginisées à base française
contiennent certains traits communs : (1) l’absence de distinction de genre et de
marques du pluriel (le maison, le largent, le chameaux etc.), (2) l’agglutination du
déterminant au nom (zhomme, duvin, un l’os etc.), (3) la simplification morphologique des verbes (gadé < fr. regarder, trapé < fr. attraper, pond < fr. répondre etc.),
(4) la préposition pour employée dans l’expression de la possession (dans pays pour
lui au lieu du fr. dans son pays), (5) certaines unités lexicales ou changements sémantiques spécifiques (moyen au lieu du fr. pouvoir, content au lieu du fr. aimer,
gagner au lieu du fr. avoir etc). Bien sûr, tous les pidgins se distinguent aussi par
la présence de leurs propres traits caractéristiques (Valdman, 1978, 39–48).
Le mot sabir n’est plus guère utilisé. Les auteurs anglo-saxons entendent par
ce terme la lingua Franca, attestée du XIIIème au XIXème siècles dans les ports
1 Le mot créole est emprunté à l’esp. criollo, lui-même emprunté au port. crioulo au sens
« métis noir né au Brésil ». Le mot est dérivé de cria, dérivé régressif de criar « élever », issu
du lat. creare « créer ». Le mot était d’abord appliqué à un Espagnol de race blanche né aux
colonies. Il désigne une personne de race blanche née aux Îles (Rey, 2000, 945). En Louisiane, le
mot désigne encore aujourd’hui les descendants des colons français et espagnols. Plus tard, le mot
commence à désigner les habitants noirs ou métis. Pour les distinguer des habitants blancs, on
dit les créoles de couleur. Encore plus tard, le mot créole désigne les langues pratiquées par ces
habitants, c.-à-d. les langues créoles.
2 Valdman (1978, 3–4) cite plusieurs hypothèses sur l’origine du terme pidgin. Il est très probable que le mot pidgin proviendrait d’une déformation du mot anglais business, même si l’on a
proposé aussi d’autres hypothèses plausibles, comme la déformation du port. ocupação employé
dans les colonies portugaises avec le sens de « affaire », « commerce », ou du port. pequeno « petit »
provenant de pequeno português (cf. fr. petit français et petit nègre ou angl. little language, également employés pour les pidgins ou créoles). Les étymologies hébreuse ou indienne semblent moins
probables.
26
méditerranéens. Cette langue, dont nous n’avons que des preuves assez réduites, a
été popularisée surtout par Molière dans la pièce Le Bourgeois Gentilhomme.
On distingue parfois les parlers « endogènes » provenant du contact d’une population autochtone avec un groupe immigré. Un tel contact crée des parlers qui
sont proches des langues vernaculaires. Les créoles français de ce type-là sont rares. Ils ont existé dans les comptoirs ayant pour but le négoce avec les indigènes.3
Pour une période relativement courte, ils ont dû exister aux Antilles, naissant du
contact entre les Caraı̈bes et les Européens. De ce point de vue, pratiquement tous
les créoles français sont « exogènes », c.-à-d. nés du contact entre les Européens et
une autre population transportée sur un certain territoire. Dans les créoles de ce
type, les langues autochtones ne jouent qu’un rôle plutôt marginal (Chaudenson,
1979, 21–22).
3
Les créoles à base française sont pratiqués usuellement par plus de sept millions
de personnes. Ils forment deux groupes de dialectes, l’un englobant le territoire
s’étendant du sud-ouest de l’état de la Louisiane jusqu’en Guyane française en
passant par les Grandes et les Petites Antilles, l’autre regroupant les archipels des
Mascareignes et des Seychelles. Pour le moment, les créoles à base française ne
jouissent d’un statut officiel qu’en Haı̈ti et aux Seychelles.
D’abord, nous allons brièvement énumérer les territoires où l’on emploie les
créoles à base française pour ensuite présenter, en illustration, un texte en créole
louisianais. À part les antologies des textes créoles, dont quelques-unes sont comprises dans notre bibliographie, le lecteur trouvera des exemples de tous les créoles
importants aussi chez Chaudenson (1979, 61–68).
La Louisiane a été territoire français entre 1672–1763. Ensuite, jusqu’en 1800,
elle a été espagnole. En 1800, Bonaparte força Charles IV d’Espagne à rétrocéder
la Louisiane et celle-ci a été rendue à la France. Trois années plus tard, Bonaparte
vend toute la Louisiane aux États-Unis pour 15 millions de dollars. Le créole y est
parlé par 20 à 30 milles personnes, mais il est rapidement remplacé par l’anglais
(Holeš, 2003 ; Griolet, 1986; Kadlec – Holeš, 2006; Read, 1931, Valdman – Klingler –
Marshall – Rottet, 1998). On en reparlera plus en détails dans la section 4.
L’anglais a éliminé les parlers créoles des ı̂les de Grenade, françaises jusqu’en
1762 et membre indépendant du Commonwealth aujourd’hui. De petits groupes
créolophones vivent encore à l’ı̂le de la Trinité, faisant partie de la République
de Trinité-et-Tobago (1,2 mil. habitants).4 La Trinité n’a jamais été un territoire
français et le français y a été importé par les immigrants de la Martinique et de
Haı̈ti vers la fin du XVIIIème siècle. Encore dans les années 70 du XXème siècle, 50
à 75 % de la population pratiquaient un créole à base française à la Dominique (71
mille habitants) et à Sainte-Lucie (160 mille habitants). Toutefois, le créole y est
en nette régression derrière l’anglais.
Par contre, en Haı̈ti (7 mil. habitants), république indépendante depuis 1804,
le créole conserve une position stable. Les trois quarts des créolophones du monde
3 Ils sont néanmoins plus fréquents dans le cas d’autres langues de base. Plusieurs créoles anglais
ou portugais sont endogènes.
4 Données démographiques de 2000–2002. Dans certains cas, les données sont approximatives.
27
vivent dans ce pays. Même si Haı̈ti est souvent désigné comme un état francophone, seulement 10 % de la population, selon les estimations les plus optimistes,
pratiquent couramment le français, le reste parlant le créole (Kadlec, 2002a). Le
parler de la capitale Port-au-Prince représente la variante la mieux décrite du créole
local (Bentolila, 1976 ; D’Ans, 1968 ; Hall, 1953 ; Kadlec – Holeš, 2006).
Le créole est également pratiqué dans les départements et régions d’outre-mer
de Martinique (422 mille habitants) et Guadeloupe (435 mille habitants). Dans
la plupart des cas, les habitants sont bilingues et parlent aussi français, même si
l’on trouve des groupes unilingues créolophones dans les zones rurales (Jourdain,
1956 ; Kadlec – Holeš, 2006 ; Poulet – Telchid – Montbrand, 1984 ; Tourneux –
Barbotin, 1990). Le créole est pratiqué plus ou moins aussi dans les dépendances
de la Guadeloupe, c.-à-d. l’ı̂le de Marie Galante, l’ı̂le de La Désirade, l’ı̂le de Saint-Barthélémy et les ı̂les des Saintes.
Le créole est utilisé par la majorité de la population de la Guyane française
(182 mille habitants), département et région d’outre-mer français. Le sous-groupe le
plus important de la population guyanaise est constitué des créolophones mulâtres.
Autrefois majoritaires dans le pays, ils ne représentent plus maintenant que 38 %
de la population, soit environ 71 mille personnes (Leclerc, 2007a ; Kadlec – Holeš,
2006).
Parmi les ı̂les de l’Océan Indien, il faut mentionner l’ı̂le de la Réunion, l’ı̂le
Maurice, l’ı̂le Rodrigues et l’archipel des Seychelles.
L’ı̂le de la Réunion (anciennement Île Bourbon, 744 mille habitants) est un
département et région d’outre-mer français. Les blancs d’origine européenne constituent environ 20 % de la population. On y retrouve une diglossie français-créole
(Kadlec, 2002b ; Beniamino 1996).
L’ı̂le Maurice (anciennement Île de France, 1,2 mil. habitants) est restée sous administration française jusqu’en 1814 où elle est devenue britannique. Aujourd’hui,
l’ı̂le est une république indépendante. Malgré son évolution politique mouvementée,
le créole à base française y survit, pratiqué par tous les habitants, dont la majorité
est d’origine indienne. Bien que l’anglais et le français soient des langues officielles,
plus de la moitié de la population pratique couramment le créole local, tandis que
l’on estime que deux tiers de la population sont capables de s’exprimer en créole (le
morisyen). On retrouve un créole similaire au morisyen à l’ı̂le Rodrigues, jouissant
d’une autonomie administrative, tout en faisant partie de l’ı̂le Maurice (Baker –
Hookoomsing, 1987 ; Bollée, 1993).
L’archipel des Seychelles (80 mille habitants) a été colonisé par les Français
à partir de 1770. Après 1814, les Seychelles sont devenues britanniques jusqu’en
1976 où elles deviennent une république indépendante. La quasi-majorité de la
population y pratique un créole à base française, tandis que l’anglais et le français
représentent ensemble les langues maternelles de 5 % de la population (Bollée, 1977;
Corne, 1977 ; D’Offay, 1982).
4
Créole louisianais
Le créole louisianais est appelé parfois Gombo French, nigger French, nèg, français
nègre ou courimavini (péjoratif). Il est surtout parlé par de petits groupes de
Noirs, mais aussi par un certain nombre de Cadiens dans le sud de la Louisiane,
28
notamment dans la paroisse de Saint-Martinville. Tous ces habitants maı̂trisent
également l’anglais ou le français. Selon l’estimation de Klingler (2003, xxviii), il
peut y avoir moins de 50 mille personnes parlant le créole louisianais. Nous allons
présenter un passage du conte Tit Jean et Géant-la, repris du livre Louisiana Creole
Dialect (Broussard, 1942, 65–66), accompagné d’une transcription française, pour
illustrer quelques-uns des traits de cette langue créole.
Tit Jean té pitit mais li té smatte. Li té gain ain frè yé té pélé Gros Jean qui té
fort comme ein choual mais li té béte comme ein cabri. Géant-la volé yé papa passequé
li té ein bon coupè desconnes. Ça fait Gros Jean parti chécher so papa mais li plis
révini. Tit Jean dit li li sé couri chécher yé et li sé réménain so papa et Gros Jean.
So moman té p’olé laissé li fait ça à cause li té si piti et si chétif. Mais li parti qua’
même et li galpé dans chimin la plairie. Quand li rivé prés ein nabbe pou’ réposer li,
li oua ein gros tig’ qui t’apé licher so patte qui té gain di sang. Tit Jean oua li té gain
ein garofié et li desçonne et li sorti garofié-la. Tig’-la té content et li donne Tit Jean
ein moceau so poil et li dit li, « Si to bésenne vini fort, to ca pronne poil-la et quand
t’a lévé li t’a tournein ein tig’. » Tit Jean ‘merci li et li continié so chimin. Li oua
ein bougue avec ein fisil qui t’apé viser ein gros calencro. Li cogné bougue-la et ça
fait li raté so coup. Gros calencro-la té si content li desçonne et li donne Tit Jean ein
laplime. Li dit li : « Si to bésenne voler, t’a lévé la plime-la et t’a tournein colencro. »
Tit Jean était petit mais il était rusé. Il avait un frère qu’on appelait Gros Jean
qui était fort comme un cheval mais bête comme un cabri. Le Géant avait enlevé
leur père parce qu’il était bon coupeur de cannes (à sucre). Alors Gros Jean est parti
chercher son papa mais il n’est pas revenu. Tit Jean a dit qu’il irait les chercher et
qu’il ramènerait son papa et Gros Jean. La mère ne voulait pas le laisser faire cela
parce qu’il était si petit et si chétif. Mais il est parti quand même et il a couru sur le
chemin de la prairie. Quand il est arrivé près d’un arbre pour se reposer, il a vu un
gros tigre qui léchait sa patte dont le sang coulait. Tit Jean a vu qu’il avait une épine
(dans la patte) et il est descendu (de l’arbre) et l’a enlevée. Le tigre était content et il
a donné à Tit Jean un poil (de sa peau) et lui a dit : « Si tu as besoin de devenir fort,
tu prendras ce poil et quand tu le lèveras, tu te transformeras en tigre. » Tit Jean l’a
remercié et a continué son chemin. Il a vu un homme avec un fusil qui visait un gros
carencro. Il frappe cet homme et lui fait manquer son coup. Le gros carencro était si
content qu’il est descendu et a donné à Tit Jean une plume. Il lui a dit : « Si tu as
besoin de voler, tu lèveras cette plume et tu te transformeras en carencro. »
Dans le vocabulaire, on observe une agglutination de plusieurs mots dans une
seule forme, comme passequé (fr. parce que), desconnes (fr. des cannes), tournein (fr. tourner en), laplime (fr. la plume) etc., ainsi qu’une simplification de la
prononciation de verbes, comme chécher (fr. chercher ). La consonne [r] est souvent remplacée par la consonne [l], comme dans plairie (fr. prairie), calencro (fr.
carencro) etc.
On ne distingue pas le genre et les articles, les pronoms et adjectifs sont invariables (à quelques exceptions près, comme move/movez ).
L’article défini s’emploie même dans le cas où le nom est précédé d’un adjectif
possessif. Au singulier, il a la forme la, posée après le nom déterminé, comme
géant-la (fr. le géant ), poil-la (fr. la poil ). Au pluriel, il a la forme yé, identique au
29
pronom personnel de la troisième personne du pluriel, comme einne des so pattes-yé (fr. une de ses pattes). L’article indéfini ein précède le nom, comme ein choual
(fr. un cheval ).
Les pronoms personnels sont mo (fr. je), to (fr. tu), li (fr. il, elle), nou (fr.
nous), vou, zo (fr. vous) et ye (fr. ils, elles). À la troisième personne du singulier, on
emploie l’adjectif possessif so. Les autres adjectifs possessifs ont les mêmes formes
que les pronoms personnels. Tout le système pronominal est fortement simplifié.
Une même forme s’emploie tant comme pronom personnel sujet, comme li té smatte
(fr. il était rusé ), que comme objet direct, comme laissé li fait (fr. le laisser faire),
et indirect, comme dit li (fr. lui a dit).
Les verbes n’ont pas de désinences et la plupart des verbes possèdent une ou
tout au plus deux formes pour toutes les personnes et tous les temps et modes.
L’élément té (du fr. était) marque le passé. Dans le texte, on rencontre les verbes
modaux olé (du fr. vouloir ) et bésenne (du fr. avoir besoin de) employés avec le
sens du verbe devoir.
Comme dans la majorité des langues créoles, la réduplication en tant que moyen
d’expressivité joue un rôle important dans le créole louisianais, comme li cho cho
(fr. il fait très chaud ), yé galpé, galpé, galpé (fr. ils ont longtemps couru) etc.
5
Conclusion
Pour beaucoup de raisons, l’étude des langues créoles est intéressante et utile. Outre
la spécification des limites et des possibilités de la typologie génétique des langues,
elle permet à la linguistique générale de mieux connaı̂tre les phénomènes du contact
des langues et des langues mixtes, le bilinguisme, la diglossie et surtout l’évolution
des langues (Hagège, 1985, 36–53).
La linguistique française peut utiliser les langues créoles, préservant maints
traits conservateurs au niveau du lexique, de la grammaire et de la prononciation,
pour une meilleure description de l’état du français au temps de la colonisation. De
plus, si nous admettons que ce sont des langues romanes, elles peuvent élargir le
domaine d’intérêt de la dialectologie française. Enfin, ce sont les langues maternelles
de millions de sujets parlants et méritent donc une étude approfondie.
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Kreolské jazyky založené na francouzštině
Resumé
V tomto článku se zabýváme definicí termínů kreolština, pidgin, sabir a lingua
franca. Větší pozornost věnujeme francouzským pidginovým jazykům, které jsou
stále poměrně málo prozkoumané. Uvádíme hlavní kreolofonní území a komentujeme vzorek textu psaného luisianskou kreolštinou.
French-Based Creole Languages
Summary
In the present article, we deal with the definition of the terms creole, pidgin,
sabir and lingua franca. We pay more attention to French pidgin languages, which
remain relatively little explored. We mention the main creolophone territories and
comment on a sample of text written in Louisiana creole.
Jan Holeš
Katedra romanistiky
Filozofická fakulta UP
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
République Tchèque
33
Las garras de Leviatán. Los rasgos totalitarios de
la inquisición española
Jiří Chalupa
El fuego está encendido y quemará hasta. . .
que non quede ninguno.
Andrés Bernáldez, Historia de los Reyes Católicos
Prólogo
En la actualidad, una mayoría abrumadora de los historiadores, filósofos y politólogos están perfectamente de acuerdo con que la Inquisición marcó de una manera
trascendental la historia de España. Y tal vez no solamente la historia; Julio Caro
Baroja afirma que el legado de la Suprema forma parte de la identidad española
hasta nuestros días, y habla de «hábitos de soplonería, denuncia secreta, ventajismo
oficial, fanatismo y otras lacras que conocemos por experiencia larga».1 Américo
Castro, una de las leyendas de la historiografía hispana, estaba convencido de que
el fenómeno de la limpieza de sangre2 junto con la persecución inquisitorial de
todos los «herejes» posibles e imposibles provocaron una atmósfera que hizo de
España, sobre todo en el campo ideológico y cultural, un país distinto del resto
del Occidente.3 Semejantes juicios generalizadores suelen ser polémicos y discutibles, no obstante, es evidente que la labor de la Inquisición fue afectando la vida
española de un modo muy intenso y durante muchísimo tiempo. Fundada en 1478,
la Suprema no desaparecerá definitivamente antes de 1834. Y lo cierto es que con el
tiempo el tribunal irá desarrollando unas características que presagiarán las peores
pesadillas del totalitarismo del siglo XX. Joseph Pérez incluso llega a la conclusión
de que la Inquisición española se puede considerar como la «primera forma de
totalitarismo de los tiempos modernos».4 A un lector de nuestros tiempos, sanamente desconfiado ya que hoy en día suele describirse con un dramatismo patético
cualquier trivialidad, tal vez se le ocurra la pregunta: ¿no es una afirmación exagerada? A modo de respuesta, hagamos, entonces, una pequeña indagación en lo que
podrían —o no— ser las raíces inquisitoriales del totalitarismo moderno.
1 Caro Baroja, J., «Soliloquio sobre la Inquisición y los moriscos», en: La Inquisición. Represión en España, pág. 50.
2 «Los escrúpulos de limpieza crearon una atmósfera cargada de recelos en que los individuos
que se sabía o sospechaba ser de origen judío se hallaban constantemente vigilados.» Sicroff, A.,
Los estatutos de limpieza de sangre, Madrid, 1985, pág. 308.
3 Cit. en Riu Riu, M., Edad Media (711–1500), Manual de Historia de España 2, págs. 452–453.
4 Cit. en Valdeón, J., Los Reyes Católicos, pág. 14.
35
¿Un tribunal religioso o una herramienta de la unificación
estatal?
En primer lugar deberíamos intentar descubrir los motivos que condujeron a los
Reyes Católicos a la creación del tribunal inquisitorial en 1478. En este sentido, se
habla frecuentemente de una larga campaña antisemita que nace ya a principios
del siglo XIV, y a través de la gran matanza de 1391 se desarrolla —más o menos
lógicamente— mediante la fundación de la Inquisición hasta la «solución final» del
problema judío, es decir, hasta la expulsión de todos los judíos del reino en el verano
de 1492. ¿Un caso ejemplar de la fiebre antisemita, entonces? Ricardo García Cárcel
pone en tela de juicio esta interpretación tradicional y se hace una pregunta pertinente: ¿cómo es posible que la Inquisición surja tan sólo a finales del siglo XV si un
antisemitismo agresivo y brutal por primera vez aparece ya en los siglos VI y VII
dentro de la monarquía visigoda y si las conversiones masivas de los judíos a la fe
cristiana se producen más que nada después del gran pogromo de 1391, sobre todo
en el periodo de 1391–1415?5 ¿No era acaso la «cuestión judía» (y la conversa) más
bien un pretexto para echar cimientos de una institución de ambiciones mucho más
extensas? La verdad es que ni a Isabel de Castilla ni a Fernando de Aragón podemos
sospecharlos de un antisemitismo innato y visceral. El rey Fernando, en cuestiones
de salud, plenamente confiaba en su médico personal, el judío David Abenasaya,
y alrededor de la pareja reinante siempre pululaban consejeros, sabios y hombres
de finanzas de origen judío o converso. El converso Gabriel Sánchez manejaba la
Hacienda real en el reino de Aragón, el cronista preferido de la reina Isabel era
el converso Fernando del Pulgar6 . Son frecuentes las noticias de las intervenciones
reales a favor de los comerciantes judíos acosados por sus competidores cristianos o
por los municipios, los cuales de alguna manera —a veces poco lícita— trataban de
frenar o perjudicar las actividades de los mercaderes hebreos.7 Por otro lado, está
claro que ni siquiera los monarcas tan autoritarios como eran los RR.CC. podían
pasar por alto la creciente aversión —o, en muchos casos, incluso un odio abierto—
que la sociedad mayoritariamente cristiana sentía hacia los judíos y conversos. En
las Cortes de Madrigal de 1476 aparece ya una larga serie de medidas segregacionistas para con la minoría judía, incluida la obligación de marcar su vestido con una
señal amarilla (el color que simbolizaba la traición de Judas Iscariote). Los judíos
pronto acabarán encerrados tras los muros de sus aljamas y proliferarán los ataques de los «buenos cristianos» contra los despreciados «asesinos de Jesús». Henry
Kamen escribe sobre un «espíritu de Cruzada» que rápidamente iba sustituyendo
el anterior ambiente de pacífica convivencia, y añade que los finales del siglo XV
son tiempos en los que empieza a triunfar claramente la «intolerancia religiosa»8 .
En todo caso, el «problema judío» se resolverá de una manera definitiva con la
expulsión de 1492. Los judíos se verán obligados a abandonar su Sefarad, y ya no
5 García
Cárcel, R., La Inquisición, pág. 13.
mismo confesor de la Reina Católica, Hernando de Talavera, igualmente provenía de una
familia conversa. Lo cual no era obstáculo para que en 1492 fuera nombrado el primer arzobispo
de Granada y le fuera encargada la misión de evangelizar a la población musulmana de aquella
ciudad (¡!).
7 Muchos ejemplos concretos los ofrece, p. ej., el excelente libro de Pérez, J., Isabel y Fernando,
los Reyes Católicos.
8 Kamen, H., La Inquisición española, pág. 14.
6 El
36
volverán. Hay que subrayar, además, que la Inquisición tampoco fue creada como
un tribunal para perseguir a los judíos.9
La idea original era hacer surgir una institución que vigilara sobre los judíos
(o los musulmanes) que se iban convirtiendo a la fe católica a medida que aumentaba la represión. Sobre la sinceridad de la conversión de aquellos nuevos cristianos
reinaban dudas fuertes y generales. Hoy en día, es absolutamente imposible cuantificar con exactitud la proporción entre los conversos «sinceros» y los «falsos», no
obstante, para nosotros es muy importante tener en cuenta que desde la perspectiva
de los «cristianos viejos» se trataba de unos individuos altamente sospechosos, por
más que muchos de ellos hicieran todo lo posible para convencer a sus prójimos de
la fuerza inquebrantable de su nuevo credo religioso. Uno de estos nuevos cristianos,
Alonso de Espina, en su obra Fortalicium Fidei, acumuló una increíble cantidad
de chismes y calumnias sobre los judíos, incluidas las habladurías sobre un pacto
secreto entre los judíos y el mismísimo Anticristo en el cual los judíos se comprometían a colaborar activamente en la preparación de un cataclisma que haría
desaparecer el mundo tal como lo conocemos. Durante siglos enteros, los sabios de
la España católica defendían la obra de la Inquisición argumentando que la mayoría de los conversos se dejaban seducir por las tentaciones de su antigua fe, y
volvían a profesar la ley mosaica, es decir, judaizaban. En tales circunstancias, la
única defensa eficaz de un cristianismo puro y ejemplar la ofrecía la Inquisición. En
la actualidad, prevalece entre los historiadores una interpretación más bien contraria, es decir, la mayoría de los conversos respetaba su nueva religión, mas el
aparato inquisitorial pronto llegaría a un tamaño tan considerable que sería necesario exagerar el peligro de los falsos conversos para justificar su propia razón de
ser. Eloy Benito Ruano afirma: «No fue la existencia de un alto número de falsos
cristianos lo que justificó la aparición del Santo Oficio, sino a la inversa, el volumen hipertrófico alcanzado por éste, quien precisó del pretexto de una imaginaria
masa de criptojudaísmo para explicar su propia magnitud.»10 Sea lo que fuere, los
inquisidores se ensañaron con los conversos —tanto con los judaizantes como con
los sinceros— de un modo espectacularmente brutal. A lo largo de las primeras
dos décadas de su existencia, el santo tribunal devoró a casi 50 000 conversos, una
quinta o tal vez incluso una cuarta parte de todos los judíos bautizados de la Península. Para algunas familias significaba esto un auténtico genocidio. Pensemos
en el caso de Juan Luis Vives, quien en total perdió a diez de sus familiares más
cercanos, celebrándose incluso un proceso contra su madre muerta cuyos restos
mortales fueron exhumados y condenados a ser quemados en la hoguera.
¿A qué se debía tanto fervor inquisitorial? ¿Por qué era tan importante acabar
con cualquier sospecha concerniente a los conversos, destruyendo la vida de decenas
de miles de personas? Estamos firmemente convencidos de que el principal motivo
consiste en el hecho de que la Inquisición debía servir —y servía— sobre todo para
homogeneizar a la sociedad española e imponerle luego un control muy estricto
respecto a los resultados de dicha homogeneización. Joseph Pérez resume la importancia de tales procesos de una manera elocuente y elegante: «La característica de
9 Los judíos no eran perseguidos por la Inquisición porque fueron considerados infieles y por
lo tanto no podían caer en el pecado de herejía.
10 Benito Ruano, E., De la alteridad en la historia, cit. en: Contreras, J. – Ladero Quesada, M. A. – Romano, D., La expulsión de los judíos, pág. 9.
37
los países cristianos se resumía en tres palabras: una fe, una ley, un rey. En el caso
de la monarquía hispánica, la fórmula se reduce a dos términos: una fe y un rey,
porque la ley varía según las coronas —Castilla, Aragón— y según los territorios:
no es la misma para un castellano, un navarro, un aragonés, un catalán, un valenciano, etc.; en cambio, todos reconocen a un único soberano y han de profesar
una única religión. La Inquisición se encarga de asegurar la homogeneidad ideológica de la monarquía, objetivo eminentemente político.»11 Esta afirmación podría
ser válida también fuera de las fronteras del Imperio español, a un nivel europeo o
incluso occidental. Benazzi y D’Amico opinan: «Hay que comprender el surgimiento
de la Inquisición, su alcance y la duración de su acción, en un trasfondo que vive
la diversidad en la fe, las opiniones o las costumbres como potencialmente capaces
de disolver el sistema social, de abrir en éste fisuras peligrosas e insalvables. . . Si
la universalidad y homogeneidad de la fe es garantía de orden social, moralidad,
control de disenso político e ideológico, es evidente que los Estados tenían interés
en mantener con vida este precioso instrumento de presión sobre las conciencias y
de represión de las diversidades. Para las frágiles identidades estatales de los siglos
XV y XVI, la igualdad de credo religioso se convirtió en un insustituible pegamento
social y político.»12
Mas volvamos a la Península Ibérica. La fe en el reino-mosaico de los RR CC
—quienes, por cierto, unieron sus coronas, pero en ningún caso unificaron España—
debía ser la principal base de la identidad nacional de los castellanos, andaluces,
extremeños, aragoneses, catalanes, valencianos, vascos y un larguísimo etcétera.
Debido a este valor unificador de la fe, era una cuestión vital mantenerla intacta,
pura y ejemplar. Pero hay más, el concepto mismo de la monarquía absoluta en
España se identificó con un catolicismo castizo. A los protestantes se los juzga
enemigos mortales del imperio hispano no tanto por las diferencias religiosas —que
siempre eran más bien insignificantes— como más bien por su postura revisionista.
Si hoy se protesta por los detalles del rito cristiano, mañana, sin duda, se protestará
contra la administración, las leyes o hasta contra el mismo monarca. Así habrán
meditado los reyes austrias en Toledo y Madrid, y por lo tanto no es de extrañar que,
como consecuencia, pidieran a la Inquisición una persecución eficaz e inmisericorde
de toda la disidencia, tanto la real, como la potencial o incluso la imaginaria.
En palabras de Joseph Pérez: «Para los monarcas, un hereje no podía ser otra
cosa que un rebelde en potencia.» Recordemos la reacción de Carlos V cuando se
entera, desde su retiro en Yuste, de que acaban de descubrir unos focos luteranos
en Valladolid, y apremia a su hija Juana, que por aquel entonces estaba al frente
del Estado, a que actúe con rigor: «Hay que tratar a esos herejes como si fueran
sediciosos, provocadores, dispuestos a crear desorden y agitación en la sociedad,
como si fueran personas decididas a atentar contra la seguridad del Estado.»13
Felipe II anunció varias veces que no estaría dispuesto a gobernar «a los herejes».
Y como los Austrias nunca pensaban en dimitir, era inevitable purgar a la masa de
los súbditos. Ésta era la principal tarea de la Inquisición, y en el fondo tenía más
bien poco que ver con la fe y la religión.
11 Pérez,
J., Breve historia de la Inquisición en España, pág. 182.
N. – D’Amico, M., El libro negro de la Inquisición, pág. 11.
13 Pérez, J., Breve historia de la Inquisición en España, pág. 179.
12 Benazzi,
38
La policía imperial
A partir de la segunda mitad del siglo XVI, a los inquisidores empiezan a escasearles «casos religiosos»: la mayoría de los conversos sospechosos ya han pasado por
la maquinaria inquisitorial,14 y tras los espectaculares autodafés de Sevilla y Valladolid, del peligro protestante en la Península no ha quedado prácticamente nada.
Es por aquel entonces cuando la Inquisición inicia su gran metamorfosis histórica:
un tribunal religioso que tenía como misión vigilar la pureza de fe de los nuevos
cristianos ahora se está convirtiendo en una especie de «policía moral y ética» (más
tarde también política), una institución que irá ampliando sus incumbencias hasta
llegar a controlar a toda la población del Imperio. Y será un control increíblemente
vasto y extenso, se perseguirá tanto la blasfemia como las perversiones y aberraciones sexuales, se censurará tanto la «literatura perjudicial» como las «conductas
disidentes» (casi siempre siguiendo el lema ultraconservador que unía a los inquisidores con las élites gobernantes del poder civil: Bona non nova, nova non bona.)
Aquí ya se bifurcarán, de una manera definitiva, los caminos de la inquisición medieval y de la Suprema española. Los inquisidores medievales, pertenecientes a la
llamada inquisición pontificia o apostólica, se dedicaban casi exclusivamente a la
implacable lucha contra haereticam pravitatem. Los inquisidores españoles —frente
a la evidente escasez de los herejes auténticos— con el tiempo desempeñarán un
papel mucho más amplio, el de una policía imperial. La relación entre la Inquisición
y el Estado —en España siempre muy estrecha— se convertirá en una verdadera
simbiosis cuyo objetivo primordial será mantener el statu quo político y social. La
Inquisición empezará a investigar, perseguir y castigar cualquier conducta que pueda resultar «desagradable» desde el punto de vista de las oligarquías dominantes,
tanto las eclesiásticas como las estatales. No por casualidad las galeras estatales
serán propulsadas por centenares de remeros mandados allí por las sentencias de
los tribunales inquisitoriales. Con el tiempo, el Estado y la Inquisición se fusionarán
de una manera casi perfecta surgiendo un poder bicéfalo, temible y temido casi por
todos. El campo de acción del tribunal se hace cada vez más extenso: los inquisidores castigarán a un pobre pastor extremeño que, a falta de mujeres, allí en el
aislamiento del monte, sacia su apetito sexual abusando de sus ovejas, censurarán
los libros escritos y por escribir, amonestarán a los intelectuales «extraviados», perseguirán a los masones —incluso allí donde no los haya—, velarán sobre la lealtad
de los maestros y profesores y así podríamos seguir casi ad infinítum.
La lógica de aquel procedimiento era perfecta y sigue siendo comprensible hasta
nuestros días: quien comete pecados y no respeta la ley divina puede considerarse
automáticamente un rebelde potencialmente peligroso también en lo político y social, pues es de esperar que tarde o temprano deje de respetar igualmente las leyes
terrenales de la monarquía. Pensándolo bien, en el fondo casi todos los pecados se
pueden entender en dos sentidos: como una flaqueza natural humana, hasta cierto
punto comprensible y perdonable, o un acto de rebeldía abierta, mortalmente peligrosa para las élites gobernantes. Mientras que lo primero frecuentemente se solu14 «Grandes ciudades comerciales, como Sevilla y Barcelona, quedaron arruinadas por la labor
de la Inquisición y muchas ciudades medianas y pequeñas del interior del país se despoblaron a
causa del procesamiento de los conversos y la expulsión de los judíos.» Baer, Y., Historia de los
judíos en la España cristiana, pág. 776.
39
cionaba mediante la confesión y el debido arrepentimiento, para lo segundo a veces
se aplicaba la cárcel o la hoguera. Pongamos por caso un pecado eterno, presente
en todas las sociedades de todos los tiempos, la fornicación. Si los pecadores que
mantenían relaciones sexuales fuera del matrimonio se arrepentían de su «crimen»
y prometían solemnemente que no iban a repetir semejante inmoralidad, la Inquisición (o la Iglesia, en general) se mostraba tolerante y en la mayoría de los casos el
asunto se zanjaba con unos cuantos rezos adicionales. Al contrario, si los pecadores
intentaban justificar su conducta, amenazaban con repetirla, o incluso expresaban
la opinión de que tenían derecho a fornicar según sus propios gustos, la represión
llegaba con toda la dureza imaginable puesto que se trataba de un desprecio abierto
hacia la ley divina (y la imperial, al mismo tiempo).15 Lo cierto es que una buena
parte de las acciones humanas se puede interpretar y valorar en estos dos sentidos
diferentes, no sorprende, por lo tanto, que a partir de la segunda mitad del siglo
XVI, la Inquisición comience a intervenir en las vidas de los súbditos de los reyes
españoles con una frecuencia e intensidad inaudita hasta entonces.
Por supuesto, los españoles, potenciales «clientes» del tribunal, aprenderán
a ocultar sus pecados y flaquezas y tratarán de guardar las apariencias en todo
momento y en cualquier situación. El aparentar y demostrar ser un «buen cristiano» se convertirá en una constante expresión de su «adhesión al Régimen».
Joseph Pérez busca interesantes paralelismos: «En la Alemania nazi o en los regímenes comunistas, para ser considerado un buen ciudadano, no bastaba con pagar
los impuestos y respetar las leyes vigentes; había que expresar, además, la adhesión
a la ideología dominante, so pena de pasar por sospechoso. Del mismo modo, en la
España del Antiguo Régimen no era recomendable apartarse del dogma católico;
un buen español había de ser forzosamente un buen católico; ¡ay de aquél que lo
olvidara!»16 Mas no era todo, ya que la gente también aprenderá a denunciar a sus
vecinos, a veces en un intento desesperado de adelantarse a los demás soplones. A lo
largo del siglo XVI la práctica inquisitorial relativamente benévola del llamado tiempo de gracia será reemplazada por el procedimiento muchos más duro de los
edictos de fe. Este edicto era una lista —bastante detallada — de todas las formas
conocidas de herejía, una lista que se leyó durante la misa de domingo, y luego los
habitantes del pueblo tenían el plazo de una semana para denunciarse a sí mismos
y para delatar a todos los sospechosos de la localidad, tanto vivos como muertos,
incluidos sus propios familiares. El castigo inmediato para los que no cumplieran
con su deber era la excomunión, en muchos casos seguía el proceso inquisitorial
ya que de acuerdo con la lógica de los inquisidores el que no delataba a un sospechoso, automáticamente pasaba a ser un delincuente. Siguiendo este modelo, en
España pronto se desatarán unas verdaderas orgías de denuncias. Es sorprendente
el número de sinónimos del que en este campo el castellano dispone hasta hoy:
soplón, delator, confidente, acusador, acusica, acusique, acusón, chivato, denunciante, fuelle. Y por supuesto malsín, un tipo humano bastante asqueroso, un soplón
que delata a sus prójimos por dinero, por ganarse las simpatías de los poderosos,
por enemistad hacia el denunciado, o simplemente por el regocijo que le ofrece la
15 De la ingrata tarea de distinguir entre un «simple pecado» y un verdadero «acto de herejía» se
ocupaban, dentro del tribunal inquisitorial, los llamados calificadores, unas auténticas autoridades
en el campo de «teología aplicada».
16 Pérez, J., Breve historia de la Inquisición en España, pág. 197.
40
desgracia ajena. En España de esta manera crece y se intensifica una atmósfera
lúgubre de permanente sospecha, desconfianza y miedo, un ambiente al que el historiador Bartolomé Bennasar se refiere como a la «pedagogía de miedo».17 En este
sentido, el legado de la Inquisición española, sin duda, se parece considerablemente
a lo que dejaron tras sí, en el siglo XX, los grandes totalitarismos nazi, fascista y
comunista. A efectos prácticos, no hay mucha diferencia entre un cristiano viejo
español que el día de sábado observa cuidadosamente la chimenea de su vecino converso controlando si la dueña cocina, o si los vecinos judaizan descansando durante
el sabbath, y entre un joven comunista o nazi que delata a un profesor suyo que no
se expresa con el debido respeto sobre la política del Partido. Gracias a la Inquisición, los españoles aprendieron a vigilar a sus prójimos fijándose en si el señor
Fulano no hace asco a la carne porcina, si el señor Mengano viene suficientemente
acicalado a la iglesia para oír misa, o si el señor Zutano no se lava las manos antes
de rezar.
Los buscadores de la Verdad
Unos claros rasgos totalitarios podemos encontrarlos, por supuesto, también en la
misma tecnología de la máquina inquisitorial. Los alguaciles de la Suprema a veces
solían efectuar sus detenciones por la noche o de madrugada para lograr el deseado
impacto psicológico, no solamente en los detenidos y sus familias, sino también en
el vecindado. De la misma manera procederá siglos más tarde la Gestapo nazi o
la KGB soviética. El secreto que envolvía la cárcel inquisitorial era absoluto y los
presos literalmente desaparecían de la faz de la tierra, mientras que los inquisidores
no informaban a nadie sobre el destino de los detenidos. La obsesión por ocultarlo
todo hacía que ni siquiera a la víctima se le informara de los motivos concretos de
su detención. La Inquisición no se contentaba con una simple confesión, el objetivo primordial era «saber toda la verdad». En otras palabras, conocer también a
los «cómplices» que indujeron a la víctima al delito y a otros «sospechosos». En
las salas de tortura los inquisidores de esta manera preparaban el terreno para su
futura labor: las víctimas, locas de dolor, nombraban a más y más «herejes» y los
procesos podían multiplicarse. El mismo proceso en muchos aspectos era una triste
parodia de lo que hoy en día entendemos por una verdadera justicia. El inquisidor
cumplía tres papeles al mismo tiempo: como un detective moderno buscaba a los
sospechosos, como un fiscal de nuestros tiempos formulaba la acusación, y al final,
desempeñando el papel de juez, decidía sobre la culpa y anunciaba la sentencia. El
abogado —no siempre se le dejaba participar— pronto descubría que se enfrentaba
con una misión casi imposible de cumplir puesto que era imposible defender de
verdad al acusado. Como se trataba de algo tan delicado como «herejía», si el abogado «abogaba» demasiado, fácilmente podría convertirse en la próxima víctima.
La confesión de la culpabilidad —aun aquélla lograda a consecuencia de tortura—
se consideraba la «reina de las pruebas» y tras obtenerla, el inquisidor ya podía finalizar el proceso y decidir sobre el castigo. Mas este principio carecía de validez al
revés, es decir, incluso si el acusado aguantó el tormento sin haber confesado nada,
17 Cit.
en Escudero, J. A., La Inquisición en España, pág. 16.
41
podía ser condenado a base de pruebas indirectas y/o testimonios adversos.18 Todo
lo mencionado convertía el proceso inquisitorial en una trágica farsa que en parte
puede recordar los procesos políticos de varios países comunistas de los años cincuenta del siglo XX en los cuales los acusados recitaban sus «confesiones», aprendidas
de memoria, redactadas por el mismo fiscal. A fin de cuentas, el balance de aquella
«justicia» inquisitorial habla por sí mismo. Según las cifras que tenemos del tribunal valenciano del siglo XVI, menos de un 3 por ciento de los acusados fueron
«hallados inocentes».19 Un dato que corrobora la extrema severidad del tribunal,
mas despierta muchas dudas respecto a su imparcialidad. Por otro lado, un balance
de esperar, aplicando la lógica inquisitorial, puesto que si los detenidos sabían ya
de antemano que difícilmente escaparían de algún castigo, estarían más dispuestos
a colaborar con los inquisidores.
En los regímenes totalitarios, tarde o temprano, se conforma una sociedad en
la que las capas gobernantes usurpan unos privilegios cuya ostentación hace de
ellas unas élites fuera de toda competencia no sólo en el terreno de la economía
y del poder ejecutivo, sino también en cuanto a su posición ante la ley. Algo muy
parecido estaba ocurriendo asimismo en España con la Suprema y su personal.
Beatriz Comella escribe al respecto:
Los Inquisidores Generales pusieron empeño en conseguir un fuero especial para
sus subalternos, es decir, un conjunto de privilegios y exenciones que les protegieran
ante otros poderes, garantizando de este modo su independencia y ascenso social. El
Inquisidor general y, con el tiempo, los inquisidores de distrito tenían el privilegio de
no poder ser excomulgados mas que por el Papa. El fuero inquisitorial daba facilidades
a los magistrados y oficiales para cumplir su misión, tantas veces temida por el pueblo.
Llegó así a institucionalizarse el delito de resistencia al Santo Oficio, juzgado por el
propio tribunal y castigado, en ocasiones, con la confiscación de bienes. Por otro lado,
aunque al principio el personal de distrito no gozaba de fuero, pronto se benefició
también con privilegios el estamento más numeroso de la Inquisición, siempre que
permanecieran en el territorio de su distrito; su fuero garantizaba inmunidad ante
otros tribunales, exención de algunos tributos y de ser llamados a filas en caso de
guerra. Tales privilegios suscitaron una fuerte oposición y constantes protestas, ya
que algunos cometían delitos comunes bajo el amparo del fuero.20
Un ejemplo ilustrativo para la posible interpretación de la Inquisición como un
medio de ascenso social era el fenómeno de los llamados familiares. El término
proviene de los tiempos de la inquisición medieval cuando los inquisidores a veces
se rodeaban de los miembros de su propia familia que les servían como fuente
de información, como ayudantes, pero también desempeñaban el papel de unos
guardaespaldas cuando, armados, protegían a los miembros del tribunal de los
potenciales ataques de la gente desesperada que trataba de deshacerse de la odiada
institución por vía de la lucha violenta. En España estos familiares —quienes a
diferencia de los tiempos medievales no solían tener lazos de parentesco con el
18 Muchos más detalles acerca de la práctica del procedimiento del tribunal inquisitorial los
ofrece, p. ej., Tomás y Valiente, F., «El proceso penal», en: La Inquisición. Represión en
España, págs. 21–22.
19 Escudero, J. A., La Inquisición en España, pág. 19.
20 Comella, B., La Inquisición española, págs. 133–134.
42
inquisidor, mas el nombre se conservaba por tradición— gozaban de una vasta serie
de privilegios: podían llevar espadas aun cuando no ostentaran un título nobiliario,
se veían exentos de ciertas obligaciones tributarias, no podían ser juzgados por la
justicia ordinaria, sino que estaban sometidos exclusivamente a la jurisdicción del
tribunal inquisitorial, etc. Todo esto convertía las familiaturas —a pesar de que
los familiares por sus servicios en general no cobraban ningún sueldo— en una
mercancía tan apreciada y codiciada que una gran parte de los cristianos viejos
con el tiempo aspiraría a esta categoría. Las filas de los familiares crecerán con tal
rapidez que ya a mediados del siglo XVI la Corona pide al Santo Oficio que reduzca
su número. Y desde comienzos del siglo XVII la familiatura llega a ser un valor tan
lucrativo que con frecuencia se convierte en parte íntegra de la herencia, y los padres
en sus testamentos legan el cargo a sus hijos. La semejanza entre la Inquisición y los
peores totalitarismos del siglo XX salta a la vista también, por ejemplo, pensando
en la proyección social de los castigos. La condena inquisitorial no recaía solamente
en la víctima, sino también en toda su familia. Si un «hereje» fue condenado a llevar
el sambenito en público, la vergüenza afectaba igualmente a su mujer, a sus padres
y a sus hijos. De ahí los intentos, por parte de los parientes afectados, de robar
los sambenitos colgados en las iglesias, sambenitos con el nombre del condenado
y con una enumeración de sus delitos que permanecían allí incluso después de la
muerte del «hereje». Es uno de los muchos ejemplos de la mentalidad inquisitorial
que pretendía perpetuar la deshonra —y los sufrimientos que aquella conllevaba—
para generaciones enteras.
Podríamos seguir durante mucho tiempo más buscando semejanzas entre la
práctica inquisitorial y las terribles tecnologías de los totalitarismos contemporáneos. No nos lo permite el espacio adjudicado a este texto, ni consideramos prudente
poner a más pruebas la paciencia de un potencial lector. A modo de conclusión cedemos la palabra a Manuel Aguirre, un militar ilustrado del siglo XVIII, quien en
su artículo (más tarde censurado) titulado Sobre el tolerantismo (mayo de 1788,
El Correo de los Ciegos, Madrid) resume de un modo convincente, según nuestra
opinión, el principal problema de la mentalidad inquisitorial, una mentalidad que
desde lejos no es exclusiva de los inquisidores, sino que forma base imprescindible de todos los totalitarismos y autoritarismos, sea cual sea su signo ideológico o
político:
La pretensión del escolástico resulta peligrosa, no por sus pretensiones pseudocientíficas, afirmando la solidez del cielo o que los astros fueran impulsados por los
ángeles, sino por la aspiración de mantenerse como única ortodoxia reprimiendo a este
fin todo signo de tolerancia civil. Además, la intolerancia se mantiene exclusivamente
porque sirve a los intereses de un grupo social privilegiado. . . La intolerancia encuentra entonces una fundamentación obvia en la conveniencia del clero que se halla
dispuesto a mantener a cualquier precio —incluso por la violencia de los tormentos y
la fuerza de la muerte— su condición privilegiada en lo económico y la reputación de
santidad y monopolio de los saberes.21
21 Elorza, A., La Inquisición y el pensamiento ilustrado, p. 123, en La Inquisición. Represión
en España, Madrid, 1976.
43
El amable lector, ya por su propia cuenta y siguiendo sus criterios intelectuales e
ideológicos, podrá sustituir el término «clero» por cualquier sustantivo de acuerdo
con las coordenadas características de un régimen autoritario en una época histórica
concreta.
BIBLIOGRAFÍA
Baer, Y.: Historia de los judíos en la España cristiana. Ropiedras, Barcelona,
1998, p. 776.
Benazzi, N. – D’Amico, M.: El libro negro de la Inquisición. Ediciones Hermética,
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Madrid, 1988.
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judíos. Información e Historia, Madrid, 1997.
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Escudero, J. A.: La Inquisición en España. Información y Revistas, Madrid,
1985.
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Pérez, J.: Isabel y Fernando, los Reyes Católicos. Nerea, Madrid, 1988.
Pérez, J.: Breve historia de la Inquisición en España. Crítica, Barcelona, 2003.
Riu Riu, M.: Edad Media (711–1500), Manual de Historia de España 2, Espasa-Calpe, Madrid, 1989, pp. 452–453.
Tomás y Valiente, F.: «El proceso penal», en: La Inquisición. Represión en
España. Espasa-Calpe, Madrid, 1976, págs. 19–36.
Valdeón, J.: Los Reyes Católicos. Azcona, Madrid, 1995.
Spáry Leviathanovy. Totalitní rysy španělské inkvizice
Resumé
Autor článku se pokouší obhájit teorii spočívající na tvrzení, že španělská inkvizice v mnoha ohledech předznamenala velké totalitní režimy 20. století. Nachází
společné rysy a charakteristiky jak v oblasti ideologické – instituce, které měly
44
za úkol udržet mocenské a sociální status quo – tak v oblasti samotného praktického fungování totalitní mašinérie. Dochází k závěru, že existuje fenomén, jenž je
možno pojmenovat jako „inkviziční mentalita
. Její nositelé jsou potom ideálními
budovateli nejrůznějších autoritativních a totalitních systémů.
Leviathan’s claws. Totalitarian features of the Spanish inquisition
Summary
The author of the article is trying to defend a theory consisting of the following
affirmation: the Spanish Inquisition foreshadowed, in many aspects, the great totalitarian regimes of the 20th century. He finds common features and characteristics
both in the field of ideology — institutions protecting power and the social status
quo, and in the field of the practical functioning of the totalitarian machinery. The
author reaches the conclusion that there is a phenomenon which may be called
the “inquisition mentality”. Representatives of such a mentality become perfect
constructors of various authoritarian and totalitarian regimes.
Jiří Chalupa
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
República Checa
[email protected]
45
En defensa del trono y del altar. El ideario
carlista en el siglo XIX
Jiří Chalupa
Una grey y un pastor sólo en el mundo.
Un monarca y un imperio y una espada.
Hernando de Acuña, 1540
Prólogo
Durante la mayor parte del siglo XIX, los carlistas —con su oposición, feroz y
violenta, a la instalación de la ideología liberal y del capitalismo moderno en la Península Ibérica— contribuían de un modo muy importante a definir los principales
rumbos de la historia española decimonónica. Entre los años 1833–1876, el carlismo
era capaz de reclutar a centenares de miles de partidarios y provocar dos grandes
guerras (1833–1840, 1872–1876), un conflicto bélico menor (1846–1849), y un sinnúmero de levantamientos y rebeliones de carácter local y de intensidad variada,
mas siempre de gran fuerza destructora y devastadora, tanto para la economía
como para la demografía. Las consecuencias de las «guerras carlistas» eran tan
graves que hay historiadores que no dudan en interpretar el siglo XIX en España
como un «siglo de una gran guerra civil», abierta en ocasiones, latente en otros
momentos.1
Cabe preguntar: ¿en qué consistía la ideología carlista?, ¿cuáles eran las ideas
y las recetas que ofrecían los carlistas para curar los males del naciente mundo
moderno?, ¿en qué se basaba el proyecto carlista? Un proyecto capaz de animar a
miles y miles de españoles a que se resistieran, con las armas en las manos, a la
arrolladora presión del Estado liberal, ese gran Estado con su administración, su
ejército y con todas las palancas imaginables que formaban —y siguen formando—
la gran máquina del poder político moderno. ¿En nombre de qué morían miles
de carlistas? Una pregunta interesante y tal vez hasta un poco actual, pensando
en que hace poco tiempo el pueblo portugués ha elegido a Antonio de Oliveira
Salazar como el hombre más importante de la historia de Portugal; a aquel Salazar quien con su autoritarismo y con su ideario ultraconservador y ultracatólico probablemente bien se hubiera entendido con los carlistas españoles del siglo
XIX.
1 Esta es, p. ej., la postura de Julio Aróstegui en el prólogo a su libro: Aróstegui, J. – Canal, J. – González Calleja, E., El carlismo y las guerras carlistas: hechos, hombres e ideas,
pág. 13.
47
En busca de una definición
Leyendo y estudiando las obras historiográficas dedicadas al carlismo —ya bastante
numerosas en los umbrales del siglo XXI—2 podríamos encontrar decenas de definiciones del carlismo. Raymond Carr entendía el carlismo como «una forma clásica de
contrarrevolución», otro historiador británico, Martin Blinkhorn, escribía sobre un
«movimiento legitimista de masas sin equivalentes estrictos en el extranjero», Jordi
Canal opina que se trata de un «movimiento sociopolítico de carácter antiliberal
y contrarrevolucionario», nacido a finales del Ancien Régime, Jaume Vicens habla
de un «movimiento armado del catolicismo español» que se niega rotundamente
a aceptar cualquier novedad ideológica, Julio Aróstegui defiende la teoría de que
el carlismo no es otra cosa que una «respuesta del Ancien Régime a la revolución
liberal» que hizo de la liquidación del Antiguo Régimen su principal razón de ser.3
Hoy en día, la mayoría de los historiadores están de acuerdo en que el carlismo sin
duda fue uno de los grandes protagonistas de la historia moderna de España; y
esto a pesar de que durante décadas enteras los historiógrafos liberales y ultraliberales no escatimaron esfuerzos para presentar el carlismo como un fenómeno más
o menos marginal, reaccionario hasta lo ridículo, un mero paréntesis de la siempre
triunfante revolución liberal. Se afirmaba que el carlismo carecía de una base popular auténtica, y el incómodo hecho de que el movimiento contaba con simpatías y
apoyo de centenares de miles —en algunos periodos hasta millones— de españoles
comunes se explicaba, de una manera bastante torpe, alegando la extrema pobreza
de las masas populares españolas, manipuladas hábilmente por los «ingenieros sociales» de entre los intelectuales ultraconservadores y el clero. Dejando a un lado
estas «explicaciones» que en nuestros días parecen más bien burdos residuos de la
propaganda liberal que una historiografía seria, podemos observar que en la actualidad los autores que aspiran a cierta imparcialidad y objetividad reconocen que
el carlismo decimonónico era un movimiento masivo, con un apoyo popular mucho
más grande del que hubiera podido vanagloriarse cualquier otro movimiento ultraconservador español o europeo. Pensándolo bien, no es de extrañar; el proyecto
liberal de la transformación social pretendía confiar la dirección económica y política en manos de una nueva clase dominante, la burguesía. Aunque en la España
decimonónica una metamorfosis completa de este tipo es todavía imposible ya que
la burguesía no es suficientemente fuerte y madura para poder desempeñar el papel
del único líder y se aliará con ciertos sectores de la oligarquía tradicional, aun así
es lógico y natural que las clases que estaban un tanto fuera del juego histórico
2 El muy breve espacio destinado a nuestro texto no nos permite un repaso detallado de la
bibliografía pertinente; por lo tanto, podemos mencionar solamente unas cuantas obras que consideramos las más importantes y/o interesantes de las muchísimas que se han ido publicando en
los últimos veinte años. Alférez, G., Historia del carlismo; Aróstegui, J. – Canal, J. – González Calleja, E., El carlismo y las guerras carlistas: hechos, hombres e ideas; Canal, J., El
carlismo: dos siglos de contrarrevolución en España; Clemente, J. C., El Carlismo. Historia de
una disidencia social (1833–1976); Ferrer Bonet, X., En torno a una ideología: el Carlismo;
Payne, S. G. ed., Identidad y nacionalismo en la España contemporánea: el carlismo, 1833–1975;
Pérez-Nievas Borderas, F., Contra viento y marea. Historia de la evolución ideológica del Carlismo a través de dos siglos de lucha; Wilhelmsen, A., La formación del pensamiento político
del carlismo (1810–1875).
3 Un brillante resumen de las posibles interpretaciones ideológicas del carlismo lo ofrece Jordi
Canal en el prólogo a su libro El carlismo: dos siglos de contrarrevolución en España, págs. 9–27.
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liberal se sintieran amenazadas por una futura marginalización, tanto social y política, como ideológica y hasta económica. Una buena parte de la sociedad española
entiendia e interpretaba el liberalismo como un peligro mortal para su propia supervivencia. A diferencia de lo que se sostenía durante generaciones enteras, en
absoluto se trataba exclusivamente de unos campesinos mental y culturalmente
atrasados, manipulados e instigados por la Iglesia; el carlismo llegará a ser también
una ideología atractiva para relativamente amplios sectores de la población urbana,
incluida la clase media de los artesanos y pequeños comerciantes.4 Sería incorrecto
—e ingenuo, además— tratar de interpretar las guerras carlistas como una «lucha
del campo contra la ciudad». Si el carlismo siempre podía contar sobre todo con
el apoyo de los campesinos, eso se debía mayoritariamente al desprecio e indiferencia que hacia el campo y todo lo rural sentían y manifestaban los liberales de las
grandes urbes. El liberalismo español tradicionalmente subestimaba la importancia de la «cuestión rural» y algunas medidas suyas —mencionemos sólo el ejemplo
de las malogradas desamortizaciones realizadas por Mendizábal y Madoz— incluso
notablemente empeorarían la situación en el campo ibérico.
Un No muy rotundo
El principal problema de cualquier estudioso que intente descifrar los códigos del
ideario carlista estriba en el hecho de que los ideólogos de la Tradición siempre
destacaban qué era lo que no querían, fracasando casi regularmente a la hora
de verse obligados a formular un programa político «positivo». Pongamos como
ejemplo el famoso Manifiesto de Maguncia, publicado por el pretendiente carlista
Carlos VI el 16 de marzo de 1860: «Veinticinco años de un Gobierno parlamentario
han debido convencer a la nación de los pocos resultados beneficiosos que podía
dar este sistema de gobierno, tan encontrado con nuestras antiguas leyes y costumbres.» Carlos describe el liberalismo parlamentario como «un nuevo feudalismo de
la clase media, representada por abogados y retóricos», y añade: «la empresa más
honrosa para un Príncipe es librar a las clases productoras y a los desheredados de
esa tiranía con que las oprimen los que invocando la libertad gobiernan la nación.»
Sigue una crítica demoledora del parlamentarismo liberal: «Es muy raro o casi imposible encontrar un solo diputado que represente los intereses de sus electores,
representando en cambio los suyos propios o los del grupo político a que pertenece.
¡Triste espectáculo el que han ofrecido y ofrecen las Cortes españolas, sin prestar
jamás atención a las cuestiones que a la Patria interesan, malgastando su tiempo
en luchas estériles y personales por quien ha de ocupar el poder, y votando los
impuestos no los que los pagan, sino los que se los comen!» Sin duda una muy interesante interpretación de la maquinaria tributaria por parte de un representante de
la «antigua España» en la que sobre los impuestos siempre decidían casi exclusivamente la Corona y los nobles, es decir, precisamente las capas sociales que se veían
exentas de cualquier obligación en este terreno. A continuación, Carlos expresa su
«deseo programático»: «Yo quiero para España un gobierno representativo, en que
los diputados, con el mandato imperativo, vengan a las Cortes a representar los
4 Un hecho que de un modo muy convincente han demostrado con sus investigaciones historiadores como Julio Aróstegui, Martin Blinkhorn, Jordi Canal, Eduardo González Calleja, Stanley G.
Payne, Pedro Rújula Torres, Rosa María Lázaro Torres, y un largo etcétera.
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intereses de sus electores y no los suyos, o los de una parcialidad o camarilla.»5
Igualmente hoy en día sería muy difícil encontrar a electores que no desearan tal
cuerpo legislador, el problema de Carlos —y del carlismo, en general— era la total
ausencia de recetas concretas de cómo realizar la maravilla descrita. La vaguedad
del ideario carlista expresado por los mismos pretendientes es sorprendente. Cuando en el verano de 1826 el rey Fernando VII tiene que enfrentarse con una grave
y urgente crisis, tanto económica, como social y política, su hermano Carlos —el
posterior padre-fundador del carlismo— le dirige una carta en la que le da unos
«consejos» dignos de recordar:
Lo primero, la gloria de Dios, el fomento y esplendor de su santa religión, que haya
santo temor de Dios, y con esto haya buenas costumbres, virtudes, paz, tranquilidad,
alegría y todo; esto es lo que debes procurar por todos los medios y modo, y consiguiendo esto [. . . ] verás qué vida tan dulce, tan tranquila y tan larga te concede el divino
Maestro.6
Cuanto más escaseaban propuestas concretas acerca de la solución de los problemas de la nación, con más éxtasis y furia se ensañaban los propagandistas del
Altar y el Trono con sus enemigos, invocando un maniqueísmo auténticamente
alucinante. Así rezaba la Proclama de Verástegui, dirigida a los vascos alaveses y
fechada el 7 de octubre de 1833, es decir, a principios de la Primera guerra carlista:
Ha llegado por fin aquel día tan deseado por los buenos como terrible para los
malos: aquel día, que con tan justos motivos presagiaron vuestros corazones al ver
que el impío sistema abolido por vuestras armas, comenzaba a renacer de entre sus
mismas cenizas; pero día en que la perfidia liberal ha de ser exterminada para siempre
del suelo español [. . . ] no ha terminado aún en nuestra patria la tiranía de los pérfidos
españoles, indignos a la verdad de este nombre; no han desaparecido de nuestro suelo
aquellos segundos vándalos, que por más de tres años han hollado sacrílegamente
nuestra Santa Religión.7
Abriéndose paso por entre la maraña de semejante propaganda panfletaria,
virulenta, mas al mismo tiempo muy vacía, paso a paso podremos llegar a algo más
concreto.8 Ésta es la visión de una «verdadera libertad» que nos ofrece el carlista
Antonio Taboada de Moreto en 1834:
La libertad de los Españoles es muy antigua, y el despotismo, con que se les oprime,
muy moderno. La libertad nacional, que proclaman, y a que aspiran los defensores
de la legitimidad, se halla consignada en las leyes fundamentales de la monarquía: es
obra de sus abuelos, que la han conservado y transmitido intacta de una generación
5 Cit. en Ferrer, M. – Tejera, D. – Acedo, J. F., Historia del tradicionalismo español, t. 21,
págs. 202–205.
6 Cit. en Junco, J. Á., Mater Dolorosa. La idea de España en el siglo XIX, pág. 360.
7 Cit. en Pirala, A., Historia de la guerra civil y de los partidos liberal y carlista. Tercera
edición corregida y aumentada con la historia de la Regencia de Espartero, t. 1, págs. 604–606.
8 Para el análisis del ideario carlista pueden servir como fuente p. ej. las siguientes obras:
Bullón de Mendoza, A., Las guerras carlistas en sus documentos; Burgo, J. del, Bibliografía
de las guerras carlistas y de las luchas políticas del siglo XIX; Clemente, J. C., Bases documentales del carlismo y de las guerras civiles de los siglos XIX y XX; Ferrer, M. – Tejera, D. –
Acedo, J. F., Historia del tradicionalismo español.
50
a la otra, bajo la protección de su religión y de sus reyes legítimos. El santo temor de
Dios, y la fe en su eterna sabiduría, el respeto y la veneración a su legítimo Soberano,
que debe gobernar con arreglo a las leyes, costumbres, y privilegios, la obediencia y
sumisión, que marcan los preceptos de su religión católica, la seguridad, que atribuye la
justicia, y la independencia nacional son las bases sólidas, en que estriban su libertad,
y sus leyes fundamentales.9
En otras palabras: tradición, religión y un monarca legítimo; pero también otros
términos dignos de atención: temor a Dios, veneración al Soberano, obediencia y
sumisión, seguridad. Éste es el mundo al que nos invita el carlismo decimonónico:
el universo de las «jerarquías naturales», es decir, una sociedad estamental dentro
de la cual cada uno sabe perfectamente cuál es el sitio que le corresponde, la total
pasividad de los súbditos que en vez de tratar de cambiar las cosas y medrar deben
confiar en la buena voluntad de las clases dirigentes, una «seguridad» que se basa
en una inercia casi absoluta. Y la religión, antes que nada la Santa Religión, como
en un estilo muy elocuente lo expresa Vicente Pou en 1843:
La Religión Santa en toda su dignidad y pureza; la Soberanía del Rey sin división
que la destruya, o inutilice su acción benéfica; la conservación de la dinastía reinante
según la ley de su Augusto Fundador; el vigor de las leyes y fueros antiguos; la extirpación de abusos y vicios de administración, que una larga serie de errores y vicisitudes
calamitosas habían introducido; la noble y honrosa independencia de la Nación con la
prosperidad de todas las clases del Estado, he aquí sus deseos y su objeto. Ellos [los
carlistas] profesan como un dogma, que todo poder viene de Dios, condenando como
un absurdo poco menos que impío la doctrina de la soberanía del pueblo. Invocan la
Religión como primer bien de la sociedad, y en el poderoso y saludable influjo que
ejerce en los corazones miran la mejor y más segura salvaguardia, el Príncipe la de
su autoridad legítima, contra el desenfreno de las pasiones populares, y los súbditos
la de su justa libertad y del goce tranquilo de sus derechos contra los excesos de un
poder tiránico. Un gobierno paternal y verdaderamente sabio respeta y hace respetar
la Religión como primera base de la sociedad, y el más rico manantial de todo bien;
protege la moral pública por medio de una educación castiza y esmerada; se hace una
ley de conservar los buenos usos y saludables costumbres que son como una segunda
naturaleza de los pueblos; fomenta la agricultura, promueve el comercio, alienta la industria, y alivia las cargas de los súbditos en cuanto permite el buen servicio público
[. . . ] He aquí todo su programa. ¿Qué hay en él de irracional y exagerado?10
Pues bien, la Religión como «primera base de la sociedad, y el más rico manantial de todo bien»; pero ¿qué hacer? cuando la fe poco a poco se está perdiendo y
el número de los descreídos se está haciendo alarmante. Ante un aparente callejón
sin salida el carlismo ofrecerá una receta sorprendente y original: primero detener
y luego «rebobinar» el tiempo histórico.
9 Taboada de Moreto, A., El fruto del despotismo, o sea, consecuencias indispensables de la
escandalosa usurpación, con que han sido vulneradas las leyes fundamentales de la Monarquía
Española, dedicado al Rey N. S. D. Carlos V de Borbón por [. . . ] antiguo fiscal de la Real
Audiencia de Galicia, autor de la obra titulada el Grito de la España, págs. 22–23.
10 Pou, V., La España en la presente crisis. Examen razonado de la causa y de los hombres
que pueden salvar aquella nación, págs. 136–138.
51
Una vuelta a los tiempos dorados
En plena Primera guerra carlista, el 20 de febrero de 1836, Carlos V se dirige,
desde su cuartel real de Durango, «a los españoles» en uno de sus manifiestos con
las siguientes palabras:
¿Se podrá temer que la hez del pueblo, los hombres más desmoralizados, los malvados y asesinos tomen el carácter de representantes y jueces de la Nación, para dictar
leyes o absurdas y ridículas, o duras e injustas, que opriman al inocente y salven al
reo? Léase la historia de todas las monarquías y en especial la nuestra, y se encontrarán libres de tales horrores: se verá que sin las teorías democráticas ha florecido la
paz, la industria, el comercio, las ciencias, y que a la sombra de la religión la España
ha sido feliz con sus reyes, y con sus leyes patrias.11
En fin, después de la cháchara inicial, antiliberal y por lo visto indispensable,
llega el meollo del discurso del pretendiente al trono español: la Felicidad no está en
el presente o en el futuro, sino que hay que buscarla en el pasado. Si los españoles
quieren vivir en un país poderoso y respetado en la escena internacional, un país
próspero en lo económico y estable en lo político, si quieren «ser felices», no deben
mirar hacia el futuro sino hacia el pasado. En realidad, ésta es una de las principales
constantes del ideario carlista, cuarenta años más tarde (en 1873) Leandro Herrero
escribe:
¿Será preciso repetirlo hasta la saciedad? No somos estacionarios; no somos retrógrados; no somos hombres del siglo XIII; no somos siquiera lo que fuimos el año
33; somos demócratas católicos. Nuestra monarquía no es absoluta, sino paternal, tal
como la modela el derecho divino enseñado por la Iglesia. Nuestro monarca no es un
mito endiosado como los antiguos califas de Bagdad o los emperadores chinos, a quienes no era lícito mirar de frente aunque se dignaran levantar el velo que de ordinario
cubría su semblante, sino el tipo de un príncipe sencillo, afable, indulgente, accesible
al cariño de sus súbditos, como lo era aquel buen San Luis de Francia que administraba justicia bajo la encina tradicional de Vicennes [. . . ] No queremos el régimen del
feudo y del terruño, base de esclavitud y de barbarie, ni las leyes de composición, ni
el diezmo, ni los señoríos. No queremos la Inquisición porque, aun siendo como fue,
un progreso en los tiempos en que vino a reemplazar con ordenados procedimientos
jurídicos los degüellos en masa de los pueblos que se exterminaban recíprocamente,
lo mismo en nombre del principio católico que en el de la libertad de conciencia, que
también la estableció, serían un anacronismo inútil, dadas las condiciones de la presente edad, y un monólogo que alteraría el concierto de Europa. Nuestra afición a las
instituciones libres llega hasta el punto de preferir el fuero vasco, como ley del reino,
a todas las Constituciones españolas, por ser la más tutelar; las Cortes de Aragón a
las de Castilla, por ser mayor su independencia, y la descentralización castellana al
centralismo de la casa de Austria, por su equidad; prueba de que amamos la libertad
verdadera, la libertad racional, hija del Evangelio, que no es veneno que mata, ni medio para envenenar. Nuestro criterio para las cuestiones sociales se ajusta al de San
Agustín, filósofo superior a Platón, que resolvió todos los problemas de la familia y
11 Cit. en Pirala, A., Historia de la guerra civil y de los partidos liberal y carlista. Tercera
edición corregida y aumentada con la historia de la Regencia de Espartero, t. 2, págs. 435–437.
52
del Estado; y para las políticas al de Santo Tomás, que, eclipsando para siempre a
Aristóteles, halló la fórmula positiva del gobierno.12
Por mucho que Herrero insista en que los carlistas no son hombres del pasado,
su texto es un claro testimonio de todo lo contrario: un monarca ideal —«el buen
San Luis de Francia», una ley ideal— el antiguo fuero vasco, una estructura estatal
ideal —la «descentralización castellana», históricamente anterior al «centralismo
de la casa de Austria», y los filósofos ideales— San Agustín y Santo Tomás. Si
no se reclama la restauración de la Inquisición, no es porque según los carlistas
sea una institución obsoleta, sino simplemente porque la Europa contemporánea
ya no está dispuesta a digerir tal «progreso». La defensa del monarca «legítimo»,
uno de los pilares del mundo carlista, pertenece al mismo fenómeno de la búsqueda
del «paraíso perdido». Un rey legítimo, es decir, un monarca bueno, es el que
proviene de la dinastía tradicional y busca los modelos y las pautas para su gestión
política en los grandes ejemplos de la historia monárquica de Europa; aparte del
ya mencionado San Luis de Francia, se habla a veces del emperador Carlos V o el
rey Felipe II; y sobre todo, un soberano «legítimo» debe ser un auténtico soberano,
en otras palabras, nunca debe aceptar una limitación de su poder por parte de
un cuerpo legislativo salido de elecciones o una limitación introducida por una
Constitución. Esto, en el fondo, equivale al absolutismo. Y puesto que el término
absolutismo desde los tiempos de Fernando VII no sonaba muy atractivo ni siquiera
a muchos españoles conservadores, había que «taparlo» de alguna manera. A veces
se necesitaban unos auténticos juegos malabares, como podemos observar en el
peculiar sofisma que ofrecía la princesa de Beira en su Carta a los españoles del 25
de septiembre de 1864:
A estas ideas, pues, tan anárquicas como antirracionales, y anticatólicas [es decir,
las liberales], nosotros oponemos nuestros principios monárquico-religiosos, contenidos
sumariamente en aquella nuestra antigua divisa: Religión, Patria y Rey. Esta divisa
la heredamos de nuestros mayores como rico patrimonio, como ley fundamental de
nuestra España católica, como lema glorioso de nuestras banderas, como grito de
guerra contra nuestros enemigos. En las actuales circunstancias ella es la única áncora
de salud en medio de la deshecha borrasca que excitó el liberalismo moderno con sus
ideas disolventes. Según nuestros principios monárquico-religiosos, un Rey católico no
puede ser propiamente absoluto. Su poder, primeramente, está limitado por todos
sus deberes para con el Señor Supremo, y por sus deberes para con sus súbditos. En
segundo lugar, tiene una limitación general que abraza mil y mil casos particulares,
pues antes que Rey es padre de los pueblos que Dios le ha confiado, y como Rey y
como padre debe querer todo el bien posible a su pueblo y alejar de él, en lo posible,
todo mal. Es decir, en este caso sería un poder absoluto para el bien y un poder nulo
para todo lo malo.13
Una palabrería elegante y sofisticada, pero al fin y al cabo solo esto, una palabrería. Lo cierto es que cuando los carlistas tengan la posibilidad real —aunque,
hay que reconocer, bastante limitada por las difíciles condiciones de la situación
12 Herrero,
L., El gobierno carlista, lo que es en teoría y práctica, págs. 96–97.
en Ferrer, M. – Tejera, D. – Acedo, J. F., Historia del tradicionalismo español, t. 22,
págs. 233–255.
13 Cit.
53
bélica— de demostrar la viabilidad de sus conceptos y erigir su propio «Estado
ideal», es decir, entre los años 1873–1876, en el transcurso de la Segunda guerra
carlista, fracasarán. La estructura administrativa fabricada alrededor de Estella,
Durango y Oñate no se sostendrá por mucho tiempo. Ni económicamente, ni políticamente, ni socialmente. El principal problema del Estado carlista —y allí la guerra
no jugaba papel alguno— era la falta de algún pilar sobre el que podría haberse
apoyado. Un pilar semejante al que en el campo del rival, del Estado liberal, era la
Constitución. Se demostró claramente que a base de manifiestos patéticos y vagos
no era posible construir un Estado sólido y estable.14
Después de la derrota militar de Carlos VII, sin duda el más simpático y competente de entre los pretendientes carlistas a lo largo del siglo XIX, el carlismo
definitivamente dejará de ser una opción política capaz de conseguir un apoyo auténticamente masivo dentro de la sociedad española. El liberalismo y el capitalismo
seguirán presionando y las filas de los descontentos y frustrados incluso aumentarán,
pero habrá nuevos credos y nuevas religiones políticas: el anarquismo, el anarcosindicalismo, el socialismo, el comunismo, etc. Unos movimientos orientados más bien
hacia el futuro, hacia una Revolución, hacia un Gran Cambio (la verdad que a veces no menos utópico que la Gran Vuelta carlista al pasado). Otros soñarán con la
República, aquella hermosa chica semidesnuda, como se la imaginaban los pintores
de la época. Y otros, más tarde, mirarán incluso hacia Italia y el Duce y su falsa
panacea llamada fascismo. La fuerza del carlismo brevemente renacerá durante la
Guerra Civil y las boinas rojas una vez más demostrarán a España y al mundo
entero que en el campo de batalla nunca les falta valor. Pero ideológicamente el
carlismo muere ya a finales del siglo XIX. Las posteriores metamorfosis del ideario
carlista —la difícil convivencia con los integristas, el coqueteo con Juan Vázquez
de Mella, el pragmatismo agresivo y a veces cínico de Fal Conde, y al final hasta
las aventuras socialistas y federalistas de Carlos Hugo— son un claro testimonio de
que la tradicional receta del carlismo decimonónico, es decir, la vuelta al paraíso
perdido del gran pasado, en los tiempos modernos difícilmente puede prosperar. En
el norte de España, entre los campesinos, se mantendrá el mito del «pueblo sano»
y un peculiar mundo de los símbolos, tradiciones, recuerdos e historias nostálgicas,
trasladado todo esto oralmente de una generación a otra. Éste, probablemente, es
el único «carlismo puro» que ha sobrevivido hasta nuestros tiempos, como han demostrado, p. ej., las investigaciones de Jeremy MacClancy a principios de los años
noventa.15 Cuando se les preguntaba a los aldeanos a qué se debía su identidad carlista, respondían: a la fe, a la tradición familiar, a las hazañas de los abuelos, a los
14 El historiador Miguel Artola no se va con escrúpulos a la hora de valorar el programa político
del primer don Carlos y escribe que su ideología „es de una pobreza que no admite exégesis
posible. No aparece ni una sola idea fuera de la total entrega a la voluntad de Dios. Artola, M.,
La España de Fernando VII, Madrid, 1992, p. 884. Muchos ejemplos concretos del insuficiente
funcionamiento y desarrollo del protoestado carlista surgido a lo largo de la Segunda guerra los
ofrece el libro Montero, J., El Estado Carlista. Principios teóricos y práctica política (1872–
1876), Madrid, 1992.
15 Véase MacClancy, J., «Navarra», en Lisón Tolosana, C. (ed.), Antropología de los Pueblos del Norte de España, Madrid, 1991, pp. 115–130, y también un texto muy interesante de
Jordi Canal, «La gran familia. Estructuras e imágenes familiares en la cultura política carlista»,
en Cruz, R., y Pérez Ledesma, M. (eds.), Cultura y movilización en la España contemporánea
(1800–1950), Barcelona, 1992, págs. 481–512.
54
lazos de sangre. Pero esto ya es otra historia, la historia del clan familiar, del círculo
carlista, de la comunidad. La historia, o mejor dicho las historias del Tío Tomás,
del Tigre del Maestrazgo, del Cura Santa Cruz, historias que durante las largas
y frías noches de invierno cuentan, junto a la chimenea, los ancianos a los niños
que tienen los ojos brillantes y las bocas abiertas. Y aquí inevitablemente termina
nuestro texto puesto que éste es un carlismo que más que un estudio historiográfico
se merecería una novela de Ramón del Valle-Inclán.
BIBLIOGRAFÍA
Alférez, G.: Historia del carlismo. Actas, Madrid, 1995.
Aróstegui, J. – Canal, J. – González Calleja, E.: El carlismo y las guerras
carlistas: hechos, hombres e ideas. La esfera de los libros, Madrid, 2003.
Artola, M.: La España de Fernando VII, Espasa Calpe, Madrid, 1992.
Bullón de Mendoza, A.: Las guerras carlistas en sus documentos. Ariel, Barcelona, 1998.
Burgo, J. del: Bibliografía de las guerras carlistas y de las luchas políticas del
siglo XIX. 5 vols. Instituto del Príncipe de Viana, Pamplona, 1964.
Canal, J.: «La gran familia. Estructuras e imágenes familiares en la cultura política carlista», en: Cruz, R. – Pérez Ledesma, M., eds.: Cultura y movilización en la España contemporánea (1800–1950). XXX, Barcelona, 1992,
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Canal, J.: El carlismo: dos siglos de contrarrevolución en España. Alianza, Madrid, 2000.
Clemente, J. C.: El Carlismo. Historia de una disidencia social (1833–1976).
Ariel, Barcelona, 1990.
Clemente, J. C.: Bases documentales del carlismo y de las guerras civiles de los
siglos XIX y XX. 2. vols. Servicio Histórico Militar, Madrid, 1985.
Ferrer, M. – Tejera, D. – Acedo, J. F.: Historia del tradicionalismo español.
30 t. en 33 vols. Trajano – Editorial Tradicionalista – Editorial Católica
Española, Sevilla–Madrid–Sevilla, 1941–1979.
Ferrer Bonet, X.: En torno a una ideología: el Carlismo. Ediciones Magalia,
Madrid, 2000.
Herrero, L.: El gobierno carlista, lo que es en teoría y práctica. Madrid, 1873.
Junco, J. Á.: Mater Dolorosa. La idea de España en el siglo XIX. Taurus, Madrid,
2001.
MacClancy, J.: «Navarra», en: Lisón Tolosana, C., ed.: Antropología de los
Pueblos del Norte de España. Universidad Complutense – Universidad de
Cantabria, Madrid–Santander, 1991, págs. 115–130.
55
Montero, J.: El Estado Carlista. Principios teóricos y práctica política (1872–
1876), Actas Editorial, Madrid, 1992.
Payne, S. G., ed.: Identidad y nacionalismo en la España contemporánea: el carlismo, 1833–1975. Actas Editorial, Madrid, 1996.
Pérez-Nievas Borderas, F.: Contra viento y marea. Historia de la evolución
ideológica del Carlismo a través de dos siglos de lucha. Pamplona, 1999.
Pirala, A.: Historia de la guerra civil y de los partidos liberal y carlista. Tercera
edición corregida y aumentada con la historia de la Regencia de Espartero.
3 t. Madrid, 1889–1891.
Pou, V.: La España en la presente crisis. Examen razonado de la causa y de los
hombres que pueden salvar aquella nación. Montpellier, 1842–1843.
Wilhelmsen, A.: La formación del pensamiento político del carlismo
(1810–1875). Actas Editorial, Madrid, 1995.
Obrana trůnu a oltáře. Karlistická ideologie v 19. století
Resumé
Článek analyzuje základní body karlistické ideologie v průběhu 19. století. Ideologie vágní, patetické, mnohdy manichejské, přesto však schopné vyburcovat statisíce obyvatel Španělska k ozbrojenému vystoupení proti liberálnímu státu a kapitalistickému uspořádání společnosti. Jádrem karlistické ideologie je návrat do minulosti, do „ztraceného ráje
přirozeně hierarchizovaného a srozumitelného světa
středověké stavovské společnosti.
Defending the Throne and the Altar.
The Carlist Ideology in the 19th Century
Summary
The article analyses the main points of the Carlist ideology in the course of
the 19th century. It was a vague, pathetic and frequently Manichean ideology, but
still it was able to arouse hundreds of thousands of the inhabitants of Spain into
armed insurrection against the liberal state and the capitalist social order. The
substance of the Carlist ideology is a return to the past, to the “lost paradise”
of the comprehensible world of the medieval corporative society with its natural
hierarchy.
Jiří Chalupa
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
República Checa
[email protected]
56
¿Reconquista o asimilación? Problemática de la
(in)migración∗ de los Chicanos/Mexicanos a los
EE.UU. en su contexto histórico
Eva V. Johnson
En los últimos años, el debate sobre inmigración, sobre todo, la inmigración
ilegal de los latinos a los Estados Unidos, ha llamado mucha atención de los medios
de comunicación. El debate ha causado entre la población estadounidense una ola
de sentimientos de simpatía con los inmigrantes, pero también creció la ansiedad y
hostilidad hacia ellos.
En este artículo voy a comentar la Ley de Protección de la Frontera, Antiterrorismo y Control de Inmigración Ilegal del 2005, HR 443, y resumir en breve
las reacciones a ella. Basándome en el libro de Gilda L. Ochoa del 2004 llamado
Becoming Neighbors in a Mexican American Community. Power, Conflict and Solidarity y la teoría del conflicto del poder (power conflict theory) voy a analizar el
debate sobre la inmigración en el contexto histórico, político y económico, tomando
en cuanta la relación compleja entre los Estados Unidos y México.
En los EE.UU. hay tres grupos de latinos más grandes: los chicanos/mexicanos,
puertorriqueños y los cubanos. Tradicionalmente, los tres grupos han sido asociados
con tres zonas geográficas. El suroeste de los EE.UU., Nueva York y Florida. Cada
uno de estos grupos tiene su historia de la (in)migración particular.1
El gobierno de los EE.UU. estima que hay alrededor de ocho millones de los
inmigrantes ilegales en los Estados Unidos, de los cuales el 70 por ciento han llegado,
probablemente, a través de la frontera con México2 . Otras fuentes calcularon que
∗ El
término (in)migración está utilizado tomando en consideración varios patrones de la migración latina.
1 La migración de los puertorriqueños de la isla al continente, los que desde el final de la guerra
entre España y los Estados Unidos en el 1898 gozan del estatus de los ciudadanos de los EE.UU.
Por otro lado, los EE.UU. han ganado a través de varios convenios el control económico y político.
La (in)migración de los cubanos que se instalaron en Florida después de la revolución cubana en el
1959 y durante las olas consecutivas, y la de los (in)migrantes documentados y no documentados
de México.
2 MacNeil, R. – Cran, W., Do you speak American?, pág. 101.
57
en marzo de 2006 vivían en los Estados Unidos aproximadamente hasta 11.5 ó 12
millones de personas indocumentadas.3
También se calcula que en el año 2005, el 56 por ciento de ellos era de México y
el 22 por ciento de otros países de América Latina; los inmigrantes indocumentados
provenientes del sur y el este de Asia también representan un número importante.
El enfoque de este trabajo está en casi tres cuartos de la población latina que
proviene de México. Este grupo está formado por los descendientes de los inmigrantes mexicanos y también por los mexicanos californios, que se han convertido
de noche al día en los ciudadanos estadounidenses como consecuencia del tratado
de Guadalupe Hidalgo.4
El 16 de diciembre 2005 la Ley de Protección de la Frontera, Antiterrorismo y
Control de Inmigración Ilegal de 2005 (HR 443, Border Protection, Antiterrorism,
and Illegal Immigration Control Act of 2005), también conocida como el proyecto
de ley Sensenbrenner, fue aprobada por la asamblea legislativa de los EE.UU. Con
esta iniciativa se abrió uno de los debates más feroces sobre la inmigración. Las
respuestas a la HR 443 por parte de los grupos que luchan por los derechos de los
inmigrantes han sido inmediatas. El Consejo Nacional de La Raza (NCLR, The
National Council of La Raza), que es la organización hispana de derechos civiles
más importante de los Estados Unidos, anunció que el proyecto de ley criminaliza
a los inmigrantes, niega derechos al debido proceso legal y daña a las comunidades,
familias y comerciantes. Según el Consejo Nacional de La Raza, la ley HR 4437
aumentaría las repercusiones contra los inmigrantes ilegales y podría:
1. Hacer más difícil para los inmigrantes legales convertirse en ciudadanos de
los Estados Unidos.
2. Dañar a comunidades americanas y poner en riesgo a todos los americanos
al hacer más amplia la definición de contrabando al incluir a cualquiera que
ayude o transporte a un inmigrante indocumentado.
3. Hacer que cada persona que venga a trabajar a los Estados Unidos esté sujeta
no sólo a deportación sino también a encarcelamiento.
4. Dañar la economía de los Estados Unidos al crear un sistema de verificación
de empleo demasiado amplio y retroactivo sin crear vías legales para que
trabajadores que son necesarios trabajen legalmente.5
Durante el año 2006, millones de personas protestaron contra dicha ley. La
protesta más grande a nivel nacional ocurrió el 10 de abril del 2006 en 102 ciudades estadounidenses. El 1 de mayo de 2006 tuvo lugar El Gran Paro Americano
(The Great American Boycott), también conocido como El día sin inmigrante (Day
Without An Immigrant). Este día los inmigrantes indocumentados junto con sus
partidarios promocionaron el paro con su ausencia en el trabajo y escuela y organizaron las marchas por las ciudades. La intención fue demostrar que los inmigrantes
3 Pew
Hispanic Center, Inmigration and Naturalization Services.
tratado del 1848 con el que acabó la guerra entre México y los EE.UU, estableció la frontera
entre los dos estados con la mayor discrepancia económica del mundo, la frontera creada por el
Río Grande. En este acto, México perdió casi la mitad de su territorio y los residentes de estas
zonas pasaron a ser de noche al día ciudadanos de los EE.UU.
5 Para más información, véase la página oficial del Consejo Nacional de la Raza (NCLR, The
National Council of La Raza), la organización hispana de derechos civiles más importante de los
Estados Unidos. http://www.nclr.org/content/news/detail/35482
4 El
58
ilegales tienen un papel importante en la economía norteamericana. Las marchas
más grandes tuvieron lugar en Los Ángeles, Nueva York y Chicago.
Entre la gente estadounidense surgió una solidaridad enorme, por otro lado,
aparecieron los sentimientos de la ansiedad y hostilidad.
¿Reconquista o asimilación?
En su libro titulado Do you speak American?, Robert MacNeil y William Cran
intentan responder a la pregunta que también ha dado el título al capítulo cinco
del dicho libro: «Hispanic Immigration: Reconquest or Assimilation?».
Los autores presentan diferentes puntos de vista de la polémica sobre la inmigración hispana. Uno de ellos, representado por Victor Davis Hanson, el autor del libro
titulado Mexifornia, dice que si la situación presente de la inmigración continuará,
o sea, si las fronteras con México permanecerán «abiertas» y si el multiculturalismo
promocionado en las escuelas no desaparecerá, los EE.UU. estarán en frente de la
desaparición del modelo tradicional asimilacionista. Así mismo, según él, surgirá
una cultura híbrida en la que: «Spanish has equal status with English and there is
little Americanization».6
Desde el año 1981 existe un movimiento al nivel nacional que promueve la
aceptación de la lengua inglesa como la única lengua nacional. Unos de los representantes más significativos del dicho movimiento han sido el senador S. I. Hayakawa
y Alistair Cooke. Cooke escribió: «The day that the immigrant’s tongue becomes
the first language of any community or —God forbid— a state, the American experiment will be in serious jeopardy of falling apart».7 Una de las controversias más
fuertes ha surgido en el año 1988 cuando uno de los fundadores del movimiento,
doctor John Tanton, estaba promoviendo la esterilización forjada, como el remedio
para el control de la población e inmigración.8
Otro personaje que representa el ambiente en contra la inmigración es Samuel P.
Huntington, él opina que «the single most immediate and most serious challenge to
America’s traditional identity comes from the immense and continuing immigration
from Latin America, especially Mexico». En su libro Who Are We? constata que
los inmigrantes mexicanos son unos emigrantes «especiales» y que su situación
contradice la tradición asimilacionista de los EE.UU. En su artículo llamado «The
Hispanic Challenge», Huntington acusa a los latinos de ser los traidores del sueño
americano, representado, según él, por los valores anglo-protestantes.
The persistent inflow of Hispanic immigrants threatens to divide the United States
into two peoples, two cultures, and two languages. Unlike past immigrant groups, Mexicans and other Latinos have not assimilated into mainstream U.S. culture, forming
instead their own political and linguistic enclaves —from Los Angeles to Miami— and
rejecting the Anglo-Protestant values that built the American dream. The United
States ignores this challenge at its peril.9
6 MacNeil,
R. – Cran, W., Do you speak American?, pág. 104.
pág. 105.
8 Íbid., pág. 106.
9 Huntington, S. P., «The Hispanic Challenge», Foreign Policy X, March/April 2004, pág. 1.
7 Íbid.,
59
Según Huntington, los inmigrantes son «persistentes en la inmigración (inmigración ilegal), excesivamente fértiles, sin interés por educación, resistentes a aprender
el inglés y a la asimilación».10 Las fobias hacia los recién llegados no es nada nuevo. El miedo de que los inmigrantes van a destruir los valores de América del
Norte con sus costumbres (o por falta de ellos) tan diferentes de los de «Good Old
America»; el miedo de que van a imponer su idioma o contagiar el inglés, existe
desde hace muchos años. Históricamente, uno de los grupos inmigrantes que sufrió
dichas acusaciones han sido los alemanes, que durante la formación de la nación
ocuparon una posición especial entre otros grupos inmigrantes.11 En el año 1860
se publicaron en los EE.UU. unos veintiocho periódicos en la lengua alemana. Durante este tiempo, uno de cada diez americanos hablaba el alemán, lo que supone
casi el mismo porcentaje de los hablantes que hoy en día en los EE.UU. hablan el
español.12
Muchos años antes de las dos guerras mundiales que más adelante intensificaron las fobias y un clima de hostilidad e histeria hacia los alemanes en los EE.UU.,
Benjamin Franklin, ya en el año 1751, expresó su miedo de que Pennsylvania: «will
in a few years become a German Colony: Instead of their learning our language,
we must learn their’s, or live as in a foreign country.»13 Según él, los alemanes
trabajaban por menos dinero y de este modo quitaban el trabajo a los anglos. Esta
ideología persiste hasta hoy en día. Lo único que ha cambiado es el grupo étnico
en cuestión.
Aunque como tantas veces se ha dicho, la nación americana costa de los inmigrantes, con excepción de la población nativa, los sentimientos hacia los recién
llegados han sido siempre más bien negativos.
«We didn’t cross the border, the border crossed us»
¿Cómo ven la situación desde su perspectiva los chicanos/as? Su historia empieza
con el Aztlán. Muchos creen que Aztlán es el mítico lugar del antiguo imperio Azteca, la cuna de la cultura náhuatl. Podría estar localizado en lo que ahora es el
norte de México, o en el sudeste o centro de los Estados Unidos de hoy. Según la
leyenda, los primeros mexicas emergieron desde Aztlán al valle de México, y fundaron Tenochtitlán, la capital del imperio mexica/azteca, la ciudad de México de
hoy. En Náhuatl la palabra azteca significa «procedente de Aztlán». A fines de los
años sesenta, Aztlán ha dado nombre a varios movimientos políticos de los latinos
en los Estados Unidos, tales como el consejo revolucionario y Gobierno provisional
de Aztlán y de MEChA,14 que es el acrónimo para el Movimiento Estudiantil Chi10 Para más detalles, véase Johnson, E. V., «L@s poch@s, los traidores de la lengua traicionados», en: Romanica Olomucensia XVIII, Grandeur et décadence de la parole au XXIe
siècle/Grandeza y decadencia de la palabra en el siglo XXI, UP Olomouc, Olomouc 2007,
págs. 137–146.
11 MacNeil, R. – Cran, W., Do you speak American?, pág. 94.
12 Íbid., pág. 94.
13 Íbid., pág. 94.
14 MEChA fue fundada a finales de los 1960s como resultado de dos conferencias: la Primera
Conferencia Nacional Juvenil para la Liberación Chicana (the First National Chicano Liberation
Youth Conference), celebrada en marzo de 1969 en Denver, Colorado, en la que se elaboró el
documento El Plan Espiritual de Aztlán. Gracias a un simposio realizado al mes siguiente en
la Universidad de California, Santa Barbara, salió el documento El Plan Espiritual de Santa
60
cano de Aztlán. MEChA como una organización estudiantil promueve la educación
superior, cultura e historia. La organización cree que por medio de la participación
en la política y la educación surgirá el cambio en la sociedad norteamericana.
En esta conexión se habla a menudo sobre la coincidencia aproximada con los
Estados que fueron objeto de anexión del Tratado de Guadalupe Hidalgo en el
1848, o sea, la antigua Nueva España, norte de México o el actual sudoeste15 de
los EE.UU.
Ed Morales en su libro Living in Spanglish: The Search for Latino Identity in
America aclara la pregunta de los asimilacionistas porqué los latinos no pueden
hacerse americanos como todos los inmigrantes de más, y dice que la respuesta es
que los latinos ya son americanos, porque América es un continente y no tan solo
un país.16
Gloria Anzaldúa, poeta, activista, escritora feminista y una figura importante
de estudios postcoloniales de América del Norte escribe en su colección de ensayos
llamada Borderlands/La Frontera: The New Mestiza lo siguiente: «[this] borderland
between Nueces and the Río Grande. This land has survived possessions and ill-use
by five countries: Spain, México, the Republic of Texas, the US, the Confederacy,
and the US again. It survived Anglo-Mexican blood feuds, lynches, burning, rapes,
pillage».17
Y sigue:
This land was Mexican once,
Was Indian always and is.
And will be again.18
Según Gloria Anzaldú, con la que muchos chicanos y chicanas comparten la
misma ideología, los chicanos y chicanos siguen siendo extranjeros en su propia
tierra.
Parece que la situación de la (in)migración de los latinos es un poco más compleja, y no se puede explicar como la de mayoría de los inmigrantes que han llegado
a New York a través de la puerta icónica al «sueño americano». Aunque es verdad
que la causa principal del influjo de los inmigrantes latinos a los EE.UU. hoy en
día es la misma que para los demás inmigrantes, es decir, la promesa de un futuro
en Gringolandia, como algunos de ellos llaman los EE.UU., Huntington tiene razón
que la situación de ellos es realmente «especial».
Para poder entender mejor la compleja situación de la inmigración latina de
hoy hay que acudir a la historia.
Barbara. En la constitución del MEChA se definen cuatro objetivos organizativos:
1. Fortalecimiento social, político, económico, cultural y educativo de los chicanos.
2. Mantenimiento de la identidad chicana y ampliación del conocimiento cultural.
3. Ampliar el acceso de los chicanos a la educación superior.
4. Implementación de planes de acción para ayudar a la comunidad.
http://www.nationalmecha.org/
15 Por el sudoeste se entiende: Arizona, California del Sur, Colorado, New Mexico, Texas
16 Morales, E.: Living in Spanglish: The Search for Latino Identity in America, pág. 8.
17 Anzaldúa, G.: Borderlands/La Frontera: The New Mestiza, pág. 90.
18 Íbid., pág. 91.
61
Un repaso histórico de la (in)migración de los latinos
Las relaciones entre México y los Estados Unidos tienen una larga historia. Uno de
los momentos cruciales ha sido la guerra entre México y los EE.UU. (1846–1848)
que acabó con el mencionado tratado del Guadalupe Hidalgo del 1848 y con la
pérdida de casi la mitad del territorio mexicano. La ideología de la doctrina del
destino manifiesto (Manifest Destiny)19 ha servido como la base teórica para la
expansión estadounidense y para justificar la conquista del Norte de México. Dicha
ideología proclama que el pueblo estadounidense es un pueblo elegido por Dios, y
le es permitido apropiarse del territorio destinado a formar parte de los Estados
Unidos.20 La misma ideología de la doctrina del destino manifiesto influye hasta
hoy en día la política estadounidense y promueve la misión de los EE.UU. como
defensor de la democracia en el mundo entero.
Desde de segunda guerra mundial apareció la perspectiva asimilicionista que
desde entonces se ha convertido en el marco teórico más influyente y prevaleciente
en los EE.UU.
La idea principal de dicha perspectiva es que «todos somos iguales» y que no
depende de dónde uno proviene. Aprendiendo el inglés junto con los valores y
tradiciones de los blancos de la clase media y olvidando la lengua materna junto
con las costumbres de la tierra de donde uno proviene supuestamente garantizan la
integración en la sociedad dominante. Ochoa habla sobre la «Anglo conformity».
Muchos de los inmigrantes aceptan el anglo-conformismo que proclama que el
inglés y las costumbres de los anglos son las mejores y deben mantenerse como
dominantes y estándar para todos los que quieran formar parte de los Estados
Unidos. Además Ochoa destaca el concepto de «color blind» o «pover-evasive».
Este concepto supone que el sueño americano es accesible a todos aquéllos que
quieran trabajar duro, educarse y ganar dinero. Reivindica que en los EE.UU.
todos tienen la misma oportunidad de no solo aprender el idioma de América,
el inglés estándar que representa el lenguaje no marcado, sino también tener la
identidad americana, no marcada, lo cual para un latino no es siempre posible.21
Bonnie Urciuoli en su libro Exposing Prejudice Puerto Rican Experiences of
Language, Race, and Class revela que hagan lo que hagan, los grupos étnicos (se
entiende otros que los WASP, o sea, white anglo-saxon protestant), en el mejor
escenario, pueden tener éxito como un grupo étnico bueno que más o menos se
asimila o como un grupo étnico que fracasa. De todas formas, por muchas razones
muy obvias, nunca pueden lograr ser no-marcados.22
19 Por primera vez el término Manifest Destiny ha sido empleado por el periodista O’Sullivan’s
en el 1845 en el periódico New York Morning News, durante la disputa con Gran Bretaña sobre
las fronteras de Oregon. «And that claim is by the right of our manifest destiny to overspread
and to possess the whole of the continent which Providence has given us for the development of
the great experiment of liberty and federated self-government entrusted to us.»
20 Ochoa, G. L., Becoming Neighbors in a Mexican American Community: Power, Conflict,
and Solidarity, pág. 25.
21 Johnson, E. V.: «L@s poch@s, los traidores de la lengua traicionados», en: Romanica Olomucensia XVIII, Grandeur et décadence de la parole au XXIe siècle/Grandeza y decadencia de
la palabra en el siglo XXI, UP Olomouc, Olomouc 2007, págs. 137–146.
22 Urciuoli, B.: Exposing Prejudice Puerto Rican Experiences of Language, Race, and Class,
pág. 38.
62
Bajo dicha visión de la realidad estadounidense, el mantenimiento del idioma,
en este caso del español junto con las costumbres, representa los obstáculos para
la asimilación y perjudica al individuo en el proceso de hacerse americano de verdad.
Generalmente, el concepto asimilacionista se basa en el modelo de meritocracia,
y como escribe Ochoa: «[Thus], by failing to consider the larger societal factors that
impact people’s lives differently depending on their social locations – their position
in society based on race/ethnicity, class, gender, etc., this discourse blames people
of color for their positions in society and reinforces the prevailing notions of rugged
individualism and meritocracy».
Entonces, para ser aceptado en la sociedad estadounidense, «to become american», o sea, hacerse americano de verdad (sin tener en cuenta el hecho de que
América no comprende tan solo Estados Unidos) esta creencia conlleva a menudo
una ideología de la superioridad blanca. Muchas veces la percepción del español
y las costumbres mexicanas como inferiores en comparación con los valores anglosajones y el inglés llevan a los padres latinos a no enseñar el español a sus hijos,
creyendo que el conocimiento del idioma les perjudicaría. La teoría asimilacionista
niega por completo el contexto histórico, económico y político y las relaciones
complejas entre los EE.UU. y México. Ochoa destaca el malfuncionamiento de ese
sistema que supone que los mexicanos han inmigrado voluntariamente. En su libro,
Ochoa revela que la (in)migración mexicana está marcada por el colonialismo y
la explotación, el racismo y la exclusión. Como ejemplos pone la situación de los
(in)migrantes mexicanos a los que a veces no les ha sido permitido comprar las
viviendas en ciertos barrios, y se han enfrentado con la discriminación en los lugares públicos como cinemas, piscinas públicas o autobuses. Los trabajos designados
tradicionalmente a los inmigrantes mexicanos han sido peligrosos, difíciles, temporales o mal pagados. Las «escuelas mexicanas» han sido de calidad inferior con un
currículum básico enfocado en las asignaturas vocacionales sin el objetivo de poder
acceder a las universidades.
Ochoa parte de «power conflict theory», la teoría del conflicto de poder, que
se basa en la justicia social. Esta teoría toma en consideración el contexto de la
historia de la colonización del México por los EE.UU., el patrón de la explotación
laboral, la existencia del racismo individual e institucional, la discriminación y la
historia de la resistencia. Apoyándome en esta teoría voy a hacer un breve repaso de
las relaciones entre los EE.UU. y México. A través de la historia de la relación entre
los EE.UU. y México podemos observar cierto patrón de la explotación laboral de
los (in)migrantes mexicanos. Siempre cuando los EE.UU. necesitaban la mano de
obra, acudían a México y cuando entraron en la depresión económica, los mexicanos
han sido muchas veces acusados de ser la causa de los problemas económicos y
han sido perseguidos y deportados. Este círculo ha causado que los mexicanos sean
considerados en los EE.UU. los extranjeros permanentes y mano de obra explotable
y aprovechable.
La primera ola de la inmigración —contratación mexicana— ocurrió durante
la primera guerra mundial y acabó con la Gran Crisis. Los inmigrantes han sido
contratados para trabajar tanto en la agricultura como en la industria. En marco
de la Ley de la Inmigración para los Inmigrantes Mexicanos (Inmigration Act for
Mexican inmigrants), del año 1917 hasta el 1921, alrededor de 72 000 de mexicanos
63
furon contratados para trabajar en las minas, mataderos, en la construcción de los
ferrocarriles y para los trabajos temporales en la agricultura. Con la llegada de
la Gran Crisis de los años 30, los (in)migrantes han sido acusados de ser la causa
de los problemas económicos del país. Siguieron los sentimientos de hostilidad y
las acusaciones de que los mexicanos trabajaban por menos dinero y así quitaban
el trabajo a los verdaderos americanos. La histeria diseminada por los medios de
comunicación ha causado muchas deportaciones y repatriaciones. Unos años más
tarde, durante los años 40, la situación se repite: otro colapso creó nuevas necesidades de la mano de obra barata. Así se inició el programa Bracero (Bracero
program, 1942–1964). El programa conocido también como el «Emergency Farm
Labor Act» del 1942 fue promovido por el gobierno y fue creado para contratar a
los trabajadores temporales de México para ayudar a la economía estadounidense
a salir de la crisis causada por la segunda guerra mundial. El año 1953, debido
a los sentimientos anti-comunistas y la recesión económica después de la guerra
en Corea, la INS (Inmigration and Naturalization Service) está marcado por la
operación wetback.23 Durante el proyecto, acerca de 1,2 millones de los inmigrantes
ilegales fueron deportados del sudoeste de los Estados Unidos. Entre los «wetback»
deportados a México hubo también personas políticamente activas. Sin embargo,
el programa se mantuvo activo hasta el 1964. En este período, millones de mexicanos, con o sin permisos de trabajo, entraron a los Estados Unidos. Durante estos
veintidós años se crearon unos fuertes lazos familiares y redes entre la comunidad
mexicana en los EE.UU. y México.
En el año 1994 ha entrado en vigor la proposición 187. Esta proposición prohíbe a los inmigrantes indocumentados recibir la educación pública, los beneficios
médicos y muchos otros.
En el 2005 la «Ley de Protección de la Frontera, Antiterrorismo y Control de
Inmigración Ilegal de 2005» abre otra vez el tema complicado.
¿Reconquista, asimilación o el tercer camino?
Los sociólogos y sociolingüistas solían describir los Estados Unidos como el «melting
pot» de rasas, culturas y lenguas, donde a través de la fusión-asimilación surgía una
identidad única. Junto con la crisis postmoderna de la sociedad existe una fuerte
tendencia de reconsiderar la metáfora de «melting pot» que evoca una nación,
una cultura y una lengua. Aparecen unas metáforas que parecen más sútiles para
reflejan la situación estadounidense de hoy. Entre ellas la metáfora de «salad bowl»,
el mosaico o el caleidoscopio que quizás mejor refleja las realidades que siempre
están en el proceso del cambio y evolución.
Volvamos a la pregunta de Robert MacNeil y William Cran sobre la inmigración
hispana: ¿reconquista o asimilación? Para poder responder esta pregunta hay que
tener en cuenta la compleja situación de la relación entre los EE.UU. y México sin
dejar de lado el aspecto histórico, político y económico.
Ed Morales en su libro Living in Spanglish: The Search for Latino Identity in
America ofrece su respuesta; dice: «I embrace the contradiction of miscegenation
23 Wetback es un término despectivo que denomina a un mexicano o a una persona de América
central que está en los Estados Unidos ilegalmente. El término se basa en la presunción que la
persona para entrar a los Estados Unidos nadó y se mojó en el Río Grande.
64
as a potential solution. This miscegenation is the true embodiment of the revolutionary dream that has always been the root of the American psyche.»24
BIBLIOGRAFÍA
Anzaldúa, G.: Borderlands/La Frontera: The New Mestiza. Aunt Lute Books,
San Francisco, 1987.
Anzaldúa, G.: Making Face, Making Soul – Haciendo Caras. Creative and Critical Perspectives by Feminists of Color. Aunt Lute Books, San Francisco,
1990.
Huntington, S. P.: «The Hispanic Challenge», Foreign Policy, March/April
2004, págs. 1–12.
Johnson, V. E.: «L@s poch@s, los traidores de la lengua traicionados», en: Romanica Olomucensia XVIII, Grandeur et décadence de la parole au XXIe
siècle/Grandeza y decadencia de la palabra en el siglo XXI, UP Olomouc,
Olomouc 2007, págs. 137–146.
Johnson, F. J.: Speaking culturally: language diversity in the United States. Sage
Publications, Thousand Oaks, 2000.
MacNeil, R. – Cran, W.: Do you speak American? Neely Production, Inc.,
Orlando, FL, 2005.
Morales, E.: Living in Spanglish: The Search for Latino Identity in America. St.
Martin’s Press, New York, 2002.
Ochoa, G. L.: Becoming Neighbors in a Mexican American Community: Power,
Conflict, and Solidarity. University of Texas Press, Austin, 2004.
Urciuoli, B.: Exposing Prejudice Puerto Rican Experiences of Language, Race,
and Class. Westview Press, Colorado, 1996.
http://www.nationalmecha.org/ [cit. 7–6–2007].
http://www.nclr.org/content/news/detail/35482 [cit. 10–6–2007].
Znovudobytí nebo asimilace? Čikánská a mexická (i)migrace do USA
v hitorickémm kontextu
Resumé
V článku představujeme debatu zvláště o nelegální imigraci Latinoameričanů
do USA. Zaměřujeme se hlavně na imigraci Mexičanů, kteří tvoří 56 % všech osob
nelegálně žijících v USA.
Problematiku otevíráme komentářem zákona Border Protection, Antiterrorism,
and Illegal Immigration Control Act of 2005, HR 443 a shrnujeme komentáře na něj.
24 Morales,
E., Living in Spanglish: The Search for Latino Identity in America, pág. 29.
65
Vycházíme z příkladů uvedeným v knize Roberta MacNeila a Williama Crana Do
you speak American? a shrnujeme názory zastánců asimilačního modelu. Ukazujeme, že negativní postoje k nově příchozím existují od vzniku amerického národa
a jako příklad poukazujeme na situaci Němců v USA. Po připomenutí historie
amerického jihozápadu zmiňujeme legendu o Aztlánu a její politické konotace pro
chicanské hnutí. Ukázky ze spisů Glorie Anzaldúa a Eda Moralese představují pohled Latinoameričanů. Na základě knihy Gildy L. Ochoa z roku 2004 Becoming
Neighbors in a Mexican American Community. Power, Conflict and Solidarity a teorie mocenského konfliktu analyzujeme debatu o imigraci v jejím historickém, politickém a ekonomickém kontextu na pozadí složitých americko-mexických vztahů.
Zdůrazňujeme také vykořisťování mexických imigrantů v pracovních vztazích.
Na závěr nastolujeme potřebu hledání nových teoretických modelů odrážejících
lépe současnou situaci americké společnosti.
Reconquest or Assimilation? Chicano/Mexican (In)Migration to the
United States in Its Historic Context
Summary
This paper exposes the debate on immigration, in particular the illegal immigration of Latin Americans to the United States. Furthermore, the focus is on
the (in)migration of Mexicans, who form approximately 56 percent of the total
number of undocumented persons in the country. The introduction includes comments on the Border Protection, Antiterrorism, and Illegal Immigration Control
Act of 2005, HR 443, and reactions to this project are briefly summarized. Using examples presented in the book titled, Do You Speak American?, by Robert
MacNeil and William Cran, the opinions of subscribers to the assimilation model
are discussed. These state that negative feelings towards newcomers have existed
since the very creation of America; German immigrants to the United States are
used as an example for the purpose of this paper. Reviewing the history of the
Southwest territories of the United States, the legend of Aztlán, along with the
political role it played during the Chicano Movement, is mentioned. The writings
of Gloria Anzaldúa and Ed Morales are used to exemplify Latino points of view.
Based on Gilda L. Ochoa’s book from 2004, Becoming Neighbors in a Mexican
American Community: Power, Conflict, and Solidarity, and applying the power
conflict theory, the immigration debate is analyzed within its economic, political,
and historical contexts, taking into account the complexity of relations between the
United States and Mexico. Emphasis is placed on patterns of labor exploitation
of Mexican (in)migrants. To conclude, the need is expressed for new theoretical
models capable of better reflecting the current situation of society in the United
States.
Eva V. Johnson
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
República Checa
[email protected]
66
La Mauritanie, pays francophone ?
Jaromír Kadlec
1
Situation géographique
La République islamique de Mauritanie se trouve dans le Nord-Ouest du continent
africain. D’une superficie de 1 030 700 km2 , elle constitue la zone de transition entre
le Maghreb et l’Afrique noire. La Mauritanie, située dans la partie occidentale du
Sahara, est baignée à l’ouest par l’océan Atlantique et limitée au nord-ouest par
le Sahara occidental, au nord par l’Algérie, à l’est et au sud-est par le Mali et au
sud-ouest par le Sénégal. Le «pays des Maures» est divisé en douze régions (Adrar,
Assaba, Brakna, Dakhlet Nouadhibou, Gorgol, Guidimaka, Hodh el Gharbi, Hodh
el Charghi, Inchiri, Tagant, Trarza, Zemmour) et un district comprenant la capitale
et la plus grande ville de la Mauritanie, Nouakchott.
2
Population
La Mauritanie compte environ 3,1 millions d’habitants. Avant la déclaration d’indépendance en 1960, la Mauritanie était un pays de nomades qui représentaient
plus de deux tiers de la population. À cause de la sécheresse et de la politique de
l’État qui a délimité les territoires pour l’élevage, le pourcentage des nomades a
considérablement diminué et aujourd’hui ils ne représentent que 5 % de la population mauritanienne. Le taux d’urbanisation, égal à 10 % en 1960, est passé à plus
de 50 %. La capitale Nouakchott, nouvelle ville construite à partir de 1960, située
au bord de l’océan, compte environ 900 000 habitants.
Les habitants du pays se divisent en deux groupes principaux. La majorité de la
population (environ 65 %) est constituée des Maures qu’on peut subdiviser en deux
parties. Les Maures « blancs » (30 % de la population) sont d’origine arabo-berbère
et les Maures noirs sont les descendants des esclaves des Maures « blancs » qui ont
adopté la langue de leurs maı̂tres, donc la variété locale de l’arabe appelée hassanya.
Le reste de la population mauritanienne est constitué des Négro-Africains (les Peuls,
les Soninkés et les Wolofs). L’arabe est la langue maternelle d’environ 65 % de la
population du pays. Les autres communautés linguistiques emploient surtout le
pulaar (19 %), le soninké (11 %) et le wolof (6 %). Dans la capitale, pratiquement
67
toutes les ethnies mauritaniennes sont représentées et c’est l’arabe hassanya qui est
utilisé comme langue véhiculaire. La connaissance de la langue française représente
un avantage pour les diplômés qui cherchent un travail dans l’administration et
particulièrement dans les institutions financières. Selon les estimations, 5 % de la
population maı̂trise bien le français (les diplômés des écoles arabes ou bilingues qui
ont appris le français à l’école) et 4 % des habitants (surtout les immigrés du Sénégal
et de la Guinée non arabophones qui travaillent dans les villes mauritaniennes et
sont en contact avec les Européens ou les Maures) connaissent au moins les bases de
la langue française. Le français standard n’est employé que par un groupe restreint
de fonctionnaires qui ont fait leurs études à l’étranger, essentiellement en France.
Le français est utilisé évidemment beaucoup plus par les Négro-Africains que par
les Maures qui préfèrent l’arabe. Le choix de la langue dépend aussi du sujet de
la conversation. Les intellectuels négro-mauritaniens se servent du français surtout
dans la communication concernant la vie politique ou économique tandis que dans
la communication quotidienne, ils emploient leurs langues ethniques.
3
Histoire
Pendant le premier millénaire av. J.-C., les Berbères nomades se sont installés dans
cette région en voie de désertification. Les agriculteurs noirs sont devenus leurs
esclaves et ont dû se retirer dans la partie méridionale du pays. Au XVIe siècle, les
Berbères ont été assujettis par les Arabes. L’arabe hassanya, variété d’arabe parlée
par la majorité des habitants de la Mauritanie, est né du contact entre l’arabe et
les dialectes berbères.
Les Portugais sont arrivés sur la côte au XVIe siècle, suivis par les Espagnols,
les Néerlandais, les Britanniques et les Français. Les soldats de Louise Faidherbe
(1818–1889), gouverneur français du Sénégal, ont pénétré dans le pays en 1858.
En 1902, la Mauritanie a été déclarée protectorat français et en 1920, elle est
devenue colonie française, rattachée à l’Afrique occidentale française. En 1946, la
Mauritanie a obtenu le statut de territoire d’outre-mer. La France a officiellement
aboli l’esclavage traditionnel mais l’esclavage est toujours pratiqué dans le pays et
touche aujourd’hui encore 10 % de la population mauritanienne.
La présence négligeable des Français dans la colonie a contribué à maintenir
l’organisation sociale traditionnelle, basée sur le tribalisme. Le système éducatif en
Mauritanie était structuré de la même manière que dans les autres colonies faisant
partie de l’Afrique occidentale française. À la base, se trouvaient les écoles préparatoires, dites aussi écoles de village. Ces écoles étaient dirigées par un moniteur
indigène sans formation pédagogique. Les écoles préparatoires étaient subordonnées aux écoles élémentaires qui comprenaient deux maı̂tres et deux niveaux (cours
préparatoire et cours élémentaire) et qui étaient réservées aux élèves sélectionnés
dans les écoles préparatoires. Dans les grandes villes, l’administration coloniale a
créé des écoles régionales, comprenant au moins trois classes et dirigées par un instituteur français. La situation spécifique en Mauritanie a obligé les administrateurs
coloniaux à ne pas respecter les règles valables dans toutes les colonies africaines
et à les adapter aux conditions locales. Les colonisateurs ont abandonné le principe d’emploi exclusif de la langue française dans les écoles et ont intégré dans
l’enseignement les cours d’islam et d’arabe qui ne deviendra une matière faculta-
68
tive qu’en 1945. Les médersas ont été créées dans les zones maures ou fortement
arabisées. La France a essayé d’attirer les enfants de l’élite sociale qui n’avait pas
confiance dans les écoles administrées par les «paı̈ens» et envoyait les jeunes plutôt
dans les écoles coraniques. Mais le nombre de jeunes Mauritaniens qui fréquentaient
les écoles françaises était largement inférieur aux effectifs dans les autres parties
de l’Afrique occidentale française. Par exemple en 1932, parmi 48 000 élèves que
comptait l’Afrique occidentale française, 439 seulement étaient Mauritaniens. Cette
situation catastrophique est due à la conquête tardive du pays, à l’économie peu
développée, à l’indifférence des Maures envers l’enseignement réalisé dans les écoles
françaises et aussi au fait que la colonie était administrée depuis la ville de SaintLouis, située à l’extérieur de la Mauritanie. La colonie ne disposait pas de maı̂tres
en nombre suffisant. Les enseignants étaient recrutés surtout parmi les Noirs (en
Mauritanie et surtout au Sénégal) qui ne voulaient pas travailler avec les Maures.
Le système éducatif commence à se développer après la Seconde Guerre mondiale. Quelques dizaines d’élèves seulement fréquentaient les écoles coloniales avant
la guerre, tandis que pour l’année scolaire 1947–1948 on compte déjà 930 élèves
en Mauritanie. Les effectifs ont continué à augmenter. En 1955, 5 000 élèves et en
1960 11 000 élèves (donc 7,3 % de la population mauritanienne) fréquentaient les
écoles françaises. Mais le pays ne disposait que de deux écoles secondaires. Après
la Seconde Guerre mondiale, l’administration coloniale a considérablement réduit
l’enseignement de l’arabe, réalisé seulement dans les zones à population arabophone
majoritaire. De plus, les Maures ont fréquentaient beaucoup moins les écoles que
les Noirs qui avaient plus de chances d’occuper des postes dans le service public.
En 1957 la nouvelle ville de Nouakchott est devenue capitale de la Mauritanie
au lieu de Saint-Louis faisant partie du Sénégal. L’indépendance de la Mauritanie
a été déclarée en 1960 et l’avocat Moktar Ould Daddah (1924–2003) a été élu
président de la République. Moktar Ould Daddah a d’abord essayé de transformer
la Mauritanie en zone de transition entre les parties arabe et noire de l’Afrique et
de développer les relations avec la France. Les représentants des Négro-Africains
occupaient les postes importants dans l’administration et ont réussi à maintenir
les privilèges de la langue française dans la République islamique. La politique
d’arabisation ayant pour objectif de déclarer l’arabe langue officielle du peuple
mauritanien a été lancée au milieu des années soixante. Mais le pays souffrait d’un
manque de maı̂tres capables d’enseigner l’arabe classique et la Mauritanie a dû les
recruter dans d’autres pays de langue arabe. En 1966, le gouvernement a étouffé
une révolte de la population noire qui s’est produite à la suite de l’introduction
de l’arabe dans les écoles. En 1972, la Mauritanie a quitté la zone franc et a créé
sa monnaie nationale. En 1973, le pays a résilié les accords de coopération avec la
France et a intégré la Ligue arabe. Les accords de Madrid décidant du partage du
Sahara occidental entre le Maroc et la Mauritanie qui occupait le sud de ce territoire
ont entraı̂né la Mauritanie dans la guerre contre le Front Polisario. Le conflit avec
le Front Polisario a destabilisé, économiquement et politiquement, le régime de
Moktar Ould Daddah, renversé en 1978 par le Comité militaire de redressement
national, dirigé par Ould Mohamed Salek (né en 1936). Un cessez-le feu a été déclaré
avec le Front Polisario et la Mauritanie a retiré ses troupes du Sahara occidental,
occupé par le Maroc.
69
La grande sécheresse a obligé les nomades maures et la population noire installée
à la campagne à déménager dans les villes ce qui a encore augmenté la tension
existant entre les Maures et les Négro-Africains et a engendré plusieurs coups d’État
militaires. En 1979, après avoir écarté du pouvoir certains hommes politiques noirs,
l’armée a mis en place le Comité militaire de salut national, dirigé par le colonel
Ahmed Ould Bouceif (1934–1979) qui a trouvé la mort dans un accident d’avion
un mois après sa prise de pouvoir. Il a été remplacé par le colonel Mohamed Ould
Louly (né en 1943), renversé par le colonel Mohamed Khouna Ould Haidallah (né
en 1940). En 1984, le colonel Maaouiya Ould Sid‘Ahmed Taya (né en 1943) s’impose
par un coup d’État à la tête du pays. Une série de coups d’État et l’arabisation de la
vie politique ont encore renforcé la domination de la population arabo-berbère sur
les ethnies noires dont les révoltes ont toujours été brutalement réprimées. En 1991,
la Mauritanie a été obligée d’installer le multipartisme. En 1993, la terminologie de
l’administration a été arabisée et le gouvernement a interdit d’employer des mots
comme gouverneur, préfet, juge, région ou département, remplacés par les termes
arabes wali, hakem, qadi, wilaya et muqataca. En 2005, Maaouiya Ould Taya a
été renversé par le Comité militaire pour la justice et la démocratie, dirigé par
le colonel Ely Ould Mohamed Vall (né en 1953), ancien responsable de la police
mauritanienne. Sidi Ould Cheikh Abdallahi (né en 1938) a été élu en 2007 président
de la Mauritanie. L’administration, l’armée et la vie politique sont contrôlées par
les Maures et la dictature portant sur les castes et la discrimination raciale gouverne
le pays.
4
Politique linguistique
Après la déclaration d’indépendance, le français est resté la seule langue officielle
du pays. Selon l’article 3 de la Constitution de 1959, le français est devenu langue
officielle et l’arabe a obtenu le statut de langue nationale. En 1968, l’arabe a accédé
au statut de langue co-officielle avec le français. Le Comité militaire de salut national a déclaré en 1980 l’arabe seule langue officielle du pays, le pulaar, le soninké et
le wolof ont été retenus avec le statut de langues nationales et le français est devenu
la langue étrangère privilégiée. Cette politique a été confirmée par la Constitution
de 1991. L’article 6 de cette Constitution stipule que l’arabe, le pulaar, le soninké
et le wolof sont les langues nationales et l’arabe (standard) est la langue officielle.
Malgré cela, le français garde encore des privilèges et il est plus visible dans les
villes mauritaniennes que les langues nationales qui ne sont pas employées à l’écrit
(publicité, affichage).
Le français est utilisé avec l’arabe dans l’administration, dans les institutions
financières, dans les entreprises publiques, dans l’armée et dans la police. La communication en français est typique particulièrement pour les fonctionnaires négro-africains. Les lois se préparent souvent en français ou en arabe hassanya mais elles
ne sont finalement publiées qu’en arabe standard. Le français est utilisé également
au parlement. Dans la justice et dans l’administration locale, on emploie de plus
en plus l’arabe. Les langues nationales ne sont employées que dans les prêches.
Dans la première moitié des années soixante, l’enseignement dans les écoles
mauritaniennes était réalisé exclusivement en français mais les réformes scolaires
adoptées dans les années 1967, 1973 et 1979 ont renforcé la position de l’arabe dans
70
le système éducatif mauritanien. Déjà en 1959 (après l’adoption de la Constitution
qui a promu l’arabe au statut de langue nationale), le nombre d’heures d’arabe
dans l’enseignement primaire est passé de six par semaine (sur trente au total) à
huit ou dix. Mais 23 ou 25 heures de cours par semaines étaient toujours enseignées en français. Néanmoins, les parents avaient le droit de demander une dispense
des cours d’arabe pour leurs enfants. Cette réforme n’a satisfait ni les Maures qui
l’ont trouvée insuffisante, ni les Négro-Africains qui n’avaient pas envie d’étudier
l’arabe. En 1965, l’arabe est devenu la matière obligatoire dans toutes les écoles
mauritaniennes. Les étudiants, soutenus par les hauts fonctionnaires qui ont publié
le « manifeste des 19 » accusant le régime de racisme, ont déclenché dans les lycées
de Nouakchott et de Rosso une grève qui s’est transformée en conflit racial. Le bilan
officiel fait état de 6 morts et 30 blessés. Les écoles dans la capitale sont restées fermées pour le reste de l’année. Le 2e Congrès du Parti du peuple mauritanien tenu
en 1966 a adopté un programme fondé sur le bilinguisme arabe-français. À partir
de 1967, le nombre d’heures consacrées à l’arabe a sensiblement augmenté. L’enseignement primaire a vu sa durée portée de 6 à 7 ans, avec l’horaire hebdomadaire
suivant :
Année
Arabe
Français
Total
Cours
Init.
arabe
30
–
30
Cours
Init.
français
10
20
30
Cours
Prépar.
Cours
Élém. 1
Cours
Élém. 2
Cours
Moyen 1
Cours
Moyen 2
10
20
30
10
20
30
10
20
30
10
20
30
10
20
30
Dans les écoles secondaires, de quatre à neuf heures de cours par semaines étaient
données en arabe. Cette deuxième réforme s’est révélée également un échec. Les
Négro-Mauritaniens ont considéré le renforcement de la position de l’arabe dans le
système éducatif comme un outil d’assimilation linguistique menaçant leur identité
culturelle. Les élèves entrant dans enseignement secondaire ne maı̂trisaient bien
aucune des deux langues. Après le divorce avec l’ancien colonisateur au début des
années soixante-dix, le gouvernement mauritanien a décidé d’intensifier la politique
d’arabisation. Le bilinguisme n’était plus perçu que comme une étape provisoire de
l’arabisation et la Mauritanie a commencé à se préparer pour l’unilinguisme arabe.
Une nouvelle réforme éducative qui a renforcé la position de l’arabe dans l’enseignement primaire a été adoptée en 1973. Elle a ramené le primaire de 7 à 6 années
et dans les deux premières années, on n’enseignait qu’en arabe, conformément à la
répartition horaire suivante :
Année
Arabe
Français
Total
Première
30
–
30
Deuxième
30
–
30
Troisième
20
10
30
Quatrième
15
15
30
Cinquième
15
15
30
Sixième
10
20
30
Le second cycle a été également ramené à six années et comportait deux filières:
une arabe et l’autre bilingue. Dans la filière arabe, tous les cours étaient donnés en
arabe et le français n’avait que le statut de langue étrangère obligatoire, conformément à l’horaire suivant :
71
Année
Arabe
Français
Total
Première
25
5
30
Deuxième
25
5
30
Troisième
25
5
30
Quatrième
27
3
30
Cinquième
27
3
30
Sixième
28
2
30
Dans la filière bilingue, les disciplines scientifiques et techniques étaient enseignées en français tandis que l’enseignement des sciences humaines et sociales était
réalisé en arabe, conformément à la répartition suivante :
Année
Arabe
Français
Total
Première
11
19
30
Deuxième
11
19
30
Troisième
11
19
30
Quatrième
6
24
30
Cinquième
6
24
30
Sixième
6
24
30
Le baccalauréat conçu jusqu’ici à Dakar est passé dans la compétence de l’État
mauritanien. L’École Nationale d’Administration et L’École Normale Supérieure
sont devenues également bilingues. La réalisation de la réforme a été interrompue
par la guerre avec les séparatistes du Sahara occidental.
À la suite d’un mécontentement de la population négro-africaine, le Comité
militaire de salut national a approuvé en 1979 la quatrième réforme, appliquée à
partir de 1985. Selon cette réforme, chaque Mauritanien était censé devoir parler
deux langues nationales (dont évidemment l’arabe). Pour une période transitoire,
on a adopté pour l’enseignement primaire le modèle existant depuis 1973 dans l’enseignement secondaire. Les enfants maures devaient fréquenter la filière arabe avec
un enseignement réduit de la langue française, conformément à l’horaire suivant :
Année
Arabe
Français
Total
Première
30
–
30
Deuxième
30
–
30
Troisième
25
5
30
Quatrième
25
5
30
Cinquième
25
5
30
Sixième
25
5
30
Les enfants négro-mauritaniens pouvaient fréquenter les écoles arabes ou les écoles « bilingues » avec la première année complètement arabisée. La majorité a opté
pour la filière « bilingue » bien que la connaissance de l’arabe classique soit importante pour la réligion et facilite l’apprentissage de l’arabe hassanya, employé dans
la communication avec les Maures. La répartition horaire dans la filière « bilingue »
qui est (excepté la première année) plutôt française est indiquée dans le tableau
suivant :
Année
Arabe
Français
Total
Première
30
–
30
Deuxième
5
25
30
Troisième
5
25
30
Quatrième
5
25
30
Cinquième
5
25
30
Sixième
5
25
30
La solution retenue pour la période transitoire a satisfait les deux composantes
principales de la population mauritanienne. Mais les Négro-Africains avaient de
plus en plus le sentiment que l’intégration des langues africaines dans l’enseignement avait pour objectif de chasser le français des écoles. De plus, l’enseignement
72
des langues nationales ne se réalisait pas dans toutes les écoles et ne représentait
aucune perspective d’avenir parce que les langues des Négro-Mauritaniens sont
restées – malgré les promesses du gouvernement – en marge de la société. Par
exemple, pour l’année scolaire 1995–1996, toutes les écoles enseignant en pulaar,
soninké ou wolof ne comptaient que 1 750 élèves. Les chiffres relatifs aux années
scolaires 1984–1985 et 1995–1996 prouvent l’arabisation progressive de l’enseignement en Mauritanie. Pour l’année scolaire 1995–1996, la filière bilingue du primaire
ne totalisait que 7 % des élèves tandis que pour l’année scolaire 1984–1985 cela représentait 21 % des élèves. La filière bilingue du secondaire comptait pour l’année
scolaire 1984–1985 34 % des étudiants et pour l’année scolaire 1995–1996 seulement 15 % des étudiants. Une situation plus favorable pour le français persistait
dans l’enseignement supérieur où les étudiants francophones représentaient pour
l’année universitaire 1995–1996 environ un tiers de l’effectif. Parallèlement à l’arabisation de l’enseignement, l’emploi de l’arabe s’est élargi dans les autres domaines
de la vie sociale, particulièrement dans l’administration.
En 1999, la Mauritanie a adopté la dernière réforme scolaire ayant pour objectif
d’unifier le système éducatif et de mettre fin à l’existence des écoles bilingues. Le
français est introduit dès la deuxième année du primaire et est la langue d’enseignement des matières techniques tandis que l’arabe est la langue d’enseignement des
sciences littéraires et humaines. La réforme a également retiré les langues nationales de l’enseignement. Au total, on peut dire que l’arabe domine dans le primaire
et le secondaire et les positions de l’arabe et du français sont équitables dans le
supérieur. Mais plus de 60 % de la population de plus de 15 ans restent toujours
analphabètes.
Le français est présent dans la presse mauritanienne avec plusieurs titres. À la
différence de la presse dans laquelle la différence entre l’arabe et le français n’est
pas importante, les émissions de télévision et de radio sont en grande partie en
arabe et une petite place est réservée au pulaar, au soninké et au wolof.
5
Conclusion
La politique linguistique mauritanienne privilégie l’arabe moderne (et non l’arabe
classique) au détriment du français et des langues nationales. Après la déclaration
d’idépendance, tous les États situés en Afrique du Nord ont envisagé de soutenir l’arabe classique qui est devenu aussi langue officielle de la Mauritanie. Mais
l’arabe classique ne s’est pas répandu dans le pays et la population a préféré l’arabe moderne et surtout sa variété dialectale dite hassanya. Les langues nationales
étaient – à cause de la domination des Maures sur les Négro-Mauritaniens et également à cause d’un intérêt insuffisant de la part des élites noires privilégiant le
français qui pourrait selon elles faire concurrence à l’arabe – complètement négligées. Pour des raisons politiques et idéologiques le français est en déclin et est
chassé du pays par l’arabe. La population noire qui l’a défendu dans le passé, mais
sans soutien suffisant de la France et de la Francophonie, commence à s’orienter plutôt vers l’amélioration de la position de ses langues que vers la défense du
français.
73
BIBLIOGRAPHIE
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http://www.mauritania.mr
Université de Nouakchott [www document 24. 11. 2006],
http://www.univ-nkc.mr
Mauretánie, frankofonní země ?
Resumé
Ve svém článku se zabýváme jazykovou situací a postavením francouzštiny
v Mauretánii. Francouzština v zemi z politických a ideologických důvodů upadá
a je vytlačována arabštinou. Černošská populace, která v minulosti francouzštinu
74
obhajovala, necítila dostatečnou podporu ze strany Francie a v současnosti se soustřeďuje již spíše na zlepšení postavení svých jazyků než na obhajobu francouzštiny.
Mauritania, a French-speaking Country?
Summary
In this paper, we deal with the language situation and the position of French in
Mauritania. For political and ideological reasons, the use of French is declining and
it is being replaced by the Arabic language. The black population, who defended
the French language in the past, did not feel sufficient support from France. It
is currently concentrating rather on the improvement of the position of its own
languages than on the defense of the French language.
Jaromír Kadlec
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
75
Riflessioni sul valore semantico dei comparativi e
superlativi duplici degli aggettivi buono, cattivo,
grande e piccolo
Lenka Kováčová
Gli aggettivi italiani appartengono tra le parti del discorso variabili e possono
quindi essere flessi non soltanto nella categoria di genere e di numero, ma la maggior parte di essi anche nella categoria di grado. Ovviamente, la gradazione si può
applicare solamente a tali aggettivi che esprimono una qualità graduabile. Esclusi
dalla gradazione, tranne alcune eccezioni e usi traslati, sono dunque gli aggettivi
determinativi (*più questo, *più qualche, ecc.) ed alcuni aggettivi qualificativi, tra
cui quelli relazionali (*più psichico, *più cartaceo, ecc.), alterati (p. es. *più caruccio, *più grandicello ecc.) e gli aggettivi che già da soli esprimono una maggiore
intensità di una data qualità (p. es. *più colossale, *più eccezionale, ecc.) o una
qualità che non permette una gradazione (p. es. *più unico, *più terrestre, ecc.).
In base alla misura della qualità espressa dall’aggettivo, si distinguono tre gradi
principali: positivo, comparativo e superlativo.
L’aggettivo al grado positivo esprime l’esistenza di una qualità, senza precisarne la misura. La sua forma di base viene modificata soltanto in riferimento alle
categorie di genere e di numero:
(1) Franco è un bravo studente.
Il comparativo stabilisce un confronto tra due termini riguardo alla qualità
posseduta da entrambi (a) o in relazione a qualità diverse di un unico referente (b).
Il comparativo si dice poi di uguaglianza (2), di maggioranza (3) o di minoranza (4), in base all’intensità della qualità posseduta, che può essere, rispettivamente, uguale, più alta o più bassa:
(2a)
(2b)
(3a)
(3b)
(4a)
(4b)
Franco
Franco
Franco
Franco
Franco
Franco
è
è
è
è
è
è
uno
uno
uno
uno
uno
uno
studente
studente
studente
studente
studente
studente
(tanto/cosı̀) bravo quanto/come Giovanni.
tanto/cosı̀ bravo quanto/come intelligente.
più bravo di Giovanni.
più bravo che intelligente.
meno bravo di Giovanni.
meno bravo che intelligente.
77
Il grado superlativo è di due tipi: relativo e assoluto. Il superlativo relativo serve a esprimere la qualità massima (5) o minima (6) di un referente rispetto
a un gruppo di altri referenti, mentre invece il superlativo assoluto (7) indica la
qualità al massimo grado di intensità senza istituire un confronto con altri referenti:
(5) Franco è lo studente più bravo del liceo.
(6) Franco è lo studente meno bravo del liceo.
(7) Franco è uno studente bravissimo.
A differenza del latino e di alcune altre lingue indoeuropee, tra cui il ceco,
l’inglese o il tedesco, le quali formano i comparativi/superlativi di maggioranza
prevalentemente attraverso i processi di derivazione,1 l’italiano e le altre lingue
romanze ricorrono in genere alle forme analitiche, e cioè modificando l’aggettivo di
base con l’avverbio di quantità al grado comparativo:
La lingua
Positivo
ceco
inglese
latino
tedesco
italiano
francese
portoghese
spagnolo
jasný
clear
clarus
klar
chiaro
clair
claro
claro
Comparativo
di maggioranza
jasnější
clearer
clarior
klarer
più chiaro
plus clair
mais claro
más claro
Superlativo relativo
di maggioranza
nejjasnější
the clearest
clarissimus
der klarste
il più chiaro
le plus clair
o mais claro
lo más claro
Da questo punto di vista è diverso il caso dei comparativi di uguaglianza e di
quelli di minoranza, in quanto tutte le lingue suddette usano più o meno gli stessi
meccanismi di tipo analitico come l’italiano, e cioè adoperando le espressioni correlative corrispondenti a quelle italiane.2 In italiano, il comparativo di uguaglianza
è caratterizzato dall’aggiunta dell’avverbio quanto o come davanti al secondo termine di comparazione. Se si mettono a confronto due diverse qualità dello stesso
referente (o due verbi), poi l’aggettivo corrispondente deve essere inoltre introdotto
dall’avverbio tanto o cosı̀ (2b) che invece in altri casi viene di solito omesso (2a). Il
comparativo di minoranza si ottiene con l’avverbio meno posto davanti all’aggettivo; il secondo termine di paragone è introdotto dalla preposizione di (4a) o dalla
congiunzione che (4b).
1 Anche queste lingue, in certe condizioni, si avvalgono della gradazione di tipo analitico. Per es.
in inglese la gradazione di tipo sintetico riguarda soltanto gli aggettivi mono e bisillabici, mentre gli
aggettivi più lunghi sono sottoposti ai meccanismi di tipo analitico: popular > more popular > the
most popular; in latino i comparativi/superlativi analitici sono costituiti da tali aggettivi che
contengono una vocale davanti alla terminazione -us (-a, -um): dubius > magis dubius > maxime
dubius, ecc.
2 Cfr.: it. Maria è cosı̀ intelligente come suo fratello, port. María é tão inteligente como o seu
irmão, ceco Marie je tak chytrá jako její bratr, ingl. Mary is as clever as her brother; it. Maria
è meno intelligente di suo fratello, port. María é menos inteligente que o seo irmão, ceco Marie
je méně chytrá než její bratr, ingl. Mary is less clever than her brother, ecc.
78
Confrontando gli esempi (3a), (3b) con (5) e (4a), (4b) con (6), constatiamo
che l’unico elemento a distinguere formalmente il superlativo relativo dal comparativo di maggioranza/minoranza è la presenza dell’articolo determinativo davanti
al nome (o aggettivo). Il secondo termine di confronto può essere itrodotto, oltre
che dalla preposizione di, anche dalla preposizione tra/fra, mentre l’uso della congiunzione che risulta inammissibile in tutti i contesti. D’altro canto, il superlativo
assoluto si differenzia sia dal comparativo sia dal superlativo relativo, in quanto è
una forma derivata dall’aggettivo, tramite il suffisso -issimo (o gli allomorfi -errimo
e -entissimo).
Un numero limitato di aggettivi italiani è segnato dall’influsso latino che si
riflette nella formazione irregolare dei comparativi e superlativi sintetici (organici).
Dal punto di vista formale è interessante il fatto che a differenza dei comparativi/superlativi di maggioranza, i comparativi/superlativi di minoranza sono in
italiano esclusivamente analitici senza un’unica eccezione. Ciò non sorprende se si
considera che anche in latino troviamo il procedimento uguale, e cioè l’uso dell’avverbio minus davanti all’aggettivo: altus > minus altus, che corrisponde all’italiano
alto > meno alto.
Un’evidente traccia latina si nota negli aggettivi indefiniti di quantità molto/
tanto e poco, i quali sono di norma gli unici aggettivi determinativi graduabili. Essi
consentono la sola gradazione sintetica, alternando le forme regolari e irregolari:
molto/tanto–più–moltissimo/tantissimo; poco–meno–pochissimo.
Un caso a parte sono i comparativi e i superlativi organici di tipo posteriore–
postremo (postumo), che mancano del grado positivo e alcuni anche del comparativo
(per es. prossimo) o del superlativo (per es. anteriore). A volte, le forme superiore,
inferiore, interiore, esteriore; supremo (sommo), infimo, intimo, estremo, appartenenti a questo gruppo, vengono attribuite in qualità di comparativo o superlativo,
rispettivamente, agli aggettivi alto, basso, interno, esterno, ma nell’italiano contemporaneo si adoperano piuttosto come aggettivi autonomi al grado positivo.
Diversamente dagli aggettivi precedenti, gli aggettivi buono, cattivo, grande
e piccolo si distinguono per una duplice gradazione, vale a dire che, accanto ai
comparativi/superlativi regolari, dispongono anche di forme irregolari, organiche3 ,
che rispecchiano le corrispondenti forme latine:
3 Belletti chiama queste forme anche “aggettivi comparativi”. Cfr.: “Esistono alcune forme aggettivali intrinsecamente comparative. Cosı̀, accanto alla forma analitica più buono (da intendersi
in senso lato anche come equivalente di più bello o aggettivi semanticamente vicini, o come equivalente di più bravo per i nomi animati), esiste la forma sintetica migliore; accanto a più cattivo
(più brutto, meno bravo, ecc.), peggiore; accanto a più piccolo, minore; accanto a più grande,
maggiore; accanto a più alto, superiore; accanto a più basso, inferiore. Gli aggettivi comparativi
possono essere seguiti da una struttura comparativa allo stesso modo degli aggettivi modificati
da più o meno” (Renzi, L. – Salvi, G. [a cura di]: Grande grammatica di consultazione. Il Mulino,
Bologna 1991, Vol. II, p. 850).
79
Positivo
buono
cattivo
grande
piccolo
Comparativo
Superlativo relativo
di maggioranza
regolare/irregolare
regolare/irregolare
più buono/
il più buono/
migliore
il migliore
più cattivo/
il più cattivo/
peggiore
il peggiore
più grande/
il più grande/
maggiore
il maggiore
più piccolo/
il più piccolo/
minore
il minore
Superlativo assoluto
regolare/irregolare
buonissimo/
ottimo
cattivissimo/
pessimo
grandissimo/
massimo
piccolissimo/
minimo
Dal punto di vista semantico, gli italianisti considerano di solito queste coppie di comparativi/superlativi più o meno sinonimi, sottolineando però un valore
piuttosto traslato delle forme organiche. A questo proposito scrive Serianni:
Forme organiche e forme non organiche sono, nella maggior parte dei casi, semanticamente equivalenti. Nelle prime notiamo però un prevalere dei significati astratti: «il
minore dei mali» («mentre D’Annunzio definiva questo trattato ‘un tradimento’, Mussolini sul “Popolo d’Italia” lo salutava come ‘il minore dei mali’» Montanelli, L’Italia
in camicia nera, 12), «il massimo dirigente della Banca d’Italia», «un pessimo suggerimento» (tutte locuzioni in cui non adopereremmo le forme regolari corrispondenti
più piccolo, grandissimo, cattivissimo ecc.).4
Cosı̀ Dardano e Trifone:
Nella maggior parte dei casi i due tipi si equivalgono, anche se si può notare nelle
forme organiche una prevalenza del senso figurato [. . . ] Sono da evitare le “forme
miste” più migliore, più ottimo, ottimissimo, in quanto migliore è già comparativo di
maggioranza e ottimo è un superlativo assoluto.5
Hamplová approfondisce:
Massimo a minimo mají většinou význam superlativu relativního [. . . ] Stojí-li bez
členu, mohou mít i platnost superlativu absolutního [. . . ] Formy opisné i jednoduché
jsou zpravidla významově rovnocenné. Forem opisných se však užívá více s konkrétními
substantivy, kdežto forem jednoduchých se substantivy abstraktními nebo k označování povahových vlastností. Kromě toho existují určitá ustálená spojení, v nichž se
dává přednost formám jednoduchým.6
4 Serianni, L.: Grammatica italiana. Italiano comune e lingua letteraria. UTET Libreria, Torino 1989, pp. 217–218.
5 Dardano, M. – Trifone, P.: La nuova grammatica della lingua italiana. Zanichelli, Bologna
2003, p. 207.
6 Trad. it.: “Massimo e minimo hanno in gran parte il significato del superlativo relativo [. . . ] Se
usati senza articolo, possono avere anche il valore del superlativo assoluto [. . . ] Le forme analitiche
e organiche sono di norma semanticamente equivalenti. Le forme analitiche si adoperano però
prevalentemente con i sostantivi concreti, mentre le forme organiche si usano con i sostantivi
astratti o per indicare le qualità caratteriali. Esistono inoltre certe locuzioni nelle quali si dà la
precedenza all’uso delle forme organiche” (Hamplová, S.: Mluvnice italštiny. Grammatica italiana.
LEDA, Voznice 2004, p. 102).
80
Dalle osservazioni precedenti ricaviamo le seguenti affermazioni:
• nella maggior parte dei casi, i due tipi si equivalgono;
• le forme organiche si riferiscono piuttosto ai concetti astratti;
• si dà la precedenza all’uso delle forme organiche in locuzioni di vario tipo non
ben specificate;
• le forme irregolari massimo e minimo, pur essendo originariamente superlativi
assoluti degli aggettivi grande e piccolo, vengono impiegate innanzitutto nelle
veci del suparlativo relativo.
Salvo la menzione dell’atteggiamento particolare delle forme massimo e minimo,
le definizioni appaiono troppo generiche per poter illustrare in modo sufficiente la
varietà d’impiego delle due forme, come per esempio nelle frasi successive:
(8) È il mio fratello più grande/maggiore.
(9) Francesco è cattivissimo/(=) pessimo.
(10) Non fare capricci! Sta’ più buono/*migliore!
Perché nell’esempio (8) le due forme di comparativi si possono alternare senza
cambiare il senso della frase, mentre invece il significato della frase (9) cambia in
dipendenza dall’uso dell’una o dell’altra forma di superlativo, e nell’esempio (10) è
la sola forma regolare ad essere accettabile?
È proprio il caso delle forme massimo e minimo, il quale ci ha portato all’idea
che si possano riscontrare ancora delle altre anomalie individuali e che quindi sarebbe opportuno prendere in esame le singole forme regolari e metterle a confronto
con le corrispondenti forme irregolari, cercando di individuare cosı̀ le eventuali
restrizioni contestuali in rapporto all’uso delle une e/o delle altre.
1
Più buono/migliore – buonissimo/ottimo
Analizzando la coppia PIÙ BUONO – MIGLIORE, scopriamo che la forma organica
si adopera nella maggior parte dei contesti, come per es.:
(11) Branciforte è ritenuto dal governo il miglior uomo in campo. (REP, 5/6/07)
(12) E si trovò anche un modo migliore di ammazzarlo [. . . ]. (TESORO)
(13) Migliore occasione di quella non poteva darsi. (NOVELLE)
(14) Il risultato avrebbe anche potuto essere migliore, dice l’esordiente. (REP,
9/6/07)
Negli esempi (11), (12), (13) e (14) il comparativo/superlativo migliore ha il
valore, rispettivamente, di “il più bravo”, “più adatto”, “più favorevole” e “più
soddisfacente”. Adesso vediamo le stesse frasi, sostituendo però la forma organica
con la corrispondente forma analitica:
(15) (=) Branciforte è ritenuto dal governo l’uomo più buono in campo.
(16) (=) E si trovò anche un modo più buono di ammazzarlo [. . . ]
(17) Più buona occasione di quella non poteva darsi.
(18) Il risultato avrebbe anche potuto essere più buono, dice l’esordiente.
81
L’impiego della forma analitica ha cambiato il senso delle prime due frasi, per
cui Branciforte si trasforma dall’uomo più bravo all’uomo più bonario (15), e invece
di un modo più adatto di ammazzare il tempo si trovò un modo più innocuo (16).
Al contrario, le frasi (17) e (18) hanno un valore semantico assolutamente identico
a quello delle frasi originali.
Adesso esaminiamo i seguenti esempi:
(19) Quanto sei buona! Ma più buono sono io che t’ho sposata. (NOVELLE)
(20) Io sono più buono di tutti e dico sempre la verità. (PINOCCHIO)
(21) Panettone che bontà! Ma se è firmato Loison, è ancora più buono . . . (INTERNET)
Il comparativo regolare esprime qui il significato di “più bonario, gentile” (19),
“più obbediente” (20) e “più gustoso” (21). Vediamo di nuovo fino a che punto le
due forme sono interscambiabili:
(22) *Quanto sei buona! Ma migliore sono io che t’ho sposata.
(23) (=) Io sono migliore di tutti e dico sempre la verità.
(24) Panettone che bontà! Ma se è firmato Loison, è ancora migliore . . .
Questa volta riveliamo un’inammissibilità della frase nel contesto dell’esempio
(22) e una dissomiglianza di significato tra le frasi (20) e (23), ma troviamo un’equivalenza assoluta nelle frasi (21) e (24).
Riassumiamo:
Dalle nostre analisi risulta che nonostante l’effettivo uso prevalente della forma
organica in vari tipi di contesto (senza distinguere tra il concreto e l’astratto),
la stessa è inaccettabile lı̀ dove l’aggettivo buono ha il significato di “obbediente,
disciplinato; calmo, tranquillo; gentile, bonario, di buon cuore”. In questo caso si
può impiegare soltanto la forma analitica. Le due forme sono poi interscambiabili
solo se esprimono il significato di “gustoso; favorevole; soddisfacente”. Come accennato sopra, il comparativo/superlativo migliore viene inoltre adoparato in alcune
locuzioni, come per es.: la migliore società, nel migliore dei modi, passare a miglior
vita, nella migliore delle ipotesi, ecc.
I superlativi assoluti BUONISSIMO e OTTIMO vengono usati con la frequenza
più o meno uguale. Vediamo gli esempi:
(25) Ero di ottimo umore. (ZENO)
(26) Di buonissimo umore, egli mi raccontò [. . . ] (ZENO)
(27) [. . . ] ma a questi ottimi principii era mancata l’occasione di rassodarsi. (TESORO)
(28) Casa Malombra, già, non se ne parla, principii buonissimi. (MALOMBRA)
(29) Ci sono ottimi film ogni tanto, ma i generi non esistono più. (REP, 2/5/07)
(30) [. . . ] per quanto fosse notoriamente un buonissimo italiano, [. . . ] (ZENO)
(31) [. . . ] e invita a gustare ottime omelettes o uova strapazzate [. . . ] (REP,
25/5/07)
(32) Ho mangiato tantissime aragoste buonissime [. . . ] (REP, 5/5/07)
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A differenza della coppia precedente, le due forme si sovrappongono in tutti
i contesti. Troviamo addirittura una certa sinonimia anche in corrispondenza al
significato di “obbediente, disciplinato; calmo, tranquillo; gentile, bonario, di buon
cuore”, benché in quest’ultimo caso si dia la precedenza all’uso della forma regolare:
(33) [. . . ] non era altro, in fin dei conti, che una buonissima Fata, [. . . ] (PINOCCHIO)
(34) Ah, ottima figliuola, nessuno lo nega! (NOVELLE)
Riassumiamo:
I due superlativi assoluti si equivalgono perfettamente sia dal punto di vista di
frequenza sia dal punto di vista semantico, malgrado un uso prevalente della forma
regolare nei contesti nei quali l’aggettivo buono ha il significato di “obbediente,
disciplinato; calmo, tranquillo; gentile, bonario, di buon cuore”. Inoltre, di fronte
alla forma latineggiante, buonissimo si distingue per una sfumatura leggermente
più enfatica. Tra le locuzioni, che preferiscono l’uso della forma latineggiante, ricordiamo ottimo partito, in ottimo stato, ottimo carattere, ecc. In molte di esse,
però, incontriamo di frequente anche le forme regolari.
2
Più cattivo/peggiore – cattivissimo/pessimo
Visto che gli aggettivi buono e cattivo sono antonimi, ci aspettiamo di trovare certe
analogie con il gruppo precedente. Vediamo prima i comparativi/superlativi PIÙ
CATTIVO e PEGGIORE.
In primo luogo notiamo l’occorrenza prevalente di peggiore rispetto alla forma
regolare, cosı̀ come anche nel caso dei loro contrari.
Riprendiamo gli esempi (11)–(14) e (19)–(21) e trasformiamoli nel modo seguente:
(35) Branciforte è ritenuto dal governo il peggiore uomo/(=) l’uomo più cattivo
in campo.
(36) E si trovò anche un modo peggiore/più cattivo di ammazzarlo [. . . ]
(37) Peggiore occasione/occasione più cattiva di quella non poteva darsi.
(38) Il risultato avrebbe anche potuto essere peggiore/più cattivo, dice l’esordiente.
(39) Quanto sei cattiva! Ma più cattivo/peggiore sono io che t’ho picchiata.
(40) Io sono più cattivo/peggiore di tutti e non dico mai la verità.
(41) Panettone che schifo! Ma se è firmato XY, è ancora più cattivo/peggiore. . .
Soltanto nella frase (35) notiamo uno spostamento di significato analogo a quello
della frase (15), in quanto l’uomo “più incompetente, incapace” diventa l’uomo
“più temuto, spietato”; mentre invece negli altri esempi le due forme si possono
scambiare senza modificare il senso dell’enunciato.
Confrontiamo gli esempi successivi:
(42) Spalletti sostenne che il Manchester è la peggior squadra che la Roma poteva
incontrare, ma è disposto anche a rovesciare il ragionamento [. . . ] (REP,
4/4/07)
(43) (=) Spalletti sostenne che il Manchester è la squadra più cattiva che la Roma
poteva incontrare, ma è disposto anche a rovesciare il ragionamento [. . . ]
83
Il superlativo relativo peggiore della frase (42) significa “più difficile da combattere”, mentre invece la forma regolare dell’esempio (43) descrive la squadra cui ci
si riferisce piuttosto come alla “più feroce, crudele”.
Riassumiamo:
In riferimento agli esseri animati, la forma regolare è legata soltanto a tali significati dell’aggettivo cattivo quali “disubbidiente, capriccioso, scontroso; feroce,
crudele, tendente all’ira; amorale” e simili. La si può usare quindi se si desidera
esprimere le suddette caratteristiche in maniera univoca, altrimenti è possibile ricorrere alla forma organica che è applicabile in tutti i contesti. In riferimento a
cose o concetti le due forme sono interscambiabili anche se l’occorrenza del comparativo/superlativo analitico è piuttosto rara. Tra le locuzioni con peggiore vanno
menzionate per es. nella peggiore delle ipotesi, rendere peggiore, situazione peggiore,
ecc.
Anche i superlativi assoluti CATTIVISSIMO e PESSIMO hanno delle caratteristiche particolari:
(44) Se un cattivo tedesco diventa improvvisamente buono e un buon olandese
cattivissimo, ciò non ha tanto a che vedere con l’umana ambiguità, quanto
invece con le convenzioni più semplicistiche e manichee del genere. (REP,
2/2/07)
(45) E ora m’accusano che non faccio più il mio dovere; che sono un pessimo
professore; [. . . ] (NOVELLE)
(46) Ah, certo, Saro sarebbe stato un pessimo marito; ma che marito era questo,
adesso? (NOVELLE)
(47) Vedo che al mio garbatissimo amico dottore ci fai una pessima impressione.
(MALOMBRA)
Nell’esempio (44) viene adoperato il superlativo assoluto regolare in uno dei
suoi significati principali, e cioè “molto crudele”. In questo contesto specifico l’uso
della forma irregolare è piuttosto inaccettabile. L’utilizzo della forma regolare al
posto della latineggiante comporterebbe invece uno spostamento di significato nelle
frasi (45) e (46) da “molto incapace” a “molto crudele, spietato”. A proposito della
frase (47) constatiamo però l’ammissione di tutte e due le forme.
Riassumiamo:
Il superlativo assoluto cattivissimo si usa soprattutto nelle circostanze in cui
si desidera definire in modo univoco una persona (o un animale) come “molto
disubbidiente, capricciosa, scontrosa; feroce, crudele, tendente all’ira; amorale” ecc.
In altri contesti si dà la precedenza alla forma latineggiante che appare più spesso
poi anche in diverse locuzioni di tipo avere un pessimo carattere, avere una pessima
reputazione, essere di pessimo livello e altre.
3
Più grande/maggiore – grandissimo/massimo
Entrambe le forme dei comparativi/superlativi PIÙ GRANDE–MAGGIORE appaiono in una varietà di contesti con la frequenza più o meno uguale.
84
Vediamo ora se si equivalgono anche dal punto di vista semantico:
(48) Le più grandi soddisfazioni le hanno quando capiscono un turista che parla
inglese o quando imparano ad usare un programma di informatica. (REP,
27/10/06)
= le maggiori soddisfazioni
(49) Da oggi a domenica, alla nuova Fiera di Roma, si svolgerà una delle più
grandi esposizioni dedicata al mondo dei cosiddetti mezzi pesanti. (REP,
7/6/07)
= delle maggiori esposizioni
(50) Era nubile e viveva con un’unica serva di cui parlava sempre come della sua
più grande nemica. (ZENO)
= della sua maggiore nemica
(51) Non è possibile non notar subito che quelle due sorelline più grandi non hanno
nulla, proprio nulla, di comune con la più piccola, venuta parecchi anni dopo.
(NOVELLE)
= due sorelline maggiori
(52) E qui l’avvocato Zummo, con drammaticissima eloquenza, entrò a parlare
delle più meravigliose manifestazioni spiritiche, attestate, controllate, accettate dai più grandi luminari della scienza [. . . ] (NOVELLE)
= dai maggiori luminari della scienza
(53) Un tavolino più grande, intanto, non sarebbe entrato nella celletta. (NOVELLE)
(=) un tavolino maggiore
Analizzando i nostri esempi, abbiamo scoperto che le due forme sono veramente
interscambiabili in tutti i casi, con un’occorrenza prevalente (ma non esclusiva) di
forme analitiche nell’esprimere le dimensioni concrete. Vedi i seguenti esempi:
(54) Era pallida, aveva gli occhi assai più grandi del solito e velati da un languore
attonito. (MALOMBRA)
(55) A destra si vedeva la striscia biancastra delle ghiaie perdersi per campagne
sterminate; a sinistra e di fronte umili colline appoggiate ad altre maggiori [. . . ] (MALOMBRA)
Riassumiamo:
Le due forme sono quasi totalmente equivalenti sia dal punto di vista di occorrenza, sia da quello semantico, benché si noti una certa tendenza a impiegare di
meno la forma organica nei significati concreti. Occorre ricordare l’uso del comparativo/superlativo latino nelle locuzioni e denominazioni come altar maggiore, forza
maggiore, la maggior parte, stato maggiore, Orsa maggiore, maggiore età, ecc.
Di gran lunga diverso è il caso dei superlativi assoluti GRANDISSIMO e MASSIMO. Come si è detto già prima, la forma irregolare viene adoperata quasi esclusivamente con il valore di superlativo relativo (usato però in modo assoluto, e cioè
senza istituire un paragone):
(56) Già quello che ho registrato in questi fascicoli prova che in me c’è e c’è
sempre stato – forse la mia massima sventura – un impetuoso conato al
meglio. (ZENO)
85
(57) Io sono quasi sicuro d’esser riuscito a dimostrare la massima sorpresa e la
massima compiacenza. (ZENO)
(58) Il suo lavoro, da eseguire con la massima attenzione. (NOVELLE)
Spetta alla forma regolare esprimere il valore di superlativo assoluto in tutti i
contesti, mentre l’occorrenza di massimo appare da questo punto di vista piuttosto
insignificante:
(59) Io sono un grandissimo camminatore [. . . ] (MALOMBRA)
(60) I commenti furono infiniti e grandissimo lo stupore. (NOVELLE)
(61) Nella strada c’è una pozzanghera, grandissima. (REP, 18/6/07)
Riassumiamo:
Si è confermato l’uso prevalente della forma irregolare con la funzione di superlativo relativo (il paragone deve rimane implicito), il che si riflette sull’applicazione
quasi esclusiva di grandissimo, quale superlativo assoluto, nella maggior parte dei
casi. Massimo si usa inoltre in varie locuzioni, tra cui pontefice massimo, pesi
massimi, ecc.
4
Più piccolo/minore – piccolissimo/minimo
Contrariamente alla coppia degli antonimi più grande–maggiore, i comparativi/superlativi PIÙ PICCOLO e MINORE sono interscambiabili solo in parte:
(62) Uscı̀ dalla casa il più piccolo dei bambini che allora avrà avuto sei anni.
(ZENO)
(63) Le galline che devono cantare troppo forse hanno fatto un ovetto un po’
più piccolo di quello che speravano. (REP, 29/5/07)
(64) Ma non questa notte perché farò tutto un sonno, senza il più piccolo pensiero.
(ZENO)
Gli esempi riportati qui sopra rappresentano i contesti caratteristici per l’uso
prevalente della forma regolare, e cioè con significati dell’aggettivo quali “più giovane d’età” (62), “di dimensioni minori” (63) e “di poco conto, di scarsa importanza” (64); negli altri casi si dà la precedenza all’uso della forma irregolare. Nei
primi due esempi è possibile sostituire la forma regolare con quella organica senza
spostamenti di significato:
(65) Uscı̀ dalla casa il minore dei bambini che allora avrà avuto sei anni.
(66) Le galline che devono cantare troppo forse hanno fatto un ovetto un po’
minore di quello che speravano.
Nel significato dell’ultimo esempio invece la forma regolare di superlativo relativo usato in assoluto, cioè senza stabilire un paragone, può essere sostituita solo
con la forma irregolare di superlativo assoluto minimo:
(67) *Ma non questa notte perché farò tutto un sonno, senza il minore pensiero.
(68) Ma non questa notte perché farò tutto un sonno, senza il minimo pensiero.
86
Notiamo invece che se il significato dell’aggettivo piccolo è quello di “scarso,
esiguo di numero e di consistenza; meno intenso”, è possibile usare la forma minore
anche con valore assoluto di superlativo relativo. Vediamolo sull’esempio della frase
(48) trasformata nel modo seguente:
(69) Le più piccole soddisfazioni le hanno quando non capiscono un turista che
parla inglese o quando non imparano ad usare un programma di informatica.
= le minori soddisfazioni
Riassumiamo:
L’uso della forma analitica si limita a esprimere le caratteristiche piuttosto
concrete, e cioè in riferimento all’età, alle dimensioni, ecc., mentre invece in altri
contesti si dà la precedenza all’impiego della forma organica che può utilizzarsi
anche in rapporto ai significati concreti. Se però l’aggettivo viene adoperato al
grado relativo con un valore assoluto esprimente il significato “di poco conto, di
scarsa importanza”, poi ci si avvale della forma regolare più piccolo la quale può
alternarsi in questo caso con la forma irregolare di superlativo assoluto minimo. Il
superlativo/relativo minore occorre in numerose locuzioni e denominazioni, spesso
in opposizione a quelle che contengono il suo antonimo maggiore, come per es. la
minor parte, a minor ragione, frati minori, Orsa minore, Asia Minore, la minore
età, scala minore, accordo minore, ecc.
La coppia PICCOLISSIMO–MASSIMO si comporta ugualmente alla coppia
opposta analizzata sopra. Anche qui la forma irregolare si adopera in gran parte
come superlativo relativo (in modo assoluto e con un paragone implicito):
(70) “Sono a Galway in Irlanda – scrive Chiaretta – mancano venti giorni e non
c’è la minima voglia di tornare a casa e ritornare nei ranghi.” (REP, 10/5/07)
(71) Ma sentı̀ addirittura artigliarsi le dita nel vedere che colui lo accoglieva senza
il minimo riguardo. (NOVELLE)
Il valore di superlativo assoluto viene espresso spesso dalla forma regolare:
(71) Egli trasse di tasca un guanto piccolissimo. (MALOMBRA)
(72) È solo un piccolissimo gesto – spiega il sindaco Alessandro Cosimi [. . . ] (REP,
3/2/07)
ma talvolta anche dalla forma irregolare, soprattutto dopo le congiunzioni come
neppure, anche e simili:
(73) Si capiva che avrebbero sofferto e si sarebbero offesi d’una trasgressione anche
minima a quelle regole. (NOVELLE)
(74) [. . . ] avendo studiato in tutti i sensi il cielo, non vi aveva trovato neppur una
minima traccia dell’esistenza mia. (NOVELLE)
(75) Chi può dire d’aver mai ricevuto un anche minimo incitamento da loro?
(NOVELLE)
Riassumiamo:
Il valore di superlativo assoluto si esprime prevalentemente con la forma regolare. La forma latineggiante svolge di frequente la funzione del superlativo relativo, se usato in assoluto senza stabilire un confronto. Non appare inrrilevante
87
l’occorrenza di minimo nemmeno nel suo significato originario, cioè quello di superlativo assoluto, soprattutto dopo le congiunzioni di tipo neppure, anche, malgrado,
ecc. Ricordiamo ancora alcune locuzioni contententi la forma irregolare, quali ottenere il massimo risultato con il minimo sforzo, ridurre ai minimi termini, minima
unità colturale, ecc.
Riteniamo la nostra analisi tutt’altro che esauriente, ma speriamo di aver sviluppato almeno alcuni punti utili per ulteriori approfondimenti di questo fenomeno.
Fonti per lo spoglio:
INTERNET
http://www.vinoalvino.org/2006/12/panettone che bonta ma se e fi.html
MALOMBRA
Fogazzaro, A.: Malombra. Mondadori, Milano 1986.
NOVELLE
Pirandello, L.: Novelle per un anno. Newton, Roma 1993.
PINOCCHIO
Collodi, C.: Le avventure di Pinocchio. Theoria, Roma 1992.
REP
La Repubblica
TESORO
Barrili, A. G.: Il tesoro di Golconda. Marco Valerio Edizioni, Torino, 2003.
ZENO
Svevo, I.: La coscienza di Zeno. Newton, Roma, 1995.
BIBLIOGRAFIA
Andorno, C.: La grammatica italiana. Bruno Mondadori, Milano, 2003.
Dardano, M. – Trifone, P.: La nuova grammatica della lingua italiana. Zanichelli, Bologna, 2003.
Hamplová, S.: Mluvnice italštiny. Grammatica italiana. LEDA, Voznice, 2004.
Renzi, L. – Salvi, G. (a cura di): Grande grammatica di consultazione. Il Mulino,
Bologna, 1991.
Serianni, L.: Grammatica italiana. Italiano comune e lingua letteraria. UTET
Libreria, Torino, 1989.
88
Úvahy nad sémantickou hodnotou dvojích komparativů a superlativů
adjektiv buono, cattivo, grande a piccolo
Resumé
Autorka ve svém článku analyzuje komparativní a superlativní tvary italských
adjektiv buono, cattivo, grande a piccolo. Na rozdíl od obecného pojetí, které definuje pravidelné i nepravidelné formy jako celek, bez přihlédnutí k eventuálním
odchylkám v použití individuálního charakteru, jsou zde naopak jednotlivé tvary
konfrontovány odděleně s cílem poukázat na některé sémantické rozdíly omezující
výskyt jedné či druhé formy v daném kontextu.
Reflections on the Semantic value of the Double Comparative and
Superlative Forms of the Adjectives
Buono, Cattivo, Grande and Piccolo
Summary
This paper analyzes the comparative and superlative forms of the Italian adjectives buono, cattivo, grande and piccolo. In contradistinction to the general
theories which study all the regular and irregular forms as a whole, not considering
the eventual anomalies of an individual character, the single forms are here confronted separately with a view to underlining certain semantic differences among
them which may affect their occurrence in specific cases.
Lenka Kováčová
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
Repubblica Ceca
89
Elementos absurdos/fantásticos y su organización
en Preparativos de viaje de Javier Tomeo∗
Eduard Krč
J. Tomeo es un escritor contemporáneo español que se dedica, entre otras cosas,
a analizar una variante del mito acerca del hombre y su eterna búsqueda de sí
mismo, su probable transición personal. También en el libro Preparativos de viaje
(cuya primera versión sale en 1969 bajo el título Ceguera al azul), el narrador se
centra, en primera persona, en sí mismo, aprovechando de las conversaciones con
otros personajes un carácter particular dialogístico con el interlocutor mudo.1
El objetivo de nuestro interés es buscar la presencia de elementos fantásticos y
su incorporación concreta en esta novela. El narrador orienta al lector ya desde el
comienzo sobre la misión que tiene que cumplir el protagonista para demostrar su
eficacia como vendedor solvente de sillones:
Aquel día primero de enero, el Señor Consejero Delegado para la Investigación de
Nuevos Mercados (alto, violáceo y siniestro), me encomendó oficialmente la misión de
introducir nuestro último modelo de sillón giratorio en el pequeño estado montañoso
de Benujistán.2
El héroe se encuentra en una situación complicada; según la índole de la misión podemos intuir que puede tratarse de un juego sucio de la Empresa. Encima,
podemos suponer tres posibilidades que expliquen esta situación anormal:
a) huida posible al mundo absurdo/fantástico; el héroe hace todas las gestiones
necesarias, inteligentes, sumamente lógicas; sin embargo, el tipo absurdo de la misión traspasa constantemente los márgenes de lo real y se dirige hacia lo imaginario
e inquietante, como sostiene T. Todorov:
[. . . ] lo fantástico implica la percepción ambigua [. . . ]3
∗ Research for this article was done within the research “Plurality of Culture and Democracy”
provided by the Ministry of Education, Youth and Sports (MSM6198959211).
1 El protagonista, Luis Murrieta, está encargado de abrir en un país raro, llamado Benujistán,
un nuevo modelo de sillones. Como desconoce dónde se encuentra este país, busca informaciones en
agencias turísticas, en la literatura, en una biblioteca, etc., pero no consigue lograr la localización
del país. A medida que se desarrolla la anécdota, el protagonista se encuentra con más problemas
y trucos que le convencen de una estrategia maléfica por parte de la Empresa. La anécdota, harto
trivial, se convierte en una lucha implacable.
2 Tomeo, J., Preparativos de viaje. Anagrama, Barcelona 1991, pág. 9.
3 Todorov, T., Introduction à la littérature fantastique. Seuil, París, 1970, pág. 36.
91
b) alegoría de la situación actual político-económica que, de hecho, no permite
ningún tipo de resistencia individual en este estado superorganizado dictatorial
c) búsqueda de la propia felicidad individual
Teniendo en cuenta el desarrollo argumental del libro, intentemos prestar nuestro interés en los siguientes elementos absurdos/fantásticos:
a) Misión
Ya a partir de la primera frase introductoria, en la que se explicita la misión, se
incorpora un «elemento marginal, extraño, singular».
El protagonista da una serie de pasos razonables para localizar el lugar determinado y abrir el nuevo mercado. Bajo el encadenamiento de pasos lógicos y
plenamente responsables, estamos, de repente, ante una situación irresoluble: el
héroe es un vendedor de buen prestigio, de buen futuro profesional, social. Sin embargo, para no desprestigiarse, para no hacer el ridículo, demuestra timidez y miedo
personal de preguntar, lo que le empuja en una situación absurda, fantástica.
Su credo es: si se le encarga una misión, por muy difícil que sea, hará todo lo
posible para cumplirla.
Resulta que el protagonista aprovecha las experiencias personales adquiridas
durante su carrera profesional, no obstante su rutina no vale. Con el tiempo nos
lleva a un mundo delirante y a la vez intrincado. La complicada situación influye
decididamente en el desplazamiento del protagonista, y, seguidamente, en la organización de las secuencias.
La red sucesiva de objeciones que funciona como su oposición, cumple la función
anecdótica y multiplica el elemento absurdo después de la iniciación de la tarea.
En esta cronología de reducido tiempo (se le da un plazo de cinco días) se instala
una situación paradójica: la misión lanza al protagonista en la lucha de uno contra
otro, en nuestro caso, se trata más bien de la lucha de uno contra todo el mundo.
El héroe recibe la misión como un desafío, lo que significa una lucha gigantesca, en la que no se puede ganar. En este desafío él tiene que oponerse a varios
individuos, y a la red de órganos y organizaciones burocráticos de origen a menudo
desconocido. Para resolver su tarea, recurre a la agencia de viajes, después a otra
serie de agencias, emplea servicios bibliotecarios, consulta con los responsables de
la Empresa, con sus secciones distintas, con la escuela, la familia, discute con camareros, detectives, etc., y, paulatinamente, se incorpora en un mundo intrincado
de máquina burocrática. Sigue buscando, ya que su propia Empresa confía en su
eficiencia. Si hiciera preguntas, disimularía la ignorancia personal, etc. La propia
lucha simboliza aquí un acto heroico elevado en una hazaña romántica, parecida a
las hazañas de las novelas caballerescas.
Las intrigas con las que el héroe tiene que combatir, la forma sofisticada de objeciones que tiene que superar, llegan a revelar que no es una misión cualquiera; en
el fondo hay una gama rica de trampas enigmáticas; el proceso de su superación se
convierte poco a poco en conjeturas cada vez más complicadas. Pueden clasificarse
como un mundo que dispone de un «gran secreto» y de «personas enigmáticas»,
cuya función tiende a despertar la curiosidad del lector. De ahí que la misión como
problema cíclico plantee el carácter argumental de la historia.
92
b) Espacio
Otro elemento de gran interés es el espacio. En la novela podemos distinguir dos
tipos de espacio: el espacio en el que actúa el protagonista es un lugar urbano, a
primera vista, un espacio abierto. Sin embargo, el héroe se mueve entre la biblioteca,
la Empresa, la casa y la escuela. Es decir, toda la acción se lleva a cabo, de hecho,
en un espacio cerrado, bien acotado y aparentemente predeterminado para abrirse
paso a otro espacio (Benujistán). En la historia, el lugar ilusorio que debe conquistar
el protagonista es un país desconocido por todo el mundo, sin embargo, Murrieta
logra reunir anotaciones detalladas y bien contradictorias sobre el tema:
Benujistán: a) País arrocero. b) País montañoso.4
No obstante, si el lugar destinado juega con la fantasía del lector, lo absurdo
resulta también en los siguientes ejemplos:
Pero no es la primera vez que me envían a países extraños y que, al final, consigo
encontrar el camino. Hace cuatro años estuve, por ejemplo, en Yuisteyof. He ahí un
lugar auténticamente remoto. Vaya usted a Yuisteyof, me dijeron. Y yo supe ir.5
– Todo lo que usted me cuenta – dijo, sin apartar todavía la mirada del mapa –
me recuerda lo que me ocurrió hace años, al salir de la Facultad. Me concedieron una
beca en Hasertsuiop. ¿Sabe usted dónde está Hasertsuiop?6
Queda bien claro que el autor aprovecha perfectamente el más mínimo elemento
para superponerlo fuera del orden de la realidad cotidiana. Referente al espacio
podemos hacer constar que la reaparición y descubrimiento de Benujistán, meta
del protagonista, es el vehículo del argumento, que toma una parte activa en la
transformación personal y convierte al protagonista disciplinado en una persona
singular y auténtica. Su búsqueda del lugar (desconocido a todo el mundo) es el
eje en torno al que gira el argumento, este elemento espacial absurdo influye y
determina la formalización de las secuencias.
La estrategia del autor indica que, dentro de un mundo plenamente verídico,
creíble, sucede un sólo hecho increíble que da pie a la concatenación de la historia.
Cabe mencionar la existencia de la «atmósfera» angustiosa que se está creando en
la mente del protagonista a medida que se está acercando la fecha límite de su
misión.
c) Biblioteca como un lugar absurdo y los libros como un
laberinto
El lugar que concentra gran cantidad de elementos absurdos es la biblioteca. Este
lugar, tan predilecto por J. L. Borges, debería ofrecernos informaciones necesarias
gracias a los libros y otras fuentes. Pero según el mismo Borges, el libro es muy
parecido al laberinto; si hallamos una salida del laberinto, eso no significa nada,
ya que después de un laberinto sigue otro, etc. En el libro de Javier Tomeo, la
biblioteca, como fuente de conocimientos, informaciones, explicaciones, etc., genera
4 Íbid,
5 Íbid,
pág. 62.
pág. 30.
6 Íbid.
93
una función plenamente opuesta, no facilita las informaciones deseadas. El héroe
hace todo lo posible para encontrarlas; el personal de la biblioteca hace todo lo
posible para negárselas. El protagonista, para consultar un libro, tiene que escoger
el tipo de sección, rellenar la solicitud y esperar. La solicitud se manda por un tubo
neumático, es decir, a partir del momento de entregar la solicitud, ésta se convierte
en algo anónimo, si deniegan la solicitud, el lector no se entera de la razón por qué
le niegan el libro. Después de un largo tiempo de espera, el lector puede enviar el
impreso de reclamaciones, etc., vuelve a esperar y, seguidamente, tiene que superar
un montón de objeciones. . . La atmósfera de la biblioteca es deprimente, el héroe no
puede creer que ELLOS se hayan preocupado tanto para camuflar informaciones:
He aquí todo lo que pude leer:
Entrando por XXXXXX, lo primero que ocurre es Benujistán, cuyas ciudades,
según Plinio, Lib. 5, Cap 9, fueron diez mil en tiempos del rey XXXXX, que empezó
a reinar allí en el año XXXX del período XXXX. Gran parte de Benujistán es inculta,
desierta y estéril, con altas cordilleras de montes. Por el septentrión confina con XXXX;
por el occidente con XXXX;, por el mediodía con XXXXd y por el oriente con la
dilatada cordillera de montes de XXXX y con el reino de XXXX.7
Como se puede ver, la biblioteca cuenta con secciones que se dedican a la intriga
(pedir un certificado de estudios primarios. . . ). En la biblioteca se crea una atmósfera demasiado sofocante para poder hablar del ambiente académico y cultural, lo
que se debe a una evidente rareza contradictoria:
– Observará usted – le hice notar – que mientras la Enciclopedia de Wassermann
sitúa a Benujistán en el hemisferio norte, el Diccionario de Nederlinden lo hace en el
su.8
– Nuestros lectores – añadió – se limitan a leer lo que tienen más a mano. Véalos
usted mismo, casi todos son ancianos. ¿Se imagina usted a cualquiera de esos viejecitos
pidiéndome un libro sobre Benujistán?9
La información sobre la clientela viene acompañada por la siguiente información:
De vez en cuando saltaba al aire una tos larga y, casi de inmediato, otras toses
dulces y quejumbrosas respondían a la primera, estableciéndose entre ellas una especie
de tierno diálogo. El viejecito de mi derecha se había quedado dormido frente a un
gran libro de pájaros y respiraba con fatiga por la nariz.10
Otro ejemplo:
. . . me contó que los de la Sección B eran gente aficionada a la chanza y que
negaban un mismo libdro varias veces sólo para comprobar hasta dónde llegaba la
insistencia del lector.11
7 Íbid,
pág. 59.
págs. 43–44.
9 Íbid, pág. 56.
10 Íbid, pág. 57.
11 Íbid, pág. 61.
8 Íbid,
94
El protagonista intenta resistir y esclarecer la atmósfera extraña de la biblioteca,
sin embargo, su lucha es vana.
Volví al pupitre y observé que mi certificado y mi última solicitud, cosidos con
una grapa, continuaban en el cesto de las peticiones no tramitadas. No quise, sin
embargo, protestar. Pese a todo, pensé, ella [la bibliotecaria] parece ser aquí mi única
aliada [. . . ]12
Para salir de esta situación anómala y perturbadora, se decide a escalar el muro
y penetrar ilegalmente en la biblioteca para robar la enciclopedia necesaria.
La trampa se acaba y en la biblioteca:
[. . . ] ya es demasiado tarde para hacerle comprender que nuestras razones pueden
no ser las suyas. Imagínese, de todas formas, lo que significaría para nosotros admitir
que todos nuestros lectores frustrados tienen la razón de su parte. No quedaría más
remedio que variar nuestro sistema.13
d) La Empresa
La estructura de la Empresa es un modelo ejemplar de laberinto, lugar de disciplina férrea y de organización que obligatoriamente despierta inguietud, temor.
Entre otras cosas, podemos encontrar algunas menciones, comunes o misteriosas,
acerca de las distintas secciones: Jefatura de Servicios Varios, Jefatura de Ventas,
Sección A, B del Negociado de Contabilidad, Departamento de Personal, Círculo,
La Habilitación, Brigada Especial, Departamento de Impulsión Psicológica.
La evidente desproporción dramática surge entre el sistema perfectamente organizado de la Empresa y la destinación inventada e inexistente. Nos referimos a la
desproporción entre el funcionamiento de la Empresa, tan riguroso y preciso, y la
vaguedad del destino. A pesar del caos que se apodera del héroe, éste sigue obsesionado con descubrir el país, porque la Empresa motiva y obliga a sus trabajadores.
El caos mental, en que vive los cinco días, le convierte en una persona que cae cada
vez más en un laberinto sin salida.
El protagonista se ve cada vez más manipulado y sometido a una serie de
acciones extrañas, la Empresa es como fuente petrificada de la perturbación del
protagonista. En este proceso de búsqueda, reconstruyendo y penetrando en el
funcionamiento de las extrañezas, Murrieta va pasando del estado presente (el
empleado disciplinado y confuso) al estado personal completamente distinto (el
rebelde cabezón). El héroe, hundido desde el comienzo, en un misterio sin salida, se
convierte en un ser que vive continuamente su ambigüedad, un mundo de contrarios;
él procura encontrar una explicación vital, mientras que se le aleja más y más una
fórmula razonable para sobrevivir.
No es solamente la organización laberíntica e incomprensible de la Empresa,
sino también el misterio que reina y determina los contactos entre la Empresa y
los trabajadores:
12 Íbid,
13 Íbid,
pág. 72.
pág. 102.
95
[. . . ] solicité permiso para adquirir el billete en otra agencia. . . Pasaron dos o tres
minutos (me pareció oir al otro lado un cuchicheo de apresuradas consultas) [. . . ]14
Los superiores le repiten varias veces que no le quieren enviar a un país fantasma,
que:
Usted no puede ahora traicionar esta confianza. . . el Señor Consejero Delegado
tenía puestas en mí sus mejores esperanzas [. . . ]15
El cuadro enigmático que caracteriza la Empresa surge ya en la parte inicial
de la novela (Benujistán existe fuera de las coordenadas espaciales) se instala así
el desequilibrio, se realiza el binomio absurdo/lógico que estimula la anécdota. Lo
absurdo es aceptado por el protagonista, pierde esa connotación absurda porque se
convierte en una realidad cotidiana, se convierte en una tarea de honra.
La estructura de la Empresa es mágica, secreta, la conoce sólo un equipo limitado de gerentes.
Salí del despacho y atravesé el enjambre de mecanógrafas. Era la primera vez
que estaba en aquel departamento y me sentí maravillado por los movimientos precisos [. . . ]16
El protagonista debe obedecer un montón de instrucciones, entregar con una
regularidad férrea informes detallados, pedir permisos oficiales, entre una pléyade
numerosa de puertas, tiene que respetar cuál de las entradas queda secreta y cerrada
para él. El misterio de las oficinas es potenciado por un número alto de empleados,
en la mayoría de casos anónimos, sin nombre, sin historia personal.
En la Empresa el personal no tiene permitido el acceso a otras secciones excepto la de su puesto de trabajo, eso significa que en la Empresa están ubicados
seres que mayormente se desconocen (surge aquí otro laberinto de trabajadores que
se desconocen). La Empresa y su disposición geográfica sirve de contraste con el
espacio libre y amplio de Benujistán.
d) Las agencias de viajes
Al haberse informado en una cadena de agencias de viajes, el protagonista pierde
toda la certidumbre y se le ocurren ideas de alguna diabólica conjura entre ellas, de
una maquinación entre bastidores, del divertimiento e ironía de los empleados, de
un posible enemigo que probablemente mueve los hilos para desconcertarle, etc.17
Algunas puntualizaciones acerca de lo arquitectónico en la literatura
fantástica
Según Luis Vax, la literatura fantástica comprende:
1. literatura tradicional (leyenda, etc.)
2. literatura que incorpora sensaciones como terror, miedo, extrañeza, etc.
14 Íbid,
págs. 12–13.
pág. 52.
16 Íbid, pág. 52.
17 Íbid, pág. 14.
15 Íbid,
96
3. literatura poética (las imágenes poéticas se vinculan con una realidad rara,
incluso mágica)
4. literatura metafísica18
En el Prólogo a la Antología de la literatura fantástica, Bioy Casares afirma que:
Atendiéndonos a Europa y a América, podemos decir: como género más o menos
definido, la literatura fantástica aparece en el siglo XIX y en el idioma inglés.19
Conforme con sus afirmaciones, podemos decir que hay varios tipos de relatos
fantásticos, aunque es bastante difícil definir leyes generales (a veces varios tipos
de elementos absurdos/fantásticos se entrelazan, hay imprecisiones teóricas en la
narratividad fantástica, etc.). Según la tipología argumental, podemos distinguir:
lo maravilloso, lo mágico, lo sobrenatural, lo raro o lo extraño, lo sorprendente; hay
argumentos en que aparecen fantasmas, vampiros, castillos, viajes por el tiempo,
el infierno, temas metafísicos, los de la inmortalidad, del personaje soñado, de la
metamorfosis o de los tres deseos, etc.20
En la ficción de Javier Tomeo no aparecen monstruos, vampiros, magos o
dañeros, ni poderes de hechicería. Sí que hay espíritus maléficos, pues dormitan
en las cabezas de los protagonistas, en las relaciones mutuas y en la convivencia
entre el mundo humano y el universo que lo rodea. Como resultado de los pasos
particulares del protagonista de Preparativos de viaje se gradúa un ambiente propicio al miedo, se acumula la densidad y la tensión, ya que se pone fecha límite y
de ella depende la angustia existencial del protagonista, su perspectiva del futuro.
La realidad/irrealidad como sistema bidimensional está basada en la hipérbole, en
el mundo de espejos, de tareas imposibles, en él prevalecen las dudas internas, el
alienamiento y el desdoblamiento. En este tipo de convivencia se produce una dimensión específica, que parte de una ficción verosímil (Benujistán traspasa la linde
de la imaginación), de una hipótesis que va a desarrollarse, añadiendo en cada capítulo una pequeña dosis más de lo absurdo. La situación se hace extrema, el héroe
entra en un mundo improbable, exagerado, increíble y depresivo. Es inútil buscar
respuestas, no hay nadie que pueda contestar, porque son preguntas que se dirigen
a la médula de la existencia humana, a la ontología del ser humano:
[. . . ] quién me señala a mí el camino?21
Pensé que era ya imposible continuar anclado en aquel mundo insulso [. . . ]22
El héroe acepta la derrota, pero sólo en parte, porque logra desconcertar a los
gerentes cuando emprende el viaje sin llegar a enterarse de dónde se encuentra el
lugar en cuestión. Su actitud intenta demostrar su victoria y su valentía.
18 Vax,
L.: Las obras maestras de la literatura fantástica, págs. 20–45.
Casares, A., «Prólogo», en: Antología de la literatura fantástica,
http://www.ciudadseva.com/textos/teoria/opin/bioy2.htm, pág. 1 [cit. 23–4–2007].
20 Íbid, págs. 2–4.
21 Tomeo, J.: Preparativos de viaje, pág. 75.
22 Íbid, pág. 115.
19 Bioy
97
El aspecto compositivo/arquitectónico
Está bien claro que el relato fantástico como subgénero prosaico, requiere, igual
que otros relatos prosaicos, un cierto tipo de formalización más o menos regular
y rigurosa (lo compositivo). Para recordar la «dimensión configuracional», podemos subrayar aquí la investigación de Jean-Michel Adam, o Paul Larivaille, quienes
afirman la existencia de cinco macroproposiciones mínimas como orientación, complicación, evaluación, resolución y moraleja y sus funciones determinadas en un
relato fantástico.23 Esta forma compositiva/arquitectónica está concretizada también en la obra escogida de Javier Tomeo. Cabe decir que la organización formal
en Preparativos de viaje funde, de una manera sustancial, el trío de complicación–
evaluación–resolución. Son justamente estos pasos compositivos que sostienen la
reaparición de lo absurdo/fantástico en la obra mencionada y, consiguientemente,
la estructuración del relato, es decir lo «arquitectónico» de las secuencias.
[. . . ] me llenó de inquietud, porque la misión me parecía difícil, no sólo por las
rudas costumbres y las escasas preocupaciones en materia de confort que atribuía
intuitivamente a los habitantes de Benujistán, sino porque ni siquiera sabía dónde
estaba Benujistán.24
De cualquier forma, no he perdido todavía la esperanza de encontrar Benujistán.
Diría incluso que cada vez lo presiento más cerca.25
El cuerpo total del relato está compuesto por catorce capítulos, de ellos una
gran mayoría (doce en total) describen las acciones que el héroe tiene que llevar a
cabo para cumplir su misión.
La composición circular inicia su devenir en la parte orientativa, que es enormemente breve y lacónica, y pone sólo la destinación y la fecha de la marcha omitiendo
otros detalles inútiles. Desde este momento se desarrolla, de una manera repetida,
el trío configuracional de complicación–evaluación–resolución, de acuerdo con las
reacciones del protagonista, a primera vista, lógicas, racionales: el protagonista
debe, primero, localizar el lugar de la oferta y abrir un nuevo mercado.
La historia de la novela está dirigida, según la focalización del protagonista,
hacia cinco instituciones:
1. Agencia de viajes
2. Biblioteca y varias secciones
3. Empresa y Peribáñez como mensajero de la Empresa
4. Casa
5. Escuela
En cada una de las instituciones, el héroe realiza la investigación, la extensión
de los trámites difiere según la relevancia de las oficinas burocráticas.
23 Larivaille,
P.: «L’analyse (morpho)logique du récit», Poétique 19.
pág. 9.
25 Íbid, pág. 128.
24 Íbid,
98
La búsqueda
en la biblioteca . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 70
en la Empresa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 22
en la escuela . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 7
en las agencias . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5
en la casa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 12
páginas
páginas
páginas
páginas
páginas
La estructura compositiva dispone así de un conjunto de tres macroproposiciones (después de la fase orientativa): referente a la Empresa, las secuencias van
distribuidas a lo largo del texto; el protagonista tiene que presentar solicitudes, dar
explicaciones a sus superiores, presentar informes sobre los resultados conseguidos,
etc. El contacto con la Empresa es obligatorio, no puede cortarse hasta el momento
final. La Empresa encarga y pone tareas. Pues, en nuestro libro, el leitmotiv (Benujistán), presentado ya en la parte introductoria, da orientación al héroe mediante
una información crucial, y su solución aparece en la parte final. Esta información
atraviesa por la materia textual como eje central que da sentido al final. A la vez,
es la línea divisoria que revela el universo real e irreal, abriendo paso a la extrañeza
desde el principio.
Las siguientes secuencias abarcan una repetición constante y regular y, de hecho,
condensan o sincopan las macroproposiciones (complicación, evaluación, resolución). Se alternan las salidas y retornos a la biblioteca (cuatro veces), a la Empresa
(cuatro veces), a la escuela (una vez), a la casa (cuatro veces). Sin embargo, la
extensión textual concerniente a la biblioteca es primordial, con cada vuelta se
establece una situación más y más sorprendente (hermética). Así se aplica en el
texto una esquematización relativa que se fundamenta en la repetida negatividad
de respuestas. De este modo se está creando una antítesis típica, que hace mover al
protagonista a otra dimensión espaciotemporal. Lo extraño se hace cada vez más
palpable, la lógica se aplica para una situación arbitrariamente improbable, por lo
tanto, el proceso de acciones personales indica que:
[. . . ] la verdadera grandeza de mi viaje estuviese precisamente en la soledad [. . . ]26
El paso de un mundo a otro lo tiene que probar el protagonista por su propia cuenta; la Empresa no permite oposición, rebelión de otras personas; hay que
mantener el mismo grado del laberinto, mantener dos niveles de existencia profesional: el mundo de aquí y el mundo de allá, el estado de la gente trabajadora/la
gente dirigente, la gente que sabe/la gente que ignora. Si alguien procura cambiar
el status quo, entra en un terreno peligroso, extraño, fantástico (aparte de eso, lo
extraño se nota en toda la organización institucional). No obstante se encadenan los
fenómenos absurdos, hasta que llegamos a una verdadera contradicción en la que
se desvanece el devenir lógico. A medida que el relato progresa, suceden cambios y
transformaciones (la bibliotecaria, el héroe, su compañero de trabajo). Durante la
búsqueda existencial cambian las características personales, lo que se refleja en la
moraleja final:
26 Íbid,
pág. 127.
99
Han pasado ya cinco años, pero continúo viajando. Conservo sin abrir el sobre
lacrado que a última hora me entregó el Habilitado. He llegado a la conclusión de
que no contiene ningún mensaje. Tal vez, como máximo, encuentre una cuartilla en
blanco. Puede que lo único que ellos se propusieron al dármelo fue gastarme un último
y definitivo bromazo.27
El motivo de la reaparición del protagonista, que coincide con el mito del eterno
retorno humano y la búsqueda del mundo interior, se refleja fuertemente en el fenómeno espacial. El fenómeno de otra dimensión espacial determina una serie de actos
personales que desembocan en la tranformación del protagonista: se rebela contra
sus compañeros de trabajo, las instituciones burocráticas, contra la unión matrimonial. Para caracterizar las cinco consecuencias, la introducción es puramente
argumentativa, el leitmotiv de Benujistán causa la ida y vuelta del héroe. La constante negación de informaciones es una complicación que genera la repetición de
los pedidos y de las intrigas. El carácter misterioso no pierde el enigma, así que el
suspense sigue hasta la parte final del libro. El enigma se descubre en el momento
cuando la Empresa da al héroe la oportunidad de resignarse: a Murrieta le puede
sustituir otro empleado. No aceptando su oferta, el protagonista da a entender el
fracaso total de su vida personal y profesional. En el epílogo, tan breve como la
introducción, se sostiene la decisión del héroe: emprender un nuevo viaje a base de
una nueva evaluación, así se terminan las intrigas. Él logra salir del mundo real
y abrir su nueva historia personal, y, paralelamente, aclarar su propia peregrinación.
BIBLIOGRAFÍA
Bioy Casares, A.: «Prólogo», en: Antología de la literatura fantástica,
http://www.ciudadseva.com/textos/teoria/opin/bioy2.htm
[cit. 23–4–2007].
Larivaille, P.: «L’analyse (morpho)logique du récit.» Poétique 19, 1974.
Todorov, T.: Introduction a la littérature fantastique. Seuil, París, 1970.
Tomeo, J.: Preparativos de viaje. Anagrama, Barcelona, 1991.
Vax, L.: Las obras maestras de la literatura fantástica. Ed. Taurus, Madrid, 1981.
Absurdní a fantastické elementy a jejich organizace v díle Preparativos
de viaje Javiera Tomea
Resumé
Cílem této studie, zaměřené na J. Tomea, současného španělského autora, a jeho
román Příprava na cestu, je ukázat na některé podstatné momenty z oblasti fantasticko absurdní, které charakterizují zajímavou existenci protagonisty na hranici reálného/ireálného světa. Souběžně s analýzou podniku, cestovních kanceláří,
prostoru a typu práce, kterou musí Murrieta vykonat, se pozornost zaměřuje na
kompoziční strukturu s odkazem na morfologickou analýzu Paula Larivailleho.
27 Íbid,
100
pág. 128.
Absurd and Fantastic Elements and Their Organization in
Preparativos de Viaje by Javier Tomeo
Summary
The objective of the study is to analyze the novel Preparativos de viaje, by
the contemporary Spanish writer J. Tomeo. Some substantial fantastic moments
showing the coherent/incoherent realities in the life of the protagonist are presented. The type of mission that must be fulfilled by Murrieta is connected with
the fantastic world of the Enterprise, the Travel Agencies and of space. Attention
is also centred on the structure of the composition, in reference to Paul Larivaille’s
morphological analysis.
Eduard Krč
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
República Checa
krc@ffnw.upol.cz
101
Appunti per una breve storia del cinema italiano:
poetiche, autori, tendenze
Alessandro Marini
1
Gli inizi. Il cinema sotto il fascismo
La diffusione del cinema, nell’Italia dei primi anni del Novecento, è un fenomeno
incontenibile. Annunciata dai cinema ambulanti, strutture provvisorie di piazza che
spesso accompagnavano i baracconi delle fiere e le feste popolari, la cinematografia
mette ben presto solide radici nelle grandi città italiane, dove le sale di proiezione
si moltiplicano con velocità impressionante. Il cinema è uno spettacolo popolare,
capace di attrarre un pubblico eterogeneo e poco esigente in materia di ricerca estetica, attratto dal fascino della semplice immagine in movimento. Tra intellettuali
e letterati si apre un acceso dibattito, che vede da una parte entusiasti sostenitori,
conquistati dal fascino della nuova arte, e dall’altra impietosi detrattori, che non
nascondono un atteggiamento di aperto rifiuto e disprezzo. In alcuni casi, però, la
diffidenza si unisce a una forte curiosità verso le potenzialità espressive del nuovo
mezzo: è questo anche il caso di Luigi Pirandello, che, pur condannando il cinema
narrativo sul piano teorico, si orienta verso una collaborazione abbastanza intensa
con il mondo dei pur disprezzati “cinematografari”.
Il cinema italiano delle origini è caratterizzato da un forte policentrismo geografico, effetto della frantumazione linguistica e culturale del paese. Case produttive
nascono un po’ dappertutto, nelle grandi città come nei piccoli centri. Torino, fino
agli anni della prima guerra mondiale, è la città nella quale si producono più film;
seguono Milano, Napoli e Roma, che prenderà il sopravvento solo nel 1917. Capace di produrre film storici e adattamenti letterari, la produzione cinematografica
italiana si propone risultati ambiziosi, riuscendo ad esportare i propri prodotti in
Europa e in America, in particolare negli Stati Uniti, contemporaneamente alla
grande emigrazione di inizio secolo. Particolari investimenti vengono riversati nel
film storico, che negli anni ’10, celebrando le glorie dell’impero romano, sostiene
ideologicamente l’espansionismo giolittiano e l’interventismo bellico, e, anche se per
una breve stagione, fa di Torino e Roma le capitali mondiali della cinematografia,
prima del definitivo affermarsi di Hollywood. Opere come Quo vadis? (1913) di Enrico Guazzoni e poi soprattutto Cabiria (1914) di Giovanni Pastrone, di cui Gabriele
103
D’Annunzio, autore delle didascalie, assume la paternità, testimoniano l’egemonia
del prodotto italiano, la sua ricchezza espressiva e la sua maturità narrativa. È
in questi anni che cresce anche il fenomeno del divismo cinematografico, legato
alla diffusione e al successo di un cinema al femminile, che riproduce personaggi e
situazioni di aperta matrice letteraria.
Nel 1918, alla fine della Prima Guerra Mondiale, il cinema italiano inizia un
rapido declino sulla scena internazionale. La crisi ha più di una causa, e non è certo
solo dovuta alla irresistibile ascesa del cinema americano, che nel corso degli anni
’20 conquista i mercati europei. Incidono infatti anche fattori interni, tra cui un
notevole dilettantismo organizzativo e un certo tradizionalismo espressivo, che vede
ancora il cinema italiano legato a doppio nodo alle arti della parola, la letteratura
e il teatro. Anche la nascita dell’UCI (Unione Cinematografica Italiana), nel 1919,
che unisce vari marchi di produzione, potenzia una cinematografia stereotipata, di
matrice letteraria e popolare, che va per altro incontro a una rapida crisi nei primi
anni della dittatura fascista.
Con Mussolini al potere la situazione non cambia. Gli anni ’20 sono forse i
meno interessanti della storia del nostro cinema, e a stento potremmo trovarvi
un’opera capace di imporsi per le sua qualità artistiche e di resistere all’oblio.
Degno di nota è tuttavia l’entusiasmo che Mussolini dimostra nei confronti della
cinematografia. Nel 1924 nasce l’Unione Cinematografica Educativa – Luce, che
nel 1925 diviene un ente parastatale alle dirette dipendenze del governo. Cosı̀, con
i cinegiornali, obbligatoriamente proiettati nelle sale italiane prima di ogni film,
il fascismo si assicura il supporto di una propaganda capillare, fine esplicito del
Luce, che pure produce un consistente e interessantissimo materiale documentario
sulla vita quotidiana dell’Italia. Il Luce ricostruisce la storia del tempo: quella
ufficiale, seguendo le varie fasi del potere mussoliniano, dalle esibite radici popolari
dei primi anni ai fasti dell’impero e al declino della guerra, e quella popolare, volta
alla rappresentazione di un’Italia profonda, spesso assai lontana dalle mitologie del
ventennio.
Negli anni della dittatura fascista il cinema supera un’importante frontiera tecnologica: nasce il film sonoro. Mussolini in persona vaglia il primo lungometraggio
italiano, La canzone dell’amore di Gennaro Righelli (1930), tratto dalla novella
In silenzio di Luigi Pirandello. Rapidamente si diffondono nuovi canoni espressivi e di recitazione: le didascalie si riducono, la gestualità assume un ruolo non
più esclusivo nella rappresentazione dell’interiorità, il paesaggio del volto, liberato
dalla responsabilità di comunicare, senza fraintendimenti, i sentimenti e le passioni
più elementari, si apre alla dimensione simbolica. La voce aggiunge un nuovo spessore alla recitazione dell’attore, rendendone la rappresentazione più intensa e meno
dipendente dagli stereotipi del gesto, nonché assai più rispondente al bisogno di
“impressione di realtà” che da sempre caratterizza il pubblico cinematografico. Sui
costi di esercizio, il sonoro consente inoltre un rilevante risparmio: la musica dal
vivo, che accompagnava la proiezione del film muto, lascia il campo alla riproduzione tecnica del suono. Aggiungiamo infine che, nel caso italiano, la novità del
cinema sonoro si colloca sullo sfondo delle politiche autarchiche del regime, che
interviene in tal senso anche in campo linguistico, censurando i termini stranieri e
incoraggiando l’uso dell’italiano come lingua di identità nazionale. Tale politica ha
una diretta e pesante conseguenza sul cinema: già nel 1930 sono fortemente osta-
104
colati i film in lingua straniera, nel 1932 si introduce il doppiaggio (pratica assai
discutibile, per altro tutt’oggi dominante nella distribuzione dei film non italiani),
nel 1938 con la legge Alfieri il protezionismo fascista blocca praticamente l’accesso
al mercato italiano della produzione hollywoodiana, finora giudicata tollerabile per
il suo scarso spessore ideologico e politico.
Complessivamente, i due cineasti più significativi del periodo fascista sono Mario
Camerini e Alessandro Blasetti, nelle cui opere, seppure in modalità assai diverse,
prendono forma cinematografica lo spirito e l’orizzonte del tempo. Camerini è prevalentemente autore di commedie, in genere leggere e piacevoli, come Gli uomini
che mascalzoni. . . (1932), Ma non è una cosa seria (1936), Il signor Max (1937)
e Grandi magazzini (1939), in cui rappresenta con indulgenza, mantenendosi tutto
sommato distante dai miti del tempo, le miserie e le virtù dell’italiano medio.
Blasetti guida la rinascita del cinema italiano contro lo strapotere di Hollywood, è
autore eclettico e geniale, volto ad una ricerca espressiva sensibile all’influenza delle
cinematografie straniere, capace di cimentarsi in più generi e di distanziarsi progressivamente dall’ideologia di regime, di cui pure aveva esplicitamente celebrato le
gesta in Vecchia guardia (1935). Tra le sue opere, meritano di essere ricordate Sole
(1929), Terra madre (1931), entrambe molto vicine all’ideologia di regime, e ancora Resurrectio (1931), Ettore Fieramosca (1938), Un’avventura di Salvator Rosa
(1940), La corona di ferro (1941), Quattro passi tra le nuvole (1942). Collaborano
con Camerini e Blasetti due dei personaggi più significativi del cinema italiano di
questi e dei successivi decenni: Vittorio De Sica, già attivo come regista dal 1940,
e Cesare Zavattini, sceneggiatore, teorico, figura di grande rilievo professionale e
umano.
Del cinema di finzione il fascismo non sembra comunque voler fare a ogni costo
uno strumento esplicito e sistematico di propaganda. Fanno ovviamente eccezione
opere volte alla celebrazione del presente nelle vesti del passato romano (Scipione
l’Africano di Carmine Gallone, 1937). Ma in genere l’intento principale del cinema
fascista, ormai abbandonato, anche in politica, il ribellismo pseudopopolare delle
origini, sembra quello di rappresentare un’Italia piccolo-borghese, serena e priva
di conflitti. Pur essendo la cinematografia economicamente sostenuta dal regime,
nella produzione sonora degli anni ’30 convivono diverse anime, spesso aperte all’influenza di modelli stranieri e caratterizzate da un notevole eclettismo ideologico e
stilistico. Nel 1935 apre a Roma il Centro Sperimentale, sotto la guida di intellettuali come Luigi Chiarini e Umberto Barbaro (antifascista); nel 1937 si inaugura
Cinecittà, su cui il regime riversa considerevoli investimenti, e che diviene rapidamente un polo di attrazione per molti autori stranieri. Alla fine del decennio e
nei primi anni del secondo conflitto mondiale la produzione italiana si intensifica
notevolmente. Attraverso il cinema, il fascismo vuole da un lato mettere in mostra
il proprio potenziale organizzativo, con prodotti capaci di competere con la concorrenza straniera, dall’altro si propone di dare l’immagine di un paese felice e
ricco, stornando l’attenzione delle masse dagli insuccessi del conflitto bellico. Tali
obbiettivi sono perseguiti nel cosiddetto cinema dei telefoni bianchi (citiamo Mille
lire al mese di Max Neufeld, 1939 e Ore 9 lezione di chimica di Mario Mattoli,
1941), in cui l’esigenza di illusione cancella ogni traccia di un paese in camicia nera,
e lo sfoggio di bellezza e ricchezza sublima nella fantasticheria i sacrifici di guerra e
l’austerità forzata, rivelando il reale orizzonte di attesa del popolo italiano. Non a
105
caso, è proprio negli anni in cui l’Italia sta sprofondando nella tragedia della guerra,
che si assiste a una vera e propria euforia produttiva. Dal ’39 al ’43 si girano in Italia centinaia di film, che conquistano ampie fette di mercato, anche grazie al filtro
delle politiche protezionistiche sopra ricordate. Il divismo nostrano riprende piede,
dopo anni di strapotere americano, e l’autarchia prova a fare di alcuni attori, come
Amedeo Nazzari, Isa Mirando, Massimo Girotti, le nuove stelle dell’Italia fascista.
Un fenomeno particolare di questi anni, sicuramente incoraggiato dall’affermazione
del sonoro e anch’esso leggibile nella prospettiva di popolarizzazione della produzione di massa propria del tempo, è il passaggio dai teatri regionali al cinema di
attori che avranno anch’essi uno spazio di rilievo nello star system nazionale, primi
fra tutti Anna Magnani, Aldo Fabrizi e Totò.
In alternativa alla tendenza dominante, volta esplicitamente all’intrattenimento
popolare e alla semplificazione della realtà sociale rappresentata, nel variegato panorama del cinema italiano del tempo si distinguono altri due filoni di ricerca, per
certi aspetti tra loro opposti. Il primo è costituito da un gruppo di giovani autori
come Mario Soldati, Alberto Lattuada, Luigi Chiarini, caratterizzati da una scrittura elegante e raffinata, densa di echi letterari e figurativi, e attenta alla rappresentazione dell’interiorità. Il secondo comprende autori eterogenei per formazione
e poetica o, meglio, una parte della loro produzione, complessivamente caratterizzata da una scrittura diretta e immediata, volta alla rappresentazione di un’Italia
cinematograficamente poco esplorata. Si tratta di una produzione assai varia che
potremmo definire, con inevitabile approssimazione, protoneorealista. Rientrano
in essa opere come Il canale degli angeli (1934) di Francesco Pasinetti, La fossa
degli angeli (1937) di Carlo Ludovico Bragaglia, e poi, soprattutto, il già citato
Quattro passi tra le nuvole di Alessandro Blasetti, I bambini ci guardano (1943)
di Vittorio De Sica, Avanti c’è posto. . . e Campo de’ Fiori (anch’essi entrambi del
1943) di Mario Bonnard. Una vera svolta è rappresentata da Ossessione (1943),
opera prima di Luchino Visconti, che riesce a rappresentare come mai prima d’ora
la realtà profonda e tragica della provincia italiana, saldando il canone verista del
documento umano con la lezione del cinema francese e di quello americano. Con
Ossessione si apre indubbiamente un’epoca del cinema italiano, segnata dal rifiuto
di ogni visione consolatoria e da una tensione etica che non hanno precedenti nella
nostra cinematografia d’anteguerra.
Poche cose restano da dire sul cinema di Salò. Come è noto, con il ’43 Cinecittà
venne smantellata e il regime cercò di spostare la produzione a Venezia. L’intento di
mettere nuovamente in piedi la cinematografia italiana si scontra con l’emergenza
storica di un potere ridotto allo stremo. Prevale cosı̀ la produzione documentaria
del Luce, che, pur mostrando gli esiti dei bombardamenti sulle opere d’arte delle
città italiane, omette di rappresentare l’avanzata degli alleati e solo eccezionalmente
accenna alla presenza, in Italia, di una guerra civile. I film di finzione non superano
la ventina, e sono quasi tutti commedie sentimentali, avulse dalla tragedia del
presente.
2
Il Neorealismo
Dopo il crollo del Fascismo e la fine della Seconda Guerra Mondiale, la cinematografia italiana, pur abbattuta economicamente dal dramma della guerra, dimostra una
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inaspettata vitalità. Pervaso da un’urgenza espressiva e comunicativa – raccontare
le vicende della guerra –, il cinema italiano di questi anni è una delle più intense manifestazioni di quell’ “immediatezza di comunicazione”, di quella “tensione morale”
di cui scrive Italo Calvino nella sua Presentazione a Il sentiero dei nidi di ragno:
la vita sembra “qualcosa che può ricominciare da zero”, e cosı̀ il cinema.1 È Cesare
Zavattini a individuare le basi teoriche del Neorealismo in una “poetica dell’immediatezza”, finalizzata alla diretta rappresentazione dell’esperienza umana. Nelle
sue posizioni più estreme, Zavattini arriva a negare anche la dimensione narrativa
del cinema, il suo bisogno di storie che soffoca l’urgenza della rappresentazione
diretta della sofferenza e dell’ingiustizia. Proprio per questo, il Neorealismo aspira a tagliare i ponti con la letteratura: un film adattato non è un film vero, ma
solo una trasposizione di una storia già pensata e costruita, quindi intimamente
falsa.
Gli americani osteggiano apertamente la produzione italiana, identificata col
fascismo, e si preparano a invadere il nostro mercato nazionale. Ai nostri registi,
privi di mezzi economici, non resta che volgere lo sguardo intorno a sé e rappresentare la strada. La riproduzione di un reale non convenzionale, riconoscibile da un
pubblico come proprio, vissuto, sofferto costituisce la cifra del Neorealismo e dei
suoi capolavori, capaci di restituire dignità e prestigio internazionale a un popolo
umiliato dalla guerra. Un piccolo gruppo di capolavori come Roma città aperta
(1945, Gran premio internazionale a Cannes), Paisà (1946), Germania anno zero
(1948) di Roberto Rossellini, Sciuscià (1946) e Ladri di biciclette (1948) di Vittorio De Sica propongono agli italiani il volto di una realtà ben conosciuta ma finora
irrappresentabile, e divengono, all’estero, un modello etico ed estetico capace di
influenzare generazioni di cineasti. Roberto Rossellini in particolare opera una vera
e propria nobilitazione del quotidiano. Roma città aperta è il film che segna la sua
svolta dal cinema di propaganda alla consapevolezza del male storico rappresentato dal fascismo e dalla guerra. Proponendosi di mostrare il diffuso antifascismo
del popolo romano, Rossellini abbassa la macchina da presa ad altezza d’uomo, rappresenta miserie, illusioni e ideali. Paisà è un viaggio attraverso l’Italia dei dialetti.
Costituito da sei episodi, rappresenta il polittico variegato del sentire popolare
italiano, della sua carica etica e civile, in un viaggio da sud a nord che è anche
metafora di un riscatto morale contro la barbarie storica del fascismo. Edmund,
il giovane protagonista di Germania anno zero, assorbe il cinismo del contesto in
cui si trova a vivere, uccide il padre e si suicida. Il film, pur segnato anch’esso
dal rigore espressivo e morale dei precedenti capolavori, testimonia cosı̀ del pessimismo di chi sente che, nello spazio del moderno, una vera ricostruzione morale è
impossibile, e apre all’evoluzione del cinema di Rossellini verso tematiche psicologiche e religiose, verso una nuova sensibilità espressiva e uno sperimentalismo che
lo accompagneranno per tutta la sua carriera.
Dalla collaborazione tra Vittorio De Sica e Cesare Zavattini nascono Sciuscià
e Ladri di biciclette, che ottennero entrambi un vastissimo successo internazionale.
Più orientati all’apologo, al coinvolgimento affettivo e psicologico, i film di De
Sica e Zavattini ricercano una loro spontaneità non tanto nel distacco drammatico
proprio di Rossellini, quanto in una recitazione non professionale e nella leggera
1 I.
Calvino, 1964, Presentazione a Il sentiero dei nidi di ragno, Einaudi, Torino, p. 7.
107
semplicità degli intrecci e delle soluzioni narrative. Il loro successivo film, Miracolo
a Milano (1951, Gran premio internazionale a Cannes), è non a caso una sorta di
favola metropolitana, in cui la materia potenzialmente ancora “neorealista” viene
sottoposta a una rielaborazione espressiva ormai lontana dallo spirito dei precedenti
film, cui appare decisamente più vicino il successivo Umberto D. (1952).
Negli stessi anni, Luchino Visconti gira due film importanti. Il primo, La terra
trema (1948), ispirato a I Malavoglia di Giovanni Verga, condivide col clima del
tempo l’attenzione per il mondo popolare, in questo caso quello dei pescatori siciliani, intervenendo però su di esso con una scrittura non spontanea ma costruita,
capace di avvalersi di un uso potente del montaggio e della colonna sonora. Anche
in Bellissima (1951) il Neorealismo di Visconti si ferma all’ambientazione della
vicenda e alla capacità di osservare da vicino il vissuto e l’immaginario della protagonista, impersonata per di più dalla stessa Anna Magnani di Roma città aperta.
Le soluzioni strutturali e formali mettono ancora in luce una scrittura personale
e ricca di riferimenti letterari e pittorici, che assumeranno un rilievo dominante a
partire dal successivo Senso (1954), che rielabora una novella ottocentesca di Camillo Boito. Ormai lontano dal pattern neorealista, il progetto di Senso è quello
di recuperare l’interpretazione che Antonio Gramsci aveva dato del Risorgimento
e della nascita dello Stato italiano nel 1861 (una rivoluzione mancata, secondo
Gramsci, che aveva lasciato inalterati i veri rapporti di potere), collocandola sullo
sfondo del melodramma e dell’opera lirica, di cui Visconti utilizza temi e aspetti
della rappresentazione.
Con il Neorealismo si afferma dunque un canone espressivo volto all’esplorazione etica di un reale non banale, un canone capace di attrarre una buona parte
dei cineasti del tempo, non esclusi lo stesso Blasetti, Giorgio Ferroni, uno dei pochi
che pure avevano risposto all’appello di Salò, e Giuseppe De Santis, autore di Riso
amaro (1949), film di grande successo e di buona fattura che rilanciò il fenomeno
del divismo nostrano, grazie all’esordiente Silvana Mangano, la prima “maggiorata” del nostro cinema, icona di un’abbondanza e di un benessere che l’Italia di
quegli anni poteva solo sognare. Respirano il clima del Neorealismo molti registi
esordienti negli anni Cinquanta, autori che ben presto differenzieranno la propria
ricerca prendendo strade tra loro ben diverse. Francesco Maselli dirige Gli sbandati
(1955), concentrando la sua attenzione sul comportamento e la morale borghese.
Prima di loro Mauro Bolognini esordisce come autore di commedie e di adattamenti
letterari, mentre Carlo Lizzani con Achtung! Banditi! (1951) e poi con Cronache di
poveri amanti (1954) appare impegnato a mantenere vivo un legame con i principi
profondi del Neorealismo, evitando la stilizzazione e l’agiografia.
Il Neorealismo è insomma un modello di grande forza, che per alcuni anni riesce
a emarginare alcuni pur apprezzabili non allineati, come Lattuada e Soldati, confinati nel limitativo cliché del calligrafismo. Ben presto però il cinema d’autore del
secondo dopoguerra si orienta verso percorsi divergenti e originali, e la produzione
commerciale privilegia film di più facile consumo. Gli anni Cinquanta sono infatti
caratterizzati dalla progressiva affermazione del cinema comico. Julien Duvivier, un
regista francese, gira una serie di film di successo ispirati alla figura di Don Camillo,
adattando per lo schermo i romanzi di Giovanni Guareschi. Antonio De Curtis, in
arte Totò, è il volto più conosciuto del cinema comico del tempo. Il successo commerciale dei suoi film porta allo sfruttamento intensivo della sua maschera, quella
108
dell’italiano costretto ad arrangiarsi per sopravvivere ai soprusi del potere, di cui si
ridicolizzano i falsi miti e l’intima vuotezza. L’anarchismo di fondo dei molti personaggi interpretati da Totò si esprime nell’inventiva linguistica e gestuale, nella loro
imprevedibilità e irriverenza. Sarebbe impossibile fornire in questa sede un elenco
dei film interpretati da Totò (circa un centinaio nell’intero dopoguerra): l’entità del
fenomeno testimonia comunque della sua capacità di fotografare le contraddizioni
italiane, il nuovo benessere, l’individualismo, la sopravvivenza di modelli di comportamento arcaici e clientelari. Affianca il genere comico nelle classifiche di incassi
il filone storico-mitologico, volto a una rivisitazione e a una spettacolarizzazione
del mito in prospettiva popolare e avventurosa. Le fatiche di Ercole (1958) di Pietro Francisci è forse il film più fortunato nell’ambito del genere, ma non è certo
l’unico grande successo di pubblico. L’affermazione del film storico-mitologico, che,
si noti, fuoriesce dai confini nazionali, è sicuramente dovuta alla semplicità della
dimensione psicologica dei suoi intrecci, alla riconoscibilità in essi di un rassicurante principio del Bene. Solo la critica italiana, tradizionalmente poco propensa a
valorizzare il cinema popolare e di genere, condanna in blocco una produzione di
grande valore artigianale e di grande inventiva, spesso ironica, colta e orientata a
una riflessione sul presente tutt’altro che superficiale. Alcuni registi, come Vittorio
Cottafavi (La rivolta dei gladiatori, 1958; La vendetta di Ercole, 1960 e molti altri),
ottengono addirittura ampi riconoscimenti all’estero.
3
Il tempo degli autori
Tra la fine degli anni Cinquanta e l’inizio degli anni Sessanta si consuma una nuova breve stagione in cui il cinema italiano conosce un grande successo a livello sia
nazionale che internazionale. Gli incassi astronomici determinano una diffusione
capillare della distribuzione sul territorio italiano: la sala cinematografica diviene
uno spazio simbolico dell’immaginario popolare, un luogo di incontro e di avventura. All’estero i film italiani sono apprezzati sia per la loro qualità cinematografica
ed artigianale, sia per la sensibilità con cui alcuni autori riescono a cogliere le problematiche del cambiamento in un’Italia in rapida trasformazione. La produzione,
sulla spinta del successo economico, sforna all’inizio degli anni Sessanta una quantità impressionante di film. La recessione inizia alla metà del decennio, e appare
dovuta a varie ragioni. Soprattutto, influenza e condiziona la produzione cinematografica l’affermarsi della televisione come strumento popolare di comunicazione.
Il linguaggio visivo del nuovo mezzo, la proposta di un intrattenimento facile e immediato, la fruizione privata dello spettacolo televisivo determinano un progressivo
ma inarrestabile declino del cinema: dal 1965 le sale iniziano a chiudere un po’
ovunque, e soprattutto nei piccoli centri, svuotati dalla forte migrazione interna
verso le grandi città.
Ma andiamo con ordine. Abbiamo visto come sia il film di genere, comico
e storico-mitologico, a trainare il mercato cinematografico degli anni Cinquanta.
All’inizio del nuovo decennio, assistiamo a una crescita qualitativa della commedia
e alla sua assunzione al rango autoriale (ancora una volta, però, soprattutto ad
opera della critica straniera). Il genere affonda le sue radici nelle forme più alte
della tradizione letteraria italiana, soprattutto boccaccesca e goldoniana, la cui
mimesi del vissuto viene rielaborata ed adattata al nuovo contesto delle trasfor-
109
mazioni socio-economiche portate dal miracolo economico. Il successo e l’egemonia
della “commedia all’italiana” sono annunciati da due film di Mario Monicelli: I
soliti ignoti (1958) e La grande guerra (1959, Leone d’oro a Venezia), in cui il
registro comico si affida in modo efficace alla parodia dell’eroico, per fotografare
un paese sospeso tra opportunismo, miseria e nuova ricchezza, alla problematica
ricerca di una nuova identità. Se Monicelli è il cineasta che riesce per primo a
emergere nel genere con autentico spessore autoriale, e a firmare una lunga serie di film di successo, occorre ricordare autori come Dino Risi (Il sorpasso, 1962;
I mostri, 1963), Mauro Bolognini, Steno, Luigi Comencini (Tutti a casa, 1960),
Pietro Germi (Divorzio all’italiana, 1961; Signore e signori, 1965, Palma d’oro a
Cannes), Luigi Zampa (Il medico della mutua, 1968), Luciano Salce (Ti ho sposato
per allegria, 1967), Ettore Scola (C’eravamo tanto amati, 1974; Brutti, sporchi e
cattivi, 1976), Lina Wertmüller (Mimı̀ metallurgico ferito nell’onore, 1972), capaci
di accompagnare il genere fino alla metà degli anni Settanta, lungo un quindicennio di grande splendore. Alle loro spalle c’è un piccolo esercito di ottimi sceneggiatori, volti a una ricerca narrativa mai banale e capaci di saldare una sapiente
rilettura della tradizione di genere ad un intelligente sperimentalismo narrativo:
Age, Furio Scarpelli, Ruggero Maccari, Leo Benvenuti, Rodolfo Sonego, Piero De
Bernardi. La commedia degli anni Sessanta è esplorazione del quotidiano, rappresenta l’italiano medio, i suoi difetti di sempre e le sue discutibili virtù con uno
sguardo maturo, spesso impietoso, che pure lascia trasparire la simpatia dei vari
personaggi, travolti da spinte più forti della loro statura morale, dal desiderio di
agiatezza e dal bisogno di esorcizzare, in una continua adolescenza, la morte, la
passata miseria e gli orrori della guerra. La nuova ricchezza, il crescente consumismo, l’apertura dei costumi sessuali, contrastata dal persistere del provincialismo
maschilista di sempre, la trasformazione edilizia sono indagati con sguardo attento,
spesso disincantato, e a volte perplesso, per non dire sgomento. Non sempre al
cinema si riesce a ridere, a volte, come avviene esemplarmente in Un borghese piccolo piccolo (1976) di Monicelli, si ha l’impressione che la commedia, genere del
quotidiano, non riesca più a nobilitare una realtà sempre più trita e moralmente
misera. La commedia resuscita infine il divismo maschile, svuotandolo però del
suo carattere sessista e adattandolo alle esigenze del genere: Vittorio Gassmann,
Alberto Sordi, Nino Manfredi sono i protagonisti di decine di film, icone riconoscibili di un qualunquismo e di un opportunismo assai familiare allo spettatore,
assai più che impenetrabili seduttori, mitizzati dallo sguardo del pubblico femminile.
Ma è a partire dagli anni Cinquanta che il cinema italiano conosce una grande
affermazione del cinema d’autore, grazie ad alcuni registi-intellettuali che sono riusciti con grande sensibilità a fondare un’estetica e una poetica originali e mature,
capaci sia di conquistare i gusti di un pubblico abbastanza esteso, sia di farsi apprezzare, e spesso osannare, dallo sguardo più esigente della critica internazionale.
Il 1960 è un anno in tal senso emblematico: ai vertici delle classifiche d’incasso
sono film d’autore come La dolce vita di Federico Fellini, Rocco e i suoi fratelli
di Luchino Visconti, La ciociara di Vittorio De Sica e il già citato Tutti a casa di
Luigi Comencini. La produzione d’autore si impone insomma anche come genere
di successo: i film italiani vengono largamente distribuiti all’estero, ove ottengono
riconoscimenti e un diffuso apprezzamento.
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Presentiamo ora alcuni tra i più significativi autori della storia cinematografica
italiana, inserendoli convenzionalmente in questo capitolo per comodità di trattazione, pur essendo essi attivi per un arco di tempo più lungo.
3.1 Federico Fellini (1920–1993)
Federico Fellini è forse il regista italiano più conosciuto all’estero. La sua produzione ha accompagnato decenni di storia nazionale, ricostruendo con una poetica
originale e consapevole miserie e ossessioni del senso comune italiano. L’irriducibilità della sua estetica alle istanze dominanti nel cinema del secondo dopoguerra
ha a lungo impedito a Fellini di ottenere un unanime e meritato riconoscimento
da parte della critica italiana. Il cinema di Fellini è infatti assai lontano dalla
militanza politica e dal canone realistico del cinema-verità; il suo percorso è piuttosto quello della fantasia, di un realismo sempre deformato da una scrittura fiabesca e poetica, esplicitamente artificiale. “La menzogna è l’anima dello spettacolo”,
sosteneva Fellini, e la sua scrittura appare costantemente segnata dal bisogno di
affabulazione e ricostruzione fantastica, assai più che dall’intento di fotografare
l’esistente.
La formazione dell’autore è legata alla figura di Rossellini, con il quale Fellini
collaborò negli anni ’40 in Roma città aperta e, soprattutto, in Paisà. Da Rossellini Fellini apprende non tanto un’estetica quanto uno stile di lavoro: a “vivere la
vita di un film come un’avventura meravigliosa”, nonostante le avverse condizioni
degli anni della ricostruzione. Tematicamente, alla base dell’immaginario felliniano, non saranno cosı̀ il motivo dell’impegno, dei conflitti e dell’identità sociale e
politica dell’Italia del secondo dopoguerra, ma i miti dell’arte popolare, del circo,
dell’avanspettacolo e del fumetto umoristico, che il regista ricostruirà mettendone
in rilievo ora le loro componenti grottesche, ora quelle malinconiche e favolistiche
già a partire da Luci del varietà (1950, girato insieme ad Alberto Lattuada) e Lo
sceicco bianco (1952).
Il primo capolavoro di Fellini è indubbiamente La strada (1954), con Anthony
Queen e Giulietta Masina, moglie del regista e protagonista di molti suoi film. La
strada è una sorta di apologo su innocenza e brutalità, che si incarnano nei due
personaggi principali, Zampanò e Gelsomina, due girovaghi. La dimensione psicologica, il tono fiabesco della narrazione mettono in rilievo una prospettiva di ricerca
già estranea al canone neorealista, ulteriormente approfondita in Le notti di Cabiria (1957). Qui, il conflitto con la tradizione realista è evidenziato dall’ambiguo
rapporto tra ambientazione (la periferia, come in molti capolavori del Neorealismo)
e scrittura cinematografica, sempre volta alla ricostruzione favolistica delle peregrinazioni della dolce, ingenua e sorridente protagonista, una inverosimile prostituta
ancora interpretata, con tratti clowneschi, dalla Masina. Ma sono due capolavori dei
primi anni ’60, La dolce vita (1960, Palma d’oro a Cannes) e Otto e mezzo (1963),
a garantire a Fellini un successo e una notorietà internazionale. La dolce vita è
un ritratto, anch’esso artificiale e costruito, della Roma del benessere, della sua
vita notturna e mondana, dei suoi appartamenti di lusso. Una Roma, vuota, falsa
e corrotta che Fellini osserva con occhio disincantato: una metonimia della stessa
Italia, lanciata verso un boom economico inimmaginabile fino a pochi anni prima,
ma intimamente vuota, priva di prospettive e di consapevolezza, disperata. Otto e
mezzo ci porta nel mondo del cinema, toccando quindi tematiche e personaggi che
111
rimandano direttamente alla dimensione biografica del regista. Il protagonista del
film è appunto un regista in crisi creativa, interpretato da Marcello Mastroianni,
indimenticabile interprete di molti capolavori del cinema italiano. In Otto e mezzo
lo sguardo del regista ricostruisce l’ambiente del cinema secondo le categorie del
grottesco e dell’immaginifico, trasferendo sulla pellicola i complessi, le frustrazioni
e le idiosincrasie di un universo sorprendente e incomprensibile.
Dopo Otto e mezzo, lo sperimentalismo felliniano raggiunge ottimi risultati con
Satyricon (1969), una favola per adulti, liberamente ricostruita dal modello dello
scrittore latino Petronio, e soprattutto con il conosciutissimo e apprezzatissimo
Amarcord (1973), una dichiarazione d’amore verso il passato e verso l’immaginario personale del regista, nonché ricostruzione fantastica e corale di un universo
umano, quello della città natale del regista, Rimini, rappresentato con disincanto,
leggerezza e squisito artificio. Il “mi ricordo” del titolo richiama cosı̀ alla memoria
genitori, parenti, professori, preti, fascisti, la Mille Miglia, popolare corsa automobilistica, e il passaggio di un transatlantico, raccontando di un’iniziazione all’età
adulta vissuta nel segno di una sessualità repressa e incontenibile e dell’inconsapevolezza propria della giovinezza. Metafora del sentire italiano, dei suoi complessi,
della sua grettezza e del suo slancio vitale ed erotico, la Rimini di Amarcord è la
trasfigurazione di un’Italia arcaica e provinciale, comunque più sincera e autentica
dell’Italia tecnologica e ambiguamente moderna degli anni Settanta.
Dopo Casanova (1976), Prova d’orchestra (1979) e La città delle donne (1980),
Fellini firma altri due capolavori. Il primo è E la nave va (1983), una grandiosa
allegoria del naufragio del presente, ricostruita in una finta cronaca d’epoca. Siamo
nel 1914, e la voce discreta e ammiccante del narratore Orlando, un giornalista
di cronaca mondana, ci guida attraverso una originale crociera: una eterogenea
comunità di intellettuali, artisti e potenti si sta recando verso l’isola natia di Edmea Tetua, ammirata cantante lirica, per spargerne le ceneri in mare. Nelle manie,
nell’aridità, nell’ansia di visibilità e di possesso che attanaglia i personaggi, Fellini riconosce i limiti e il declino morale della società contemporanea, il suo culto
dell’immagine e del successo, la sua incapacità a rapportarsi in modo maturo al
dolore, rappresentato nel film da una comunità di serbi ospitata a bordo e mal
sopportata. Nel successivo Ginger e Fred (1985), la carica polemica di Fellini si
fa ancora più esplicita e mirata. Il bersaglio è la volgarità della televisione, il suo
ridurre sentimenti ed esperienze a merce, pubblicità e superficiale spettacolo. I
protagonisti sono due ex ballerini, imitatori della famosa coppia Astaire-Rogers,
interpretati ancora da Mastroianni e la Masina, chiamati a una breve apparizione
televisiva. Dell’universo televisivo viene messa a nudo la sostanziale disumanità
in una satira spesso feroce e carica di sdegno che non disdegna riferimenti espliciti allo stesso Silvio Berlusconi, al tempo astro nascente dell’imprenditoria televisiva, uno tra i maggiori responsabili, secondo Fellini, del degrado della comunicazione di massa. Lo studio televisivo assomiglia a un lager e a un circo: è luogo
dove si consuma un rito pagano ormai privo di fascino e poesia e, nello stesso
tempo, si costruisce una nuova forma schiavitù che lega uomini, denaro e immagine.
Fellini muore a Roma nel 1993, dopo aver girato il suo ultimo film, La voce
della luna, nel 1989.
112
3.2
Michelangelo Antonioni (1912)
Michelangelo Antonioni è sicuramente, insieme a Fellini, il cineasta che con maggiore consapevolezza ha elaborato un’estetica personale e compiuta, superando
rapidamente il canone neorealista. L’apprendistato di Antonioni è infatti legato
proprio a quel diffuso bisogno di realtà e di narrazione che caratterizza la generazione che esordisce negli anni ’40. Antonioni parte cosı̀ dal documentario: Gente del
Po è del 1943 come Ossessione, con cui condivide l’ambientazione, altri splendidi
documentari seguono tra il 1948 e il 1950, anno di Cronaca di un amore, primo
lungometraggio narrativo. Già nell’esordio, ancora, come Ossessione, storia di un
adulterio e di un omicidio programmato, Antonioni misura la sua distanza da un
Neorealismo incapace di cogliere il disagio profondo della società contemporanea.
La rappresentazione dello spazio urbano e rurale perde cosı̀ la sua spontaneità,
aprendosi alla dimensione simbolica, misteriosa e inquietante.
Le tematiche e l’ambientazione del primo film ritornano in gran parte della produzione del regista. Come ha scritto esemplarmente Alberto Moravia, il cinema di
Antonioni ci ha dato sempre “una sola ma profonda nota: l’aridità dei rapporti,
la brutalità della vita moderna, lo squallore del destino umano”. Oggetto costante
dello sguardo del regista è il malessere della borghesia, egemone nella nuova Italia degli anni del miracolo economico, quanto interiormente alla deriva e priva di
certezze. L’influenza dell’esistenzialismo porta l’autore a un continuo scavo nell’interiorità dei personaggi, particolarmente di quelli femminili, e la vita di coppia
diviene il terreno su cui verificare la scollatura tra volontà e desiderio, tra rispettabilità e nevrosi. Della crisi della coppia si parla anche in La signora senza camelie
(1953), in Le amiche (1955) e nel successivo Il grido (1957), indubbiamente uno dei
capolavori del regista. Qui Antonioni capovolge il punto di vista che ha animato
i film procedenti, raccontando la crisi della coppia dal punto di vista di un uomo,
un operaio, che si uccide dopo una disperata ricerca di una relazione alternativa
a quella del fallito matrimonio. L’osservazione dell’universo proletario, tradizionalmente agiografica e celebrativa, viene contaminata dalla dimensione psicologica ed
esistenziale, coinvolgendo cosı̀ nella decadenza borghese la classe operaia, cosa che
causò reazioni sdegnate quanto inadeguate da parte della critica politicamente più
schierata.
All’inizio degli anni ’60 Antonioni firma in rapida successione una serie di capolavori. Nella cosiddetta “trilogia dei sentimenti” (L’avventura, 1960; La notte,
1961; L’eclisse, 1962, Premio speciale della giuria a Cannes) l’analisi della crisi
della coppia si fa ancora più serrata. In L’avventura i rapporti che legano i personaggi, un piccolo gruppo di borghesi in crociera alle Eolie, appaiono superficiali ed
effimeri: l’amore è apertamente rinuncia all’assoluto, compromesso con la banalità,
e l’unica sintonia possibile sembra quella della comprensione reciproca del vuoto
esistenziale. In La notte il rapporto tra Giovanni e Lidia, i due protagonisti, è ormai
finito, e nel segno della morte si svolge l’intera narrazione. Le relazioni parallele
intrecciate dai due personaggi non sono che espressione di un disperato tentativo
di mantenersi vivi; l’abbraccio finale che li lega non ne riscatta la solitudine e il
tormento. L’eclisse è ancora una storia di un amore fallimentare. La relazione tra
Vittoria e Piero appare sopraffatta dall’ambiguità e dall’ombra di un debito tra la
madre di Vittoria e lo stesso Piero. Il denaro, il primato dell’economico sui sen-
113
timenti, l’incapacità di chiarirsi appaiono come i cardini delle relazioni umane; il
mondo interiore è come pietrificato e inaridito.
Nel 1964 esce Il deserto rosso (Leone d’oro a Venezia), uno dei film più conosciuti e apprezzati di Antonioni, il suo primo a colori. Ambientato nella Ravenna
industriale, il film è la storia di un disadattamento, quello della protagonista Giuliana, sospesa tra precarietà affettiva e pulsione di morte. Il contesto esplicitamente
tecnologico fa di Il deserto rosso una riflessione sulla modernità, sull’alienazione
tra soggetto e mondo, sulla frattura tra umanità e natura.
Molte coppie sono presenti anche nei successivi film di Antonioni, in cui la riflessione sulla nevrosi del privato sembra però affiancarsi alla ricerca teorica e poetica.
Parallelamente, anche gli spazi si allargano: dalla Londra di Blow-Up (1966, Palma
d’oro a Cannes), all’America di Zabriskie Point (1970) all’Africa di Professione:
reporter (1975), in un viaggio ideale alla ricerca di un’unità perduta, tentativo di
svelare l’indecifrabile delle cose. Tra gli ultimi lavori di Antonioni, citiamo Identificazione di una donna (1982) e Al di là delle nuvole (1995), girato insieme al regista
tedesco Wim Wenders.
3.3 Luchino Visconti (1906–1976)
Di Visconti ci siamo già occupati in parte nel capitolo precedente, presentando le
sue opere degli anni ’40 e ’50. Aristocratico e colto, Visconti è probabilmente il
più intellettuale dei grandi cineasti italiani. La sua vastissima cultura, musicale,
teatrale, pittorica, emerge costantemente nella sua scrittura filmica, e viene sempre
messa al servizio di progetti cinematografici ideologicamente delineati e consapevoli.
Con l’uscita di Rocco e i suoi fratelli (1960) Visconti traspone modalità classiche
di narrazione, tragiche e corali, al contesto contemporaneo, raccontando una storia
di sradicamento e di emigrazione dal Sud italiano del secondo dopoguerra verso
il Nord industrializzato. Il meridione mitico, conosciuto e già ricostruito passando
attraverso Verga, viene originalmente e coraggiosamente saldato al più imponente
fenomeno sociologico degli anni del miracolo economico, la migrazione interna che
ha ridisegnato il volto fisico e culturale dell’Italia. Nelle vicende del protagonista
Rocco e della sua famiglia, violenza, eros e desiderio di riscatto si sovrappongono
a un senso “decadente” della sconfitta, un motivo assai caro all’ispirazione viscontiana.
La dialettica tra fiducia nell’iniziativa storica e senso della vanità e della fine
ritorna anche in Il Gattopardo (1963, Palma d’oro a Cannes), adattamento del noto
bestseller di Giuseppe Tomasi di Lampedusa. Il film ripercorre un momento cruciale della storia del Meridione: è il 1860, il regno borbonico sta per essere spazzato
via dai garibaldini e si profila il rischio di un cambio di classe dirigente. L’aristocrazia, per salvare se stessa, deve scendere a patti con i nuovi ricchi. Come spesso
in Visconti, la contraddizione alla base del film è anche la sua grandezza. L’intento
esplicito di celebrare l’impegno e la tensione verso il cambiamento (Visconti inserisce la lunga sequenza della battaglia di Palermo, assente nel romanzo, in cui
rappresenta positivamente le forze rivoluzionarie) si scontra con l’ispirazione più
profonda dell’autore, segnata dallo sgomento per la fine di un’epoca e di disappunto
per l’affermarsi di una classe dirigente cinica e volgare.
La produzione successiva di Visconti appare orientata alla rivisitazione dei
“suoi” classici, letterari, come Thomas Mann, Gabriele D’Annunzio e Marcel
114
Proust, e cinematografici, come Jean Renoir. Visconti difende un modello di cinema rigoroso, equilibrato e consapevole, rimanendo sempre più isolato nel quadro
del tempo, caratterizzato da una stagione di impegno e fortemente focalizzato
sul presente. Ricercatissimi sul piano delle soluzioni formali, comunque ispirate
a un modello classico, ottocentesco di narrazione, colti e raffinati, escono gli ultimi
film viscontiani: Vaghe stelle dell’Orsa (1965, Leone d’oro a Venezia), Lo straniero
(1967), La caduta degli dei (1969), Morte a Venezia (1971), Ludwig (1973), Gruppo
di famiglia in un interno (1974) e L’innocente (1976).
4
I nuovi autori e la stagione dell’impegno
Gli anni Sessanta sono tra i più interessanti della storia del cinema italiano. Sia la
produzione alta, d’autore che quella di genere, come abbiamo visto, raggiungono ottimi risultati, sia in Italia che all’estero. Per completare il quadro occorre registrare
due fatti di rilievo: l’esordio di una nuova generazione di cineasti, sperimentatori
sul piano espressivo, tematico e figurativo e capaci di affermare una nuova idea di
autorialità, e la crescita di un cinema sempre più desideroso di confrontarsi col presente, attraversato, a partire dalla seconda metà del decennio, da un forte desiderio
di cambiamento politico e sociale. Sono gli anni della crisi della borghesia, della
contestazione studentesca, di una mobilitazione generale del mondo del lavoro; per
almeno un ventennio l’Italia viene sconvolta dal terrorismo, dall’attacco al cuore
dello stato portato, a sinistra, dalle Brigate Rosse e dalla “strategia della tensione”
del movimento neofascista, volto a destabilizzare il quadro politico e preparare cosı̀
una svolta autoritaria. Si tratta di un periodo di grande importanza per la storia
nazionale italiana, che il cinema non può eludere e con il quale continua ancora
oggi a confrontarsi.
Alcuni autori che esordiscono negli anni Sessanta propongono nuove soluzioni
figurative, nuove tematiche e un nuovo atteggiamento nei confronti della materia
narrata, anticipando spesso un’idea di cinema militante e schierato nella battaglia politica per l’egemonia culturale. I materiali della tradizione vengono liberamente reinterpretati alla luce di un diffuso e consapevole sperimentalismo, si guarda
all’Europa, all’affermazione di un nuovo cinema, di una nouvelle vague impegnata
a ridefinire l’idea della scrittura cinematografica autoriale. Tra i nuovi autori, due
personalità indiscusse: Pier Paolo Pasolini e Bernardo Bertolucci.
4.1
Pier Paolo Pasolini (1922–1975)
Straordinaria figura di artista e di intellettuale, Pier Paolo Pasolini è poeta, romanziere, pittore, regista e autore, nell’ultima parte della sua vita, di scritti giornalistici.
Costantemente impegnato nell’intenso dibattito politico e culturale del tempo, sostiene sempre posizioni coerenti e lucide, individuando nell’approssimazione e nel
perbenismo borghese i mali dell’Italia del benessere, e mettendo in rilievo il dramma dell’omologazione culturale e la forza di penetrazione del “nuovo fascismo” della
società dei consumi. Politicamente di formazione marxista, Pasolini mette a nudo
l’inadeguatezza del potere democristiano che ha governato l’Italia dopo la seconda
guerra mondiale e l’ipocrisia del sentire comune degli italiani, registrando comunque, ancora prima della contestazione del Sessantotto, la crisi dell’ideologia e dei
partiti di sinistra.
115
Al cinema Pasolini giunge con Accattone (1961), un’opera prima che è già un
capolavoro. La scelta di attori non professionisti, l’uso del dialetto, l’ambientazione
popolare potrebbero farci pensare a un ritorno dell’immediatezza del Neorealismo,
ma in realtà Pasolini sovrappone alla realtà rappresentata la sua straordinaria
cultura figurativa, musicale e letteraria. La vicenda di Accattone, un sottoproletario sfruttatore di prostitute, viene cosı̀ nobilitata dai riferimenti alla tragedia
greca e alla pittura sacra del Duecento, dal commento musicale di Bach. Fuori
dall’orizzonte del Neorealismo è anche l’interesse del regista, ma potremmo meglio
dire il suo amore, per il sottoproletariato romano, privo di consapevolezza politica, ma ancora immune dal tarlo del benessere e del conformismo borghese. Ed è
proprio di questa corruzione che Pasolini ci parla nel suo secondo lungometraggio
Mamma Roma (1962), storia di una prostituta desiderosa di salire nella scala sociale e conquistarsi una dignità piccolo-borghese. Ancora una volta, la nobilitazione
formale riscatta il fallimento della protagonista, la cui vicenda viene narrata con
espliciti riferimenti, narrativi e iconografici, al testo dei Vangeli. Ancora le Scritture
ispirano il film più riuscito di Pasolini, Il Vangelo secondo Matteo (1964, dedicato
alla memoria di Papa Giovanni XXIII), un adattamento di grande impatto emotivo in cui Pasolini, non credente, racconta la vita di Cristo sottolineando la carica
rivoluzionaria del messaggio evangelico. Allegoria di una figura intellettuale ancora
capace di cambiare gli animi degli uomini e le cose del mondo, il Cristo pasoliniano esprime una fiducia nel cambiamento che già è venuta meno nel successivo
Uccellacci e uccellini (1966), una sorta di apologo politico, evangelico e surreale,
centrato sul tema, per Pasolini decisivo e drammatico, della frattura tra intellettuali, politica e popolo. Nelle opere successive, l’ispirazione pasoliniana spazia dal
mito (Edipo re, 1967; Medea, 1970) alla novellistica internazionale (Il Decameron,
1970; I racconti di Canterbury, 1972; Il fiore delle mille e una notte, 1973), al film a
tesi e all’allegoria (Teorema, 1968; Salò o le 120 giornate di Sodoma, 1975), senza
mai venir meno al bisogno di confrontarsi con la crisi del presente e con la sua
perdita di identità.
Pasolini muore il 2 novembre 1975, ucciso barbaramente in circostanze mai
chiarite. La diversità culturale dell’autore, il coraggio con cui ha sempre attaccato
l’Italia dell’omologazione, delle false libertà e della corruzione, fanno della sua morte
un evento emblematico.
4.2 Bernardo Bertolucci (1941)
Figlio del poeta Attilio Bertolucci, da cui eredita la passione per il cinema, Bernardo è probabilmente il regista italiano vivente più conosciuto e apprezzato, sia in
Italia che all’estero. Fin dagli esordi, Bertolucci si distingue per una ricerca molto
personale, in cui appare evidente la lezione della Nouvelle Vague francese: soggettività, discontinuità della narrazione, senso della dimensione autoriale appaiono alla
base del suo cinema. Bertolucci realizza il suo primo film nel 1962 (La commare
secca), dopo essere stato in Accattone aiuto regista di Pasolini, chiaro modello del
film. Dimostrando padronanza del linguaggio cinematografico e uno stile narrativo originale, in Prima della rivoluzione (1964) Bertolucci si confronta con un
personaggio autobiografico, un giovane della borghesia parmense, desideroso di un
distacco dall’ambiente che non riesce a realizzare. Dopo Partner (1968), ispirato
a Dostoevskij e Godard, e Strategia del ragno (1970), Bertolucci ottiene un note-
116
vole successo con Il conformista (1970), dal romanzo di Alberto Moravia, in cui i
caratteri più significativi del suo cinema (il gioco delle citazioni, la valorizzazione
della musica e della scenografia) si mostrano nella loro piena maturità espressiva.
Soggettività, memoria, eros e ribellione sono i grandi temi del cinema di Bertolucci,
e il successivo Ultimo tango a Parigi (1972) ne propone una rappresentazione in
una forma indimenticabile. Opera di grande impatto psicologico ed emotivo, Ultimo
tango a Parigi racconta la storia di un amore disperato e fuori da ogni convenzione,
quello fra Paul e Jeanne, due solitari, intimisti e anarchici, interpretati da Marlon
Brando e Maria Schneider, che si incontrano in uno spoglio appartamento parigino
mettendo a nudo la propria sofferta interiorità. Bertolucci raggiunse con il film una
vasta notorietà, anche a causa delle vicissitudini giudiziarie del film, censurato,
sequestrato dopo le prime proiezioni e distribuito nuovamente in versione integrale
solo nel 1987.
Con Novecento (1976) Bertolucci offre un ampio affresco sulla storia italiana del
secolo scorso. Il progetto è ambizioso, il cast è di altissimo livello (Robert De Niro,
Gerard Depardieu, Burt Lancaster), le riprese durano un anno intero: il risultato è
un film di 315 minuti, che verrà diviso in due atti, distribuiti separatamente nelle
sale. Espliciti gli intenti politici del film, un omaggio ai contadini emiliani, alla faticosa presa di consapevolezza di un terzo stato oppresso dai padroni, dal fascismo e
dalla legge. Artisticamente, il film è una sorta di melodramma storico, intenso e ben
riuscito, grazie all’orchestrazione corale delle vicende e alla recitazione: Bertolucci
è ormai uno dei maestri riconosciuti del cinema mondiale.
Dopo La luna (1979) e La tragedia di un uomo ridicolo (1981), Bertolucci ritorna
al kolossal con L’ultimo imperatore (1987), film premiatissimo, ispirato all’autobiografia di Pu Yi, ultimo esponente del potere imperiale cinese, processato e rieducato dalla Repubblica Popolare comunista. Melodramma raffinatissimo e recitato
in modo magistrale, L’ultimo imperatore si avvale di un cast internazionale capace
di sostenere un progetto ambizioso e di farne un grande successo.
Tra i film più recenti dell’autore, sempre più proiettato in una dimensione internazionale, ricordiamo le superproduzioni di Il tè nel deserto (1990) e di Piccolo
Buddha (1993), il ritorno al Sessantotto parigino di Dreamers (2003), e la piccola
perla L’assedio (1998), una storia d’amore senza star e privo di un grosso budget,
ma girato e recitato esemplarmente in una Roma poetica e silenziosa.
4.3 Nuovi autori, nuove poetiche
Gli anni Sessanta e Settanta, per il cinema italiano, sono un laboratorio di esperienze. L’intensità della vita pubblica, il fervore del dibattito intellettuale, la conflittualità politica spingono costantemente il cinema a prendere posizione, intervenire,
esprimere in immagini un’idea del mondo. Offrire un quadro completo ed esauriente della cinematografia italiana sarebbe in questa sede impossibile; presentiamo
comunque le sue personalità più significative.
Paolo e Vittorio Taviani esordiscono, dopo una notevole attività documentaristica, nel 1962 con Un uomo da bruciare, storia di un sindacalista siciliano. Il loro
cinema è fatto di impegno, rigore morale, passione ideologica, secondo la lezione
di Bertold Brecht e Sergei M. Eizenstein, la loro scrittura è antinaturalistica, sperimentale, costruita e intensa. I Taviani accompagnano con le loro opere gli anni
più caldi della contestazione: Sotto il segno dello scorpione (1969), San Michele
117
aveva un gallo (1971), Allonsanfàn (1974) trattano il tema della coerenza e della
disillusione, dell’utopia di una società meno ingiusta e autoritaria. Padre padrone
(1977, Palma d’oro a Cannes) è il primo vero capolavoro dei Taviani. Adattamento
dal romanzo di Gavino Ledda, il film ripercorre la vita di un giovane pastore sardo
e la sua emancipazione dall’autoritarismo patriarcale. Allegoria di una conquista,
della fondazione di un nuovo ordine liberatorio, Padre padrone si distingue per una
scrittura intensa, lirica e partecipata. Con La notte di San Lorenzo (1982) i Taviani
affrontano la tematica resistenziale, ricostruita sotto una forma epica e favolistica.
Kaos (1984) è probabilmente il miglior film dei registi, un adattamento di grande
intensità di alcune delle Novelle per un anno di Luigi Pirandello, splendidamente
girato e recitato da un cast di grandissimo livello. Il film segna un momento di
passaggio assai significativo: il motivo politico dell’impegno e dell’utopia lascia il
campo a tematiche personali e private, come la memoria, il senso del passato, la
morte. Anche nei successivi film (citiamo Good morning Babilonia, 1986; Fiorile,
1992; Le affinità elettive, 1996; Tu ridi, 1998, ancora da Pirandello), la narrazione si
orienta verso soluzioni più classiche, ormai lontane dallo sperimentalismo degli anni
Sessanta, e si attenua, parallelamente alla crisi della politica italiana del tempo, la
tensione utopica che aveva animato i primi film degli autori.
Anche Ermanno Olmi giunge al cinema dopo un lungo apprendistato nel documentario. Nei suoi primi film (Il posto, 1961; I fidanzati, 1963) fotografa con occhio
sensibile e nostalgico la trasformazione antropologica degli anni del boom economico. Dopo una lunga collaborazione con la RAI, gira il suo capolavoro indiscusso
nel 1978: è L’albero degli zoccoli (Palma d’oro a Cannes), un’ampia e partecipata
epopea contadina in cui si sovrappongono storia materiale e lirismo. Dopo una
lunga malattia, Olmi riprende a girare solo alla fine degli anni Ottanta, passando
ancora con disinvoltura dal film di finzione al documentario. Realizza nel 2001 Il
mestiere delle armi, il suo secondo capolavoro, un film storico che ricostruisce gli
ultimi giorni di vita di un capitano di ventura, affiancando in una sintesi perfetta
ricerca figurativa, riflessione filosofica e ricostruzione delle fonti storiche.
Il più significativo esponente del filone civile e di denuncia che conosce una
notevole fortuna negli anni Sessanta e Ottanta è indubbiamente Francesco Rosi,
già assistente di Visconti in La terra trema. Il cinema di Rosi unisce il rigore viscontiano allo spirito del pamphlet giornalistico, con una forte attenzione alle dinamiche dell’intreccio e della suspense. Oggetto della sua indagine è l’Italia della
corruzione e della mafia, di cui Rosi mette costantemente in rilievo la pervasività e la capacità di condizionare negativamente lo sviluppo dell’intero Paese.
Tra i film migliori di Rosi ricordiamo Salvatore Giuliano (1960) e Le mani sulla
città (1963, Leone d’oro a Venezia). Nell’orbita di Rosi, ma più orientato verso
una scrittura immaginifica ed espressionista, è il cinema di Elio Petri, un autore
spesso, e ingiustamente, preso di mira dalla critica di sinistra, come d’altronde
frequentemente è accaduto un po’ per tutto il cinema di impegno civile, giudicato
troppo riformista, e per questo dannoso alla causa rivoluzionaria. Di Petri ricordiamo il suo film migliore, Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto
(1970).
Autore sensibile e impegnato, Giuliano Montaldo esordisce nel 1961. La spinta
alla partecipazione politica è in lui fortissima, e si realizza in opere eterogenee
per carattere e collocazione di genere. Il suo miglior film è Sacco e Vanzetti (1970).
118
Negli anni Ottanta, come molti, passerà a trattare temi più legati alla sfera privata.
Impegnatissima sul piano politico è anche Liliana Cavani. Il suo è un cinema colto
e sofferto, orientato all’attualizzazione del passato storico nei conflitti del presente
(Francesco d’Assisi, 1966). Il suo migliore film resta Il portiere di notte (1974),
memoria inquieta della violenza nazista. Anche Gillo Pontecorvo è regista politicamente sensibile, autore di film di grande impatto emotivo e spessore morale, in cui
unisce uno sguardo attento alle ragioni della storia a una visione romantica e appassionata del ruolo dei singoli. I suoi capolavori sono Kapò (1960) e, soprattutto,
La battaglia di Algeri (1966, Leone d’oro a Venezia).
Dirige il suo primo film negli anni Sessanta anche Marco Bellocchio: si tratta
di I pugni in tasca (1965), un’opera prima lucida e sconvolgente sul disagio generazionale, sulla crisi della borghesia e sulla morte della famiglia. Bellocchio nel
corso degli anni più caldi del conflitto sociale accompagna le spinte più radicali
della contestazione, e diviene rapidamente un autore simbolo dello scontento e del
desiderio di un nuovo modello di società. Dopo avere attraversato varie stagioni,
che lo hanno visto avvicinarsi al film-documento, alla letteratura e alla psicanalisi,
Bellocchio ha recentemente firmato alcuni dei migliori e più controversi film degli
ultimi anni. Tra di essi L’ora di religione (2002), sulle difficoltà e le ragioni del
pensiero laico e Buongiorno, notte (2003), una ricostruzione in buona parte fantastica del rapimento di Aldo Moro da parte delle Brigate Rosse, in cui, attraverso
il punto di vista di una giovane terrorista dissenziente, Bellocchio condanna l’intransigenza del partito armato, in cui riconosce i segni e i limiti dell’intera società
italiana.
Marco Ferreri è forse il meno inquadrabile dei registi della generazione degli anni
Sessanta. L’impegno militante, il conforto dell’ideologia gli sono fondamentalmente
estranei, e la sua è una scrittura attraversata da pulsioni e spinte di varia natura, orientate ad un’osservazione antropologica e nello stesso tempo surreale della
società contemporanea. I grandi temi del cinema di Ferreri sono la crisi dell’individuo, la frustrazione del desiderio e il bisogno di autoliberazione; il suo miglior film
è probabilmente Dillinger è morto (1968).
5
Il cinema italiano contemporaneo
Come spesso accade nella storia delle arti, nei periodi di splendore si nascondono
già i germi della crisi. Cosı̀ avviene anche nell’intensa stagione degli anni Sessanta:
i segnali di difficoltà si fanno sempre più intensi e, a partire dalla metà del decennio
successivo, la crisi della produzione cinematografica diviene inarrestabile. La concorrenza dei prodotti americani confina il cinema italiano o nell’ambito ristretto
del film d’autore, o in una produzione di genere sempre più orientata a recepire
linguaggio e contenuti della sempre più egemone comunicazione televisiva. Il linguaggio della televisione si impone infatti come la forma mediatica per eccellenza: in
Italia proliferano le emittenti private, che offrono allo spettatore un’offerta sterminata di cinema a portata di telecomando. Cosı̀, dal 1975 in poi, nelle città come nei
piccoli centri l’emorragia di spettatori è inarrestabile, molte sale chiudono o si convertono verso i pochi generi ancora capaci di garantire la sopravvivenza economica:
il film a luci rosse e la commedia erotica. Le nuove commedie degli anni della crisi
sono prodotti a basso costo e di bassissimo livello culturale che esprimono nel modo
119
più superficiale e volgare il volto nascosto di un’Italia apparentemente civile, ricca
e progredita, ma in realtà qualunquista, approssimativa e inefficiente. In questi
film, oggetto per altro di una recente (e discutibile) rivalutazione, il mutamento
dei costumi, l’affermarsi di una morale sessuale più libera sono visti con gli occhi
di eterni adolescenti, pronti alla battuta a doppio senso e allo scherzo pesante e
segnati da un cameratismo aggressivo e infantile.
Il numero di film prodotti diminuisce di anno in anno; molti di essi faticano
a trovare una distribuzione o incassano cifre irrilevanti. Si afferma cosı̀ la grande
distribuzione televisiva: sono la Rai e la Fininvest, il gruppo televisivo di Silvio
Berlusconi, a finanziare un notevole numero di film d’autore prodotti dalla seconda
metà degli anni Settanta. Complessivamente, comunque, il quadro è negativo, e
molti giovani e validi autori vengono fermati dalle leggi del mercato e non riescono
a firmare che uno o due film. Anche all’estero il prestigio del cinema italiano si
appanna, anche se alcuni autori, come Bertolucci, Moretti e Fellini, e molti film,
specialmente negli anni Novanta, riscuotono successi e riconoscimenti.
La crisi economica del cinema italiano è inevitabilmente anche crisi espressiva e
intellettuale. A livello di rappresentazione si riduce notevolmente il carattere sperimentale e la ricerca formale che aveva caratterizzato la cinematografia nazionale:
il linguaggio e la sintassi della televisione conquistano il cinema e lo uniformano a
un modello collaudato quanto semplificante. Sul piano ideologico, il cinema italiano
sembra poi sempre meno capace di affrontare le grandi questioni storico-politiche
del presente: sempre di più fatica a farsi strada l’idea che il regista sia un intellettuale capace di interagire con il suo tempo e di interpretarlo.
5.1 Nanni Moretti (1953)
Insieme a Bertolucci, l’ultimo grande regista capace di proporsi come autore di
livello internazionale, Nanni Moretti è sicuramente la personalità più significativa
del panorama italiano degli ultimi decenni. Il suo esordio avviene nel 1976 con un
film in Super8, Io sono un autarchico, in cui Moretti mette subito in luce la sua
formazione autodidatta, il rifiuto delle convenzioni e una notevole dose di ironia
ed egocentrismo (non a caso Moretti interpreta tutti i film da lui diretti). Moretti
esprime il disagio della generazione cresciuta negli anni del terrorismo e della crisi
della politica, la sua difficoltà nell’accettare le regole dei padri, nel condividere
valori. Attraversa anni complessi e turbolenti, la vuota e superficiale euforia economica degli anni Ottanta, il disorientamento di chi aveva creduto in un’alternativa
morale e politica, a lungo rappresentata in Italia dal Partito Comunista, e si ritrova
senza punti di riferimento. Lo sbandamento generazionale, la ricerca solitaria di
nuovi valori, l’incommensurabilità tra aspirazioni del singolo e rinnovamento sociale e politico sono i grandi temi di alcuni dei migliori film di Moretti, rivisitati con
un gusto per le contraddizioni che spesso sfocia nel sarcasmo. Tra di essi citiamo La
messa è finita (1985), il cui protagonista, un giovane prete bisognoso di impegno,
assiste alla dispersione delle energie vitali e politiche della sua generazione, e Palombella rossa (1989), un film apertamente allegorico sulle sorti di un’alternativa
politica in Italia, negli anni della crisi storica del sistema socialista nei paesi del
blocco sovietico.
La migliore stagione del cinema di Moretti è comunque quella degli anni Novanta, in cui il regista realizza tre film caratterizzati da una nuova ricerca stilistica
120
ed espressiva. In Caro diario (1993) la realtà viene osservata senza pregiudizi attraverso il filtro di un autobiografismo più maturo ed equilibrato. Il protagonista
del film è lo stesso Nanni, rappresentato in tre episodi del proprio vissuto, in cui si
ricostruiscono, sullo sfondo di una Roma estiva, di un viaggio alle Eolie e di una malattia, la storia sociale dell’Italia del dopoguerra, la cronica inefficienza del nostro
welfare, e i cambiamenti antropologici dello stile di vita italiano. In Aprile (1998)
l’autobiografismo si fa ancora più scoperto, e Moretti racconta la nascita del suo
primo figlio, sovrapponendola al contesto politico del 1996 (la vittoria elettorale del
centrosinistra guidato da Romano Prodi) e alle proprie vicissitudini professionali.
Nanni scopre cosı̀ il primato della dimensione privata e del desiderio individuale,
liberandosi dai doveri di regista militante e politicamente coinvolto e prefigurando
un nuovo modello di impegno, basato sui valori della persona e sull’autorealizzazione del singolo. Aprile apre anche un’aperta polemica contro i dirigenti dei partiti
di sinistra, accusati esplicitamente di incapacità, omologazione e disumanità, una
polemica che avrà un seguito nell’impegno diretto del regista e nelle sue prese di
posizione degli ultimi anni. La stanza del figlio (2001, Palma d’oro a Cannes) è
il film più classico di Moretti, l’unico apertamente drammatico e forse il suo migliore. Raccontando la tragedia di una famiglia felice e libera, segnata dalla morte
accidentale del figlio maggiore, Moretti propone una riflessione sulla precarietà dei
valori e dell’equilibrio familiare, sul potere devastante del dolore, che non unisce ma
separa i singoli, sulla solitudine e sulla problematicità del pensiero laico di fronte
al dramma della morte.
Nel 2006 Moretti realizza il suo ultimo film, Il caimano, la storia di un film
sulla figura di Silvio Berlusconi, o, meglio, la storia della difficoltà e dell’incapacità di realizzare, in Italia, un film su un personaggio cosı̀ influente e politicamente
ingombrante. Il fallimento della vita familiare del protagonista, un produttore cinematografico, la sua approssimazione professionale e la sua assai scarsa consapevolezza politica, divengono cosı̀ metafore dei limiti della maggior parte degli italiani,
incapaci di avvertire i pericoli del berlusconismo.
5.2 Nuovi autori e tendenze
Offrire una sintesi esauriente di un quadro vario e in costante evoluzione è sempre
un’operazione problematica e riduttiva. Manca infatti il filtro temporale, e in ciò
che è vicino appare spesso difficile distinguere ciò che riuscirà a sopravvivere alla
selezione di un canone in continuo aggiornamento. Tentiamo qui di indicare, tra gli
autori contemporanei, quelli che maggiormente ci sembrano avere espresso un’idea
di cinema capace di confrontarsi con i modelli e di proporre poetica e tematiche di
interesse e rilievo.
5.2.1
Gli anni Settanta e Ottanta
Il gruppo di autori che si avvicina al cinema negli anni della crisi produttiva e della
concorrenza televisiva appare in genere caratterizzato da un certo individualismo,
dalla perdita del senso di appartenenza a un gruppo, dall’assenza di un’estetica
condivisa. Il riacutizzarsi del conflitto sociale alla fine del decennio, la sconfitta
dell’alternativa politica, il generale disimpegno degli anni Ottanta spingono gli
intellettuali alla ricerca di percorsi individuali e spesso conflittuali. Anche il cinema
121
appare segnato da questo quadro e da una difficoltà comunicativa tra artista e
spettatore: sempre più difficilmente si realizza il miracolo di un film d’autore, colto
e formalmente non banale, capace di raggiungere il grande pubblico.
Tra i registi che acquisiscono visibilità nel corso degli anni Settanta ricordiamo
innanzitutto Roberto Faenza, già attivo negli anni della contestazione del 1968, e
poi autore di adattamenti da testi letterari, ed Emidio Greco, un regista non molto
prolifico, di solida preparazione intellettuale, molto attento alla messa in scena. Più
capaci di conquistarsi uno spazio nel mercato appaiono Pupi Avati e Marco Tullio
Giordana. Avati sceglie, proprio a partire dalla fine degli anni Settanta, la leggerezza
della narrazione lineare e di tematiche quotidiane, rappresentate con nostalgia e
tocco favolistico (Una gita scolastica, 1983; Regalo di Natale, 1986). Giordana mette
in evidenza un legame con i classici più marcato e una poetica più ambiziosa,
orientata alla fusione di narrazione epica, impegno politico e tematiche capaci di
un confronto diretto col presente: il film d’esordio (Maledetti vi amerò, 1980) è uno
dei pochi del tempo a fare i conti col terrorismo. Di Giordana ricordiamo anche
Pasolini, un delitto italiano (1995), una ricostruzione appassionata dell’uccisione
del regista, I cento passi (2000), un commovente ricordo di Peppino Impastato,
un giovane intellettuale ucciso dalla mafia, e soprattutto la fortunata epopea di
La meglio gioventù (2004), un ampio affresco sulla generazione che si è formata
negli anni Sessanta, di cui si ricostruiscono, attraverso le vicende di una famiglia
romana, ideali, compromessi, affetti e sconfitte.
Gli anni Ottanta sono segnati da una nuova attenzione per la sceneggiatura e
per la ricerca nella costruzione di personaggi e di dialoghi. Superati gli anni più
difficili del conflitto sociale, ridottisi l’influenza e il condizionamento esercitati della
critica militante, le energie creative scorrono via via più libere, dando l’impressione
di un maggiore equilibrio e di un rapporto più organico con la realtà.
Gianni Amelio è, dopo Moretti, l’autore più significativo tra gli esordienti degli
anni Ottanta. Il suo primo film, Colpire al cuore (1983) ha l’ambizione di confrontarsi con il terrorismo, capovolgendo lo schema classico che vuole il padre conservatore e il figlio rivoluzionario. I film migliori di Amelio restano Porte aperte (1989),
un adattamento dello splendido testo dell’autore siciliano Leonardo Sciascia, e soprattutto Il ladro di bambini (1992, Premio speciale della giuria a Cannes), storia
di un viaggio attraverso un’Italia caotica e contraddittoria, girata con efficacia e
rigore e sensibilità. Negli ultimi anni, dopo alcune prove meno convincenti, Amelio
firma una nuova opera di grande efficacia, Le chiavi di casa (2004), in cui racconta
con sobrietà ed equilibrio il difficile riavvicinamento tra un padre e il figlio disabile,
sullo sfondo di un viaggio attraverso l’Europa.
La fama di Giuseppe Tornatore appare legata al film che gli ha garantito un
successo pressoché mondiale, e cioè Nuovo cinema Paradiso (1988, Oscar), un’epopea sullo splendore e sulla decadenza dell’arte della cinematografia. Anche in
tutte le sue altre prove, Tornatore dimostra una notevole abilità affabulatoria e un
controllo ottimale dei mezzi espressivi; la migliore, a nostro avviso, è Una pura formalità (1993). Anche Francesca Archibugi firma nel 1988, da esordiente, il film al
quale è legata la sua carriera. Si tratta di Mignon è partita, una commedia sensibile
e ottimamente girata, ironica, colta e nello stesso tempo leggera, secondo la lezione
del regista francese François Truffaut. Altrettanto riusciti sono i suoi due film successivi, Verso sera (1990) e Il grande cocomero (1993): la Archibugi dà sempre alla
122
sua rappresentazione un taglio ad altezza d’uomo, realistico e, nello stesso tempo,
poetico. Una prospettiva non dissimile anima alcuni film di Giuseppe Bertolucci,
autore poliedrico, capace di lavorare a ottimi livelli sia nel documentario, che nella
commedia, che nel film esplicitamente comico. Bertolucci è autore colto ma sempre
capace di evitare l’appensantimento ideologico e formale, ironico e sobrio. Tra i
suoi film migliori ricordiamo Segreti segreti (1984), Amori in corso (1989) e il precedente Berlinguer ti voglio bene (1977), il film d’esordio di Roberto Benigni, uno
degli attori più conosciuti all’estero del cinema italiano contemporaneo, esordiente
come regista nel 1983 (Tu mi turbi), e autore di molte fortunate commedie in cui
sfrutta le proprie eccezionali doti mimiche e interpretative, con cui rilegge Chaplin piegandolo alle esigenze di un umorismo più esplicito, basato su una grande
inventiva verbale. Tra di esse spicca La vita è bella (1997, Oscar, Premio speciale
della giuria a Cannes), in cui il taglio leggero della commedia si sposa con grande
equilibrio a una materia difficilmente avvicinabile dal genere comico, lo sterminio
degli ebrei nel corso della seconda guerra mondiale.
Negli anni Ottanta, molti altri autori italiani si cimentano nella commedia, il
filone guida della nostra cinematografia, rivitalizzando e problematizzando un genere che, come abbiamo visto, aveva toccato momenti di insostenibile leggerezza e
superficialità. Gabriele Salvatores è uno dei giovani registi che si affermano alla fine
del decennio, con una fortunata e riuscita trilogia sul tema dell’amicizia maschile
e del viaggio: Marrakesh Express (1989), Turné (1990) e Mediterraneo (1991, Oscar) rappresentano una tappa importante nell’immaginario della generazione dei
“reduci”, ex contestatori, ora inseriti nel mondo adulto delle convenzioni borghesi,
ma mai definitivamente assimilati. Esaurito il tema generazionale, Salvatores si
volge a una produzione piuttosto eterogenea, caratterizzata da un forte sperimentalismo linguistico e da un notevole spaziare da un genere all’altro: ricordiamo qui
il noir Quo vadis, baby? (2005). Più legati alla lezione di Moretti, con cui tra l’altro spesso collaborano, sono Carlo Mazzacurati e Daniele Luchetti, il primo volto
alla rappresentazione attenta e sensibile della differenza culturale, dall’esordio di
Notte italiana (1987) a Vesna va veloce (1996), e poi più orientato verso una comicità spesso grottesca e surreale, mentre il secondo appare più discontinuo e meno
classificabile (di Luchetti ricordiamo comunque Il portaborse, del 1991, un piccolo
capolavoro sul degrado politico dell’Italia degli anni Ottanta). Silvio Soldini, coetaneo di Mazzacurati e Luchetti, si afferma con L’aria serena dell’ovest (1990),
un film a mosaico che intreccia le storie di vari personaggi, sullo sfondo di una
Milano opulenta e disperata. Nella biografia artistica di Soldini non mancano film
più orientati allo scavo psicologico (Brucio nel vento, 2002) e commedie (l’ottimo
Pane e tulipani, 2000). Giuseppe Piccioni, dopo l’esordio di Il grande Blek (1987),
una sorta di confessione generazionale, sembra piegarsi alle esigenze di una commedia più leggera (Chiedi la luna, 1991), per poi cimentarsi in prove più ambiziose e
strutturate, come il riuscito Luce dei miei occhi (2001). Ricordiamo inoltre alcuni
figli d’arte: Marco Risi, autore sospeso tra la commedia e il film di denuncia (Mery
per sempre, 1989; Il muro di gomma, 1991), Cristina Comencini, autrice prevalentemente orientata verso la commedia, e la sorella Francesca, più dotata per la
forma drammatica e per un cinema di denuncia sociale (Mi piace lavorare, 2004).
Drammatica è anche la forma prediletta da Ricky Tognazzi, figlio del noto attore
Ugo, il cui cinema appare sempre legato a un bisogno di chiarezza e di indagine
123
su vari aspetti della vita sociale e politica contemporanea (Ultrà, 1991; La scorta,
1993) fino al più complesso e riuscito Canone inverso (2000), raffinato adattamento
dell’omonimo romanzo, centrato su una eccezionale storia d’amore.
Un orientamento più apertamente comico hanno le opere di altri autori. Tra
di essi spiccano, oltre al già citato Benigni, Carlo Verdone, che, partendo dalla
rappresentazione di un personaggio-tipo (il bullo romano, interpretato dallo stesso
autore; Un sacco bello, 1980), passa col tempo a una comicità meno episodica e televisiva, scegliendo i toni più soft della commedia malinconica. Di Massimo Troisi,
regista e soprattutto attore, prematuramente scomparso, si ricordano la modestia
e la grande abilità recitativa che ne hanno accompagnato la carriera, dall’esordio di
Ricomincio da tre (1981) all’epilogo di Il postino (1994, regia di Michael Radford).
Ricordiamo inoltre la comicità surreale e fiabesca di Maurizio Nichetti, vicina alla
tradizione del cinema muto (Ratataplan, 1979; Ladri di saponette, 1989). Un discorso a parte meriterebbe infine la commedia commerciale, che negli anni Ottanta
recupera terreno e soprattutto spessore rispetto alla tradizione trash del decennio
precedente. Il filone Fantozzi (il personaggio dell’ “impiegato di massa”, interpretato da Paolo Villaggio), la serie dei cosiddetti “film di Natale”, commedie capaci di
attrarre al cinema un pubblico assai numeroso in occasione delle festività invernali,
mettono in mostra autori forse di non grande spessore filosofico ma di collaudato
mestiere. Neri Parenti, Carlo ed Enrico Vanzina, Enrico Oldoini riutilizzano, spesso
abusandone, il patrimonio della tradizione comica, dal muto alla commedia classica, riadattandolo alla specificità italiana e allo spirito dei tempi, segnati da una
ricchezza senza cultura, volgare e approssimativa.
5.2.2
Gli ultimi anni
Non sono pochi i film italiani che negli ultimi quindici anni sono riusciti ad ottenere
consistenti riconoscimenti internazionali. Molti di essi li abbiamo ricordati nel capitolo precedente: i loro autori sono in genere gli esordienti dei precedenti decenni,
giunti alla maturità espressiva e al successo internazionale negli anni Novanta. In
quest’ultima sezione forniamo un quadro, anch’esso inevitabilmente sintetico e parziale, dei giovani autori che si sono recentemente imposti all’attenzione del pubblico
e della critica.
Legato a Moretti, produttore e attore del suo primo film (La seconda volta,
1994), è Mimmo Calopresti, regista con esplicite doti autoriali, capace di confrontarsi con i grandi temi pubblici della sua generazione (come ad es. il terrorismo) e
con la problematicità della vita affettiva e sentimentale, delle scelte morali e private (La parola amore esiste, 1998; Preferisco il rumore del mare, 2000), sempre
con un estremo rigore espressivo e una grande attenzione alla dimensione simbolica
della messa in scena. Dalla recitazione provengono sia Sergio Rubini, autore di cui
ricordiamo l’ottimo esordio La stazione (1990) e il recente La terra (2006), in cui
la lezione della commedia si salda con l’affresco sociologico, che Michele Placido,
attore di fama internazionale, il cui cinema appare caratterizzato da un forte legame con la tradizione dell’impegno civile e con le forme classiche della narrazione
(Un eroe borghese, 1995).
Un tratto significativo della cinematografia degli ultimi anni è la diversificazione regionale e la nascita di varie “scuole”. Tra di esse spicca quella napoletana,
124
il cui più significativo esponente è indubbiamente Mario Martone, autore proveniente dalla regia teatrale. I film di Martone si distinguono per la forte dimensione
psicologica e drammatica; forma dell’esistenza sono per Martone il conflitto e il
rimosso, la divisione interiore. Dal primo film Morte di un matematico napoletano
(1992, Premio speciale della giuria a Venezia) al suo finora migliore L’amore molesto (1995), Martone sottrae Napoli alla rappresentazione turistica, facendone il
luogo del dissidio interiore e dell’inconsapevolezza. Tra gli altri napoletani ricordiamo Antonio Capuano e Pappi Corsicato. Orientata verso il comico è invece la
“scuola toscana”, i cui principali esponenti sono Leonardo Pieraccioni, autore di
commedie romantiche e leggere (Il ciclone, 1996) e Paolo Virzı̀, più incline all’osservazione sociologica e alla sperimentazione linguistica, il cui miglior film resta il
primo (Ovosodo, 1997), una sorta di ironico romanzo di formazione di un giovane
adolescente livornese. Ancora sul fronte della commedia, da segnalare la produzione
di Aldo, Giovanni e Giacomo, che, alla regia insieme a Massimo Venier, progressivamente hanno saputo liberarsi del carattere episodico della comicità televisiva,
costruire testi più complessi e coesi sul piano dell’intreccio e proporre una parodia
dei generi tutt’altro che superficiale (il loro miglior film resta La leggenda di Al,
John e Jack, 2002).
Nel corso degli anni Novanta si è conquistato un pubblico affezionato il regista
italo-turco Ferzan Ozpetek. I suoi migliori film sono influenzati dalla provenienza
geografica e dall’identità cultuale dell’autore (Il bagno turco, 1997), e attraversano
i temi della memoria, del viaggio e dell’omosessualità, sempre ricorrendo a una
scrittura affascinante e poetica, come soprattutto in La finestra di fronte (2003),
la sua opera più conosciuta.
Il panorama dei giovani autori italiani è indubbiamente molto ampio. Film
convincenti sono stati girati da Daniele Vicari (Velocità massima, 2002), Paolo
Sorrentino (Le conseguenze dell’amore, 2004), Daniele Gaglianone (Nemmeno il
destino, 2004), Vincenzo Marra (Vento di terra, 2004) e da autori di maggiore
esperienza, come Pasquale Scimeca (Placido Rizzotto, 2000), Davide Ferrario (Dopo
mezzanotte, 2004) e Paolo Benvenuti (Segreti di stato, 2003). Due giovani autori
sembrano infine aver raggiunto a pieno titolo una dimensione autoriale. I due film
di Emanuele Crialese (Respiro, 2002 e Nuovomondo, 2006) ne hanno messo in rilievo le qualità compositive, evidenziando una scrittura epica e nello stesso tempo
visionaria. Anche gli ultimi due film di Matteo Garrone (L’imbalsamatore, 2002 e
Primo amore, 2004) si avvalgono di una messa in scena raffinatissima che sfrutta al
meglio la dimensione fotografica e la ricerca cromatica, riuscendo a mettere a fuoco
ambienti e personaggi di una contemporaneità fatta di contraddizioni, marginalità
e disagio esistenziale.
Complessivamente, il cinema italiano sembra dunque essersi lasciato alle spalle
alcune stagioni poco felici, segnate dal dominio del codice televisivo, per recuperare,
pur tra molte difficoltà, un suo percorso produttivo ed estetico capace di valorizzare
la ricerca di autori sensibili e preparati. La diffusione, ormai sempre più capillare,
delle multisale, finalizzate allo sfruttamento intensivo e in tempi brevi del film commerciale e caratterizzate da un consumo episodico e in genere piuttosto superficiale,
sembra lasciare al cinema d’autore uno spazio minoritario, caratterizzato comunque
da una vitalità che in ogni caso lascia ben sperare.
125
BIBLIOGRAFIA
AA. VV.: Introduzione alla storia del cinema. Autori, film, correnti, a cura di
Paolo Bertetto, UTET, Torino 2006.
AA. VV.: Storia del cinema mondiale, a cura di Gian Piero Brunetta, Einaudi,
Torino, 1999–2001.
AA. VV.: Storia del cinema italiano, voll. 5–7–8–9–10–11–13, Marsilio, Venezia,
2002–2006.
Brunetta, G. P.: Cent’anni di cinema italiano, Laterza, Roma–Bari, 1995.
Di Giammatteo, F.: Storia del cinema, Marsilio, Venezia, 2005.
Rondolino, G.: Storia del cinema, UTET, Torino, 2000.
Stručné dějiny italského filmu: poetické směry, autoři, tendence
Resumé
Článek nabízí v hrubých obrysech obecnou charakteristiku rozšíření kinematografie v Itálii od průkopnických začátků přes úspěchy v druhé dekádě 20. století,
kulturní politiku fašistického režimu až ke zlatému období po 2. sv. válce a ke krizi
v osmdesátých letech. Cílem článku je dát čtenáři základní referenční text, na jehož
základě by si vytvořil představu o vývoji italské kinematografie.
Short History of Italian Cinematography: Poetic Movements, Authors,
Trends
Summary
The article presents, in a concise way, a general view of cinema expansion in
Italy, from its pathbreaking beginnings through its success in the 2nd decade of
the 20th century, the cultural politics of the fascist regime, and the Golden Age
after World War II, up to the crisis in the Eighties. The article’s objective is to
provide the reader with a basic reference text via which he could gain an idea of
the development of Italian cinematography.
Alessandro Marini
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
[email protected]
126
L’origine et la signification des noms des
personnages queniens
Slavomír Míča
1
Introduction
Après avoir esquissé dans une étude antérieure1 une typologie des personnages queniens, nous voulons nous intéresser davantage à la problématique du « personnage
quenien », mais cette fois-ci nous aimerions la considérer d’un autre point de vue :
les romans2 de Raymond Queneau sont peuplés – parfois même surpeuplés – de
personnages.3 Non seulement y a-t-il les catégories dans lesquelles ils peuvent être
répartis, mais il y a également un autre phénomène très intéressant que l’on peut
analyser en décrivant le monde imaginaire quenien – les personnages et leurs noms.
Ces derniers ont souvent des motivations et des sources d’inspiration divers.
Cette étude se veut plutôt générale, elle ne fera que quelques exemples commentés et va plutôt esquisser plusieurs types de motivation des noms propres, les
expliquer (ou bien essayer de les expliquer4 ) en allant plus en profondeur dans un ou
bien deux exemples d’une catégorie concrète et puis donner d’autres exemples de la
même catégorie avant de continuer avec la suivante. Tout d’abord, nous distinguerons deux groupes d’inspiration et d’origine des noms – intérieure et extérieure,
avant d’accéder, vers la fin de l’article à une grande catégorie liée avec le jeu de
langue.
1 Cf. Míča, Slavomír, « Typologie du personnage quenien », in : Studia Romanistica 6, Sborník
Filozofické fakulty Ostravské univerzity č. 227, Ostravská univerzita, Ostrava 2006, pp. 167–176.
2 Cette étude sera consacrée uniquement à des personnages romanesques de Raymond Queneau.
Il y a une possibilité d’élargir ce choix et de décrire tous les personnages apparaissant dans le
monde imaginaire quenien (y compris l’œuvre poétique), mais ceci, à notre avis, compliquerait
cette étude car les « personnages poétiques » n’apparaissent d’habitude que dans un ou bien
deux poèmes, souvent très courts, et ne constituent donc pas notre centre d’intérêt. Certains
apparaissent cependant autant dans la partie romanesque de l’œuvre quenienne que dans sa
partie poétique et pourraient faire l’objet d’une comparaison, mais ceci ne sera pas l’objet de ce
texte.
3 Les lecteurs intéressés peuvent se référer au magnifique Dictionnaire des personnages de
Raymond Queneau par Pierre David. Ce livre est en effet un numéro spécial (3/4/5) de Lectures
Raymond Queneau, imprimés par PULIM – Presses de l’Université de Limoges, Limoges 1994.
4 Parfois, il y a plusieurs théories à l’aide desquelles l’on peut décrire et expliquer un phénomène
concret, mais parmi lesquelles il n’est pas possible de choisir celle qui est, pour ainsi dire, « juste».
127
2
Noms d’origine « extérieure »
2.1
À la surface des choses
Une première catégorie de la motivation des noms propres est constituée par ceux
qui sont motivés par des objets ou bien des phénomènes du monde extérieur. Il
y a certains personnages dont les noms sont inspirés par les personnes célèbres
ou moins célèbres, du passé ou bien de l’époque contemporaine pour l’auteur au
moment où il écrivait un texte particulier.
La catégorie des personnages dont les noms sont inspirés par un objet est représentée par exemple par Valentin Brû du roman Le Dimanche de la vie, un des
personnages queniens assez notoriquement connus. Il n’en est pas de même de la
source de son nom. L’une des explications possibles est le mot bru qui veut dire
belle-fille en français moderne, et, écrit bruths, il signifie jeune mariée en gotique,5
la langue des Goths. En même temps, on ne peut pas trop penser à cette explication
car nous avons ici un personnage de sexe masculin tandis que le mot est un nom
féminin. Par contre, cette théorie est en effet confirmée par Valentin lui-même qui
devient une voyante (et non pas un voyant ). Ainsi, peut-on aller jusqu’à la constatation qu’il n’a pas d’autre choix, car le choix opposé serait une contradiction
vis-à-vis de la tradition qui veut que ce soient les voyantes, et non pas les voyants,
qui prédisent l’avenir.
Il existe encore une explication – celle concernant le rôle que joue Valentin et
sa future femme Julia dans leur relation amoureuse. Leurs rôles se trouvent ici
opposés6 à ceux traditionnellement répartis entre l’homme et la femme : Julia joue
le rôle reconnu traditionnellement au galant – elle remarque Valentin, le choisit et
fait toutes les démarches possibles afin de devenir sa femme. Mais son rôle actif et
masculin fait de Valentin quelqu’un qui joue le rôle traditionnellement féminin –
en acceptant celui de Julia, il devient de quelqu’un qui est introduit dans la famille
du « galant » Julia, il devient un genre de « bru » masculine, ce qui expliquerait de
façon la plus probable la provenance de son nom de famille.
Faisons un petit détour thématique qui nous reconduira tout de suite vers le
thème de la provenance du nom Brû : on connaı̂t très bien l’importance du balai
et du balayage pour Valentin Brû. Il existait et existe divers genres de balais,
entre autres balais de genêt ou bien balais de jonc. Sauf les deux, on peut trouver
également des balais de bruyère dont le nom est souvent raccourci en « balais de
brus ». Ici, on ne peut pas résister à l’idée un peu folle de faire un rapprochement
entre le mot balais de brus et le patronyme de Valentin.
Quant à l’inspiration des noms par des phénomènes, en particulier les phénomènes naturels, il y a par exemple Bélusine des Fleurs bleues, dont le nom (ou
5 Cf.
entrée « bru », Le Petit Robert, Dictionnaires Le Robert – VUEF, Paris 1994, p. 267. N. B.
le glissement du sens entre le mot gotique duquel la bru « moderne » française est issue, et ce mot
moderne lui-même.
6 Ceci rappelle, inévitablement, les « rôles opposés » de certains personnages des Fleurs bleues,
en particulier Yoland et Lucet – c’est-à-dire les hommes portant les noms féminins masculinisés –
et leurs partenaires Bertrande et Sigismonde, qui vice versa, portent les noms traditionellement
masculins qui sont féminisés. Nous mettons les mots « rôles opposés » entre guillemets car ce ne
sont pas leur rôles de personnages qui sont opposés, ce n’est en effet que l’origine de leurs noms
qui l’est.
128
bien plutôt le son de ce nom) rappelle une mélusine, d’autant plus que ce personnage féminin aime le chant. On ne peut pas oublier non plus La Balance (appelé
également, par symétrie phonétique, Labal), qui est en effet un nom formé à partir
de ses prénoms.7 Le nom de Labalance est un nom-symbole car ce personnage –
concierge qui est en même temps un justicier pour Cidrolin. Il connaı̂t des détails
du passé de Cidrolin que ce dernier veut cacher. Il est ensuite mort sous le poids
de l’immeuble qu’il gardait : la balance, symbole de justice, meurt sous l’immeuble
écroulé – la justice est donc morte, ne peut plus parler et dévoiler la vérité. La vie,
les actes et le comportement d’un personnage correspond au niveau symbolique
au symbole de l’objet dont le nom du personnage est issu et dont il est inspiré. Il
existe non seulement les noms des personnages qui sont inspirés par les objets ou
bien certains phénomènes ; il y a également ceux qui sont d’origine humaine, ce qui
est montré dans la section suivante.
2.2
« La Comédie humaine » – et non seulement. . .
Pour illustrer les personnages dont les noms ont une inspiration extérieure, mais «à
source humaine », il y a tout d’abord Stéphe et Sthène, les deux chevaux du roman
Les Fleurs bleues : en Stèphe, on reconnaı̂t traditionnellement Stéphane Mallarmé
(« parce qu’il était peu causant »8 ), tandis que dans l’autre des deux chevaux, on
voit irrévoquablement Démosthène (qui, en tant qu’orateur, s’entraı̂nait, d’après
ce qu’on dit traditionnellement, en parlant avec les cailloux dans la bouche – le
Démosthène quenien a un mors entre les dents). Notons un petit détail qui distingue
les deux exemples qui viennent d’être cités : Démosthène porte le même nom entier
que la personne qui inspire le sien tandis que Stèphe (Stéphane) ne porte qu’une
paretie du nom entier de celui qui inspire le sien.
À part les personnages dont les noms sont inspirés par les personnages historiques réels, il y a tout un groupe de ceux qui ne sont inspirés par eux, mais
qui sont une incarnation littéraire « directe » de ceux dont les noms ils portent.
Ceci ne veut pas dire que Queneau incorpore ces personnages dans les événements
de ses romans ; pour la plupart d’entre eux, ils sont plutôt évoqués, mentionnés
ou bien rappelés par d’autres personnages du même roman. Il s’agit par exemple
d’écrivains (pour les écrivains français Victor Hugo, Guillaume Apollinaire, Charles Baudelaire ; et, par exemple, Joseph Conrad pour les écrivains anglais9), les
politiciens (Georges Clémenceau, Bismarck), les rois et les membres de leurs familles (Saint Louis, Blanche de Castille), les philosophes (Auguste Comte, Michel
Foucault), les hommes scientifiques (Marie Curie, Louis Pasteur), les acteurs et les
actrices (Marlene Dietrich). Tous ceux apparaissent dans ses romans sans trop influ7 Louis-Antoine-Bénoı̂t-Albert-Léopold-Antoine-Nestor-Charles-Émile,
L.A.B.A.L.A.N.C.E.,
sigle à partir duquel est formé son nom de la même façon que l’on a créé celui qui est commun à Cidrolin et au duc d’Auge du même roman : Joachim Olinde Anastase Crépinien Honorat
Irénée Médéric, alors J.O.A.C.H.I.M.
8 Queneau, Raymond, Les Fleurs bleues, in: Godard, Henri (dir.), Raymond Queneau: Œuvres
complètes, tome III – Romans II, Bibliothèque de la Pléiade No 530, Gallimard, Paris 2006.
9 Qu’on nous excuse de ne ranger cet écrivain que parmi les écrivains anglais, malgré son origine
polonaise. Józef Teodor Konrad Nal˛ecz Korzeniowski a été né à Berditchev (Berdyčev en tchèque,
Berduqev en russe et Berdiqiv en ukrainien), ville située aujourd’hui en Ukraine, mais ayant
été une ville polonaire à sa naissance.
129
encer leur intrigue. Il faudrait mettre à part ceux qui sont philosophes et écrivains,
comme Diderot dans Dimanche de la vie.
Il y a également ceux dont l’inspiration des noms doit être découverte par le
lecteur. Tel est le cas du personnage qui s’appelle Branleur. Sauf les connotations
sexuelles, on révélera dans ce nom peut-être Édouard Branly.10 Cette révélation du
nom originel d’une personne réelle ayant inspiré cette transformation ludique est
«automatique» comme le nom Branleur apparaı̂t aux côtés de Pasty. Les deux noms
sont donc mêlés dans une contrapèterie (Pasteur et Branly) et ce n’est que grâce
à cet emplacement qu’on la reconnaı̂t assez facilement, de même comme l’identité
confuse des deux personnages.
Mais, comme c’est souvent le cas dans les œuvres queniennes, il existe également
des exceptions : tel Dagobert11 du Chiendent qui n’est pas identique avec aucun
des trois rois des Francs qui portaient jadis le même nom,12 de même comme Clovis
du même roman n’est pas un des rois13 du même nom, mais tout simplement un
garçon de treize ans, appartenant à la famille Belhôtel. Ceci est une exception à la
règle, ce qui est d’ailleurs un procédé assez fréquemment utilisé par Queneau.
3
Noms d’origine « intérieure »
Par le terme d’« inspiration intérieure », nous entendons les prénoms, les noms de
famille ou bien les noms entiers dont la source d’inspiration se trouve directement
dans la vie de l’écrivain. Ceci veut dire que certains gens réels, fussent-ce les gens
des milieux culturel et littéraire ou bien ceux qui entouraient l’auteur dans sa vie
quotidienne, apparaissent de cette façon indirecte,14 dans les romans de Raymond
Queneau.
Ceux qui connaissent bien Raymond Queneau ne seront pas surpris par la constatation que même ce personnage est d’une inspiration (auto)biographique – quand
Queneau campait en Vendée dans un dépôt militaire durant son service militaire,
il a eu, de même comme son futur personnage Valentin Brû, une crise spirituelle et
mystique. Dans le chapitre XX du Dimanche de la vie apparaı̂t, dans une mention
assez courte, le nom de Foinard, un « autre oisif de seconde classe, et curé dans
le civil »15 . Foinard était un personnage qui approvisionnait Valentin en brochures
destinées à « des esprits simples ». Selon Pierre David16 le nom de Foinard semble
descendre de deux sources possibles qui suivent, peut-être des deux à la fois : en
10 Édouard
Branly, physicien français (1844–1940).
également Bébert.
12 Dagobert Ier , le roi des Francs (629–639) ou bien Dagobert II, roi d’Austrasie (676–679),
Dagobert III, (711–715), roi des Francs, mais régnant en effet uniquement en Neustrie.
13 Clovis Ier (481–511), appelé roi des Francs, Clovis II, roi d’Austrasie, de Bourgogne et de
Neustrie entre 639 (656) et 657, Clovis III (675–676), roi de Neustrie, Bourgogne et Austrasie oui
bien encore Clovis IV (691–695), lui aussi roi des Francs (mais en fait uniquement en Neustrie),
tous Mérovingiens.
14 Nous parlons ici d’une façon indirecte des personnages d’apparaı̂tre dans les romans car les
personnages en question n’apparaissent pas dans les romans sous leurs vrais noms.
15 Queneau, Raymond, Dimanche de la vie, in : Godard, Henri (dir.), Raymond Queneau :
Œuvres complètes, tome III – Romans II, Bibliothèque de la Pléiade No 530, Gallimard, Paris
2006, p. 548.
16 Cf. son monumental Dictionnaire des personnages de Raymond Queneau.
11 Appelé
130
campant en Vendée, Queneau rencontre un premier alter-ego de Foinard, se nommant en réalité Marcel Moré qui lui donnait un « missel expliqué portatif » et ils
ont continué leur dialogue sur la spiritualité et la foi dans leur correspondance.17
Le deuxième alter-ego foinardien s’appelait Favereau, séminariste dans le civil (cf.
la citation du début de ce paragraphe), qui était son compagnon de caserne, avec
lequel Queneau entretenait « d’excellents rapports d’intelligence »18 et qui lui a
offert une médaille.19
Foinard est un exemple typique du personnage quenien inspiré par les gens
entourant Queneau dans la vie quotidienne. Les personnages qui se rangent dans
cette catégorie sont très importants car ils créent un sous-groupe assez nombreux
de personnages queniens. Mentionnons encore, pour les personnalités plus connues,
Anglarès (dans lequel on reconnaı̂t traditionnellement André Breton), Odile (Janine Queneau) ou bien Vincent Tuquedenne des Derniers jours qui, ensemble avec
Roland Travy d’Odile rappellent Raymond Queneau lui-même.
On peut donc dire que ce que nous appelons l’« intégration de l’intérieur » dans
les textes queniens est, d’un côté, une nécessité dont Raymond Queneau ne peut
pas se passer, et de l’autre côté, un résultat logique qui s’ensuit de son caractère
en tant qu’homme.
4
Le jeu de la langue, la langue du jeu
Dans l’œuvre quenienne, il est très souvent question de jeux – plus précisément de
jeux joués à la fois par l’auteur ainsi que par ses personnages eux-mêmes.20
4.1 Nom propre ou bien nom commun ?
Tout d’abord, l’on peut déceler un jeu langagier (et grammatical) dont les exemples
idéaux sont les personnages féminins de Lalix et de Lamélie (toutes les deux apparaissant dans les Fleurs bleues) ou bien les personnages masculins où c’est Hubert
Lubert qui nous sert d’exemple. Tous les personages mentionnés semblent disposer
d’un « l » initial inséré en début de leurs noms, le cas d’Hubert Lubert étant un
cas à part car le prénom et le nom semblent répéter l’un l’autre, l’un avec l’article
défini, l’autre sans lui : « Hubert L’Hubert ».
D’autres jeux sont, eux aussi, d’origine phonétique. En se servant toujours de
personnages tirés des Fleurs bleues, nous pouvons constater avoir trouvé dans ces
noms des significations cachées.
Ainsi, peut-on voir dans le nom de Cidrolin, l’un des deux personnages principaux du roman, une transcription phonétique des mots « si drôle, hein ? ». Le
nom et l’expression citée se répondent parfaitement, à supposer que l’on prononce
l’expression mentionnée en tant qu’un seul mot.
correspondance a été publiée en 1987 dans le No 4–5 des Cahiers Raymond Queneau.
David, Pierre, Dictionnaire des personnages de Raymond Queneau, numéro spécial
(3/4/5) de Lectures Raymond Queneau, PULIM – Presses de l’Université de Limoges, Limoges
1994, p. 165.
19 Sur Favereau, cf. les Journaux (1914–1965), publiés sour la direction d’Anne Isabelle Queneau, Gallimard, Paris 1996, pp. 395 et 488.
20 Nous ne trouvons pas du tout que les personnages peuvent jouer à leur gré, motivés par leur
volonté seulement ; mais, en délimitant les deux catégories décrites dans les chapitres 4.1 et 4.2,
il nous était utile de choisir cette formulation.
17 Cette
18 Cf.
131
Cidrolin peut être accompagné de Sidonie Belhôtel qui, étant devenue l’un des
symboles du Mal dans le roman Le Chiendent,21 prend – après cette transformation – le nom de Miss Aulini, donc une « traduction phonétique » du nom du
dictateur fasciste italien Benito Mussolini.22
Si nous revenons encore une fois vers les Fleurs bleues, l’on ne peut pas ignorer le
nom du duc d’Auge. Ce dernier arrive – en traversant les époques et les siècles – en
1789 où il lui faut, vu les circonstances historiques, changer de nom. Le procédé de
ce changement « se déroule » de façon suivante : décomposition du patronyme Auge
en une séquence au-g-e (à lire séparément [o], [g], [e]23 ), puis son renversement,
comme dans un miroir, en la suite [e], [g], [o] qui prend la forme écrite d’Hégault.24
L’on ne peut malheureusement pas répondre à la question si ce dont nous parlons dans cette partie de l’article est tout simplement une intention de la part de
l’auteur (une intention ayant du sens) ou bien un jeu de hasard ou bien encore
un jeu de l’auteur avec son lecteur dans lequel l’auteur veut rendre la lecture plus
énigmatique et ludique pour le lecteur.
4.2 Et si les personnages commencent à jouer eux-mêmes ?
Comme nous avons suggéré plus haut, ce sont parfois les personnages eux-mêmes
qui peuvent commencer à jouer avec les noms, le plus souvent avec ceux des autres
personnages comme c’est le cas d’Icare, le héros principal du roman Le Vol d’Icare
(1968). Icare change de nom (et en conséquence d’identité) suite à un malentendu
entre deux autres personnages du même roman – Hubert Lubert et le déctective
Morcol. Lubert, écrivain qui a perdu son personnage Icare, veut trouver ce dernier
afin de pouvoir continuer l’histoire qu’il est en train d’écrire :
HUBERT
Je fais de mon mieux. Tenez voici dix louis et retrouvez-moi mon Icare vite.
MORCOL
Je vous accuse réception des dix louis et note son nom.
Il écrit Nick Harwitt sur son carnet cependant que Lubert lui donne sa carte. [. . . ]25
Au moment où le détective note «Nick Harwitt» sur son carnet, le sage Icare de
Hubert Lubert devient en effet un autre personnage bien qu’il ne soit perçu ainsi
que par un seul autre personnage de ce roman.
Mais revenons un peu : Icare, avant de devenir Nick Harwitt (bien que par
coı̈ncidence), existe sous son nom qui vient, quant à lui, évidemment de la mythologie grecque. Pour voir le parallèle entre l’Icare de Queneau et l’Icare mythique,
il suffit de consulter sa mémoire ou bien le dictionnaire qui décrit l’Icare mythique
ainsi :
21 Auquel
on réfère par tradition en utilisant le terme « roman en vers ».
un changement phonétique léger consistant en l’alternance du « u » avec le « i ».
23 Nous utilisons ici l’alphabet phonétique international ; l’alphabet phonétique tchèque traditionnellement utilisé pour le français noterait plutôt [o.], [g], [e.] et [e.], [g], [o.].
24 Mais, une fois que l’on en est en 1789, l’on peut penser également au mot «égal» dont le pluriel
masculin « égaux » correspondrait phonétiquement, lui aussi parfaitement, à la prononciation du
nom Hégault.
25 Queneau, Raymond, Le Vol d’Icare, in : Œuvres complètes, tome III – Romans II, Gallimard,
Paris 2007, pp. 1 176–1 177.
22 Avec
132
Icare, en gr[ec] Ikaros. Fils de Dédale, enfermé avec lui dans le Labyrinthe par
Minos. Évadé avec son père grâce aux ailes que celui-ci fabrique, il vole imprudemment
si près du Soleil que la cire attachant les ailes sur ses épaules fond. Il tombe alors et
s’abı̂me dans la mer qui, depuis, porte son nom.26
C’est surtout la première partie de cette entrée du dictionnaire qui nous fait
penser immédiatement à Icare quenien – ce dernier est enfermé, lui aussi, dans un
Labyrinthe27 par « son » Minotaure (Hubert Lubert28 ).
Icare est un personnage dont l’identité change par accident, par incompréhension. Mais il y a aussi des personnages queniens dont l’identité change au cours
d’une histoire concrète grâce à leur volonté, c’est un changement voulu : ainsi, par
exemple, M. Brabbant des Derniers jours, devient M. Blaisolle, M. Dutilleul ou
bien M. Martin-Martin. M. Brabbant choisit son identité selon la situation dans laquelle il se trouve. Ici, les noms n’ont pas de signification et d’inspiration concrète.
Leur rôle est de résonner aimaiblement à ceux avec lesquels M. Brabbant est en
contact dans une situtation particulière : il devient M. Blaisolle lorsqu’il se rend au
café où il rencontre des gens et c’est sous la « masque » de ce nom qu’il commet
son premier vol. Le nom de Blaisolle lui sert donc dans ce milieu.
M. Dutilleul (Louis Dutilleul) est celui qui a son goût des femmes qu’il recherche chez Mme Dutilleul qui est l’amie, la confidente, l’ancienne maı̂tresse et
l’entremetteuse de Brabbant-Dutilleul.
Sauf les changements d’identité de personnages qui peuvent donc être involontaires (Icare) et volontaires (M. Brabbant), il y a également des personnages qui
subissent une transformation d’identité suite à la volonté de l’auteur de ces romans, c’est-à-dire de Raymond Queneau lui-même. Ceci concerne en particulier les
personnages des romans Gueule de Pierre (1934), Les temps mêlés (1941) et Saint
Glinglin (1948). Les trois romans sont liés les uns avec les autres, en particulier les
deux premiers, tout d’abord parus séparément, dont le texte a été fondu en un seul
et qui ont ainsi formé Saint Gliglin. Ayant changé tout dans le roman qui suit les
deux premiers, l’auteur a fait de même avec les noms des personnages.
En guise de conclusion
La liste de catégories avec les exemples les illustrant que cet article contient ne se
veut pas exhaustive, l’on peut toujours trouver certaines catégories nouvelles en
addition – ceci veut dire que l’étude en question ne représente que l’état actuel
de nos recherches qui peuvent toujours élargir le nombre de catégories ainsi que
leur profondeur. Le présent article ne se veut donc pas être une étude complète,
mais, par contre, une étude d’ébauches qui sera complété par une étude postérieure
qui précisera les catégories esquissées ici et les complétera par une liste exhaustive
d’exemples, mais ce projet dépasse déjà les limites de l’article en tant que tel.
26 Le
Petit Robert, op. cit., p. 1 045.
mot, commençant par un l, peut nous faire penser à la l ittérature ou bien l’œuvre l ittéraire
qui sont pour Icare quenien un Labyrinthe où il est enfermé, et voulant vivre en liberté (l iberté),
s’en enfuit.
28 Est-ce donc une simple coı̈ncidence que le nom de famille de l’héros-écrivain du Vol d’Icare
commence, lui aussi, par un l, rappelant ainsi discrètement que Hubert Lubert est celui qui crée
le Labyrinthe pour Icare ?
27 Ce
133
BIBLIOGRAPHIE
David, Pierre, Dictionnaire des personnages de Raymond Queneau, numéro spécial
(3/4/5) de Lectures Raymond Queneau, PULIM – Presses de l’Université de
Limoges, Limoges 1994.
Delbreil, Daniel (dir.), Le personnage dans l’œuvre de Raymond Queneau, Presses
de la Sorbonne Nouvelle, Paris 2000.
Godard, Henri (dir.), Raymond Queneau: Œuvres complètes, tome II – Romans I,
Bibliothèque de la Pléiade No 485, Gallimard, Paris 2002.
Godard, Henri (dir.), Raymond Queneau : Œuvres complètes, tome III – Romans II, Bibliothèque de la Pléiade No 530, Gallimard, Paris 2006.
Le Petit Robert, Dictionnaires Le Robert – VUEF, Paris 1994.
Queneau, Anne-Isabelle (éd.), Journaux (1914–1965), « Collection blanche », Gallimard, Paris 1996.
Původ a význam jmen hrdinů Raymonda Queneaua
Resumé
Článek se zabývá motivací vlastních jmen v románové tvorbě Raymonda Queneaua, známého kromě své oblibě v matematice a její aplikace na literární dílo
rovněž jako autor mající v oblibě slovní hříčky. Vlastní jména jsou zde rozdělena
do určitých kategorií, které jsou vytvořeny na základě jejich společné motivace,
případně jiných společných znaků. Každá kategorie obsahuje jeden či dva příklady
pro ni typické, které jsou hlouběji komentovány a vždy rovněž minimálně několik dalších, které ji dále ilustrují. Článek není vyčerpávající studií na toto téma,
jeho cílem je obecně popsat předem definované kategorie a ukázat, jak může být
v budoucnu doplněn podobnými studiemi.
The Origin and the Meaning of Names of Raymond Queneau’s
Characters
Summary
The article covers the motivation of proper names in the novels of Raymond
Queneau, also known – apart from his pleasure of mathematics and its application
to a literary text – as an author who likes playing with words and creating puns.
Proper names are divided into certain categories which are based on common motivation of proper names, but also on other characteristic attributes they have in
common. Each category contains one or two typical examples, which are commented on in greater detail, and also a couple of examples which further illustrate
it. The article is not an exhaustive study of this topic; it is rather meant to describe
134
generally pre-defined categories and to show how it can be fully completed in the
future by similar articles.
Slavomír Míča
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
[email protected]
135
Escrituras del exilio en la narrativa Argentina
comtemporánea: conflicto de discursos
(en busca de las delimitaciones
conceptuales y metodológicas)
Daniel Nemrava
El objetivo de este trabajo es presentar y analizar algunos conceptos relacionados con la problemática del exilio que constituye un eje temático de gran parte
de la literatura argentina desde los inicios de su existencia, es decir, desde los principios del siglo XIX. En nuestro análisis nos referimos sobre todo a la creación
literaria producida en su mayoría en los años 70 y 80 del siglo XX, en la época
llamada dictatorial y postdictatorial. Se trata de textos escogidos de la narrativa
argentina marcada y condicionada, en diferentes grados, por el contexto social y
político de dicho período cuyo eje temático es el exilio y sus diferentes modalidades;
o textos incididos por el tema de exilio y la búsqueda de identidad, es decir, textos
en los que el tema de exilio se manifiesta tanto de forma explícita como implícita.
Dentro de esta problemática es imposible evitar el contexto de diferentes niveles, tanto literarios como extraliterarios, en el que se formaron tales discursos
narrativos. Para llegar a una visión más profunda de la narrativa del exilio que
aparece en este período, y la explicación de sus características principales, consideramos como poco satisfactorio el análisis de las diversas estructuras textuales fuera
de su contexto histórico, social y cultural.
Discursos y contradiscursos: hacia un enfoque
interdisciplinario
Hemos dicho que el tema del exilio exige un enfoque más amplio, multidisciplinario.
En el nivel textual, con tal de que utilicemos el evento comunicativo llamado discurso con el propósito delimitador en el sentido restringido, es decir, como texto,1
1 En cuanto al nivel textual del discurso, van Dijk en su análisis del discurso multidisciplinario,
por ser la problemática tan compleja y ambigua, evita dar una definición exacta, por lo tanto
no utiliza la distinción entre discurso y texto considerando los discursos como formas de uso
de la lengua. En su análisis orientada socialmente parte del significado principal del término
137
consideramos inevitable la introducción de este concepto en el contexto2 más amplio de acuerdo con los criterios planteados para el corpus literario y para la mejor
percepción de la situación en el campo literario considerado. Por ende, nos parece
adecuada y aceptable la afirmación de José Javier Maristany de que «un texto que
llamamos literario no aparece en el vacío sino en medio de una trama de discursos
literarios o no literarios, con los cuales establece “necesariamente” relaciones. Las
palabras, la materia prima utilizada, traen con ellas las huellas de otros contextos sociodiscursivos en los que habitaron o en los que habitan todavía. No pueden
desprenderse de esta marca de su contexto de origen, el cual persiste y orienta los
procesos semióticos».3
Por otro lado, analizando las características de la narrativa argentina en los
años 70 y 80, más exactamente, durante los períodos pre-dictatorial (1973–1975),
dictatorial (1976–1983) y post-dictatorial (desde 1983), frecuentemente, nos encotramos con términos como narración del Poder, ficción del poder o relato del poder,
lo que nos lleva a la relativización de los límites entre la literatura y no literatura,
es decir, al campo extraliterario que se sirve de conceptos y criterios literarios.
Todorov habla de «sistema de géneros» en el que se organizan los discursos de
una sociedad, lo que le permite analizar discursos no literarios con instrumentos
tradicionalmente apolicados en análisis literarios:
En una sociedad se institucionaliza la recurrencia de cierta propiedades discursivas, y los textos individuales son producidos y percibidos con relación a la norma
que constituye esta codificación. Un género, literario o no, no es otra cosa que esta
codificación de propiedades discursivas.4
Estas observaciones las ilustra el comentario irónico de Ricardo Piglia sobre la
relación de la literatura con el poder del estado:
Por momentos la ficción del Estado aventaja a la novela argentina. Los servicios
de informaciones manejan técnicas narrativas más novelescas y eficaces que la mayoría
de los novelistas argentinos. Y suelen ser más imaginativos.5
discurso, es decir, el significado primario extendido del término discurso que se definirá como un
«evento comunicativo específico». Al utilizar significado primario más restringido «abstraemos
la dimensión verbal del acto comunicativo oral o escrito de un evento comunicativo y usualmente
nos referimos a esa abstracción como conversación o texto. Es decir, en este sentido se utiliza
discurso más bien para referirse al producto logrado o en desarrollo de acto comunicativo, a saber,
su resultado escrito o auditivo tal como se lo pone socialmente a disposición de los receptores para
que lo interpreten. En este caso, discurso es el término general que se refiere a un producto verbal
oral o escrito del acto comunicativo.» Dijk, T. van, Ideología: un enfoque multidisciplionario,
págs. 246–247.
2 Van Dijk define el contexto como «. . . el conjunto estructurado de todas las propiedades de una
situación social que son posiblemente pertinentes para la producción, estructuras, interpretación
y funciones del texto y la conversación.» Íbid., pág. 266.
3 Maristany, J. J., Narraciones peligrosas. Resistencia y adhesión en las novelas del Proceso,
pág. 12.
4 Todorov, T., Los géneros del discurso. Cit. por Maristany, J. J., Narraciones peligrosas.
Resistencia y adhesión en las novelas del Proceso, pág. 35.
5 Piglia, R., Crítica y ficción, pág. 181.
138
Así Piglia pone en práctica mediante mecanismos literarios el proceso de lectura
del discurso no literario: los dirigentes del Estado también crean, a través del discurso oral o textual, una realidad proyectando en sus «narraciones» sus propósitos
ideológicos, ya que «los discursos político, jurídico, histórico, religioso, etc., nos
cuentan todos ellos historias, no pueden escapar a la mise en intrigue, que implica
una forma particular de encadenar los acontecimientos, de presentar los personajes,
de trabajar el tiempo del relato y la instancia narrativa, una mise en intrigue que
depende en última instancia de condiciones ideológicas».6
Al mismo tiempo, Piglia advierte que la situación política y los discursos hegemónicos o «relatos del Estado» no se reflejan en la narrativa sino que se reproducen en ella manteniéndo la literatura en «una tensión secreta» con el poder. Sin
embargo, esta reproducción la debemos percibir no en el simple sentido literal reduciendo los discursos literarios en puras repeticiones de las ideologías dominantes, ya
que la palabra autoritaria puede causar el desprendimiento del contexto artístico,7
sino también en el sentido de una nueva recodificación descentralizadora, abierta a
otras interpretaciones. Desde este punto de vista, podemos resumir esta operación
creativa de manera siguiente: los escritores en oposición al régimen, según sus relaciones con el ambiente y su posición social (exiliado, no exiliado), «leen» los relatos
dominantes y los «reproducen», deformándolos y descentrándolos al mismo tiempo
a su manera, aplicando múltiples estrategias narrativas en diferentes grados de figuración. El resultado es la construcción de una narración en otro nivel, diferente
de la que produce el Estado, lo que significa al mismo tiempo el resurgimiento del
nuevo discurso, llamémoslo contradiscurso, que, de cierta forma, entra en «diálogo»
con otro.8
Con su observación, Piglia nos revela la existencia de una relación interactiva
de carácter dialógico de discursos diferentes, muy intensa en la literatura argentina
de la época. La relación o interacción de la literatura con el contexto extraliterario
ya nos confirma Bajtin partiendo de la afirmación de que todo signo es ideológico
por naturaleza y cuya enunciación (enunciado vivo) es condicionada por la interacción social.9 Refiriéndose al género novelesco y su relación con el contexto social,
6 Maristany,
J. J., Narraciones peligrosas. Resistencia y adhesión en las novelas del Proceso,
pág. 36.
7 «La palabra autoritaria no se representa, sino que, s[o]lamente, se transmite. Su inercia, su
perfección semántica y su petrificación, su afectado aislamiento externo, el hecho de que rehace
todo desarrollo libremente estilizante, excluye la posibilidad de una representación artística de la
palabra autoritaria. En la novela, su papel es minúsculo. No puede ser esencialmente bivocal y
formar parte de construcciones híbridas. Cuando pierde definitivamente su autoridad, se convierte,
simplemente, en un objeto, en una reliquia, en una cosa.» Bajtin, M., Teoría y estética de la
novela, pág. 160.
8 Sobre el carácter dialógico se habla en relación con el término transtextualidad. Sin embargo,
Alfonso de Toro vincula este concepto con el proceso de transculturalidad: «[. . . ] en cuanto se
trata del diálogo o de la recodificación de subsistemas y campos particulares de diversas culturas
y áreas del conocimiento, sin que en este proceso se comience preguntando por el origen, por la autenticidad o la compatibilidad del empleo de unidades culturales provenientes de otros sistemas.»
Toro, A. de, «Pasajes – heterotopías – transculturalidad: estrategias de hibridación en las literaturas latino/americanas: un acercamiento teórico», en: Aves de paso. Autores latinoamericanos
entre exilio y transculturación (1970–2002), pág. 22.
9 «Un enunciado vivo, aparecido conscientemente en un momento histórico determinado, en un
medio social determinado, no puede dejar de tocarmiles de hilos dialógicos vivos, tejidos alrededor del objeto de ese enunciado por la conciencia ideológico-social; no puede dejar de participar
139
Bajtin señala que «la novela es la diversidad social, organizada artísticamente, del
lenguaje; y a veces, de lenguas y voces individuales. [. . . ] El discurso del autor y
del narrador, los géneros intercalados, los lenguajes de los personajes, no son sino
unidades compositivas fundamentales, por medio de las cuales penetra el plurilingüismo en la novela; cada una de esas unidades admite una diversidad de voces
sociales y una diversidad de relaciones, así como correlaciones entre ellas (siempre
dialogizadas, en una u otra medida). Esas relaciones y correlaciones espaciales entre
los enunciados y los lenguajes, ese movimiento del tema a través de los lenguajes
y discursos, su fraccionamiento en las corrientes y gotas del plurilingüismo social,
su dialogización, constituyen el aspecto característico del estilo novelesco.»10
Dentro de esta problemática, ante todo en lo que atañe la relación del discurso
con el concepto de la ideología,11 surge el tema de la responsabilidad del intelectual
que naturalmente debería representar los valores morales en los tiempos difíciles
dominados por idelogías totalizadoras. En Argentina este tema desembocó a principios de los años ochenta en una polémica en el nivel de la experiencia exílica entre
los que se fueron y los que se quedaron, una polémica que a fin de cuentas resultó
inútil, y no llegó a ninguna conclusión más profunda (véase, p. e., el intercambio
epistolar de L. Heker y Julio Cortázar).
José Carlos Mainer, hablando del intelectual en relación con el régimen franquista, resume su papel de manera siguiente:
El intelectual —esto es, el escritor en cuanto catalzador de ideas sociales— piensa
y siente por todos: su tarea es anticiparse, comprometerse, persuadirnos. Se equivoca
muy a menudo porque opera en el territorio salvaje de los intereses políticos a los que
quisiera aplicar categorías morales. Cuando ocurre así, no es fácil percibir que nos ha
engañado porque, en rigor, nos ha hecho partícipes de su propio engaño.12
Para Mainer el discurso del escritor es una mezcla de «la biografía que tejen
sus circunstancias y del destino que le esperaba en un momento en el camino.»13
El intelectual expone, a través de su literatura su vida y el camino que decidió
tomar, exhortándonos que sigamos con él en este camino. Mainer utiliza el concepto
de «narrativas de persusación» en la cuales distingue dos formas del relato: el
de conversión y de arrepentimiento. Santos Juliá añade que las memorias de los
intelectuales son bastante tramposas en este aspecto advirtiendo que es «una pobre
guía para el conocimiento del pasado acercarse a sus biografías petrechados de
categorías morales, como militantes de batallas para la recuperación de la memoria,
activamente en el diálogo social. Porque tal enunciado surge del diálogo como su réplica y continuación, y no puede abordar el objeto proveniendo de ninguna otra parte.» Bajtin, M., Teoría
y estética de la novela, pág. 94.
10 Íbid., pág. 81.
11 Sobre la relación entre la ideología y el discurso, van Dijk afirma: «[. . . ] la proyección ideológica
en las estructuras del discurso es rara vez directa. Tiene lugar por medio de conocimiento y
actitudes de grupo más específicos, la formación de modelos distorsionados de acontecimientos y
contextos, la construcción de representaciones de significado y la expresión en formas variables
y estructuras superficiales, en modos que son una función de muchas restricciones sociales y
contextuales, de las cuales las creencias ideológicas son sólo un elemento.» Dijk, T. van, Ideología:
un enfoque multidisciplionario, pág. 265.
12 Mainer, J. C., «Cadáveres en el armario», en: Babelia, núm. 777, El País, 14–10–2006, pág. 3.
13 Íbid., p. 3.
140
para exigirles cuentas, juzgarlos y condenarlos. A estas alturas no es la memoria
que hay que recuperar es la verdad lo que hay que conocer.»14
Las observaciones y conclusiones sobre estas experiencias en el contexto europeo
se pueden aplicar al contexto literario argentino. Sin embargo, también por razones
arriba mencionadas, nuestro propósito no es una propuesta de análisis basada en
la búsqueda de datos biográficos del escritor en su obra literaria, ni análisis del
discurso literario desde el punto de vista estrictamente socio-político, es decir, de
los modos de la proyección discursiva de tal o cual ideología, ni comparaciones
de su literatura con las proclamaciones públicas. Además, dentro de los temas de
exilio e identidad, la investigación a nivel exclusivamente socio-político nos llevaría
a ciertas clasificaciones limitadas, conclusiones polémicas y superficiales, lo que
ocurrió en varios estudios dedicados a la problemática; por ejemplo, el tema de la
metaforización a menudo se relacionaba esquemáticamente con la condición socio-política del escritor, es decir, se consideraba el grado de la metaforización según
su estatuto del exiliado (interno o externo).
Por otro lado, a pesar de que las obras de autores Daniel Moyano, Héctor
Tizón, Ricardo Piglia, Juan José Saer, Reina Roffé, Tununa Mercado, Juan Martini, Osvaldo Soriano y de muchos otros manifiestan cierto grado del compromiso
político, mantienen una relativa autonomía creativa sin caer en simples tesis ideológicas, dejando a la vez un gran espacio abierto a la ambigüedad y múltiples
interpretaciones de su propia verdad (o mentira). A propósito, en una conferencia,
el escritor Mempo Giardinelli auto-irónicamente proclamó:
Y como el arte de mentir es parte circunstancial nuestra, cabe defender el derecho
a la buena mentira inocua de la literatura. Yo miento en mis libros, en la invención de
mis personajes, en la geografía literaria que escojo para deformarla y jugar con ella
como se me antoje. Y defiendo este derecho, porque en mi trabajo defiendo la vida y
busco lo que me parece la verdad, y procuro combatir la imbecilidad empezando por
la mía, que no me falta.15
Escrituras del exilio
En primer plano, el concepto del exilio nos puede remitir directamente a la realidad extraliteraria de los escritores que sufrieron o siguen sufriendo cierto tipo
de destierro, de un aislamiento concreto, una experiencia que posteriormente a su
manera reflejan en la narrativa. Sin embargo, la problemática, como podemos ver
en los textos mismos, no requiere necesariamente la condición de un referente concreto y restringido, de una experiencia del traslado geográfico de los autores en un
momento de su vida. En su estudio dedicado al exilio interior de los intelectuales
españoles después de la Guerra Civil Paul Ilie define el exilio como «un estado de
ánimo cuyas emociones y valores responden a la separación y ruptura como condiciones en sí mismas. Vivir aparte es adherirse a unos valores que están separados de
los valores predominantes; aquél que percibe esta diferencia moral y que responde a
14 Juliá,
S., «Trampas de la memoria», en: Babelia, núm. 777, El País 14–10–2006, pág. 2.
M., «Elogio de la mentira», en: Kohut, K.: Un universo cargado de violencia.
Presentación, aproximación y documentación de la obra de Mempo Giardinelli, pág. 212.
15 Giardinelli,
141
ella emocionalmente vive en exilio.»16 En cuanto a diferentes modalidades del exilio, el escritor argentino Juan José Saer, en una entrevista, los resume brevemente
destacando el papel importante que el exilio desempeña en la cultura argentina:
Yo he dicho ya muchas veces que hay varias formas de exilio. Por empezar, un
exilio forzado, es decir, cuando otros le imponen el exilio a uno, porque si no [. . . ] para
poder defender su vida, sus bienes, su tranquilidad, su libertad de expresión, tienen
que exiliarse. Voluntario, porque simplemente alguien no soporta el medio en que vive,
y se traslada a otro, donde piensa que va a estar mejor. Hay un exilio exterior, pero
también hay un exilio interior; [. . . ] Yo creo que en la literatura argentina la tradición
de exilios interiores, exteriores, se justifica, está vinculada, está en relación con nuestra
historia, que ha sido una historia muy tumultuosa, desordenada, violenta, por un lado.
Al mismo tiempo, con nuestra sociedad, porque nuestra sociedad es una sociedad en
la cual el artista no tiene un lugar preciso. Aparte, son muy pocos los artistas que
aceptan el cargo de artistas.17
Hay que subrayar que esta clasificación no significa de nuestra parte un intento
de creación y definición de un nuevo género o una corriente específicos. Esta categoría la entendemos como un concepto crítico operativo respecto a ciertos textos
con características particulares. Hemos observado que hasta hoy la crítica no ha
llegado a un consenso acerca de una definición definitiva y satisfactoria, ni siquiera
a la denominación exacta, por la posibilidad de múltiples interpretaciones en diferentes niveles y desde diferentes puntos de vista que se ofrecen en este campo
de investigación. Nosotros tomamos como punto de partida las observaciones de
Andrés Avellaneda quien resume este tipo de escrituras dentro del contexto de
la última dictadura militar en Argentina (1976-1983), experiencia que de manera
considerable influyó en la narrativa de los años 70 y 80:
En uno de los grandes temas ligados a la represión de la dictadura militar terrorista, el exilio, se prefirió espesar la complejidad de la escritura. Por tratarse de textos fuertemente ligados a experiencias personales abundan en ellos técnicas de efecto
distanciador como el umbral emotivo alto, la descripción morosa de cuño objetivista,
el armado intertextual, la mezcla de lenguajes épico-líricos, el desvío simbólico o alegórico, el esfumado de las categorías del relato. Un modo preferido de distanciamiento
es el borrado de la anécdota, que no deja traslucir con facilidad la ubicación espacial y
temporal, ni lo contextual y lo autobiográfico. [. . . ] los significados suelen concentrarse
en un puñado de tópicos: el viaje inverso del descendiente de quienes antaño viajaron
a la Argentina. El poder de estos significados reside sobre todo en el trabajo que hacen
estos textos con la materia narrada.18
En su trabajo sobre exilio y traducción, Adriana Bocchino delimita la categoría
señalando que «la cuestión fundamental [. . . ] está en la relación que puede llegar
a establecerse entre una escritura y un desencadenante pensado como hecho social
16 Ilie,
P., Literatura y exilio interior, pág. 8.
A., La literatura expatriada. Conversaciones con escritores argentinos de París,
17 Gasquet,
pág. 52.
18 Avellaneda, A., «Lecturas de la historia y lecturas de la literatura en la narrativa argentina
de la década del ochenta», en: Bergero, A. J. – Reati, F., eds.: Memoria colectiva y políticas
de olvido (Argentina y Uruguay, 1970–1990), pág. 162.
142
y político. En esta relación, observada como problema crucial, se constituyen estas
escrituras [. . . ] los textos a partir de los cuales se puede hablar de una narrativa
específica, fechable cronológicamente alrededor del ’76 en adelante, en Argentina,
se constituyen sobre esta retórica particular de las escrituras del exilio, como matriz
cultural: una matriz armada como zona de transformaciones, derivación y deslizamientos, físicos y linguísticos.»19 Hay que advertir que el tema del exilio resurgido
por cincunstancias político-sociales no aparece en las obras incluidas necesariamente relacionado con la dictadura concreta sino en el nivel más general como
tema univesal.
Modos de representación
En cuanto a las estrategias narrativas utilizadas en las escrituras del exilio, éstas
son características por la riqueza y la complejidad de los procedimientos narrativos. En las novelas de Héctor Tizón, Daniel Moyano, Reina Roffé, Ricardo Piglia
o Tununa Mercado encontramos, por ejemplo, el cambio del sujeto de enunciación,
la pluralidad/fragmentación de voces narrativas, de diferentes puntos de vista y de
niveles narrativos. No se trata, sin embargo, de un puro ejercicio narratológico. Todos los experimentos narratológicos pasan a concretarse en el nivel temático como
uno de los modos de representación de la cuestión del exilio y la identidad. Por este
hecho llegaríamos, dentro del análisis narratológico estructural, en muchos casos a
conclusiones subjetivas sin poder evitar ambigüedades y hasta contradicciones.
Otro aspecto significativo para la caracterización y especificación de las estrategias narrativas del susodicho período y para la problemática de la representación
gira en torno a los recursos literarios dentro la teoría de la retórica discursiva. Relevante es la presencia de figuras semánticas (sobre todo de los tropos como metáfora,
metonimia y alegoría), ya que lo que une gran parte de los textos es, según Beatriz
Sarlo, la figuración del conflicto argentino:
[. . . ] un grado de resistencia a pensar que la experiencia del último período pueda
confiarse a la representación realista. Son textos que mantienen con ella una relación a veces distante, casi siempre oblicua y figurada en diferentes grados, desde la
más directa relación metonímica hasta formas más complicadas de la alegoría y la
metaforización.20
De las figuras retóricas destacamos la alegoría que es una de las manifestaciones
literarias por excelencia de la época de una profunda crisis existencial en el sentido
de crisis cultural y espiritual, es decir, uno de los mejores (y lógicos) medios de
representar en el texto literario el momento crítico y el exilio que vive el escritor
argentino. Idelber Avelar, al caracterizar algunos de estos textos a través del recurso
de la alegoría, los vincula a la vez con la experiencia de la derrota:
La rígida circunscripción espacio-temporal común a estos textos se analiza dentro
de este marco: despliegan, al fin y al cabo, la pertrificación de la historia característica
19 Bocchino, A., «Escrituras del exilio y traducción», en: Bradford, L., ed.: Traducción como
lectura, pág. 64.
20 Sarlo, B., «Política, ideología y figuración literaria», en: Ficción y política. La narrativa
argentina durante el proceso militar, págs. 57–58.
143
de la alegoría. Esta inmanentización radical se vincula [. . . ] con la experiencia de la
derrota, cuya réplica tropológica reside en el concepto de alegoría: derrota histórica,
inmanentización de los fundamentos de la narrativa y alegorización de los mecanismos
ficcionales de representación, serían teóricamente coextensivos, cooriginarios. [. . . ] el
giro hacia la alegoría equivale a una transmutación epocal, paralela y coextensiva
a la imposibilidad de representarse el fundamento último: derrota constitutiva de la
productividad de lo literario, instalación, en fin, de su objeto de representación en
cuanto objeto perdido.21
En otras palabras, consideramos que la alegoría es probablemente el mejor instrumento retórico capaz de crear relaciones entre la situación socio-política y el
lenguaje, posteriormente codificado en historias parabólicas o elusivas, un instrumento adecuado para la ficcionalización del discurso no literario, de representar la
historia «petrificada» (véase la petrificación de la palabra autoritaria en Bajtin).
Una anécdota de Ricardo Piglia lo ilustra claramente: el autor, en la época de plena
dictadura, después de regresar a Argentina de Estados Unidos, se ha fijado que durante su ausencia el gobierno militar cambió el sistema de señales de las paradas
de los autobuses y en vez de viejos postes ha puesto carteles que decían Zona de
detención:
Tuve la impresión de que todo se había vuelto explícito, que esos carteles decían
la verdad. La amenaza aparecía insinuada y dispersa por la ciudad. Como si se hiciera
ver que Buenos Aires era una ciudad ocupada y que las tropas de ocupación habían
empezado a organizar los traslados y el asesinato de la población sometida. La ciudad
se alegorizaba.22
De esta manera se crea «una estructura que dice todo y no dice nada, que hace
saber sin decir, que hace a la vez ocultar y hacer ver. Y el tipo de lenguaje, el uso
estatal de la lengua. . . Ahí actuó el contexto de modo cifrado y enigmático, como
pasa siempre. Todos sabemos lo que significaban las zonas en las que los militares
habían dividido el país para que los grupos de detención actuaran libremente. En
esta expresión se sintetiza una relación entre el lenguaje y la situación política.»23
A manera de concluir
Resumiendo lo arriba dicho, según nuestra opinión, la lectura «transversal» o enfoque interdiscursivo nos permite observar desde la perspectiva horizontal el espacio
de la tensión discursiva entre el mundo dominante del Estado y cierto sector literario
que utiliza diferentes prácticas heterónomas, contradiscursivas. Por consiguiente,
este enfoque contribuye a especificar y definir la condición exílica y marginada de
esta literatura. Al mismo tiempo, nos ayuda a explicar la razón del resurgimiento
y de la predominancia de los temas de exilio y búsqueda de identidad que, siendo
presentes como temas principales en la literatura argentina desde siempre, en el
período considerado cristalizan en su mayoría en forma de una fuerte figuración
metafórica y al mismo tiempo bajo una construcción textual más profuda y compleja.
21 Avelar,
I.: Alegorías de la derrota: la ficción postdictatorial y el trabajo del duelo, pág. 28.
R.: Crítica y ficción, pág. 182.
23 Íbid., pág. 183.
22 Piglia,
144
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145
Exilová literatura v současné argentinské próze: konflikt diskurzů
(vymezení pojmové a metodologické)
Resumé
Cílem práce je analýza některých pojmů spojených s problematikou exilu tvořící tématickou osu velké části současné argentinské literatury. Téma exilu je těsně
spjato s identitou, proto považujeme za užitečné studovat literaturu z pragmatického pohledu, v jejím sociálním a politickém kontextu. Klademe důraz na vymezení základních pojmů, na komunikační napětí ve vztazích hlavních diskurzů a na
základní způsoby zobrazení použitých v literárních textech se zvláštním zřetelem
k metaforizaci.
Exile Writing in the Contemporary Argentiniam Narrative: the
Conflict of Discourses (in Search of Conceptual and Methodological
Delimitations)
Summary
The subject of this investigation is the analysis of concepts united with the
issue of exile, which forms a thematic axis of an important part of contemporary
Argentinian literature. The topic of exile is closely united with the topic of identity;
that is why we consider it necessary to study the selected literary works from
the pragmatic point of view, i. e. in their social and political context. We pay
attention to the delimitation of the basic concepts, to the relationships and tensions
between the opposing discourses and to the main ways in which are represented
these relationships in the literary texts of contemporary Argentinian prose, with
the emphasis on a process of metaphorization.
Daniel Nemrava
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
República Checa
[email protected]
146
Ariel y Calibán. El pensamiento filosófico de José
Ortega y Gasset en el contexto hispanoamericano
Markéta Riebová
Hace poco tiempo fue publicada la traducción checa de las Meditaciones del
Quijote, una de las obras clave del filósofo español José Ortega y Gasset, conocida
por la célebre frase: «Yo soy yo y mi circunstancia, y si no la salvo a ella no me salvo
yo».1 La idea orteguiana de la «circunstancia»2 que enmarca e influye cada vida
humana se desprende de su interés en la realidad concreta. Ortega fue uno de los
primeros filósofos que abandonaron la creación de los sistemas filosóficos clásicos,
interpretaron la existencia humana desde la realidad concreta y así acercaron la
filosofía a la vida real. Con esta actitud suya el filósofo español se acercó a la filosofía hispanoamericana3 y las Meditaciones del Quijote fueron recibidas con mucho
entusiasmo en Hispanoamérica. La idea de la «circunstancia» iba, además, unida
con el perspectivismo que reconocía la validez y la necesidad del punto de vista
de cada individuo así como la pluralidad de las culturas.4 Se trataba de postulados sumamente modernos para su tiempo. Sin embargo, en sus obras posteriores
como La rebelión de las masas, Ortega cambió su mirada pluricultural por el paternalismo eurocentrista causando así una ola de desilusión entre los intelectuales
hispanoamericanos.
1 Ortega
y Gasset, J., Meditaciones del Quijote, pág. 30.
idea de la «circunstancia» aparece ya en la primera obra de Ortega: Meditaciones del
Quijote (1914); en La rebelión de las masas (1930), sin embargo, tiene un lugar importante
también: «Circunstancia y decisión son los dos elementos radicales de que se compone la vida.»
Ortega y Gasset, J., La rebelión de las masas, pág. 105.
3 Como afirma el filósofo mexicano Leopoldo Zea: «[. . . ] nuestros filósofos, lejos de entregarse a
la meditación académica, a la creación de sistemas, tomaron de la filosofía europea el instrumental
que necesitaban para resolver sus problemas y orientar una acción que era ineludible.» Zea, L.,
«Significado de la filosofía en la cultura de América», en: Filosofía y cultura latinoamericanas,
págs. 18–19.
4 El tema del perspectivismo y de la pluralidad de las culturas está más desarrollado por Ortega
en su ensayo El tema de nuestro tiempo (1923).
2 La
147
Ortega el Americano. . . a pesar suyo
Aunque América no ocupe un lugar preeminente en la obra de Ortega, el filósofo
español tenía, según sus propias palabras, una relación muy especial con América,
sobre todo gracias a sus dos estancias en Argentina a principios del siglo XX durante
las cuales fue recibido muy cordialmente.
[. . . ] no podría escribirse mi biografía sin dedicar algunos capítulos centrales a la
Argentina [. . . ] yo debo, ni más ni menos, toda una porción de mi vida —situaciones,
emociones, hondas experiencias, pensamientos— a ese país.5
Esta relación, sin embargo, no fue inequívoca. El filósofo mexicano Leopoldo
Zea la caracterizó del modo siguiente: «José Ortega y Gasset, alguna vez, declaró a
nuestro Alfonso Reyes el agrado que tendría de ser apodado Ortega el Americano,
como se dijo en la antigüedad Escipión el Africano. Y he aquí que por lo que su
obra representó para nuestra América, la hispánica, Ortega merece este apodo;
pero a pesar suyo».6
En su texto «Ortega el Americano» (1956) Zea explica la influencia fundamental que el perspectivismo de Ortega tenía en la filosofía hispanoamericana: los
pensadores hispanoamericanos encontraron en sus textos Meditaciones del Quijote
(1914), El tema de nuestro tiempo (1923) o el ensayo «Las Atlántidas» (1924) la
confianza que necesitaban tan urgentemente.
Si ante un problema queremos reaccionar a la europea, tenemos que desentendernos
de la aspiración a lo absoluto y orientarnos no en el ideal transhistórico de verdad, sino
en la línea histórica de los gestos europeos. Viceversa, si ante un problema buscamos
su solución absoluta nos desentenderemos del módulo europeo e intentaremos muy
deliberadamente, merced a una violenta reflexión, libertarnos de nuestro europeísmo.
Esta reflexión que nos liberta de la limitación histórica es precisamente la historia.7
La visión orteguiana de la filosofía europea de la historia como filosofía de la
historia europea les transmitió a los intelectuales hispanoamericanos el mensaje
de que ningunos temas filosóficos guardaban más valor que otros y de que el casi
centenario afán de los hispanoamericanos de entender su propia realidad, es decir,
su propia circunstancia, tenía la misma validez como la tradición europea de la
formación de los sistemas metafísicos. De este modo la base histórica de la filosofía
postulada por Ortega elevó el pensamiento hispanoamericano (llamado así hasta
aquel entonces) a la condición de filosofía.
Otra contribución de Ortega a los filósofos hispanoamericanos está, según Zea,
en la Revista de Occidente fundada por el filósofo español. Allí los hispanoamericanos encontraron la doble metodología que satisfacía sus propias necesidades.
Primero, las traducciones de las últimas obras de la filosofía europea les mostraban
cómo era posible deducir las realidades universales de las circunstancias concretas
y viceversa, y, segundo, el proyecto europeo que Ortega ideó para España con el
5 Ortega y Gasset, J., «Por qué he escrito El hombre a la defensiva», en: Obras completas,
pág. 69.
6 Zea, L., «Ortega el Americano», en: Filosofía y cultura latinoamericanas, pág. 105.
7 Ortega y Gasset, J., Las Atlántidas. Del Imperio Romano, pág. 57.
148
objetivo de occidentalización coincidía con el objetivo determinado ya largo tiempo
en los países hispanoamericanos.
Además, la filosofía orteguiana arraigó en el ambiente hispanoamericano también gracias a los discípulos de Ortega que emigraron a América a causa de la
dictadura de Franco: los filósofos mexicanos, por ejemplo, encontraron a un excelente maestro en José Gaos quien descubrió similitudes entre el proyecto europeo
para España creado por Ortega y el ensayo El perfil del hombre y la cultura en México (1934) de Samuel Ramos, y se dio cuenta de las similitudes entre la posición
de España e Hispanoamérica ante el Occidente. Ortega por su parte nunca estuvo
dispuesto a admitir tal paralelo.
En esto estriba la afirmación de Zea que Ortega es americano «a pesar suyo».
Le reprocha a Ortega que a pesar de la generosidad del perspectivismo, de la cálida recepción de éste en el suelo hispanoamericano y del mutuo acuerdo entre el
filósofo español y los intelectuales hispanoamericanos acerca de la necesidad de la
reintegración de los países hispanos a la cultura occidental, Ortega insiste en la superioridad espiritual de Europa (y así también de España) sobre América. Aunque
precisamente su doctrina llevó a los hispanoamericanos a entender los objetivos
españoles e hispanoamericanos como equivalentes, Ortega mismo nunca concedió a
América lo que quiso ganar para España. En su relación hacia Europa Zea caracteriza a Ortega como a un español que «lucha por occidentalizarse, europeizarse»;
en la relación hacia América, sin embargo, Zea ve a Ortega como a un europeo que
«enjuicia nuestra minoría de edad e inmadurez, nuestro fondo de barbarie».8
Esta doble postura de Ortega la podemos demostrar en los siguientes dos fragmentos de su obra. Por un lado, Ortega como ciudadano español muestra en el
«Epílogo para ingleses» de La rebelión de las masas su indignación ante la arbitraria interpretación de la Guerra Civil en España por parte de Inglaterra, Francia y
los Estados Unidos, pide algún «gesto de gracia generosa» hacia España, y busca
las razones de la mutua incomprensión entre las naciones del Occidente que, según
él, han vivido juntas en una casa desde su niñez.
Lo que más me ha sorprendido es la decidida voluntad de no enterarse bien de
las cosas [. . . ] y lo que más he echado de menos, con respecto a España, ha sido
algún gesto de gracia generosa, que es a mi juicio, lo más estimable que hay en el
mundo [. . . ] adviértase que el uso de convertirse unos pueblos en jueces de los otros,
de despreciarse y denostarse porque son diferentes, en fin, de permitirse creer las
naciones hoy poderosas que el estilo o el carácter de un pueblo menor es absurdo
porque es bélicamente o económicamente débil, son fenómenos que, si no yerro, jamás
se habían producido hasta los últimos cincuenta años.9
Por el otro lado, sin embargo, el filósofo español adopta en sus ensayos sobre
América la misma actitud que les reprocha a los ingleses, franceses y estadounidenses, es decir, enjuicia sin el afán de comprensión o la voluntad de enterarse
bien de la realidad americana. A pesar de su tesis sobre el carácter histórico de la
filosofía, Ortega percibe América con la mirada paternal del hombre europeo, ve
un continente sin historia y sin experiencia real de la vida:
8 Zea,
L., «Ortega el Americano», en: Filosofía y cultura Latinoamericanas, pág. 116.
y Gasset, J., La rebelión de las masas, págs. 236–239.
9 Ortega
149
Acaso lo esencial de la vida argentina es eso —ser promesa [. . . ] La forma de
existencia del argentino es lo que yo llamaría el futurismo concreto de cada cual. No
es el futurismo genérico de un ideal común, de una utopía colectiva, sino que cada
cual vive desde sus ilusiones como si ellas fuesen ya la realidad.10
Estas inmensas tierras nuevas que surgen de pronto en medio de una civilización
muy adelantada, como es la del mundo actual, ofrecen un número tal de posibilidades
que no hay manera de realizarlas cumplidamente.11
Como resume Anna Housková: «Si Ortega impresionó a Hispanoamérica por la
historicidad de su filosofía, puede decirse que en sus propios ensayos sobre América paradójicamente abandona esta historicidad».12 Además, al hablar de la casa
de vecinos donde viven juntas las naciones occidentales, Ortega prescinde del hecho de que aquella «vecindad» ya no está limitada solamente a Europa sino que
comprende también a América y de que España y los países hispanoamericanos
deberían funcionar en ella como los vecinos más próximos.
Las expectativas hispanoamericanas de que Ortega iba a tratar de «enterarse
bien» de la realidad americana, es decir, tratar de entenderla y comunicar con ella
desde la igualdad hispana y no la superioridad europea tampoco se cumplieron.
Ortega estaba dispuesto a enseñar pero no a escuchar y debatir. Consideró las naciones hispanoamericanas como naciones sin experiencia histórica y cultural y sin
tradición y rigor intelectual,13 a pesar de que había allí bastantes intelectuales y
obras ensayísticas que trataban temas afines con los de Ortega y había excelentes
condiciones para el intercambio de opiniones. Comparemos por ejemplo la siguiente preocupación sobre la formación de América del cubano José Martí (Nuestra
América, 1891):
[. . . ] esta América si habría de salvarse, tendría que hacerlo con todo lo que en
realidad era, con su violento pasado hispano, con sus indios, con sus mestizos. América
tendría que salvarse con lo que es y con lo que ha sido. De otra forma quien se salvase
sería un extraño.14
con la exigencia de Ortega (La rebelión de las masas, 1930):
El pasado es por esencia revenant. Si se le echa, vuelve, vuelve irremediablemente.
Por eso su única auténtica separación es no echarlo. Contar con él. Comportarse en
10 Ortega
y Gasset, J., El Espectador VII–VIII., pág. 127.
pág. 151.
12 Traducción mía. «Jestliže Ortega zapůsobil v Hispanoamerice historičností své filosofie, dá se
říct, že ve vlastních esejích o Americe paradoxně historičnost opouští.» Housková, A., «Ortega
a Amerika», Svět literatury 33, pág. 26.
13 «En el mundo hispanoamericano la mayor parte de los escritores es de tan liviana condición
intelectual, tan poco enterada de las cosas y tan audaz para hablar de ellas, que es peligrosa
la circulación de las personas un poco más cabales. Como en algunos pueblos bárbaros no se
ha llegado aún a conseguir la seguridad personal, así en los nuestros acaece dentro del tráfico
intelectual.», «La mente hispanoamericana, tan angosta, tan poco generosa y tan imprecisa [. . . ]»
Ortega y Gasset, J., «Temas de viaje», en: El Espectador IV., pág. 489.
14 Martí, J., Nuestra América, en: Zea, L., «Dependencia y liberación en la filosofía latinoamericana», en: Filosofía y cultura Latinoamericanas, pág. 213.
11 Íbid,
150
vista de él para sortearlo, para evitarlo. . . Necesitamos de la historia íntegra para ver
si logramos escapar de ella, no recaer en ella.15
Es evidente que el filósofo cubano anticipa una de las ideas clave de la obra de
Ortega por tres décadas. La articula desde la experiencia y la historia americana
tan cuestionadas por Ortega. A otros autores hispanoamericanos temáticamente
cercanos a Ortega pertenecían el argentino Faustino Domingo Sarmiento con su
interpretación de la pampa argentina en el Facundo. Civilización y barbarie (1845),
o el arriba mencionado mexicano Samuel Ramos con su indagación sobre el carácter
mexicano El perfil del hombre y la cultura en México (1934), para mencionar sólo
algunos.
Todavía en el «Epílogo para ingleses» Ortega subraya la necesidad de tener
suficiente información en el momento de valorar una cultura diferente:
[. . . ] cuando se trata de la opinión de un país sobre lo que pasa en otro. Es máximamente probable que esa opinión resulte en alto grado incongruente [. . . ] He aquí,
pues, la primera causa de una inevitable incongruencia, que sólo podría contrarrestarse
merced a una cosa muy difícil, a saber: una información suficiente. Como aquí falta
la verdad de lo vivido, habría que sustituirla con una verdad de conocimiento.16
Pero en sus ensayos sobre Hispanoamérica el filósofo español «pasa por alto el
pensamiento propio de los argentinos u otros hispanoamericanos» y el país americano lo interesa «solamente como objeto de su propia observación»,17 escribe en
su estudio Anna Housková y continua: «Ortega defiende su perspectiva europea;
no solamente el afán de abarcar teóricamente el principio, sino también su experiencia. La Meditación del pueblo joven pertenece a la experiencia de un extranjero
que viaja».18
Si en el caso de la actitud orteguiana hacia Hispanoamérica había que sustituir
a la «verdad de lo vivido» por la «verdad de conocimiento», ¿por qué el filósofo
español no estaba dispuesto a «descubrir al país de los nativos»? Su actitud se
parece a la de los conquistadores europeos hace siglos quienes al llegar a América no buscaban la renovación espiritual inspirada en la riqueza cultural de las
civilizaciones autóctonas sino el espacio para la realización de sus propias utopías.
¿Cómo entender entonces la contradicción paradójica entre el perspectivismo
orteguiano, la historicidad de la filosofía europea y la exigencia de la pluralidad
de las culturas por un lado y su concepción eurocéntrica y paternal de la relación
europea hacia Hispanoamérica y el resto del mundo por el otro? La respuesta a esta
pregunta la encontramos en la teoría orteguiana de las élites y las masas. Y es que
Ortega aplica esta teoría no solamente a los individuos dentro de una sociedad sino
también a las diferentes civilizaciones o naciones dentro de la comunidad mundial.
15 Ortega
y Gasset, J., La rebelión de las masas, pág. 146.
pág. 262.
17 Traducción mía. «ignoruje vlastní myšlení Argentinců či jiných Hispanoameričanů» a americká
země ho zajímá «jen jako předmět vlastního pozorování». Housková, A., «Ortega a Amerika»,
Svět literatury 33, págs. 26–29.
18 Traducción mía. «Ortega hájí své evropské hledisko; nejen snahu teoreticky postihnout princip, ale také svou zkušenost. Meditování o mladém národě patří ke zkušenosti cizince na cestách.»,
Ortega y Gasset, J., Meditación del pueblo joven y otros ensayos sobre América, en: Housková, A., «Ortega a Amerika», Svět literatury 33, págs. 26–29.
16 Íbid.,
151
[. . . ] he intentado filiar un nuevo tipo de hombre que hoy predomina en el mundo:
le he llamado hombre-masa, y he hecho notar que su principal característica consiste
en que, sintiéndose vulgar, proclama el derecho a la vulgaridad y se niega a reconocer
instancias superiores a él. Era natural que si ese modo de ser predomina dentro de cada
pueblo, el fenómeno se produzca también cuando miramos el conjunto de las naciones.
También hay, relativamente, pueblos-masa resueltos a rebelarse contra los grandes
pueblos creadores, minoría de estirpes humanas, que han organizado la historia.19
Los maestros y sus discípulos
La teoría orteguiana del hombre masa que forma el núcleo de La rebelión de las
masas ha causado polémicas desde su publicación. Es innegable que mediante esta
teoría Ortega acertadamente describió su época, y en muchos aspectos predijo los
acontecimientos claves del siglo XX en Europa: la monstruosidad del fascismo y de
los regímenes totalitarios comunistas, la falta de perspectiva en el nacionalismo, la
integración de los países europeos ideada originalmente como defensa contra otros
conflictos en Europa, los problemas de la sociedad de consumo. Con su preferencia del ideal del hombre individual que piensa y actúa independientemente ante
el hombre masa, Ortega comprueba su pertenencia a la tradición de la cultura
occidental.
No obstante, al querer pasar de la descripción de los problemas expuestos a la
búsqueda de sus soluciones, la teoría orteguiana se muestra como un callejón sin
salida. El filósofo español considera que es imposible educar al hombre masa ya que
éste es incapaz de opinar auténticamente y de respetar las reglas del diálogo. Aún
más, Ortega ve en la educación parcial del hombre masa un considerable peligro
para la sociedad.
Pero [. . . ] ¿No representa un progreso enorme que las masas tengan ideas, es
decir, que sean cultas? En manera alguna. Las ideas de este hombre medio no son
auténticamente ideas, ni su posesión es cultura. [. . . ] Quien quiera tener ideas necesita
antes disponerse a querer la verdad y aceptar las reglas de juego que ella imponga. No
vale hablar de ideas u opiniones donde no se admite una instancia que las regula, una
serie de normas a que en la discusión cabe apelar. Estas normas son los principios de
la cultura.20
En la concepción orteguiana esto significa que es incesantemente necesario
mostrarle a la masa su propio lugar y forzarla a obedecer a las élites. El filósofo
contemporáneo catalán Eduardo Subirats subraya el carácter estático de la teoría
diciendo que «Ortega no partía de una visión moderna de las tareas educativas del
pensamiento».21 Subirats ofrece una interesante comparación de las ideas de Ortega con las opiniones del intelectual venezolano de la época de la Independencia,
Simón Rodríguez, quien afirmaba que «[l]a misión de un Gobierno liberal es cuidar
de Todos, sin excepción, para que. . . cuiden de sí mismos después, y cuiden de su
Gobierno».22 El concepto de la sociedad ideada por Rodríguez es dinámico, cuenta
19 Ortega
pág. 126.
21 Subirats, E., Memoria y exilio. Madrid: Editorial Losada, S. A., 2003, pág. 322.
22 Íbid., págs. 317–318.
20 Íbid.,
152
con la educación de las masas por la élite y concibe esta educación como un proceso
en el cual participan activamente tanto el maestro como los discípulos. Rodríguez
sostiene que es posible educar al pueblo por lo menos hasta el grado necesario para
el funcionamiento de la sociedad civil. A pesar de que Ortega entienda el afán de
superarse como uno de los rasgos generales del ser humano, en realidad concede
el papel activo en el proceso cognoscitivo solamente a los individuos excelentes,
es decir, a la élite. La masa debe desempeñar siempre sólo el papel pasivo siendo
gobernada por las élites.
[. . . ] el hombre es, tenga de ello ganas o no, un ser constitutivamente forzado a
buscar una instancia superior. Si logra por sí mismo encontrarla, es que es un hombre
excelente; si no, es que es un hombre-masa y necesita recibirla de aquél. Pretender la
masa actuar por sí misma es, pues, rebelarse contra su propio destino, y como eso es
lo que hace ahora, hablo yo de la rebelión de las masas.23
Pero el destino —lo que vitalmente se tiene que ser o no se tiene que ser— no se
discute, sino que se acepta o no. Si lo aceptamos, somos auténticos; si no lo aceptamos,
somos la negación, la falsificación de nosotros mismos.24
Al pasar del nivel individual al nivel internacional, Ortega tampoco logra abandonar la dicotomía del maestro incuestionable (Europa) y de sus alumnos dóciles (el
resto del mundo). Aunque todavía en «Las Atlántidas» escribe sobre la necesidad
de abandonar la interpretación eurocéntrica del mundo y descubrir las capacidades de cada cultura para algún «tema vital»,25 ya en el capítulo llamado «Quién
manda en el mundo» de La rebelión de las masas divide el mundo a la élite de las
naciones grandes que hacen la historia y a las naciones masa cuyo deber es seguir
a las primeras en todo pero que se resisten a aceptar tal papel. En tal caso Ortega
las califica como indóciles, ya que según él deciden dirigir la sociedad sin capacidad
para ello y se reservan «el derecho a no tener razón»,26 las considera hasta como
peligrosos porque así quieren arrollar y suplantar a todo lo excelente. En los ojos
de Ortega, el mando europeo sobre el mundo es claramente necesario.
Europa ha aflojado su presión sobre el mundo. Pero el resultado ha sido contrario a
lo que podía esperarse. Librada a sí misma, cada vida se queda en sí misma, vacía, sin
tener qué hacer. Y como ha de llenarse con algo, se finge frívolamente a sí misma, se
dedica a falsas ocupaciones, que nada íntimo, sincero, impone. [. . . ] No conviene, pues,
embarcarse en la opinión trivial que cree ver en la actuación de los grandes pueblos
—como de los hombres— una inspiración puramente egoísta. No es tan fácil como se
cree ser puro egoísta, y nadie siéndolo ha triunfado jamás. El egoísmo aparente de los
grandes pueblos y de los grandes hombres es la dureza inevitable con que tiene que
comportarse quien tiene su vida puesta a una empresa [. . . ]27
Aceptaría que no mandase nadie si esto no trajese consigo la volatilización de todas
las virtudes y dotes del hombre europeo. [. . . ] Si el europeo se habitúa a no mandar
él, bastarán generación y media para que el viejo continente, y tras él el mundo todo,
23 Ortega
pág. 153.
25 Ortega y Gasset, J., Las Atlántidas. Del Imperio Romano, pág. 55.
26 Ortega y Gasset, J., La rebelión de las masas, pág. 127.
27 Íbid, pág. 189.
24 Íbid.,
153
caiga en la inercia moral, en la esterilidad intelectual y en la barbarie omnímoda.
Sólo la ilusión del imperio y la disciplina de responsabilidad que ella inspira pueden
mantener en tensión las almas de Occidente. La ciencia, el arte, la técnica y todo lo
demás viven de la atmósfera tónica que crea la conciencia de mando. Si ésta falta, el
europeo se irá envileciendo.28
Sin embargo, si la élite (el maestro) no debe influir a las masas (los discípulos)
de otro modo que sólo mediante órdenes que deben ser dócilmente obedecidas, si
debe ser vista sólo como ejemplo a seguir y no se interesa por la reacción que su
actividad causa, el peligro de que la masa arrolla a la élite es real. En La rebelión
de las masas Ortega mismo pone dos ejemplos de tal relación entre «el maestro y
sus discípulos» que se derrumbó a causa de la intransigencia del «maestro» que fue
finalmente suplantado por sus «discípulos». El primer caso habla sobre el derrumbe
del Imperio Romano a causa de la incapacidad del hombre antiguo de abandonar
«la dualidad de los gobernantes y los gobernados» y entender el estado como un
«plan de empresa común».29 La única solución para el Imperio Romano fue, según
Ortega, el plan de Caesar que desgraciadamente no se llevó a cabo:
Quiere un Imperio romano que no viva de Roma, sino de la periferia, de las provincias, y esto implica la superación absoluta del Estado-ciudad. Un Estado donde
los pueblos más diversos colaboren, de que todos se sientan solidarios. No un centro
que manda y una periferia que obedece, sino un gigantesco cuerpo social, donde cada
elemento sea a la vez sujeto pasivo y activo del Estado.30
En el segundo caso, Ortega explica la disolución del sistema colonial español
con el hecho de que España no supo encontrar un proyecto común para el futuro
común de sí misma y de sus colonias.
Con los pueblos de Centro y Sudamérica tiene España un pasado común, raza
común, lenguaje común, y, sin embargo, no forma con ellos una nación. ¿Por qué? Falta
sólo una cosa que, por lo visto, es la esencial: el futuro común. España no supo inventar
un programa de porvenir colectivo que atrajese a esos grupos zoológicamente afines.
El plebiscito futurista fue adverso a España, y nada valieron entonces los archivos, las
memorias, los antepasados, la patria.31
Igual que en el caso de Roma, España no fue capaz de entender su convivencia con las colonias como un «plan de empresa común» y como una «realidad
dinámica», y se obstinó en mantener la «dualidad de los gobernantes y los gobernados». Esto lo corrobora también Leopoldo Zea cuando caracteriza la cultura
española, europea y occidental, de los conquistadores y colonizadores ibéricos como
el ejemplo por excelencia de una cultura mestiza que, sin embargo, no quiere permitir el mestizaje en el Nuevo Mundo: se considera superior y por ende no quiere
asimilar otras culturas ni ser asimilada. Está preparada a integrar a los pueblos
28 Íbid.,
pág. 190.
págs. 121–122.
30 Íbid., pág. 117.
31 Íbid., pág. 220.
29 Íbid.,
154
de los territorios colonizados sólo bajo la condición de que éstos abandonen sus
propias culturas.32
A pesar de los dos ejemplos de caída imperial expuestos por el mismo Ortega,
el filósofo español insiste en la existencia de las naciones élite y las naciones masa
y mantiene que las naciones masa no están preparadas para la colaboración ya
que no quieren o no son capaces de cumplir las reglas europeas del diálogo y al
mismo tiempo todavía no han formado un sistema de sus propias normas. No
obstante, la evolución de la filosofía en el siglo XX mostró que no hay «verdad»
ni «reglas del diálogo» que fueran únicas y que ninguna civilización tiene derecho
a establecerlas.33 La exigencia de Ortega de que las naciones colonizadas crean
primero su propio nuevo sistema de normas para reemplazar las viejas normas
europeas es irrealizable. Ningún país puede radicalmente cambiar su estructura
mientras esté colonizado; tiene que dejar de ser colonia primero y solamente después
empieza el largo y difícil proceso de la creación de los valores y normas nuevas (como
ha sido el caso de Hispanoamérica).
Igualmente polémica es la afirmación de Ortega de que el egoísmo aparente de
los grandes pueblos y los grandes hombres es la dureza inevitable de todos los que
dedican su vida a una empresa.34 Esta afirmación se refleja en su interpretación
de las cruzadas como «ejemplos maravillosos de lujo vital, de energía superabundante, de sublime deportismo histórico»,35 de la conquista española de América
como «un magnífico salto predatorio sobre el área del mundo»36 y de la siguiente
colonización de América como «lo único verdadera, substantivamente grande que
ha hecho España».37 Aunque Ortega mismo admite que la idea del imperio colonial
español finalmente no duró y explica las razones de tal fracaso, no puede abandonarla como muestran las siguientes palabras que escribió inmediatamente después
del regreso de su primer viaje a Argentina cuando estaba más encantado con el
país:
Gracias a la independencia de los pueblos centro y sudamericanos se ha preparado
un nuevo ingrediente presto a actuar en la historia del planeta: la raza española, un
32 Housková,
A., Druhý břeh Západu, pág. 223.
interpretar la historia moderna, el posmodernismo tiene una experiencia terrible con el
mito de la unidad, de la interpretación unificada en nombre de ideas grandes. [. . . ] No existe
ningún discurso oficial con el cual sería posible explicarlo todo. Metódicamente hay que respetar la polidiscursividad del conocimiento humano [. . . ] esto puede tener también consecuencias
políticas y éticas. Una sociedad (por ejemplo Europa) ya no podrá usurpar el derecho de la interpretación del mundo y su exportación imperial.» Traducción mía. «Postmoderna má, při pohledu
na dějiny moderny, katastrofální zkušenost s mýtem «jednoty», jednotného výkladu ve jménu
velkých idejí. [. . . ] Neexistuje žádný univerzální výklad (diskurs), jímž by bylo možno zdůvodnit
vše. Metodicky je třeba respektovat polydiskursivitu lidského poznání [. . . ] to může mít i politické
a etické důsledky. Jedna společnost (např. Evropa) si už nebude moci osobovat právo na výklad
světa a na jeho imperiální vývoz.» Welsch, W., en: Blecha, I., Filosofie, pág. 197.
34 Ortega y Gasset, J., La rebelión de las masas, pág. 189.
35 «Cruzadas, ejemplos maravillosos de lujo vital, de energía superabundante, de sublime deportismo histórico.» Ortega y Gasset, J., España invertebrada, pág. 103.
36 «Así, a fines del siglo XV se dispara súbitamente el resorte de la energía española y da nuestra
nación un magnífico salto predatorio sobre el área del mundo.» Íbid., pág. 109.
37 «[. . . ] lo importante, lo maravilloso fue la colonización. [. . . ] Para mí, es evidente que se trata
de lo único verdadera, substantivamente grande que ha hecho España.» Íbid., pág. 106.
33 «Al
155
España mayor, de quien es nuestra península sólo una provincia. [. . . ] En las páginas
de El Espectador no se pone el sol.38
Por un lado, Ortega celebra la independencia de las naciones centro y sudamericanas y les concede la misma importancia como a la «provincia» de la península
ibérica, por el otro lado, sin embargo, afirma que todas estas naciones serán partes
de un todo, «un España mayor», y esta idea la apoya con la alusión al imperio
español colonial sobre el cual «no se ponía el sol». Otra vez, entonces, trae las
naciones hispanoamericanas bajo la tutela española.
Para finalizar esta reflexión podemos afirmar entonces, que si más arriba hemos
señalado la teoría orteguiana de las élites y las masas como la explicación posible
de la contradicción paradójica entre el perspectivismo y pluralidad cultural orteguianos por un lado y su concepción eurocéntrica y paternalista de la comunidad
mundial por el otro, ampliamos ahora esta explicación de manera siguiente. La
falta de solución y el estatismo de la teoría de las élites y las masas estriba en el
hecho de que se trata de una visión estética y no un análisis histórico y social de
la sociedad española (europea). Como dice Eduardo Subirats:
la relación entre masas y élites que Ortega propuso no puede considerarse ni sociológica, ni tampoco analítica. Era fundamentalmente retórica. Primero definió ontológicamente la masa como negación de lo trascendente. Paralelamente, la elite constituía
la representación de todo lo que hay de sublime y excelso. Por consiguiente, la masa
odiaba a la elite y se oponía a ella. Era un conflicto estético; o más bien se trataba
del odio antiestético de los peores contra lo sublime y egregio. La masa estaba condenada natural u ontológicamente a ser masa, un agregado sin nombre ni forma, más
bien definido por la decrepitud, el rencor y la miseria. Esta masa sólo podía regenerarse y redimirse a través de su plena y directa subordinación a los ideales ascéticos,
trascendentes y sublimes que encarnaba la élite.39
La concepción orteguiana de la sociedad como la dicotomía de dos principios
opuestos verdaderamente corresponde a la visión estética expresada en el contraste
entre Ariel y Calibán: unos se superan constantemente mientras otros no se exigen
nada; unos son activos, atrevidos y viven en constante tensión creadora y otros
pasan por la vida al azar; unos son individuos excelentes y selectos con la capacidad
natural para el mando mientras que otros son individuos inferiores capaces sólo de
odiar todo lo que sea excelente. Ortega no admite ninguna otra opción.
BIBLIOGRAFÍA
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Blecha, I.: Filosofie. Nakladatelství Olomouc, Olomouc, 1998.
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Housková, A.: «Ortega a Amerika», Svět literatury 33, 2006, págs. 22–29.
38 Marías,
J. «El descubrimiento de América por Ortega», en: Acerca de Ortega, pág. 253.
E., Memoria y exilio, págs. 314–15.
39 Subirats,
156
Marías, J.: Acerca de Ortega. Espasa Calpe, Madrid, 1991.
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Ortega y Gasset, J.: El Espectador VII–VIII. Revista de Occidente, Madrid,
1963.
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Tuñón de Lara, M.: Medio siglo de cultura española, Editorial Tecnos, Madrid,
1970.
Zea, L.: Filosofía y cultura latinoamericanas. Centro de Estudios Latinoamericanos
Rómulo Gallegos, Caracas, 1976.
Ariel a Kalibán. Filozofické myšlení Josého Ortegy y Gasseta
v Hispanoamerickém kontextu
Resumé
Cílem naší úvahy o filozofickém myšlení Josého Ortegy y Gasseta obsažené
především v jeho dílech Meditace o Quijotovi a Vzpoura davů je ukázat, že Ortegova
koncepce společnosti jako dichotomie mezi aktivní elitou a pasívními davy může
vysvětlit filozofův paradoxní a problematický vztah k Latinské Americe. Z Ortegovy
teorie elit a davů vyplývá jeho chápání světa jako rozdílu mezi velkými tvořivými
národy a davovými národy. Ortega y Gasset jako příslušník „starobylé kultury
nikdy nemohl chápat latinskoamerické národy jinak než jako „žáky
následující
své „učitele
, Evropu. Jsme přesvědčeni o tom, že Ortegova koncepce společnosti
je především estetická. Jedná se v ní tedy o kontrast vytříbeného a podřadného,
Ariela a Kalibána.
157
Ariel and Caliban. The Philosophical Thought of José Ortega y Gasset
in Hispanoamerican Context
Summary
The goal of our essay on the philosophical thought of José Ortega y Gasset,
focused mainly on his works Meditations on Quixote and The revolt of the masses,
is to demonstrate that Ortega’s vision of society as a dichotomy of an active elite
and the passive masses can explain the philosopher’s paradoxical and problematic
relation to Latin America. His concept of the world community as a dichotomy of
great creative nations and mass nations comes out of his theory of the elite and
masses. As a member of the “old culture”, Ortega y Gasset would always see in
the Latin American nations only “pupils” that should let themselves be guided by
their “teacher”: Spain or Europe. We are convinced that the nature of Ortega’s
vision of society is above all aesthetic: it is a contrast between the excellent and
the inferior, between Ariel and Caliban.
Markéta Riebová
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
República Checa
[email protected]
158
Especificidade da tradução musical nas canções
infantis e o problema da cantabilidade
Seminário da tradução da literatura portuguesa existente no nosso departamento já há dez anos abriu uma cooperação com Instituto Camões no caso do
projeto da divulgação da cultura lusófona, neste caso trata se das canções infantis
portuguesas e brasileiras.
Saimos da colectânea „Pé ante Pé“ de doze canções para as criancas tanto
tradicionais como artificiais. Trata se de colectânea da Real companhia composta
pelos compositores e músicos de renomé como José Salgueiro.
O nosso trabalho, ainda inacabado na totalidade excede já dois anos. É de notar
que se trata do trabalho colectivo, algumas canções conseguimos traduzir durante
duas aulas dum seminário, outras precisavam muito mais tempo. O mais diffícil era
de manter a cantabilidade. Respeitar as sílabas tonais e átonas, não esquecendo o
número das vogais abertas e fechadas, porque são nomeadamente as abertas que são
cantadas por mais tempos. Não era possível de contar as sílabas do modo convencional na poesía, era preciso de ouvir a música várias vezes e fazer muitas observações
e apontações e contar vogais cantados, que podiam ser por exemplo três na sílaba
com uma vogal só (ro-o-o-sa): „Literární překladatel vystihuje karakter originálu,
rozmanitost a bohatost jeho útvarů, jeho dikci, stylové a jiné zvláštnosti. . . Jinak
překladatel hudební. Po formové stránce jsou proň v první řadě rozhodnutými požadavky hudební. Jeho překlad musí co nejvěrněji přilnout k dané hudební frázi, a pak
teprve může být přihlíženo k ceně literární. . . Hudební překladatel musí mnohem
více než překladatel literární přihlížet k snadné, hladké výslovnosti, vyvarovati se
každého tvrdšího nahromadění souhlásek. . . 1
Outra tarefa essencial era a de diversificar as canções tradicionais e artificiais.
No caso das tradicionais era de respeitar uma certa simplicidade e lado popular do
vocabulário como por ex. no caso do refrém “don solidon”. Na pesquisa pormenorizada soubemos que no séc 13 existia, provavelmente um certo Don Solidon, um
cavaleiro vadio, mas agora a trova já perdeu a sua marca histórica e é equivalente
1 Vymětal,
Josef: Hudební překlady, in: Levý, Jiří: České teorie překladu, Praha 1996.
159
ao nosso “tralala” ou “týnom tánom”. Então optamos por “Don didi don” que segue mais ou menos a musicalidade mas não suscita as perguntas sobre o significado
das palavras:
Olha menina, don solidon
Dívenko milá, don didi don
Como vai bonita
Jsi jak holubička
Põe a mão na trança, don solidon
Pozor na copánek, don didi don
Não lhe caia a fita
Padá ti pentlička
Olha a menina, don solidon
Como vai contente
Jsi jak cherubínek
Não lhe caia o pente
Padá ti hřebínek
Como vai airosa
Jsi jak rozmarýnka
Não lhe caia a rosa
Padá ti květinka
Com o seu raminho
Jsi jak letní duha
Segura o lacinho.
Ať nespadne stuha
Em alguns casos era preciso de se livrar duma sensação da simplicidade exagerada que fazia pensar as canções infantis checas como por ex. „Halí belí koně
v zelí“:
Ó,ó,ó, menino ó
Ó, ó, ó, mé děťátko,
Teu pai foi ao eiró
Táta je tu zakrátko
Tua mãe a borboleta
Maminka šla na motýlky
Logo te vai dar a teta
Dá ti mlíčko během chvilky
Ó,ó,ó, menino ó
Ó, ó, ó, mé děťátko
Teu pai foi ao eiró
Táta je tu zakrátko
Com uma vara de aguilhão
Na kance má velkou dýku
Pra matar o perdigão
Uloví ho v okamžiku.
No caso das canções artificiais era às vezes muito diffícil respeitar a rimática
do original – era muito atípica para as nossas costumes. Aqui no caso da canção
Maravilha da autoria do famoso José Afonso é ABCDBD AEFEGHFH:
Maravilha, maravilha
To je krása, to je krása
Venham ver o barco doido
Pluje loďka bláznivá
160
Sem amarras que o segurem
Nemá lana, nemá kotvy,
Pela porta entra a maré
Příliv vpadne do dveří
Venham ver o barco doido
Pluje lodička bláznivá
Água cai pla chaminé
Voda teče do peřin.
Maravilha, maravilha
To je krása, to je krása,
Já vejo os móveis dançar
Židličky už tancují
Entra água pela porta
Do dveří se valí voda
O telhado vai tombar
Tašky se střech padají
Quando mar se enfurece
Když je moře rozbouřené
Andamos em rodopio
Do kolečka tancujeme
Sobre caminhos de prata
Po stříbrných cestách padá
Correm lágrimas a fio
Šňůrka slz, co navlečeme.
Na estrofe „Když je moře rozbouřené
devia ser „Když je rozbouřené moře
para que a rimática seja respeitada mas preferimos a beleza e cantabilidade da
versão checa ao fidelidade ao padrão português.
O problema quase oposto surgiu na canção brasileira de Toquinho e Mutinho
„Caderno
. Podemo-lo caracterizar por: muitas palavras por um tempo só. Precisamos muito tempo para aprendermos tudo (versos e música) de cor, ouvir muito
a música e tentar de cantá-la em checo palavra por palavra quase sílaba por sílaba:
„Hudební překladatel. . . nepracuje volně dle předlohy, nýbrž vyplňuje tuto danou, do
poslední čárky vypracovanou formu slovním materiálem, zrovna tak, jak se dělají
sádrové odlitky.2
Sou eu que vou seguir você
Víš, budu vždycky s tebou
Do primeiro rabisco até ao bêabá
Když čárky nesmělé na písmenka
proměníš
Em todos os desenhos coloridos vou
estar
Budu každým z tvých obrázků, co
vybarvíš
A casa, a montanha, duas nuvens no
céu
Horou, údolím, mrakem jak od malíře
E um sol a sorrir no papel
Směje se slunce na papíře
Sou eu que vou ser seu colega,
Víš, já budu tvůj kamarád
Seus problemas ajudar a resolver
Který tě bude znát a ví, jak tě má
potěšit
Te acompanhar nas provas bimestrais,
você vai ver
Až z pololetních zkoušek těžkou hlavu
budeš mít
Serei de você confidente fiel,
Ve mně najdeš vždy věrného rytíře,
Se seu pranto molhar meu papel
Když tečou tvé slzy po papíře
2 Ibid.
161
Sou eu que vou ser seu amigo
Víš, já budu tvým přítelem
Vou lhe dar abrigo, se você quiser
U mě nalezneš klid, kdykoli budeš chtít
Quando surgirem seus primeiros raios
de mulher
Až přijde čas malé děvčátko v ženu
proměnit
A vida se abrirá num feroz carossel
Život se roztočí a ty v nové víře
E você vai rasgar meu papel
Zničíš vše, co bylo na papíře
O que está escrito em mim
To, co je ve mně zapsáno
Comigo ficará guardado, se lhe dá
prazer
Tajemstvím zůstane, jak dlouho budeš
chtít
A vida segue sempre em frente, o que
se há de fazer
A život půjde dál, ať cokoli se bude dít
Só peço a você um favor, se puder:
Zbývá však jedna věc, jestli smím
poprosit:
Não me esqueça num canto qualquer
Prosím, nechtěj mě nikdy zahodit
Última canção que aqui queremos citar é uma das preferidas de todas as tradutoras do seminário, da autoria de Fernando Perreira e Teresa Heitor que deu o
nome a toda colectânea: “Pé ante pé”. Aqui as exigências da forma musical não
eram tantas, por isso podiamo-nos concentrar na beleza dos versos.
Vou devagarinho, vou devagarinho
Půjdu pomalounku, půjdu pomalounku
Em busca de ti
Budu tě hledat
Vou de olhos na Lua
Pomůže mi luna
Que no céu sorri
Na nebi bledá
Levo-te uma vela, levo-te uma estrela
Přinesu ti svíčku, třpytivou hvězdičku
Pra te iluminar
Ať ti zazáří
Nesta noite escura
Do krásného snění
Pra poderes sonhar
Na tvém polštáři
Pé ante pé, pé ante pé
Jdu po špičkách, jdu po špičkách
Vou devagarinho
Půjdu pomaličku
Sigo este caminho
Hledám svou cestičku.
Levo-te uma pauta, levo-te uma flauta
Přinesu ti píseň, co zaplaší tíseň
Pra te celebrar
Ty se usměješ
Quando o Sol nascer
Až se vzbudí slunce
Pra poderes brilhar
Celá rozkveteš
162
Levo-te uma flor e um regador
Přinesu ti kvítí, vodu na zalití
Pra veres florir
Ať ti rozkvétá
Para veres crescer
Ať vidíš jak roste
E poderes sorrir
Ať jsi veselá
Vou neste caminho
Znám už svou cestičku
Sigo com carinho
Jako po peříčku
Sigo com carinho
Jako po peříčku
Sei que vou sozinho
Půjdu sám chviličku
Trago o peito cheio, de sonho e receio
Mé srdce se směje, úzkostí se chvěje
De te procurar
Že se hledáme
De olhar e não ver
Že oči nepoznají
Quando te encontrar
Až se setkáme
Dou-te meu sorriso, dou-te meu olhar
Dám ti pousmání, očí zamrkání
Dou-te a minha mão
Dám ti ruku svou
Pra poderes guardar
Ať navždy zůstaneš
O teu coração
Jen sama sebou
Pé ante pé. Pé ante pé
Jdu pošpičkách, jdu po špičkách
Sei que vou sozinho
Půjdu sám chviličku
Pé ante pé, pé ente pé
Vou devagarinho.
Půjdu pomaličku.
Só para completar a nossa apresentação e talvez também para justificar algumas
imperfeicões de aparência, queremos aqui, no fim do artigo, mais uma vez citar Josef
Vymětal: „Není obtížnějšího úkolu pro spisovatele a stylistu, jenž se tu musí ukázati
jako mistr slova. . . a zároveň je třeba, aby byl jemnocitným hudebníkem. Cenu jeho
dovede ovšem posouditi jen ten, kdo překlad poslouchá, a ne ten, kdo jej v knize
pouze čte. Snad mi někdo namítne, že i hudební překlad musí se dáti čísti. Ovšem.
Ale nesmí se v tomto směru činiti nemírné požadavky. . . Bude tedy při posuzování
hudebního překladu záležeti na tom, kdo čte a jak čte. Chce-li se kdo pobaviti krásou
formy, ať po hudebním překladě prostě nesahá, ten k tomu určen není. A kdo umí
čísti se zřetelem k hudbě, tomu různá literární gravamina‘ vaditi nebudou.3
’
3 Ibid.
163
Todas as estas traduções produziam-se durante quatro semestres de Seminário
da Tradução com participação activa das seguintes estudantes: Klára Bachurková, Tereza Puhačová, Alena Beránková, Kateřina Divišová, Jana Čepeláková-Polívková, Anna Illovská a Věra Matysíková.
Problematika překladu dětských písní a jeho základní požadavek –
zachování zpěvnosti
Resumé
Článek představuje výsledky práce Překladového semináře portugalské sekce.
Jedná se o projekt podporovaný Institutem Camões, totiž překlad sbírky dětských
písní Pé ante Pé (Po špičkách). Je zde ocitováno pět z dvanácti překládaných písní,
vždy se stručným komentářem.
Problems of the Translation of Lullabies and Nursery Songs
Summary
The article presents translations realized within the Translation seminar of the
Portuguese section. The translations of the collection of lullabies and nursery songs
Pé ante pé (Po špičkách) were carried out within a project supported by Instituto
Camoes. The article includes five of the twelve songs, each of them being briefly
commentedon.
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
Republica Checa
[email protected]
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Liolà di Luigi Pirandello e la sua fortuna scenica
in Italia
Jiří Špička
La commedia Liolà è un testo particolare tra le opere teatrali di Luigi Pirandello. Rappresentata in dialetto di Girgenti, poi in lingua, dimenticata e riscoperta,
tradotta in numerose lingue, vista ora come un’anomalia nel raziocinante pensiero
di Pirandello, ora come un’applicazione irregolare dei soliti motivi delle sue commedie, risulta da diversi decenni una delle più rappresentate e amate commedie del
drammaturgo agrigentino.
Pirandello ha scritto Liolà in breve tempo tra il 20 agosto e il 10 settembre
1916, alternando il lavoro con la stesura di un’altra commedia, Il berretto a sonagli,
originariamente destinata a Musco per l’apertura della successiva stagione. Musco
ha però preferito Liolà e Il berretto a sonagli è stato messo in scena solo alla fine
della stagione.
Per la prima volta Pirandello dà notizia di Liolà nella lettera al figlio Stefano
datata 20 luglio 1916, in cui scrive che ha promesso a Musco una nuova commedia,
che ci sta lavorando e che essa si intitola Liolà. Da un’altra fonte, il carteggio con
Martoglio, si ricavano notizie sulla difficile comunicazione tra il drammaturgo e
Musco all’inizio della stagione.1 Quest’ultimo aveva deciso di portare Liolà in scena
nel periodo in cui Pirandello ha ormai cominciato un periodo di esami e non ha
potuto seguirne da vicino la preparazione. Lo stesso Musco non riuscı̀ a presentare
la commedia per la data prevista del 27 ottobre, tra l’altro per la malattia del
suggeritore. Pirandello riuscı̀ a vedere l’allestimento scenico solo alla prova generale
nel giorno della prima, il 4 novembre, quando litigò con Musco e cercò di vietargli
la rappresentazione. La sera comunque la commedia ottenne un discreto successo,
anche se poi ebbe solo quattro repliche. Il pubblico si smarriva nello stretto dialetto
di Girgenti e la critica era insicura se intendere la commedia, per la sua trama
improbabile, solo come uno scherzo, come un bozzetto folcloristico o come qualcosa
di più. Alla recensione sconcertata di Giuseppe Meoni, pubblicata il 5 novembre sul
1 Per la storia redazionale e per le prime messe in scena di Liolà si veda l’ottima introduzione alla commedia in L. Pirandello, Maschere nude, 1, a cura di Alessandro Amico, Arnoldo
Mondadori, Milano 1994, pp. 341–354.
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“Messaggero”, Pirandello si sentı̀ costretto a rispondere con un articolo apologetico
pubblicato sullo stesso giornale il giorno seguente.2
La comemdia riscosse un migliore successo a Milano (comunque inferiore alle
aspettative di Pirandello), ma in altre città italiane non suscitò interesse3 e lo stesso
Musco, quindi, la trattò come un testo di poco valore, riservandole nel cartellone un
posto di seconda importanza. Pirandello, sin dall’inizio rammaricato per l’aspetto
farsesco che il capocomico siciliano diede alla commedia, diventò, a cuasa dell’insuccesso economico, ancora più insofferente nei confronti di Musco. Per rendere il
testo più comprensibile, e forse, come crediamo, per poter togliere la commedia a
Musco e darla ad un’altra compagnia, l’autore ha tradotto la commedia in lingua,
pubblicandola nel maggio 1917 (e poi in una nuova traduzione nel 1928).
Mentre Pirandello con il suo Teatro d’arte non ha mai rappresentato Liolà,
negli anni seguenti infatti altre compagnie hanno ripreso il testo. Nel 1919 l’ha presentato la Compagnia Mediterranea diretta da Martoglio (con Salvatore Lo Turco
come Liolà). Nel 1928, dopo la pubblicazione della seconda traduzione in lingua, la
commedia è stata per la prima volta portata in scena in italiano, dalla compagnia
di Ignazio Mascalchi, con Carlo Lombardi nel ruolo di Liolà.4 Ma fu a partire dagli
anni Trenta che le rappresentazioni del testo divennero più frequenti. L’anno 1935
è stato molto propizio alla nostra commedia: a gennaio debutta l’omonima opera lirica di Giuseppe Mulè, composta sul libretto di Arturo Rossato, nello stesso tempo
si hanno ancora le ultime rappresentazioni di Liolà da parte dell’ultrasettantenne
Musco, e a maggio Peppino di Filippo presenta la commedia in versione napoletana,
con la supervisione di Pirandello stesso. Nel 1938 sono il regista Enrico Fulchignoni e l’attore Michele Abruzzo coloro che riprendono Liolà e la mantegnono in
cartellone fino al 1944. Nel frattempo, dal 1942, la commedia è stata portata in
scena dalla compagnia Tòfano-De Sica con De Sica nel ruolo del protagonista.
Salvo alcuni pochi studi filologici, dedicati al rapporto tra la versione dialettale
e quella in lingua5 , e capitoletti in monografie su Pirandello, in Italia si è dedicata
poca attenzione ai possibili significati di Liolà, se non nell’ambito delle recensioni
degli spettacoli.6 Solo qui è possibile osservare la varietà di interpretazioni che il
2 Il
testo è pubblicato in Maschere nude, cit., pp. 346–348.
è il rimando alla recensione di Antonio Gramsci, “Liolà” all’Alfieri, ora in Id.,
Letteratura e vita nazionale, Einaudi, Torino 1966, pp. 283–284.
4 La critica non ha accolto bene la versione in lingua, cfr. alcune citazioni in Maschere nude,
cit., p. 354.
5 Cfr. A. Vàrvaro, “Liolà” di Luigi Pirandello tra il dialetto e la lingua, “Bollettino Centro
di studi filologici e linguistici siciliani”, V, 1957, pp. 346–351; F. Rauhut, “Liolà” commedia di
Pirandello campestre dialettale, “Bollettino Centro di studi filologici e linguistici siciliani”, X,
1969, pp. 294–303; G. Giacomelli, Dal dialetto alla lingua: le traduzioni pirandelliane de ’A
giarra e di “Liolà”, in AA. VV., Mille. I dibattiti del circolo linguistico fiorentino 1945–1970,
Olschki, Firenze 1970, pp. 87–101; P. Mazzamuto, Poetica e struttura nel “Liolà” in dialetto,
“Bollettino del Centro di Studi filologici e linguistici siciliani”, XII, 1972, pp. 246–264; L. Salibrà,
“Liolà”: Pirandello autotraduttore dal siciliano, “Bollettino del Centro di Studi filologici e linguistici siciliani”, XIII, 1977, pp. 257–292. Sul teatro siciliano di Pirandello cfr. almeno G. Nicastro,
Pirandello e il teatro siciliano, in Id., Teatro e società in Sicilia (1860–1918), Bulzoni, Roma
1978, pp. 175–225; S. Zappulla Muscarà, Introduzione, in L. Pirandello, Tutto il teatro in
dialetto, 1, Bompiani, Milano 1993, pp. V–XXXVII.
6 Oltre i rispettivi capitoli nelle numerose monografie su Pirandello segnalo almeno questi studi:
R. Rebora, I giganti della montagna e la crisi di Liolà, in AA. VV., Atti del Congresso internazionale di studi pirandelliani, Fondazione Giorgio Cini, Firenze 1967, pp. 469–473; A. Polucci,
3 Obbligatorio
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testo e le sue messe in scena offrono. Nel presente articolo vorrei riprodurre questi
giudizi, reazioni e discussioni, costituenti tessere nel mosaico della fortuna scenica
di Liolà, testi effimeri perché pubblicati sui giornali, ma nonostante questo estremamente importanti. Nella nostra rassegna ci basiamo su circa ottanta recensioni
consultabili nella biblioteca della S.I.A.E. nell’archivio Burcado a Roma. Una simile
rassegna di recensioni, dal 1916 fino al secondo dopoguerra circa, è stata pubblicata da Alessandro Amico nell’introduzione alla sua eccellente edizione di Liolà in
Maschere nude. Vorremmo riprendere questo filo critico e protrarlo fino ai nostri
giorni.
Nell’archivio Burcardo è rimasta solo qualche traccia delle recensioni degli allestimenti risalenti a prima della fine della seconda guerra mondiale, perciò, anche se la
nostra rassegna inizia con le recensioni alla messa in scena dei De Filippo del 1935,
il periodo meglio documentato è quello che va dalla metà degli anni Cinquanta fino
ad oggi.
Prima di iniziare, occorre fare alcuni importanti avvertenze metodologiche. Soprattutto va detto che la nostra rassegna non può sostituire una storia esauriente
delle messe in scena, perché nell’archivio Burcardo non sono conservati riferimenti
a tutte le edizioni di Liolà e in alcuni casi le recensioni sono poche o poco informative. Alcune mancanze possono essere recuperate dalla consultazione di bibliografie
pirandelliane7 , dei volumi di cronache teatrali di famosi critici o, per quanto riguarda gli spettacoli recenti, anche dei materiali presenti su internet. Infine, per
avere un quadro veramente completo, bisognerebbe fare una vasta ricerca d’archivio
condotta su tutti i periodici italiani.
Dalla rassegna si evince che Liolà rimane per lunghi decenni una delle commedie pirandelliane più rappresentate, non solo in Italia.8 Sono stati i migliori registi e
attori a preparare le edizioni di Liolà; in alcuni casi, per valorizzare la componente
musicale della commedia, sono stati invitati anche famosi cantanti e vincitori del
festival di San Remo, come Domenico Modugno e Massimo Ranieri. Le edizioni
hanno generalmente riscosso un gran successo presso il pubblico e presso la critica, rimanendo in cartellone per parecchi anni. La solarità della commedia ha cosı̀
abbagliato i registi e gli attori, che tornavano a riproporla in sempre nuove edizioni
(come Vittorio De Sica e Turi Ferro).
Il valore informativo delle recensioni è molto vario, cosı̀ come l’erudizione e la
competenza dei recensori. Talvolta i testi indulgono su generalità, si limitano a
frasi vuote e risultano vuotamente retorici, esprimendo quindi un frettoloso apprezzamento dello spettacolo vero e proprio. I giudizi sulle edizioni sono qualche
Theatre of Illusion: Pirandello’s “Liolà” and Machiavelli’s “Mandragola”, “Comparative Literature Studies”, IX, 1/1972, pp. 44–57; L. Sciascia, Liolà, in AA. VV., Pirandello. Quaderni
dell’Istituto di Studi Pirandelliani, 1, Beniamino Carucci, Roma 1973, pp. 71–76; Z. Tillona,
Pirandello’s “Liolà”: A Variation on a Theme by Verga, “Italica”, LII, 2/1975, pp. 262–272;
M. Brose, Structures of Ambiguity in Pirandello’s “Liolà”, “Yale Italian Studies”, II, 3/1978,
pp. 115–141.
7 Cfr. A. Barbina, Bibliografia Pirandelliana 1889–1961, Le Monnier, Firenze 1967; C. Donati – A. T. Ossani, Pirandello nel linguaggio della scena. Materiali bibliografici dai quotidiani
italiani (1962–1990), Longo, Ravenna 1993.
8 Per la fortuna di Liolà nella Repubblica Ceca, e specificamente in Moravia, si veda J. Špička,
Dramatické dílo Luigiho Pirandella v Itálii, ve světě a na Moravě, in J. Špička – G. Cadorini,
Itinera Latinitatis, Albis–Fondazione Cassamarca, Kolín–Treviso 2008, in preparazione.
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volta contrastanti, e in questi casi abbiamo cercato di dare spazio a tutte le voci
polemiche. Abbiamo citato solo descrizioni e giudizi che ci sono parsi di valore documentario e critico, delle altre recensioni, meno interessanti, competenti o identiche
nei giudizi a quelle citate, abbiamo dato solo il riferimento bibliografico. Tematicamente ci siamo concentrati sulla filosofia dello spettacolo, su come sono valorizzati
o attenuati i significati presenti nel testo e un grande spazio abbiamo dato anche
all’interpretazione del personaggio centrale.
Edizione Peppino De Filippo (regista e primo attore), 1935
Su questa edizione allestita dalla Compagnia De Filippo in traduzione napoletana
abbiamo nel nostro corpus solo la recensione del “Messaggero” che ha esaltato
molto la commedia stessa, considerandola “la più bella cosa che, con l’Enrico IV
e coi Sei personaggi, Pirandello abbia dato al teatro e una delle migliori opere
della letteratura drammatica italiana di ogni tempo”, una commedia “italianissima”, “festevole, carnale e carnosa, beffarda, crudele, mordente, gioconda”, “quasi
leggenda per quel senso d’irreale e di favoloso che circonda fatti e personaggi posti
fuor del tempo pur essendo strettamente legati ai luoghi e alla realtà quotidiana, il
senso del nostro popolo agreste e malizioso, pettegolo e rindanciano, che si divide
tra la terra e la donna con lo stesso amore veemente e fecondo, generoso e pungente,
alternando vino e stornelli alla fatica e al sentimento.” L’autore della recensione
ribadisce la natura pagana, nell’ambito della quale Liolà sarebbe “un semidio contadino tripudiante e felice, una forza della natura, l’istinto sacro e inestinguibile
dell’energia generatrice”. Il recensore esprime l’ammirazione per la scena di Mario
Pompei e per la recitazione “fusa, colorita, vivacemente e pittorescamente espressiva” di Peppino (Liolà), Eduardo (Emilio, cioè don Simone) e Titina (Maria, cioè
Tuzza).9
Edizione Michele Abbruzzo (regista e primo attore), 1939
L’allestimento di Michele Abbruzzo con il Teatro siciliano ritorna ad una delle
originarie letture di Liolà, alla visione della Sicilia mitica, senza legami con la posteriore produzione pirandelliana: “ci ritroviamo agli antipodi di una concezione
criticamente civile e sociale; siamo in regioni alogiche e irrazionali.” D’altra parte,
Carlo Terron confessa: “conosco poche cose più serie – una serietà lieta e sana e
serena – di questa forza carnalmente ridente dove non è il caso di parlare nè di
immoralità e nemmeno di amoralità, ciò che sottintende sempre una precisa prospettiva etica e civile; ma soltanto, cosa mai, di premoralità”. In questa visione
Michele Abbruzzo è un “Liolà vagabondo, ubriaco di canto e di gioia biologica [. . . ]
puro e innocente come un angelo o, se preferite, come un giovane animale”. Generalmente, però, secondo Terron, la messa in scena è risultata di poco valore: “in
mancanza di una qualsiasi regia, indispensabile di fronte alla coralità e alle esigenze
di clima e di stile che questo idillio satiresco, stipato di femmine volteggianti intorno
ad un solo maschio, conforta, Michele Abbruzzo, con la compagnia del Teatro siciliano, riempita dalla mole aggressiva e clamorosa [. . . ] ha supplicato mercè una
festosità istintiva, giovanile e baldanzosa. Ma era un simpatico tenore che cantava
9 (e.
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c.), “Liolà”. Tre atti di Pirandello, “Messaggero”, 6 giugno 1936.
di fronte a un coro maldestro e senza vita. Ecco una occasione perduta per tanti
Piccoli teatri in cerca di copioni divertenti.”10
Edizione Vittorio De Sica (regista e primo attore), 1942
Tutte e tre le recensioni, presenti nell’archivio Burcardo, esprimono un grande riconoscimento all’edizione approntata dalla compagnia Tòfano-De Sica, sia per quanto
riguarda la regia, sia per la bravura del De Sica attore, tanto più apprezzabile considerando il fatto che Liolà non è una pièce tipica della compagnia.
Il “Giornale di Genova”, esaltando lo spettacolo “preparato con un amore, con
una eccezionale coscienza artistica, con una intelligenza che fa veramente onore a
tutti gli interpreti”, ricorda che la compagnia è “abituata a interpretazioni eleganti,
a personaggi ben vestiti, a situazioni mondane”. Nonostante questo, Sergio Tòfano
ha saputo rappresentare don Simone con un “impeto popolaresco” senza valersi
“di atteggiamenti di maniera: di espressioni sbraccate, per intenderci, o di mani sui
fianchi.” Una lode particolare, secondo il giornale, merita De Sica: “Chi avrebbe
potuto immaginare De Sica in maglietta a strisce bianche e rosse, scarmagliato e
motteggiante? Ebbene, egli fu un insuperabile Liolà, cosı̀ vero, naturale, pieno di
tali risorse e di cosı̀ consumato mestiere da divenire entusiasmante.”11
Secondo la “Gazzetta del Popolo”, De Sica, nel suo ruolo, “trova contorni netti
e colori smaglianti. Non è il suo Liolà furbesco di Musco, nè lo scaltro e svagato
monello di Peppino De Filippo, ma un Liolà dall’ampio petto, dal largo e generoso
cuore, che non è tanto a beffare Simone che tira, quanto a fare giustizia”. Anche
Sergio Tòfano è risultato convincente come don Simone esprimendone la “natura
scontrosa e insoddisfatta”.12
Il “Corriere della Sera” sottolinea la natura pagana e bacchica della commedia,
il tema delle corna, “il fuoco dei sensi”, apprezza De Sica per la sua “lieta simpatia”, e in riferimento alla sua origine osserva che come attore è risultato “un poco
romantico: forse qua e là si è sentita una vena di malinconia napoletana”.13
Edizione Orazio Costa (Giorgio De Lullo come Liolà), 1956
In occasione dell’anniversario della prima assoluta di Liolà l’Accademia Nazionale
d’Arte Drammatica (attualmente denominata “Silvio D’Amico”) ha approntato
un’edizione speciale a cui ha partecipato il fiore di attori italiani del tempo, tra
i quali Giorgio De Lullo (Liolà), Sergio Tòfano (Zio Simone), Vanda Capodaglio
(zia Croce), Rossella Falk (Tuzza), Bice Valori (Moscardina). Ma nessuno dei recensori si è mostrato molto entusiasta nei confronti della forza persuasiva di questa
messa in scena. Sui ruoli Giorgio Prosperi ha scritto: “la distribuzione non ci è
sembrata la più adatta per un lavoro del genere: il quale, già depurato dell’efficacia
del dialetto, richiedeva una carica di vitalità ed intensità emotiva o sarcastica, quale
nessuno degli attori citati, severamente educati ad un teatro colto e raffinato, era,
probabilmente, in grado di offrire.” Per quanto riguarda la regia, “Orazio Costa
ha giocato scopertamente sull’emozione in chiave di balletto,” e ha dedicato poca
10 C.
Terron, Il bacchico Liolà, “Omnibus”, 3 giugno 1951.
“Liolà” di Pirandello, “Giornale di Genova”, 15 maggio 1942.
12 (gi. mi.), “Liolà” di Pirandello all’Alfieri, “Gazzetta del Popolo”, 26 giugno 1942.
13 (r. s.), “Liolà” di Pirandello, “Corriere della Sera”, 9 giugno 1942.
11 (Riet.),
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cura all’amalgamazione unitaria di tutti gli aspetti che hanno presentato “stridenti contrasti” quali “la scena [. . . ] di una solarità accecante”, “intellettualistica
elaborazione di ritmi e melodie siciliane”, “inaspettata parodia della disperazione
meridionale” operata da alcuni interpreti “toscaneggianti”, ecc.14 Guglielmo Biraghi ha denunciato i “difetti della regia e quelli della recitazione” e ha considerato
lo spettacolo “assai disorganico, senza un intimo equilibrio”.15
Edizione Gianfranco De Bosio
(Leonardo Cortese come Liolà), 1956
La compagnia del Piccolo Teatro di Torino, sotto la direzione di Gianfranco De
Bosio, ha valorizzato, come la maggioranza delle compagnie precedenti, l’aspetto
folcloristico, combinandolo, nello stesso tempo, con uno sguardo verista: “Che
Costa [. . . ] si sia lasciato lusingare da alcuni atteggiamenti e suggerimenti didascalici, per scivolare in una specie di balletto folcloristico, non sorprende. I richiami ci
sono e invitanti. Senonchè c’è anche il resto, tutto il resto, quello che più conta. [. . . ]
La regı̀a del De Bosio ha messo l’accento sul tramato drammatico, sulle crudezze
veristiche, e non ha sbagliato, soprattutto perché era giusto che ci facesse sentire
una certa aura verghiana, quella stessa dalla quale il Pirandello non era del tutto
uscito.” Gli attori hanno dato “un’interpretazione appassionata e coralmente perfetta”, nonostante alcuni “effetti mancanti o non esplosi in pieno”, dovuti esclusivamente “all’esiguità del palcoscenico, che non ha consentito a Mario Pompei di
slargarsi con le sue scene luminose, e agli attori di disporsi in aperte solari prospettive.” Alla fine citiamo un appassionato riconoscimento che il recensore della
“Gazzetta del Popolo” ha espresso nei confronti della recitazione di Leonardo Cortese:
Leonardo Cortese si è fatto applaudire a scena aperta, e non per una “tirata” nè
per una battuta, ma per come ha detto una parola, una paroletta soltanto. E questo
rammento, all’infuori del mio dovere di cronista, a significare l’esattezza, il calore, la
verità, la sensibilità, l’arte con cui è entrato nel personaggio dalle molte sfaccettature.
Non è facile essere Liolà, ed è estremamente difficile esserlo umanamente. Un nulla,
ed eccolo involgarito nella lazzaronaggine. Un nulla ancora, ed eccolo libero figlio del
Sole e del vento, con un cuore generoso in cui le ferite sanguinano.16
Edizione Accursio di Leo (Turi Ferro come Liolà), 1957(?)
Il Teatro di Sicilia ha preparato l’edizione curata da Accursio di Leo con Turi
Ferro come protagonista, insolitamente “nella primigenia versione dialettale”17 .
Carlo Terron ha criticato “la concitazione, se vogliamo, un po’ clamorosamente
14 G. Prosperi, Commemorato Luigi Pirandello con la rappresentazione di “Liolà”, “Tempo
di lunedı̀”, 30 luglio 1956.
15 G. Biraghi, “Liolà” di Luigi Pirandello al Festival della prosa a Venezia, “Messaggero”,
30 luglio 1956.
16 (e. bert.), “Liolà” di Pirandello al “Piccolo Teatro”, “Gazzetta del Popolo”, 12 gennaio 1957.
Altre recensioni: (f. b.), “Liolà” di Pirandello al Piccolo Teatro di Torino, “La Nuova Stampa”,
12 gennaio 1957.
17 C. Terron, Inflazione pirandelliana, “La Notte”, 27 marzo 1968.
170
convenzionale, ma di una veemenza ricca di stracolore antipatetico”, ma è stato
indulgente verso l’età del primo attore: “l’interprete, vittoriosamente vincendo l’età,
ha finto persuasivamente la giovinezza e l’aitanza del personaggio trasferendole su
una impetuosa fantasia, risoltasi in realismo lirico geniale”.18
Il recensore del “Messaggero” vede in Liolà un abbandono dello scrittore alla
sua terra, constata comunque che la situazione “non potrebbe essere più pirandelliana”. Il regista, a suo avviso, “ha tenuto conto più della faccia immediata ed
esteriore di Liolà che non di quella più nascosta”, Liolà è stato “festoso, spensierato,
vivacissimo”.19
Edizione Vittorio De Sica (Achille Millo come Liolà), 1961
Vittorio De Sica è ritornato a Liolà dopo parecchi anni, nel 1961, non più come
attore (essendo sostituito da Achille Millo) ma come regista, con la compagnia del
Teatro Mediterraneo di Napoli. Durante gli anni la sua idea di Liolà è maturata in
un allestimento che ha raggiunto un altissimo livello professionale: “Lo spettacolo
è molto bello, di una armonia, d’una precisione, di un’unità, d’una coralità esemplari; ricco di particolari deliziosi e d’invenzioni geniali, con un gusto raro della
composizione e del quadro”, creato “dalle stupende scene di Ezio Frigerio d’un biancore accecante, immerso, ora nel nitido azzurro del mattino, ora nel caldo fuoco
del tramonto, ora nella liquida trasparenza della notte lunare.”20 L’altro aspetto di
questa maturazione è la scoperta di un’insolita profondità drammatica della commedia. Nella sua dettagliata e pregnante recensione Giorgio Prosperi osserva che a
differenza dello spettacolo in cui era stato protagonista, De Sica “abbia scavato più
a fondo nell’opera di Pirandello; e gli si sia rivelato il fondo amaro di un vino che
pareva dolce e smemorante, e non era”.21 Anche secondo Carlo Terron il regista
e l’attore hanno spostato lo spettacolo “verso una tonalità e un significato decisamente drammatici non privi di sottolineature crudeli”.22 Generalmente la critica
ha considerato l’accento drammatico come una moderna rilettura di Liolà, visto
nell’opera drammatica di Pirandello non come un intermezzo bozzettistico, ma
come un primo annuncio, pur irregolare, dei temi esistenziali presenti nelle commedie borghesi successive. In questo senso lo spettacolo di De Sica rappresenta quello
che “oggi” si pensa su Liolà: Renzo Tian osserva che la commedia “ha subı̀to il
più ragguardevole aggiustamento di prospettive. Ci siamo andati sempre più allontanando dalle formule della sensualità agreste, del realismo paesano, del bozzetto
folcloristico.” Tanto che oggi si vede in Liolà “un Pirandello nel quale sono già precisi ed urgenti i temi dell’opera a venire”, “si affaccia il medesimo sentimento della
vita che sarà sviluppato nei grandi drammi di pochi anni più tardi: solo che è un
sentimento non ancora incupito ed esasperato verso le amare immagini della pazzia
18 Ibidem.
19 (R.T.), “Liolà”. Tre atti di Luigi Pirandello, “Messaggero”, 23 aprile 1960. Altre recensioni:
(c. m. p.), Un Liolà autentico, “Corriere Lombardo”, 17–18 maggio 1960; (Vice), Le prime romane,
“Messaggero”, 9 maggio 1961.
20 C. Terron, Il “Liolà” di De Sica, “Corriere Lombardo”, 15 dicembre 1961.
21 G. Prosperi, Vittorio Sica ha ritrovato l’originaria amarezza di Liolà, “Il Tempo”, 1 novembre 1961.
22 C. Terron, cit.
171
lucida”.23 Anche Giorgio Prosperi ha visto il contorno agreste della commedia solo
come un inganno, essendo convinto “che la parentesi festosa sia tutta in superficie;
e che vi lieviti al contrario il rancore pirandelliano per l’egoismo e la disonestà.” La
commedia rappresenta invece il “convegno di tutti i motivi pirandelliani: da quelli
culturali, che riconducono la commedia agli antichissimi riti della fecondazione, a
quelli ironici, a quelli morali e sociali”. De Sica “ha dunque ritrovato, sotto la farsa
agreste, l’amarezza originaria di Liolà; e lo ha fatto con la grazia che gli è propria,
senza grinta e senza cattiveria, ma anche senza nessuna concessione al sentimentale
e al melodrammatico.”24
“La Stampa” ha criticato la scelte linguistiche dello spettacolo, a mezza strada
tra la lingua e il dialetto, e ha aggiunto anche una curiosa considerazione politica del successo di Liolà: “Liolà è in questo dopoguerra fra le più rappresentate
commedie pirandelliane. E si spiega: la destra (teatrale, si intende) la preferisce ad
altre più pensose e più “difficili”; la sinistra (e non solo quella teatrale) le dà la
palma sulla suggestione di un giudizio di Gramsci che ne lodò proprio il carattere
“dialettale”.”25
Edizione Turi Ferro (regista e primo attore), 1959(?)
In un secondo tempo, con la compagnia dello Stabile di Catania, Turi Ferro ha
approntato Liolà anche in veste di regista, facendo nascere “una edizione ormai
storica che ha visto platee e pubblici d’Europa, di Russia e d’America”,26 rimasta, infatti, in cartellone addiritura per decenni. Questa volta però Turi Ferro ha
optato per la versione in lingua, per una “traduzione italiana con qualche accenno
dialettale”,27 o, secondo un altro recensore, per un “dialetto abilmente italianizzato”. L’edizione ha accentuato in Liolà “la malinconica, rancorosa saggezza di un
Baldovino o di un Leone Gala”.28 I recensori hanno apprezzato la maestria interpretativa e il vasto registro espressivo con cui Turi Ferro ha impersonato il suo
personaggio. Cibotto ha osservato che Ferro possiede “una straordinaria forza interpretativa, che alterna i registri più disparati e si avvale di scatti imprevisti”.29
Similmente Alberto Blandi: “Si vuol dire insomma che Liolà è più “pirandelliana”
di quanto non sembri e che Turi Ferro ne tiene conto nella sua sottile e calibratissima interpretazione. [. . . ] l’attore non rinuncia agli umori fantastici e bizzarri
di cui lievita il suo personaggio e che si sfogano in un mulinare di gambe e di
braccia e in improvvisazioni canore”, non facendo dimenticare al pubblico che Liolà
è anche un personaggio malinconico.30 D’altra parte, Cibotto ha fatto obiezioni
alla rappresentazione manieristica della Sicilia propria dello spettacolo e all “im23 R.
Tian, “Liolà”. Tre atti di Pirandello, “Messaggero”, 1 novembre 1961.
Prosperi, cit.
25 (vice), “Liolà” di Pirandello con la regı̀a di De Sica, “La Stampa”, 17 febbraio 1962. Altre
recensioni: (e. p.), “Liolà” di Pirandello, “Corriere della Sera”, 14 dicembre 1961.
26 (L. R.), Il ritorno di Liolà, “Il Tempo”, 7 gennaio 1973.
27 Ibidem.
28 Ibidem.
29 G. A. Cibotto, Liolà all’Argentina, “Il Giornale d’Italia”, 7 gennaio 1973.
30 A. Blandi, A Pinerolo il “Liolà” con Turi Ferro che i torinesi non potranno vedere, “La
Stampa”, 6 maggio 1969. La recensione è praticamente identica ad una posteriore dello spettacolo
all’Alfieri, Il “Liolà” più pirandelliano, “La Stampa”, 1 maggio 1970.
24 G.
172
postazione naturalistica voluta da Turri Ferro, stupendo interprete ma disctutibile
regista”.31
Edizione Giorgio Prosperi
(Domenico Modugno come Liolà), 1968
Nel 1968 ha suscitato un grande clamore l’edizione di Liolà con il cantante Domenico Modugno nel ruolo del protagonista, un’edizione con un’importante componente musicale curata dallo stesso Modugno, diretta da Giorgio Prosperi e con
attori riunitisi solo in quest’occasione.
La prima della commedia si è svolta nel suggestivo ambiente del teatro greco
antico a Segesta e dopo nel teatro di Ostia Antica, prima di mettersi in viaggio per
varie città italiane. I recensori hanno apprezzato l’insolita, ma suggestiva messa in
scena in teatri storici, di solito riservati solo al repertorio del teatro classico. Gli
autori dell’edizione si sono sforzati con tutti i mezzi di lasciare negli spettatori una
forte impressione. Subito nella prima scena, ad esempio, Modugno-Liolà entra in
scena su un autentico carretto siciliano tirato da un cavallo.
Ovviamente, quello che soprattutto suscita la nostra curiosità, è l’interpretazione di Modugno nel ruolo di Liolà. Solo un pupazzo portato sul palco dal cuore
dello showbusiness? Oggetto di una geniale mossa del marketing? Oppure è stato
un Liolà degno di attenzione? La valutazione della critica è unanime: Modugno è
stato bravissimo!
Domenico Modugno sembra nato apposta per il personaggio di Liolà ed il personaggio di Liolà sembra creato su misura per Modugno: un incontro sulla scena tra i
più felici del nostro recente teatro. L’attore, naturalmente, ne è consapevole e gli dà
dentro con tutta la sua carica di simpatia, aggiungendovi un pizzico di eleganza, di
presunzione, di furberia, di canaglieria; ora dolce, ora sfrontato, ora umile, ora impertinente, ora rassegnato, ora eloquente, Domenico Modugno ha giocato con il suo
personaggio con la libertà e la maestria d’un autentico giocoliere, con l’accortezza e
la sapienza d’un consumato fantasista, rivelandosi cosı̀ attore di ottima razza”.32
Alberto Blandi, recensendo lo spettacolo portato dai teatri antichi all’Alfieri
di Torino, ha addirittura esaltato la bravura di Modugno rispetto al resto della
compagnia, caduto in un cliché popolareggiante: “Sembrerà strano, ma fra tanti
attori di prosa scatenati in un vociare e in un gesticolare siculo-napoletano, il più
misurato, il più intonato, il più convincente, anche se talvolta un poco esteriore, è
proprio lui [Modugno].”33
Mentre il carisma che Modugno ha dato al suo personaggio è riconosciuto da
tutti, i recensori non sono concordi se l’estroversa recitazione di Modugno abbia
appiattito o meno lo spessore drammatico che il personaggio ha nel testo. Secondo
Blandi, l’attore ha “attenuato l’acre chiaroscuro della commedia, ed ha puntato
sugli aspetti più pittoreschi”, contribuendo con la sua recitazione ad un’“edizione
31 G. A. Cibotto, cit. Altre recensioni: (r. rad.), “Liolà” all’Odeon, “Corriere della Sera”,
28 marzo 1968; (Vice), “Liolà” all’Argentina, “Messaggero”, 6 gennaio 1973.
32 E. Jattarelli, Tagliati apposta per Modugno i panni pirandelliani di “Liolà”, “Il Tempo”,
8 luglio 1968.
33 A. Blandi, La vitalità di Modugno in “Liolà” di Pirandello, “La Stampa”, 19 febbraio 1969.
173
scacciapensieri”.34 Secondo Renzo Tian, Modugno “ha tirato il personaggio completamente dalla sua parte, cioè dalla parte dell’allegria festosa e del vitalismo
estroverso”.35
Il recensore della “Notte” insiste molto su varie reminiscenze boccacciane, machiavelliane e pastorali e scorge nella commedia tratti del pirandellismo: “Liolà è
dramma primitivo, come primitivo ed elementare è il protagonista” e Modugno non
riesce ad esprimere tutto ciò perché gli “manca la scuola e la scaltrezza d’attore, e
dunque la varietà dei toni, la sapienza delle variazioni. Per esempio Modugno non
ha, sulla bocca e negli occhi, la malizia che sei mesi fa – con lo stesso Liolà – ci
portò Turi Ferro.”36
D’altra parte, il recensore del “Corriere della Sera”, essendo impegnato in una
lunga introduzione alla commedia, osservando che Liolà è stato molte volte frainteso, a partire dalle prime rappresentazioni delle compagnie dialettali, considera la
commedia “eminentemente letteraria, la cui struttura oltre tutto è chiaramente riferita ai canoni del nostro teatro rinascimentale” ed è convinto che all’allestimento
di Prosperi non sia sfuggito “il sottofondo malinconico del protagonista”. Il recensore cita in questo senso la seguente dichiarazione del regista: “La condizione di
Liolà è la condizione dell’artista, che fa vivere gli altri, e soffre e gode del proprio
disimpegno”. Modugno, inserendosi in tale prospettiva, è stato “fermo, limpido e
discreto nello stesso tempo”, mentre al critico è dispiaciuta, come pure ad altri, la
“sovrabbondanza di accenti sopra il rigo” nella recitazione di altri attori.37
Per quanto riguarda la componente musicale, qualcuno denuncia “l’eccesso di
commento musicale”38 , qualcuno apprezza la giusta misura tra il testo e la musica (Modugno “poteva sminuirlo [lo spettacolo] a musical, ed invece lo sostiene
all’altezza del dramma satiresco, proprio fornendo un coro in funzione lirica”39 ),
mentre Alberto Blandi ha apprezzato molto la musica, essendo convinto che anche
un musical vero e proprio ci starebbe bene, meglio che tutto “il folklore e la finta
Sicilia”.40
Citiamo ancora una notizia rigurardante l’aspetto linguistico, che è di regola un
problema spinoso da risolvere in ogni edizione di Liolà. Lo spettacolo ha adottato
“una lingua che sembra dialettale, ma che, in realtà, dell’agrigentino non conserva
che i suoni, il ritmo, la musicalità. L’effetto è sorprendente: lo spettatore viene
rapito da questo fascino musicale, da questa melodia sonora e crede, come è capitato a noi, che siamo completamente digiuni di questo dialetto, di avere imparato
improvvisamente a parlare siciliano.”41
34 Ibidem.
35 R.
Tian, Allegro “Liolà” sotto il tendone, “Messaggero”, 25 ottobre 1968.
M.), Liolà dipinto di blu, “La Notte”, 12 settembre 1968.
37 (r. rad.), “Liolà” con Modugno al Nuovo, “Corriere della Sera”, 12 settembre 1968.
38 Ibidem.
39 R. Tian, cit.
40 A. Blandi, cit.
41 E. Jattarelli, cit. Altre recensioni: (Vice), Il fascino del circo per “Liolà” di Modugno,
“Il Tempo”, 25 ottobre 1968; Idem, La Sicilia nei teatri romani con Pirandello, Verga e De
Roberto. Liolà di Pirandello al teatro di Ostia Antica, “Il Tempo”, 22 luglio 1968; Idem, Liolà
con Modugno (Al teatro romano di Ostia Antica), “Messaggero”, 22 luglio 1968.
36 (R.
174
Edizione Massimo Mòllica (regista e primo attore), 1978(?)
Massimo Mòllica ha allestito in veste di primo attore e di regista un’edizione con
lo Stabile di Messina, in orginiale agrigentino. Fra tutte le edizioni di Liolà, questa
sembra la più pensierosa e profonda. Giorgio Prosperi la descrive in questo modo:
“Mòllica semina qualche elemento di riflessione: con la barbetta caprina, gli occhi
di carbone, la coppola malandrina, all’attore regista bastava nulla per andare sopra
le righe e ottenere, magari, un effetto in più. E invece lo spettacolo è casto, quasi
povero, anche per qualche taglio di necessità, ad esempio nella zona bambini e
ragazze, che non manca di recare dolore. Ma non sarebbe giusto tacere ciò che
se ne guadagna, in cambio d’una frenesia dionisiaca, che si riduce e sfuma: se
ne guadagna, dicevo, una più alta concentrazione, uno stare al tema più stretto,
forse un poco schematico, ma ossessivamente pungente. [. . . ] Liolà con la barba di
Mòllica, e con la sua serietà intellettuale ed esuberanza fisica, diventa uno strano
personaggio, mezzo studente anziano mezzo contadino, con un carico di vitalismo
ma anche di passione rappresa e frustrazione meridionale”.42
Quindici anni dopo la prima di questa edizione, con sopresa di tutti, Massimo
Mòllica, sempre con la compagnia dello Stabile di Messina, riprende il ruolo di Liolà,
confutando, vista la sua età, un classico requisito della “coincidenza figurativa” tra
un personaggio e il suo inteprete: già nel primo allestimento era stato infatti un
Liolà piuttosto maturo, e ora ci ritorna sessantenne. Prosperi dubita che in questo
caso il carisma dell’attore riesca ad essere credibile. Interessantissima è questa sua
osservazione che merita di essere citata per intero:
Ora i capelli bianchi e il pizzetto di Mòllica, creano senza dubbio dei problemi:
il primo dei quali è la indubbia somiglianza di Mollica con le immagini classiche di
Pirandello. È casuale? È voluta? Io credo che nel lavoro di un artista ci può essere
qualche cosa di istintivo, di inconsapevole, ma non di casuale. Ed ecco che mi trovo
a guardare questo Liolà con un’ottica diversa: come se Pirandello in scena ci desse la
sua ipotesi di Liolà. Tutti, a cominciare dai parenti stretti, hanno parlato del pizzetto
mefistofelico di Pirandello. Mòllica ce l’ha. Ha anche gli occhi caldi di Pirandello,
forse meno tristi e lungimiranti. Fratelli racconta il modo con cui Pirandello leggeva
un suo testo, e ne ritroviamo non poco nella lettura di Mòllica: un certo crepitare
di sillabe come l’ardere improvviso di una fascina, certi gestli taglienti, il comico, che
nasce dentro ed esplode, la precisione delle mani da artigiano, anche nel toccare i corpi
femminili.43
Maruzio Giammuso, d’altra parte, è convinto che “Mòllica all’anagrafe ha forse
passato già l’età per essere quel gagliardo giovanotto capace di incendiare le femmine come un cerino in un pagliaio. Ma in scena l’anagrafe conta fino ad un certo
punto [. . . ] Quando si muove come un leone nell’arena, lesto di movimenti e di
mano, in mezzo a un grappolo di ragazze in festa, si può ben credere che abbia
l’età giusta.”44 Giammuso apprezza la versione in dialetto anche perché ha permesso di ottenere uno “slancio vitale dell’anima mediterranea”.45
42 G.
Prosperi, Musica, ritmo e poesia del “Liolà” agrigentino, “Il Tempo”, 3 giugno 1978.
Prosperi, Massimo Mňllica, al Ghione un Liolà con i capelli bianchi, “Il Tempo”,
1 marzo 1990.
44 M. Giammuso, Il seduttore campestre, “Corriere della Sera”, 14 marzo 1990.
45 Altre recensioni: L. Jattarelli, Con “Liolà” in dialetto, Pirandello al naturale, “Messaggero”, 28 febbraio 1990.
43 G.
175
Edizione Bruno Cirino (regista e primo attore), 1980
Questa edizione preparata dalla Cooperativa Teatroggi, a giudicare dalle recensioni, è la più contradditoria nelle valutazioni di tutta la nostra rassegna. Cirino,
anche lui uno dei Liolà maturi, sembra a Garrone l’espressione della “tendenza al
libero regresso infantile”, “la ‘voglia matta’ più prepotente, il richiamo erotico più
imperioso del prolifico Don Giovanni di Pirandello”, “un discolo impenitente, un
pulcinella, uno spiritello anarchico e un po’ goliardo fatto di fumo come l’omino
Perelà di Palazzeschi.” “Che agilità nonostante gli anni, sempre pronto a saltare
su ogni muretto imbiancato per dimostrare la sua anima canterina, la sua natura
solare e meridionale”, cosı̀ il critico continua ad apprezzare la vitalità di Cirino.
E lo stesso critico esprime un interessante e importante giudizio su uno dei tratti
caratteriali di Liolà, sottolineato appunto dall’interpretazione “aerea” di Cirino,
cioè che il rifiuto del matrimonio da parte di Liolà sia in realtà una “paura del
matrimonio”, la “paura di crescere”.46 “Cirino che è un Liolà dall’aspetto un po’
diavolesco, che copre una natura affettiva e malinconica: questo mi pare il dato più
riuscito di questa edizione”,47 scrive in breve Giorgio Prosperi, mentre Cibotto si
sofferma sul dipingere la profondità psicologica conferita da Cirino al personaggio
“impastato di carica sanguigna e di lucido ragionamento, per cui si snoda in un’aria
bizzarra, quasi stralunata esaltando una gioia di vivere che per essere veramente
tale esige la follia abbandonata a se stessa. Bruno Cirino ha saputo rendere tutto
questo, anche se in certe scene ha concesso troppo al gusto dell’effetto, scoprendo
dietro la vitalità il sospetto della maniera”.48
Il lavoro registico di Cirino ha suscitato dubbi in tutti i critici, anche in quelli che
hanno apprezzato la sua interpretazione. Secondo Garrone al Cirino regista manca
“il dono della leggerezza e della grazia [. . . ] Quando, ad esempio, trasforma ogni
gesto delle donne in quadri viventi di sapore rusticano e le fa muovere, indignarsi,
commentare scherzosamente e accendersi di curiosità per le imprese amatorie di
Liolà con delle leziosaggini da commediola brillante, da collegiali di qualche vecchio
film di Doris Day. O quando, per sottolineare la mancanza di una collocazione
storica e geografica precisa, lascia che si accavallino varie inflessioni dialettali. [. . . ]
Le scene e i costumi di Bruno Garofalo alludevano ad un Sud di maniera, stilizzato
come per un balletto o una commedia del Sistina”.49
Un giudizio negativo dell’edizione e della recitazione di Cirino è stato dato da
Gennaro Aceto: “Quello che secondo le intenzioni di Cirino doveva essere rappresentativo di una condizione umana, “un bisogno collettivo”, o più semplicemente
una “canaglia simpatica, vitale e malinconica” alla fine risulta copia sbiadita di un
vanesio da rivista, a metà strada tra un Modugno più malinconico ed un Figaro di
paese. [. . . ] E non c’è sciorinamento di lenzuola, o caduta di mandorle che basti a
colmare tutto il vuoto che si avverte per la caduta del personaggio centrale, per la
mancanza di sostegno ad una vicenda che cosı̀ si riduce ad un episodio pittoresco,
folcloristico e perciò assolutamente privo di spessore drammatico.”50
46 N. Garrone, Fa il Pulcinella e gioca con le donne ma forse ha soltanto paura di crescere,
“la Repubblica”, 7 marzo 1981.
47 G. Prosperi, Ombre e scoppi di luce nel “Liolà” di Bruno Cirino, “Il Tempo”, 7 marzo 1981.
48 G. A. Cibotto, Un figlio del sole, “Il Gazzettino”, 8 aprile 1981.
49 N. Garrone, cit.
50 G. Aceto, Una “sceneggiata” siciliana con accenti napoletani, “Umanità”, 20 marzo 1981.
176
Alla fine citiamo un altro giudizio negativo, quelle di Ubaldo Soddu. Prenderei
comunque le affermazioni di Soddu con grande riserva, perché dalla sua recensione
sembra che abbia capito veramente poco della complessità della commedia, come
si evince anche dalla conclusione della sua recensione citata più avanti. A suo
avviso lo spettacolo ha l’ambizione, “sulla scia del miglior Verga”, di diventare
“un quadro vitale e penetrante sui moti dell’animo, sulla vita e sulla morte, sul
bene e sul male”, ma in realtà Cirino rimane solo all’immagine di Liolà-playboy,
“insicuro se dare a Liolà una collocazione precisa o privarlo di essa”, lo “colloca fuori
della storia”, ma in modo insufficiente: “Se si voleva fare di Liolà un personaggio
atemporale, lo si stilizzasse allora fino in fondo, si battesse senza ripensamenti quella
rischiosa via.” L’insicurezza, secondo Soddu, colpisce anche le scelte linguistiche
della rappresentazione, che dentro “i ritmi di lingua colta” contiene “residui di
siciliano, inserzioni napoletane e calabresi”. E Soddu conclude: “Cirino sembra
infatti più incerto del solito: egli si chiede anzitutto fino a che punto sia “positivo”
un uomo che se la fa con tutte le donne del paese e colleziona figli col segreto intento
di farli lavorare nei campi”.51
Edizione Nino Mangano (Ugo Pagliai come Liolà), 1984
L’aspetto tipico dell’edizione di Nino Mangano è l’“educazione linguistica toscana”
e la “pura estrazione cittadina”52 di Pagliai e di attori principali e la rinuncia a
realizzare con veemenza l’immagine della Sicilia in scena. Sul carattere del Liolà di
Pagliai la critica è discorde, ma sembra che proprio il suo modo di recitare, il modo
che fa di Liolà un protagonista raffinato e malizioso, sia stato lo spunto per slegare la lingua, la commedia e i caratteri dalla regione di origine: “questo Liolà, che
si svolge in un luogo imprecisato della campagna tra Rosignano e Castiglioncello,
riesce ad avere un suo garbo, grazie al garbo di Pagliai e della Gassman [nel ruolo di
Mita]; i quali, specie il Pagliai, svolgendo con contagiosa naturalezza la sua toscanità anziché reprimerla o castigarla – inverando il falso toscano di Pirandello in un
linguaggio che scende per li rami dal rinascimento a Fucini, a Palazzeschi, con quei
modi umanamente civili e piccolo borghesi dei contadini toscani, e quell’allegria
ironica, che smitizza ogni passione – danno all’ipotesi toscana una coerenza che fa
scorrere piacevolmente la storia. Questa rinuncia meditata ad una impossibile meridionalità, mi pare il dato più positivo dell’interpretazione di Ugo Pagliai e della
regia di Nino Mangano”. Giorgio Prosperi nella sua recensione cita un foglietto
pubblicitario in cui si dichiara che l’attuale versione “è sgombrata dagli orpelli
fokloristici sui quali facevano affidamento precedenti messe in scena”. Questa affermazione è per il recensore l’occasione di ricordare, polemicamente, che già l’edizione
di Turi Ferro “era un modello di stringatezza intimista e realizzava alla perfezione
una delle due letture che si possono fare di Liolà: quella sofistica, amara, cavillosa,
51 U. Soddu, Professione padre, “Messaggero”, 7 marzo 1981. Altre recensioni: F. Doglio, Liolà,
poeta e contadino, “Il Gazzettino”, 8 marzo 1981; P. E. Poesio, Nell’universo di Liolà, “La Nazione”, 2 aprile 1981; (U.S.), Un play-boy assatanato, “Il Mattino”, 26 luglio 1980; G. A. Cibotto,
L’inesauiribile Liolà, “Il Gazzettino”, 21 luglio 1980; A. Manzi, Zia Croce, una madre egoista
cara alla gente [Intervista all’attrice Regina Bianchi a dieci anni dalla morte di Bruno Cirino], “Il
Mattino”, 17 aprile 1991.
52 G. Prosperi, “Liolà” toscano con Ugo Pagliai, “Il Tempo”, 12 gennaio 1984.
177
in confronto all’altra, panica, dionisiaca, corale”.53 Un grande apprezzamento del
lavoro di Pagliai e una fondamentale osservazione su una delle facce di Liolà sono
stati dati da Guido Davico Bonino:
Al vagabondo seduttore di questa commedia campestre [. . . ] Pagliai deve stavolta
pensato a lungo, scrutando nelle pieghe di certe battute per estrarne il succo, appena
appena distillato, di un’acre malinconia. Gira, certo, sotto il sole, some una cicala
ebbra, [. . . ] ma gira senza meta e senza costrutto, mosso da una inquietudine che è
immaturità cronica; seduce, certo, questo don Giovanni colonico, ma le ragazze, che
pure si lasciano inseminare da lui, non lo vogliono in fine, lo accettano come stallone, lo
rifiutano come uomo. [. . . ] Pagliai è molto bravo, a mio avviso, a sottolineare l’irrequietezza, la solitudine, l’immaturità di Liolà: diciamola in una parola, la sua impotenza
esistenziale contrapposta alla strapotenza sessuale.54
La toscanità di questa edizione non sembra una scelta coerente a Renzo Tian,
secondo il quale lo spettacolo è rimasto a mezza strada tra la Sicilia e la Toscana. A
suo avviso l’allestimento “sceglie una strada che sembra semplice e in realtà non lo è:
quella della commedia paesana, un po’ machiavellica e un po’ boccaccesca, recitata
in una lingua teatrale che più educata e antidialettale di cosı̀ non si potrebbe
immaginare. Anche perché la scena di Gabbris Ferrari, rustica quanto basta, è
possibile scambiarla per qualsiasi cascinale del continente; e non bastano cesti colmi
d’uva, mandorle schiacciate e qualche canto festoso in play-back per «fare Sicilia».”
Similmente accade con il protagonista: senza una decisa ancorazione, il Liolà di
Pagliai risulta “un personaggio senza problemi: tuttavia non ci mette quel pizzico
di perfidia e quella grinta di malandrino che un immoralista come lui dovrebbe
avere sempre addosso.” Secondo Tian il rischio dello spettacolo è quello che “tutto si
riduca a una storia di corna che crescono e pance che si gonfiano fra un pettegolezzo
e l’altro.”55
Altri recensori hanno visto lo spettacolo e il Liolà di Pagliai con ancora altre
impressioni. Secondo Paolo Emilio Poesio il regista ha sottolineato la discendenza di
Zio Simone da Mazzarò del racconto verghiano La roba (una caratteristica smentita
dalla recensione di Chiaretti, cfr. più avanti) e a differenza delle recensioni citate
scorge una ricca psicologia, del protagonista, il quale si distingue per la “robustezza
morale” e il quale risulta “forte e dolce, crudele e simpatico, gaio e profondamente
malinconico, come può essere chi si sente intimamente solo e incapace di perdere
la propria libertà per sottomettersi alle ipocrisie del mondo.”56
Tommaso Chiaretti sostiene il parere che la messa in scena “è affrontata da
Ugo Pagliai con molta simpaticissima aggressività, ma certo con la quasi sfrontata
distanza da tutti quelli che sono i dichiarati famosi «valori» del testo, la terra di
Sicilia, il maschio di Sicilia, il senso altezzoso della supremazia fertilizzatrice di
femmine, la cupa presenza verghiana della «roba» come valore”. Vede, dunque,
similmente a Prosperi, il distacco dalla Sicilia come esplicito e programmatico. “Se
non ci fosse stata quella forte attenzione ad un impianto naturalistico della scena”,
53 Ibidem.
54 G. Davico Bonino, Pagliai povero seduttore nella Sicilia da cartolina, “La Stampa”, 10 novembre 1983.
55 R. Tian, L’immoralista di campagna, “Messaggero”, 12 gennaio 1984.
56 P. E. Poesio, Uno per tutte, tutte per Liolà, “La Nazione”, 16 luglio 1983.
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continua il recensore, “lo avremmo potuto pensare, un Liolà astratto celebratore
di un disegno un po’ più perverso, che non è di sesso ma di testa [. . . ] La sua
menzogna, la sua beffa, il tranello è tutto in fuori, non sordo, esplicito, ha la grazia
della pochade, è condotto con dissenzione un po’ antica, fortemente affabulatoria,
una sorta di fiaba paesana con una lieve morale. Anche l’idea del Liolà ragionatore,
causidico, loico, costruttore di perverse reti e panie per uccelletti di passo, gli è
lontana.”57
Edizione Luigi Squarzina (Geppy Gleijeses come Liolà), 1990
Se l’edizione Mangano-Pagliai ha cercato di allontanare la storia di Liolà dall’ambiente siciliano, l’allestimento di Luigi Squarzina, rappresentato per la prima volta
a Benevento, persegue questa strada ancora più radicalmente, sia con la scena atipica, astratta e solo vagamente siciliana che ha incuriosito tutti i recensori, sia con
l’invito a Geppy Gleijeses di portare sulla scena un Liolà a prima vista piuttosto
improbabile: “Dopo avere attraversato il repertorio drammatico-esistenziale [. . . ]
Geppy Gleijeses giunge per la prima volta a Pirandello con una scelta apparentemente contraddittoria, come del resto è la sua stessa figura d’attore: «brillante» a
dispetto di un fondo tenace di malinconia; napoletano, ma coi capelli biondi di un
antenato olandese”.58
Secondo Renzo Tian, Gleijeses impersona uno dei due possibili Liolà: non quello
farsesco, inaugurato da Musco, ma quello “più sottile ed ambiguo, un «loico», [. . . ]
Questo Liolà riflessivo è interpretato con buona coerenza da Geppy Gleijeses, un
attore che è agli antipodi dello stereotipo vitalistico e agreste, con un’immagine
dove al colore si sostituisce il chiaroscuro.”59
Leggiamo la breve descrizione della scena fornita da una voce dello staff, l’attrice
Miranda Martino: “A sottolineare la diversità da ogni altra precedente messinscena,
Liolà avrà una scenografia che elimina ogni folklore. Ci sono la campagna, la [sic!]
fattorie, le masserie, ma tutto, alla fine, sembrarà [sic!] inserirsi nelle strutture di
un teatro greco.” L’edizione è approntata con la convinzione che Liolà: “non è solo
una gioiosa commedia agreste con un contadino vitale e vivace. È un testo ricco di
malinconia e di amarezze e lui è un contadino «intellettuale», che ragiona, riflette,
in tutta la logica pirandelliana.”60
La dichiarata eliminazione di aspetti folcloristici è però messa in discussione da
Renzo Tian: “il colore si affaccia in altre zone dello spettacolo. Nonostante che la
scenografia di Paolo Bregni cerchi di operare un distanziamento (pietre di teatro
greco antico, frammenti di casupole lignee di stampo ruzantiano, un siparietto
brechtiano), il gruppetto femminile che ruota intorno al protagonista finisce per
assumere ritmi e colori di un cerimoniale folclorico.”61
57 T. Chiaretti, La favola amara di Liolà, vero maschio di Sicilia, “la Repubblica”, 3 agosto 1983. Altre recensioni: G. A. Cibotto, Liolà, il culto della roba, “Il Gazzettino”, 6 novembre 1983; L. Ravazzin, Applausi per Pagliai e Gassman nel campestre Luigi Pirandello, “L’Arena”, 27 novembre 1983; F. de Ciuceis, Intrighi sull’aia, “Il Mattino”, 1 marzo 1984; Idem,
Seduttore campagnolo tra beghe e rivalità, “Il Mattino”, 28 febbraio 1984.
58 M. Giammusso, Un contadino in altalena fra mietitura e vendemmia, “Corriere della Sera”,
12 dicembre 1990.
59 R. Tian, Il piacere della libertà, “Messaggero”, 6 dicembre 1990.
60 M. P. Fusco, Miranda Martino la zia Ninfa di Liolà, “la Repubblica”, 14 settembre 1990.
61 R. Tian, cit.
179
Alcune insicurezze commentate dalle recensioni citate sono con maggiore decisione denunciate da Enrico Fiore, il quale obietta al regista che “sembra essere incapace d’imboccare una direzione univoca.” L’incongruenza tra i singoli aspetti della
messa in scena riguarda “un’ingiustificabile e insopportabile tenerezza patetica” nel
caso delle alterazioni nel testo delle canzoni, che sono “peregrine musiche originali
di Matteo D’Amico”, il “siparietto brechtiano”, lo “«straniamento» costituito dal
chitarrista che sale e scende a vista del palcoscenico”, “il minuzioso realismo «televisivo» degli strumenti della fatica contadina”, le “pietre corrose dal tempo che
alludono alle rovine di un teatro greco”, una “contraddittorietà espressiva (nel solco
di un’indistinta parlata «meridionalese», i “costumi strenuamente naturalistici di
Paolo Bregni”. E addirittura lo stesso Gleijeses “si rivela abbastanza convincente
nei momenti di scontro dialettico, ma di pari passo troppo di frequente indulge a
«gags» da avanspettacolo”.62
Edizione Maurizio Scaparro
(Massimo Ranieri come Liolà), 1991
Come abbiamo visto nelle recensioni citate, i registi realizzano un sempre più grande
distacco da Liolà concepito come trionfo folkloristico. Anche Scaparro, con le compagnie degli stabili di Genova e Palermo, persegue questa linea, con successo, però,
discutibile.63 Merita una lunga citazione la valutazione espressa da Masolino d’Amico, forse la più negativa in assoluto nella nostra piccola antologia:
due importanti teatri come quelli di Genova e Palermo coalizzati sbagliano clamorosamente [. . . ]. dei tanti Liolà che ricordo (Millo, Modugno, Cirino, Mollica, Pagliai,
Glejeses, [. . . ]) nessuno parve mai convincente, con la sola eccezione di quello, più di
trent’anni fa, con l’inarrivabile Turi Ferro giovane, e i grandi vecchi Rosina Anselmi
e Umberto Spadaro. Rispetto ai quali, e rispetto alla tradizione più diffusa, la regia
di Maurizio Scaparro ha voluto distinguersi facendo piazza pulita di tutto il retaggio
folkloristico: niente zàgare, niente fichidindia, niente coppole o carretti dipinti; e quasi
nessuna allusione linguistica, la versione scelta essendo quella colta e toscaneggiante
(dello stesso Pirandello, si capisce), non insaporita da accenti meridionali né dal recupero di qualche costrutto o vocabolo vernacolare, se non in un paio di cantate. E
niente realismo nella scena di Roberto Francia, dove la campagna è suggerita da una
specie di alta siepe forse di grano maturo, e l’azione si svolge su di un piano rialzato e
circolare di finta pietra inizialmente dominato da un alberello che il programma di sala
identifica per un fico saraceno: qualcosa che può richiamare una piazza o un teatro
greco, ma che somiglia anche a quelle piattaforme a forma di tortino su cui si svolgevano certi numeri nei musical americani. [. . . ] Dico solo che rinunciare a collocarne [di
Liolà] la trasgressività in un contesto riconoscibile vi apre una lacuna che andrebbe
colmata in qualche modo.
D’Amico è ugualmente scettico per quanto riguarda la recitazione della “compagnia francamente non all’altezza”, in cui si sono presentate “attrici desolante62 E. Fiore, Il mito emigra nel varietà risognando Bertold Brecht, “Il Mattino”, 16 settembre 1990. Altre recensioni: Idem, Liolà, filosofo dei campi, “Il Mattino”, 21 aprile 1994; (anon.),
Gleijeses, un Liolà misurato e malinconico, “Il Tempo”, 6 dicembre 1990.
63 Su internet è disponibile un breve filmato di questa messa in scena:
http://video.google.com/videoplay?docid=-1173248513147278927
180
mente anonime, e vestite più o meno allo stesso modo”, delle quali “due hanno addirittura lo stesso difetto di pronuncia, la esse blesa”. Tra di loro “Massimo Ranieri
fa quello che può per risultare simpatico, compreso cantare canzoni alla maniera
di Modugno, su belle ma incongrue musiche di Nicola Piovani; ma, isolato, dalla
mancanza di un ambiente antagonistico (contro chi si batte costui?), non può graffiare; può al massimo intenerirci a tradimento quando manipola e sbaciucchia tre
piccolissimi marmocchi introdotti a tal fine.”64
Renzo Tian confessa di aver visto ripetersi “uno strano fenomeno: come di
un treno che partiva dalle stazioni registiche più diverse ma poi, per una imperscrutabile conginza degli scambi, si ritrovava a imboccare quasi sempre lo stesso
binario. Che era quello della sagra campestre o quadretto agropastorale, un folclorico affresco ravvivato da erotici pimenti dove canti e danze servivano a celebrare
un rito viatalistico di maniera.” Scaparro “tiene altro e diversissimo viaggio”, aiutato dalla scena di Roberto Francia: “Siamo da qualche parte e in qualche tempo
nel Mediterraneo”. La distanza dalla Sicilia “ci riconduce a cercar di capire cosa
ci sia veramente, nel testo che Pirandello amò moltissimo, sotto la crosta festevole e paesana che molte regie gli hanno appiccicato sopra.” “Cosı̀ nello spettacolo
di Scaparro si profila un Liolà che non è né animalesca vitalità, né virtuoso filosofeggiare, ma piuttosto una energia compresa e spontanea, pronta a scattare.
Non astuzia contadina, ma distillazione di fantasiosi pensieri e giocosa strategia di
mosse, gli fanno guidare l’offensiva contro la paternità intesa come dignità sociale e la «roba» come ricchezza da acquisire con cupidigia e tramandare ad ogni
costo. [. . . ] Ranieri dà al suo Liolà la tensione vitale che lo anima, ma anche
l’ironia e il freddo talento ragionativo che guidano le sue azioni. Come folletto
perturbatore della quiete, nemico della vita «seria» o assestata, Ranieri è impeccabile. E anche le canzoni che, a leggerlo nel testo pirandelliano in lingua sanno a
volte di riempitivo, qui sono veramente un «recitar cantando» e non un intermezzo
coloristico.”65
Molto meno radicale, ma comunque non completamente soddisfatto, si mostra
Franco Quadri, convinto che Liolà sia “un capolavoro sulla carta che si appiattisce
sulla scena”. Quindi sembra proporre il ritorno alla più espressiva versione dialettale
“che restituisca a questa beffa classica la immediatezza del suo senso panico.” Il
recensore constata che le precedenti messe in scena “hanno finito col rinchiudere la
commedia in uno scontato cliché di gesti senza verità e movimenti senza vita, un
rituale esausto sotteso alla proposta di un aneddoto boccaccesco trattato secondo
una concezione manieristica della sicilianità.” Gli sembra che “con l’ingresso di
Massimo Ranieri [. . . ] entr[i] la tentazione del musical, con una coreografia che lo
conduce a distribuire dosi di note tra le femmine, e a serbare il proprio atletismo
per innalzare e far piroettare il trio dei bambini”, mentre “l’attore, tra gli scatti da
clown, non si fa pregare per intonare e rilanciare il ritornello felicemente musicato
da Nicola Piovani.” Quadri apprezza l’assenza di ornamenti siciliani presenti in altre
edizioni, ma sostiene che “neppure questo Liolà smette di riprodurre l’artificiosità
delle edizioni già viste [. . . ] Nonostante le depurazioni, il Mediterraneo rimane
inquinato. E ahimé la recitazione si adegua, con l’eccezione di Ranieri, facilitato
64 M.
65 R.
d’Amico, Ranieri, proibito graffiare, “La Stampa”, 18 ottobre 1991.
Tian, “Liolà”, contadino stratega, “Messaggero”, 18 ottobre 1991.
181
dalla scioltezza canora e dalla simpatia, ma con scarsa autorità nel dare un’impronta
al personaggio.”66
Sulla scia delle dichiarazioni di Ranieri per la stampa una parte della critica
ha visto, o ha voluto vedere, in Liolà soprattutto una specie di ribelle contro l’ordine sociale. Cosı̀ Paolo Lucchesini scopre nella commedia un “Pirandello sociale”:
“Liolà non è più di bracciante scapestrato scacciapensieri e donnaiolo, ma un uomo
consapevole fiero del proprio stato, convinto che, più figli avrà, potrà forgiare altri
uomini sani e felici come lui.”67
Nell’intervista condotta da Enrico Fiore, Massimo Ranieri ha confermato il
pieno accordo con il regista nel sottolineare “il sapore greco (e mediterraneo in
genere)” della commedia, ha mostrato la propria simpatia per l’irriverente “pazzariello” ricordando anche la vicinanza di Liolà ad un altro carattere da lui in
precedenza impersonato, il pazzo Feste de La dodicesima notte di Shakespeare.
Ranieri vede in Liolà uno “che si sente stretto nelle maglie di una società che non
gli appartiene”, un “sessantottino”, “un ideale, un’utopia o, come dice Scaparro,
un autentico hippy.”68
Enrico Fiore, nella descrizione della scena che assomiglia al teatro greco, osserva che “spesso Liolà, come un vero e proprio sacerdote, spunta da dietro quell’«altare»”. Sottolinea il ruolo del mito della terra e della fecondità in questo allestimento in cui si svolge tutto “in direzione di una solarità mediterranea a sua volta
sottolineata da fugaci brani in dialetto siciliano e, specialmente, da una connotazione napoletana che s’accampa a partire già dalla composizione del «cast»”. Secondo Fiore tale connotazione non nuoce, essendo storicamente giustificata dalla
messa in scena della compagnia dei De Filippo: essa “s’esalta e impreziosisce nell’interpretazione di Massimo Ranieri. Il quale, dando luogo a quella che – per stile,
virtuosismo tecnico e capacità espressiva – è forse la migliore prestazione teatrale
della sua carriera, attribuisce al personaggio di Liolà [. . . ] i tratti e movenze del
«pazzariello» [. . . ]. Qualche contraddizione e qualche scompenso si verificano, invece, per quanto riguarda il rimanente della compagnia.”69 La valutazione è migliorata, quando Fiore recensice lo spettacolo con una notevole distanza cronologica
dalla prima: “Rispetto alla «prima» di Genova, comunque, è cresciuto anche il
rimanente della compagnia”.70
Mettendo in risalto la figura ribelle di Liolà, Leonardo Jattarelli trova in questa
edizione molti tratti di attualità: “Siamo all’alba della nuova generazione, i figli
proiettati in un domani migliore: la donna madre, femmina da mettere incinta;
voglia di libertà, disprezzo per la «roba» e malinconia.” Massimo Ranieri, secondo il
critico, è un “eterno scugnizzo di una Napoli che non sa più riconoscere”. Jattarelli
si ispira in queste affermazioni alle parole dello stesso Ranieri, il quale ricorda:
“certi sapori, certi profumi della mia Napoli bambina, pulita e spontanea che ora
non ritrovo [. . . ] le immagini di me ragazzino che canto nei ristoranti con una
chitarra da quattro soldi per dar da mangiare ai miei sette fratelli.” Per Ranieri
66 F.
Quadri, Ed ecco Liolà clown, poeta e vagabondo, “la Repubblica”, 18 ottobre 1991.
Lucchesini, Ranieri fauno gentile, “La Nazione”, 20 febbraio 1993.
68 Quell’hippy siciliano pare un sessantottino [Intervista di E. Fiore a M. Ranieri], “Il Mattino”,
23 dicembre 1991.
69 E. Fiore, Il pazzariello sull’altare, “Il Mattino”, 18 ottobre 1991.
70 Ibidem.
67 P.
182
il testo “è di un’attualità sconvolgente. [. . . ] Liolà è un ragazzo-padre nei nostri
giorni, è un hippy, un ribelle, un punk dai capelli dritti gelatinati”.
Alla fine, nello spirito del detto latino “in cauda venenum”, citiamo la recensione
di Giovanni Raboni, una recensione che si distanzia da tutte le altre dedicate a
questa edizione, rifiutando energicamente l’interpretazione di Liolà come ribelle
sociale e disprezzando anche la commedia stessa:
Come questo imbecille irresponsabile [Liolà] sia potuto assurgere, nelle elucubrazioni della critica, a simbolo della rivolta libertaria contro le oppressive convenzioni
sociali, è un mistero, su cui bisognerebbe, avendone il tempo, indagare. C’è persino
chi (a cominciare da Gramsci, che in nome del “Nazional-popolare” preferiva di gran
lunga questo Pirandello bozzettistico-rurale al Pirandello concettoso-borghese) ha parlato della commedia come di un capolavoro. Personalmente, la trovo insopportabile;
e tale mi è sembrata ancora una volta nella riesumazione compiutane da Scaparro
nel quadro dei suoi ben noti interessi per il teatro “mediterraneo”. [. . . ] Ne è risultata, con l’aiuto delle canzoni appositamente composte da Nicola Piovani, una sorta
di commedia musicale, dove quel tanto di sgradevole (e dunque di vitale) che il testo
potrebbe comportare svapora in un generico ottimismo televisivo, e persino la congenita asprezza regionale dell’ambientazione lascia il posto (grazie alle scene di Roberto
Francia) a un paesaggismo manierato e indolore.71
Edizione Gigi Dall’Aglio
(Franco Castellano come Liolà), 2002
Cronologicamente ultima, e nell’archivio Burcardo poco documentata, edizione di
Liolà è quella approntata da Gigi Dall’Aglio con Franco Castellano nel ruolo del
protagonista e con la compagnia del Teatro Greco di Roma. Abbiamo la testimonianza di Masolino d’Amico che giudica negativamente l’edizione. Va notato, in
questa sede, che anche in altre recensioni d’Amico si mostra molto negativo nel
giudicare le varie edizioni di Liolà, a suo avviso incomparabili con quella di Turi
Ferro: “Non ricordo infatti uno solo allestimento di Liolà veramente felice tra i
molti in italiano ascoltati negli anni (mentre era sublime quello storico in siciliano, sia pure addomesticato, di Turi Ferro).” In questo spettacolo il critico scorge
diverse incongruenze:
L’ambientazione di questo Liolà è pertanto non verista, o meglio, si ispira a uno
pseudoverismo ottocentesco, di maniera, “pompier”: Sabina Chiocchio ha vestito le
patinate contadine come pittoresche quanto improbabili campagnole di Michetti, con
vesti colorite e ampie scollature; Emanuela Dall’Aglio ha concepito una scena altrettanto convenzionale, con al centro un grande albero molto finto e da un lato l’ingresso
71 G. Raboni, Il “Liolà” canterino di Massimo Ranieri, “Corriere della Sera”, 18 ottobre 1991.
Altre recensioni: L. Jattarelli, “Il mio Liolà, giovane malinconico e ribelle”, “Messaggero”,
10 febbraio 1992; P. Lucchesini, Liolà libero e ribelle, “La Nazione”, 18 ottobre 1991; U. Ronfani, È Massimo Ranieri il Liolà di Scaparro, “Il Giorno”, 18 ottobre 1991; D. Danzuso, Liolà,
il canto libero, “La Sicilia”, 6 dicembre 1991; E. Costantini, Un “fool” canterino, “Corriere
della Sera”, 7 febbraio 1992; G. Prosperi, Diavoletto tribale il “Liolà” di Massimo Ranieri, “Il
Tempo”, 6 febbraio 1992; T. Scaroni, Pirandello in musica per Massimo Ranieri, “Il Tempo”,
4 febbraio 1992; G. A. Cibotto, Liolà contadino diviso fra due amori, “Il Gazzettino”, 24 gennaio 1992.
183
di una grotta-casa incorniciato dalle enormi fauci di un mascherone da commedia
classica. Le luci sono calde come i colori del paesaggio; ogni tanto due mime danzano
vestite da fauno, con tanto di zampe pelose; e insomma il tutto si rifà a un meridione
idealizzato da visitatori nordici.
Secondo d’Amico “la stilizzazione provoca un senso di superficialità fin troppo
giocosa, e in definitiva una mancanza di credibilità che alla lunga diventa stucchevole. Si parla di miseria, ma tutti sono ben abbigliati e ben nutriti; le ragazze
sono troppo carine; e il Liolà di Franco Castellano, alto e biondo, non proprio adolescente, dai gesti misurati [. . . ] è un Liolà signorino, un gentleman travestito per
giocare con damine camuffate da pastorelle.”72
Pirandellova Sicilská komedie a její inscenační osudy v Itálii
Resumé
Příspěvek nejprve krátce připomíná okolnosti vzniku jednoho z nejúspěšnějších
divadelních kusů Luigiho Pirandella Sicilské komedie (Liolà), která je i v Česku
nejhranější Pirandellovou komedií. Na základě asi osmdesáti recenzí uchovaných
v archivním fondu Burcardo v Římě následně rekonstruujeme podobu jednotlivých
italských inscenací, zejména z hlediska interpretace komedie a hereckého výkonu
v hlavní roli. Ohlas u odborné kritiky článek zahycuje četnými citacemi z nejzajímavějších recenzí.
Luigi Pirandello’s Liolà and Its Stage Fortunes in Italy
Summary
First the article mentions the circumstances of the origin of Pirandello’s successful play Liolà, which is in the Czech Republic the most frequently staged of
Pirandello’s comedies. Second, using about eighty reviews found in the Burcardo
theatre archive in Rome, the article tries to reconstruct aspects of each single Italian performance, pointing particularly at the interpretation of the meaning of the
comedy and at the way in which the leading part of Liolà is acted. The opinions of
the critics are shown by means of quotations from the most interesting reviews.
Jiří Špička
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
72 M.
184
d’Amico, “Liolà” non è un tipo da salotto, “La Stampa”, 25 novembre 2002.
La conscience du mythe familial dans Le mystère
Frontenac de François Mauriac
Jiří Šrámek
Dans les romans mauriaciens, les thèmes des rapports de parenté sont omniprésents. Comme, parmi les intérêts qui poussent les différents membres de la
« grande famille » à agir, dominent la propriété et les partages, tout comme la
sexualité et la passion, la famille n’est pas forcément un lieu sûr, une sorte d’univers clos qui met l’individu à l’abri des tempêtes de la vie comme on pourrait
le croire en lisant la description de la chambre de la mère, passage qui ouvre Le
Mystère Frontenac. Les impulsions qui naissent au sein de la famille finissent par
dépasser le cadre familial pour assumer un rôle important dans l’ensemble de l’intrigue où diverses ambitions individuelles, souvent égoı̈stes, cherchent à s’accomplir.
Néanmoins, si les personnages mauriaciens sont des êtres imparfaits, voire déchirés,
ils ne sont jamais oubliés par Dieu, source de l’amour et de la grâce. Or, en dernier
ressort, l’œuvre de Mauriac est un « témoignage du chrétien », bien que l’auteur
refuse d’être considéré comme « un romancier catholique ».
Avec Le Mystère Frontenac, ses «mémoires imaginaires»1 qui sont la fuite dans le
monde de l’enfance devant l’angoisse de la mort, Mauriac «remonte à ses sources»2 .
Le roman, conçu par l’auteur « comme un hymne à la famille au lendemain d’une
grave opération » et de la maladie durant laquelle les siens l’avaient entouré d’une
sollicitude tendre3 , thématise « cette union éternellement indissoluble de la mère
et de ses cinq enfants »4 . François Mauriac dit, dans « Le roman bourgeois » (Écho
de Paris, 8 octobre 1932) qu’il voulait peindre « le mystère d’amour d’une bonne
1 Cf. François Mauriac, « Préfaces », Le Mystère Frontenac (tome IV des Œuvres complètes),
1951, in : Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Appendice I, Gallimard, Paris 1979,
p. 885.
2 Yves Leroux, « Les références poétiques dans Le Mystère Frontenac », Nouveaux Cahiers
François Mauriac, No 12, Grasset, Paris 2004, p. 111.
3 François Mauriac, «Préfaces», Le Mystère Frontenac (tome IV des Œuvres complètes, 1951),
in : François Mauriac, Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Appendice I, Gallimard,
Paris 1979, p. 886. Le Mystère Frontenac a été publié en février 1933. En mars 1932, atteint d’un
cancer, l’auteur devait subir l’ablation d’une corde vocale.
in : François Mauriac, Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Appendice I, Gallimard,
Paris 1979, p. 885.
185
famille de chez nous »5 . Dans Le Mystère Frontenac, roman tendant à devenir une
expression spécifique d’une expérience profonde et ancienne, le thème de la parenté
familiale fait figure d’un signe qui, tout en étant bien compréhensible, relève d’un
procédé de poétisation mise au service du fonctionement de ce qu’on peut appeler
un mythe personnel. On songe ici à la théorie barthésienne selon laquelle le mythe
d’aujourd’hui est avant tout une sorte de discours, un système de communication,
ou – dans les termes sémiotiques – une forme de signes dont le signifiant même est
un signe entier.
Le mythe mauriacien apparaı̂t comme un réseau dynamique de significations
qui, sous l’impulsion d’un concept général, coopèrent dans la structure narrative
du récit. Étant à la recherche de la lignée mythique, nous sommes toujours dans le
domaine de l’implicite, comme le mythe, même personnel, n’est pas fondé sur des
faits vérifiables. Aussi la formation de ce mythe personnel n’est-elle pas à entendre
comme une invention, mais plutôt comme une actualisation du vécu, une sorte de
réminiscence qui n’étant pas strictement autobiographique, se voit transformée par
un procédé poétique. Les rapports entre les (beaux-)frères et les (belles-)sœurs, et
notamment entre les frères, constituent une composante essentielle du phénomène
complexe et peu transparent, appelé « mystère Frontenac », mythe de famille.
Chez Mauriac, le milieu familial est souvent considéré comme le domaine spécifique des femmes6 . Après la mort de son mari, Michel Frontenac, Blanche, née
demoiselle Arnaud-Miqueu, devient ainsi tout à fait logiquement la gardienne des
derniers Frontenac. N’empêche qu’elle demande conseil à son beau-frère Xavier,
attaché au souvenir de son frère décédé, pour tout ce qui concerne les enfants,
respectant ainsi la position que les traditions patriarcales attribuaient au chef de
famille. C’est pendant l’absence de Blanche, soignant sa mère malade, qu’oncle Xavier, sur les demandes répétées des enfants Frontenac, donnait, en quelques coups de
canif, l’aspect d’une barque à une écorce de pin, et y plantait une allumette-bougie.
Les enfants, arrivés au seuil de l’adolescence, vont s’imaginer un bateau-phare qui
passerait l’océan Atlantique « avec sa cargaison de mystère Frontenac »7 (pour reprendre les paroles d’Yves)8 . En affirmant que le mystère Frontenac « échappait à
la destruction, car il était un rayon de l’éternel amour réfracté à travers une race »,
Yves, voulant croire à un souvenir, fait une profession de foi sans garantie.
En effet, on commence par se demander si les rapports de parenté dont il est
question chez les Frontenac où « tout se passait, comme s’il y avait eu communication entre l’amour des frères et celui de la mère», sont l’expression d’un sentiment
inné : on se demande ce que Blanche Frontenac pouvait faire « pour rendre ses fils
5 Cf. Jacques Petit, Notice [sur Le Mystère Frontenac], in : François Mauriac, Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Gallimard, Paris, 1979, pp. 1 239–1 240.
6 L’auteur se remet en mémoire « le régime de cette famille provinciale », « le matriarcat » en
tant que régime qui « réglait les rapports familiaux » (François Mauriac, Nouveaux mémoires
intérieurs, in : Œuvres autobiographiques, Gallimard, Paris, 1990, p. 726. « Dans ce royaume
de mon enfance, les femmes régnaient ou elles servaient. Elles étaient impératrices ou esclaves »
(François Mauriac, Ibid., p. 730).
7 L’expression qui apparaı̂t ici pour la première fois n’était pas le titre primitif du roman (cf.
Jacques Petit, Notes et variantes [sur Le Mystère Frontenac], in : François Mauriac, Œuvres
romanesques et théâtrales complètes, II, Gallimard, Paris, 1979, p. 1 265).
8 François Mauriac, Le Mystère Frontenac, in : Œuvres romanesques et théâtrales complètes,
II, Gallimard, Paris, 1979. Sauf indication contraire, toutes les citations suivantes renvoient à ce
titre.
186
différents de ce qu’ils étaient devenus ». En effet, si tous les membres de la famille
campagnarde, initiés au mystère, sont censés remplir les fonctions échelonnées d’un
ensemble homogène, il n’y a pas de conseils spéciaux à ce propos. Seulement, peu
à peu, la vie des enfants qu’Yves Frontenac s’imagine « simple et normale » se voit
transformée en un destin. Si le mystère Frontenac peut se présenter éventuellement
comme une tâche à accomplir, rien n’en garantit le succès, les membres de la famille
n’étant pas des êtres privilégiés. Même chose si leur tâche est transformée en une
mission visant les dimensions métaphysiques (n’est-ce d’ailleurs pas là qu’il faut
situer de véritables mystères ?) comme chez Yves quand il parle du seul devoir :
envers ce que nous portons, envers notre œuvre, « ce secret de Dieu déposé en nous
et qu’il faut délivrer ».
À vrai dire, il est impossible de négliger l’aspect religieux du mystère Frontenac,
la religiosité de Blanche Frontenac et de son fils Jean-Louis aussi bien que la tonalité
spirituelle des premiers poèmes d’Yves. Un Frontenac sait « qu’il n’y a pas de
sortie sur le néant », qu’il faut être « une personne, un homme différent de tous
les hommes », « tenir sa propre existence entre ses mains » et la juger « sous le
regard de Dieu ». Néanmoins, le « mystère Frontenac » n’est pas forcément basé
sur les traditions de la foi catholique, comme en témoigne l’anticléricalisme du feu
Michel Frontenac ou bien celui de l’oncle Xavier, athée et matérialiste9 . Le côté
matériel («l’esprit de famille») et le côté transcendental («le mythe de famille») se
voient opposés dans une sorte de dispute entre Blanche et Xavier. Quand Blanche
apprend que son beau-frère entretient « une petite dame » à Angoulême, Josépha,
elle en est secouée : « l’esprit Frontenac l’avait envahie toute entière ». Dussol,
directeur de l’usine appartenant aux Frontenac, présente de Blanche une image
qui est « dépouillée du mystère Frontenac » : « une femme de tête » qui est « la
raison même », « l’équilibre, le bon sens incarné », « une femme d’affaires » qui aime
«l’argent» et «la terre». Cependant, Blanche se forgeait à propos de Xavier, au nom
de la morale chrétienne, évidemment, « le plus étrange devoir : les enfants dussent-ils y perdre une fortune, elle pousserait son beau-frère au mariage ». Xavier, lui,
au contraire, ne se marierait jamais : selon sa logique, donner le nom de Frontenac
à une femme de rien, ce serait un sacrilège. Défenseur de « l’ordre établi », Xavier
Frontenac, à la différence de sa belle-sœur, conçoit la famille comme un clan, une
communauté d’intérêt : Xavier connaı̂t et respecte « une loi Frontenac », secrète et
obscure, qui l’oblige de gérer le patrimoine pour le compte des enfants de Michel,
alors que Blanche, obéissant à la foi, doit placer la morale religieuse au dessus-de
l’intérêt matériel.
Le symbole de la solidarité qui existe entre les différentes générations de la
famille Frontenac est représenté par la chartreuse du XVIIIe siècle où plusieurs
générations de Frontenac avaient vécu et où demeure tante Félicia Frontenac, idiote
et monstre depuis sa naissance par suite de la faute du médecin. Xavier jure que, de
son vivant, Félicia ne quittera pas la maison de famille. En outre, lors de ses visites,
il descendait aussi au cimetière : le Frontenac vivant se découvrait ici devant les
9 « Notre tuteur, le frère de mon père [. . . ] s’opposait sur un point essentiel à ma mère :
irréligieux, agnostique, peut-être athée, comme l’avaient été mon père et mon grand-père, il ne le
manifestait jamais dans ses propos ; ma mère ne l’eût pas souffert; mais il n’entrait pas à l’église. »
(François Mauriac, Nouveaux mémoires intérieurs, in : Œuvres autobiographiques, Gallimard,
Paris, 1990, pp. 728–729).
187
Frontenac retournés en poussière10. Or, l’idée de la vie éternelle11 , sans perdre sa
dimension transcendentale et spirituelle, est capable de revêtir en même temps des
aspects bien matériels qui permettent de visualiser le lien qui réunit les générations
mortes avec les générations vivantes. Aussi Blanche et Xavier savent-ils bien qu’il
faudra qu’un jour, après leur mort, Jean-Louis, l’aı̂né, devienne le chef de la maison
et le protecteur de ses cadets. Un lien matériel préservant des intérêts financiers
de la famille, Xavier et Blanche croient qu’un Frontenac doit mettre le nez dans
les affaires. Jean-Louis, bien qu’il soit désireux d’étudier la philosophie et d’être
nommé dans une faculté, leur obéit et se charge de la gestion de l’établissement
familial. La grande idée de Jean-Louis était d’intéresser le personnel à la gestion,
ses préoccupations sociales faisant songer au « Sillon »12 .
Dans la jeune génération, les rapports entre Jean-Louis et Yves vont remplacer
ceux qui existaient, dans la génération précédente, entre Blanche et Xavier, rapports permettant de faire vivre le mystère Frontenac. Le rôle de l’élément féminin
est désormais diminué, voire supprimé. Les jeunes ménages des sœurs, Marie et
Danielle, ont loué une villa où il n’y avait pas de place pour la mère. Marie et
Danielle trouvent aussi que c’est indécent de la part de Josépha de demander à
Jean- Louis la permission d’offrir aux Frontenac ses vœux au Jour de l’An, alors
qu’Yves pensait que « l’humble Josépha », qui admirait les Frontenac et trouvait
en Jean- Louis un nouvel objet de culte, « était entrée dans le mystère Frontenac »
et « en faisait partie ». Les sentiments sincères et profonds qui lient Jean-Louis à
Yves y jouent un rôle essentiel : « il suffit à des frères d’être unis par les racines
comme deux surgeons d’une même souche, ils n’ont guère coutume de s’expliquer :
c’est le plus muet des amours ». Comme le fait remarquer Claude Mauriac dans La
Terasse de Malagar, François Mauriac dit de sa nouvelle œuvre que «c’est le roman
de l’amour fraternel »13 . Cependant le troisième frère, José, le cadet, toujours et
en tout le dernier de sa classe, comme Jean-Louis en était le premier, n’y participe
pas. Comme il a fait des dettes et avait une liaison avec une fille de rien, la famille
l’a éloigné ; néanmoins, le malheureux finit par revenir à sa tâche, avant de tomber
en août 1915.
Jean-Louis, le nouveau chef de la tribu, un homme profondément religieux,
semble être tout à la hauteur de sa mission quand il explique à Yves qu’il n’est
pas question de son bonheur personnel, mais de son devoir d’« agir en vue du bien
10 François Durand (« Notices, notes et variantes », in : François Mauriac, Œuvres autobiographiques, Gallimard, Paris, 1990, p. 1 029) constate cependant que « le célèbre finale du Mystère
Frontenac » où Mauriac « représente l’au-delà comme une vie continuée où la famille se trouve réunie comme sur terre n’est pas vraiment représentatif de sa pensée: c’est d’ailleurs Yves Frontenac
qui parle, non Mauriac ; et il le fait pour rassurer sa mère. »
11 « Je crois à la vie éternelle. Mais qu’est-ce que cela signifie, je n’en sais rien. Et je n’attends
pas, mais pas du tout, à une vie continuée, retrouvée sous sa forme personnelle. Ce que nous
perdons, nous ne le retrouverons pas – accédant à la vie sans être réduit à notre vie individuelle. »
Claude Mauriac rapporte ces paroles significatives prononcées par son père le 10 janvier 1956 dans
Signes, rencontres et rendez-vous, Grasset, Paris, 1983, p. 215. (Cité par François Durand, voir
note 10 ci-dessus.)
12 Jacques Petit, Notice [sur Le Mystère Frontenac], in: François Mauriac, Œuvres romanesques
et théâtrales complètes, II, Gallimard, Paris, 1979, p. 1 239. En 1906, Mauriac adhère au « Sillon »
de Marc Sangnier, pour le quitter en 1907. Le « Sillon » sera condamné par le pape Pie X en 1910.
13 Cf. Jacques Petit, Notice [sur Le Mystère Frontenac], in : François Mauriac, Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Gallimard, Paris, 1979, p. 1 241.
188
commun et dans l’intérêt de la famille ». Yves, jaloux, souffre de l’attachement
de Jean-Louis pour Madeleine, sa femme, parce qu’une autre créature arrachait
le grand frère à sa vie habituelle, et que lui, Yves, n’était plus « seul à détenir
le pouvoir de l’enchanter ». Malgré cela, c’est toujours Jean-Louis qui propose à
Yves d’envoyer ses poèmes au Mercure de France, seulement la carrière littéraire,
rêve d’Yves, ne s’accomplit jamais : le poète en lui se voit condamné à l’échec.
Heureusement, pour les Frontenac qui échouent, ne pouvant mener à bien leur
tâche, il y a toujours la consolation à chercher dans ce mystère commun qui les
dépasse. Voyons Yves qui, après la mort de l’oncle Xavier, mène à Paris une vie
qui inquiète ses proches, bien qu’il y soit toujours un étranger parmi les gens qui
ignorent absolument d’où il vient: «Le mystère Frontenac, ils n’en soupçonnent pas
la grandeur », explique Yves à Jean-Louis. Là-bas, aucun secours ne lui semblait
venir de sa famille, tout ce qui subsistait du mystère Frontenac « ne lui arrivait
plus que comme les débris d’un irréparable naufrage ».
Ce n’est pas enfin un hasard si c’est par l’intermédiaire du personnage d’Yves,
qui peut passer pour un poète, que le mystère Frontenac est perçu dans le roman.
Yves est « celui qui ressemble le plus à l’auteur »14 . Dans ses hallucinations, il voit
sa mère morte, dont l’amour rayonnait autour de lui, au chevet de son lit, mais
elle ne pouvait pas lui parler. Si Yves est sauvé, c’est qu’il réussit à vaincre la crise
profonde grâce au « mystère Frontenac », tant à la présence (fictive) de sa mère
qu’à celle (réelle) de son frère. La crise d’Yves fait songer à son échec poétique,
mais on comprend que l’essence de celle-ci était en premier lieu sentimentale et
morale. Ici, le mystère Frontenac devient pour Yves une source de la force qui
donne le sens à sa vie. Souffrant et malade, il « éprouvait, avec bonheur, que plus
rien ne le concernait », comme « Jean-Louis arrangerait tout ». Le remède, selon
Jean-Louis, serait « [u]n foyer. . . une femme, d’autres enfants Frontenac », ce qui
semble promettre et assurer la continuation du mythe de famille. Il est vrai que
Jean-Louis aurait voulu surtout parler à son frère de Dieu, mais il « n’osa pas ».
L’auteur a mis en épigraphe de son roman les vers extraits d’un fragment
de Maurice Guérin, Glaucus 15 , où apparaissent les motifs de la nature. Le premier cahier du manuscrit porte sur la couverture : « FRONTENAC/L’Union des
branches ?/L’emmêlement des branches. Les branches confondues »16 . Dans l’imaginaire romanesque mauriacien, la tonalité spirituelle du récit est accompagnée des
thèmes de la nature. Le mythe personnel s’en voit chargé poétiquement : ce n’est
que dans cette perspective que l’aspect terrestre du mystère Frontenac fait songer
à une sorte de panthéisme familiale. L’atmosphère du roman où l’auteur a recréé
« l’enfance qui se croit éternelle » restitue « l’atmosphère végétale » de son enfance,
« l’allée du tour du parc à Saint-Symphorien, l’odeur de menthe et de térébenthine, les pins »17 . On y remarque l’idée de l’enracinement dans une terre où tout
14 Nelly
Cormeau, L’Art de François Mauriac, Grasset, Paris, 1951, p. 93.
de Guérin est un poète auquel Mauriac restera fidèle jusqu’au soir de sa vie (Yves
Leroux, « Les références poétiques dans Le Mystère Frontenac », Nouveaux Cahiers François
Mauriac, No 12, Grasset, Paris, 2004, p. 113).
16 Cf. Jacques Petit, Notes [sur Le Mystère Frontenac], in : François Mauriac, Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Gallimard, Paris, 1979, p. 1 245.
17 François Mauriac, « Préfaces », Le Mystère Frontenac (tome IV des Œuvres complètes,
1951), in : Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Appendice I, Gallimard, Paris, 1979,
pp. 885–886.
15 Maurice
189
porte la trace d’une indestructible permanence. Les « pins Frontenac » du Parc
meurent tous les ans, « [r]ongés comme des hommes », et la vie de « [l]’impossible
union des époux, des frères et des fils » est suivie de près par « les derniers pins
de Bourideys ». De façon analogue, au pays des Frontenac et des Péloueyre (une
branche de la famille), on trouve des « chênes nourris depuis l’avant-dernier siècle
des sucs les plus secrets de la lande ». Dans l’imagination d’Yves, c’est à leur ombre
qu’il faudrait « creuser une profonde fosse pour y entasser, pour y presser les uns
contre les autres, les corps des époux, des frères, des oncles, des fils Frontenac » qui
pourraient ainsi « se confondre à jamais dans cette terre adorée, dans ce néant ».
À Paris, Yves, malheureux et malade, se voyait « confondu avec le reste de la forêt
humaine ».
François Mauriac désigne le thème principal du Mystère Frontenac comme une
« illusion » qu’il a « dénoncée » dans le reste de son œuvre18 . En effet, dans d’autres
romans mauriaciens, les rapports entre les frères et les sœurs sont souvent associés aux problèmes amoureux ou même existentiels que ces personnages doivent
résoudre : qu’il suffise de citer May et Edward Dupont-Gunther (La Chair et le
Sang), Alain Forcas et sa sœur Tota (Les Anges noirs), Rose et Denis Révolou
(Les Chemins de la mer ) ou Louis et Michèle Pian (La Pharisienne). En tout cas,
le mystère Frontenac reste toujours un secret qui s’ouvre à plusieurs angles d’attaque. La polyvalence du terme rend bien compte de sa complexité qu’il n’est permis
de réduire ni à l’aspect purement matériel, ni à la dimension toute spirituelle. Ce
qui semble définir le mystère dans le roman en premier lieu, c’est le rapport qui
existe entre Yves et Jean-Louis : dans leur génération, ce sont ces deux frères-là qui
se voient appelés à (re)créer le mystère en le partageant et vivant pleinement.
Vědomí rodinného mýtu v Tajemství Frontenaků
od Françoise Mauriaka
Resumé
V Mauriakových románech hrají vztahy mezi jednotlivými členy rodiny významnou roli. „Tajemství Frontenaků
je osobní mýtus, kterým se vysvětluje hluboká
a trvalá sounáležitost rodiny, kterou si všichni její členové uvědomují. Nejde o zájmy
výhradně materiální, ani o věrnost hodnotám duchovním, pozemské a nadpřirozené
aspekty se naopak spojují v poetické vizi trvání rodu pevně zakořeněného v půdě.
Ve stávající generaci vytvářejí a udržují „tajemství
Frontenaků vdova Blanche
a její švagr Xavier, v další generaci pak bratři Jean-Louis a Yves, který je postavou
s výraznými autobiografickými rysy.
in : Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Appendice I, Gallimard, Paris, 1979, p. 885.
190
The Conscience of the Family Myth in The Frontenac Mystery by
François Mauriac
Summary
In Mauriac’s novels the relations existing between the different members of a
family play an important role. “The Frontenac mystery” is a personal myth which
explains a deep and perennial sentiment of solidarity of which all the protagonists
are well aware. The question is more than material interests only, more than their
common respect of spiritual values; it is the fact that terrestrial and supernatural
aspects join together in a poetic vision of the continuity of a family clan firmly
rooted in the land. In the contemporary generation the “mystery” of the Frontenacs
is created and retained by the widow Blanche and her brother-in-law Xavier, in the
coming generation by the brothers Jean-Louis and Yves, characters with clear-cut
autobioghraphic features.
Jiří Šrámek
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
191
Les mots en campagne : la présidentielle 2007
Jitka Uvírová
Introduction
Chaque campagne électorale, la présidentielle par excellence, est d’abord un ensemble de mots. Des mots qui aident les candidats à exprimer et défendre leurs idées et
projets, convaincre et séduire leur électorat potentiel, battre, discréditer, ridiculiser
et anéantir les adversaires. Pour les médias, les périodes pré-électorale, électorale
et post-électorale représentent une vraie récolte. Les candidats ont en effet besoin
d’être médiatiquement visibles, et ils sont parfaitement conscients du fait que les
médias ont une puissance phénoménale sur le monde et sur l’électorat. Une petite
phrase préméditée, lancée habilement au bon moment, peut rapporter plus qu’un
discours prononcé de la tribune. Une petite phrase qu’on laisse échapper imprudemment peut, au contraire, briser tous les espoirs électoraux. Mots-clés, petites
phrases anodines, slogans, déclarations, promesses-phares sont largement diffusés,
commentés, interprétés, analysés, contestés. Le discours électoral possède ses propres techniques de «gestion des foules1 ». Toute campagne électorale est génératrice
de langue de bois. On a l’habitude de juger négativement ce type de discours, on le
caractérise comme un assemblage de mots qui ne signifient rien, comme un discours
vide, sans pensée, qui cherche à tromper, comme un langage de clichés. Ce sont des
formules toutes faites, des collocations plus ou moins figées – quand on proclame
quelque chose, c’est haut et fort, on éprouve une fierté indicible (que l’on dit à ses
électeurs), la volonté de faire quelque chose est farouche, le désir est incontestable,
le choix réellement impératif, le projet porteur de véritables espoirs, l’aspiration à
quelque chose est plus que légitime etc. On cultive le pléonasme (actuellement en
cours, monopole exclusif ).
Juste après sa victoire, le nouveau président Sarkozy a fait savoir qu’il comptait
utiliser la dizaine de jours qui lui restait avant sa prise officielle de fonction, pour
se préparer à « habiter la fonction présidentielle, prendre la mesure de gravité des
charges qui pèsent sur mes épaules, prendre la distance nécessaire pour devenir
l’homme de la nation. » C’est un exemple excellent du discours institutionnel. La
traduction en tchèque serait un exercice plutôt difficile.
1 Semprun, J., Défense et illustration de la novlangue française, Éditions de l’Encyclopédie
des nuisances, Paris, 2005, p. 81.
193
En diplomatie, la langue de bois peut être utile – il s’agit d’un discours institutionnel, d’un outil qui facilite la description de la réalité – les mots adoucissent les
choses qu’ils qualifient. Comme le rappelle André Grjebine, « . . . les politiques ne
pourraient pas utiliser la langue de bois si elle n’était pas déjà diffuse dans l’ensemble de la société, se répandant tel un virus. Elle n’émane pas du politique, le
politique s’en sert. »2 Un autre aspect sociolinguistique est souligné par Grjebine :
« Il y a aussi une jouissance dans le conformisme. Haffner décrit très bien ce sentiment de camaraderie, de plaisir que l’on éprouve à marcher du même pas, à lancer
les mêmes slogans, à chanter ensemble. On se sent solidaire, on se sent porté.»3 Les
hommes (et les femmes) politiques en campagne cherchent à « se mettre en phase »
avec leurs électeurs potentiels. L’appel à l’identification est courant, il se manifeste
par des « Vous savez comme moi », « comme nous le savons tous », « Comme la
plupart d’entre vous, je considère que. . . » etc. Pour se rapprocher des électeurs,
on n’hésite pas à parler « branché » et « djeune »4 .
Conscients de l’étiquette péjorative qui colle à ce genre de discours, certains
politiques le dénoncent ouvertement et y renoncent publiquement – rappelons le
livre de Jean-François Copé « Promis, j’arrête la langue de bois »5 où l’ancien
ministre du Budget raconte sa traversée de quinquennat pour «établir un diagnostic
sans tabou de la France d’aujourd’hui. »
Les mots/phrases qui font du bruit
Déjà dans la période pré-électorale, Nicolas Sarkozy, alors ministre de l’Intérieur, a
suscité de vives émotions par ses propos jugés trop musclés, concernant l’affaire de
la Cité des 4 000 (l’expression contestée « nettoyer la Cité au Kärcher6 ») ainsi que
par le mot « racaille » lancé à la suite d’échauffourées à Argenteuil.7 Le leader du
Front National, Jean-Marie Le Pen, a repris le mot en parlant dans ses meetings
de la « racaille politicienne ».
Pourtant, à cette époque-là, M. Sarkozy caressait déjà le rêve d’être président.
On lui doit la locution exclusivement sarkozienne « faire président ». On rappelle
souvent sa réponse très directe en novembre 2003 à un journaliste qui lui demande,
sur le plateau de l’émission «Cent minutes pour convaincre», s’il pense à la fonction
présidentielle : M. Sarkozy répond « Pas seulement quand je me rase. »
Le nom de l’actuel président, M. Nicolas Sarkozy, malgré son origine hongroise8 ,
se prête facilement à la dérivation, à la troncation et à la composition : sarkozien, sarkozienne, sarkozyste, Sarkozie, Sarkoland, sarkozycratie, sarkoval, sarkos2 Grjebine, A., Zimra, G., « De la langue de bois au politiquement correct », Géopolitique,
Revue de l’Institut International de Géopolitique, No 89, Paris, 2005, p. 54.
3 Ibid.
4 Djeune, djeun – prononciation maghrébine ou anglo-saxonne de jeune.
5 Hachette, Paris, 2006.
6 Parfois, les mots reviennent comme un boomerang. Quand le socialiste Bernard Kouchner est
choisi pour participer au gouvernement Fillon, les médias constatent que Sarko veut nettoyer la
gauche au Kouchner, on parle de Kouchner comme d’un « dé-kärchérisant » ; voir par exemple Le
Canard enchaı̂né du 16 mai 2007 : « Sarko . . . pense s’en servir pour se dé-kärchériser l’image. »
7 On est allé jusqu’à considérer que ces mots auraient déclenché les émeutes des banlieues en
novembre 2005.
8 Nicolas Paul Stéphane Sarközy de Nagy-Bocsa est le fils d’un immigré hongrois arrivé en
France après la guerre.
194
tique, sarkophage, sarkothèque, sarkosettes, sarko-règne, Sarko, Sarkoléon9 , Sarkozyx. Le couple Cécilia – Nicolas Sarkozy est désigné par le mot-valise Césarkozy.10
Idem pour Ségolène Royal – Ségo, ségolénisme, ségolitude, Ségollande (le couple
«socialiste» Royal-Hollande, qui a annoncé sa rupture le soir électoral du deuxième
tour, le dimanche 17 juin 2007). Le candidat virtuel, hybride, idéal ( ?) « moitié X –
moitié Y» est désigné comme Ségolas, Sarkolène ou Ségozy, un mélange aventureux
de droite et de gauche.11
Ségolène Royal est considérée comme une «chauffeuse de meetings». Son slogan
«La France Présidente» a entamé une démasculinisation des hautes sphères de l’univers politique. Parmi les mots-clés de sa campagne, citons l’adjectif « participatif,
ve » – la méthode participative, la démocratie participative, le débat participatif, ce
dernier pouvant être considéré comme un non-sens sémantique puisqu’il est difficile
de s’imaginer un débat non-participatif. Dans les débats télévisuels, on a reproché
à la candidate socialiste de ne pas savoir quitter le registre « incantatoire » et de
« blairiser » son discours par des « donnant donnant » et des « gagnant gagnant »
(winner winner) trop fréquents.
A droite, Nicolas Sarkozy se distingue aussi par son discours – au risque de
choquer et de pourfendre les tabous.12 Il se forge une réputation d’homme d’action
pragmatique, se pose en homme fort. Sarkozy est considéré comme « un orfèvre
en matière de communication ».13 Il cherche la communication directe, parfois
même la confrontation. Il a lancé le concept de « rupture tranquille » en affirmant
que « rompre n’est pas la crise, je veux une rupture tranquille », ainsi que les
slogan-campagne et promesse-phare « Travailler plus pour gagner plus ». Il se veut
rassembleur (« Ensemble, tout devient possible »). Parmi d’autres mots-clés de la
campagne de droite, il faut citer confiance, respect, ouverture14 , diversité, travail,
mérite, sécurité, autorité, nation, identité nationale.
Au centre, François Bayrou s’est fait remarquer, entre autres, par sa déclaration
lancée à Paris-Bercy le 18 avril 2007 – « Il y a de la gauche, de la droite et du centre
9 On fait parfois le parallèle entre N. Sarkozy et le jeune Bonaparte (petite taille, grandes
ambitions). Certains commentaires remarquent néanmoins qu’il vaudrait mieux penser à Louis-Napoléon ; celui-ci a remporté une élection présidentielle selon les mêmes mécanismes que N. Sarkozy, les deux ont réussi à gagner à la fois la confiance du peuple et des riches.
10 Cf. Le couple Brad Pitt et Angelina Jolie – Brangelina.
11 Cf. d’autres présidentiables virtuels – Chiballa, Chirospin, Juppin ainsi que d’autres créatures
politiques hybrides – Pasquasconi, Musstler, Klauzeman, Grosšpidla. Voir Uvírová, J., « Mot-valise, mot promis pour le XXIe siècle », in : Díaz, M. L., López, M. M. (éds.), Perspectives
fonctionnelles : emprunts, économie et variation dans les langues, Actes du XXVIIIe Colloque
de la Société internationale de linguistique fonctionnelle, Lugo, Axac, 2006, pp. 225–228.
12 Avant que Sarkozy ne déclare officiellement sa candidature, certaines rumeurs affirmaient
que le candidat allait le faire depuis le Parc Astérix et faisaient un parallèle « gaulois » Astérix-Sarkozyx.
13 Voir l’article de Boissieu, L., Royer, S., « Le rêve abouti de Nicolas Sarkozy », La Croix-com
du 2 juin 2007.
14 Cette ouverture proclamée a vu sa première réalisation dans la nomination du socialiste Bernard Kouchner dans le gouvernement Fillon. « Le “French doctor” a cédé aux sirènes sarkozyennes
et accepté le Quai d’Orsay», annonce Libération du 16 mai 2007. Cf. aussi le gouvernement Fillon 2
« black-blanc-beur » avec Rachida Dati (beurette) et Rama Yade (Noire).
Une petite parenthèse à propos de Bernard Kouchner – rappelons sa réplique peu politiquement
correcte destinée à Jiří Dienstbier, alors rapporteur de l’ONU pour les droits de l’homme, lors
d’une conférence de presse à Pristina au Kosovo en 2000 : Fermez-la !
195
en moi.» Pour dénoncer un certaine complicité soupçonnée entre Nicolas Sarkozy et
Ségolène Royal, François Bayrou a eu recours à l’univers des fables de La Fontaine
en les traitant de « compère et commère ». Il veut « reconstruire la maison » et
parle de « révolution tranquille et paisible » (le 5 avril 2007).
Dans le feu de la campagne, on laisse parfois échapper un mot qui n’est pas
tout à fait conforme aux règles de la grammaire française. Ainsi, Ségolène Royal,
en voyage en Chine en mai 2007, a déclaré en présence des caméras du monde entier
qu’ « . . . un chinois qui vient sur la Grande muraille conquiert la bravitude ». Ce
lapsus morphologique a déclenché une vague de critiques et commentaires moqueurs
dans tous les médias15 ainsi qu’une marée de propositions néologiques sut le net : le
retournage à l’école, il va falloir un petit corrigeage, le rebondissage, le finançage,
il y a de la ruptitude dans l’air, quelle bravoure, les adeptes de la connitude en
puissance, l’extrême médiocritude, ségolénitude, bonne votitude à tout le monde.
Le présidentiable de la droite n’a pas échappé à ce genre d’expérience. Le
18 avril 2007, la radio France Inter recevait le candidat UMP. A la question de
la journaliste Hélène Jouan « Est-ce que vous craignez qu’il y ait un rendez-vous
manqué entre la France et cette campagne ? Est-ce que vous avez l’impression que
vous avez été au rendez-vous, que vous avez réussi à susciter le débat », Nicolas
Sarkozy a rétorqué, après une légère hésitation – le temps de chercher le mot sans
le trouver – « Hélène Jouan, ne me prêtez pas une telle fatitude. » Or le mot fatitude n’existe pas dans la langue française, c’est le mot fatuité 16 qu’il aurait fallu
employer. Le mot signifie la manière de se conduire du fat, celui qui est prétentieux, vaniteux, suffisant. Nous avons constaté que la liberté prise avec la langue
par Nicolas Sarkozy a été moins méchamment et moins largement commentée que
le lapsus de Madame Royal.
Le recours aux images
Le discours électoral est traditionnellement riche en expressions imagées, métaphores et jeux de mots. On se sert du vocabulaire «charnel» – désir, séduire, séduction,
céder aux sirènes sarkozyennes et du vocabulaire sportif – duel, duélistes, adversaires, meneurs de jeu, match, match nul dans tous les sens du terme, débat à
fleurets non mouchetés, débat à couteaux tirés, guetter le K.O., mettre quelqu’un
K.O. Le studio télé est comparé à un ring, le gouvernement Fillon est désigné
comme « le nouveau XV de France » ou comme « machine à tuer » sarkozyste17.
Dans les médias, on constate que «le torchon brûle entre sarkoziens et chiraquiens»
et que Ségolène Royal est une « croisée cathodique ». Tous les médias commentent
largement la remarque critique de M. Sarkozy à propos de l’énervement de Ségolène Royal lors du débat présidentiel le 2 mai – « Vous sortez de vos gonds avec
15 Même
sur Fox-News et CNN. Les politiciens du camp adverse se sont empressés de lancer
des commentaires du type « On savait que Madame Royal avait des lacunes [. . . ] en matière de
diplomatie, mais on ne s’imaginait pas qu’elle ait de belles carences de la langue française», aurait
lancé le député D. Paillé.
16 Voir Dauzat, A., Dubois, J., Mitterand, H., Nouveau dictionnaire étymologique et historique, Larousse, Paris, p. 298 ; Fat, 1 534, Rablais, noté comme languedocien ; XVIe siècle, « sot »
(encore au XVIIe siècle) ; XVIIe siècle, « vaniteux », mot provençal signifiant « sot », issu du latin
fatuus, fade, au sens figuré sot. Fatuité, 1355, Bersuire, “sottise” du latin fatuitas.
17 « Les autres membres de la machine à tuer sarkozyste sont. . . », L’Express du 22 mai 2007.
196
beaucoup de facilité ». On parle de « rouleau compresseur à droite et de rouleau
à pâtisserie à gauche ». François Fillon, en meeting à Nancy entre les deux tours
des élections législatives, le 11 juin 2007, estime que « la motrice de gauche est
tombée en panne en rase campagne ». TF1 constate que « Ségolène Royal a lancé
son pavé dans la mare ». François Hollande prévient les électeurs qu’il y a « des
majorités écrasantes qui écrasent », J.-M. Le Pen suppose que Nicolas Sarkozy « ne
pourra pas se dégager des menottes européennes », les candidats « ne veulent pas
rouvrir les plaies du référendum de 2005 ». On joue avec la langue – rappelons le
slogan de José Bové « Osez Bové » ainsi que la question posée sur France 2 après la
nomination de Bernard Kouchner au Quai d’Orsay – « Monsieur Kouchner va-t-il
se coucher ? »
Après le premier tour des élections législatives, considérées comme une sorte de
validation de la présidentielle (le slogan-campagne « Ensemble pour une majorité
présidentielle »), les titres à la une de journaux se font bleus : La vague bleue, Bleu
foncé, L’horizon bleu, Bleu – blanc – bleu, les journalistes parlent du petit ı̂lot rouge
dans une mer bleue, d’un petit poisson rouge dans une mer bleue, on évoque La
Déferlante, La Déferlante Sarkozy, le ressac de la vague bleue, le tsunami bleu, le
tsunami UMP, le tsunami électoral, on émet un avis de tsunami. Après le deuxième
tour des législatives, Delaunay met Juppé K.O., le peuple corrige le tir, la droite
prend une gauche, le temps des vieux éléphants est passé, le temps (enthousiasmant)
des jeunes lions (rugissants) est venu et le bleu change d’intensité – Bleu oui, mais
bleu clair.
Conclusion
Dans une campagne électorale, beaucoup de mots sont lancés. Les mots, ainsi que
les politiciens, « battent la campagne ». Pour exposer leurs projets, les candidats et
les partis se servent du discours institutionnel, stéréotypé (la langue de bois) ; en
même temps, ils cherchent à dépoussiérer ce discours traditionnel de ses routines, à
surprendre, attirer l’attention par un mot ou une expression inattendus et insolites.
Parfois ils y arrivent inconsciemment, sans le vouloir (la bravitude de Madame
Royal, la fatitude de M. Sarkozy). Certains hommes politiques font du jeunisme
en employant la langue « djeune » (M. Besancenot). En France, l’international est
probablement peu rentable électoralement.18 Les prestations verbales pendant la
campagne représentent un verbiage fascinant, parfois ridicule, intéressant et digne
de commentaires. Une chose est sûre : les affrontements électoraux redonnent du
goût à la politique et à la langue.
BIBLIOGRAPHIE
Grjebine, A., Zimra, G. : « De la langue de bois au politiquement correct : Un
dialogue », Géopolitique, Revue de l’Institut International de Géopolitique,
no 89, 2005, pp. 52–57.
Semprun, J. : Défense et illustration de la novlangue française. Éditions de l’Encyclopédie des nuisances, Paris, 2005.
18 Ce n’est qu’après l’élection que le président Sarkozy affirme que « toute ma vie j’ai été européen, je crois en la construction européenne et ce soir la France est de retour en Europe. »
197
Uvírová, J.: «Le “politiquement correct”, la langue de bois – des langues “étrangères” à traduire ? », in : Míča, S., Zámec, R., (éds.), Grandeur et décadence
de la parole au XXIe siècle, Romanica Olomucensia XVIII, Grandeur et
décadence de la parole au XXIe siècle/Grandeza y decadencia de la palabra
en el siglo XXI, UP Olomouc, Olomouc 2007, pp. 305–315.
Slova v kampani – prezidentské volby 2007
Resumé
Příspěvek si všímá charakteristických rysů jazyka prezidentské kampaně 2007 ve
Francii. Zaměřuje se na klíčová slova kandidátů pravice, levice a středu politického
spektra, všímá si jazykových lapsů a následných mediálních reakcí. Předvolební
rétorika se vyznačuje dvěma protichůdnými tendencemi: stereotypností a užíváním
ustálených klišé na straně jedné, snahou o neotřelost výrazu a jazykovou invencí
na straně druhé. Některé neologismy se staly doslova mediální událostí.
Words in the Campaign – Presidential Elections 2007
Summary
The paper deals with characteristic features of the language of the Presidential
Election Campaign in France in 2007. It focuses on key words of candidates on the
left and on the right, as well as in the centre of the political spectrum, and investigates their language lapses and the consequent media response. The pre-election
rhetoric is characterized by two antagonistic features: on one hand by stereotypes
and clichés in language expressions and on the other hand by the obvious aspirations of candidates to use original or unusual language resources. Some neologisms
have been presented in the media as political events.
Jitka Uvírová
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
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L’apprenti et son maı̂tre – Anouilh et Giraudoux∗
Marie Voždová
« Heureux les jeunes gens qui ont eu des maı̂tres !
Heureux les garçons tremblants qui allèrent tirer des cordons de sonnette et recevoir, rouges,
la bonne parole de l’homme qu’ils admiraient ! »1
Jean Anouilh avait subi dans sa création dramatique l’influence de ses nombreux
précurseurs, grands hommes de théâtre des siècles précédents, mais aussi de ses
presque contemporains. Le grand dramaturge et l’emblème du théâtre était pour lui
Molière surtout, il appréciait beaucoup Shakespeare, Marivaux, Musset et Feydeau.
« J’ai grandi sans maı̂tres et vers 1928 je portais bien Claudel dans mon cœur,
Pirandello et Shaw écornés dans mes poches, mais pourtant, j’étais seul. Seul,
avec cette angoisse d’avoir bientôt vingt ans, cet amour du théâtre et toute cette
maladresse. Qui me dirait le secret dans ces temps où l’on ne jouait que des pièces
bien faites ? Musset, Marivaux mille fois relus ? Ils étaient trop loin »,2 écrit-il
en se souvenant de l’angoisse de ses débuts de dramaturge. Dans cette période
difficile d’errance et d’incertitude, c’est la rencontre décisive avec l’œuvre de Jean
Giraudoux, et notamment Siegfried, qui l’a marqué.
Jean Giraudoux représentait à l’époque un dramaturge officiellement apprécié,
ses pièces étaient jouées au Théâtre des Champs-Elysées par son directeur Louis
Jouvet. Jouvet a amené à la scène ses œuvres Siegfried, Judith et Intermezzo.
Siegfried a été créé par Louis Jouvet à la Comédie des Champs-Elysées en 1928.3
Dans son Hommage à Giraudoux, publié après la mort de l’auteur en 1944, se
souvenant du soir de Siegfried, Anouilh écrit : « Cher Giraudoux, qui vous dira
maintenant, puisque je n‘ai jamais osé ou voulu vous le dire, de quelles étranges
rencontres du désespoir et de la joie la plus dure, de l‘orgueil et de la plus tendre
∗ Les recherches pour cet article ont été effectuées grâce à un soutien financier inscrit dans le
cadre du projet scientifique MSM6198959211 La pluralité de la culture et de la démocratie.
1 Anouilh, J., « Hommage à Giraudoux », in : En marge du théâtre, Paris, La Table Ronde,
p. 29. Textes réunis et annotés par Efrin Knight.
2 Ibid., p. 30.
3 Giraudoux, J., « Siegfried », in : Théâtre complet, Paris, La pochothèque, 1991. Edition
établie, présentée et annotée par Guy Teissier. Préface de Jean-Pierre Giraudoux.
199
humilité, ce petit jeune homme qui dégringolait du poulailler de la Comédie des
Champs-Elysées était le lieu. »4 De cette « rencontre » avec le théâtre littéraire et
avec la dramaturgie de rêves giralduciens est né le style d’Anouilh, finalement si
différent de celui de Giraudoux, mais réalisant comme celui du maı̂tre l’équilibre
entre le français parlé et le langage poétique.
Anouilh, frappé par la force poétique du théâtre giralducien, ressent le « souffle
de liberté et de poésie »5 de son maı̂tre. De même, il s’inspire du motif d’un jeune homme devenu amnésique suite à une blessure de guerre, le motif central de
Siegfried, dans son Voyageur sans bagage.6 Avec cette pièce Anouilh a créé une
œuvre neuve et originale, même si certains critiques parlent d’un simple remake de
Siegfried7 . Dans toute l’œuvre d’Anouilh on ne trouve pas comme chez Giraudoux
de situations poétiques. A l’exception peut-être de sa pièce Léocadia,8 qui est écrite
«à la manière Giraudoux» mais qui est pour Anouilh assez atypique. Il s’agit d’une
situation purement poétique: un jeune prince, héros principal, est tellement troublé
par la mort de son amour que sa tante, pour le soulager, achète la propriété où
les deux amants d’autrefois s’étaient rencontrés et engage les gens (chauffeur de
taxi, vendeur de glace etc.) pour recréer le décor d’autrefois, et notamment la jeune Amanda, pour incarner Léocadia, l’amour défunt du prince. Cette pièce unique
dans l’ensemble de l’œuvre anouilhienne qui représente un théâtre poétique situé
aux antipodes du réalisme, compte pourtant parmi les plus grandes réussites de la
période anouilhienne d’avant-guerre.9
Le reflet de l’influence de Giraudoux sur l’œuvre d’Anouilh est visible aussi
dans le choix anouilhien des thèmes de l’Antiquité orientés vers l’époque actuelle,
comme c’est par exemple le cas de la célèbre Antigone.10 Les auteurs des études
sur Giraudoux relèvent aussi des motifs giralduciens qui ont eu un écho chez les
jeunes écrivains de l’époque, comme celui du refus d’un bonheur lâche. Ainsi la
réplique d’Isabelle de l’Intermezzo : Sauvez-moi du bonheur, si vous le jugez si
méprisable !, influence probablement d’après René Marill Albérès « des auteurs
contemporains comme M. Anouilh ou M. Sartre»11 dans leurs œuvres Les Mouches
et Antigone. Le même auteur en parlant de l’évolution des thèmes giralduciens
rappelle le cas de sa dernière tragédie Pour Lucrèce où dans les problèmes de
couple n’interviennent plus les dieux et où il est uniquement question du conflit
entre les hommes : « On croirait presque la pièce inspirée par Jean Anouilh, tant on
y retrouve son thème essentiel, mais n’est-ce pas l’aboutissement de cette précision
et de cette humanisation des thèmes de Giraudoux dont on peut suivre le lent
cheminement ? »12 Il est fort intéressant que l’auteur suggère l’image de l’influence
renversée entre les deux dramaturges et qu’il donne ainsi naissance non seulement
4 Anouilh,
5 Anouilh,
J., « Hommage à Giraudoux », op. cit., p. 30.
J., « La Valse des toréadors ? Que voilà une bonne pièce », in : En marge du théâtre,
op. cit., p. 48.
6 Anouilh, J., « Le Voyageur sans bagage », in : Pièces noires, Paris, La Table Ronde, 1942.
7 Body, J., Jean Giraudoux, Paris, Gallimard, 2004, p. 552.
8 Anouilh, J., « Léocadia», in: Pièces roses, Paris, La Table Ronde, 1942. Pour la première fois
jouée le 5 novembre 1940, au Théâtre de la Michodière, dans la mise en scène d’André Barsacq.
9 Cf. Mercier, Christophe, Pour saluer Anouilh, Paris, Bartillat, 1995, pp. 139, 140.
10 Anouilh, J., « Antigone », in : Nouvelles Pièces noires, Paris, La Table Ronde, 1946.
11 Albérès, R.-M., Esthétique et morale chez Jean Giraudoux, Paris, Nizet, 1970, p. 410.
12 Ibid., pp. 455–456.
200
à l’idée qu’il s’agit de l’aboutissement de l’évolution giralducienne, mais aussi à
celle que l’œuvre anouilhienne se fait le prolongement et le perfectionnement mûri
des thèmes giralduciens.
Quant à une rencontre réelle entre Anouilh et Giraudoux, on n’en a aucun témoignage. Jacques Body, dans son étude consacrée à Jean Giraudoux, rappelle que
pendant le séjour de Giraudoux à l’hôtel Continental en tant que chargé du service de l’information à l’étranger, l’auteur « reçoit une lettre d’admiration éperdue
de Jean Anouilh encore bouleversé par le troisième acte d’Ondine. »13 Anouilh,
à son tour, devait sans doute rencontrer Giraudoux pendant des manifestations
culturelles officielles, n’étant pour le grand dramaturge qu’un écrivain débutant
parmi beaucoup d’autres. Mais chaque opportunité de partager la présence de son
maı̂tre représentait pour lui une fête. Ainsi, à l’occasion d’un dı̂ner d’écrivains en
1939, Anouilh note : « Rien n’est plus vain qu’un dı̂ner d’écrivains, mais j’eus
ainsi la chance d’y rencontrer Jean Giraudoux ».14 En réalité, Anouilh n’a jamais
osé approcher Giraudoux et lui adresser la parole. Pourtant, il en a eu une fois
bien la possibilité, s’étant retrouvé dans le même restaurant à une table voisine de
celle de Giraudoux qui y était seul. Dans les souvenirs anouilhiens nous trouvons
la preuve qu’il a retenu et sait citer par cœur les circonstances de ce moment de
l’hiver 1943 : « Je suis heureux du moins qu’à la fin de ce dı̂ner, l’hiver dernier,
où, pour la première fois, je vous ai vu plus de cinq minutes et où je ne vous ai
encore rien dit, j’ai été prendre votre pardessus et je vous ai aidé à le mettre. C’est
un geste que je ne fais jamais et je me suis surpris à le faire et à remonter votre
col pour que vous ayez plus chaud. Puis cette familiarité venue on ne sait d’où me
gêna soudain et je vous quittai. . . Mais je suis heureux maintenant de vous avoir
servi, au moins une fois, comme les écoliers jadis servaient leurs maı̂tres, en échange
du Siegfried. »15 L’aveu anouilhien dévoile combien l’auteur appréciait, et presque
tendrement aimait celui dont l’art restait pour lui un critère de qualité suprême.
Dans sa Lettre à une jeune fille qui veut faire du théâtre, Anouilh raconte une
anecdote amusante concernant une dame américaine qui avait vu à New York
la représentation d’Ondine et l’avait félicité pour sa plus belle pièce. La lettre
contenait le coupon international de réponse et l’auteur avouait : « Je voudrais
tant que ce soit vrai, cher Giraudoux – doux prince endormi – que je sens, que
je ne lui répondrai jamais. . . »16 En 1982, année du centenaire de Giraudoux, les
Amis de Jean Giraudoux ont invité Anouilh au colloque à Limoges. Anouilh, âgé de
soixante-douze ans, s’est excusé de son mauvais état de santé et a envoyé la lettre
suivante où il écrit : « Je dois beaucoup à Giraudoux. J’avais 18 ans au temps de
Siegfried et ce que j’y ai appris, les trois soirs ou je suis allé voir la pièce, – je le sais
encore presque par cœur, avec le ton exact de chaque acteur –, a été capital pour
moi. »17 Puis il explique encore ne vouloir aucunement participer à des cérémonies
de cet ordre car il se sent être « un homme de lettres honteux et indigne ».18 Tel est
13 Body,
J., Jean Giraudoux, op. cit., p. 697.
J., La vicomtesse d’Eristal n’a pas reçu son balai mécanique. Souvenirs d’un jeune
homme, Paris, La Table Ronde, p. 147.
15 Anouilh, J., « Hommage à Giraudoux », op. cit., p. 32.
16 Anouilh, J., « Lettre à une jeune fille qui veut faire du théâtre », in : En marge du théâtre,
op. cit., p. 61.
17 Body, J., Jean Giraudoux, op. cit., p. 877.
18 Ibid.
14 Anouilh,
201
le respect profond qu’il a eu toute sa vie, alors qu’il était déjà un auteur à succès,
pour Giraudoux.
Tout en admirant son maı̂tre, Anouilh s’est néanmoins aperçu que son influence
sur la jeune génération avait pu aussi causer des troubles négatifs involontaires, car
tous les jeunes auteurs ont eu la tentation d’essayer d’écrire comme Giraudoux,
à sa manière : « S’il donnait ses deux pièces aujourd’hui, écrites différemment –
puisque l’ombre légère de Giraudoux ne pèse plus, de son poids ailé, sur la jeune
génération –, on serait certes en droit d’attendre beaucoup de lui. »19 , écrit-il en
1964 dans la préface pour l’édition des œuvres dramatiques d’un de ses contemporains, dramaturge, romancier, poète, traducteur et chroniqueur de théâtre Robert
Brasillach.
Dans la vie de Giraudoux et aussi dans celle d’Anouilh, un rôle important a
été joué par Louis Jouvet, directeur du Théâtre des Champs-Elysées et acteur
très doué20 . Malheureusement, c’est aussi sa personne, qui au lieu de servir de trait
d’union, a creusé en réalité, d’une certaine façon une abı̂me entre Anouilh et Giraudoux, plus précisément entre Anouilh et la mise en scène des pièces giralduciennes.
Jean Anouilh a fait la connaissance de Jouvet en tant que son secrétaire. L’ancien
secrétaire de la Comédie des Champs-Elysées, Georges Neveux, partant travailler
comme scénariste à la Metro Goldwyn Mayer, l’avait recommandé comme son successeur. Le travail d’Anouilh consistait surtout à lire des manuscrits et en ajouter
des notes d’évaluation, puis à composer la salle aux moments des générales.21 En
tant que son chef, Jouvet avait promis au jeune auteur de monter son Voyageur
sans bagage, Anouilh a attendu un an pour enfin apprendre que Jouvet, sans lui
en avoir dit un mot, avait choisi, au lieu de sa pièce, le Château de Cartes de
Stève Passeur. Anouilh, furieux, a apporté son texte au metteur en scène Georges
Pitoëff. Celui-ci a commencé les répétitions au Théâtre des Mathurins quinze jours
plus tard et a joué la pièce avec sa compagnie avec grand succès. Jouvet n’aimait
pas du tout Pitoëff, Anouilh se souvient de ses mots « Je n’aime l’Arménien que
massacré ».22 De même, plusieurs autres lui ont reproché son accent russe et le
fait d’oser interpréter des personnages de l’histoire française avec cet accent étranger. (Pourtant il s’agissait d’un aristocrate arménien très cultivé qui avait fait ses
études à Saint-Pétersbourg.) Anouilh n’aimait pas Jouvet pour diverses raisons.
Qu’il n’estimait pas ses pièces, c’était la moindre chose. Avec amertume il suivait
sa tournée de propagande en Amérique du Sud « où il était parti pour six mois
avec l’argent du gouvernement de Vichy et où il était resté deux ans – ce qui lui
valut d’être sacré « grand résistant », l’absence était alors un titre de noblesse.23 »
Comme c’était le même Jouvet, qui montait des pièces de Giraudoux et comme
Anouilh ne pouvait plus aller voir les pièces giralduciennes mises en scène par cet
homme, il est devenu lecteur de Giraudoux. Ce n’est qu’à la mort de Jouvet qu’il
l’a pardonné.
19 Anouilh, J., « Œuvre théâtrale de Robert Brasillach », in : En marge du théâtre, op. cit.,
p. 261.
20 A ce propos consulter Brasillach, Robert, Animateurs de théâtre, Baty, Copeau, Dullin,
Pitoëff. Préface de Chantal Meyer-Plantureux, Bruxelles, Editions Complexe, 2003.
21 Anouilh, J., La vicomtesse d’Eristal, op. cit., pp. 27, 28.
22 Ibid., p. 35.
23 Ibid., p. 34.
202
Il y a entre Anouilh et Giraudoux entre autres une différence d’âge, de génération, de situation sociale et surtout de philosophie de la vie. Vingt-huit ans séparent Jean Giraudoux de Jean Anouilh24 . Giraudoux a trouvé harmonie, équilibre et
bonheur dans sa famille riche et assez noble et puis dans son mariage avec Suzanne.
Anouilh, fils d’une pianiste et d’un couturier, se croyant bâtard d’un noble, portait
en soi, et pour toujours, la haine amère des pauvres. Jeune auteur de théâtre, il
a connu avec sa première femme actrice Monelle Valentin et sa fille Catherine la
misère quotidienne. A cette époque-là on lui avait même par pitié permis de choisir
parmi les vieux meubles-décors du théâtre pour équiper son pauvre foyer familial.
Anouilh a préféré prendre quelques pièces de Siegfried (sic !), mais quelque temps
après, Louis Jouvet a décidé de reprendre la pièce et a envoyé des machinistes chez
Anouilh pour récupérer ses meubles.25
Les deux auteurs se sont montrés très différents quant à leurs activités publiques
pendant les conflits de guerre. Jean Giraudoux est devenu le symbole du fils de la
patrie, qui lutte pour sa liberté et ne la quitte jamais. Il a participé en tant que
sergent aux batailles de la Première Guerre mondiale, a été deux fois blessé, malade,
puis chargé de mission à l’étranger. Au début de la Seconde Guerre mondiale il est
devenu commissaire à l’Information, après la défaite parti à la retraite. La guerre
commencée, Anouilh à son tour, en tant que reformé temporaire, a été appelé vers
sa garnison d’Auxerre, mais il n’a vécu en réalité qu’une journée et une nuit de
guerre, devenu ensuite prisonnier avant d’être en tant que civil relâché. Giraudoux
est mort en janvier 1944 sans avoir pu assister à la Libération. La guerre finie, le
processus d’épuration a commencé. Robert Brasillach a été condamné et fusillé pour
sa collaboration avec les nazis. Anouilh s’est prononcé contre cette punition. (On
peut juste se demander ce qu’aurait fait Giraudoux, s’il avait été encore vivant.)
Parmi les papiers de Brasillach a été retrouvée entre autres une lettre non datée,
où Anouilh l’avait remercié pour une certaine somme d’argent. En réalité il n’avait
rencontré Brasillach que deux fois avant la guerre, au théâtre, dans les coulisses chez
Pitoëff, puis pendant ce dı̂ner d’écrivains. Il lui avait donné à publier pour sa revue
Je suis partout sa pièce Léocadia (qui est enfin parue en 1940 dans cinq numéros,
un tableau par semaine), et l’avait remercié par écrit pour l’argent obtenu.26 Cette
lettre ainsi que sa protestation pacifiste contre les peines de mort lui valurent auprès
de certains « patriotes » l’étiquette de partisan des collaborateurs avec le nazisme.
La preuve de cette sympathie devrait être la représentation d’Antigone réalisée
pendant l’occupation. (Mais ses adversaires ont oublié que l’on avait joué aussi
d’autres pièces, parmi elles celle de Giraudoux.27 )
24 Jean Giraudoux (29/10/1882 Bellac – 31/1/1944 Paris), Jean Anouilh (23/6/1910 Bordeaux–
3/10/1987 Lausanne). Cité d’après le dictionnaire Slovník francouzsky píšících spisovatelů, Praha,
Libri, 2002, pp. 75–76, 318–319.
25 Anouilh, J., La vicomtesse d’Eristal, op. cit., p. 103.
26 Ibid., pp. 147, 149, 178–179.
27 «Malgré la présence des Allemands, l’année 1943 offrait une saison de théâtre brillante avec Le
soulier de Satin de Claudel, Antigone de Jean Anouilh, Les Mouches de Sartre et La reine Morte
de Montherlant, » écrit Agnès G. Raymond en analysant les circonstances politiques liées à la
première de Sodome et Gomorrhe, le 11 octobre 1943 au Théâtre Hébertot en pleine occupation
allemande. (Raymond, A. G., Giraudoux devant la victoire et la défaite. Une interprétation
politique de sa pensée après les deux guerres, Paris, Nizet, 1963, p. 113.)
203
Anouilh n’a jamais pu pardonner à son pays la punition de Brasillach et les
attaques contre sa personne. A la différence de Giraudoux à jamais lié à sa patrie
pour la vie et pour la mort, lui-même, plein d’amertume, s’est décidé en 1947 à
quitter la France pour s’installer en Suisse, qu’il croyait plus libre et moins hypocrite. Est-ce alors par hasard que les pièces de Giraudoux restent toujours pleines
d’espoir, sublimes et poétiques et que celles d’Anouilh perdent petit à petit leurs
enthousiasme et poésie, pour adopter un autre timbre, basé sur une vision cynique
de l’homme qui trouve son expression dans le rire noir, amer et grinçant ?
Par son œuvre théâtrale, l’apprenti Anouilh, qui avait voulu et essayé d’être
comme son maı̂tre, prouve que le fait de se détacher du modèle inimitable de
Giraudoux et de construire sur les fondations bien solides de son maı̂tre sa propre
esthétique et un univers théâtral original, (mais qui pourtant cache toujours en soi
des traces de l’influence giralducienne), était un choix heureux. Ainsi, Giraudoux
et Anouilh trouvent jusqu’à nos jours chacun son spectateur et lecteur. Le maı̂tre
reste toujours plus apprécié en France. En revanche, son apprenti récolte le succès
surtout à l’étranger.
BIBLIOGRAPHIE
Albérès, R.-M. : Esthétique et morale chez Jean Giraudoux, Paris, Nizet, 1970.
Anouilh, J. : « Antigone », in : Nouvelles Pièces noires, Paris, La Table Ronde,
1946.
Anouilh, J. : En marge du théâtre, Paris, La Table Ronde, 2000. Textes réunis et
annotés par Efrin Knight.
Anouilh, J. : « Léocadia », in : Pièces roses, Paris, La Table Ronde, 1942.
Anouilh, J. : La Vicomtesse d’Eristal n’a pas reçu son balai mécanique. Souvenirs
d’un jeune homme, Paris, La Table Ronde, 1987.
Anouilh, J. : « Le Voyageur sans bagage », in : Pièces noires, Paris, La Table
Ronde, 1942.
Body, J. : Jean Giraudoux, Paris, Gallimard, 2004.
Brasillach, R. : Animateurs de théâtre. Baty, Copeau, Dullin, Jouvet, les Pitoëff,
Editions Complexe, Bruxelles, 2003, Préface de Chantal Meyer Plantureux.
Fryčer, J. a kol. : Slovník francouzsky píšících spisovatelů, Praha, Libri, 2002.
Giraudoux, J.: Lettres à Suzanne I 1913–1915. Cahiers Jean Giraudoux 31, Paris,
Grasset, 2003. Texte établi et annoté par Brett Dawson. Introduction de Guy
Teissier.
Giraudoux, J. : « Siegfried », in : Théâtre complet, Paris, La pochothèque, 1991.
Edition établie, présentée et annotée par Guy Teissier. Préface de JeanPierre Giraudoux.
Mercier, Ch. : Pour saluer Anouilh, Paris, Bartillat, 1995.
Raymond, A. G. : Giraudoux devant la victoire et la défaite. Une interprétation
politique de sa pensée après les deux guerres, Paris, Nizet, 1963.
204
Učedník a jeho mistr – Anouilh a Giraudoux
Resumé
Jean Giraudoux do značné míry ovlivnil svou divadelní a románovou tvorbou
snad všechny začínající francouzské autory první poloviny dvacátého století, nejvíce
však Jeana Anouilhe, který nalézal inspiraci v jeho poetickém divadle. Giraudoux
představoval pro začínajícího Anouilhe ideál, ke kterému se chtěl přiblížit. Přestože
se Anouilh svou pozdější zcela originální zralou tvorbou velmi vzdálil od giraudouxova poetického stylu, stopy jeho rukopisu lze stále v některých hrách rozeznat.
Článek za pomoci dochovaných dokumentů a v kontextu dobových událostí přibližuje vztah začínajícího dramatika Jeana Anouilhe k mistru pařížské divadelní
scény Théâtre des Champs-Elysées Jeanu Giraudouxovi.
The Apprentice and His Master – Anouilh and Giraudoux
Summary
To a large extent, Jean Giraudoux probably influenced, by his plays and novels,
all the French authors who began writing in the first half of the 20th century.
However, Jean Anouilh was influenced the most among them. He was inspired
by his poetic theatre. For the young Anouilh, Giraudoux represented an ideal to
whom he wanted to get as close as possible. Despite the fact that in his later,
entirely original works, Anouilh moved far from Giraudoux’ poetic style, the traces
of this inspiration may still be recognized in his plays. Using preserved documents
and in the context of contemporary events, the paper describes the relationship
of the tyro playwright Jean Anouilh towards Jean Giraudoux, the master of the
Parisian theatre scene of the Théâtre des Champs-Élysées.
Marie Voždová
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
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205
El reciente desarrollo en las políticas lingüísticas
en Paraguay∗
Lenka Zajícová
En el presente texto quisiéramos exponer el proceso que ha transcurrido recientemente en Paraguay en ámbito de las políticas lingüísticas. Antes de pasar
a este tema central, quisiéramos volver a mencionar algunos datos bien conocidos
por todos los que están familiarizados con la situación lingüística de Paraguay. Sin
embargo, como consideramos estos datos imprescindibles para situarnos adecuadamente en la cuestión, no quisiéramos excluir otros lectores omitiéndolos.
Situación lingüística de Paraguay
El guaraní paraguayo es la única lengua de origen americano que es mayoritaria
en un país y que, a pesar de ser de origen indígena, no es hablada por indígenas.
Eso le otorga un estatus diferente a otras lenguas amerindias. Aunque el guaraní no
puede considerarse minoritario, por lo menos desde el punto de vista del número de
hablantes, sí tiene que enfrentarse con el estatus más prestigioso del castellano. Si
miramos los resultados del último censo nacional de 2002, el conocimiento lingüístico de la población paraguaya es el siguiente: los que hablan el guaraní alcanzan
el 86,6 por ciento de la población de 5 años y más, frente al 69,6 por ciento que
hablan el castellano.1
Las otras lenguas indígenas —el último censo reconoce 20 idiomas diferentes,
pero sería más apropiado considerar dialectos algunos de ellos, como por ejemplo
ybytoso y tomarahõ que son, según nuestra opinión, dialectos de una única lengua
yshyr—, son habladas por un mero 1,3 por ciento de la población de 5 años y
∗ Este artículo fue preparado en el marco del proyecto apoyado por la Academia de Ciencias de
la República Checa núm. KJB901380702 El contacto lingüístico entre español, guaraní y checo
en Paraguay.
1 Se trata de la información obtenida en respuesta a la pregunta «¿Qué idiomas o lenguas
habla?», «Cuadro P09: Paraguay: Población de 5 años y más de edad por área urbana-rural
y sexo, según idioma/s que hablan las personas, 2002», en: Dirección General de Estadística,
Encuestas y Censos: Paraguay: Resultados Finales Censo Nacional de Población y Viviendas:
Año 2002 – Total País, pág. 123.
207
más (los indígenas alcanzan un 1,7 por ciento de la población total).2 Además de
éstas, hay otras lenguas que sirven como instrumento de comunicación en varias
comunidades de inmigrantes en Paraguay, como por ejemplo el portugués y el
alemán.
Además, los resultados de otra pregunta del Censo 2002 revelan que hay un
59,0 por ciento de hogares que prefieren comunicarse en guaraní (en los que vive
un 61,3 por ciento de la población), un 35,8 por ciento que prefieren hacerlo en
castellano (un 34,1 por ciento de la población) y un 5,2 por ciento (un 4,7 por
ciento de la población) que se comunican en alguna otra lengua, sea indígena, sea
de inmigrantes.3
A pesar de que el guaraní es la lengua mayoritaria en Paraguay, como acabamos
de ver, el estatus prestigioso del castellano sigue siendo una amenaza para el futuro
del guaraní.
Legislación acerca del guaraní
En los últimos meses ha habido mucho movimiento en el área de las políticas
lingüísticas en Paraguay. Para comprender mejor este proceso, vamos a repasar
primero los antecedentes a nivel legislativo.
Una de las primeras peticiones expresas de la oficialización guaraní es la que
hace el II Congreso Internacional de la Lengua y Cultura Guaraní-Tupí que se
celebró en Asunción en 1956. Sus resoluciones tienen sobre todo carácter político y
la recomendación más ambiciosa pide que «el Paraguay sea declarado oficialmente
país bilingüe y que al guaraní se le reconozca igual estatus jurídico que al español».4
Aparte de eso, recomienda la incorporación del guaraní en todos los niveles del
sistema educativo, de forma diversificada: que la alfabetización se haga a partir del
guaraní y que el guaraní sea incluido como asignatura obligatoria en el programa de
la formación de profesores y en algunas carreras universitarias, como Humanidades,
Medicina, Derecho.5
Fue una petición revolucionaria que no se vio cumplida hasta 1992, pero ciertamente ayudó a la definición del guaraní en la Constitución Nacional de 1967
que significó un cambio importante en cuanto a la actitud del Estado respecto al
guaraní a pesar de que le concedía mucho menos de lo que había sugerido aquel congreso. La Constitución de 1967 proclama el guaraní lengua nacional —el castellano
sigue la única lengua de uso oficial— y promete proteger el guaraní y promover «su
enseñanza, evolución y perfeccionamiento» como un patrimonio cultural.6
Finalmente, la Constitución de 1992 proclama el guaraní lengua co-oficial e instituye la enseñanza bilingüe partiendo de la lengua materna del educando. Además
enuncia que la ley establecerá las modalidades de utilización de ambos idiomas:
2 «2.
Diagnóstico socio-demográfico», en: íbid., págs. 23 y 59.
V15: Paraguay: Hogares por tipo, según área urbana-rural y sexo e idioma del hogar,
2002», en: íbid., pág. 263.
4 II Congreso Internacional de la Lengua y Cultura guaraní-tupí, «Resoluciones y Recomendaciones», Boletín de Filología 7, núm. 52–53–54, pág. 680.
5 Íbid., pág. 681.
6 Constitución de la República del Paraguay (1967), págs. 6 y 20.
3 «Cuadro
208
§ 77 De la enseñanza en lengua materna
La enseñanza en los comienzos del proceso escolar se realizará en la lengua oficial
materna del educando. Se instruirá asimismo en el conocimiento y en el empleo de
ambos idiomas oficiales de la República.
En el caso de las minorías étnicas cuya lengua materna no sea el guaraní, se podrá
elegir uno de los dos idiomas oficiales.
§ 140 De los idiomas
El Paraguay es un país pluricultural y bilingüe. Son idiomas oficiales el castellano y el
guaraní. La ley establecerá las modalidades de utilización de uno y otro. Las lenguas
indígenas, y las de otras minorías, forman parte del patrimonio cultural de la Nación.7
Lo significativo es que hoy, quince años después de la promulgación de la Constitución, esa ley todavía no existe.
Procesos judiciales
Uno de los ámbitos importantes en cuanto al empleo de las lenguas oficiales, es el
de los tribunales. El vigente Código procesal penal, sancionado y promulgado en
1998, asegura la posibilidad de que las declaraciones, interrogatorios, audiencias
transcurran en ambos idiomas, asegura el derecho del declarante a pedir traductor
de su confianza y la obligación de nombrar intérpretes en el caso de que alguna parte
no entienda el idioma usado. Sin embargo, las presentaciones escritas, las actas, la
sentencia, etc., serán redactadas sólo en castellano;8 es decir, el guaraní escrito
no es reconocido en este ámbito, lo que a veces causa problemas graves por mala
interpretación de lo dicho por los declarantes, que se traduce instantáneamente
y transcribe en castellano.
Legislación de la Enseñanza Bilingüe
El sistema educativo paraguayo es el ámbito donde los cambios a raíz de la nueva
Constitución son los más visibles.
De la ley constitucional se derivó una serie de leyes y resoluciones ministeriales que procuraban poner en función lo que ordenaba el artículo 77: comenzar la
enseñanza en la lengua oficial materna e instruir en el conocimiento y uso de ambas
lenguas oficiales. Ya la Ley núm. 28 de 1992 en su primer artículo establece: «Declárase obligatoria la enseñanza de los Idiomas Español y Guaraní, en el Currículum
Educativo del nivel Primario, Secundario y Universitario». La resolución núm. 15
del Ministerio de Educación y Culto del mismo año establece:
Aplicar a partir de 1993, en forma experimental, gradual y progresiva los planes
y programas de la Educación Escolar Básica y el diseño de la Educación Bilingüe, en
zonas y/o regiones que cumplan los requisitos exigidos para el efecto, conforme a las
realidades socio-lingüísticas de las mismas.9
7 La
Constitución de la República del Paraguay (1992), págs. 91 y 141.
procesal penal, pág. 30–31.
9 Apartado 7, cit. en Genes Hermosilla, I. B., «Guarani ñane retã rembiasakuépe/La lengua
guaraní en los distintos momentos de la historia nacional», en: Correa de Báez, M., ed.: Lengua
guaraní actual, pág. 424.
8 Código
209
Esto se materializó en la institución de la enseñanza bilingüe que se empezó en
marzo de 1994. La ley que rige actualmente el sistema educativo, es la Ley General
de Educación de 1998 (núm. 1264), que en el art. 9 incluye entre los once fines
expresos del sistema educativo nacional «la formación en el dominio de las dos
lenguas oficiales», y en el art. 31 reafirma el carácter bilingüe de la enseñanza:
La enseñanza se realizará en la lengua oficial materna del educando desde los comienzos del proceso escolar o desde el primer grado. La otra lengua oficial se enseñará
también desde el inicio de la educación escolar con el tratamiento didáctico propio de
una segunda lengua.10
La educación bilingüe actual es fruto de un largo proceso que a continuación
quisiéramos repasar brevemente.
Guaraní en la enseñanza
La presencia del guaraní en el proceso educativo data ya de los años 40, cuando
fue insertado como asignatura en algunas carreras superiores y universitarias.
Un paso decisivo se da en los años 70 cuando se incorpora como asignatura en
todas las escuelas del nivel medio gracias a la reforma educativa de 1973. A partir
de ese año, el guaraní se enseña en los tres cursos de la llamada Etapa Básica
del nuevo programa educacional (para alumnos de 12 a 14 años; hoy equivale al
periodo del 7.◦ al 9.◦ grado de la escuela básica), como asignatura dotada de dos
o tres horas semanales, en lo que se parecía a la enseñanza de lenguas extranjeras,
que se trasladó a la llamada Etapa Media, es decir, al periodo del 4.◦ al 6.◦ curso
de la enseñanza secundaria (para alumnos de 15 a 17 años).11
Además, en los años 70 en algunas escuelas primarias de las zonas rurales se
aplica el programa de la alfabetización en guaraní, con los primeros silabarios,
cartillas en guaraní, llamados Ko’etı̃ que corre a cargo del Movimiento de Educación
Popular Integral «Fe y Alegría», respaldado por la Iglesia Católica.
Más importante, a nivel del país, es el cambio de actitud en el MEC, hasta
entonces promotor de una educación castellanizante. A partir de 1976 empieza
a estudiar la posibilidad de una educación bilingüe en las escuelas primarias. El
sondeo en las escuelas rurales reveló que sólo un 10 por ciento de los niños del primer
grado hablaban y entendían bien el castellano. Un 20 por ciento hablaba y entendía
castellano un poco y un alto 70 por ciento no hablaba el castellano en absoluto,
aunque solía comprender algo.12 Unos años después, los resultados del Censo de
1982 mostrarían que la tasa del analfabetismo en las zonas rurales alcanzaba un
altísimo 29,9 por ciento, sin duda causada también por una educación en lengua no
adecuada. En 1978 se inició el primer proyecto de educación bilingüe centrado en
su primera etapa (1979–1981) en la capacitación de los maestros de primer a tercer
10 Ley General de Educación 1264/98, http://educacionsuperior.mec.gov.py/disp legales/pdfs/
Ley 1264-98 - Ley General de Educacion.pdf [cit. 22–6–2007].
11 Ministerio de Educación y Culto, Programa de estudio, Área: Idioma Guaraní, Etapa básica
de nivel medio.
12 Corvalán, G., Competencia lingüística en español y actitudes de las maestras hacia el guaraní, pág. 5.
210
grado y la preparación del material educativo para «proveer instrucción bilingüe
a niños cuya primera lengua fuera guaraní».13
Esta forma de educación bilingüe se podría considerar de transición, aunque un
poco sui generis por no adoptar el principio de alfabetización en lengua materna.
En realidad, consistía en que al maestro se le permitía usar el guaraní en la clase
para comunicarse con los niños, igual que se les permitía a los niños expresarse
libremente en guaraní, pero tanto la lengua «oficial» de enseñanza, como la lengua
de lectura y escritura seguía siendo el castellano.14 El Manual del Maestro publicado
por el MEC en 1981 explica su concepto general de la educación bilingüe:
En el primer ciclo el español y el guaraní son usados para la comunicación oral
(escuchar y hablar), mientras que para leer y escribir, se utiliza sólo el español.
[. . . ] El énfasis en la adquisición del español como segunda lengua es la característica
dominante del Programa.
Esto no significa que el guaraní es sustituido. Aunque el lenguaje didáctico es el
español, el guaraní se mantiene. Pues, de acuerdo a su nivel lingüístico, o la efectividad
que el contenido programático encierre, el niño se expresa libremente en guaraní [. . . ]15
Entre los Fines y Objetivos generales de la educación paraguaya que recoge el
documento del MEC en 1983 aparece también que el niño «valore y se comunique
con confianza en las lenguas nacionales y desarrolle destrezas básicas de escuchar
y hablar en lengua guaraní».16
Por una parte, es un paso adelante, se abandonó la política de prohibición del
guaraní en la escuela, por otra parte, se confirma el estatus del guaraní como un
instrumento de comunicación exclusivamente oral, y la alfabetización misma sigue
reservada al castellano.
Es interesante cómo esta política del ministerio fue entendida por los maestros:
en una encuesta llevada a cabo por el MEC, un 60 por ciento indicó que la política del ministerio es «enseñar en guaraní y al mismo tiempo enseñar castellano
como segunda lengua».17 Es decir, a pesar de que el guaraní debía ser un simple
instrumento auxiliar de comunicación, para muchos maestros ya se convirtió en lengua didáctica real. Este plan, además de las zonas rurales, se había implementado
también en varias escuelas experimentales en los barrios periféricos de Asunción.18
A raíz de esto, en esta época el guaraní, su ortografía, gramática y literatura,
se enseña también en todos los institutos de formación docente.19
Otros cambios decisivos surgen, como ya hemos visto, gracias a la reforma educativa iniciada en 1994. Dado el estatus equitativo que la nueva Constitución otorgó
a ambas lenguas, en el principio se pensó en una educación bilingüe igualitaria en
cuanto a la presencia de ambos idiomas oficiales en el proceso educativo, y uno de
13 Íbid.
14 Íbid,
pág. 6.
de Educación y Culto, Educación bilingüe en el Paraguay: Manual del Maestro,
MEC, Asunción, 1981, cit. en Corvalán, G., «Política lingüística y educación», Ñemitỹ, núm. 21,
págs. 19–20.
16 Íbid., pág. 18.
17 Íbid., pág. 20.
18 Welti, M. C. R. de, La competencia lingüística en niños de barrios populares, pág. 6.
19 Krivoshein de Canese, N., «El guaraní en el marco de la reforma educativa», Ñemitỹ,
núm. 21, pág. 7.
15 Ministerio
211
los objetivos declarados de la reforma educativa fue que toda la población paraguaya se convirtiera en «bilingüe coordinada» —más exacto sería equilibrada—:
El objetivo principal de este programa de educación es evitar la mezcla (jopará)
de ambas lenguas, separando las estructuras de las mismas por medio de enseñanza
sistemática de las mismas, de manera de formar bilingües coordinados al término de
ciclo primario.20
La primera versión de la educación bilingüe, formulada ya en 1991, proponía
dos modalidades curriculares, hispanohablante y guaranihablante, según la lengua
materna de los alumnos, con proporción equitativa e invertida de ambos idiomas.
El primer grado empezaba con un 85 por ciento del tiempo lectivo en la lengua
materna respectiva y un 15 por ciento en la segunda lengua. Estos porcentajes se
iban igualando hasta llegar a la proporción del 50 por ciento de cada una en el 9.◦
grado, el último de la Educación Escolar Básica. Esta proporción se reflejaba luego
en los diseños de las asignaturas concretas, de las que a la enseñanza lingüística
estaba dedicada la asignatura llamada Comunicación.
Poco tiempo después de empezar el programa, se hicieron, sin embargo, algunos
ajustes decisivos. De la primera versión igualitaria se pasa en 1996 a la versión en
la que a partir del 2.◦ ciclo el castellano ocupa alrededor de dos terceras partes
del tiempo lectivo y el guaraní sólo una tercera parte en ambas modalidades. Eso
significa una gran desventaja para los niños que estudian los primeros tres años en
la modalidad guaranihablante y al pasar al 2.◦ ciclo (al 4.◦ grado) se encuentran
con una carga del castellano igual que los niños que han empezado en el programa
hispanohablante.
Este diseño reformado favorece claramente el castellano, y convierte el programa
de mantenimiento en un programa de transición, cuyo resultado será que los monolingües en guaraní se hagan cada vez más bilingües, pero que los monolingües en
castellano queden prácticamente monolingües o con un conocimiento del guaraní
más bien pasivo o limitado.
Modalidad Guaranihablante
Vamos a ver brevemente la suerte de la llamada Modalidad Guaranihablante
(MGH), que fue un proyecto que por primera vez quería tomar seriamente en
consideración la lengua materna de la mayoría de los alumnos y que con el paso de
tiempo debía convertirse en el currículum mayoritario conforme a que el guaraní
es la lengua mayoritaria entre los alumnos. Sin embargo, no fue así y vamos a ver
rápidamente el porqué.
En el año 1994, al comienzo de la reforma, se escogieron las primeras 118 escuelas para la introducción de este currículum. El interés inicial de las escuelas por
este programa fue mucho mayor: 1 098 escuelas de las 1 568 escuelas que el MEC
consideraba como prácticamente monolingües en guaraní, querían entrar en este
programa.21 Sin embargo, por falta del material y del personal docente capacitado
para el programa, no se pudo hacer una implantación más amplia.
20 Corvalán, G., «El bilingüismo urbano en el Paraguay: El caso de la ciudad de la Asunción»,
Anuario de Lingüística Hispánica 8, pág. 29.
21 Ministerio de Educación y Culto, Educación bilingüe.
212
Con el paso de tiempo, conforme aumentaba la cantidad de docentes capacitados
para la enseñanza bilingüe y de materiales educativos, el número de las escuelas
que seguían este programa aumentaba también, hasta llegar a su auge, que parece
haberse dado en 1998 con 472 escuelas.22 Aún así, el número de las escuelas de
MGH quedó muy por debajo de la petición inicial. En los años siguientes el número
de las escuelas guaranihablantes empezó a descender rápidamente: en 2 000 a 235
escuelas,23 en 2003, alrededor de un centenar (que funcionaban sobre todo en los
departamentos de Concepción, Paraguarí, Villarrica), y el último número publicado
por el MEC habla sobre 55 escuelas que todavía quedan dentro de este programa.
¿Cuáles fueron las causas del evidente fracaso de este programa? Algunas triviales, otras más profundas. Si queremos hacer un balance de pérdidas y ganancias
de la entrada de una escuela en MGH, hay que tener en cuenta que la presencia del
guaraní en las escuelas ya era un hecho real en las zonas guaranihablantes desde
los años 80, como hemos visto.
Entonces, ¿qué significaba realmente la entrada de una escuela en este programa? Parece que, sobre todo, más trabajo y más desventajas para los profesores,
que poco a poco iban desanimándose. Significaba aprender y enseñar nuevos contenidos, significaba menos apoyo material y personal por parte del ministerio —en
castellano simplemente había más material y más jornadas de capacitación—, significaba tener que llevar la parte administrativa en guaraní, significaba un supuesto
descenso en la escala social, pues el guaraní seguía teniendo un estatus socialmente
más bajo, y ser un profesor en la escuela hispanohablante simplemente daba mayor
estatus social que serlo en una guaranihablante. Eso conllevaba desventajas para
los alumnos —con sus padres como abogados enérgicos—, sobre todo en el paso
entre el primer y segundo ciclo, como ya hemos visto. Y encima de todo, significaba
enseñar un guaraní culto que no lograba salir de las puertas de la escuela, pues no
se lograba la normalización de su uso a nivel estatal: el guaraní seguía ausente
de la administración, de los medios de comunicación, etc., así que pocas personas
le encontraban utilidad y funcionalidad, y lo sentían como una pérdida de tiempo
que, según su opinión, hubiera sido empleado mejor en el aprendizaje del castellano
en el que muchos padres veían la función primordial de la escuela. A esto se unían
otras razones: una selección a veces equivocada de las escuelas piloto,24 la oposición
interna en el Ministerio, el boicot de algunos supervisores, etc.
Por eso las escuelas pronto empezaron a volver al currículum de la modalidad
hispanohablante, incluso en las zonas monolingües en guaraní. Este paso, sin embargo, no solía significar un cambio real de la lengua de la enseñanza: esa seguía
siendo el guaraní. En la mayoría de los casos el maestro seguía con la vieja práctica
de explicar en guaraní el contenido de los libros en castellano.
Terminamos esta parte constatando que no se puede negar que se haya conseguido cierta forma de educación bilingüe, pero sigue siendo asimétrica —tanto en
22 Ministerio
de Educación y Cultura, Modalidad guaranihablante, pág. 9.
de Educación y Cultura, Educación para todos: Evaluación en el año 2000: Informe de Paraguay, MEC, Asunción, 2000, pág. 76, cit. en Mello-Wolter, R. M., «Política lingüística y realidad educativa de la República del Paraguay», en: Lluís i Vidal-Folch, A. – Palacios
Alcaine, A., eds.: Lenguas vivas en América Latina, pág. 261.
24 Muñoz Cruz, H., «La Modalidad guaranihablante o el bilingüismo social que no asiste a la
escuela», Thule, núm. 12–13, pág. 153, afirma que en un 36 por ciento de las escuelas el programa
no se ajustaba al perfil de su comunidad.
23 Ministerio
213
lo que se refiere al número de horas de clase de guaraní como segunda lengua, como
en cuanto al tratamiento del guaraní como lengua de enseñanza— y ciertamente
no se está logrando el bilingüismo «coordinado» de todos los que hayan pasado por
la enseñanza obligatoria.
El estatus del guaraní en el Mercosur
Uno de los temas que se volvió a discutir en los últimos meses fue el estatus jurídico
del guaraní en el Mercosur, originado en 1991. Desde que se proclamó lengua oficial
en Paraguay en 1992, ha habido varias iniciativas que procuraban conseguir su
estatus oficial también a nivel del Mercosur.
El primer paso se dio en el «Tratado de Asunción», firmado en 1995 que proclamó el guaraní Idioma Histórico. No es mucho, pero se le da al guaraní por lo
menos algún reconocimiento oficial.
El tema recibió nuevos impulsos en 2006, cuando apareció la iniciativa «Guaraní
Idioma Oficial del Mercosur», respaldada por varias organizaciones cívicas. Efectivamente, en noviembre de 2006, los ministros de cultura de los países miembros
acordaron su oficialización. En diciembre se reunió el Foro de Consulta y Concertación Política, la instancia inmediatamente anterior a la reunión de los Presidentes,
pero el documento que preparó para la firma en la Cumbre en enero de 2007 dice
solamente que el Consejo del Mercado Común decidió «incorporar el guaraní como
uno de los idiomas del Mercosur».25 Así se salvó la cabra y la berza.
Así que el estatus del guaraní a nivel del Mercosur sigue una asignatura pendiente para el periodo de la presidencia pro tempore de Paraguay de enero a junio
2007. Sin embargo, en el momento de escribir estas líneas, este periodo se está
finalizando sin haber cambio alguno en el tema.
Ley de políticas lingüísticas
Una actividad aún mayor y más importante se da en la preparación de un nuevo
proyecto de la Ley de Lenguas que debería convertirse en aquella ley anunciada
ya por la Constitución, y reglamentar el uso de ambas lenguas oficiales. Vamos
a presentar brevemente la última fase de este proceso.
En 2003, en el marco de las actividades de la Comisión Nacional de Bilingüismo
(CNB), fundada en 1994 para coordinar las políticas lingüísticas del país y la educación bilingüe, se reanudó la discusión sobre la ley de políticas lingüísticas. Se
llegó a formular un anteproyecto, pero el proceso legislativo no prosiguió.26
En 2006 CNB presenta otra propuesta, sustancialmente reelaborada, al Congreso, pero eso sucede en un momento en que el recién formado Taller de la Sociedad Cívica, que reúne unos 50 intelectuales paraguayos con Tadeo Zarratea a la
cabeza, tiene preparada una propuesta alternativa, mucho más concreta y exigente
en algunos puntos.27
25 Trinidad Sanabria, L., «¿Y el guaraní en el Mercosur?», ABC Color, 3–6–2007,
http://www.abc.com.py/suplemento.php?fec=2007-06-03&sec=14.
26 Comisión Nacional de Bilingüismo, Anteproyecto: Ley General de Política Lingüística o Ley
General de Normalización Lingüística.
27 Zarratea, T., «Compatibilización de dos proyectos de ley que reglamenta los artículos 77
y 140 de la Constitución Nacional».
214
Se abre un proceso de debate que termina en febrero de 2007 con la firma de un
Anteproyecto de Ley de Lenguas concertado entre la CNB, el Taller y el MEC.28 En
la reanudación de la actividad y en la larga discusión que al final trajo frutos tuvo
un papel importante el foro de debate virtual Paraguáẽñe’?, fundado en agosto de
2005 y promovido por Joan Moles de la Organizatció pel Multilingüisme.29
En la siguiente parte quisiéramos comparar algunos puntos de estas cuatro
propuestas para ver la evolución que ha llevado a la última versión del proyecto de
la Ley de Lenguas.
Propuesta de la CNB de 2003
Las cuatro propuestas coinciden, por supuesto, en el énfasis que ponen en la obligatoriedad del uso equitativo de ambas lenguas oficiales en la administración pública
en sus más variadas formas, incluido el lenguaje escrito. Así se obliga a la administración pública, por ejemplo, a expedir formularios en ambos idiomas, respetar el
idioma del recurrente, y se establece la igualdad jurídica de documentos en ambos
idiomas.
Los medios de comunicación es uno de los ámbitos donde mayor evolución se
ha dado, como vamos a ver. Todas las propuestas coinciden en que es un derecho
colectivo que la lengua y la cultura guaraní esté presente igual que la castellana,
sin embargo, en la propuesta de 2003 esto está concretizado muy vagamente: «El
Gobierno Nacional, Departamental y el Municipal promoverán la difusión del idioma guaraní en los medios de comunicación social, tendiendo a la equiparación con
el castellano».
El uso del guaraní en la administración de la justicia es también definido muy
vagamente, así que no se garantiza su uso equitativo: «Se utilizarán tanto el castellano como el guaraní en la administración de justicia. Esta adoptará y arbitrará
los medios necesarios para el uso eficiente de ambas lenguas en las actuaciones
judiciales». En realidad, esta formulación desfavorece el guaraní puesto que el argumento sobre su ineficiencia es el más frecuente contra su uso equitativo en este
contexto.
Las cuatro propuestas crean un organismo normativo que se ocuparía tanto
de la ejecución de la política lingüística, como de la estandarización de la lengua.
Este organismo recibe en cada una de las propuestas un nombre diferente y tiene
una estructura diferente. En esta propuesta se trata de la Dirección Nacional de
Políticas Lingüísticas (DINAPLI) con doce representantes de todas las instituciones
importantes que se dedican al guaraní.
Propuesta de la CNB de 2006
La propuesta de la CNB de 2006 es completamente diferente y podemos constatar
que se ha avanzado mucho. Vamos a fijarnos en algunos aspectos que son interesantes sobre todo si los comparamos con la siguiente propuesta.
28 Comisión Nacional de Bilingüismo – Taller de la Sociedad Civil – Ministerio de Educación
y Cultura, Anteproyecto: Ley de Lenguas de la República del Paraguay.
29 Lustig, W., «Política lingüística desde fuera: La Organització pel Multilingüisme y su
campaña por la normalización del guaraní en el Paraguay y el Mercosur», ponencia presentada
en el 16.◦ Congreso de la Asociación Alemana de Hispanistas, Technische Universität Dresden,
del 28 al 31 de marzo de 2007.
215
Un rasgo distintivo de esta propuesta es la actitud equitativa hacia todas las
lenguas en Paraguay, no solamente hacia las dos lenguas principales, el guaraní y el
castellano: «[. . . ] dispone medidas para la enseñanza, preservación y promoción de
todas las lenguas habladas en la República del Paraguay» (art. 1). La propuesta
garantiza también el derecho a la alfabetización en cualquier lengua materna, sea
indígena, sea de inmigrantes. Este es un cambio importante, porque la Constitución
garantiza esto solo a los hablantes de ambas lenguas oficiales, guaraní y castellano.
Los que tienen otra lengua, tienen que elegir una de las oficiales como primera
lengua, y no como la segunda, como requiere esta propuesta: «Recibir educación
inicial, comprendida la lectura y escritura, en la lengua materna. Cuando dicha
lengua no sea una de las lenguas oficiales se optará por una de ellas como segunda
lengua».
En el ámbito de los medios de comunicación se distingue entre los públicos
y privados. En el caso de los públicos, se pide la presencia equitativa («deberán
tener», art. 18), lo que significa un paso adelante; como hemos visto, antes se
hablaba solo de la promoción del guaraní, «tendiendo a su equiparación». En los
medios privados, la presencia del guaraní será regulada por el gobierno, que a su vez
promoverá su presencia «en las nuevas tecnologías y en las industrias culturales»
(art. 23).
Otro cambio importante se ha dado en el ámbito de la justicia, donde se garantiza el derecho de usar ambas lenguas igualmente en todos los contextos, incluido
por escrito (art. 12).
Otra cuestión en que hay una evolución considerable de una propuesta para
otra son los requisitos lingüísticos a las personas que quieran acceder a los cargos
públicos. En esta propuesta se exige la acreditación del «conocimiento de las dos
lenguas oficiales» y el gobierno promoverá que los funcionarios actuales «adquieran
la capacitación lingüística adecuada» (art. 14).
Esta propuesta destaca por una reglamentación bastante detallada sobre las
demás lenguas indígenas. Se garantiza su presencia, igual que de ambas lenguas
oficiales:
• en la publicidad institucional (art. 13)
• en la publicidad presente en los espacios públicos, fomentada por el gobierno
(art. 25)
• en los servicios de transporte públicos —en rótulos, avisos, comunicaciones
megafónicas— cuando los usuarios sean mayoritariamente hablantes de otra
lengua indígena (art. 22)
• en los medios de radiodifusión y televisión públicos, donde tendrán «una
presencia proporcional a su importancia territorial y demográfica» (art. 18)
• en los medios de radiodifusión y televisión privados, donde su presencia será
regulada por el gobierno, y en las nuevas tecnologías y en las industrias culturales, donde será promovida por el gobierno (art. 23)
• en la señalización y rotulación de las calles, de los comercios y centros culturales, recreativos, sociales, deportivos, religiosos, lo que será ordenado por
los municipios con criterios de equidad (art. 26)
• en libros y periódicos, estimulado y fomentado por el gobierno (art. 24)
216
En cuanto al organismo normativo, no se está pensando en uno solo para el
guaraní, sino para todas las lenguas indígenas del Paraguay: el Instituto de la
Lengua Guaraní y de las Lenguas Indígenas, que se ocupará de la estandarización
de la lengua guaraní y de las lenguas indígenas (art. 30) y «publicará los diccionarios
y las gramáticas oficiales de la lengua guaraní y de las lenguas indígenas» (art. 31).
Contra los excesos puristas sirve como seguro la segunda parte de este artículo,
que establece que «estas tareas normativas tienen que contar con el acuerdo de la
mayoría de la comunidad lingüística afectada en cada caso», y que «la normatividad
estará al servicio de las modalidades vivas de la lengua hablada».
Propuesta del Taller de la Sociedad Civil de 2006
Según la opinión del propio Zarratea, la propuesta alternativa del Taller de la
Sociedad Civil pone más énfasis en el bilingüismo guaraní-castellano.
En comparación con la propuesta de la CNB es mucho menos generosa con las
lenguas indígenas y, salvo la educación inicial, no establece ningunos contextos concretos para el uso de las mismas. Así los artículos dedicados al tema de las lenguas
indígenas son más bien generales: se establecen «las medidas para la preservación
y promoción de las culturas y de las lenguas de minorías culturales indígenas»
(art. 1); se garantiza el derecho de los pueblos indígenas «a recibir apoyo del Estado para que sus lenguas y culturas alcancen niveles y condiciones que garanticen
su pervivencia y funcionalidad» (art. 12). Al comienzo de la educación indígena
se prevé el uso de las lenguas maternas, más allá de la etapa inicial se supone la
enseñanza en ambas lenguas oficiales, lo que es un cambio hacia un sistema más
exigente, porque hasta ahora las escuelas indígenas pueden elegir solo una de las
lenguas oficiales para la enseñanza (art. 8).
Aún menos se ofrece a las otras minorías no indígenas que en la propuesta
anterior podían también aspirar a la educación inicial en lengua materna. Esta
propuesta garantiza este derecho, «siempre que la misma sea una de las lenguas
oficiales del país o una lengua indígena» (art. 10). Lo único que se establece es
que (art. 3) «el Estado paraguayo [. . . ] velará por el respeto, la preservación y el
desarrollo de todas las culturas minoritarias y de todas las lenguas habladas en
el territorio nacional»; y que a las minorías culturales no indígenas se facilitará el
acceso «al conocimiento y uso de las lenguas oficiales de la República, sin perder
el derecho de usar sus respectivas lenguas» (art. 13).
En cuanto al uso del guaraní en los procesos judiciales, coincide con la propuesta de la CNB del uso de guaraní tanto en forma oral, como en forma escrita,
sobre todo procurando combatir la práctica general de transcribir en castellano las
declaraciones hechas en guaraní, lo que causa inevitablemente deformaciones de
significado (art. 10).
La propuesta del Taller es mucho más exigente con los funcionarios del Estado
a los que se pide no solo el conocimiento, pero también la competencia en el uso
del guaraní, y a los ya nombrados se establece el plazo de 5 años para aprender el
guaraní (art. 28).
En cuanto a los medios de comunicación, a diferencia de CNB no distingue
entre los de titularidad pública y privada y pide la presencia equitativa de ambos
idiomas en todos (art. 10–11).
217
Es la propuesta más original en cuanto a la estructura del organismo normativo.
Aparte de la Secretaría Nacional de Política Lingüística (SENAPOL) en el sector
público y el Instituto Nacional de Normalización de la Lengua Guaraní en el sector
privado, establece un órgano asesor, la Asamblea Nacional de Hablantes del Idioma
Guaraní, que reúne un grupo muy amplio y variado de «delegados provenientes de
todas las regiones del país y de los sectores culturales» para las consultas sobre el
buen uso del idioma (art. 33).
Propuesta consensuada de la Ley de Lenguas de 2007
La versión definitiva del anteproyecto de la Ley de Lenguas, consensuada entre la
CNB, el Taller de la Sociedad Civil y el MEC, se firma el 27 de febrero de 2007.
Ya desde el principio establece una graduación en el tratamiento de los tres
grupos de idiomas presentes en Paraguay (art. 2):
• promoción y desarrollo de las dos lenguas oficiales
• preservación de las lenguas y culturas indígenas
• respeto a las otras lenguas habladas por las diversas comunidades culturales
Esta triple clasificación se refleja también en la legislación sobre la educación.
Mientras que para los hablantes del primer grupo existe la educación bilingüe
guaraní-español desde el nivel inicial hasta el superior, para el segundo, la enseñanza
en la respectiva lengua en la etapa inicial y planes curriculares diferenciados, para
el tercero se trata de la obligación de elegir una de las lenguas oficiales como lengua de partida (art. 9–10). En esto se adoptó el punto de vista de la propuesta del
Taller.
En cuanto a los requisitos para ocupar cargos públicos, es aún más específica
y exigente al pedir como condición indispensable la competencia oral y escrita en
ambas lenguas. A los funcionarios ya nombrados se garantiza el espacio de cinco
años para adquirir estas competencias (art. 17).
Hay una novedad en comparación con las propuestas anteriores: se exige el
uso equitativo de ambos idiomas oficiales también a empresas privadas, en temas
laborales y administrativos en relación con los postulantes (art. 9).
Se exige la presencia equitativa en todos los medios de comunicación (art. 10),
sin embargo, en los privados está sujeta a la regulación de la Dirección General de
Planificación Lingüística (art. 39).
De la propuesta de la CNB se ha tomado una parte de la reglamentación concreta relacionada con las lenguas indígenas, pero es menos taxativa que en la propuesta anterior:
• regular su presencia en los medios de radiodifusión y televisión privados
(art. 39)
• promover su presencia en las nuevas tecnologías y en las industrias culturales
(art. 39)
• fomentar su uso con la edición de libros y publicaciones periódicas (art. 39)
• realizar el registro oral y escrito de las mismas. (art. 40)
218
La estructura del organismo normativo propuesto es la siguiente:
• Secretaría de Políticas Lingüísticas
– Dirección General de Planificación Lingüística
– Dirección General de Investigación Lingüística
• Academia de la Lengua Guaraní
Creemos acertada la adopción final del nombre Academia, el cual no se proponía anteriormente, ciertamente porque a lo largo de la historia ha habido varias
academias de la lengua guaraní, que no han hecho mucho por la normalización
y estandarización eficiente del guaraní. Pero, si se pretende un organismo con la
autoridad generalmente aceptada sobre el uso de la lengua, el nombre de Academia
es una marca que repercute mucho en los hablantes.
Conclusiones
Se ha dado el primer paso para que pueda comenzar el proceso legislativo. Varios
promotores de esta ley se han mostrado, en principio, bastante optimistas acerca
de la suerte del anteproyecto comentado, dado ya el mismo hecho de que se haya
conseguido un proyecto consensuado, respaldado por varios grupos de expertos. Es
una propuesta muy equilibrada y su adopción significaría un paso decisivo hacia
una sociedad más justa y menos discriminatoria contra aquel 30 por ciento de la
población que no sabe hablar castellano, pero tiene que vivir en un estado que
funciona prácticamente solo en castellano.
Sin embargo, es bastante difícil predecir su resultado: ya han pasado cuatro
meses desde que se firmó, y todavía ni siquiera se empezó a debatir en el Parlamento. Hay que admitir que la ley llega en un momento, cuando Asunción es una
ciudad ya prácticamente hispanizada, donde el castellano se habla casi en un 80
por ciento de los hogares, como reveló el Censo 2002. Y lo es también en gran
medida todo el Departamento Central, el área mayormente urbana circundante de
Asunción, donde el uso del castellano en el hogar alcanza casi un 60 por ciento.30
En estos dos departamentos viven casi 2 millones de habitantes, más de un tercio
de la población paraguaya. Si a esto sumamos el peso político, económico, social
y cultural de la capital, fácilmente nos damos cuenta de que los opositores pueden
ser relativamente numerosos, y que el anteproyecto contiene varios puntos que provocarán rechazo de las clases más pudientes, política y económicamente. Por otra
parte, la clase política es también, seguramente, la más consciente de la situación
injusta de los hablantes monolingües del guaraní, así que no sería otra cosa que
hacerles justicia si al final apoyaran esta ley revolucionaria.
A eso podría ayudar el hecho de que la reivindicación de un estatus mayor de la
lengua guaraní recibe constantes impulsos tanto internacionales, como nacionales.
La lengua guaraní fue declarada Patrimonio Intangible de la Humanidad, durante
30 «Cuadro V09: Paraguay: Hogares particulares por idioma del hogar, según departamento,
distrito y área urbana-rural, 2002», en: Dirección General de Estadística, Encuestas y Censos:
Paraguay: Resultados Finales Censo Nacional de Población y Viviendas: Año 2002 – Distrital,
págs. 675 y 683.
219
la visita del Director General de la UNESCO en Asunción el 28 de marzo de 2007.31
El 29 de junio de 2007, con ocasión de la reunión de Presidentes del Mercosur en
Asunción, tuvo lugar una manifestación a favor de la declaración del guaraní como
idioma oficial del Mercosur. Ojalá todo este movimiento pronto traiga frutos reales.
DOCUMENTOS
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Constituyente el 25 de Agosto de 1967 y promulgada por el Poder Ejecutivo
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y recopilación José Manuel Plano de Egea. Editorial LD, Asunción, 1992.
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http://educacionsuperior.mec.gov.py/disp legales/pdfs/
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Ministerio de Educación y Cultura: Modalidad guaranihablante: La trayectoria de
una innovación educativa. Ministerio de Educación y Cultura, Asunción,
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y Culto, Asunción, 1994.
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Etapa básica de nivel medio. Ministerio de Educación y Culto, Asunción,
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Dirección General de Estadística, Encuestas y Censos: Paraguay: Resultados Finales Censo Nacional de Población y Viviendas: Año 2002 – Distrital.
DGEEC, Fernando de la Mora, 2004.
31 Corvalán, G., «El guaraní en el mundo virtual», Última Hora: Correo Semanal, 28–4–2007,
pág. 7.
220
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Welti, M. C. R. de: La competencia lingüística en niños de barrios populares.
CPES, Asunción, 1983.
221
Současný vývoj jazykové politiky v Paraguayi
Resumé
Článek představuje současný vývoj na poli jazykové politiky v Paraguayi. Nejprve zmiňuje některá obecně známá data, která jsou však důležitá pro pochopení
tématu a která se vztahují k jazykové situaci Paraguaye, k platné legislativě na poli
bilingvního vzdělání a k historii postavení jazyka guaraní v paraguayském školním
systému. V druhé části krátce komentuje některé body čtyř návrhů jazykového
zákona, předložených od roku 2003, ve kterých je možno pozorovat postupné upevňování pozic jazyka guaraní. Budoucnost posledního návrhu, vzniklého v součinnosti několika institucí (Comisión Nacional de Bilingüismo, Taller de la Sociedad
Civil a Ministerio de Educación y Cultura) a podepsaného v únoru 2007, je stále
otevřená, neboť se dosud čeká na počátek legislativního procesu.
Recent Developments in Language Policies in Paraguay
Summary
The article presents the recent activity concerning language policies in Paraguay. The introductory part mentions some data that are generally known, but
important for the topic, related to the Paraguayan linguistic situation, the present
legislation about languages and bilingual education and the history of the Guarani
presence in the Paraguayan educational system. The second part compares and
briefly comments on the four proposals of the Language Act that have appeared
since 2003, in which the evolution in favor of the Guarani language can be seen. The
future of the last version, created by the National Commission for Bilingualism,
the Workshop of the Civic Society, and the Ministry of Education and Culture,
and signed at the end of February, 2007, is open, as the beginning of the legislative
process is still awaited.
Lenka Zajícová
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
Chequia
zajicol@ffnw.upol.cz
222
Controversias de las negociaciones de paz con las
Autodefensas Unidas de Colombia (AUC):
perspectiva política
Radim Zámec
En este trabajo, quiero dar una visión del rumbo las negociaciones políticas
entre la administración Uribe y las Autodefensas Unidas de Colombia (AUC) a
partir del año 2002 hasta la actualidad centrándome, sobre todo, en los últimos
acontecimientos del año 2006 que, según parece, han dado vuelta a todo el proceso
político con las AUC: revelación de la parapolítica.
Surgimiento de las AUC
Las AUC surgieron en 1997 como confederación de varios grupos paramilitares que
habían operado ya desde los principios de los años 80. Ellos mismos en sus discursos
defienden la imagen de ser ciudadanos corrientes que se levantaron en arma contra
los abusos, asesinatos, secuestros y extorsión de las guerrillas de izquierda (FARC,
ELN, EPL, MQL etc.), en el contexto de la ausencia del Estado que los protegiera.
Por eso prefieren llamarse a ellos mismos autodefensas.
Como indican varios autores1 los paramilitares surgieron como una alianza de
los sectores ganaderos y la nueva élite terrateniente, proveniente de los carteles de
droga, apoyada por algunos oficiales de las Fuerzas Armadas, contra los posibles
cambios sociales, políticos y económicos que hubieran podido provocar las negociaciones entre la administración Betancur2 y las FARC. Sin embargo, en la creación
del paramilitarismo confluyeron más intereses: los narcotraficantes buscaban en las
autodefensas un aparato armado que protegiera su negocio, algunos exmiembros
de las FF.AA. veían en el paramilitarismo un instrumento mucho más eficaz contra la guerrilla que el Ejército, con la convicción de que había que usar todos los
medios para exterminar la guerrilla. Desgraciadamente, las AUC no distinguían
1 Romero, M.: Paramilitares y autodefensas 1982–2003, págs. 62–87. Barón, M. – Gutiérrez, F.:
«Estado, control territorial paramilitar y orden político en Colombia», en: Gutiérrez, F. et al.,
eds.: Nuestra guerra sin nombre. Transformaciones del conflicto en Colombia, págs. 267–312.
2 Las reformas posibles abarcarían la redistribución de la tierra, apertura política e inlusión de
los sectores de la izquierda en el sistema político, una democratización general del país, etc.
223
entre la población y la guerrilla, lo que produjo una de las tragedias humanitarias
más grandes de las últimas décadas con miles de muertos y millones de personas
desplazadas de sus hogares. Aunque a veces surgen comentarios de que la guerrilla
y las AUC terminaron siendo iguales en cuanto al involucramiento a la producción
de la droga y la violación del D. H. I., en sus orígenes, las organizaciones son distintas. Las guerrillas surgieron en contexto de la ola revolucionaria ocasionada por la
Revolución Cubana y la tradición de las luchas agrarias y las autodefensas campesinas heredadas de la época de la Violencia, como respuesta al relativo hermetismo
del sistema político y económico, inequidad e injusticia social. Mientras que las
guerrillas se levantaron contra el establecimiento, las autodefensas eran el hijo no
reconocido del Estado. El paramilitarismo surgió para defender el status quo en el
campo, en lo económico y político, y desde el principio contó con la colaboración
del Ejército y la élite local, y, en los últimos años, hasta con el apoyo de varios congresistas y senadores. Las relaciones entre las autodefensas y las FF.AA se confirmó
últimamente con la confesión de S. Mancuso quien relató como «transportaban a
paramilitares en sus camiones, elaboraban listas para masacres y asesinatos selectivos, entrenaban a los combatientes de las AUC en sus cuarteles y les entregaban
las armas a los futuros verdugos de la población civil».3
Mientras que el narcotráfico jugó un papel decisivo en la constitución del paramilitarismo, las relaciones de aquél con las guerrillas eran más complicadas: al
principio, las guerrillas brindaban seguridad a los narcotraficantes a cambio de vacunas y regulaban conflictos sociales que surgía como consecuencia de la bonanza
cocalera. Sin embargo, parece que las relaciones entre los dos sectores se iban deteriorando después de unos secuestros de capos de los carteles de droga o sus familiares
por parte de la guerrilla, lo que culminó en la creación del grupo MAS (Muerte
a Secuestradores), predecesor de los grupos paramilitares. El secuestro de la hermana de los Castaño4 es un caso ejemplar. La ruptura de las relaciones entre los
narcos de los carteles de droga y la guerrilla no quiere decir que ésta no se haya
involucrado al negocio sino que la modalidad del involucramiento cambió.
Mientras que las guerrillas gozaban del estatuto de actor político armado dado
que pretendían cambios estructurales de la sociedad, las autodefensas, al contrario,
tuvieron que esperar el reconocimiento hasta el año 2002 cuando la administración
Uribe cambió la ley 782.
Las autodefensas asumieron el rol del defensor regional del status quo en el
campo, contra las reformas sociales y políticas del centro. Hasta los mediados de los
noventa, cuando el Estado empezó a perseguirlos paulatinamente, los paramilitares
podían confiar en la tolerancia y apoyo de algunos sectores del establecimiento y
de las Fuerzas Armadas; de ahí la denominación paramilitares. Incluso podríamos
decir con Gutiérrez y Barón que los paramilitares jugaron un papel importante en
la estrategia antisubversiva militar cumpliendo el papel de retén contra la guerrilla.
Asumiendo este rol, las autodefensas recurrieron al dinero del narcotráfico, lo que les
posibilitó la expansión militar de los años noventa. En el contexto de la guerra global
3 «Pacto con el diablo», Semana 1990, http://semana.com/wf InfoArticulo.aspx?IdArt=100530
[cit. 20–1–2007].
4 Los hermanos Castaño (Vicente, Fidel y Carlos) eran conocidos narcotraficantes y miembros
de los Pepes (Perseguidos por Pablo Escobar). Al mismo tiempo, contribuyeron al surgimiento
del paramilitarismo; Carlos fue jefe de las AUC hasta su asesinato en el 2004.
224
contra las drogas impuesta por EE.UU., la conexión de los grupos de autodefensa
con los carteles de droga hizo más ambigua la relación entre el Estado y los paras:
por un lado, son aliados en la guerra contra la guerrilla, por otro lado, son enemigos
en la guerra contra la droga.
Con la aparición de los paramilitares la guerra se degradó: desplazamiento
masivo y masacres de la población civil, la cual vive entre dos fuegos en las regiones del conflicto armado y cada parte beligerante la considera como ayudantes
del enemigo; debilitamiento del tejido social de la sociedad colombiana causado
por la difusión de la guerra a regiones antes no afectadas; y la desconfianza. Otro
aspecto negativo de la guerra es la concentración de la propiedad rural en manos
de los paramilitares como consecuencia del desplazamiento de la población civil
que en los años noventa alcanzó cifras inimaginables. Además, la penetración del
narcotráfico en la política y la vida de todo el país causó, entre otras cosas, la
deslegitimización y debilitamiento de las instituciones estatales.
Durante su expansión militar, las AUC lograron cierto apoyo en algunos sectores de la población dominada dado que la empresa paramilitar ofrece posibilidad
de ascenso social mediante el involucramiento de muchachos jóvenes en las autodefensas como combatientes, y ofrece cierto orden y seguridad en medio de la
inestabilidad y peligros de la guerra. En este sentido, el surgimiento de los grupos
paramilitares es síntoma de la debilidad del Estado y la falta del monopolio de
violencia por parte de éste; al mismo tiempo, remite a problemas mucho más profundos que guardan relación con la adopción y la configuración del Estado moderno
en contexto de América Latina, aspectos que no pueden ser tratados aquí por falta
de espacio.5
Controversias del actual proceso de paz con las AUC
Las desmovilizaciones son el resultado de lo acordado por el Gobierno y la cúpula de
las AUC. Después de que el actual presidente Álvaro Uribe Vélez (2002–) asumiera
el cargo, los paramilitares declararon un cese de fuego y hostilidades unilateral, lo
que el Gobierno había planteado como una de las condiciones preliminares para
entrar en negociaciones de paz con cualquier actor armado ilegal. Sin embargo,
el cese de fuego no fue respectado. Después de unos acercamientos iniciales, el
Gobierno entró en diálogo con las AUC en el 2003, y la mesa de negociación se
estableció en Santa Fe de Ralito. A pesar de que los diálogos llegaron a veces a punto
de terminarse, se logró un acuerdo, que, sin embargo, no ha dejado de provocar
controversias y críticas fuertes tanto a nivel nacional como a nivel internacional.
Uno de los puntos más visibles de los acuerdos son las desmovilizaciones a las que
el Gobierno usó como recurso para dar crédito y legitimar el proceso de paz frente
a la opinión pública. A continuación, intentaré recoger algunas controversias del
proceso de paz.
5 Para un tratamiento muy profundo de estos problemas, remito al lector a González, F. E. –
Bolívar, I. J. – Vázquez, T.: Violencia política en Colombia. De la nación fragmentada a la
construcción del Estado, págs. 193–320.
225
Varias organizaciones6 y autores7 denunciaron que las AUC no cumplían con su
promesa del cese de hostilidades y que seguían utilizando las prácticas de extorsión,
intimidación y homicidio selectivo para ejercer su poder sobre la población.8 Se
hicieron estas denuncias, por ejemplo, frente a la situación en Medellín y su comuna
13, donde los paramilitares del desmovilizado Bloque de Cacique Nutibara (BCN)
seguían controlando sus antiguas zonas de poder e incluso reclutaban a menores de
edad a sus tropas.9 También el descubrimiento del computador portátil de uno de
los jefes paramilitares Rodrigo Tovar Pupo, alias Jorge 40, reveló que durante las
negociaciones de paz e durante las desmovilizaciones, ese grupo armado había sido
involucrado en las muertes selectivas de líderes comunitarios, sindicalistas y otras
personas en la Costa atlántica.
Habían surgido dudas sobre la transparencia de las desmovilizaciones dadas
algunas discrepancias en el número de combatientes desmovilizados y las armas
entregadas,10 lo que produce temor de que gran parte de armas en posesión de las
AUC haya podido terminar en el mercado negro, y alimenta la sospecha de que
algunos narcotraficantes hayan ingresado al último momento a las autodefensas
para cobijarse de la posible extradicción.11
Mucho más problemático es el aspecto legal del proceso de paz. En julio de 2005,
el Congreso aprobó la llamada Ley de Justicia y Paz, la cual según sus detractores,
no garantiza a las víctimas de los crímenes cometidos por las AUC el derecho
a la verdad, justicia y reparación, que el Estado colombiano se comprometió a
respectar al adoptar el Derecho Internacional Humanitario. Antes de que la Corte
Constitucional modificara la ley en muchos aspectos criticados en mayo del 2006, se
le reprochó a la norma que no vinculaba los beneficios jurídicos al compromiso de los
paramilitares a contar toda la verdad sobre su organización, el tráfico de drogas y
sus actos de lesa humanidad contra la población, y que no facilitaba la construcción
de la verdad colectiva sobre lo ocurrido. Además, no garantizaba la devolución de
los bienes malhabidos por los paras a sus propietarios legítimos originales, ya que
los paramilitares podían quedarse con la parte de sus bienes supuestamente legales,
lo que produciría una ola del lavabo de dinero negro. Por último, al definir el delito
de sedición como un delitito político, la ley de Justicia y Paz podía blindar a los
paramilitares de su extradicción, puesto que la Constitución del 91 la prohibe en
el caso de los delitos políticos.12
6 Véase, por ejemplo, el 13 Informe del Defensor del Pueblo al Congreso de la República o el
informe de la Human Rights Watch: «Smoke and Mirrors: Colombia’s demobilization of paramilitary groups», 2005, http://hrw.org/reports/2005/colombia0805/ [cit. 10–2–2007]
7 Arnson, C., The peace process in Colombia with Autodefensas Unidas de Colombia,
págs. 1–12.
8 El 13 Informe del Defensor del Pueblo al Congreso de la República atribuye a las AUC la
autoría de 1739 actos de infracción del derecho internacional humanitario en el año 2005, frente
a 1912 en el año 2004
9 Defensoría del Pueblo, «El 13 Informe del Defensor del Pueblo al Congreso de la República»,
128 págs.
10 En el informe del PNUD, se destaca que mientras que se desmovilizaron 10 587 combatientes,
éstos entregaron sólo 6 636 armas. Estos datos son del 20 de septiembre de 2005.
11 Sanguino, A.: «Los ciento veinte días de la Mesa de Santa Fe de Ralito o la parábola del
camión bajando una pendiente sin frenos», http://www.nuevoarcoiris.org.co/local/articulo03.htm
[cit. 10–2–2007].
12 «¿Peligra el proceso?», Semana 1 255, 20–5–2006,
http://www.semana.com/wf InfoArticulo.aspx?IdArt=94701 [cit. 10–2–2007].
226
Otro fenómeno que empieza a desenredarse hoy, y que produce la deslegitimación del proceso de paz, es la llamada para-política, es decir la alianza de muchos
políticos regionales con los paramilitares, que mediante fraudes electorales llegaron
a hacer elegir hasta la tercera parte de las currules en el Congreso.13 La revista
Semana, retomando el reciente estudio de L. Valencia y M. Romero sobre la parapolítica, indaga por los motivos que confluyeron a forjar esta alianza: aunque tal
relación pudo haber servido a extraviar los fondos públicos y regalías, es muy probable que sirviera también para afirmar los intereses paramilitares en el Congreso,
que durante la presidencia de Álvaro Uribe jugó un papel importantísimo en la
aprobación de la legislación que reglamentaría el proceso de paz y la ley 975 (Ley
de Justicia y Paz). A los políticos, por su parte, les ofrece una manera de ascenso
al poder y su mantenimiento. A principios del 2007, varios congresistas fueron detenidos y puestos en disposición de la Fiscalía precisamente por las relaciones con
el paramilitarismo. El escándalo amenazó incluso al presidente Uribe ya que entre
los detenidos se encontraba el hermano de su canciller.
De este modo, la parapolítica se constituye como una continuación y, al mismo
tiempo, una modificación del clientelismo de siempre en el contexto de erosión de
los tradicionales mecanismos bipartidistas de ascenso al poder que lograban articular las diferentes regiones del país con el Estado central, y que representaban
los intereses de las élites regionales a nivel nacional, y los intereses de la población mediante el manejo clientelista de los problemas de la gente. La parapolítica
constituye un tipo clientelismo armado que se encuentra fuera de la legalidad.
El estudio de L. Valencia y M. Romero muestra que en los territorios con fuerte
presencia paramilitar, se crearon nuevos mini partidos que incluyeron en sus listas
para el Senado tanto candidatos vinculados con los dos partidos tradicionales como
personas nuevas. Estas listas obtuvieron altas votaciones en las elecciones de 2002 y
en 2006 ganaron 1 845 773 votos, lo que representa una tercera parte de la votación
total para el Senado. En otros caso, la alianza se forjó entre las autodefensas y
candidatos de los partidos tradicionales como sugiere el caso de Alfonso Campo
Escobar, representante conservador, detenido por su participación en la Cumbre
de Curumaní en que varios políticos y los paras se repartieron el mapa político de la
Costa. De este modo, el paramilitarismo pudo conseguir «amigos en el Congreso»
de los que hablaba en su tiempo el desaparecido jefe paramilitar Carlos Castaño.
Está claro que no siempre este fenómeno tiene que estar relacionado con la presión
paramilitar en la política, sin embargo, el caso de los políticos detenidos, parece
apoyar la argumentación de los dos investigadores; como ejemplo puede servir el
senador Dieb Maloof elegido en 2002 por el Mipol en la Costa, y detenido en 2007
por las relaciones con el paramilitarismo.
Si embargo, hay que tomar en cuenta que la parapolítica no es un fenómeno
sin antecedentes. Podemos recordar el proceso 8 000 durante el gobierno Samper
(1994–1998) que evidenció la creciente penetración del narcotráfico en la más alta
política. Las manifestaciones de la parapolítica son muy variadas y no se limitan a
unos acuerdos entre algunos políticos y las AUC contraidos a puertas cerradas para
controlar el ascenso al poder mediante el fraude electoral. La maquinaria, además,
13 «Para entender la para-política», Semana 1 293, 10–2–2007,
http://www.semana.com/wf InfoArticulo.aspx?idArt=100953 [cit. 10–2–2007].
227
incluye presión y amenazas a candidatos opositores, amenazas a y asesinatos de los
líderes comunitarios, que puedan constituir focos alternativos de poder y representación de la población, manejo de fondos públicos de acuerdo con los intereses de las
partes, etc. Además, a la alianza se involucraron probablemente algunos sectores
de los organismos de la seguridad del Estado, lo que se evidencia en el escándalo
que surgió a partir de las revelaciones sobre los nexos entre algunos agentes del
DAS (Departamento Administrativo de Seguridad) y las AUC, que servían para
aniquilar a opositores, sindicalistas y presuntos guerrilleros. Recordemos, por lo
menos, el caso del profesor de sociología Correa de Andreis,14 asesinado en 2005.
Consideraciones finales
Las controversias que mencionamos en este texto terminaron cambiando el panorama del proceso de paz en Colombia. En principio, las AUC, probablemente,
querían legitimar el orden paramilitar que habían establecido en los territorios copados por ellos desarmando, por lo menos, una parte del aparato militar conservando,
sin embargo, otros elementos de su poder: redes políticas, capital económico adquirido a sangre y fuego y una parte considerable de sus combatientes para fundar
nuevos grupos armados que apoyaran en adelante sus intereses15 . El gobierno, por
su parte, quería exhibir un trofeo de 30 000 combatientes desmovilizados para ganarse votos. De haberse cumplido el libreto original de las negociaciones con las
AUC, se habría mantenido el status quo en muchos aspectos legitimándose y legalizándose las redes del clientelismo armado paramilitar.
Sin embargo, el proceso de paz hizo surgir críticas y oposición de muchos sectores: oposición política del Polo Democrático, ONGs como Amnistía Internacional,
Human Rights Watch, EE.UU., sociedad civil, etc. A partir de estas críticas, surgió
una lucha simbólica por la legitimidad del proceso de paz la cual tenía lugar, sobre
todo, en los medios de comunicación. Pero el verdadero cambio vino en el 2006
después de que se terminaran las desmovilizaciones: la revelación sobre la parapolítica, los nexos entre el DAS y las AUC y las evidencias que trajo el computador de
Jorge 40 sobre la vigencia del paramilitarismo aún después de su desarme arrojaron muchas dudas sobre las intenciones de los actores de las negociaciones de paz.
Estos factores terminaron cambiando el libreto del proceso: a finales del 2006 y
a principios del 2007, muchos capos paramilitares se encontraban recluidos en la
cárcel de Itagüí y varios congresistas, detenidos. Hay que reconocer que esta fase
fue protagonizada por el poder judicial.
Sin embargo, Colombia tendrá que enfrentar retos enormes en su camino hacia
un Estado democrático. No bastará con castigar a los paramilitares por los crímenes perpetrados, y atender a las víctimas de la guerra; habrá que desmontar
el paramilitarismo como una forma de gestión política y manejo de los asuntos
públicos. Para ello, el Estado colombiano debería superar su tradicional debilidad,
fragmentación y la exclusión social de los sectores vulnerables. ¿Será posible esto
14 «La conexión DAS–AUC», Semana 1 278, 28–10–2006,
http://72.35.86.196/wf InfoArticulo.aspx?IdArt=97846 [cit. 10–2–2007].
15 «Sin libreto», Semana 1 285, 16–12–2006,
http://72.35.86.196/wf InfoArticulo.aspx?IdArt=100119 [cit. 10–2–2007].
228
en el contexto neoliberal actual que intenta reducir al mínimo la actuación del Estado? El conflicto armado en Colombia no se ha terminado con la desmovilización
del paramilitarismo ya que todavía existe la más antigua guerrilla del mundo, las
Farc-Ep. Su desmovilización se verá muy improbable a la luz de lo que les pasó a
algunos paramilitares que se encuentran en la cárcel.
BIBLIOGRAFÍA
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Colombia. Woodrow Wilson International Center for Scholars, Washington,
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parábola del camión bajando una pendiente sin frenos», en:
http://www.nuevoarcoiris.org.co/local/articulo03.htm [cit. 10–2–2007].
Kontroverzní mírové rozhovory s Autodefensas Unidas de Colombia
z politické perspektivy
Resumé
Tato studie nabízí obecný pohled na mírové rozhovory mezi AUC a vládou
se zaměřením na kontroverzní body jednání. Připomínáme zrod polovojenských
struktur v kontextu politické demokratizace osmdesátých let jako snaha regionálních elit, drogových baronů a části ozbrojených sil podkopat tento proces a reformy
vycházející z centra. Dáváme důraz především na rozuzlení současného mírového
procesu v roce 2006, které se vyznačovalo odhalením styků mezi polovojenskými oddíly a některými členy politické garnitury (parapolítica). Tyto styky chápeme jako
druh ozbrojeného klientelizmu a jako alternativní způsob vzestupu k moci. Mírový
proces pak považujeme za prostředek k legitimizaci těchto mocenských sítí.
229
Controversy of the Peace Negotiations With the Autodefensas Unidas
de Colombia (AUC): a Political Perspective
Summary
This paper offers a general panorama of the peace negotiations between the
Government and the AUC, with attention being paid to its controversy. The paper
recalls the birth of paramilitarism in the context of the political vacuum of the 80’s
and the peace process with guerrilla groups as an attempt by the regional elite,
drugs producers and some sectors of the Army to undermine the peace process and
the reforms of the central government. We pay the actual evolution of the process
attention to during 2006, characterized by a revelation of relations between some
members of the political elite and paramilitaries (parapolítica). In our opinion,
this phenomenon represents a kind of armed clientism and a way to ascend to
political power. The peace process is understood as an AUC strategy to legalize
and legitimize its clientist net.
Radim Zámec
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
República Checa
[email protected]
230
El proceso histórico de la construcción del
Estado de Colombia y sus fracasos
Klára Bachurková
En este breve estudio, que es un torso de mi trabajo de licenciatura, vamos a
observar el proceso histórico de la construcción del Estado en Colombia con el enfoque especial en los momentos claves que han podido complicar su consolidación.1
De este modo, vamos a ver por qué el Estado quedó en medio del camino hacia el Estado moderno. Para poder proceder al análisis del proceso histórico de
la construcción del Estado, cabe explicar lo que se entiende bajo la denominación
Estado.
El Estado es una organización política soberana, que en un territorio delimitado
y con una población que comparte vínculos de pertenencia, debe ejercer el monopolio
del uso legítimo de la fuerza y regular los conflictos de la sociedad mediante un aparato
institucional de orden burocrático-administrativo, apoyado en un conjunto de normas
de carácter general. Se diferencia del régimen político en la medida en que éste es
el conjunto de reglas que regulan el acceso al poder y su ejercicio, y las relaciones
entre el ciudadano y el Estado. También se diferencia del Gobierno en tanto éste se
refiere al conjunto de personas y de órganos que ejercen el poder político, es decir,
que gobiernan y le imprimen una orientación específica al Estado.2
Los puntos de partida
La construcción del Estado no es un proceso fácil ni desprovisto del contexto exterior. Si Colombia todavía no se ha consolidado, hay que preguntarse por qué
y cómo se diferenciaba de los países occidentales que hoy en día están más o menos
consolidados.
Si comparamos Colombia con la mayoría de los países europeos, podemos notar una diferencia en el punto de partida hacia un Estado independiente. Antes
1 El
análisis no incluye el segundo mandato de Álvaro Uribe Vélez.
Banfi, J. et al., Manual para cubrir la guerra y la paz, pág. 16.
2 Abello
231
de conformarse en Estados nacionales, los países europeos tuvieron que establecer y defender sus fronteras en guerras exteriores. Para tal proceso se exigía una
consolidación interna que surgió en el momento cuando se excluyeron actores que
podrían desafiar el monopolio de la violencia del Estado. El establecimiento del
orden externo e interno de los Estados europeos no fue desprovisto de modos que
hoy en día serían supremamente rechazados, tales como el encarcelamiento de jefes locales como rehenes, el ahorcamiento de los que protestarían contra objetivos
o métodos de sus líderes, el hostigamiento de los campesinos, etc.3
Las condiciones del principio de la formación de Colombia eran diferentes.
Después de ser proclamado un Estado independiente del Reino de España, el país
(con pocas excepciones) no tuvo que defender sus límites porque las fronteras ya
habían sido establecidas y reconocidas internacionalmente. Por la inexistencia de
las guerras exteriores, que exigirían crear el poder central fuerte del Estado, el
país quedó fragmentado con la permanencia de los poderes locales más o menos
autóctonos, ayudados por los espacios geográficos tradicionalmente vacíos sobre los
cuales el Estado no tenía ningún control y a los cuales era fácil escapar frente a la
ley.
Entre otros factores que no facilitaban su consolidación era la falta de un sector comercial desarrollado que ayudaría a incorporarlo en la economía mundial.
El comercio exportador se basaba sobre todo en la exportación del oro, el único
producto capaz de compensar el costo de transporte que resultó bastante elevado
a causa del terreno difícilmente accesible debido a tres cordilleras. El comercio importador fue afectado por el mismo problema llevado al extremo debido a la falta
de la exportación que traería beneficio para poder financiar el volumen necesario
de artículos importados. Se creó un círculo vicioso: sin la infraestructura eficaz no
se podía desarrollar el sector comercial y sin el sector comercial no hubo razón por
qué construir una infraestructura eficaz.
La diversidad de las condiciones geográficas que complicaban la comunicación
de distintas partes de Colombia hizo más difícil crear el dominio del Estado central
sobre el territorio nacional. De este modo podían coexistir regiones integradas con
regiones no integradas dentro de las fronteras internacionalmente reconocidas del
país. Las regiones no integradas, donde el Estado no tenía monopolio de la justicia,
de la violencia, ni mecanismos de la regulación social, establecían sus propias reglas
bajo tutela de las élites locales y regionales que tenían el poder de negociar las
decisiones del centro para perseguir sus fines. El Estado se definía, entonces, por la
coexistencia de varios poderes de los cuales ninguno logró conquistar a los demás,
unificar el país y construir la identidad nacional.
La fragmentación de la nación dificultaba la articulación entre los niveles local,
regional y nacional de la política. La interrelación entre el centro y la periferia se
efectuaba a través de los intermediarios, élites locales o regionales que representaban a los que de otra manera no tendrían acceso a los bienes y servicios que
prestaba el Estado. Se creó una red clientelista que, de cierto modo, resultó útil
porque facilitaba la inclusión política. Sin embargo, no trajo solamente efectos positivos. Los dos partidos tradicionales, el Partido Conservador y el Partido Liberal,
3 González, F. – Bolívar, I. – Vázquez, T., Violencia política en Colombia. De la nación
fragmentada a la construcción del Estado, pág. 248.
232
utilizaban plenamente el sistema clientelista para movilizar votos. Las maquinarias
electorales demuestran bastante claramente que no funcionaban como instituciones
democráticas independientes que representarían al público, sino más bien como una
filiación de élites locales y regionales que se aprovechaban del sistema clientelista
para mantener su posición y las ventajas resultantes de ella. El clientelismo en las
condiciones de Colombia tenía doble cara. Por un lado, ayudaba al Estado a incorporar indirectamente a grupos que no podrían participar directamente. Pero
por otro lado, causaba el fortalecimiento de la fragmentación del Estado por lo
cual el proceso de la unificación y centralización, o sea, el cambio hacia un Estado
moderno, se volvió más difícil.4
El terreno extremadamente difícil, la falta de recursos, de productos para la
exportación y del poder suficiente del Estado central para imponer el programa de
obras públicas retardaron la construcción de la infraestructura eficaz. No solamente
se atrasó la unificación del país, sino también se crearon unas diferencias notables
entre distintas regiones. Las regiones cercanas a los centros urbanos grandes eran
bastante bien comunicadas y, por lo tanto, mejor controladas por el centro y la
Iglesia. Las regiones lejanas contaban con falta total o parcial de comunicaciones
y formaban espacios imposibles de controlar.
La falta de una clase hegemónica centralizada que dirigiría el Estado directamente, tendría el monopolio de la violencia y ofrecería las condiciones materiales
suficientes para la interacción social y mejor comunicación en general, son algunas
de las causas que pueden explicar la salida no muy propicia para la construcción
de un Estado moderno.
La república liberal
El período del gobierno conservador no era una época muy tranquila, lo que podemos comprobar mencionando la separación de Panamá o la Guerra de los Mil
Días. La divergencia en planos de gobiernos del tecnócrata Rafael Reyes o el del
humanista tradicional Marco Fidel Suárez,5 que demuestra la contrariedad ideológica del Partido Conservador, y la crisis del capitalismo del 1929 eran algunas de
las causas del debilitamiento del Partido Conservador. En 1930, el Partido Liberal
ganó las elecciones y asumió el poder en el país.
Los factores de carácter sobre todo rural empujaron una colonización interna
que progresaba de tierras altas hacia tierras bajas y seguía continuando a medida
que no se lograban solucionar los problemas existentes. Las luchas por la tierra
eran violentas, poco organizadas. Las reformas agrarias6 de Alfonso López Pumarejo, presidente liberal entre 1934–1938, que pretendían pacificar la situación en el
campo, incorporar a clases bajas en la política y posibilitarles gozar de los beneficios económicos y sociales del Estado, no lograron sus objetivos. Hasta cierto punto,
aumentaron las desigualdades porque consolidaron la situación de las clases campesinas superiores. Se profundizaba cada vez más el problema de una sociedad sin
4 Íbid,
pág 302.
Torres, R. A., «El proyecto político de ‘la seguridad democrática’: entre la reificación de la virtud individual y la defensa de las instituciones»,
http://www.congresoaled2005.puc.cl/pdf/Botero%20torres.pdf [cit. 28–4–2007].
6 Conocidas también como «la Ley de Tierras» de 1936.
5 Botero
233
muchas interrelaciones, jerarquizada según castas, con privilegios de ciertos grupos
e incapaz de crear un Estado moderno y unitario.
Los problemas no se limitaban al ambiente rural. La crisis del capitalismo causó
la decisión de la república liberal de dirigir el país hacia el Estado social de derecho
con una reformulación de derechos y libertades. Debido a los conflictos rurales y
a la creciente posibilidad de trabajo en las ciudades se produjo una enorme ola de
la urbanización con la cual surgieron nuevas clases trabajadoras (obreros, trabajadores en el sector de transporte, etc.) que exigían sus derechos. El Partido Liberal,
además de la reforma agraria, vino con unas reformas a favor de las nuevas clases
urbanas. No obstante, estas reformas no fueron desprendidas: se pueden considerar
como un modo de movilización social en favor del Partido Liberal que quería atraer
a nuevos votantes de filas urbanas, cada vez más importantes. Aunque el objetivo
del Partido Liberal fue, sobre todo, su fortalecimiento, el efecto secundario de estas
reformas desembocó en el parcial afianzamiento del Estado central, dándole nuevas
competencias como regulador de las luchas y relaciones sociales, sin la necesidad
de recurrir a los intermediarios que limitaran la relación directa del Estado con su
pueblo. La república liberal consiguió incorporar a nuevos sectores sociales en el
Estado moderno, por ejemplo, a la clase obrera. Infortunadamente, debido al fracaso de la reforma agraria de Alfonso López Pumarejo, no logró integrar al sector
rural.
El único sector próspero que resultó integrable en el mercado mundial era la
industria cafetera. Ésta funcionó como un elemento articulador de las regiones de
cultivo de café. Las regiones cafeteras lograron una cierta unificación bajo hegemonía de las élites comerciales, condición imprescindible para la integración en el
Estado central. Sin embargo, gracias a la ayuda indirecta e involuntaria del Brasil durante la crisis económica de 19297 los cafeteros colombianos no tuvieron que
recurrir al Estado a pedirle ayuda y quedaron independientes de él. Al contrario,
era el Estado que dependía del sector cafetero, por lo cual ése podía dictarle sus
reglas.
El proyecto liberal de la modernización y la inclusión social quedó en medio del
camino. El Estado no consiguió el control sobre todos los sectores de la sociedad
y quedó fragmentado.
Los conservadores logran recuperar el gobierno en cabeza de Mariano Ospina Pérez. Este tecnócrata y terrateniente antioqueño logra moderar significativamente los
logros de la república liberal y prepara el terreno para el gobierno de Laureano Gómez.
La propuesta de Gómez implica un intento por adoptar entre nosotros el discurso y el
régimen corporativista. Este proyecto termina por fragmentar a los sectores que intentaba aglutinar e implica un replanteamiento más o menos particular en la Colombia
contemporánea: la dictadura militar.8
7 El Brasil después de la depresión mundial bajó la cantidad del café destinado para la venta
lo que aumentó la demanda por el café colombiano.
8 Raúl Alberto Botero Torres, «El proyecto político de ‘la seguridad democrática’: entre la
reificación de la virtud individual y la defensa de las instituciones»,
http://www.congresoaled2005.puc.cl/pdf/Botero%20torres.pdf [cit. 28–4–2007].
234
La era de la violencia
Los años cincuenta se manifestaron por la era de la violencia desatada después del
asesinato del único candidato del nuevamente recuperado Partido Liberal, Jorge
Eliécer Gaitán.9 Bogotá volvió pronto a la normalidad, no tanto la situación en
el campo. La violencia que se generó en el ambiente rural provocó otra ola del
desplazamiento a las ciudades. De esta manera en las ciudades surgieron tugurios, asentamientos de gente extraordinariamente pobre que vivía en condiciones
subnormales.
La ola de violencia se explica como el colapso total de un Estado débil, fragmentado, ausente físicamente en muchas regiones, en medio de problemas internos
y con las subculturas irreconciliables de los dos partidos tradicionales que formaban
parte de una densa red clientelista. Se hizo patente la crisis de la legitimidad del
Estado.
Los intentos del general Rojas Pinilla10 de reconciliar y unificar el país no consiguieron incorporar a todos los grupos en el Estado legítimo. Siempre quedaban
algunos que se resistían a negociar. Unos grupos comunistas de la región del Magdalena Medio formaron destacamentos de autodefensas. Otros grupos o se perfilaron
hacia la criminalidad y el bandidaje, o aguardaban qué ocurriría antes de deponer
armas. La represión militar del general contra estos grupos resultó contraproducente.
Con el derrocamiento de Rojas Pinilla y su retiro al extranjero vino a Colombia
nueva era de la «reconciliación política». Surgió el proyecto de la coalición bipartidista denominada Frente Nacional. Este sistema del bipartidismo trató de superar
la antigua competencia entre el Partido Liberal y el Partido Conservador, entre
otros.
Aunque consiguió algunos resultados al atenuar el carácter violento de los años
cincuenta o configurar mayor interacción entre varios estratos sociales, el Frente
Nacional no logró unir las dos subculturas tradicionales, ni superar el tradicional
caciquismo. Su objetivo principal de conseguir la paz para todos los colombianos
resultó utópico.
La formación de grupos insurgentes
Después de la era de la violencia de los años cincuenta, Colombia refleja la prosperidad mundial. Carlos Lleras Restrepo, presidente de Colombia entre años 1966
y 1970, puso en marcha varias reformas a fin de rehabilitar las zonas de país debilitadas por la Violencia con objetivo de evitar la repetición de desastres de los
años cincuenta. En general, se puede constatar que los años sesenta significaban
una modernización política, administrativa y agraria del país. ¿Por qué, entonces,
exactamente en este período llamado «milagro colombiano» apareció tanto descontento que llevó al surgimiento de la mayoría de las guerrillas?
9 Jorge Eliécer Gaitán era el verdadero caudillo admirado por masas ya que sin vacilaciones
señalaba la corrupción, la politiquería y el fraude que invadieron la Nación y dificultaban el
progreso del país. El evento es conocido como el «Bogotazo».
10 El general Rojas Pinilla dio el golpe de Estado en 1953.
235
A pesar de los ingresos que entraban en el país, su distribución seguía muy
inequitativa, especialmente en el sector rural. La mayoría de los campesinos colombianos vivían en pobreza absoluta, así que la reforma agraria otra vez no consiguió
equilibrar las diferencias en el campo y el Estado allí continuaba ilegítimo e impotente. Algunas reformas, aunque exitosas, produjeron efectos no deseados. Se
generó mayor consciencia de la gente acerca de su nivel de vida, incrementada por
la llegada de la televisión. Se afirmó la convicción de los colombianos, tanto del
sector rural como del sector urbano, de que la política era cerrada e improductiva
y las vías democráticas de reformas agotadas. Esto llevó a la separación entre la
clase política y la sociedad y a la convicción de algunos grupos de izquierda radicalizados de que la única posibilidad de reformar el país era a través de la opción
armada.
A finales de los años ochenta, en Colombia existían cuatro organizaciones guerrilleras: las FARC (las Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia),11 el M-19
(Movimiento 19 de Abril),12 el ELN (el Ejército de Liberación Nacional)13 y el EPL
(el Ejército Popular de Liberación).14 Además de estos cuatro grupos más importantes, había otros grupos insurgentes activos más pequeños y no tan organizados.
De estos grupos insurgentes con orientación de izquierda, las FARC se tornan más
visibles en la escena del conflicto colombiano y son, sin duda, más numerosos. Las
prácticas para conseguir sus fines son violentas, basadas en secuestros, extorsiones
u homicidios, etc.
La consolidación de las AUC (Autodefensas Unidas de Colombia) en los años
ochenta se suele vincular a una suerte de gamonalismo escindido del Estado central. Las élites locales desafían el monopolio de violencia del Estado que no es capaz
de defenderlas frente a los guerrilleros de izquierda y deciden luchar por sus intereses ellas mismas. Las AUC se consideran una organización de extrema derecha.
Defienden el capitalismo, la inversión extranjera, la propiedad privada y protegen
a sus alineados (ganaderos, narcotraficantes, etc.) contra incursiones armadas de
los grupos de izquierda. En general, están en contra de cualquier movimiento que
disturbe el orden social y económico establecido en el campo.
Aunque los discursos de la izquierda y de la derecha son distintos, sus prácticas
resultan iguales. Tanto los grupos de la izquierda como los grupos de la derecha
son considerados como organizaciones terroristas y recusados internacionalmente.
11 Las FARC se consolidaron de las antiguas autodefensas campesinas comunistas de la región
del Magdalena Medio durante la era de la Violencia. Su impacto empezó en zonas de frontera
abierta de donde se expandían hacia zonas más prósperas. Funcionaban como sustitución del
Estado que no estaba presente en esas regiones. Su objetivo era acabar con las desigualdades
económicas, políticas y sociales, instalar el colectivismo en las zonas de su influencia, lo que no
era compatible con los deseos de los campesinos locales de poseer su propia tierra, pero por la
inexistencia del Estado ésos les resultaron por fin mucho más útiles garantizándoles el orden social
y la protección económica.
12 El M-19 surgió en 1973. Su nombre era asociado con la fecha cuando el general Rojas Pinilla
perdió las elecciones. Se trataba de un movimiento nacionalista de izquierda con el programa
un tanto vago. Lo cierto es que sentía una hostilidad a la influencia proveniente de los Estados
Unidos. Se hizo conocido por sus métodos sangrientos y espectaculares (terrorismo urbano).
13 El ELN se dejó inspirar por la revolución cubana de Fidel Castro quien les ayudaba con
el entrenamiento y a financiar sus acciones. Sus bases iniciales estaban ubicadas en valle medio
del río Magdalena, en el departamento de Santander.
14 El EPL se inspiró en la variante maoísta del comunismo y logró una cierta importancia en
tierra baja de norte de Antioquia.
236
El conflicto armado
El conflicto armado que acompaña la historia reciente de Colombia no es un proceso raro o inesperable. Es una manifestación bastante previsible de una sociedad
heterogénea, con principios y exigencias distintas entre varios grupos que o se pueden tolerar y convivir, o formar dos (o más) extremos irreconciliables por vía
pacífica. Eso ocurre cuando un Estado no domina la complejidad y diversidad de la
sociedad y no consigue ejercer políticas igualitarias para todos los grupos sociales
pertenecientes a su territorio. Unos grupos (especialmente los del centro, de las regiones ampliamente integradas) sienten una preferencia de parte del gobierno central
y tratan de mantenerse esta posición, no tomando en consideración a los demás
grupos sociales que quedan más a la sombra. Los grupos que se sienten excluidos,
abandonados, tratan de establecer para sí un lugar más firme y aceptado en la
jerarquía estatal. El conflicto armado es una de las posibilidades, aunque violenta,
de cómo hacerse visible, de cómo luchar por el reconocimiento de sus opiniones. De
hecho, algunos lugares quedan olvidados por el centro hasta que se dejen ver por
acciones bélicas locales. Es comprobado que varias regiones lejanas se incorporaron
al Estado colombiano después de que ése tuvo que mandar allí sus tropas militares para pacificar las rebeliones locales. El conflicto armado puede servir para una
cierta dominación de algunas regiones desintegradas y solucionar, en algunos casos,
la fragmentación del Estado.
Sin embargo, el conflicto armado como tal en cada caso pone en cuestión la
legitimidad del Estado central que no es capaz de dominar a todos sus actores sociales, establecer relaciones aceptadas por ellos y buscar soluciones de sus problemas
más vistosos. En Colombia, el Estado estaba poco dispuesto a ocuparse de la problemática de la propiedad de la tierra o de los problemas sociales y económicos
de sectores sociales subordinados y tendía a excluirlos de la política oficial, lo que
llevó al surgimiento de las guerrillas izquierdistas que reclamaban sus derechos mediante varios medios violentos. Ni la apertura democrática del 1966 que permitió
el surgimiento de la ANUC (Asociación Nacional de Usuarios Campesinos) logró
legalizar los reclamos de la izquierda, consolidar y firmemente incorporar a los movimientos izquierdistas en la política representativa del nivel nacional. La ANUC
pronto desapareció.
Las guerrillas no quedan en ambientes rurales casi abandonados, sino que se
acercan a regiones más ricas (zonas petroleras, mineras, agropecuarias, etc.), más
incorporadas en el Estado. De las regiones pobres donde, de cierto modo, podían
ser consideradas como una sustitución del Estado, vienen a regiones donde tal
sustitución es aún mucho menos deseable. Varios sectores se oponen y, después de
no encontrar apoyo suficiente del Estado y las Fuerzas Armadas, crean sus propias
tropas de autodefensa, lo que a principios es bien acogido y apoyado por el Estado.
Empiezan verdaderos masacres cuando un grupo quiere eliminar al otro. Incrementa
la tasa de la violación de los derechos humanos sobre la sociedad civil.
Poco a poco se empieza a evidenciar el interés de las AUC por controlar las
rutas de la coca, sus actividades en el narcotráfico, las prácticas iguales a las de
las guerrillas, etc. La presión del exterior que no aceptaba la violación de los derechos humanos y la lucha internacional contra el narcotráfico contribuyen a que el
gobierno central se empieza a distanciar de ellas. En 1989 son declaradas ilegales.
237
En general, el conflicto bilateral entre el Estado y los grupos insurgentes de
la izquierda se volvió más complejo, porque surgió otro elemento enemigo. Las
negociaciones de paz con el Estado se complicaron. Resultó muy difícil buscar soluciones con dos grupos irreconciliables al mismo tiempo, aun más si los dos grupos
eran involucrados en el narcotráfico, bastante fuertes económicamente y totalmente
independientes.
Las negociaciones de paz
Belisario Betancur, presidente colombiano entre 1982 y 1986, decidió pacificar la
situación en el país por vía política y no militar. Declaró una amnistía para los
grupos insurgentes y les ofreció la posibilidad de incorporarse en la política oficial.
Un grupo menos radical de las FARC realmente se desmovilizó y creó su partido
político (la Unión Patriótica). Sin embargo, aunque se abrió la posibilidad de una
solución pacífica del conflicto armado, las negociaciones de paz que empezaron en
1982 en realidad no pacificaron la situación en el país. Por el contrario, el conflicto
armado se intensificó. Las promesas a sectores sociales excluidos se desvanecieron
tan pronto como surgieron. El esfuerzo de las FARC por la inserción en la política
civil a través de la creación y mantenimiento asegurado de su propio partido político
civil legal tuvo consecuencias inesperadas: en 1985, alrededor de 3 000 miembros
de la Unión Patriótica fueron asesinados. El ala menos radical de las FARC fue
aniquilada y el resto radical de esta organización se aseguró de que la solución
pacífica no era sincera y decidió continuar por vía militar.
En 1990 se logra reincorporar el M-19, el EPL y otros grupos menores en la
política civil más abierta, pero los grandes grupos armados continúan con la guerra
total. La decisión del presidente Samper (1994–1998) de seguir con los diálogos y de
construir una estrategia de paz se ha vuelto imposible después del descubrimiento
de sus fuentes de financiación de la campaña electoral provenientes del narcotráfico.
Tal evento deslegitimó al Gobierno y agravó la crisis del régimen.
La tendencia global de una apertura de países hacia fuera en cuestiones políticas, económicas, culturales o sociales, entre otras, ofrece mayor posibilidad de
buscar soluciones fuera del país. El conflicto armado llega a ser un problema más
internacional. El presidente Andrés Pastrana (1998–2002) se aprovecha de la ayuda
ofrecida por los Estados Unidos, Europa y otros países (Japón, Suiza, etc.) y se
ratifica el Plan Colombia. Se trata de un ambicioso proyecto de la lucha contra
el narcotráfico y el fomento del desarrollo económico del país que, sin embargo,
fracasa. En 2002, se interrumpen las negociaciones de paz con la guerrilla.
Tras políticas fracasadas del presidente Andrés Pastrana de acercarse a los
grupos guerrilleros de izquierda y dominarlos y el creciente descontento público,
Álvaro Uribe Vélez,15 el antiguo gobernador de Antioquia, decidió lanzar su propia
15 Álvaro Uribe Vélez nació el 4 de julio de 1952 en Medellín, departamento de Antioquia. Sus
padres Álvaro Uribe Sierra y Laura Vélez eran terratenientes y ganaderos. Su hijo se licenció
con honores en la Universidad de Antioquia en la carrera Derecho y Ciencias Políticas y continuó con sus estudios hasta recibir el doctorado en la misma especialidad. En 1993 terminó el
postgrado en Especialización y Gerencia, al que siguió el curso sobre Negociación de Conflictos, ambos en la Universidad de Harvard. En 1998 obtuvo una beca Simón Bolívar del British
Council de Bogotá y fue nombrado senior associate member del Saint Anthony’s College de la
Universidad de Oxford del que fue profesor asociado en 1998 y 1999. Antes de asumir el po-
238
candidatura presidencial. La admisión de la ayuda americana en la erradicación
del narcotráfico y la lucha contra las tropas insurgentes, la política de la seguridad democrática (en realidad, la extensión de las Convivir16 de Antioquia a nivel
nacional),17 el empeño por derrotar el clientelismo, la corrupción y la politiquería,
el esfuerzo por crear el Estado incorporado en el mercado mundial, pero con la
política social, o sea, las propuestas bastante complejas de cómo regir el Estado,
entusiasmaron a muchos colombianos que lo votaron en las elecciones presidenciales de 2002. El entonces aspirante a la presidencia Álvaro Uribe Vélez, candidato
independiente, ganó con el 53,1 % del total de los sufragios, sin la necesidad de
proceder a la segunda vuelta.
Las propuestas de Álvaro Uribe Vélez
Desde el principio, el Presidente, consciente de la gravedad y complejidad de varios
problemas de su país, decidió establecer el proyecto político de la seguridad democrática, parecido a los proyectos de la época de la Regeneración, de la república
liberal, de la dictadura de Rojas de Pinilla o del Frente Nacional. Su objetivo era
recuperar el control hegemónico del Estado.
La política de seguridad democrática en Colombia es una política gubernamental
del presidente Álvaro Uribe Vélez que propone un papel más activo de la sociedad
colombiana dentro la lucha del Estado y de sus órganos de seguridad frente la amenaza de grupos insurgentes y otros grupos armados ilegales. La política de seguridad
democrática plantea que existe la necesidad de fortalecer las actividades y presencia
de los órganos de seguridad a lo largo del territorio nacional, y que al mismo tiempo
debe ser la sociedad y no sólo los órganos de seguridad quien debe colaborar para
obtener un éxito militar satisfactorio frente a los grupos armados al margen de la ley,
que lleve a la desmovilización o rendición de sus miembros.18
A pesar de la los objetivos plausibles de la Seguridad Democrática propagados
por el Presidente, se oyen voces muy críticas.
La profesora María Teresa Uribe acuña una expresión para nomenclar el proyecto
político de la Seguridad Democrática: Republicanismo Patriótico. Ella, a semejanza de
otros analistas políticos, advierte en la propuesta vigente la coexistencia de un aparato
administrativo inorgánico, colonizado por intereses privados legales e ilegales y cruzado
der del primer mandatario de Colombia, trabajó en puestos prestigiosos como jefe de Bienes
de Empresas Públicas de Medellín (1976), secretario general del Ministerio de Trabajo (1977,
1978), director del Departamento de Aeronáutica Civil (1980–1982), alcalde de Medellín (1982),
concejal de Medellín (1984–1986), senador por el Partido Liberal (1986–1990, 1990–1994). Fue elegido el gobernador de Antioquia para el período de 1995 a 1997. «Álvaro Uribe», en: Wikipedia,
http://es.wikipedia.org/wiki/%C3%81lvaro Uribe V%C3%A9lez [cit. 23–8–2006].
16 Asociaciones Comunitarias de Seguridad.
17 La seguridad privada fue introducida por la primera vez durante la presidencia de Ernesto
Samper, cuando Uribe era gobernador de Antioquia, para defender a los campesinos hacendados
frente a los grupos insurgentes. Fue acusada varias veces del abuso de los derechos humanos o la
legalización de las AUC. Declarada ilegal en 1997.
18 «Política de seguridad democrática», en: Wikipedia,
http://es.wikipedia.org/wiki/Pol%C3%ADtica de seguridad democr%C3%A1tica
[cit. 28–4–2007].
239
por transversalidades de diferente naturaleza, y la voluntad de un presidente mesiánico
con pretensiones de eficacia y de mostrar resultados rápidos y contundentes.19
Considerando el conflicto armado como uno de los problemas centrales, el Presidente decidió aprovecharse de la colaboración con los Estados Unidos promovida
ya durante el gobierno de Andrés Pastrana a través del Plan Colombia20 y desafiar
a duelo a los grupos fuera de la ley. Después de varios intentos de negociaciones con
los grupos insurgentes de la izquierda en los años anteriores, se decide promover la
negociación de paz con las AUC.
Hay que admitir que lasAUC tienen una posición diferente que otros grupos
insurgentes en Colombia. La postura del Estado hacia ellas siempre ha sido más
benevolente, menos estricta, ya por el mero hecho de que sus tropas se entendían
a principios como una parte del ejército oficial, más organizada, mejor entrenada
para combatir a los grupos incómodos. Aunque han sido declaradas ilegales y oficialmente se rechazan, no cabe duda de que su propuesta de gestión económica es
compatible con los principios neoliberales lo que es la tendencia económica y política de los últimos gobiernos. Por ello, negociar con ellas debería ser más fácil.
Durante el primer mandato de Álvaro Uribe Vélez (2002–2006) el Gobierno
logra unos éxitos en la cuestión de las negociaciones de paz con las AUC. En
2002 las AUC anuncian un alto el fuego y se inician las conversaciones con ellas. Se
empieza con la desmovilización a la que se comprometieron. Los logros en el proceso
de paz poco a poco se empiezan a explicar por muchos recesos del Gobierno y por su
política «pro paramilitar». Se empieza a extender que las penas para los miembros
desmovilizados son benévolas, que las penas de prisión son reducidas, que se les
ofrecen beneficios económicos y judiciales incluso si se niegan a cooperar con las
investigaciones de las instituciones del Estado o si no se confiesan de sus hechos ni
devuelven la tierra ocupada a sus propietarios originales, etcétera. Existe un vacío
legal que garantiza una impunidad para los paramilitares desmovilizados.
En todo caso, no se pueden subestimar los esfuerzos del Gobierno por traer
la paz al país y tampoco se puede negar un avance en las negociaciones de paz
y la creciente seguridad en Colombia. Se empieza a hablar también del intercambio
humanitario con las FARC.21
Los Estados Unidos ofrecen al nuevo presidente Uribe Vélez el alargamiento
del Plan Colombia, lo que éste acepta. Sin embargo, las evidentes simpatías del
Presidente hacia los EE.UU. y sus políticas causan que se descuida la controversia
del Plan Colombia que se presenta como una ayuda humanitaria, y se calla sobre una intervención política, económica y militar que ejercen los Estados Unidos.
Dentro de los convenios bilaterales, Colombia obedece las órdenes provenientes de
los Estados Unidos y permite «imponer y favorecer a importantes transnacionales
del petróleo y del carbón, facilitar la privatización de las principales empresas estatales especialmente en los sectores de salud, educación y comunicaciones, proteger
19 Botero Torres, R. A., «El proyecto político de «la seguridad democrática»: entre la reificación de la virtud individual y la defensa de las instituciones»,
http://www.congresoaled2005.puc.cl/pdf/Botero%20torres.pdf [cit.: 28–4–2007].
20 El Plan Colombia fue posteriormente llamado Plan Patriota.
21 Parado después de un atentado de coche-bomba atribuido a las FARC.
240
a los terratenientes empeñados en el desarrollo agroindustrial y ganadero, y principalmente, apoderarse de las enormes riquezas de la Amazonía».22 Quiere decir,
la ayuda de los Estados Unidos no es desprendida. Bajo la tutela de los EE.UU.
se introduce en el país la política neoliberal, el mercado libre (Tratado de Libre
Comercio, por ejemplo), etc. Colombia se convierte en una base latinoamericana
aliada a los EE.UU. (al contrario de la mayoría de países de América Latina con
inclinación a la izquierda).
El neoliberalismo y la política del mercado libre son dos de los rasgos que
separan la política populista tradicional de la política neopopulista a la que inclina Álvaro Uribe. El populismo latinoamericano tradicional pretendía fortalecer
el mercado interior, regularlo, sustituir la importación por la industrialización interna y redistribuir el ingreso (disminuir las desigualdades sociales y económicas
y ampliar el consumo). El sistema neopopulista insiste en la apertura del mercado
que, infelizmente, va en contra de la política social, con lo cual se aumentan las
desigualdades entre la gente, miseria o indigencia total en un lado, y los empresarios privados más ricos de toda la historia con el enriquecimiento de los bancos
estatales en otro lado.
Para evitar la corrupción y el clientelismo tradicional, el Presidente propaga el
sistema de la democracia directa con el cual pretende abrir mayores posibilidades
de la interacción socio-política entre la figura del primer mandatario y las demás
clases sociales que son consideradas legítimas (estrictamente se excluyen los grupos
ilegales).
Un hecho bastante importante de introducir a la práctica la democracia directa fue el Referendo preparado para el 25 de octubre de 2003. Se ofrecía a los
ciudadanos la posibilidad de decidir si aprobarlo o no. El Referendo era una reforma constitucional a través de los procesos sociales, políticos y económicos en
el nivel global y local.23 Sin embargo, desde principios tenía que enfrentar varias críticas que sostenían que más bien se trataba de una concepción neoliberal
y autoritaria del Estado que en el nivel económico, político y militar ejecutaban
y reclamaban de América Latina los Estados Unidos, o que varias de las sugerencias
que traía el Referendo eran de muy poca efectividad, populistas y propagandísticas. A pesar de una propaganda amplia, el Referendo fracasó. Sorpresivamente, el
Presidente no perdió su popularidad. El suspenso del Referendo mostraba el desacuerdo con las propuestas políticas y económicas del Gobierno, pero no con la
persona del Presidente, «que conservaba el 80 por ciento de la popularidad en las
encuestas».24
22 «Plan Colombia», en: Wikipedia,
http://es.wikipedia.org/wiki/Plan Colombia [cit.: 28–4–2007].
23 De las sugerencias propuestas en el Referendo citamos las más relevantes: voto nominal y público, eliminación de las suplencias, mayor participación pública en las decisiones de inversión
pública a través de las audiencias públicas consultivas, manejo de los servicios administrativos
públicos por una entidad pública o privada, reducción del tamaño del Congreso, ampliación de
las causales por las cuales los altos funcionarios pueden perder su investidura, reforma de las
pensiones y salarios, supresión de contralorías, prohibición de los auxilios con fines electorales,
utilización de los ahorros para educación y saneamiento básico, otros recursos para apoyar la
educación y el saneamiento básico, finanzas públicas sanas, destinos de ahorros y fortalecimiento
de los partidos políticos.
24 Torre, C. de la, «Álvaro Uribe o el neopopulismo en Colombia», págs. 79–80.
241
Otra de las herramientas de la democracia directa son los Consejos Comunales
que surgieron durante el primer mandato del presidente Álvaro Uribe Vélez. Se trata
de unas sesiones que tienen lugar todos los sábados en distintos lugares del país
a fin de que se fortalezca la colaboración entre los gobiernos nacional, departamental
y local. Esta colaboración serviría para superar la desintegración de algunos estratos
sociales y también para promover un control más eficiente de altos funcionarios,
introducir mayor transparencia en la ejecución de tareas y, en consecuencia, ganar
mayor credibilidad entre ciudadanos. Los Consejos Comunales son utilizados, al
mismo tiempo, como una propaganda positiva de la figura del primer mandatario.25
La propaganda positiva del primer mandatario y de su gobierno sigue siendo uno
de los factores más importantes en la construcción del Estado. Si los ciudadanos
comprenden el Estado como legítimo, si se dan cuenta de los esfuerzos realizados, se fijará la posición de él y el Estado puede ganar la credibilidad entre sus
ciudadanos.26
Epílogo
Durante el primer mandato de Álvaro Uribe Vélez fue aprobada la reelección presidencial que le posibilitó al Presidente participar en las elecciones del 2006. La
victoria le prolongó el cargo del primer mandatario de Colombia para los siguientes
cuatro aňos.
El conflicto armado sigue siendo el problema principal del país. Viene estrechamente unido con otros problemas de índole política, económica y social. Generalmente es visto por los representantes del Estado desde el síndrome de enemigo lo
que limita el análisis más profundo de las causas que pudieron llevar a él. No se
resuelven suficientemente los problemas estructurales como, por ejemplo, la desigualdad social y económica, injusticia social y económica o exclusión social y política
que dirigieron a muchos actores sociales a buscar soluciones agudizadas y violentas.
En vez de buscar las causas y tratar de hacer una verdadera reforma estructural,
se recurre a la eliminación de las consecuencias indeseadas.
El presidente empezó su segundo mandato en agosto de 2006 con las promesas
de avanzar con el desarraigo de varios males existentes en Colombia. Veremos si
realmente cumplirá con lo prometido y conseguirá algún progreso en el proceso de
la construcción del Estado.
25 El Presidente, frente a las pantallas televisivas, «aprueba» las partidas que ya habían sido
aprobadas antes por las clases políticas. El resultado es que parece él mismo que regala las
partidas a varias regiones, lo que lo vuelve omnipotente, filántropo y heroico. Además, Cristina
de la Torre (Torre, C. de la, «Álvaro Uribe o el neopopulismo en Colombia», pág. 62.) habla de
una «censura oculta» en las sesiones de los Consejos Comunales. Dice que la clase política queda
bajo supervisión y dominación del primer mandatario que resulta superior. También el público, si
quiere interpelar, tiene que haberlo pedido previamente y especificar el tema que quiere exponer.
26 La veracidad de tales afirmaciones se puede comprobar por el mero hecho de que el Presidente
ha sido reelegido en 2006 con más del 62 por ciento de votos, seguido por el candidato del Polo
Democrático Alternativo, Carlos Gaviria, que obtuvo el 22 por ciento de votos.
242
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243
Historický proces konstrukce státu v Kolumbii a jeho neúspěchy
Resumé
Tato práce se snaží analyzovat proces konstrukce státu v Kolumbii během její
historie a snaží se upozornit na překážky, které bránily konsolidaci moderního státu
v zemi.
The Historical Process of the Construction of the State in Columbia
and Its Failures
Summary
This paper attempts to analyze the process of the construction of the state in
Columbia during its history and the difficulties that prevent the consolidation of a
modern state in that country.
coordinador de tesis: prof. PhDr. Jiří Černý, CSc.
Klára Bachurková
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
República Checa
[email protected]
244
« Qui, parmi vous, mérite la vie éternelle ? »
(La possibilité d’une ı̂le, p. 10)
L’histoire de la littérature française n’est pas la seule à se caractériser par une
succession d’écrivains. Depuis longtemps, ces auteurs défilent devant les yeux des
lecteurs, attirent leur attention, se trouvent au centre de leur intérêt. Comme le
champ des lettres françaises est d’une grande étendue, certains parmi eux passent
inaperçus. Or, ce n’est pas le cas de Michel Houellebecq à l’oeuvre de qui le domaine de l’écriture française contemporaine fait une place toute particulière. La
production de celui qui est haı̈ par les uns et idolâtré par les autres reste souvent
incomprise. Cette ambiguı̈té dans l’interprétation de l’œuvre houellebecquienne a
attiré notre attention. Dans La possibilité d’une ı̂le, le quatrième roman de l’auteur
mentionné, nous nous concentrons sur le manque d’amour, la solitude, le silence,
la mort et la souffrance, afin de révéler l’image apocalyptique de la société contemporaine esquissée dans l’oeuvre.
« Comme principe l’amour, l’ordre comme base et le progrès pour destin. »1
Cette formule dont l’auteur est Comte, pourrait s’appliquer à La possibilité d’une
ı̂le.2 Les trois domaines qu’elle mentionne y apparaissent de manière inégale mais
forment un ensemble clair et compréhensible. L’accent est mis particulièrement
1 Arrabal,
Fernando, Houellebecq, Paris, Le Cherche Midi, 2005, p. 87.
du roman est construite sur le récit de vie que Daniel 1, le personnage principal,
a écrit il y a deux mille ans. Lorsqu’il est découvert et lu par Daniel 24 puis par Daniel 25, ses
successeurs, la terre se trouve depuis longtemps dans un état dévasté en suite d’une apocalypse
nucléaire. Quand Daniel 1 écrit son récit de vie, il demeure en Espagne à notre époque. Ce comique
riche et célèbre qui gagne de l’argent avec ses sketchs provocateurs et cyniques vit avec deux belles
femmes, Isabelle, puis Esther. Lorsqu’elles le quittent il a le recours à la secte élohimite qui au
cours du XXIe siècle supplante toutes les religions. Sa promesse d’immortalité attire l’attention
des hommes surtout ceux qui ont dépassé la cinquantaine et n’ont plus la capacité de suivre les
valeurs imposées par l’époque. Avant d’effectuer le suicide volontaire, les membres donnent leur
ADN et le récit de vie afin d’être clonés et de revivre un jour comme néo-humains. Ceux-ci,
fabriqués d’un mélange de gaz et de molécules, arrivent sur terre à l’âge de dix-huit ans. Comme
leurs prédécesseurs, eux aussi se suicident lorsqu’il se sentent vieux, c’est-àdire à partir de la
cinquantaine. Ils vivent seuls et attendent l’arrivée des Élohims, le symbole de l’éternité.
2 L’histoire
245
sur l’amour. Il est donc possible d’interpréter le roman comme la quête de ce
sentiment.3 Au début, il est dominé par la carrière de Daniel 1, puis il devient une
nécessité humaine. Le manque d’amour pourchasse le héros de sorte que celui-ci
découvre avec l’âge l’exclusivité de ce sentiment et souligne également le fait de la
dépendance dans une relation. Après la séparation avec Isabelle, il ne supporte pas
le poids de la solitude. Attiré par la jeune Esther, il croit trouver chez elle ce qu’il
a perdu avec la précédente, « [. . . ] mais Esther n’aimait pas l’amour, elle ne voulait
pas être amoureuse, [. . . ] »4 . Il est même impossible de parler de la compréhension
entre Daniel 1 et Esther. Ils représentent des générations différentes voire opposées
qui n’arrivent pas à se rejoindre. Lorsque Daniel 1 comprend le fossé temporaire qui
le sépare de la jeune fille, le désespoir envahit ses pensées. La possibilité de l’amour
pour Daniel 1 diminue et il en est conscient. Seule l’image de la vie sans amour
partagé signifie pour lui la vanité de son existence, le néant. C’est pourquoi il réalise
cette course furieuse au bout de laquelle il espère trouver l’amour : « Quelque chose
en moi savait donc, avait toujours su que je finirais par rencontrer l’amour [. . . ]. Je
n’avais pourtant rien d’un naı̈f; je savais que la plupart des gens naissent, vieillissent
et meurent sans avoir connu l’amour. »5 Aux yeux de Daniel 1, ce que la vie a de
meilleur, c’est l’amour. Quant à Esther, elle s’y montre indifférente comme toute
sa génération.
La solitude se révèle être un élément important dans l’univers romanesque houellebecquien. Elle est la conséquence logique du vieillissement. À partir du moment
où Daniel apprendra qu’il ne lui reste plus personne, il n’arrivera jamais à s’en
sortir. Ses tentatives pour sortir de la solitude demeurent vaines : « Je crois surtout
que mes actes n’avaient plus réellement de sens, que je commençais à me comporter
comme un vieil animal blessé à mort qui charge dans toutes les directions, se heurte
à tous les obstacles, tombe et se redresse, de plus en plus furieux, de plus en plus
affaibli, affolé et enivré par l’odeur de son propre sang. »6 Dès les premiers instants
Daniel était conscient de la différence d’âge qui le séparait d’Esther ainsi que de la
gêne qu’elle pourrait en ressentir plus tard. Il vivait dans un monde qui interdisait
d’être vieux et savait qu’à un moment donné, elle s’en irait avec quelqu’un de plus
jeune. Sachant que le moment s’approche il essaie tout en vain pour la retenir.
Après avoir quitté Isabelle, il est lui même abandonné par Esther sans aucune pitié ni un quelconque sentiment : « [. . . ] les jeunes se débarrassaient des vieux sans
ménagements sans états d’âme, simplement parce qu’ils étaient trop faibles pour
se défendre [. . . ]. »7 Le manque de respect et l’absence de solidarité, telles sont les
tendances visibles dans le roman. Les deux révèlent un vide entre les générations
où l’une ne supporte pas l’autre. La haine renforce leur rivalité et fait échouer
la possibilité de la compréhension : « Tel était le vrai sens de la solidarité entre
3 L’œuvre d’Anna Gavalda se caractérise par le même sujet : « Ce thème unificateur pour les
récits gavaldiens reflète la situation de l’homme dans la société contemporaine, il prend sa source
dans le sentiment de la souffrance, de la soif d’amour, et s’exprime par un besoin affectif suivi de
la quête d’un être proche, d’un compagnon pour la vie, ou au moins, pour quelques instants. »
Voždová, Marie, Les « voix narratives » dans les nouvelles d’Anna Gavalda, In : Romanica
Olomucensia XV, UP Olomouc, 2005, p. 286.
4 Houellebecq, Michel, La possibilité d’une ı̂le, Paris, Fayard, 2005, p. 340.
5 Ibid, p. 174.
6 Ibid., p. 320.
7 Ibid., p. 215.
246
générations : il consistait en un pur et simple holocauste de chaque génération au
profit de celle appelée à la remplacer, holocauste cruel, prolongé, et qui ne s’accompagnait d’aucune consolation, aucun réconfort, aucune compensation matérielle ni
affective. »8 Non seulement les vieux ne peuvent pas échapper à leur destin ignoble,
mais à l’époque de Daniel ils n’ont plus aucun droit. Tout est réservé aux jeunes :
l’amour, le désir, la sexualité. . . Leurs « adversaires » maltraités ne peuvent même
pas se révolter contre l’humiliation. Il leur est interdit de se défendre contre le
monde dont la violence les écrase. Obligés de subir le traitement, quelque féroce
qu’il soit, ils sont considérés comme des déchets. Partant de cette idée il ne leur
est accordé qu’une survie misérable, limitée. Le désespoir envahissant issu de la
situation paraı̂t être creusé par la solitude qui ne tarde pas à se présenter. Avec elle
la vie humaine tombe dans le néant et semble atteindre son point culminant.
Lorsque l’on compare les deux « mondes » du roman, celui des humains et celui de leurs successeurs, l’atmosphère silencieuse y demeure fort présente. Comme
elle dépend des valeurs imposées, elle varie selon l’époque. Ni la raison ni la conséquence du silence ne sont identiques pour les contemporains de Daniel et pour
les néo-humains. Chez les premiers, le silence prend sa source dans l’homme et
s’étend progressivement à l’intérieur de la société. La puissance avec laquelle règne
le silence est due aux principes de l’essence et de l’existence de l’homme. En revanche, le silence chez les néo-humains représente un héritage des humains. Daniel
est menacé par le silence, ce qui n’est pas le cas des néo-humains. Les hommes
sont dépassés par celui-ci tandis que les néo-humains le maı̂trisent. À l’époque de
Daniel, le silence prend les caractères du danger, qui disparaissent plus tard avec
l’humanité. C’est pourquoi les commentaires des néo-humains ne témoignent pas
du mouvement du silence mais de sa stagnation. La faible connaissance de la parole
éloigne les individus les uns des autres. Mais ce n’est pas ici que la dégradation
s’arrête. Puisque les hommes ne communiquent plus, la parole perd sa valeur. Les
gens se parlent très peu non seulement parce qu’ils ne savent pas quoi se dire mais
aussi parce qu’ils n’ont plus rien à se dire. La conversation paraı̂t occasionnelle ce
qui est confirmé par la communication de Daniel : « C’était notre première vraie
conversation, et c’était d’ailleurs me semblait-il la première vraie conversation que
j’aie avec qui que ce soit depuis des années, [. . . ]. »9 Étant en opposition avec le
bruit, le silence aide à dresser la barrière non seulement entre les générations mais
aussi à l’intérieur de chacune d’elles. Quand les néo-humains étudient les vies de leurs prédécesseurs, ils n’arrivent que très mal à comprendre certains comportements
humains. Ces clones sont pourtant issus de l’espèce des hommes dont ils ont adopté les caractéristiques afin de les dépasser. Une distance immense sépare les deux
existences, les deux époques distinctes. Elle a pris pour base l’incompréhension qui
s’était étendue sur l’humanité. Pour Daniel et Isabelle, la situation varie parfois
légèrement. Lorsqu’ils vivent en couple, le silence a d’autres fonctions que lorsqu’
ils se retrouvent seuls. Dans ce dernier cas, la solitude souligne plutôt la dégradation de l’homme suite aux aspects imposés. Comme ils ne peuvent échapper ni
à ces ordonnances artificielles ni aux lois naturelles, Daniel et Isabelle sont forcés
d’accepter un labyrinthe sans issue : « [. . . ] c’était comme si nous étions entrés dans
8 Houellebecq,
9 Ibid.,
Michel, La possibilité. . . op. cit., p. 394.
p. 468.
247
une zone de silence, provisoire ou définitive, [. . . ]. »10 Puisque le processus cognitif
a échoué, tous les individus, les humains comme les néo-humains demeurent dans
le silence total, dans l’absence de parole avec le poids du néant présent.
L’odeur de la mort pèse de manière implicite sur toute l’histoire de ce livre.
Elle est omniprésente dans l’esprit des humains de même que dans celui des néohumains. On peut la comparer à la nuit, tandis que le jour représente la vie. Avec
les lois du temps, la mort comme la nuit n’assure que le progrès. Aucune des
deux ne s’endort jamais, soumise aux lois de la nature. Tombés en pourriture, les
contemporains de Daniel 1 ont les possibilités suivantes hormis la vie éternelle :
soit ils meurent directement avant ou pendant la chute de la terre, soit ils survivent
en tant que sauvages sur la terre ravagée pour que celle-ci les accueille en fin
dans ses entrailles. Le retour continuel de la nuit témoigne de la puissance de la
mort. Lorsque le jour s’achève, la nuit s’empare du pouvoir et jette la journée
dans le vide. La nuit symbolisant la mort du jour fait avancer l’existence vers le
déclin. Comme elle revêt des couleurs sombres, sa proximité des idées obscures est
certaine. On peut dire de la nuit qu’elle renvoie à la solitude absolue. La fatalité
de la nuit ramène Daniel vers sa propre mortalité. Inéxorable, elle lui dresse sa
condition limitée. Ce retour nocturne ne cesse de creuser la solitude de Daniel, le
confiant à des souffrances profondes. Celles-ci sont d’autant plus accentuées qu’il
se rend compte de son vieillissement. Pour lui, la nuit et la vieillesse signifient le
même phénomène. Les deux symbolisent la mort qui représente l’issue unique de
la situation. Ni Daniel ni les autres n’ont de prise sur la mort. La nuit lui semble
longue, c’est un moment d’incertitude et d’angoisse. Au lieu d’assurer la paix,
d’apporter des solutions possibles, elle pèse sur l’âme.
La question de la souffrance se manifeste inévitablement, surgit avec l’image que
réflète le monde humain. Puisque les hommes n’arrivent qu’à atteindre un minimum
de bonheur, leur choix se porte sur la haine envers eux-mêmes. Insatisfaits de leur
existence, ils ont un regard sur la vie qui les dévore et les pousse au pire. Leur
choix est personnel, et pourtant fort influencé par les tendances de l’époque. Ce
qu’elle dicte semble inoffensif mais définitif pour les « faibles ». S’ils sont capables
de suivre la direction imposée, une récompense temporaire les attend. Or, leur
bonheur à peine touché, ils sont jetés dans le vide de la souffrance absolue. Lorsqu’ils
comprennent ce qu’est le bonheur et qu’ils ne pourront jamais le connaı̂tre dans
sa complexité essentielle, le désespoir gagne leur raison. C’est le cas de Daniel qui
s’exprime de manière suivante : « Pendant la première partie de sa vie, on ne se
rend compte de son bonheur qu’après l’avoir perdu. Puis vient un âge, un âge
second, où l’on sait déjà, au moment où l’on commence à vivre un bonheur, que
l’on va, au bout du compte, le perdre.»11 Les personnages ont créé un système dans
lequel il est impossible d’exister. Les limites qu’ils ont dressées pour se protéger se
retournent contre eux sans issue. A partir d’un certain âge, Daniel doit céder sa
place à un plus jeune. S’il souffre c’est parce qu’il refuse les règles du jeu auquel il a
participé. Il a aidé à construire ce monde qui refuse de le prendre en pitié. L’opinion
de Fernando Arrabal interprète la situation avec pertinence : « [. . . ] l’être humain
est aussi capable d’être malheureux qu’il est incapable d’être heureux [. . . ]. »12
10 Houellebecq,
11 Ibid.,
p. 173
12 Ibid., p. 161.
248
Daniel est avalé par la souffrance comme une ı̂le par la mer. Ayant été longtemps au
«sommet de la pyramide», il n’est pas prêt à être traité comme «inutilisable» et ne
le sera d’ailleurs jamais. Quand la troisième femme de sa vie le quitte, il se comporte
comme un animal blessé, court dans tous les sens afin de se sauver. Or, le monde ne
dispose d’aucune solution pour lui. Par manque de tout ce que possède la jeunesse,
il n’a plus ni accès ni droit au bonheur. Seul, il est condamné à passer le reste de ses
jours dans la douleur et la souffrance : « [. . . ] et il n’y aura pas de fin à la souffrance
des hommes. »13 Cette conscience de la souffrance a pour résultat un changement
d’attitude. Elle aboutit soit à la haine profonde des autres comme dans le cas de
Daniel qui dit : « Je haı̈ssais l’humanité, c’est certain, je l’avais haı̈e dès le début, et
le malheur rendant mauvais je la haı̈ssais aujourd’hui encore bien davantage. »14 ,
soit au comportement barbare. Cette barbarie apparaı̂t chez les membres de la
secte élohimite au moment de son grand développement et concerne la question du
départ volontaire des Élohim. La manière dont se déroule cette cérémonie, surtout
la dispersion des éléments du corps, prouvent la dépravation humaine. « C’est
une tendance de la société. . . », explique Daniel, « Une tendance générale vers la
barbarie, il n’y a aucune raison que vous y échappiez. . . »15 De la même manière, les
êtres humains, transformés en sauvages lors de la destruction terrestre, pratiquent
aussi une sorte de barbarie. Mais on peut douter du fait qu’ils en soient conscients.
En tout cas, leur comportement se montre vicieux et inacceptable. L’ignorance
crasse définit leur existence. S’ils sont aptes à commettre de telles sauvageries,
c’est parce qu’ils ne différencient plus le bien du mal. Il est également possible d’y
voir une espèce de punition ultime et éternelle. L’irréfutabilité de cette décision
condamne les hommes ruinés à un pélerinage absurde tout en primitivisme lourd
et obscur : « Ils tressaillent de douleur au moindre souffle du vent, qui charrie des
graines et du sable. Parfois ils se jettent l’un sur l’autre, s’affrontent, se blessent
par leur coups ou leurs paroles. »16
Les cinq thèmes mentionnés se reflètent également dans le vocabulaire de La
possibilité d’une ı̂le. Ce dernier est marqué d’excentricités qui concernent surtout
la façon dont certains personnages s’expriment. Le fait que la vulgarité n’y manque
guère est dû à cette vision déchirante du monde pitoyable qui pèse sur l’homme.
Le manque de bonheur et l’abondance de souffrance influencent le choix des unités
lexicales. Le niveau lexical correspond à celui de l’état existentiel qui définit la société de l’époque.17 Ainsi à travers les termes utilisés, mis en relations de diverses
manières, l’atmosphère du monde en décomposition se révèle. Comme les individus
13 Houellebecq,
p. 417.
15 Ibid., p. 368.
16 Ibid., p. 56.
17 Au sujet de la langue houellebecquienne, Eva Beránková s’exprime de manière suivante: « Une
poésie plutôt tendre et lyrique, souvent rédigée dans une langue châtiée, et une prose volontairement « impitoyable et sordide ». Les deux stratégies incompatibles mais complémentaires visent
le même but, attaquent le même ennemi que Houellebecq définit tantôt comme le « scientisme
occidental », tantôt comme notre « vision mécaniste et individualiste du monde » et qu’il cherche
à transmettre par l’intermédiaire de l’omniprésence du discours scientifique dans son œuvre. »
Beránková, Eva, « Les fureurs d’un physicien quantique : Quelques remarques sur le style de
Michel Houellebecq », Verbum : Analecta neolatina. Studia ad philologiam neolatinam pertinentia quae in aedibus universitatis catholicae de Petro Pázmány nominatae rediguntur, Piliscsaba,
Akadémiai Kiadó, tomus VIII, fasciculus 1, Junius 2006, pp. 101–108.
14 Ibid.,
249
sont imprégnés de cette image nihiliste du monde ainsi que d’eux-mêmes et que la
capacité à communiquer se trouve dans une situation identique, le registre de la
langue connaı̂t un déclin inévitable. La dégradation de l’homme implique celle de
sa langue. Si le langage devient cru c’est parce qu’il exprime l’amertume illimitée
de l’individu à laquelle il est lié. Le domaine de l’écriture houellebecquienne témoigne aussi de la présence du métalangage. Ce niveau où le texte « réfléchit » a pour
but d’attirer l’attention sur les passages dits piliers du roman. Le métalangage est
supérieur aux lois de la langue élémentaire, pourtant il a un caractère complémentaire car sa fonction consiste à compléter le texte entier et à attirer, voire souligner
l’importance des idées qui y demeurent. Pour atteindre cet effet Houellebecq se sert
principalement de l’italique et des guillemets de telle sorte que l’emploi des deux
marques est très abondant.
Michel Houellebecq appartient parmi ces écrivains contemporains dont l’oeuvre
attire l’attention des lecteurs chez qui elle fait naı̂tre de nombreuses polémiques.
Traduit dans trente-cinq langues, l’écrivain aborde les sujets qui ne se sont pas encore installés dans la production littéraire. Le niveau thématique éloigne l’écrivain
de la création générale actuelle ainsi que de l’esprit traditionnel dans la littérature.
Il se révèle être un observateur critique de la société contemporaine ce qui se réflète
dans la façon dont il présente ses opinions. La possibilité d’une ı̂le est construite
sur une liberté stylistique et présente ainsi une certaine autonomie de texte. De
manière précise, le roman expose des arguments qui touchent différents domaines
ce qui suscite des réactions en-dehors du livre. Celui-ci se transforme en source
d’où naissent de nouvelles pensées et réflexions. Houellebecq impose et souligne la
liberté d’expression et il exprime son avis positif au sujet du clonage. Il observe
l’individu et constate sa chute, toujours causée par le milieu de sa demeure. L’histoire du roman met en scène une nouvelle humanité modifiée qui a remplacé les
hommes. Cette situation fictive ne peut qu’aboutir à une Apocalypse. Une telle
vision sert surtout à mettre en lumière la valeur des personnages, porteurs de la
philosophie houellebecquienne. Celle-ci est fondée sur le nihilisme de l’époque et
mène vers l’image apocalyptique. Elle s’appuie sur des motifs divers, présentés dans
notre réflexion.
BIBLIOGRAPHIE
Arrabal, F. : Houellebecq, Paris, Le Cherche Midi, 2005.
Bardolle, O. : La littérature à vif (Le cas Houellebecq), Paris, L’esprit des péninsules, 2004.
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Naulleau, É. : Au secours, Houellebecq revient !, Paris, Chifflet & Cie, 2005.
Noguez, D. : Houellebecq en fait (III, Le style de Michel Houellebecq, pp. 94–154),
Paris, Fayard, 2003.
250
Apokalyptická vize současné společnosti v románové formě:
Možnost ostrova
Resumé
Michel Houellebecq, jeden ze současných francouzských spisovatelů, překvapuje
nejen svým osobním postojem, ale také, a to především, svou literární tvorbou.
Naše studie je věnována románu Možnost ostrova s cílem vystihnout důležitá témata, za nimiž se rýsuje apokalyptický obraz společnosti 21. století. Prozaik je
podává specifickým způsobem, jehož základním prvkem je schopnost šokovat čtenáře. K nastínění problematiky současného světa volí neobvyklé prostředky, pro
které je charakteristická krutost, patrna zejména v rovině lexikální.
An Apocalyptic Vision of Contemporary Society in Novel Form: the
Possibility of an Island
Summary
Michel Houellebecq, one of the new generation of French authors, surprises us
not only by his attitude towards the world but especially by his literary work. This
approach, shown in the novel The Possibility of an Island, represents the important
themes which are the source of an apocalyptic vision of the 21th century. The major
character of the French writer’s style is his ability to shock the reader. Through
the insertion of hard words, the author outlines the problems of the contemporary
world.
directrice de recherche : PhDr. Marie Voždová, Ph.D.
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
251
François d’Assise : un exemple du héros bobinien
Martin Kučera
«C’est toujours par le plus petit côté que les grandes choses arrivent. Il y a peu d’événements dans
une vie. Les guerres, les fêtes et tout ce qui fait
du bruit ne sont pas des événements. L’événement
est la vie qui survient dans une vie. »1
Christian Bobin, romancier contemporain français, est l’auteur d’une vingtaine
d’ouvrages et il est consideré comme un écrivain d’inspiration catholique2 , c’est-à-dire d’inspiration spirituelle ou religieuse. Le Très-Bas, sa cinquième œuvre,
consacré à saint François d’Assise3 , a été publiée aux Editions Gallimard en 1992
et c’est grâce à cet ouvrage que Bobin a rencontré un grand succès. « Elle appartient au genre de la biographie romanesque fictive, il s’agit d’une recherche dans les
ressources de la spiritualité d’un saint. »4 Ainsi, dans le Très-Bas, Bobin présente
la vie du fondateur de l’ordre des Franciscains5 et donc, nous pouvons considérer l’œuvre bobinienne comme un texte hagiographique romanesque poétique, une
1 Bobin,
Christian, Le Très-Bas, Paris : Gallimard, 1992, pp. 19–20.
la première moitié du XXe siècle, on observe, sauf pour l’avant-garde littéraire des
années vingt, un épanouissement général de l’écriture religieuse, un essor assez important dans la
production des oeuvres d’inspiration catholique. Parmi elles, en dehors de Claudel et de Péguy,
celle des romanciers catholiques des années trente comme François Mauriac, Georges Bernanos
ou Julien Green (qui chacun, sous un éclairage différent, traite du thème du mal, de celui du salut
et de l’importance de Dieu dans le monde d’un point de vue métaphysique autant qu’historique
inscrit dans le temps d’avant et d’après la guerre).
Jakubčáková, Lena, « La prière et le langage de la poésie spirituelle de Péguy », In : Romanica
Olomucensia XVII, Université d’été Langue(s) et langages, Olomouc : AUPO, 2006, p. 92.
3 « Sans doute le type le plus accompli du poète né qui joignait, par surcroı̂t, à l’état de grâce
poétique l’état de grâce mystique. Il a vu et exprimé la nature, l’âme, Dieu, comme jamais aucun
poète ne les a vus ni exprimés. » Suberville, Jean, Théorie de l’ Art et des Genres Littéraires,
Paris : Les éditions de l’école, 1948, p. 227.
4 Voždová, Marie, « Le Très-Bas de Christian Bobin – un portrait hagiographique caché ? », In :
Le portrait en littérature, České Budějovice : Universitatis Bohemiae Meridionalis, 2005, p. 251.
5 L’ordre des frères mineurs est un ordre réligieux catholique né en Italie sous l’impulsion de
François d’Assise.
Le Monnier, Léon, Histoire de Saint François d’Assise, Paris : Victor Lecoffre, 1889, p. 11.
2 Dans
253
fiction sur cet personnage historiquement réel. Mais Bobin ne cherche pas à présenter une biographie complète du saint ; il n’est point historien et d’après nous, il n’a
pas voulu crée une œuvre historique racontant les aventures et les faits de saint
François d’Assise ; il ne veut que présenter le mouvement d’une vie d’un homme
qui est devenu saint.
« D’ailleurs il n’y a pas de saints. Il n’y a que de la sainteté. La sainteté c’est
la joie »6 , constate Bobin et ajoute que « dire de quelqu’un qu’il est saint c’est
simplement dire qu’il s’est révélé, par sa vie, un merveilleux conducteur de joie
[. . . ] »7 . Il n’est point possible de dire de quelqu’un qu’il est saint ; être saint cela
signifie de réaliser quelques critères. La règle de l’ordre des frères mineurs obligeait,
par exemple, à mettre fin à toute inimité et à restituer tout bien mal acquis ; à
professer la religion catholique et à pratiquer les commandements de Dieu et de
l’Eglise ; à porter un habillement sévère, etc. Ainsi, il faudra parler plutôt de la
sainteté ce qui peut être caracterisé comme un certain état de l’âme humaine.
En bref, tout le livre est réduit aux faits principaux de la biographie du saint
François d’Assise où le récit donne l’impression de sa lente formation. « La sainteté
n’a pas de formules, ou, pour mieux dire, elle les a toutes. Elle rassemble et exalte
toutes les puissances, elle réalise la concentration horizontale des plus hautes facultés de l’homme. Pour seulement la reconnaı̂tre, elle exige de nous un effort et
que nous participions, en quelque mesure, à son rytme, à son immense élan. »8
Ainsi, la sainteté a son rythme – c’est un mouvement graduel. Même la sainteté
de François d’Assise a son rythme, comme on le suit au cour du livre. En général,
d’abord, il s’agit de la réponse à la demande d’amour. Et saint François d’Assise
obtient la réponse – qui est l’amour du Seigneur. Cet élément capital est un sentiment « profond, premier, antérieur au besoin sexuel, qui a uni le petit enfant à
sa mère »9 . L’amour qui réponds à l’amour tout un coup. Et comme dit l’abbé Le
Monnier : « On proclamait que c’était un Saint, plus que cela, le Saint donné par
Dieu à cette époque. ».
Dans le Très-Bas, Bobin décrit le monde de François en sortant des faits historiques10 et en s’inspirant surtout de la Legende dorée de Jacques de Voragine11 .
« L’auteur n’ajoute ni ne nie aucun fait de la vie de François d’Assise ; il respecte
des informations historiquement confirmées et ne les met pas en doute. »12 Mais
6 Bobin,
Christian, Le Très-Bas, op. cit., p. 27.
7 Ibid.
8 Bernanos, Georges, Essais et écrits de combat, Textes présentés et annotés par Yves Bridel,
Jacques Chabot et Joseph Jurt sous la direction de Michel Estève, Dijon : Gallimard, 1971, p. 4.
9 Ubersfeld, Anne, Paul Claudel poète du XXe siècle, Actes Sud – Papiers, 2005, p. 20.
10 En ce qui concerne la biographie de saint François d’Assise, on possède de ses mains des
lettres, des Hymmes, des poèmes et des prières – tout cela presque toujours écrit en latin. Mais la
série des biographies de saint François que l’on peut considérer à proprement parler comme ayant
valeur de sources, commence, très peu de temps après la mort du saint, avec la Vita Prima et Vita
Secunda de Thomas Celano, ensuite de frère Léon (son secrétaire et le plus intime de ces amis,
était aussi l’une des sources principales pour la connaissance que nous pouvons avoir), de saint
Bonaventure et des chroniqueurs franciscains. Joergensen, Johannes, Saint François d’Assise sa
vie et son œuvre, Paris : Perrin et Cie , 1917, pp. 16–17, 32. Il faut encore mentionner les études
plus récentes, comme par exemple celle de Julien Green (Frère François, Editions du Seuil, 1983)
ou celle de Jacques le Goff (Saint-François d’Assise, Gallimard, 1999).
11 De Voragine, Jacques, La Legende dorée, Paris : Editions du Seuil, 2004, Collection Points
Sagesse, 742 p.
12 Voždová, Marie, « Le Très-Bas. . . », op. cit., p. 252.
254
malgré cela, dans son texte, il maintient quelques noms et des indications spatio-temporelles précises. Initialement dans le livre, il n’y a qu’une courte mention :
«L’automne 1182, en Italie.»13 , qui indique la naissance du jeune François. Ensuite,
continuant le texte, on ne trouve que quelques caractéristiques fragmentaires de son
origine familiale. Pour son père : « Pierre de Bernardone, c’est le nom du père. Un
marchand d’étoffes et de draps »14 et pour sa mère : « Dame Pica, c’est le nom de
la mère. Elle n’est pas d’Assise. Elle est de bien plus loin. Elle vit en Provence »15 .
En ce qui concerne les années d’aventures guerrières du jeune François, on ne sait
que : « Fait prisonnier en 1202, libéré en 1203, malade en 1204. [. . . ] Le printemps
1205. Une guerre encore.»16 Et terminant l’histoire, par la mort17 du saint François,
Bobin ne fait qu’ajouter : « Vaut-il la peine d’écrire le reste qui prend apparemment
fin le samedi 3 octobre 1226.»18 Le récit se passe dans l’espace réel ou les lieux sont
nombreux, ruraux, urbains mais aussi exotiques – il s’agit foncièrement de lieux
du parcours terrestre de François – et tout au long du livre, Bobin mentionne la
ville d’Assise, la prison de Pérouse, Rome et la Palestine. Grâce aux indications
spatio-temporelles, on est capable de suivre l’évolution par étapes de ce saint.
Nous proposons la division suivante : le commencement de la vie, la naissance du
saint, ensuite le baptême, l’enfance, puis la jeunesse, l’époque de la chevalerie, la
vocation19 , la fondation de l’ordre, les parcours terrestres, la maladie et enfin les
stigmates et la mort. Or, « tous ces faits, l’auteur les insère à sa manière, qui
est originale, dans le texte romanesque, il les laisse miroiter dans les chapitres
particuliers. »20
Dans la conception de Bobin, il s’agit d’une description graduel en plusieurs
étapes qui sont séparées par des passages de réfléxions. L’auteur y coupe des mentions concernant le visage et la figure du héros ; et donc, son portrait physique21
est presque absent. Âgé de seize ans, le jeune François est caracterisé comme « un
beau gars, des yeux clairs, des épaules larges et des mains blanches de fille »22 , qui
pendant la maladie a « un teint un peu trop clair, un teint de lait [. . . ] brillance au
fond des yeux [. . . ] feu follet dans la prunelle des yeux. »23 Après avoir rompu les
rapports avec sa famille, pendant deux ans, il a soigné des lépreux et mal décodé
le message du Seigneur, il reconstruit des chapelles et des églises et comme maçon
13 Bobin,
14 Ibid,
p. 26.
15 Ibid.
16 Ibid,
pp. 48, 53.
glorieuse mort arriva le samedi 3 octobre 1226. Le saint avait commencé depuis quelques
jours sa quarante-sixième année. Il y avait vingt ans qu’il avait reçu de Jésus-Christ l’ordre de
réparer son église. Il y en avait dix-huit qu’il avait fondé l’ordre des Mineurs. Le Monnier, Léon,
op. cit., p. 413.
18 Bobin, Christian, Le Très-Bas, op. cit., p. 122.
19 Christian Bobin parle de la « métamorphose de la licorne et du salamandre en grillon ».
20 Voždová, Marie, « Le Très-Bas. . . », op. cit., p. 252.
21 Les historiens nous ont fait son portrait. Il avait tout pour plaire. « Sa douceur exquise, dit
saint Bonventure, ses manières pleines d’élégance, sa longanimité, son incomparable affabilité,
une générosité qui donnait sans compter, tout cela était et la révélation d’un heureux naturel et le prélude des bénédictions qui l’attendaient. » Le Monnier, Léon, Histoire. . . , op. cit.,
pp. 175–176.
23 Ibid., p. 51.
17 Cette
255
« la poussière lui rentre dans les muscles. »24 Avant la mort « la maladie touche ses
yeux, enlève à ses yeux de leur force. »25 et mourant, François « ferme lentement les
yeux comme sous le charme d’une pensée profonde. »26 Ce qui est assez important
pour Bobin (dans ces rares descriptions), c’est l’image des yeux. «Sa vie a un début
qu’envierait un homme destiné à s’illustrer par son courage. A vingt ans, il combat
aux premiers rangs dans l’armée de la commune d’Assise. Le feu brille dans ses
yeux : [. . . ] »27 Le motif des yeux associe les qualités comme la clarté, la brilance
et la chaleur et alors, pour Bobin, l’image des yeux a une grande importance du
fait que cette partie du visage sert de miroir de l’âme et de porte d’entrée vers le
reste du corps. Ainsi, à la première place, ce sont les yeux et ensuite viennent les
mains, les épaules et les muscles, par ordre d’importance.
En constituant le portrait physique, reste à relever le caractère de saint François,
c’est-à-dire son portrait moral. Dès sa naissance, François a été prédestiné à la
double personnalité. L’auteur évoque ses qualités et sa manière de vivre dans la
maison paternelle de façon sec et court : « C’est un garçon doué pour le commerce,
[. . . ] meilleur vendeur dans le pays, [. . . ] amis, jolies femmes, [. . . ] du vin, du jeu
et des chants »28 Mais d’abord, c’est un homme vraiment « simple, ami de toute
sincérité ». D’après Bobin, le caractère de François est apparemment prédestiné
par son prénom. Il est baptisé Jean et puis François29 (à l’époque un nom bizarre
et inhabituel). « Vere Franciscus qui cor francum et nobile gessit. »30 Il devient
Jean le Baptiste ou Jean l’Evangéliste et François de France ; « Jean des sources »
et « Jean des encres » comme dit Christian Bobin. Deux voies possibles – l’une
d’évangéliste et l’autre de troubadour et de chevalier. Mais finalement (grâce à la
conduite de Dieu) François choisit la première – d’être l’un des disciples de Jésus-Christ, parce qu‘il s’est identifié à Jésus intérieurement.31 Et étant donné qu’il
aimait Jésus mieux que les autres, il a été pourvu de stigmates sur son corps.32
« Les stigmates, [. . . ], sont le sceau du souverain prêtre Jésus apposé sur un de ses
serviteurs. »33 Ainsi, il est devenu le familier du Seigneur et dans son corps, il s’est
transformé en Jésus crucifié. Son portrait s’achève à ce moment.
24 Ibid.,
p. 56.
p. 121.
26 Ibid., p. 123.
27 Le Monnier, Léon, Histoire. . . , op. cit., p. 185.
29 Le prénom Jean était choisi par la mère et l’enfant a été baptisé en l’absence du père et
rebaptisé après son retour en François.
30 « Il était vraiment Français, car il avait le coeur franc et noble. » Le Monnier, Léon,
Histoire. . . , op. cit., p. 167.
31 Il aimait Jésus-Christ d’un amour merveilleux. Oh ! Comme il s’occupait intérieurement de
lui ! Comme il s’en nourrissait ! Comme il en parlait ! [. . . ] Jésus lui était toutes choses. Ibid.,
p. 146.
32 En même temps commencèrent à se former aux membres les empreintes de la crucifixion.
Son côté droit fut marqué, comme s’il eut été percé d’une lance, d’une cicatrice rouge, d’où coula
souvent, par la suite, un sang sacré qui humectait sa tunique et ses vêtements. Ses pieds et ses
mains furent percés, au milieu, de clous semblables à ceux qu’il venait d’apercevoir dans l’image
du Rédempteur. Ils étaient formés d’une masse nerveuse qui était mobile et jouait dans la plaie.
Leur tête ronde et noire était en dedans des mains et au-dessus des pieds. Leur pointe longue,
courbée et comme rabattue au marteau sortait de l’autre côté et dépassait notablement la chair.
Ibid., pp. 138–139.
33 Ibid., p. 145.
25 Ibid.,
256
Chez Bobin, c’est aussi le motif du vêtement qui joue un rôle important. La
jeunesse de François est fortement marquée par le jeu, l’oisiveté, c’est une époque
qui ont beaucoup jasé. Il veut mener une vie de chevalier, aller à la guerre. « Vêtu
comme un prince [. . . ] beauté de l’archange sur son cheval [. . . ] revêtu d’une triple
armure d’argent, de jeunesse et d’amour [. . . ] il n’a jamais été aussi beau [. . . ]. »34
En 1208, à vingt-six ans, il découvre, en entendant l’écriture sainte à la messe, que
sa vocation est de vivre à l’Evangile. François transforme sa vie, il se fait pauvre
en quittant la maison paternelle « tout nu » et se soucie d’annoncer les messages
de joie, d’espoir et d’amour contenus dans la Bible et de porter la paix aux gens.
Il s’habille d’un vêtement gris et se ceint la taille d’un cordon. Ainsi, il porte un
vêtement ordinaire comme symbole de pauvreté. En général, ce refus du vêtement
exprime le refus de la vie mondaine. Puis suit l’un des éléments capitals dans la vie
du saint. C’est la rencontre avec un pauvre35 . « Après les siens, François n’a aimé
personne plus que les pauvres. »36 François donne son manteau à ce pauvre et c’est
pourquoi il devient saint Martin de Tours.37 Or, le héros bobinien passe chevalier
et missionnaire de Jésus-Christ.
Ce qui est assez original, c’est que l’auteur produit le parallèle établi entre le
monde médiéval et l’époque moderne. Tout au long de ce petit livre, Christian
Bobin traite des problèmes de la famille, des générations, de la spiritualité de
l’époque de saint François au nôtre. Ses pensées sont plus générales mais elles
tourmentent les hommes depuis des siècles. D’après nous, l’auteur a choisi l’exemple
d’un saint, dont les valeurs sont encore valable, pour exprimer son opinion sur
l’époque moderne. Au contraire des sources hagiographiques, pour Bobin l’enfance
joue un rôle déterminant dans la vie du futur saint. Il dit par exemple que l’enfance
est aussi importante que l’adolescence pour la formation du futur saint. L’auteur
aborde : « François, le serviteur et l’ami du Très-Bas, vécut dans la douceur jusqu’à
l’âge de près de vingt ans»38 . Ainsi, il constate que c’est l’enfance et la jeunesse qui
nourrit la vie. Au 13ème siècle, l’enfant avait peu d’importance. « On vous parle
très peu dans vos premières années. [. . . ] Qui a vu l’enfant François grandir ? A
part Dieu, personne, . . . . »39 On y voit clairement le paralèlle avec notre époque.
Les parents sont fatigués et ne croient plus en Dieu. « Être père, c’est jouer son rôle
de père. Etre mère, c’est un mystère absolu. [. . . ] Les hommes tiennent le monde.
Les mères tiennent l’éternel qui tient le monde et les hommes. »40 , dit Christian
34 Bobin,
jour, il rencontra à Colle, dans le comté de Pérouse, un pauvre qu’il avait connu, lorsqu’il
était encore dans le monde, « Mon frère, lui dit-il, comment vas-tu ? » Le malheureux se trouvait
tout rempli d’amertume, parce que le Seigneur de l’endroit l’avait dépouillé de ce qu’il avait. Il
répondit : « Je vais très mal, grâce à mon maı̂tre : que le Dieu tout-puissant le maudisse. » Emu
de cet état moral, plus encore que de sa misère, François répliqua : « Mon père, par amour de
Dieu, pardonne à ton Seigneur. Si tu ne lui pardonnais pas, tu as perdu ton avoir, tu perdrais
encore ton âme – Non, dit l’autre, je ne lui pardonnerai jamais qu’il ne m’ait rendu ce qu’il m’a
volé. » François chercha un moment ce qu’il pourrait bien faire. Il reprit : « Mon frère, je vais te
donner le manteau qui est sur mes épaules, mais, je t’en prie, par amour pour Dieu, pardonne à
ton Seigneur. » Le pauvre accepta, il prit le manteau et déclara qu’il pardonnait. Le Monnier,
Léon, Histoire. . . , op. cit., p. 261–262.
36 Ibid., p. 259.
37 Saint Martin de Tours a donné la moitié de son manteau à un pauvre.
39 Ibid., pp. 34–35.
40 Ibid., pp. 24–26.
35 Un
257
Bobin. Le rôle de la femme, de l’homme et surtout de l’enfant dans la famille est
au centre de l’intérêt de l‘auteur.
Depuis le 13ème siècle, des milliers d’hommes et de femmes suivent ses traces en
se laissant inspirer par son style de vie. C’est donc dire que même huit siècles plus
tard, François d’Assise a encore quelque chose à dire à notre société à travers des
hommes, des femmes, à travers chacun de nous. L’écriture bobinienne est spécifique,
l’écrivain dévéloppe une langue poétique pleine de métaphores. Ainsi, Le Très-Bas
est un grand secret qu’il faut découvrir.
BIBLIOGRAPHIE
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Bridel, Jacques Chabot et Joseph Jurt, sous la direction de Michel Estève,
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Suberville, J. : Théorie de l’Art et des Genres Littéraires. Les éditions de l’école,
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Voždová, M. « Le Très-Bas de Christian Bobin – un portait hagiographique
caché ? », In : Le portrait en littérature, Universitatis Bohemiae Meridionalis, České Budějovice, 2005.
František z Asissi: příklad bobinovského hrdiny
Resumé
Článek se zabývá analýzou postavy svatého Františka z Asissi. Christian Bobin
vytvořil na pozadí historických údajů smyšlený příběh, ve kterém srovnává dobu
svatého Františka s dnešním světem. V krátkých úvahách o životě, úpadku morálky
a víry nebo narušení vztahů v rodině, se snaží poukázat na nejrůznější společenské
problémy současného světa.
258
St Francis of Assisi: Example of Bobin’s Hero
Summary
The article is concerned with the figure of St Francis of Assisi. Christian Bobin
has formed an imaginative story against a background of the biographical details
of this hero. In short essays about life and the decline of morality and belief, and
essays about the erosion of family relations, he tries to refer to the considerable
social problems of the contemporary world.
directrice de recherche : PhDr. Marie Voždová, Ph.D.
Martin Kučera
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
[email protected]
259
L’appellativisation des noms propres d’origine
mythologique en français
Petr Šelepa
1
Introduction
Dans le domaine de la linguistique française il existe peu de travaux qui s’occupent
de l’appellativisation1 , c’est-à-dire le passage d’un mot de la catégorie de noms
propres à la catégorie de noms communs. Parmi les plus utiles citons par exemple
le travail Dal nome proprio al nome comune de Bruno Migliorini, celui de Pierre
Germa intitulé Du nom propre au nom commun, dictionnaire des éponymes ou les
articles de Jan Holeš dans Časopis pro moderní filologii 83 ou celui de Jan Holeš
et Jaromír Kadlec dans Romanica Olomucensia XI.
Le phénomène est pourtant assez fréquent et touche presque toutes les catégories
de noms propres. La classe de noms communs et celle de noms propres s’évoluent
et s’interpénètrent constamment faisant du procédé de l’appellativisation le moyen
important de l’enrichissement du lexique. Les motifs d’appellativisation ainsi que
les sources des mots appellés sont bien différents. Afin que la transformation d’un
nom propre en appellatif soit réussie, il doit toujours exister une relation entre
le nom propre et l’appellatif final. Il s’agit soit d’un passage motivé et spontanné
selon les traits distinctifs du porteur du nom original (p. ex. riflard, pantalon), soit
d’une dénomination arbitraire, surtout dans la terminologie scientifique – les cas
des inventions et des découvertes (p. ex. béchamel, batiste). Ici les utilisateurs de la
langue ne doivent pas connaı̂tre le porteur du nom propre. Souvent ils ne savent
pas qu’il s’agisse d’un mot venu de la catégorie des noms propres. Nous pouvons
constater dans un tel cas que l’appellativisation est achevée (p. ex. assassin).
1 Ce procédé est aussi appellé lexicalisation ou déonymisation, le premier terme étant, néanmoins, le plus fréquent.
261
2
Passage NPROP → NAP
Chaque langue possède des noms communs créés dans cette langue qui coexistent
avec les appellatifs qui sont venus des langues étrangères ou qui sont en relation
avec la culture de telle et telle région. Dans l’Europe Centrale et Occidentale nous
pouvons témoigner la présence des appellatifs sortis de la tradition gréco-romaine –
surtout les noms d’origine mythologique (p. ex. cerbère, pégase) ; et de la tradition
chrétienne, c’est-à-dire les noms bibliques (p. ex. benjamin, jérémiade, judas). Ils
entrent surtout dans le groupe des mots créés par la lexicalisation spontannée et on
y trouve donc peu de termes scientifiques. A comparer par exemple des expressions
benjamin (le fils préféré de Jacob) ou lasdre – chez lesquelles l’appellativisation
était motivée par les qualités propres des personnages – avec le terme chimère. Ce
dernier avait eu le sens de «insensé»; puis désignait «création imaginaire » avant de
que le sens ait passé au « poisson holocéphale » dans la terminologie ichtyologique.
Voyons que le passage n’est pas du tout simple2 .
Quant aux types des noms d’où proviennent les noms propres, on en peut distinguer quatre. Il s’agit des anthroponymes (noms propres des personnes), des
ethnonymes (noms des nations), des toponymes (noms des lieux) et des chrématonymes (noms de marques). En ce qui concerne les rélations entre les noms communs
et les noms propres dont ils proviennent, on distingue les rapports par qualité (barbare, lasdre), activité typique du porteur du nom propre (phébus, amphytrion), ou
aspects physiques (nestor, Vénus), âge (benjamin). Il existe les dénominations appellativisées par rapport à la représentation d’une personne, types et moyens de
transport (silhouette, phaeton, fiacre), événements de la vie culturelle (jaquette) ou
repas. Les noms géographiques nous donnent des appellatifs selon la ressemblance
avec le lieu original (eden), ils se réfèrent aux objets (baldaquin), moyens de transport (landau), aliments (du brie), les affaires liées à la vie culturelle (charleston,
dixieland ). Chez les chrématonymes ce sont le nom de marque ou celui du produit
le plus célèbre qui sont appellativisés le plus souvent (Klaxon, Linotype). Il n’est
pas rare que les noms des œuvres artistiques donnent le nom à tout un mouvement
(impressionisme, euphuisme).
Les noms propres deviennent appellatifs par deux procédés sémantiques primordiaux (HOLEŠ, Jan – KADLEC, Jaromír. « Métaphore et métonymie léxicalisées.
Deux sources d’appellatifs en français ». Romanica Olomucensia XI. UP Olomouc,
Olomouc 2002).
Dans le cas où les deux unités lexicales sont rapprochées grâce à une certaine
similitude, il s’agit de la métaphore. Quand on appelle une personne tartuffe3 ,
on a à l’esprit que la personne en question se comporte de manière similaire à
celle de Tartuffe de la comédie de Molière. Au contraire si nous considérons le
substantif riflard, il doit nous rappeller une telle parapluie énorme que Riflard,
personnage comique de Petite ville, portait sur scène. Dans ce cas, la dénomination
riflard vient à l’usage grâce à l’extension du sens où nous attribuons un terme à
2 Normalement il n’y a pas d’influence de l’appellatif sur le sens du nom propre original. Il
existe bien sûr des exceptions. Parfois on peut observer une modification du sens extràme quand
l’emploi du nom commun dans son sens nouveau est tellement fréquent que le mot primitif – qui
désignait une réalité extralinguistique auparavant – sort de l’usage ou disparaı̂t.
3 Certains appellatifs subissent le changement orthographique de la initiale. Le rapport à la
fréquence d’emploi n’est pas attesté.
262
un objet selon une relation de ressemblance, de contiguı̈té. Ce procédé s’appelle la
métonymie et avec la métaphore que nous avons déjà mentionnée, elle représente la
source principale des appellatifs lors du procédé d’appellativisation. La métaphore
est mise en œuvre surtout quand les noms de types littéraires sont employés pour
désigner les personnes des qualités égales. L’emploi de la métaphore dans le cas où
un nom de personne désigne un objet est assez rare. Plus souvent, l’emploi d’un
nom de personne pour dénommer un objet est réalisé par un procédé métonymique.
Celui-ci est très répandu dans le langage scientifique beaucoup d’objets doivent
leur noms à leurs inventeurs (p. ex. rigodon). Plus rares sont les métonymies par
lesquelles un nom de personne vient à désigner un objet qui est en relation avec le
porteur primitif du nom. Il s’agit souvent d’un détail caractéristique de vêtements
d’une personne (p. ex. Arlequin).
Les noms propres devenus noms communs se classent dans le lexique comme
diverses parties du discours. Dans la majorité des cas, ils deviennent substantifs,
mais les création d’un verbe, un adjectif ou même d’un adverbe ne sont pas exceptionnelles. Beaucoup d’entre eux possèdent des dérivés. Dans notre liste nous
n’allons pas les oublier. Il se peut que leur orthographe soit modifiée4 .
Le phénomène en question regarde presque toutes les catégories de noms communs. Noms communs peuvent être créés à partir d’un nom de personne, d’un nom
de lieu, d’un nom de nationalité ou bien d’un nom de marque. Ce passage est due à
deux procédés sémantiques importants, la métaphore et la métonymie. La première
est une sorte de comparaison. Les deux noms sont en relation de similtude. Dans
le cas de la métonymie il s’agit d’une extension de sens basée sur la relation de
connexion contigüe.
3
Les appellatifs d’origine mythologique
Rares sont les cas où le nom propre a subi le passage NPROP → NAP dans une
langue antique (grec ou latin), mais pourtant il y en a quelques-uns. Le terme
adonis vient du nom propre latin Adonis, qui était le dieu de Printemps et le
symbole de la beauté. Ce nom appellé n’est pas la création française ni latine. Il a
déjà été employé au grec comme nom symbolique ce qui explique son existence dans
d’autres langues européennes qui l’y ont repris. En français l’apparition du verbe
adoniser est attestée dès 1560. C’est aussi le cas de l’appellatif crésus mentionné
pour la première fois vers 1540. D’origine nom d’un roi de Lydie, célèbre par ses
richesses, c’était déjà nom symbolique au grec (Kroisos) et au latin (Croesus).
Parmi les appellatifs créés à l’âge moderne, on peut distinguer plusieurs types
en ce qui concerne leur étymologie. Il s’agit de différentes motivations qui ont
mené à leur passage au groupe de noms communs. Celle-ci peut être p.ex. littéraire
ou scientifique. Suivent les cas d’appellativisation plus récente des mots d’origine
mythologique. Tous les exemples sont tirés de Dauzat, Albert – Dubois, Jean –
Mitterand, Henri. Nouveau dictionnaire étymologique. Larousse, Paris, 1964.
4 Les changements d’appellatifs provenant de la même langue que leurs noms propres originaires
sont exceptionnels. Les modifications sont plus visibles chez les emprunts. Ici la diversité des
langues cause les adaptations nécessaires. Dans les cas de la translitération (les emprunts du
russe, de l’arabe, etc.) les modification sont souvent extrêmes.
263
amphitryon, pour la première fois apparaı̂t comme le nom propre chez Molière en
1668. Ensuite il était pris comme nom commun au sens de « l’homme chez lequel
ou au frais duquel on dı̂ne ». Le verbe amphytrionner apparaı̂t vers 1837 ;
aphrodisiaque, provenant du grec aphordisiakos de Aphroditê, déesse de l’Amour
grecque. Au XIXe siècle aparaissent des dérivés anaphrodisiaque et antiaphrodisiaque ;
cerbère, du latin Cerberus, repris en 1867, emprunté au grec Kerberos, nom du
chien qui gardait l’entrée des Enfers ;
charybde, repéré en 1552, dans la locution de Charybde en Scylla (emploi métaphorique), reprise au latin et désignant le gouffre et les récifs du détroit de Messine ;
esculap, d’après dieu de la médecine chez les Grecs Asklêpios, au latin Aesculapius.
Le terme apparaı̂t en 1771 ;
hermaphrodite, au XIIIe siècle aussi avec l’initiale majuscule, vient du latin hermaphroditus, emprunté au grec. D’abord désignait le fils bissexué d’Hermès et d’Aphrodite. Au XVe siècle s’émerge le dérivé hermaphrodisme ;
homérique, selon Homère, l’auteur présumé d’Iliade. Cet adjectif s’emploie dans
l’idiome rire homérique d’après le rire des dieux ;
machaon, terme qui désigne papillon d’une grande beauté et provient de Machaon,
nom mythologique ;
mausolée, témoigné dès le début du XVIe siècle, où d’abord apparaı̂t la déformation
mauseole, les deux proviennent du latin mausoleum. Le terme grec originaire est
Mausôleion, tombeau de Mausole, roi de Carie ;
mercure, vient du nom du messager de Jupiter, qui était en même temps dieu
de commerce. Cet appellatif présentait successivement les adjectifs mercuriel et
mercureux apparus en 1546 et 1842 respectivement. Le dérivé latin mercurialis
a créé en français mercuriale – désignation d’une plante (herba mercurialis). Au
XVIe siècle, l’assemblée des parlements, siégeant le mercredi, a été appellée ainsi.
De là au XVIIe s. ce mot a adopté le sens de « remontrance » et en 1800, le sens
de « tableau des prix d’un marché » ;
mithridate, repéré en 1425 d’abord avec l’orthographe metridat, provenant du nom
de Mithridate, roi du Pont, qui se serait immunisé contre les poisons. Il existe des
dérivés mithridatiser et mithridatisation de la fin du XIXe siècle ;
nestor, nom d’un vieillard de l’Iliade réputé pour sa sagesse. Le sème « vieux » est
aussi important si l’on envisage le nom appellé ;
odysée, du nom du poème d’Homère, décrivant les aventures d’Ulysse (Odysseus
en grec), apparaı̂t en 1814 ;
œdipe, du nom d’Œdipe, personnage des légendes grecques, qui devient l’énigme
proposée par le sphinx de Thèbes. L’emploi comme NAP en 1721 ;
Palémon, du nom de Palaimon, personnage de la mythologie grecque, changé en
dieu marin ;
264
palladium, sens propre de ce mot est « statue de Pallas ». En 1160 apparaı̂t d’abord
avec l’orthographe grecque palladion. En 1748 → sens figuré, du latin palladium, du
grec palladion, statue de Pallas, considéré à Troie comme assurant de la sauvegarde
de la ville ;
pégase, du latin Pegasus, en grec Pegasos, nom du cheval ailé qui a fait jaillir d’un
coup de pied la source d’Hippocrène, où l’on puisait l’inspiration poétique, paraı̂t
au milieu du XVIe siècle ; 1611 → sens figuré. La signification zoologique attestée
en 1788 ;
phaéton, du nom de Phaéton, en grec Phaethôn, fils du Soleil, qui périt en voulant
conduire le char de son père ;
phébus, du nom de Phœbus, du grec Phoibos, « celui qui brille », a paru au début
du XVIIe siècle, autre nom d’Apollon, dieu de Soleil et de la Poésie ;
plutonien, attesté en 1816, du nom de Pluton, dieu latin des Enfers. Cet expression
a créé plusieurs dérivés → plutonique (1550), plutonisme (1842), plutoniste (1827),
et plutonium (1874), un corps simple chimique ;
priape, « phallus », du latin Priapus, dieu de la mythologie romaine, employé dès
le début du XVIIe siècle ;
python, du latin python, grec puthôn, nom d’un serpent fabuleux de Puthô tué par
Apollon. Signification zoologique a paru au XVIe siècle ;
saturnie, du latin Saturnus, Saturne, paon de nuit (1842). Le dérivé saturnien
employé au sens figuré de « enclin à la mélancolie » ;
spartakisme, du nom de Spartacus, chef d’une révolte des esclaves sous la République romaine apparaı̂t comme NAP au cours de la 1ère Guerre mondiale ainsi que
le dérivé spartakiste ;
syphilis, du latin moderne syphilis (1755), du nom du berger légendaire Syphilus,
pris chez Ovide, qui a été frappé de cette maladie. L’adjectif syphilitique était
antécédent au substantif (1725). Le dérivé anti-syphilitique paraı̂t vers la fin du
XVIIIe siècle ;
vénérien, « qui est adonné à l’amour » apparaı̂t au sens médical en 1560. Ce terme
provient de l’adjectif latin venerius, de Vénus, déesse de l’amour ;
volcan, de l’italien volcano, du latin Vulcanus, Vulcain, dieu du Feu, nom dont le
premier emploi était témoigné vers 1300, était d’abord donné aux ı̂les de Lipari,
à cause de leurs volcans. Il a créé plusieurs dérivés volcanique, (1750), volcaniser
(1777), volcanisme (1842), volcanologie ou vulcanologie (1910) ;
vulcaniser, représente le sens différent créé au milieu du XIXe siècle, de l’anglais
vulcanize, tiré du nom du dieu Vulcain par Brockedon, ami de Hancock, l’inventeur du procédé de vulcanisation. Il en a tiré des dérivés vulcanisation (1843) et
vulcaniseur (1896) ;
265
4
D’autres noms communs provenant du grec et du latin
Le grec ainsi que le latin n’ont pas fourni les noms mythologiques seulement. Les
noms des personnages de la vie culturelle, politique, ainsi que les ethnonymes ont
persisté comme lexicalisations jusqu’à présent. Voici quelques exemples :
anacréontique, du poète grec Anacréon (vers 1580) ;
laconique, du latin laconicus, emprunté au grec lakonikos, « la manière des Laconiens », c’est-à-dire « concis », apparaı̂t au début du XVIe siècle. On peut trouver
des dérivés laconisme (1556), du grec lakonismos « façon de parler des Laconiens »
et l’adverbe laconiquement ;
olympe, du nom d’une montagne de la Grèce ancienne, résidence légendaire des
dieux dont les dérivés olympien (1550), « qui réside sur l’Olympe » ; olympius
(1838) « majestueux » ; le substantif olympiade (1361) du latin olympias (grec
olumpias), « de Olympia », l’adjectif olympique (fin XVe s.), du latin olympicus
(grec olumpikos), du nom de Olumpia, ville d’Elida où se célébraient tous les quatre
ans les jeux olympiques, dès 1894, sens moderne ;
philippique, au sens de « discours de Démosthène », puis « satire politique » a paru
au XVIe siècle. Dès le début du XVIIe siècle apparaı̂t son sens moderne, venu du
grec philipikai → au pluriel, harangues célèbres de Démosthène contre Philippe de
Macédoine ;
pyrrhique ; fin XIVe siècle, du latin pyrrhicha, du grec pyrrhikhê, de Purrhikhos,
inventeur présumé de cette danse ;
pyrrhonien, de Pyrrhon, nom d’un philosophe grec avec le substantif pyrrhonisme ;
pythagorique, de Pythagoras, nom d’un philosophe et mathématicien grec a créé les
dérivés pythagoricien et pythagorisme (XVIIIe siècle) ;
vespassienne, du nom de l’empereur romain Vespasien, d’après les « urinoirs » qu’il
a fait installer à Rome (n’apparaı̂t qu’en 1834).
Ce qui devrait aussi attirer notre attention, ce sont les noms des mois et des jours
de la semaine. Beaucoup d’entre eux proviennent des noms propres latins, certains
ne renient pas leur origine mythologique ou plus précisément la dénomination selon
un personnage mythologique. D’autres sont dérivés des noms propres des personnes
de la vie politique romaine. Leur apparition dans le français est justifiée au tournant
des millénaires, au XIe siècle.
janvier vient du latin januarius, mois de Janus ;
juillet est réfection de l’ancien français juignet, dérivé de juin, d’après une forme
disparue juil, du latin Julius, mois de Jules (César) ;
juin provient du latin junius, mois de Junius Brutus, premier consul de Rome ;
mercredi, evolué du latin populaire Mercoris dies, jour de Mercure (voir ci-dessus) ;
vendredi, vient du latin Veneris dies, jour de Vénus ;
266
5
Conclusion
L’appellativisation, c’est-à-dire l’emploi des noms communs comme noms propres,
est un procédé onomastique assez important de la création des appellatifs et de l’enrichissement du lexique de la langue française. Le phénomène en question regarde
presque toutes les catégories de noms communs. Noms communs peuvent être créés
à partir d’un nom de personne, d’un nom de lieu, d’un nom de nationalité ou bien
d’un nom de marque. Ce passage est dû à deux procédés sémantiques, la métaphore
et la métonymie.
Les appellatifs prennent la source parmi les noms propres très divers. A titre
d’exemples, nous avons cherché les noms qui prennent leurs origines dans les mythologies grecque et romaine. Pour conclure nous pouvons constater que ceux-ci
ne représentent qu’une partie minoritaire de tous les appellatifs existants au cadre
du lexique français5 . Les deux procédés sémantiques mentionnés s’emploient dans
leur création. Sauf peut-être le cas des noms de jours et mois, l’emploi de ces noms
gréco-latins n’est presque réservé qu’à langages littéraire et scientifique.
BIBLIOGRAPHIE
Černý, J. – Holeš, J. Sémiotika. Portál, Praha 2004.
Dauzat, A. – Dubois, J. – Mitterand, H. Nouveau dictionnaire étymologique.
Larousse, Paris 1964.
Germa, P. Du nom propre au nom commun, dictionnaire des éponymes. Bonneton,
Paris 1993.
Holeš, J. « Motivovanost francouzských vlastních jmen ». Časopis pro moderní
filologii 83, 2001, No 2.
Holeš, J. – Kadlec, J. «Métaphore et métonymie léxicalisées: Deux sources d’appellatifs en français ». Romanica Olomucensia XI. UP Olomouc, Olomouc
2002.
Migliorini, B. Dal nome proprio al nome comune. Leo S. Olschki, Firenze, 1927.
Nyrop, K. Grammaire historique de la langue française. Copenhague, 1912.
Tome IV.
Šrámek, R. Úvod do obecné onomastiky, MU Brno, Brno 1999.
5 Nous avons élaboré un dictionnaire de plus de 600 noms appellativisés français dans le mémoire de maı̂trise : Šelepa, Petr. Vlastní jména a jejich apelativizace. Archiv UP Olomouc, 2003.
Selon notre estimation les appellatifs représentent plus de 4 pour cent du contenu du dictionnaire
étymologique que nous avons pris comme source : Dauzat, Albert – Dubois, Jean – Mitterand,
Henri. Nouveau dictionnaire étymologique. Larousse, Paris 1964.
267
Apelativizace vlastních jmen mytologického původu ve francouzštině
Resumé
Téměř v každém jazyce existuje zvláštní jazykový proces utváření obecných
jmen ze jmen vlastních nazývaný apelativizace. Dochází k němu na základě dvou
procesů – metafory a metonymie. Ve francouzštině existuje řada apelativizovaných
proprií pocházejících z řečtiny či latiny, která jsou nezřídka mytologického původu.
Do francouzštiny buď jako apelativa už přešla, častěji se však jimi stala až později.
Ačkoliv je mezi nimi i několik běžně užívaných výrazů, obecně vzato netvoří v rámci
apelativizovaných jmen nijak významnou část.
Appelativisation of proper names of mythological origin in French
Summary
In most languages the lingustic phenomenon of appellativisation, i. e. the transformation of proper names in common names, might be observed, metaphor and
metonymy being the two principles of their creation. In French there are many
common names that originated in the group of proper names in Ancient Greek or
Latin, often being of mythological origin. Either they were brought into French
as common names or their figurative sense is a French creation. There might be
several commonly used expressions among them; however, their importance is not
that relevant, speaking generally of the entire group of appellativised names.
directeur de recherche : doc. PhDr. Jan Holeš, Ph.D.
Petr Šelepa
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
268
O tribo Mbyá, o seu modo de ser e a sua
mitologia
Pavla Volenová
Na multidão das tribos indígenas no Brasil, foram os Guarani, que viraram, na
consiência ocidental, os representantes de todos os índios brasileiros. Os guarani
são uma das tribos mais abertas e, comparando com os outros, não é tão difícil
entrar no contato com eles. Apesar de ter sido escrito bastante textos sobre a sua
cultura, quase nada foi traduzido para tcheco.
Apresentar o povo, cuja mitologia e modo religioso de ser continua sendo vivo
apesar de todas as tentativas dos opressores matar o seu espírito. O foco central
deste trabalho são os mitos dos guarani Mbyá. As histórias contadas de geração
em geração, ensinadas pelos pais aos filhos, pelos avós aos netos. São fundamentais
para um povo, marcam sua identidade, são uma riqueza cultural.
Na época em que vivemos, apesar de todo instrumental de acesso disponível, pouco conseguem lidar com a sabedoria dos povos nativos. Abrindo-se mais
às informações provindo dessas culturas nativas, pode enriquecer nossas vidas,
ensinando-nos saber atravessar fluentamente a ponte entre o antigo e o progresso,
entre o natural e o técnico e lidar com os dois lados como fosse a unidade hormónica
e equilibrada.
Os Mbyá a concepção do mundo dos Mbyá nhandereko – o
nosso modo de ser
A mitologia de Mbyá está profundamente ligada com a sua vida e a sua experiência
religiosa está projetatada na mitologia. A experiência religiosa é uma forma essencial de sua identidade e da consiência de seu destino. Somente a partir de sua
experiência religiosa poderemos entender os guarani atuais. Não é possível falar
da mitologia sem pensar na religião, na maneira de viver ou na cultura. Todos os
fatores formam o complexo, sendo inconcebível separar uma das outras.
Segundo Bartemeu Meliá1 a experiência guarani tem sido vivida por mais de
um milênio estas terras por gerações e gerações de homens e mulheres. Continua
sendo a experiência que dá sentido e vida a muitas pessoas. Para os guarani atuais
1 Melia,
Bartolomeu: El Guarani: Experiencia Religiosa, Asunción, 1991.
269
é fonte e razão de sua existência, fundamento do seu futuro. Nesta experiência
podemos encontrar o rosto guarani de ser deus.
O modo de ser guarani ñande reko é, sobretudo, um modo de ser religioso
ñande reko marangatu. “Los significados de esta palabra (ñande reko) son múltiples: nuestro modo de ser, nuestro modo de estar, nuestro sistema, nuestra ley,
nuestra cultura, nuestra norma, nuestro comportamiento, nuestro hábito, nuestra
condición, nuestras costumbures.”2 O ñande reko ou modo de ser guarani está constituído por duas formas essenciais. O ñande reko katu nosso modo de ser autêntico
e verdadeiro e o ñande reko marangatu nosso modo de ser bom, honrado e virtuoso
enquanto religioso.
A busca de terra sem mal
Sendo impossível falar dos Guarani sem fazer uma referência explícita à sua busca
da Terra sem Mal ywy mara ey. Os Guarani acreditam na imperfeição de ser durante a vida terrestre. Vivendo no corpo humano recebemos alguns tipos de comportamento que são imperfeitos, essas imperfeições desaparecem embora o homem
consiga achá-la e chegar nesta Terra sem Mal. Somente as pessoas muito religiosas
que estão no contato com os deuses e têm a alma forte podem atingi-la. A Terra
sem Mal fica numa ilha cercada por mar, sendo um “paraíso” onde não falta caça,
pesca, frutas e muita paz, onde não há nenhum sofrimento nem a morte. A Terra
sem Mal não é destinada aos brancos, foi criada pelo Nhanderu para as almas fortes
dos guarani.
A busca da terra sem mal que, originalmente era uma meta bem real, dinamizada por uma economia de reciprocidade sempre ativo e num desejo de perfeição
sempre renovado teria se transformado apenas em um ritual. Para alguns pesquisadores da cultura guarani o mito tinha perdido a sua força, por causa da situação
real que os força a partir o os faz sentir-se estrangeiros na sua própria terra. É muito provável que a busca da “Terra sem Mal” tenha se revestido, entre os Guarani
contemporâneos, de um misticismo mais acentuado comparando com os tempos
antigos.
A opressão de todos os índios levou ao aumento de migrações entre o povo
guarani. Esses estão viajando além do oceano Atlântico, esperando que achem a
“Terra sem Mal”, que deveria ficar escondida na margem do mundo, no oceano
na direção leste. Essas caminhadas são realizadas, frequentamente, do oeste pra o
leste, na direção do sol nascente. As vária aldeias dos mbyá encontram-se na Mata
Atlântica cujos domínios se estendem ao longo da costa brasileira, porque formar
as aldeias nesses lugares significa estar mais perto do mundo celestial. Até agora
podemos ver as famílias quarani na estrada BR 101, como, meio perdidos, seguem
o seu sonho da “Terra sem Mal”. “Historicamente, os Guarani sempre tiveram
intensa ligação com os rios e o mar, mas, ao longo dos anos, sempre pressionados
pela colonização, foram forçados a deixar o mar e habitar o interior. Talvez tenha
sido esse o motivo de as migrações Guarani Mbyá do século XX tomarem a direção
leste. Ao perceberem, nos interstícios das relações com a sociedade envolvente, a
possibilidade de fundar novas aldeias com base nos preceitos míticos que guiam
2 Idem,
270
p. 13
suas ações cotidianas, chegaram ao litoral sul fluminense em busca da “Terra sem
mal”.3
Se o caminho para a perfeição pessoal parece hoje mais indiviualizado e a busca
da “Terra sem Mal” mais ritualizada, isto não se deve a uma renúncia das verdadeiras metas, mas a colocação em prática de novos recursos para manter o essencial
de sua liberdade. A busca da “Terra sem Mal”, mesmo mais ritualizada, não é um
simples retorno conservador para estruturas sociais e religiosas tradicionais. É uma
forma de contestação face o sistema neo-colonial envolvente.
Tekoha
Os Guarani são os povos cujo raio de ação abrange uma ampla geografia, com
migrações eventuais e regiões muito distantes e com deslocamentos frequentes dentro de uma mesma região. Eles ocupam as terras com características ecológicas
muito constantes, terras aptas para o cultivo de milho, mandioca, batata-doce e
outros produtos. Estas terras oferecem um horizonte ecológico bastante definido,
cujos limites dificilmente são ultrapassados. Eles escolheram climas úmidos, com
uma temperatura média entre 18 e 22 graus, localizaram-se preferencialmente nas
margens de rios e lagoas, em lugares que não excedem os 400 metros em relação ao
nível do mar, habitando florestas típicas de uma região sub-tropical.4
Mesmo que a terra imponha suas condições, é o Guarani que faz a sua terra. O
Guarani refere-se ao seu território como tekoha. Teko é o modo de ser, o sistema, a
cultura, a lei e os costumes. Tekoha é o lugar e o meio onde se torna possível viver o
modo de ser Guarani. O tekoha é sobretudo uma interrelação de espaços culturais,
econômicos, sociais, religiosos e políticos. Para os Guarani sem tekoha não há teko.
A estrutura fundamental do tekoha e a relação com seus espaços se apresenta
do seguinte modo. Uma montanha preservada e pouco frequentada onde há boas
condições para a caça, a pesca e para a colheta de mel e frutas silvestres. Há também
manchas de terra especialmente fértil para nelas fazerem as roças e os cultivos e,
finalmente, um lugar onde pode ser erguida a grande casa comunal, a casa de reza
opy, cercada por um grande pátio aberto e, em cujo redor crescem bananeiras,
algodão e urucum. São estes três espaços, morro, roça e aldeia, que dão a medida
de uma boa terra guarani. Eles tem procurado esse tipo de terra para nela viver.
O tekoha não significa somente a terra, mas também a casa e as relações com
parentes. “Um tekoha pode ser constituído por mais de uma família extensa, cuja
predominância política recai sobre o nhanderú responsável pela escolha do local.
Entre o Guarani atuais, geralmente a família extensa se mantém devido à sua
funcionalidade econômica, social e política, embora as famílias vivam em casas
separadas. As casas são feitas com estrutura de madeira cortada da mata próxima,
sendo cobertas por sapê.”5 As casas, pelo menos opy a casa de rezas, são construídas
de frente para o Sol nascente onde recebem a luz e a palavra de Nhanderu.
3 Guimaraens, Dinah (org.): Museu de Arte e Origens: Mapa das Culturas Vivas Guaranis,
Rio de Janeiro, 2003, p. 103.
4 Informações tiradas do material de apoio dos cursos de antropólogo Maurício Fonseca, USP.
5 Guimaraens, Dinah (org.): Museu de Arte e Origens: Mapa das Culturas Vivas Guaranis,
Rio de Janeiro, 2003, p. 34.
271
Graças à sua experiência religiosa e ao seu sistema de vida os Guarani resistem
até hoje e mantêm o seu tekoha, o lugar do seu modo de ser. Os Guarani continuam
buscando a terra boa para construirem os seus tekoha. A busca de uma boa terra
não é contraditória com a busca profética de uma terra sem mal.
O sagrado nas palavras
“No princípio era o Verbo, e o Verbo estava com Deus, e o Verbo era Deus. Ele
estava no princípio com Deus. Todas as coisas foram feitas por ele, e sem ele nada
do que foi feito se fez. Nele estava a vida, e a vida era a luz dos homens. E a luz
resplandece nas trevas, e as trevas não a compreenderam.”6
“Ele ergueu-se: de seu saber divino das coisas, saber que desdobra as coisas, o
fundamento da Palavra, ele o sabe por si mesmo. De seu saber divino das coisas,
saber que desdobra as coisas, o fundamento da Palavra, ele o desdobra desdobrando-se, ele faz disso sua própria divindade, nosso pai.”7
É notável, que a concepção da relevância de função de palavra dos guarani é
quase igual à concepção bíblica. É a palavra, o que nos diferencia dos animais, a
fala articulada é índice de humanidade. O fundamento da palavra emana do ser
divino, constituiundo o centro e a base da palavra-alma. A fala é valor central na
definição do humano.
Segundo Bartolome Meliá8 , para os Guarani a palavra é tudo, e tudo para ele é
palavra. A língua guarani é bastante religiosa e metafísica, contendo os termos que
não é possível traduzir sem conhecer, pelo menos pouco, a concepção do mundo
guarani. Muitas vezes, a palavra possue mais de uma acepção. Para melhor entendimento, mostra-lo-ei na acepção da palavra ayvu. Segundo o dicionário de Cadogan,
essa significa “hablar, lenguaje”. Dessa explicação, a grande importância da palavra
para a vida dos guarani não é clara. Lendo mais, acharemos outros acepções. Ayvu
porã é explicado como “lenguaje religioso, las palabras de los dioses que ellos comunican a quienes se dedican a los ejercicios espirituales, estas palabras penetran
el alma e a através de la coronilla.”9
Pois, a palavra ayvu não possue somente uma acepção da linguagem humana
mas contém a conotação da substância do divino e do humano que estão presentes ao mesmo tempo. Refere-se à comunicação mútua entre o homem e os deuses
que, interropida, causará desordem e incompreensão no campo da comunicação, as
palavras perderem a sua essência divina, virando vazias. “Os homens só podem,
por conseguinte, existir segundo sua própria substância, conformando-se incessantemente à relação original que os liga aos deuses.”10
O português, do ponto de vista dos guarani, tinha perdido a sua vibração divina
e a sua essência fundamental tinha sido esvazidada. As palavras já não contém a
mensagem divina, sendo abusadas para assegurar o poder pessoal. O anseio de
6O
Evangelho Segundo Jõao, cap. 1, 1–5.
Pierre: A Fala Sagrada: mitos e cantos sagrados dos índios Guarani, Campinas,
1990, p. 26.
8 Informações tiradas do livro de Melia, Bartolomeu: El Guarani: Experiencia Religiosa, Asunción, 1991.
9 Cadogan, León: Diccionario Mbya – Guarani – Castellano, Asunción, 1992, p. 36.
10 Clastres, Pierre: A Fala Sagrada: mitos e cantos sagrados dos índios Guarani, Campinas,
1990, p. 27.
7 Clastres,
272
dominar e reinar sob alguém provém da ilusão que tem a sua origem na perca do
contato entre divino e humano. Acontecendo isso, os humanos não conseguem ouvir
mais as metáforas escondidas nas palavras e começam a criar as suas verdades e
convencimentos.
Seguinte é, a diferença entre a fala sagrada e a fala esvaziada. “Uma diferença
aí se revela, ao mesmo tempo a mais aparente e a mais profunda, na conjugação da
palavra e do poder. O fato é que, se nas sociedades de Estado a palavra é o direito
do poder, nas sociedade sem Estado ela é, ao contrário, o dever do poder.”11
O cacique, o pajé ou alguns outros eleitos possuem esse dever do poder, o dever
de palavra. Eles eram escolhidos para falar, tendo a melhor capacidade para ficar
em contato com divino. Seria muito complicado chegar a abusar a função do pajé
ou do cacique, a sua eleição não depende só nas coisas racionais, como é comum no
mundo ocidental, mas exige os dons especiais e o acordo dos deuses e dos espíritos.
Ou, para dizê-lo de outra maneira, a eleição é uma coisa religiosa e ritualizada e
deve ser harmonizada com o mundo sobrenatural e metafísico, por isso, o erro é
pouco provável. Os guarani, e os povos nativos em geral, não podem ficar com chefe
fraco, cuja alma é também fraca, porque eles ainda estão capaz de ver os efeitos
negativos que poderiam ser trazidos em cima de toda a tribo.
A sociedade guarani ainda sabe sentir os sinais mostrando, quem deve virar o
chefe. Por que os todos ainda têm o dom da palavra. A vida do guarani em todas as
suas instâncias críticas, sendo concepção, nascimento, recepção do nome, iniciação,
paternidade e maternidade, enfermidade, vocação chamânica, morte e pós-morte,
define-se a si mesma em função de uma palavra única e singular que faz o que diz,
que, de certa forma, consubstancia a pessoa.
As almas
O entendimento da alma entre os Guarani é o tema muito complicado, que está
apoiado na dualidade do bem e do mal. A alma é considerada na concepção pluralista, sendo para nós fora de hábito comum. Para os Guarani, a alma não se
apresenta completa no ato da concepção. Ela desenvolve-se com a vida do homem
e o modo de seu fazer e dizer. Os Guarani sabem que a sua alma é uma chave
nessesária à compreensão de sistema religioso inteiro.
A vida das pessoas é acompanhada por algumas almas. Cada dessas tem a sua
função própria e a sua tarefa, juntas criam o ser humano completo. As almas que
habitam o humano são seguintes ayvu ou ñe’ê o núcleo inicial da pessoa, sua porção
divina, ã a sombra, asygua a paixão, algo de gênio animal encarnado, teko achy
modo de ser imperfeito, manifesto através do mal carácter, da agressividade ou
simples condição telúrica e corporal.
A palavra ñe’ê expressa a base espiritual e divina da alma. “Canto de aves,
chirriar de insectos, ladridos de perro; excepcionalmente, palabra humana; utilizida en una envocación o plegaria, designa la ‘palabra’ de los ‘dioses’, alma de
origen divino”12 A criança nasce somente com ñe’ê, durante as seguintes fases da
vida aceitará as outras almas. Ñe’ê tem a provediencia divina, sendo enviada para
11 Clastres, Pierre: A Sociedade contra o Estado: Pesquisas de Antropologia Política, São
Paulo, 1990, p. 107.
12 Cadogan, León: Diccionario Mbya – Guarani – Castellano, Asunción, 1992, p. 125.
273
a criança pelo um dos deuses e as suas esposas. Essa alma é uma essência que
forma e afirma a parte divina em nós, que ajuda na cominicação com Deus. Ela
é a comunicação divina. “Verifica-se assim que a origem da nhê’é, ao relacionar
criadores e criações, impõe um misticismo próprio – misticismo da palavra-alma.
Isto significa que a comunicação milagrosa da origem espiritual revela-se na intimidade; ela vai se tornar o caminho da escatologia da alma.”13 A alma ñe’ê fica
retida nos ombros da pessoa. Depois da morte de pessoa a ñe’ê volta ao seu lugar
de origem.
A alma-sombra ã que, segundo os Guarani, não é a alma verdadeira acompanha
ñe’ê e corresponde ao lado fraco da pessoa. Essa alma não presencia no momento
do nascimento da criança, contudo, ela aparece quando a criança, já crescida, pode
distinguir o certo do errado e ceder às tentações, tendo consiência de suas fraquezas.
A ã fica nas costas de homens. Não tendo o seu lugar de origem, ela, depois da
morte do seu portador, fica na terra algum tempo até desaparecer. Nesse período,
conforme suas características, ela pode perturbar os outros seres vivos, causando
doenças e enfraquecimento físico e espiritual.
A palavra teko achy expressa a imperfeição que está ligada à humanidade. Ao
nascer na terra, cada pessoa assume as coisas que são típicas para a humanidade.
Essas coisas imperfeitas influem o nosso comportamento e as nossas reações em
várias situações. Alguns são os momentos quando queremos agir da outra maneira,
tudo dentro de nós está preparando resolver a situação dessa maneira, mas agimos
de modo diferente, perdendo a tranquilidade e paz interior. A alma teko achy é
o motivo desse comportamento, ela traz na nossa vida a imperfeição e fraqueza.
A sua essência não é má, mas ela tem o pressuposto tornar-se má por causa da
sua fraqueza. Os Guarani aspiram a atingir a vida em sabedoria, que impede essa
fraqueza e é uma chave para a luta contra teko achy. “Para el guaraní hay una
relación directa entre tierra-sin-mal y perfección de la persona; el camino de una
lleva a la otra. Y así como la tierra-sin-males real y está en este mundo, la perfección, que en su grado pro excelencia incluye el no-mori – que no es simplemente
la inmortalidad – es también real en la tierra.”14
A proveniência das almas
O mundo Mbyá é regido pelos pais das almas que controlam as forças do mundo a
partir de regiões de firmamento. Há cinco lugares, ou seja, cinco regiões divinas, de
onde podem provir as almas ñe’ê. Cada desses lugares correspondea um casal de
nhee ru ete e nhee xy ete, o verdadeiro pai de almas e a verdadeira mãe de almas.
Cada nome guarani é uma alma proveniente de uma região. “Quando uma criança
é concebida, este fato ocorre por ordem ou autorização de um dos nhee ru ete.
Este, seja Tupã, Kuaray ou outro, será responsável por ela. Depois do nascimento,
todos os nhee ru ete decidirão quem enviará alma-nome à criança.”15
O nhanderenondére é comandada por próprio Nhanderu, o ser supremo. Tupã,
deus de águas, chuvas, raios e trovões, é responsável pelas almas de nhandekupére,
13 Godoy, Marília Gomes Ghizzi: O Misticismo Guarani Mbya na Era do Sofrimento e da
Imperfeição, São Paulo, 2003, p. 58.
14 Melia, Bartolomeu: El Guarani: Experiencia Religiosa, Asunción, 1991, p. 73.
15 Ladeira, Maria Ines: “O Caminhar sob a Luz” – o Território Mbyá à Beira do Oceano, São
Paulo, 1992, p. 119.
274
Karai, deus de fogo e chamas, governa sobre a região nhandekére, Jakaira, deus da
bruma originária, reina sobre nhandekerovái e Kuaray, o Sol é responsável por ara
mbyte.
As regiões estão situadas em diversos lugares do universo e em pontos cardiais
diferentes. Conforme os Guarani o mundo é redondo e os nhee ru ete e nhe xy ete
vivem sobre a terra e movimentam-se em vários direções.
Nhanderenondére fica em nascente no espaço entre o céu e a terra. Nessa região
viveram aqueles que consegiram atravessar o oceano e chegar em Nhanderu retã,
na terra perfeita onde mora Nhanderu. Nhandekupére fica em poente onde está yvy
apy, a origem do mundo. Ara mbyte é o zênite e fica no centro do céu. Na terra
está situada yvy apy sobre a qual está o mar. Nele, na direção de nhanderenondére,
estão as ilhas para onde vão as almas para serem distribuídas.16
Os nomes distribuídas por pais e mães das almas
As almas da cada região depõem de carácter das pesssoas que recebem o nome.
Os nomes apontam muito sobre o seu portador e seus dons e talentos, sobre a sua
força física e, também, sobre a sua força espiritual.
Na região de Nhanderu, em nhanderedondére existem mais almas femininas.
Essas almas possuem a qualidade de reunir harmoniosamente a comunidade, têm
condições de organizar o grupo, de liderar e ensinar. As portadoras têm a voz forte
e cantam bem. No trabalho artesanal elas sabem lidar com o barro conseguindo
bons resultados na confecção dos cachimbos, potes e panelas. Os homens, com a
única alma masculina dessa região, são bons conselheiros e curadores.
ALMAS FEMINIAS
Jaxuka
Kunhã Karai
Nhanju
Takua
Yva
ALMAS MASCULINAS
Avarãtã
Jaxuka Miri
As almas provenientes de nhandekupére, da região de Tupã têm a maior força
física. As almas femininas são boas para ensinar e não são boas para plantar nem
conseguem trabalhar com barro. Fala-se que o barro manuseado pelas almas de
Tupã quebra facilmente. As almas masculinas são fortes nas rezas, conseguem bem
construir as casas e destacam-se na lavoura. Os homens de Tupã e de Kuaray
podem virar Xondaro, os guardiões da aldeia.
ALMAS FEMININAS
Tataxi
Ara
Arai
Krexu
Rete
Krexu Miri
Rya Poa
16 Informações
ALMAS MASCULINAS
Tupã
Tupã Miri
Vera
Vera Miri
Ava Ropeju
Popygua
Vera Popygua
Mbiguái
recebidas durante a própria pesquisa na aldeia Tenonde Porã.
275
As almas de nhandekére, da região de Karai são somente masculinas. Os portadores dessas almas são bons para dar conselhos e orientar o caminho. Também
são bastante forte para dirigir as rezas.
ALMAS MASCULINAS
Karai Miri
Karai Poty
Karaiju
Karai Rataendy
Karai Tataendy
Karai Ruvixa
Também as almas provenientes de Jakaira, de nhandekerovái são somente masculinas. Os portadores destacam-se nas rezas, pois não são bons para lavoura.
ALMAS MASCULINAS
Jeguaka
Jeguaka Miri
Os portadores das almas de Kuaray, da ara mbyte são bons artesãos. Consegem
bem trabalhar com madeira, o barro usam só para fazer cachimbos. As almas
femininas não possuem muita força física e são boas nas rezas e dedicam-se à
cozinha. As almas masculinas sabem indicar o caminho para o seu grupo.
Kmen Mbyá jejich mytologie a způsob života
Resumé
Článek představuje část diplomové práce studentky pátého ročníku portugalské
filologie, která se zabývá studiem mytologie jednoho z kmenů skupiny Guaraní –
kmene Mbyá. Její práce vychází z výzkumů prováděných v terénu, přímo v brazilské
Amazonii ve spolupráci s týmem antropologů z Univerzity v São Paulo.
The Mbyá Tribe, Its Mythology and Its Way of Life
Summary
The article contains part of a thesis written by a fifth-year student of Portuguese
philology. Its author deals with the mythology of the Mbyá tribe – one of the tribes
belonging to the Guarani group. The thesis is based on research carried out in the
field directly in the Amazon area, in cooperation with a group of anthropologists
from the University of São Paulo.
orientadora da dissertação: Mgr. Kateřina Ritterová
Pavla Volenová
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
Republica Checa
276
Jan Čep face aux tendances modernistes de la
littérature française d’après-guerre
Jan Zatloukal
Il est toujours intéressant de voir comment un écrivain d’un certain âge observe, juge et jauge la production des générations qui entrent en littérature après
lui, de même qu’il n’est pas sans intérêt de se pencher sur les objections et les
critiques accumulées par les « jeunes » contre la création de leurs prédécesseurs.
Nous proposons d’en donner un aperçu en exposant la réception faite par l’écrivain
tchèque Jan Čep aux écrivains français d’après-guerre. Installé dans l’exil parisien
dès 1948, Čep fut l’un des rares intellectuels tchèques auxquels il fut donné de suivre directement et de très près l’ébullition (non seulement) littéraire du pays. Nous
limitons volontairement notre champ d’investigation aux auteurs de tendance dite
«moderniste», c’est-à-dire à ceux qui, par leur création, ou plutôt par des méthodes
formelles appliquées dans leurs œuvres, cherchaient à renouveler le genre romanesque. En effet: Que pensait Čep des romans d’un Michel Butor ou d’une Marguerite
Duras? Comment reflétait-il, lui, romancier traditionaliste, leurs tentatives visant à
nier le modèle du roman traditionnel? S’était-il lancé dans une polémique avec eux,
à l’instar d’un François Mauriac ? Grâce à ses émissions de Livre de la semaine1 ,
il est possible de répondre à de telles questions.
On se doute bien que l’attitude de Čep, vis-à-vis de la littérature française
d’après-guerre, ne fut pas sans failles. Il est vrai qu’il estimait beaucoup l’œuvre
d’Albert Camus, qu’il percevait un certain talent et une quête honnête chez les jeunes chrétiens (Luc Estang, Roger Bésus, Jean Cayrol, Paul-André Lesort, Gilbert
Cesbron, Pierre-Henri Simon) ou même chez les agnostiques (Emmanuel Roblès,
Romain Gary, Hervé Bazin). Il est tout aussi vrai qu’une grande partie de la production littéraire française de l’époque le décevait. Ce rapport ambivalent se laisse
nettement deviner, lorsque Čep se met à comparer l’actualité avec la période de
l’entre-deux-guerres. Si, dans ses émissions radiophoniques, il s’efforce toujours de
1 C’était un des programmes culturels que Čep assurait pour Radio Europe libre. Le but en
était d’informer les auditeurs derrière le rideau de fer sur l’actualité littéraire du monde occidental
libre. Ainsi dans ses comptes rendus, Čep traita non seulement des ouvrages des écrivains français
mais aussi anglais, italiens, allemands ou autres.
277
valoriser plutôt que de critiquer, il ne peut s’empêcher, cependant, de faire sentir de quel côté vont ses propres préférences. Il lui arrive de glisser, çà et là, que,
par rapport aux auteurs phares de la période précédente, comme Gide, Claudel,
Larbaud, son impression générale sur la production contemporaine serait « plutôt
défavorable ».2 Il n’est pas surprenant qu’il apparaisse beaucoup plus tranchant
dans le discours personnel. La longue citation suivante, tirée d’une lettre envoyée
à Vladimír Peška, malgré la clausule dépréciative finale, en dit beaucoup sur son
attitude réservée devant la littérature française d’après-guerre : « Je commence à
être écoeuré par la production littéraire française actuelle. [. . . ] Les nouveaux écrivains – et même écrivaines – français se délectent trop dans la cruauté cynique
et arbitraire. S’agit-il, peut-être un peu de remords inavoués (mais ce mot n’est
pas pris à leur vocabulaire) pour ce qu’ils ne veulent pas admettre la souffrance
du monde environnant (ou bien c’est la réaction indirecte à cette souffrance). Quoi
qu’ils fassent, un jour ce monde fera une irruption terrible dans leurs constructions
psychologiques et trop ingénieusement littéraires. [. . . ] Mais je voulais seulement
dire que la différence entre les Bernanos et les Gide, les Camus et les Sartre – et
même entre les Mauriac et les Duhamel – et ces Perry, Bosquet, Dutourd, Zéraffa,
etc. saute aux yeux. [. . . ] Il faudrait un géant – à la [. . . ] Dostoı̈evski – pour soulever par le cœur et l’imagination l’horreur et la misère de notre monde et sauver
la dignité naturelle et surnaturelle de l’homme. Parmi les modernes y parvenait
Bernanos – et à un autre niveau et avec moins de force Camus s’y applique avec
probité. – Mais ce ne sont que des divagations qu’il ne faut pas prendre à la lettre.»3
Ailleurs encore, Čep compare la situation de la littérature française de l’époque
à la littérature du XVIIIe siècle. Comme au temps de Voltaire et de Rousseau, la
production d’après-guerre pullule sans « dépasser une certaine moyenne » ; comme
au temps des Lumières, la littérature narrative est submergée, au détriment du
roman, par le genre de l’essai philosophique d’un côté, et par le journalisme facile
et superficiel de l’autre. Le roman, lui-même, est d’ailleurs « infecté » par ces
deux tendances. Mais nous nous éloignons un peu trop du sujet proposé qui doit
être le regard de Čep sur les ouvrages novateurs, notamment ceux conçus par les
représentants du Nouveau Roman.
Le seul fait que Čep ne passa pas leur production sous silence dans ses comptes
rendus, prouve qu’il ne les refusait pas a priori. Dans ses jugements portés sur ce
phénomène naissant qu’est le Nouveau Roman, il apparaı̂t donc plus discret que
2 Pour ne pas surcharger le texte de références, nous ne les appliquons qu’aux citations d’une
certaine longueur. Toutes les citations non indiquées sont tirées des scriptes des émissions radiophoniques (non publiés) dans lesquels Čep traite des ouvrages en question. Les documents cités
se trouvent dans les archives personnelles de l’auteur de l’étude.
3 « Já začínám být „écœuré nynější francouzskou literární produkcí. [. . . ] Noví francouzští autoři – i autorky – si příliš libují v svévolné a cynické krutosti. Možná, že jsou to trochu nepřiznané
výčitky svědomí (toto poslední slovo ovšem není vzato z jejich slovníku) za to, že si nechtějí připustit utrpení okolního světa (anebo je to nepřímá reakce na toto utrpení). Ale ať dělají, co dělají,
tento svět jednoho dne strašlivě vtrhne do jejich příliš důmyslných literárních a psychologických
konstrukcí. [. . . ] Ale chtěl jsem jenom říci, že rozdíl mezi Bernanosy a Gidy, Camusy a Sartry –
ba i mezi Mauriaky a Duhamely – a těmihle Perrymi, Bosauety, Duourdy, Zéraffy, atd. bije do
očí. [. . . ] Musil by to být obr – à la [. . . ] Dostojevský – aby mohl nazvednout srdcem a obrazností
hrůzu a bídu našeho světa a zachránit člověku jeho přirozenou a nadpřirozenou důstojnost. Dovedl
to z moderních Bernanos – a v jiné rovině a s menší silou se o to poctivě pokouší Camus. – Ale
toto jsou divagace, které neberte doslova. » J. Čep à V. Peška, le 12 décembre 1952.
278
François Mauriac, qui dans ses Mémoires intérieures s’en prend à Robbe-Grillet et
à ses postulats théoriques.4 En tout cas, Čep ne dégaine pas ici l’arme de l’ironie,
comme le fait parfois Mauriac. Plutôt que de fustiger, Čep observe.
Dans la jeune littérature française en général, Čep semble saisir un trait commun. C’est, avant tout, une littérature « marquée par l’expérience de l’incertitude
et de l’instabilité », ce qui fait que les jeunes écrivains ressentent, plus que jamais,
la nécessité de « tout vérifier à leur tour ». Il est vrai que c’est l’expérience de
tout écrivain digne de ce nom, précise Čep ; il n’empêche que le désarroi du monde
moderne embrase ce sentiment de manière beaucoup plus intense. La conséquence
de ce dénominateur commun de l’incertitude et de l’instabilité se traduit, selon
Čep, dans les préoccupations majeures des jeunes auteurs : la question de l’identité
individuelle et le problème de la prise de conscience. Ce double enjeu, que nous
pourrions désigner comme ontologique et noétique, s’incarne chez les nouveaux romanciers notamment dans la recherche formelle. C’est le compte rendu sur Le dı̂ner
en ville de Claude Mauriac qui permet à Čep de rendre l’aspiration générale du
Nouveau Roman, dont les différents tenants s’appliquent aux « tentatives d’une
objectivité absolue, d’une certaine mathématique ou géométrie dans la représentation de la réalité humaine » : « Tous, ils cherchent une nouvelle expression, une
nouvelle technique romanesque, qui saisirait et ferait naı̂tre l’impression de réalité
de manière plus insistante et plus véridique qu’il ne le fut possible dans la création
romanesque précédente. Il ne s’agit pas, bien sûr, seulement de la forme, d’un mode
narratif nouveau ; il est question avant tout d’une nouvelle noétique, d’une certaine
philosophie de la connaissance ; de la relation de la conscience humaine avec les
hommes et les choses, au monde environnant. La question de chaque moi individuel
et de l’existence des choses est posée à nouveau, dans la mesure où ces derniers
se reflètent dans la conscience singulière et qu’ils la fondent ou contribuent à la
fonder. »5
Cette exigence d’une noétique nouvelle ne peut pas ne pas avoir des répercussions dans le domaine de l’esthétique. Čep saisit bien les deux postulats du Nouveau
Roman qui sont le rejet de l’intrigue et le rejet de la psychologie traditionnelle.
Cependant, le postulat de l’objectivité absolue, de l’exclusion de tout sentiment et
de toute idéologie lui semble illusoire. Čep est persuadé que même la «psychologie»
nouvelle de ces auteurs, qui prétend être «objective, matérielle, fondée sur l’analyse
détaillée des sensations » n’élimine pas l’arbitraire et encore moins la subjectivité.
Elle y est encline, d’après Čep, peut-être encore davantage que les méthodes traditionnelles, car tout « dépend toujours de l’a priori philosophique de l’auteur, de
sa vision globale de l’homme et du monde ».
4 P. ex.
à la page 308 : « Si M. Robbe-Grillet écrit un jour de grands livres, ce ne sera pas grâce
aux lois qu’il a édictées, mais dans la mesure où il les aura oubliées. » Cf. Mémoires intérieures,
Flammarion (Livre de poche) 1959, p. 305sq.
5 « Všichni hledají nový výraz, novou románovou techniku, která by zachytila a navodila dojem
skutečnosti způsobem naléhavějším a pravdivějším, nežli by to bylo možné v dosavadní románové
tvorbě. Nejde ovšem jenom o formu, o nový vyprávěcí způsob ; jde především o novou noetiku,
o jistou filosofii poznání ; o vztah lidského vědomí k lidem a věcem, k okolnímu světu. Klade se tu
znova otázka existence každého jednotlivého já a existence věcí, pokud se odrážejí v jednotlivém
vědomí a pokud je vytvářejí nebo spoluvytvářejí. » J. Čep, Claude Mauriac : Večeře v městě.
279
Les novateurs : Michel Butor, Claude Mauriac, Marguerite
Duras
Prenons quelques exemples concrets des œuvres-phares de cette modernité romanesque des années 1950. Lorsque la Modification de Michel Butor décroche le prix
Renaudot, Čep ne manque pas d’en faire son « livre de la semaine ». Il avoue, au
début de son compte rendu, qu’il a été cent fois tenté de délaisser le livre, tellement
la lecture du roman lui semblait « abrupte ». Cette contrainte de la lecture difficile – «impraticabilité irritante de la narration» [dráždivá neschůdnost vyprávění] –
fonctionne en même temps comme une stimulation forçant le lecteur à reprendre le
livre à nouveau. C’est seulement en arrivant aux dernières pages, que Čep ressent
le sentiment « que cela aurait été dommage, si nous n’avions pas persévéré jusqu’à
la fin ».
En ce qui concerne la nouveauté du roman, il soulève tous les traits essentiels de
la méthode de Butor, devenus incontournables dans tous les manuels de littérature
française moderne: «description incroyablement précise et détaillée liée à la capacité
du souvenir d’une même précision et minutie»; l’entrelacement de différents niveaux
temporels, passé-présent-futur, si bien que le « lecteur perd souvent la continuité
et n’arrive pas à s’orienter immédiatement » ; le « vous » de la deuxième personne
du pluriel où il n’est pas certain « que le héros de l’histoire s’adresse à lui-même,
qu’il s’agit d’un moyen de dialogue avec sa propre conscience, ou bien qu’il parle au
lecteur, n’importe quel lecteur, qui pourrait se trouver à la place de notre voyageur –
qui de toute façon doit se mettre à sa place au moins en imagination ».
Au moment de l’évaluation finale, Čep se demande si l’auteur est parvenu à
réaliser son intention, qui ne fut autre que « rendre l’équivalent total de la réalité,
restituer le temps». Malgré la technique spécifique appropriée au roman, l’intention
artistique de Butor ne s’accomplit, selon Čep, que partiellement, car en dépit de
l’extrême densité de la forme adaptée, « la réalité et le temps s’enfuient comme
de l’eau » : « Aucun roman ne peut être aussi long que le temps physique, que
la vie physique de l’homme. Même Michel Butor fut d’ailleurs obligé de choisir
dans la réalité empirique, de construire un drame intérieur de l’homme. L’effort de
l’objectivité absolue, également évidente et accessible à tous, généralement valable,
est sans doute une illusion. »6
Butor échoue, selon Čep, dans son effort d’impartialité. Même s’il évite de porter
des jugements d’idées et d’évaluer ses personnages, même s’il prétend uniquement
à l’observation et à la description, la neutralité et l’objectivité totales ne sont pas
acquises. Car déjà « ses descriptions [. . . ] impliquent souvent des jugements, des
sympathies ou antipathies idéologiques ». On se souvient par exemple des passages,
où le narrateur de Butor tourne en dérision le Vatican et son représentant suprême
le pape, ce qui n’enchantait sûrement pas le catholique Čep.
Čep se pose le même genre de question concernant l’aboutissement de l’intention auctoriale au sujet d’un autre représentant proche du Nouveau Roman, Claude
6 « Žádný román nemůže být tak dlouhý jako fyzický čas, jako fyzický život člověka. I Michel Butor byl ostatně nucen vybírat z empirické skutečnosti, konstruovat vnitřní lidské drama.
Úsilí o naprostou objektivitu, všem stejně zřejmou a přístupnou, obecně platnou, je bezpochyby
ilusí. » J. Čep, Michel Butor : Změna, p. 6.
280
Mauriac. Dans son roman, Le dı̂ner en ville, Mauriac raconte une conversation apparemment banale de plusieurs personnages, réunis à l’occasion d’un repas. Or,
tout un réseau de pensées cachées se tisse derrière les répliques anodines des commensaux, faisant ressortir les portraits singuliers et plastiques des personnages.
L’enjeu du roman semble à Čep plutôt réussi, car l’auteur « est parvenu à construire une action interne cohérente à partir de dialogues et de monologues intérieurs,
en apparence fragmentaires, divergeant dans tous les sens ». Également, à propos
de la technique, adoptée par Mauriac, Čep se dit convaincu de sa pertinence, car en
dépit de sa défiance première, un moment est arrivé, où il « a succombé, il a cessé
de faire attention à la ‘fabrication’, à ce ‘comment’ c’est fait ». La technique fut
donc « en accord » avec la matière du roman. « Cependant », rappelle Čep, « c’est
une technique qu’on ne peut utiliser qu’une seule fois. »
Après les deux auteurs masculins ajoutons encore deux exemples où Čep observe
l’écriture féminine.
En premier lieu, signalons le cas de Moderato Cantabile de Marguerite Duras.
A l’époque, cet ouvrage assez insolite fut mis en relation par certains avec les
tendances du Nouveau Roman. Les points forts de l’analyse de Čep – le récit
dépouillé au maximum, la rigueur formelle – nous semblent être toujours justes et
valides. Après avoir fait remarquer le saut qualitatif dans l’évolution de l’œuvre de
Duras, consistant en un changement radical de sa poétique (l’auteur a « renoncé
à toute son expérience précédente qui tend à la facilité et a opté pour une forme
beaucoup moins accessible, et beaucoup plus rigoureuse ») il laisse comprendre à
ses auditeurs en quoi consiste cette transformation : « Son dernier roman n’est
guère une histoire dans le sens traditionnel du mot ; ce n’est en fait que quelques
phrases, quelques situations, qui se répètent sans cesse, sans que rien ne se passe
vraiment »7 . Et, il va tenter l’analogie du récit durassien au domaine musical en le
rapprochant du Boléro de Ravel : « toujours la même phrase tournoie presque sur
place, mais en réalité, elle s’élève toujours plus haut par un mouvement en spirale,
jusqu’à ce que son intensité devienne presque insupportable ».
Phénomène Sagan
Une autre écrivaine qui intriguait Čep, aussi bien que toute la critique française
des années 1950, était la toute jeune Françoise Sagan. « Une fille extrêmement talentueuse et extraordinairement cynique », tel est la formule synthétique de Čep.8
Entrée en littérature à moins de 19 ans, elle diffère des noms dont il fut question précédemment. Sagan ne tend pas tant à une quête formelle, elle reste plus
proche du roman traditionnel que Butor ou même Duras. Elle se situe en dehors
du Nouveau Roman, se contentant de raconter l’histoire sans mettre en avant les
procédés techniques. Mais en même temps, elle est, sans doute, le représentant le
plus marquant de cette jeune littérature dont les traits essentiels sont d’après Čep
« la cruauté cynique et l’arbitraire ». C’est d’ailleurs cet aspect de révolte sur lequel
se penche Čep, en y décelant le symptôme de l’atmosphère spirituelle inquiétante
de la société française.
7 J.
Čep, Marguerite Duras : Moderato Cantabile, p. 8sq.
Čep, « Francouzská kronika » (Chronique française), Svědectví (Témoignage), I, n◦ 3–4
1957, p. 248.
8 Jan
281
Avec un intérêt sincère, l’écrivain exilé tchèque suit l’évolution de la jeune romancière. Au fur et à mesure, il lui semble que le cynisme des premiers ouvrages
se teinte d’un accent plus humain. Ainsi la parution de Aimez-vous Brahms ?, quatrième roman de Sagan, fournit à Čep l’occasion de se pencher sur les ressorts de
la création de l’écrivaine qui sont « l’amertume et la solitude de la vie » et qui lui
semblent, répétons-le, s’imprégner progressivement de tons tragiques, c’est-à-dire
humains. Voici comment Čep retrace l’évolution possible, et sans doute souhaitée,
de cette jeune rebelle : « Françoise Sagan a découvert tôt l’amertume et la solitude
de la vie, mais de la manière, dont la découvrent les jeunes gens qui ne croient pas
tout à fait en leur découverte, qui s’en acquittent avec un certain sourire. – Il est
vrai, seulement cinq ans se sont écoulés depuis son premier roman, cependant ces
cinq ans apportèrent dans son regard sur la réalité humaine un changement sensible. Le sujet reste le même, il est puisé dans la même société, et il est plutôt mince.
Toutefois, il semble qu’elle a approché de beaucoup plus près la solitude de la vie
humaine ; solitude et amour, solitude dans l’amour. Le ton tragique commence à se
faire entendre, qui peut être le présage d’une interrogation de l’auteur sur le sens
du destin de l’homme ; que le temps cessera d’être pour elle uniquement un élément
qui use, mais [deviendra] la terre, de laquelle naı̂t un vrai amour, et de l’amour
l’espérance. »9
Conclusion
Vis-à-vis des tendances modernistes dans le roman français, Čep se montre ouvert
et prudent, bienveillant et modéré à la fois. S’il estime l’honnêteté de la quête des
« nouveaux romanciers » et leur audace formelle, il n’en est pas moins inquiet, ne
cachant pas ses réserves à propos de leurs postulats théoriques et des conceptions
romanesques qui en découlent. Ce sont, certes, des essais légitimes de renouveler le
genre romanesque. Čep semble toutefois sceptique quant à leur avenir, les considérant – et sa prédiction s’avéra juste – comme une impasse. Même si les techniques
adaptées par Butor dans la Modification ou par Claude Mauriac dans le Dı̂ner en
ville semblent bien adéquates à leurs intentions artistiques, ce sont des procédés
qui ne servent qu’une seule fois, qui ne sont pas susceptibles d’être renouvelés. Du
reste, la mise en avant obstinée de la technique, de la méthode appliquée, est fort
loin de la conception de la création littéraire qui fut celle de Čep, sinon tout à fait
contraire à celle-ci. L’effort d’éliminer toute psychologie en faveur de l’objectivité
absolue et parfaite, lui semble également illusoire.
Ceci dit, Čep n’était pas persuadé que la voie proposée par le Nouveau Roman
était propice et juste pour le genre romanesque en général, et il se préoccupait de
9 « Françoise Saganová objevila brzo hořkost a samotu života, ale tak, jak ji objevují lidé mladí,
kteří zcela nevěří svému objevu, kteří se s ním vypořádávají s jistým úsměvem. – Je pravda, že
od jejího prvního románu uplynulo teprve pět let, ale těchto pět let přineslo v jejím pohledu
na lidskou skutečnost znatelnou změnu. Námět zůstává podobný, je čerpán ze stejné společnosti
a je spíše útlý. Zdá se však, že samota lidského života k ní přistoupila mnohem blíž ; samota
a láska, samota v lásce. Začíná se tu ozývat tragický tón, který může být předzvěstí, že si autorka
jednou položí otázku po smyslu lidského osudu ; že čas pro ni přestane být jenom živlem, který
opotřebovává, nýbrž půdou, z které se rodí skutečná láska, a z lásky naděje. » J. Čep, F. Sagan :
Máte ráda Brahmse ?, p. 5.
282
l’avenir du roman, au cas où celui-ci adopterait cette tendance pour de bon.10 Toutefois, il faut avouer que Čep ne tranche pas ; il laisse la question du cheminement
future du roman ouverte. Il ne sait que trop bien que ce sera le temps qui apportera
une réponse.
BIBLIOGRAPHIE
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archives de Vladimír Peška, Paris : Institut des Etudes slaves.
Čep, Jan. Livre de la semaine. Copies des émisssions pour Radio Free Europe,
Archives de Vladimír Peška, Paris : Institut des Etudes slaves.
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janvier–février 1964, pp. 1–3.
Dresler, Jaroslav. « Jan Čep ve Svobodné Evropě ». In : Konference o díle Jana
Čepa. Actes du colloque réunie par František Valouch et Jiří Fiala, Olomouc:
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Galmiche, Xavier. « Qu’attendre des archives de l’émigration ? Le cas de Jan Čep
(1902–1974) ». Communication proférée le 23 mai 2003 au cours d’une journée d’études «Littérature de l’exil, épreuve de la fiction» à l’Inalco, organisé
par le Centre d’études de l’Europe médiane de l’Inalco en collaboration avec
le CIRCE (Paris IV). Communication audio consultée sur
http://www.vox-poetica.org le 20 janvier 2004.
Mauriac, François. Mémoires intérieures. Paris : Flammarion, 1959.
Peška, Vladimír. «Deux types d’écrivain en exil: Jan Čep et Egon Hostovský». In:
Emigration dans les cultures tchèque et polonaise. Actes du colloque réunis
par H. Jechová et H. Wlodarczyk, Paris : PUPS, 1987, pp. 217–229.
Petrů, Eduard. «Literárněvědná relevance Čepových esejů». In: Konference o díle
Jana Čepa. Actes du colloque réunie par F. Valouch et J. Fiala, Olomouc :
Danal, 1999, pp. 9–12.
Šrámek, Jiří. Dějiny francouzské literatury v kostce. Olomouc : Votobia, 1997.
Zatloukal, Jan. «O absolutních čtenářích aneb na okraj Čepova programu Kniha
týdne ». In : Osobnost Mojmíra Trávníčka v české literatuře. J. Chrobák éd.,
Vsetín : Nakladatelství Dalibor Malina, 2007, pp. 89–95.
10 Par exemple dans l’interrogation suivante on ressent bien une teinte de l’inquiétude : « Où
mènera cette tendance ? Créera-on par cette méthode vraiment quelque chose de nouveau dans
la littérature, découvrira-t-on par elle de nouveaux domaines de la vie humaine – ou au moins, servira-t-elle à ce qu’ils puissent être exprimés avec plus d’insistance ? Va-t-elle enrichir ou
appauvrir l’expérience humaine ? », J. Čep, Claude Mauriac : Večeře v městě, p. 9.
283
Jan Čep a modernistické tendence poválečné francouzské literatury
Resumé
Studie materiálově vychází z Čepových recenzí vzniklých pro kulturní program
Kniha týdne, který Čep v exilu připravoval pro Rádio Svobodná Evropa. Soustředí
se zejména na Čepovu recepci novátorských tendencí ve francouzské literatuře po
druhé světové válce. Z Čepových recenzí konkrétních děl, spadajících do blízkosti
francouzského Nového románu (La Modification Michela Butora, Le dı̂ner en ville
Clauda Mauriaka, Moderato Cantabile Marguerite Durasové), vyplývá Čepův ambivalentní postoj k těmto novátorským tendencím. Uznává sice legitimnost, ba
nutnost hledání nových cest i formální odvahu nových romanopisců, zároveň však
považuje jejich teoretické postuláty (absence psychologie, naprostá objektivnost
a neutralita) za iluzorní a pro román jako žánr neživotné.
Jan Čep and Modernist Trends in Post-War French Literature
Summary
The paper is based on Čep’s reviews written for the cultural broadcast program
Book of the week that Čep prepared in exile for Radio Free Europe. Its main focus
is on Čep’s reception of innovative trends in French literature after the Second
World War. The reviews of particular works falling close to the French Nouveau
roman (La Modification by Michel Butor, Le Dı̂ner en ville by Claude Mauriac or
Moderato Cantabile by Marguerite Duras) imply Čep’s ambivalent attitude to these
innovative trends. He admits the legitimacy or even the need to search for new
methods and the formal courage of the Nouveau roman writers but, at the same
time, he rejects their theoretical axioms (such as the absence of psychology, absolute
detachment and non-alignment), perceiving them as illusory and too scholastic for
the novelgenre.
directeur de recherche : prof. PhDr. Jiří Šrámek, CSc.
Jan Zatloukal
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
zatj [email protected]
284
TRADUCCIÓN
Le baiser papillon/Polibek motýla –
Colette Guedj
Vyprávění matky o dceři,
o kterou ji připravila nemoc a smrt.
Colette Guedj – doktorka filozofie a odbornice na Paula Eluarda – působí jako
zástupkyně děkana na Filozofické fakultě – Sophia-Antipolis – v Nice, kde přednáší
surrealistickou a současnou poezii. Je členkou odborného týmu při CNRS (Státní
středisko vědeckého výzkumu), zajímá se o propojení literatury, obrazu, filmu a fotografie. Zodpovídá za revui Les mots La vie – časopis věnovaný surrealismu –
z vydavatelství L’Harmattan. Spolupracovala na přípravě mnoha slovníků i jiných
kolektivních studijních materiálů zaměřených na moderní i současnou poezii. Patří
jí rovněž poděkování za spis Paul Eluard a cent ans, který vyšel u vydavatelství
L’Harmattan v roce 1996.
Kniha Le Baiser papillon, v našem překladu Polibek motýla vyšla v nakladatelství Jean-Claude Lattès v roce 1999, byla přeložena do čtyř jazyků, a literární
porota složená ze čtenářek časopisu Elle ji označila za knihu měsíce.
Pozn. překl.: tento krátký úvod je součástí kapesního vydání knihy.
Polibek motýla
příběh
Letmému záchvěvu řas na mé tváři jsme obě říkaly „polibek motýla
.
Tento příběh věnuji Rogerovi, jehož láska, odvaha, znalost i nezdolnost nemohly
přemoci nemoc, ani smrt; Rogerovi, který by určitě obětoval celý svůj život, se vším
svým mládím, veselím i optimistickým viděním světa, aby zachránil Tvůj život,
Myriel. . .
Pozn. překl.: i tato dedikace patří ke kapesnímu vydání.
287
Všem dětem, které zemřely, i když chtěly žít, ať se jmenují Stéphane, Françoise,
Pierre-Arnaud, Gaël, Violaine, Lauriane, či jinak, všem dětem, které již žít nechtěly
a také zemřely, a jmenovaly se Emmanuelle, Dominique, Rami, i těm ostatním
věnuji příběh Myriel.
„Existuje nespočet důvodů, které vybízejí ku psaní
a nejdůležitější jsou, jak se mi zdá, i nejtajnější.
Zejména důvod uchránit něco před zapomněním.
(Kafka)
Trvalo mi celé tři roky, Myriel, než jsem se odhodlala napsat knihu, kterou ti
dlužím. Zprvu to bylo proto, že první reakcí vůči něčemu nepřijatelnému je buď
hlasité naříkání nebo zaryté mlčení, což ale vyjde nastejno, a pak na vhodná slova je
zapotřebí čas. Také jsem se obávala a ještě se bojím, abych při povídání o tobě, ale
v té souvislosti vlastně i o sobě, sama sebe v té vzájemné symbióze neprosazovala,
a nakonec o sobě nemluvila více, než o tobě. Vzápětí nato mi ale vytanula na
mysli vrtkavost takovéto úvahy, neboť tato kniha má být jen jiný způsob, jak tě
přivést na svět. Tohoto úkolu dosáhnu jen tím, že přiblížím náš příběh, kterým
jsme obě nerozlučně spjaty, já – matka a ty – dítě. Ostatně, kolikrát již jsme si tu
roli vyměnily? Ty – matka a já – dítě.
Nejsložitější pro mne je dokázat zkrotit slova, to je přimět se neříci více, ale
ani méně než se patří, zabránit jim, aby mne vlákala do pasti samolibého opojení,
ve kterém bys pro mne byla jen pouhým alibi. Naopak ale, bude-li mé vyprávění
o tobě příliš povšechné, vystavuji se nebezpečí, že tě vypodobním jen mlhavě. Ze
všeho mne však nejvíce sužuje otázka výběru slov. Jaká slova volit, aby dokázala
bez jakéhokoli pochybení a po pravdě vystihnout tvou osobitou bezúhonnou krásu
i povznášející ušlechtilost tvého bytí?
Jsem-li dnes, s duší vyhaslou v tom pravém slova smyslu, přese všecko rozhodnuta psát, není to proto, že mne opustily bolest, pochybnosti čí obava z nesprávné
volby slov. Je to proto, že tě musím uchránit před zapomněním a pomíjivostí času.
Právě tato nezbytnost – zabránit za každou cenu, aby hrůznost tvé smrti byla jakkoli zjednodušována či jinak vykládána, ba co hůř, abychom si na ni uvykli –, je pro
mne dnes důležitější, než důvody, pro které jsem zvažovala svoje mlčení. Promluvit
o tobě, o tvé odvaze, statečnosti i odevzdanosti, – a už tady se cítím vůči tobě
skoupá a málo výmluvná, což mne děsí, – to je ten jediný způsob, jak tě nenechat
podruhé zemřít.
Tento tvůj příběh nehodlám vymezit nějakou časovou posloupností, i když samozřejmě mnohé chronologické odkazy naznačí jeho další průběh. Znamenalo by
to totiž, že tě nějak omezuji, a tomu se tvoje palčivá a vtělená přítomnost ve mne
nemůže než bránit. To, co bych se chtěla pokusit zachytit, to jsou ony nitky tvého
života, ze kterých je utkána moje paměť, a které tímto vyzývám, aby mi poskytly
smysl i svou utajenou spojitost. Nebo snad, že by ony nitky samy hledaly svůj
smysl u mne s tím, že jen já je dokážu pospojovat? Tak či onak nenaleznu klid,
útěchu ani sebemenší důvod ke smíru; přinejmenším nabudu jakési jistoty, snad
i přesvědčení, že tvoje smrt, ať byla a zůstává jakkoli nepřijatelná, ti byla dána do
vínku a že ti byla souzena.
Nikdy si nedokážu na to datum přesně vzpomenout. Byl rok tisíc devět set
osmdesát pět, dvacátého čtvrtého dubna nebo snad pětadvacátého? Stalo se to ve
288
středu ráno v Nice. Cestou na Právnickou fakultu, kousek od náměstí Île de Beauté, tě srazil autobus, který jel na červenou. Bylo ti devatenáct. Rozhodla ses jít na
práva a toto řešení ti umožnilo vydat se svou vlastní cestou, byť jsi zprvu uvízla
v protichůdných tužbách matky – literátky a otce – vědátora. Přesto jsi však později po nehodě řekla: „Kdybych studovala medicínu, jak chtěl tatínek, tak bych
tamtudy nejela.
Autobus tě vlekl několik metrů a ty jsi přitom upustila jablko,
které sis sebou vzala z domova. Bundu ti museli v nemocnici rozstřihnout, aby tě
mohli vyšetřit, tak mi to alespoň řekli, neboť jsem u toho nebyla. Ještě dlouho
potom jsem si tě v duchu představovala, jak ležíš na silnici blízko moře, tváří k obloze, kousek od tebe se kutálí zelené jablko a na zemi se povaluje rozpáraná kabela
(krásná kabela z kůže, ruční práce, s novou výšivkou, sloužila ti jako školní brašna
a půjčovala sis ji ode mne vždycky, když jsi chtěla budit dojem). Fotografie, které
mi pak přinesli, jsem srovnala a v mysli si je později znovu a znovu vybavovala
a dotvářela, jako bych si chtěla vynahradit svou tehdejší nepřítomnost. Burcovala
jsem v sobě vše, abych si znovu vybavila onu událost a mohla ji přezkoumat ze
všech stran. Nevím, zda mi řekli, byla-li obloha toho dne modrá, myslím si však že
ano, ale zato vím, protože jsem byla tou myšlenkou posedlá, že člověk může umřít
nebo se ocitnout v bezprostředním ohrožení života, i když je obloha modrá. A také
vím, že oslnivost krásy nelze násilně spojovat s ošklivostí smrti a, že ta první nedokáže té druhé poručit. Kolikrát jenom jsem se při pohledu na obrázky hezoučkých
městeček, jejichž předměstí dala vyrůst koncentračním táborům, podivovala onomu
zrůdnému, tak málo vhodnému obcování se světlem.
Obloha. V tom okamžiku mi vytane na mysli věta, kterou jsi pronesla, když
jsme se jednoho dne obě schovaly pod průsvitný deštník, který jsem chvíli předtím
vyslídila v jednom obchodě, a na který jsem byla tak pyšná. „Mami, podívej, jak je
pod nim vidět obloha.
Ten deštník již nemám a neumím se s jeho ztrátou vůbec
smířit, protože těmi prostými slovy si z něj učinila relikvii.
Ten den, kdy ses zranila, jsem byla na univerzitě v Jeruzalémě, kam jsem přijela
přednášet o poezii. Toho rána jsem hovořila o Robertu Desnosovi, francouzském
básníku. Místo úvodu jsem jen vyložila, že se narodil v Paříži a zemřel ve svých 44
letech v koncentračním táboře v Terezíně, v bývalém Československu.
Znovu se vidím onoho dne a slyším, jak přesně v devět hodin zazněly sirény
a vyzývaly obyvatelstvo, jako každoročně v tuto dobu, aby minutou ticha uctilo
oběti holocaustu. Ve Francii bylo už deset. K nehodě došlo před hodinou. Zatímco
mi tenkrát zcela bezděčně procházely pamětí miliony lidí, které spojila smrt, tebe
ukládali na nemocniční lůžko, na kterém ses měla svým způsobem znovu narodit.
Na tu nemocnici U svatého Rocha, jejíž interiérové zahrady jsem si zvláštní náhodou
před několika lety vyfotografovala, a která kdysi bývala klášterem, si vzpomínám,
protože mne uchvátila její mlčenlivá krása ukrytá do zdí plných utrpení. Právě tam,
do toho klidného zákoutí, kde se nakupí všechno lidské trápení, jakmile proběhne
vstupní neodkladné vyšetření, které má oddělit zrno od plev, tě odvezli poté, co tě
zvedli ze silnice, zraněnou ale živou. Tam také do tebe vpravili smrt. Smrt pomalou,
která si dala na čas. Transfúzí ti dali krev někoho jiného, ba několika jiných, krev
kontaminovanou, kterou si obstarávali ve věznicích. Zatímco se čekalo na vaky
s krevní plazmou, která tě měla údajně zachránit, moje matka pobíhala po celé
nemocnici a hlasitě vykřikovala: „Jen ať nespletou krevní skupinu!
Ne, v krevní
skupině se opravdu nespletli, ale, aby zlikvidovali rezervy, vpravili ti přímo do žil
289
krev špatnou, zkaženou. Do žil, které jsi jim v důvěře nastavila a později, po dobu
celého svého nebohého života, ještě nesčíslněkrát nastavovala, nejednou zbytečně,
leda tak pro statistiku.
„Nemá žádnou žílu
, říkávala sestřička, když ti proklepávala ohbí ruky, aby tam
nahmatala její křehký obrys. Nato jsem pokaždé pohotově odpověděla: „Nemá žílu,
zato má sílu.
A všechny tři jsme se tomuto šprýmu vždycky zasmály.
Kdo by to byl řekl, že to budeš právě ty, kdo výrazu dělat si zlou krev, výrazu,
který jsem tolikrát slýchávala a nejen v dětství, ve kterém se v Alžírsku užívalo
slova starost, dáš jednou svým způsobem konkrétní podobu. Prastaré trápení žen
a matek o bližní zvrátíš i v trápení o sebe samu. „Nedělej zlou krev,
říkávala matka,
která, co hodná židovská máma, užívala těchto slov pro nic za nic, z hloubi duše
přesvědčena, že nám tak rozmluví kdejakou špatnost. Byly v nich zároveň výhrůžka,
obrana, prosba i vydírání. Na mysli mi vytane novější varianta takovéto rozmluvy
matky s dcerou, dnes umocněné nebetyčným sebeobviňováním. Jde o historku,
kterou jsi mi připomněla a já, kdykoli si na ni vzpomenu, červenám se studem.
„Jednoho dne, mami, jsem nespala doma, a když jsem se ráno v pět hodin vracela,
spatřila jsem tě, jak v županu postáváš na chodníku. Byla jsem v rozpacích, už
kvůli kamarádovi, ty jsi byla vyděšena a jízlivě jsi mi řekla:
„Děkuji ti Myriel.
A napodobila jsi přitom přízvuk, s jakým jsem vyslovila
první slabiku slova děkuji, kterým jsem však dávala najevo spíše úlevu než nesouhlas. Já sama si vzpomínám, ty můj malý opozdilče, že jsem tě viděla vystupovat
z auta s rozzářenou tváří, která se ale vzápětí zachmuřila, snad překvapením či
studem, z oné skoro groteskní situace. Byla by ses tomu i zasmála, ale při pohledu
na mne ti dozajista zatrnulo.
Co jen způsobilo, že ses vydala smrti na pospas, kde se vzala ta nesmyslná nezdvořilost, se kterou se děti zpěčují dospělým, a to i tehdy, jde-li o tak závažnou věc
jako je smrt? Přesto přese všecko jsem tě v duchu neustále varovala a vyhrožovala
ti slovy: „Neumírej nebo tě zabiju.
Nehoda. Jaký to podivný eufemismus, hovořím-li o události, která tě doživotně
poznamenala, a poté i o život připravila. Máme-li věřit slovníkům, nositelům všeho
moudra, které nám sdělují smysl slov, aniž bychom mohli jejich pravdivé tvrzení
zpochybnit, pak slovo nehoda připouští trojí výklad: ten první se týká události
nahodilé, nepodstatné a nepředvídatelné; druhý zmiňuje událost nepříjemnou, nešťastnou; třetí pak událost s následkem škody, nebezpečí (zranění, smrt ) a dávám
tak na vědomí, že závorky je konec.
Marně pátrám, ale v tvém případě nenalézám nic, co by odpovídalo slovníkovým definicím, současně však v rozporu s jakoukoli logikou v jazyce odmítám, aby
toto slovo vzbuzovalo představu ojedinělosti. Neboť, tvůj takzvaný případ, nemá-li
zabránit zemi v rotaci, případ byť bez definice, už skandálem, který představuje,
boří ve světě něco podstatného. Tvoje nehoda není ani nahodilá ani nepředvídatelná a já, v tuto chvíli bez jakéhokoli pádného důkazu, nemohu než dávat hlasitě
najevo své zoufalství. Je podstatné, že tvoje nehoda otřásla řádem věcí a narušila
jeho chod. Není ani nepříjemná ani nešťastná; je tragická. Nepřinesla škody, již
možné následky by se mohly vyúčtovat; patří do kategorie absolutních pohrom.
Namísto významů, které nám knihy slibují, a které život popírá nebo odmítá
potvrdit, bude tedy zapotřebí vyhledat smysl této události, která ti, v propletenci
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náhod, v džungli nesnází a na cestách ztížených zákrutami, zvrátila ve vteřině nepozornosti celý život. Nebudu mluvit o události, která zavinila tvůj pád, přestože
jsi byla v právu a měla pokračovat v jízdě na mopedu stále rovno, říká se tomu
náhoda, a já si uvědomuji onu ďábelskou přesnost s jakou ti zkřížila cestu, skoro
na vteřinu přesně, s onou obludnou mašinou, co ti zmařila život, ale zmíním se o té
druhé, ještě neuvěřitelně krutější, která se ti náhodně postavila do cesty, aby tak
zvrátila její běh. A tak se stalo, že jsi nezemřela na místě, při dopravní nehodě ale
poté, co tě přivedli k životu jsi žila ještě dalších osm let se smrtí v těle, než jsi jí
nakonec podlehla. Jako ten odsouzenec té nevím které barbarské části Spojených
států, kterého nejprve vzkřísili a pak popravili. Jisté je, že každý okamžik, který
jsi poté žila, ti byl doslova vyrván z lůna smrti, a že to byl odklad nepředvídatelný.
Jisté je, že jsem každého rána žehnala nebesům, popravdě jsem však vroucně děkovala tobě, že dostávám darem tvou přítomnost, navzdory a proti všemu. A také
jsem si velmi rychle uvědomila, že projev tolika vděčnosti vůči tobě je zbytečný,
neboť čím déle jsi ty sama projevovala pevnou vůli k životu, tím více se skutečnost, že žiješ, stávala samozřejmostí. Jaký je však vůbec smysl takovéhoto spolčení
s neslušně promiskuitní smrtí, té šalebné hry na schovávanou, až do okamžiku než
řekne „Piky, piky na hlavu, já už na nic nehraju.
Ledaže jsi to byla ty, kdo to řekl
první.
Teprve až jsem vystoupila z letadla, jsem se v autě dozvěděla, že ti v důsledku
dopravní nehody operovali otevřenou frakturu nohy a vnitřní stěnu dutiny oční.
Z obavy, že mi v té dálce způsobí tou zprávou starost a pokládaje nebezpečí z možných následků tvého zranění již za odvrácené (otázka transfúze ještě nevyvstala),
otec raději čekal, až se vrátím. Dlouho jsem mu nemohla odpustit, že jsi byla v nemocnici půldruhého týdne beze mne a to v době, kdy jsi mne tolik potřebovala,
a také že nechal konat jiné to, co přináleželo mně. I když mne tím chtěl ochránit
a vzít mou bolest na sebe. Po pravdě to byl jeho způsob, jak nám dát všem najevo,
že nás má rád, proto zamlčoval co nejdéle pravdu, která by nás mohla ranit. Jako
tenkrát, kdy vám jako docela malým namluvil, že vašeho kocoura Tygříka, poté, co
na smrt zmožený zdolal pohoří s nebezpečným převisem, přijali jako pacienta v jednom rehabilitačním středisku. A když jste později pochopili, že to nebyla pravda,
měli jste mu za zlé, že vás připravil o vaše soužení a trápení.
Atmosféra v autě byla napjatá, plna tísnivých výčitek z mého odjezdu a otcova
vyčkávání. A mne samotnou navíc tížilo zjištění, hrozné a nespravedlivé, že jsem
tě zanechala doma kypící zdravím, chodící a našla tě zraněnou, na nemocničním
lůžku. Jakmile jsem vstoupila do tvého pokoje, úlevou jsem si oddechla. I když jsi
byla ještě slabá, usmívala ses a brebentila si v houfu přátel připravených ti kdykoli
posloužit. Řekla jsi mi, že si na nic nepamatuješ, ledaže jsi právě v okamžiku, kdy
se autobus vyřítil, uvažovala o způsobu, jak doučovat svého malého bratra, tak jsi
totiž říkala Janu-Filipovi, ačkoli tě převyšoval o tři hlavy a byl jen o čtyři roky
mladší než ty.
Dokonce ani na strach ti nezbyl čas. Zranění se ti začínalo hojit, a tvoje jediná
obava, že jsi zameškala hodinu tance, byla pro mne hotovou vzpruhou. Aniž by
sis uvědomovala, že tě čeká dlouhá rehabilitace, jsi vzápětí dodala: „Za týden tam
budu zpátky.
„Unikla smrti jen o vlásek
, prohlásila moje matka a dodala: „Když si představím, co se jí mohlo stát.
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A mně, když jsem si s úzkostí zpětně uvědomila, že jsi málem umřela pod koly
autobusu, se během jediné vteřiny ulevilo při pomyšlení, že už jsi mimo nebezpečí.
Tenkrát jsem ani nepomyslela na virus, který se do tebe vplížil nezvaně a bez tvého
vědomí, a kterému trvalo tři roky než se probudil, a potom ještě pět let než tě zabil.
Prozatím jsi patřila ke kategorii lidí, pro které mají dotyční odborníci onen
podivuhodný výraz: „kypí zdravím.
O několik dnů později jsme tě přivezli domů. Vypadalo to, že se v domě na tvou
počest obleklo vše do nového. Byl začátek května, vůně jasmínu se mísila s vůní
vistárií, které se obtáčely kolem sloupů venkovního schodiště a poté podél pergoly
klesaly dolů pod tíhou květů. Keře popínavé bugenvilie se zbarvily do sytě červené,
nafialovělé a růžové. Večer jsme udělali v krbu velký oheň na uvítanou naší malé
Myriel, která se nám vrátila zdaleka. Venku, v každém koutě zahrady hořely louče.
Náš dům z dvacátých let, s příjemným kouzlem starobylého zevnějšku, růžovou
a okrovou fasádou na italský způsob je usazen vysoko ve Villefranšském sedle na
úpatí Středního převisu, vydán na pospas větrům. Věru, pravé to útočiště pro
přátele, bližší, blízké i nejbližší.
Tyčí se do výše o třech poschodích, s holubníkem na samém vršku. Je odtud
neodolatelný pohled na Villefranšskou zátoku a za jasného dne lze odtud spatřit
i obrysy Korsiky. Dům oplýval předpokoji a zákoutími, ve kterých jste si jako
děti s potěšením hrávaly a hledávaly poklad. Poté, co jsi onemocněla, jsme v něm
provedli úpravy; zesílili jsme zdi, jako by šlo o něčí sídlo. Mohla jsi tam poté vést
skoro normální život, a nemusela si z něj ani vycházet. Péči jsi tam měla jako
v nemocnici, docházeli za tebou přátelé, koupávali jste se v bazéně a odpočívat jsi
mohla v zahradě. Pořádali jsme v něm i večírky (na tom posledním, uprostřed léta
a rok před tvou smrtí, jsi protančila celičkou noc).
Byl to dům takřka stvořený pro tvého otce, mohl si v něm totiž splnit svůj
dávný sen; vládnout moudře, láskyplně a trpělivě, coby hlava rodu, početné rodince
dětí a vnuků. Pravděpodobně by v něm dál, ale v nových obměnách, vyprávěl
ty své neuvěřitelné historky, které jste znali nazpaměť, a kterým jste všichni tři,
Patrik, Jan-Filip i ty, vždy naslouchali s očima navrch hlavy, sedíce na koberci
okolo něj. Hlavně tu o tom tygrovi, kterého prý skolil v džungli, a po kterém mu
zůstala jizva nad lopatkou. Vždy vám tu jizvu pomaloučku polehoučku s potěšením
odhaloval a počínal si přitom stejně jako Rita Hayworthová v roli Gildy, když si
sundávala rukavice. I tu další, o žralokovi, kterého sice lehce přemohl, ale dosud
má na něj památku na svém promodralém kotníku. Kolik svých malých bolístek
dokázal úžasným způsobem zaměnit za trofeje z boje jenom proto, aby působily
věrohodně. A kolikrát by ještě děti odvětily, že to nemůže být pravda a žadonily by,
ať vskutku potvrdí, že to tak bylo, a on by je o tom pokaždé s pohlazením ujistil.
Pokračoval by také s udílením hvězdiček a bobříků, jako tenkrát, když jste si je
nemohli vybojovat na lyžařském výcviku; s přesvědčením, že hlavní je probouzet
ve vás sebedůvěru a ochránit vás před životními zklamáními. Stejně jako pelikán,
i on by si nechal od mláďat vyklovat vnitřnosti, byla by-li to cena za jejich přežití.
Bylo ti sotva deset let, když jsme se do toho domu nastěhovali. Říkalo se mu
Zlaté slunce, ale já jsem ho překřtila na Dům odnaproti na újmu všem sousedům,
kteří se mi to snažili rozmluvit. Prý změna jména může způsobit neštěstí, tvrdili,
nehledě na to, že nové jméno, byť skromné a nepřizpůsobivé, znělo v jejích uších jako
politováníhodný prohřešek na vkusu této rezidenční čtvrti. Přesto se nové jméno
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docela přirozeně ujalo, díky už oné velmi pěkné historce. Bydleli jsme naproti přes
ulici, a protože nám neprodloužili nájem, pustil se otec do hledání nového bydlení,
bral hopem celou čtvrt a nejen ji. Jednou, když se opět vrátil s nepořízenou, i když
hledal v okruhu asi jednoho sta kilometrů, jsem ho přivítala slovy: „Je to ale nápad
hledat dům tak daleko, když jej máš naproti!
Dozvěděla jsem se totiž, že dům
naproti nás je v tu dobu na prodej. Nikdo v naší čtvrti si tenkrát nemyslel, že to
může být dobrá koupě. Domek vypadal vskutku sešle, ale to se nám na něm, kromě
jiného, právě zamlouvalo.
Toho dne, když jsme se do něho stěhovali, jsem si tropila žerty z jeho poněkud
obstarožných zdí. V té době se v Nice nakrátko zastavila také Róza, matka jedné
mé přítelkyně z dětství. Vzpomínám si, že na to reagovala ryzími a šlechetnými
slovy, se zápalem a způsobem jí vlastním, oboje jsem ostatně u ní vždy obdivovala.
Pravila: „Stačí, když sem vpustíte děti.
Poslechla jsem ji bez odmluvy. Děti zaplnily dům, vnesly do něj radost, smích
i pláč; a pak se vydaly do světa. Jedno z nich se však nevrátilo.
Na větru záleží, ocitnou-li se listy na zemi i s hnízdy.
René Char
V podstatě jsi se narodila tak trochu dvakrát, Myriel, ty moje podvojné stvoření. Jednou, když jsem tě počala a podruhé, když jsem změnila názor a rozhodla si
tě ponechat. Bylo to, pamatuji-li si a pamatuji si to dobře, na jaře roku 1966. Právě
jsme se nastěhovali do Nice, poté co jsem strávili čtyři roky v Paříži, kde jsme měli
akorát tak čas na to, abychom si uspořádali naše vklady do světa „reálna
. Otec
dopisoval doktorskou práci, já jsem prošla několika konkursy a k tomu jsme měli
ještě ani ne roční krásné miminko, Patrika. Narodil se pod šťastnou hvězdou jedné
noci za úplňku. Vše nám přálo i ten opovážlivý paprsek světla, který uprostřed
zimy využil dobrotivosti nebes a ta, jak se zdálo, nám byla nakloněna.
Ještě než jsi dala o sobě vůbec vědět, už jsme si tě představovali. Určitě budeš
holčička, chlapečka už jsme konečně měli. Budeš se jmenovat Myriel, oči budeš mít
ve tvaru mandlí, tvoje vlasy budou barvy medu. Nezbývalo než tě vtělit do našich
tužeb, které jsme si o tobě již spřádali. A tak jednoho večera v Bruggách, kudy
jsme jen projížděli, jsi se ocitla v mém lůně.
Proti veškerému očekávání byla moje první reakce plna panického, zcela pošetilého strachu. Měla jsem dojem, že přijdeš na svět možná moc brzo, nebo snad,
že nejsem tak úplně připravena tě přijmout, jakoby k tomu, abych byla, stačila
jen trocha tvé trpělivosti. Ve zlomku vteřiny jsem tehdy zauvažovala, že se spolu
rozloučíme, ale sotva mne takováto myšlenka prolétla hlavou, hned jsem ji zavrhla.
Moje obava se vzápětí proměnila v prudkou radost, znásobenou o neznatelný pocit
vzdoru. Jak říkávala moje babička, která si libovala v příslovích, je lépe kupředu
čelem jít, než nohy na ramena vzít. A protože jsme tě chtěli, i když doba nebyla
vskutku příhodná, tak jsme si tě také ponechali.
Ani ne za hodinu poté, jsme se obě, ty v mém lůně, ocitly na festivalu v Cannes,
který tenkrát vrcholil (možná právě od této chvíle se datuje tvoje vášnivé zaujetí
pro toto místo, kam jsme se později tolikrát vracely). Sál, prostoupen parfémy
a šustivými látkami, ve mně vzbuzoval představu strojeného, oslnivého hemžení
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a já, já jsem se tenkrát kochala radostí, že v sobě nosím plod, ten opravdový, a to
jsi byla ty.
Přestože existoval onen okamžik zaváhání, kdy jsem si připustila myšlenku, že
tě ztratím.
Dvakrát, jak při narození, tak při umírání, sis počínala ukvapeně. Nebyla jsi
trpělivá, a tak ses nenarodila normálně jako jiní, tak říkajíc na porodním sále;
doslova jsi ze mne vyklouzla dobré dva týdny před termínem. Jaksi jsi mi unikla
v okamžiku, kdy jsem nastupovala do výtahu, abych se dostala do svého pokoje.
Doktor jen podotkl, že to šlo jako po másle. Ale ty jsi neměla ani tu trpělivost, abys
setrvala, jak se sluší a patří, v očekávání své poslední hodinky. Ani ne po dvaceti
sedmi letech jsi mi unikla cestou opačnou.
Při všem sis počínala příliš rychle: při narození i v umírání, Myriel, ty moje
nedočkavá!
Zvláštní je, že také nadvakrát, jak při příchodu na tento svět tak i odchodu
z něj, jsi udělala něco, co by se dalo nazvat falešným odchodem, ty, která jsi měla
tak moc ráda divadlo. Týden před porodem jsem přišla o plodovou blánu, ale ty jsi
přece jenom ještě chvíli počkala. I ten poslední týden svého života sis o pár chvil
prodloužila, stejně jako tomu bylo před těmi sedmadvaceti roky. Vypadalo to, že
už umíráš. Lékař tehdy doslova řekl: „Myslím si, že nadešla její poslední hodinka.
Ty ses ale v pondělí probudila, povstala jsi z dvoudenního spánku, do kterého ses
předtím ponořila a zdálo se, že v něm i zemřeš. Bohužel jsi tak byla vystavena dalšímu utrpení, jakoby jsi měla prožít svou smrt až do posledního jasného okamžiku.
Pustila ses znovu do jídla, tatínek ti vkládal do úst zrníčka hroznů zbavená slupek,
pěkně jedno po druhém a ty sis je pak nechávala rozplynout na jazyku. Spřádali
jsme také plány jak oslavit tvé narozeniny. Doopravdy jsi ale odešla až týden poté.
Ještě jednou jsi nám tak dala naději, jak již častokrát předtím, že jednou ožiješ.
Vzpamatovala ses tenkrát z tolikeré únavy, bledá a průsvitná, a vrátila ses opět
do života. Prakticky den po dni jsi se ubírala tou samou cestou, jako před svým
narozením, pomalu pomaloučku až k mystériu proměny.
Polibek motýla
Resumé
Autobiografické vyprávění Colette Guedjové sleduje osm let života s dcerou,
která se při transfúzi krve po dopravní nehodě nedbalostí lékařské péče nakazila
AIDS. Ve svých osobních, důvěrných vzpomínkách si autorka promítá dívčin život v této těžké době. Hovoří s ní, jako by stále žila. Společně si připomínají
silné okamžiky z jejího dětství i dospívání. Připravují návštěvy přátel, řeší studium
i každodenní běžné starosti a situace. Čtenář se tak stává svědkem lidského utrpení
vykresleného s odevzdaností, bez sentimentality nebo revolty proti osudu.
Překlad: Jarmila Petříková
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Kiss of Butterfly
Summary
Colette Guedj’s autobiographical narration resumes eight years of her life with
her daughter, who was infected with AIDS, due to medical neglect, during a transfusion after a traffic accident. In her memory, the author recollects the girl’s life
in this hard period, speaking to her as if she would be still alive. Together, they
recall the strong moments of her childhood and adolescence, they are planning to
see their friends, discussing her studies and day-to-day situations. In this way,
the reader becomes the witness of the human suffering, which is however depicted
without emotions, sentimentality or revolt against the fate.
Translation: Jarmila Petříková
Katedra romanistiky
Křížkovského 10
771 80 Olomouc
[email protected]
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RESEÑAS
Jordi Canal: El carlismo. Dos siglos de contrarrevolución
en España, Alianza Editorial, Madrid, 2000, 2004, 479 págs.
El carlismo fue —y hoy en día ya es bastante difícil encontrar a los que se opongan a tal afirmación— uno de los principales protagonistas de la historia contemporánea de España. Comprender bien el carlismo ayuda a interpretar correctamente
el siglo XIX y, en parte, también el siglo XX en la Península Ibérica. Y para comprender bien el carlismo —fuera de las eternas, y en su mayor parte improductivas,
luchas y campañas propagandísticas de los ultraconservadores y ultraliberales— el
libro de Jordi Canal sirve de manera ejemplar. Jordi Canal, profesor en l’École des
Hautes Études en Sciences Sociales (EHESS) de París, lleva publicando acerca del
tema ya casi veinte años, tanto en castellano (Aróstegui, J. – Canal, J. – González Calleja, E.: El carlismo y las guerras carlistas: hechos, hombres e ideas.
Madrid, 2003), como en catalán (Canal, J., ed.: El carlisme. Sis estudis fonamentals. Barcelona, 1993; Canal, J.: El carlisme català dins l’Espanya de la Restauració. Un assaig de modernització política (1888–1900). Vic, 1998). Y, por supuesto,
hay que añadir igualmente sus numerosos artículos sobre el carlismo publicados
en revistas españolas, francesas, italianas y mexicanas. Todo esto lo convierte en
una indiscutible autoridad en el campo de las investigaciones sobre la trayectoria
histórica del ultraconservadurismo hispánico. Y todo esto puede apreciarse en las
casi quinientas páginas de su gran análisis de «dos siglos de contrarrevolución en
España».
La importancia del libro de Canal reside ante todo en el hecho de que se trata de
la primera gran síntesis de la historia del carlismo escrita desde fuera del ambiente
carlista. Extensas y vastas historias de la lucha por el Altar y el Trono casi siempre
provenían de los autores relacionados directamente con la Causa, tanto en su vertiente ultratradicionalista (p. ej. Gabriel Alférez, Melchor Ferrer, Román Oyarzun),
como en su variante progresista (p. ej. Josep Carles Clemente). El compromiso
personal de estos autores con el carlismo inevitablemente limitaba su capacidad
de objetividad e imparcialidad. Y el segundo —y no menos digno de subrayar—
mérito de Canal es que no se despide del carlismo depués de la derrota histórica de
Carlos VII en 1876, ni siquiera abandona a los protagonistas después del triunfo de
Franco —y del carlismo— en la Guerra Civil en 1939, sino que sigue observando el
desarrollo y las vicisitudes de la ideología y el movimiento carlistas hasta los años
noventa del siglo XX.
Canal pretende escribir una historia completa del fenómeno llamado carlismo.
Hay brillantes análisis de la ideología y la práctica política de los dirigentes carlistas
(p. ej. una interesantísima polémica sobre la cuestión si el carlismo era un fenómeno peculiar e irrepetible de la historia española o si tenía «parientes» también
entre los movimientos ultratradicionalistas y legitimistas europeos). Están presentes detalladas y a veces apasionantes descripciones de los grandes conflictos bélicos
en los que participaron los carlistas, incluido el importante, aunque con frecuencia
subestimado, papel que desempeñaron los requetés en la gran Cruzada de Francisco
Franco contra la República. No faltan atractivas semblanzas de las grandes figuras
del panteón carlista: el invencible general Zumalacárregui, llamado «el Tío Tomás»,
Ramón Cabrera, aquel indomable «Tigre del Maestrazgo», el temible «Cura Santa
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Cruz», Manuel Fal Conde, el gran timonel de los carlistas en los tiempos borrascosos
de la Segunda república y de la Guerra Civil, «La Princesa Roja», es decir, María
Teresa de Borbón Parma, toda una personificación de la muy peculiar metamorfosis socialista del carlismo en los sesenta y setenta del siglo XX, y un largo etcétera
de famosos personajes de la historia moderna de España que tuvieron algo que ver
con el carlismo. Canal hábilmente alterna la tradicional prosa historiográfica con
pasajes basados en las memorias de los mismos protagonistas y en los artículos de
la prensa contemporánea, consiguiendo un ritmo de narración muy intenso y vivo.
El carlismo para Canal no son solamente las grandes batallas, manifiestos reales e
intrigas políticas. El carlismo es también la vida cotidiana de los carlistas, así que
podremos visitar por ejemplo los círculos, «la voz y el corazón del carlismo» (en
palabras del marqués de Cerralbo), aquella original y fascinante plataforma de la
vida social de los partidarios del movimiento. Y podremos seguir de cerca la grave
crisis que vivió el carlismo depués de la derrota en 1876 cuando el pretendiente
Carlos VII, desesperado y desequilibrado, por unos cuantos años se convertiría en
un donjuán de renombre europeo, en el «rey de las húngaras».
El carlismo. Dos siglos de contrarrevolución en España, es una muy lograda
crónica de una dinastía europea que nunca llegó a ocupar el trono, crónica de una
lucha de una buena parte del pueblo español contra el —a veces bastante insensible
y despiadado, hay que reconocer— liberalismo y capitalismo modernos, crónica de
miles y miles de hombres españoles que decidieron perseguir la Fortuna bajo el
estandarte de los pretendientes carlistas, tratando de resucitar, todos juntos, el
paraíso perdido de la gloria histórica de España. Si alguien busca una respuesta
detallada, profesional y al mismo tiempo amena e interesante a las preguntas: ¿qué
era el carlismo?, ¿quiénes eran los carlistas?, el libro de Jordi Canal será para él,
sin duda alguna, la mejor solución.
Jiří Chalupa
José Álvarez Junco: Mater Dolorosa. La idea de España en
el siglo XIX, Taurus, Madrid, 2001, 684 págs.
José Álvarez Junco (1942), catedrático de Historia en la Complutense, tras un
análisis de las ideas ácratas en el suelo español La ideología política del anarquismo
español (1976) y tras la biografía política de Alejandro Lerroux titulada El emperador del Paralelo (1990), volvió, en 2001, su atención a un tema nuevo y original:
el nacimiento y desarrollo del nacionalismo español moderno. Por cierto, una vuelta
de atención muy lograda y fructífera; no por casualidad el libro Mater Dolorosa
fue galardonado con el Premio Nacional de Ensayo en 2002. En el Prólogo el autor comenta: «Pocos problemas históricos o políticos han suscitado, en las últimas
décadas, tantos y tan apasionados debates como el nacionalismo.» La verdad es
que en nuestros tiempos la fuerza del nacionalismo —capaz de provocar guerras y
genocidios— no deja de sorprender. Como escribe Junco: «Al ser humano le resulta
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difícil resistir la tentación de anclar su pobre y finita vida en una identidad que la
trascienda.» Y está convencido de que «Las naciones no se sostienen desde el punto
de vista intelectual, pero son atractivas desde el existencial, como son las creencias mágicas o las religiones, mundo al que, en definitiva, pertenece el fenómeno
nacional.» Pocos pueblos del mundo occidental contemporáneo podrían competir
con los españoles en cuanto a las experiencias directas con el nacionalismo agresivo y violento que es capaz de envenenar la convivencia de una comunidad. Por
lo tanto es lógico que en España se escriban y se publiquen muchísimos trabajos
acerca del nacionalismo. Un poco menos lógico es el hecho indiscutible de que a
lo largo de los últimos cuarenta años el interés de los historiadores, politólogos y
sociólogos españoles se haya centrado preferentemente en la cuestión de los llamados nacionalismos periféricos (sobre todo el vasco y el catalán). Muy pocos
autores, en cambio, han dedicado sus esfuerzos al estudio del nacionalismo español,
o españolista, «como si fuera un fenómeno carente de interés.» José Álvarez Junco,
con su libro, se propone llenar este vacío y analizar el difícil y complicado proceso
de construcción de la identidad española, en sus palabras «la de mayor éxito de las
surgidas en la Península Ibérica.»
El rastreo de los orígenes de la nación española empieza ya en el siglo VII, cuando los visigodos tratan de añadir al significado puramente geográfico del término
Hispania también algo del contenido étnico. Éste se desarrollará considerablemente
gracias al fenómeno del Camino de Santiago, cuando grandes masas de peregrinos
europeos se dirigen a Galicia y en Francia comienza a utilizarse con frecuencia
el adjetivo español para denominar a los hermanos cristianos del sur de los Pirineos. Las guerras de expansión medievales promueven todavía más la imagen de lo
«español», así que en la época de los Reyes Católicos ya con frecuencia se identifica
la monarquía y el pueblo español —aunque lo cierto es que esta identificación nunca
será completa, ya que millones de habitantes del reino se sienten más catalanes,
vascos, aragoneses, valencianos, etc., que españoles. En aquel mundo premoderno,
sin embargo, aún no se puede hablar de nacionalismos, sino solamente de identidades colectivas de mayor o menor homogeneidad. Es lo que Junco llama «patriotismo
étnico» y lo que, según su opinión, servirá como base para el nacionalismo político
moderno.
Éste nace durante la Guerra de la Independencia contra Napoleón. Para Junco
el Dos de Mayo de 1808 es la fecha fundacional de la nación española, fecha que
equivale al 4 de julio norteamericano o al 14 de julio francés. Es evidente que durante la guerra contra los invasores franceses los defensores de la independencia
española ya se identifican más bien con la Patria que con el Rey (que está ausente).
Los enemigos de España reciben el mote despectivo de «afrancesados», los diputados de Cádiz hacen sus juegos malabares constitucionales recurriendo más bien a
términos como «pueblo», «nación», «patria» que a los tradicionales «monarquía»
o «reino». Sin embargo, pronto iba a descubrirse que a esta elegante palabrería no
le correspondía una realidad palpable en una España que todavía se parecía más
bien a un mosaico étnico totalmente heterogéneo que a un Estado centralizado.
Por lo tanto el nacionalismo españolista decimonónico tendría una gran tarea que
cumplir: «inventar la tradición», en palabras de Eric Hobsbawm. Es decir, había
que reunir toda clase de símbolos identificadores, desde la lengua común, bandera
e himno, hasta la remodelación de la Historia del «pueblo español». Una historia
301
repleta de leyendas y mitos, ante todo acerca de las llamadas «pérdidas de España»,
ocasionadas, por supuesto, por las «traiciones», tanto por parte de los malvados
extranjeros, como por parte de los «malos españoles», aún más malvados. Éste era
el caso, por ejemplo, de la invasión musulmana a principios del siglo VIII, facilitada
por la «traición» de los judíos y de algunos hispanos descontentos con la gestión
gubernamental visigoda. En la creación de un gran mito histórico-nacional los historiógrafos colaboraron con numerosos arqueólogos, literatos, pintores, músicos y
otros artistas de todo tipo. Debido a su actividad febril, la nación adquiría un aura
sagrada y asumía «la función de religión secular» (Carlton Hayes). Éste será el
nacionalismo estatal, propulsado y promovido sobre todo por los liberales.
En la segunda mitad del siglo XIX, no obstante, aparece asimismo un nacionalismo diferente, una versión conservadora y católica del mito españolista. Esta
variante se apoyará sobre la imagen de España como una heroica defensora de la
pureza de la fe cristiana, en la imagen de España como la «luz de Trento». Jaime
Balmes, uno de los grandes pioneros del nacionalcatolicismo, afirmará que el fundamento de la nación española siempre ha sido, es y será el catolicismo, es decir,
el Altar más que el Trono. Y Marcelino Menéndez Pelayo añadirá que España posee una personalidad cultural distinta a la del resto de Europa. Paralelamente va
surgiendo la peligrosísima idea de la anti-España, obra de Anticristo, patria de los
descreídos y traidores. Los dos nacionalismos distintos librarán varias batallas contra el internacionalismo de los socialistas y el antinacionalismo de los anarquistas.
El resultado final será un españolismo más bien débil e incompleto, españolismo
que cobrará fuerzas a lo largo del siglo XX gracias a un enfrentamiento casi continuo con los nacionalismos periféricos, los cuales a veces parecen tratar de acabar
definitivamente con todo lo español. Mas esto último ya es otra historia, tema para
un nuevo libro, tal vez del mismo autor. España, aquella Mater Dolorosa que hasta
cierto punto sigue siéndola también en los umbrales del siglo XXI, evidentemente
necesita —y necesitará— más análisis serios, profundos e inteligentes como es el de
José Álvarez Junco.
Jiří Chalupa
Helena Zbudilová y Luis Jaraquemada Bueno: Introducción
al mundo hispano: América Hispánica. Jihočeská
univerzita, České Budějovice, 2006, 182 pp.
Los profesores del Departamento de Filología Románica de la Facultad de Pedagogía de la Universidad de České Budějovice, Helena Zbudilová y Luis Jaraquemada Bueno, acaban de publicar un nuevo texto de la colección titulada Introducción al mundo hispano. Tras el primer volumen dedicado a España (publicado en
2004), aparece ahora un libro literalmente repleto de informaciones sobre los países
americanos de habla española. Además, se trata de información bien estructurada
(Geografía, Historia, Arte, Literatura, Sociedad y Cultura, es decir, los capítulos
302
principales los cuales, a su vez, están divididos en un sinnúmero de capítulos de
segundo y tercer orden), convenientemente actualizada y apoyada por los apartados bibliográficos correspondientes que ofrecen al lector curioso más publicaciones
respecto al tema expuesto. Un gran mérito, sin duda alguna, es la decisión de los
autores de incluir en el capítulo dedicado a la literatura latinoamericana también
un resumen de las obras traducidas al checo.
La cantidad de datos —nombres, fechas, títulos de obras literarias— que contiene el texto de Zbudilová y Jaraquemada es admirable, mas, al mismo tiempo, hay
que advertir a los posibles lectores de que no siempre la información presentada
es del todo correcta. Pongamos como ejemplo las recomendaciones bibliográficas.
En la pág. 55, los autores recomiendan la lectura del libro Binková, S. – Opatrný, J.: 77 zajímavostí Kuby. Albatros, Praha, 1988. Este, no obstante, es un libro
ficticio, producto de una síntesis creadora espontánea. En realidad, existen dos libros distintos: Opatrný, J.: 88 zajímavostí z Kuby. Praha, 1983 y Binková, S. –
Opatrný, J.: 77 zajímavostí z Mexika. Praha, 1988. El autor de esta reseña, en
la misma página de la bibliografía mencionada, ha encontrado, con sorpresa, un
libro que no es suyo, por más que los autores de la Introducción se lo atribuyan:
el autor de Minulost a přítomnost Ekvádoru a Kuby no se llama Jiří Chalupa, sino
Petr Chalupa. Las incorrecciones o incluso los errores abiertos aparecen de vez en
cuando casi en todos los apartados. No es probable que «América ya hubiera sido
pisada. . . por los vikingos en el siglo IX» (pág. 27); hoy en día prácticamente todos
los historiadores están de acuerdo en que Leif Eriksson por primera vez arribó a las
costas del Nuevo Mundo a caballo entre los siglos X y XI. El legendario cacique de
los araucanos no se llamaba «Laurato» (pág. 37), sino Lautaro. Resulta un tanto
extraño interpretar la muerte del Sapa Inca Huayna Capac como un asesinato por
parte de los conquistadores españoles: «emperador degollado por los hombres de
Pizarro, Huayna Capac» (pág. 69), cuando sabemos que el penúltimo gobernador
de Tawantinsuyo falleció a consecuencia de la viruela; transmitida, eso sí, por los
españoles con los cuales, sin embargo, el emperador incaico nunca se encontró personalmente. La afirmación de la pág. 153 «Prácticamente todos los chilenos son
de raza blanca» se contradice claramente con lo que opina la mayoría de los antropólogos y sociólogos chilenos quienes están convencidos de que el tipo racial
predominante en Chile es el mestizo. Por lo que ha podido averiguar el autor de
este texto, Gastón Gaudio nunca ha sido «número 1 de la ATP» (pág. 169), puesto
que el mejor ranking que ha conseguido a lo largo de su carrera fue el quinto puesto
en abril de 2005. El apartado titulado «Breve historia de los países hispanohablantes» (págs. 34–54), por su extremo laconismo merecería más bien un título tipo
«Tabla cronológica» o «Fechas clave» de la historia latinoamericana. En todo caso,
no deberían faltar acontecimientos auténticamente históricos como por ejemplo la
total quiebra económica y estatal que experimentó la República Argentina entre los
años 2001 y 2002. Difícilmente puede considerarse completo el repaso de la historia
colombiana —por más sucinto que sea— sin haber mencionado el Bogotazo y el
asesinato de Jorge Eliécer Gaitán en 1948.
Aparte de errores e incorrecciones, hay pasajes que nos parecen al menos discutibles (pág. 27): «Estos pueblos [las civilizaciones precolombinas] no eran tan
avanzados como se dice en las crónicas de la época. En el campo de las ciencias,
sus conocimientos sí eran impresionantes, sobre todo en matemáticas, arquitectura
303
y astronomía. Sin embargo eran sociedades con una estructura social muy arcaica
y fuertemente estratificada, con una férrea unión de la religión con el poder administrativo.» Dejando a un lado el detalle de que la arquitectura no pertenece
al campo de las ciencias, sería interesante conocer los argumentos de los autores
que pudieran apoyar semejante afirmación. La sociedad española de la época de
la Conquista, una sociedad feudal basada en las clases estamentales, obsesionada
con la limpieza de sangre y controlada por la Inquisición, ¿ésta sería, entonces,
una sociedad menos arcaica, menos estratificada, con una unión menos férrea de
la religión con el poder administrativo? Nos parece una visión bastante injusta de
las civilizaciones precolombinas, las cuales a veces son tratadas más bien a base de
tópicos «europocentristas» alejándose bastante los autores de un análisis objetivo e
imparcial dentro de lo posible. En la pág. 34 podemos leer: «Todos estos pueblos habían adquirido un gran nivel técnico-cultural, no así en cuanto a política, sociedad
e igualdad. Las clases dominantes en casi todos los pueblos dirigían a sus súbditos
de una manera despótica.» Pues bien, ¿de verdad los autores de tales juicios están
convencidos de que la monarquía de Carlos I/V y de Felipe II era una institución
«no despótica»? ¿No sería conveniente mencionar, por ejemplo, el interesante hecho
de que entre los aztecas funcionaba una enseñanza básica obligatoria, cuatrocientos
años antes de que algo parecido se les ocurriera a los primeros monarcas ilustrados
del Viejo Mundo? ¿O el hecho de que en el imperio incaico el Estado se ocupaba
de alimentar y cuidar a los ancianos que ya no podían trabajar, quinientos años
antes de que el canciller alemán Bismarck estrenara, por primera vez en la historia
europea, su sistema organizado de jubilación apoyado por el Estado?
Un libro de valor es aquél que provoca debates y polémicas y éste —como
acabamos de demostrar— es el caso de Introducción al mundo hispano: América
Hispánica. Un continente tan grande, importante y fascinante se merece nuestra
atención, más aún en la situación en que los checos, mirando a través del Atlántico, fijan sus miradas casi exclusivamente en las regiones septentrionales del Nuevo
Mundo. Pese a ciertos imperfectos y lapsos, el libro de H. Zbudilová y L. Jaraquemada Bueno es una buena guía para los que quieran conocer algo más sobre los
países americanos de lengua española.
Jiří Chalupa
Edmond Biloa : Le français en contact avec l’anglais au
Cameroun. Munich, Lincom, 2006, 194 pp.
Le Cameroun est un paradis linguistique. À côté de près de 300 langues africaines, se côtoient deux langues européennes (l’anglais et le français), sans oublier les
langues composites (le camfranglais et le pidgin english). Ce pays constitue un univers paradisiaque pour le linguiste soucieux d’explorer et d’analyser les phénomènes
afférant à la cohabitation entre ces langues. C’est la tâche que s’est assigné Edmond
Biloa, professeur titulaire de linguistique et directeur du Département de langues
304
africaines et de linguistique à l’Université de Yaoundé I au Cameroun, dans son
ouvrage Le français en contact avec l’anglais au Cameroun.
L’ouvrage qui comprend sept chapitres s’ouvre sur une discussion théorique qui
traite du contact des langues. Ici, le problème du contact des langues selon Weinreich est abordé. E. Biloa propose une définition du contact des langues et établit une
comparaison entre le contact des langues et le conflit linguistique. Plus précisément,
il se demande si le contact des langues aboutit, inévitablement, au conflit linguistique. Une typologie des conflits linguistiques distingue deux types de conflits :
le conflit linguistique naturel et le conflit linguistique artificiel. Quelques cas de
conflits linguistiques sont examinés (la Belgique, le Canada, la Suisse, Singapour).
Le chapitre qui suit présente le bilinguisme anglais-français au Cameroun. Il
y est question de l’implantation et de l’évolution de l’anglais et du français dans
le pays. Le linguiste camerounais décrit comment le bilinguisme se manifeste dans
le système éducatif et dans les autres domaines de la vie sociale (la politique,
l’administration, etc.).
Le troisième chapitre porte sur la structure de la langue anglaise telle qu’elle
est parlée et écrite au Cameroun. L’anglais dans le pays connaı̂t plusieurs variétés :
l’anglais standard, l’anglais camerounais influencé par les langues africaines et le
français, le pidgin english. Le lexique de l’anglais camerounais est enrichi par l’extension sémantique et paradigmatique et par le glissement sémantique. Sa morphologie est dynamique et les processus suivants sont attestés : affixation, transcatégorisation, déviation régressive, composition, haplologie, réduplication.
Un exposé sur la langue française au Cameroun constitue également un des
points importants du livre. Il y est mentionné que le français camerounais est
hétérogène avec quatre accents régionaux : l’accent bamiléké de l’Ouest, l’accent
«nordiste» des provinces septentrionales, l’accent basaa des provinces du Centre et
du Littoral, les accents beti et boulou des provinces du Centre et du Sud. L’organisation du lexique du français camerounais est marquée par des lexies ayant subi des
modifications de sens (restriction, extension, glissement, métonymie, synecdoque,
métaphore, euphémisme, dénotation), des modifications de catégorie grammaticale, des modifications de construction, des modifications de forme. La créativité
caractérise la morphologie du français camerounais et les processus morphologiques
suivants constituent son apanage : dérivation, composition, abréviation, siglaison.
Du point de vue morphosyntaxique, des interférences de langues africaines dans le
français sont observées.
Une étude sociolinguistique et didactique des contacts entre l’anglais et le
français au Cameroun est réalisée dans le cinquième chapitre. L’auteur aborde
les contextes dans lesquels les deux langues officielles sont en contact : les services publics, les programmes de formation bilingue dans les universités d’État, les
médias, les communautés religieuses, le monde du travail.
La cohabitation entre la langue anglaise et la langue française a entraı̂né la
francisation de l’anglais camerounais et surtout de son lexique. On peut observer des
gallicismes lexicaux, des acronymes, des prénoms féminins aux suffixes français, des
termes français en usage dans l’administration et les finances, des formes françaises
d’appellation et de salutation.
Le français s’anglicise au contact de l’anglais. Cette anglicisation, dont il est
question dans le septième chapitre, se manifeste par des anglicismes orthogra-
305
phiques, typographiques, morphologiques, lexicaux, sémantiques et par des calques.
L’ouvrage d’Edmond Biloa s’adresse aux étudiants et aux chercheurs en sociolinguistique et en aménagement linguistique en contextes plurilingues. Mais il
s’agit surtout d’un appel lancé aux hommes politiques camerounais pour une prise
en compte plus importante du bilinguisme et aussi aux sociolinguistes camerounais
et étrangers qui par leurs travaux sur les langues au Cameroun (et plus généralement en Afrique) fourniront aux décideurs politiques des éléments nécessaires pour
définir la politique linguistique du pays.
Jaromír Kadlec
Emmanuel Kwofie : La diversité du français et
l’enseignement de la langue en Afrique. Paris,
L’Harmattan, 2004, 179 pp.
Langue vivante, depuis des siècles langue diplomatique, instrument de communication internationale et moyen d’instruction, le français a été implanté en Afrique
polyglotte au XVIIe siècle. La coexistence ou le contact du français et des langues
africaines n’a pas été sans conséquences pour les Africains qui l’apprennent, pour le
français lui-même, pour les langues africaines en contact avec le français et pour les
systèmes éducatifs des pays qui l’ont adopté comme moyen d’instruction ou comme
matière d’apprentissage. L’ouvrage La diversité du français et l’enseignement de la
langue en Afrique s’inscrit dans le cadre des études sur le français dans le monde
francophone, mais sans se limiter aux pays francophones. Le livre rédigé par Emmanuel Kwofie, professeur du département des langues européennes de l’Université
de Lagos (Nigeria) qui a publié depuis 1966 de nombreuses études sur le français
dans les différents pays d’Afrique, présente une réflexion sur les grands thèmes du
contact entre le français et les langues africaines.
L’ouvrage est composé de six chapitres. Dans le premier chapitre, l’auteur analyse la position de la langue française en Afrique et la problématique de sa description. S’il existe dans les pays francophones d’Afrique « des pratiques plus
populaires » du français même avec le statut de « véritables variétés à côté des
usages officiels », de sorte que l’enseignement du français ne peut se faire efficacement sans qu’on tienne compte de cette situation sociolinguistique, cela exige, selon
le professeur Kwofie, le déploiement de nouvelles mesures, des efforts concertés de
la part des chercheurs, des enseignants et des hommes politiques. La coexistence
des variétés de français, des langues africaines et du français standard en Afrique
pose des problèmes certes particuliers mais non insolubles. Une solution consiste
à assurer que l’enseignement de la langue s’appuie non seulement sur l’environnement socioculturel spécifique de l’apprenant africain mais aussi sur le démontage
du barrage formé par la langue maternelle de l’apprenant.
Dans les chapitres suivants (chapitre 2, 3, 4), le linguiste nigérian examine
des recherches effectuées sur le français en Afrique en vue de dégager des traits
306
qui peuvent se dire caractéristiques aux niveaux retenus par Emmanuel Kwofie,
à savoir la phonétique et la phonologie, la morphosyntaxe, la lexicosémantique.
L’auteur constate que les chercheurs ne se sont pas penchés suffisamment sur les
plans phonétique et phonologique du français dans les pays francophones en Afrique parce que la préoccupation majeure des chercheurs a été celle du relevé des
particularités lexicales. Là où la description des traits morphosyntaxiques n’est pas
basée sur le « français des écoles », la gamme des écarts est très large et touche
tous les éléments de la phrase française. Un élargissement de la perspective comparatiste aux pays anglophones situés en Afrique permettrait probablement d’affirmer un certain parallélisme des structures des langues africaines ou de reconnaı̂tre
aux écarts des constantes dans les situations multilingues ou l’apprentissage d’une
langue étrangère. Une comparaison des données lexicosémantiques confirme que
maintes particularités sont communes à la plupart des pays africains de langue
française. Si l’on peut parler d’une « indigénisation » du lexique français en Afrique
noire car il y a de nombreux emprunts aux langues africaines, il subsiste toujours
le problème de savoir la fréquence d’occurence de tels emprunts dans les variétés
basilectale, mésolectale et acrolectale en Afrique.
Dans la seconde partie de son livre (chapitres 5, 6), Emmanuel Kwofie analyse l’image du français en Afrique et discute certains problèmes de la didactique
du français langue étrangère. Personne ne conteste l’existence du français en Afrique. Ce qui semble être une question controversée est l’existence du « français
d’Afrique ». Le professeur Kwofie déclare que les chercheurs doivent continuer à coopérer dans la description scientifique de toutes les variétés du français en Afrique
pour démontrer l’homogénéité et l’hétérogénéité de divers français employés en Afrique. Les recherches doivent se poursuivre et se multiplier aussi afin de permettre
une innovation des méthodes d’enseignement.
L’ouvrage La diversité du français et l’enseignement de la langue en Afrique est
destiné aux linguistes mais également aux didacticiens du français langue étrangère
qui y trouveront des informations intéressantes sur la situation du français et l’enseignement de cette langue en Afrique.
Jaromír Kadlec
Thierry de Samie : Essais d’Afrique en sciences du langage.
Paris, L’Harmattan, 2005, 135 pp.
Les Essais d’Afrique en sciences du langage proposent onze communications
présentées par Thierry de Samie, qui a exercé ses fonctions en sciences du langage
et de la communication dans différents établissements d’enseignement supérieur
d’Afrique, dans le cadre de plusieurs congrès internationaux en Afrique Occidentale
et Centrale, en Amérique du Nord, en Asie, en Europe et en Océanie. Les articles
sont regroupés sous trois rubriques : Le kirundi, langue bantu d’Afrique Centrale,
De nouvelles approches innovantes de la langue française, Interactions des sciences
du langage dans différents modes d’expression d’aujourd’hui. Deux des trois communications de cette dernière rubrique sont rédigées en anglais. La bibliographie,
307
placée à la fin de l’ouvrage, classe par ordre alphabétique les auteurs mentionnés
au cours des onze communications avec l’indication de la page à laquelle le lecteur
est renvoyé.
Le phénomène du métamophisme en kirundi et Le degré de formation des constituants nominaux en kirundi sont extraits de la thèse de doctorat d’État de Thierry de Samie. Le métamorphisme n’est qu’une possibilité de construction parmi
d’autres. Le discours s’organise en kirundi selon un nombre relativement varié de
processus formels, qui sont internes à la phrase. L’analyse de la composition nominale amène l’auteur à deux considérations linguistiques qui interviennent avec
des exigences opposées : la relation logique et la structure formelle qui est placée
sous la dépendance de la relation logique. La contribution La relation d’antonymie
des lexèmes verbo-nominaux en kirundi étudie des questions sémantiques suscitées par l’emploi d’une langue bantu. Les conclusions scientifiques de L’hypothèse
des coefficients sonantiques dans le système nominal des suffixes obligatoires du
kirundi ont été présentées en vue d’un projet de recherche en linguistique africaine lors de l’audition d’admissibilité au CNRS à Paris. L’hypothèse des nouvelles
articulations permet d’établir une répartition vocalique et consonantique de l’ensemble des suffixes qu’ils soient d’emploi obligatoire ou facultatif. Dans l’article
Essai de sémio-syntaxe du kirundi, l’auteur constate que tout peut être un énoncé
en kirundi. Une interjection est également un énoncé ainsi qu’une formule de salutation, qu’un vocatif, qu’une onomatopée. Sur le plan syntaxique, ils sont souvent
considérés comme des unités indépendantes et appelés énoncés marginaux.
La communication La syntaxe des constituants périphériques en français s’inscrit dans le cadre de l’innovation de l’enseignement de la linguistique française
en Afrique. La syntaxe des constituants périphériques récuse totalement les notions de groupe prépositionnel ou de groupe nominal prépositionnel. Tout syntagme
nominal, dont un des signifiants non essentiel peut être une préposition, assume
une fonction casuelle et a la possibilité de se réaliser structuralement dans les deux
positions bien distinctes d’argument et de constituant périphérique. Le spectre de
la variation sémantique de l’adjectif qualificatif détermine la répartition continue
de l’étendue lexicale de trois sous-classes en fonction de leur fréquence d’emploi
morpho-syntaxique. La communication francophone et modernité souligne que la
communication francophone doit contribuer à l’essor du patrimoine culturel mondial par un retour aux origines des communautés humaines et par l’identification
de leurs sources d’identité culturelle.
La dernière rubrique comporte trois communications relativement hétérogènes
intitulées The communication act in a given society, The language situation in
Gabon et Les facteurs de développement socio-culturel de la communication dans le
paysage audio-visuel mondial. Leur finalité consiste surtout à déterminer les modes
d’identification culturelle, à travers une perspective comparatiste expérimentée sur
le terrain multiculturel en Afrique.
Les Essais d’Afrique en sciences du langage témoignent du souci de leur auteur
de faire partager au lecteur sa conviction que la pensée française demeure une
langue de communication scientifique internationale.
Jaromír Kadlec
308
Cecilia Andorno: La grammatica italiana. Bruno
Mondadori, Milano 2003, 167 pp.
L’autrice del presente saggio è professore associato presso il Dipartimento di
Linguistica Teorica e Applicata dell’Università di Pavia. Nelle sue ricerche si occupa
soprattutto di linguistica testuale, di didattica della grammatica e di acquisizione
dell’italiano L2.
Il libro colpisce già a prima vista con la sua copertina di un giallo sole, il formato sottile e l’impostazione moderna delle pagine. Incuriosito dall’aspetto fisico,
il lettore apre il libro e comincia a leggerlo e per niente rimane deluso. Una pagina
dopo l’altra scopre che le regole grammaticali non sono rigide e nate dal nulla ma
che sono invece risultato di un processo nel corso del quale i linguisti osservano la
lingua e la descrivono, formulando prima le loro ipotesi che poi sottopongono a una
serie di esami per verificare o smentire la loro validità. Il lettore si sente partecipe a
questo processo: è portato a non apprendere i concetti presentati in modo passivo,
senza riflettere, ma invece in modo critico, rendendosi conto della varietà dei punti
di vista attraverso i quali i singoli fenomeni si possono analizzare.
Nei cinque capitoli (compreso il capitolo introduttivo) del suo libro, intitolati
Introduzione, Classi di parole, Le forme, La frase e L’enunciato e il contenuto informativo della frase, Andorno non ripropone l’elenco completo degli argomenti
di grammatica italiana (considerando lo spazio sarebbe anche impossibile), ma ne
reintroduce solo alcuni temi fondamentali sull’esempio dei quali dimostra un’effettiva relatività di ogni definizione, come nel caso della classificazione delle parti del
discorso o della definizione del concetto della parola, ecc.
Tutti gli argomenti trattati sono subito seguiti da brevi esercizi che sono innanzitutto un utilissimo strumento di autoverifica di quanto si è letto. Il lettore
non resta lasciato nel dubbio sulle proprie capacità di comprensione in quanto può
confrontare le proprie soluzioni degli esercizi con le chiavi riportate in fondo al
libro.
In conclusione di ogni capitolo vengono citati i riferimenti bibliografici che permettono di approfondire i concetti proposti. Indispensabile per un’ulteriore ricerca
è anche l’indice analitico che si trova in fondo al libro.
Insomma, bisogna constatare che l’obettivo dell’autrice di «indurre il lettore a
trasformarsi da studente in studioso» è stato decisamente raggiunto.
Lenka Kováčová
A. Rey Hazas (dir.): Mostrar con propiedad un desatino.
Eneida, Madrid, 2004.
El libro, publicado como un conjunto de ensayos en la Colección «Puntos de
Vista», se dedica al tema de la literatura española contemporánea. Ya la primera
ponencia Medio siglo de novela española desde 1942: Interior y exilio, hecha por
309
J. M. Martínez Cachero, abarca de una forma panorámica la pléyade de autores
patriarcas (C. J. Cela, G. Torrente Ballester, M. Delibes). El autor hace una valoración breve de las obras narrativas tal como lo podemos observar en su historia
literaria titulada La novela española entre 1936 y el fin de siglo1 , añadiendo algunos comentarios propios y afirmaciones personales de los mismos autores. En la
segunda parte, el campo de interés se traslada a la narrativa del exilio republicano,
se interpreta la valoración general de autores como Max Aub, R. J. Sender, Arturo
Barea, Rosa Chacel, etc. y la dualidad existencial de la España Peregrina, inclusive
sus actitudes hacia la España franquista y postfranquista.
En el estudio de José-Carlos Mainer, Identidad y desencanto en tres novelas de
la Transición, el crítico abre la discusión sobre la época arriba mencionada, procura acotar la pluralidad de términos como la literatura postmoderna, la variedad
de denominaciones novelescas empleadas después del periodo de la corriente experimental, y, además, «desencanto e identidad», «premisas que pueden buscarse
en casi todas las novelas de 1970–1985». Para los lectores aficionados a la obra de
J. J. Millás, J. M. Guelbenzu y Á. Pombo, se analizan sus libros.
Visión del ahogado, El río de la luna y El héroe de las mansardas de Mansard,
respectivamente. J.-C. Mainer reflexiona sobre lo común y lo diferente que tienen los
autores susodichos, destacando la mirada enajenada (Millás), mítica (Guelbenzu)
y cómplice (Pombo) como facetas principales en las tres obras escogidas. En esta
parte hay que subrayar gran utilidad que el crítico incumbe a la palabra clave:
memoria como instrumento de recuerdos más bien decepcionantes y amargos del
esfuerzo de los protagonistas de encontrarse, de confirmar su propia autenticidad.
La lectura de Arturo Pérez-Reverte, introducida por Sanz Villanueva, pone en
tela de juicio la opinión del lector acerca de la poética de su obra total. El crítico
sostiene la idea de que sus novelas son de apariencia ligera y de lectura grata
y apasionante, y que sus obras sintetizan dos propósitos: una consciente fórmula
narrativa, hasta la recuperación de la aventura y el placer de leer gracias a la
claridad expositiva y el esfuerzo de añadir a la literatura popular una ética, o sea,
crear a la vez la literatura artística. Abre la discusión acerca de la comercialización
de la literatura a base de la premisa comercial: la literatura artística acapara la
calidad, pero obtiene poca difusión.
Sanz Villanueva destaca los rasgos denotadores del autor, la abundancia de las
anécdotas, las peripecias de la trama, los trucos folletinescos, la actitud autorial
(p. ej. suplanta arbitrariamente la parte del narrador omnisciente, etc.), cultiva la
narratividad. Muy conveniente resulta el pasaje referente a la poética determinante
del autor, que domina en toda su obra.
En las Reflexiones sobre mi obra, Luis Landero vuelve a confesar su fondo real
del que parte la redacción de su novela primigenia Juegos de la edad tardía, confirma
dos líneas inevitables: el mundo campesino y el municipal, inclusive la mitificación
del pueblo en los ojos de pobres campesinos. Landero estudia también la impostura
natural de ciertos tipos – prototipos, cuya trayectoria traspasa algunos momentos
fundamentales de sus estados puros. Es justamente esta pureza que reparte entre
los lectores la sensación ambigua que recupera entre la realidad y el mundo soñado.
1 Martínez Cachero, J. M.: La novela española entre 1936 y el fin de siglo. Ed. Castalia,
Madrid 1997.
310
En Picaresca, polisemia y modernidad: La familia de Pascual Duarte vista desde
El Lazarillo de Tormes, el autor Rey Hazas habla de la excepcionalidad de este texto
celiano apuntando algunos detalles como: el libro español más traducido después del
Quijote, una enorme variedad de ediciones, numerosas tiradas, muchísima crueldad,
muchos enfrentamientos con la crítica, con la censura, con el sistema sociomoral
por aquel entonces, y, además, el parentesco con la picaresca a través de la óptica
universal. ¿Es adecuada la comparación de Pascual Duarte como pícaro criminal
con El Lazarillo de Tormes, ligado a las condiciones de pobreza económica o con el
Lazarillo celiano de las Nuevas andanzas y desventuras de Lazarillo de Tormes?
Lo que le interesa al crítico es el «caso» de Pascual Duarte (paralelo al «caso»
del Lazarillo de Tormes), o la dualidad formal (el libro es una autobiografía y, a
la vez, una carta, enviada al destinatario, don Joaquín Barrera). Saliendo de una
rica gama de referencias críticas, Rey Hazas sostiene lo fundamental y decisivo en
la novela: el problema del perspectivismo (varios puntos de vista que surgen de la
lectura hacen bastante opaca y ambigua la interpretación, gracias al texto sistemáticamente incompleto resulta una comunicación difícil, polisémica, malentendida).
Caben, además, perspectivas religiosa, social, psicológica, filosófica, que de manera
peculiar celiana, ofrecen una ambigüedad interpretativa sin límites.
A continuación, Ángel Basanta se dedica a El desorden de tu nombre, de J. J. Millás, historia de una pasión adúltera, que «ofrece la escritura de una aventura y
también la aventura de su escritura». El autor del artículo analiza:
1. posturas de los protagonistas, Julio, Laura, Orlando
2. diseño externo de la novela
3. narraciones interpoladas del joven escritor Orlando que son intercaladas en la
novela con la intención de contribuir a «la dimensión metaliteraria del libro»
Estos ingredientes narrativos en el contenido del libro enmarcan el entramado
constructivo y, además, caracterizan la historia de la transición narrativa española
de los 80. El crítico sostiene la opinión de que la obra susodicha «enriquece la estela
de las metanovelas».
En la ponencia de Paisajes después de la batalla, Carmen Valcárcel estima la
obra novelística de Juan Goytisolo, uno de los autores españoles de mayor prestigio internacional, sin embargo, de insuficiente valoración en su propio país. Desde
Señas de identidad (1966) hasta la reciente Telón de boca (2002), según la crítica,
Goytisolo confirma un paulatino proceso de la desmitificación (la vida como una
búsqueda constante de la propia identidad); de la desterritorialidad, que inicia en
su voluntario destierro en Francia, en Marrakech, y de la destrucción lingüística
que «culmina en la liberación del lenguaje, es decir en la destrucción de la puntuación convencional, de la construcción sintáctica, de la liberación estilística y léxica,
etc.». Goytisolo encarna así la modernidad y la tradición literaria, pasa por varias
fases del desarrollo personal, tales como la liberación interior, la confrontación cultural de los mundos oriental y occidental (p. ej. Makbara), el compromiso ético y
denuncia cívica (El sitio de los sitios), etc.
Como sostiene Carmen Valcarcel, también en la obra Paisajes de la batalla Goytisolo capta la realidad mediante textos metanarrativos, sistemáticamente desintegrados, fragmentarios, ilógicos, que parodian mediante el lenguaje internacional
311
su propia biografía, igual que los discursos políticos, periodísticos, publicitarios,
ofreciendo antidiscursos extravagantes y desmitificadores.
En El rescate del tiempo como proyecto narrativo, El cuarto de atrás y otras
consideraciones sobre Carmen Martín Gaite, José Teruel habla de diversos registros narrativos, entre ellos ocupa un lugar privilegiado la novela El cuarto de atrás
(1978), debido a la recuperación de la fantasía en la épica recién postfranquista,
o sea «la memoria se reconstruye a través del género fantástico aplicando las diferencias entre el tiempo y el espacio de la vida sobrenatural». El crítico además
confirma que Martín Gaite intenta, mediante esta forma dialogada, «recuperar el
diálogo después de tantos años de silencio en las décadas anteriores, buscar un
interlocutor, ordenar la narrativa en el contexto de la propia existencia». Seguidamente, J. Teruel se detiene en el análisis de algunos motivos, tales como: por
dónde y cómo empezar en el género autobiográfico, cómo contar las historias de
la historia, cómo descifrar al hombre vestido de negro (el interlocutor), cómo perfilar los límites entre lo real y lo soñado. El ponente destaca un rasgo típico de
la escritora, lo poético que «reside en un sabor y no, en una idea actual sobre la
postguerra». Entre las aportaciones significativas de Carmen Gaite cabe destacar
su obra ensayística, p. ej., El cuento de nunca acabar, etc.
Oscar Barrero Pérez escoge como tema de su artículo El realismo social en la novela española: una débil defensa contra un potente ataque. Hablando del polémico
devenir del socialrealismo, Barrero Pérez se refiere a varios periódicos (Pueblo,
Arriba) que hacen comentarios sobre la misión del arte en el mundo ideológico,
expresan teorías ideológicas y manifestaciones del socialrealismo español, los representantes más frecuentamente citados, inclusive las valoraciones de los estudiosos
más importantes (Gonzalo Sobejano, Muñoz Suya, Carlos Barral y otros) y las
responsabilidades de sus actores por la retirada en los 60.
En el último ensayo dedicado a Miguel Delibes, la autora Isabel Vázquez, revisa
elementos significativos de El hereje, novela total. Observa que en este libro confluye el universo total del autor escogido. La síntesis de M. Delibes radica en los
siguientes registros: la totalidad de la temática (en El hereje es la historia de Salcedo), la interpretación ideológica del mundo, la índole novelística, o sea la novela
testimonial, los marcos espaciotemporales (Valladolid, pero en este libro volvemos
al siglo XVI), la biografía total del protagonista, la estructura con el devenir lineal,
los aspectos social, económico y religioso acotan y conciben el progreso contextual
de los personajes, sus paralelismos característicos como la cualidad del antihéroe,
su inocencia individual y otros.
El libro es fuente de mucha inspiración para el lector, dadas las reseñas profundamente especializadas en temas recientes, atractivos y harto explícitos. Otro
motivo relevante que puede servir de vehículo para el lector aficionado en este
tema es el rico repertorio de escritores contemporáneos, que hoy día representan
la vanguardia de la narrativa actual en España. Conviene destacar como punto de
referencia el papel importante metodológico de los ensayos agrupados y su función
instructiva para profundizar conocimientos literarios de hispanistas en general.
Eduard Krč
312
Javier Tomeo: Homenatge/Homenaje
(ACEC, núm. 25, julio 2006)
El número 25 de Cuadernos de Estudio y Cultura que sale a cargo de la Asociació Colegial de Escritores de Cataluña (Associació Col·legial d’Escriptores de Catalunya, ACEC) rinde homenaje a uno de los autores más singulares de la narrativa
española actual, a Javier Tomeo. En esta publicación monográfica se ofrece una
imagen global sobre el autor; en su primera parte, Nora Catelli, Carlos Cañeque
y Juan Antonio Masoliver Ródenas, en sus ponencias, pretenden expresar el papel
polifacético e innovador de J. Tomeo. N. Catelli destaca la parcialización microscópica, la perversión controlada y la risa transformada en mueca como momentos
más relevantes que sirven de promotor en la narrativa estudiada. C. Cañeque se
dedica a la investigación del mundo de los personajes literarios. En «este huerto de
Tomeo abundan los personajes fracasados, grises y bonachones. Estos personajes
salen de su rutina y comienzan a andar por la senda de lo insólito tan pronto su
creador los pone a prueba y los coloca en medio de una situación determinada».
Teniendo en cuenta su frecuente transformación personal, salta a la vista del
lector la similitud con la obra de F. Kafka y de otros escritores que cultivan el
mundo personal en el que surge la metamorfosis del hombre. Aunque desarrolla
una mirada burlona e irónica, el narrador no deja de manifestar la postura calurosa, comprensible y humana. El hombre en las obras tomeanas ocupa varias
posiciones, sin embargo, como sostiene J. A. Masoliver Ródenas, «no están condicionadas por la línea ideológica o por las estrategias políticas del periódico». Se puede añadir que la mayoría de los «héroes» son de capas medias pequeñoburguesas,
perteneciendo a una pléyade numerosa de monstruos, incapacitados físicamente,
trastornados psíquicamente, que aparecen muy relacionados con el mundo de la
fauna y de la flora.
Adjuntos se recogen algunos textos breves y todavía inéditos del autor, su propia
reflexión acerca de la dramaticidad de sus novelas y un conjunto selecto de las
reseñas más significativas que se han publicado en la prensa española. En este
punto echamos de menos a ciertos nombres de peso como Ramón Acín, etc. Un
apéndice útil de la obra narrativa total de J. Tomeo figura en las páginas 63–66; a
pesar de que faltan en la lista algunos títulos inclusive reediciones de los libros, lo
positivo es que la información resulta actualizada hasta el año 2006.
En resumen, la monografía en cuestión es un quehacer literario de carácter panorámico que nos invita al mundo excepcional de Javier Tomeo. Por lo tanto, es un
trabajo que se puede recomendar al lector aficionado de la obra tomeana, ya que
la crítica española, comparando con la extranjera, le debe bastante a este escritor.
Queda bastante claro que el lector asiduo volverá a encontrar ciertos rasgos característicos en la narrativa tomeana, tales como nos presentan las reseñas escogidas,
p. ej., las obsesiones individuales de los protagonistas, la verosimilitud de los trucos, la condición extraña de la mujer, las metamorfosis delirantes y muchos más.
Lo que el presente libro logra aportar, a modo de homenaje, es proporcionar una
oportunidad más para difundir los méritos de Javier Tomeo.
Eduard Krč
313
José Luis Calvo Carilla: La mirada expresionista: Novela
española del siglo XX. Mare Nostrum Comunication, 2005,
248 págs.
El autor que pretende aclarar el movimiento expresionista desde varios ángulos opina que es una tarea desorientadora buscar unas coordenadas más riguroasas geográficas o temporales. Lo curioso en la estética expresionista es que
no desaparece con la derrota de los alemanes en la primera y/o en la segunda
guerras mundiales. Su impacto se manifiesta en las obras de procedencia internacional, de tales autores como, p. ej., F. Kafka, Eugune O’ Neil, Joyce o Faulkner. Seguidamente, el análisis de la poética expresionista aborda la situación en
la España postfranquista, la distingue en estado puro o en estado mixto. Como
ejemplos le sirven al autor nombres de prestigio como C. J. Cela, Torrente Ballester, G. Celaya, C. M. Gaite, etc. A finales de la segunda década del siglo XX,
la poética expresionista entra en una perfecta coexistencia con varios ismos europeos (el dadaismo, el ultraismo, el futurismo, etc.). Calvo Carilla concede una
atención especial al surrealismo, su repercusión cosmopolita que se debe, según
él, a los temores y zozobras de aquella Europa recién salida del diluvio bélico
(pág. 15). Si bien surgen nuevas vertientes como el existencialismo y su técnica
conductista, cada vez va en aumento en la literatura el efecto de extrañamiento,
de angustia, de pesimismo, de violencia y de desequilibrio. Calvo Carilla busca
esas repercusiones en la obra celiana (La familia de Pascual Duarte), senderiana
(La esfera, El rey y la reina), kafkiana o borgiana, acotando diferentes vinculaciones entre el expresionismo y otros ismos actuales (la sinceridad humana, el
humor reprimido, el cromatismo y la alegoría, los estados de vigilia y de sueños,
los seres convencionales con sus obsesiones, pesadillas, desdoblamientos y exilio
interior.
La sociedad laberíntica con los tintes personales kafkianas encuentra su encarnación mimética en una extensa nómina de los escritores contemporáneos; aparte
de los anteriormente aludidos, son A. F. Molina, J. Tomeo, J. del Amo, J. Benet,
F. de Azúa y muchos otros. En todos estos autores prosigue «un hombre humillado,
abultado y caricaturizado», son portadores del «síndrome de Kafka», como lo ha
denominado Pozuelo Yvancos.
En los últimos capítulos la atención cuenta más con la concepción monotemática; es el caso de los narradores postistas como Eduardo Chicharro, C. E. de Ory,
G. Prieto, F. Nieva, concluyendo la publicación con el análisis de la escritura
refractaria de C. J. Cela (La colmena). Destacando los rasgos expresionistas fundamentales como la localización geográfica urbana con esa mezcolanza de razas,
nacionalidades y la agitación vertiginosa, Calvo Carilla enumera ciertas dificultades y retos de Cela, cuya técnica estructural en la mayoría de sus libros tiende
a refractar y «a enmascarar sus construcciones a los ojos del lector» (pág. 190).
En la monografía en cuestión, el autor logra profundizar la óptica expresionista
haciendo referencias y comentarios harto originales al mundo literario, incluso al
ambiente literario del momento, a las críticas en los periódicos y las revistas (p. ej.
La Estafeta Literaria, Fantasía y Fénix), igual que a algunas informaciones complementarias y no muy frecuentadas, de talleres, tertulias, entrevistas y encuentros.
314
Cabe recordar que el libro servirá muy bien como una fuente de inspiración desde
el punto de vista metodológico facilitando una suma inagotable de recurrencias y
sugerencias estimuladoras.
Eduard Krč
Jean-Pierre Longre : Raymond Queneau en scènes,
PULIM, Limoges 2005, 285 pp.
Quant on parle de Raymond Queneau et surtout quand on lit son œuvre, on
découvre que le théâtre était un genre mineur et peut-être peu préféré de cet
auteur – ce sont plutôt ses romans et sa poésie qui sont appréciés et analysés et
dont on parle le plus souvent. Queneau passe très souvent pour un auteur libellé
très superficiellement d’auteur des « doukipudonktan » de Zazie et des coquineries
linguistiques des Exercices de style. Quoqu’il en soit, il existe également une partie
théâtrale de l’œuvre de Raymond Queneau qui attend sa découverte car il existe
toujours des pièces inédites : ajoutons ici que la poésie de Queneau a été publiée en
entier dans la Pléiade en 1999, suivie par deux tomes de romans en 2002 et 2007,
ce qui n’est d’ailleurs, malheureusement, pas le cas de ses essais, son théâtre, sa
correspondance, etc.
L’œuvre théâtrale de Queneau peut être répartie en plusieurs groupes : les pièces
qui existent et qu’on a déjà jouées, les pièces qui sont les adaptations de ses romans
(ce ne sont pas nécessairement des adaptations faites par Queneau lui-même), les
pièces qui n’étaient pas jouées mais elles ont été imprimées et enfin les pièces qui
n’ont jamais vu le jour dans leur forme imprimée. C’est à toutes ces catégories
de l’œuvre théâtrale de Queneau que s’intéresse le livre de Jean-Pierre Longre de
l’Université Jean Moulin – Lyon III.
Il est vrai qu’il a été publié, à ce jour, un certain nombre d’études et d’articles
sur ce thème, mais, à vrai dire, ce nombre ne correspond pas à ce que l’œuvre
théâtrale quenienne mérite. C’est justement J.-P. Longre qui a consacré beaucoup
d’articles au divers thèmes dans le cadre du théâtre quenien. À part lui et un nombre relativement petit d’auteurs se consacrant, eux aussi, à l’étude de la partie
théâtrale de l’œuvre quenienne, il n’existe pas trop de publications sur ce thème.
L’une des exceptions sont les actes appelés Raymond Queneau et les spectacles
(parus sous la direction de Daniel Delbreil, Noésis 2003/2004) dont certains sont
consacrés au théâtre, mais il n’y est question uniquement du théâtre, certains articles relatent du cinéma, etc. Il existe quelques autres articles dispersés çà et là
dans les revues (surtout dans les revues consacrées uniquement à Queneau, comme
Cahiers Raymond Queneau ou bien Les Amis de Valentin Brû, mais également
dans les revues « non queniennes »), mais sauf Raymond Queneau et les spectacles,
il n’y avait pas, jusqu’ici, une étude cohérente et dédiée uniquement à l’étude du
théâtre quenien.
Queneau s’est consacré au théâtre en particulier au cours de la décennie
1940–1950. Longre nomme dans l’introduction toutes les autres œuvres théâtrales
315
marquantes de l’époque qui pouvaient influencer le théâtre de Queneau. En analysant l’une après l’autre les pièces de Raymond Queneau, Longre fait un travail
précieux et minutieux, d’autant plus qu’il fallait fouiller dans le fonds et dans les
classeurs du Centre de documentation Raymond Queneau à Verviers en Belgique
afin de pouvoir trouver tous les textes jusqu’ici inédits et qui, selon lui (et non
seulement), « méritent une publication ». Nous ajoutons que ce sont les pièces qui
méritent une analyse faite par Longre qui s’intéresse à Queneau, et en particulier
à son théâtre, déjà depuis sa thèse.
Suite à ce qui vient d’être constaté, nous devons souligner qu’il est évident, en
lisant le présent ouvrage, que ce dernier est un fruit de ses recherches de longue
durée. Ce livre peut être apprécié surtout pour son originalité qui consiste notamment en travail minutieux mentionné ci-haut d’avoir découvert pour les lecteurs
de Queneau des textes jusqu’ici inédits. Ce travail, aussi bien que son livre, sont
des contributions extraordinaires en ce qui concerne les études queniennes dans le
monde entier.
Slavomír Míča
Jacqueline Villani : Le roman, Belin, Paris 2004, 239 pp.
Cet ouvrage est consacré, comme le suggère un peu vaguement son titre, à
l’analyse du roman ; ou bien, disons-le plus précisément, plutôt à l’analyse du
procédé comment faire une analyse d’un roman.
Divisé dans plusieurs chapitres, le livre touche dans chacun d’entre eux plusieurs
aspects concernant l’analyse du roman, commençant inévitablement par un petit
parcours historique de l’évolution du genre à travers les siècles (chapitre I, De la
vie au roman).
Les chapitres suivants sont déjà ciblés à l’analyse elle-même : la définition et la
description du narrateur (chapitre II), les modalités narratives (cadrage, prolepses,
analepses, le point de vue de la narration; chapitre III), le personnage (chapitre IV),
l’espace et le temps (chapitre V), le «récit de paroles» (c’est-à-dire le discours direct,
indirect, etc., plus les dialogues de roman en comparaison avec ceux du théâtre). Le
dernier chapitre, « Philosophie du roman », explique « comment la fiction pense »
(c’est le titre d’un sous-chapitre). Tous les chapitres mentionnés ci-haut constituent
la première partie du livre, intitulée « Savoirs ». Les chapitres qui viennent d’être
nommés expliquent donc les thèmes traditionnels, mais nous voulons concentrer
nos commentaires autour de ce qui est important et nouveau, autour de ce qui
peut enrichir l’enseignement classique de la théorie du roman.
On peut souligner en particulier l’importance des documents commentés qui,
ajoutés en « appendice » à chaque chapitre, mettent en pratique ce qui vient d’être
constaté en théorie dans le texte précédant. Ainsi, pour donner un exemple concret, mentionnons chapitre IV (Le personnage) suivi par le document commenté
intitulé « Mme de Tourvel dans Les Liaisons dangereuses ». En plus, les documents
316
commentés traitent des livres de divers périodes, ce qui enrichit le point de vue de
ceux qui utilisent ce livre.
La deuxième partie, plus courte que la première, contient huit dossiers dont
certains sont des dissertations sur des thèmes théoriques variés (p. ex. Dossier 3,
« Réalisme et langage ordinaire »), d’autres des commentaires composés d’une
œuvre littéraire concrète (sur La Chartreuse de Parme ou bien Les Travailleurs
de la mer ) et dont la présence dans le livre est une source précieuse pour ceux qui
s’initient dans la théorie littéraire et pour qui ces textes sont des exemples à suivre
quant à la création des textes théoriques littéraires.
Le livre ne se veut pas être un ouvrage « classique » de son genre, allourdi de
définitions théoriques. Et il ne l’est pas : par contre, il vise à donner le nombre le plus
grand possible d’exemples pratiques même au milieu d’une partie «purement» théorique du texte. Le style et l’approche légers font de ce livre un manuel expliquant la
théorie du roman aux étudiants d’une façon «lisible» et en même temps offrant aux
professeurs de littérature française un excellent outil de travail pour leurs cours.
On peut reprocher à ce livre le choix trop restreint du Glossaire (ne contenant
que treize termes théoriques sur une seule page, en plus semblant avoir été choisis
plutôt par hasard que systématiquement) et également le déplacement des notes
du bas de la page à la fin du livre, ce qui rend le contenu des notes moins accessible
et par la suite moins utile pour les lecteurs.
On peut, par contre, apprécier une bonne structuration et organisation intérieure des chapitres particuliers, offrant aux lecteurs un à deux paragraphes d’explications sur ce qui va suivre et finissant (à l’exception du chapitre VII) par une
Conclusion qui soit clôt le thème, soit le lie à un des autres thèmes. Un autre
élément faisant partie du livre en question et digne d’être fort apprécié est sa bibliographie qui – n’étant pas trop exhaustive – offre de fondamentaux ouvrages de
référence, ce qui sera apprécié surtout par les étudiants qui commencent à s’initier
dans la théorie du roman.
Slavomír Míča
Maria de Fátima Néry-Plch – Silvie Špánková – Zuzana
Burianová: Portugalština pro pokročilé. Mgr. Anton
Pasienka vydavatelství a nakladatelství AP, Brno 2006,
238 pp.
Nos últimos seis anos têm sido publicados três novos manuais de português, o
que já em si representa um acontecimento bem laudável, tendo em consideração
o facto de que o primeiro e simultaneamente o último manual de português foi
publicado já em 1991.
Destes três livros, os dois publicados primeiro (Jindrová, J., Mlýnková, L., Schalková, E.: Portugalština. Leda, Praha 2001 e Havlíková, M., Pinheiro Alves, C. M.:
317
Portugalština pro samouky. Leda, Praha 2003) são manuais dedicados aos principiantes na língua portuguesa, este para autodidactas, aquele para estudantes
universitários ou grande público em geral.
Apenas o terceiro manual, porém, prefere dedicar-se aos estudantes avançados,
quer dizer os que já dominaram a estrutura gramatical da língua e o léxico fundamental comunicativo, sentindo agora necessidade de praticar e aprofundar os
seus conhecimentos com atenção especial dedicada aos fenómenos linguísticos que
os próprios estudantes checos percebem como mais problemáticos. Assim o manual
representa o único livro de aprendizagem do português ao nível avançado publicado
na República Checa até hoje, no que consiste a sua maior vantagem e a sua maior
contribuição para o ensino do português na República Checa.
As autoras, docentes nas universidades de Brno e Olomouc, definem as suas
intenções no prefácio do manual de maneira bastante clara – desejariam criar um
manual que possibilitasse aos estudantes aperfeiçoar o seu conhecimento não só da
língua (concentrando-se em já mencionados fenómenos gramaticais problemáticos
e em especificação do vocabulário temático), senão também da realidade lusófona,
antes de mais portuguesa. É de sublinhar que conseguiram pagar promessas.
O manual tem uma estrutura meticulosamente elaborada. Fica dividido em dez
capítulos, cobrindo cada um deles um tema conversacional (por exemplo música,
ensino e ciências, artes plásticas etc.). Cada capítulo depois contém textos tirados
seja de jornais e revistas portuguesas, seja de obras literárias de autoria portuguesa,
sendo estes acompanhados por mini-biografias dos respectivos autores. Esses textos
servem de base para exercícios de compreensão escrita, exercícios gramaticais e
lexicais, tradução do português para o checo e vice versa e além disso oferecem
temas para discussão, para redações por escrito e também para uma individual
pesquisa avançada no campo de realidade portuguesa. Os capítulos incluem, além
disso, vocabulário temático que deve resumir o vocabulário coberto nos textos e
também incorporar vocabulário complementar ligado ao dado tema. A última parte
do livro contém chave dos exercícios.
Quanto aos textos, é de apreciar que tratam a realidade portuguesa actual
segundo os temas dos capítulos e que conseguem manter nível equilibrado em todos
os capítulos ao decorrer do livro. O esforço de introduzir ao grande público extractos
de obras literárias de célebres autores portugueses, inclusive a sua breve biografia, é
também digno de louvor, tendo em consideração que nem todos os usuários do livro
representam estudantes universitários de filologia portuguesa com conhecimento
da literatura portuguesa aprofundada nas aulas. Os capítulos, logicamente, não
podem conseguir cobrir o dado tema de maneira exaustiva e assim carecem de
complexidade, no entanto uma tal complexidade não é de esperar dum livro que
não é intencionado nem como manual de conversa nem como estudo sistemático de
realidade portuguesa.
Referindo-nos, porém, às perguntas de compreensão escrita, estas, ao contrário
dos textos, nem sempre conseguem manter o mesmo nível de exigência. Assim de vez
em quando os textos são seguidos por perguntas sofisticadas de tal modo que exigem
leitura pormenorizada e minuciosa acompanhada por consulta de dicionário (por
exemplo perguntas do tipo «Expliquem o significado de frases a seguir») cumprindo
assim o próprio objectivo do manual, enquanto outras vezes pode-se responder em
uma palavra só, sendo suficiente uma leitura superficial e conhecimento da língua só
318
médio (por exemplo perguntas do tipo «Quem foi o fundador da teoria quântica?»
a seguir o texto que fala sobre «Cem anos de física quântica» – p. 157).
Algumas das perguntas que devem incentivar pesquisa avançada na realidade
portuguesa mereceriam, pelo contrário, maior especificação que desse ao leitor uma
pista mais concreta na sua pesquisa. Por exemplo no capítulo Ensino e Ciências
há perguntas do tipo «Conhece alguns cientistas portugueses? Procure informações
adicionais.» No entanto, se o leitor não conhece nenhum e nem é oferecido fontes
possíveis de informações (pelo menos algumas concretas páginas na web), esta pergunta não ajuda nada em lhe orientar no tema. Consideramos muito mais proveitosas as perguntas que aparecem por exemplo no tema Música (p. 72 – «Procure mais
informações sobre a música portuguesa contemporânea. . . utilizando as seguintes
palavras-chave: o fado, a guitarra portuguesa. . . Pedro Abrunhosa, Mísia, . . . »)
que facilitam a seguinte pesquisa consideravelmente.
Os próprios exercícios, tanto gramaticais quanto lexicais, dispõem de enorme
variedade e representam precisamente o tipo de exercícios que fazia muita falta.
Conseguem captar diversos fenómenos lexicais (por exemplo sinonímia, idiomatismos, estrangeirismos, formação de palavras etc.) tratados frequentemente de
ponto de vista teórico nos livros de lexicologia ou morfologia portuguesas mas raramente nos manuais na forma de exercícios práticos. Os exercícios gramaticais
tentam tratar (tal como foi prometido pelas autoras) os problemas-chave da gramática portuguesa que causam confusões aos estudantes checos – como por exemplo
a distinção entre verbos ser e estar, verbos abundantes com particípios duplos, preposições, colocação de pronomes clíticos etc. (infelizmente, não há muitos exercícios
dedicados à problemática de perífrases verbais ou regência verbal, fenómenos que
também levam a muitos erros). Não obstante, com respeito a estes exercícios é de
mencionar que alguns deles, especialmente aqueles que tratam o uso de tempos indicativos e conjuntivos, correspondem antes ao nível inter-médio da língua do que
ao avançado e assim não ajudam muito em aclarar todas as dúvidas que possam
surgir. Por exemplo, na página 14 há exercício 2 dedicado aos tempos verbais no
qual, porém, aparecem somente presente de indicativo e presente de conjuntivo e
estes dois tempos básicos frequentemente nem aparecem em contextos nos quais
possam confundir-se.
Os exercícios de tradução do checo para o português devem refletir o léxico
temático da lição, seja dos textos, seja do pequeno vocabulário com o qual acaba
cada lição. Porém, a interligação entre os textos, os exercícios de tradução e o
vocabulário nem sempre é tão sistemática como seja desejável. Nas traduções aparecem termos ligados ao tema da lição que não ficam incluídos no vocabulário
nem nos textos e geralmente são tão específicos que só dificilmente podem ser encontrados no dicionário (por exemplo «drogas inteligentes» na página 160). Seria
certamente bem útil completar o vocabulário final de tal modo que incuísse toda
a terminologia que se menciona através da lição – seja nos textos, seja nos exercícios.
Esta pequena inconsistência liga-se estreitamente a um outro lapso do manual.
Nas soluções dos exercícios faltam as dos exercícios de compreensão escrita e também as dos exercícios de tradução (tanto do checo para o português, quanto do
português para o checo), assim o usuário do livro nem tem oportunidade de verificar se conseguiu encontrar traduções adequadas. Sendo estas soluções indiscutivel-
319
mente úteis e quase indispensáveis para o manual, seria verdadeiramente preciso
adicioná-las à reedição do manual.
Além disso, a reedição que, esperemos, vai seguir em breve, mereceria também
mais uma correcção cuidadosa – às vezes há falhas gráficas quando as referências
numéricas incluídas nos exercícios lexicais não correspondem a respectivas linhas
em dado texto, o que complica qualquer trabalho com aquele texto bastante.
No entanto, estes pequenos lapsos não podem preponderar sobre todas as vantagens que o livro leva consido – como o primeiro e único manual dedicado aos
estudantes avançados oferece textos, exercícios e informações sobre a realidade
portuguesa actual que não se encontram nesta forma em nenhum outro manual
publicado na República Checa e assim representa um óptimo material de estudo
que ajuda todos os estudantes convictos que já conseguiram dominar a língua portuguesa atingir o nível mais sofisticado desta língua.
Petra Svobodová
Loı̈c Depecker : L’invention de la langue : le choix des mots
nouveaux. Armand Colin – Larousse/HER, Paris, 2001,
720 pp.
Depuis la création du Haut Comité pour la défense et l’expansion de la langue
française, placé auprès du Premier ministre, en 1966, la France s’engage dans la
voie d’une politique linguistique efficace à l’échelle internationale. La création de
cette institution témoigne d’une volonté de rayonnement linguistique.
Loı̈c Depecker est linguiste terminologue. Il est président de la Société française
de terminologie, secrétaire général de Realiter (Réseau panlatin de terminologie),
Université de la Sorbonne–Nouvelle–Paris III – CRETTAL-LILLA et chargé de
mission à la Délégation générale à la langue française. Parmi ses publications, citons Les mots de la francophonie (Belin, 1990, préface d’Alain Rey), Les mots des
régions de France (Belin, 1992), Dictionnaire du français des métiers. Adorables
jargons (Le Seuil, 1998) et Le guide des mots francophones. Le Zibulateur enchanté
(Le Seuil, 1999). Sa thèse de doctorat, préparée à l’Université de Paris VII sous la
direction de Bernard Cerquiglini, soutenue en 1994 à l’École normale supérieure de
la rue d’Ulm, intitulée Un exemple d’aménagement terminologique : les Commissions ministérielles de terminologie en France (1970–1993 ) a obtenu le Prix Pierre
Larousse des Sciences du langage en 1995.
La thèse a été publiée en 2001 sous le titre L’invention de la langue : le choix
des mots nouveaux en 2001. Les faits relatés s’arrêtent en 1993 – il n’y est pas tenu
compte des événements survenus postérieurement – la réorientation de la politique
terminologique de la France, l’apparition d’Internet, l’implication des académies
dans le dispositif de traitement des terminologies.1 Le principal objectif de cette
1 La date finale – mars 1993 – est parfois dépassée et certaines analyses à partir de faits
intervenus postérieurement sont prolongées.
320
recherche est de montrer l’expérience d’aménagement terminologique conduite en
France entre 1970 et 1993 par le biais des CMT – Commissions ministérielles de
terminologie. La question de terminologie est en fait constamment présente en raison de sa dimension politique (construction de la francophonie, francisation des
vocabulaires), technique et économique. Les commissions ministérielles de terminologie se sont attachées à doter les différents milieux professionnels de l’outillage
terminologique nécessaire pour que le français demeure langue de communication
et de travail. Nombre de termes que ces commissions ont créés, promus ou officialisés, sont aujourd’hui dans l’usage courant, beaucoup demeurent insuffisamment
utilisés. Jusqu’ici, aucun texte de synthèse analysant le contenu des décisions et
dressant un bilan de résultats n’existait en France.2 L’ouvrage de Loı̈c Depecker
comble donc une lacune dans ce sens. L’auteur a rassemblé les principaux textes
portant sur la création des institutions de politique linguistique et terminologique
en France depuis 1966, il a reconstitué les grandes étapes de la réflexion en ce domaine. Pour ce faire, il s’est appuyé sur les comptes rendus disponibles (plusieurs
centaines) des séances de CMT. Sa tâche était facilitée par sa présence personnelle
aux séances de CMT de 1980 à 1993. Plus d’une cinquantaine d’arrêtés ministériels
de terminologie sont commentés terme à terme ainsi que les travaux de la Commission générale de terminologie dont les résultats n’ont pas été publiés au Journal
officiel3 : plus de quatre mille termes officialisés, près de dix mille termes abordés
en séance répartis en trente mille occurences répertoriées dans l’index récapitulatif
général qui figure à la fin de l’ouvrage. S’appuyant sur des analyses linguistiques,
sociolinguistiques et épistémologiques, Depecker examine soigneusement le matériau terminologique traité et observe dans quelle mesure les termes officialisés par
ces commissions se sont imposés dans l’usage.
La thèse de Loı̈c Depecker contient sept chapitres, une conclusion générale et
un index général des principaux termes mentionnés. Elle est complétée par la liste
des sigles des organismes mentionnés dans l’ouvrage. Le chapitre I (pp. 33–339) est
consacré à l’histoire des commissions ministérielles de terminologie (CMT) dans les
années 1970–1993. Depecker constate que les documents concernant les débuts de
la plupart de ces commissions n’ont pu être retrouvés. Comme les CMT avaient
travaillé séparément, il a fallu veiller à ce que leurs décisions ne fussent pas contradictoires. On a donc procédé à un alignement sur les propositions ayant reçu
le plus de suffrages de la part des différentes commissions (commission du pétrole, de l’informatique, des transports, de l’économie et des finances, de la défense,
de la télédétection aérospatiale, des télécommunications, de l’audiovisuel et de la
publicité, du tourisme, de l’urbanisme et du logement, de la mer, du sport, de
l’agriculture, de l’ingénierie nucléaire, de l’éducation, des composants électroniques
etc.). Il y avait aussi des commissions particulières : celle de terminologie de la
féminisation des titres et des noms de professions, celle de terminologie des affaires
étrangères.
Dans les premières séances, les spécialistes étaient confrontées à des difficultés
dans le domaine des anglicismes, leurs équivalents français n’étant pas encore fi2 Pour ce qui est des résultats partiels, on peut mentionner l’Introduction à l’étude de la
télédétection aérospatiale et de son vocabulaire (Paul, Depecker, 1991).
3 Journal officiel de la République Française, Dictionnaire des termes officiels de la langue
française, publié par la Délégation générale à la langue française.
321
xés. Grâce à la datation des arrêtés, on peut observer pas à pas la naissance de
certains termes français et réaliser à quel point la décision finale fut parfois difficile
à trouver. Pour le terme ingineering, on a proposé ingenierie (sans accent aigu),
engenierie ou projetante (commission du pétrole). Devant de telles divergences, le
CILF a recommandé d’adopter le terme d’ingénierie, consacré par l’Académie4 ;
fair-play a été rendu franc-jeu par l’ORTF ; mailing a eu droit à un grand nombre
de propositions : prospection postale, démarchage postal, vente postale, postalage,
publicité postale. On a adopté le terme postalage : pourtant, le terme officialisé en
1973 était publipostage. Un grand débat s’est déroulé autour du terme marketing.
Depecker nous offre la liste des équivalents proposés, dont marcatique, mercatique,
marchéage et marchistique. Bien qu’adopté finalement, le terme mercatique n’est
pas très utilisé en français. Depecker rapporte des parties entières de discussions
pour montrer l’ampleur de la tâche des commissions. Par exemple la discussion
autour du terme dumping et son équivalent français. « M. Cahart propose de revenir sur cette décision et de tenter, malgré l’implantation de ce vocable dans le
langage courant, de promouvoir le terme braderie [. . . ]. Certains membres émettent quelques réserves, indiquant que ce terme évoque un climat de fête, de foire.
M. Dehaye, tout en notant que le mot dumping est bien ancré dans l’usage, avance
le néologisme soldage. M. Vouette pense que l’expression soldage risque d’évoquer
la liquidation de la fin de série. M. Fourastié avance alors les termes rabais et
sous-cote. »5 Ces citations permettent de suivre le raisonnement des membres de
commission et la méthodologie adoptée. Parfois, les propositions lancées par des
membres de commissions sont plutôt étonnantes : conversade pour talk-show, sonambule, ambulophone ou podomate pour Walkman (nom déposé par Sony) ; ce
fut baladeur qui fut finalement choisi. L. Depecker rapporte également certaines
citations qui en disent long sur la réflexion et des positions des membres de ces
commissions : « Le “franglais” est une insulte à la définition claire des concepts,
c’est pour cette raison et non par nationalisme qu’il faut l’éliminer. »6
La seule commission ministérielle de terminologie à avoir été créée par décret est celle de terminologie de féminisation des titres et des noms de professions
(1984–1987). La commission vise à combler certaines lacunes de l’usage du français
ainsi qu’à apporter une légitimation des fonction sociales et des professions exercées
par les femmes.
Le chapitre II – Organisation et fonctionnement des commissions ministérielles de terminologie (pp. 341–395) dresse l’histoire de création progressive des
CMT ainsi que les procédés par lesquels celles-ci ont été créées : décision ministérielle, arrêté pour la création, lettre de mission. Depecker explique la démarche
méthodologique: en commission, on entame un large débat (technique, sémantique,
linguistique) sur les termes à examiner ; les membres de commission élaborent leur
« fichier terminologique de travail » comportant toutes informations et procédures susceptibles d’être prises en considération. Suivent alors plusieurs réunions de
bureau, la mise au net de la rédaction définitive des articles compte tenu des indications formulées par la commission, procès-verbal de la séance pour approbation,
4 L’Académie française est régulièrement consultée avant la publication des arrêtés de terminologie, ce qui leur donne une autorité supplémentaire.
5 P. 131.
6 P. 200 ; M. Fantapié, représentant du Haut comité de la langue française.
322
un vote en séance et finalement la diffusion des résultats. La question de la forme
règlementaire que devaient prendre les décisions se posait également – vu le fait que
les néologismes en question appartenaient souvent à des vocabulaires très spécialisés
de milieux professionnels. Le décret signé le 7 janvier 1972 structurait l’organisation
des commissions en stipulant leur mode de création, leur mission, leur composition
et le mode d’officialisation de leurs travaux. De nombreux linguistes ont pris part
aux travaux des commissions, dont MM. Claude Dubois, rédacteur en chef des éditions Larousse, Alain Rey, rédacteur en chef des éditions Le Robert, Mme Josette
Rey-Debove, secrétaire générale des éditions Le Robert ; cette dernière était très
impliquée dans la commission de féminisation des titres et dans le traitement de
certains termes (sidatique/sidéen).
Le chapitre III – Les termes traités par les commissions ministérielles de terminologie (pp. 397–442) porte sur les termes traités par les CMT, notamment dans
leur rapport à l’anglais.
Il se penche sur la problématique de variations de l’emprunt, termes calqués
(neochannel – néocanal, hot laboratory – laboratoire chaud ) ainsi qu’aux processus
de formation néologique.
Le chapitre IV – Interventions et réactions aux travaux des commissions ministérielles de terminologie (pp. 443–469) intègre de nouveaux éléments inédits,
telles des correspondances entre les Académies et les organismes francophones et
l’organisme français central de la politique linguistique. Loı̈c Depecker précise le
rôle des Académies spécialisées.
Il n’oublie pas de faire part de la participation des francophones dans les travaux
des commissions. Il souligne la détermination du Québec et le poids des institutions québécoises7 sur des décisions françaises. La coopération franco-québécoise
s’affirme dans les années 1980 par la présence, dans différentes commissions de
terminologie, d’un représentant de l’Office de la langue française ainsi que des représentants du secrétariat d’État du Canada. On évoque des termes québécois ou
canadiens dans plusieurs comptes rendus et arrêtés de terminologie : auto-caravane
pour camping-car, commanditaire pour sponsor, voyagiste pour tour-operator.
Le chapitre V – Succès et échecs des termes officialisés par les commissions
ministérielles de terminologie (pp. 471–544) est basé sur plusieurs enquêtes d’implantation des termes officiels réalisées en milieux professionnels et dans les dictionnaires de langue. L’auteur esquisse des méthodes de travail possibles dans ce
domaine. Il précise qu’il faut compter parfois plusieurs années pour que le mot soit
adopté par le grand public. Cette partie aborde également la question des vocabulaires très spécialisés (ingénierie nucléaire, hydraulique du drainage agricole etc.).
Les dictionnaires sont de véritables enquêtes d’implantation des mots dans l’usage.
Depecker dresse, domaine par domaine, les listes des termes pouvant être considérés comme implantés sous leur forme française (banque de données, bogue, logiciel,
robotique etc. en informatique par exemple). Pour chaque domaine, il indique ce
qu’il appelle noyau central, noyau dur et noyau central des termes en équilibre.
Le chapitre VI – Les réactions de la presse aux travaux des commissions ministérielles de terminologie (pp. 545–563) commente et analyse des prises de position
7 Office de la langue française du Québec en tant que modèle de centralisation et d’harmonisation des propositions.
323
émises surtout par la presse (journaux professionnels, « grande » presse nationale,
presse régionale et francophone). Celle-ci a évoqué, de façon relativement importante, les travaux des CMT. Depecker a collecté également des témoignages plutôt
humoristiques, comme ce titre de Libération du 4 avril 1987 : « Mercatique, un mot
si doux aux oreilles de Balladur » ainsi que des phrases du type « . . . gare à ceux
qui feraient encore du marketing. »
Le chapitre VII – Contributions de l’expérience française à une méthodologie
de l’aménagement terminologique (pp. 565–606) tend à cerner les contours d’un
aménagement terminologique cohérent. Depecker suit le parcours des commissions;
le manque de soutien scientifique à l’expérience des CMT dans leurs débuts, leur
propre expérience acquise, les relations nouées progressivement avec des spécialistes
de l’aménagement terminologique en France (universités, notamment Rennes II,
Centre de terminologie et de néologie du CNRS lancé en 1987) ainsi qu’au Canada
et au Québec. A partir des années 1990, on a pu ainsi constater, selon Depecker,
une véritable consolidation du dispositif des CMT. L’État français s’est donné le
pouvoir d’intervenir directement sur le corpus de la langue.
En conclusion générale (chapitre VIII, pp. 607–612), Depecker souligne que les
CMT spécialisées sont entrées sur scène à un moment où les technologies évoluaient
considérablement. Elles représentaient, selon l’auteur, la seule structure pouvant
répondre à ce grand défi. Les travaux des CMT ont concrétisé l’idée même de la
terminologie. Celle-ci s’est affirmée comme discipline. La recherche dans ce domaine
a contribué à approfondir les questions de la traduction technique et scientifique.
L’aboutissement de la recherche menée par Loı̈c Depecker s’appuie sur plusieurs approches : historique, linguistique, sociolinguistique, épistomologique, philosophique. L’auteur a résumé minutieusement le parcours des CMT et l’apport des
travaux des commissions à la langue française et à la francophonie. Sa thèse représente un immense travail d’analyse et de synthèse qui sert remarquablement
l’histoire des mots, facilite la compréhension de certains phénomènes et fournit une
base de recherche dans l’espace francophone pour l’avenir.
Jitka Uvírová
Montserrat López Díaz, María Montes López (éds.) :
Perspectives fonctionnelles : emprunts, économie et
variation dans les langues. Actes du XXVIIIe Colloque de
la Société internationale de linguistique fonctionnelle. Axac,
Lugo, 2006, 544 pp.
Le recueil présente une centaine d’études qui ont été prononcées lors du XXVIIIe
Colloque de la Société de Linguistique fonctionnelle (SILF1 ). Cette grande rencontre internationale a eu lieu les 20–26 septembre 2004 à l’Université de Saint-Jacques
1 L’idée de la Société Internationale de Linguistique Fonctionnelle est née en 1974, à l’occasion
du premier colloque international de linguistique fonctionnelle organisé à Groningue par Don Graham Stuart, en accord avec André Martinet, pour faciliter des échanges réguliers entre linguistes
partageant la même conception de l’étude du fonctionnement des langues. Il a fallu attendre le
troisième colloque (à Saint-Flour) pour que soit officiellement créée la SILF en 1976.
324
de Compostelle et à Lugo en Espagne et a réuni des participants venus de vingt
pays du monde entier.
Placé sous la perspective fonctionnelle, le colloque a proposé trois thèmes-clés :
emprunts, économie et variation linguistique. Vu l’ampleur, la diversité et la richesse
des exposés prononcés, les éditeurs ont opté pour une répartition en neuf chapitres thématiques : Conférences plénières, Table ronde : Standard, sous-standard,
néo-standard : l’italien et le français, Emprunts, Économie linguistique, Variation
linguistique, Langue orale et langue écrite, Grammaire, Sémantique et Représentations. Ils ont rajouté un dernier chapitre portant sur le statut et la situation
des études de français et d’italien en Espagne (Francisco Lafarga, Université de
Barcelone, Président de l’Association des Professeurs de français des universités
espagnoles, Isabel González, Université de Saint-Jacques de Compostelle).
Les articles sont en français, en espagnol, en italien et en anglais. Au colloque,
nous avons travaillé dans les sections Économie linguistique et Variations linguistiques. Dans ce compte-rendu, nous prêterons notre attention uniquement à la
partie française.
Les conférences plénières ont été consacrées à deux personnages emblématiques
et incontournables de la linguistique du XXe siècle – à Ferdinand de Saussure (l’exposé Dimenticare Saussure? Standard linguististici tra mito, utopia e realtà funzionale de Tullio de Mauro et l’exposé Saussure au futur: Écrits retrouvés et nouvelles
réceptions de François Rastier) et à André Martinet (l’intervention chargée d’émotion, très personnelle, de Madame Jeanne Martinet – André Martinet, linguiste et
l’exposé d’Alexandre Veiga Le fonctionnement des oppositions phonologiques). Madame Martinet s’est tournée d’abord vers l’enfance savoyarde d’André Martinet,
elle a esquissé le chemin parcouru par l’enfant qui, «perché sur sa poutre, ordonnait
sur un cercle les voyelles du français » (p. 47). Elle raconte ses premiers contacts
avec les Travaux de l’École de Prague présentés au 1er Congrès international des
linguistes à La Haye en 1928, elle cite sa phrase « De 1933 à 1939, je me sentais
presque membre du Cercle linguistique de Prague », elle survole la carrière ainsi
que la production scientifique d’André Martinet, y compris son intérêt pour les
entreprises qui touchent aux problèmes de la société et « comportent sans doute
une part d’utopie » (l’alfonic, créé en 1970, baptisé d’abord GPM – Graphie phonologique Martinet, proposé comme moyen d’expression à des enfants bloqués par la
crainte de faire des fautes). André Rastier a rappelé que «le corpus saussurien s’est
accru de manuscrits et de cahiers d’étudiants qui permettent de nouvelles lectures,
philologiquement établies, de la théorie saussurienne » (p. 73). Ces écrits n’étaient
pas édités en 1956 quand Greimas a écrit L’actualité du saussurisme.2
Une table ronde animée par A. Tabouret-Keller, A.-M. Houdebine, E. Weider,
U. Vignuzzi, A. Tossi et A. Stella a étudié la notion de standard en italien et en
français.
Madame Henriette Walter a rappelé les principes fondamentaux de la linguistique fonctionnelle et l’héritage du Cercle de Prague qui, dans les années trente du
XXe siècle, a complété les principes saussuriens de base en établissant la primauté
2 Ce célèbre texte d’Algirdas-Julien Greimas est paru à l’occasion du 40e anniversaire de la
publication du Cours de linguistique générale. Greimas offre un aperçu des extensions de la
théorie saussurienne; celle-ci, dépassant les cadres de la linguistique, est reprise par l’épistémologie
générale des sciences humaines.
325
du principe de pertinence communicative révélée par la commutation. Parmi les
principes de la théorie élaborée par André Martinet (dont elle fut la collaboratrice3),
H. Walter a évoqué la double articulation du langage, la dynamique des langues, la
morphologie conçue comme l’étude des seules variantes des signifiants de monèmes.
Anne-Marie Houdebine (Université Paris 5 – René Descartes) dans sa contribution Du français convergent et de l’imaginaire linguistique. Opérativité du modèle
prête son attention sur l’ambiguı̈té de certaines notions telles que français standard, français moyen. Elle évoque son article de 1977 où elle propose de remplacer
français standard par français standardisé.
Avec Dauzat, elle lance des notions de système régulateur (qu’elle préfère à
la notion de standard) et celle de français convergent. Elle développe le terme de
l’Imaginaire linguistique qui concerne le rapport du sujet parlant à sa langue.
L’étude d’Henriette Walter (Université de Haute-Bretagne) Les emprunts lexicaux et leur devenir, fondée principalement sur le corpus réuni pour ses ouvrages4
se propose d’établir un classement des différents types d’emprunts ; pour ce faire,
H. Walter examine le parcours des lexèmes empruntés depuis la langue d’origine
jusqu’à leur aboutissement final dans la langue emprunteuse. Madame Walter distingue ainsi les xénismes, lexèmes qui ont gardé plus ou moins leur forme qu’ils
avaient dans la langue d’origine ; ceux-ci renvoient spécifiquement à des réalités
du pays ou de la région où cette langue est pratiquée (datcha, isba, vodka, bonsaı̈,
chorizo, paella, fado, vaudou). Les xénismes « naturalisés » désignent des réalités
nouvelles dans la langue d’arrivée (ghetto, guérilla, putsch). Un exemple intéressant
est celui de la douche, d’origine transalpine – empruntée à l’italien sous la forme
de doccia présentée comme une curiosoté et décrite par Montaigne à son retour
d’Italie. Parmi les emprunts purs et simples, ayant le même signifiant et le même
signifié dans la langue de départ et dans la langue emprunteuse, H. Walter cite
lavande, spray, kitsch, sieste, . . . Quant aux emprunts sémantiquement et grammaticalement modifiés, la langue emprunteuse leur ajoute de nouveaux sens ou leur
confère d’autres fonctions grammaticales (cf. jogging en français – élargissement de
sens, parking, lifting, smoking – restriction de sens). Les pseudo-emprunts n’existent pas dans la langue supposée comme langue de départ (recordman, tenisman),
toute une série de pseudo-emprunts à l’espagnol est caractérisée par l’emploi d’un
pseudo-suffixe espagnol – os : débilos, calmos, craignos, coolos. La dernière catégorie regroupe les calques, pures traductions de locutions/expressions d’une autre
langue (la loca de la casa – la folle du logis, prêt-à-porter – ready to wear ).
Les pseudo-emprunts sont observés également par Jolanta Mrozowska (Université de Gdańsk ). Son étude Formation des pseudo-emprunts et leur évolution
3 Rappelons Le dictionnaire de la prononciation française dans son usage réel, Droz, Paris,
1973 et la préface d’André Martinet du livre Le français dans tous les sens, Robert Laffont, Paris,
1988 (Grand Prix de l’Académie française).
4 Henriette Walter, Gérard Walter, Dictionnaire des mots d’origine étrangère, Larousse, Paris, 1991, 2e édition revue et augmentée, 1998, 427 pp.
Henriette Walter, L’Aventure des langues en Occident, Leur origine, leur histoire, leur géographie, Robert Laffont, Paris, 1994, 498 pp., Préface d’André Martinet.
Henriette Walter, L’Aventure des mots français venus d’ailleurs, Rober Laffont, Paris, 1997,
344 pp. (Prix Louis Pauwels).
Henriette Walter, Honni soit qui mal y pense ou l’incroyable histoire d’amour entre le français
et l’anglais, Robert Laffont, Paris, 2001, 352 pp.
326
sémantique traite uniquement les pseudo-anglicismes en tant que type le plus répandu.
Andrée Tabouret-Keller (Université Louis-Pasteur, Strasbourg) examine Les
emprunts de mots étrangers par le biais de sigles. Anne-Marie Houdebine (Université Paris 5 – René Descartes) observe des fonctions d’emprunts dans sa contribution De quelques emprunts en français contemporain et de leurs fonctions :
Dire ou leurrer ? L’exposé comparatif de Maryse Privat (Université de La Laguna)
Variation linguistique dans les proverbes français et espagnols est à mi-chemin
entre deux thèmes abordés au colloque – variation linguistique et emprunts. Les
recherches de M. Privat se centrent sur la parémiologie comparée entre l’espagnol
et le français, surtout sur la représentation de la figure féminine dans ces deux
langues. L’auteure constate que les proverbes traitant de la figure féminine sont essentiellement misogynes. Elle observe également la variation synonymique dans les
deux langues ; le corpus espagnol présente beaucoup de doublets qui atteignent des
chiffres incomparables avec leurs homologues étrangers, notamment français. La vitalité parémiologique hispanique devance donc largement son homologue français.
Les proverbes espagnols sont plus imagés, l’expressivité est plus élevée.
La notion d’économie linguistique selon André Martinet est développée par
Montserrat López Díaz (Université de Saint-Jacques de Compostelle). Elle résume
les principaux axes des ouvrages martinetiens – Économie des changements phonétiques (1955) et Éléments de linguistique générale (1960). Fluctuations grammaticales et principe d’économie sont exposés par Colette Feuillard (Université
Paris 5 – René Descartes). Son objectif est « d’examiner si le principe d’économie
appliqué à l’analyse de la dynamique phonologique est transposable au domaine de
la dynamique grammaticale, à partir de l’observation du comportement du subjonctif et de ses fluctuations en français contemporain » (p. 205). Pour examiner
le statut du subjonctif dans la langue, C. Feuillard prend en compte le point de
vue fonctionnel5 et le point de vue de Guillaume.6 La distribution, la fréquence
d’emploi et le rendement fonctionnel devraient permettre d’envisager l’élimination
du subjonctif – il est soumis à des contraintes d’utilisation. Les contraintes d’emploi
laissent néanmoins supposer l’existence de structures fermes. L’examen du système
fait apparaı̂tre deux tendances contradictoires concernant le subjonctif : l’une favorable à son maintien, l’autre à sa suppression. Les enquêtes réalisées sous la
direction de C. Feuillard par C. Lachet en 2003 ont révélé une concurrence nette
du subjonctif par l’indicatif à l’oral, la production écrite a montré un fort maintien
du subjonctif dans les contextes où il est imposé. C. Feuillard mentionne également une étude sur le français québécois portant sur l’emploi du subjonctif après
les verbes falloir et vouloir ; l’emploi est plus élevé au XXe qu’au XIXe siècle. A
remarquer que le français de l’Hexagone et le français québécois ont chacun leur
dynamique propre.
Nuria Rodríguez Pedreira (Université de Saint-Jacques de Compostelle) examine le principe d’économie appliqué aux syntagmes nominaux contenant un adjectif dénominal (L’Économie linguistique dans les adjectifs nominaux : ambiguı̈té
et créativité ) en concluant « qu’il y a donc économie syntaxique mais coût inter5 A.
6 G.
Martinet (sous la dir. de), Grammaire fonctionnelle du français, Didier, Paris, 1979.
Guillaume, Temps et Verbe, 1ère édit. 1929, Honoré Champion, Paris, 1993.
327
prétatif si le contexte n’est pas éclairant » (p. 214). Alicja Kacprzak (Université
de L
ódź ) observe L’économie linguistique dans les terminologies scientifiques. Sa
présentation démontre que la néologie des termes scientifiques met en jeu deux tendances contradictoires : d’un côté, on note une prolifération de termes à structure
développée, longs et complexes, de l’autre, un grand nombre de termes à structure
abrégée, réduite. A. Kacprzak souligne que les termes longs sont particulièrement
performants du point de vue du sens. Elle constate que dans la langue générale,
l’économie de la langue constitue un phénomène relativement homogène ; dans
les terminologies scientifiques, l’économie de sens et l’économie de forme ne sont
pas toujours solidaires. Christine Fèvre-Pernet (ERSS/Université Toulouse 2 ) se
penche sur la langue de la publicité dans sa contribution intitulée Économie linguistique et genre textuel: les catalogues de jouets en présentant le genre «catalogue»
et l’onomastique commerciale avec ses enjeux spécifiques. L’étude de Jitka Uvírová
(Université Palacký d’Olomouc) Mot-valise, mot promis pour le XXIe siècle ? se
tourne vers la créativité lexicale. Elle observe la composition d’éléments abrégés
ainsi que la production de ce type de création, en comparant ce procédé lexical
en français et en tchèque. Mohamed Maamri (Université Paris 7 – Denis Diderot )
rappelle différents types de réduction lexicale, María Isabel González Rey (Université de Saint-Jacques de Compostelle, étudie la Siglaison et les sigles : du procédé
au produit. Son article fait partie du projet de recherche intitulé « La fraseología
en la lengua y en el discurso : estudio de las expresiones fijas en el oral y en el
escrito ».
Philippe Marhic (Laboratoire Dynalang – SEM, Université Paris 5 – René Descartes) observe La Perte de sens des sigles et acronymes : un phénomène langagier
contemporain. Après un bref historique constatant une augmentation exponentielle
des sigles écrits et leur passage à l’oral, Marhic prend pour exemple la siglaison au
Ministère de l’éducation nationale (MEN), très friand des sigles et « rendant ainsi
son discours d’une opacité peu commune » (p. 240). Le non respect des sigles déjà
existants est dangereux (ainsi par exemple PAF signifiant Plan académique de
Formation peut être confondu avec Paysage Audiovisuel Français), surtout au sein
d’un même établissement (C.P.E.N. et ses différentes significations). La course à
la modification « siglique » (terme de Ph. Marhic) est comparable à l’argot qui,
lui aussi, abandonne tout terme passé dans l’usage. « Nous dirigeons-nous vers un
univers linguistique semblable à celui décrit par Orwell dans 1984 ? », se demande
Ph. Marhic.
Alexei Prikhodkine et Pascal Singy (Université de Lausanne) examinent les
Variétés locales du français et normes cachées, résultats d’une recherche menée en
Suisse romande. Ils se demandent pourquoi, dans certains cas, des variétés dépréciées, stigmatisées, dépourvues de capital symbolique, continuent à être utilisées.
Les enquêtés devaient donner des images associées à l’accent vaudois par le biais
d’une liste d’adjectifs (bon vivant, authentique, . . . ). Une question invitait les informateurs à donner leur avis au sujet du lien entre l’accent vaudois et le charme
féminin; l’accent vaudois présenterait, selon les résultats de l’enquête, davantage de
compatibilité avec le charme viril. Pascal Singy7 a présenté deux études également
7 Service de Psychiatrie de Liaison, Centre Hospitalier Universitaire Vaudois – CHUV. Il mène
des recherches sur la communication médecin – patient. Auteur de L’image du français en Suisse
328
dans la section « Représentations » : Approche sémiologique de la formulation des
questions dans le colloque singulier et Imaginaire linguistique au sein d’un réseau
de soins psychiatriques : variations des normes subjectives, en tant que co-auteur
avec Manuel Schaffer et Patrice Guex. Le réseau de soins médicaux lausannois
constitué en association depuis 1999, a mandaté une équipe de chercheurs pluridisciplinaire, comptant parmi ses rangs des sociolinguistes, pour décrire et favoriser
le fonctionnement de la filière psychiatrique. L’équipe a décidé de centrer l’analyse
sur le niveau épilinguistique.
Alice Richebon (École doctorale de la Sorbonne) rapporte les résultats d’une
enquête sociolinguistique menée auprès de jeunes de banlieue, ciblée sur le sentiment d’insécurité linguistique et différenciation sexuée. Les filles sembleraient,
selon ses recherches, plus enclines au sentiment d’insécurité linguistique. Coralie
Thuilliez (Université Paris 5 – René Descartes) examine les variations non standard en français parlé (L’homme que je t’ai parlé ). L’étude de Françoise Mougeon
(Université York, Toronto) s’occupe de la dernière génération de francophones à
Frenchville en Pennsylvanie dont les habitants descendent de colons arrivés de la
Haute-Marne, Haute-Saône et du Haut-Rhin entre 1830 et 1870. La contribution
de Milena Srpová (Université Paris 3 – Sorbonne Nouvelle) porte sur l’analyse
du traitement linguistique de la variété cognitivo-référentielle dans la traduction
et sur le cadre interprétatif d’une telle analyse ; elle souligne la double dimension
cognitivo-référentielle : celle de la culture de départ et celle de la culture d’arrivée,
ouvrant une voie au « passage de la compétence passive à la compétence active »
lors de l’apprentissage d’une langue étrangère.
Olga Gavrilova et Liliya Morozova (Université linguistique d’État de Minsk )
présentent dans leur étude – L’Intonation et l’expressivité du discours oral les
résultats d’une recherche réalisée à partir d’un corpus constitué par des textes
écrits des degrés d’expressivité différents. Lydia Condrea (Washigton Academy of
Languages, Seattle) analyse la présence de l’anacrouse dans les chansons traditionnelles françaises et anglaises. Son corpus consistait en 50 chansons françaises et 50
chansons anglaises. La longueur des unités linguistiques aux différents niveaux et
la distribution des accents peuvent être liées à la présence ou à l’absence de l’anacrouse. François-Xavier Nève (Université de Liège) tente de caractériser L’anglais
de ceux qui ne le parlent pas. Pour introduire sa communication au colloque, il a fait
prononcer M. Steve Tsutomu Akamatsu, installé depuis un bon moment à Leeds
en Angleterre, le même texte avec trois accents différents (BBC English, l’anglais
des Indiens cultivés, l’anglais des Indiens parlant avec un fort accent « indien »). A
noter l’ambiance plus qu’hilarante dans la salle à l’issu de cette démonstration. La
contribution porte sur l’anglais « international » que pratiquent souvent les étrangers. L’anglais de ceux qui ne le parlent pas (ou qui ne le parlent pas bien) présente
ordinairement des caractéristiques communes à la plupart d’entre eux, même s’ils
ont des langues d’origine très différentes. Jorge Morais Barbosa (Université de Coimbra) se penche sur Le sens des soi-disant expressions figées dans le cadre de la
linguistique fonctionnelle. Jackie Schön (Laboratoire Jacques Lordat, Université de
Toulouse – Le Mirail ) examine les diverses manières dont l’opposition indicatrice de
sexe se réalise linguistiquement. Erich Weider (Haute École Valaisanne/Hochschule
romande, L’Harmattan, 1996.
329
Wallis) se demande si la Suisse risque d’être entraı̂née dans une aventure suicidaire
(SWISSidaire), à un abandon des langues suisses au profit d’un idigestible SWISS
gibberish8 , appelé maintenant de plus en plus SWINGLISH ou SWISSGLISH. Il
prétend que c’est la Suisse alémanique qui est à l’origine du « mal ». En Romandie, on dit encore boire et conduire, pour les automobilistes germanophones, c’est
drink and drive. La Suisse, longtemps un exemple remarquable de gestion du pluriliguisme, adopte de plus en plus aisément l’anglais. Weider va jusqu’à parler de
suisside et de suissite aiguë. Avec Claude Hagège9, il est d’accord qu’en matière
de langues, « La vigilance s’impose faute de quoi toutes sont menacées, y compris le français. » Il parle du devoir du linguiste et présente une association qui
veut défendre le français (http://www.defensedufrancais.ch). Comme le constate
F. Mougeon dans la discussion – « Votre mouvement de défense de la langue prend
l’offensive ». En réponse, Weider admet que « la politique linguistique du Québec
est à nos yeux plutôt exemplaire, mais elle serait malheureusement difficilement
applicable en Suisse » (p. 525).
Lioudmila G. Vedenina (Université de Moscou) dresse un tableau comparatif
des contes en France, au Canada et en Russie en cherchant des traits communs
ainsi que les particularités nationales qui les distinguent. Linda Essiambre (Université du Québec à Rimouski), Max Reinert (Université de Versailles), Pauline
Côté (UQAR) et Nicole Chevalier (UQAM ) offrent Une analyse de corpus avec
ALCESTE. Le logiciel ALCESTE devrait dégager les différentes fractures dans la
distribution des mots. Les auteurs envisagent une nouvelle approche à caractère
créatif qui mettrait en parallèle l’apprentissage du français et de la musique. De
nombreuses similitudes entre le langage et la musique ont été relevées. Les auteurs rappellent le lien frappant entre la théorie de Chomsky et celle du musicologue Schenker.10 L’objectif d’ALCESTE est de quantifier un texte pour en extraire
les structures signifiantes les plus fortes, d’en dégager l’information essentielle. La
méthode procède par fractionnements successifs du texte. ALCESTE ne tient pas
compte de la syntaxe mais des mots pleins, il travaille « en dessous » de la signification.
Les actes démontrent l’ampleur de la problématique traitée au colloque. Ils rapportent le déroulement de la discussion, développant, complétant et précisant les
exposés (transcription des questions et réactions de la salle/réponses des intervenants). Un seul fait serait peut-être à déplorer : les résumés, pourtant demandés
pour la sélection des exposés, ne font pas partie des actes. Leur insertion aurait
facilité la lecture de ce recueil représentatif.
Jitka Uvírová
8 Le
mot apparaı̂t en anglais au XVIe siècle, voir Chantrel, Glynnis, The Oxford Dictionnary
of Word Histories, Oxford University Press, Oxford, 2002, p. 231. Basé sur « gibber », « jabber » ?
Dérivé du nom de l’alchymiste Jabir ibn Hayyan (connu également sous la forme latinisée de
son nom Geber) ? Chimiste et alchimiste d’origine perse et arabe, né autour de 721. Ses travaux
étaient délibérément écrits suivant un code ésotérique – de manière à ce que seuls ceux ayant été
initiés dans son code d’alchimie puissent les comprendre. On pourrait traduire le mot en français
par charabia, jargon. Source : http://fr.wikipedia.org/wiki/Jabir Ibn Hayyan.
9 Halte à la mort des langues, Odile Jacob, Paris, 2000, Poches Odile Jacob, Paris, 2002.
10 H. Schenker, Der Freie Satz (traduction de E. Oster, 1979), Longman, New York, 1935.
330
Pierre Brunel : Voix autres, voix hautes. Onze romans de
femmes au XXe siècle. Paris, Klincksieck, 2002, 221 pp.
Pierre Brunel, professeur de littérature comparée à la Sorbonne et membre
de l’Institut universitaire de France, est connu par des générations d’étudiants,
enseignants et chercheurs en littérature, surtout pour être l’auteur principal des
deux tomes de l’Histoire de la littérature française (Bordas, 1972, pour la première
édition). Il est aussi l’auteur de nombreux essais et ouvrages sur le roman et la littérature moderne dont notamment Transparences du roman. Le romancier et ses
doubles au XXe siècle. (José Corti, 1997), Glissement du roman français au XXe
siècle (Klincksieck, 2001) ou bien Où va la littérature française d’aujourd’hui ?
(Vuibert, 2002). Le présent ouvrage Voix autres, voix hautes s’inscrit dans le rang
des études précédentes, comme dans le Glissement. . . , l’auteur tâche de montrer
quels grands personnages d’écrivains ont marqué le XXe siècle, cette fois-ci avec
un choix d’auteurs particulièrement motivé. Déjà le titre lui-même reflète la spécificité de l’ouvrage en comparaison avec les volumes précédents. C’est qu’il sera
question uniquement d’auteurs féminins. Dans son introduction Pierre Brunel cite
André Gide qui prétendait lire l’œuvre d’Anna de Noailles « à voix basse ». Par
contre Brunel affirme que les romans de femmes méritent une telle attention qu’ils
doivent être lus « à voix haute ». L’auteur présente les œuvres de onze femmes
écrivains qui ont d’après lui marqué les étapes importantes de l’évolution de la
littérature française du XXe siècle. Pour illustrer la situation du roman du côté des
prix littéraires et aussi pour compléter son choix d’auteurs personnel, subjectif et
forcément limité, il donne la liste de toutes les œuvres primées depuis 1904, du roman La Conquête de Jérusalem de Myriam Harry au Rosie Carpe de Marie Ndiaye
en 2001. L’écriture des femmes écrivains ne se montre pas, d’après Pierre Brunel,
tellement différente et « autre » de celle des auteurs masculins, si ce n’est que les
femmes osent, le temps allant, évoquer leur sexualité « à voix haute ».
L’ouvrage se compose de trois grandes parties, la première, intitulée « Les trois
Colette », étudie le roman Le Visage émerveillé de la comtesse Anna de Noailles
(1904), les œuvres Marie Claire et L’Atelier de Marie Claire de Marguerite Audoux
(1910, 1920) et le fameux Le Blé en herbe de Colette (1923). La deuxième partie
portant le titre « Des Mandarins au Samouraı̈ » rassemble des refléxions sur cinq
auteurs et leurs œuvres. Il s’agit de Nathalie Sarraute (Portrait d’un inconnu, 1948),
Marguerite Yourcenar (Mémoires d’Hadrien, 1951), Béatrix Beck (Léon Morin,
prêtre, 1952), Françoise Sagan (Un certain sourire, 1956) et Marguerite Duras (Le
Ravissement de Lol V. Stein, 1964). Dans la dernière partie sous le titre « La boı̂te
de Pandore » l’auteur met en exergue les romans La Maestra de Vénus Khoury-Ghata (1996), Truismes de Marie Darrieussecq (1996) et déjà cité ci-dessus Rosie
Carpe de Marie Ndiaye (2001).
Pour présenter chaque écrivain, l’auteur se concentre sur la genèse du texte
analysé, le situe dans le contexte de l’ensemble de l’œuvre de l’écrivain, rappelle la
réaction de la société critique après sa parution ainsi que les échanges d’opinions
entre auteurs elles-mêmes sur leurs œuvres à chacune. Ensuite, il tâche de relever
certains motifs ou caractéristiques importantes pour l’œuvre en question. Si chez
les trois premières femmes écrivains Brunel voit des éléments communs comme par
331
exemple celui du retour du motif du regard, des yeux bleus ou tout simplement de
la couleur bleue si marquants au commencement du XXe siècle, dans le deuxième
groupe de romancières il souligne plutôt les caractéristiques spécifiques propres
à chaque auteur, la troisième partie de nouveau accentue le courage commun des
femmes écrivains à rompre avec les tabous de la société contemporaine qui se reflète
dans le développement des motifs de l’érotisme.
Il est regrettable que le volume en question ne possède aucun index des noms, ce
qui le rend plus difficilement accessible au lecteur, ni la bibliographie recommandée,
il n’y a que quelques notes explicatives à la fin de chaque chapitre. L’information
donnée par Pierre Brunel est dans sa diversité si abondante (une multiplicité de
thèmes et allusions purement littéraires ou largement interculturelles entremêlées,
un grand nombre de noms de gens connus pour l’époque étudiée, une diversité de
regards) et à la fois fragmentaire, qu’il est parfois difficile de la cerner dans sa
totalité, ce qui rend l’ouvrage en question certainement bien difficile pour un large
public intéressé par la littérature française et le destine uniquement aux chercheurs
qui ont déjà des connaissances solides de la situation autant politique que culturelle
de l’époque où le roman concerné a été mis au monde. A cette condition-là, l’étude
du professeur Pierre Brunel doit incontestablement enrichir chaque lecteur avide de
nouvelles connaissances dans le domaine du roman français du vingtième siècle ainsi
que lui apporter des lectures originales détaillées de différentes œuvres concrètes.
Marie Voždová
Jacques Lorcey : L’homme de chez Maxim’s. Georges
Feydeau, sa vie. Du mariage au divorce. Georges Feydeau,
son œuvre. Anglet, Atlantice-Séguier, 2004, tome I, 291 pp.,
tome II, 244 pp.
Georges Feydeau, le grand maı̂tre du vaudeville et dramaturge dont les pièces
ont toujours rempli (et ne cessent aujourd’hui encore de remplir) les salles des
théâtres mondiaux, ne figure pas très souvent comme l’objet d’études littéraires
et théâtrales sérieuses. Ce sont surtout la préface de Marcel Achard au premier
tome du Théâtre complet de Georges Feydeau (1948, Éditions du Bélier), Georges
Feydeau, première biographie mondiale écrite par Jacques Lorcey (1972, Éditions
de La Table Ronde) et l’ouvrage analytique Le théâtre de Georges Feydeau (1979,
Klincksieck) de Henry Gidel suivi de la biographie Feydeau de ce dernier (1991,
Flammarion), qui comptent parmi les travaux les plus importants. Jacques Lorcey, comédien, metteur en scène et historien du théâtre français, l’auteur entre
autres des biographies de Marcel Achard, Sarah Bernhardt, Sacha Guitry, Edmond
Rostand ou de Jean Vilar, refond dans le présent travail, à la demande de son
éditeur de la maison d’éditions Séguier, ses recherches d’autrefois, s’appuyant sur
de nombreux documents récemment découverts et inconnus, il y a vingt ans.
L’ouvrage se compose de deux tomes et il est préfacé par Michel Archimbaud.
Le premier tome L’homme de chez Maxim’s. Georges Feydeau, sa vie. retrace le
332
portrait de Georges Feydeau l’homme et l’auteur. Jacques Lorcey à l’aide d’une
solide documentation historique d’abord descend aux origines de la famille des
Feydeau jusqu’au Hugues de Feydeau, « damoiseau, seigneur et baron de Néoux »
(leur ancêtre du commencement du XIVe siècle). Il instruit le lecteur sur l’histoire
de la famille et sur Ernest Feydeau, écrivain et père de Georges Feydeau. Lorcey
peint le tableau non seulement de la vie de famille des Feydeau mais aussi de leurs
amis intimes comme Gautier ou Flaubert et autres gens importants de l’époque.
La vie de Georges Feydeau est racontée en liaison étroite avec la création et les
représentations de ses pièces, de ses premiers succès et années de mariage jusqu
à sa séparation et son séjour de long terme à l’hotel Terminus, sa maladie et son
départ.
Le deuxième tome Du mariage au divorce. Georges Feydeau, son oeuvre. se
compose de deux chapitres et de huit annexes. Il est ciblé sur l’œuvre théâtrale de
Georges Feydeau. Dans le premier chapitre, intitulé « Un humour sans réplique »
l’auteur tâche de donner la caractéristique de l’humour feydeauien et insiste sur le
côté ironique voire absurde de celui-ci. Suit une vingtaine de pages des répliques comiques chères à l’auteur, un parcours à travers toute la dramaturgie feydeauienne,
organisé en plusieurs groupes d’après les motifs-clefs. Dans le deuxième chapitre
« Le roi de la Belle-Époque », l’auteur essaie d’abord de présenter la personnalité
du grand dramaturge. Analysant la documentation historique, il met en question
toutes les « vérités absolues » dites, écrites et répétées sur l’auteur, mais jamais
objectivement prouvées : il n’existe aucune preuve ni de ses conquêtes amoureuses, ni de sa passion dite fatale pour le jeu, ni autant de son homosexualité. Les
rares lettres et souvenirs ne montrent qu’un grand admirateur et collectionneur
de peinture, sinon un homme fatigué, mélancolique, résigné et affectivement indifférent. « Cet étrange et grand bonhomme, dont l’œuvre parle constamment de
ce qu’il n’a peut-être jamais connu : le véritable amour », comme l’écrit l’auteur.
Dans la suite de son œuvre, Lorcey met en exergue la période feydeauienne de la
Belle Époque, relève les circonstances historiques et consacre une partie fort intéressante à la situation difficile de la femme dans la société de l’époque. Il dévoile
aussi d’autres aspects inquiétants de l’âge idyllique comme l’augmentation de l’alcoolisme ou la destruction de la cellule familiale. Même si, d’après lui, le théâtre
comique ne permet à Feydeau de refléter la situation historique de l’époque dans
sa complexité, il montre bien « un panorama assez complet des différentes classes
sociales. »
De nombreuses annexes enrichissantes documentent la portée des recherches
interdisciplinaires de Jacques Lorcey. Parmi les plus intéressants documents appartiennent La mort du vaudeville et du mélodrame, texte feydeauien jusqu’à maintenant inédit datant du 1905, dans lequel Georges Feydeau polémise avec ses
adversaires sur le futur du genre, ainsi que l’extrait du carnet de poche de Feydeau, où il « notait idées, réflexions ou observations plaisantes, dans l’espoir de les
utiliser ensuite ». Suivent la filmographie française des pièces feydeauiennes, leurs
reprises les plus importantes, la bibliographie complète commentée, une centaine
de pages des sujets détaillés de toutes les œuvres feydeauiennes y compris les monologues moins connus et enfin la présentation des interprètes célèbres des rôles les
plus importants du théâtre de Georges Feydeau. L’ouvrage se renferme par l’index
des œuvres citées dans les deux tomes.
333
De documentation rigoureuse, le livre apporte de nouvelles informations, dévoile
des témoignages inconnus, ne se contente pas des faits largement admis mais jamais
sérieusement vérifiés, essaie de bouleverser les clichés pseudohistoriques, mené par
le seul souci de clarté et d’objectivité le plus grand possible. A part la rigueur
scientifique, l’œuvre témoigne de la vive sympathie de l’auteur pour le personnage
de Georges Feydeau si mystérieux, compliqué et incompris par son entourrage, de
quelqu’un qui donnait aux autres le cadeau de la joie et du rire et qui pourtant en
réalité vivait dans l’isolement et la tristesse absolus.
Tout en appréciant le travail exhausif et minutieux de l’auteur, il nous faut
quand même constater que c’est bien l’historien, le chercheur et documentariste qui
nous parle à travers le livre, alors que le lecteur avide d’analyses approfondies du
théâtre de Georges Feydeau reste quelque peu sur sa faim. Néanmoins, le présent
travail de Jacques Lorcey, comme ses autres volumes, intéressera assurément les
chercheurs, étudiants, historiens, théoriciens ou amateurs du théâtre français et
s’imposera pour longtemps (nous allions même dire pour toujours !) comme la
source unique de l’histoire de la vie et de l’œuvre de Georges Feydeau.
Marie Voždová
Magali Boursier, Morgan Batoz (éds.) : Études françaises
en Slovaquie, Volume X, Bratislava, Institut français de
Bratislava, 2005, 164 pp.
Le dixième volume de la série philologique à parution plus au moins régulière
des Études françaises en Slovaquie se veut monothématique. Il représente les actes
du colloque international d’études françaises portant le titre La littérature et la
langue françaises à l’aube du XXIe siècle, tenu à la Faculté des lettres de l’Université de Prešov en octobre 2005. L’ouvrage comporte au total treize contributions
(parmi elles une bilingue français/slovaque) dont les auteurs sont des chercheurs
en philologie et philosophie, de même que les représentants des institutions culturelles de Slovaquie, France et République tchèque. Les différents articles abordent
une variété de thèmes de recherche contemporains liés par un élément commun de
modernité et d’actualité.
Les plus nombreuses se font les études littérairaires où la plupart des auteurs
examinent l’œuvre d’un écrivain contemporain sous différents points de vue critiques « postmodernes ». Zuzana Malinovská-Šalamonová (Université de Prešov,
Prešov) s’interroge sur la littérature en tant que sujet et à la fois objet de narration
et illustre ses réflexions sur l’exemple du roman houellebecquien Plateforme. Sylviane Coyault (Université Blaise Pascal, Clermont-Ferrand) met en exergue le rôle
constitutif des métaphores du mouvement et du rythme dans l’écriture échenozienne. D’après elle, les descriptions dynamiques liées à l’usage ludique de la vitesse
ainsi que leurs antipodes tels que le vide et l’absence d’action et de mouvement,
y incarnent la double face de la vie moderne. Eva Beránková (Université Charles,
334
Prague) situe l’œuvre de Sylvie Germain à l’opposé des caractéristiques couramment attribuées à la prose contemporaine. Elle présente les deux premiers romans
de l’auteur comme de longues fresques historiques bâties sur les procédés romanesques classiques. Montrant le rôle des personnages multiples, du narrateur omniscient, des trois niveaux temporels (linéaire, mythique, intemporel), elle qualifie les
romans germainiens de « mythologiques ». A son tour, Ján Drengubiak (Université
de Prešov, Prešov) s’attache à analyser la triple présence du motif du labyrinthe
dans le roman Ma vie parmi les ombres de Richard Millet matérialisé par des lieux
de rencontre du passé et des morts. Kateřina Drsková (Université de Bohême du
Sud, České Budějovice) se concentre sur les traductions tchèques des romans Le
voyage au bout de la nuit et Mort à crédit de Louis-Ferdinand Céline. Elle compare
les textes traduits dans les années trente du vingtième siècle par Ladislav Zaorálek
aux traductions plus actuelles d’Anna Kareninová. Enfin, Andrea Tureková (Université Comenius, Bratislava) relève l’approche novatrice des motifs de la passion
et de la vertu de Robert Challe, l’auteur du 18e siècle, dans Les Illustres, œuvre
connue à l’époque, puis oubliée et redécouverte à la moitié du XXe siècle.
Les auteurs des quelques études à visée linguistique s‘attachent à mettre en perspective les questions de la recherche actuelle sur la langue. Ainsi, Karel Sekvent
(Université de Prešov, Prešov) fait le bilan des différentes approches théoriques
récentes et actuelles sur l’étude de la métaphore et de ses types. Puis Katarína
Chovancová (Université Matej Bél, Banská Bystrica) dans son étude originale accompagnée de nombreux exemples, analyse du point de vue de la ponctuation le
phénomène actuel du discours spontané du chat. Elle montre comment, situé à
mi-chemin entre l’oral et l’écrit, le dialogue du chat relève l’absence des signes
couramment utilisés à l’écrit (autant au niveau du mot que de la phrase) et au
contraire déborde par des signes exprimant l’expressivité. L’article de Ondřej Pešek (Université de Bohême du Sud, České Budějovice) est consacré à la définition
et au fonctionnement des unités textuelles de « connecteurs » en langue tchèque et
en français.
Le troisième groupe d’études porte sur les aspects culturels et sociaux de la civilisation moderne. Katarína Kupčihová (Université de Prešov, Prešov) consacre son
article rétrospectif à l’histoire de l’enseignement du français à l’Université de Prešov. Elle décrit les étapes parfois difficiles de celui-ci ainsi que son état actuel, et en
donne une vision pour le futur. Agnesa Fanová (Université Comenius, Bratislava)
raconte dans une perspective intercurturelle franco-slovaque, les moments importants où l’histoire rapproche les deux pays. Nathalie Roussarie (Association Jan
Hus, Paris) dans sa contribution rappelle l’histoire de la fondation de l’Association
Jan Hus et les objectifs de son existence. De même elle rend hommage à Jacques
Derrida, l’un de ses fondateurs récemment décédé. Pour conclure le volume, Gérard Wormser (Association Jan Hus, Paris), s’appuyant sur de nombreux articles,
examine l’activité sartrienne dans les premiers numéros des Temps modernes ainsi
que la genèse de sa Morale.
Même si le niveau de contributions diffère, si quelques interventions s’éloignent
du thème central et malgré quelques imperfections du registre formel, surtout l’utilisation confuse des notes bibliographiques, la présence irrégulière de bibliographie
finale pour chacun des articles, ainsi que la négligence de la face graphique par certains auteurs, ce beau volume collectif fait dans son ensemble honneur au groupe
335
des participants du colloque international à Prešov et enrichit la série éditoriale
des Études françaises en Slovaquie.
Marie Voždová
Patrice Pavis : Dictionnaire du théâtre [Divadelní slovník],
Divadelní ústav, Praha, 2003, 493 pp. (Traduction de
Daniela Jobertová)
Patrice Pavis, professeur d’études théâtrales à l’Université Paris VIII, compte
parmi les plus importants théoriciens du théâtre actuels. Ses ouvrages tels que
Problèmes de sémiologie théâtrale (Montréal, Presses de l’Université du Québec,
1976), Voix et images de la scène. Vers une sémiologie de réception (Lille, Presses
universitaires de Lille, 1985), Marivaux à l’épreuve de la scène (Paris, publications
de la Sorbonne, 1986), Le théâtre au croisement des cultures (Paris, Corti, 1990) ou
L’Analyse des spectacles (Paris, Nathan, 1996) portent sur la théorie dramatique
et la mise en scène contemporaines ainsi que sur l’analyse et l’interprétation du
texte dramatique.
Le présent Dictionnaire du théâtre a connu jusqu’à maintenant trois éditions (en
1980, 1987 et 1996) et il a été traduit en une dizaine de langues. La dernière édition,
entièrement refondue, corrigée et augmentée par l’auteur, avec la préface d’Anne
Ubersfeld, spécialiste du théâtre mondialement reconnue, a été publiée à Paris chez
Dunod en 1996, puis de nouveau en 2002 chez Armand Colin. La version tchèque
du livre, réalisée par Daniela Jobertová et publiée par Divadelní ústav (Institut du
théâtre) à Prague avec l’aide du ministère français de la Culture et en particulier
du Centre national du livre, élargit à son tour le nombre des traductions de ce
dictionnaire original et important. L’auteur lui-même a honoré cette édition tchèque
par un Avant-propos spécial. Il s’y souvient de ses voyages pragois, de ses relations
avec des amis du Cercle linguistique de Prague, notamment Miroslav Procházka,
beau-fils du théoricien Felix Vodička, dont la maison servait de lieu de rencontre
aux sémioticiens, et exprime la joie que son dictionnaire paraı̂tra en langue tchèque,
« langue d’Otakar Zich, Jiří Veltruský, Felix Vodička, Jan Mukařovský et Miroslav
Procházka ».
Dans sa préface, Anne Ubersfeld rappelle que le Dictionnaire. . . représente le
résultat de vingt années de recherche de son auteur dans le domaine du théâtre
et qu’il offre un grand nombre d’articles dans leur contexte actuel ainsi qu’en
leur situation historique et en leurs spécificités éventuelles dans les différentes
théâtrologies nationales. D’après Ubersfeld, le Dictionnaire. . . montre des problèmes « d’une pratique double, à la fois littéraire et artistique, éternellement inscrite
entre les pages d’un livre, mais aussi vivante, provisoire, fugace sur une scène.» Elle
souligne que Patrice Pavis est familiarisé avec les domaines de recherche français,
anglo-saxon, allemand ou slave et reflète ainsi dans son œuvre les théories américaines et européennes.
336
L’auteur lui-même, à son tour, explique que ce nouveau texte basé sur la tradition théâtrale occidentale « tient compte des innovations des années quatre-vingt-dix et de la dimension interartistique, interculturelle et intermédiatique du théâtre
d’aujourd’hui. » Son but était d’éclaircir des termes critiques embrouillés, qu’il
s’agisse de notions qui traversent les époques ou de celles qui ne sont liées qu’à
un moment historique donné, et de montrer le vaste phénomène du théâtre dans
son évolution. Dans l’index thématique qui suit, l’auteur regroupe les termes recensés dans huit catégories : la dramaturgie, le texte et le discours, l’acteur et le
personnage, les genres et les formes, la mise en scène, les principes structuraux et
les questions d’esthétique, la réception du spectacle et enfin la sémiologie.
Les différents articles du dictionnaire encyclopédique en question sont rangés
par ordre alphabétique. L’auteur donne pour tous les termes français leurs équivalents en anglais, en allemand et en espagnol et l’édition tchèque y ajoute en premier
lieu l’expression tchèque. Chaque entrée se compose d’abord de la définition générale du terme, puis de son illustration à l’aide des exemples des textes dramatiques
de diverses époques, nationalités ou esthétiques, de son évolution historique et de
ses interprétations critiques différentes. Viennent toujours, à la fin des entrées, de
nombreux renvois aux autres termes proches ainsi que le choix de la bibliographie
spécifique concernant le terme en question. Le livre se referme par une importante
bibliographie comptant plus de mille ouvrages critiques recommandés et par l’index
des noms propres.
Les informations données dans les nombreuses entrées dans la partie du dictionnaire traité avec un souci de clarté, la riche bibliographie finale qui ouvre et propose
d’enrichir des pistes de recherche dans le domaine du texte et de la représentation
de théâtre, ne sont que quelques aspects positifs du présent volume. Patrice Pavis a créé avec son Dictionnaire du théâtre un ouvrage qui se fera nécessaire et
indispensable à tout étudiant, théoricien ou praticien du théâtre et qui enrichira
chaque lecteur avide de connaissances des notions critiques souvent couramment
rencontrées dans le domaine de l’art. D’une disposition graphique claire, limpide
et agréable, l’ouvrage s’imposera pour longtemps comme un manuel théâtrologique
de base. Pour conclure, il ne nous reste qu’à féliciter l’auteur pour son travail
magnifique et précieux de même que la traductrice pour sa traduction précise réussie, fidèle à l’original dans la mésure du possible et à la fois adaptée aux lecteurs
tchèques.
Marie Voždová
Jérôme Wannepain : Francophonie et diversité linguistique,
Opera romanica 7. České Budějovice, Jihočeská univerzita,
2005, 272 pp.
En mars 2005, durant trois jours, se sont réunis à České Budějovice, à l’occasion
de la journée internationale de la francophonie, une trentaine de chercheurs, diplomates et enseignants francophones de la République tchèque, de la Slovaquie, de la
337
France, de la Belgique, de la Pologne, de la Hongrie, de la Bulgarie et de la Roumanie. Outre l’opportunité de la date, deux thèmes très vastes les ont rassemblés :
la francophonie et la diversité linguistique. Ces deux thèmes sont en vérité deux
réalités qui révèlent dans leur confrontation que l’identité de la francophonie ne
peut et ne doit se fonder que sur sa diversité.
De ces deux thèmes se sont dégagés trois ensembles de problèmes qui correspondent à la division des Actes de la conférence. Le premier qui s’intitule « Langue et
civilisation» interroge les possibilités de promotion de la langue française en Europe
et dresse un bilan de la place qu’occupe aujourd’hui le français en Europe, notamment dans le domaine de l’enseignement. Parmi les articles les plus intéressants de
cette partie, on peut citer les contributions de Sandra-Maria Ardeleanu (Université
de Suceava) Le rôle du français dans le renforcement du plurilinguisme européen,
Jaromír Kadlec (Université Palacký d’Olomouc) La francophonie monégasque et
Jean-Pierre Goudaillier (Université René Descartes, Paris V) De la loi Bas-Lauriol
au rapport Benisti : 30 ans de législation linguistique (1975–2005).
Le second ensemble intitulé «Langue et linguistique» essaie d’une part de définir
et de promouvoir une recherche linguistique francophone en Europe et d’autre
part présente un certain nombre de résultats de cette recherche entre autres au
Québec, en France et en Pologne en se tournant également vers la traductologie.
Parmi les communications présentées, on peut mentionner celles de Jitka Uvírová
(Université Palacký d’Olomouc) Le souffle de la néologie en France et au Québec,
Amr Helmy Ibrahim (Université de Franche-Comté, Besançon) Quelle recherche
fondamentale en linguistique pour la promotion de la francophonie en Europe et
Jacqueline Guillemin-Flescher (Université Denis Diderot, Paris VII) Traduction et
diversité des langues.
Enfin, le troisième ensemble « Langue et littérature » présente plusieurs auteurs
et ouvrages francophones et insiste sur la problématique de la diversité des littératures francophones. Le problème posé y est celui de l’identité de la littérature,
identité dans la diversité. Les articles orientés vers la littérature sont représentés
dans les Actes entre autres par ceux de Renie Yotova (Université St. Kliment Ohridski de Sofia) La mise en scène de l’incommunicabilité dans L’impératif présent de
Michel Tremblay, Zined Ali-Benali (Université de Vincennes, Paris VIII) La langue du cheval de Troie sur la côte sudique de la Méditerranée et Gabriella Tegyey
(Université de Veszprém) La réécriture des genres, trois récits d’Anne Hébert.
Les Actes de la conférence Francophonie et diversité linguistique prouvent la
réussite de l’événement et son niveau élevé et démontrent l’utilité de ces rencontres
scientifiques qui permettent de reconstruire et de reformuler la francophonie dans
le nouveau contexte géopolitique installé avec le troisième millénaire.
Jana Doležalová
338
Javier Suso López – Rodrigo López Carillo : Le français
face aux défits actuels. Histoire, langue et culture.
Grenade, APFUE – GILEC Universidad de Granada, 2004,
2 volumes, 850 et 788 pp.
L’ouvrage est constitué par les travaux (conférences, tables-rondes, communications) effectués lors du VIe Congrès International de Linguistique Française qui
s’est tenu du 4 au 6 novembre 2004 dans les locaux de l’Université de Grenade.
Le sujet du congrès, Le français face aux défits actuels : histoire, langue, culture,
souligne l’interdépendance de la langue et des représentations socioculturelles, le
poids de l’histoire dans la constitution de celles-ci (de la langue et de la culture)
et, en troisième lieu, le fait que le français et la culture que la langue véhicule sont
confrontés à un double enjeu : les nouvelles technologies et la globalisation.
Les chercheurs de 50 universités et de 13 pays différents, dont Madagascar, la
République Yakoute (qui fait partie de la Fédération Russe), la Turquie, la Lettonie,
la République Tchèque ont partagé leurs travaux, leurs réflexions, mais aussi leurs
difficultés et leurs expériences.
Les communications sont regroupées autour de plusieurs axes de réflexion. Les
nombreuses interventions ont obligé les éditeurs à répartir ces domaines de travail
en deux volumes. Le premier volume regroupe les conférences de Bernard Cerquiglini, Délégué général à la langue française et aux langues de France, de Claude
Hagège, professeur au Collège de France, et de Daniel Blampain, professeur à l’Institut supérieur de traducteurs et interprètes de Bruxelles, les tables rondes, orientées vers la traduction espagnol-français, français-espagnol, grammaire comparée
espagnol-français, français-espagnol et l’enseignement du français langue étrangère
et les nouvelles technologies, et les domaines suivants : théorie linguistique, histoire de la langue française, phonétique et phonologie, morphologie et syntaxe,
pragmatique et analyse du discours. Le deuxième volume comprend les domaines
suivants: lexicologie, lexicographie et sémantique, dialectologie et sociolinguistique,
traduction, méthodologie de l’enseignement du français langue étrangère, linguistique computationnelle et informatique. La République tchèque est représentée par
les contributions de Jaromír Kadlec (À propos de la norme linguistique du français
québécois, volume II, section Dialectologie et sociolinguistique, p. 189–194) et de
Slavomíra Ježková (Les relations entre le français et le tchèque, volume I, section
Histoire de la langue française, p. 195–200).
Les Actes intitulés Le français face aux défits actuels : histoire, langue, culture
manifestent le développement de la recherche en linguistique française en Espagne,
puisque trente universités espagnoles y sont représentées ainsi que la richesse des
travaux réalisés lors du VIe Congrès International de Linguistique Française.
Jana Doležalová
339
Marie Voždová, Slavomír Míča (éds.) : Romanica
Olomucensia XVII, Université d’été Langue(s) et
langages, Philologica 90. UP, Olomouc, 2006, 221 pp.
A l’occasion de l’organisation de la XVe Université d’été de la Fondation Jan
Hus de Brno et de Bratislava et de l’Association de Jan Hus de Paris, le département
des études romanes de la Faculté des Lettres de l’Université Palacký à Olomouc,
a édité, sous la direction de Marie Voždová et de Slavomír Míča, le présent recueil
Romanica Olomucensia XVII, Actes de la XVe Université d’été de l’Association
Jan Hus. L’Université d’été, qui a été de nouveau un lieu d’échanges interdisciplinaires (communications littéraires, philosophiques, historiques et aussi politiques)
a rassemblé des professeurs, chercheurs, doctorants et étudiants tchèques, slovaques et français autour de conférences et d’ateliers thématiques dans les locaux
historiques de l’ancien couvent des jésuites d’Olomouc. Ce colloque international
qui avait pour thème « Langue(s) et langages », s’est déroulé du 6 au 8 juillet 2006.
Ainsi, la publication de ce recueil est le résultat de l’effort considérable déployé
par les organisateurs de la dernière Université d’été et démontre l’utilité des rencontres autour des problématiques posées par tous les participants. Ce recueil est
découpé en trois parties dont la seconde est essentielle. Après l’avant-propos de
Marie Voždová, dans le Prologue, Milan Jelínek, professeur et recteur émérite de
l’Université Masaryk de Brno, rappelle les années du régime totalitaire restauré
après le « Printemps de Prague ». « Les principaux intellectuels tchécoslovaques
furent chassés des milieux académiques et des écoles, isolés de leurs élèves et, avant
tout, privés de tout contact avec le monde démocratiques environnant ». Suit l’index des « Editions clandestines d’avant 1989 » présenté par Vladimir Jochmann.
Ensuite, Nathalie Roussarie (secrétaire générale de l’AJH), dans sa courte contribution « Association Jan Hus – Objectifs généraux », retrace la longue histoire de
cette association, qui a été fondée par un groupe d’enseignants français, en 1981.
« Elle avait pour but de fournir une aide matérielle et surtout intellectuelle aux
universitaires et aux étudiants tchécoslovaques qui n’avaient plus la possibilité de
poursuivre leurs travaux et leurs études du fait de la répression dont ils étaient
victimes : exclus des Universités, ils exerçaient des métiers manuels pour vivre et
ils souffraient de leur isolement intellectuel ». Depuis 1991, l’association Jan Hus
collabore activement avec de nombreuses structures de l’enseignement français et
c’est justement grâce au soutien financier de l’Agence Universitaire de la Francophonie et du Ministère des Affaires Étrangères français que les Universités d’été
peuvent se dérouler. La dernière contribution du Prologue est celle de Marcela
Sedláčková (Académie des sciences de République tchèque) qui retrace l’histoire
de toutes les Universités d’été, suivi par la liste des quinze villes organisatrices et
thèmes proposés dans toute l’histoire de l’Université d’été.
Mais avant tout, ce présent recueil renferme vingt-trois contributions présentées par les professeurs, chercheurs et doctorants et offre toute une série de sujets
concernant plusieurs domaines scientifiques. Parmi les articles les plus intéressants,
nous pouvons mentionner par exemple les deux contributions de Marie Voždová.
Dans la première, « La langue où l’on habite ? », la chercheuse essaie de proposer
340
une réfléxion sur la thématique de la langue à partir de l’analyse de deux extraits littéraires, l’un de Karel Čapek (« Éloge de la langue tchèque ») et l’autre
de Jean-Marie Gustave Le Clézio (« Éloge de la langue française »). Dans sa seconde contribution « Georges Feydeau et la langue de l’autre », Voždová porte son
attention sur la langue en tant que source principale du comique feudeauien. Elle
constate que Georges Feydeau « nous montre des héros portant atteinte à la langue
française. Il les ridiculise dévoilant et accentuant leurs défauts, mais les rend à la
fois plutôt sympathiques au lecteur et au spectateur. » Au contraire, les poèmes
de Robert Desnos (des années trente jusqu’à la guerre) sont l’objet d’analyse complexe de Colette Guedj. Dans son article « La langue poétique de Robert Desnos
ou l’ ‘exploration des limites’ », Guedj démontre que son œuvre peut être envisagée
comme un constant rapport à la langue. Lena Jakubčáková, dans la contribution
« La prière et le langage de la poésie spirituelle de Péguy », aborde la question
de la poésie spirituelle. Pour objet de sa réflexion, elle prend comme exemple le
poète catholique du début du XXe siècle, Charles Péguy. La variété d’expression
de Villiers de l’Isle-Adam est le thème de la recherche de Eva Voldřichová Beránková (« A la recherche de la langue perdue »). Zuzana Malinovská-Šalamonová
(Université de Prešov ; « De la langue-contrainte à la langue-liberté ou le français
aux parfums d’Afrique »), analyse avec l’exemple du récit « Allah n’est pas obligé »
de l’auteur africain Ahmadou Kourouma « le rapport ambigu des écrivains noirs
d’Afrique francophone à la langue de l’ancien colonisateur ».
Enfin, pour les contributions littéraires, on ne peut pas oublier d’autres articles,
celui de Slavomír Míča (« Multiplicité des langues de Raymond Queneau »), de
Madeleine Valette-Fondo (« Langue des origines ; origines du langage : Jean-Pierre
Brisset et Louis Wolfson, Henri Michaux et Michel Leiris »), de Zuzana Ševčíková
(« ‘La conception’ quignardienne de la langue »), de Jan Drengubiak (« Le langage
de la laideur et la laideur des langues »), de Liana Masia (« Les cris d’une jeune fille
dérangée »), de Jan Zatloukal (« Ecrivain exilé et sa langue : le cas de Jan Čep »)
et de Květuše Kunešová (« Expresivité de la langue de Boris Vian »).
Dans ce volume, on trouve aussi quelques contributions dans le domaine philosophique et politologique. Ainsi, c’est Josef Fulka, qui réfléchit, dans « La lettre, le
signifiant et la vérité », sur la polémique entre Jacques Derrida et Jacques Lacan
concernant la position du signifiant dans l’inconscient. Au contraire, Roger Guedj, dans la contribution « Organisation et structure de langage dans la chimie du
vivant », nous fait connaı̂tre l’utilisation de la « langue chimique » en présentant
comment les symboles chimiques composent les unités supérieures à eux-mêmes,
c’est-à-dire que dans la chimie on est capable d’utiliser sa propre langue. Pour
conclure ce domaine, on mentionne encore les textes de Marek Petrů (« La langue
et la conscience »), de Barbora Čákovská (« Suppositions de dicto et de re »), de
Michaela Fišerová (« De la sémiologie à l’errance, Roland Barthes à propos du
langage photographique », de Yann Kilborne (« Silence et langage »), de Jacques
Message (« Langue et immédiateté ») et de Jean-Claude Eslin (« L’enfant et la
langue maternelle dans la coexistence des cultures »).
Dans la partie finale du présent recueil, on trouve encore plusieurs suppléments,
tout d’abord celui du programme original de l’université d’été d’Olomouc 2006,
ensuite celui de la liste des participants suivi par quelques photos montrant aux
lecteurs l’ambiance amicale de la rencontre scientifique. En bref, ce volume se ter-
341
mine par la liste de tous les noms utilisés ce qui facilite l’orientation du lecteur. On
peut recommander ce présent recueil à tous ceux qui s’intéressent à la littérature,
à la philosophie, à l’histoire et aussi à la politique de n’importe quel point de vue.
Martin Kučera
Anne Ubersfeld : Paul Claudel poète du XXe siècle.
Mayenne, Actes Sud – Papiers, 2005, 286 pp.
Anne Ubersfeld, professeur émérite à l’Université de Paris III – Sorbonne depuis
1988, s’intéresse principalement à la théorie du théâtre et au théâtre contemporain
(elle se concentre surtout sur les grands hommes de théâtre depuis Hugo jusqu’à
Vinaver). C’est à partir de 1962, qu’elle se consacre à l’analyse du théâtre de Victor
Hugo (Ruy Blas, Annales de l’université de Besançon, 1971 ; Paroles de Hugo,
Messidor, 1985 ; Le Roman d’Hernani, Mercure de France, 1985). Son ouvrage de
référence, Lire le théâtre, a été publié en 1995. Mais en tout cas, il ne faut pas
oublier d’autres recueils du même auteur consacrés au théâtre, comme par exemple
Le Théâtre et la Cité (Bruxelles, 1991) ou Antoine Vitez, metteur en scène et
poète (Les Quatre-Vents, 1994). Dans l’étude Paul Claudel poète du XXe siècle,
la chercheuse a pour objectif l’analyse de la vie et de la conception du théatre de
Paul Claudel. Il compte parmi les auteurs dits d’inspiration spirituelle ou religieuse
de la première moitié du XXe siècle et comme Anne Ubersfeld constate dans la
préface, c’est un « poète de la planète : il est l’homme que son travail de diplomate
conduit à travers le monde, d’un pôle à l’autre ». Le théâtre de ce poète, auteur
dramatique, essayiste et en même temps fonctionaire du Ministère des Affaires
Etrangères (par exemple consul à Prague) est appelé « théâtre total ou cosmique ».
Il s’agit d’une synthèse de diverses traditions et on le comprend aussi comme la
synthèse de diverses moyens de mise en scène.
L’étude est découpée en trois parties – « La vie », « L’œuvre » et « Le monde de
Claudel » –, dont les deux premières sont encore subdivisées en plusieurs thèmes.
Dans « La vie », on a pour objet par exemple les données biographiques (lieu
d’origine, origines familiales), les sources d’inspiration ou les « éléments capitals »
(la lecture d’Arthur Rimbaud, la vocation pendant les vêpres à Notre-Dame de
Paris ou la mort du père). Ainsi, dans la première partie, on aborde toutes les
influences sur le jeune poète en analysant son œuvre. De point de vue de l’auteur,
Claudel trouve le mode d’écriture théâtral avec Tête d’or, mais son théâtre repose
sur trois piliers – Tête d’or, L’Annonce faite à Marie (la pièce la plus célèbre et
la plus jouée, son chef-d’œuvre « populaire ») et Le Soulier de satin. Mais dans
l’étude, Anne Ubersfeld propose l’analyse de toute l’œuvre. Ainsi, on y trouve par
exemple l’analyse du drame de la passion Le Partage de midi (l’un des drames
autobiographique), de la trilogie L’Otage ou du Protée.
Dans « L’œuvre », l’auteur analyse la pensée, l’esthétique, le théâtre et l’importance de la Bible pour la création de Claudel et aborde aussi la question du
342
vers claudélien. « Le vers claudélien est une unité de sens, et la pause qui le suit et
l’ « achève » permet au lecteur-auditeur d’entendre les éléments dont il est fait, sa
composition ». Sur l’exemple du Soulier de satin, elle essaie d’expliquer la base du
théâtre claudélien de manière originale.
Suit la courte troisième partie « Le monde de Claudel » par laquelle elle ferme
ce présent recueil. Vient encore la chronologie avec les dates précis de la vie et de la
rédaction des œuvres de Paul Claudel, la bibliographie sélective et la parution de
quelques ouvrages sur Paul Claudel et son œuvre. Au contraire des études précédentes tchèques et français, par exemple le recueil des essais de Miloš Marten consacré
à plusieurs écrivains, Kniha silných de 1909 ; ou Paul Claudel de J. Samson, Paris
1947 ; l’étude, Paul Claudel poète du XXe siècle, semble d’être plus complète dans
son contenu aussi bien que dans sa quantité.
En dernier lieu, l’étude qui crée l’image détaillée du « poète-ambassadeur »,
s’imposera pour longtemps comme une source de travail nécessaire à tout chercheur
qu’intéresse le personnage du poète catholique Paul Claudel ainsi que son œuvre.
Martin Kučera
Ivana Čeňková – Miroslava Sládková – Jovanka Šotolová :
Dialogue des cultures : interprétation, traduction. Praha,
Univerzita Karlova, 2006, 210 pp.
L’Institut de Traductologie de l’Université Charles a organisé du 3 au 5 novembre 2005 en collaboration avec l’association Gallica et l’Union des interprètes et des
traducteurs (JTP) le Colloque international Dialogue des cultures : interprétation,
traduction. Le colloque s’est fixé comme objectif principal d’analyser le rôle des
langues et des cultures face à la mondialisation et à l’Europe élargie.
L’ouvrage préparé par Ivana Čeňková, Miroslava Sládková et Jovanka Šotolová
rassemble les actes de trois jours de travail intensif réalisé dans les locaux de l’Institut de Traductologie de l’Université Charles. Les Actes publiés réunissent quatorze
interventions parlant de divers aspects du processus de traduction et d’interprétation de la civilisation francophone.
Květuše Kunešová (L’Afrique au Canada. Problèmes de traduction du roman Le
souffle de l’harmattan de Sylvain Trudel ), Eva Schleissová (Comparaison de deux
traductions existantes des Rêveries du promeneur solitaire de J.-J. Rousseau), Jérôme Boyon (Néologie typltienne et corps měřièkien) et Jovanka Šotolová (Traduire
Echenoz : une aventure linguistique) s’intéressent aux problèmes de la traduction
littéraire. Marianne Lederer (La transmission du culturel – problèmes pratiques du
traducteur, problèmes théoriques de la traduction), professeur émérite en traductologie à l’Université de la Sorbonne Nouvelle Paris III, École Supérieure d’Interprètes
et de Traducteurs (ESIT), décrit des problèmes théoriques et pratiques liés au processus de traduction. Les communications de Jean-Pierre Goudaillier (Méthodologie
linguistique et description de l’argot ) exerçant la fonction de doyen de la Faculté
343
des Sciences Humaines et Sociales de l’Université René Descartes Paris 5, et d’Alena Podhorná-Polická (Les aspects stylistiques de la verlanisation) traitent des
pratiques langagières de type argotique. Jaromír Kadlec (La situation linguistique,
les langues en contact et le français dans les anciennes colonies belges en Afrique)
explique la position de la langue française dans la région des Grands Lacs. Renáta Listíková (Suites d’un contresens latin pour la dénomination de la Bohême et
des Tchèques en français – dictionnaires et textes de langue française à l’appui)
démontre les aléas des lexèmes Bohême et Tchèque au cours de l’histoire de la langue française. Slavomíra Ježková (Les phénomènes typiques du point de vue de la
culture française et tchèque) analyse des proverbes, citations, dictons, allusions, et
leurs traductions. Zuzana Malinovská-Šalamonová (Dans le feu de l’interprétation
ou traduction juridique comme contact de cultures) et Jitka Smičeková (Explicite et
implicite en traduction : langue et culture) s’intéressent à des problèmes pratiques
relatifs à la traduction des textes rédigés en français de spécialité. La contribution
de Marie Dohalská, de Jana Vlčková et de Radka Škardová (Les pièges des noms
propres) prouve que la prononciation des noms propres peut être un piège pour
ceux qui les prononcent mais aussi pour ceux qui les écoutent. Marie Fenclová (La
didactique du plurilinguisme et implication éventuelle de ses éléments dans les modules de la formation des interprètes francophones en République tchèque) réfléchit
à l’innovation de la formation des traducteurs et des interprètes.
La publication des Actes du Colloque international Dialogue des cultures: interprétation, traduction fournit la preuve pertinente du niveau élevé des interventions
présentées par les participants et démontre l’utilité de leur rencontre autour des
problèmes posés par les organisateurs.
Blanka Kulhajová
Ivo Buzek : Studia Romanistica 5. Ostrava,
Ostravská univerzita, 2005, 225 pp.
Le cinquième volume du recueil Studia Romanistica présente, comme les volumes précédents, les fruits des efforts des enseignants du Département des études
romanes de la Faculté des Lettres de l’Université d’Ostrava (Ivo Buzek, Lubomír
Bartoš, Jana Brňáková, Jitka Smičeková, Jan Šabršula, Jana Veselá, José Luis
Bellón Aguilera, Lucie Semeráková). Le Département a invité à participer aussi
les collègues, linguistes et littéraires francophones et hispanophones, de l’Université Palacký d’Olomouc (Jan Holeš, Jaromír Kadlec), de l’Université Masaryk de
Brno (Miroslava Novotná), de l’Université de Bohême du Sud (Helena Zbudilová),
de l’Université Comenius de Bratislava (Mária Medveczká, Silvia Vertanová), de
l’Université de Prešov (Zuzana Malinovská), de l’Universidad de Cantabria (Francisco Llanillo Gutiérrez, Isabel Tejerina de Lobo), de l’Universidad Autónoma de
Barcelone (Teresa Colomer), et de l’Universidad de Santiago de Compostela (Carlos
Folgar).
344
Cinq comptes rendus (rédigés par Irena Fialová, Jana Pavlisková, Jan Šabršula et Miroslav Valeš) et quatre notes (préparées par Kornélia Machová, Zdeňka
Stavinohová, Helena Zbudilová et Jan Šabršula) ont été intégrés dans le recueil.
L’ouvrage est divisé en quatre parties : partie linguistique, partie littéraire,
comptes rendus et notes. Parmi les articles les plus intéressants de la section linguistique, on peut citer ceux de Jan Holeš Particularités linguistiques du français
valdotain, Jaromír Kadlec Les langues régionales issues du latin en Wallonie et
Jan Šabršula Axiologie.
Parmi les les contributions présentées dans la section littéraire, on peut mentionner celles de Zuzana Malinovská La barbarie du monde contemporain d’après
Houellebecq, Helena Zbudilová La narrativa de ciencia-ficción de Ramón García
Domínguez et de Teresa Colomer El final de los cuentos actuales y las funciones
de la literatura infantil y juvenil.
Le recueil apporte le témoignage du développement du Département des études
romanes de la Faculté des Lettres de l’Université d’Ostrava, créé en 1993, et reflète
le niveau élevé de ses pédagogues ainsi que la richesse de la recherche en langues
romanes en République tchèque et en Slovaquie.
Blanka Kulhajová
Jaromír Kadlec – Jan Holeš : Francouzština na americkém
kontinentě. Univerzita Palackého v Olomouci,
Olomouc 2006.
Le présent ouvrage des auteurs Kadlec et Holeš porte sur la spécificité du
français d’outre-mer.
Il s’agit du premier ouvrage qui traite ce sujet d’une manière complexe et cohérente.
Le livre est divisé en neuf chapitres dont le but principal est de donner aux
experts de la linguistique française, au large public qui serait intéressé et aux étudiants de la filologie française une possibilité de se familiariser profondément avec
les variantes de la langue française sur le continent américain.
L’introduction de cet ouvrage traite la francophonie en général, les chapitres suivants portent sur les territoires du continent américain où la langue française est
utilisée. Les chapitres sont structurés d’une manière identique: on décrit la situation
géographique, le peuple, l’histoire et la situation linguistique, la politique linguistique et ensuite on accède aux particularités du français sur le territoire donné. La
partie sur la langue est divisée en sous-chapitres parlant de la prononciation, de la
grammaire et du lexique. Chaque chapitre est complété par une bibliographie.
La liste contenant la littérature sur la francophonie en général est classée à la
fin de l’ouvrage.
L’ouvrage apporte des informations bien classées et enrichissantes pour les amateurs de la linguistique française.
Blanka Kulhajová
345
Jan Holeš – Jaromír Kadlec : Francouzština v Evropě.
Olomouc, Univerzita Palackého, 2005, 204 pp.
L’ouvrage de Jaromír Kadlec et Jan Holeš nous présente les variétés du français
en Europe. Cette problématique n’avait pas été encore suffisamment et systématiquement étudiée bien qu’elle soit fortement intéressante du point de vue purement
linguistique mais aussi culturel. Les recherches sur le français en Europe déjà publiées sont dispersées dans de nombreuses revues et dans des monographies, mémoires
et thèses chez nous parfois difficilement accessibles. Les auteurs veulent par leur
ouvrage combler cette lacune dans la description du français.
Le livre présenté résulte de longues études des variétés européennes du français.
Parmi les livres publiés par les mêmes auteurs on peut mentionner surtout l’ouvrage
Francouzština na americkém kontinentě (UP, Olomouc 2006) et le livre de Jaromír
Kadlec Francouzština v Kanadě (UP, Olomouc 2005).
L’ouvrage est divisé en sept chapitres selon le critère géographique. Le premier
chapitre est consacré à la typologie des pays francophones selon les propositions
de différents auteurs (Bal, Valdman, Chaudenson). Les six chapitres suivants sont
consacrés au français de Belgique, du Luxembourg, de Suisse, du Val-d’Aoste, des
Îles Anglo-Normandes et de Monaco. La place accordée dans le livre à chaque
pays varie en fonction du nombre des locuteurs francophones. La plus importante
est accordée à la Belgique et à la Suisse. Les chapitres ont une structure unique
qui permet au lecteur une bonne orientation dans le texte et surtout facilite la
comparaison par exemple de la prononciation ou du lexique de différentes variantes
du français en Europe.
Chaque chapitre contient plusieurs parties consacrées respectivement à la situation géographique du pays ou de la région, à la population, à l’histoire, à la
politique linguistique et à la situation linguistique en général sur le territoire. Suit
une partie qui éclaire les particularités du français local et qui est dans le cas de la
Belgique et de la Suisse encore divisée en sous-chapitres traitant la prononciation,
la grammaire et le lexique. Dans le cas de la Suisse, les auteurs ajoutent encore
un chapitre sur la linguistique suisse qui bénéficie d’une longue et riche tradition.
Tous les chapitres sont dotés d’une bibliographie détaillée. Les citations des sources
apparaissent également dans les notes de bas de page ; dans ce cas-là, l’ouvrage cité
n’est parfois plus mentionné à la fin du chapitre s’il l’était intégralement en bas
d’une page.
Le texte est accompagné de cartes, photos, illustrations et de tableaux qui
complètent les informations contenues dans le chapitre souvent par des données
statistiques (par exemple un tableau donnant un aperçu de cantons suisses avec
l’indication du nombre d’habitants et de leur langue). Le texte est riche en exemples
comparant par exemple le wallon, le patois gaumais (une des variétés du lorrain),
le picard avec le français en Belgique.
Les auteurs nous offrent un ouvrage clair, systématique et bien structuré, qui
comble une lacune dans le domaine de la recherche sur les variantes européennes du
français. Il peut servir à tous ceux qui s’intéressent à la linguistique française parce
que les auteurs ont réussi à expliquer la problématique intelligiblement et avec
clarté, y compris les questions les plus compliquées. Le matériel contenu dans le
346
livre peut servir de base à des cours sur la francophonie et peut enrichir également
des connaissances relatives à la phonologie, à la lexicologie, à la morphologie, à la
syntaxe et à l’histoire de la langue française. Grâce à quoi, le livre peut être utile aux
enseignants ainsi qu’aux étudiants en philologie française. Comme le livre est écrit
en tchèque, il est accessible au grand public, pas seulement à la partie francophone
de notre société, et ainsi il peut contribuer à la promotion de la francophonie parmi
le public non-francophone.
Zuzana Raková
Magdalena Paluszkiewicz-Misiaczek – Anna Reczyńska –
Anna Śpiewak : Place and Memory in Canada :
Global Perspectives/Lieu et mémoire au Canada :
Perspectives globales.
Kraków, Polska Akademia Umiejȩtności, 2005, 593 pp.
La grandeur et la richesse de la nature canadienne impressionnent les étrangers
qui visitent le pays. La spécificité de la société canadienne, sa structure ethnique
diversifiée et l’impact de l’histoire et de l’immigration font que les lieux et les
événements marquants se rapportent à des territoires très éloignés. Malgré leur
exotisme, ils deviennent des éléments du patrimoine et de la mémoire collective
au Canada. Les questions mentionnées ci-dessus ont constitué les points essentiels
de la troisième Conférence des canadianistes d’Europe centrale intitulée Place and
Memory in Canada: Global Perspectives/Lieu et mémoire au Canada: Perspectives
globales qui s’est tenue du 30 avril au 3 mai 2004 à Cracovie. Le lieu et la date ont
revêtu une dimension historique, puisque au cours de la conférence a été fondée
l’Association Centre-Européenne des Études Canadiennes.
La conférence a réuni presque 180 chercheurs, doctorants et étudiants voués à
la recherche et aux études concernant la civilisation canadienne. Ils représentaient
non seulement les pays de l’Europe centrale, mais aussi le Canada, les États Unis et
l’Europe Occidentale. Plus de 100 interventions portant sur différents phénomènes
et leurs interprétations relatifs aux concepts de mémoire et de lieu canadiens ont été
présentées. Les exposés relevaient de différents domaines: littérature et linguistique,
sciences sociales, histoire, histoire de l’art, géographie, sciences politiques, droit,
cinéma, etc.
L’ouvrage qui fait l’objet de notre compte-rendu contient un choix de communications présentées lors de la conférence dont 44 sont rédigées en anglais et 14
en français. Les canadianistes tchèques sont représentés par les contributions de
Jaromír Kadlec (Le monde acadien et son reflet dans les particularités lexicales du
français acadien), de Klára Kolinská (« In the Midst of Restless Terrors » Anna
Brownell Jameson’s Discovery of Canada), de Petr Kyloušek (Le pays incertain de
Jacques Ferron), de Kateřina Prajznerová (The Speaking Landscape and Multicultural Memory in Haida Gwaii Fiction : A Bioregional Analysis), de Pavel Sedláček
347
(The Face of Canadian City at the Dawn of New Millennium) et de Don Sparling
(Parliament Hill as a Site of Memory).
Le choix d’articles présentés a abouti à un ouvrage qui donne une excellente
idée de l’état actuel des études canadiennes en Europe Centrale et qui peut devenir
une source d’informations précieuses pour les canadianistes du monde entier.
Zuzana Raková
Ivo Buzek – Jana Veselá : Studia Romanistica 6. Ostrava,
Ostravská univerzita, 2006, 272 pp.
Le sixième volume du recueil Studia Romanistica, préparé à l’occasion du 15e
anniversaire de la fondation de l’Université d’Ostrava, présente les contributions
des chercheurs tchèques, slovaques, français et espagnols. Outre les enseignants du
Département des études romanes de la Faculté des Lettres de l’Université d’Ostrava
(Ivo Buzek, Lubomír Bartoš, Jana Brňáková, Jan Šabršula, Jana Veselá, José Luis
Bellón Aguilera, Thomas Laurent, Miroslav Slowik), les professeurs de l’Université
Palacký d’Olomouc (Jaromír Kadlec, Slavomír Míča, Jiří Šrámek, Marie Voždová,
Eduard Krč, Núria Mirabet), de l’Université d’Opava (Eva Klímová), de l’Université de Bohême du Sud (Helena Zbudilová), de l’Université Comenius de Bratislava
(Bohdan Ulašin, Nicola Cardia), de l’Université de Matej Bel de Banská Bystrica
(Katarína Klimová), de l’Universidad de Cantabria (Susana Sánchez Rodríguez,),
de l’Université Paris 3 (Milena Srpová) et de l’Universidad de Santiago de Compostela (Yago Rodríguez Yañez) ont participé à l’ouvrage.
L’ouvrage est divisé en quatre parties : partie linguistique, partie littéraire,
comptes rendus et notes. Parmi 21 articles publiés dans l’ouvrage, on peut citer les
contributions des enseignants du Département des langues romanes de l’Université
Palacký d’Olomouc. Il s’agit des travaux de Jaromír Kadlec (Particularités morphologiques et syntaxiques du français de Belgique), de Slavomír Míča (Typologie
du personnage quenien), Jiří Šrámek (Cyrano de Bergerac d’Edmond Rostand sur
les scènes moraves), Marie Voždová (Le personnage gavaldien entre la vie et la
mort ), Eduard Krč et Núria Mirabet (El desarrrollo literario español en la posquerra civil ). Quatorze comptes rendus (y compris le compte rendu du livre de
Jaromír Kadlec Francouzština v Kanadě, rédigé par Jan Holeš, et le compte rendu
de l’ouvrage de Jan Holeš et Jaromír Kadlec Francouzština v Evropě, préparé par
Petr Šelepa) et deux notes ont été intégrés dans le recueil.
Le recueil démontre le niveau élevé du corps enseignant du Département des
études romanes de la Faculté des Lettres de l’Université d’Ostrava ainsi que la
richesse de la recherche en français, espagnol et italien en République tchèque et
surtout à l’Université Palacký d’Olomouc.
Zuzana Raková
348
Tzvetan Todorov, La littérature en péril, Flammarion
(Café Voltaire), Paris 2007, 95 pp.
L’eschatologie générale s’empare du monde. C’est au moins ce que l’on pourrait
penser en voyant l’exubérance des ouvrages qui portent sur la finitude des choses.
Les diverses sectes présagent régulièrement de la fin du monde, Valéry avait adjugé,
il y a bien longtemps, le caractère mortel aux civilisations, et encore récemment
Francis Fukuyama a remis au goût du jour l’hypothèse de la fin de l’histoire. . . Il
ne surprend pas que l’on cultive cette idée de la fin, du déclin, de la mort également
dans le domaine littéraire. (Voir par exemple le titre du récent ouvrage de Dominique Maingueneau Contre Saint Proust : Ou la fin de la littérature publié chez
Belin) Le dernier livre de Tzvetan Todorov, un opuscule de 90 pages paru en début
de cette année chez Flammarion dans la collection Café Voltaire, semble se ranger
avec de tels pronostics. Certes, Todorov n’annonce pas illico la mort ou l’agonie de
la littérature, toutefois celle-ci encourt le risque sérieux, elle est « en péril ». Quelle
est la nature de ce péril et par quels moyens peut-on venir en aide à la littérature
affectée, telles sont les préoccupations majeures de ce petit ouvrage.
Dans l’Avant-propos, l’auteur rend compte de son amour pour la littérature.
La vocation littéraire se fit pressentir très tôt chez le jeune Todorov. Il raconte
l’admiration profonde d’un enfant devant ses premiers livres, la confirmation par les
études supérieures, d’abord en Bulgarie communiste, puis comme boursier à Paris,
et enfin le sacre d’une carrière de chercheur en littérature au CNRS. Sa relation à la
littérature ne reste toutefois pas immuable, elle subit une évolution progressive, elle
ne cesse de rebondir, de s’enrichir grâce à sa curiosité dévorante et à l’appropriation
de nouvelles approches et méthodes dans les disciplines des sciences humaines. Si
Todorov se sent au début attiré surtout par l’analyse formelle de l’œuvre littéraire,
c’est parce que c’était la seule approche censée échapper à l’emprise idéologique
de l’enseignement communiste à Sofia. Une fois durablement installé en France,
Todorov aura toute sa liberté de délaisser progressivement la recherche purement
formelle au profit de l’analyse sémantique des œuvres. La recherche sur la forme
est ainsi complétée par une quête du sens. On juge bien le parcours réalisé depuis
la Poétique de la prose jusqu’aux derniers livres qui relèvent au moins autant de
l’histoire, de la sémiologie, de la politologie et d’autres disciplines des sciences
humaines que de la littérature.
Tout ce résumé autobiographique – car avec de menus détails et anecdotes
(débarquement d’un jeune boursier étranger à Paris, rencontre marquante avec
Gérard Genette, cours de Roland Barthes, etc.) et une belle aisance et vivacité du
récit, on se sent vraiment dans le genre autobiographique – n’a d’autre but que
d’aboutir à une affirmation de ce qu’est la littérature pour Todorov, d’évoquer son
rôle éminent dans sa vie, dans la vie de l’humanité toute entière: «Elle [la littérature]
nous procure des sensations irremplaçables qui font que le monde réel devient plus
chargé de sens et plus beau. Loin d’être un simple agrément, une distraction réservée
aux personnes éduquées, elle permet à chacun de mieux répondre à sa vocation
d’être humain. » (16)
S’ensuivent deux chapitres (La littérature réduite à l’absurde, Au-delà de l’école) dans lesquels Todorov explique le danger que court la littérature d’aujour-
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d’hui, et la littérature française en particulier. C’est en premier lieu l’enseignement
scolaire qui échoue à sa mission, selon Todorov, en basant ses programmes sur l’apprentissage des concepts théoriques et des outils d’analyse au lieu de promouvoir
les œuvres vivantes de la littérature. Autrement dit, on n’enseigne pas l’objet de la
discipline mais les méthodes, les moyens se substituent aux fins. Par malheur, cette
conception « absurdement restreinte et appauvrie » de l’enseignement secondaire
et universitaire en France est devenu dominante également dans la critique et s’est
répandue même parmi la majorité des écrivains, ceux-ci ayant subi naturellement
cette éducation néfaste. Il n’y a pas de doute que le rôle du structuralisme, dont
Todorov lui-même fut un des plus importants représentants, et de ses successeurs
jusqu’à la déconstruction, y est pour beaucoup. Rassurons nous : Todorov ne fustige pas l’approche interne de l’œuvre littéraire (il faisait partie de ceux qui ont
contribué à sa mise en valeur), il s’oppose seulement à la sacralisation de la conception de la littérature qui serait strictement coupée de tout rapport au monde
et où l’œuvre littéraire ne pourrait être conçue autrement qu’ « un objet langagier
clos, autosuffisant, absolu » (31). Pour lui, par contre, l’ultime objectif des études
littéraires doit être « la compréhension du sens des œuvres » (29). C’est précisément cet immanentisme rigoureux, cette séparation stricte et complète de l’œuvre
littéraire de tout contexte externe, qui est, selon Todorov, à l’origine du déclin
de la littérature contemporaine française. Cette dernière est représentée par trois
tendances (formalisme, nihilisme, solipsisme), qui ont toutes en commun le refus,
la contestation ou la dépréciation du monde extérieur, « le monde commun au moi
et aux autres » (36).
Dans les trois chapitres suivants (Naissance de l’esthétique moderne, L’esthétique des Lumières, Du romantisme aux avant-gardes) Todorov retrace comment
s’est produite cette séparation entre la littérature et le monde. C’est toute une
histoire de l’émancipation de l’art qui s’amorce dès la Renaissance où l’art commence à se libérer des servitudes vis-à-vis notamment de la religion dont il devait
auparavant illustrer les dogmes. C’est aussi toute la perspective dans laquelle on
perçoit l’art qui change: l’œuvre d’art devient un objet de pure contemplation, sans
avoir à accomplir d’autres fonctions. Ceci accompagné par une prise de conscience
du créateur dont le statut change aussi sensiblement. Le créateur se rapproche de
Dieu, devient un démiurge fabriquant un microcosme avec son œuvre.
Au siècle des Lumières l’autonomie de l’art se voit consacrée par la constitution
de l’esthétique, discipline dont l’art sera l’unique objet. On le distingue dorénavant
de la science de sorte que les deux s’avèrent comme deux voies opposées de la
connaissance humaine ou mieux de la compréhension de l’homme et du monde :
l’une explorant le singulier, le concret, le particulier, l’autre visant à l’universel, au
général, à l’abstraction. L’aboutissement de cette tendance émancipatrice de l’art
se parachève dans le courant de l’art pour l’art dont les représentants seraient,
entre autres, Baudelaire et Flaubert. Le désintéressement de la littérature touche
ici à son comble, car « la beauté d’un texte littéraire n’est rien d’autre que sa
vérité » (61). N’empêche que chez eux la relation œuvre – monde n’est pas encore
contestée. Il suffit de se rappeler l’idée de Baudelaire selon laquelle le poète doit
être le déchiffreur, l’interprète de la réalité.
La rupture décisive entre la littérature (l’art) et le monde ne se creuse, selon
Todorov, qu’au début du XXe siècle sous l’influence des postulats relativistes de
350
Nietzsche et avec l’arrivée des avant-gardes artistiques. C’est là que se crée une
vision de la littérature immanente et autosuffisante, repliée sur elle-même et renvoyant à elle-même, qui au cours du XXe siècle est progressivement officialisée et
institutionnalisée dans l’enseignement et dans l’appareil médiatique et critique.
Dans l’avant-dernier chapitre Todorov tente de répondre à la question usée
jusqu’à la corde : « Que peut la littérature ? » Il est significatif qu’il ne réduit pas la
réponse au champ strictement littéraire : « La littérature peut beaucoup. Elle peut
nous tendre la main quand nous sommes profondément déprimés, nous conduire
vers les autres êtres humains autour de nous, nous faire mieux comprendre le monde
et nous aider à vivre. » (72) La littérature ne s’épuise pas pour autant dans un rôle
thérapeutique ou moral. Elle a « un rôle vital à jouer ». (72) Pour cela, il faut à
nouveau étendre la « conception absurdement réduite » de la littérature, renouer
et revaloriser sa relation avec le monde et l’ouvrir ainsi à l’homme. Todorov se met
du côté d’un « lecteur ordinaire qui continue de chercher dans les œuvres qu’il lit
de quoi donner sens à sa vie » contre « les professeurs, critiques et écrivains qui lui
disent que la littérature ne parle que d’elle-même » (72). C’est enfin une qualité
supérieure des rapports intersubjectifs qu’une bonne littérature peut apporter :
« Ce que les romans nous donnent est, non un nouveau savoir, mais une nouvelle
capacité de communication avec des êtres différents de nous [. . . ] L’horizon ultime
de cette expérience n’est pas la vérité mais l’amour, forme suprême du rapport
humain. » (77)
C’est en revenant pour ainsi dire à l’état naturel où les études littéraires, appuyées bien sûr par toute sorte d’approches et de méthodes d’analyse, retournent à la
recherche du sens, qu’elles deviennent en même temps une «leçon de vie» (87). Car
la littérature n’est enfin autre chose qu’une « communication inépuisable » (c’est
l’intitulé du dernier chapitre), où l’on peut plonger pour retrouver « ces paroles qui
aident à vivre » (90).
Bien que le livre de Todorov puisse paraı̂tre au lecteur parfois trop général et
schématique, l’enjeu en fait mouche. Todorov préfère sonner l’alarme avant qu’il
ne soit trop tard pour combler l’abı̂me creusé entre la littérature et le monde.
Jan Zatloukal
351
PHILOLOGICA 93
ROMANICA OLOMUCENSIA XIX
ESTUDIOS EN HOMENAJE
AL PROFESOR JIŘÍ ČERNÝ
šéfredaktor:
prof. PhDr. Jiří ČERNÝ, CSc., Univerzita Palackého, Olomouc
výkonný redaktor:
Mgr. Slavomír MÍČA, Univerzita Palackého, Olomouc
členové redakční rady:
prof. dr hab. Cezary BRONOWSKI, Uniwersytet Mikołaja Kopernika, Toruń
PhDr. Zuzana BURIANOVÁ, Ph.D., Univerzita Palackého, Olomouc
prof. György DOMOKOS, Pázmány Péter Katolikus Egyetem, Piliscsaba
prof. Dr. José Manuel GONZÁLEZ CALVO, Universidad de Extremadura, Cáceres
prof. dr hab. Czesław GRZESIAK, Uniwersytet Marii Curie-Skłodowskiej, Lublin
doc. PhDr. Jan HOLEŠ, Ph.D., Univerzita Palackého, Olomouc
prof. PhDr. Sylva HAMPLOVÁ, CSc., Univerzita Karlova, Praha
prof. dr hab. Barbara HLIBOWICKA-WĘGLARZ, Uniwersytet Marii Curie-Skłodowskiej, Lublin
doc. PhDr. Eduard KRČ, Dr., Univerzita Palackého, Olomouc
doc. PhDr. Jitka RADIMSKÁ, Dr., Jihočeská univerzita, České Budějovice
Mgr. Jiří ŠPIČKA, Ph.D., Univerzita Palackého, Olomouc
PhDr. Marie VOŽDOVÁ, Ph.D., Univerzita Palackého, Olomouc
Mgr. Lic. Lenka ZAJÍCOVÁ, Ph.D., Univerzita Palackého, Olomouc
prof. PhDr. Bohumil ZAVADIL, CSc., Univerzita Karlova, Praha
pokyny pro autory:
http://www.romanistika.upol.cz/romanica/pokyny
Uspořádali: PhDr. Marie Voždová, Ph.D., Mgr. Slavomír Míča a Mgr. Radim Zámec, Ph.D.
Odpovědná redaktorka: Mgr. Jana Kreiselová
Technická redakce: VUP
Vydala a vytiskla Univerzita Palackého v Olomouci
Křížkovského 8, 771 47 Olomouc
www.upol.cz/vup
e-mail: [email protected]
Olomouc 2007
1. vydání
ISNB 978-80-244-1816-2
ISSN 1802-8713

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