50 Aphorismes de techniques de répétition

50 Aphorismes de techniques de répétition
1. Choisir son répertoire judicieusement puisque celui-ci aura des
répercussions directes sur votre ensemble.
2. Commencer toujours la répétition avec un réchauffement même si
la répétition sera courte.
3. Planifier un premier exercice de réchauffement qui sera énergique
et engageant.
4. Insister que les choristes chantent en s’investissant totalement.
5. Dans les différentes sections de l’œuvre, écrire des mots qui
décrivent l’émotion qui s’y rattache.
6. Répéter avec le texte le plus tôt possible.
7. Insister pour que les choristes chantent avec musicalité le plus tôt
possible.
8. Utiliser la structure de l’œuvre pour établir le plan de la répétition
pour cette œuvre.
9. Exiger que les choristes prennent en note les indications pour
toutes les sections (et non seulement la leur).
10.De temps à autre, répéter les passages marqués forte avec une
nuance douce pour mieux entendre les notes et la précision du
rythme.
11.Répéter ‘a cappella’ les pièces qui sont normalement
accompagnées.
12.Porter une grande attention à la subdivision de la pulsation.
13.Inviter tout le chœur à lire les parties vocales de tous les pupitres.
14.Impliquer tout le chœur tout le temps: que ce soit en chantant, en
marquant que le 2e temps de chaque mesure (!), en guidant
l’écoute.
15. Planifier avec attention comment aborder les passages difficiles.
16.Débuter la répétition d’une pièce avec les passages difficiles et les
problèmes à corriger. Puis, poursuivre avec la révision d’une
section au complet ou de toute la pièce.
17.Répéter une pièce lente avec un tempo un plus rapide. Ceci
énergisera le tout, créera un meilleur timbre vocal et aidera la
justesse.
18.S’assurer que le réchauffement vocal et l’accompagnement d’une
pièce soient toujours joués avec musicalité.
19.User de l’accompagnement avec stratégie: jouer une autre partie
vocale que celle qui est chantée.
20.Doubler une partie chorale à l’octave supérieure (pour aider la
justesse) ou inférieure (pour enrichir le timbre vocal).
21.De temps à autre, mêler les altos avec les basses de même que les
sopranos avec les ténors.
22.Pour garder les choristes ‘à l’affût’, faire une rotation des rangées.
23.Dans le contexte d’un grand chœur, faites chanter les choristes
une rangée à la fois.
24.Sue une base volontaire, inviter les choristes à chanter dans un
arrangement totalement mêlé (par exemple satb, saatb, ssatb,
satbb etc....) ce qui permet de repérer les choristes confiants et
ceux qui chantent plus craintivement.
25.Diviser le chœur en 2 ou 3 petits chœurs. Faites-les chanter les uns
pour les autres.
26.Utiliser les répétitions par pupitre pour travailler les passages qui
ne peuvent pas être solutionnés en tutti ou avec une répétition
individuelle.
27.Varier l’approche globale: répéter les paramètres de bases, ou la
technique vocale, le phrasé et l’articulation, le texte, le contexte ou
l’interprétation toujours avec un objectif précis.
28.Une fois que l’apprentissage du texte musical est maîtrisé varier le
début du processus: travailler directement le phrasé, le shéma des
nuances, la projection du début et de la fin des mots etc...
29.Toujours fournir un outil tangible pour que le chœur chante le
mieux possible.
30.Enseigner au chœur comment écouter et quel paramètre écouter de
manière précise.
31.Un bon alignement corporel est la clé! Cela procure une meilleure
présence en scène, un chant plus ‘vivant’, une respiration efficace
et simplement une sensation de bien-être! Chanter avec des
voyelles bien formées dans un corps bien aligné.
32.Les choristes qui ont moins d’expérience inspirent parfois
tardivement (particulièrement à une entrée avec une syncope).
Enseigner au chœur d’inpirer plus tôt, projeter rapidement la (les)
consonne (s) pour atteindre la voyelle. La respiration ne doit pas
être stagnante et le son doit débuter avec une voyelle qui a du
focus.
33.Ne jamais chanter deux notes, syllabes ou mots consécutifs avec la
même intensité. Les notes longues et soutenues doivent projeter
un sens de crescendo ou diminuendo.
34.Développer un grand registre de nuances. C’est plus facile de
chanter un crescendo qui grandit progressivement qu’un
diminuendo bien gradué. S’exercer à chanter de pp à ff et de ff à
pp durant 8 pulsations. Faire cet exercice en chantant avec des
chiffres (1&2&3 etc...) ce qui augmentera le volume à la fin d’un
long crescendo et encouragera à chanter plus doux à la fin d’un
diminuendo.
35.De temps à autre, simuler un concert. Répéter les pièces dans
l’ordre du concert.
36.Distribuer un horaire des répétitions pour tout le semestre avec
l’ordre des pièces déjà établi pour le concert.
37.Afin de construire un son optimal, travailler sur l’uniformité des
voyelles et une technique vocale saine.
38.Pour communiquer une compréhension globale de la structure de
la pièce, expliquer au chœur le rapport des pupitres entre eux.
Améliorer l’équilibre entre les pupitres en enseignant au chœur à
répéter en quatuor et en octuor.
39.Insister que le chœur chante le rythme avec vigueur, énergie et
expression. Ceci est particulièrement important pour chanter
legato.
40.Chanter avec des chiffres les subdivisions de la pulsation (1 &2 &3
etc...) peut améliorer la justesse et apporter une énergie nouvelle à
un passage lent et soutenu.
41.Dans les passages poly métriques, enseigner au chœur à subdiviser
les mesures et les pulsations de la manière suivante. Par exemple
7/8, chanter un long passage comme ceci: ‘1,2; 1,2;
1,2,3’ (dépendant de la configuration du 7/8).
42.Les problèmes de justesse peuvent être créés par une technique
vocale déficiente, une voyelle mal formée dans la bouche ou
l’incapacité de bien entendre le contexte harmonique.
43.Pour chanter une cellule mélodique (de 3 ou 4 notes par exemple)
problématique, intervertir l’ordre des notes puis remettre dans
l’ordre initial. Ajouter (artificiellement) des notes de passages, puis
les omettre.
44.Afin d’éclaircir la sonorité globale, encourager davantage la
cohésion, demander aux choristes de chanter ‘en paire.’ Demander
aux paires
d ’inspirer, de commencer le début de chacun des mots,
ensemble; et de former la même voyelle.
45. Encourager les chanteurs à utiliser leur propre diapason et de
trouver les notes de départs eux mêmes. Cette approche a aussi
comme avantage d’améliorer la justesse du chœur en entier.
46.Ne pas toujours jouer les notes de départ au piano lorsque qu’un
passage est répété plusieurs fois de suite; Ce qui encouragera les
choristes à être plus attentif.
47.Maximiser la projection de la ligne des basses; ce qui apportera de
la perspective et de la profondeur dans la sonorité du chœur.
48.Expliquer la relation entre les parties vocales supérieures et la ligne
des basses pour comprendre davantage la structure et la texture de
l’œuvre.
49.Faire parler les mains et utiliser moins de mots.
50.Puisque c’est important que le chœur regarde la ou le chef, il faut
aussi maintenir un contact visuel constant avec le chœur.