Press kit - Musées de Strasbourg

Transcription

HETEROTOPIAS
AVANT-GARDES IN CONTEMPORARY ART
MODERN AND CONTEMPORARY ART MUSEUM
AND AUBETTE 1928
10 DECEMBER 2016 / 30 APRIL 2017
Press Relations
Museums Communications Department
Julie Barth
[email protected]
tel. 03 68 98 74 78
Press kit and visuals
downloadable at
www.musees.strasbourg.eu
PRESS KIT « HETEROTOPIAS. AVANT-GARDES IN CONTEMPORARY ART »
STRASBOURG MUSÉUM OF MODERN AND CONTEMPORARY ART AND AUBETTE 1928, 10 DÉCEMBER 2016 – 30 APRIL 2017
1. EXHIBITION PROJECT
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2. SHARED PASSIONS: INTRODUCTION
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3. THE AVANT-GARDES: HISTORICAL CONTEXT
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4. EXHIBITION LAYOUT
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5. CATALOGUE
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6. EDUCATIONAL AND CULTURAL EVENTS
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7. VISITOR INFORMATION
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8. PRESS VISUALS
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1. Exhibition Project
In response to the Aubette décors made in 1928 by Theo Van Doesburg, Jean Arp and Sophie
Taeuber-Arp, the exhibition being held from 10 December 2016 to 30 April 2017 at the
Museum of Modern and Contemporary Art and Aubette 1928, "Heterotopias. Avant-gardes in
Contemporary Art", proposes to link the founding concepts of the 1920s artistic and
architectural avant-gardes with the works of ten contemporary artists responding to this period.
The reception of Modernist utopias by avant-gardes in our own time is a recurring feature of
contemporary creation which in turn rejects, copies, diverts or reassesses Modernist origins.
The exhibition layout is organized in four sections illustrating representative concepts or
movements of Modernist avant-gardes appropriated by contemporary artists.
Works by Ryan Gander, Bertrand Lamarche, Cyprien Gaillard, Haegue Yang, Edi Rama, Anri Sala,
Xavier Veilhan, Nicolas Godin, Farah Atassi, and Michel Aubry thus propose a rereading of some
of the leading ideas characterizing modernity in the early twentieth century: Synthesis of the
Arts, Gesamtkunstwerk (total work of art), Elementarism, Space-Time, Architectones or the ruin
of Modernism.
Two series of works have been specially produced by Xavier Veilhan and Ryan Gander for the
exhibition in Strasbourg's Museum of Modern and Contemporary Art and Aubette 1928.
Heterotopias, a notion used by Michel Foucault to describe the physical spaces of utopias, the
space-time dimension also explored by Van Doesburg, thus postulates a quasi-updating of
Modernist thinking. The contemporary works in the exhibition offer a revaluation and
reactivation of Modernist concepts in the light of contemporary social, economic and cultural
issues. The parallel thus established helps to measure the topicality of heterotopias and their
impact on contemporary history and society.
Exhibition Curator: Camille Giertler, conservation assistant, in charge of Aubette 1928
This exhibition is being presented as part of « Shared Passions. In the Heart of the Collections »,
a season of exhibitions promoting Strasbourg's Museum collections. The exhibition benefits
from the exceptional support of Eurométropole de Strasbourg.
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2. « Shared Passions, in the Heart of the Collections »
« Shared Passions, in the Heart of the Collections » is a multiple event launched on European
Museums Night 21 May 2016 and continuing until spring 2017.
Ten multidisciplinary exhibitions drawing on both public and private collections in Strasbourg's
City Museums will be held during the year. They focus in turn on recent acquisitions and
donations, rare or fragile aspects of public collections, exemplary restorations of works and
objects or contemporary echoes of historical works. The enthusiasm and commitment of private
collectors and their decisive role in building a shared heritage are likewise commemorated.
Members of the museum public will be invited to "collect" their chosen works and especially to
share their favourite ones, while museum teams will talk about their role in building and
transmitting our artistic heritage.
Episode 2 of « Shared Passions. In the Heart of the Collections » will be launched in Autumn
2016, with five exhibitions and displays:
The Collector's Eye
From 17 September 2016 to 26 March 2017 at the MAMCS
A presentation of works belonging to Strasbourg collectors forming a series of portraits of their
owners.
An Unhoped-for Windfall. Hidden Treasures in the Synagogues of Eastern France
From 15 October 2016 to 24 February 2017, an exhibition being held by the Musée Alsacien in
the Galerie Heitz (Palais Rohan)
The presentation of a genizah (a ritual repository of written texts containing the name of God
and of Ashkenazi Jewish liturgical objects) with a focus on the daily life of a small rural Jewish
community and its development from the early modern era to the late nineteenth century.
Paper Regiments
From 15 October 2016 in all Strasbourg City Museums
The Historical Museum's collections of little soldiers meet up with collections from other
museums.
Little Worlds. Miniatures from the Cabinet des Estampes presented at the Musée de l’Œuvre
Notre-Dame
From 15 October 2016 to 16 January 2017 at the Musée de l’Œuvre Notre-Dame / Arts of the
Middle Ages
The museum will be exhibiting a series of miniatures produced by Strasbourg artists of the 17th
century. These miniatures painted on parchment belong to a Strasbourg tradition centred
around the figure of Friedrich Brentel (1580-1651) and going back to medieval illustration
techniques.
Heterotopias. Avant-gardes in Contemporary Art
From 10 December 2016 to 30 April 2017 at the MAMCS and Aubette 1928
The founding concepts of the 1920s artistic avant-gardes are set in resonance with works by
contemporary artists (Xavier Veilhan, Ryan Gander, Anri Sala, etc.).
« Passions Partagées » benefits from the exceptional support of Eurométropole de Strasbourg
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3. The Avant-Gardes: Historical Context
In reaction to the violence of the First World War and a form of resistance to the despair of
those dark years, avant-garde artistic enclaves appeared all over Europe. Dada (Zurich, 1916),
De Stijl (1917) and the Bauhaus (Weimar, 1919) came into existence in the shadow of the
battlefields. Basing their action on the idea of a synthesis of the arts, they set out to create an
art that was new, free and hybrid and to use artistic creation as a means of elevating the
condition of modern man.
The notion of a synthesis of the arts, of painters, architects, poets and dancers coming together
in the service of a single artistic project, was one of the fundamental principles of their
experiments. It led to a form of permeability between art and architecture, facilitated by the
abandonment of figuration in art and of perspective in architecture. As Van Doesburg pointed
out in 1923, a distinction was now to be made between the "decorative” architecture of past
centuries, and "functional" contemporary architecture.
Working independently from the Bauhaus, Theo Van Doesburg at first experimented with
‘colour-planes’, later concentrating on finding correspondences between volume and colour. This
can be seen in the projects presented with Cornelius Van Eesteren in the De Stijl group
exhibition at the Rosenberg gallery in Paris in 1923. At the same time El Lissitzky was creating
his Proun rooms, moulding their six surfaces into a virtual Space-Time continuum, and in 1925
Mondrian created a drawing room project for Ida Bienert developing the Neo-Plastic aesthetic in
three dimensions.
Following the Rosenberg gallery exhibition, Le Corbusier adopted the use of colour for interior
spaces, though not for exteriors. He subsequently developed the principles of a modern,
functional architecture based on his "five points of architecture" (defined as pilotis, roof garden,
open plan, ribbon window and free façade). This formal and technical experimentation was
underpinned by close cooperation between architects and painters and a Utopian social project
aiming to simplify the life of modern man and elevate his condition through art. With the advent
of post-modernity, this principle became somewhat distorted when large-scale housing
developments were being built in quantity, particularly in Communist countries, where socialist
ideology led to social standardization.
The utopia of Modernism thus crystallized around major theoretical or formal concepts, such as
the principle of a synthesis of the arts, the idea of total works of art, a four-dimensional
Space/Time continuum or dwelling units adapted to the social concerns of the time.
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4. Exhibition Layout
The exhibition layout is organized so as to give a special space to each artist allowing us to see
and to understand his position in regard to modernity and its concepts.
At the MAMCS
Room 1 – Ryan Gander
The first room is devoted to the work of Ryan Gander who for several years has placed the
question of the concepts and forms inherited from the avant-gardes at the centre of his
research. This astute and well-referenced experimentation is illustrated by several series of
works.
Characterized by the diversity of its forms, Ryan Gander’s work relies on a strong narrative basis
coupled with the resources of conceptual art. He has already designed work in homage to the
Bauhaus (Bauhaus Revisited, 2003), illustrated the famous dispute between Mondrian and Van
Doesburg on the supposed radical character of Neo-Plasticism (On the subject of horizontals and
verticals a ‘Bird-walk’ is added {The remnants of Theo and Piet’s fall from 1924 through Frank’s
living room window at Taliesin, during a struggle brought on by an argument over the dynamic
aspect of the diagonal line again}, 2010) and cited the ashtray designed by Theo Van Doesburg
for the Aubette or the Rietveld Schröder House in his artist’s book Ampersand.
Continuing this method of re-evaluating the icons of modernity, Ryan Gander now presents a
new series of works in Strasbourg. Illustrating the principle of a synthesis of the arts, he makes
use of painting (Remember me, mistakenly - Although you've given me everything), or of ‘low
cost’ manufactured design objects, heaped up to make a sculpture (Samson's push, or No.VI /
Composition No. II). Ryan Gander has also produced a new work at Aubette 1928, echoing the
decor created by Theo Van Doesburg.
Room 2 – Edi Rama, Anri Sala
In the second room, the idea of the Gesamtkunstwerk is illustrated by the artist/politician Edi
Rama’s coloured façades project for the city of Tirana in Albania. Anri Sala’s video documentary
on the project, Dammi y Colori, is also on view.
First used in the early 19th century to express the idea of the search for a total work of art, the
term was updated by architects in the 1920s and illustrated by utopian building or design
projects, such as Kurt Schwitters' Merzbau or the Aubette by Van Doesburg, Arp and Sophie
Taeuber-Arp. Based on the utopian desire to create a life-transcending work capable of
redefining society’s limits, the concept has again been echoed in the early 2000s in the project
for a "coloured city", implemented by the artist and former mayor of the city of Tirana, Edi
Rama. Since 2003 and the first biennale of contemporary art organized in the city, several
facades have been colourised by Edi Rama and artists like Dominique Gonzalez-Foerster, Olafur
Eliasson, Rikrit Tiravanija or Liam Gillik. This process, aimed at restoring ‘magic’ to the bleak
architecture of the communist period, is documented by Anri Sala's film, Dammi i Colori. In
addition to the film, which discusses the end result of Edi Rama's project, forty original
drawings, made from photographs of city façades that the artist intends to colourise, are shown
here for the first time.
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Room 3 – Xavier Veilhan, Nicolas Godin
In the third section of the exhibition, Xavier Veilhan presents Les Rayons (Radii), a work created
in situ. Radii have accompanied the Architectones series, created by the artist in several famous
modern buildings, since 2013 and in particular at Le Corbusier’s Cité Radieuse in Marseille.
These sheaves of lines form a virtual plane developing in space, its perspective changing with
the spectator’s movements. Superimposing the planes perceived from different viewpoints
suggests an architectural form in the making.
Accompanying Xavier Veilhan’s installation are musical compositions by Nicolas Godin on the
lines of those that have accompanied each of Veilhan’s interventions for the Architectones
series. The musician, trained as an architect, has explored the musical potential of the different
localities involved, and composed specific pieces for each of them. Nicolas Godin’s interest in
modern architecture goes back to the outset of his career when in 1995 he created Modular
Mix, a musical piece echoing Le Corbusier’s famous architectural concept of 1944, the Modulor.
Finally, in Vent moderne (‘Modern Wind’), a film produced by Xavier Veilhan at Villa Cavrois (built
by Mallet-Stevens at Croix in 1932), architecture successively plays the roles of scenic element
and main character.
Room 4
Section 4.1 – Farah Atassi, Haegue Yang
This section is devoted to two artists revisiting the Bauhaus. An iconic school of modernity, the
Bauhaus was founded in Weimar in 1919 by Walter Gropius with the desire to rehabilitate
manual and collaborative work, to decompartmentalise contemporary artistic practices along
the lines of a synthesis of the arts, with the aim of "encompassing everything – architecture,
sculpture, painting – within one single form".
While the works of Farah Atassi take the form of large paintings, they also question the use of a
geometric grid, a cardinal element of Modernism, in constructing a sur-real space. The
architectural elements seen in the foreground, evoking modernist architectural aesthetics, seem
to float as if detached from any spatial reality. The two-level construction (geometric
background and architectural elements) creates a kind of dialectic confronting modernism with
other aesthetic features, such as expressionism or ornament.
Haegue Yang, an artist of Korean origin, in whose work the reception of modernity is a central
theme, presents a set of works entitled Sonic Rotating Geometries, dealing with the perception
of geometric shapes and colours. The artist juxtaposes these two cardinal elements of
modernist aesthetics with assemblages of silver bells, manufactured materials commonly used
in her work.
Section 4.2 – Michel Aubry
For several years Michel Aubry has been exploring the formal and narrative potential of iconic
works of modernity. Here Aubry proposes a « musical setting », with wood and Sardinian reed
canes, of Melnikov’s 1925 USSR Pavilion. This reinterpretation is part of a series of works
realized by Michel Aubry around Russian constructivism, like the Melnikov Wooden Pavilion
reconstructed in 2005, following his musical settings of Tatlin’s Monument to the Third
International, or Rodchenko’s Workers' Club.
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Section 4.3 – Cyprien Gaillard, Bertrand Lamarche
The exhibition ends by addressing the collapse of modern utopias. The architectural productions
of the Modernist period, based on principles of orthogonality, simplification and rationality,
ended by taking the form of large complexes with limited architectural qualities. This section
highlights the metaphorical collapse of Modernist ideals and even the actual destruction of
buildings produced by this trend.
Cyprien Gaillard’s video, Pruitt-Igoe Falls, takes its title from a social housing complex built in
the 1950s in St. Louis, U.S.A. Rapidly falling into decay, it was demolished barely 18 years after
its construction. By alternating two fixed shots, one showing the destruction of a collective
housing complex in Glasgow, the other the Niagara Falls by night, Cyprien Gaillard creates an
analogy between these two images and invites us to think about the sustainability of these
structures.
Finally, in his installation Haut-du-Lièvre Bertrand Lamarche addresses the housing project built
in the suburbs of Nancy in 1958 by Bernard Zerfuss; in 1968 it housed a community of more
than 12,500 inhabitants. Remembering this district frm his childhood, the artist poses the
question of the social consequences of a project of this kind.
At Aubette 1928
Joust, Ryan Gander
For Aubette 1928, Ryan Gander has designed a series of works exploring the relationship
between modernity and post-modernity. Gander aims to provide a contemporary view of the
forms and concepts of modernity, imbued with pop culture. This series of works was specifically
created as an echo to the Aubette decors.
Liste of Artists Invited
Ryan Gander (born 1976)
Bertrand Lamarche (born 1966)
Cyprien Gaillard (born 1980)
Haegue Yang (born 1971)
Edi Rama (born 1964)
Anri Sala (born 1974)
Xavier Veilhan (born 1963)
Farah Atassi (born 1981)
Michel Aubry (born 1959)
Nicolas Godin (1969)
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5. Catalogue
Hétérotopies. Des avant-gardes dans l’art contemporain
ISBN 9782351251478. 152 pages, approx 80 illustrations.
Price: 35 euros (incl tax)
Texts in French by Pierre-Damien Huyghe, Professor of Plastic Arts and Art Sciences at
Université Paris 1, Panthéon-Sorbonne, and Marjolaine Lévy, Professor of Modern and
Contemporary Art at the École Européenne Supérieure d’Art de Bretagne – Rennes.
Reproductions of the works, accompanied by interviews with the artists and
supplemented by reproductions from their previous work as well as by references to the
Historical Avant-Gardes.
EXTRACTS
Pierre-Damien Huygue. L’aphasie des modernes
Modernité est un mot d’usage à présent si courant qu’on en oublie qu’il ne fut pas de
tout temps dans la langue. Et que, quand il commença à y paraître, ce fut sans le sens
ni les raisons qu’on lui prête aujourd’hui sans y penser assez. Il est bien possible qu’à
cette situation ait part le succès d’un autre mot, commode assurément, d’apparence
intelligente et pourtant peu substantiel. C’est du qualificatif « post-moderne » que je
parle ici, et plus particulièrement de cette idée que l’art contemporain se trouverait par
ce mot suffisamment défini. Pareille idée pose qu’il y a un art d’aujourd’hui (ce que
signifie évidemment « contemporain ») et que, de cet aujourd’hui, il n’y a pas grandchose à dire sinon sa nature chronologique : il est, il serait essentiellement « post ». La
belle affaire !
[…]
« Hétérotopies. Des avant-garde dans l’art contemporain ». De quoi peut-il s’agir ?
De montrer sûrement tout un travail d’artistes contemporains. Pour moi, cela veut dire
d’abord que ces artistes opèrent aujourd’hui et je ne préjuge pas de l’idée d’art sur
laquelle chacun d’eux se sera engagé. Au-delà, il faudra bien voir s’ils sont eux-mêmes
modernes et s’ils ont de la considération, non seulement pour le terme d’avant-garde,
mais pour ce que ce terme, littéralement, recouvre, soit, comme je viens d’essayer de le
faire entendre, tout un principe de la modernité de l’art moderne. Pour l’heure, dans le
titre adopté, il n’est pas explicitement question de modernité. D’hétérotopie, en
revanche, oui. Ce mot est-il une façon de revenir à l’esprit des modernes en art sans
plus avoir affaire aux ambiguïtés terminologiques que je signalais tout à l’heure ?
[…]
Pour M. Foucault, « l’hétérotopie par excellence », c’est « le navire »1. Donc, pas
une œuvre, pas un art. Cependant, avant de produire cette déclaration, Foucault a
proposé d’autres exemples, parmi lesquels les jardins et les tapis orientaux, mais aussi
la scène de théâtre ou l’écran de cinéma. Tous ces exemples ont un caractère commun,
celui, explicitement reconnu, d’être des rectangles. J’ajoute pour ma part : « de même
les tableaux ». Bien sûr, il ne s’agit pas ici pour moi de dire que tout ce qui est
rectangulaire est ipso facto voué à l’hétérotopie. C’est l’inverse, plutôt, qu’il y a lieu de
considérer : l’hétérotopie n’irait pas sans une certaine propriété des rectangles. Et c’est
en pensant à ce cadre ou à ce cadrage que M. Foucault écrit : « En général (je souligne),
l’hétérotopie a pour règle de juxtaposer en un lieu réel plusieurs espaces qui,
1
Michel Foucault, Le corps utopique, les hétérotopies, Nouvelles éditions Lignes, 2009, p. 36. Nous
sommes à la toute fin du propos. Le navire n’est donc pas seulement, ni explicitement, le meilleur des
exemples donnés par M. Foucault lui-même, c’est aussi le dernier. « Le bateau, le grand bateau du
XIXème siècle », écrit-il, « est un morceau d’espace flottant, un lieu sans lieu, vivant par lui-même,
fermé sur soi, libre en un sens, mais livré fatalement à l’infini de la mer... »
8
normalement, seraient, devraient être incompatibles »2. Ceux dont nous nous souvenons
comme des modernes en peinture n’ont-ils pas excellemment pratiqué cela, la
« juxtaposition » ? Je soutiendrai longuement, si j’en avais la place, que se trouve là
nommé, « en général » comme dit fort bien M. Foucault, un mode de présence et de
présentation dont l’architecture, aussi, a fait son affaire et qui a pu ou su se substituer
en art au classique principe de la composition. Non pas composer classiquement, c’està-dire en unifiant, mais proposer du côte à côte, de la jointure et, par là, j’y reviens,
manifester un écart ou même seulement produire, d’une manière ou d’une autre, une
ligne d’écart, voilà qui a pu faire l’excellence esthétique de la modernité.
[…]
« Contester, dès la racine, toute possibilité de grammaire... ». De nouveau il me
faudrait de la place pour montrer, et ne pas seulement affirmer (ce que je me
contenterai de faire ici), combien l’idée la plus classique de l’art s’est efforcée de
promouvoir le contraire. Faire quasi-grammaire ou syntaxe (ce n’est pas sans rapport
avec le concept de composition que j’opposais à l’instant à celui de juxtaposition) avec
ou depuis les ingrédients de l’art plastique de la peinture, telle fut en effet longtemps la
grande gageure. De cette gageure, la modernité, justement, s’est défaite au profit de
cette beauté peu ou prou invoquée depuis le texte princeps de Baudelaire. Mais le
contemporain, où en est-il ? Où en est-il s’il ne veut pas, s’il ne veut plus, de la
modernité ou s’il entend, la concurrençant, gagner sur elle ? Ce ne serait pas l’un des
moindres paradoxes de notre temps que de s’apprêter à juger hétérotopiques des
opérations dont l’ambition et même l’enjeu seraient en dernière analyse de défaire les
modernes en art.
[…]
Foucault se souvenait, dans Les Mots et les Choses, que « certains aphasiques
n’arrivent pas à classer de façon cohérente les écheveaux de laines multicolores qu’on
leur présente sur la surface d’une table ; comme si ce rectangle uni ne pouvait servir
d’espace homogène et neutre où les choses viendraient à la fois manifester l’ordre
continu de leurs identités ou de leur différences et le champ sémantique de leur
dénomination. Ils forment, en cet espace uni où les choses normalement se distribuent
et se nomment, une multiplicité de petits domaines grumeleux et fragmentaires où des
ressemblances sans nom agglutinent les choses en îlots discontinus... »3. Dois-je
commenter ? Dois-je dire combien de rectangles picturaux dus aux modernes (mais des
architectures aussi, voire des pièces musicales, des cellules rythmiques, des écarts
tonaux) me viennent à l’esprit à la lecture de ces lignes ? Puis-je dire que me convient,
sinon même, plus généralement et plus objectivement, convient ou devrait convenir en
général l’idée que j’en tire (pourquoi pas d’autres, par conséquent, aussi bien que moi ?)
que la modernité stricto sensu est, aura été en tout cas, profondément aphasique ?
Quoiqu’il en soit, il y a bien ces valeurs à ne pas mésestimer : « les petits domaines
grumeleux et fragmentaires », « les petits îlots discontinus ». Juxtaposition,
fragmentation, discontinuité, voilà en définitive des traits plastiques.
Marjolaine Lévy
Des roseaux et des ruines. D’utopies en hétérotopies.
De Michel Aubry à Xavier Veilhan, de Bertrand Lamarche à Cyprien Gaillard en passant
par Farah Atassi, Ryan Gander, Anri Sala et Haegue Yang, les artistes réunis dans l’exposition
« Hétérotopies. Des avant-gardes dans l’art contemporain », malgré la diversité et les humeurs
2
3
Michel Foucault, Le corps utopique, les hétérotopies, op. cit., p. 28-29.
Michel Foucault, Les mots et les choses, op. cit., p. 10. Je souligne la présence, déjà dans ce texte, de
la référence au rectangle.
9
disparates de leurs productions, ont un dénominateur commun : la relation au modernisme
historique. Depuis une vingtaine d’années, pour nombre d’artistes, se référer au modernisme –
citer ses formes, évoquer son idéologie et explorer son histoire – est devenu un véritable modus
operandi. Il faut savoir reconnaître là comme un véritable fait d’époque. Des expositions telles
que Painting the Glass House : Artists revisit Modern Architecture (2008, The Aldrich
Contemporary Art Museum, Ridgefield, Connecticut), Modernologies (2009, MACBA, Barcelone),
Les lendemains d’hier (2010, Musée d’art contemporain de Montréal), Modernism as a ruin. An
Archaeology of the Present (2009, Fondation Generali, Vienne), Rehabilitation (2010, Wiels,
Bruxelles), Modernity ? (2007, Documenta 12, Kassel), The Way We Live Now, Modernist
Ideologies at Work (2015, Carpenter Center for the Visual Arts Harvard University) ou encore ReCorbusier (2015, Fondation Le Corbusier, Paris), ont montré que le modernisme était au cœur
des préoccupations esthétiques contemporaines.
Le modernisme auquel se réfèrent les œuvres qui témoignent de ce phénomène est
celui des avant-gardes historiques de la première moitié du XXe siècle et de leurs héritiers, et
plus précisément celui des architectes et des designers. Si les architectures les plus connues de
Le Corbusier et de Mies van der Rohe, si le design iconique de Wagenfeld ou de Marcel Breuer
tiennent une place de premier ordre dans bien des productions de la période récente, certains
artistes choisissent toutefois de travailler sur des architectes et des designers moins célèbres,
parfois inconnus. Que les acteurs des histoires racontées par ces œuvres contemporaines soient
des figures de premier plan ou plus secondaires, des pionniers ou des suiveurs, tous
appartiennent à ce moment de l’histoire où, du Bauhaus à De Stijl, du purisme au
constructivisme, une religion du Nouveau et un culte de la Fonction, dans une conjonction de
morale, de passion technique et de culture du beau, se sont emparés de la conscience
esthétique et où, au nom des effets sociaux de l’art, la question même de la disparition de celuici s’est posée.
Si les œuvres présentées au Musée d’art moderne et contemporain de Strasbourg et à
l’Aubette revisitent, chacune à sa façon, le grand récit moderniste, toutes peut-être commercent
avec l’utopie moderniste d’une manière que permet sûrement d’éclairer le célèbre texte
qu’écrivit Michel Foucault en 1967, à l’occasion d’un séjour en Tunisie : Des espaces autres. «
Des lieux réels, des lieux effectifs, des lieux qui sont dessinés dans l’institution même de la
société, et qui sont des sortes de contre-emplacements, sortes d’utopies effectivement réalisées
dans lesquelles les emplacements réels, tous les autres emplacements réels que l’on peut
trouver à l’intérieur de la culture sont à la fois représentés, contestés et inversés, des sortes de
lieux qui sont hors de tous les lieux, bien que pourtant ils soient effectivement localisables. Ces
lieux, parce qu'ils sont absolument autres que tous les emplacements qu'ils reflètent et dont ils
parlent, je les appellerai, par opposition aux utopies, les hétérotopies ; et je crois qu'entre les
utopies et ces emplacements absolument autres, ces hétérotopies, il y aurait sans doute une
sorte d'expérience mixte, mitoyenne, qui serait le miroir.4 ». Comme exemples d’hétérotopies,
Foucault cite notamment les prisons, les maisons de repos, les cliniques psychiatriques, les
cimetières mais également les salles de théâtre et de cinéma, les bibliothèques, les musées et
les jardins.
À cette liste, l’historien pourrait probablement ajouter les lieux reproduits par des
œuvres d’art. Si la représentation d’un espace soulève la question de l’hétérotopie – l’œuvre
d’art pouvant apparaître comme l’un de ces espaces autres évoqués par Foucault –, le rapport
d’une telle représentation avec le modernisme historique donne à cette question encore plus de
force puisque l’hétérotopie y dialogue alors, comme officiellement, avec l’utopie. Plus peut-être
qu’aucun autre objet, la maquette d’architecture moderniste, telle qu’elle apparaît dans les
travaux de différents artistes, manifeste la tension entre utopie et hétérotopie.
Michel Foucault, « Des espaces autres », Dits et écrits II, 1976-1988, Paris, Gallimard, coll. « Quarto »,
2001, pp. 1574-1575.
4
10
6. Educational and Cultural Events
At the Museum Auditorium (MAMCS)
Talks
• Les Modernités (‘Multiple Modernities’), Pierre-Damien Huyghe, 28 February 2017
• Le Revival de la Modernité dans l’Art Contemporain (‘The Revival of Modernity in
Contemporary Art’), Marjolaine Levy, 11 January 2017
• Bertrand Lamarche, 7 March 2017
Films and meetings with artists
•
•
•
Architectones by Xavier Veilhan, François Combin, 70 mins. Meeting with the artist and
the director (Veilhan – date to be announced).
Rodchenko à Paris, Michel Aubry, 1’07’’, 2003/2009 Meeting with the artist (date to be
announced).
Le Haut-du-Lièvre, Bertrand Lamarche, 1989 Meeting with the artist (date to be
announced).
At the MAMCS
Guided Tours
Sundays 11 am
Alternating with the exhibition L’Œil du Collectionneur
18 December, 15 and 29 January, 12 and 26 February, 12 and 26 March,
2, 9, 16, 23 and 30 April
Une Heure/une Œuvre (‘An Hour for an Artwork’)
Fridays 12.30 pm and Tuesdays 2.30 pm
Friday 13 and Tuesday 17 January : Space for Objects, 2013, Farah Atassi
Friday 31 March and Tuesday 4 April : Samson's Nudge, or Vitrail Composition Abstraite
Désaxée, 2011-2016, Ryan Gander
Le Temps d’une Rencontre (‘Meet an Artist / a Specialist’)
Saturday 21 January 2.30 pm with Stéphanie Marin, author of the piece designed for the Salle
des Fêtes, Angles, 2014
N.B. This visit will take place at Aubette 1928.
Saturday 25 March 2.30 pm, with Jean-Marc Stébé, Professor in Sociology, Department of
Sociology, Université de Lorraine
WORKSHOPS
Workshops age 6–11
« Passé recomposé » (‘Revisiting the Present Perfect’)
Saturdays 18 and 25 March, 8 and 29 April 2017 (2.30 pm – 4.30 pm)
Workshop for Young People/Adults
« Lieux possibles » (‘Possible Places’ – Writing Workshop)
Saturday 1st April 2017 (10 am – 12 noon)
N.B. This visit will take place at Aubette 1928.
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Les Petites Formes des Vacances et du Dimanche
(‘Little Art Forms’ on Sundays and Holidays)
Mini Workshops for the family, age from 4 years
« Soyez Modernes ! » (‘Be Modern !’)
2, 12 and 19 April 2017 (continuous from 2.30 pm – 5 pm)
At the MAMCS and at Aubette 1928
Performances
As part of the programme « Shared Passions – In the Heart of the Collections », the Museums
and DRAC Alsace-Champagne-Ardenne-Lorraine have invited the Lola Gatt Dance Company and
the dancer Gaël Sesboué to create a choreographic intervention around the work of Hans Arp
and Sophie Taeuber-Arp. Their artistic residency from October to December at the MAMCS and
Aubette 1928 will be an opportunity for the public to discover a dancer's progression through
the museum and its collections.
Public Workshops at Aubette 1928
5 and 19 November at Aubette 1928
Choreographic Performance
5 February at the MAMCS
To mark the close of his residency, Gaël Sesboüé will perform a choreographic piece inspired by
his exchanges with the public in the context of the museum setting.
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7. Visitor Information
Musée d’Art moderne et contemporain (MAMCS)
Address:
1 Place Hans-Jean-Arp, Strasbourg
tel. 03 68 98 51 55
Opening Times
Open every day except Monday, 10 am - 6 pm
Aubette 1928
Address:
Place Kléber, Strasbourg
tel. 03 68 98 51 60
Opening Times
Wednesday to Saturday 2 pm – 6 pm
Special times are available for group visits organized by the Service Éducatif des Musées or
accompanied by guides from the Strasbourg Tourist Office.
Group Visits
Advance telephone booking is required for groups of more than 10 persons, tel. +33/(0)3 68 98
51 54. Answering hours: Monday to Friday 8.30 am - 12.30 pm (School Holidays 9 am - 12
noon).
Tickets
Standard rate
7 € (reduced rate 3,50 €)
Aubette 1928 - admission free
Admission free
- visitors under age 18
- carte Culture card holders
- Atout Voir card holders
- Museums Pass Musées card holders
- Édu’Pass card holders
- visitors with disabilities
- students of art, history of art and architecture
- persons seeking employment
- recipients of social assistance
- badge-holding employees of Strasbourg Eurometropolis
Admission free to all visitors
1st Sunday in the month
1 day pass 12 €, reduced rate 6 € (access to all Strasbourg museums and temporary
exhibitions),
3 day pass 18 €, reduced rate 12 € (access to all Strasbourg museums and temporary
exhibitions),
Museums Pass Musées – 1 year, 320 museums Individual rate 98 €, family rate 183 € (access
to more than 320 museums, stately residences and gardens in France, Switzerland and
Germany).
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Press kit - Musées de Strasbourg

Transcription

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