NEXT44_OCTOBER12

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NEXT 44_OCTOBER 12
Anne Golaz, de la série Metsästä (From the Woods), 2011-2012
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EDITO - NEXT44_OCTOBER12
Chères lectrices, chers lecteurs de NEXT,
L'automne, saison de la chasse, est le moment propice pour découvrir le livre
d'Anne Golaz, Metsästä, et visiter de nombreuses expositions consacrées à la
photographie...
Excellente lecture.
Nassim Daghighian, présidente de NEAR et rédactrice de NEXT.
Dear readers,
Autumn and the hunting season is the best moment to discover Anne Golaz's
book, Metsästä, and to visit many exhibitions of photography ...
Have a pleasant reading.
Nassim Daghighian, president of NEAR and editor of NEXT.
A PROPOS DE NEAR / ABOUT NEAR
NEAR BY NIGHT 5 - PROJECTION
Zinéma, Lausanne, jeudi 29.11.2012, 21h-23h
www.zinema.ch
Projection d'images récentes accompagnée d'une musique originale de Pascal
Lopinat. Il s'agit de la cinquième édition d'une série de projections initiée en 2009
par Danaé Panchaud et intitulée NEAR BY NIGHT. Une soirée de rencontres et
de découvertes de photographies contemporaines souvent inédites... NEAR BY
NIGHT 5 permettra de découvrir des artistes internationaux invités par les
photographes de NEAR.
Direction artistique : Noémie Richard
KINETOPHONE 5 - PROJECTION
Le Bourg, Lausanne, mercredi 12.12.2012, 21h
www.le-bourg.ch
Le temps d'un début de soirée, Kinétophone offre à un-e photographe et un-e
musicien-ne de dialoguer brièvement autour des images et du son. Une
collaboration avec Le Bourg.
Nicolas Delaroche et Grégory Poncet. Mes yeux sont ton chemin
www.nicolasdelaroche.com ; www.soundcloud.com/gregorythme
Pour la cinquième édition, Nicolas Delaroche présente Mes yeux sont ton
chemin, une vidéo de 9 minutes qui donne à voir des œuvres plastiques sorties
de leur contexte urbain et retravaillées par le biais de différents médiums. La
bande sonore de cette vidéo est produite par le musicien Grégory Poncet.
Nicolas Delaroche est membre de NEAR.
NEAR • association suisse pour la photographie contemporaine • avenue vinet 5 • 1004 lausanne • www.near.li • [email protected]
Anne Golaz. Metsästä (From the Woods)
Heidelberg, Kehrer Verlag / Vevey, Festival Images, 2012
www.kehrerverlag.com
Anne Golaz s’est plongée au cœur de la culture finlandaise pour explorer la
relation des habitants à la forêt. Dans la série Metsästä (From the Woods),
l'utilisation de la lumière artificielle contribue à la théâtralisation des compositions,
et renforce leur atmosphère mystérieuse et dramatique tout en faisant émerger le
sujet principal de la pénombre. De là naît un questionnement autour de notre
désir d'authenticité et de retour aux sources vers une nature sauvage et
idéalisée.
L'artiste a reçu la Mention Lumière - Broncolor au Grand Prix international de
photographie de Vevey 2011/2012. Les éditions Kehrer (Heidelberg) et le Festival
Images co-éditent Metsästä. L'ouvrage fait partie des 20 livres préselectionné
pour le Premier PhotoBook du concours intitulé Paris Photo/Aperture PhotoBook
Award.
Anne Golaz immersed herself in the heart of Finnish culture to explore the
relationship its inhabitants have with the forest. In the series Metsästä (From the
Woods), her use of artificial light contributes to the theatrical nature of the
compositions and reinforces their mysterious and dramatic ambiance, while still
highlighting the subject among the shadows. Her work looks at our desire for
authenticity and a return to nature - a wild environment we often idealise. Kehrer
(Heidelberg) and the Festival Images (Vevey) co-publish the book Metsästä.
Anne Golaz est membre de NEAR.
Annelise Strba & Adrian Schiess. Collaboration
Jason McCoy Gallery, New York, USA, 12.09. - 26.10.2012
www.jasonmccoyinc.com
Collaboration features a series of works on paper that involve signature
photographs by Annelies Strba (1947), a pioneer of digital manipulated
photography and film, that have been altered and obscured by the gestural
expressions of Adrian Schiess (1959), a renowned abstract painter. The subjects,
which range from still lives to landscapes and figurative abstractions, can be
easily recognizable as well as dramatically veiled and hard to decipher. This
creates a distinct rhythm when observing a selection of these works side-byside. In some cases, the imagery of the underlying photograph remains
dominant; in others, paint has taken over completely. It is the give-and-take
evoked in this unusual fusion of two separate mediums and of two artist’s highly
individualistic visions that provides this body of work with a unique sense of
dynamism. These works are characterized by both formal tension and a sense of
mystique.
The project, which was originally sparked by an exhibition at the Museum
Langmatt in Baden, Switzerland, in 2011, remains ongoing.
Annelies Strba est membre d'honneur de NEAR.
Gian Paolo Minelli. Sur: Cierre + Apertura
Fundación Migliorisi, Isla de Francia, Asunción, Paraguay, 29.09. - 28.10.2012
www.fundacionmigliorisi.org.py
Sur: Cierre + Apertura (Sud: Fermer + Ouvrir) fait référence à l'environnement
urbain du sud de Buenos Aires et explore les façons dont l'art peut s'intégrer
dans l'espace social. L'exposition présente l'œuvre photographique de Gian
Paolo Minelli (1968, CH) autour de deux principales séries, Villa Lugano et Zona
Sur (Zone Sud). D'une part, Minelli a photographié l'architecture de Villa Lugano
et commémoré ainsi le centenaire du quartier fondé en 1908 par un
businessman alors célèbre, le Suisse Joseph Ferdinand Francisco Soldati, qui
avait trouvé à la région des similitudes avec les environs de Lugano.
D'autre part, des photographies tirées de Zona Sur qui révèlent les choix
esthétiques et l'initiative communautaire que favorise l'artiste depuis une
décennie.
Minelli a rendu compte du développement de la construction de Villa Lugano et a
fourni une documentation visuelle qui pourrait expliquer le reste de l'architecture
industrielle, des maisons de la classe moyenne, des complexes résidentiels et
des bidonvilles. Minelli reflète un voyage qui remonte à l'architecte Carlos Ariel
Pradelli. Les images précises qui en résultent permettent une vue d'ensemble de
la structure de ce secteur de la ville. Dans ces photographies, l'accent mis sur la
géométrie trahit une intention de recherche formelle, même dans les endroits où
il ne semble ne pas y avoir de beauté a priori. Minelli dévoile des environnements
désolés non sans une approche critique. Ses photographies nous posent des
questions : Quelle est la périphérie? Que signifie vivre dans les quartiers de Villa
Lugano? Quelle est l'organisation sociale de notre ville?
Le projet Zona Sur dépasse la représentation photographique pour pénétrer
dans la construction même de la communauté de la banlieue sud de Buenos
Aires. Minelli a généré des activités culturelles dans le quartier, a cherché à
modifier la vie quotidienne de ses habitants. Minelli considère que l'architecture
est plus qu'un simple décor, c'est la forme physique qui influence toute la
dynamique de la société. Pour lui, l'art est une ouverture capable de valoriser
l'action individuelle et collective, de produite un changement social. Zona Sur a
eu un effet concret, le lancement du collectif artistique PiedrabuenArte en 2004,
suivi de la création de la fondation PiedrabuenArte dans un hangar en 2006, où
des artistes locaux participent activement : Pepi Garachico, Luciano Garramuño
Roy et Falco.
Sur: Cierre + Apertura nous invite à redécouvrir la ville, mais nous exhorte aussi à
examiner l'importance de la participation citoyenne et les possibilités de l'art
comme un agent de transformation sociale.
Avec le soutien de Pro Helvetia, Fondation suisse pour la cuture, et de la Ville de
Lugano.
Interview de Gian Paolo Minelli réalisé par Emmanuelle Bayart en novembre 2009 :
pdf
Curatrice : Florencia Malbrán
Gian Paolo Minelli est membre de NEAR.
Les absents.
Galerie My Monkey, Nancy, FR, 28.09. - 31.10.2012
www.mymonkey.fr
Les absents, exposition collective réunissant une cinquantaine de photographies,
est le résultat d’un concours photo lancé par my.monkey au premier semestre
2012. Loin d’être sombre ou inquiétante, la question de la disparition propose
une réflexion sur le bien fondé d’une situation, d’un évènement, d’un élément
quel qu’il soit et de la suite qui peut leur être donnée. Absence, mort, fin , mais
aussi renouveau, renaissance ou liberté, la disparition doit être entendue ici
comme ouverte à toutes les perspectives et interprétations. Dans cette collection
de photographies, la notion de disparition est envisagée selon des perspectives
variées. Les absents s’inscrit dans le cadre du projet Dixparition, dix ans
d’exposition à la galerie my.monkey.
Parmi les 12 travaux nominés se trouve l'image ci-contre, Charly sleeping de
Sandra Garrido Campos, qui a gagné la seconde place.
Sandra Garrido Campos est membre de NEAR.
Maya Rochat & Philippe Gerlach. A nervous system
Fotohof, Salzburg, AT, 28.09. - 18.11.2012
www.fotohof.at
Both Maya Rochat and Philippe Gerlach are interested in photography as a
medium of expression for the life feelings of a young generation. But rather than
restrict themselves to the role of outside observers, they choose to interact with
people and their locations. Philippe Gerlach sees the photographic act as a
process of interaction. “I want to remain as close to reality as possible, like when
you keep a diary; but of course photography also involves a certain element of
staging. I use cameras that are as discreet as possible in order not to disrupt the
relationship between those involved.” Gerlach's imagery spans the spectrum
from intimate portrait studies as the expression of a special relationship (as in the
Gosia series) to entire series such as the photographs of the punk scene in small
German towns. Maya Rochat takes an associative approach, working in larger
contexts with contents charged with high symbolism. Her image treatments are
always predicated on an uncompromising existential perspective. In her series
entitled Es stinkt der Mensch solang er lebt, after a Brecht quote, Rochat is
working for instance on a counter-draft to the conventional media image clichés
of a standardised conception of human beings and beauty. Both Rochat and
Gerlach autobiographically reflect their own lives using the means of
photography. “a_nervous_system – we gave the title of our work a double
meaning because our common ground lies in a nervous sensitivity towards the
environment. The nervous system we are showing at the Fotohof is just about in
balance, even if it is a precarious one.”
Maya Rochat was born in Morges (CH) in 1985 and lives and works in Geneva
and Lausanne.
Philippe Gerlach was born in Grenoble (F) in 1982 and lives and works in Linz
and Berlin.
Maya Rochat est membre de NEAR.
Matthieu Gafsou
Centre des Humanités de l’INSA, Lyon, 12.10. - 30.11.2012 ; vernissage 11.10.,
18h30
www.insa-lyon.fr
Matthieu Gafsou (1981, CH, FR) pose un regard distancié et critique, formel et
sociologique sur le monde qui nous entoure. La ville, le territoire, ses mutations
perpétuelles et ses « inadéquations architecturales », la nature et ses artifices
sont ses sujets de prédilection. A Lyon, il présente pour la première fois un
ensemble d’œuvres récentes tirées des séries Ordinaires et Alpes. Ordinaires
constitue le cœur de l’exposition. Dans cette série " c’est notre rapport même au
réel qui est mis en question. Car, à force de baigner dans des espaces virtuels,
d’être confronté au plausible, au possible, la ligne de démarcation sensée
séparer l’artifice de l’authentique s’érode dans un brouillard aussi dérangeant
que libérateur ". Les cadrages frontaux le plus souvent, le traitement de la
couleur et des densités participent au paradoxe visuel auquel il tend : faire de
l’objet trivial architectural un objet singulier vecteur de sensations contradictoires,
de questionnements. Alpes offre une vision tout aussi critique. Les images
expriment une tension certaine. La montagne est belle, sublime même, mais elle
est aussi " exploitée, merchandisée , stéréotypée, nationalisée ", façonnée par
l’homme pour l’homme… Tous ces éléments transparaissent dans les clichés et
témoignent de l’incontestable complexité de ce territoire.
Ordinaires est une proposition de Matthieu Gafsou pour la Coming Soon galerie
(Paris).
Matthieu Gafsou est membre de NEAR.
NOUVELLES EXPOSITIONS / NEW EXHIBITIONS
David Gagnebin-de Bons. Plusieurs états
Cabinet de Dr Marie-Christine Gailloud-Matthieu, Lausanne, dès le 05.10.2012
www.chirurgieplastique.ch
www.davidg.ch
Les images récentes de David Gagnebin-de Bons travaillent autour des notions
de mémoire, de sédiment du rêve dans le réel et de l’ancrage des souvenirs
dans les lieux. Livres, traces, matériaux de construction de l’image ou de l’objet
dans un état de changement et d’instabilité latents. Les photographies renouent
mystérieusement avec le sujet et l’enregistrement simple d’un réel déplacé dans
le monde de la représentation mentale.
David Gagnebin-de Bons est membre de NEAR.
Stephan Schacher. 31 Days, 31 Ways, 31 Minds
Photogarage Romano Zerbini, Zurich, 06.10. - 14.10.2012 ; vernissage, 06.10.,
18h
www.photogarage.ch
"Was würdest Du tun, um die Welt in 31 Tagen zu verändern?" Diese Frage
stellte sich der Fotokünstler Stephan Schacher und setzte mit seinem
Kunstprojekt „31 Days, 31 Ways, 31 Minds" seine ganz persönliche Antwort um:
Er porträtierte in New York, Zürich und Kunming an jeweils 31
aufeinanderfolgenden Tagen 31 inspirierende, kreative und einflussreiche
Persönlichkeiten - und bat sie, dieselbe Frage ebenfalls und handschriftlich zu
beantworten. Das Resultat sind visuelle Tagebücher, die über die Menschen,
aber auch vieles über den Zeitgeist und die Befindlichkeit in den Metropolen
erzählen.
Das Projekt soll in die Welt hinaus gehen, es soll möglichst viele Menschen
erreichen, sie berühren und anregen, selbst über diese Frage nachzudenken.
Ziel ist es, in den nächsten drei Jahren insgesamt neun Metropolen auf allen
Kontinenten auf diese Weise zu porträtieren. Überall sollen Ausstellungen
realisiert und schliesslich alle Porträts und Antworten in einem schönen
Kunstbuch zusammengefasst werden.
Stephan Schacher, 1965 in Washington D.C. geboren, ist in Luzern
aufgewachsen und zur Schule gegangen. 1993 schloss er in Pasadena am Art
Center College of Design als Kunstfotograf ab. Er publizierte in den Magazinen
Rolling Stone, Interview, Vanity Fair, Tages-Anzeiger, Max, und DU und zählt zu
seinen Werbekunden Donna Karan, Carhartt, Coca Cola, Sony, Porsche und
l’Oreal. Stephan Schacher hat verschiedene Fotobücher publiziert, darunter A
Passage to All Senses, Cuties and Calories und Europa Road. Stephan Schacher
lebt und arbeitet in New York und Zürich.
Videoinstallation des 31-Project Zürich & Kunming
Im Rahmen der Ausstellung zum dreissigsten Jubiläum der Städtepartnerschaft
Zürich-Kunming im Museum Bärengasse zeigt die Stadtentwicklung Zürich vom
6. Oktober bis 11. November 62 Porträts aus den beiden Städten in einer
Videoinstallatoin.
The title says it all – 31 portraits of 31 people speaking their minds, taken in New
York during 31 consecutive days. Photographer Stephan Schacher not only
captured their image with a large format camera, but also asked each one of his
subjects the same question: What would you do to change the world in 31 days?
The result is a thought-provoking, soul-searching show depicting 31 statements
at times mysterious and encrypted. Stephan Schacher has been working on a
similar project portraying 31 creative minds in Zurich, Switzerland.
Mais enfin, qui êtes-vous ?
E.S.F. Espace St-François, Lausanne, 26.09. - 19.10.2012
www.esf.ch
Une exposition collective sur invitation de Nicolas Delaroche, avec:
Mathilde Agius, Jacques Bonnard, Grégory Brunisholz, Claudia Comte, Nicolas
Delaroche, Andreas Hochuli, Laurent Kropf, Walter Pfeiffer, Maya Rochat,
Sebastien Verdon, Andrey Zouari
On a dû insister pour qu’il acquière sa première œuvre. Mais quand il a
commencé à collectionner, il ne s’est plus arrêté.
On entre ici dans l’intérieur de Philippe, c’est rudimentaire : un bureau, une salle
de gymnastique. Mais c’est chez lui et c’est bien décoré.
Ceux qui s’y entendent un peu en art pourront découvrir un Agius, un Bonnard,
un Brunisholz, un Comte, un Delaroche, un Hochuli, un Kropf, un Pfeiffer, un
Rochat, un Verdon et un Zouari, le tout accumulé par Philippe Sapin,
collectionneur réel ou imaginaire, cela revient au même, naturellement.
"[...] Les images photographiques de Nicolas Delaroche évincent toute catégorie.
D’ailleurs elles évincent même les œuvres qui se trouvent à l’intérieur. Dans les
mains du photographe, l’œuvre représentée et son image ne forment plus qu’un.
Drôle de manière d’entrer en matière. Mais de matière on en parle. La matière du
regard. Relations de matière. L’aperçu fugitif des palpitations des murs, du
tremblement des objets suspendus, posés, arrangés, installés, montrés. La
fixation d’un regard improbable. Hors sujet, hors propos, hors direction, hors
tout, mais très précisément en plein centre de l’indicible. Sous le regard de
Delaroche les pièces d’arts s’inclinent et s’excusent de prendre autant de place
et elles susurrent. [...] "
Christina Jonsson
Dans le cadre de cette exposition, L’Action Lausanne Contemporain s’associe à
ESF en présentant une édition spéciale de Nicolas Delaroche au prix de CHF
200.Nicolas Delaroche et Maya Rochat sont membres de NEAR.
Nicolas Crispini. Explosions
Flux Laboratory, Carouge, 21.09. - 19.10.2012
www.fluxlaboratory.com
Depuis une vingtaine d’années, Nicolas Crispini (1961, Genève) photographie
son ombre et s’interroge en particulier sur ce qu’est la temporalité, le
détachement et le dépouillement. Il trouve un nouveau sujet à questionner
lorsque lors d’une journée d’hiver, photographiant son ombre dans une forêt, il
découvre dans une broussaille un nid d’oiseau abandonné. Cette trouvaille
l’amène à réagir sur le changement d’échelle que propose ce nid, entremêlement
de branchages, trouvé dans un ensemble de ronces et d’arbustes. Est-ce que
ce nid ne serait finalement qu’« une broussaille dans une broussaille » ? Peut-on
réduire les éléments jusqu’à leur disparition ?
Cette nouvelle exposition de Nicolas Crispini propose de s’interroger sur le
détachement ; sur le mouvement, sur les modifications que subissent
progressivement les éléments jusqu’à leur disparition. Le public pourra découvrir
douze nouvelles photos composées à partir de la capture par scanner de quatre
nids photographiés jusqu’à leur destruction. La photo, traitée au négatif, laisse
découvrir diverses tonalités de bleu du plus doux au plus électrique.
Greg Clément. A Sunny Journey
Espace 12/12, Grand-Lancy, Genève, 04.10. - 20.10.2012 ; vernissage 04.10.,
18h
www.gregclement.ch
A Sunny Journey est un essai sur la forme photographique. Entre recherche
sociologique et images d’archives dépoussiérées, le projet propose une
promenade visuelle dans l’univers du rockabilly. Mélange de Country et de
Rythm n’ blues, cette musique voit le jour dans les années 50 aux Etats-Unis.
Les jeunes Elvis Presley et Johnny Cash inventent alors un son nouveau, avant
que leur carrière n’explose internationalement. Au rythme de leur musique, toute
une jeunesse savoure sa liberté au volant de puissants hotrods, mange au drivein et découvre les frasques libertines de Bettie Page et Marylin Monroe. La
proposition photographique utilise ces références musicales, géographiques et
temporelles sans toutefois les préciser ni les expliciter, afin de laisser au
spectateur la liberté de construire sa propre narration.
Pendant l'exposition est également présentée la vidéo de Laurence Favre, In
loving memory of the future (2012, 9 min.).
Thomas Hauser
Hauser + Hauser, Zurich, 24.09. - 27.10.2012
www.hauserandhauser.com
" Thomas Hauser features women in varying outfits – from fully dressed to nude –
seated on chairs. Hauser’s women, with their unabashed stares into the camera,
claim to hide nothing, yet within their faces the viewer detects surprise. Their
secrets are not so crude as to be made obvious in the photos, but because of
the way Hauser situates each model, each is distanced from both the viewer and
herself; creating a hidden dialogue.
The beauty of the model lies in her ignorance. None of the girls know what they
are supposed to hide, and yet all of them keep their eyes wide open, staring,
daring, even, the viewer to search. Thus, the mastery of Hauser’s latest collection
is what the viewer doesn’t see. The model sits veiled before the camera, making
her both distant and unbelievably familiar. In this way Hauser’s photos establish
another layer of intimacy – the viewer and the viewer – between the parts of
oneself that one hides and the parts one accentuates. These women act as
mirrors of human beauty’s frail ordinariness. Each blatant image offers a hint of
sensitivity. That hint is where the viewers sits, like these women, exactly where
Hauser wants: contemplating the beauty of what looks normal, and knowing that
true simplicity cannot be common. For beauty is never ordinary, even in its
nakedness."
Heather Palmer
Marco Pellanda. Gold & Silver
Hammer Gallery, Zurich, 04.10. - 27.10.2012
www.hammergallery.ch
Formé à la photographie par Dominic P. Schneider, Marco Pellanda la pratique
depuis plus de trente ans, principalement dans le domaine de la photographie de
menble. Parallèlement, il a créé plus de 80 modèles de meubles. Depuis 1990, il
privilégie la mise en scène dans ses images et développe un travail personnel qui
inclut le paysage, le portrait et le nu. En utilisant un procédé d'impression
particulier, il accentue les effets mystérieux et ajoute une sorte d'aura intime à
ses photographies.
By all rights, Marco Pellanda can be characterized as an all round artist. His
photographs of landscape on exhibit are witness to his skills of observing and
suggesting mystery. By means of a special printing process, he enhances the
plasticity of his pictures and gives them their own, very intimate aura.
Daniel Tischler. Paradise Tea – 4 Years of Querschläger
AB Contemporary Gallery, Zurich, 13 - 28.10.2012; opening 12.10., 19h
www.abcontemporary.com
In the period of four years, photographer Daniel Tischler and Journalist Rainer
Brenner were in charge of the column "Querschläger" (Ricochets) in the Swiss
lifestyle magazine kinki. Tischler and Brenner visited over 40 People at home and
portrayed them in photographs and text. "Everything except conformed", was
the theme and consequently nonconformist is the collection, which was accrued
during this time period: Schlager musician, porno stars and b list celebrities got a
chance to speak as town originals and odd bon vivants, Vincent Raven, J.P.Love
and Nella Martinetti find their place in the fund of Tischler and Brenner like marble
world champion, all round entertainer and people with interrogative political
attitude.
A selection of the "Querschläger Photographs" will take part in the solo exhibition
Paradise Tea that will be shown in context with an installation of Brenner and
Tischler in the AB Contemporary Gallery Zurich. The Photographs will be shown
in totally new coherence, unpublished material will be displayed as well.
Publication: A catalogue, done in the scope of this exhibition, in a circulation of
500 pieces and at an affordable price can get bought at the exhibition and in
selected bookshops. For the design, the overextended Agency Raffinerie AG
from Zurich have already been committed, which Brenner and Tischler already
worked together in the past. The 80-page book will be supplemented with texts
and comments of Rainer Brenner and various guest authors.
Catherine Rebois. Latentes
espace_L, Genève, 11.09. - 03.11.2012
www.espacel.net
Catherine Rebois a débuté sa relation à l'image lors de ses études de cinéma.
Très vite la photographie s'est imposée pour sa liberté d'expression et
l'indépendance qu'elle procure. A deux reprises elle fut sélectionnée pour le prix
Niepce. Elle vient de soutenir un doctorat en esthétique, arts plastiques et art
contemporain: " De l'expérience en art à la connaissance du sujet. Photographie
et identité." Par ailleurs elle enseigne l'esthétique de l'image à Paris. Un livre sur
son travail photographique Corps Lato Sensu sort en librairie le 20 septembre
avec la préface de Dominique Baqué. Dans son travail, le corps, sans cesse
remis en question, est présenté sous plusieurs aspects. Toujours nu en noir et
blanc avec de forts contrastes, le corps offre sa sincérité et sa vulnérabilité
absolues.
Publication :
Corps Lato Sensu, Paris, Trans Photographic Press, 2012, textes de Dominique
Baqué et Emmanuel Faure-Carricaburu. Vernissage du livre a lieu en présence de
l'artiste, 09.10.,19h.
Christof Klute
Galleria Cons Arc, Chiasso, 24.09. - 03.11.2012
www.consarc.ch
Christof Klute (1966, Münster ; vit à Cologne, DE) expose des images réalisées à
partir de l'œuvre de deux différents architectes, Le Corbusier et son élève Ernst
Studer. C'est la tension qui tourne autour du thème de l'idée de l'architecture
utopique qui intéresse le photographe-philosophe et théologien.
" L'architecture de l'attente. L'architecture est souvent perçue avec une certaine
distraction. Voyager, marcher autour de la ville ou sur le chemin du retour. Nous
oublions que l'architecture a besoin de temps et de tranquillité. La qualité est
souvent cachée dans la manière subtile de raccorder deux surfaces, une piste à
une autre, deux matériaux différents.
La question-clé est la capacité à utiliser les choses les plus simples (une fenêtre?
une couleur?) pour distinguer les différences. L'espace architectural est vide et
semble avoir une affinité secrète avec des pauses dans la musique. Et le vide,
non-matériau tendu entre éléments bâtis de la matière, n'est pas facile à saisir.
L'ombre peut révéler, par un jeu de contraire, les surfaces lumineuses planes ou
courbes d'une construction. La précision est la principale caractéristique
importante : dans le réglage de la taille, la recherche de correspondances, de
mesures et de proportions entre les éléments construits. L'architecture se révèle
à ceux qui ont la patience d'attendre. "
Trentin Louis, Architecte, Chiasso, septembre 2012
Willy Spiller. Mondlicht.
Galerie Walter Keller , Zurich, 24.09. - 10.11.2012
www.kellerkunst.com
Le photographe renommé Willy Spiller (1947) présente sa série Mondlicht.
Depuis une quinzaine d'année, Spiller part seul à la recherche de la lune. De ses
excursions dans les montagnes, il rapporte des images d'une beauté envoûtante
et empreintes de sérénité. De l'Engadine à Glaris, en passant par l'Eiger, le
Mönch et la Jungfrau, dans l'Oberland bernois et la Suisse centrale, Spiller
observe avec beaucoup de patience le satellite de notre Terre pour le "peindre"
avec des photographies de lumière et de couleurs. On peut attribuer à Spiller ce
qu'Albrecht von Haller écrivait en 1729 dans le poème suisse le plus célèbre, Les
Alpes : " Il connaît le pouvoir de la lune, l'effet de ses couleurs.
Photographer Willy Spiller (1947) is showing his series Moonlight. For fifteen
years Spiller has been following the moon, bringing back captivatingly beautiful,
tranquil images from his trips to the mountains. Spiller’s patient and tireless
search for the earth’s satellite has taken him from the Engadin to the Canton of
Glarus, from the summits of the Eiger, Mönch and Jungfrau in the Bernese
Oberland to Central Switzerland. Waiting—until the moon exudes its enchanting
light and declares its readiness to have its picture taken, watching for the right
weather conditions and paying attention that the perfect moment doesn’t pass
by unnoticed: this is the stuff Spiller’s photographs are made of. The sky is his
canvas, the camera his paintbrush and light his muse. It is impossible to escape
the magic of Willy Spiller’s moonlight photographs with their haunting moods and
celestial colours.
Philip Trager. Dance & Cities
AD-Galerie, Genolier, 21.09. - 12.10.; 29.10. - 17.11.2012
www.ad-galerie.com
L'AD-Galerie présente des images du photographe Philip Trager à partir du
vendredi 21 septembre 2012 (vernissage de 17 à 20h)
L’exposition Dance & Cities rassemble une quinzaine de photographies
consacrées à l’architecture et à la danse de Philip Trager. Elle présente les deux
facettes du travail de ce photographe américain, né en 1935 dans le
Connecticut. Les thèmes de la danse et de l’architecture sont intimement liés au
nom de Trager. En effet, par son travail sur la danse contemporaine et les
performances artistiques, Philip Trager a largement initié le travail photographique
sur la danse. Il y revisite le genre du portrait avec des images saisissantes et
mystérieuses, permettant de saisir toute l’expressivité de la danse
contemporaine. Ses portfolios sur l’architecture figurent également parmi les
classiques de la photographie d’architecture tant il a su véritablement matérialiser
les concepts d’espace et de lumière. Son travail est d’ailleurs devenu une
référence bibliographique pour les architectes et historiens d’art et d’architecture.
Le travail du photographe a été publié dans plusieurs livres édités par Steidl
parmi lesquels on peut citer sa rétrospective Philip Trager et Faces. Ses
publications ont été saluées à de très nombreuses reprises. Ainsi, quatre de ses
livres ont été sélectionnés par le New York Times Annual Book Review. The
Times (London), Vanity Fair, New York Magazines ont également souligné la
qualité de son travail.
Ses photographies sont présentes dans de nombres collections publiques telles
que la Bibliothèque nationale, le Centre canadien d’architecture, le Center for
creative Photography, la Corcoran Gallery of Art ou encore le Metropolitan
Museum of Art. En outre, la libraire du Congrès américain a acquis la collection
complète de ses photographies publiées et non publiées ainsi que de ses
archives. A partir du 12 octobre, une vingtaine d’images du photographe font
également l’objet d’une exposition à Bibliothèque publique de New-York.
L’AD-Galerie participe à Kunst Zurich (8 au 11 novembre), et sera fermée
pendant ces dates.
Stéphane Couturier. Photographies et vidéos
Christophe Guye Galerie, Zurich, 04.10. - 24.11.2012
www.christopheguye.com
The exhibition Photographies et Vidéos presents the work of the internationally
acclaimed French artist Stéphane Couturier (1957). Since his solo exhibition at
the Musée de l’Elysée 1996 it is his first solo exhibition in Switzerland, which will
present the large-scale works from his renowned series Melting
Point and Melting Power. With “figurative abstraction” Couturier creates
absorbing images that visualise continuous movement and transformation.
Capturing archetypes emblematic of 20th century Western civilization Couturier
breaks the set photographic perspective framework, letting content and form
adapt and unify with the ever accelerating technological world we find ourselves
in. At once documentation, critique, and representation the works shown with
Photographies et Vidéos explore and question how modern cultures
simultaneously construct and destroy.
Working with a large format camera, Couturier creates highly meticulous prints,
which expand the viewer’s understanding of the vast possibilities of a simple
photograph. With a highly conceptual glance at urban happenings and with
possibilities of image manipulation, Couturier presents us at once with various
exposed colour negatives; complex fusings of two moments in time that are at
once dizzying abstractions and clear-cut recordings to get lost with in. Machines,
car parts, building segments, wires, windows and more all compete for the
viewer’s attention – images of industry simultaneously out of control and in
perfect harmony.Control and madness; clarity and ambiguity; destruction and
construction; motion and frozen stillness of a moment. Melting Point is a
multifaceted accumulation of juxtapositions, making these works on view so
fascinating and gripping. Couturier plays with visual protocols and purposefully
intangible orientation, thus diverting the documentary aspect of photography to
shift and transcend its narrative dimension, which as a result questions the
mediums reputation as beholder of truth. Due to his complex presentation of
various vistas at one given time, the work of Couturier has been attributed with
cubistic characteristics, while furthermore often compared to those of his
German contemporaries, such as Andreas Gursky and Thomas Struth, who
advocate a painting-like photographic practice.
Complimenting the photographic works the video Brasilia – Musée d’Art
Contemporain will be presented. As does the evolution of his series follow a
coherent development, the eventual integration of video as a medium was selfevident to reinforce the effects of time on a given space. The architecture of
growing cities, such as Brasilia, present the artist with a perfect stage for his aim
to make sensitive the extreme complexity of the contemporary world though his
examination of formal structures. A twisting of perspectives, this video is
constituted of two recordings made inside the new Museum of Contemporary
Art. Erected almost in the centre of Brasilia this dome is presented both as the
central focus, with a whole series of perspectives, but also a sanctuary amidst
the city’s tumult. Letting us witness the forces that are located at the centres of
urban landscapes, Couturier’s video work further enhances his iconographic
fusion embedded in the discussion regarding “painting without painting”.
Michael Fent. "After Saturday Comes Sunday" (Iraqi Proverb)
Galerie Monika Wertheimer , Oberwil/Basel , 27.10. - 24.11.2012; vernissage
27.10., 17h
www.galeriewertheimer.ch
"After Saturday Comes Sunday" (proverbe irakien) est un travail sur la petite
minorité chrétienne d'Irak. Cette minorité est considérée actuellement comme
une des plus persécutées au monde. Le travail a été fait en Jordanie et montre
70 portraits Polaroid de chrétiens chaldéens et assyriens qui vivent comme
réfugiés dans la capitale Amman. Sur le dos de ces photographies, les gens ont
écrit leur histoire en langue arabe. Ces images Polaroid ont été faites avec un
Holga - un appareil photo chinois en plastique qui ne permet aucun réglage
mécanique - pour exprimer visuellement l’état d’incertitude de ces gens. La série
des portraits est complétée par une collection de documents originaux. Ils
placent les portraits - le point central du travail - dans un contexte plus large,
historique, politique et religieux. Dans la troisième partie, des Polaroids
classiques et des photographies impressionnistes en grand format montrent des
scènes et des lieux quotidiens. De manière subtile ils montrent la fragilité et la
destruction.
"After Saturday Comes Sunday" (Iraqi Proverb) is a work about the Iraqi
Christians, one among the most persecuted minorities in the world. Michael Fent
shows 70 Polaroid-portraits of Chaldean and Assyrian Christians from Iraq living
as refugees in Amman, the capital city of Jordan. On the backside of these
photographs the people wrote their story in Arabic. The Polaroids were taken
with a Holga - a cheap plastic camera made in China, without any particular
mechanical features - to visually express the state of uncertainty of these people.
A collection of original documents completes the series of portraits, placing the
individual stories in a larger context of politics - religion - history. Lastly, a
combination of classical Polaroid pictures and large-format photographs showing
ordinary scenes and places in Jordan, a subtle reminder of fragility and
destruction.
Doubles économies
CPG - Centre de la photographie Genève, 11.10. - 25.11.2012 ; vernissage
10.10.,18h
www.centrephotogeneve.ch ; www.doubleboundeconomies.net
Avec : Reinhard Mende, Tekle Belete, Peter Herbert Beyer, Fabian Bechtle,
Estelle Blaschke, Hans Otto Bräutigam, KP Brehmer, Haile Gabriel Dagne, Harun
Farocki, Sven Johne, Matthias Judt, Armin Linke, Valeria Malito et Katja Saar,
Katrin Mayer, Doreen Mende, Olaf Nicolai, Allan Sekula et Noël Burch, Philip
Ursprung, Malte Wandel, Thomas Weski.
Doubles Économies est une exposition conçue par Estelle Blaschke, Armin Linke
et Doreen Mende qui propose une lecture d’une archive de photographies
provenant de l’ex-RDA. Ce corpus de plus de 16'000 images est l’œuvre du
photographe Reinhard Mende qui travaillait comme indépendant pour des
combinats est-allemands (les VEB – Volkseigener Betrieb ou entreprises
nationalisées). Il documentait, mais aussi mettait en scène, la production dans les
usines et la présentation des marchandises à l’occasion de la Foire internationale
de Leipzig, entre les années 1967 et 1990. A partir de ce noyau, l’exposition se
déploie en des positions contemporaines artistiques spatiales tout comme en
des analyses historiques et théoriques. L’ensemble est complété par des
interviews vidéographiées. Les différentes formes de pratiques, envers la lecture
de l’archive tout comme envers les artistes participant avec des œuvres parfois
autonomes, ouvrent la question centrale suivante : Quelles formes d’articulations
sont à notre disposition pour saisir les liens, dans leurs contradictions, entre
socialisme et capitalisme à l’exemple du design et de la production d’images et
comment les rendre utilisable pour des problématiques contemporaines ? Au
centre du projet Doubles Économies se trouve une pratique collective comme
méthode, autant en vue de l’actualisation du matériel d’archive que comme
pratique curatoriale. Ont été invité des artistes, des théoricien-nes, des
scientifiques et ainsi que d’anciens protagonistes, pour visiter l’archive, le
commenter ou pour en faire une sélection. Ce processus de travail collectif a
rendu possible une lecture multiple de l’archive, qui par la même rend aussi des
informations pour un discours non linéaire au sujet de l’ancienne RDA.
Curateurs : Armin Linke, Doreen Mende, Estelle Blaschke ; conseiller : Philip Ursprung.
Double Bound Economies begins with a photo archive from the German
Democratic Republic (GDR). The photographer of the archive is Reinhard Mende.
Produced as commissioned works, these photographs document and dramatize
the situation of productions in Volkseigene Betriebe (VEBs; people-owned
enterprises) and the Internationale Leipziger Messe from 1967 to 1990. The trade
fair in Leipzig was then the most important site of trade between the East and the
West, and so these photographs in particular mark an economic space that had
two sets of ties: socialist ones, in terms of its production, and capitalist ones, in
terms of its presentation. They included ties to the countries of the former NonSocialist economic region (NSW), such as the Federal Republic of Germany
(FRG), Sweden, and France, as well as countries that since the mid-1970s had
been involved in revolutionary struggles for liberation, such as Angola,
Mozambique, and Ethiopia. From that starting point, Double Bound
Economies moves toward contemporary artistic and spatial positions, historical
and theoretical analyses, and the production of a video project. The various
forms of practice, both in terms of reading the archive and of the sometimes
independent actions of the artists, raises the following core question: What forms
of articulation are available to us to grasp the contradictions of the mutual
involvements of socialism and capitalism in the form of design and visual
production and to make them useful for current problems?Double Bound
Economies is centered on collective practice as a method of bringing things upto-date, both in relation to the presentation of the archive and in the spirit of a
curatorial method. Artists, theorists, scholars, and former participants were
invited to view, comment on, or select from the archive. This collective work
method resulted in a polyphonic dramatization of the archive while also reporting
on a nonlinear approach to the GDR.
Curators: Armin Linke, Doreen Mende, Estelle Blaschke, advice Philip Ursprung.
Evénement : Affaires d'archives, Colloque, Genève, 02.11.2012
Avec (sous réserve de modifications) : Estelle Blaschke, le collectif Interfoto, Anne
Lacoste, Guillaume Desanges, Olivier Lugon, Sam Stourdzé, ainsi que des
intervenants de la HEAD.
Olivier Lugon et Sam Stourdzé sont membres d'honneur de NEAR, le CPG est
membre collectif de NEAR.
Guadalupe Ruiz. Nada es Eterno
PhotoforumPasquArt, Bienne, 14.10 - 25.11.2012
www.photoforumpasquart.ch
Artiste d’origine colombienne, Guadalupe Ruiz (1978, vit à Zurich et Bienne)
place au centre de sa démarche le besoin d‘explorer ses racines. Tirant parti
d‘un regard construit et éduqué en Suisse, elle interroge l‘identité des membres
de sa famille d’origine. Sous forme de portraits ou de vidéos, ils deviennent les
acteurs de scènes du quotidien où se joue l’ambiguïté de la représentation.
Colombian artist, Guadalupe Ruiz (1978, lives in Zurich and Biel) places at the
center of her approach the need to explore his roots. Using a sharp look
educated in Switzerland, she questions the identity of the members of her family
of origin. In portraits or videos, they become actors in everyday scenes which
plays with the ambiguity of representation.
Vincent Delbrouck. Autofiction
PhotoforumPasquArt, Bienne, 14.10 - 25.11.2012
La recherche permanente de sa propre identité caractérise la démarche
artistique du photographe Vincent Delbrouck (aka V.D., 1975, vit à Loupoigne,
Belgique). A travers ses voyages initiatiques à Cuba et dans la région
himalayenne, il donne à voir un monde au cœur de l’intime où s’entremêlent réel,
biographie et fiction. Loin d’un carnet de route, ce travail est un parcours
autofictif, la narration poétique d’une vie écrite au rythme de la nature.
The ongoing search for his own identity characterizes the artistic photographer
Vincent Delbrouck (aka VD, 1975, lives in Loupoigne, Belgium). Through his
initiatory journeys to Cuba and in the Himalayan region, he gives a world view in
the heart of intimacy which blends real and fictional biography. Far from a road
book, this work is an autofictive journey, the poetic narrative of a life written to
the rhythm of nature.
Bruno P. Zehnder. Unter Pinguinen
Museumbickel Walenstadt, 07.10. - 02.12.2012
www.museumbickel.ch
L'exposition Parmi les pingouins permet aux visiteurs de se plonger dans le
monde lointain de l'Antarctique et de découvrir un photographe spécialiste de la
région, Bruno Zehnder P. (né en 1945 à Bad Ragaz et mort près de la station
Mirni dans l'Antarctique en 1997).
Le monde aride de la glace et la neige étaient devenu familiers à Zehnder. Sa
grande passion pour les pingouins l'a même conduit à passer l'hiver au pôle Sud
en 1994 pour observer l'accouplement et la reproduction des manchots
empereurs et assister à l'éducation des jeunes. Au cours de ses 22 voyages en
Antarctique, il a appris à faire face à un climat extrême et en tant que
photographe à travailler dans des conditions d'éclairage difficiles. En 1988, il a
été admis comme les premiers Européens de l'Ouest, pour accompagner une
expédition soviétique en Antarctique à bord du navire de recherche "Akademik
Fedorov". Plus tard, la recherche russe Mirny station a été la base de son
hivernage en Antarctique. L'exposition démontre son engagement inconditionnel
pour la protection de l'environnement.
Werkschau 2 - ZHdK Fotografie
Coalmine Fotogalerie, Winterthur, 26.10. - 21.12.2012 ; vernissage : 25.10.,
18h30
www.coalmine.ch
Le Bachelor Arts et médias, spécialisation photographie, de la Haute école d'arts
de Zurich (ZHdK) présente plusieurs travaux d'étudiants dans les domaine de la
photographie d'art et du documentaire.
Curatrices : Alexandra Blättler et Alina Clavuot.
Nachdem vor einem Jahr der Fachbereich Fotografie der F+F Schule für Kunst
und Mediendesign eingeladen war, zeigt die CoalMine nun Studierende der
Fotografie der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK). Auf der gesamten Fläche
der CoalMine soll ein zweites Mal ein möglichst breites Spektrum aktuellen
fotografischen Schaffens präsentiert werden, das an Zürcher Hochschulen
gelehrt wird. Neben dokumentarischen Positionen finden sich gleichermassen
künstlerische Ansprüche - ganz nach dem Leitbild der CoalMine, ihren
Schwerpunkt auf die dokumentarische und künstlerische Fotografie zu legen.
Kuratorinnen : Alexandra Blättler et Alina Clavuot.
Fabian Unternährer est membre de NEAR.
L'éternel détour - séquence automne-hiver 2012-2013
Mamco, Genève, 17.10.12 - 20.01.2013 ; vernissage 16.10., 18h
www.mamco.ch
La séquence automne-hiver 2012-2013 se dédouble en deux volets
représentatifs de l’activité du musée: la présentation de sa collection et l’accueil
de cinq expositions temporaires. Ces dernières proposent des paysages urbains
(Anthropologie dans l’espace, une rétrospective de l’œuvre d’Yves Bélorgey),
des empreintes d’objets quotidiens (Avec Nicole et autres œuvres d’Étienne
Bossut), des images de la mort (L’Instant de ma mort, photographies de Steeve
Iuncker), des sculptures entropiques (Prequel d’Anita Molinero) et les plans
nouveaux d’une exposition ancienne (Plans de Franz Erhard Walther).
" Mon travail vise à redonner une couleur et une odeur à la mort, à une époque
où l’illusion de l’immortalité crée un malaise profond. Je pense qu’il est, dans ce
sens, un acte d’humanité. "
Steeve Iuncker
Dans son travail de photojournaliste, Steeve Iuncker (1969, Genève) a été amené
à accompagner la police sur des lieux de décès par mort naturelle ou violente.
L’Instant de ma mort présente une trentaine de diptyques d’un mètre sur un
mètre. La première image dévoile la scène telle qu’il l’a vue en arrivant sur les
lieux : un corps mort occupe l’espace. La deuxième image représente le même
lieu mais le corps a été enlevé et le point de vue est légèrement différent. La
technique d’un tirage couleurs au charbon confère à ces images difficiles une
texture qui n’est pas sans évoquer le pictorialisme. Ces images sont également
accompagnées d’un court film réalisé avec un stylo caméra placé généralement
en hauteur par le photographe à son arrivée sur les lieux. Steeve Iuncker relate
une histoire complexe sans modifier ni la mise en scène ni la lumière de ce qu’il
photographie. Il questionne la solitude des êtres face à la mort. L’espace est-il le
même après son passage ? Quelles traces laisse-t-elle ? Alors qu’une vie s’en
est allée, certains détails ont changé: l’émission diffusée dans la télévision au
fond de la pièce n’est plus la même, un livre a été déplacé, des draps ont été
enlevés...
"My work sets out to restore a colour and a smell to death, at a time when the
illusion of immortality has made people feel profoundly uncomfortable. In this
sense I think it is an act of humanity." Steeve Iuncker
This autumn-winter 2012-2013 sequence includes two typical facets of the
museum’s activities: presentation of its collection, and five temporary exhibitions
that include cityscapes (Anthropologie dans l’espace, a retrospective of the work
of Yves Bélorgey), imprints of everyday objects (Étienne Bossut’s Avec Nicole
and other works) to images of death (L’Instant de ma mort, photographs by
Steeve Iuncker), entropic sculptures (Anita Molinero’s Prequel) and new plans for
a previous exhibition (Franz Erhard Walther’s Plans).
As a press photographer, Steeve Iuncker (1969 in Geneva) has frequently
accompanied the police to places where people have died natural or violent
deaths. L’Instant de ma mort (‘The Moment of my Death’) presents some thirty
diptychs measuring one metre by one metre. The first picture shows the scene
as Iuncker saw it on arrival: the space is occupied by a dead body. The second
picture shows the same scene, but the body has been taken away and the angle
is slightly different. The colour carbon print technique gives these challenging
pictures a texture reminiscent of pictorialism. The pictures are accompanied by a
short film produced with a camera pen that the photographer usually placed
above the scene on his arrival. Steeve Iuncker tells a complex story without
altering either the arrangement or the lighting of what he is photographing. He
examines people’s loneliness when confronted with death. Is the space the same
after death has passed through it? What traces are left behind? Now that a life
has departed, some details have changed: the programme on the TV at the end
of the room is no longer the same, a book has been moved, some bed sheets
have been taken away...
Picasso à l'œuvre. Dans l'objectif de David Douglas Duncan
Musée d'art et d'histoire, Genève, 30.10.2012 - 03.02.2013
www.ville-ge.ch/mah
Cette exposition célèbre la rencontre entre Pablo Picasso et le photographe
américain David Douglas Duncan. C’est en 1956 que Duncan, photographe
reporter de guerre pour le magazine Life, découvre Picasso dans sa villa La
Californie à Cannes. Cette présentation exceptionnelle fait dialoguer plus de 150
photographies prises entre 1956 et 1973 et autant d’œuvres de Picasso. Le
visiteur est ainsi plongé dans l’intimité du travail et des recherches de l’artiste,
réalisées à travers les médiums les plus variés : peintures, sculptures,
céramiques, dessins, estampes. Cet événement est également l’occasion de
mettre en lumière l’un des tableaux majeurs de la collection des Musées d’art et
d’histoire, Baigneurs à la Garoupe.
Curatrices : Laurence Madeline, commissaire générale de l’exposition ;
Stephanie Ansari et Tatyana Franck, commissaires scientifiques
Picasso art work. Through the lens of David Douglas Duncan
The exhibition celebrates the friendship between Pablo Picasso and the
American photographer David Douglas Duncan. In 1956, Duncan was a war
photographer for Lifemagazine when he met Picasso in his villa La Californie in
Cannes. This exceptional exhibition creates a dialogue between some 150
photographs taken from 1956 to 1973 and as many works by Picasso, thus
enabling the visitor to dive into the intimacy of Picasso’s work and research,
through a variety of media, such as painting, sculpture, ceramics, drawing and
engraving. The event is also an opportunity to shed light on Baigneurs à la
Garoupe – one of the major paintings in the collection of the Musées d’Art et
d’Histoire.
Curators: Laurence Madeline, Stephanie Ansari and Tatyana Franck
Les étincelles de Meret. Les surréalismes dans l'art contemporain suisse
Musée des Beaux-Arts de Berne / Kunstmuseum Bern, 19.10.2012 10.02.2013
www.kunstmuseumbern.ch
Avec : Meret Oppenheim, Maya Bringolf, Tatjana Gerhard, Francisco Sierra,
Vidya Gastaldon
En hommage à Meret Oppenheim, qui aurait fêté son centième anniversaire en
2013, l’exposition pose la question de l’héritage de la célèbre artiste suisse et de
l’écho que son œuvre rencontre auprès des jeunes artistes suisses.
Parallèlement, l’exposition examine la situation du surréalisme contemporain.
L’exposition confronte des peintures et des sculptures de Maya Bringolf, Tatjana
Gerhard, Francisco Sierra, Vidya Gastaldon et d’autres à plus de 60 œuvres de
Meret Oppenheim.
Le surréalisme fut le premier cadre de référence de Meret Oppenheim à Paris,
puis une forme d’expression libre où elle put intégrer ses propres expériences
psychiques et son travail sur les théories de C. G. Jung. Ce surréalisme propre à
l’artiste fut un champ d’expérimentation où elle put imprimer les « traces de la
liberté conquise » (Spuren durchstandener Freiheit). Une telle œuvre peut-elle
encore avoir une quelconque influence sur de jeunes artistes contemporains ?
Face aux mondes du virtuel, le surréalisme peut-il encore assumer une fonction
d’héritage ou bien est-il irrémédiablement synonyme de formes de pensée
dépassées ?
Cette exposition de groupe constitue un nouvel épisode de l’histoire de la
réception de Meret Oppenheim en Suisse. Figure singulière, Meret Oppenheim
n’eut certes pas d’élève, mais sa vie et son œuvre sont encore de nos jours une
source d’inspiration pour les plus jeunes des artistes d’aujourd’hui. La
confrontation des œuvres d’Oppenheim avec celles de jeunes artistes montre
toute l’actualité et toute la force d’expression des œuvres du passé et le dialogue
qu’elles suscitent outrepasse largement les époques et les générations.
L’exposition et le catalogue qui l’accompagne sont directement liés au fonds
Meret Oppenheim, l’un des plus importants de la collection du Musée des
Beaux-Arts de Berne, et c’est par la confrontation avec des œuvres récentes que
l’actualité de la création d’Oppenheim y est mise en lumière.
Curatrice : Dr. Kathleen Bühler
Meret's Sparks. Surrealisms in Contemporary Swiss Art
The exhibition investigates Meret Oppenheim’s legacy and her impact on recent
Swiss art in homage to this famous Swiss woman artist, who would have
celebrated her hundredth birthday in 2013. At the same time, the show will
scrutinize the role of contemporary surrealism. Paintings and sculptures by Maya
Bringolf, Tatjana Gerhard, Francisco Sierra, Vidya Gastaldon and a number of
other artists will be juxtaposed with more than 60 works by Meret Oppenheim.
For Meret Oppenheim, surrealism was her initial point of reference in Paris, and
subsequently she pursued it as a form in which she could freely express own
emotional experience and integrate her study of C.G. Jung’s teachings. In her
individual coining of surrealism she saw it as an experimental field in which
the “Defiance in the Face of Freedom” was made visible. But what do artists gain
from this style of art today? Can surrealism in face of burgeoning virtual reality still
slip into its traditional role? Or does in fact the adoption of surrealism in our times
mark the manifestation of a return to traditional ways of thinking?
The themed group exhibition will contribute to a reappraisal of Meret
Oppenheim’s impact on art in Switzerland. As a unique phenomenon, Meret
Oppenheim had no own students who further explored the avenues she opened
up, but nevertheless her work and life are still sources of inspiration for young
artists today. Creating an artistic dialogue that overarches epochs and several
generations by exhibiting her work alongside that of recent art approaches, we
can recognize the relevance of Oppenheim’s early 20th-century art for today’s
world and again experience its force of expression.
In combining older and more recent art, the exhibition and accompanying
publication elucidate the current pertinence of Meret Oppenheim's work and
highlight one of the cornerstones of the Kunstmuseum Bern's collection.
Curator : Dr. Kathleen Bühler
Andreas Seibert. Huai He – The Colors of Growth
Fotostiftung Schweiz, Winterthur, 27.10.2012 - 17.02.2013 ; vernissage 26.10.,
18h
www.fotostiftung.ch
Après son travail documentaire très remarqué sur la migration From Somewhere
to Nowhere – China’s Internal Migrants (Lars Müller Publishers, 2008), le
photographe suisse établi à Tokyo s’est attaché à un nouveau sujet qui lui sert
de fil rouge pour montrer les réalités et les défis de la Chine d’aujourd’hui : le
fleuve Huai, long de 1000 kilomètres, qu’Andreas Seibert a suivi de sa source à
son embouchure. Dans des images saisissantes, il documente le revers du
fulgurant essor économique du pays, qui se reflète dans la grave pollution de
cette artère vitale. Les reportages engagés du photographe racontent le destin
dramatique mais aussi la dignité d’une population livrée à l’avancée impitoyable
de la globalisation et qui tente de s’en accommoder.
Curateur : Peter Pfrunder
Following his highly-regarded work on the life of Chinese itinerant labourers (From
Somewhere to Nowhere – China’s Internal Migrants, 2008), the Tokyo-based
Swiss photographer Andreas Seibert addressed a new politically-charged theme.
The project Huai He – The Colors of Growthhighlights everyday reality and the
challenges being faced in China today. The main focus is the almost 1,000
kilometre long river Huai which Seibert travelled from source to estuary. For the
first time, the Fotostiftung Schweiz is presenting the quintessence of that
complex research work in this exhibition curated by Peter Pfrunder.
The Huai He is one of China’s most important rivers. It is both a major lifeline for
millions of people and at the same time exemplifies the changes and
contradictions inherent in the burgeoning growth of the Chinese economy:
although the cultures and living conditions in the different provinces differ greatly
from one another, everywhere the peoples and settlements along the Huai He
are confronted with the fact that today the river’s water resembles a poisonous
sewer rather than a life-giving element.
Andreas Seibert’s work emerged over the course of several long journeys and is
a documentary project in the classical sense. The strong impact of his images
results not least from the fact that he pursues an aesthetic of his very own. The
abstract facts in Seibert’s photographs take on a sensual aspect that captivates
through its ambivalence. His landscape images succeed, despite everything, in
conveying a melancholy beauty, and his portraits show people whose dignity and
pride often outshine their inner despair. The photographer’s sense for special
moods and his evident empathy with the people he met on his travels are
important components of his lyrical documentary style.
Curator : Peter Pfrunder
Events:
Artist Talk, 28.10.2012, 11h30 : Andreas Seibert will conduct a tour of the
exhibition.
Film Screening, 05.12.2012, 19h30 : Villi Hermann will present his film: From
Somewhere to Nowhere – Wanderarbeiter in China. Unterwegs in China mit dem
Schweizer Fotografen Andreas Seibert (2009).
Peter Pfrunder, Directeur de la Fotostiftung, est membre d'honneur de NEAR.
EXPOSITIONS EN COURS / ONGOING EXHIBITIONS
Alan Humerose. Traits d'union
AGIR, Genève, 12.09. - 11.10.2012
www.agir-genevegagne.ch
Des femmes et des hommes du monde entier, une ville commune, un esprit
partagé, un lieu où l'on se croise et se rencontre... Une exposition d'affiches
dans toute le ville de Genève organisée par AGIR - Action pour la Genève
Internationale et son rayonnement.
Publication : Un livre montrant l'intégralité de ce nouvel ensemble d'Alan
Humerose, avec un texte d'André Klopmann et édité chez Glénat, sort à cette
occasion.
Pariyoush Ganji & Abbas Kiarostami. Windows
Galerie Lucy Mackintosh, 07.09. - 13.10.2012
www.lucymackintosh.ch
Abbas Kiarostami (1940, IR) is an important figure in cinema of the past thirty
years, having received, among other distinctions, the Palme d’Or at the Cannes
Festival, the Golden Lion in Venice, and the Golden Leopard at Locarno. His
photography is just as significant, featuring in prestigious museums throughout
the world.
Less well-known than his films, Abbas Kiarostami’s photographic work is
something that demands discovery. According to him, “photography is the
mother of cinema [...] The beauty and the sublime that I was encountering in
nature was too unbearable for me not to share. I bought a camera and started to
take photographs. These images remained hidden away in a box, until the day
that I decided to exhibit them, around ten years ago.”
The works exhibited reveal the artist’s concentrated vision, which explores the
theme of the window, highlighting a landscape or view through reframing and a
play on light versus darkness. Kiarostami looks for the simplest expression of an
image to convey his lyricism. As if he were discharged from carrying the heavy
“load” of narration his photographs give themselves in to an intense mediation
“load” of narration, his photographs give themselves in to an intense mediation,
in an empty and quiet world, as if waiting for people to come and fill these
images with stories.
Pariyoush Ganji is renowned for her work with textiles, which she teaches
regularly in art school. This exhibition, however, presents her paintings, which
employ different techniques hailing from Japanese and Persian traditions,
creating intense and meticulous results.
Olivier Christinat. Paysage,
Galerie Davel 14, Cully, 08.09. - 13.10.2012
www.davel14.ch
Paysage, regroupe sous un même thème la partie en plein air et celle en galerie
de l’exposition de photographie d'Olivier Christinat. Dans la commune de Bourgen-Lavaux (Cully, Riex, Epesses, Aran-Villette, Grandvaux) une vingtaine de
portraits de femmes japonaises sont appliqués sur des façades et offrent une
scénographie de visages dans le paysage, à parcourir sous forme de
promenade. Dans la galerie davel 14 une série de prises de vues de villes du
Japon sont présentées en regard avec des paysages de montagnes
photographiés à grande distance de la Riviera vaudoise.
Evénement parallèle du Festival Images (Vevey). En savoir plus : pdf
Photographe né en 1963, Olivier Christinat vit et travaille à Lausanne. Il a exposé
personnellement dans plus de 40 lieux, et a participé à autant d’expositions
collectives, en Europe, aux Etats-Unis et au Japon. Il enseigne actuellement à
Genève au CFPAA. Son travail s’est principalement développé autour du portrait,
portrait de groupe et auto-portrait (Evénements, Nue, Photographies
apocryphes, Lumière cendrée) pour lequel il a obtenu de nombreux prix. Depuis
quelques années il aborde le sujet du paysage, soit urbain ou dans la nature,
avec des images lointaines que la perte de précision décontextualise et rend
intemporelles.
Annette Fischer. By the way
Oslo 8, Bâle, 21.08. - 13.10.2012
www.oslo8.ch
Nichts ist zufällig
Es ist dieses Licht, das den Blick schweifen lässt, ein Schatten, eine Linie, auch
eine Bewegung. Der Blick geht weiter, vielleicht nach unten, er gestaltet, er
klammert aus: er komponiert, nur für sich. Ein neuer Blickwinkel, eine andere
Perspektive: es ist der Blick aus dem Fenster, wie bei Hopper, es ist das Auge
für das Detail, eine Kombination aus Schwarz und Flächen, eine Konstellation
von Farben. Tiefenschärfe hat bei Annette Fischer eine andere Bedeutung: sie
sieht in die Tiefe mit einer hohen Dichte. Ihre Bilder sind nachhaltig wirksame
Impressionen, subjektive Wahrnehmungen mit einem grossen Reichtum an
bedeutsamen Details; in ihrer Konsequenz sind sie sehr gegenwärtig. Die Bilder
erfordern einen zweiten und manchmal dritten Blick, sie stemmen sich gegen
den flüchtigen Konsum visueller Eindrücke. In ihrer Disposition wollen sie
provozieren, als Sequenzen erzählen sie Geschichten. Es ist allerdings keine
kalkulierte Wirkung, nichts ist oberflächlich; der Reflex des Lichts, die Linie am
Horizont sind Alltag, Natur, Natürlichkeit.
Es ist Neugier und Geduld, und nichts ist zufällig.
Peter Ruch
Annette Fischer, born 1969 in Switzerland, studied at the photography school in
Vevey from 1990 to 1994. Several years working as a photographer's assistant
and travelling followed. 1997 she opened her own studio in Basel. She is in
demand for editorial and advertising jobs, still life mainly, food, interior and travel
photography. Annette Fischer lives and works in Basel and Paris.
huber.huber. Nehmen Sie zwei Mal pro Tag Aspirin
Widmer+ Theodoridis contemporary, Zurich, 31.08. - 13.10.2012
www.0010.ch
Widmer+ Theodoridis contemporary is pleased to present Zurich based artistduo Reto and Markus Huber (huber.huber) in the ‘Ehegraben’ project space. The
courtyard will contain the installation ‘Nehmen sie zwei Mal pro Tag Aspirin’ (Take
an aspirin twice a day) and the passageway will house the new collage series
‘Prespyterium’ (presbytery).
History and archaeology have profoundly documented how man has sought help
and used instruments in its daily struggle for survival. The vast and refined
assortment of man’s tool kit in comparison to other species on this planet is
extraordinary. And while animals and plants are considered an integral part of
nature, mankind places itself above it. The use of tools and mechanisms are to
be understood in terms of this polar constellation. It is in this conflicting relation of
uneven powers that mankind tries to subdue and to control nature.
The ‘Ehegraben’ is nowadays a cul-de-sac, a captive courtyard that contains one
spot functioning as an entrance and an exit. The white ladder that huber.huber
have placed against the wall is by far not long enough to reach out of the yard. In
fact the insufficient length of the ladder that has been constructed by driftwood
evokes helplessness and despair. The prospects of escape and rescue are even
worsened when one imagines the ladder and the picture of the grey sky on the
invitation card. In ‘Nehmen sie zwei Mal pro Tag Aspirin’ (Take an aspirin twice a
day) huber.huber refer superbly to the delusive certainty of reliable help for life:
the ladder as one of the most simple and oldest instruments and Aspirin, one of
the most simple and oldest industrial remedies.
Two worlds are being united in ‘Prespyterium’ (presbytery) to one seemingly
powerful instrument. The term presbytery describes on the one hand the chorus
of a church and on the other hand it means the assembly of the elders. This
body of elected elders ensures that the community submits to the authority of
the Bible and to the sovereignty of God. Huber.huber have mounted into this
spiritual and real space images of machines. Massive turbines rise up high in
front of the community at the altar where the priest usually stands and preaches.
As sovereign, authority and reference these technical machines guarantee
modern-day control over nature and chaos. That nowadays blunt ‘tool’ called
religion serves as a familiar shell and platform for the new saviour. The hint to the
golden calf is inevitable, fascinating and intentionally irritating.
Reto and Markus Huber (1975) work since 2005 under the name of huber.huber.
In the same year they received the New York studio scholarship of the City of
Zurich. Acquisitions followed by the Kunsthaus Zürich, Aargauer Kunsthaus and
Museum zu Allerheiligen Schaffhausen. 2008 the Kunsthaus Glarus presented
their first institutional solo show ‘Vor der Vergangenheit’. Various national and
international solo and group shows followed. 2011 Edition Patrick Frey published
the monograph ‘Universen’ in form of an artist’s book.
Kurt Blum. Contre-jour / Back Light
Fotostiftung Schweiz, Winterthur, 09.06. - 14.10.2012
www.fotostiftung.ch
Né à Berne, Kurt Blum (1922–2005) fait partie des photographes suisses
d’exception de l’après-guerre. Il effectue de nombreux reportages pour des
revues illustrées et réalise des travaux artistiques et expérimentaux dès les
années 1950. Parmi les œuvres phares du photographe, mentionnons les
portraits d’artistes, des images sur les thèmes de la danse et de l’opéra, ainsi
que des projets documentaires sur le monde du travail. Kurt Blum a lutté pour la
reconnaissance de la photographie comme médium artistique à part entière. Il
recherche l’expression personnelle, l’instant chargé d’une atmosphère intense, la
composition précise et délibérée du tirage photographique. Blum s’inscrit ainsi
dans la mouvance avant-gardiste de la photographie suisse. Il n’est pas étonnant
qu’il ait également joué un rôle, au début des années 1950, dans le cercle de la
"photographie subjective" initié par Otto Steinert en Allemagne.
Curateur : Martin Gasser
Kurt Blum (1922-2005), who was born in Berne, was one of the outstanding
Swiss photographers of the post-war era. In addition to numerous reportages for
illustrated magazines, he also did free artistic and experimental works. The focal
points of his oeuvre were the artists’ portraits he took as of the late 1940s, larger
work groups on the themes of dance and opera, and a documentary involvement
with the world of labour. Blum strove for photography to be recognised as an
independent art medium. He sought subjective expressiveness, the
atmospherically dense moment, the consciously composed photographic print.
Blum thus belonged to the avant-garde of Swiss photography, so it is not
surprising that he also played a role in the “subjective photography” circle around
Otto Steinert in Germany in the early 1950s.
Curator : Martin Gasser
Martin Gasser est membre d'honneur de NEAR.
Renate Buser. Brutalist
Galerie Gisèle Linder, Bâle, 01.09. - 20.10.2012
www.galerielinder.ch
Ce qui saisit d'abord chez Renate Buser, c'est l'austérité. Voire la sévérité. Un
refus de séduction délibéré, comme un vide souligné. Effet qu'elle renforce dans
son exposition chez Gisèle Linder: Brutalist, un titre qui sonne comme un aveu.
Car si, selon une définition célèbre, le brutalisme en architecture, c'est la lisibilité
formelle du plan, une claire exposition de la structure et la mise en valeur des
matériaux à partir de leur qualités intrinsèques, alors les photographies de
Renate Buser sont également à ranger dans cette catégorie. Les affinités sont
claires. S'y ajoute une économie du dépassement de soi qui a sans doute porté
l'artiste vers cette expression à première vue sèche et lisse, pour sa matérialité et
sa plasticité précisément. Ensuite, elle en a fait son véhicule afin de mieux se
promener dans l'espace. [...]
"L'architecture, c'est, avec des matériaux bruts, établir des rapports émouvants",
aurait dit Le Corbusier. Renate Buser qui s'est confrontée plus d'une fois à ses
constructions – la Maison blanche à La Chaux-de-Fonds, le Pavillon suisse de la
Cité internationale universitaire de Paris – ne fait rien d'autre que d'explorer le dur
pour mettre à nu le tendre. Nulle surprise si le mouvement brutaliste, aspect du
modernisme en architecture, la séduit. Pour cette nouvelle exposition chez Gisèle
Linder, elle montre des tirages issus de ses recherches, notamment à Londres,
adaptés à l'espace d'une galerie. Car jouer des échelles, interpréter par la petite
dimension dedans la monumentalité dehors, c'est encore de la subversion, en
somme.
Lorette Coen
What immediately strikes us in Renate Buser’s work is her austerity, a deliberate
rejection of seductiveness – like an emphatic emptiness. And she has heightened
this impression in her exhibition at the Galerie Gisèle Linder: ‘Brutalist’ is a title
like a vow. Should Brutalist architecture – in keeping with a famous definition –
consist in the formal legibility of its designs, a clear presentation of its structure
and an emphasis on the intrinsic character of its materials, then Buser’s
photographs are also to be placed within this category. The resemblance is clear;
an internal logic of surpassing her own previous work has also indubitably led the
artist towards a form of expression that initially seems dry and slick – precisely
because of its materiality and form. She then makes use of this style as a means
to better make her way through space. [...]
The statement that ‘architecture is using crude materials to establish an
emotional rapport', has been attributed to Le Corbusier. The work of Buser, who
has explored his buildings more than once – the ‘Maison blanche’ in La Chauxde-Fonds, the Swiss Pavilion of the Cité internationale universitaire de Paris – is
none other than that of exploring the hard to expose the tender. It is also no
surprise that she has been seduced by the Brutalist movement, a facet of
modernism in architecture. In her new exhibition at the Galerie Gisèle Linder, she
is showing prints that have been drawn from this research – particularly that
carried out in London – and adapted to a gallery space. Ultimately, playing with
scale, interpreting the monumentality without by means of the miniature within, is
still subversive.
Lorette Coen (Translation: Michael Wetzel)
Paul McCarthy. PROPO
Hauser & Wirth, Zurich , 01.09. - 20.10.2012
www.hauserwirth.com
" Between 1972 – 1983, I did a series of performances which involved masks,
bottles, pans, uniforms, dolls, stuffed animals, etc. After the performances these
objects were either left behind or they were collected and stored in suitcases and
trunks to be used in future performances. In 1983, the closed suitcases and
trunks containing theseperformance objects were stacked on a table and
exhibited as sculpture. In 1991, I opened the suitcases and trunks photographing
each item. The group of photographs in their entirety was titled PROPO. "
Paul McCarthy
Hauser & Wirth is delighted to present an exhibition of over 60 photographs by
Paul McCarthy. This selection, many of which have only been seen before in
publications, is taken from the artist’s large group of more than 120
photographs, collectively known as PROPO.
McCarthy’s debased and dirtied photographic subjects have a unique history.
They began as props in McCarthy’s early performances, and in the early Eighties,
they were packed into suitcases and trunks, which were then stacked on a table
and re-invented as the sculpture Assortment, The Trunks, Human Object
and PROPO Photographs (1972 – 2003). The lids of the cases remained
unopened until the early Nineties when McCarthy individually photographed each
of the props, creating PROPO, a collection of documentation-style photographs
and a record of his dark humour and subversive social critique. Set against vividly
coloured backgrounds, these grimy objects line the walls of Hauser & Wirth’s
ground floor gallery, presented as proud emblems, despite their sodden and
soiled appearance. The ‘PROPO’ photographs highlight McCarthy’s on-going revisitation of his prolific oeuvre and his distinctive approach to his works: they are
in a constant state of transformation.
McCarthy began his live performances in the late Sixties. Seen initially by only a
handful of people, these were raucous, riotous parodies of society, relationships,
sex and pop culture, which tested the physical and mental boundaries of both
the viewer and the artist. Videos of two of McCarthy’s most well-known early
performances, ‘Sailor’s Meat’ (1975) and ‘Tubbing’ (1975), as well as
photographs taken during the performances, will be on view in the basement
gallery of Hauser & Wirth Zürich.
Christopher Bucklow. Anima
Edwynn Houk Gallery, Zurich, 06.09. - 27.10.2012
www.houkgallery.com
Galerie Edwynn Houk is pleased to present an exhibition of recent photographic
work by the British artist Christopher Bucklow (b. 1957). This is Bucklow’s first
exhibition with the gallery, and his first in Switzerland. Anima showcases new
pictures from Bucklow’s longstanding series of Guests and Tetrarchs. Each
unique work is a cross between a photograph and a drawing, created using his
own adaptation of a pinhole camera, a photographic process popular in the 19th
Century. Bucklow begins each work by delineating a human silhouette on a
metallic sheet, then puncturing it with thousands of holes. Photographic paper is
placed at the bottom of a light-sealed box, with the punctured sheet above the
paper. Then sunlight is allowed to filter though the holes, every one of them
acting as an aperture. And so a photographic image of the sun-lit human body
made of thousands of small suns is captured on the photographic paper below.
There is no negative, no enlargement. Each picture is one-of-a-kind; its
appearance is dependent upon the time of day, the intensity of the sunlight at
that time, and the length of the exposure.
Initially, the Guests and Tetrarchs were based on portraits of his friends and
family, yet, for Bucklow, they have come to represent a self-portrait, a response
to the vitality he believes resides within himself as much as every other living
being. The exhibition’s title, “Anima,” refers to the Jungian argument that certain
archetypes define the unconscious: every male harbors a female archetype;
every female, a male (Animus). We only ever encounter our inner archetype in our
dreams. For Bucklow, each Guests and Tetrarchs is a rendering-in-light of those
figures haunting and animating his unconscious.
Bucklow began his career as a curator at the Victoria & Albert Museum, London.
He has exhibited extensively in Europe and abroad, and his paintings and
photographs are included in numerous public collections including the Museum
of Modern Art, New York, the Guggenheim Museum, New York, the High
Museum, Atlanta and the Museum of Fine Arts, Boston. Recent publications
include “If This Be Not I,” a collection of his writings, drawings and paintings. He
is the author of an iconographical study of Philip Guston’s late paintings entitled
“What is in the Dwat, The Universe of Philip Guston’s Final Decade.” Bucklow
lives and works in Southwest England.
Elsbeth Böniger, Christian Indermühle
Galerie Bernhard Bischoff & Partner, Bern, 13.9.-27.10.2012
www.bernhardbischoff.ch
The preoccupation with beauty and sensually attractive things has been again
and again the starting point of Elsbeth Boenigers paintings, sculptures and
installations. Christian Indermühle shows new, large-scale photographs, which
evolved from his extensive travels. Lost in reverie, landscapes or architectural
shots reveal an exhilarating beauty. Recently he baffled with night photographs
from the Alps, in which only the diffuse moonlight illuminated the snowy
mountainsides. This year he shows three so far never presented blocks of works:
jungle shots, industrial photographs and detached mountain-scapes and
seascapes. All these pictures bring new aesthetics into his work. He always
seeks out mysterious places and captures special light moments with his largeformat camera. The pictures sort of become archetypes, colossal, dateless
documents of nature or culture. He is interested in different forms of Becoming
and Decay – this can be seen impressively in the shown works.
Marc Renaud. Pause
Club44, La Chaux-de-Fonds, 05.09. - 01.11.2012
www.club-44.ch
" Le travail est très valorisé dans notre société. Or, interroger les marges du
travail, en d’autres mots observer comment les gens prennent leur pause et ce
qu’ils font pour se régénérer est d’autant plus important et révélateur. Selon les
contextes professionnels, les modalités diffèrent : une planche sur un chantier
devient un matelas pour un maçon ou l’ordinateur de la comptable se transforme
en une fenêtre d’évasion pour quelques instants grâce à internet. Au-delà de ces
constats, que peut-on dire des rapports entre pause et travail ? Y a-t-il toujours
une ligne de démarcation claire afin de permettre au travailleur de se reposer ?
Qu’en est-il des techniques de management qui encouragent les patrons à
«profiter» des pauses pour organiser des séances de brainstorming avec leurs
employés dans un cadre moins formel ? La pause ne devient-elle pas une façon
détournée d’exploiter les moments de repos des employés, sous couvert de
convivialité ? Les photos de Pause, réalisées entre 2005 et 2007, ont cherché à
mettre en question notre rapport à l’activité et au respect de soi. "
Marc Renaud
Photographe indépendant, Marc Renaud développe divers projets
documentaires conceptuels sur des thématiques de société. Il a réalisé ces
dernières années des séries sur le monde de la sécurité, du travail et de l’argent.
Ses images sont régulièrement exposées dans des galeries et festivals en Suisse
et à l’étranger, notamment à Noorderlicht (Groeningen, Pays-Bas) en 2009, à la
Galerie Focale (Nyon) en 2009, à la galerie Eulenspiegel (Bâle) en 2010, à La
Biennale de la Photographie de Lyon en 2010 ou encore à la Biennale
internationale de l’image à Nancy en 2012. Il publie ses travaux personnels ou
mandatés dans la presse écrite nationale ou internationale. En 2011 il ouvre un
atelier de photographie à St-Blaise (NE).
Exposition collective
Galerie C, Neuchâtel, 13.09. - 03.11.2012
www.galeriec.ch
Avec : Ricardo Abella, Anya Belyat-Giunta, Matthieu Gafsou, Cosimo Terlizzi,
Hybridome.
Photo, design, installation et dessin, une russe, un italien, un argentin et des
suisses, la nature et les humains, et... des couleurs pour bien commencer la
saison et vous faire rêver. Ricardo Abella, né en Argentine en 1950, vit à Berne. Il
expose des dessins au crayon et pastels. Anya Belyat Giunta, née à Saint
Pétersburg en 1975, vit à St-Etienne, France. Elle présente également des
dessins, oniriques et mystérieux. Cosimo Terlizzi, né à Bari en Italie en 1973, vit à
la Chaux-de-Fonds. La vidéo, la performance et la photographie sont ses
principaux media. Faisant du portrait son sujet de prédilection, Terlizzi travaille
son œuvre de l’intérieur. Grâce à son approche bien particulière, une simple
figure humaine devient une icône. Hybridome - design génétiquement modifié, vit
à la Chaux-de-Fonds.
Matthieu Gafsou, né en Suisse en 1981, vit à Lausanne. C’est notamment lors
de ses voyages que Gafsou réalise ses passages urbains. Pour lui, le fait d’être à
l’étranger lui donne cette habilité de voir les choses avec un œil pur et innocent,
encore imperméable. La marche est son moment de création, où tout se met en
branle dans l’esprit. Et petit à petit, l’expérience sensible et l’expérience
esthétique se rencontrent et donnent naissance aux paysages urbains épurés et
poétiques de Matthieu Gafsou. En parlant de son œuvre, le photographe dit :
" Nous sommes à distance, à l’extérieur et pourtant, en contrepoint, l’image
pousse à penser l’intérieur ".
Matthieu Gafsou est membre de NEAR.
Venetia Dearden. Somerset Stories, Fivepenny Dreams
Galerie Focale, Nyon, 16.09. - 04.11.2012
www.focale.ch
" Ma passion et ma curiosité pour le Somerset sont attisées par la longue relation
que j’entretiens avec cette région, dans laquelle j’ai passé mon enfance. Je ne
peux m’empêcher d’y retourner sans cesse pour développer cette relation avec
le paysage et les gens qui y demeurent.
Observer l’esprit pionnier de ceux qui vivent par et pour les ressources de leur
habitat me rassure, c’est pourquoi j’ai voulu capturer simplement des moments
intimes au sein de familles qui s’efforcent de créer un style de vie en lequel elles
croient.
Ce périple m’emporte à travers les saisons, les coutumes, les rassemblements et
la vie quotidienne. Je distingue un sens d’appartenance et d’identité dans ces
liens étroits tissés par la famille et la communauté. " Venetia Dearden, Somerset
Stories, extrait
Diplomée en anthropologie puis formée au photojournalisme à la London College
of Printing, Venetia Dearden grandit en Angleterre, dans le comté de Somerset,
une région qu’elle a documentée ces dix dernières années et qui lui a valu
diverses récompenses. Une partie de ce travail peut être découverte dans son
premier ouvrage, Somerset Stories : Fivepenny Dreams, paru en 2008 (éditions
Kehrer).
Elle publie ensuite son travail Glastonbury : Another Stage (éditions Kehrer) en
2010 et expose à la National Portrait Gallery de Londres. Son dernier travail,
Eight Days (éditions Kehrer, 2011), relate un road-trip de huit jours entrepris par
la photographe entre Las Vegas, le festival Burning Man dans le désert de Black
Rock au Nevada et la Californie.
" My passion and curiosity for Somerset has been fuelled by my long-term
connection with this area where I spent my childhood. I am compelled to return
again and again to explore my relationship with the landscape and the people
living here. It is reassuring to witness the pioneering spirit of those living on and
within the resources of their surroundings, and I wanted simply to capture
intimate moments in families striving to create a way of life they believe in. My
journey takes me through seasons, rituals, gatherings and day-to-day life. I
witness a sense of belonging and identity within these rich bonds of family and
community. "
Venetia Dearden, Somerset Stories, extract
Venetia Dearden grew up in Somerset, UK, an area she has been documenting
over the past decade for which she has received various awards. Some of this
work can be seen in her first publication Somerset Stories, Fivepenny Dreams
(2008). Following this, Glastonbury, Another Stage (2010), was shown at the
National Portrait Gallery, London. Eight Days (2011) embodies her most to date
work, capturing the spirit of adventure whilst exploring the horizons of friendship
and their experience in the natural environment. An early degree in Anthropology
fuelled her passion for travel naturally taking her on a course of documenting all
she experienced with her camera. Her use of natural light, subtle and intimate
portraits of people and landscapes are highly emotive, spontaneous and a
testament to her zest for life.
Photo Femmes Fribourg
Musée Singinois / Sensler Museum, Tafers, 25.08. - 04.11.2012
www.senslermuseum.ch
Avec : Corinne Aeberhard, Primula Bosshard avec Christiane Hamacher, Eliane
Laubscher, Mélanie Rouiller, Martine Wolhauser, Jessica Genoud, Charlotte
Walker et Mélanie Aebischer-Pellet.
Neuf photographes fribourgeoises exposent sur le thème Femmes. En automne
2011, sept photographes invitées se sont réunies pour la première fois au Musée
singinois. La discussion menait vite à la conclusion que toutes aimeraient
exposer sur une thématique commune, la thématique Femmes. Le thème n’était
donc pas fixé par la direction du Musée. Au debout de l’année 2012 deux
artistes supplémentaires ont joint
PAYDAY - argent, marchés, globalisation et alternatives
Ecole de photographie, CEPV, Vevey, 09.09. - 10.11.2012
www.cepv.ch
Avec : Jean-Luc Andrianasolo, Mehdi Benkler, Giacomo Bianchetti, Delphine
Burtin, Chloé Cardinaux, Stefanie Daumüller, Léa Favre, Lihuen Galli, Yann
Haeberlin, Julie Lovens, Dylan Perrenoud, Simon Rimaz, Clémentine
Schneidermann, Sven Stoppani, Valentina Suter, Myriam Ziehli.
Les étudiants de la formation supérieure du CEPV ont travaillé avec l’artiste Eva
Leitolf autour d’un sujet qui nous concerne tous et dont les impacts affectent les
sociétés contemporaines: le blé, la thune, le fric, le pognon, le cash... Dans un
contexte économique marqué par le consumérisme et la performance, les
étudiants ont développé un projet individuel qui propose des questions
pertinentes sur notre société.
Certains ont opté pour une approche documentaire: l'une s'intéresse à la vie
d'un palace au luxe insensé, un autre propose des portraits d'une jeune
génération qui dépense son argent dans l'ivresse et l'oubli. Le monde du travail
est au centre de plusieurs projets : des portraits de jeunes malgaches travaillant
à l’abattage des bœufs ou encore une vidéo qui explore l'apprentissage du bienêtre au travail. D’autres travaux affichent une position plus critique : une série
d’images teste les limites de l'opacité du pouvoir, une autre évoque les
acquisitions artistiques des grandes banques. Des chemins plus métaphoriques
sont empruntés, comme la beauté de l'accumulation de nos déchets ou
l'inventaire des grigris secrets des joueurs de loto. Se positionner de manière non
aliénante face à l'argent est un enjeu de taille pour les artistes, et c’est à cette
expérience particulière que les seize jeunes photographes ont été amenés à se
confronter dans le cadre de PAYDAY.
Responsables du projet : Virginie Otth, Nicolas Savary, Léonore Veya
Intervenante, artiste invitée pour le projet : Eva Leitolf
Delphine Burtin collecte ses déchets personnels, sur une durée d’une semaine,
pour son travail Disparition. Elle arrange soigneusement ses détritus, à la manière
de natures mortes hollandaises. Elle pose la question de nos relations à ce que
nous considérons comme inutile et sans valeur.
Dans Quality of Beauty, Stefanie Daumüller dresse le portrait d'une apparence
esthétique créée par les possibilités de la médecine, en particulier de la chirurgie
plastique, et questionne les coûts personnels et sociaux de la poursuite de cet
idéal de beauté.
Avec les chapitres d'une crise, Clémentine Schneidermann nous emmène dans
des espaces désertés de Grèce et d'Espagne. Ils sont emblématiques d’une
détérioration économique qui effraie les états de la communauté européenne.
Dans Palace, Valentina Suter propose un scénario (sur)réel sur l'abondance et
l'exhibitionnisme dans un cercle de plaisirs qui semble infini, nous confrontant
avec nos préjugés et notre propre voyeurisme.
Publication : pdf
Virginie Otth, Nicolas Savary et Léonore Veya sont membres d'honneur de
NEAR.
Amar Kanwar. Evidence
Fotomuseum Winterthur, 08.09. - 18.11.2012
www.fotomuseum.ch
Two pivotal events in 1984 impacted Amar Kanwar’s early years as a student.
One was the orches-trated killings of Sikhs in Delhi after Indira Gandhi’s
assassination on 31 October 1984. The other was the Bhopal disaster on 3
December of the same year, when toxic gas escaped from a pesticide plant
owned by the American company Union Carbide, killing several thousand people
and injuring hun-dreds of thousands more. Amar Kanwar studied history at the
University of Delhi at the time. After graduation, he travelled to a coal-mining area
in the interior of India to research the problem of al-coholism and occupational
hazards. Shortly afterwards he enrolled at the film school in the Mass
Communications Research Center of Jamia Millia Islamia University in Delhi.
His breakthrough came with Earth as Witness, which he made in 1994 for the
Tibetan government in exile. For the first time, he had more control over the film
and was able to try out new narrative techniques. This was followed by the films
for which he is best known, such as his trilogy A Season Outside (1997), A Night
Remember(2003),
as
well
as King
of
of
Prophecy (2002), To
Dreams (2001), Hennigsvaer (2006), the nineteen-part video installation The Torn
the
eight-part
installation The
Lightning
First
Pages (2004-2008),
Testimonies (2007), A Love Story (2010), and the new film he is presenting this
summer at the Documenta 13, The Sovereign Forest ( 2012). The Lightning
Testimonies addresses rape and sexual violence in Indian subcontinent in the
form of an eight-channel projection of hauntingly calm and subdued imagery that
converges into a single projection towards the end. And finally A Love Story:
Merging the pain of individual and social separations, A Love Story is a cinematic
miniature. At the same time, it is a film about filmmaking.
Amar Kanwar (1964, New Dehli) addresses social and political issues but is
interested less in the hard facts or in the easily definable content, than in a more
wide-reaching, more deeply rooted kind of “evidence”: the certainties that touch
the very nerve of life, society, and experience. He explores people’s actions,
behaviours and reactions as a musician explores semitones, quartertones and
intervals, meandering in a sombre, melancholy minor key through the complex
labyrinth of cause and effect. How should a given situation be interpreted, or an
experience, a profound event, a jarring pain? How do the representatives of the
state behave and how do the people survive and overcome their trauma? How
do we remember them, their special achievements, or their unbowed
determination? Amar Kanwar has as little faith in linearity as he has in onedimensionality. For him life is a complex, multi-layered approach involving many
levels and strata, overgrown paths and different strands of time running parallel
or colliding or in various directions. In this “multiplicity”, an expression that he
uses often he creates the experience of multiple time both within and on the
outside and so opening up and interlinking all forms of communication. There is
no simplification, on the contrary, he wants to give things time to develop, taking
them at his own pace and letting the people, events and stories in his film evolve
in much the way as a long and chequered life unfolds. Like the woman in The
Lightning Testimonieswho carefully, thoughtfully and slowly weaves her story, her
experience of violence and the terrible loss of her friend, into the fabric of a dress.
The concept of evidence, certainty and proof may rise like a tree from the
ground, but it is overgrown with ivy and other climbing plants, its branches
spreading, stretching, groaning, as it connects with other trees, other certainties,
to form one vast forest.
Curator : Urs Stahel, director of Fotomuseum Winterthur.
Event :
Artist talk with Amar Kanwar, Sunday, September 9, 2012 at 11.30 a.m.
Fotomuseum Winterthur is a collective member of NEAR, Urs Stahel is honor
member.
Nuance. Enquête photographique valaisanne
Théâtre du Crochetan, Monthey, 29.09. - 30.11.2012
www.crochetan.ch
" Nuance propose les oeuvres de dix photographes valaisans, suisses et français
(Raphaël Delaloye, Michel Delaunay, Matt hieu Gafsou, Robert Hofer, Julie
Langenegger Lachance, Mélanie Rouiller, François Schaer, Daniel Stucki, Pierre
Vallet, Caroline Wagschal) issus d’horizons différents. Chacun d’eux met en
évidence des asp ect s essentiels de cette notion de nuance à travers ses
photographies, tout en faisant dialoguer celles-ci. Dessinant un portrait modulé
du Valais d’aujourd’hui, les multiples perceptions se présentent comme autant
d’invitations à s’interroger sur le «visage» actuel du canton. La diversité des
approches et des techniques tend vers un but commun: scruter les différentes
facett es de la nuance en Valais. Les portraits, les photographies de bâtiments et
les paysages permettent de décliner les tonalités sociales, entrepreneuriales,
architecturales, géographiques mais également spirituelles. Ces images laissent
ainsi percevoir d’imperceptibles gradations inscrites dans les visages et les
attitudes, les vêtements, les édifices quelle que soit leur vocation, les décors
montagneux, les ressources naturelles, dans une exaltation de la subtilité. Là
réside la richesse humaine et patrimoniale de la communauté valaisanne, dont
les manifestations sont issues d’un même terroir, d’une même culture.(…) En
s’attardant sur les multiples «figures» du canton, ces dix photographes en
révèlent la richesse et les modulations selon autant d’approches sensibles
distinct es et complémentaires. Ils nous proposent ainsi une réflexion sur les
nuances en Valais, en dévoilant ses dimensions insolites, et nous invitent à poser
à notre tour un regard différent sur ce qui nous entoure. "
Julia Hountou, "Le Valais dans toutes ses nuances", Eq2 Nuance, 2012, extrait.
Matthieu Gafsou et Julia Hountou sont membres de NEAR.
Body Language. Oeuvres du Fotomuseum Winterthur
CCS Centre Culturel Suisse, Paris, 14.09. - 16.12.2012
www.ccsparis.com
Avec / With : Vito Acconci (US), Laurie Anderson (US), Nobuyoshi Araki (JP),
Richard Avedon (US), Anne de Vries (NL), Valie Export (AT), André Gelpke (DE),
Nan Goldin (US), Aneta Grzeszykowska & Jan Smaga (PL), Peter Hujar (US),
Barry Le Va (US), Ulrike Lienbacher (AT), Urs Lüthi (CH), Anetta Mona Chisa &
Lucia Tkácová (RO/SK), Robert Morris (US), Marianne Müller (CH), Paulina
Olowska (PO), Walter Pfeiffer (CH), Rockmaster K (CH), Ugo Rondinone (CH),
Igor Savchenko (BY), Lorna Simpson (US), Annelies Štrba (CH), Hannah Villiger
(CH)
Depuis sa création en 1993, le Fotomuseum Winterthur s’est imposé comme
l'une des institutions les plus importantes consacrées à la photographie
contemporaine. Aujourd’hui, sa collection très internationale compte environ 4
000 œuvres, rassemblées grâce à une politique d’achat, de dons et de prêts
permanents. Pour Body Language, l’axe thématique choisi est le corps humain,
ses représentations, ses postures, ses gestes, ses significations, de la sphère
intime au champ social. Largement représenté depuis l’origine de la
photographie, le corps est devenu un thème encore plus important depuis les
années 1960-70. Sa représentation devient alors source de revendications,
notamment identitaires, homosexuelles ou féministes. Depuis, le corps est
omniprésent dans la production contemporaine : mis en scène, sensuel,
magnifié, abîmé, vieilli, fragmenté…L’exposition permet de découvrir les œuvres
d’artistes suisses de renom comme Urs Lüthi, Ugo Rondinone, Hannah Villiger,
Walter Pfeiffer ou Annelies Strba, de grands noms de la photographie comme
Richard Avedon, Nan Goldin, Nobuyochi Araki ou Peter Hujar, des figures
importantes de l’art contemporain comme Vito Acconci, Valie Export, Barry Le
Va ou Laurie Anderson, mais également des œuvres significatives d’artistes
moins connus.
Exposition présentée dans le cadre du Mois de la Photo à Paris, novembre 2012.
Le Fotomuseum Winterthur est également l’une des institutions invitées à Paris
Photo.
Curateurs : Jean-Paul Felley & Olivier Kaeser, en collaboration avec Thomas
Seelig, conservateur au Fotomuseum Winterthur
A voir également : Luciano Rigolini. Surrogates, en collaboration avec le Musée
de l'Elysée
Body Language. Works for the Fotomuseum Winterthur
The exhibition presents a selection of photos around the human body, its
representations, its postures, gestures, meanings in the intimate sphere or in the
social field. Widely represented since the beginning of photography, the body has
become an important issue since the 70s. Its representation becomes a source
of claims regarding identity, homosexuality or feminism. Since then the body is
unavoidable in contemporary creation. With Urs Lüthi, Walter Pfeiffer, Richard
Avedon, Nobuyoshi Araki, Nan Goldin, Peter Hujar …
Fotomuseum Winterthur est membre collectif de NEAR.
Collections privées
Musée de l'Elysée, Lausanne, 21.09.2012 - 06.01.2013
www.elysee.ch
Howard Greenberg. Collection
Depuis plus de trente ans, Howard Greenberg exerce le métier de galeriste. Il est
aujourd’hui considéré comme l’un des piliers de la scène photographique newyorkaise. Si l’importance de son rôle de marchand est connue de tous, sa
passion de collectionneur, plus confidentielle, s’exprime pour la première fois au
grand jour. Patiemment construite au cours des trente dernières années, la
collection Greenberg rassemble plus de 500 photographies et se distingue par la
qualité des tirages. Environ 120 œuvres sont présentées pour la première fois au
Musée de l’Elysée. L’exposition révèle les différents intérêts d’Howard
Greenberg, depuis l’approche esthétique moderne des années 1920-1930 avec
des œuvres d’Edward Steichen, Edward Weston ou de l’école tchèque
jusqu’aux photographes contemporains tels que Minor White, Harry Callahan et
Robert Frank. La photographie humaniste est particulièrement bien représentée
avec, entre autres, Lewis Hine et David Seymour. Une importante section est
consacrée aux photographes de la Farm Security Administration, témoins de la
Grande Dépression des années 1930 tels que Walker Evans, Dorothea Lange.
Surtout, la collection montre l’influence de New York dans l’histoire de la
photographie du XXe siècle : l’architecture, la vie urbaine sont retranscrites dans
les images de Berenice Abbott, Weegee, Leon Levinstein, Lee Friedlander.
Curateurs : Sam Stourdzé, directeur, et Anne Lacoste, conservatrice, Musée de
l’Elysée et Agnès Sire, Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris.
Freaks. La monstrueuse parade
Le réalisateur américain Tod Browning (1880-1962) se distingue par son goût
pour l’étrange. En 1932, il réalise son film culte, Freaks, inspiré par la nouvelle de
Clarence Aaron " Tod " Robbins. L’intrigue se passe dans l’univers du cirque et
est jouée par de véritables acteurs infirmes. A sa sortie, le film provoque
d’immenses scandales. Rapidement, Freaks est censuré, remanié, raccourci,
parfois retiré de l’affiche, et même interdit dans certains pays. Il faudra attendre
les années 1960, lors de sa diffusion au festival de Cannes, pour que Freaks soit
enfin acclamé et devienne une référence pour des artistes tels que Diane Arbus
ou David Lynch. Le Musée de l’Elysée présente une sélection d’une cinquantaine
de tirages argentiques d’époque du film, rassemblés par Enrico Praloran,
collectionneur zurichois.
Curateurs : Sam Stourdzé, directeur, et Anne Lacoste, conservatrice
Luciano Rigolini. Concept Car
Né en 1950 au Tessin, l’artiste Luciano Rigolini s’intéresse à la photographie
vernaculaire et interroge ce mode de représentation du réel. Il collectionne avec
une affection particulière les images neutres d’objets ou de mobilier urbain,
dénuées de toute présence ou trace humaine, telles que les clichés réalisés pour
les catalogues de documentation commerciale ou industrielle. Avec Concept
Car, Luciano Rigolini décline le thème de la voiture. Collectionnées, trouvées sur
Internet, présentées telles quelles ou largement retravaillées et fortement
agrandies, les photographies de Luciano Rigolini révèlent une dimension
esthétique aux qualités sculpturales, picturales et métaphoriques tout en
suggérant une réflexion sur notre manière de voir ou de percevoir les images.
Curateurs : Sam Stourdzé, directeur, et Anne Lacoste, conservatrice
Publications: les trois expositions sont accompagnées d'un catalogue
Howard Greenberg. Collection
Howard Greenberg has been a gallery owner for thirty years now and is
considered today one of the pillars of the New York photography scene. While
his role as a dealer is well established, less is known about his passion for
collecting. It has remained quite confidential and is now being exposed. This
collection of over 500 photographs was patiently built over the last thirty years
and stands out for the high quality of its prints. A set of some 120 works will be
exhibited for the first time at the Musée de l’Elysée, displaying different aspects of
Howard Greenberg’s interests, from the Modern aesthetics approach of the 20s
and 30s with works by Edward Steichen, Edward Weston or the Czech School
to Contemporary photographers such as Minor White, Harry Callahan and
Robert Frank. Humanist photography is particularly well represented, including
among others, Lewis Hine and David Seymour. An important section is
dedicated to the Farm Security Administration’s photographers, who where
witnesses to the Great Depression years of the 30s, such as Walker Evans or
Dorothea Lange. Above all, the collection demonstrates the great influence of
New York in the history of 20th century photography: architecture and urban life
are conveyed in the images of Berenice Abbott, Weegee, Leon Levinstein, Lee
Friedlander.
Curators : Sam Stourdzé and Anne Lacoste, Musée de l’Elysée and Agnès Sire,
Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris.
Freaks. The Monstrous Parade
American director Tod Browning (1880-1962) has a particular attraction for the
uncanny. Freaks, his cult movie shot in 1932, is inspired by a short story written
by Clarence Aaron " Tod " Robbins. Set in a circus, the performers are disabled
actors. The movie caused tremendous scandals when it was released
and Freaks was soon censored, reedited, shortened, sometimes removed from
theaters, and even forbidden is some countries. Not until the 1960s, when it was
presented at the Cannes Festival, was the movie acclaimed to the point of
becoming a reference for artists such as Diane Arbus or David Lynch. The Musée
de l’Elysée presents a selection of some 50 vintage black and white silver prints
from Zurich-based Enrico Praloran’s collection.
Curators : Sam Stourdzé and Anne Lacoste, Musée de l’Elysée
Luciano Rigolini. Concept Car
Born in Ticino in 1950, the artist Luciano Rigolini’s interest for vernacular
photography questions this particular mode of representation of the real. He
carefully collects neutral images of objects or urban furniture, removed of any
human presence or trace, such as the photographs made for sales or industrial
documentation catalogues. With Concept Car, Luciano Rigolini deals with the
theme of the car. Collected, found on Internet, presented as such, or thoroughly
retouched and greatly enlarged, Luciano Rigolini’s photographs reveal an
aesthetic approach filled with sculptural, pictorial, and metaphorical qualities, all
the while suggesting a reflection about our ability to see and perceive.
Curators : Sam Stourdzé and Anne Lacoste, Musée de l’Elysée
Publications : the three exhibitions are accompanied by a catalog.
Sam Stourdzé est membre d'honneur de NEAR et le Musée de l'Elysée membre collectif
Esther Shalev-Gerz. Entre l'écoute et la parole
MCB-A - Musée Cantonal des Beaux-Arts, Lausanne, 22.09.2012 - 06.01.2013
www.musees.vd.ch
Née en Lituanie, élevée en Israël et vivant à Paris, Esther Shalev-Gerz développe
depuis plus de vingt ans un travail autour de questions liées à la construction de
la mémoire, qu’elle soit personnelle ou collective. Sa relecture de l’histoire est
fermement ancrée dans le présent de ses protagonistes : la plupart de ses
œuvres sont créées en dialogue avec les habitants d'un lieu spécifique ou les
témoins d'un événement particulier. A travers différents récits, grâce aux
dispositifs de ses installations, Esther Shalev-Gerz crée de nouveaux biais pour
aborder les questions de souvenir, de mémoire, de témoignage et de rapport à
l'histoire. La rétrospective lausannoise offre un vaste panorama de l’œuvre de
l’artiste à travers ses installations vidéo, ses photographies et ses projets dans
l’espace public.
Curatrice : Nicole Schweizer, conservatrice
Esther Shalev-Gerz. Between Telling and Listening
Born in Lithuania, raised in Israel and living in Paris, Esther Shalev-Gerz has
developed her artistic practice for more than twenty years around questions
linked to the construction of memory, personal or collective. Her interpretation of
history is solidly rooted in the present of its protagonists: most of her works are
created in dialogue with the inhabitants of a specific place or the witnesses to a
particular event. The Lausanne exhibition highlights the specific ways in which
the artist deals with issues of knowledge, memory, history and testimony through
the space of the installation. It brings together a large selection of videos, as well
as slide projections, photographs and documentation of the site specific works,
among them numerous projects for memorials and community based projects.
Curator : Nicole Schweizer
Charles Fréger. Wilder Mann
Galerie TH13, Berne, 14.09.2012 - 12.01.2013
www.fondationdentreprisehermes.org
Passionné par les groupes sociaux et leurs uniformes, Charles Fréger élargit sa
recherche photographique à la figure du sauvage déclinée dans de nombreuses
communautés en Europe. TH13 accueille une sélection de ces portraits
contemporains évocateurs de rites ancestraux.
Wilder Mann – l’homme sauvage – est le résultat d’une quête, à la rencontre
d’une cinquantaine de communautés dans dix-huit pays d’Europe. Toutes
perpétuent une tradition de costumes associant fourrures, accessoires et
attributs d’animaux indigènes. Des Babugeri de Bulgarie aux Busos hongrois,
des Arapides de Grèce aux Strohbären allemands, chacun de ces personnages
incarne une vision de l’homme sauvage dans ses particularismes culturels
locaux.
Après avoir travaillé sur des groupes de jockeys, majorettes, légionnaires, lutteurs
de sumo tous caractérisés par un même uniforme au sein du collectif, le
photographe français, diplômé des Beaux-Arts de Rouen (France), se penche ici
sur une communauté bien plus large et protéiforme. « Au-delà des carnavals et
du folklore, c’était la communauté des hommes bruts que je voulais représenter
», précise-t-il. En effet, ces portraits laissent transparaître la part d’animalité
entretenue par l’homme, ainsi que son rapport au monde naturel.
Pour Paul Cottin, commissaire de l’exposition à TH13, le costume du Wilder
Mann permet à chacun, " en prenant l’apparence du monstre, du sauvage, de
replacer l’Autre à l’intérieur de soi ". Charles Fréger remet l’individu face à ses
peurs, grâce à un traitement de l’image qui uniformise cette série dense et
multiple : usage du flash qui dégage la silhouette de son environnement,
attention particulière au paysage dans lequel s’insère le modèle.
Publication : Wilder Mann fait l’objet d’un bel ouvrage publié chez Thames &
Hudson.
Curateur / curator : Paul Cottin
Wilder Mann is the new series by Charles Fréger, taken in 2010 and 2011 across
eighteen European countries, from Finland to Greece.
On the trail of the “wild man” and his reemergence, Charles Fréger went in
search of “Phenomena”, zoic creations that reflect the primitive form of religions
and their reinterpretation in pagan rituals of fertility, sexuality, death and rebirth.
Bears, boars, goats, demons and other horned, hairy beasts: Fréger catalogues
these “phenomena” of the transformation of man into wild beast and glorifies
them in his photographs.
Half anthropology, half photojournalism, Wilder Mann is an archive of antiquity
and the customs whose original traces have been lost, a review of traditional
cultures from the Middle and Neolithic Ages.
It’s a monumental work of anthropological research: carnivals, winter festivities,
fertilization rituals, New Year, Epiphany...some appropriations from other
cultures, others not. Certain groups can have an “extremely touristy air” while
others are closed off. The study of the mythology of the wild man “is infinite".
Faced with the “abuse of the real” of our modern world and the artifice of its
imagos, Charles Fréger returns with Wilder Mann to a “Degree zero” of
representation and offers us an instinctual, brute authenticity through this
marvelous, animist voyage.
Taken across Europe, Fréger continues his work in areas across the world. [...]
Séverine Morel
Peter Olpe - Out of focus
Musée suisse de l'appareil photographique, 08.09.2012 - 13.01.2013
www.cameramuseum.ch
En 2009, Peter Olpe, designer et graphiste de Bâle, homme d’images aux
multiples facettes, arrivait au terme de sa carrière d’enseignant et de directeur
adjoint de la Schule für Gestaltung de Bâle. Souhaitant réorienter ses activités
professionnelles, il cherchait un lieu idoine et a sollicité notre institution pour y
déposer le fruit de ses nombreux travaux autour de la photographie au sténopé:
une collection de plus de 80 appareils qu’il a conçus et fabriqués au gré de ses
expériences.
L’appareil à sténopé où l’objectif est remplacé par un trou minuscule n’est pas ici
un objet industriel mais une pure création en totale osmose avec les images qu’il
produit. Ces boîtes, véritables modèles réduits d’architecture, parfois équipées
de plusieurs sténopés tel un bâtiment aux multiples fenêtres conservent la trace
de la lumière au sein des espaces ainsi créés. Chaque boîte est conçue pour une
intention bien précise, voire pour la lumière d’un lieu choisi.
Le projet d’une exposition accompagnée d’une publication au moment du don
de cet ensemble prit aussitôt corps. Elargissant le propos, Peter Olpe a confié
ses boîtes à capter la lumière à divers artistes photographes qui nous livrent
chacun les fruits de cette rencontre. Ils sont plus d’une trentaine à avoir relevé ce
défi…
Le Musée suisse de l’appareil photographique dont la vocation première est de
présenter l’outil du photographe, mais aussi son utilisateur et les images que
produit ce couple homme et machine, se réjouit tout particulièrement de faire
découvrir à son public l’extraordinaire travail de Peter Olpe, ensemble d’une
esthétique et d’une cohérence remarquables qui occupe une place bien
particulière dans le paysage photographique suisse, et qui n’a que rarement été
montré en Suisse romande.
Publication : un superbe catalogue très complet est publié par Verlag Niggli AG.
Le MSAP - Musée suisse de l'appareil photographique est membre collectif de NEAR
Constuire l'image. Le Corbusier et la photographie
Musée des beaux-arts, La Chaux-de-Fonds, 30.09. - 13.01.2013
www.lecorbusier2012.ch
L’exposition, créée en étroite collaboration avec la Fondation Le Corbusier à
Paris, est sans conteste l’événement phare de l’ensemble des manifestations
consacrées à l'architecte Le Corbusier en 2012 à La Chaux-de-Fonds. Le
Corbusier a rapidement saisi l'efficacité démonstrative et promotionnelle de la
photographie. Durant toute sa vie, il a fait de l’image des usages différenciés : les
voyages ont été l’occasion de réunir de nombreux documents d’une extrême
richesse qu'il a utilisés dans son travail d’architecte, d’urbaniste, de théoricien et
de plasticien. Il s’est ensuite servi d’un vaste répertoire iconographique pour
illustrer ses écrits et ses expositions. Enfin, il a construit son image sur et à l’aide
du travail de plusieurs photographes renommés.
A sa façon, cette exposition sera un voyage. Six étapes principales sont
identifiées, comme autant de moments qui donnent à voir les diverses facettes
de Le Corbusier et les aspects multiformes de son héritage construit et
théorique. Si la photographie est l’invitée d’honneur de l’exposition, des objets et
oeuvres de Le Corbusier – peintures, sculptures, mobilier, livres, caméras et
appareils photographiques – viendront la compléter par une mise en scène
appropriée et adaptée à la thématique. Le comité curatorial, constitué des
spécialistes français, anglais, belge et suisses de Le Corbusier, est responsable
du contenu de l’exposition. Cette dernière est conçue comme itinérante et le
partenariat avec d’autres institutions muséales est en cours de négociation.
Dans la section intitulée L'architecture de le Corbusier dans la photographie
contemporaine, conçue par Jean-Christophe Blaser, on découvre des
photographes contemporains et internationaux dont les oeuvres relèvent
l’importance du temps qui sépare le modernisme de la période contemporaine
tels qu’Olivo Barbieri, Stéphane Couturier, Cemal Emden, Thomas Flechtner,
Matthieu Gafsou, Guido Guidi, Jean-Michel Landecy, Alexei Naroditsky, Daniel
Schwarz et Hiroshi Sugimoto.
Commissaire générale : Lada Umstätter, conservatrice du Musée des beauxarts, assistée par Sophie Vantieghem. Commissaires scientifiques : Tim Benton
(Londres), Jean-Christophe Blaser (Musée de l'Elysée, Lausanne), Arthur Rüegg
(Zurich), Catherine de Smet (Paris), Klaus Spechtenhauser (Zurich)
Matthieu Gafsou est membre de NEAR, Jean-Christophe Blaser est membre
d'honneur.
L'expérience de la ville
Musée des Beaux-arts, La Chaux-de-Fonds, 07.10.2012 - 20.01.2013
www.chaux-de-fonds.ch/musees/mba
Une ville et trois photographes contemporaines commandités pour en faire le
portrait. Matthieu Gafsou, Milo Keller et Yann Amstutz ont été invités depuis
2009 en résidence à La Chaux-de- Fonds, à chaque saison, de jour comme de
nuit, pour capter cette ville, en faire l’expérience et l’interroger. Ces trois jeunes
photographes portent sur la ville des regards extérieurs et neufs, font découvrir le
charme inattendu ou caché de son urbanisme ou saisissent les portraits de ses
habitants.
Commissaires de l’exposition: Jean-Christophe Blaser, conservateur au Musée
de l'Elysée à Lausanne ; Christophe Brandt, directeur de l'Institut suisse pour la
conservation de la photographie à Neuchâtel ; Lada Umstätter, conservatrice du
Musée des beaux-arts à La Chaux-de-Fonds
Matthieu Gafsou et Yann Amstutz sont membres de NEAR.
Young People - Set 9 from the Collection of Fotomuseum Winterthur
Fotomuseum Winterthur, 08.09. - 10.02.2013
www.fotomuseum.ch
Avec : Nobuyoshi Araki, David Armstrong, Nathan Beck, Sabrina Biro, Beni
Bischof, Daniele Buetti, Larry Clark, JH Engström, Michel François, Ilse Frech,
Julian Germain, Nan Goldin, Paul Graham, Roland Iselin, Ari Marcopoulos, Pietro
Mattioli, Boris Mikhailov, Anne Morgenstern, Daid Moriyama, Taiyo Onorato/Nico
Krebs, Suzanne Opton, Helena Påls, Walter Pfeiffer, Pipilotti Rist, Maya Rochat,
Viviane Sassen, Rico Scagliola/Michael Meier, Paul Mpagi Sepuya, Alec Soth,
and Tobias Zielony.
Growing up is a time of self-searching. Who am I and who do I want to be? It is a
time of trying to ground oneself in the world and build a relationship with one’s
own persona. Each individual must personally undergo the experience of
transition from a protected childhood into a social system of relationships and
responsibility, finding one’s role in group dynamics, identifying, and testing
possibilities and boundaries. Artistic photography has repeatedly examined this
phase of life, from at least two different perspectives. One is the viewpoint of
actual experience – a young adult who shares the lives of the protagonists with
whom he or she is involved (not only as a photographer), such as Larry Clark and
Nan Goldin earlier, or Maya Rochat and Rico Scagliola/Michael Meier today.
Then there is the adult perspective on the phenomena of youth, which takes a
different form of expression due to a certain distance and life experience. Images
of youth also represent a confrontation with one’s own story, with personal
successes and defeats, whether as present experiences or reflections on the
past.
The exhibition Young People – Set 9 from the Collection of Fotomuseum
Winterthur explores these questions in life. Artistic positions from five decades
show that growing up is still influenced by private as well as social expectations.
Moments of transgression, of protest, and experiences with drugs and alcohol
are reactions that can be as little ignored as the (sometimes) relentless quest for
sexual encounters, or the ongoing search for established models of living, and for
possible approaches to the future.
A central element of the exhibition is the ten-channel video by young Swiss
talents Rico Scagliola & Michael Meier, titled Double Extension Beauty Tubes
(2008-2010). Over three years, the artist duo documented so-called Emos
(referring to the English adjective “emotional”), a contemporary youth movement
in this era marked by social media such as Facebook. In its scope and ambition,
their project is comparable with Nan Goldin’s famous slide projection The Ballad
of Sexual Dependency, which signaled the artist’s artistic breakthrough in the
early 1980s.
In addition to international photographers such as Paul Graham, Nobuyoshi
Araki, and Alec Soth, other Swiss artists as well play a significant role in the
presentation. Well-known artists such as Daniele Buetti, Walter Pfeiffer, and
Pipilotti Rist are brought together with much younger artists such as Beni
Bischof, Anne Morgenstern, Taiyo Onorato/Nico Krebs, and Maya Rochat, who
offer contemporary insights into today’s youth culture through staged as well as
documentary photographic works.
Curator : Thomas Seelig, curator of the collection at Fotomuseum Winterthur.
Publication : the brochure Young People features an introductory essay by Terry
Castle as well as short texts on all participating artists.
Fotomuseum Winterthur is a collective member of NEAR.
Josh Fassbind. Visages de Genève
Maison Tavel, Genève, 21.09.2012 - 24.02.2013
www.ville-ge.ch
Genève est un melting pot au coeur de l'Europe. La présence de nombreuses
organisations et sociétés internationales ainsi que la qualité de vie poussent
chaque année de nombreux étrangers à s'installer dans la ville du bout du lac.
Ces habitants, venus des quatre coins du monde, donnent à Genève ce
caractère si particulier de ville internationale. Josh Fassbind a voulu rencontrer
ces Genevois de passage ou d'adoption pour découvrir leurs visions de sa ville
natale. Pour chaque photographie, il a demandé aux participants de poser dans
leur endroit préféré, et de décrire leur expérience de la ville en un mot. Visages
de Genève est un travail de découverte et de partage autour d'un lieu de vie
commun, un travail sur la multiculturalité qui caractérise notre ville.
Faces of Geneva
Geneva is a melting pot at the heart of Europe. The presence of numerous
international organisations and companies as well as the standard of living
encourage large numbers of people from other countries every year to move to
the city at the end of the lake. These residents from the four corners of the globe
give Geneva its special character as an international city. Josh Fassbind wanted
to meet these Genevans in transit or by adoption in order to reveal their visions of
his native city. For each photograph, he asked the participants to pose in their
favourite part of the city or of the canton and to describe their experience of the
city in a single word. Faces of Geneva is a process of discovery and sharing on
the theme of a common place of residence, a body of work on the
multiculturalism that characterises our city.
Au temps des plaques
Musée suisse de l'appareil photographique, Vevey, nouvelle exposition
permanente
www.cameramuseum.ch
Les inventions de la fin du 19e siècle débouchent sur la production industrielle de
plaques devenues beaucoup plus sensibles à la lumière, ouvrant la voie à la
réalisation d’instantanés photographiques. Les développements technologiques
s'accélèrent et, bien entendu, la photographie y participe tout en en bénéficiant.
L’appareil peut désormais se tenir à la main, il progresse et tant la qualité que la
luminosité des objectifs deviennent bien meilleures. L'électricité simplifie
l'éclairage de l’atelier et offre des sources lumineuses beaucoup plus stables
pour la projection, et surtout pour l'agrandissement.
A l'aube du 20e siècle, l'invention de la similigravure, permettant l'impression
directe de l'image photographique dans les livres, magazines et quotidiens,
ouvre un gigantesque marché, notamment celui de la photographie de presse. Si
l’on s'interroge encore sur le statut de la photographie en tant qu'art, plus
personne ne met en doute ses multiples applications. La photographie est tout
simplement devenue indispensable.
Le Musée suisse de l'appareil photographique est membre collectif de NEAR.
APPELS, CONCOURS / AWARDS & CALLS
International Book Award 2012
Maison de la photographie d'Europe Centrale, Bratislava, Slovaquie
Délai / deadline : 15.10.2012
www.sedf.sk
The Central European House of Photography in Bratislava announces an open
callfor Book entries, for the International Book Award 2012. The Competition will
be held during the 22nd Month of Photography Festival in Bratislava, Slovakia.
We are looking for books released during the year 2011 and 2012. There will be
three categories for an Award: History books on photography ; Contemporary
books on photography ; Theoretical books on photography
The entries must be sent in by 15th of October 2012, together with the CV of the
author and the application form to: The Central European House of Photography,
P.O.BOX 290, Prepoštská 4, 814 99 Bratislava, Slovakia. Contact person:
Michaela Bosakova
[email protected]
Prix Photoforum 2012
1er Prix : CHF 5’000.2e Prix : Leica X2
Délai / deadline: 15.10.2012
Prix Photoforum 2012 & SELECTION | AUSWAHL. Coup d’envoi de la vingtième
édition
Destiné à l’encouragement des talents émergents, le Prix Photoforum fait partie
des rendez-vous importants de la photographie en Suisse. Sa vingtième édition
convie tous les adeptes de la discipline à soumettre un dossier de participation
d’ici au 15 octobre 2012. A la clé, un prix en espèces d’un montant de CHF
5'000.- ainsi qu’une seconde récompense sous la forme d’une caméra de
marque prestigieuse. Une grande exposition collective réunira les meilleurs
travaux sélectionnés par le jury au PhotoforumPasquArt de Bienne à partir du 9
décembre 2012.
Introduit en 1993, le Prix Photoforum a récompensé jusqu’ici 20 photographes
suisses, dont un bon nombre connaissent actuellement de belles carrières. Il
représente au niveau national l’une des distinctions significatives pour la
promotion des nouveaux talents. Depuis son lancement, ce concours s’est établi
comme l’un des tremplins appréciés des artistes photographes puisqu’il offre
l’opportunité d’un encouragement financier important de même que celle de
pouvoir figurer dans l’exposition d’envergure nationale qui réunit les meilleurs
travaux sélectionnés sous le titre de SELECTION | AUSWAHL.
Afin de favoriser une diversité de points de vue, le jury, formé par le comité de
l’association du PhotoforumPaquArt, est complété chaque année par deux
personnalités du monde de l’image. En 2012, le galeriste et commissaire
d’exposition zurichois Walter Keller ainsi que le directeur du Centre de la
photographie Genève Jörg Bader ont été invités à participer aux délibérations du
jury. Depuis 2007, chaque travail est jugé sur la base d’un dossier de
candidature comportant une brève note d’intention, des tirages de lecture et un
curriculum vitae artistique.
Le Prix Photoforum est une manifestation organisée par le PhotoforumPasquArt
de Bienne. De forme associative et soutenue par des fonds publics et privés,
cette institution représente l’un des lieux importants pour la mise en valeur de la
photographie contemporaine en Suisse. Son programme d’expositions
individuelles et thématiques met l’accent sur des propositions artistiques
innovantes tout en favorisant l’expression des nouveaux talents. Le
PhotoforumPasquArt est partenaire de CentrePasquArt de Bienne.
Règlement et inscription : pdf
Reglement und Einschreibeformular : pdf
Archisle - The Jersey Contemporary Photography Programme
International Photographer in Residence Programme 2013, Jersey, Channel
Islands, UK
www.archisle.org.je ; www.societe-jersiaise.org
Archisle: The Jersey Contemporary Photography Programme, hosted by the
Société Jersiaise (Jersey Society) in the British Channel Island of Jersey aims to
promote contemporary photography through an ongoing programme of
exhibitions, education and commissions. The Archisle project connects
photographic archives, contemporary practice and experiences of island
cultures and geographies through the development of a space for creative
discourse between Jersey and international practitioners. Archisle is currently
inviting applications for the position of Photographer in Residence launching in
2013. This is an exciting post commencing in April/May running for six months
through to September/October
2013. The residency provides the following key benefits and opportunities:
- £10,000 bursary for the commission/production of a body of work and solo
exhibition
- Studio space with access to inkjet printing and office/internet resources
- Living accommodation and (limited) expenses
- Travel costs (subject to approval)
A key focus of the Archisle project is to engage the residency programme with
Jersey culture and community through audience and participatory involvement.
In addition to the commission and exhibition of work responding to the cultural
context of the island of Jersey, the resident will be contracted to teach
photography one day per week (or equivalent) over the six month duration of the
project. This teaching will be delivered in a workshop format to a range of
educational and community groups. Applications are therefore encouraged from
practitioners possessing the desire, enthusiasm and a proven ability to impart
technical skills and develop critical understanding of contemporary photography
across a diverse range of participants.
Applicants are requested to submit:
Examples of recent work (min 10/max 20 images)
Statement describing current practice
Statement of objectives for the residency including an outline
commission/exhibition proposal
A current CV including details of past exhibitions/publications
An estimate of travel costs to Jersey
For email applications total file size must be no larger than 5 MB.
Any enquiries/questions about the residency should be sent to the following
email address.
Applications may be made by post or email to:
Archisle Photographer in Residence Programme 2013
Société Jersiaise
7 Pier Road
St Helier
JE2 4XW Jersey, Channel Islands
[email protected].
Inscription : pdf
Mobile Phone Photography Contest
www.lafragua.eu
Photomobile and LA FRAGUA artist residency present the 2nd edition of the
Mobile Phone Photography Contest. Participation is open to all individuals
regardless of age, sex or nationality. The contest establishes two categories for
entries: one free category and a special category dedicated to SOUND. Images
that convey personal and or family privacy, or contain obscene or provocative
content will not be accepted.
Each entrant may submit a total of 3 photographs.
Photographs cannot be altered electronically or by any other process.
Photomontage will not be accepted. Minimal color and contrast corrections are
acceptable. Photographs made with instagram or similar applications that
automatically alter the color and texture etc. of instant images will not be
accepted. Previously honored photographs will not be accepted.
Exhibition of images
The author gives all image rights to LA FRAGUA artist residency and
Photomobile for exhibition, reproduction and diffusion during the duration of the
contest. Participants will retain ownership rights for all submitted images. With
the selected photographs, LA FRAGUA artist residency and Photomobile will
organize a collective exhibition at the Convent of Santa Clara, in Belalcázar –
Córdoba, Spain. The opening will be held on November 25 at noon and will be
open to the public through November 25th 2012.
The jury will make their decision on November 10th. The criteria for wining
images are creativity and artistic quality of the photographs. 3 prizes will be given
in the free category : 1st Prize: Iberian Jamon, 1 night at Córdoba Bed&Be and
your framed photograph. 2nd Prize: Your framed photograph. 3rd Prize: Your
framed photograph. One prize will be given in the SOUND category: 1st Prize:
Iberian Jamon and your framed photograph.
Rules : link
7ème Prix Arte Laguna
Prix pour la photographie / Photography Prize : € 7'000.Frais (1 à 5 oeuvres) / Fees (1 to 5 works) : € 50 - 225.Délai / deadline : 08.11.2012
www.premioartelaguna.it
L’Association Culturelle MoCA (Modern Contemporary Art) lance la 7ème Édition
du Prix International Arte Laguna (Venise, Italie) dont le but est la promotion et
valorisation de l’art contemporain. La dotation totale est de 170'000 €. Le
concours prévoit l’attribution de prix en espèces et d’autres opportunités pour
les artistes: résidences d’artistes, expositions personnelles et collectives dans les
galeries, participation aux festivals internationaux et publication dans le
catalogue. Le prix, sans limites d’âge et avec sujet libre, est partagé en 5
sections : peinture, sculpture, art photographique, vidéo art et performance, art
virtuel. Les photographes de moins de 25 ans bénéficient d'une réduction des
frais d'inscription et sont exposés au Romanian Institute of Venice ; les autres
artistes sont exposés à l'Arsenal.
Jury : Curateur du Prix : Igor Zanti (Italie, Critique d’art) ; Jurés : Umberto Angelini
(Italie, Directeur Festival Uovo) ; Gabriella Belli (Italie, Directrice Musées Municipal
de Venise) ; Adam Budak (Etats-Units, Curateur, Hirshhorn Museum & Sculpture
Garden, Washington); Lina Lazaar (Grande-Bretagne, Spécialiste Art
Contemporain International, Sotheby's) ; Cecilia Freschini (Cine, Fondatrice LabYit) ; Kanchi Mehta (Inde, Chef-Conservatrice, Chameleon Art Projects et
critique, Art Flash) ; Mario Gerosa (Italie, Rédacteur en chef de AD, Conservateur
de digital art) ; Sabine Schaschl (Suisse, Directrice et Conservatrice, Kunsthaus,
Bâse) ; Felix Schöber (Allemande, Conservateur indépendant) ; Claudia Zanfi
(Italie, Historienne d'art et Directrice culturelle)
Règlement : lien
The Arte Laguna prize reopens the applications for artists from all over the world,
putting up cash prizes, art residencies, personal exhibitions in galleries,
collaborations with companies and participation in festivals, for a global value of
170',000 Euros. Finalists exhibition: Arsenale of Venice. Under 25 exhibition:
Romanian Institute of Venice.
Jury: Prize Curator: Igor Zanti - Italy, critic and art curator; Umberto Angelini Italy, Director of Festival Uovo; Gabriella Belli -Italy, Director of Musei Civici of
Venice; Adam Budak - USA, Curator of Hirshhorn Museum and Sculpture
Garden of Washington; Cecilia Freschini - China, Founder of Lab-Yit; Mario
Gerosa - Italy, Editor-in-chief of AD, Digital Art Curator; Lina Lazaar - Great
Britain, Expert in International Contemporary Art for Sotheby's; Kanchi Mehta India, Founder and Chief Curator of Chameleon Art Projects & and India Editor
for Flash Art; Sabine Schaschl - Switzerland, Director and Curator of Kunsthaus
Baselland; Felix Schöber - Germany, Indipendent curator; Claudia Zanfi - Italy,
Art Historian, Cultural Manager
Rules : lien
Studio Fluor Photo Award 2012 - Create / Revolt
Frais / fee: € 15.Prix / prize : 6 months exhibition
www.studio-fluor.com
Categories : Fashion, Portrait, Fine Art
Studio Fluor Photo Award 2012-First of an annual award where emerging and
experienced imagemakers compete for exposure and promotion.The theme of
the first edition is Create/Revolt-creativity that unleashes new thoughts and
revolutionizes the formal ways of seeing.Submit pictures that are
raw,colorful,explosive,or serene,minimal and thought-provoking.
Studio Fluor, Wilhelminasingel 110, 6221 BL, Maastricht, NL
[email protected]
Règlement / rules : lien
Talents 2013 - Memories
C/O Berlin, young photographers and art critics prize
Prix / prize : exhibition and publication
Age : moins de 35 ans / under 35
Frais / fee : € 20.Délais / deadline : 14.12.2012
www.co-berlin.info
We promote young talents and provide them with a first start towards their
future. Since 2006, C/O Berlin's e.V. has been supporting promising young
photographers and art critics who stand at the threshold between education and
career. Each year, the best photographers are selected to present their work at
the Old Post Office in the Berlin district of Mitte and at the Goethe Institute in
Washington, Paris, Madrid and Stockholm. Each solo exhibition is accompanied
by a publication in which images and text enter into dialogue: talented young
artists present themselves and their projects to a broad public, open up their
work for discussion, and thus create a public forum. It is an experimental space
for young international contemporary photography and art criticism.
In 2013, the Talents series will be dedicated to the theme of memories. A
dominant feature of the medium of photography is to freeze a moment and in this
way record it, making it a perfect carrier for memories of external events. This
also means that photographs have the function of giving something meaning:
because to us, only those things that have been focused on by photography
seem worth recalling. The transience of a moment is captured for eternity and for
us seems to confirm that something occurred exactly in this way at that time. Yet
how reliable is photography in conveying recollections? If we look more closely,
the medium of photography is just as fluid, blurred and relative as our own
perception. It only depicts a small section of reality, the surface of an event or
occurrence so to speak, and in this way triggers mental replication. As material
memorial objects, photographs construe individual and collective memories,
constantly superimpose one another – or create obsta cles by causing us to
imagine the wrong thing. With the endless flood of images resulting from the
development of technical media and the increasing digitalization of photographic
archives, today the question arises more strongly than ever: in what way do we
remember and in what way can photography conserve memories. An artistic
approach to photographic archives, found footage or associative processes
could also be observed more frequently in the last few years. Whether
conceptually, playfully or scientifically, whether through photography or film –
how can the aspect of memory be broached by these forms of media? How can
the theme “memory” be realized photographically and how can the process of
recollection be artistically challenged and visualized?
How do you apply? Photographers under the age of 35 can submit up to 15
samples of their work in print form – maximal size DIN A4, no originals. A short
project description should accompany the photographs, as well as the
application form that van be completed online on the C/O Berlin homepage. A
fee of 20 Euros will be raised. Please note that art critics are welcome to submit
samples of their work at any time. An expert jury will be convened in early 2013
to select the best positions from the works selected for the Talents series.
2012 FotoVisura Grant
Prix / Prize : $2,000
Frais / fee: être membre / membership
www.grant.fotovisura.com
FotoVisura Inc. is delighted to announce the 2012 FotoVisura Grant—which aims
to support personal photography projects and encourage the production and
development of photography outside the commercial realm. The Grant is divided
into two categories:
- The FotoVisura Grant for Outstanding Personal Project ($2,000)
- The Spotlight Grant for Outstanding Student Project ($1,000)
The FotoVisura Grant aims to support personal photography projects that are not
initiated by an assignment or commission. To be eligible for the Student Grant
you must be currently enrolled in an undergraduate or graduate program, or a
recent graduate, having graduated after January 1st 2011. Additionally, the
following requirements apply for both the Grant and the Student Grant:
• Submit a photography series, up to 35 images.
• Image size: minimum 1000px on the longest dimension (14 inches, 72 dpi)
• A written reflection, in first person, of at least 150 words
• All images and text to be uploaded through the FotoVisura.com website
• To enter you must read and agree to the contest Terms & Conditions
• Only one Submission per photographer will be judged.
" Photographers need as much support as possible to get projects recognized.
Through this grant, we seek to provide financial support to two winners,
recognize a selection of numerous projects that made the final list, and also give
photographers a one-year FotoVisura account that provides tools to share work
and promote work online and be part of a community seeking to promote
photography by its members. FotoVisura is about community as much as it is
about photography. It is about coming together as a united force in the hope that
we can stimulate and inspire institutions to increase the number of existing
photography and photo-related job opportunities. It is truly a movement, and I
am proud to say that every day the FotoVisura community is making a
difference. "
Adriana Teresa, co-founder
2013 Terra Foundation Publication Grants & Essay Prize
Terra Foundation for American Art
www.terraamericanart.org
International Essay Prize for American Art, Smithsonian American Art Museum
This prize recognizes excellent scholarship by a non-U.S. scholar in the field of
historical American art (pre-1980). Manuscripts should advance understanding of
American art, demonstrating new findings and original perspectives. The prizewinning essay will be translated and published in the scholarly journal American
Art. Additionally, the winner receives a $1,000 award and a $2,000 travel stipend
to give a presentation in Washington, D.C., and meet with museum staff and
fellows.
For more information, please visit americanart.si.edu/research/awards/terra/.
Publication Grants
These grants provide support for publication projects on historical American art
(pre-1980) that make a significant contribution to scholarship and have an
international dimension. Projects may include translations of texts on American
art; publications written by non-U.S. scholars or those with a significant number
of non-U.S. contributors; and publications with a focused thesis exploring
American art in an international context. Projects must be under contract for
publication. Books may receive up to $30,000; articles may receive up to $3,000.
For more information, please visit:
terraamericanart.org/grants/publication-grants/.
Terra Summer Academic Residency Fellowships in Giverny, France
These eight-week residential fellowships provide the opportunity to pursue
individual work and research in a community of peers while being mentored by
senior artists and scholars. Ten fellowships are awarded annually to predoctoral
students at an advanced stage of research and writing on pre-1980 American art
and visual culture and to artists with a master’s degree. Candidates must be
nominated by a professor at an academic institution. Fellows receive lodging, a
$5,000 stipend (artists receive an additional $300 for materials), and a
contribution to travel costs.
For more information, please visit terraamericanart.org/terra-summer-residency.
Smithsonian American Art Museum Fellowships in Washington, D.C.
These one-year residential fellowships support full-time independent research by
scholars from abroad researching historical American art (pre-1980) or by U.S.
scholars who are investigating international contexts for American art. Fellows
receive research and travel allowances, plus a stipend of $30,000 for predoctoral
fellows and $45,000 for senior or postdoctoral fellows.
americanart.si.edu/research/opportunity/fellows/terra.
Doctoral and Postdoctoral Research Travel Grants to the United States
Six to nine grants are awarded annually to doctoral students and postdoctoral
scholars outside the United States to travel to the United States for research on
pre-1980 American art and visual culture. Doctoral students receive up to
$6,000; postdoctoral scholars (those who received their degree within ten years
of the application deadline) receive up to $9,000. Destinations and duration of
travel are determined by fellows. For more information, please visit:
terraamericanart.org/research-travel-grants.
Academic Program Grants
These grants provide support for symposia, colloquia, and scholarly convenings
on American art that take place in Chicago or outside the United States; or that
take place within the United States and examine
American art within an international context and/or include a significant number
of international participants. Letter of inquiry deadlines: December 14, 2012,
andMarch 14, 2013.
terraamericanart.org/academic-program-grants.
Postdoctoral Teaching Fellowship at the Courtauld Institute of Art, London,
2013-2015
This two-year postdoctoral fellowship supports advanced inquiry in the history of
American art, conservation, and museum studies and is integrated with the
postdoctoral fellowship program of the Courtauld Institute of Art Research
Forum. The selected fellow teaches three historical American art courses,
participates in scholarly activities organized by the institute, and organizes an
international scholarly event. Fellow receives a $134,564 stipend (over two
years). For more information, please visit courtauld.ac.uk.
Postdoctoral Teaching Fellowship at the Institut National d’Histoire de l’Art, Paris,
2013-2015
This two-year postdoctoral fellowship focuses on the history of American art and
visual culture. The selected fellow teaches four semester-long courses to
undergraduate and master’s-level students at a French university, participates in
local seminars at the Institut National d’Histoire de l’Art and at the hosting
university, and organizes academic programs on related research topics. The
fellow receives a $107,000 stipend (over two years).
For more information, please visit inha.fr.
Visiting Professorships at the Courtauld Institute of Art, London, 2013-2015
Two professorships are available at the Courtauld Institute to present the best
recent scholarship on historical American art. A twelve-week professorship
requires administering one full-term course integrated with the institute’s
curriculum and participating in other scholarly activities. A one-week intensive
professorship entails a public scholarly event, a seminar, and a special visit to a
London gallery, archive, collection, or library relevant to American art history.
Stipends are determined by seniority of the scholars.
For more information, please visit courtauld.ac.uk.
Visiting Professorships at the Institut National d’Histoire de l’Art, Paris, 20132015
These eight-week visiting professorships focus on the history of American art and
visual culture. Visiting professors give lectures and seminars at a French hosting
university and participate in workshops, conferences, and other scholarly
gatherings. One visiting professorship is available for each academic year.
Visiting professors receive a $32,500 stipend.
For more information, please visit inha.fr.
Visiting Professorships at the John F. Kennedy Institute, Freie Universitat Berlin,
2013-2015
These three-month visiting professorships focus on the history of American art
and visual culture. Visiting professors offer specialized courses, seminars, and
lectures and participate in the larger academic community throughout their stay.
Two professorships are available for each academic year. Visiting professors
receive a $36,000 stipend.
For more information, please visit jfki.fu-berlin.de.
Contact: Ewa Bobrowska, Ph.D.
Associate Program Officer, Research
Terra Foundation for American Art Europe
29 rue des Pyramides
75001 Paris, France
tel. +33/1/43 20 82 65
[email protected]
Inscription : link
Prix culturel du CAS 2013
Prix / prize : CHF 10'000.Délai / deadline : 31.01.2013
www.sac-cas.ch
Travaux artistiques novateurs en lien étroit avec le contexte alpin.
Innovative artistic work closely related with the alpine environment.
Contact : CAS Club Alpin Suisse
Schweizer Alpen-Club SAC, SAC Kulturpreis
Jacqueline Sahli, Monbijoustrasse 61, Postfach, 3000 Bern 23
[email protected]
Inscription : doc
PARTENAIRES DE NEAR / NEAR PARTNERS
Avec le soutien de :
NEXT - NEWSLETTER
Editée par NEAR, association suisse pour la photographie contemporaine, NEXT est une newsletter mensuelle qui vous offre
une vision d'ensemble de l'actualité de la photographie en Suisse : événements, expositions, publications, festivals, prix
internationaux… Vous y trouvez également des informations sur les activités de NEAR et sur ses membres.
Légende et copyright des images peuvent être lus en plaçant le curseur de la souris sur un visuel (cette fonction n'est
malheureusement active que dans certains navigateurs et nous vous prions de nous en excuser).
Edited by NEAR, swiss association for contemporary photography, NEXT is a monthly newsletter of information concerning
photography in Switzerland : events, exhibitions, publications, festivals, international awards... You will also find information
about activities organized by NEAR and about its members.
Captions and copyright of all the images can be read if you point your mouse on the picture (sorry if this does not work in all
browsers).
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