electronic music

Transcription

electronic music

SUMMARY
ELECTRONIC MUSIC
p.08
p.12
p.18
Kate Tempest at the Sonar Festival
Kiasmos at the Sonar Festival
Howling at the Sonar Festival
Nicola Cruz at the Sonar Festival
Roots Manuva at the Sonar Festival
Yung Lean at the Sonar Festival
CONTEMPORARY DANCE
“Borderline”
“Les mémoires d’un seigneur”
“At the same time”
“Souls”
“The Old King”
JAZZ
LIVE AT JAZZ A VIENNE
Jacob Collier
Robyn McKelle
Nox.3
Greg Zlap - Air
Chucho Valdes - Tribute to Irakere
Avishai Cohen’s New York Division
Maceo Parker
Roy Hargrove Quintet Special Guest Yasiin Bey (Aka Mos Def)
The Golden Gate Quartet – 80 Years
Ayo
Hypnotic Brass Ensemble
Tom Harrell “Colours of a Dream”
Moutin Factory Quintet
Daniel Humair Quartet
Manu Katche, Richard Bona, Eric Legnini & Stephano di Battista
Sergio Mendes
Jamie Cullum
Bobby McFerrin
Taj Mahal & Bassekou Kouyate
Daptone Super Soul Revue
Paolo Fresu Quintet
Jungle by Night
3
CULLY JAZZ FESTIVAL
Martin & Wood and Nels Cline
Marc Ribot Ceramic Dog & Medeski
Cheick Tidiane Seck 6tet & Guests
Steve Coleman & Five Elements
Brian Blade
Marc Perrenoud Trio
Carla Bley Trio
Portico Quartet
BARCELONA JAZZ FESTIVAL
Rumba Para Bebo
Chucho Valdes & Afro Cuban Messengers
Omar Sosa live at Barcelona Jazz Festival
ST EMILION JAZZ FESTIVAL
Alexander Monty “The Full Monty”
Jacky Terrasson and guests
Richard Galliano - Homage to Nino Rota
4
CLASSICAL p.43
OPERA
La Bohème
I Capuleti e i Montecchi
Lucia di Lammermoor by Gaetano Donizetti Gran Teatre Del Liceu
Norma de Vincenzo Bellini - Gran Teatre del Liceu
Das Rheingold - Gran Teatre del Liceu
The Tales of Hoffman
BALLET
Bejart Ballet Lausanne - Light at Chaillot
Béjart Ballet Lausanne
LONDON SYMPHONY ORCHESTRA
Sir John Eliot Gardiner conducts Mendelssohn
Sir Simon Rattle conducts Bruckner & Messiaen with Pierre-Laurent Aimard
Sir Simon Rattle Conducts Delage, Ravel & Dutilleux with Leonidas Kavakos
Michael Tilson Thomas conducts Matthews, Gershwin and Shostakovich
with Yuja Wang
Sir Simon Rattle conducts Weber, Berg, Ligeti & Stravinsky
with Barbara Hannigan
Sir John Eliot Gardiner conducts Mendelssohn & Schumann
Valery Gergiev conducts Berlioz
Valery Gergiev conducts Brahms & Szymanowski
TOULOUSE CAPITOL NATIONAL ORCHESTRA
Tugan Sokhiev conducts:
- Messiaen, Dutilleux, Debussy and Stravinsky with Gautier Capuçon (cello)
- Beethoven & Bartók with Vadim Gluzman (violin)
- Dutilleux and Ravel With Jean-Frédéric Neuburger
- Kabalevsky, Khatchatourian and Stravinsky with Sergey Khachatryan
- Berlioz’s Requiem: Grand Death Mass with Bryan Hymel
- MacMillan, Webern & Prokofiev with Colin Currie
- Janacek, Martinu & Rachmaninow with Antoine Tamestit
- Tchaïkovsky & Dvorak with Behzod Abduraimov
- Britten, Berlioz & Elgar with Anne Caterina Antonacci
- Mahler’s Symphony n°3 in D minor, called “the Natural”
with Anna Larsson
- Tchaikovsky & Chostakovitch, with Narek Hakhnazaryan
- Chostakovitch with Edgar Moreau
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CLASSICAL Kazuki Yamada conducts Escaich, Saint-Saëns and Ravel with Edgar Moreau
Kazuki Yamada conducts Brahms & Strauss with Adam Laloum
Sagrada Familia –Barcelona Symphony Orchestra conducted by Kazushi Ono
Tedi Papavrami et François-Frédéric Guy au festival Palazzetto Bru Zane
Oslo Philharmonic Orchestra and Gautier Capucon,
conducted by Vasily Petrenko
Oslo Philharmonic Orchestra and Tine Thing Helseth,
conducted by Vasily Petrenko
The Swedish Radio Symphony Orchestra
Orchestre de Paris at the Musikverein in Vienna
Uri Caine & Friends Live at St. Prex Classics
Yuja Wang & Gautier Capuçon at St. Prex Classics
The Tatarstan National Symphony Orchestra in Kazan,
conducted by Alexander Sladkovsky with Denis Matsuev
The Tatarstan National Symphony Orchestra in Kazan,
conducted by Alexander Sladkovsky
Denis Matsuev on piano and the Tatarstan National Symphony Orchestra
Denis Matsuev : 140th anniversary of Rachmaninoff
Denis Matsuev Plays Rachmaninoff - Best Of
Orchestra of the Age of Enlightenment - Malta
Laurent Petitgirard conducts le Moscow State Symphony Orchestra
Solomon
GRANGE DE MESLAY
Nicholas Angelich à la Grange de Meslay
Quatuor Prazak et Raphaël Sévère à la Grange de Meslay
Nikolaï Luganski at the Grange of Meslay
Matan Porat
6
WORLD MUSIC
p.83
p.87
Lindigo
Christine Salem
“ZNTH NGRTD” Youssoupha at the Paris Zenith
Davy Sicard at the Saint Gilles Open Air TEAT
Youssoupha, Return to Kinshasa
Youssoupha
I Am Fan
Beat Assailant
Admiral T live at the Zenith in Paris
Zakir Hussain à Fourvière
Dominik Coco
Amel Bent live at the Zenith in Paris
FLAMENCO Carlos Saura’s Flamenco
Cigala & Tango: Gran Rex
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Electronic Music
Length:
52’
Director:
Fabrice Castanier
Producer:
Les Films Jack Fébus
Coproducer:
France Télévisions
Culturebox
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
Australia
HOWLING AT THE SONAR FESTIVAL
Behind the code name, “Howling”, is the duo consisting of Ry X and Frank
Wiedermann. The feature of most of their compositions is the voice of
Ry X, an expressive and charismatic singer whose considerably radical style reflects the name of the group. At his side, Wiedermann develops delicate rhythms and simple melodic structures. The result: an enveloping and majestic sound that reminds one of artists such as Kiasmos,
Tourist, Bob Moses or Junior Boys. The duo has recently made it to the
prestigious and influential Resident Advisor list of the best live performances of 2015. Their concert at the Sónar Hall will be presented with a
spectacular lighting arrangement especially designed for the occasion.
Sous le nom de code « Howling » se cache le duo formé par Ry X et Frank
Wiedermann. La plupart de leurs compositions est marquée par la voix de Ry
X, un chanteur expressif et charismatique dont le style assez radical reflète le
nom du groupe. A ses côtés, Wiedermann élabore des rythmes délicats et des
structures mélodiques simples. Résultat : un son enveloppant et majestueux
qui n’est pas sans rappeler des artistes tels que Kiasmos, Tourist, Bob Moses
ou Junior Boys. Le duo a récemment intégré la prestigieuse et influente liste de Resident Advisor des meilleurs directs de 2015. Leur concert au SonarHall sera présenté avec un spectaculaire dispositif lumineux
spécialement créé pour l’occasion.
UPCOMING OCTOBER 2016
Length:
52’
Director:
Fabrice Castanier
Producer:
Coproducer:
Culturebox
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
Ecuador
NICOLA CRUZ AT THE SÓNAR FESTIVAL
The work of Nicola Cruz follows a clear line, deriving its inspiration from his native
land: the Andes Cordillera (Crus lives and works in Quito). He takes nourishment
from the landscapes, the folklore and characteristic sounds of the Cordillera and
the Amazon Forest, which he has skillfully incorporated into seductive electronic
sounds in his first album Prendar el Alma, presented on stage at the Sónar Hall.
Crus began his career as a percussionist before quickly succumbing to a passion for electronic music. His music is an original mix of traditions and technologies, which inspire both the exploration of wide open spaces and intimate, personal introspection.
Le travail de Nicola Cruz traduit une ligne claire et puise son inspiration dans
son pays natal : la Cordillère des Andes (Cruz vie et travaille à Quito). Il se nourrit des paysages, du folklore et des sonorités caractéristiques de la cordillère
et de la forêt amazonienne, qu’il a savamment incorporés à de séduisantes sonorités électroniques, dans son premier album « Prender el Alma », présenté
sur la scène Hall du Sonar.
Cruz a commencé sa carrière en tant que percussionniste avant de succomber
rapidement à la passion de la musique électronique. Sa musique est un mélange original de traditions et de
technologies, qui incite à la fois à l’exploration des grands espaces et à une introspection intime et personnelle de soi.
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Electronic Music
Length:
52’
Director:
Fabrice Castanier
Producer:
Coproducer:
Culturebox
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
UK
ROOTS MANUVA AT THE SONAR FESTIVAL
Universally admired and considered to be one of the foremost hip-hop rappers of our day, Roots Manuva has just created his sixth studio album Bleeds.
The singer from Stockwell in South London worked on his new opus with the
young English producer, Fred, as well as musical giants like Four Tet, Adrian
Sherwood and Switch. Together they have put together an album of sharp and
complete compositions, which exude a certain wisdom and obvious mastery
of his own language. Manuva takes inspiration from extremely personal soul
beats (with samples by Barry White), dub, jazz-funk, and occasionally techno
to add spice to his hip-hop. His presence, solo, on the stage of the Sónar Hall
has raised the bar even higher this year.
Now signed with Big Dada, a Ninja Tune label specializing in hip-hop, Roots
Manuva has built a solid career as a rapper with disks such as “Awfully Deep”
and Run Come Save Me”, classics of their kind.
Mondialement admiré et considéré comme étant l’un des rappeurs les plus
importants du hip-hop actuel, Roots Manuva vient de réaliser son sixième album studio, « Bleeds ». Ce chanteur originaire de Stockwell, dans le sud de
Londres, a travaillé sur ce nouvel opus avec le jeune producteur anglais Fred, ainsi qu’avec des géants de la
musique comme Four Tet, Adrian Sherwood et Switch. Ensemble, ils ont concocté un album avec des compositions pointues et abouties qui dégagent une certaine sagesse et une maîtrise évidente de son propre
langage. Manuva s’inspire de pulsations soul très personnelles (avec des samples de Barry White), du dub,
du jazz-funk et ponctuellement de la techno qui vient pimenter son hip hop. Sa présence en solo sur la scène
du SónarHall a mis la barre encore plus haute cette année.
Désormais estampillé Big Dada, un label de Ninja Tune spécialisé dans le hip hop, Roots Manuva a su développer une solide carrière de rappeur avec des disques tels que “Awfully Deep” et “Run Come Save Me”, des
classiques du genre.
Length:
52’
Director:
Fabrice Castanier
Producer:
Coproducer:
Culturebox
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
Sweden
YUNG LEAN AT THE SÓNAR FESTIVAL
When only 20 years old, Yung Lean, the leader of the Sad Boys collective, demonstrated from the outset wide freedom with the codes of hip-hop and imposed
his strong personality, open to a host of influences. After a year of rest and reflection (his only creation was “Crystal Clear Ice” on Adult Swim and a remix),
he released a new album in February 2016, “Warlord”, already hailed as a work
brimming with hits. Today, Yung Lean is boosting his bass, sharpening his
rhythms (closer to techno) and rapping in a more open way, while preserving
those melancholic and emotional touches that characterize his earlier works.
His show on the stage at Sónar Hall confirms his rapidly growing reputation.
A tout juste 20 ans, Yung Lean, leader du collectif Sad Boys, affiche d’emblée
une grande liberté avec les codes du hip-hop et impose sa forte personnalité,
ouverte à de multiples influences. Après un an de repos et de réflexion (sa
seule réalisation fut “Crystal Clear Ice” sur Adult Swim et un remix), il sort
un nouvel album en février 2016, “Warlord”, déjà salué comme un opus riche
en tubes. Yung Lean renforce aujourd’hui sa basse, affine ses rythmes (plus
proches de la techno) et rappe de manière plus franche, tout en conservant les
touches mélancoliques et émotionnelles qui caractérisaient ses précédents
travaux. Son show sur la scène du SonarHall confirme sa notoriété en pleine expansion.
10
Electronic Music
Length:
60’
Director:
Fabrice Castanier
Producer:
Coproducer:
Culturebox
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
Iceland
Length:
63’
Director:
Fabrice Castanier
Producer:
Coproducer:
Culturebox
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
United Kingdom
KIASMOS AT THE SONAR FESTIVAL
Kiasmos is a duo consisting of Olafur Arnalds and Janus Rasmussen. One is famous for his blend of piano and electronic, the other for being part of the electro-pop band, Bloodgroup. They pool
their talents in Kiasmos to explore minimalism and the experimental.
Kiasmos is the meeting of Icelander, Olafur Arnalds, known for his piano compositions mixed with electronic and Feroien Janus Rasmussen, a member of
the electro-pop band, Bloodgroup. Founded in 2014, their collaboration was
sealed with the release of a first, eponymous album in the same year. Kiasmos
puts a premium on minimalism and experimental compositions with the objective of exploring electronic sound.
Kiasmos est un duo réunissant Ólafur Arnalds et Janus Rasmussen. L’un
est connu pour mélanger piano et électronique, l’autre pour faire partie du
groupe electro-pop Bloodgroup. Les deux réunissent leur talent dans Kiasmos pour approfondir minimalisme et expérimental. Kiasmos, est la réunion
de l’Islandais Ólafur Arnalds, reconnu pour ses compositions au piano mêlées
à l’électronique, et di Féroïen Janus Rasmussen, membre du groupe d’electro-pop Bloodgroup. Fondé en
2014, la collaboration des deux se cristallise par la sortie d’un premier album éponyme la même année.
Kiasmos chérit le minimalisme et compositions expérimentales avec pour ambition l’exploration des sons
électroniques.
KATE TEMPEST AT THE SÓNAR FESTIVAL
2013 recipient of the prestigious Award, granted each year to a new work in
the realm of English poetry, KATE TEMPEST began using her prodigious talent
for word play by taking the record market by storm with her first disk on Big
Dada, the baby brother of hip-hop label, Ninja Tune. The album’s production
was entrusted to the expert hands of Dan Carey - a collaborator of, amongst
others, M.A.I and Kylie Minogue - and also one of the four members of the
band that backs TEMPEST during her live performances. Born in South-East
London in 1985, TEMPEST began as an amateur MC and Slam performer on
the circuit she now knows like the back of her hand. She then launched into
poetry and playwriting and recorded the album Balance with the band SOUND
OF RUM, all the while writing the collection of poetry “Everything In Its Own
Way”. Her first album on the Big Dada label was nominated for the Mercury
Music Prize and on the same day she was entered on the list of the Poetry
Book Society, which features the most important young poets in the country.
Récompensée en 2013 par le prestigieux Award, accordé chaque année à une nouvelle œuvre dans le domaine de la poésie en Angleterre,
KATE TEMPEST a recommencé à utiliser son énorme talent pour manier les mots pour prendre d’assault
le marché discographique avec son premier disque sur Big Dada, le petit frère du label hip-hop Ninja
Tune. La production de l’album a été placée dans les mains expertes de Dan Carey – collaborateur entre
autre de M.A.I. et Kylie Minogue – qui fait également partie des 4 membres de la formation qui accompagne TEMPEST dans ses prestations live. Née dans le Sud-Est de Londres en 1985, TEMPEST a débuté comme MC amateur et performeur de Slam sur un circuit qu’elle connait maintenant sur le bout des
doigts. Elle s’est ensuite lancée dans la poésie et l’écriture de pièces de théâtre, et enregistre l’album «
Balance » avec le groupe SOUND OF RUM, tout en écrivant le recueil de poésie « Everything In Its Own
Way ». Son premier album, signé sur Big Dada a été nommé au Mercury Music Prize, et le même jour elle
fut inscrite sur la liste du Poetry Book Society qui regroupe les plus importants jeunes poètes du pays.
Le Sónar, créé en 1994, est un événement mondial; le festival n’est pas seulement tenu à Barcelone. Il est organisé dans de nombreuses autres villes comme Reykjavik, Buenos Aires, New York, Londres, Lisbonne, Tokyo, Toronto, Francfort, Oakland et bien d’autres destinations dans le monde entier.
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Contemporary dance
Length:
70’
Director:
Tommy Pascal
Producer:
Coproducers:
Mezzo
M_Media
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
France
“BORDERLINE”
Artistic Director
Wang Ramirez
Dancers
Christine Joy Alpuerto Ritter
Louis Becker
Johanna Faye
Kai Gaedtke
Mustapha Saïd Lehlouh
Sébastien Ramirez
Honji Wang
And the voices of
Chung-Won Wang et Henri Ramirez
Composition
Jean-Philippe Barrios
With the participation of
Christophe Isselee
Rig coordination
Jason Oettlé
Lighting and technical direction
Cyril Mulon
Scenography
Paul Bauer
Costumes
Anna Ramirez
Coming from hip-hop, Sébastien Ramirez and Honji Wang conceive an incredible gestural trap where the need for
freedom is confronted by constraint.
With Borderline, created in 2013, choreographers Sébastien Wang and Honji Wang have not only achieved an
enormous success, but written their names permanently at the top of the bill.
Winners of the prestigious Bessie Award in New York, they have also been awarded numerous international prizes
such as the special audience prize at the Hanover International Choreography Competition, first prize at the Red
Bull BC One, the special prize at the Osaka Hip-hop International Choreography Competition, and more.
Taking the themes of constraint and manipulation, Sébastien Ramirez and Honji Wang present a gestural hip-hop
that is both dazzling and profound, filled with a youthful, direct grace. With five dancers and a rigger they have
perfected an incredible, honed gestural trap overflowing with intense sensations to illustrate our passion for life and
our need for freedom, however harsh the circumstances. A passionate and intimately regenerative piece.
Direction artistique
Wang Ramirez
Avec la participation de
Christophe Isselee
Interprétation
Christine Joy Alpuerto Ritter
Louis Becker
Johanna Faye
Kai Gaedtke
Mustapha Saïd Lehlouh
Sébastien Ramirez
Honji Wang
Et les voix de
Chung-Won Wang et Henri Ramirez
Coordination gréage
Jason Oettlé
Lumières et direction technique
Cyril Mulon
Scénographie
Paul Bauer
Costumes
Anna Ramirez
Composition
Jean-Philippe Barrios
Issus du hip hop, Sébastien Ramirez et Honji Wang imaginent un incroyable piège à gestes, où le besoin de liberté
s’affronte à la contrainte. Avec Borderline, créé en 2013, les chorégraphes Sébastien Ramirez et Honji Wang ont
non seulement remporté un énorme succès mais inscrit durablement leurs noms en haut de l’affiche.
Couronnés du prestigieux Bessie Award à New York, ils ont également remportés de nombreux prix internationaux
tels que le prix spécial du public lors de la Compétition Internationale de Chorégraphie à Hanovre, le premier prix
du Red Bull BC One, le prix spécial lors de la Compétition Chorégraphique Internationale de Hip-Hop à Osaka etc...
Sur les thèmes de la contrainte et de la manipulation, Sébastien Ramirez et Honji Wang balancent une gestuelle
hip hop fulgurante et profonde, soufflée par une grâce directe et juvénile. Avec cinq danseurs et un gréeur, Wang et
Ramirez ont mis au point un incroyable piège à gestes affûtés débordant de sensations fortes afin d’illustrer notre
passion pour la vie, notre besoin de liberté aussi, quelle que soit la dureté du contexte. Une pièce fougueuse et
intimement régénérante.
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Contemporary dance
Length:
70’
Director:
Tommy Pascal
Producer:
Coproducers:
Arte Concert
M_Media
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
France
“LES MÉMOIRES D’UN SEIGNEUR”
“THE MEMORIES OF A LORD”
Soloist
Sébastien PERRAULT
Company
ARAUJO Victor, BAMOU Habib, BAYAND Roman, BOYER Vianney, BRIHAT
Jean Christophe, CATHERINE Charles, CECILLE Tristan, CHALLET Julien,
COLTRO Fabrice, DA SILVA Paulo, DEPACHTERE Fréderic, DERVAUX Julien,
DI BELLA David, FAVRE Etienne, GAUTIER Antoine, GIBERT Arnaud, GUY
Arnaud, JEANNET Leo, KERN Hervé, LE FLOCH Patrice, LEBIHAN Laurent,
LECHAT Ludovic, LEDOUX Alain, LELIAS Yvon, LESIMPLE Baptiste, LEYNAUD Julien, MAS Franck, MICHEL Xavier, MOULIN Blaise, NACINOVIC Patrick, PAVSIC Eric, PETIT David, PICHET Frédéric, POP Daniel, ROBERT Paul,
ROGAUME Julien, SALOMON Romain, SEGURA Marlon, TREHEL Nicolas,
TURPIN Denis, VICH Manuel, WISSAM Ismail
“Memories of a Lord” is the latest creation by Olivier Dubois, the enfant terrible of French choreography.
Nominated among the 25 best in the world, in 2007 Olivier Dubois received the jury special prize from
the Critics Union for his career as performer and his piece “Tout l’or du monde” (All the Money in the World)
then the Jardin d’Europe prize for “Faune(s). In these pieces he questions what creates humanity in people.
Here, the artist focusses on the loneliness of the great of this world, calling up characters such as Caligula, Alexander the Great or Genghis Khan. All these characters are represented by the dancer Sébastien Perrault, who takes
the role of soloist. Around him are forty amateurs, of various ages and body types. These anonymous figures form a
mass, a swarm. They give the impression of a living-background that transforms into a forest, a tower or a battle field
as the tableaux change. Since 204, Olivier Dubois has been director of the CCN in Roubaix, Nord Pas-de-Calais.
Interprétation
Sébastien PERRAULT
Corpus
ARAUJO Victor, BAMOU Habib, BAYAND Roman, BOYER Vianney, BRIHAT Jean Christophe, CATHERINE
Charles, CECILLE Tristan, CHALLET Julien, COLTRO Fabrice, DA SILVA Paulo, DEPACHTERE Fréderic, DERVAUX Julien, DI BELLA David, FAVRE Etienne, GAUTIER Antoine, GIBERT Arnaud, GUY Arnaud, JEANNET Leo,
KERN Hervé, LE FLOCH Patrice, LEBIHAN Laurent, LECHAT Ludovic, LEDOUX Alain, LELIAS Yvon, LESIMPLE
Baptiste, LEYNAUD Julien, MAS Franck, MICHEL Xavier, MOULIN Blaise, NACINOVIC Patrick, PAVSIC Eric,
PETIT David, PICHET Frédéric, POP Daniel, ROBERT Paul, ROGAUME Julien, SALOMON Romain, SEGURA
Marlon, TREHEL Nicolas, TURPIN Denis, VICH Manuel, WISSAM Ismail
Les Mémoires d’un Seigneur est la dernière création d’Olivier Dubois, enfant terrible de la chorégraphie hexagonale.
Nommé parmi les 25 meilleurs du monde, Olivier Dubois reçoit en 2007 le prix spécial du jury du Syndicat de la critique pour sa carrière d’interprète et sa pièce Tout l’or du monde, puis le prix Jardin
d’Europe pour sa pièce Faune(s). A travers ses pièces il questionne ce qui fait humanité dans l’Homme.
L’artiste s’intéresse ici à la solitude des grands de ce monde, invoquant ainsi des personnages tels que Caligula, Alexandre le Grand ou Gengis Khan. Toutes ces figures sont incarnées par le danseur Sébastien Perrault
qui embrasse le rôle de soliste. Autour de lui gravitent quarante hommes amateurs, d’âges et de corpulences
différents. Ces anonymes se font masse, essaim. Une impression de décor-vivant qui se transforme en forêt,
tour ou champ de bataille au grès des tableaux. Depuis 2014 il dirige le CCN de Roubaix Nord Pas-de-Calais.
14
Contemporary dance
Length:
86’
Director:
Tommy Pascal
Producer:
Coproducer:
ARTE
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
South Africa
“AT THE SAME TIME”
Creation and choreography by Robyn Orlin
Cie Jant-Bi / Germaine Acogny
Dancers
Hans Peter Diop Ibaghino,
Khalifa Ababacar Top
Adelinou Dasylva,
Tchébé Bertrand Saky
Claude Marius Gomis
Aliou Ndoye
Mamadou Baldé
Mohamed Abdoulaye Kane
Subject to the dictates of modern beauty and traditional taboos – when not reduced to violent expression or starvation
– the body of the African man is stigmatized. In an attempt to free him from his complexes, transgressive choreographer Robyn Orlin and eight dancers from the Ecole des Sables place the body back at the center of the debate. A
dance via deritualized rituals that eschews all exoticism to reach the political…
Since her first successes in the mid 1990s, working to serve performers has been one of the major principles of
Robyn Orlin’s work. Adept at performance theater and a champion of interactivity, she highlights the individuality of
characters and cultures. Her preferred themes are directly related to the tragedies that have swept and continue to
occur in her country of South Africa (Apartheid, AIDS) by using a form of dance that is extremely theatrical and by
employing video.
Création et chorégraphie Robyn Orlin
Cie Jant-Bi / Germaine Acogny
Danseurs
Hans Peter Diop Ibaghino,
Khalifa Ababacar Top
Adelinou Dasylva,
Tchébé Bertrand Saky
Claude Marius Gomis
Aliou Ndoye
Mamadou Baldé
Mohamed Abdoulaye Kane
Soumis au diktat de la beauté moderne et aux tabous de la tradition - quand il n’est pas réduit à l’expression de
la violence ou de la faim - le corps de l’homme africain est stigmatisé. Pour tenter de le libérer de ses complexes, la chorégraphe transgressive Robyn Orlin et huit danseurs de l’Ecole des Sables remettent le corps au centre du débat. Une danse à travers des rituels déritualisés, qui gomme tout exotisme pour toucher au politique…
Depuis ses premiers succès au milieu des années 1990, se mettre au service des interprètes est l’un des axes
forts du travail de Robyn Orlin. Experte en théâtre de performance, championne en interactivité, elle valorise les
singularités des personnalités et des cultures. Ses thèmes de prédilection ont directement à voir avec les drames qui ont parcouru et continuent de traverser son pays l’Afrique du Sud (apartheid, sida) en utilisant une forme
de danse très théâtrale et en se servant de la vidéo. Ses origines le poussent naturellement vers les richesses
mélodiques de l’Orient. Avishai Cohen sait surprendre à la tête d’un quintet, simple duo, ou trio. Pour son nouvel opus From Darkness,il s’est entouré de sa formation fétiche avec le pianiste Nitaï Hershkovits et le batteur
Daniel Dor. Pour cette 35e édition du Jazz à Vienne Festival, cet habitué du théâtre Antiqueprésente un concert
inédit et très symbolique puisqu’il a choisi de mêler à son trio actuel, trois autres musiciens qu’il connait de ses
débuts à New York : le trompettiste Diego Urcola, le tromboniste Steve Davis et le guitariste Kurt Rosenwinkel.
15
Contemporary dance
Length:
58’
Director:
Tommy Pascal
Producer:
Coproducers:
ARTE
M_Media
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
France
“SOULS”
Creation and choreography by Olivier Dubois
Dancers:
Youness Aboulakoul - Morocco
Ahmed El Gendy - Egypt
Hardo Papa Salif Ka - Senegal
Jean-Paul Mehensio – Ivory Coast
Tshireletso Molambo – South Africa
Djino Alolo Sabin – Kinshasa DR Congo
Spellbound by his experience of Africa, Olivier Dubois invites us on an animistic journey where bodies dialogue with the cosmos to a slow rhythm. In Souls, a
piece for seven African dancers heavy with mysticism, he explores each person’s ability to change his or her fate and, by doing so, even that of the world.
“Throw the dice a second time… Imagine that we six million human beings all decided to
simultaneously take a step in the opposite direction to the Earth’s rotation… would we not
bring the world order, fate into question and would we not be playing gods by doing so!”
Those are the matters that Olivier Dubois ponders in relation to his creation. He explores the question of fate, which is in
our hands. Our ability to put it at stake and ultimately to question the fate of the world. In this new piece, Olivier Dubois
employs a slowing down of tempo as a crushing of gravity. The desire for a slow rhythm. Transport of body and soul…
Olivier Dubois founded his company in 2006 following the success of the solo Pour tout l’or du
monde [For all the money/gold in the world]. A year later he was rewarded by the professional critics union for his career achievements and in 2011 he was rated among the world’s 25 best dancers.
Since January 1 2014 he has been director of the national choreographic center at Roubaix in the Nord-Pas-de-Calais.
Création et chorégraphie Olivier Dubois
Danseurs :
Youness Aboulakoul - Maroc
Ahmed El Gendy - Egypte
Hardo Papa Salif Ka - Sénégal
Jean-Paul Mehensio – Côte d’Ivoire
Tshireletso Molambo – Afrique du Sud
Djino Alolo Sabin – RDC Kinshasa
Envoûté par son expérience de l’Afrique, Olivier Dubois nous convie à un voyage animiste, où les corps dialoguent
avec le cosmos sur des rythmes lents. Dans Souls, pièce pour sept danseurs africains chargée de mysticisme, il
explore la capacité de chacun à changer son destin, et par la même celui du monde.
« Relancer les dés…Imaginez si nous, six milliards d’êtres humains, décidions simultanément de faire un pas dans
le sens inverse de la rotation de la Terre… ne remettrions-nous pas l’ordre du monde, le destin en question et ne
ferions-nous pas ainsi le jeu des dieux ! »
Ainsi s’interroge Olivier Dubois à propos de sa création. Il explore la question du destin qui se tient entre nos mains.
Notre capacité à le mettre en jeu, et in fine à questionner le destin du monde. Pour cette nouvelle pièce Olivier Dubois
opère un ralentissement du temps comme un écrasement de la gravité. Désir de rythme lent. Transport des corps et
des âmes… Olivier Dubois a fondé sa compagnie en 2006 suite au succès du solo Pour tout l’or du monde, un an
plus tard il est récompensé par le Syndicat professionnel de la critique pour l’ensemble de son parcours d’interprète
et en 2011, il sera classé parmi les 25 meilleurs danseurs du monde. Depuis le 1er janvier 2014, il dirige le Centre
chorégraphique national Roubaix - Nord-Pas-de-Calais.
16
Contemporary dance
Length:
61’
Director:
Tommy Pascal
Producer:
Coproducers:
ARTE
M_Media
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
Portugal
“THE OLD KING”
Created by
Miguel Moreira
Created and performed by Romeu Runa
MusicPedro Carneiro
Costumes
Dino Alves
Lighting
Joao Garcia Miguel
Assistant to the director
Catarina Felix
Coaching
Alain Platel
Technician
Carlo Bourguignon
In collaboration with
Sandra Rosado, Jorge Rosado
“A man has been abandoned by God and all the saints. He finds himself on stage lost
in a minefield and he questions himself and the world around him. As he struggles with
his thoughts, he decides to build a platform from which he can address the people. The
Old King is an attempt to discover a man’s thoughts and how he positions himself in regard to society. A man searching for a sure identity able to explain his reason for being, a
man who observes society, who feels the need to act and to express a sort of collective
behavior.” That is the argument of this production in which the authors urge the spectator never to give up, to “take decisions, be brave, celebrate the Creation and existence”, as Miguel Moreira emphasizes.
The Ballets C de la B is a troupe created in 1984 by Alain Patel. Over time it has adopted a structure as a working platform that brings together several choreographers. The Ballets C de la B has always striven to bring artists working in different disciplines and from different backgrounds into their dynamic creative process.
Créé par
Miguel Moreira
Créé et joué par Romeu Runa
MusiquePedro Carneiro
Costumes
Dino Alves
Eclairages
Joao Garcia Miguel
Assistance à la direction
Catarina Felix
CoachingAlain Platel
Technique Carlo Bourguignon
En collaboration avec
Sandra Rosado, Jorge Rosado
“Un homme a été abandonné par Dieu et tous les saints. Il se trouve sur une scène égaré dans un champ de mines
et il s’interroge sur lui-même et sur le monde qui l’entoure. Alors qu’il lutte avec ses pensées, il décide de construire
une plate-forme à partir de laquelle il pourra s’adresser au peuple. The Old King cherche à découvrir les pensées d’un
homme et comment il se situe par rapport à la société. Un homme en quête d’une identité solide pouvant lui expliquer
sa raison d’être, un homme qui observe la société, ressent le besoin d’intervenir et d’exprimer une espèce de comportement collectif.” Tel est l’argument de ce spectacle dans lequel ses auteurs exhortent le spectateur à ne jamais renoncer,
à “prendre des décisions, à être courageux, à célébrer la Création et l’existence”, comme le souligne Miguel Moreira.
Les ballets C de la B est une troupe créée par Alain Platel en 1984. Au fil du temps elle a adopté une structure de plateforme de travail réunissant plusieurs chorégraphes. Depuis toujours, les ballets C de la B tiennent à associer des artistes, actifs dans différentes disciplines et venus d’horizons différents, à leur processus de création dynamique.connait
de ses débuts à New York : le trompettiste Diego Urcola, le tromboniste Steve Davis et le guitariste Kurt Rosenwinkel.
17
18
Jazz
JAZZ A VIENNE
Length:
30’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducers:
M_Media
Language available:
Live concert
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
France
NOX.3
Laureate at the springboard RéZZo FOCAL of Jazz à Vienne 2015, nOx.3
belongs to that new generation of musicians who want to make jazz a music firmly rooted once again in its period. Saxophonist Rémi Fox, pianist Matthieu Naulleau and drummer Nicolas Fox belong to a tradition
that takes inspiration from both academic and popular music. Thanks to
their regular collaboration with sound engineer, Valérian Langlais and
their use of acoustic and electronic instruments (Moog, SPD-SX, sensor
bar, etc.) the three Parisians create a variety of original sounds. Their special identity arises from the meeting of melody, purely “noxian” improvisation and rhythms that belong to the contemporary electro scene (Amon
Tobin, Flying Lotus, Dorian Concept, Nobukazu Takemura, Ryoji Ikeda, etc.).
Musicians :
Rémi Fox, saxophone / sax, FX
Matthieu Naulleau, piano, FX
Nicolas Fox, batterie / drums
Lauréat du tremplin RéZZo FOCAL de Jazz à Vienne 2015, nOx.3 appartient à cette nouvelle génération de musiciens qui souhaitent faire du jazz une musique à nouveau résolument ancrée dans son époque. Le saxophoniste Rémi Fox, le pianiste Matthieu Naulleau et le batteur Nicolas Fox s’inscrivent dans une tradition qui se nourrit aussi bien des musiques savantes que des musiques populaires. Grâce à leur collaboration régulière avec
l’ingénieur du son Valérian Langlais et à leur utilisation d’instruments acoustiques et électroniques (Moog, SPDSX, barre capteur), les trois Parisiens génèrent une variété de sons originaux. Leur identité particulière vient de
la rencontre entre la mélodie, des improvisations purement “noxiennes” et des rythmes propres à la scène
électro contemporaine (Amon Tobin, Flying Lotus, Dorian Concept, Nobukazu Takemura, Ryoji Ikeda, etc.).
UPCOMING NOVEMBER 2016
Length:
60’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducers:
France Televisions
Mezzo
Language available:
Live concert
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
USA
ROBIN MCKELLE
Robin McKelle, or the gradual mutation of an Irish-American butterfly! It’s
2006. Introducing has just burst upon the music market and is causing a sensation. A great jazz singer is born with an allegiance to big band swing, 1940s
style! Five albums later and with an established reputation, she is at Jazz à
Vienne to present The Looking Glass, produced by Steve Greenwell (Grammy winner for his work with Joss Stone), in which Miss McKelle takes firm
hold of the reins of a hybrid project, somewhere between soul, jazz and pop.
“After two albums in the old school style, I wanted to work with
Steve to find a new sound, more intimate and contemporary.”
Musicians:
Robin McKelle, Jake Sherman (clavier)
Eli Menezes (guitare)
Matt Brandau (basse)
Adam Jackson (batterie)
Robin McKelle, ou la mutation progressive d’un papillon américano irlandais ! Nous sommes en 2006. Introducing
déboule sur le marché de la musique et fait sensation. Une grande chanteuse de jazz est née, qui fait allégeance au
swing en big band, façon années 40. Après cinq albums et une renommée blues établie, elle présente à Jazz à Vienne
The Looking Glass, produit par Steve Greenwell (récompensé d’un Grammy pour son travail avec Joss Stone), dans
lequel miss McKelle prend définitivement les rênes d’un projet métis, entre soul, jazz et pop. “Après deux albums
orientés old school, je voulais travailler avec Steve pour trouver une nouvelle sonorité, plus intime et contemporaine”.
19
Jazz
Length:
60’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducers:
France Televisions
Mezzo
Language available:
Live concert
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
UK
JACOB COLLIER
The young protégée of Quincy Jones, Jacob Collier, already noticed by Herbie Hancock and Chick Corea at Montreux, is perhaps one of the most talented young popular musicians of his generation. Now based in London,
Jacob takes inspiration from a variety of sounds to make an infinity of classics his very own, from Gershwin to the Beatles by way of Stevie Wonder.
Both an exhilarating multi-instrumentalist and an out-of-this-world vocalist, the Londoner creates a masterly blend of jazz, a-cappella singing, triphop, human beatbox, classical and Brazilian music, gospel, soul and funk.
Great art! In just a few years, his multi-facetted videos, viewed millions of times
by more than 100,000 subscribers to his YouTube channel, have become his personal trademark. He creates them in his own studio, sings all the parts and plays
all the instruments while simultaneously displaying each part of the number on
screen by using a mosaic. As his first album, hailed by his mentor Quincy, is released, the young virtuoso is about to celebrate only his 21st birthday this year.
Poulain de Quincy Jones, remarqué par Herbie Hancock et Chick Corea à Montreux,
Jacob Collier est peut-être bien l’un des jeunes musiciens populaires les plus doués de sa génération. Installé à Londres,
Jacob s’inspire de nombreux sons afin de plier à sa main une infinité de classiques, de Gershwin aux Beatles en passant
par Stevie Wonder. À la fois multi-instrumentiste ébouriffant et vocaliste extra-terrestre, le Londonien allie avec maestria le
jazz, le chant a-cappella, le trip-hop, le human beatbox, les musiques classiques et brésiliennes, le gospel, la soul et le funk.
Du grand art ! Depuis une poignée d’années, visionnées des millions de fois par plus de 100 000 abonnés à sa chaîne Youtube, ses vidéos multifacettes sont devenues sa marque de fabrique. Réalisées depuis son studio, il y chante toutes les
parties, joue de tous les instruments et expose simultanément à l’écran chaque partie du titre à l’aide d’une mosaïque. Au
moment où paraît son premier album adoubé par son mentor Quincy, le gamin virtuose fête tout juste ses 21 ans cette année.
Length:
75’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducers:
M_Media Jazzee TV
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
Poland
GREG ZLAP - AIR
Musicians:
Greg Zlap / Harmonica, vocals
Eric Starczan / Guitare, vocals
Tristan Bres / Bass
Damien Cornelis / Keyboard
Toma Milteau / Drums
Grzegorz Szlapczynski, alias Greg Zlap, is a Franco-Polish harmonica player
and singer originating from Warsaw. Szlapczynski arrived in Paris at the end of
the 1980s with his little harmonica in his bags. He joined his first bands and discovered the clubs of Paris while still a student at Jussieu. Gifted and charismatic,
Zlap quickly found the opportunity to hone his talent on the harmonica alongside
those of Jacques Milteau (pure chance) and Olivier Ker Ourio. Greg became a
sought-after session musician. In the studio or on stage, we saw behind Johnny
Hallyday and in television studios with Francis Cabrel, Maxime Le Forestier and
Charles Aznavour. An open and inventive composer, Zlap created a surprise in
2002 with La Part du Diable [The Devil’s Share], an album with electro overtones that the magazine Le Point described as “one of the best Blues album’s of the moment, in the style of St Germain or Erik Truffaz”. At Vienne he
exudes a real desire to share, with inevitable fine solos in a Western mood, but he also plays his favorite pieces
with his band of buddies in a “Buddy Guy” spirit. His latest opus, Air, recorded in Warsaw is in a vein closer to jazz.
Grzegorz Szlapczynski, alias Greg Zlap, est un harmoniciste et chanteur franco-polonais natif de Varsovie. Szlapczynski débarque à Paris à la fin des années 80 avec son petit harmonijka dans les valises. Il intègre ses premiers groupes de musique et découvre les clubs parisiens alors qu’il est encore étudiant à Jussieu. Doué et charismatique, Zlap a rapidement l’occasion de frotter son art du ruine-babines à ceux de Jean-Jacques Milteau (un
hasard) ou Olivier Ker Ourio. Greg devient un musicien de session recherché. En studio ou sur scène, on le voit
derrière Johnny Hallyday et sur les plateaux de télévision avec Francis Cabrel, Maxime Le Forestier ou Charles
Aznavour. Compositeur ouvert et inventif, Zlap surprend en 2002 avec La Part du Diable, un album aux effluves
électro que le magazine Le Point décrit comme “l’un des meilleurs albums blues du moment, dans la mouvance de
St Germain ou de Erik Truffaz”. A Vienne, il dégage une réelle envie de partage, avec de beaux solos à la clé dans
une ambiance western, mais aussi lorsqu’il joue ses morceaux favoris accompagné de sa bande de pote, dans
un esprit « Buddy Guy ». Son dernier opus « Air » enregistré à Varsovie aborde aujourd’hui une veine plus jazz.
20
Jazz
Length:
95’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducers:
Mezzo
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
Cuba
CHUCHO VALDES - TRIBUTE TO IRAKERE
AT JAZZ A VIENNE
Musicians:
Chucho Valdés / Piano
Dreiser Durruthy Bombalé / Vocals, batás
Alexander Abreu / Vocals, trumpet
Gastón Joya / Vocals, bass
Yaroldy Abreu Robles / Vocals, percussions
Rodney Barreto / Vocals, drums
Manuel Machado, Reinaldo Melián / Trumpet
Rafael Águila / Alto saxophone
Ariel Bringuez / Tenor saxophone
ing solos as for the
bum) as a tribute to
ceptional homage to
oriental conga, bata
At the age of 73, Cuban giant Chucho Valdés, accompanied by the Afro Cuban Messengers, presents his “Tribute to Irakere”, which is both a band and a musical movement
that he launched at the beginning of the 1970s. Once again Valdés has placed himself at
the very crossroads of jazz, Cuban music and African rhythms. Vigorous and exciting.
From the beginning of the 1970s and the creation of the Irakere band, he
has proven to be an innovative bandleader, as famous for his breathtaksophistication of his Latin fusion music. Having just released Border Free (his 35th alhis father, this gentle godfather of Latin jazz returns to the Théâtre Antique to pay exthe modernism of Irakere. The pianist and composer leads an incandescent blend of
drums, rituals from Cuban Santeria, funky jazz, Ellington swing and classical music.
Musiciens :
Chucho Valdés / Piano
Dreiser Durruthy Bombalé / Chant, batás
Alexander Abreu / Chant, trompette
Gastón Joya / Chant, basse
Yaroldy Abreu Robles / chant, percussions
Rodney Barreto / chant, batterie
Manuel Machado, Reinaldo Melián / Trompette
Rafael Águila / Saxophone alto
Ariel Bringuez / Saxophone ténor
A 73 ans, le monstre sacré cubain Chucho Valdés présente, accompagné des Afro Cuban Messengers, son “Tribute
to Irakere” à la fois groupe et mouvement musical qu’il lança au début des années 70. Valdés s’est une fois de plus
placé à la croisée exacte du jazz, de la musique cubaine et des rythmes africains. Vigoureux et enthousiasmant.
Dès le début des années 70 et la création du groupe Irakere, il se révèle comme un chef d’orchestre novateur, aussi
célèbre pour ses solos à couper le souffle que pour la sophistication de sa musique de fusion latine. Alors qu’il vient
de publier Border Free (son 35e album) en hommage à son père, le doux parrain du latin jazz revient au Théâtre
Antique pour rendre un hommage exceptionnel au modernisme d’Irakere. Le pianiste et compositeur y dirige une réunion incandescente de conga orientale, de tambours bâta, de rituels de la santeria cubaine, de jazz funky, de swing
ellingtonien et de musique classique.
21
Jazz
Length:
82’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducers:
Mezzo
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
Israel
AVISHAI COHEN’S NEW YORK DIVISION
AT JAZZ A VIENNE
Musicians:
Avishai Cohen / vocals, bass
Diego Urcola / trumpet
Steve Davis / trombone
Kurt Rosenwinkel / guitar
Nitaï Hershkovits / piano
Daniel Dor / drums
A native of Israel having lived in New York since the 1990s, Avishai Cohen is a citizen of the world, a master of contemporary jazz. Following
Gently Disturbed released seven years ago now on his own, Razdaz label, Avishai recorded Aurora, a first opus for the prestigious Blue Note
label. From that period on the double bass player has been expressing himself
further in song, in English, Hebrew or Ladino, a reflection of his nomadic music.
His origins cause him to lean naturally towards the melodic riches of the Orient. Avishai Cohen can surprise whether leading a quintet, a simple duo or a trio. For his new
opus From Darkness, he has gathered his favorite line-up with pianist Nitaï Hershkovits and drummer Daniel Dor. For this, the 35th Jazz à Vienne Festival, this regular at the Théâtre Antique performs an
original and highly symbolic concert since he has chosen to bring into his current trio three other musicians that he has
known since his early days in New York: trumpeter Diego Urcola, trombonist Steve Davis and guitarist Kurt Rosenwinkel.
Musiciens :
Avishai Cohen / chant, basse
Diego Urcola / trompette
Steve Davis / trombone
Kurt Rosenwinkel / guitare
Nitaï Hershkovits / piano
Daniel Dor / batterie
Natif d’Israël et vivant à New-York depuis les années 90, Avishai Cohen est un citoyen du monde, un maître du jazz contemporain. À la suite de Gently Disturbed qui paraît voici sept ans sur son propre label Razdaz,
Avishai enregistre Aurora, un premier opus pour le prestigieux label Blue Note. Dès cette époque, le contrebassiste s’exprime davantage au chant, en anglais, hébreu ou ladino, à l’image de sa musique nomade.
Ses origines le poussent naturellement vers les richesses mélodiques de l’Orient. Avishai Cohen sait surprendre à
la tête d’un quintet, simple duo, ou trio. Pour son nouvel opus From Darkness,il s’est entouré de sa formation fétiche
avec le pianiste Nitaï Hershkovits et le batteur Daniel Dor. Pour cette 35e édition du Jazz à Vienne Festival, cet habitué du théâtre Antiqueprésente un concert inédit et très symbolique puisqu’il a choisi de mêler à son trio actuel, trois
autres musiciens qu’il connait de ses débuts à New York : le trompettiste Diego Urcola, le tromboniste Steve Davis
et le guitariste Kurt Rosenwinkel.
22
Jazz
Length:
86’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducers:
Mezzo
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
USA
MACEO PARKER AT JAZZ A VIENNE
Maceo Parker is the last artist still working in authentic funk. The saxophonist steers
a path between James Brown style soul of the 1960s and George Clinton’s 1970s
funk. His two mentors with whom he worked over a long period. In the 1990s he broke
free and began a brilliant solo career. Maceo Parker is king of a highly vital funk. On
stage at the Théâtre Antique he strings together songs and instrumentals bringing
alive the music of James Brown with staggering energy. The spirit of his native North
Carolina emanates like essence of soul each time he blows on his sax, preferable an
alto. Some fifteen albums in 25 years, nearly 200 concerts per year: his new empire
of soul was born of sweat and it leaves the audience spellbound every time he plays.
Musicians:
Maceo Parker / Saxophone - Vocals
Martha High / Vocals
Darliene Parker / Vocal
Greg Boyer / Trombone
Rodney Skeet Curtis / Bass
Will Boulware / Keyboard
Bruno Speight / Guitar
Musiciens :
Maceo Parker / Saxophone - Chant
Martha High / Chant
Darliene Parker / Chant
Greg Boyer / Trombone
Rodney Skeet Curtis / Basse
Will Boulware / Clavier
Bruno Speight / Guitare
Maceo Parker est le dernier artiste encore actif de l’authentique courant funk. Le saxophoniste navigue entre la soul
des années 60 de James Brown et le funk des années 70 de George Clinton. Ses deux mentors avec lesquels il a travaillé longuement. Dans les années 90, il s’émancipe et commence une brillante carrière solo. Maceo Parker est un roi
du funk super actif. Sur la scène du théâtre antique, il enchaine les chansons, les instrumentaux en faisant revivre la
musique de James Brown, avec une énergie bluffante. L’âme de sa Caroline du Nord natale se répand comme un parfum de soul chaque fois qu’il souffle dans son saxophone, alto de préférence. Une quinzaine d’albums en 25 ans, près
de 200 concerts par an : son nouvel empire du funk s’est imposé dans la sueur, qui envoute à chaque fois son public.
Length:
90’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducers:
Mezzo
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
USA
ROY HARGROVE QUINTET SPECIAL GUEST YASIIN BEY (AKA MOS DEF)
A native of Texas, Roy Hargrove has been traveling the world since the end of the
1980s accompanying the most prestigious of musicians, such as Sonny Rollins,
Herbie Hancock and Wynton Marsalis. Now leader of a quintet, future greats can’t
wait to play with him. In Vienne, he invites Mos Def, alias Yaslin Bey, a New York
artist, to set the Théâtre Antique alight. It’s an explosive collaboration between
the Texan trumpeter’s transcendent jazz and the cutting flow of the US rapper.
Although his background is jazz, Roy Hargrove is a lover of soul, funk and
hip-hop. Whenever a musician has appealed to him and whatever school of
music he adheres to, Hargrove has arranged to play alongside him. And so
R.H., the Texan, accompanied Sonny Rollins in 1991, Herbie Hancock and Michael Brecker on the album Directions in Music and recorded in Havana with
the Cuban masters and, still later, with rapper, Common. More than any other
today, Hargrove has that double culture of bop tradition and urban music.
Musicians:
Roy Hargrove / Bugle, trumpet
Justin Robinson / Saxophone
Sullivan Fortner / Piano
Ameen Saleem / Bass
Quincy Phillips /Drums
Musiciens :
Roy Hargrove / Bugle, trompette
Justin Robinson / Saxophone
Sullivan Fortner / Piano
Ameen Saleem / Basse
Quincy Phillips / Batterie
Texan d’origine, Roy Hargrove parcourt le monde depuis la fin des années 1980, accompagnant les musiciens les plus
prestigieux, parmi lesquels Sonny Rollins, Herbie Hancock ou encore Wynton Marsalis. Désormais au centre d’un quintet,
les futurs grands se l’arrachent. À Vienne, il invite Mos Def, aliasYasiin Bey, artiste new yorkais pour enflammer le Théâtre
Antique. Une collaboration détonante entre le jazz transcendant du trompettiste texan et leflowtranchant du rappeur US.
S’il vient du jazz, Roy Hargrove est passionné de soul, funk et de hip-hop. À chaque fois qu’un musicien lui a
plu et quelque soit son “genre” musical d’appartenance, Hargrove s’est arrangé pour jouer avec. RH le Texan a
ainsi accompagné Sonny Rollins en 1991, Herbie Hancock et Michael Brecker sur l’album “Directions in Music”
et a enregistré à La Havane avec les maîtres cubains, ou plus tard encore avec le rappeur Common.Hargrove
possède plus que tout autre aujourd’hui cette double culture de la tradition bop et des musiques urbaines.
23
Jazz
Length:
88’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducers:
Mezzo
M_Media Jazzee TV
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
USA
THE GOLDEN GATE QUARTET – 80 YEARS
United by a single passion for swing, the vocal skills of the Mills Brothers and
traditional Negro spirituals, in 1934 four students from the Booker T. Washington
College in Virginia created the Golden Gate Quartet Jubilee Singers. They quickly
became the Golden Gate Quartet, an innovative gospel choir group whose fame
spread so fast that they have never stopped touring the world, from the end of
the war till today. The Golden Gate Quartet’s experience is unique: more than
80 years on the gospel stage! Paul Brembly (baritone), Frank Davis (1st tenor),
Michael Robinson (2nd tenor) and Terry François (bass) are the artistic heirs to the
choir, all trained by former members in the spirit of tradition. Last year the Golden
Gate Quartet celebrated 80 years of existence and for the occasion the choir group
released an album, 80 Years, a blend of modernism and tradition, the keys to its
longevity. The choir also performed Michael Jackson’s famous “Billie Jean” and
paid tribute to artist Ben E. King by reprising world-wide hit “Stand by me” before
ending on an optimistic note with a magnificent interpretation of “Oh, happy day!”
Musiciens :
Paul Bremly / Baryton
Frank Davis / 1er ténor
Michael Robinson / 2nd ténor
Terry François / Basse
Nabiel Pines / Piano, clavier
Joël Rocher / Guitare, basse
Pascal Riou / Batterie
Musicians:
Paul Bremly / Baritone
Frank Davis / 1st tenor
Michael Robinson / 2nd tenor
Terry François / Bass
Nabiel Pines / Piano, keyboard
Joël Rocher / Guitar, bass
Pascal Riou / Drums
Unis par une même passion pour le swing, les prouesses vocales des Mills Brothers et les negro spirituals traditionnels, quatre étudiants du Collège Booker T. Washington en Virginie créent en 1934 The Golden Gate Quartet
Jubilee Singers. Ils deviennent bientôt The Golden Gate Quartet, un groupe de gospel novateur dont la notoriété croît si rapidement qu’il ne va plus cesser de tourner à travers le monde, de la fin de la guerre à nos jours.
L’expérience du Golden Gate Quartet est unique : plus de 80 années de présence sur la scène du gospel ! Paul
Brembly (baryton), Frank Davis (1er ténor), Michael Robinson (2eme ténor) et Terry François (basse) sont les héritiers artistiques du groupe, tous formés par les anciens membres dans le respect des traditions. The Golden Gate
Quartet a fêté l’année dernière ses 80 années d’existence, à cette occasion le groupe a sorti un album « 80 years
» qui allie modernisme et tradition, les clés de sa longévité. Le quatuor a également interprété le fameux « Billie Jean » de Michael Jackson, et rendu hommage à l’artiste Ben E.King en reprenant le tube planétaire « Stand
by me », avant de terminer sur une note optimiste avec une magnifique interprétation de « Oh, happy day ! ».
Length: 81’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducers:
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
with English subtitles
Country:
Germany
AYO
Ayo is a warrior. It’s difficult to believe when you see her disarming smile and
her long, slender silhouette armed with no more than a guitar. After selling a million and a half disks in 40 countries, Ayo teamed up once again in 2013 with
Jay Newland, producer of her first opus. In New York they recorded the album
Ticket to the World, which included the incendiary “Fire”, which she performs at
the Théâtre Antique as a medley, slipping in versions of pieces by Bob Marley.
The German singer with Nigerian and gypsy roots blends naturalness with elegance and at the Antique theater she unveils a repertoire that is more soul
and jazzy than ever. Like the best of bluesmen, Ayo takes awareness along
with her and she arouses primordial notions buried beneath the pragmatism
of the century: brotherhood, love for others and rebellion against injustice.
Musiciens :
Ayo / Chant, guitare
Sherrod Barnes / Guitare
Guillaume Poncelet / Piano
Musicians:
Ayo / Vocals, guitar
Sherrod Barnes / Guitar
Guillaume Poncelet / Piano
Ayo est une guerrière. Difficile à croire quand on croise son sourire désarmant, sa frêle et longue silhouette armée
d’une simple guitare. Après avoir vendu un million et demi de disques dans 40 pays, Ayo retrouve en 2013 Jay Newland, le producteur de son premier opus. Ils enregistrent à New York l’album Ticket To The World dont l’incendiaire
“Fire” qu’elle interprète au théâtre Antique sous forme de medley en y glissant des reprises de morceaux de Bob
Marley.
La chanteuse allemande d’origine nigériane et tzigane allie le naturel à l’élégance, et nous fait découvrir au Théâtre Antique un répertoire plus soul et jazzy que jamais.Comme les meilleurs bluesmen, Ayo entraîne avec elle les
consciences et réveille des notions primordiales enfouies sous le pragmatisme du siècle : la fraternité, l’amour des
autres, et la révolte contre les injustices.
24
Jazz
Length:
52’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducers:
Mezzo
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
USA
HYPNOTIC BRASS ENSEMBLE - LIVE AT JAZZ IN VIENNE
Musicians:
Smuv, Baji, Yoshi (trumpet)
Hudah (trumpet, vocals)
Clef, Cid (trombone)
Rocco (tuba, vocals)
Drow (drums)
Although still unknown in France, Hypnotic Brass Ensemble is already enjoying
success on the international stage. With its radically modernised second-line inspiration hip-hop, funk, r&b and soul, this combo from Illinois has been gradually
(since 1999) establishing itself as the best mini brass band of the moment. In any
case, it is certainly the most groovy, the most inspired and the most spectacular
on stage. From the suburbs of south Chicago to stages all around the world, with
their attention-grabbing collaborations with Mos Def, Damon Albarn, David Byrne,
Q-Tip, Madlib, Jay-Z, Maceo Parker, Erykah Badu, Disiz andTony Allen, the eight
(sometimes nine, on certain photos…) members of this brassy gang have already
set a number of knees trembling. Both measured and boisterous, these eight professionals literally dance with their instruments. They weave a harmonious path
between jazz, funk, soul and hip-hop. And their special quality owes a lot to that touch of rap, that urban, contemporary dimension that runs in the veins of the ancient tradition of the brass band. With trumpets, trombone, tuba and
an underlying sousaphone (the fascinating Tycho Cohran) in the role of the bass, these eight lads are natural blood
brothers. This brass band boosted with a touch of insanity is coming to enchant the audiences in Vienne just as one
winter night in 1998 it hypnotised a group of travellers outside a metro station in downtown Chicago.
Musiciens :
Smuv, Baji, Yoshi (trompette)
Hudah (trompette, voix)
Clef, Cid (trombonne)
Rocco (tuba, voix)
Drow (batterie)
Encore méconnu en France, Hypnotic Brass Ensemble se produit déjà avec succès sur les scènes internationales.
Hip-hop, funk, r’n’b et soul d’inspiration second line radicalement modernisée, cet ensemble venu d’Illinois s’impose
peu à peu (depuis 1999) comme la meilleure mini fanfare du moment. Elle est en tout cas certainement la plus groovy,
la plus inspirée et la plus spectaculaire en scène. Des faubourgs sud de Chicago aux scènes du monde entier, à
travers leurs collaborations remarquées avec Mos Def, Damon Albarn, David Byrne, Q-Tip, Madlib, Jay-Z, Maceo
Parker, Erykah Badu, Disiz ou Tony Allen, les huit (parfois neuf, sur certaines photos…) membres de ce gang cuivré
ont déjà démonté quelques genoux. À la fois mesurés et turbulents, ces huit enfants de la balle dansent littéralement
avec leurs instruments. Ils naviguent harmonieusement entre jazz, funk, soul et hip-hop. Leur singularité doit d’ailleurs
beaucoup à cette touche de rap, cette dimension urbaine et contemporaine infusée dans la tradition antique de la fanfare. Trompettes, trombone, tuba et un sousaphone fondamental (fascinant Tycho Cohran) dans le rôle de la basse,
les huit gaillards sont tous frères de sang. Ce brass band élevé au grain de folie vient donc envoûter le public viennois
comme il a hypnotisé, un soir d’hiver 98, un groupe de voyageurs devant une station de métro downtown Chicago.
25
Jazz
Length:
52’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducers:
Mezzo
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
USA
TOM HARRELL COLORS OF A DREAM WITH ESPERANZA SPALDING
LIVE AT JAZZ IN VIENNE
TOM HARRELL – Colors of a dream
Colors of a dream with Esperanza Spalding, Johnathan Blake, Wayne Escoffery,
Ugonna Okegwo and Jaleel Shaw
Musicians:
Tom Harrell (trumpet, bugle)
Esperanza Spalding (bass, vocals)
Jaleel Shaw (alto saxophone)
Wayne Escoffery (tenor saxophone)
Ugonna Okegwo (double bass)
Johnathan Blake (drums)
Jazz trumpeter, composer, arranger and conductor, graduate of the very prestigious Stanford University, Tom Harrell is often dubbed as the “pure genius of
melody”. Apart from his 27 albums and hundreds of concerts as bandleader, the
trumpeter from Illinois has worked with some giants of Jazz. This year he’s taking to the road with an innovative sextet, Colors of a Dream, which is taking the
concept of “no piano” even further: trumpet, two sax, two bass (plus a singer) and
drums. There is the disturbing Esperanza Spalding on bass and vocals. This multi-instrumentaliist and singer, frequently lauded by critics for her eclectic style, was consecrated in February 2011 when she took the Grammy award
for best new artist. She’s a newcomer along with alto saxophonist Jaleel Shaw. Tom Harrell Is also accompanied by
Wayne Escoffery, Ugonna Okegwo and Jonathan Blake, all three being members of his usual quintet.
TOM HARRELL – Colors of a dream
Colors of a dream with Esperanza Spalding, Johnathan Blake, Wayne Escoffery, gonna Okegwo and Jaleel Shaw
Musiciens :
Tom Harrell (trompette, bugle)
Esperanza Spalding (basse, voix)
Jaleel Shaw (saxophone alto)
Wayne Escoffery (saxophone ténor)
Ugonna Okegwo (contrebasse)
Johnathan Blake (batterie)
Trompettiste de jazz, compositeur, arrangeur et chef d’orchestre diplômé de la très prestigieuse Stanford University,
Tom Harrell est souvent qualifié de “pur génie de la mélodie”. Outre ses 27 albums et des centaines de concerts en
tant que leader, le trompettiste de l’Illinois a travaillé avec d’immenses figures du jazz. Il emmène cette année sur les
routes un sextet innovant, Colors of a Dream, qui développe encore davantage le concept du “sans piano” : trompette,
deux sax, deux basses (plus un chant) et une batterie. Il y a là la troublante Esperanza Spalding à la basse et au
chant. Cette multi instrumentiste et chanteuse, de nombreuses fois saluée par la critique pour son style éclectique
voit sa consécration en février 2011 en remportant le Grammy Award du meilleur nouvel artiste. Nouvelle venue avec
le saxophoniste alto Jaleel Shaw, Tom Harrell est accompagné également de Wayne Escoffery, Ugonna Okegwo, et
Jonathan Blake, tous trois membres de son quintet habituel.
26
Jazz
Length:
58’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer:
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
English subtitles
Country:
France
MOUTIN FACTORY QUINTET - LIVE AT JAZZ IN VIENNE
For their sixth opus, Lucky People, the twins of the jazz world have adopted two
new young ones and changed their sound. François and Louis Moutin have taken
on young bloods from the European jazz scene to bring a fresh impulse to the
project that was defined some 12 years ago with their celebrated Moutin Reunion
Quartet. The incisive and poetic playing of junior pianist Thomas Enhco, the lyricism of the six-string electrics from Manu Codjia and the touch of melodic madness from saxophonist Christophe Monniot now the company the organic groove
of François and Louis on double bass and drums. With Moutin Factory Quintet, the
brothers use all of the power derived from being twins and delight in catalysing their
energies. The Jazz on Lucky People is subtle and delivered with apparent ease,
which is the epitome of elegance.
Musiciens :
François Moutin - contrebasse, composition
Louis Moutin - batterie, compostion
Thomas Enhco – piano
Emmanuel Codjia – guitare
Christophe Monniot - saxophone alto
Musicians:
François Moutin – double bass, composition
Louis Moutin - drums, composition
Thomas Enhco – piano
Emmanuel Codjia – guitar
Christophe Monniot - alto saxophone
Pour Lucky People, leur sixième opus, les jumeaux du jazz adoptent deux petits nouveaux et changent de son.
François et Louis Moutin s’entourent de jeunes loups de la scène jazz européenne pour donner un souffle nouveau
au projet défini voici douze ans avec leur fameux Moutin Réunion Quartet. Le jeu incisif et poétique du pianiste junior
Thomas Enhco, le lyrisme des six cordes électriques de Manu Codjia et le grain de folie mélodique du saxophoniste
Christophe Monniot entourent désormais le groove organique de François et Louis, contrebassiste et batteur. Avec
Moutin Factory Quintet, les frangins mettent à profit la force de leur gémellité et prennent plaisir à catalyser les énergies. Le jazz de Lucky People se révèle subtil et se livre sous des dehors aisés, ce qui est l’élégance même.
Length:
54’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer:
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
English subtitles
Country:
France
DANIEL HUMAIR QUARTET - LIVE AT JAZZ IN VIENNE
With Sweet & Sour, drummer Daniel Humair’s new quartet place itself in the front
line of music publishing. In order to stay tuned to a constant freshness, the man
who over more than five decades has collaborated with the greats now surrounds
himself with young guns. In 2011 he came together with Laborie Jazz, a label that
enabled him to produce Sweet and Sour. The stage performance transcends even
this album, as young as springtime. On the accordion Vincent Peirani marks himself
out as the future of the instrument, quick to blow its established codes apart. His
partner, Émile Parisien, is never still as he invents glowing counterpoints on the
saxophone. Led by the captain and his inexhaustible polyrhythm, Jérôme Regard
is a light in the storm.
Musiciens :
Daniel Humair (batterie)
Emile Parisien (saxophone)
Vincent Peirani (accordéon)
Jérome Regard (contrebasse)
Musicians:
Daniel Humair (drums)
Emile Parisien (saxophone)
Vincent Peirani (accordion)
Jérome Regard (double bass)
Avec Sweet & Sour, le nouveau quartet du batteur Daniel Humair s’annonce comme l’un des chocs de l’édition. Afin
de rester au diapason d’une fraîcheur toujours intacte, celui qui au fil de plus de cinq décennies a collaboré avec les
plus grands, s’entoure aujourd’hui de jeunes gâchettes. 2011 marque la rencontre avec Laborie Jazz, un label qui
lui permet de matérialiser cet opus Sweet & Sour. La scène transcende encore ce disque de tous les printemps. À
l’accordéon, Vincent Peirani s’impose définitivement comme le futur de l’instrument, prompt à en faire exploser les
codes. Son complice Émile Parisien n’est pas en reste, qui invente au saxophone des contrepoints lumineux. Sous
l’œil du capitaine et sa polyrythmie intarissable, Jérôme Regard est un phare dans la tempête.
27
Jazz
Length:
56’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer:
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
English subtitles
Country:
France
MANU KATCHÉ / RICHARD BONA / ERIC LEGNINI / STEFANO DI BATTISTA LIVE AT JAZZ IN VIENNE
It’s a veritable all-star international line-up at Jazz in Vienne this year, performing an elegant
form of jazz that is neither really avant-garde, nor quite turned towards the past: it’s merely
timeless. This new leading quartet is based, first and foremost, on a rhythm you can only
dream of: French drummer, Manu Katché, originally from Ivory Coast, beats out the supple
tempo that we expect of him, while the magnificent Cameroonian (and now New Yorker)
bass player, Richard Bona, lays on his unmatchable cross-cultural blend. And then FrancoBelgian pianist, Eric Legnini, himself a master of natural groove, and whom we’ve already
seen here playing in a style somewhere between the soul of Donny Hathaway, the hard
bop all the Joe Zawinul (in his Cannonball Adderley period) and Afrobeat, breaks into his
brilliant improvisations. Finally, Italian Stefano Di Battista injects more life with still greater
Latin passion and heat with his funky hard-bop that will shake every pelvis around the Mediterranean. We know that when it comes to the peak of brilliance (here a G4) we can expect
the best and the worst, as when egos come into play. Here there is no clash of personalities,
but a succession of bravura pieces allowing each to display his individual qualities and then
to take wing before our eyes.
Musiciens :
Manu Katché (percussions)
Stefano Di Battista (saxophone)
Eric Legnini (clavier)
Richard Bona (basse)
Musicians:
Manu Katché (percussions)
Stefano Di Battista (saxophone)
Eric Legnini (keyboard)
Richard Bona (bass)
C’est un véritable all stars international qui visite Jazz à Vienne cette année pour illustrer un jazz élégant, ni vraiment avantgardiste, ni tout à fait passéiste : juste intemporel. Ce nouveau quartet étoilé s’appuie en effet, et tout d’abord, sur une rythmique de rêve : le batteur français d’origine ivoirienne Manu Katché y baratte le tempo avec la souplesse qu’on lui connaît,
tandis que l’immense bassiste camerounais (et aujourd’hui New-yorkais), Richard Bona, pose son ondulation métisse imparable. Puis le pianiste franco-belge Eric Legnini, maître lui aussi du groove naturel et que l’on a déjà vu opérer ici entre une
soul façon Donny Hathaway, le hard bop d’un Joe Zawinul (époque Cannonball Adderley) ou l’afrobeat, lance ses brillantes
improvisations. Enfin, l’Italien Stefano Di Battista revigore avec toujours plus de passion et de chaleur latine un hard-bop
funky à onduler du bassin (méditerranéen). On sait à propos de ces sommets du brio (ici, un G4) qu’ils peuvent produire
le meilleur comme le pire, pour peu que les ego s’en mêlent. Ici, pas de choc de personnalités, mais une succession de
morceaux de bravoure permettant à chacun de développer ses qualités propres, puis de s’envoler sous nos yeux attendris.
28
Jazz
Length:
51’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer:
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
English subtitles
Country:
Brazil
SERGIO MENDES - LIVE AT JAZZ IN VIENNE
The Brazilian pianist, composer and arranger resurfaced in 2006 with the album
Timeless and thanks to an updated version (by will.i.am and The Black Eyed Peas)
of the irresistible “Mas Que Nada”. 40 years after the version by Sergio Mendes
& Brazil ’66, the number is again a planetary hit. In 1962 he formed the Sergio
Mendes Trio, and then the first version of his famous successive combos: Brazil
‘65 (‘66, ‘67, ‘68…). The Brazil ‘66 vintage ushered in a period that was especially
prosperous for the A&M label with producer Herb Alpert. His hit arrangements of
the bossa nova and pop of the period established Sergio Mendes definitively on
the international stage. Mendes became the Mercedes of the hit parades. In 2006,
a vibrant homage was finally paid to him by the new generation (Q-Tip, will.i.am,
Jill Scott…), who accompany him, along with his idol Stevie Wonder, on the album Timeless, the culminating point of a career that is rich from every aspect.
Musicians:
Sergio Mendes (piano)
Gracinha Leporace, Katie Hampton, Ayana Williams (vocals)
Kleber Jorge Pimenta (vocals, guitar)
Hussain Jiffry (vocals, bass)
Michael Shapiro (vocals, drums)
Musiciens :
Scott Mayo (saxophone, flute, keyboard)
Sergio Mendes (piano)
Marco B. Dos Santos “Gibi” (drums)
Gracinha Leporace, Katie Hampton, Ayana Williams (voix)
Harrell Harris “H2O” (rapper)
Kleber Jorge Pimenta (voix, guitare)
Hussain Jiffry (voix, basse)
Michael Shapiro (voix, batterie)
Scott Mayo (saxophone, flute, clavier)
Marco B. Dos Santos “Gibi” (batterie)
Harrell Harris “H2O” (rappeur)
Le pianiste, compositeur et arrangeur brésilien refait surface en 2006 avec l’album Timeless et à la faveur d’une
version réactualisée (par will.i.am et The Black Eyed Peas) de l’irrésistible “Mas Que Nada”. Quarante ans après la
version de Sergio Mendes & Brasil ’66, le titre fait à nouveau un carton planétaire. Il forme en 1962 le Sergio Mendes
Trio, puis la première mouture de ses fameuses formations successives : Brasil ‘65 (‘66, ‘67, ‘68…). Le cru Brasil ‘66
inaugure une période particulièrement faste sur le label A&M, avec le producteur Herb Alpert. Ses arrangements des
succès de la bossa nova ou de la pop de l’époque imposent définitivement Sergio Mendes au niveau international.
Mendes devient la Mercedes des hit-parades. En 2006, un vibrant hommage lui est finalement rendu par la nouvelle génération (Q-Tip, will.i.am, Jill Scott…) qui l’accompagne avec son idole Stevie Wonder sur l’album Timeless,
apothéose d’une carrière riche à tous points de vue.
29
Jazz
Length:
53’ & 100’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducers:
Mezzo
Island Records
Universal Music France
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
United Kingdom
JAMIE CULLUM - LIVE AT JAZZ IN VIENNE
Musicians:
Jamie Cullum - Piano, Vocals, Percussion
Laurence Garratt - Bass, Vocals
Brad Webb - Drums, Vocals
Tom Richards - Saxophone, Keyboards, Percussion, Vocals
Rory Simons - Trumpet, Guitar, Percussion, Vocals
Program:
The Same Things
Get Your Way
Sack O’ Woe
Interlude
Seers Tower
When I Get Famous
Walkin’
Pure Imagination
Lovesick Blues
Don’t You Know
Don’t Stop The Music
All At Sea
High And Dry
Losing You
You And Me Are Gone
Mixtape
Gran Torino
Part classical Jazz repainted in bright new colours and part popular dance music, the fifth album from this bubbly
British singer and pianist in 2011 was a hymn to eclectic tastes. His repertoire deliberately teems with Gershwin
standards influenced by a more contemporary trip-hop with a personal sense of harmony, all moving at the speed of
a tsunami. After the global triumph of Catching Tales in 2005, and in particular with the famous “Get your way”, Cullum granted himself a few years break. In his sixth album, Momentum, Jamie Cullum is keen to preserve his special
quality, half-rock star, half-crooner, together with his appealing English accent, and he comes back with signature
titles such as “The Same Things”. The impassioned performer arrives in Vienne for the second time with his eternal
teenager features and a bunch of musicians who are markedly more rock: “This is the first time that I’m older than
my backing group!” 13 years after his staggering eruption into the world of jazz singing, pretty boy Jamie makes a
bold return.
Musiciens :
Jamie Cullum - Piano, Vocals, Percussion
Laurence Garratt - Bass, Vocals
Brad Webb - Drums, Vocals
Tom Richards - Saxophone, Keyboards, Percussion, Vocals
Rory Simons - Trumpet, Guitar, Percussion, Vocals
Programme :
The Same Things
Get Your Way
Sack O’ Woe
Interlude
Seers Tower
When I Get Famous
Walkin’
Pure Imagination
Lovesick Blues
Don’t You Know
Don’t Stop The Music
All At Sea
High And Dry
Losing You
You And Me Are Gone
Mixtape
Gran Torino
Entre un jazz classique repeint à neuf, de couleurs vives, et des musiques populaires à danser, le cinquième album
du pétillant chanteur et pianiste britannique consacrait en 2011 des goûts plutôt éclectiques. Son répertoire bondit
volontiers de standards signés Gershwin en influences trip-hop plus contemporaines avec un sens personnel de
l’harmonie, à la vitesse d’un tsunami. Après le triomphe planétaire de Catching Tales en 2005 et notamment avec le
célèbre « Get your way », Cullum s’était octroyé une pause de quelques années. Dans son sixième album, Momentum, Jamie Cullum tient à conserver sa singularité, mi-rock star, mi-crooner, et cet accent anglais pittoresque et revient avec des titres phares tels que « The Same Things ». Cette bête de scène débarque à Vienne pour la deuxième
fois avec une bouille d’éternel adolescent et un gang de musiciens nettement plus rock: “C’est la première fois que je
suis plus vieux que mes accompagnateurs !”. Treize ans après son irruption fracassante dans l’univers des chanteurs
de jazz, le joli Jamie fait un retour plein de culot.
30
Jazz
Length:
53’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer:
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
USA
BOBBY MCFERRIN - LIVE AT JAZZ IN VIENNE
Musicians:
Bobby McFerrin (vocals)
Madison McFerrin (vocals)
Gil Goldstein (accordion, keyboard)
David Mansfield (guitar, mandolin, violin)
Armand Hirsch (guitar), Jeff Carney (bass)
Louis Cato (vocals, guitar, percussion, drums)
A dynamite expert with melody! For several decades now, Bobby McFerrin has
been blasting the rules generally followed by singers, yet always doing it in harmony. This incredible musician, winner of 10 Grammy awards, has in particular
contributed to removing the distinctions between popular music and erudite music.
Barefooted, he travels the most prestigious of stages exploring still virgin territory, inspiring a whole new generation of a cappella singers such as the beatboxer
wave. Bobby McFerrin is indisputably one of the finest acrobats of vocal improvisation. From deafening scat to staggering euphony, he bends his extraordinary voice
to the will of an inexhaustible imagination. He also regularly reveals the possibilities
and universality of the pentatonic scale and, technically, those of multi track singing
exercises. A man for projects and encounters, the maestro ranges from Mozart to James Brown or John Coltrane
by way of Charlie Parker, the traditional music of Africa or Brazil and instantaneous composition. His latest album,
spirityouall, is bluesy and positive.
Musiciens :
Bobby McFerrin (voix)
Madison McFerrin (voix)
Gil Goldstein (accordéon, clavier)
David Mansfield (guitare, mandoline, violon)
Armand Hirsch (guitare), Jeff Carney (basse)
Louis Cato (voix, guitare, percussion, batterie)
Un dynamiteur mélodieux ! Cela fait déjà quelques décennies que Bobby McFerrin fait exploser, toujours dans
l’harmonie, les règles en usage chez les chanteurs. Cet incroyable musicien, détenteur de dix Grammy Awards, a
notamment contribué à effacer les distinctions entre musique populaire et musique savante. Pieds nus, il parcourt les
scènes les plus prestigieuses en explorant des territoires encore vierges, inspirant toute une nouvelle génération de
chanteurs a cappella comme la vague des beatboxers. Bobby McFerrin est incontestablement l’un des plus fins acrobates de l’improvisation vocale. De scats étourdissants en euphonies ahurissantes, il fait ployer sa voix inouïe au gré
d’une imagination intarissable. Il expose aussi régulièrement les possibilités et l’universalité de la gamme pentatonique et, techniquement, celles des vocalises en multi pistes. Homme de projets et de rencontres, le maestro s’étend
de Mozart à James Brown ou John Coltrane en passant par Charlie Parker, les musiques traditionnelles d’Afrique ou
du Brésil et la composition instantanée. Son dernier album, spirityouall, est un disque plutôt bluesy et positif.
31
Jazz
Length:
54’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
USA - Mali
Length:
87’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
USA
TAJ MAHAL & BASSEKOU KOUYATÉ - LIVE AT JAZZ IN VIENNE
Taj Mahal, formidable musician and icon of the blues and world music, is master of
some 20 instruments, among them guitar and dobro, dulcimer, banjo and harmonica. A foremost figure of the “blues revival” from the mid-60s, Taj Mahal is a prolific
creator, a musicologist, an explorer of Afro-American, African, Caribbean, Indian
and Hawaiian music. It was during a recording session in a Georgian studio that
Taj Mahal met the griot, Toumani Diabaté. Their exchanges on the links between
blues and Mandingo music produced the album Kulanjan (1999). We can still
hear the beating heart of that Mandingo tradition today in the modern, electrified
ngoni of Bassekou Kouyaté. This committed Malian musician appeals for peace
in his country and sings in praise of tolerance. Bassekou Kouyaté also invites the
nomadic king of the blues, Taj Mahal, to a duo. Today, the two collaborators are
still weaving the magic of that meeting.
Taj Mahal, formidable musicien, icône du blues et des musiques du monde, est capable de maîtriser une vingtaine d’instruments, parmi lesquels guitares et dobros,
dulcimer, banjo et harmonica. Figure du “blues revival” dès le milieu des années 60,
Taj Mahal est un créateur prolifique, un musicologue, un explorateur des musiques
afro américaines, africaines, caraïbes, indiennes ou hawaïennes. C’est lors d’une session d’enregistrement dans
un studio géorgien que Taj Mahal rencontre le griot Toumani Diabaté. De leurs échanges sur les liens entre blues et
musique mandingue naîtra l’album Kulanjan (1999). On peut entendre battre aujourd’hui le cœur de cette tradition
mandingue dans le ngoni moderne et électrifié de Bassekou Kouyaté. Engagé, le musicien malien en appelle à la
paix dans son pays et fait l’éloge de la tolérance. Bassekou Kouyaté y invite également pour un duo le roi nomade du
blues, Taj Mahal. Les deux complices prolongent aujourd’hui la magie de cette rencontre.
DAPTONE SUPER SOUL REVUE - LIVE AT JAZZ IN VIENNE
Musicians
Featuring Sharon Jones & the Dap-Kings, Charles Bradley and his Extraordinaires, Antibalas, The Sugarman 3 with special guests
If there’s one label in New York today that still carries on the spirit of vintage soul
as defined by the Apollo artistic community, then that label is Daptone Records.
The review dreamed up by the label glitters with the expected return of its star,
Sharon Jones & the Dap-Kings, with a new album: Give the People What They
Want (2013). Hoarse rhythm and blues, scuzzy funk or lustful ballads, Sharon
and her 8 funkateers in black tuxedos conspire to bring a powerful, festive soul
back to life. On stage, the presence of Miss Jones (like James Brown, a native
of Alberta) is electric.
Singer Charles Bradley of Brooklyn is a miracle survivor of 70’s soul. He only
recorded his first album (No Time for Dreaming, with Daptone Rec.) at the age of
62 and is now continuing his magnificent resurrection by bringing out a second
album, Victim of Love. Le proto funk spiced with Afrobeat from the Antibalas
gang, heavy on brass, and the Southern-style soul of saxophonist Sugarman
(Sugarman 3) complete this review that is guaranteed to ooze with the sweet
smell of sweat.
Musiciens :
Featuring Sharon Jones & the Dap-Kings, Charles Bradley and his Extraordinaires, Antibalas, The Sugarman 3 with
special guests
S’il y a un label qui perpétue aujourd’hui à New York l’esprit de la soul vintage défini par la communauté artistique
de l’Apollo, c’est bien Daptone Records. La revue imaginée par le label brille par le retour attendu de sa star Sharon
Jones & the Dap-Kings avec un nouvel album : Give the People What They Want (2013). Rhythm’n’blues rauque,
funk crasseux ou ballades lascives, Sharon et ses huit funkateers en smoking noir s’entendent à faire revivre une soul
puissante et festive. Sur scène, la présence de miss Jones (native d’Alberta, comme James Brown) est électrisante.
Le chanteur Charles Bradley de Brooklyn est un miraculé de la soul des 70’s. Il enregistre son premier album (No
Time for Dreaming, chez Daptone Rec.) à 62 ans seulement, poursuit aujourd’hui sa résurrection magnifique en
publiant un deuxième album, Victim of Love. Le proto funk épicé d’afrobeat du gang Antibalas, très cuivré, et la soul
sudiste du saxophoniste Sugarman (Sugarman 3) complètent cette revue qui fleure bon la sueur (sweat) assurée.
32
Jazz
Length:
51’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer:
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
English Subtitles
Country:
Italy
PAOLO FRESU QUINTET - LIVE AT JAZZ IN VIENNE
Musicians:
Paolo Fresu (trumpet, bugle)
Tino Tracanna (saxophone)
Roberto Cipelli (piano)
Attilio Zanchi (bass)
Ettore Fioravanti (drums)
Programme:
Treap
Till the end
Chiaro
Transparence
On second line
Giallefoglie
Gufo
Go go B
Sono andati
With all the smoky charm of a Sardinian lover, Paolo Fresu breathes his Latin lyricism into the heart of the freest
of musical art forms: Jazz. His trumpet oozes with that Mediterranean sap which adds sensuality to the new wave
of European jazz. This paradoxical trumpeter can create a presence that is almost ghostlike, a sound that is both
tender and slightly acid, and sometimes unobtrusive. To achieve this, he possesses a special edge in his phrasing,
precise and elegant lines and at the same time a certain insular languidness. A foremost presence on the European
jazz scene for the last 30 years, he also composes for dance, the cinema and the theatre. And he regularly shines
within the big combos such as the Italian Trumpet Summit, the Orchestra Jazz della Sardegna and the Lost Chords
of Carla Bley.
Musiciens :
Paolo Fresu (trompette, bugle)
Tino Tracanna (saxophone)
Roberto Cipelli (piano)
Attilio Zanchi (basse)
Ettore Fioravanti (batterie)
Programme :
Treap
Till the end
Chiaro
Transparence
On second line
Giallefoglie
Gufo
Go go B
Sono andati
Avec ce charme charbonneux des tombeurs cagliaritains, Paolo Fresu insuffle son lyrisme latin au cœur du plus
libre des arts musicaux : le jazz. De sa trompette coule cette sève méditerranéenne qui donne de la sensualité à la
nouvelle vague du jazz européen. Paradoxal, le trompettiste sait imposer une présence presque fantomatique, une
sonorité tendre et acidulée, parfois effacée. Il possède pour cela un tranchant particulier dans le phrasé, des lignes
précises, élégantes, et simultanément une certaine langueur insulaire. Très présent sur la scène du jazz européen
depuis une trentaine d’années, il compose également pour la danse, le cinéma ou le théâtre. Il s’illustre enfin régulièrement au sein de gros ensembles tels l’Italian Trumpet Summit, l’Orchestra Jazz della Sardegna ou le Lost
Chords de Carla Bley.
33
Jazz
Length:
55’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer:
M_Media
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
Netherlands
JUNGLE BY NIGHT - LIVE AT JAZZ IN VIENNE
Musicians:
Pieter van Exter (saxophone)
Jacobus Johannes Zandvliet (trombone)
Bo Kriek Floor (trumpet)
Jacob van Exter (guitar)
Younes Tool (bass)
Gino Groeneveld (congas, percussions, sonny groeneveld, drums)
Pyke Dajo Pasman (Hammond organ, Fender Rhodes)
Daniel Felix Tension Smeets (djembe, percussions)
Program:
Empire
Piranha
Jakten
Desdemona
Hannsman
Tasmatica
Weapon
The Move
Attila
They are new, they come from Amsterdam and their average age is barely 18. However, they really don’t like to be
reminded of it. Because their Afrobeat, with its flavours of jazz and Ethiopia, funk and rock, has no need of numbered
years to display an impressive maturity. Neither does it require the label of child prodigy in order to speak as much
to a general audience as to the most knowing of aficionados. Tony Allen himself, the rhythm architect of Fela Kuti
and inventor of the syncopation that is characteristic of the genre, dubbed them at his first encounter: “the future of
Afrobeat”. And the future is on the march.
Musiciens :
Pieter van Exter (saxophone)
Jacobus Johannes Zandvliet (trombone)
Bo Kriek Floor (trompette)
Jacob van Exter (guitare)
Younes Tool (basse)
Gino Groeneveld (congas, percussions, sonny groeneveld, batterie)
Pyke Dajo Pasman (orgue Hammond, Fender Rhodes)
Daniel Felix Tienson Smeets (djembe, percussions)
Programme :
Empire
Piranha
Jakten
Desdemona
Hannsman
Tasmatica
Weapon
The Move
Attila
Ils sont neuf, viennent d’Amsterdam et affichent une moyenne d’âge de 18 ans à peine. Mais ils n’aiment pas vraiment qu’on le leur rappelle. Car leur Afrobeat aux saveurs jazz et éthiopiques, funk ou rock n’a pas attendu le nombre
des années pour dégager une maturité impressionnante pas plus qu’il n’a besoin de l’étiquette de gamins prodiges
pour parler autant au grand public qu’aux aficionados les plus pointus. Tony Allen lui-même, architecte rythmique de
Fela Kuti et inventeur de la syncope caractéristique du genre les a adoubés à la première rencontre : “ils sont le futur
de l’Afrobeat”. Et le futur est en marche.
34
Jazz
CULLY JAZZ FESTIVAL
Length:
76’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
USA
MEDESKI / MARTIN & WOOD AND NELS CLINE AT CULLY JAZZ FESTIVAL
John Medeski, piano, organ
Chris Wood, guitar, bass
Billy Martin, drums
Nels C Cline, guitar
Familiar faces at Cully following their previous appearances, John Medeski, Billy
Martin and Chris Wood, who have completely redefined the musical possibilities of
the jazz trio, are back this year for a sound explosion. With an exemplary career over
more than 20 years, the three colourful New Yorkers have made groove their watchword and adventurous performance their playground. With a collective communication that borders on telepathy they deliver legendary concerts, offering themselves
to the audience in a brilliant, instinctive style. From funk gimmicks to blues phrasing
they make every musical reference their own in this concert, which is performed in
company with that great guitarist Nels Cline, who is equally at ease with a John Coltrane number or when playing with the alternative rock band Wilco.
Connus à Cully pour s’y être déjà produits, John Medeski, Billy Martin et Chris Wood qui ont redéfini ensemble
les possibilités musicales du trio jazz, sont de retour cette année pour une explosion sonore. Menant une carrière
exemplaire depuis plus d’une vingtaine d’années, les trois lascars new-yorkais ont fait du groove leur maître-mot
et l’aventure scénique leur terrain de jeu. Avec une communication collective qui frise la télépathie, ils livrent des
concerts légendaires, se donnant au public d’une manière instinctive et jouissive. Entre gimmicks funk et phrasés
blues, ils s’approprient l’ensemble des références musicales sur ce concert qui se fera en la compagnie de l’immense
guitariste Nels Cline, autant à l’aise sur des titres de John Coltrane qu’au service du groupe de rock alternatif Wilco.
Length:
77’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
USA
MARC RIBOT’S CERAMIC DOG AT CULLY JAZZ FESTIVAL
Marc Ribot – Guitar
Shahzad Ismaily – Guitar, Bass, Electronics
Ches Smith – Drums, Percussions
Reunited in Cully this year, the three members of the Ceramic Dog project can best
be described as the troublemakers, the unclassifiables or the exceptions of contemporary jazz. Led by guitarist Marc Ribot, the trio usually walks on stage with the
same potential as a grenade that forgot to go off. Shamelessly powerful in hard rock
and extreme sound, Ceramic Dog brought out Your Turn in 2003, a second album
that has the merit of making all opinions agree: this band is on the verge of madness
and its music, crafted for the live experience, makes absolutely no concessions.
Réunis à Cully cette année, les trois comparses qui forment le projet Ceramic Dog
se définissent au mieux comme des fauteurs de trouble, des inclassables, comme
des exceptions du jazz contemporain. Avec le guitariste Marc Ribot en tête, ce trio
monte généralement sur scène avec le même potentiel qu’une grenade qui aurait
oublié d’exploser. Puisant sans vergogne dans le hard-rock et dans les sonorités
extrêmes, Ceramic Dog a livré Your Turn en 2013, un second album qui a le mérite
de mettre tout le monde d’accord : ce groupe frôle la folie, et sa musique, façonnée
pour l’expérience live, ne fait absolument aucune concession.
35
Jazz
Length:
59’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2013
Language available:
Live concert
Country:
Mali
CHEICK TIDIANE SECK 6TET & GUESTS AT CULLY JAZZ FESTIVAL
Cheick Tidiane Seck 6tet & Guest (Mali) // Cheick Tidiane Seck (Keyboard, Guitar, Vocals) – Alioune Wade (Bass) – Conti-Bilong (Drums) – Guimba Kouyaté (Guitar) – Adama
Dembélé (Balafon, Djembé, Bara) – Kabiné Kouyaté, TBC Female Singer (Vocals)
Well known at Cully from his many appearances there, either with his band, in a duo or
as musical director, this Malian, who settled in Paris in the middle 80s, brings his own
natural good humour and infectious joy to the music. A disciple of Jimmy Smith, he is
equally at ease in Mandé territory, when required to pay homage to his roots, with hard
jazz, or alongside Carlos Santana, Joe Zawinul or Jimmy Cliff. He even contributed to
London’s avant-garde jungle music. After his dazzling direction of Dee Dee Bridgewater’s album “Red Earth” and that of Malian diva, Oumou Sangaré, Cheick recently produced a magnificent acoustic album, “Guerrier/Warrior”, entirely recorded at Bamako,
with prestigious guests Toumani Diabaté, Dee Dee Bridgewater, Oumou Sangaré, Amadou & Mariam and Manu Dibango, backed by a sextet reflecting an insolent musical
liberty. On this album Cheick’s music is a simple, but eloquent celebration of the greatness of Malian music. His 2013 tour brings him to Cully with this new project, performing numbers from the new album such as Liwawechi, Miai O Miai and Fere na Fere.
Connu à Cully pour s’y être produit à maintes reprises, que ce soit avec sa formation, en duo ou en directeur musical, la bonne humeur et la joie communicative de la musique accompagnent naturellement ce Malien établi à Paris
depuis le milieu des années 80. Disciple de Jimmy Smith, à l’aise autant sur le terrain mandingue lorsqu’il s’agit de
faire honneur à ses racines que dans la branche dure du jazz ou encore aux côtés de Carlos Santana, Joe Zawinul
ou Jimmy Cliff, il a même contribué à l’avant-garde de la jungle londonienne. Après avoir dirigé avec brio l’album
“Red Earth” de Dee Dee Bridgewater et celui de la diva malienne Oumou Sangaré, Cheick a récemment produit
un magnifique album acoustique « Guerrier », entièrement enregistré à Bamako, avec comme invités prestigieux
Toumani Diabaté, Dee Dee Bridgewater, Oumou Sangaré, Amadou & Mariam, et Manu Dibango, autour d’une formation sextet reflétant une liberté musicale insolente. La musique de Cheick y célèbre simplement avec éloquence
la grandeur de la musique malienne. Sa tournée 2013 l’amène à Cully avec ce nouveau projet, présentant quelques
titres de ce nouvel album dont Liwawechi, Miai O Miai ou encore Fere na Fere.
Length:
93’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2013
Language available:
Live concert
Country:
USA
STEVE COLEMAN & FIVE ELEMENTS
Considered as the most creative saxophonist of his generation, Steve Coleman,
with his Five Elements quintet, has created M’Base, a unique and avant-garde
structure that, according to him, is less about a musical identity than an attitude
towards life and its vicissitudes.
This year, at the Cully Jazz Festival, he and his group perform pieces from the album Functional Arrhythmias and compositions taken from the Phase Space album
with Dave Holland as well as from his previous albums.
Saxophoniste considéré comme le plus créatif de sa génération, il a créé avec
son quintet Five Elements, la structure M’Base, structure unique et avant-guardiste
qui, selon lui, est moins une identité musicale qu’une attitude envers la vie et le
quotidien.
Au Cully Jazz Festival cette année, il présente avec sa formation des morceaux
de l’album Functional Arrhythmias ainsi que des compositions extraites de l’album
Phase Space avec Dave Holland et des ses précédents albums.
36
Jazz
Length:
67’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer :
Mezzo
Copyright:
2012
Language available:
Live concert
Country:
USA
Length:
76’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer :
Mezzo
Copyright:
2012
Language available:
Live concert
Country:
Switzerland
Length:
85’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer :
Mezzo
Copyright:
2011
Language available:
Live concert
Country:
USA
BRIAN BLADE “MAMA ROSA”
This extraordinary musician presents his luminous compositions “Mama Rosa” for
the first time at the Cully festival. Appearing alongside saxophonist Joshua Redman and pianist Brad Mehldau, Brian Blade soars so high on his own wings that he
goes far beyond the boundaries of “jazz drummer”. In project after project this forty
year-old from Louisiana takes his harmonic visions in all directions, whether it’s jazz
with a typically 70s fusion feel or rock soul crossed with country and world music,
highly practised and quasi-cinematographic.
L’extraordinaire musicien présente les lumineuses compositions de “Mama Rosa”
pour la première fois au festival de Cully. Révélé aux côtés du saxophoniste Joshua
Redman et du pianiste Brad Mehldau, Brian Blade vole tellement de ses propres
ailes qu’il dépasse largement le cadre du « batteur de jazz ». Projet après projet, ce quadragénaire originaire de Louisiane embarque ses visions harmoniques
un peu partout, qu’il s’agisse d’un jazz aux aires de fusion typiquement 70’s que
sur les terres d’un rock soul mâtiné de country et de world music, très travaillé et
quasi-cinématographique.
MARC PERRENOUD TRIO
A stunning melodic imagination, devastating power, lyrical intensity of touch, original
compositions of sheer beauty: devilishly catchy, the music of the Marc Perrenoud
Trio is a concentration of the finest qualities of jazz today, all categories included.
The three partners who make up the trio: Marc Perrenoud, Cyril Regamey and
Marco Muller are a good example of out-dated modernity. Harmonic complexity,
subtlety, sharp writing, it’s all there…
Imagination mélodique stupéfiante, puissance ravageuse, intensité lyrique du
toucher, compositions originales de toute beauté: accrocheuse en diable, la musique
du Marc Perrenoud Trio concentre les meilleures qualités du jazz d’aujourd’hui,
toutes longitudes confondues. Les trois compères qui forment le trio Marc
Perrenoud, Cyril Regamey et Marco Muller, sont un bon exemple d’une modernité
dépassée. Complexité harmonique, subtilité, finesse d’écriture, tout y est..
CARLA BLEY TRIO
Of all the colourful characters that feature in the story of jazz, pianist Carla Bley
is one of the most deliciously fantastical. This accomplished, American musician,
composer, conductor, arranger and pianist has, since the 60s, been producing
quite singular work, never lacking in humour, with an aesthetic that swings between
majesty and comedy.
De tous les personnages hauts en couleur qui peuplent le roman du jazz, la pianiste Carla Bley est l’une des plus délicieusement fantaisistes. Cette musicienne
américaine accomplie, compositrice, chef d’orchestre, arrangeuse, pianiste,

mène depuis les années 60 une oeuvre singulière, jamais dépourvue d’humour, à
l’esthétique qui oscille entre majesté et comédie.
37
Jazz
Length:
55’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer :
Mezzo
Copyright:
2011
Language available:
Live concert
Country:
United Kingdom
PORTICO QUARTET LIVE AT CULLY JAZZ FESTIVAL
Portico Quartet has created a unique style: an atmospheric jazz that is both
accessible and open. In just a few years, after working many times on London’s
South Bank, their hypnotic music has earned them a Mercury Prize nomination and
a recording deal at the Abbey road studios with famous producer and talent scout,
John Leckie,whose name is associated with Stone Roses, XTC, Rodrigo &
Gabriela, Radiohead, Papa Wemba, Muse and many others. An intimate concert
and a privilege!
Portico Quartet a créé un style unique,: un jazz atmosphérique accessible et ouvert. En quelques années, après avoir beaucoup œuvré à Londres dans le quartier de South Bank, leur musique hypnotique leur vaut une nomination au Prix
Mercury et un enregistrement au studio Abbey Road avec le célèbre producteur
et découvreur de talents John Leckie dont le nom est associé aux Stone Roses,
XTC, Rodrigo & Gabriela, Radiohead, Papa Wemba, Muse et bien d’autres. Un
concert intime comme un privilège !
38
Jazz
BARCELONA JAZZ FESTIVAL
Length:
121’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer:
Arte
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
English subtitles
Country:
Cuba
RUMBA PARA BEBO - BARCELONA JAZZ FESTIVAL
The Afro-Cuban Messengers
Gastón Joya, double bass
Yaroldi Abreu, percussion
Dreiser Durruthy, bombalé, batás, vocals
Rodney Barreto, drums
Guests:
Piano / Lázara Cachao, Javier Massó Caramelo, Omar Sosa, Mauricio Vallina,
Paloma Manfugás Hung
Double Bass / Javier Colina
Trumpet and Bugle / Jerry González
Trumpet / David Pastor
Tenor Sax / Eladio Reinón
Bebo Valdés bid us farewell in March 2013. A big man, both in size and talent, he was the pioneer of Latin Jazz. Composer, conductor and musical director of one of the most splendid clubs in Havana, Valdés decided to flee Castro’s
Cuba. He sought exile in Sweden, sinking into anonymity only to resurface in 2000 thanks to the documentary “Calle
54”, or the film “ Chico and Rita” (2010), nominated for the Oscars in 2012. Winner of several Grammy awards, Bebo
has left his mark on contemporary music. His death in Stockholm in 2013 left a bitter taste for his family, which has
been unable to pay homage to him before now.
Chucho Valdés, Bebo’s son and a brilliant pianist, and the Barcelona Jazz Festival have decided to present a concert
in homage to this great artist. The Valdés clan, former and recent fellow travellers will thus come together for a rumba
to celebrate the joie de vivre, the virtuosity and the wisdom of Bebo Valdés.
“A bailar, a beber ron, comer chocolate y a gozar”
An emotional and unique homage to the greatest Cuban pianist of the last century.
The Afro-Cuban Messengers
Gastón Joya, contrebasse / Double bass
Yaroldi Abreu, percussion
Dreiser Durruthy Bombalé, batás, voix / Voice
Rodney Barreto, batterie / Drums
Invités :
Piano / Lázara Cachao, Javier Massó Caramelo, Omar Sosa, Mauricio Vallina, Paloma Manfugás Hung
Contrebasse / Javier Colina
Trompette et bugle / Jerry González
Trompette / David Pastor
Sax ténor / Eladio Reinón
Une idée originale de Chucho Valdes et A Cararach avec Chucho Valdes au piano et The Afro Cuban Messengers.
Bebo Valdés nous a quitté en mars 2013. Ce grand homme, aussi bien par la taille que par le talent, fut le pionnier du
latin jazz. Compositeur, chef d’orchestre et directeur musical de l’un des clubs les plus luxueux de La Havane, Valdés
décida de fuir le Cuba castriste. Il s’exile alors en Suède pour tomber dans l’anonymat, dont il sortira en 2000 grâce au
documentaire “Calle 54”, ou encore au film Chico et rita (2010) nominé aux oscars 2012. Récompensé par plusieurs
Grammy, Bebo a marqué l’histoire de la musique contemporaine.
Sa mort à Stockholm en 2013, a laissé un gout amer à sa famille qui n’a pu jusque là lui rendre hommage.
Chucho Valdés, fils et pianiste de génie, et le Festival de Jazz de Barcelone ont décidé d’organiser un concert pour
rendre hommage à cet immense artiste. Le Clan Valdés, anciens et nouveaux compagnons de route vont ainsi se
retrouver pour une rumba célébrant la joie de vivre, la virtuosité et la sagesse de Bebo Valdés.
“A bailar, a beber ron, comer chocolate y a gozar”
Un hommage émotif et unique à la mémoire du plus grand pianiste cubain du siècle passé.
39
Jazz
Length:
110’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer:
Arte
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
Cuba
CHUCHO VALDES & THE AFRO CUBAN MESSENGERS BARCELONA JAZZ FESTIVAL
Chucho Valdés (Piano)
The Afro Cuban Messengers /// Gaston Joya (Double Bass) / Yaroldi Abreu,
(Percussion) / Dreiser Durruthy Bombalé (Batas – Vocals) / Rodney Barreto
(Drums)
Chucho Valdés and the Afro-Cuban Messengers invite Rachmaninoff, Bach and
Miles Davis to a joyful carnival in “Border-Free”. Pianist and quartet pay homage to all the influences that make up Cuban culture: classical, mambo, hard
bop and even Arab-Andalusian or Amerindian music. The knowing references
become even closer when Valdés dedicates certain numbers to his family (in
particular to his father, the mighty Bebo Valdés).
The “most complete pianist in the world”, according to Jazz Magazine, sweeps
us away on a whirlwind of poetry and nostalgia. It’s easy to imagine we are in
an old jazz bar in Havana, enjoying a big band in the purest Cuban tradition.
A group that exudes style, swing and energy, bringing life to a music that is, in
short, “without borders”.
Chucho Valdés (Piano)
The Afro Cuban Messengers /// Gaston Joya (Contrebasse) / Yaroldi Abreu, (Percussion) / Dreiser Durruthy Bombalé (Batas – Voix) / Rodney Barreto (Batterie)
Avec “Border-Free”, Chucho Valdés et les Afro-Cuban Messengers invitent Rachmaninov, Bach et Miles Davis à un
joyeux carnaval. Le pianiste et le quartet rendent ainsi hommage à toutes les influences qui font la culture cubaine :
classique, mambo, hard bop et même musiques arabo-andalouses et amérindiennes. Les clins d’œil sont aussi intimes puisque Valdés dédie certains de ces morceaux à sa famille (à son père, l’immense Bebo Valdés, notamment).
Le “pianiste le plus complet du monde”, comme le qualifie Jazz Magazine, nous transporte par la même dans un
tourbillon de poésie et de nostalgie. On se croirait presque transporté dans un vieux cabaret de La Havane, face à un
big band dans la plus pure tradition cubaine. Une formation pleine d’élégance, de swing et d’énergie qui donne vie à
une musique “sans frontière” en somme.
Length:
52’ & 86’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer :
Mezzo
Copyright:
2011
Language available:
Live concert
Country:
Cuba
OMAR SOSA LIVE AT BARCELONA JAZZ FESTIVAL
Navigating
between
the
shores
of
Cuba
and
the
atmosphere
Thelonius Monk, the pianist and composer, Omar Sosa, is a delicate
musician. With a strong jazz trend blended with Hip Hop, his music overflows with a
sensuality that is redolent of Cuba in every note. One of the great
names of jazz, Omar Sosa will leave an indelible mark on the world of
music. In the setting of the 42nd Barcelona International Jazz Festival, he
performs in the company of the NDR Big Band, under the direction of Jaques
Morelenbaum, in a unique concert in the splendid Palace of Music in Barcelona.
Naviguant entre les rivages cubains et des ambiances à la Keith Jarret ou à la
Thelonious Monk, le pianiste et compositeur Omar Sosa est un musicien délicat. A forte tendance jazz mâtinée de Hip hop, sa musique déborde d’une
sensualité où Cuba filtre à chaque note.Très grand nom du jazz, Omar Sosa va laisser une empreinte indélébile dans le monde de la musique. Dans le cadre du 42ème
Festival International de Jazz de Barcelone en Espagne, il se produit en
compagnie du NDR Big Band sous la direction de Jaques Morelenbaum
pour un concert unique dans le splendide palais de Musique à Barcelone.
40
of
Keith
Jarret
or
Jazz
ST EMILION JAZZ FESTIVAL
Length:
71’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer:
Arte
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
Jamaica
Length:
90’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer :
Mezzo
Copyright:
2012
Language available:
Live concert
Country:
France
MONTY ALEXANDER - THE FULL MONTY
The “Full Monty” is the perfect title for a concert in which the great Monty Alexander
reveals all. The Saint-Emilion concert is his platform to present a retrospective of
his work, a voyage through 50 years of jazz.
But it’s not just a Monty Alexander showcase: he pays homage to the greats who
inspired him or those he was fortunate to meet. From Nat King Cole to Frank
Sinatra, with Louis Armstrong along the way, it’s a real jazzy jubilee!
“The Full Monty” est un titre parfait pour ce concert où le grand Monty Alexander se
met à nu. Le jazzman profite en effet du Saint-Emilion Jazz Festival pour offrir une
rétrospective de son œuvre, afin de d’explorer 50 ans de jazz.
Loin de se cantonner à son propre répertoire, Monty Alexander rend également
hommage aux grands artistes qui l’ont inspiré ou qu’il a eu la chance de rencontrer. De Nat King Cole, à Frank Sinatra en passant par Louis Armstrong, c’est une
véritable farandole jazzy!
JACKY TERRASSON AND GUESTS
Jacky Terrasson is as reliable as reliable is. His music is the reflection of his
personality: generous, passionate, contrasted, sensual. Solo, in duo, in trio, his
performances, like fine wine, awaken our senses and intoxicate us. A great
lover of wine and epicurean delights, Jacky sprinkles his musical expression with
scents and savours gleaned from Jazz. He blends in his own concoctions to offer a
magnificent 2012 vintage. And let’s not forget that he is one of the greatest Jazz pianists since the 90s, with numerous awards and recognition throughout the world. Once
again he appears with one of the greatest bass players of his generation, Etienne
Mbappé, and the young, talented and highly promising Nicolas Viccaro on drums.
Jacky Terrasson est un fidèle parmi les fidèles. Sa musique est à l’image du
personnage: généreuse, passionnée, contrastée, sensuelle. En solo, en duo,
en trio, sa production, telle un grand cru, met nos sens en éveil, nous enivre...
Grand amateur de vin et de plaisirs épicuriens, Jacky parsème son expression
musicale de parfums et de saveurs glanés aux sources du Jazz. Il y mêle ses propres
assemblages pour nous offrir un magnifique cru 2012. Sans oublier qu’il est
l’un des plus grands pianistes de jazz depuis les années 90, multi-récompensé et salué dans le monde entier. Il se produit une nouvelle fois en compagnie d’un des plus grands bassiste de sa génération, Mr Etienne Mbappé et du jeune talentueux et très prometteur Nicolas Viccaro à la batterie.
41
Jazz
Length:
52’ & 86’
Director:
Laurent Brun
Producer:
Coproducer :
Mezzo
Copyright:
2012
Language available:
Live concert
Country:
France
HOMAGE TO NINO ROTA BY RICHARD GALLIANO
“La Dolce Vita”, “81/2”, “The Godfather”… Nino Rota has given the cinema some
of its most famous themes. With a new production, Richard Galliano takes up the
finest film music by Nino Rota and will celebrate, in his own way, the centenary of
the Milanese composer, born on December 3 1911. A quintet that the winds of the
British saxophonist John Surman and the American trumpeter Dave Douglas will
propel towards dreamlike, off-beat lands. And all the while retaining the essence of
Rota’s music, “very joyful with a touch of drama” as Galliano describes it.
• La Strada Quintet
• Richard Galliano : accordion
• John Surman : saxophone
• Dave Douglas : trumpet
• Boris Kozlov : contrebasse : double bass
• Clarence Penn : drums
“La Dolce Vita”, “Huit et demi”, “Le Parrain”... Nino Rota a offert au cinéma quelquesuns de ses thèmes les plus célèbres. Avec une nouvelle création, Richard Galliano
reprend les plus belles musiques de film de Nino Rota et fêtera à sa manière le
centenaire de la naissance du compositeur milanais né le 3 décembre 1911. Un quintet que les vents du saxophoniste britannique John Surman et du trompettiste américain Dave Douglas promèneront vers des terres oniriques
décalées. Tout en gardant l’essence de cette musique de Rota, « très joyeuse avec un fond de drame » comme la
décrit Galliano.
42
43
Classical
OPERA - GRAN TEATRE DEL LICEU (SPAIN)
Length:
130’
Director:
Stéphane Lebard
Producer:
Coproducers:
Mezzo
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
Italy
LA BOHÈME BY GIACOMO PUCCINI
MUSICAL DIRECTOR / Marc Piollet
STAGE DIRECTOR AND CHOREOGRAPHY / Jonathan Miller
SET DESIGN & COSTUMES / Isabella Bywater
LIGHTING / Jean Kalman
PRODUCTION / English National Opera, Cincinnati Opera
Symphony Orchestra and Chorus of the Gran Teatre del Liceu
CHORUS DIRECTOR / Conxita Garcia
Cor Vivaldi-Petits Cantors de Catalunya
CHILDREN’S CHORUS DIRECTOR / Peter Burian
Cast
MimíEleonora Buratto
Musetta
Olga Kulchynska
Rodolfo
Saimir Pirgu
Marcello
Gabriel Bermúdez
Schaunard
Isaac Galan
Colline
Fernando Radó
Benoît / Alcindoro
Fernando Latorre
La Bohème, the four-act opera by Giacomo Puccini from a libretto by Giuseppe Giacosa and Luigi Illica, is one of the
most performed lyrical works in the world.
It tells the story of the impossible love between Rodolfo and Mimi in the world of the literary “bohemia” of XIXth century Paris. We follow the romance between our two heroes through a wonderful series of tableaux that portray the
contagious joie de vivre of youth and the tragic waste caused by sickness and separation.
This new, and highly theatrical production, transposes the action to the 1930s (100 years later than the original) with
realistic, but traditional, sets created by Isabella Bywater for the staging by Jonathan Miller. The principal roles are
sung by one of the most promising tenors, Saimir Pirgu, and the exciting soprano, Eleonora Buratto.
OPERA
Direction musicale / Marc Piollet
Direction scénique / Jonathan Miller
Scénographie et Costumes / Isabella Bywater
Eclairage / Jean Kalman
Un coproduction / Bayerische Staatsoper (Munich), San Francisco Opera
Chef de chœur / Conxita Garcia
Chœur Vivaldi-Petits Cantors de Catalunya
Chef du chœur d’enfants / Peter Burian
Distribution :
Mimí : Eleonora Buratto
Musetta : Olga Kulchynska
Rodolfo : Saimir Pirgu
Marcello : Gabriel Bermúdez
Schaunard : Isaac Galan
Colline : Fernando Radó
Benoît / Alcindoro : Ferrnando Latorre
Opéra en quatre actes de Giacomo Puccini sur un livret de Giuseppe Giacosa et Luigi Illica, La Bohème de Puccini
est l’une des œuvres lyriques les joués dans le monde.
Elle raconte l’histoire d’un amour impossible entre Rodolfo et Mimi dans le milieu parisien de la “bohème” littéraire du
XIXème siècle. On suit la romance de nos deux héros à travers une merveilleuse suite de tableaux dépeignant la joie
de vivre contagieuse de la jeunesse et le gâchis tragique causé par la maladie et la séparation.
Cette nouvelle production très théâtrale transporte l’action dans les années 1930 (100 ans plus tard que l’original)
avec des décors réalistes mais traditionnels réalisés par Isabella Bywater, sur une mise en scène de Jonathan Miller.
Les personnages principaux sont interprétés par un des ténors les plus prometteurs, Saimir Pirgu, et l’émouvante
soprano Eleonora Buratto.
44
Classical
Length:
135’
Director:
Fabrice Castanier
Producer:
Coproducers:
Mezzo
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
Italy
I CAPULETI E I MONTECCHI BY VINCENZO BELLINI
MUSICAL DIRECTOR / Riccardo Frizza
STAGE DIRECTOR / Vincent Boussard
SET DESIGN / Vincent Lemaire
COSTUMES / Christian Lacroix / Robert Schwaighofer
LIGHTING / Guido Levi
PRODUCTION / Bayerische Staatsoper (Munich), San Francisco Opera
CHORUS DIRECTOR / Conxita Garcia
Cast
Romeo
Giulietta
Tebaldo
Lorenzo
Capellio
Joyce DiDonato
Patrizia Ciofi
Antonino Siragusa
Simón Orfila
Marco Spotti
Every generation rediscovers the story of eternal love between Romeo, lord of the
house of Montagu, and Juliet, daughter of the house of Capulet, caught up in the
feud between their two families, which will lead them to their deaths. In this production by the Liceu, dramatic intensity
reaches its pinnacle thanks to the performances of two great singers: Joyce DiDonato and Patrizia Ciofi.
Joyce DiDonato, the North-American mezzo, nominated for best classical solo singer in 2012 and 2016, creates a
model role with her Romeo, perfectly blending with the delicate Italian soprano Patrizia Ciofi.
Her perfect control of the lower notes, almost beyond her register, and her admirable legato added a sublime touch
to the scenic creation of stage director, Vincent Broussard.
The audacious staging skilfully orchestrates the mass movements swirling across the stage with the added touch of
costumes by Christian Lacroix and Robert Schwaighofer.
OPERA
Direction musicale / Riccardo Frizza
Direction scénique / Vincent Boussard
Scénographie / Vincent Lemaire
Costumes / Christian Lacroix / Robert Schwaighofer
Eclairage / Guido Levi
Un coproduction / Bayerische Staatsoper (Munich), San Francisco Opera
Chef de chœur / Conxita Garcia
Distribution :
Romeo
Giulietta
Tebaldo
Lorenzo
Capellio
Joyce DiDonato
Patrizia Ciofi
Antonino Siragusa
Simón Orfila
Marco Spotti
A chaque génération renaît l’histoire d’amour éternelle entre Roméo, le chef des Montaigu, et Juliette, la fille du clan
Capulet, face à l’emprise de leurs deux familles rivales qui les mèneront à la mort. Dans cette production du Liceu,
l’intensité dramatique est à son comble grâce à l’interprétation de deux immenses chanteuses : Joyce DiDonato et
Patrizia Ciofi.
Joyce DiDonato, la mezzo nord-américaine, nommée au Grammy Award en 2016 et 2012 en tant que meilleure
soliste classique, fait de son rôle de Roméo un modèle, en parfaite osmose avec la délicate soprano italienne Patrizia
Ciofi.
Sa maîtrise parfaite des notes basses, presque hors de son registre, et son admirable legato ont sublimé la prestation
scénique proposée par Vincent Boussard, le metteur en scène.
Sa mise en scène, audacieuse, orchestre habilement les mouvements de masse circulant à travers la scène, le tout
mis en costume par Christian Lacroix et Robert Schwaighofer.
45
Classical
Length:
154’
Director:
Fabrice Castanier
Producer:
Coproducers:
Mezzo
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
Italy
LUCIA DI LAMMERMOOR BY GAETANO DONIZETTI
Lucia di Lammermoor is undoubtedly the best-known work of Gaetano Donizetti,
even though his output was prolific. It has also been the most frequently performed and staged since its creation in 1835 at the San Carlo theater in Naples.
It is one of the beacons of Italian Bel Canto and also one of the most typically
romantic of Italian Operas.
In 16th century Scotland, torn apart by the wars of religion and succession between Mary Stuart’s Catholics and James VI’s Reformist Protestants, two families,
the Ravenswoods and the Ashtons are feuding. In the middle is an impossible
love between Lucia, Ashton daughter, and Edgardo, Ravenswood son and sworn
enemy of Enrico, Lucia’s brother. It is performed at the Barcelona Gran Teatre del
Liceu in an original staging by Damiano Michieletto.
Musical Director Marco Armiliato
Cast:
Stage Director Damiano Michieletto
Lucia
Elena Mosuc
Sets Paolo FantinEdgardoJuan Diego Flores
Costumes Carla TetiEnricoMarco Caria
Lighting Martin Gebhardt
Raimondo
Simon Orfila
ArturoAlbert Casals
Orfeó Català Children’s Choir
Alysa
Sandra Ferrandez
Madrigal ChoirNormanoJorge Rodriguez-Norton
OPERA
Lucia di Lammermoor, certainement l’opéra le plus connu de Gaetano Donizetti, à l’œuvre pourtant prolixe. Le plus
joué et mis en scène, aussi, depuis sa création en 1835 au théâtre San Carlo de Naples. C’est une des œuvres
phares du Bel Canto italien, c’est aussi un des Opéras italiens les plus typiquement romantiques.
Dans l’Ecosse du 16ème siècle, déchirée par les guerres de religions et de successions entre catholiques de Marie
Stuart et protestants réformistes de Jean VI, deux familles, les Ravenswood et les Ashtons s’affrontent. Au milieu,
un amour impossible entre Lucia, fille Ashton, et Edgardo, fils Ravenswood, ennemi juré d’Enrico, le frère de Lucia.
Interprété au Gran Teatre del Liceu de Barcelona avec une mise en scène originale de Damiano Michieletto.
Direction musicale Marco Armiliato
Distribution :
Direction scénique Damiano Michieletto
Lucia
Elena Mosuc
Décors Paolo Fantin
Edgardo
Juan Diego Flores
Costumes Carla TetiEnricoMarco Caria
Lumières Martin Gebhardt
Raimondo
Simon Orfila
ArturoAlbert Casals
Chœur d’enfant de l’Orfeó Català
Alysa
Sandra Ferrandez
Chœur MadrigalNormanoJorge Rodriguez-Norton
46
Classical
Length:
176’
Director:
Jean Pierre Loisil
Producer:
Coproducers:
Mezzo
Gran Teatre del Liceu
Green Narae Media
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
Italy
NORMA BY VINCENZO BELLINI
If we weep from emotion on hearing it, it’s nothing to be ashamed of. That is what
Richard Wagner said about Vincenzo Bellini’s most famous opera, which he considered the most perfect example of a musical tragedy. And rightly so, because
in Norma Italian Romanticism reached its pinnacle. This production, by up-andcoming American stage director Kevin Newbury, stresses the ritual aspects of the
drama. In Roman-dominated Gaul, the high priestess Norma has broken her vow
of chastity by entering a relationship with the Roman pro-consul Pollione and the
birth of their two children has been kept secret. But when she discovers she has a
rival, jealousy sets in. Norma is a classical heroine, passionate and revengeful, and
her dilemma provides the starting point for the most successful work by the last and
greatest composer of bel canto. Though the first performance was a failure, Norma went on to become an established favourite. It first came to the Liceu in 1847,
not long after its official opening, and was, in fact, the third opera to be staged there.
February 14 and 17, 2015
Norma - Vincenzo Bellini
Lyric tragedy in two acts. Libretto by Felice Romani based on the play by Alexandre Soumet. Music by Vincenzo
Bellini. Premiered on 26 September 1831 at the Teatro alla Scala in Milan. First performed at the Gran Teatre del
Liceu on 16 October 1847. Last staged at the Liceu on 30 July 2007.
OPERA
Directed by / Jean Pierre Loisil Cast:
Length / 163’Pollione Gregory Kunde
OrovesoRaymond Aceto
Conductor / Renato Palumbo
Norma
Sondra Radvanovsky
Stage Direction / Kevin Newbury
Adalgisa
Ekaterina Gubanova
Scenography / David Korins
Clotilde
Anna Puche
Costumes / Jessica Jahn Flavio
Francisco Vas
Lighting / D. M. Wood
Co-Production / Gran Teatre del Liceu, San Francisco Opera
Chicago Lyric Opera and Canadian Opera Company
Si nous pleurons d’émotion en l’écoutant, il n’y a rien de honteux. C’est ce que Richard Wagner a déclaré à propos
du plus célèbre opéra de Vincenzo Bellini, qu’il considérait comme le plus parfait exemple d’une tragédie musicale.
Et à juste titre, parce que dans Norma le romantisme italien atteint son apogée. Cette production, mise en scène par
le prometteur metteur en scène américain Kevin Newbury, souligne les aspects rituels du drame. En Gaule romaine
dominée, la grande prêtresse Norma a rompu son vœu de chasteté en entamant une relation avec le pro-consul
romain Pollione et la naissance de leurs deux enfants gardé secret. Mais quand elle découvre qu’elle a une rivale,
la jalousie s’installe. Norma est une héroïne classique, passionnée et vindicative, et son dilemme constitue le point
de départ de l’œuvre la plus réussie par le dernier et le plus grand compositeur de bel canto. Bien que la première
représentation a été un échec, Norma est devenu un favori établie. Il arriva le premier au Liceu en 1847, peu de
temps après son ouverture officielle, et a été, en fait, le troisième opéra à y avoir été mis en scène.
Samedi 14 et Mardi 17 Février 2015
Norma de Vincenzo Bellini
Tragédie lyrique en deux actes. Livret de Felice Romani basé sur la pièce d’ Alexandre Soumet. Musique de Vincenzo
Bellini. La première eu lieu le 26 Septembre 1831 au théâtre de la Scala à Milan. Première représentation au Gran
Teatre del Liceu le 16 Octobre 1847. Dernière représentation au Liceu le 30 Juillet 2007.
Réalisateur / Jean Pierre Loisil
Casting :
Durée / 163’PollioneGregory Kunde
OrovesoRaymond Aceto
Direction musicale / Renato Palumbo
Norma
Sondra Radvanovsky
Direction scénique / Kevin Newbury
Adalgisa
Ekaterina Gubanova
Scénographie / David Korins
Clotilde
Anna Puche
Costumes / Jessica Jahn
Flavio
Francisco Vas
Eclairage / D. M. Wood
Une coproduction / Gran Teatre del Liceu, San Francisco Opera
Chicago Lyric Opera et Canadian Opera Company
Orchestre Symphonique et Choeur du Gran Teatre del Liceu
47
Classical
Length:
155’
Director:
François René Martin
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
Germany
OPERA
DAS RHEINGOLD
L’Or du Rhin
Das Rheingold (Munich, 1869) is the prologue to the Ring of the Nibelung. In
a world where harmony still holds sway, the Rhine maidens (water nymphs)
watch over their treasure in the depths of the Rhine. However, it is then stolen
by Alberich, the Nibelung, an evil, lecherous dwarf who knows its secret: whoever steals the gold and makes it into a ring will become ruler of the world, on
condition that he renounces love. Wotan, king of the gods, advised by the cunning demigod, Loge, takes the gold and the ring from Alberich to pay for the palace of Walhalla, which the giants Fasolt and Fafner have built for him. However,
Alberich lays a terrible curse: the ring will bring misfortune and death to whoever possesses it. The curse takes immediate effect with the result that one of
the giants kills the other to obtain the ring. The striking aspect of this production is the unique and offbeat staging by Robert Carsen, who plunges us into
a world of darkness. Patrick Kinmonth has designed a minimalist set of blocks
of concrete and cranes. In their hands, Das Rheingold, takes on an austere,
glittering character that allows Wagner’s work to appear in all its brilliance.
Musical Director: Josep Pons
Adaptation: Robert Carsen and Patrick Kinmonth
Director: Robert Carsen
Set Designer: Patrick Kinmonth
Adaptation for Liceu Theatre: Patrick Kinmonth and Darko Petrovitch
Costume Designer: Patrick Kinmonth
Lighting: Manfred Voss
Production: Köln City Theatres
Casting:
Wotan Donner Froh
Loge
Fasolt Fafner Alberich Mime
Fricka
Freia
Erda
WoglindeWellgunde Flosshilde -
Albert Dohmen
Ralf Lukas
Marcel Reijans
Kurt Streit
Ain Anger
Ante Jerkunica
Andrew Shore
Mikhail Vekua
Mihoko Fujimura
Erika Wueschner
Ewa Podles
Lisette Bolle
Maria Hinojosa
Nadine Weissmann
Das Rheingold (L’Or du Rhin, Munich, 1869) est le prologue du Der Ring des Nibelungen (L’Anneau du Nibelung).
Dans un monde où l’harmonie règne encore, les nymphes des eaux veillent sur leur trésor dans les profondeurs du
Rhin. Mais il est alors volé par Alberich le Nibelung, un vilain nain lubrique qui connaît son secret : celui qui peut saisir
l’or et se faire un anneau d’or, deviendra le maître du monde, à condition qu’il renonce à l’amour. Wotan, le roi des
dieux, conseillé par l’astucieux demi-dieu Loge, prend l’or et l’anneau d’Alberich pour payer le palais de Walhalla, que
les géants Fasolt et Fanfer ont construit pour lui. Mais Alberich profère un terrible fléau : l’anneau apportera le malheur
et la mort à ses propriétaires. La malédiction prend effet immédiatement si bien qu’un l’un des géants tue l’autre pour
s’emparer de celui-ci. Fait saillant de cette représentation : la mise en scène unique et décalée de Robert Carsen, qui
nous plonge dans un univers obscur. Patrick Kinmonth a pour sa part imaginé une scène minimaliste avec des blocs
de ciment et des grues. Entre leurs mains, Das Rheingold revêt un caractère austère et brillant qui permet à l’œuvre
de Wagner de s’illuminer pleinement.
Direction musicale : Josep Pons
Adaptation de la production par : Robert Carsen et Patrick Kinmonth
Metteur en scène : Robert Carsen
Décors : Patrick Kinmonth
Pièce adaptée pour le théâtre du Liceu : Patrick Kinmonth et Darko Petrovich
Costumes : Patrick Kinmonth
Eclairage : Manfred Voss
Production : Bühnen der Stadt Köln
48
Classical
Length:
180’
Director:
Louise Narboni
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2013
Language available:
Live concert
Country:
France
OPERA
THE TALES OF HOFFMAN
Les Contes d’Hoffman
‘The Tales of Hoffman’ (Paris, 1881) is evidence of Hoffman’s determination to
surpass his success with operettas and enter the world of grand opera. This is
a highly inspired work where fantasy and emotion form a subtle, supernatural
blend with satire and the grotesque. Hoffman, the narrator and protagonist,
relates three tales to his drinking companions. Each tale illustrates a facet of
his stormy affair with the singer Stella. The tales tell the stories of Olympia, a
mechanical doll, Antonia, a singer, who sings herself to death, and Giulietta,
a courtesan who steals people’s reflections.
Casting:
Stella - Susana Cordón
Olympia - Kathleen Kim
Antonia - Natalie Dessay
Giulietta - Tatiana Pavlovskaya
La musa / Nicklausse - Michèle Losier
La veu de la tomba - Salomé Haller
Hoffmann - Michael Spyres
Lindorf / Coppelius / Doctor Miracle / Capita Dapertutto - Laurent Naouri
Spalanzani - Manel Esteve Crespel - Carlos Chausson
Peter Schlemil - Isaac Galan
Andres / Cochenille / Frantz / Pitichinaccio - Francisco Vas
Maître Luther - Alex Sanmarti
Nathanaël - Airam Hernández
Hermann - Isaac Galán
Les contes d’Hoffmann (Paris, 1881) témoignent de la volonté d’Offenbach à aller au-delà de ses opérettes réussies et
entrer dans le monde du grand opéra. Il s’agit d’un travail très inspiré où la fantaisie, l’émotion et le mélange surnaturel
en douceur avec la satire et le grotesque. Hoffmann, le narrateur et le protagoniste, raconte à ses compagnons de
beuverie trois contes, dont chacun illustre une facette de sa romance orageuse avec la chanteuse Stella. Les contes
racontent l’histoire d’ Olympia, une poupée mécanique, Antonia, une chanteuse qui chante elle-même à la mort, et
Giulietta, une courtisane qui vole les réflexions des gens.
Casting:
Stella - Susana Cordón
Olympia - Kathleen Kim
Antonia - Natalie Dessay
Giulietta - Tatiana Pavlovskaya
La musa / Nicklausse - Michèle Losier
La veu de la tomba - Salomé Haller
Hoffmann - Michael Spyres
Lindorf / Coppelius / Doctor Miracle / Capita Dapertutto - Laurent Naouri
Spalanzani - Manel Esteve Crespel - Carlos Chausson
Peter Schlemil - Isaac Galan
Andres / Cochenille / Frantz / Pitichinaccio - Francisco Vas
Maître Luther - Alex Sanmarti
Nathanaël - Airam Hernández
Hermann - Isaac Galán
49
Classical
Length:
77’
Director:
Arantxa Aguirre
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
France
BEJART BALLET LAUSANNE - LIGHT AT CHAILLOT
Choreography by Maurice Béjart
Artistic Director Gil Roman
The arrival of the Béjart Ballet Lausanne at the National Theatre of Chaillot in the
company’s twenty-fifth anniversary year is a major event. Now under the artistic
direction of Gil Roman, the Béjart’s presence will sparkle with the performance
of Light, created in 1981 and now enjoying a long-awaited revival. In this work
Béjart takes inspiration from Vivaldi and Venice. He finds another source of energy from San Francisco in the music of two special bands: The Residents and
Tuxedomoon. Yet more visions arise on stage: Pulcinella by Tiepolo, Casanova,
and a gold digger. And a pregnant woman, the great Maurice Béjart’s homage
to Carolyn Carlson, the Blue Lady of the Lagoon. For many, Light, with its sets
and costumes by Nuno Côrte-Real, is a discovery. And a joy to be shared with all.
The Béjart Ballet Lausanne, at the top of its form, finally gives it new life. Béjart
forever.
Chorégraphie de Maurice Béjart
Sous la direction artistique de Gil Roman
BALLET
La venue du Béjart Ballet Lausanne au Théâtre National de Chaillot et ce à l’occasion des vingt-cinq ans de la compagnie est un événement majeur. La présence du Béjart Ballet Lausanne, aujourd’hui sous la direction artistique de
Gil Roman, se fera éclatante aux feux de Light créé en 1981, une reprise attendue. Béjart s’inspire ici de Vivaldi et
de Venise. De San Francisco il puise une autre énergie dans la musique de deux groupes singuliers, The Residents
et Tuxedomoon. Sur scène, d’autres visions surgissent : Pulcinella de Tiepolo, Casanova, un chercheur d’or. Et une
femme enceinte, hommage du grand Maurice Béjart à Carolyn Carlson la Blue Lady de la Lagune. Light, dans les
décors et costumes de Nuno Côrte- Real, est une découverte pour beaucoup. Et un bonheur à partager pour tous. Le
Béjart Ballet Lausanne au sommet de sa forme lui donne enfin une nouvelle vie. Béjart for ever.
50
Classical
Length:
93’
Director:
Arantxa Aguirre
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2013
Language available:
Live concert
Country:
France
BALLET
BEJART BALLET LAUSANNE
The Béjart Ballet Lausanne was created in 1987 by the great choreographer
Maurice Béjart whose hallmark works are Ravel’s Bolero and The Rite of
Spring. Since Béjart’s death in 2007, the company has been under the direction of Gil Roman, Béjart’s appointed successor.
The Béjart Ballet Lausanne (BBL) performs throughout the world. Maurice Béjart’s repertoire is thus always available to the public as the troupe continues to
perform his original creations. In addition, the BBL also performs new productions by Gil Roman and guest choreographers.
The three works are to be performed at the Stadsschouwburg Anvers which
has built itself a reputation over recent years with a number of large scale
productions.
The Rite of Spring: Created by Maurice Béjart in 1959, this work constitutes one of the showpieces of his repertoire. To the music of Stravinsky,
which throws a spotlight on the troupe at its outset, the ballet presents some
fifty dancers. “What is the Spring, if not this primitive force slumbering for so
long beneath the mantle of winter that suddenly bursts forth and sets the world
ablaze, whether at the vegetable, animal or human level?” 37’
Cantate 51: (Choreography by Maurice Béjart) is a classical work by the Béjart Ballet created in 1966. To the
music of J.S.Bach, Béjart creates a ballet on the theme of the Annunciation when the angel appears to Mary and
foretells the birth of a son. 38’
Syncopation: This production, created in 2010 by Gil Roman, takes up the theme of off-beat rhythm and
therefore of syncopated music. To original music by Thierry Horchstätter and JB Meyer, the ballet draws the parallel
between medical syncope and musical syncopation and highlights the effects on our brains, our creativity, memory
and imagination. 22’
Le Béjart Ballet Lausanne a été créé en 1987 à Lausanne par le grand chorégraphe Maurice Béjart dont les œuvres
de référence sont le Boléro de Ravel et Le sacre du printemps. Depuis sa mort en 2007, La compagnie est dirigée
par Gil Roman, héritier désigné par Béjart.
Le Béjart Ballet Lausanne (BBL) se produit dans le monde entier. Le répertoire de Maurice Béjart est ainsi toujours
accessible au grand public car la troupe continue de se produire en représentant les créations originales de Maurice
Béjart. Par ailleurs, le BBL présente aussi de nouvelles créations de Gil Roman et de chorégraphes invités.
Les 3 œuvres sont représentées au Stadsschouwburg Anvers qui s’est bâti une réputation solide ces dernières années autour de multiples spectacles d’envergure.
Le Sacre du Printemps : Créé par Maurice Béjart en 1959, cette œuvre constitue une des pièces maîtresses
de son répertoire. Sur une musique de Stravinsky, qui met en lumière la troupe à ses débuts, ce ballet est composé
d’une cinquantaine de danseurs. “Qu’est-ce que le printemps, sinon cette immense force primitive longtemps endormie sous le manteau de l’hiver, qui soudain éclate et embrase le monde, que ce soit à l’échelon végétal, animal ou
humain ? 37’
Cantate 51 : (Chorégraphie de Maurice Béjart) est une œuvre classique du Béjart Ballet crée en 1966. Sur une
musique de J S Bach, Béjart crée ce ballet sur le thème de l’annonciation où l’ange apparaît à Marie et lui prédit la
naissance d’un fils. 38’
Syncope : Cette création de Gil Roman crée en 2O1O reprend le thème du contretemps en musique et donc
de la musique syncopée. Sur une musique originale de Thierry Horchstätter et JB Meyer, le ballet fait le parallèle
entre la syncope en médecine et en musique, et met en lumière les effets sur notre cerveau ; création, mémoire,
imagination… 22’
51
Classical
Length:
85’
Director:
Corentin Lecompte
Producer:
Coproducers:
Mezzo
LSO Live
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
United Kingdom
SIR JOHN ELIOT GARDINER CONDUCTS MENDELSSOHN
Sir John Eliot Gardiner dirige Mendelssohn
Sir John Eliot GARDINER / direction
Choeur Monteverdi
Ceri-Lyn Cissone / Titania
Frankie Wakefield / Oberon
Alexander Knox / Puck
Jessica Cale / 1st fairy
Sarah Denbee / 2nd fairy
Charlotte Ashley / 3rd fairy
Rebecca Hardwick / 4th fairy
Programme :
MENDELSSOHN / Symphonie N° 1 (London version)
MENDELSSOHN / A Midsummer Night’s Dream (le Songe d’une nuit d’été)
Sir John Eliot Gardiner dirige le LSO et le chœur Monteverdi dans ce concert marquant le 400e anniversaire de la mort de Shakespeare dans le but d’explorer certaines des plus belles musiques inspirées par son écriture.
Le compositeur Felix Mendelssohn est mis à l’honneur avec l’interprétation de deux de ses œuvres. La Symphonie n
° 1, composée en 1824, lorsqu’il avait tout juste 15 ans. Puis, deux ans plus tard, Mendelssohn, qui adorait les écrits
de Shakespeare, a composé son ouverture de concert sur la base de « Songe d’une Nuit d’été ». L’ouverture a été
immédiatement saluée comme un chef-d’œuvre et, l’œuvre complète lui fut commandée par le Roi de Prusse en 1843.
C’est le troisième enregistrement de Mendelssohn pour Gardiner avec le LSO, tous recevant d’excellentes critiques.
Sir John Eliot GARDINER / conductor
Monteverdi Choir
Ceri-Lyn Cissone / Titania
Frankie Wakefield / Oberon
Alexander Knox / Puck
Jessica Cale / 1st fairy
Sarah Denbee / 2nd fairy
Charlotte Ashley / 3rd fairy
Rebecca Hardwick / 4th fairy
Program:
MENDELSSOHN / Symphony N° 1 (London version)
MENDELSSOHN / A Midsummer Night’s Dream
Sir John Eliot Gardiner conducts the LSO and the Monteverdi Choir in this concert to celebrate the 400th anniversary
of the death of Shakespeare as part of an exploration of the finest music that was inspired by his writing.
Composer Felix Mendelssohn takes the spotlight with performances of two of his works. Symphony No 1, composed
in 1824, when he was just 15 years old. Then, two years later, Mendelssohn, who loved Shakespeare, composed his
second concert work inspired by “A Midsummer Night’s Dream”. The overture was immediately hailed as a masterpiece and the complete work was commissioned by the King of Prussia in 1843.
This is Gardiner’s third recording of Mendelssohn with the LSO and all have received excellent reviews.
52
Classical
Length:
85’
Director:
Corentin Leconte
Producer:
Coproducers:
LSO Live
Mezzo
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
United Kingdom
SIR SIMON RATTLE CONDUCTS BRUCKNER AND MESSIAEN
WITH PIERRE-LAURENT AIMARD
Sir Simon Rattle dirige Bruckner et Messiaen avec Pierre-Laurent Aimard
Sir Simon RATTLE / direction
Pierre-Laurent AIMARD / piano
Programme :
MESSIAEN / Couleurs de la Cité Céleste
BRUCKNER / Symphonie n°8
Sir Simon Rattle, nommé directeur musical du LSO le 4 mars 2015, à compter
de septembre 2017, a à cœur de conforter la tradition d’excellence de l’orchestre
anglais et d’élargir son répertoire. Le Chef anglais nous fournit une preuve de son
ouverture d’esprit dans ce programme apocalyptique.
Tout d’abord, Les Couleurs de la Cité Céleste de Messiaen, se réfèrent à
l’Apocalypse et font alterner, au moyen d’une vaste palette de couleurs, plainchant, rythmes grecs et hindous, chants d’oiseaux. Puis la plus colossale symphonie de Bruckner, parfois surnommée “apocalyptique”, œuvre monumentale qui
contraste de part son écriture dramatique, son caractère épique et la méditation de
son immense adagio. Ainsi réunis, Messiaen et Bruckner laissent apparaitre une
spiritualité et une grandeur communes.
Sir Simon RATTLE / conductor
Pierre-Laurent AIMARD / piano
Program:
MESSIAEN / Colors of the Celestial City
BRUCKNER / Symphony n°8
Sir Simon Rattle, announced as Musical Director of the LSO on March 4 2015, to start from September 2017, is devoted to maintaining the tradition of excellence of the English orchestra and to widening its repertoire. The English
conductor provides proof of his open approach with this apocalyptic program.
First, the Colors of the Celestial City by Messiaen, taking the Apocalypse as its reference and alternating, via a vast
palette of colors, between plain song, Greek and Indian rhythms and bird song. Then Bruckner’s most colossal symphony, sometimes called “the Apocalyptic”, a monumental work that contrasts with its dramatic writing, its epic character and the mediation of its gigantic adagio.
Brought together in this way, Messiaen and Bruckner reveal a common grandeur and spirituality.
53
Classical
Length:
96’
Director:
Producer:
Coproducers:
Arte
Mezzo
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
United Kingdom
SIR SIMON RATTLE CONDUCTS DELAGE, RAVEL AND DUTILLEUX WITH LEONIDAS KAVAKOS
Sir Simon Rattle dirige Delage, Ravel et Dutilleux avec Leonidas Kavakos
Leonidas KAVAKOS / violin
Julia BULLOCK / soprano
Program:
RAVEL / Le tombeau de Couperin
DUTILLEUX / Tree of dreams
DELAGE / Four Hindu Poems
DUTILLEUX / Métaboles
RAVEL / Daphnis and Chloe – Suite No 2
On the occasion of the hundredth anniversary of the birth of Henri Dutilleux, the
London Symphony Orchestra conducted by Sir Simon Rattle, performs a French
program featuring three eminent French composers, characterized by their unique
sense of balance and clarity. A rarely heard piece, Delage’s Four Hindu Poems is
an ensemble of pieces centered around the soprano Julia Bullock and a reduced
ensemble. Along with this, the orchestra plays masterpieces by Ravel and Dutilleux, notably the Tree of Dreams, an intense concerto for violin performed by Leonidas Kavakos and the Suite no2,
Daphnis and Chloe by Ravel, an extract from the ballet of the same name created in 1912 that the composer himself
described as a choreographic symphony. Leonidas Kavakos, soloist and conductor is one of the most renowned violinists of his generation and a regular guest artist with the London Symphony Orchestra.
Leonidas KAVAKOS / violon
Julia BULLOCK /soprano
Programme :
RAVEL / Le tombeau de Couperin
DUTILLEUX / L’arbre des songes
DELAGE / Four Hindu Poems
DUTILLEUX / Métaboles
RAVEL / Daphnis and Chloe – Suite No 2
A l’occasion du centième anniversaire de la naissance d’Henri Dutilleux, le London Symphony Orchestra, dirigé par
Sir Simon Rattle, interprète un programme français mettant en valeur trois compositeurs français éminents qui se
caractérisent par leur sens unique de l’équilibre et de la clarté.
Rarement entendu, les Quatre poèmes hindous de Delage, est un ensemble de pièces qui s’articule autour de la
soprano Julia Bullock et d’un ensemble réduit. Parallèlement l’orchestre joue les chefs-d’œuvre de Ravel et Dutilleux,
avec notamment L’arbre des songes, un concerto exalté pour violon interprété par Leonidas Kavakos, et la suite n°2
de Daphnis et Chloé de Ravel, extrait du ballet éponyme crée en 1912, que le compositeur lui même décrivait comme
une symphonie chorégraphique. Leonidas Kavakos, soliste et chef d’orchestre est l’un des violonistes les plus reconnus de sa génération, et artiste invité régulier du London Symphony Orchestra.
54
Classical
Length:
102’
Director:
Producer:
Coproducers:
AVA Entertainment
Mezzo
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
United Kingdom
MICHAEL TILSON THOMAS CONDUCTS MATTHEWS, GERSHWIN AND
SHOSTAKOVICH WITH YUJA WANG
Michael Tilson Thomas dirige Matthews, Gershwin et Chostakovitch avec Yuja Wang
Michael TILSON THOMAS / conductor
Yuja WANG / piano
Program:
COLIN MATTHEWS Hidden Variables
GERSHWIN Concerto in F
SHOSTAKOVICH Symphony N° 5
Michael Tilson Thomas, principal guest conductor at the LSO, celebrates his
70th birthday with a British and Russian program, while retaining an accent of
America, his native land.
He is joined by the sensational young pianist, Yuja Wang, who performs Gershwin’s very popular concerto. And Michael Tilson Thomas will conduct the American première of Colin Matthews’ work, “Hidden Variables”, a commission from the
LSO dating from the time Matthews was associate composer at the orchestra.
Michael TILSON THOMAS / direction
Yuja WANG / piano
COLIN MATTHEWS Hidden Variables
GERSHWIN Concerto en Fa
CHOSTAKOVITCH Symphonie N° 5
Michael Tilson Thomas, principal chef invité du LSO, célèbre ses 70 ans avec un programme britannique et russe,
tout en gardant un accent américain, son pays d’origine.
Il est rejoint par la sensationnelle jeune pianiste Yuja Wang qui interprète le très populaire concerto de Gershwin.
Quant à Colin Matthews, c’est Michael Tilson Thomas qui dirigea la première américaine de son œuvre ‘Hidden Variables’, une commande du LSO du temps où Matthews était compositeur associé de l’orchestre.
Length:
86’
Director:
Olivier Simonnet
Producer:
Coproducer:
Mezzo & ARTE
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
United Kingdom
SIR SIMON RATTLE CONDUCTS WEBERN, BERG, LIGETI AND STRAVINSKY
WITH BARBARA HANNIGAN
Sir Simon Rattle dirige Webern, Berg, Ligeti et Stravinsky avec Barbara Hannigan
Barbara HANNIGAN / soprano
Anton Webern / Six pieces for orchestra op. 6
Alban Berg / Three fragments from “Wozzeck” op. 7
György Ligeti / Mysteries of the Macabre
Igor Stravinsky / The Rite of Spring
Canadian Barbara Hannigan brings her phenomenal coloratura soprano voice
to the three bravura arias from Ligeti’s Le Grand Macabre and the three extracts starring Marie, the doomed heroine of Berg’s Wozzeck.
The “sparkling diamonds” of Webern’s Six Orchestral Pieces and Stravinsky’s
Rite of Spring, dating back nearly a century, but still as fresh, open and close
this tremendous program conducted by Simon Rattle.
Barbara HANNIGAN / soprano
Anton Webern / Six pièces pour orchestre op. 6
Alban Berg / Trois fragments de “Wozzeck”op. 7
György Ligeti / Mystères du Macabre
Igor Stravinsky / Le Sacre du Printemps
La canadienne Barbara Hannigan apporte sa phénoménale voix de soprano colorature aux trois airs de bravoure de
l’opéra Le Grand Macabre de Ligeti et aux trois extraits mettant en vedette Marie, l’héroïne condamnée du Wozzeck
de Berg.
Les «diamants éblouissants» des Six Pièces Orchestrales de Webern et Le Sacre du printemps de Stravinsky, datant
de près d’un siècle mais toujours aussi frais, ouvrent et concluent ce formidable programme, dirigé par Sir Simon Rattle.
55
Classical
Length:
91’
Director:
Olivier Simonnet
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
United Kingdom
SIR JOHN ELIOT GARDINER CONDUCTS MENDELSSOHN AND SCHUMANN
Sir John Eliot Gardiner dirige Mendelssohn et Schumann
Sir John Eliot GARDINER / Conductor
Maria Joao PIRES / piano
MENDELSSOHN: The Hebrides « Fingal’s Cave »
MENDELSSOHN: Symphony N° 3 « Scottish »
SCHUMANN : Concerto for Piano with Maria Joao Pires
The London Symphony Orchestra joins renowned conductor Sir John Eliot Gardiner to perform two of Mendelssohn’s most important works, as well as Schumann’s piano concerto, interpreted by one of the best loved pianists today, Maria Joao Pires. Schumann’s work, derived from his « Fantasy » in A minor, was
composed in 1841. The composer would add two more movements four years
later,, when it was first performed in 1845 by his wife, Clara Schumann. This work
shows a deliberate departure from the virtuoso concerto, and Schumann returns
to the classic concerto form developped by the Viennese - an adventure that
plays out between soloist and orchestra.
Sir John Eliot GARDINER / direction
Maria Joao PIRES / piano
MENDELSSOHNN: The Hebrides « Fingal’s Cave »
MENDELSSOHNN: Symphonie n°3 « Scottish »
SCHUMANN : Concerto pour Piano avec Maria Joao Pires
Le London Symphony Orchestra s’adjoint du célèbre chef d’orchestre Sir John Eliot Gardiner pour présenter deux des
œuvres les plus importantes de Mendelssohn, ainsi que le concerto pour piano de Schumann interprété par l’une des
pianistes les plus affectionnées du moment, Maria Joao Pires. L’œuvre de Schumann, issue de la « Fantaisie » en la
mineur composée en 1841 à laquelle le compositeur ajoutera quatre ans plus tard deux mouvements, fut donné en
première audition en 1845 par sa femme Clara Schumann. Cette œuvre montre un abandon délibéré alors courant du
concerto de virtuose, Schumann renoue avec la forme spécifique de concerto développé par les classiques viennois,
une aventure qui se joue alors entre le soliste et l’orchestre.
Length:
2x90’
Director:
Olivier Simonnet
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
United Kingdom
VALERY GERGIEV CONDUCTS BERLIOZ
Valery Gergiev dirige Berlioz
Valery Gergiev conducts Berlioz at the Barbican Hall, London
For this new season the LSO is presenting two concerts in a more romantic vein,
devoted to the work of Hector Berlioz. The orchestra performs two major works
from his repertoire: Romeo and Juliet and the Fantastic Symphony.
1 - Valery Gergiev conducts Romeo and Juliet with Olga Borodina
2 - Valery Gergiev conducts Berlioz’s Fantastic Symphony with Karen
Cargill
Valery Gergiev dirige Berlioz au Barbican Hall de LONDRES
Le London Symphony Orchestra, présente pour cette nouvelle saison deux concerts, dans un registre plus romantique, consacrés à l’œuvre d’Hector Berlioz
deux œuvres majeures de son répertoire, Roméo et Juliette et la Symphonie
Fantastique.
1 - Valery Gergiev dirige Roméo et Juliette de Berlioz avec Olga Borodina
2 - Valery Gergiev dirige la Symphonie Fantastique de Berlioz avec Karen
Cargill
56
Classical
Length:
5x90’
Director:
Olivier Simonnet
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2013
Language available:
Live concert
Country:
United Kingdom
VALERY GERGIEV CONDUCTS BRAHMS & SZYMANOWSKI
Valery Gergiev dirige Brahms et Szymanowski
At the head of the London Symphony Orchestra, celebrated conductor Valery
Gergiev presents a unique and exceptional cycle of five concerts: parallel performances of the symphonies of Johannes Brahms and Karol Szymanowski,
which are so dear to him. He complements the works with the presence of eminent soloists to perform these creations, which are contrasted aesthetically , both
in form and instrumentation, but inspired by the same spirit of tragedy.
1 - 98’
SYZMANOWSKI: First Symphony / Violin Concerto No 1 (soloist Janine
Jansen) / BRAHMS: First Symphony
2 - 94’
SZYMANOWSKI: Second Symphony / BRAHMS: Tragic Overture / Second
Symphony
3 - 8’
BRAHMS: Third Symphony / Variations on a Theme by Haydn / SZYMANOWSKI: Third Symphony “The Song of the Night”
4 - 92’
SZYMANOWSKI: Fourth Symphony “Concertante” for piano and orchestra (soloist: Denis Matsuev) / SZYMANOWSKI: Violin Concerto No2 (soloist Leonidas
Kavakos) / BRAHMS: Fourth Symphony
5 - 96’
BRAHMS: A German Requiem / SZYMANOWSKI: Stabat Mater / Veni Creator
À la tête du London Symphony Orchestra, le célèbre Valery Gergiev met en parallèle, pour ce cycle exceptionnel et
unique de 5 concerts, les symphonies de Johannes Brahms et de Karol Szymanowski, qui lui sont chères. Il s’adjoint
également le concours d’éminents solistes pour l’interprétation de ces œuvres à l’esthétique contrastée, dans la
forme comme dans l’instrumentation, mais portées par un même souffle tragique.
1 - 98’
SZYMANOWSKI: Symphonie n°1 / Concerto pour violon n°1 (soliste Janine Jansen) / BRAHMS : Symphonie n°1
2 - 94’
SZYMANOWSKI: Symphonie n° 2 / BRAHMS : Ouverture tragique / Symphonie n°2
3 - 85’
BRAHMS: Symphonie n°3 / Variations sur un thème de Haydn / SZYMANOWSKI: Symphonie n°3 « Le Chant de la
Nuit »
4 - 92’
SZYMANOWSKI: Symphonie n° 4 « Concertante » pour piano et orchestre (soliste : Denis Matsuev) /
SZYMANOWSKI:Concerto pour violon n°2 (soliste Leonidas Kavakos) / BRAHMS: Symphonie n°4
5 - 95’
BRAHMS: Un requiem allemand / SZYMANOWSKI: Stabat Mater / Veni Creator
57
Classical
Tugan Sokhiev new Musical
Director of the Bolshoi Theatre
Tugan Sokhiev, the charismatic musical director of the Orchestre National
du Capitole, has been appointed Musical Director of the Bolshoi Theatre,
Moscow's prestigious venue.
Length:
81’
Director:
Jean Pierre Loisil
Producer:
Coproducer:
medici.tv
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
France
TUGAN SOKHIEV CONDUCTS MESSIAEN, DUTILLEUX, DEBUSSY AND
STRAVINSKY WITH GAUTIER CAPUÇON (CELLO)
Tugan Sokhiev dirige Messiaen, Dutilleux, Debussy et Stravinsky avec Gautier
Capuçon (violoncelle)
Program:
Conductor: Tugan Sokhiev
Cello: Gautier Capuçon
MESSIAEN
DUTILLEUX
DEBUSSY
STRAVINSKY
The Forgotten Offerings, a symphonic meditation
A Whole Distant World, for Cello and Orchestra
The Sea, Three Symphonic Sketches
The Firebird, Suite for orchestra n°2
Cellist Gautier Capuçon, an intimate of Henri Dutilleux, had the idea, with Tugan
Sokhiev, of a homage to the French composer, born a hundred years ago. And
so, his master piece A Whole Distant World now converses with three major “classics” of the preceding century: Messiaen, Debussy and Stravinsky, three musical
giants amongst whom Dutilleux holds a legitimate place.
Amongst the most sought-after of the younger generation of French cellists, Gautier Capuçon is a regular guest with prestigious orchestras throughout the world,
such as the Berlin Philharmonic, the London Symphony, the Chamber Orchestra
of Europe and the New York Philharmonic. In 2001, he was named “Fresh Talent
of the Year” at the Victoires de la Musique. Gautier Capuçon also performs recitals and chamber music. And for several years he has been working with the Orchestre Nationale du Capitole.
Programme :
Direction : Tugan Sokhiev
Violoncelle : Gautier Capuçon
MESSIAEN
DUTILLEUX
DEBUSSY
STRAVINSKI
Les Offrandes oubliées, méditation symphonique
Tout un Monde lointain, Concerto pour violoncelle et orchestre
La mer, trois esquisses symphoniques
L’oiseau de feu, Suite pour orchestre n°2
Synopsis :
Proche d’Henri Dutilleux, le violoncelliste Gautier Capuçon a imaginé avec Tugan Sokhiev un hommage au compositeur français, né il y a cent ans. C’est avec trois grands « classiques » du siècle précédent que le chef-d’œuvre Tout
un Monde lointain dialogue : Messiaen, Debussy, Stravinski, trois géants de la musique auprès desquels Dutilleux
occupe une place légitime.
Parmi les violoncellistes français les plus recherchés de la jeune génération, Gautier Capuçon est l’invité régulier de
prestigieux orchestres dans le monde entier, tels que le Philharmonique de Berlin, le London Symphony, le Chamber
Orchestra of Europe et le New York Philharmonic. En 2001, il fut nommé « Nouveau Talent de l’année » aux Victoires
de la Musique. Gautier Capuçon se produit également en récital et musique de chambre. Et il collabore depuis de
nombreuses années avec l’Orchestre National du Capitole.
(c) Carole Bellaiche
58
Classical
Length:
90’
Director:
Jean Pierre Loisil
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
France
TUGAN SOKHIEV CONDUCTS BEETHOVEN AND BARTOK WITH VADIM
GLUZMAN (VIOLIN)
Tugan Sokhiev dirige Beethoven et Bartók avec Vadim Gluzman (violon)
Direction: Tugan Sokhiev
Violin: Vadim Gluzman
Ludwig Van BEETHOVEN / Violin and Orchestra Concerto in D major, Op. 61
Béla BARTÓK/The Wooden Prince, one-act pantomime ballet, Op. 13, Sz. 60
Two visionaries, outsiders in their time… These might be the common points between Ludwig van Beethoven and Bela Bartok. The Concerto for violin and orchestra in D major, performed by the tempestuous Vadim Gluzman, is a testament
to Beethoven’s genius. The two composers, both guided by a strain of patriotism
free of nationalism, both maintaining complex relationships with the authorities,
were unanimously considered to be geniuses.
The extraordinary talent of Vadim Gluzman is steeped in the great violin tradition
of the 19th and 20th centuries, matched with modern dynamism. The Israeli violinist performs throughout the world with the foremost orchestras, under the baton
of renowned conductors. His wide discography has won many awards: Diapason
d’Or of the year, Choc Classica, Disk of the Month (ClassicFM, Strad and BBC
Music Magazine).
Violon : Vadim Gluzman
Ludwig Van BEETHOVEN / Concerto pour violon et orchestre en ré majeur, op.61
Bela BARTOK / Le Prince de bois, poème chorégraphique, op.13, Sz 60
Deux visionnaires étrangers à leur époque… Tels pourraient être les points communs entre Ludwig van Beethoven
et Béla Bartók. Le Concerto pour violon et orchestre en ré majeur, interprété par le tempétueux Vadim Gluzman,
témoigne du génie de Beethoven. Les deux compositeurs, guidés l’un et l’autre par une fibre patriotique exempte de
nationalisme, entretenant des relations complexes avec les autorités, ils furent unanimement considérés comme des
génies.
L’extraordinaire talent de Vadim Gluzman est imprégné de la grande tradition violonistique des XIXe et XXe siècles
et assorti d’un dynamisme moderne. Le violoniste israélien se produit dans le monde entier avec des orchestres de
premier plan, sous la direction de chefs réputés. Son importante discographie a reçu de nombreuse récompenses :
Diapason d’Or de l’année, Choc Classica, Disc of the Month (ClassicFm, Strad et BBC Music Magazine).
59
Classical
Length:
81’
Director:
Jean Pierre Loisil
Producer:
Coproducer:
medici.tv
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
France
TUGAN SOKHIEV CONDUCTS DUTILLEUX AND RAVEL
WITH JEAN-FRÉDÉRIC NEUBURGER (PIANO)
Tugan Sokhiev dirige Dutilleux et Ravel avec Jean-Frédéric Neuburger (piano)
Piano: Jean-Frédéric Neuburger
DUTILLEUX / Métaboles for orchestra
RAVEL / Concerto for the Left Hand in D major for piano and orchestra
RAVEL / Rapsodie espagnole for orchestra
RAVEL / La Valse, a choreographic poem for orchestra
Each work by Maurice Ravel provides an opportunity to take the measure of his
orchestral skill. The French composer is a magician of the orchestra who knows
its sparkling secrets. Accompanied by Jean-Frédéric Neuburger, a performer intimately associated with the composer’s works, Tugan Sokhiev takes us down the
paths of Ravel’s labyrinthan imagination with the added bonus of one of his finest
heirs: Henri Dutilleux.
a
At the age of sixteen, Jean-Frédéric Neuburger launched upon a major career as
performer, characterized by the wide variety of his repertoire, ranging from Bach
to 21st century composers. Both composer and performer, he is one of the most
brilliant musicians of his generation.
Piano : Jean-Frédéric Neuburger
DUTILLEUX / Métaboles, pour orchestre
RAVEL / Concerto pour la main gauche pour piano et orchestre en ré majeur
RAVEL / Rapsodie espagnole, pour orchestre
RAVEL / La Valse, poème chorégraphique pour orchestre
Chaque œuvre de Maurice Ravel permet de prendre la mesure de sa science orchestrale. Le compositeur français
est un magicien de l’orchestre dont il sait les chatoiements et les secrets. Accompagné par Jean-Frédéric Neuburger,
interprète intimement lié à l’œuvre du musicien, Tugan Sokhiev emprunte les mille dédales de l’imaginaire ravélien, et
lui adjoint l’un de ses plus beaux héritiers : Henri Dutilleux.
Jean-Frédéric Neuburger débute, à l’âge de seize ans, une carrière importante d’interprète, caractérisée par la variété
extrême de son répertoire, de Bach aux compositeurs du XXIe siècle. Compositeur et interprète à la fois, il est l’un des
musiciens les plus brillants de sa génération.
(c) Carole Bellaiche
60
Classical
Length:
92’
Director:
Jean Pierre Loisil
Producer:
Coproducer:
medici.tv
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
France
TUGAN SOKHIEV CONDUCTS KABALEVSKY, KHATCHATOURIAN AND
STRAVINSKY WITH SERGEY KHACHATRYAN (VIOLIN)
Tugan Sokhiev dirige Kabalevski, Khatchatourian et Stravinsky
avec Sergey Khachatryan (violon)
Violin: Sergey Khachatryan
KABALEVSKY / Colas Breugnon, Overture.
KHATCHATOURIAN / Concerto for violin and orchestra in D minor.
STRAVINSKY / Petrushka, Burlesque in four scenes (1947 version)
Who better than two performers who are themselves from the East (Tugan Sokhiev and violin prodigy Sergey Khachatryan) to pay homage to composers who,
like the Russians, Igor Stravinksy and Dimitri Kabalevsky, or the Armenian, Aram
Khatchatourian, were able to create bridges between popular tradition and the
scholarly repertoire.
Following a number of highly acclaimed concerts in Toulouse, Munich and Paris,
the Orchestre National du Capitole de Toulouse invites the young violinist, Sergey
Khcachatryan, back for one of the most popular works by the Armenian composer
Khatchatourian: the solar violin concerto (which Sergey Khachatryan recorded on
the Naïve label when he was only 20 years old).
Violon : Sergey Khachatryan
KABALEVSKI / Colas Breugnon, Ouverture.
KHATCHATOURIAN / Concerto pour violon et orchestre en ré majeur.
STRAVINSKI / Petrouchka, Scènes burlesques en quatre tableaux (version 1947)
Qui mieux que deux interprètes eux-mêmes venus de l’Est (Tugan Sokhiev et le violoniste prodige Sergey Khachatryan) pour rendre hommage à des compositeurs qui, tels les Russes Igor Stravinski et Dimitri Kabalevski ou l’arménien
Aram Khatchatourian, surent jeter des ponts entre les traditions populaires et le répertoire savant.
Apres plusieurs concerts couronnés de succès à Toulouse, Munich, Paris, l’Orchestre National du Capitole de Toulouse réinvite le jeune violoniste Sergey Khachatryan pour l’une des œuvres les plus populaires du compositeur
arménien Khatchatourian, le solaire Concerto pour violon (que Sergey Khachatryan a enregistré chez Naïve alors qu’il
n’avait pas 20 ans.)
© Marco Borgreeve
61
Classical
Length:
87’
Director:
Jean Pierre Loisil
Producer:
Coproducer:
Medici.tv
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
France
TUGAN SOKHIEV CONDUCTS BERLIOZ’S REQUIEM: GRAND DEATH MASS
WITH BRYAN HYMEL (TENOR)
Tugan Sokhiev dirige la Grande Messe des Morts (Requiem) de Berlioz
avec Bryan Hymel (ténor)
Tenor: Bryan Hymel
Choir: Orféon Donostiarra
Choir master: José Antonio Sainz Alfaro
HECTOR BERLIOZ
Requiem: Great Death Mass, op.5
Under the baton of its musical director, Tugan Sokhiev, and accompanied by
tenor, Bryan Hymel, the Orchestre National du Capitole de Toulouse performs a
majestic work: the Great Death Mass by Berlioz.
Berlioz’s Requiem was commissioned by the Interior Minister of the period, Adrien
de Gasparin, to whom the composer dedicated the piece. The work was presented in 1837 with more than 400 musicians and singers on stage, conducted by
François-Antoine Habeneck.
The great Hector Berlioz has long been one of the favorite composers of the
Orchestre National du Capitole and it is an exceptional opportunity to hear his
Requiem, a gigantic work of unprecedented proportions that pushes back both orchestral and sound boundaries. The
huge work in ten movements is sung by American tenor, Bryan Hymel, rising star of the lyrical platform, and the Basque
Orféon Donostiarra choir, under the direction of its choir master, José Antonio Sainz Alfaro.
Ténor : Bryan Hymel
Chœur : Orféon Donostiarra
Chef de chœur : José Antonio Sainz Alfaro
HECTOR BERLIOZ
Grande Messe des morts (Requiem), op.5
L’Orchestre National du Capitole de Toulouse, sous la baguette de son directeur musical Tugan Sokhiev et accompagné du ténor Bryan Hymel, interprète une œuvre grandiose : la Grande Messe des morts de Berlioz.
Le Requiem de Berlioz fut commissionné par le ministre de l’intérieur de l’époque, Adrien de Gasparin, à qui le compositeur a dédié la pièce. L’œuvre fut créée en 1837 avec plus de 400 musiciens et chanteurs sur scène, dirigés par
François-Antoine Habeneck.
Le grand Hector Berlioz est, depuis longtemps, l’un des musiciens favoris de l’Orchestre National du Capitole et entendre son Requiem est une chance exceptionnelle : œuvre gigantesque aux proportions inouïes, le Requiem repousse
les limites orchestrales et sonores. Cette œuvre colossale en dix mouvements est chantée par le ténor américain
Bryan Hymel, étoile montante de la scène lyrique, et le chœur basque Orfeón Donostiarra, sous la direction du chef
de chœur José Antonio Sainz Alfaro.
62
Classical
Length:
76’
Director:
Olivier Simonnet
Producer:
Coproducer:
Medici
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
France
TUGAN SOKHIEV CONDUCTS MACMILLAN, WEBERN AND PROKOFIEV
WITH COLIN CURRIE (PERCUSSIONS)
Tugan Sokhiev dirige MacMillan, Webern et Prokofiev
avec Colin Currie (percussions)
Percussion: Colin Currie
MACMILLAN
Percussion Concerto n°2 (French commission – with Colin Currie)
WEBERN
Passacaille in D minor op. 1
PROKOFIEV
Symphony n° 7 in C-sharp minor, op. 131
This concert by the Orchestre National du Capitole de Toulouse puts percussion
firmly to the fore with a program bringing together 20th century masterpieces and
a
French new commission.
Conducted by Tugan Sokhiev, the orchestra performs the “Passacaille in D minor”, composed in 1908 by the Viennese Webern, followed by Prokofiev’s Symphony no 7 in C-sharp minor.
The prodigious British percussionist, Colin Currie, deeply committed to the development of a new percussion repertoire, had already performed a work by MacmMillan with the Orchestre National du Capitole de Toulouse in 2000. He now joins
the orchestra for the Concerto for Percussion and Orchestra no 2, co-commissioned by the ONCT from the same
composer.
Percussions : Colin Currie
MACMILLAN
Concerto pour Percussions et Orchestre n°2 (Création française – avec Colin Currie)
WEBERN
Passacaille en ré mineur, op. 1
PROKOFIEV
Symphonie n° 7 en ut dièse mineur, op. 131
Pour ce concert de l’Orchestre National du Capitole de Toulouse, les percussions sont mises à l’honneur grâce à un
programme réunissant des chefs-d’œuvre du XXème siècle et une création française.
L’Orchestre dirigé par Tugan Sokhiev, interprète la « Passacaille en ré mineur », une œuvre composée en 1908 par le
compositeur viennois Webern ainsi que la Symphonie n°7 en ut dièse mineur de Prokofiev. Le prodigieux percussionniste britannique Colin Currie, très investi dans le développement d’un nouveau répertoire de percussions, avait déjà
interprété une œuvre de MacMillan avec l’Orchestre National du Capitole de Toulouse en 2000, il se joint à l’orchestre
pour jouer le Concerto pour Percussions et Orchestre n°2, co-commande de l’ONCT, du même compositeur.
63
Classical
Length:
104’
Director:
Olivier Simonnet
Producer:
Coproducer:
Medici & ARTE
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
France
TUGAN SOKHIEV CONDUCTS JANÁČEK, MARTINŮ AND RACHMANINOV
WITH ANTOINE TAMESTIT (VIOLA)
Tugan Sokhiev dirige Janáček, Martinů et Rachmaninov avec Antoine Tamestit
(alto)
Viola: Antoine Tamestit
JANÁČEK
Sinfonietta for orchestra, Op. 60
MARTINŮ
Rhapsody-Concerto for viola and orchestra, H. 337
RACHMANINOFF
Symphony n° 2 in E minor, Op. 27
The Orchestre National du Capitole de Toulouse, under the baton of Tugan Sohkiev, performs works by Leoš Janáček, Bohuslav Martinů and Serguei Rachmaninoff in a journey around an Eastern Europe in full musical bloom. The concert
opens with Janáček’s Sinfonietta, known as “the military” in homage to the Czech
army, a work in five movements where the brass is especially prominent.
Antoine Tamestit then joins the orchestra to perform Martinů’s “Rhapsody-Concerto” for viola with its reflection of bohemian themes. Winner of many awards,
this French artist demonstrates his interest in the contemporary repertoire, in particular in this work, which leaves the soloist freedom to display his virtuosity.
Finally, the program closes with Rachmaninoff’s “Symphony no2”, lively and romantic, swinging between tragedy and
frenzy, filled with wrenching moments to move to a radiant climax.
Alto : Antoine Tamestit
JANÁČEK
Sinfonietta pour orchestre, Op. 60
MARTINŮ
Rhapsodie-Concerto pour alto et orchestre, H. 337
RACHMANINOV
Symphonie n° 2 en mi mineur, Op. 27
L’Orchestre National du Capitole de Toulouse, sous la direction de Tugan Sohkiev interprète les œuvres de Leoš
Janáček, Bohuslav Martinů et Sergueï Rachmaninov avec, un voyage dans l’Europe de l’est en plein éclosion musicale. L’orchestre ouvre le concert avec la Sinfonietta de Janáček, baptisée « militaire » en hommage à l’armée tchèque, œuvre en cinq mouvements où les cuivres sont prééminents.
Puis Antoine Tamestit rejoint l’orchestre et interprète la « Rhapsodie-Concerto pour alto » de Martinů pour décliner le
thème et les reflets bohémiens. Récompensé par de nombreux prix, l’altiste français montre son intérêt pour le répertoire contemporain, et notamment dans cette œuvre qui laisse au soliste la liberté de dévoiler sa virtuosité.
Enfin, le programme se conclut avec la « Symphonie n°2 » de Rachmaninov, vive et romantique oscillant entre le
tragique et la frénésie, elle multiplie les ruptures et s’achève sur un final rayonnant.
(c) José Lavezzi
64
Classical
Length:
88’
Director:
Jean-Pierre Loisil
Producer:
Coproducer:
Medici
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
France
TUGAN SOKHIEV CONDUCTS TCHAIKOVSKY AND DVORAK
WITH BEHZOD ABDURAIMOV (PIANO)
Tugan Sokhiev dirige Tchaïkovsky et Dvorak avec Behzod Abduraimov (piano)
Piano: Behzod Abduraimov
TCHAIKOVSKY
Concerto for piano and orchestra n° 1 in B-flat minor, Op. 23 (with Behzod Abduraimov)
DVORAK
Symphony n° 9 in E minor, “From the New World”, Op. 95
The Orchestre National du Capitole de Toulouse and its musical director, Tugan
Sokhiev, present two masterpieces with a Slav accent: Concerto n°1 for piano and
orchestra by Piotr Ilitch Tchaikovsky, a fiery, virtuoso work, and Symphony n°9 by
Antonín Dvořák.
The rising star of the piano, Behzod Abduraimov, accompanies this journey redolent of the Steppes in Concerto n° 1, a breath-taking, deeply troubling work where
the music is seized in a fascinating reverie that highlights its transcendental virtuosity.
In 2009, Behzod Abduraimov won the London International Piano Competition at
the age of 18.
Piano : Behzod Abduraimov
TCHAIKOVSKI
Concerto pour piano et orchestre n° 1 en si bémol mineur, Op. 23 (avec Behzod Abduraimov)
DVORAK
Symphonie n° 9 en mi mineur, « Du Nouveau Monde », Op. 95
L’Orchestre National du Capitole de Toulouse et son directeur musical Tugan Sokhiev présentent deux chefs d’œuvres
aux accents slaves, le concerto n°1 pour piano et orchestre de Piotr Ilitch Tchaïkovski, une œuvre fougueuse et virtuose, et la Symphonie n°9 d’Antonín Dvořák.
L’étoile montante du piano Behzod Abduraimov accompagne ce voyage couleur de steppes dans le Concerto n° 1,
œuvre haletante, profondément troublante où la musique est prise dans une rêverie fascinante, qui met en avant sa
virtuosité transcendantale.
Behzod Abduraimov remportait en 2009 le Concours international de piano de Londres, à l’âge de 18 ans.
Chœur d’enfants et de jeunes : Les Eclats
Chef de chœur Les Eclats : François Terrieux
65
Classical
Length:
104’
Director:
Jean-Pierre Loisil
Producer:
Coproducer:
Medici & ARTE
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
France
TUGAN SOKHIEV CONDUCTS BRITTEN, BERLIOZ AND ELGAR
WITH ANNA CATERINA ANTONACCI (SOPRANO)
Tugan Sokhiev dirige Britten, Berlioz et Elgar avec Anna Caterina Antonacci
(soprano)
Soprano: Anna Caterina Antonacci
BRITTEN
“Four Sea Interludes” from Peter Grimes, Op. 33 A
BERLIOZ
Summer Nights, Op. 7
ELGAR
Symphony°1 in E-flat major, op. 55
The Orchestre National du Capitole de Toulouse and its musical director, Tugan
Sokhiev, give pride of place to two references of English lyricism as well as to a
leading light of French classical music. Anna Caterina Antonacci, one of the most
blazing performers of Hector Berlioz, will reveal this gem of French music : Summer Nights, a melodic pearl based on the poems of Théophile Gautier.“Four Sea
Interludes from Peter Grimes”, a tragedy by Britten, reveals the diabolical machinery of fate that falls upon a man, Peter Grimes, a cursed hero who escapes
lynching at the hands of the inhabit
ants of his village. The eponymous
opera features powerful music where the force of the sea is omnipresent.
Finally, the Symphony°1 in E-flat major, op. 55, by the inevitable English composer Elgar brings the program to a close.
Soprano : Anna Caterina Antonacci
BRITTEN
« Quatre Interludes marins » de Peter Grimes, Op. 33 A
BERLIOZ
Les Nuits d’été, Op. 7
ELGAR
Symphonie n°1 en la bémol majeur, op. 55
L’Orchestre National du Capitole de Toulouse et son directeur musical Tugan Sokhiev mettent à l’honneur deux références du lyrisme anglais ainsi qu’un ponte du classique français. Anna Caterina Antonacci, l’une des plus incandescentes interprètes d’Hector Berlioz, fera redécouvrir ce joyau de la musique française : les Nuits d’été, une perle
mélodique basée sur les poèmes de Théophile Gautier.
« Quatre interludes marins de Peter Grimes » une tragédie de Britten dévoile l’engrenage infernal de la fatalité qui accable un homme, Peter Grimes, héros maudit qui échappe au lynchage des habitants de son village. L’opéra éponyme
déploie une musique puissante, où la force de l’élément marin est omniprésente.
Enfin, la symphonie n°1 en la bémol majeur, Op. 55, de l’incontournable compositeur anglais Elgar viens clore ce
programme.
(c) Ealovega
66
Classical
Length:
108’
Director:
Jean-Pierre Loisil
Producer:
Coproducer:
Medici & ARTE
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
France
TUGAN SOKHIEV CONDUCTS MAHLER’S SYMPHONY N°3 IN D MINOR, CALLED
“THE NATURAL” WITH ANNA LARSSON / CONTRALTO
Tugan Sokhiev dirige la Symphonie n°3 en ré mineur de Mahler dite
« de la nature » avec Anna Larsson / contralto
Contralto: Anna Larsson
Choir: Orfeón Donostiarra
Choirmaster: José Antonio Sainz Alfaro
Choir of children and young people: Les Eclats
Choirmaster, Les Eclats: François Terrieux
G. MAHLER - Symphony n° 3 in D minor
The Orchestre National du Capitole and its conduct, Tugan Sokhiev, perform
Mahler’s Third Symphony known as the “natural”, his longest, with alto and choir
voices.
Beside him is the highly talented Swedish alto, Anna Larsson, who began her career on the international stage with the Berliner Philharmonic and
Claudio Abbado, performing Mahler’s Symphony n° 2. Also appearing are
the Orfeón Donostiarra, conducted by José Antonio Sainz Alfaro, with more
than 170 voices and the children’s and young people’s choir, Les Eclats,
conducted by François Terrieux. This work in six movements was composed during the summers of 1895 and 1896. It pays homage to the beauty
of nature and embodies the stages of the Creation, yet without painting a
pastoral scene. All the aspects of the countryside and forests are portrayed in music: the sunset, the meadow, the
breeze, but also storm and night. A wealth of images that allows Mahler to set a large number of the key elements of
his musical language within one composition.
Contralto : Anna Larsson
Chœur : Orféon Donostiarra
Chef de chœur : José Antonio Sainz Alfaro
Chœur d’enfants et de jeunes : Les Eclats
Chef de chœur Les Eclats : François Terrieux
G. MAHLER - Symphonie n° 3 en ré mineur
L’Orchestre National du Capitole et son directeur Tugan Sokhiev interprètent la 3e Symphonie de Mahler, dite « de la
nature », la plus longue, avec des voix d’alto et des chœurs.
À ses côtés, la talentueuse contralto suédoise Anna Larsson, qui a fait ses débuts sur la scène internationale avec le
Berliner Philharmoniker et Claudio Abbado, interprétant la Symphonie n° 2 de Mahler ; ainsi que l’Orfeón Donostiarra
dirigé par José Antonio Sainz Alfaro qui compte plus de 170 voix et le Chœur d’enfants et de jeunes Les Eclats dirigé
par François Terrieux.
Cette œuvre en six mouvements a été composée durant les étés 1895 et 1896, et rend hommage à la beauté de la
nature et incarne les étapes de la Création, sans pour autant dresser un tableau de pastorale. Tous les aspects des
campagnes et des forêts y sont en effet mis en musique : soleil couchant, prairie, brise mais aussi tempête et nuit.
Une richesse d’images qui permet à Mahler d’insérer au sein d’une même composition un grand nombre d’éléments
clefs de son langage musical.
67
Classical
Length:
97’
Director:
Jean-Pierre Loisil
Producer:
Coproducer:
Mezzo & ARTE
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
France
TUGAN SOKHIEV CONDUCTS TCHAIKOVSKY AND SHOSTAKOVICH
WITH NAREK HAKHNAZARYAN
Tugan Sokhiev dirige Tchaïkovski et Chostakovitch avec Narek Hakhnazaryan
Soloist: Narek Hakhnazaryan (cello)
Shostakovich - Katerina Ismailova, suite, op.114a
Tchaikovsky - Variations on a Rococo Theme, op.33 (with Narek Hakhnazaryan)
Tchaikovsky - Symphony n°6 in B minor, op.74 “Pathétique”
The young Armenian cellist, Narek Hakhnazaryan, winner of the Tchaikovsky
prize, is the guest of Tugan Sokhiev and the Orchestre National du Capitole for
an evening that celebrates Russian composers. The concert opens with Katerina
Ismailova by Shostakovich. This work, created for the opera Lady Macbeth of the
Mtsensk District, was one of the finest lyric successes known in the USSR before
falling into disgrace following caustic criticism from Stalin. Narek Hakhnazaryan
then performs the eight Rococo Variations by Piotr Ilyich Tchaikovsky, a highly lyrical work of great virtuosity. Finally, Tugan Sokhiev conducts Tchaikovsky’s Sixth
Symphony, an enormously popular work that, in four movements, sums up all the
torments and doubts that marked the composer’s life and which he expresses in
a violent music, alternating between tragic power and pathetic emotion.
Soliste : Narek Hakhnazaryan (violoncelle)
Chostakovitch - Katerina Ismailova, suite, op.114a
Tchaïkovski - Variations sur un thème Rococo, op.33 (avec Narek Hakhnazaryan)
Tchaïkovski - Symphonie n°6 en si mineur, op.74 « Pathétique »
Narek Hakhnazaryan, jeune violoncelliste arménien, lauréat du prix Tchaïkovski, est convié par Tugan Sokhiev et
l’Orchestre National du Capitole pour une soirée mettant à l’honneur les compositeurs russes. La soirée s’ouvre sur
Katerina Ismailova de Chostakovitch. Cette œuvre, créée pour l’opéra Lady Macbeth du district de Mtsensk, fut l’une
des plus beaux succès lyriques que connu l’URSS avant de tomber en disgrâce suite aux critiques acerbes de Staline.
Narek Hakhnazaryan interprète ensuite les huit Variations Rococo de Piotr Ilyich Tchaïkovski, œuvre d’une grande
virtuosité et très lyrique. Puis, Tugan Sokhiev dirige la Sixième symphonie de Tchaïkovski, œuvre d’une immense
popularité qui résume en quatre mouvements les tourments et les doutes qui ont jalonné la vie du compositeur et qu’il
exprime dans une musique violente, alternant force dramatique et émotion pathétique.
68
Classical
Length:
109’
Director:
Jean-Pierre Loisil
Producer:
Coproducer:
Medici
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
France
TUGAN SOKHIEV CONDUCTS SHOSTAKOVITCH WITH EDGAR MOREAU
Tugan Sokhiev dirige Chostakovitch avec Edgar Moreau
Soloist: Edgar Moreau (cello)
SHOSTAKOVICH
Concerto for Cello n°1 in E-flat major, op.107 (with Edgar Moreau)
Symphony n°8 in C minor, op. 65, “Stalingrad”
Edgar Moreau, named instrumental soloist revelation at the Victoires de la Musique Classique 2013, performs the Concerto for Cello n°1 in E-flat major, op. 107
by Shostakovich. The work was dedicated to Mstislav Rostropovich, who gave
the first performance in 1959 in Moscow. This Concerto is marked by the difficulties experienced by the composer at the time of its composition.
In the second part of the concert, Tugan Sokhiev, musical director of the Orchestre National du Capitole and now musical director of the Bolshoi, conducts
Symphony no 8 in C minor, op. 65 by Shostakovich. The subtitle “Stalingrad” is
not that of the composer. It was the ruling class, principally concerned to pay
homage to the victims of the recent battle of Stalingrad, who added the reference that, coincidentally, does not conflict with the tragic nature of the work. The
concert, filmed in black-and-white, is a worthy reflection of the atmosphere of the
symphony, which is both imposing and tragic.
Soliste : Edgar Moreau (violoncelle)
SHOSTAKOVITCH
Concerto pour violoncelle n°1 en mi bémol majeur, op.107 (avec Edgar Moreau)
Symphonie n°8 en ut mineur, op. 65, « Stalingrad »
Edgar Moreau, élu Révélation soliste instrumental aux Victoires de la Musique Classique 2013, interprète le Concerto
pour violoncelle n°1 en mi bémol majeur, op. 107 de Chostakovitch. Œuvre dédiée à Mstislav Rostropovitch qui en
donna la première en 1959 à Moscou, ce concerto est marqué par les difficultés traversées par le compositeur au
moment de sa composition.
En deuxième partie de concert, Tugan Sokhiev, directeur musical de l’Orchestre National du Capitole et désormais directeur musical du Bolchoï, dirige la Symphonie n°8 en ut mineur, op. 65 de Chostakovitch. Le sous-titre « Stalingrad
» n’est pas du compositeur. C’est la classe dirigeante, soucieuse avant tout de rendre hommage aux victimes de la récente Bataille de Stalingrad, qui ajoute cette mention, de fait non contradictoire avec le caractère tragique de l’œuvre.
Le concert, filmé en noir et blanc, reflète au mieux l’atmosphère de la Symphonie, imposante et tragique.
69
Classical
Length:
81’
Director:
Jean Pierre Loisil
Producer:
Coproducer:
Arte
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
France
KAZUKI YAMADA CONDUCTS ESCAICH, SAINT-SAËNS AND RAVEL
WITH EDGAR MOREAU (CELLO)
Kazuki Yamada dirige dirige Escaich, Saint-Saëns et Ravel
avec Edgar Moreau (violoncelle)
Conductor: Kazuki Yamada
Cello: Edgar Moreau
ESCAICH / Fragments symphoniques from the opera, “Claude”
SAINT-SAËNS / Concerto for cello and orchestra n°1 in A minor, op.33
RAVEL / Daphnis and Chloé, Orchestral Suite n°2
RAVEL / Bolero for orchestra
Three composers present a history of French music, of its colors and its moods.
From the renaissance of French music with Camille Saint-Saëns, via the masterpieces of Maurice Ravel to contemporaries such as Thierry Escaich, young
French cellist, Edgar Moreau, laureate at the last Victoires de la Musique, and
conductor Kazuki Yamada, admirer of this repertoire, invite us to discover some
dazzling scores.
Grand Prix winner of the 51st Besancon International Young Orchestral Conductors competition in 2009, Kazuki Yamada is now one of the most prominent conductors of his generation. For his fourth consecutive season guest appearance on
the Orchestra du Capitole podium he will conduct a repertoire dear to his heart:
one of French music.
Cello prodigy, Edgar Moreau, aged just 21 has already won numerous prizes and awards. In particular, he was nominated “Instrumental Soloist 2015” at the Victoires de la Musique Classique. Already a solo performer at the age of
eleven with the Orchestra of the Teatro Regio of Turin, he has since pursued an international career with the most
prestigious of orchestras such as the Moscow and Saint Petersburg Philharmonics, the French National Orchestra
and the Berlin Philharmonic.
Direction : Kazuki Yamada
Violoncelle : Edgar Moreau
ESCAICH / Fragments symphoniques tirés de l’opéra “Claude”
SAINT-SAËNS / Concerto pour violoncelle et orchestre n°1 en la mineur, op.33
RAVEL / Daphnis et Chloé, Suite d’orchestre n°2
RAVEL / Boléro pour orchestre
Trois compositeurs dessinent une histoire de la musique française, de ses coloris, de ses reflets. Du renouveau de
la musique française avec Camille Saint-Saëns en passant par les chefs-d’oeuvre de Maurice Ravel et jusqu’aux
contemporains tels que Thierry Escaich, le jeune violoncelliste français Edgar Moreau, couronné par les dernières
Victoires de la Musique, et le chef Kazuki Yamada, amoureux de ce répertoire, nous invitent à découvrir des pages
éblouissantes.
Grand prix du 51e Concours international des jeunes chefs d’orchestre de Besançon en 2009, Kazuki Yamada est
aujourd’hui l’un des chefs les plus en vue de sa génération. Il est invité pour la quatrième saison consécutive au
pupitre de l’Orchestre du Capitole et à cette occasion, il dirigera un répertoire qui lui est cher, celui de la musique
française.
Violoncelliste prodige, Edgar Moreau, à tout juste 21 ans, s’est vu décerner de nombreux prix et récompenses. Il
fut notamment nommé « Soliste Instrumental 2015 » aux Victoires de la Musique Classique. Se produisant déjà en
soliste à l’âge de onze ans avec l’Orchestre du Teatro Regio de Turin, il poursuit depuis une carrière internationale,
auprès des plus prestigieux orchestres tels que le Moscow et St Petersburg Philharmonic Orchestra, l’Orchestre National de France et la Philharmonie de Berlin.
concours Clara Haskil qu’il remporte en 2009, il reçoit une reconnaissance internationale et s’impose rapidement sur
les grandes scènes internationales.
70
Classical
Length:
108’
Director:
Jean Pierre Loisil
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
France
KAZUKI YAMADA CONDUCTS BRAHMS & STRAUSS WITH ADAM LALOUM
Kazuki Yamada dirige Brahms et Strauss avec Adam Laloum
Conductor: Kazuki Yamada
Piano: Adam Laloum
BRAHMS
Concerto for piano and orchestra n°1 in D minor, Op.15
STRAUSS
Don Juan, tone poem, Op.20
STRAUSS
Der Rosenkavalier, suite (1945), Op.59
Kazuki Yamada, guest principal conductor at the Swiss Romande Orchestra and
the Monte Carlo Philharmonic Orchestra, principal conductor at the Japan Philharmonic Orchestra and associate conductor at a number of orchestras, is one
of the highest-profile conductors of his generation. Following his majestic debut
at the National Orchestra of the Capitole of Toulouse two years ago, he returns
for a program of Germanic music featuring the last embers of Romanticism from
Richard Strauss: Don Juan and the Suite taken from the Rosenkavalier are redolent of “the world of yesteryear”, the world of turn of the century Vienna so dear
to Stefan Zweig and Thomas Mann. These works are preceded by Concerto No
1 for piano and orchestra by Brahms, performed by the young pianist from Toulouse, Adam Laloum. Following his
first prize in the prestigious Clara Haskil competition in 2009, he has gained international recognition and is rapidly
making a reputation on major international platforms.
Direction : Kazuki Yamada
Piano : Adam Laloum
BRAHMS
Concerto pour piano et orchestre n°1 en ré mineur, Op.15
STRAUSS
Don Juan, poème symphonique, Op.20
STRAUSS
Der Rosenkavalier (Le Chevalier à la Rose), suite (1945), Op.59
Kazuki Yamada, chef Principal invité de l’Orchestre de la Suisse Romande et de l’Orchestre Philharmonique de
Monte-Carlo, chef principal du Japan Philharmonic Orchestra, et chef associé de plusieurs orchestres, est aujourd’hui
l’un des chefs les plus en vue de sa génération. Après des débuts impériaux avec l’Orchestre National du Capitole de
Toulouse il y a deux ans, il revient pour un programme germanique où le romantisme de Richard Strauss brille de ses
derniers feux : Don Juan et la suite tirée du Chevalier à la rose ont le parfum du « monde d’hier », celui de cette Vienne
fin de siècle chère à Stefan Zweig et à Thomas Mann. Ces œuvres seront précédées par le concerto n°1 pour piano
et orchestre de Brahms, interprété par le jeune pianiste toulousain Adam Laloum. Suite au premier prix du prestigieux
concours Clara Haskil qu’il remporte en 2009, il reçoit une reconnaissance internationale et s’impose rapidement sur
les grandes scènes internationales.
71
Classical
Length:
74’
Director:
Jean-Pierre Loisil
Producer:
Coproducer:
medici.tv
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
Japan
SAGRADA FAMILIA - BARCELONA
BARCELONA SYMPHONY ORCHESTRA CONDUCTED BY KAZUSHI ONO
Sagrada Familia de Barcelone
L’Orchestre Symphonique de Barcelone dirigé par Kazushi Ono
Musicians:
Conductor Kazushi Ono
Baritone Joseph Ramon Olivé
Soprano Eugènia Boix
Organ Juan de la Rubia
Orfeó Català Youth Choir
Madrigal Choir
Program:
B.VIVANCOS - Improvisation
TAKEMITSU - Signals from heaven
W.A.MOZART - Exultate Jubilate
G. FAURE – Requiem
From the very heart of the city’s most famous monument, the Sagrada Familia, the
BSO’s new Musical Director, Japanese conductor Kazushi Ono, opens the 20152016 season of concerts. On the program are works from the sacred repertoire by
Vivancos, Toru Takemitsu, Mozart and Faure’s magnificent Requiem.
For his first season at the head of the BSO, Kazushi Ono is striking a bold note: the
orchestra is playing for the first time in the nave of the Sagrada Familia, performing a program chosen to reflect the
architectural intensity of the mystical location imagined by Gaudi. An exceptional event in this, the city’s emblem and
monument charged with powerful symbolism, that is the subject of one of the rare recordings at this prestigious site.
Baritone Josep Ramon Olivé, soprano Eugenia Boix, the Cor Jove de l’Orfeó Català and the French Madrigal Choir
gather in the nave of the basilica to perform the most famous Mass for the Dead in the French repertoire, Faure’s
Requiem, the major work in this concert.
A perfect way to combine the two arts cherished by the city of Barcelona: Gaudi’s architecture and symphonic music.
Musiciens :
Direction Kazushi Ono
Baríton Josep Ramon Olivé
Soprano Eugènia Boix
Orgue Juan de la Rubia
Chœur d’enfant de l’Orfeó Català
Chœur Madrigal
Programme :
B.VIVANCOS - Improvisation
TAKEMITSU - Signals from heaven
W.A.MOZART - Exultate Jubilate
G. FAURE - Requiem
C’est au cœur même du monument le plus célèbre de la ville, la Sagrada Familia, que le nouveau directeur musical
de l’OBC, le chef d’orchestre japonais Kazushi Ono, inaugure le premier concert de la saison 2015- 2016. Au programme, des œuvres du répertoire sacré signées Vivancos, Toru Takemitsu, Mozart et Fauré avec son magnifique
Requiem.
Pour sa première saison à la tête de l’OBC, Kazushi Ono frappe fort : l’orchestre joue pour la première fois dans la nef
de la Sagrada Familia et exécute un programme choisi pour refléter l’intensité architecturale du lieu mystique imaginé
par Gaudí. Un événement exceptionnel dans cet emblème de la ville et monument à la charge symbolique forte, qui
fait l’objet d’une des rares captations dans ce site prestigieux.
Le baryton Josep Ramon Olivé, la soprano Eugenia Boix, le Cor Jove de l’Orfeó Català et le Cor Madrigal sont réunis
dans la nef de la basilique pour interpréter la Messe des morts la plus célèbre du répertoire français, le Requiem de
Fauré, œuvre majeure de ce concert.
Une superbe manière de combiner deux arts chers à la ville de Barcelone : l’architecture de Gaudí et la musique
symphonique.
72
Classical
Length:
99’
Director:
Christian Leblé
Producer:
Coproducer:
medici.tv
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
Albania & France
PAPAVRAMI AND FRANÇOIS-FREDERIC GUY
AT THE PALAZZETTO BRU ZANE FESTIVAL
Tedi Papavrami et François-Frédéric Guy au festival Palazzetto Bru Zane
Tedi Papavrami / Violin
François-Frédéric Guy / Piano
Programme:
Louis-Ferdinand Hérold: Sonata for violin and piano n°2
Hélène De Montgeroult: Etudes n°62, 101, 111, 114,106 for solo piano
Daniel Steibelt: Sonata op. 69
Ludwig van Beethoven: Sonata for violin andpiano “Kreutzer” op. 47
For the third edition of its Paris festival, the Palazzetto Bru Zane invites violinist Tedi Papavrami, Albanian solo and chamber orchestra performer, and pianist
François-Frédéric Guy, one of the finest representatives of the French piano
school and a passionate admirer of chamber music. They celebrate the French
musical life of the Empire through the music of pianists Hélène de Montgeroult
and Daniel Steibelt and the violinist Rodolphe Kreutzer, teachers at the Conservatoire: during the Revolution for Montgeroult and under the Empire for Kreutzer.
This period corresponds to the apprenticeship years of the young Louis-Ferdinand
Hérold, who followed, in particular, the teaching of Kreutzer, whose fame earned him the honor of being dedicatee of
Beethoven’s Sonata for violin and piano no 9 in A major, known as the “Kreutzer sonata”. The Théâtre des Bouffes
du Nord, built in 1876, is now regular host to new creations and performances as part of its annual spring renewal.
Tedi Papavrami / Violon
François-Frédéric Guy / Piano
Programme :
Louis-Ferdinand Hérold : Sonate pour violon et piano n°2
Hélène De Montgeroult : Études n°62, 101, 111, 114,106 pour piano seul
Daniel Steibelt : Sonate op. 69
Ludwig van Beethoven : Sonate pour violon et piano « à Kreutzer » op. 47
Pour la troisième édition de son festival parisien, le Palazzetto Bru Zane invite le violoniste Tedi Papavrami, soliste
et chambriste albanais, et le pianiste François-Frédéric Guy, un des meilleurs représentants de l’école française de
piano, passionné de musique de chambre. Ils mettent à l’honneur la vie musicale française de l’Empire, à travers
les œuvres des pianistes Hélène de Montgeroult et Daniel Steibelt, et du violoniste Rodolphe Kreutzer, professeurs
au Conservatoire sous la Révolution pour Montgeroult et sous l’Empire pour Kreutzer. Cette période correspond aux
années d’apprentissage du jeune Louis-Ferdinand Hérold qui suit notamment l’enseignement de Kreutzer, dont la
renommée lui vaut d’être le dédicataire de la Sonate pour piano et violon n° 9, en la majeur, de Beethoven – surnommée « sonate à Kreutzer ». Le Théâtre des Bouffes du Nord, construit en 1876 accueille aujourd’hui régulièrement
de nouvelles créations et spectacles pour se renouveler chaque printemps.
73
Classical
Length:
93’
Director:
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
Norway
OSLO PHILHARMONIC ORCHESTRA AND GAUTIER CAPUCON CONDUCTED
BY VASILY PETRENKO
Oslo Philharmonic Orchestra et Gautier Capuçon dirigés par Vasily Petrenko
Soloist: Gautier Capuçon – cello
Conductor: Vasily Petrenko
TVEITT / A Hundred Folk Tunes
HAYDN / Cello concerto n°1
TCHAIKOVSKY / Symphony n°1
Gautier Capuçon, one of the most admired cellists of his generation, appreciated for his depth and sensitivity, performs Haydn’s joyful and melodic Cello Concerto, conducted by Vasily Petrenko. The Oslo Philharmonic Orchestra continues with the music of Tveitt, as resonant of Norway as
is Grieg, but with a very different technique of tone and orchestration. The
concert ends with a performance of Tchaikovsky’s famous First Symphony.
Soliste :Gautier Capuçon - violoncelle
Direction : Vasily Petrenko
TVEITT / A Hundred Folk Tunes
HAYDN / Concerto pour violoncello n°1
TCHAIKOVSKY / Symphonie n°1
Gautier Capuçon, l’un des violoncellistes les plus adulés de sa génération, reconnu pour sa profondeur et sa sensibilité, interprète sous la direction de Vasily Petrenko, le joyeux et mélodique Concerto pour violoncelle de Haydn.
L’orchestre Philharmonique d’Oslo poursuit avecla musique de Tveitt, une résonnance norvégienne comme la musique de Grieg, mais avec une technique de timbre et d’orchestration très différente. Enfin, sera interprétée la célèbre
première symphonie de Tchaïkovski.
Length:
80’
Director:
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
Norway
OSLO PHILHARMONIC ORCHESTRA AND TINE THING HELSETH CONDUCTED
BY VASILY PETRENKO
Oslo Philharmonic Orchestra et Tine Thing Helseth dirigés par Vasily Petrenko
Soloist: Tine Thing Helseth – trumpet
Conductor: Vasily Petrenko
HAYDN/ Trumpet Concerto
RACHMANINOFF / Symphony n°2
Tine Thing Helseth, trumpeter specializing in the classical repertoire and incontestably one of the finest trumpeters of her generation, is accompanied by
the Oslo Philharmonic Orchestra, conducted by Vasily Petrenko. She performs
Haydn’s Trumpet Concerto. Finally, the orchestra plays one of the Oslo public’s
favorites: Rachmaninoff’s Second Symphony, which is no longer performed.
Soliste : Tine Thing Helseth, trompette
Direction : Vasily Petrenko
HAYDN / Concerto pour trompette
RACHMANINOV / Symphonie n°2
Tine Thing Helseth, trompettiste spécialiste du répertoire classique et incontestablement l’une des meilleures trompettistes de sa génération, est accompagnée par l’Orchestre Philharmonique d’Oslo, sous la direction de Vasily Petrenko.
Elle interprète le Concerto pour trompette de Haydn. Enfin l’orchestre interprète un favori du public Osloïte, la 2ème
symphonie de Rachmaninov que l’on ne présente plus.
74
Classical
Length:
93’
Director:
William Japhet
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
Sweden
THE SWEDISH RADIO SYMPHONY ORCHESTRA AT THE BERWALDHALLEN IN
STOCKHOLM CONDUCTED BY DANIEL HARDING
& PAUL LEWIS AT THE PIANO
Le Swedish Radio Symphony Orchestra au Berwaldhallen à Stockholm dirigé par
Daniel Harding & Paul Lewis au piano
JOHANNES BRAHMS / Concerto for piano n°1, op. 15 (with Paul Lewis /
piano)
MARK ANTHONY TURNAGE / Speranza
Daniel Harding, musical director of the Swedish Radio Symphony Orchestra,
conducts British pianist Paul Lewis at the Berwaldhallen in Stockholm. They perform the first Concerto for piano by Johannes Brahms, which for some is a reflection of the mourning of his friend Robert Schumann, who died in 1856.
Then, Daniel Harding will conduct the work by Mark Antony Turnage, “Speranza”,
for its first performance in Sweden. This is a unique work, commissioned by the
London Symphony Orchestra, the Boston Symphony Orchestra and the Swedish
Radio Symphony Orchestra.
The work by Mark Anthony Turnage is an act of worship that goes directly to the
heart. The very act of the creation is a promise of hope even if its story is a tragic
one. Consisting of five movements, each entitled “Hope”, or hope in Arab, German, Celtic, French or Hebrew. Turnage’s work is inimitable and its orchestration
sumptuous.
JOHANNES BRAHMS / Concerto pour piano n°1, op. 15 (avec Paul Lewis / piano)
MARK ANTHONY TURNAGE / Speranza
Daniel Harding, directeur musical du Swedish Radio Symphony Orchestra, dirige le pianiste britannique Paul Lewis
au Berwaldhallen à Stockholm. Ils interprètent le premier concerto pour piano de Johannes Brahms, qui pour certains,
reflète le deuil de son ami Robert Schumann, mort en 1856.
Puis, Daniel Harding dirigera l’œuvre de Mark Antony Turnage « Speranza » pour sa première représentation suédoise, une œuvre unique, commandée par l’Orchestre Symphonique de Londres, le Boston Symphony Orchestra et le
Swedish Radio Symphony Orchestra.
L’œuvre de Mark Anthony Turnage est un acte de prière qui va droit au cœur. L’acte même de la création est une
promesse d’espoir même si l’histoire en est tragique. Constituée de 5 mouvements, chacun est intitulé « Speranza
» soit espoir en arabe, allemand, celtique, français, hébreux. Le travail de Turnage est inimitable et l’orchestration
somptueuse.
75
Classical
Length:
92’
Director:
Jean-Pierre Loisil
Producer:
Coproducer:
Mezzo & ARTE
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
France
THE ORCHESTRE DE PARIS CONDUCTED BY PAAVO JÄRVI
WITH TATJANA VASSILJEVA AT THE MUSIKVEREIN IN VIENNE
L’Orchestre de Paris dirigé par Paavo Järvi avec Tatjana Vassiljeva
au Musikverein de Vienne
Cello: Tatjana Vassiljeva
Solo violin: Philippe Aïche
Modest Mussorgsky / A Night on Bald Mountain (Rimski-Korsakov version)
Dmitry Shostakovich / Concerto for Cello n° 1 in E-flat major, op.107 (with Tatjana
Vassiljeva)
Maurice Ravel / Noble and Sentimental Waltzes, version for orchestra
Igor Stravinsky / The Firebird, orchestral suite (1919 version)
Paavo Järvi, artistic director of the Orchestre de Paris since 2010, opens the
evening with a symphonic poem, Night on Bald Mountain, composed by Mussorgsky in 1867. The Orchestre de Paris performs it in the version by RimskyKorsakov, who moulded it to his orchestration, thus softening the work. Tatjana
Vassiljeva then takes centre stage with Shostakovich’s Concerto for Cello n°1.
Paavo Järvi then returns with a reference to Schubert before closing the program
with the Firebird.
Violoncelle : Tatjana Vassiljeva
Violon Solo : Philippe Aïche
Modest Moussorgski / Une Nuit sur le Mont Chauve (version Rimski-Korsakov)
Dimitri Chostakovitch / Concerto pour violoncelle n° 1 en mi bémol majeur, op.107 (avec Tatjana Vassiljeva)
Maurice Ravel / Valses nobles et sentimentales, version pour orchestre
Igor Stravinski / L’Oiseau de Feu, suite d’orchestre (version 1919)
Paavo Järvi, directeur artistique depuis 2010 de l’Orchestre de Paris ouvre la soirée avec un poème symphonique
La Nuit sur le Mont Chauve, composé par Moussorgski en 1867. L’Orchestre de Paris l’interprète sous la version
de Rimski-Korsakov qui la façonna selon son orchestration, apaisant ainsi l’œuvre. Tatjana Vassiljeva capte ensuite
toutes les attentions avec le Concerto pour violoncelle n°1 de Chostakovitch. Puis, Paavo Järvi est à la commande
des Valses nobles et sentimentales de Ravel dont le titre et la composition font allusion à Schubert avant de clôturer
avec l’Oiseau de Feu.
76
Classical
Length:
102’
Director:
Julien Condemine
Geoffroy Duval
Producer:
Coproducer:
Mezzo & RTS
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
USA
URI CAINE & FRIENDS, LIVE AT THE ST PREX CLASSICS
Uri Caine & Friends, Live au St Prex Classics
Nothing seems to stand in the way of Uri Caine, not even when it comes to borrowing, in a constantly innovative way, from the classical composers, from Bach
to Mahler by way of Schuman, as his many recordings prove. A composer and
jazz pianist of genius, Uri Caine has no equal when immersing himself in every
style of music. His incursions into the classical register have certainly not gone
unnoticed. 2013, of course, is the bicentenary of the birth of Richard Wagner, one
of the greatest opera composers of all time.
Uri Caine, naturally, could not miss this opportunity: he has devised a program
exclusively devoted to the master of Bayreuth, whose high point is the famous
Ride of the Valkyries, taken from the opera of the same name, one of the bestknown and most spectacular in the lyric repertoire.
Uri Caine, Theo Bleckmann & David Gilmore:
Richard Wagner
Overture from Tannhäuser
Prelude and Love/Death (Tristan and Isolde)
Overture from The Master Singers
Overture from Lohengrin, Act 3
Overture from Lohengrin, Act 1
The Ride of the Valkyries
… and other composers
Uri Caine, Theo Bleckmann & David Gilmore :
Richard Wagner
Ouverture Tannhäuser
Prélude et Amour/Mort (Tristan and
Isolde)
Ouverture des Maîtres Chanteurs
Ouverture de Lohengrin, acte 3
Ouverture de Lohengrin, acte 1
Chevauchée des Walkyries
… et autres compositeurs
Aucune barrière ne saurait arrêter Uri Caine, pas même celle d’une appropriation, toujours innovatrice, des compositeurs classiques, de Bach à Mahler, en passant par Schumann, comme peuvent en témoigner ses divers enregistrements. Génial compositeur et pianiste de jazz, Uri Caine n’a pas son pareil pour se frotter à tous les styles
de musique. Ses incursions dans le classique ne sont pas passées inaperçues. On le sait, 2013 est l’année du
bicentenaire de la naissance de Richard Wagner, l’un des plus grands compositeurs d’opéras de tous les temps. Uri
Caine ne pouvait laisser passer cette occasion: il a donc concocté un programme exclusivement dédié au maître de
Bayreuth, dont le point culminant devrait être la célébrissime Chevauchée des Walkyrie, tirée de l’opéra du même
nom, l’une des pages du répertoire lyrique les plus connues et les plus spectaculaires qui soient.
Length:
72’
Director:
Julien Condemine
Geoffroy Duval
Producer:
Coproducer:
Mezzo & RTS
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
China - France
YUJA WANG AND GAUTIER CAPUÇON AT THE ST PREX CLASSICS
Yuja Wang et Gautier Capuçon au St Prex Classics
J. Brahms - Sonata No.1 in E Minor, Op. 38
S. Rachmaninov – Sonata in G Minor, Op. 19
F. Chopin – Sonata in G Minor, Op. 65
In an exclusive concert for the Saint-Prex, the two stars concoct a very mixed program, consisting of two sonatas for cello and piano by Brahms and Rachmaninov.
Yuja Wang is today considered one of the greatest Chinese pianists of international renown, along with her compatriot, Lang Lang. She is known for her technical virtuosity as well as her spontaneous and audacious style. Critics praise her
«combination of dazzling technique and rare poetic instinct». Meanwhile, cellist
Gautier Capuçon, requires no introduction, as he has become a mascot for the St
Prex Classics. A most faithful festival player, with each appearance, he performs
in a different musical configuration.
J. Brahms - Sonate n°1 en mi mineur, op 38
S. Rachmaninov – Sonate en sol mineur, op 19
F. Chopin – Sonate en sol mineur, op 65
En exclusivité pour Saint-Prex, les deux stars ont concocté un programme très contrasté, composé de deux sonates
pour violoncelle et piano de Brahms et Rachmaninov. Yuja Wang est aujourd’hui considérée comme la plus grande
pianiste chinoise de renommée internationale avec son compatriote Lang Lang. Elle est reconnue pour sa virtuosité
technique ainsi que pour son jeu spontané et audacieux, la critique parlant à son propos de sa « combinaison d’une
technique éclatante et d’un instinct poétique rare ». Quant au violoncelliste Gautier Capuçon, il n’est plus besoin de le
présenter puisqu’il est devenu en quelque sorte la mascotte du St Prex Classics, fidèle parmi les fidèles, et à chaque
apparition dans des configurations artistiques différentes.
77
Classical
Length:
109’
Director:
Olivier Simonnet
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
Russia
THE TATARSTAN NATIONAL SYMPHONY ORCHESTRA IN KAZAN CONDUCTED
BY ALEXANDER SLADKOVSKY WITH DENIS MATSUEV
Le Tatarstan National Symphony Orchestra à Kazan
Dirigé par Alexander Sladkovsky avec Denis Matsuev
Piano: Denis Matsuev
Conductor: Alexander Sladkovsky
Sergei Rachmaninov / “The Isle of the Dead” Symphonic poem, op.29
Sergei Rachmaninov / Concerto for piano and orchestra n°1 in F-sharp minor, op. 1
Piotr Ilyitch Tchaikovsky / “Manfred” Symphony in B minor, op. 58
Denis Matsuev, piano, conducted by Alexander Sladkovsky and accompanied
by one of the best orchestras in Russia, the Tatarstan National Symphony Orchestra, performs works by Tchaikovsky and Rachmaninov in their home venue
in Kazan, the Saydashev State Great Concert Hall. A star among Russian piano
players, Denis Matsuev performs throughout the entire world under the baton of
the greatest conductors and on the most prestigious of concert stages.
Piano : Denis Matsuev
Direction : Alexander Sladkovsky
Sergei Rachmaninov / “L’île des morts” Poème symphonique, op.29
Sergei Rachmaninov / Concerto pour piano et orchestre n°1 en Fa dièse mineur, op. 1
Piotr Ilitch Tchaïkovski / Symphonie “Manfred” en Si mineur, op. 58
Denis Matsuev au piano, sous la direction d’Alexander Sladkovsky, et accompagné par l’un des meilleurs orchestres de
Russie le Tatarstan National Symphony Orchestra, interprètent des œuvres de Tchaïkovski et Rachmaninov, dans leur
salle résidente de Kazan le Saydashev State Great Concert Hall. Star russe du piano, Denis Matsuev se produit dans
le monde entier, sous la houlette des plus grands chefs et sur les scènes les plus prestigieuses.
Length:
79’
Director:
Olivier Simonnet
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
Russia
THE TATARSTAN NATIONAL SYMPHONY ORCHESTRA IN KAZAN
CONDUCTED BY ALEXANDER SLADKOVSKY
Le Tatarstan National Symphony Orchestra à Kazan
Dirigé par Alexander Sladkovsky
Piotr Ilyitch Tchaikovsky / “Francesca da Rimini”, symphonic fantasy, op. 32
Serge Rachmaninov / Three Russian songs, op. 41
Alexander Scriabin / Poem of Ecstasy, op. 54
Sergey Prokofiev / Symphony n°3, op. 44
The Tatarstan National Symphony Orchestra and the Academic Big chorus “Master of choral singing”, conducted by Alexander Sladkovsky, perform in the State
Great Concert Hall in Kazan, presenting works by Tchaikovsky, Rachmaninov,
Scriabin and Prokofiev. A program created around Russian composers, performed
by the regional orchestra in its home venue and conducted by its musical director
and principal conductor.
Piotr Ilitch Tchaïkovski / « Francesca da Rimini »,
fantaisie symphonique, op. 32
Serge Rachmaninoff / Trois Chansons russes, op. 41
Alexandre Scriabine / Poème de l’extase, op. 54
Serge Prokofiev / Symphonie n°3, op. 44
Le Tatarstan National Symphony Orchestra et l’Academic Big chorus “Master of choral singing”, sous la direction
d’Alexander Sladkovsky, interprètent dans le Saydashev State Great Concert Hall à Kazan, des œuvres de Tchaïkovski, Rachmaninov, Scriabine et Prokofiev. Un programme autour des compositeurs russes, interprété par l’orchestre
régional dans sa salle résidente et dirigé par son directeur musical et principal chef d’orchestre.
78
Classical
Length:
115’
Director:
François Goetghebeur
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
Russia
DENIS MATSUEV ON PIANO
AND THE TATARSTAN NATIONAL SYMPHONY ORCHESTRA
Denis Matsuev au piano et le Tatarstan National Symphony Orchestra
Conductor / Alexander Sladkovsky
Franz Liszt – Piano Concerto n° 2 in A major, S. 125
Sergei Prokofiev – Piano Concerto n° 3 in C Major, opus 26
Witold Lutoslawski - Variations on a theme by Paganini for piano and orchestra
Sergei Rachmaninoff - Symphony n° 1 in D minor, opus 13
In the spring of 2014, Denis Matsuev on piano, conducted by Alexander Sladkovsky in the great hall of the Moscow Conservatory, performs works by Liszt,
Prokofiev, Lutoslawski and Rachmaninoff accompanied by one of the finest orchestras in Russia, the Tatarstan National Symphony Orchestra. A Russian star
of the piano, Denis Matsuev performs throughout the entire world under the baton
of the greatest conductors on the most prestigious of platforms.
Direction / Alexander Sladkovsky
Franz Liszt - Concerto pour piano n° 2 en la majeur S. 125
Sergei Prokofiev - Concerto pour piano et orchestre n° 3 en do majeur, opus 26
Witold Lutoslawski - Variations sur un thème de Paganini pour piano et orchestre
Sergei Rachmaninov - Symphonie n° 1 en ré mineur opus 13
Denis Matsuev au piano, sous la direction d’Alexander Sladkovsky, interprète, dans la grande salle du Conservatoire
de Moscou, au printemps 2014, des œuvres de Liszt, Prokofiev, Lutoslawski et Rachmaninov, accompagné par l’un
des meilleurs orchestres de Russie le Tatarstan National Symphony Orchestra. Star russe du piano, Denis Matsuev se
produit dans le monde entier, sous la houlette des plus grands chefs et sur les scènes les plus prestigieuses.
Length:
84’ & 90’
Director:
François GoetghebeurProducer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2013
Language available:
Live concert
Country:
Russia
DENIS MATSUEV: 140th ANNIVERSARY OF SERGEI RACHMANINOFF
Denis Matsuev : 140e Anniversaire de Sergei Rachmaninov
This year the world’s entire musical community is celebrating the 140th anniversary of the birth of the great Russian composer, Sergei Rachmaninoff. The Moscow State Orchestra is marking the event on April 1st and 2nd: two evenings
when the Tchaikovsky concert hall echoes to the sound of the composer’s Second Symphony, Rhapsody on a theme of Paganini, “Vocalise” – the composer’s
favourite work - and piano concertos No 2 and 3 with Denis Matsuev and the
Russian State Symphony Orchestra conducted by Leonard Slatkin.
Concert 1
Rachmaninoff : Vocalise / Concerto No 2 for piano with Denis Matsuev
Concerto No 3 for piano and orchestra with Denis Matsuev
Concert 2
Rachmaninoff : Rhapsody on a theme of Paganini
Symphony No 2
La communauté des musiques du monde célèbre cette année le 140e anniversaire de la naissance du grand compositeur russe Sergei Rachmaninov. L’Orchestre d’Etat de Moscou célèbre cette date les 1er et 2 Avril. Deux nuits
à la salle de concert Tchaïkovski où vont retentir la Deuxième Symphonie du compositeur, Rhapsodie sur un thème
de Paganini, “Vocalise” - œuvre préférée du compositeur, les concertos pour piano n°2 et 3 avec Denis Matsuev et
l’Orchestre Symphonique d’Etat de Russie dirigé par Leonard Slatkin.
Concert 1
Vocalise de Rachmaninov
Concerto pour piano № 2 de Rachmaninov / Concerto № 3 pour piano et orchestre de Rachmaninov
Concert 2
Rhapsodie sur le thème de Paganini de Rachmaninov / Symphonie n°2 de Rachmaninov
79
Classical
Length:
130’
Director:
François GoetghebeurProducer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2013
Language available:
Live concert
Country:
Russia
DENIS MATSUEV PLAYS RACHMANINOFF - BEST OF
Denis Matsuev joue Rachmaninov - BEST OF
This year the world’s entire musical community is celebrating the 140th anniversary of the birth of the great Russian composer, Sergei Rachmaninoff. The
Moscow State Orchestra is marking the event on April 1st and 2nd: two evenings when the Tchaikovsky concert hall echoes to the sound of the composer’s
Second Symphony, Rhapsody on a theme of Paganini, “Vocalise” – the composer’s favourite work - and piano concertos No 2 and 3 with Denis Matsuev and
the Russian State Symphony Orchestra conducted by Leonard Slatkin.
Best of Denis Matsuev
Concerto for piano 2 with Denis Matsuev
Concerto 3 for piano and orchestra with Denis Matsuev
Rhapsody on a theme of Paganini
La communauté des musiques du monde célèbre cette année le 140e anniversaire de la naissance du grand compositeur russe Sergei Rachmaninov. L’Orchestre d’Etat de Moscou célèbre cette date les 1er et 2 Avril. Deux nuits
à la salle de concert Tchaïkovski où vont retentir la Deuxième Symphonie du compositeur, Rhapsodie sur un thème
de Paganini, “Vocalise” - œuvre préférée du compositeur, les concertos pour piano n°2 et 3 avec Denis Matsuev et
l’Orchestre Symphonique d’Etat de Russie dirigé par Leonard Slatkin.
Best of Denis Matsuev
Concerto pour piano 2 de Rachmaninov avec Denis Matsuev
Concerto 3 pour piano et orchestre de Rachmaninov avec Denis Matsuev
Rhapsodie sur un thème de Paganini
Length:
90’
Director:
Jean-Pierre Loisil
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2013
Language available:
Live concert
Country:
United Kingdom
ORCHESTRA OF THE AGE OF ENLIGHTENMENT - MALTA
Orchestra of the Age of Enlightenment - Malte
The Orchestra of the Age of Enlightenment is an independent orchestra devoted
to the British baroque period and takes its name from the period of history at the
end of the 18th century.
At the Valetta baroque festival, the orchestra performs Bach’s famous “Orchestral Suite No. 3”, Vivaldi’s “Gloria” and Handel’s “Zadok the Priest”. Conducted
by James Burton, the orchestra is accompanied by the Oxford Schola Cantorum
choir and six soloists, including Alison Bury.
The essence of the orchestra’s repertoire is inspired by the classical Baroque
and sometimes Romantic period and its purpose is to perform the classical
works of that period that are familiar to all. The orchestra has recorded more
than fifty disks, from Purcell to Verdi, with celebrated guest soloists, making it
one of the most innovative orchestras of its generation.
The OAE chooses its conductors individually, a freedom that provides the orchestra with flexibility and allows it to work with some of the world’s greatest
conductors.
L’Orchestre de l’Age des Lumières est un orchestre autonome dédié à la période baroque Brittanique, qui a pris son
nom de la période historique de la fin du 18e siècle.
Au festival baroque de la Valette, l’orchestre interprète les célèbres œuvres de Bach « Suite pour orchestre n°3 »,
de Vivaldi avec Gloria, ou encore Haendel avec « Zadok the Priest ». Dirigé par James Burton, il est également accompagné du cœur Schola Cantorum of Oxford ainsi que de 6 solistes dont Alison Bury.
Le cœur de son répertoire s’inspire de la période classique, baroque, parfois romantique, et il s’emploie à interpréter
les œuvres classiques de cette période, connues de tous. L’orchestre a enregistré plus de 50 disques de Purcell à
Verdi, avec des solistes invités de renoms, ce qui en fait un des orchestres les plus innovants de leur génération.
L’OEA choisit ses conducteurs individuellement, cette liberté donne à l’orchestre de la flexibilité et lui permet de travailler avec certains des plus grands chefs du monde.
80
Classical
GRANGE DE MESLAY
Length:
75’
Director:
François-René Martin
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
USA
NICHOLAS ANGELICH
Piano: Nicholas Angelich
Chopin: Nocturne op.55 No 2 in E flat major
Etude op.10 No 10 in A flat major
Etude op.10 No 12 in C minor
Shumann : Kreisleriana opus 16
Liszt : Sonata in B minor S.178
One of the finest pages in the musical history of the Touraine was written more
than fifty years ago on the day that a place beyond time met with a legend of the
piano. The great Sviatoslave Richter’s love affair with the Grange de Meslay was
to create the Fêtes musicales, a festival, which, this year, writes the 52nd volume
of an artistically prestigious saga. Here, as tradition demands, the piano is king,
as evidenced by this recital by American pianist Nicholas Angelich. He performs
the exhilarating program that he has just recorded on CD, “Dedication”: three landmark works of the repertoire, which the composers Schumann, Liszt and Chopin
dedicated to each other
Une des plus belles pages de l’histoire musicale de la Touraine s’est écrite il y a plus de cinquante ans, le jour de la
rencontre entre un lieu hors du temps et une légende du piano. Ce coup de foudre du grand Sviatoslav Richter pour
la Grange de Meslay donnera naissance aux Fêtes musicales, un festival qui écrit cette année le tome 52 d’une saga
artistique de prestige. Le piano y est roi, héritage oblige, comme en témoigne ce récital du pianiste américain Nicholas
Angelich. Il interprète le très passionnant programme qu’il vient d’enregistrer sur CD, « Dedication » : trois œuvres
phares du répertoire que les compositeurs Schumann, Liszt et Chopin se sont mutuellement dédicacés !
Length:
52’
Director:
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
Czech Republic
THE QUATUOR PRAŽÁK AND RAPHAËL SÉVÈRE
Le Pražák Quartet et Raphaël Sévère
String Quartet: Prazak Quartet
Clarinet: Raphaël Sévère
Haydn: String quartet in G major, opus 77 n°1 Hob.III.81
Janacek: String quartet n°2 “Intimate Letters”
Brahms: Quintet for clarinet and strings in B minor, opus 115 with Raphaël
Sévère
The Grange de Meslay, a unique setting for classical music, once again hosts the
Pražák Quartet. This prestigious quartet formed at the end of the 1970s by four students from the Prague Conservatoire rapidly established itself as a benchmark, notably in the East European Classical repertoire.
Following their exclusive contract with the Praga Digitals label, the quartet gained
worldwide recognition and climbed to the top rank of international chamber ensembles. Here, they accompany the young clarinetist, Raphaël Sévère to perform
Brahms’ quintet for clarinet and strings.
Revealed to a wider audience by the Victoires de la Musique Classique of 2010 when
he was named “Instrumental Soloist Revelation”, Raphaël Sévère is now the youngest and most promising representative of the French clarinet school.
Quatuor à cordes : Quatuor Prazak
Clarinette : Raphaël Sévère
Haydn : Quatuor à cordes en sol majeur opus 77 n°1 Hob.III.81
Janacek : Quatuor à cordes n°2 « Lettres intimes »
Brahms : Quintette pour clarinette et cordes en si mineur opus 115 avec Raphaël Sévère
La Grange de Meslay, lieu d’exception pour la musique classique, accueille une nouvelle fois le Quatuor Pražák. Ce
prestigieux quatuor à cordes, fondé à la fin des années 70 par quatre étudiants du Conservatoire de Prague, s’est
rapidement imposé comme une référence incontournable, notamment dans le répertoire classique d’Europe Centrale.
Suite à leur contrat d’exclusivité avec le label Praga Digitals, ils se sont fait connaître au plan mondial et se sont définitivement hissés au premier rang des ensembles chambristes internationaux. Ils accompagnent ici le jeune clarinettiste Raphaël Sévère dans le quintette pour clarinette et cordes de Brahms.
Révélé au grand public lors des victoires de la Musique classique 2010, nommé “Révélation Soliste instrumental”,
Raphaël Sévère est aujourd’hui le plus jeune et le plus prometteur représentant de l’école française de clarinette.
81
Classical
GRANGE DE MESLAY
Length:
99’
Director:
Producer:
Coproducer:
Mezzo
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
Russia
NIKOLAÏ LUGANSKY
César Franck / Prelude, Choral and Fugue
Frederic Chopin / Nocturne opus 27 n°2
Serge Prokofiev / Sonata n°4 in C minor opus 29
Serge Rachmaninov / Preludes opus 32
As we celebrate 50 years of the Fêtes Musicales in Touraine, pianist Nicolai Lugansky opens the festival with performances of the works of Chopin, Franck, Rachmaninov and Prokofiev. It is a programme in which Nicolai Lugansky, a pianist
of extraordinary profundity, displays his virtuosity, his depth of interpretation and
the sensitivity of his playing in the service of these works. “He is able to highlight
the lyrical and poetic aspects of the music in a performance that is spontaneous and of impressive power.” A regular figure at the great festivals, including the
Grange de Meslay, where he has been appearing since 2004, the Russian pianist
also plays frequently with the most outstanding orchestras such as the London
Symphony Orchestra. At this opening concert Nicolai Lugansky was especially
brilliant and equal to the occasion.
César Franck / Prélude, Choral et Fugue
Frédéric Chopin / Nocturne opus 27 n°2
Serge Prokofiev / Sonate n°4 en ut mineur opus 29
Serge Rachmaninov / Préludes opus 32
A l’occasion des 50 ans des Fêtes Musicales en Touraine, le pianiste Nikolaï Lugansky ouvre le festival en interprétant
des œuvres de Chopin, Franck, Rachmaninov et Prokofiev. Un programme où Nikolaï Lugansky, pianiste d’une extraordinaire profondeur, déploie sa virtuosité, sa profondeur d’interprétation et la sensibilité de son jeu au service de ces
œuvres. « Capable d’accentuer les aspects lyriques et poétiques de la musique dans une performance de spontanéité
et puissance impressionnante. » De plus, habitué des plus grands festivals, dont la Grange de Meslay où il se produit
depuis 2004, le pianiste russe joue également régulièrement avec des orchestres d’exception, comme l’Orchestre
symphonique de Londres. Pour cette soirée d’ouverture, Nikolaï Lugansky a été particulièrement brillant et à la hauteur
de l’événement.
82
83
World Music
Length:
52’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer:
Canal + Réunion
Réunion Première
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
France
LINDIGO AT THE TEAT CHAMP FLEURI, SAINT DENIS
It’s now patently obvious: Lindigo is the embodiment of the new funky generation
of Maloya. Beyond the cane fields the world is opening up to this avant-garde
artist.
The message is clear: in the very near future, they will be talking about Maloya
like they talk about reggae, samba or afro-beat: a musical genre born some place,
not accidently (but linked to a history and a territory), destined to shake the heads
and the legs of the entire world. Lindigo’s music is a genuine invitation to travel…
from the heart of Reunion, via the Grande Ile and the inevitable Africa, right to the
shores of India, musical influences flow into each other to reveal a bewitching and
irresistible Maloya!
Music:
Frisson
Maloya power / Zalouzi
Bal Gayar
San Palto
Yelo / Fomba Gasy
Ampio Aho
Moral de Listwar
Lafrikindmada
La Kazanou
Mile Sek Mile
Buffalony
La Kazamwin
Musicians :
Araste Olivier Harry
Araste Aldo
Madia Jean Frédéric
Marceline Lauriane
Mariama Moutin Pascal
Servan Valery
Rodolphe Pothin
Jimmy Itema
C’est une évidence avérée, Lindigo incarne la nouvelle génération funky du Maloya. Derrière le champ de cannes, le
monde s’ouvre à cet artiste avant-gardiste.
Le message est clair, dans un futur plus ou moins proche, on parlera du Maloya comme du reggae, de la samba ou de
l’afro-beat : un genre musical né quelque part, pas par hasard (lié à une histoire et un territoire), mais voué à chavirer
la tête et les jambes de la terre entière. La musique de Lindigo est une réelle invitation au voyage... du cœur de l’île
de La Réunion en passant par la Grande Ile et l’inévitable Afrique, jusqu’aux côtes de l’Inde, les influences musicales
se fusionnent pour dévoiler un maloya envoûtant, irrésistible !
UPCOMING AUGUST 2016
Length:
52’
Director:
Eric Michaud
Producer:
Coproducer:
Canal + Réunion
Réunion Première
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
France
CHRISTINE SALEM AT THE TEAT CHAMP FLEURI, SAINT DENIS
With her boyish manner, street accent and her high-top sneakers, Christine Salem looks more like a young hip-hop hope from Harlem than a singer of traditional
music from La Réunion. She is one of the rare female voices of Maloya, the
blues that has been passed down from the slaves. She is also one of the most
unexpected, with her deep, androgynous timbre, her bewitching flow and her lyrics brimming with a furious bitterness. “Maloya is not just folklore in a big Haitian
dress,” claims the forty-year-old with the insolent gaze, “It’s a music of its own,
modern, that carries the message of our claims to identity.”
Music:
Walé
Dada
Tapaz
Malengé
Bwar in kou
Bondié
Mi larg’ra pa lo kor
larg pa lo kor
Mama don’t give up
Mandela
Lolilola
Musicians :
Christine Salem
Ary Perrigone
David Abrousse
Seb Martel
Avec son allure garçonne, ses accents gavroches et ses baskets ultra-montantes, Christine Salem ressemble plus
à une jeune pousse hip-hop de Harlem qu’à une chanteuse de musique traditionnelle de La Réunion. Rare voix
féminine du Maloya, ce blues hérité des esclaves, elle en est aussi l’une des plus abruptes, par son timbre grave et
androgyne, son flow ensorcelé et ses textes à l’amertume rageuse. « Le Maloya, c’est bien plus que du folklore en
grande robe haïtienne, plaide la quadragénaire au regard effronté. C’est une musique à part entière, moderne, qui
porte nos revendications identitaires. »
84
World Music
Length:
116’
Director:
Fabrice Castanier
Producer:
Coproducer:
Copyright:
2016
Language available:
Live concert
Country:
France
“ZNTH NGRTD” YOUSSOUPHA AU ZENITH DE PARIS
After his appearance at the Olympia in 2012 and his first concert in Kinshasa in
2013, Youssoupha releases his fourth album in 2015, following the huge success
of Noir D**** winner of a platinum disk three years before. On his Love Music
Tour, he presents his album “NGRTD” (Negritude), a veritable homage to his native continent of Africa in which the artists evokes the things closest to his heart.
Love Musik is the general humor of NGRTD. Music that is passionate, open and
positive. Youssoupha insists: “especially not naïve, but positive”. Yet even when
he deals with serious subjects you can hear the rapper’s smile throughout the album. A unique moment with guest artists during which he delivers his “message”
of sharing and tolerance.
Guests:
Madame, Monsieur
Hiro
Kery James
Médine
Ayna
Musicians :
Richard Molengo aka S-pi
Pascal Maitrel aka DJ Myst
Emmanuel Sauvage
Ismaël Nobour
Edouard Ardan
Après son passage à l’Olympia en 2012, son premier concert à Kinshasa en 2013, Youssoupha sort en 2015 son
quatrième album, après l’énorme succès de Noir D**** certifié disque de platine, trois ans auparavant. Dans le cadre
de sa tournée Love Music Tour, il présente son album “NGRTD” (Négritude), un véritable hommage à son continent
d’origine, l’Afrique dans lequel l’artiste y évoque des sujets qui lui sont chers.
Love Musik, c’est l’humeur générale de NGRTD. Une musique passionnée, décomplexée et positive. Youssoupha
insiste : “surtout pas naïve mais positive.” Car même lorsqu’il aborde des sujets graves on peut entendre le sourire du
rappeur tout au long de l’album. Un moment unique avec des artistes invités au cours duquel il délivre son “message”
de partage et de tolérance.
Length:
114’
Director:
Jean-Baptiste Beïs
Producer:
Coproducer:
Canal + Réunion
Copyright:
2015
Language available:
Live concert
Country:
France
DAVY SICARD AT THE SAINT GILLES OPEN AIR TEAT
Writer, composer and performer, Davy Sicard is a singer and multi-instrumentalist
from Reunion and is considered to be one of the finest voices of the Indian Ocean.
His music is cross-cultured, like Reunion. It is the reflection of a long search for
identity, the need to get back in touch with his Madagascan, African, Indian and
European roots. In lyrics both in Creole and French, Davy brings cultures together, mixing traditional instruments such as the kayanm, the rouler, the piker and
the bob with other, more modern ones, like the guitar, the bass and the drums.
During his visit to the Saint Gilles Open Air TEAT on Reunion, Davy Sicard performed his new album “Mi aim mon pays” to a rapturous audience. Nearly 1200
people were present for this private concert, an exceptional gathering fully appreciated by the audience that brings an end to a year on tour.
Auteur, compositeur, interprète, Davy Sicard est un chanteur et multi-instrumentiste
réunionnais, considéré comme l’une des plus belles voix des l’Océan Indien. Sa musique est métissée, à l’image de la Réunion. Elle est le reflet d’une longue recherche
identitaire, le besoin de retrouver ses racines malgaches, africaines, indiennes et
européennes. Sur des textes en créole et en français, Davy rassemble les cultures, en mélangeant les instruments traditionnels tels que le kayanm, le rouler, le piker ou le bob, avec d’autres plus modernes comme la guitare, la basse et la batterie.
Lors de son passage au TEAT Plein Air a Saint Gilles à la Réunion, Davy Sicard fait découvrir son nouvel album
« Mi aim mon pays » devant un public séduit. Près de 1200 personnes se sont réunies pour ce concert privé,
un rendez vous exceptionnel apprécié à sa juste valeur par le public présent, qui clôturait un an tournée.
(c) Hugues Rodelin
85
World Music
Length:
52’
Director:
Fabrice Castanier
Producer:
Coproducer :
Copyright:
2014
Language available:
Live concert
Country:
France
YOUSSOUPHA BOMA YE, RETURN TO KINSHASA
Youssoupha Boma Yé, Retour à Kinshasa
What goes through the mind of an artist just one hour before he steps on stage
to perform a concert that has enormous significance for him? Stress, tension
and doubts turn this moment into an intense and unique instant that encourages
introspection and self-examination… On June 1st, Youssoupha was returning to
the Congo to give his first concert in Kinshasa, where he was born in 1979, and
which he had to leave at the age of 10… This is the film’s point of departure.
This documentary turns the spotlight on French rap artist Youssoupha, filmed
during the unique moment of his return to the capital, Kinshasa. It’s an intimate
journey tracing his childhood, his family, and also his failings: his mother, who
died in the Congo just after he left and whom he never saw again… a look back
at his career, at rap, at Mohamed Ali, at Africa, at being black… and finally at his
father, the famous Congolese rumba singer, Tabu Ley Rochereau, who passed
last October. A return to the roots at a decisive moment in his career, which has
rocketed in France ever since the release of his album Noir Désir/Black Desire,
in early 2012…
Que se passe-t-il dans la tête d’un artiste, une heure avant de rentrer sur scène, à l’occasion d’un concert à la signification exceptionnelle pour lui ? Le stress, la tension, les doutes, font de ce moment un instant unique et intense,
propice à l’introspection et au retour sur soi… Le 1er juin 2013, Youssoupha revenait au Congo pour donner son
premier concert à Kinshasa, où il est né, en 1979, et qu’il avait dû quitter à l’âge de 10 ans… C’est le point de départ
de ce film. Ce documentaire est un portrait au plus près de l’artiste de rap français Youssoupha, réalisé au moment
unique de son retour dans la capitale kinoise. Voyage intime sur les traces de son enfance, de sa famille, de ses
fêlures aussi : sa mère, morte au Congo juste après son départ et qu’il n’a jamais revu… Retour sur sa carrière, sur
le rap, sur Mohamed Ali, sur l’Afrique, la négritude… sur les traces de son père enfin, le célèbre chanteur de rumba
congolaise, Tabu Ley Rochereau, décédé en octobre dernier. Retour aux sources à un moment décisif de sa carrière,
qui explose en France depuis la sortie de l’album Noir Désir, début 2012…
Length:
96’
Director:
François Goetghebeur
Producer:
Coproducers:
France O
Sony Music
Copyright:
2011
Language available:
Live concert
Country:
France
AMEL BENT LIVE AT THE ZENITH IN PARIS
Ever since “Ma Philosophie” in 2004, Amel Bent has been carving herself out a
place in the world of R&B and is now reinventing herself with a French Soul sound.
Co-writer of her latest album, Amel Bent loves “the special thrill of singing her own
words to her audience”. During her concert at the Zenith in Paris, she fulfils one of
her dreams and treats us to an exceptional experience.
Depuis « Ma Philosophie », en 2004, Amel Bent s’est forgée une place dans
le monde du R’N’B’ et se réinvente désormais dans une soul à la française.
Co-auteur de son dernier album, Amel Bent aime la « saveur particulière de chanter ses
propres mots face aux gens ». Lors de son concert au Zénith de
Paris, elle réalise l’un de ses rêves et nous fait vivre un moment exceptionnel.
86
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Flamenco
Length:
90’
Director:
Pierre et François
Lamoureux
Producer:
Coproducer:
ARTE
ARTV
Mezzo
Copyright:
2012
Language available:
Live concert
Country:
Spain
Length:
76’
Director:
Claude Divella
Producer:
Coproducer :
Mezzo
Copyright:
2011
Language available:
Live concert
Country:
Spain
CARLOS SAURA’S FLAMENCO HOY
« Flamenco Hoy » de Carlos Saura
After selling out at the New York City Center for two weeks, the “Flamenco
Hoy” show returns to Spain for one performance at the San Sebastian Kursaal.
Carlos Saura (mutliple winner at Cannes and Berlin, amongst others) has
gathered the rising generation of flamenco performers to create an exceptional
show. Accompanied by composer Chano Dominguez on the piano and some
twenty outstanding musicians and dancers, Saura, the master, takes us on a
dreamlike tour of the peninsula, from Malaga to Grenada, from Madrid to Seville,
mixing tradition with modernity. The irrefutable proof of the immense vitality of
flamenco.
Après avoir rempli pendant 15 jours le City Center de New York, le spectacle
“Flamenco Hoy” retourne en terre ibérique pour une représentation unique au
Kursaal de San Sebastian. Carlos Saura (directeur maintes fois primé à
Cannes, et Berlin entre autre) s’est entouré de la génération montante du
flamenco pour créer un spectacle exceptionnel. Accompagné de Chano
Dominguez, à la composition et au piano et d’une vingtaine de musiciens
et danseurs d’exception, le maitre Saura nous emmène dans un voyage
onirique autour de la péninsule de Malaga à Grenade, de Madrid a Séville,
entre tradition et modernité. Preuve irréfutable de l’immense vitalité du flamenco.
CIGALA & TANGO : GRAN REX
Cigala is the new, uncontested king of a thousand-year old, nomadic race, but he
is also a character right out of a Kusturica film, always ready to sing and provide
us with a moment of joy. As if he’d arrived in his gypsy caravan, Diego set down
in Argentina with his family and his musicians in order to prepare and give form to
this major epic, this handful of songs that “el Zorzal de Lavapies” had brought along
in his luggage. This film relives the concert/event given at the Gran Rex theatre
in Buenos Aires (a veritable temple to Tango) to celebrate the release of the disc
Cigala and Tango. Accompanied by Nestor Marconi on bandoneon and Juanjo
Dominguez on guitar, Diego takes us on a wonderful journey between these two
worlds.
Cigala est sans conteste le nouveau roi d’une race millénaire et nomade mais c’est
aussi un personnage sorti d’un film de Kusturica toujours prêt à chanter et à nous
offrir un petit moment de bonheur. Comme s’il avait débarqué avec sa roulotte,
Diego s’est installé en ‘Argentine avec sa famille et ses musiciens, afin de préparer
et donner forme à cette ‘épopée majeure , cette poignée de chansons que “el
Zorzal de Lavapies” avait emporté dans ses valises. Ce Film retrace le concert /
événement donné au Théâtre Gran Rex de Buenos Aires (véritable Temple- du tango) pour célébrer la sortie du
disque Cigala et Tango. Accompagné par Nestor Marconi au Bandoneon et Juanjo Dominguez à la guitare , Diego
nous invite à un merveilleux voyage entre ces deux monde
88
- W o r lw i d e S a l e s N at h a l i e GIBOIRE LABID
C e ll : +33 634 040 551
T e l : + 33 155 958 455
E m a i l : [email protected]
www.gad-distribution.com

electronic music

Transcription

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samedi 10 mars 2012