RFCB vol 17-4 Résumés-Abstracts

Cécile DOUSTALY
LE RÔLE DE L’ACTION PUBLIQUE DANS LA RENAISSANCE
MUSICALE ANGLAISE (1940-1960)
Cet article analyse la façon dont l’État a encouragé la musique durant la Seconde
Guerre mondiale et les questionnements liés aux missions qui furent assignées
ensuite à l’Arts Council : démocratisation et / ou excellence. Si les institutions
musicales furent consolidées et l’offre accrue, Covent Garden, nouvel opéra
« national », fut critiqué pour la faiblesse de sa gestion et le niveau inégal de ses
productions et des chanteurs britanniques, mais ce furent les commandes d’œuvres
musicales originales, visant à étoffer un répertoire anglais limité, qui constituèrent le
réel écueil pour l’organisme.
GOVERNMENT AND POST WAR MUSICAL RENAISSANCE IN BRITAIN
(1940-1960)
This article analyses the way in which the State encouraged music during the
Second World War and the questions surrounding the missions henceforth assigned
to the Arts Council: democratisation and/or excellence. If musical institutions were
strengthened and offer increased, Covent Garden, the new ‘national’ opera, was
criticized for weak management, uneven productions and the singing standards of
the British singers, but the real pitfall for the Council lay in the commission of new
musical works aimed at enlarging a limited English repertoire.
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Pierre DEGOTT
MYTHE OU RÉALITE ? LE RÔLE DU BEGGAR’S OPERA DANS LA
RENAISSANCE DE LA MUSIQUE ANGLAISE
Cet article cherche à examiner de quelle manière les reprises modernes du Beggars’s
Opera de John Gay, autant celle de la saison 1878-79 que les représentations de
Hammersmith au début des années 1920, ont pu avoir un impact sur la Renaissance
de la musique anglais au tournant du XXe siècle. Après avoir étudié la question
nationaliste et identitaire soulevée lors de la création de l’œuvre en 1728, il se
penche sur la réception à l’époque moderne, ainsi que sur les nouvelles tentatives de
renouer avec le genre quelque peu oublié du ballad opera.
MYTH OR REALITY ? THE ROLE OF THE BEGGAR’S OPERA IN THE
RENAISSANCE OF ENGLISH MUSIC
This article aims at examining how the modern revivals of John Gay’s The Beggar’s
Opera, both those of the 1878-1879 season in London and the performances at
Hammersmith in the early 1920s, influenced the second Renaissance of English
music at the turn of the twentieth century. After studying the identity question and
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the nationalistic issue raised when The Beggar’s Opera was first performed in 1728,
it focusses on the later reception of the work, and eventually on twentieth-century
attempts to revive, modernize and redefine the somewhat forgotten genre of the
ballad opera.
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Sophie AYMES
THE 1946 PRODUCTION OF THE FAIRY QUEEN IN COVENT GARDEN:
‘A TRIUMPH OF BRITISH MUSIC AND STAGECRAFT’?
The 1946 production of Henry Purcell’s Fairy Queen in Covent Garden was staged
to mark the beginning of a new musical era. It was based on the unity of music,
ballet and design, the symbol of an ideal social cohesion notably fostered by state
patronage, and the partnership between Constant Lambert, Michael Ayrton and
Frederick Ashton was informed by the aesthetic agenda of the Romantic Moderns.
However the failure to convey a successful sense of harmony reflects the tensions
inherent to this transitional period.
LA REPRÉSENTATION DU FAIRY QUEEN DE PURCELL À COVENT
GARDEN EN 1946 : « LE TRIOMPHE DE LA MUSIQUE ET DES
TECHNIQUES DE SCÈNE BRITANNIQUES » ?
La production de The Fairy Queen de Henry Purcell à Covent Garden en 1946
marque le début d’une nouvelle ère musicale. Fondée sur l’unité entre musique,
danse et décor, elle symbolise un idéal de cohésion sociale, dérivant notamment du
mécénat étatique, et illustre l’esthétique des Romantic Moderns à l’œuvre dans la
collaboration entre Constant Lambert, Michael Ayrton et Frederick Ashton.
Toutefois l’absence de réelle harmonie du spectacle reflète les tensions marquant
cette période de transition.
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Gilles COUDERC
DE OUR HUNTING FATHERS AU WAR REQUIEM: BRITTEN ET LA
TRADITION MUSICALE ANGLAISE
Cet article cherche à évaluer la place de Benjamin Britten dans la tradition de
musique anglaise, celle de Purcell et de Dowland mais aussi celle « inventée » par
les acteurs de la Renaissance musicale anglaise et du Royal College of Music à
travers ses écrits et ses œuvres de 1936 à 1963, l’année de ses cinquante ans. En
dépit d’un rejet des pratiques et de l’esthétique du RCM symbolisés par son aîné
Ralph Vaughan Williams, d’un éclectisme revendiqué, d’une ouverture vers les
avant-gardes musicales du Continent ou le langage musical de l’Extrême-Orient, le
compositeur poursuit la tradition séculaire pré-haendélienne. Il revisite celle de ses
devanciers britanniques des années 1880 -1910 dans sa défense de la langue anglaise
RÉSUMÉS / ABSTRACTS
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et son recours à la tradition chorale et poursuit le combat de ses aînés pour la
reconnaissance de la musique comme art majeur dans la société britannique.
FROM OUR HUNTING FATHERS TO THE WAR REQUIEM: BRITTEN
AND THE ENGLISH MUSICAL TRADITION
This article aims at evaluating the position of Benjamin Britten in the English
musical tradition of Dowland and Purcell but also in the tradition ‘invented’ by the
actors of the English Musical Renaissance and of the Royal College of Music though
his writings and compositions from 1936 to his fiftieth birthday in 1963. Despite his
rejection of RCM aesthetics and practices embodied in Ralph Vaughan Williams,
despite his claim for eclecticism, his liking for European musical avant-gardes or
his discovery of Far East musical idioms, Britten follows in the pre-Handel tradition
and revisits that invented by his forebears of the English Musical Renaissance in his
defence of the English language and borrows from the English choral tradition in
his will to pursue and achieve the goal of his predecessors, the recognition of music
as one of the major arts by British society.
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Jean-Philippe HEBERLÉ
ALAN BUSH’S LIFELONG COMMITMENT TO MARXISM, OR HIS
CONTRIBUTION TO THE ‘REBIRTH’ OF ENGLISH OPERA THROUGH
WAT TYLER (1950)
AND MEN OF BLACKMOOR (1956)
Alan Bush (1900-1995) is a rather neglected English composer whose career
spanned over several decades of what is generally termed as the second Renaissance
of English music. His four operas express his socialist and Marxist ideas. This
article will most particularly focus on Alan Bush’s first two operas—Wat Tyler
(1950) and Men of Blackmoor (1956)—which are based upon real English social and
historical events and testify to his lifelong commitment to Marxism and communism
as well as to his contribution to the ‘rebirth’ of English Opera in the 1950s.
L’ENGAGEMENT MARXISTE DE ALAN BUSH,
OU SA CONTRIBUTION À LA
« RENAISSANCE » DE L’OPÉRA ANGLAIS À TRAVERS
WAT TYLER (1950) ET MEN OF BLACKMOOR (1956)
Alan Bush (1900-1995) est un compositeur anglais peu étudié et peu joué dont la
carrière couvre plusieurs décennies de ce que l’on appelle communément la seconde
Renaissance de la musique anglaise. Ses quatre opéras expriment ses idées
socialistes et marxistes. Cet article porte plus particulièrement sur ses deux
premiers opéras – Wat Tyler (1950) et Men of Blackmoor (1956) – qui se fondent
sur de véritables événements sociaux et historiques anglais et témoignent du long et
profond engagement marxiste et communiste du compositeur ainsi que de sa
contribution à la « renaissance » de l’opéra anglais au cours des années 1950.
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Pierre DUBOIS
‘ROLL OVER, HANDEL’: PAUL MCCARTNEY’S ECCE COR MEUM
AND THE ENGLISH ORATORIO TRADITION
This article investigates the relationship between former Beatle Paul McCartney’s
oratorio Ecce Cor Meum (2006) and the English Handelian oratorio tradition. It is
suggested that there is a paradoxical tension between tradition and the delusive
claim to innovation of this work which is actually quite ‘conservative.’ McCartney’s
oratorio is examined in terms of its ideological meaning in contemporary British
society and its success attributed to the ‘Promsification’ of the classical scene in the
UK.
« ROLL OVER, HANDEL » : ECCE COR MEUM DE PAUL MCCARTNEY
ET LA TRADITION DE L’ORATORIO ANGLAIS
Cet article étudie les rapports entre l’oratorio Ecce Cor Meum (2006) de l’ancien
Beatle Paul McCartney et la tradition anglaise de l’oratorio haendélien. Il suggère
qu’il y a une tension paradoxale entre la tradition et un désir d’innovation illusoire
dans la mesure où l’œuvre est très « conservatrice ». L’oratorio de McCartney est
analysé par rapport à sa signification idéologique dans la société britannique
contemporaine et son succès attribué à la « Promsification » de la scène classique
au Royaume-Uni.
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Yolanda MORATO
EZRA POUND AND ANTHEIL: MODERNIST MUSIC AND AVANTGARDE IDENTITY IN ENGLAND
American musician George Antheil created a free-composing technique he
developed in Europe—first in Berlin and finally in Paris, where he settled in 1923.
He would spend ten years in the French capital, surrounded by many American
writers and artists, before going back to the United States. Through the examination
of what Ezra Pound called ‘musical rhetoric’ in his essay devoted to the composer, I
will examine how Pound found in Antheil the necessary figure to complete his
conception of avant-garde aesthetics in England, where the impact of the First
World War had dramatic consequences on Music and Literature.
EZRA POUND ET ANTHEIL : MUSIQUE MODERNE ET IDENTITÉ DE
L’AVANT-GARDE EN ANGLETERRE
RÉSUMÉS / ABSTRACTS
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Le musicien américain George Antheil a créé une technique de libre composition
qu’il a développée en Europe – la première fois à Berlin et enfin à Paris, où il
s’installe en 1923. Il a vécu dix ans dans la capitale française, entouré par de
nombreux écrivains et artistes américains, avant de revenir aux États-Unis. À
travers l’examen de ce que Ezra Pound appelait « la rhétorique musicale » dans son
essai consacré au compositeur, je vais analyser comment Pound a trouvé chez
Antheil la figure nécessaire pour compléter sa conception de l’esthétique avantgardiste en Angleterre, où l’impact de la Première Guerre mondiale a des
conséquences dramatiques sur la musique pendant plusieurs années.
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Marik FROIDEFOND
PHILIPPE JACCOTTET À L’ÉCOUTE DES « LESSONS » DE PURCELL
En 1981, Philippe Jaccottet écrit une suite de poèmes dédiée à Henry Purcell, dont la
musique lui paraît tracer les voies d’un nouveau modèle poétique. À travers le
portrait fantasmatique de Purcell en berger céleste et « tisserand des ruisseaux
surnaturels », Jaccottet dessine l’idéal d’une poésie plus patiente, plus tendre et plus
blanche, dont la grâce juvénile et la simplicité rustique, qualités selon lui toutes
baroques, contribueraient à mettre à distance le romantisme et ses valeurs. Cet
intérêt de Jaccottet pour Purcell, perçu par beaucoup à cette époque comme nouvel
emblème du mythe identitaire anglais, est cependant singulier. Il contraste avec la
prédilection plus habituelle de ses contemporains pour Couperin, Rameau ou Bach,
érigés en symboles de francité ou de germanité. En se tournant vers Purcell, il s’agit
cependant moins pour Jaccottet de contribuer à la construction d’une (autre) identité
nationale que de refuser précisément toute stratégie nationaliste en sortant de
l’opposition franco-germanique et des enjeux esthétiques et politiques qu’elle
véhicule en Europe depuis la fin du XIXe siècle.
PHILIPPE JACCOTTET LISTENS TO PURCELL’S ‘LESSONS’
In 1981, Philippe Jaccottet wrote poems organised as a suite, ‘To Henry Purcell,’ in
which he praises Purcell’s music and chooses him as the model of a new conception
of poetry. Through Baroque music and Purcell’s dreamed portrait of a celestial
shepherd and of a ‘weaver of supernatural streams,’ Jaccottet provides a model for
new poetic forms—more patient, more tender and purer—that eschew the rhetorical
developments of the Classics, the long Romantic narrative poems or lyricism, made
impossible after Auschwitz. Those aesthetic choices imply ideological and political
ones. Adopting Purcell as a model does not so much contribute to forging a new
national identity as to refusing the nationalist stances of his contemporaries who
made Couperin or Rameau the model of French identity or Bach the symbol of
German identity, and conveys the will to evade French-German oppositions.