Christine AUGER artist statement

CHRISTINE AUGER / ARTIST STATEMENT
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A French artist born in 1978, I specialize in color, saturated and powerful; composition, unexpected and organic; and
fusion, of techniques old and new. I work mostly in the abstract spectrum.
3 interconnected layers structure the body of my artwork:
1. FORM
Above all, I create for the pure pleasure of the aesthetical, for the contemplation of a line or a color. As a result of our
tendency to over-analyze, we’ve lost our capacity to simply watch and feel. Our civilization has rendered contemporary
art too inaccessible and too disconnected from nature. Thus, for me, an abstract shape, a spot of red, a speck of green,
a line of yellow… in balance… allow me to return to the essentials.
I’m not interested in reality. Our space-time, its laws and its functions continue to perplex and annoy me. It’s something I
endure, something I do not recognize as part of myself. That’s why I withdraw into abstraction and remain — willingly —
in my own world, filled with music and colors, which later pour out into my paintings.
2. TECHNOLOGY
I prefer painting because it allows me to create without constraints, to see without a frame. And because painting is
earthly and organic, interacting with all of my senses.
But if you listen to art critics, everything has been said and done in 100 years of abstract painting. No. To me, abstract
painting remains relevant, and I want to contribute to its development with the help of modern technologies, to continue
a never-ending experiment.
And it’s not only the technique that makes an artwork original. It’s also the artist. By remaining true to herself, true to
what she is as an individual. I’m the unique result of a weird mix of tastes and experiences. The fusion of contradictory
elements, the combination of epochs and genres. Of African funk and minimal techno. Of Reims’ bourgeoisie and Benin
voodoo. Of Liszt suites and Russian SKA. Of catholic and pagan. Of Liquitex smell and digital asepticity.
So, yes, a medium that’s more than 40 000 years old, but acrylic, invented in the 1950’s. Pigments used for centuries,
but suspended in an ultra-modern suspension of polymers that I apply onto an everyday, contemporary material: scotch
tape. When I was a kid, they’d tape my mouth to shut me up. Today, I tape to express myself.
I turn on a light box, unroll a bit of scotch tape, mix some acrylics, gouache and inks… And in a musical trance, I
scotch-tape the paints. Smearing over directly or pasting with micro-tools. I spread, brush, scratch and smudge, tear
and crack… in a controlled and compositional manner. Then I let the tape bands dry, vertically. In a next step, I get out a
photo film loupe, so dear to photographers just 10 years ago, to examine the result at a closer range. That’s when I
recompose and “frame” parts of the scotch bands with Gepe slide mounts, the way a photo lab would do. A technique
inspired by photographer Anatoly IVANOV, who, in 1999, was developing his 35 mm film in rolls and then editing it with
scissors. Afterwards, I digitize each such “painting-slide” with a digital camera and a macro lens. And it’s this result of
eclectic techniques — traditional and digital, tactile and virtual — that shows up on an iPad, a computer screen, projects
to music, on scene and of course prints out on multiple media and formats (paper, glass, concrete… A2 or 200 meters).
3. TRANSCENDENCE
Whatever the format, I paint what I perceive. And I perceive 2 realities at the same time: the tangible reality, the shapes
and colors in my hands, the “normal” reality, classified by science as “ordinary matter”; and also the “paranormal”
reality, maybe the 95% of the Universe of which science has no understanding yet. Dark matter and energy? Chi?
Prana? Absolute? God?
I feel it in everything, everywhere, a strange force that overflows me. And instead of ignoring it, instead of relegating it to
hallucinations, to religious exaltation, I prefer to interpret it in my own way: by painting it. In my opinion, being an artist is
not about fun, glamor or money. Being an artist is about a mission: to make visible that which humanity tends to
overlook.
And although my paintings are material, I’m also painting the immaterial, the beyond-perceptible, the transcendental. My
paintings transpose my daily experience of the transcendental to others. And when I succeed at this transfer, the viewer
wonders in awe, in the same way I did at the moment of painting.
Some view my paintings as living cells, some — as galaxies. Abstract or figurative, organic or cosmic, cerebral or
contemplative… it’s up to each viewer of my paintings to touch the Absolute or simply the Beautiful, in his or her own
way. And without words.
/ FR
Artiste française, née en 1978, je me caractérise par la couleur, forte et saturée; la composition, inattendue et organique;
la fusion de techniques, anciennes et modernes. Je travaille essentiellement dans le registre abstrait.
3 strates superposées et interconnectées composent mon travail:
1. LA FORME
Je crée avant tout pour l’esthétique pure, la contemplation d’une ligne, d’une couleur. À force de trop intellectualiser,
nous avons perdu la capacité de regarder et ressentir. Notre civilisation a rendu l’art trop inaccessible et éloigné de la
nature. Alors pour moi, une forme abstraite, le rouge, le vert, le jaune, un trait… en équilibre… permettent de revenir à
l’essentiel.
La réalité ne m’intéresse pas. Notre espace-temps, ces lois et son fonctionnement me laissent perplexe. Je les subis, je
ne me reconnais pas en eux. C’est pourquoi, je me réfugie dans l’abstraction et reste volontiers dans mon monde rempli
de musique et de couleurs, qui se déversent ensuite dans mes peintures.
2. LA TECHNOLOGIE
Je préfère la peinture parce qu’elle permet de créer sans restriction, de regarder sans cadre. Et parce que, terrestre et
organique, elle interagit avec tous mes sens.
Mais à écouter les historiens de l’art, tout a été dit en 100 ans de peinture abstraite… Non. Pour moi, elle reste
d’actualité et je veux contribuer à son avancement grâce aux technologies contemporaines, une expérimentation sans
fin…
Et ce n’est pas tant la technologie qui fait l’originalité d’une œuvre, mais l’artiste, en restant fidèle à ce qu’il est comme
individu. Je suis le résultat unique de goûts, de vécus, de mélanges improbables. La fusion d’éléments contradictoires,
le mix d’époques et de genres. Funk africain et techno minimale. Bourgeoisie rémoise et vaudou béninois. Suites de
Liszt et jurons du SKA russe. Catholique et païen. Odeur du Liquitex et asepsie du binaire.
Donc, oui, un medium vieux de plus de 40 000 ans, mais acrylique, inventé dans les années 1950. Des pigments utilisés
depuis des siècles, mais suspendus dans une émulsion de polymères ultra-modernes que je pose sur un support
contemporain: le ruban adhésif, le Scotch 3M. Petite, on me «scotchait» la bouche pour me faire taire. C’est désormais
mon support d’expression.
J’allume une table lumineuse, je déroule les rubans adhésifs, je mélange acrylique, gouache et encre… Puis dans une
transe musicale, je scotche la peinture par-dessus. Directement ou à l’aide de micro-outils. J’étale, je frotte, je gratte, je
déchire, je frappe et craquelle. Le tout de manière contrôlée et composée. Puis je fais sécher les bandes à la verticale.
Et enfin je sors une loupe à diapos, si chère aux photographes il y a seulement 10 ans. Je scrute le résultat de plus près.
J’en ressors des compositions que je «cadre» dans des caches diapositives Gepe, tel un labo photo. Une technique
inspirée du photographe Anatoly IVANOV, qui, en 1999, faisait développer ses pellicules 135 en bandes, puis les éditait
aux ciseaux. C’est alors que je numérise chaque «diapo/peinture» à l’aide d’un appareil photo doté d’un objectif macro.
Et c’est ce résultat de techniques éclectiques – traditionnelles et numériques, tactiles et virtuelles – qui s’affiche sur
iPad, écran d’ordinateur, se projette en musique, sur scène, et même s’imprime sur de multiples supports et formats
(papier, verre, béton… A2 ou 200 mètres).
3. LE TRANSCENDANTAL
Quelque soit le format, je peins ce que je perçois. Or je perçois au même instant 2 réalités: la réalité tangible, les formes
et les couleurs entre mes mains, la réalité «normale», classée par la science comme «matière ordinaire»; mais aussi la
réalité «paranormale», peut-être la partie de ces 95% de l’Univers dont la science n’a presque aucune compréhension.
L’énergie et la matière noire? Le Chi? Le Prana? L’Absolu? Le Dieu?
Je la sens présente dans tout, une force étrange qui me submerge. Et au lieu de l’ignorer, de la reléguer aux
hallucinations, à l’exaltation religieuse, je préfère l’interpréter à ma façon, en la peignant. Selon moi, être artiste n’est pas
une question de fun, de glamour ou d'argent… C’est un devoir: celui de rendre visuel ce que l’humanité tend à occulter.
Et bien que mes peintures soient matérielles, je dépeins aussi ce qui est au-delà du perceptible, le transcendantal. Mes
peintures transposent mon expérience quotidienne du transcendantal aux autres. Quand je réussis ce transfert, le
spectateur s’émerveille à son tour.
Certains voient dans mes peintures des cellules, d’autres — des galaxies. Abstrait ou figuratif, organique ou cosmique,
cérébral ou contemplatif… c’est à chacun de toucher l’Absolu ou tout simplement le Beau, à sa manière. Et sans parole.