It a go dread inna Switzerland 1

Transcription

It a go dread inna Switzerland
1
a.1. Introduction
Pour tous ceux, et ils sont nombreux, qui découvrent le reggae en Suisse aujourd’hui, en
plein retour en force du genre, tout peut sembler une évidence : cette musique est
mondialement connue, son plus illustre représentant une icône planétaire que certains
n’hésitent pas à exploiter pour vendre des chaussures ou du savon. Plusieurs magasins
spécialisés existent à travers le pays, les concerts se succèdent semaine après semaine, sans
même parler des soirées qui fleurissent dans les lieux les plus improbables. Des Suisses
écoutent du reggae, en collectionnent, en passent en soirées, en jouent au sein de groupes,
en produisent sur leur propre label, promeuvent des artistes jamaïquains. Et même parmi
les, très largement majoritaires, non-amateurs, rares sont ceux pour qui l’évocation de ce
genre musical n’évoque ne serait-ce qu’un réducteur tissu de clichés. Quoi de plus naturel
en apparence ?
Cependant, si l’histoire s’encombrait de calculs de probabilités, les chances pour que la
musique des ghettos de Kingston arrive jusqu’à des oreilles helvétiques étaient pour ainsi
dire nulles. En effet, mis à part le lien musical qui fait l’objet de ce mémoire, tenter de
tracer une ligne directe entre ces deux pays distants de dix mille kilomètres paraît
laborieux. Géographiquement, historiquement, culturellement et économiquement,
rappelons que le PIB par habitant de la Suisse est vingt-quatre fois supérieur à celui de la
Jamaïque1, ils n’ont rien en commun.
Il existe certes, pour un œil ou une oreille avertis, quelques minces, et somme toute
anecdotiques, liens transatlantiques entre deux terres que tout oppose. Le premier, et sans
doute le plus surprenant pour tout voyageur suisse posant le pied en Jamaïque, outre le fait
que la magnifique et difficilement compréhensible langue du pays s’appelle le « patois »,
est l’omniprésence, en vert sur fond blanc, du Cervin. En effet, l’une des marques de
cigarettes les plus populaires de l’île est Matterhorn, et de ce fait bon nombre de
Jamaïcains portent sans le savoir l’un des plus éminents symboles helvétiques au fond de
leurs poches2. L’un des selectas les plus en vue ces dernières années en a d’ailleurs même
tiré son nom : Tony Matterhorn. Autre nom évocateur, d’un point de vue helvétique :
l’Edelweiss Park, à Kingston, où Marcus Garvey prêchait le dimanche et tenait
1
Respectivement 34'304 et 1'401 $/hab. Chiffres tiré de l’atlas mondial Encarta, édition 1995.
Ne disposant d’aucune information sur l’origine de la marque, nous ne pouvons qu’émettre ici l’hypothèse que,
dans le sillage d’immigrés allemands arrivés dans l’île à la fin du XIXème siècle, quelques Suisses s’y seraient
installés, emmenant le Cervin dans leur bagages.
2
2
régulièrement ses réunions politiques en plein air3. La présence de ces noms dans le
quotidien des Jamaïcains ne signifie cependant pas qu’ils aient conscience de leur origine
précise. Bien que certains fassent parfois le rapprochement « Switzerland-Matterhorn »,
désignant à l’énoncé du pays le paquet de cigarettes : « You ‘ave a mountain like dis », la
plupart des Yardies ont de la Suisse une image plus que vague, un vieux Jamaïcain nous la
décrivant même comme « a very big country, surrounded by water »4. Ainsi, Prince Allah
n’entendit-il parler de la Suisse pour la première fois qu’au travers d’un film Disney, « Les
Robinsons Suisses »5, qui faisait pourtant plus de place aux plages désertes qu’aux verts
alpages.
Pour les rastas, la Suisse c’est avant tout Genève, siège de la SDN, où le négus prononça
son fameux discours de 1936, dénonçant l’invasion fasciste de son pays. Le pays représente
également le royaume des banquiers peu curieux. Dans sa désormais célèbre diatribe lancée
de la scène du One Love Peace Concert, Peter Tosh le mentionna d’ailleurs sous un jour
très « babylonien » : « […] the rigid force out dere who control the Jesus, yu nah seen, an’
dem big bank account in Switzerland, an’ dem ting dere »6. Tosh est également l’auteur de
la seule référence à la Suisse trouvée dans une chanson des années septante (1977) : « No
matter where you come from, as long as you’re a black man you are an African […] and if
you come from Switzerland, and you’re a black man, you are an African »7.
La Jamaïque compte en 2004 une « communauté » suisse forte de cent septante-six
membres8, chiffre qui se situe dans la moyenne de la présence helvétique dans les Caraïbes,
qui n’est importante qu’en République Dominicaine9, alors que la Suisse abrite une
poignée10 de citoyens jamaïcains. Maigres sont également les relations entre les deux
gouvernements, le dernier fait notable remontant à la signature, en décembre 1994, d’une
convention visant à éviter la double imposition à leurs ressortissants respectifs11.
Bref, le reggae représente le seul lien, unilatéral, entre les deux petits pays. Nous
chercherons donc, tout au long de ce mémoire, à retracer la mise en place de cet
improbable pont culturel. Dans un premier temps, nous nous pencherons sur la genèse de
3
Chevannes, Barry, Rastafari : Roots and Idelogy, SUP, 1994, p. 92
Entretiens en Jamaïque, octobre 1998.
5
Entretien avec Keith « Prince Allah » Blake, juin 2003
6
Peter Tosh, « Speech » in Live at the Ine Love Peace Concert, JAD, JAD-CD-1009
7
Peter Tosh, « African » in Collection Gold, Columbia, COL471663 2
8
Chiffres de l’Office Fédéral de l’immigration, de l’intégration et de l’émigration. (imes)
9
Trinidad&Tobago : 99, Haiti : 180, Cuba : pas de chiffres, Rép. Dominicaine : 1'251. Chiffres de l’imes.
10
Le consulat de Jamaïque ne nous ayant pas fourni de chiffres, nous ne pouvons estimer précisément leur
nombre.
11
www.admin.ch/ch/f/rs/0_672_945_81/
4
3
ce genre musical, replacée dans son contexte historique et spirituel, puis sa diffusion à
travers le monde, qui fit de la Jamaïque « the loudest country in the world »12. Nous
chercherons ensuite en Suisse par quels vecteurs cette musique a pu s’installer, survivre,
puis revenir en force vingt ans après son arrivée. Nous commencerons ainsi par nous
pencher sur Zurich, théâtre de l’arrivée en fanfare du reggae dans le pays, puis nous
étudierons en détails les cas de Neuchâtel et Genève, centres successifs d’une importante
activité musicale, mais différenciés par une approche différente de cette musique ainsi que
du message mystique largement véhiculé par celle-ci. Nous conclurons ensuite sur la
véritable explosion que connaît la scène reggae helvétique depuis quelques années.
a.2 Introduction méthodologique
Ce mémoire constitue, d’un point de vue méthodologique, un travail hybride à plus d’un
titre. Il convient tout d’abord de séparer clairement les chapitres consacrés à la Jamaïque,
au mouvement rasta ainsi qu’à l’histoire de la musique de l’île et a fortiori, du reggae, des
parties traitant du parcours de cette musique en Suisse. Ces premiers chapitres, à notre sens
totalement indispensables à la compréhension du sujet traité, sont constitués par la
compilation, ainsi que, dans la grande majorité des cas, la traduction de travaux de
référence sur le sujet. Si pratiquement tous les éléments qui y figurent constituent des
informations de « deuxième main », bon nombre d’entre eux apparaissent cependant pour
la première fois en français, et sont donc rendus accessibles à d’éventuels lecteurs non
anglophones. Certaines sous-parties, comme par exemple celle consacrée au reggae en
Afrique, sont par contre largement constituée d’observations personnelles et de nombreux
entretiens effectués lors de voyages en Afrique, ou avec des Africains résidents en Suisse.
Ceux-ci n’ont cependant pas été menés de manière formelle, et ne figurent donc pas en note
de bas de page. Ils ont avant tout eu valeur de précision d’éléments peu clairs, ainsi que de
confirmation d’informations trouvées dans la littérature spécialisée.
De nombreux entretiens informels ont également été menés avec des rastas rencontrés en
Jamaïque, et dans la communauté de Shashamane, en Ethiopie. Ces longues discussions
avec des membres de différents courants ont été extrêmement importantes pour
12
Lee, Hélène, Voir Trenchtown et mourir, Paris, Flammarion, 2004, p. 239
4
l’observation et la compréhension de l’application pratique de concepts et de croyances
étudiés sur papier. L’extrême précision dans le choix des mots requise par ces entretiens, la
moindre erreur dans la rhétorique pouvant parfois déclencher des réactions enflammées13,
nous ont par exemple fait prendre pleinement conscience de l’importance du Verbe pour
les rastas. Outre ces nombreuses informations glanées lors de voyages, nous avons eu le
privilège de nous entretenir, à une dizaine de reprises environ, avec Keith « Prince Allah »
Blake, véritable légende du roots reggae14. Les nombreuses heures passées en sa
compagnie nous ont éclairé sur de très nombreux points, nous donnant l’occasion d’avoir la
vision d’un artiste ayant vécu l’évolution de la musique jamaïcaine de l’intérieur, depuis les
années soixante. Ce fut également l’opportunité précieuse d’entendre le récit d’un sufferah,
qui vit toujours dans le ghetto de Greenwich Town, et qui cultive depuis plus de trente ans
une profonde foi rasta. Bien que ces n’entretiens n’aient pas été enregistrés, il nous a
semblé important de les faire figurer en bibliographie, étant donnée la valeur
exceptionnelle de cet interlocuteur.
En ce qui concerne les chapitres consacrés à la Suisse, la méthode employée fut, bien
entendu, fort différente. En effet, alors que la littérature consacrée à la musique jamaïcaine,
sans être encore pléthorique, voit chaque année de nouvelles contributions étoffer
davantage son offre, complétée encore par l’apparition, voici quatre ans, de magazines
français spécialisés, l’histoire du reggae en Suisse n’a pour l’instant jamais fait l’objet
d’une étude approfondie. Le présent mémoire fait donc, très modestement, œuvre de
pionnier dans ce domaine précis. Nous avons cependant, au cours de nos recherches, trouvé
deux travaux de mémoire suisses consacrés au reggae : « Wörte wie Feuer »15 de Staša
Bader et « The Poor Man’s Fun »16 de René Ramseier, présentés en ethnologie
respectivement durant l’été 1986 et l’automne 1993, à la Faculté de Lettres de l’Université
de Zurich. Bien que rédigés par des Suisses, ces travaux, au demeurant remarquables, sont
toutefois des études de terrain, caractérisés par un long séjour en Jamaïque, et ne traitent, à
quelques exceptions prés, pas du cas de la Suisse, et ne nous ont donc été d’aucun secours.
Devant le manque initial de sources écrites, nous nous sommes lancés, parallèlement à
l’étude de la littérature spécialisée en vue de la rédaction de la première partie du travail,
13
L’erreur classique de parler, en présence d’adeptes, de rastafarianism est ainsi généralement très rapidement
sanctionnée d’un sec « No "ism" in Rasta ! »
14
Ehrengardt, Thibault, « Roots rock reggae ina Greenwich Town » in Natty Dread (2), septembre 2000, pp. 2025
15
Bader, Staša, Wörte wie Feuer : Dancehall Dichtung in Jamaika und England, Zurich, Michael Schwinn,
1988, 275 p.
16
Ramseier, René, The Poor Man’s Fun : Der Reggae zwischen Volks- und Popmusik, Zurich, mémoire de
licence, 1993, 99 p.
5
dans une série d’entretiens, afin de « créer »17 des sources orales. Pour ce faire, nous avons
commencé par des contacts préalablement établis dans le milieu reggae romand, puis avons
eu accès à de nouveaux témoins, par ce que Fabienne Regard appelle la « technique boule
de neige »18, mais également à des sources écrites, soit issues directement d’archives
privées, soit trouvées dans les archives fédérales grâce aux indications données. Le choix
des personnes à interviewer, avec naturellement une préférence pour celles pour qui le
reggae représentait un engagement à long terme et non simplement une époque révolue de
leur jeunesse, fut assez aisé à opérer, étant donnée la modeste taille d’un réseau à l’intérieur
duquel « tout le monde se connaît ». Cet état de fait n’a d’ailleurs pas manqué de poser
certaines difficultés, évoquées plus loin. Si certains n’ont pas donné suite à une demande
d’entretien, la grande majorité des personnes sollicitées ont accueilli ce projet de travail,
ainsi que la perspective d’y être associé avec intérêt, voire enthousiasme, partageant
volontiers souvenirs et archives.
Une partie des personnes interviewées, pour la plupart « porteuses d’informations »19, pour
reprendre l’expression de Dominique Veillon, directement impliquées dans les faits
racontés, ont été entendues à deux reprises au moins. La première série d’entretiens eut lieu
au début de notre recherche, alors que nous disposions pratiquement d’aucun élément
concernant le sujet traité. Toutefois, des connaissances préalables touchant au reggae, au
sens large, nous ont permis d’avoir une certaine crédibilité auprès de nos interlocuteurs.
Ces premiers entretiens nous ont servi à dégager des tendances générales, d’un point de vue
géographique et chronologique, ainsi que les événements les plus marquants du
développement de cette scène musicale. Ils nous ont notamment permis de dresser une liste
très complète, sans bien entendu pouvoir prétendre à l’exhaustivité, des différents concerts
organisés, outil indispensable à la recherche efficace de sources écrites, et précieux « aidemémoire »20 lors de la deuxième série d’entretiens. En procédant à une recherche
systématique d’articles annonçant ou relatant, dans les journaux locaux, les événements
reggae, nous sommes parvenus à réunir un intéressant corpus, quantitativement et
qualitativement, de sources écrites. Cette étude extensive nous a en outre permis de suivre
l’intérêt porté au reggae par les médias, généralistes ou spécialisés. Plusieurs mois après
cette première série d’entretiens, nous avons rencontré une deuxième fois nos principaux
17
Regard, Fabienne, « Histoire orale d’un réfugié juif en Suisse (Henri Silberman) ou comment l’Histoire peut
utiliser le témoignage » in Etudes et Sources, p. 234
18
Ibid., p. 236
19
Veillon, Dominique, « Technique de l’entretien historique » in La bouche de la Vérité ?, Paris, Cahiers de
l’IHTP, 1992, p. 119
20
Frank, Robert, « La mémoire et l’histoire » in La bouche de la Vérité ?, op. cit., p. 70
6
interlocuteurs avec, cette fois-ci, une bonne connaissance du sujet, tirée de l’étude du
corpus de sources écrites, ainsi que de recoupements avec les nombreuses informations
obtenues lors des premières interviews. Cette deuxième série de rencontres nous a permis
de préciser des points peu clairs, notamment d’ordre chronologique, ainsi que de cibler plus
exactement le rôle de chacun.
Les entretiens furent menés soit sur le lieu de travail, soit au domicile des personnes
interrogées, et enregistrés sur minidisc. Leur durée, non déterminée à l’avance, variait entre
une et six heures, pour une moyenne d’environ quatre heures. Ils furent menés sous forme
d’interview libre lors de la première série, puis sous forme semi-directive lors de la
deuxième rencontre, en alternant questions précises et associations libres21. Ils furent le
plus souvent doublés d’une étude, avec l’interviewé, de ses archives personnelles (disques,
livres, articles, affiches,…). Cela permit à la fois de corroborer et de préciser des
informations données de mémoire.
Certains entretiens, spécifiés dans la bibliographie, furent également menés par téléphone,
essentiellement pour des raisons géographiques et de disponibilité. Ces entretiens, plus
courts que ceux effectués « physiquement », portaient cependant toujours sur des points
précis, des demandes de détails ou de point de vue sur des informations données par
d’autres témoins, et ce sur recommandation de ces-derniers. Les entretiens téléphoniques
furent réalisés à l’aide d’un questionnaire pré-établi, ce qui permettait notamment une prise
de note plus aisée, n’ayant pas les moyens techniques d’enregistrer ces échanges.
Nous avons également eu recours à quelques reprises à des autobiographies figurant sur des
sites internet personnels. Parfois sources d’information fort appréciables, elles n’étaient
cependant le plus souvent utilisée qu’en dernier recours, faute d’autres sources, et
méthodologiquement considérées comme sources orales.
Travaillant avec des sources orales, nous avons naturellement été confrontés aux « effets
pervers » inhérents à cette méthode, tels que détaillés par Denis Peschanski :
(re)construction, extrapolation, rehiérarchisation et immédiateté22. A ces difficultés
intrinsèques, le « handicap de l’a posteriori »23, sont venus se greffer des problèmes
particuliers au sujet traité.
Ainsi, si les personnes interviewées évoluent dans un milieu où « tout le monde se
connaît », elles n’ont cependant pas toujours de bons rapports entre elles, et des tensions
21
Regard, Fabienne, op. cit., p. 235
Peschanski, Daniel, « Effets pervers » in La bouche de la Vérité ?, op. cit., pp. 45-47
23
Becker, Jean-Jacques, cité par Frank, op. cit., p. 67
22
7
parfois vives peuvent apparaître. Nous avons donc fait de notre mieux pour ne pas nous
impliquer dans des querelles strictement personnelles, ne serait-ce que pour conserver les
excellents rapports entretenus avec les différentes personnes rencontrées. Les sujets de
discorde n’étant en outre, à notre sens, pas d’une importance historique capitale, nous
avons préféré rester cantonnés à l’évocation de l’existence de ceux-ci, sans entrer dans le
détail des versions données par les différents protagonistes. Ces tensions se sont également
manifestées par une remise en cause quasi systématique de la crédibilité de certains
témoins, renforçant encore le besoin de sources écrites ou de confirmation de la part de
tiers. Ces recoupements n’ont cependant pas toujours été possibles, notamment dans le cas
de récits de jeunesse ou de voyage. Certains éléments, tels l’abondance de détails et surtout
la répétition exacte, à plusieurs mois d’intervalle, de récits identiques nous ont néanmoins
permis de nous forger une opinion personnelle quant à la vraisemblance des faits rapportés,
avec bien sûr le risque de nous tromper parfois, notamment quant au rôle exact joué par les
différents témoins.
Un autre élément propre à cette recherche est le fait que bien des souvenirs évoqués étaient
plutôt « enfumés » ou « arrosés », ce qui ne facilita pas la recherche des détails ou
l’établissement d’une chronologie précise, puisque nous obtenions souvent en guise de
réponse une fourchette de plusieurs années.
Liées à l’aspect « enfumé » de certains, voire nombreux souvenirs, des questions légales
sont également entrées en ligne de compte. En effet, élément essentiel du cliché « reggaerasta », le cannabis, consommé, cultivé ou vendu occupe une place importante dans de
nombreux récits. Nous avons donc déterminé précisément avec les personnes interviewées
quels éléments figureraient dans le présent mémoire, afin qu’aucune information
mentionnée ne puisse leur porter préjudice d’un point de vue judiciaire. Ce qui explique
notamment que les faits relatifs à ladite plante soient plus librement exprimés et détaillés
lorsqu’ils sont survenus à l’étranger ou dans un passé suffisamment lointain pour écarter
toute conséquence fâcheuse.
Au niveau de la construction de ce mémoire, nous avons dû choisir une approche
permettant de donner une structure cohérente à un ensemble d’informations disparates.
Nous avons ainsi opté, dans le cas de la Suisse romande, pour une structure
« biographique », en nous servant de l’évolution de différents protagonistes comme fil
rouge. Ce parti pris étant à nos yeux pertinent, non seulement comme l’unique moyen de
structurer efficacement le texte, mais également pour illustrer l’importance de
8
l’engagement de quelques passionnés de la première heure dans l’établissement d’une
scène reggae helvétique.
Cette approche se traduit également par une structure très descriptive, centrée sur des faits.
Difficile en effet de se lancer dans une tentative d’analyse du phénomène à partir de récits
personnels. Nous avions dans un premier temps songé à combiner notre travail historique
avec une analyse sociologique, à l’aide de questionnaires24 déposés dans un magasin
spécialisé, afin de chercher à dresser un profil du fan de reggae. Cependant, devant la
diversité des réponses obtenues, la fourchette des professions pratiquées allant ainsi de
caissière à pilote de ligne en passant par paysagiste, nous avons abandonné ce projet, bien
qu’il y aurait sans doute là un sujet d’étude intéressant.
En ce qui concerne la langue, le lecteur se rendra rapidement compte que ce mémoire est
littéralement truffé d’anglicismes, ce qui est le cas de toute publication sur le sujet, quelle
que soit la langue de l’auteur. Cela est bien évidemment dû au fait que le reggae est issu
d’un pays anglophone, et que tous les termes le décrivant apparaissent dans cette langue.
Ces expressions sont de plus, à l’instar de ce qui est pratiqué dans la littérature spécialisée,
laissées dans leur particulière orthographe jamaïcaine, basée sur leur prononciation dans
l’île. Ainsi, par exemple, le mot « rythme », qui en anglais s’écrirait « rythm », devient
dans le cadre des écrits relatifs au reggae, « riddim ». Ces termes font office de convention
officieuse, et chercher à les traduire n’aurait pour seule conséquence qu’une perte de
crédibilité auprès du lecteur spécialiste. Pour familiariser le lecteur non initié à ce
vocabulaire particulier, nous avons fourni une explication, sous forme de note de bas de
page, à chaque premier emploi d’un terme, et placé en annexe un glossaire en cas de
doutes.
Si le reggae n’est pas le seul genre musical jamaïcain à trouver un écho en Suisse ; ska, dub
et surtout, depuis quelques années, dancehall ayant également leur place de le cœur de
nombreux helvètes, c’est néanmoins sur cette musique que nous nous concentrerons quasi
exclusivement. En effet, le reggae, particulièrement dans sa déclinaison roots, fut la porte
d’entrée du public occidental dans le monde musical jamaïcain. Et sa vivacité sur le sol
européen est un particularisme tout à fait intéressant, illustré par le fait que la grande
majorité des groupes reggae du continent, et donc de Suisse, s’attache à chercher à
reproduire un son issu tout droit des années septante, et depuis bien longtemps tombé en
24
Voir en annexes
9
désuétude dans son pays d’origine. Ce parti pris reflète également, nous ne le nierons pas,
nos goûts personnels en matière musicale.
Pour conclure cette introduction méthodologique, nous rappelons les limites de ce travail,
que certains, notamment des acteurs de la scène reggae, pourraient considérer comme des
oublis. Nous n’envisageons bien entendu en aucun cas de prétendre à l’exhaustivité, et
avons ainsi délibérément choisi de ne pas intituler ce mémoire « Histoire du reggae en
Suisse ». Des foyers reggae ont existé dans d’autres villes que Zurich, Neuchâtel ou
Genève. Des lieux tels que Lucerne, Berne, les environs d’Aarau ou encore Bienne
mériteraient également une étude attentive. Nous avons cependant eu à opérer des choix,
pertinents à nos yeux ainsi qu’à ceux de personnes rencontrées. La part belle faite à la
suisse romande n’est ainsi pas uniquement le résultat de notre situation géographique,
facteur qui a cependant joué un rôle important, le röstigraben s’avérant bien souvent un
concept des plus concrets, mais également parce que les différents exemples choisis, sans
être exclusifs, sont représentatifs de l’évolution du rapport entre la Suisse et le reggae.
10
Première partie : Histoire du reggae
I.1 Histoire de la Jamaïque
« Tell us of our past history, tell us of our nationality,
Tell us where we are coming from, tell us and we will understand »25
Yabby You
Troisième île, par la taille, des Caraïbes, malgré ses modestes 7100 kilomètres carrés, la
Jamaïque a une histoire troublée et violente. Une histoire dont les répercussions rythment
directement chaque évolution de la situation actuelle.
I.1.a Les Arawaks
On estime la date d’arrivée des premiers habitants de l’île aux environs du septième siècle
de notre ère. Originaires des rives de l’Orénoque au Vénézuela, les Arawaks, habiles
marins, étaient progressivement remontés le long des Caraïbes pour finalement s’installer
en Jamaïque, une terre inhabitée, vieille d’environ cent quarante millions d’années, idéale
pour ce peuple pacifique26.
Plutôt petits et élancés, ils avaient la peau cuivrée et les cheveux très noirs. Leur visage
large était surmonté d’un crâne pointu, dû à l’aplatissement de la tête des bébés entre deux
planches, à la manière des Indiens Flathead d’Amérique du Nord.
Les Arawaks vivaient en petites communautés, subdivisées en clans familiaux. Leurs petits
villages faits de maisons coniques étaient souvent situés à l’embouchure des rivières, très
nombreuses sur l’île. C’est d’ailleurs cette abondance qui donna son nom à l’île : Xaymaca,
« la terre des sources ». Leur société égalitaire, très peu matérialiste, ne laissait à leur chef
héréditaire, le cacique, qu’un rôle honorifique. Ils vivaient de pêche, de chasse et de
différentes cultures : maïs, manioc, haricots, alternativement plantés afin d’empêcher que la
terre fertile ne s’appauvrisse.
Les Arawaks n’utilisaient ni roue, ni bête de somme. Le seul métal employé était l’or, à des
fins purement décoratives et en petites quantités. L’abondance de nourriture leur permettait
de se consacrer à différentes formes d’artisanat telles que poterie, sculpture et tissage du
25
26
Vivian « Yabby You » Jackson, Tell us of our past history, in « Prophecy », YVJ009CD
Lutanie, Boris : « Histoire de la Jamaïque » in Ragga (HS 1), 2001, p.20
11
coton. Ils fabriquaient ainsi habits et hamacs, dont ils faisaient commerce avec les îles
voisines.
Une part importante de leurs loisirs était consacrée au batos, sorte de volleyball joué avec
une balle en caoutchouc. Ils consommaient de l’alcool de maïs, fumaient différentes
feuilles séchées (mais pas de cannabis, qui n’apparaîtra en Jamaïque qu’au XIXème siècle ),
et prisaient une poudre par le nez à travers un tuyau d’un mètre de long.
Polythéistes, ils vénéraient un dieu suprême, Yocahú, dieu du soleil et « donneur de
manioc », qui régnait sur une multitude de dieux secondaires, ayant tous le pouvoir de
contrôler un élément naturel. Il croyaient en la vie après la mort, dans un paradis appelé
coyaba, et étaient enterrés dans des grottes.
Mais vers la fin du XVème siècle, un événement mit brutalement fin à cette existence
paisible.
I.1.b. L’arrivée des Espagnols
C’est le 5 mai 1494 que Christophe Colomb « découvrit » la Jamaïque, à Santa Gloria
(aujourd’hui appelée Discovery Bay), au Nord de l’île. Il fut submergé par la beauté de
cette terre, qu’il baptisa Santiago. Les premiers contacts entre espagnols et Arawaks se
passèrent plutôt bien. Dans son journal, Colomb décrivit les indigènes comme « honnêtes,
contents de ce qu’ils possèdent, pacifiques et généreux »27, en contraste avec les féroces
Caraïbes qui peuplaient les îles environnantes et qui donnèrent leur nom à l’archipel. Cette
description idyllique des lieux et de ses habitants n’empêcha cependant pas Colomb de
mettre en œuvre la première tragédie de l’histoire de l’île : l’extermination des Arawaks.
Réduits en esclavage, ils furent en effet décimés par les maladies et les mauvais
traitements. D’autres choisirent de se suicider après avoir tué leurs enfants plutôt que de se
soumettre. On estime à environ cent mille individus la population autochtone de l’île à
l’arrivée des espagnols. En 1611, un document officiel adressé au roi d’Espagne annonçait
qu’il ne restait plus que septante-quatre Arawaks vivants28.
Les recherches d’or s’étant révélées infructueuses, les espagnols se mirent à développer la
culture de la canne à sucre. La Jamaïque allait d’ailleurs en devenir durant les siècles
suivants le premier producteur mondial, devant le Brésil et Cuba29. Cette culture fort
27
Baker, Christopher,« Jamaica », Lonely Planet, 1996, p.13
Lutanie, Boris : « Histoire de la Jamaïque » in Ragga (HS 1), 2001, p.22
29
Bernand, Carmen : « Impérialismes ibériques » in Le Livre noir du Colonialisme, Robert Laffont, 2003, p. 168
28
12
lucrative nécessitait cependant une main d’œuvre abondante. Devant l’impossibilité de
remplacer les Arawaks par d’autres peuples des îles voisines, les Espagnols allèrent se
servir plus loin, de l’autre côté de l’Atlantique.
I.1.c. Terre d’esclaves et de pirates
Les premiers déportés africains, originaires de l’Angola, arrivèrent en Jamaïque en 1517.
Ils ne tardèrent pas à former la population majoritaire de l’île. Peu d’Espagnols vinrent en
effet s’installer sur un territoire considéré comme une possession de seconde zone. Et s’ils
le défendirent contre les attaques françaises puis anglaises entre 1556 et 1655, ils finirent
par céder la Jamaïque à la couronne britannique lors du traité de Madrid de 1670. Ils prirent
cependant soin de libérer et d’armer leurs anciens esclaves, afin de compliquer la tâche des
nouveaux colons. Nous étudierons dans la partie suivante les répercussions de cet acte.
A peine arrivés, les Anglais reprirent la traite de plus belle, et s’installèrent plus
sérieusement que leurs prédécesseurs. Les Européens restaient cependant largement
minoritaires : ils étaient environ 7’000 pour 40'000 esclaves en 1700, puis 20'000 pour
300'000 un siècle plus tard30. Les premiers colons anglais étaient souvent d’anciens soldats,
qui s’installaient alléchés par les perspectives d’énormes bénéfices représentées par les
plantations de canne à sucre. Ils furent vite rejoins par des Ecossais et des Gallois chassés
par la misère, ainsi que des bagnards exilés. Ces-derniers venaient souvent grossir les rangs
des boucaniers qui, organisés en « Frères de la Côte », firent des eaux des Caraïbes les plus
dangereuses du monde. Pourchassés par les Espagnols, ils devinrent corsaires au service de
la Grande-Bretagne, harcelant sans cesse les navires de leur ennemi commun. Ils firent de
leur base, Port-Royal, située au bout de la baie de Kingston, la capitale mondiale de la
piraterie, une cité de violence et de vice, honnie par le Clergé. Après des décennies
d’accumulation de richesses, Port Royal fut finalement anéantie le 7 juin 1692 par un
tremblement de terre, que beaucoup virent comme un châtiment divin31.
Parallèlement aux activités florissantes de piraterie, les Anglais ne levèrent pas le pied en
matière d’importation massive de bois d’ébène. Entre 1517 et 1807, date de l’interdiction
de la traite, 750'000 hommes, femmes et enfants furent ainsi emmenés de force en
Jamaïque. Ils étaient originaires de différentes régions d’Afrique de l’Ouest et Centrale :
Yorubas, Ibos et Haoussas du Nigeria et du bas Niger (environ 28 %), Ashantis (dont la
30
31
Baker, Christopher, op. cit., p.20
Ibid., p. 24
13
langue, le Twi, a encore une grande influence sur le patois jamaïcain), Fantis, Mandingos et
Coromantes32 du Ghana et de Côte d’Ivoire (environ 25 %), ainsi que diverses ethnies du
groupe bantou d’Afrique Central (environ 17 %)33, Eboes, Nokos, Nagos et Sobos34. Ces
grands groupes étaient beaucoup plus homogènes que ceux du Sud des Etats-Unis, et
parvinrent donc à conserver plus longtemps leur culture. Ils posèrent également beaucoup
de problèmes à leurs bourreaux blancs.
I.1.d Une tradition de rébellion
Il est indispensable, pour tenter de comprendre la culture jamaïcaine, de se plonger dans sa
longue histoire de lutte et de résistance, physique et mentale, face à l’esclavage, puis au
colonialisme qui lui succéda.
Plusieurs facteurs entrent en ligne de compte pour expliquer le caractère indomptable de la
population noire de l’île. Tout d’abord, la Jamaïque voyait débarquer les esclaves les plus
rebelles, dont les négriers se débarrassaient avant de poursuivre leur route vers le Sud des
Etats-Unis ou l’Amérique latine35. Parmi eux, de nombreux Coromantes, réputés et craints
pour leur féroce résistance36. Ensuite, la faible présence des colons blancs, qui ne
représentaient dès la fin du XVIIIème siècle que moins d’un dixième de la population de
l’île, mais firent de l’esclavage pratiqué en Jamaïque le pire de l’empire britannique37. De
plus, comme nous l’avons vu plus haut, les esclaves formaient des groupes moins
hétérogènes que dans les états du Sud des Etats-Unis, et étaient donc plus à même de se
comprendre, et donc de s’organiser. Et finalement la topographie accidentée du centre de la
Jamaïque, qui se prêtait remarquablement à une résistance de type guérilla, et ce malgré la
petite taille de l’île.
Ce dernier facteur joua un rôle essentiel dans la plus longue lutte que se livrèrent Africains
et Anglais. C’est en effet dans les Blue Mountains de l’Est et surtout le Cockpit Country, le
cœur de la Jamaïque, que se réfugièrent les esclaves libérés par les Espagnols. Dès 1662,
les Maroons (de l’espagnol cimmaron : « sauvage »), menèrent les premières luttes contre
32
Les Coromantee étaient en fait principalement des Ashantis et des Fantis ayant transité par Koromantyn, près
de Cape Coast au Ghana.
33
Curtin, Philip D. : “The Atlantic Slave Trade,a Census”, Madison, 1969, cité par Adams, L. Emilie :
“Understanding Jamaican Patois”, Kington, LMH, 1994, p.29
34
Davis, Stephen et Simon, Peter : « Reggae Pur Sang », Albin Michel, 1980, p. 13
35
Lee, Hélène, « La naissance du culte rasta » in GEO (222), août 1997, p.132
36
Leur aptitude au combat était notamment due au fait que bon nombre d’entre eux étaient des prisonniers de
guerre.
37
Barrett, Leonard, The Rastafarians, Beacon Press, 1997, p.29
14
les Anglais. Menés par des leaders entrés dans la légende tels que Acheampong Nanny ou
Cudjoe38, ils menaient des raids violents et rapides contre les plantations, emmenant armes,
bétail, vivres et les esclaves qui voulaient les suivre, avant de disparaître dans les collines.
Face à ces redoutables attaques, qui culminèrent dans les années 1690-1720, les colons
terrorisés se cloîtrèrent dans des grandes villas juchées au sommet des collines, donnant
naissance à une « paranoïa institutionnelle »39 qui marque aujourd’hui encore les classes
supérieures de la société jamaïcaine.
Les Anglais répliquèrent brutalement, faisant appel à des troupes d’élite, les Tuniques
Rouges, et des chiens de combat pour aller débusquer les Maroons dans leur maquis. Ils
leur fallut cependant huitante ans, et une offensive massive contre le fief de Nanny Town,
en 1734, pour en venir à bout. Le traité du 1er mars 1739, témoin de la lassitude des deux
camps, mit fin à la guerre en garantissant aux Maroons la liberté et l’autonomie sur deux
mille cinq cents arpents de terre. « Ce fut une rencontre extraordinaire. Cudjoe, homme
petit et fier marqué par les dizaines d’années de responsabilité et de guerre, portait comme
ses troupes des vêtements déchirés, tachés par la boue des Cockpits. Les Anglais, eux,
resplendissaient dans leurs uniformes rouges de combat. Mais, chose incroyable, c’étaient
les Anglais qui avaient proposé la paix, et ils étaient prêts à reconnaître aux Marrons un
statut d’autonomie en plein milieu de la Jamaïque. »40
Ce traité, aujourd’hui encore entre les mains des descendants des Maroons, stipulait que
ceux-ci devaient dorénavant pourchasser les fuyards noirs, les tuer ou les rendre à leur
maître. Ce qu’il firent avec un zèle suffisant, dû entre autres à leur profond mépris pour les
esclaves qui ne s’engageaient pas dans la lutte armée, pour s’attirer la haine de tous les
autres Africains de l’île et ternir leur image par cette trahison. Mais leur courage et leurs
décennies de lutte farouche en firent malgré tout à jamais un symbole mythique de l’âme
rebelle des Jamaïcains. Et leurs descendants directs vivent de nos jours dans une sorte de
petit état dans l’état, dans lequel la police jamaïcaine ne pénètre pas.
Après la fin de la guerre entre Maroons et Anglais, les soulèvements continuèrent de
manière régulière. La première révolte de grande envergure fut l’Easter Rebellion de Port
Maria, le dimanche de Pâques 1760. Elle fut menée par Tacky, chef de tribu Coromante, et
38
Cudjoe, ou Cadjoe, Cujo, Kojo, « né un lundi » en twi, surnommé « le Lion des Montagnes » était un jeune
guerrier Coromante qui s’illustra dans la sanglante rébellion de Chapleton, en 1690. Secondé de ses frères
Johnny, Accompong, Cofi et Quaco, il devint le leader unique des Maroons lorsque ceux-ci décidèrent de s’unir
pour mieux résister à l’armée anglaise. Nanny, dont on ne sait pratiquement rien, est présentée soit comme la
femme, soit la sœur de Cudjoe. Elle devint en 1975 la première femme héros national de l’histoire du pays.
39
Davis, Stephen et Simon, Peter : op.cit., p.150
40
Ibid., p.152
15
fit, en un mois, soixante morts côté blanc et plus de trois cents du côté des insurgés noirs.
Malgré la violence sauvage de la répression anglaise, les révoltes se succédèrent.
Notamment en 1795, lorsque dopés par les nouvelles des réussites de Toussaint l’Ouverture
en Haïti voisine41, les Maroons initièrent une nouvelle rébellion qui fut vite matée, et dont
les meneurs furent envoyés en Sierra Leone42.
L’interdiction de la traite des noirs, en 1807 ne changea rien à la situation des esclaves, et
les révoltes continuèrent. La Christmas Rebellion de 1831, menée par Samuel Sharpe,
ancien esclave devenu prêtre baptiste, impliqua vingt milles esclaves. La répression qui
suivit fit environ mille morts, et précipita à Londres la décision d’abolir l’esclavage. Il fut
ainsi officiellement interdit le 1er août 1834, mais il fallut attendre encore quatre ans pour
que la théorie devienne réalité concrète.
La situation des anciens esclaves n’en devint pas plus facile pour autant. Il était prévu
qu’ils devaient travailler encore six ans gratuitement pour leur ancien maître, à titre
d’ « apprentissage » ! Ils refusèrent ces conditions qui étaient doublées de salaires si
ridiculement bas qu’ils perpétuaient en fait les sombres pratiques officiellement abolies.
Les Noirs quittèrent donc les plantations pour cultiver individuellement de minuscules
lopins de terre peu fertile. Ils furent remplacé par des travailleurs européens (dont de
nombreux Allemands et Irlandais), africains, chinois et indiens. Ces derniers eurent une
grande importance dans l’élaboration syncrétique du rastafarisme43, important notamment
des cargos de ganja44, alors inconnue sur l’île.
Relégués au rang de citoyen de troisième zone, loin derrière les Blancs et les Mulâtres45 ,
les Noirs se mirent à se battre pour être représentés dans la vie politique. George William
Gordon, député métis qui fut le premier élu à représenter au Parlement la population noire,
et Paul Bogle, diacre baptiste, organisèrent à Morant Bay, le 11 octobre 1865, une
manifestation qui dégénéra suite à l’intervention violente des milices blanches. Gordon et
Bogle furent pendus, quatre cent trente manifestants exécutés (sans compter les dizaines de
morts durant les émeutes) et des centaines de maisons furent rasées. Cette répression
brutale eut des échos jusqu’à Londres, qui démit de ses fonctions le gouverneur Edward
Eyre, et entreprit une série de réformes visant à développer l’île et améliorer un tant soit
41
Suite à une révolte initiée par Boukman, esclave né en Jamaïque.
Ce furent les premiers « Africains du Nouveau Monde » à être rapatriés (bien que le terme « expulsés »
conviendrait mieux) sur, à quelques milliers de kilomètres près, leurs terres d’origine. Une soixantaine d’entre
eux retournèrent ensuite en Jamaïque en hommes libres.
43
Cf. Chap. 2
44
Ce terme sanskrit pour désigner le cannabis est aujourd’hui encore le plus usité en Jamaïque.
45
Les planteurs développèrent un système de noms, repris ensuite par les Jamaïcains, pour désigner la proportion
de sang noir des métis : sambo (3/4), mulatto (1/2), quadroon (1/4), octaroon (1/8) et musteefino (1/16).
42
16
peu la situation des anciens esclaves. « C’[était] la fin de la Jamaïque des planteurs.
Devenue « colonie de la Couronne », elle [devait] désormais se plier aux lois de l’empire,
le bon plaisir des contremaîtres ne [faisait] plus loi. Avec la création de structures
administratives, la construction de routes et de chemins de fer et surtout l’instauration d’un
système judiciaire moderne, le pays [entra] cahin-caha dans le XXème siècle. »46
I.1.e La Jamaïque moderne
Vers la fin du XIXème siècle, la culture de la banane remplaça celle de la canne à sucre, et
les échanges commerciaux se multiplièrent avec le grand voisin américain. Mais l’immense
majorité de la population vivait encore dans une profonde misère. Et la nature ne fit rien
pour améliorer les choses : un tremblement de terre détruisit une bonne partie de Kingston
en 1907, puis ce furent des ouragans qui dévastèrent l’île trois années de suite entre 1915 et
1917.
Les années trente furent particulièrement difficiles, car la Jamaïque fut naturellement
touchée de plein fouet par la Grande Dépression. Avec moins de 20 % d’habitants touchant
un quelconque salaire47, l’île traversa une série de graves troubles sociaux, culminant avec
les émeutes de janvier 1938. Initiées par une grève des travailleurs de la West Indies Sugar
Company de Serge Island, elles se propagèrent rapidement dans toute l’île, forçant les
autorités coloniales à instaurer l’état d’urgence. Les événements de 1938 marquèrent à bien
des égards un tournant, la naissance de la Jamaïque moderne. Ils virent ainsi la naissance
du système à deux partis de la politique jamaïcaine48, le passage du pouvoir de la rue vers
ces mêmes partis49, ainsi que l’entrée en scène des personnages clé de l’indépendance :
William Alexander Bustamante50 et Norman Washington Manley. Métis d’origine modeste,
Bustamante se fit le porte-parole des grévistes, et fonda en 1938, avec St William Grant, la
BITU (Bustamante Industrial Trade Union) qui allait devenir en 1943 le JLP (Jamaican
Labour Party), représentant malgré son nom l’aile droite du paysage politique jamaïcain.
Son adversaire et cousin, Norman Manley, lui aussi métis au teint très clair, fonda pour sa
part, en 1938 également, le PNP (People’s National Party), qui allait incarner la gauche
jamaïcaine. Les premières élections, remportées par le JLP de Bustamante, eurent lieu en
46
Lee, Hélène, « La naissance du culte rasta » in GEO (222), août 1997, p.134
Baker, Christopher, op. Cit., p.25
48
Bradley, Lloyd, Bass Culture , Penguin, 2000, p.81
49
Lee, Hélène, Le Premier Rasta , Flammarion, 1999, p.145
50
né William Alexander Clarke
47
17
1944, après un changement de constitution qui mettait la Jamaïque sur le chemin de
l’autonomie, acquise en 1947, puis de l’indépendance quinze ans plus tard.
Les années cinquante furent marquées par un grand boom économique dû à la découverte
d’immenses gisements de bauxite, indispensable à la fabrication de l’aluminium. La
Jamaïque en fut d’ailleurs entre 1950 et 1957 le premier producteur mondial, et son PNB
passa en dix ans de 70 à 230 millions de livres sterling51. Plusieurs grandes entreprises
américaines investirent massivement dans l’île, créant 10'000 emplois, mais elles
chassèrent surtout vers les villes, principalement Kingston et Spanish Town, 300'000
paysans, aggravant ainsi l’exode rural52.
La décennie fut également marquée par le départ vers les Etats-Unis, le Canada et surtout la
Grande-Bretagne de 250'000 Jamaïcains, soit un dixième de la population. L’expatriation
allait fonctionner pendant des années comme « soupape de sécurité »53 face au taux de
natalité extrêmement élevé de la population de l’île.
Le PNP prit le pouvoir en 1955, et commença à mener le pays vers une indépendance que
tous sentaient proche. Manley tenta ainsi d’intégrer la Jamaïque dans une West Indies
Federation voulue par Londres. Bustamante s’y opposa, et obtint la tenue d’un référendum
qui, en 1961, marqua la sortie de l’île d’une fédération qui n’avait encore pas vu le jour.
Cette volonté d’aller de l’avant tout seul illustrait bien le sentiment de confiance et d’espoir
qui habitait la population à la veille de l’indépendance.
« […] which produced a widespread sense of national optimism; a factor which, if you
were sitting on the dirt floor of a cardboard shack in Jones Town54, was probably of far
greater significance than your actual fiscal improvement.»55
L’indépendance fut proclamée le 6 août 1962, en présence du vice-président américain
Lyndon Johnson et de la princesse Margaret. L’Union Jack fut remplacé par le drapeau
noir, pour le peuple, vert, pour la nature, et or, pour le soleil.
Cette indépendance coïncida avec l’explosion de la première musique typiquement
jamaïcaine, le ska, qui allait devenir la bande-son des premières années de la nation. A
partir de cette date, musique et politique allaient constamment se mêler. C’est donc
désormais à travers le prisme de l’évolution musicale que nous étudierons, dans le
troisième chapitre, l’histoire de la Jamaïque indépendante.
51
Salewicz, Chris et Boot, Adrian, Reggae Explosion, Seuil, 2001, p.19
Bradley, op. cit, p.14
53
Constant, Denis, Aux Sources du Reggae, Parenthèses, 1982, p. 61
54
partie du ghetto de West Kingston
55
ibid, p.13
52
18
I.2 Rastafari
« That’s the strangest man I’ve seen, that’s because he’s a Rastaman,
Having the mark of a Nazarine, that’s because he’s a Rastaman,
He carries a prophetical message, that’s because he’s a Rastaman,
Warning out of time and out of place, that’s because he’s a Rastaman,
The Rasta come from Zion, Rastaman a lion.» 56
Bunny Wailer
Avant même d’étudier l’évolution de la musique qui en sera le vecteur à travers le monde,
il convient de chercher à comprendre la genèse du mouvement rastafari. A comprendre
pourquoi ses adeptes considèrent l’Ethiopie comme la terre de leurs ancêtres57, et son
empereur Hailé Sélassié Ier comme leur rédempteur et dieu vivant. Pourquoi ils couvrent
leur tête de dreadlocks et font de la ganja un sacrement. Cette recherche est nécessaire non
seulement pour rectifier le cliché persistant qui consiste à considérer les rastas comme un
troupeau d’illuminés chevelus et fumeurs d’herbe, mais également pour suivre le fil d’une
résistance moins visible que la lutte armée, mais tout aussi farouche : le combat mené
depuis plus de quatre siècles par les plus basses couches sociales jamaïcaines pour
conserver leur culture et leurs racines africaines. Ou, le cas échéant, pour les réinventer.
I.1.a Les religions des esclaves
Contrairement aux colons catholiques, qui convertissaient de force leurs esclaves au
Christianisme, les Anglais ne cherchèrent pas à évangéliser les Africains de Jamaïque avant
le XIXème siècle, craignant que ceux-ci ne prennent au pied de la lettre les idées égalitaires
exprimées dans la Bible. Ils permirent ainsi aux esclaves de conserver efficacement leurs
croyances. Les Maroons eurent à nouveau un rôle important à jouer. En effet leur religion,
le Myal, au panthéon de laquelle on retrouvait un dieu Ashanti, Nyankopong58, se répandit
dans les plantations sous le nom de Kumina59, du nom de l’un des rites de possession du
56
Neville « Bunny Wailer » Livingstone, Rastaman, in «Blackheart Man», Island 846 266-2
Bien qu’il n’y eut jamais le moindre Ethiopien déporté vers la Jamaïque. Les nombreux esclaves éthiopiens
furent victime des Arabes et non des Européens.
58
Dallas, R. C., The Story of the Maroons, cité par Barrett, op. cit., p.19
59
Du Twi Akom: « être possédé » et Ana: « par un ancêtre »
57
19
culte. Effrayés par le côté trop « radicalement africain »60 du Myal/Kumina qui pouvait
servir de support moral à des révoltes, les planteurs blancs préférèrent promouvoir le
Jonkonnu61, ou John Canoe, jugé moins séditieux. Le rite du Jonkonnu, toujours pratiqué
dans certaines zones rurales, était en fait très proche du Myal/Kumina. Tous deux mettaient
l’accent sur les percussions, chants et danses des masques, ainsi que sur l’omniprésence
d’esprits, les duppies, avec lesquels il était indispensable de garder de bons rapports.
Contrairement au Myalman, ou Daddy, guérisseur oeuvrant pour le bien de la communauté,
l’Obeahman était craint pour sa faculté de jeter des sorts, et d’utiliser les duppies pour
nuire. Les pouvoirs occultes de l’Obeah62 restent toujours présents dans la vie des
Jamaïcains, tout comme le recours à la médecine traditionnelle63.
I.2.b Ethiopianisme et Great Revival
Parallèlement aux religions africaines pratiquées par les esclaves, le Christianisme fit
lentement sont apparition dans l’île, par le biais de différentes sectes protestantes issues des
Etats-Unis. Les Moraviens s’installèrent ainsi dès 1734, suivis par les Méthodistes deux ans
plus tard. Ce fut ensuite le tour des Baptistes en 1783 et finalement des Presbytériens en
1823. La première Eglise à rencontrer un grand succès parmi les Jamaïcains fut l’Ethiopian
Baptist Church, fondée en 1784 par George Liele64, un prêtre baptiste noir venu de
Géorgie. Il convient de s’attarder quelque peu sur la symbolique de l’Ethiopie, qui allait
occuper une place de plus en plus importante dans la rhétorique des différents mouvements
noirs issus de l’île. Le nom « Ethiopia » vient du grec « Aethiops » qui signifie « le pays
des visages brûlés »65. Il désigne en fait dans la Bible l’Afrique toute entière, le pays luimême étant appelé Abbysinia. Pour les esclaves, la découverte du psaume 68 fut une
révélation : « Ethiopia shall soon stretch out her hands unto God »66 (psaume 68 :31).
L’Afrique n’était plus une terre obscure peuplée de sauvages comme tentaient de les en
convaincre les Blancs, mais au contraire un continent élu, appelé à « tendre ses mains vers
Dieu ». Dans Jérémie 13 :23, l’Ethiopie apparaît à nouveau : « Can the Ethiopian change
60
Johnson, Howard et Pines, Jim, Deep Roots Music, Proteus, 1981, p.26
Du Ewe Dzong Kunu : « sorcier terrible ».
62
Du Twi Oba : « enfant » et Yi : « prendre ».
63
Selon Barrett, op. cit, p.24, dans les zones rurales, la médecine traditionnelle représente encore 90% des soins
prodigués.
64
Parfois écrit « Lisle »
65
Lee, Hélène, Le Premier Rasta, op. cit, p.77
66
cité par Barrett, op. cit., p.68
61
20
his skin, or the leopard change his spots »67. Les esclaves adoptèrent donc la Bible, qui
contenait les seules évocations concrètes de leur terre d’origine. Ils n’abandonnèrent pas
pour autant leurs croyances animistes, mais les mêlèrent progressivement au Christianisme.
Les rites des cultes baptistes et méthodistes se prêtèrent particulièrement bien à ce mélange
de par leur expression spectaculaire, proche de la possession du Kumina68.
Une nouvelle étape de syncrétisme fut franchie dans les années 1860-61, avec l’arrivée en
Jamaïque du Great Revival venu d’Irlande. Encouragé par le clergé anglican, le
mouvement eut un grand succès parmi les anciens esclaves. En se mêlant aux religions
africaines, il donna naissance à deux mouvements distincts : le Revival Zion (1860), et le
Pukumina69 (1861), le second conservant plus de croyances africaines que le premier. Nous
utiliserons cependant le terme générique « Revival » pour désigner indistinctement les deux
mouvements, ceux-ci offrant bien plus de points communs que de différences.
Dans le Revival, Dieu, appelé « Big Maasa » (Big Master), était la figure centrale mais
lointaine qui contrôlait les éléments naturels. Les fidèles invoquaient de préférence les bons
esprits, dont Pupa Jesus, était le chef de file70. Les duppies malfaisants étaient menés par
Satan en personne.
« Duppies are regarded as the inverse of everything human. They rest during the day,
roam abroad at night and must find their tombs and graves before sunrise. They never walk
with their feet on the ground; they talk with a nasal accent, laugh in a shrill tone, and
cannot count beyond three.»71
Les adeptes accordaient également une grande importance aux rêves, appelés visions, qui
étaient un vecteur de communication entre l’au-delà et le monde visible. Ils se soignaient
par les plantes, et considéraient déjà la ganja comme une panacée72, sans pour autant la
sacraliser. Les guérisseurs étaient souvent des femmes, qui dans le Revival étaient
considérées par les hommes avec un mélange de respect et de méfiance. De nombreux
proverbes (« Beautiful woman, beautiful troubles ») et chants folkloriques («Ooman a ebi
load »73 , « Woman is a heavy load ») illustraient sans équivoque cette vision, identifiant
toute femme à Eve la tentatrice ou Dalila la traîtresse.
67
Ibid., p.68
Ibid., p.20
69
Parfois écrit «Pocomania».
70
Chevannes, Barry, Rastafari : Roots and Idelogy, SUP, 1994, p.23
71
Ibid., p. 25
72
Ibid., p.31
73
cités par Chevannes, op. cit., p.29
68
21
Elles pouvaient malgré tout se hisser dans la hiérarchie, et acquérir le titre de Mada
(Mother). Les chefs spirituels étaient cependant généralement des hommes, appelés
Shepherds ou Four-eye men, pour leur capacité à lire le passé comme l’avenir.
Dans le Revival, l’Afrique occupait une position paradoxale. En effet, parallèlement à son
idéalisation et à la croyance que les esprits des morts y retournaient, se développait un
auto-dénigrement du peuple noir, résultat de la propagande raciale martelée par les
planteurs blancs pendant plusieurs siècles.
Le combat contre ce complexe d’infériorité, encore terriblement présent durant tout le
XXème siècle, sera l’un des moteurs de la genèse du mouvement Rastafari, dont les racines
sont profondément ancrées dans le Revival.
I.2.c Les précurseurs
Dès la fin du XIXème siècle, apparurent des hommes aux idées radicales et révolutionnaires
qui allaient transformer le pays et paver la route menant vers la naissance du rastafarisme.
Issus de divers milieux, ils avaient pour la plupart voyagé hors de Jamaïque, principalement
comme travailleurs sur le canal de Panama, puis comme activistes politiques aux EtatsUnis. Important ce militantisme dans le pays, ils allaient entremêler durablement politique
et religion. L’un des premiers à amorcer le changement fut Alexander Bedward, qui
réforma le Revival, le purgeant de nombreuses croyances animistes, et mit l’accent sur le
jeûne, le baptême par immersion complète dans la rivière Mona et les guérisons
miraculeuses opérées par Bedward lui-même. Son mouvement lancé en 1901, Native
Baptist Free Church of Jamaica, prit rapidement assez d’ampleur pour que son leader soit
régulièrement emprisonné puis interné comme malade mental, une tradition chez les
autorités jamaïcaines. A ses côtés, d’autres figures, à l’influence variable apparurent. Ainsi
Warrior Higgins, qui prêcha dès la fin du XIXème siècle le retour en Afrique dans les rues
de Kingston74, ou Robert Althyi Rogers, qui publia en 1924 le Holy Piby, la « Bible de
l’Homme Noir ou Bible Africaine »75. En fidèle garveyite, il y mêlait mysticisme et réalités
économiques, dans une rhétorique clairement proto-rastafarienne :
74
75
Chevannes, op. cit., p.90
Lutanie, Boris, «The Holy Piby», in Ragga (37), jan 2003, p.28
22
« For as much as the children of Ethiopia, God’s favorite people of old, have turned away
from his divine Majesty, neglecting life economic, believing they could on spiritual wings
fly to the kingdom of God, consequently became a dependent for the welfare of others.»76.
Plus radical encore était l’explicite Royal Parchement of Black Supremacy du révérend Fitz
Ballintine Pettersburgh, publié en 1926. L’auteur y exaltait une Ethiopie non plus
symbolique, mais centre concret d’une suprématie raciale noire77. Par ses fréquentes
allusions au « roi des rois d’Ethiopie », Ballintine se reprochait encore davantage que
Althyi Rogers des fondements du rastafarisme. Son livre était en quelque sorte la dernière
étape avant l’apparition du mouvement.
Mais le personnage le plus important, que ce soit pour les rastas ou les Noirs en général, fut
sans aucun doute Marcus Mosiah Garvey, né en 1887 à St-Ann’s Bay. Fils d’un paysan
ruiné, mais « érudit autodidacte »78, il commença par apprendre le métier d’imprimeur, puis
devint contremaître. Licencié pour avoir dirigé une grève, il partit en 1910 au Costa Rica,
où il commença à écrire sur la condition du peuple noir. De retour en Jamaïque après être
passé par Panama et l’Angleterre, il fonda en 1914 ce qui allait devenir le plus grand
mouvement noir de l’histoire, l’Universal Negro Improvement Association (UNIA), dont
l’emblème, un drapeau noir, rouge et vert79, est encore régulièrement brandi lors des
manifestations noires aux Etats-Unis80. L’UNIA compta jusqu’à quatre millions de
membres, et ses journaux officiels, le Negro World et le Black Man, dont la simple
possession était passible d’emprisonnement dans de nombreux pays81, furent distribués
dans tout le monde noir. Garvey était un militant politique, mais il mêlait constamment sa
rhétorique de références religieuses. L’Ethiopie devint un élément central de son discours,
à la fois comme entité physique et comme symbole de l’identité du peuple noir. L’hymne
de l’UNIA, « Ethiopian Universal Anthem »82, est d’ailleurs explicite sur ce sujet. En 1918,
Garvey déplaça le siège de son mouvement à Harlem, haut-lieu bouillonnant de la
contestation noire. Pour lui, il n’y avait rien de bon à atteindre des Blancs ; le salut passait
par une prise en main par les Noirs de leur destin, en se débarrassant de leur complexe
76
Rogers, Robert Althyi, The Holy Piby, RASTP, 2003, p. 25
Lee, Hélène, Le Premier Rasta, op. cit., p.69
78
Ibid., p.33
79
« Red for the the blood that will be spilled in the struggle, black for the colour of our skins and green for the
land that shall one day be ours.» cité par Bradley, op. Cit., p.72
80
Par exemple lors des manifestations dénonçant la discrimination sur les listes électorales de Floride lors des
élections présidentielles de 2000.
81
Bradley, op. cit., p.72
82
cf. texte complet en annexes
77
23
d’infériorité, et en utilisant les armes politiques et économiques modernes pour les
retourner contre la société blanche établie.
« Garvey appelle les siens à se rendre maître de leur destinée : "Nous sommes issus d’un
peuple qui a trop souffert. Nous sommes issus d’un peuple déterminé à ne plus souffrir" »83
Dans son discours, deux concepts devinrent centraux : unity et repatriation. Pour Garvey,
les descendants d’esclaves formaient un seul peuple. Le slogan de son mouvement résumait
bien cette vision : « One God, One aim, One destiny ». Ce peuple unique était issu d’une
seule terre, l’Afrique, et devait y retourner, du moins en partie, pour libérer et construire le
continent. Mêlant l’acte à la parole il créa en 1919 la Black Star Line84, compagnie
maritime destinée à ramener en Afrique les Noirs qui le désiraient. Il vendit des milliers de
titre de la compagnie et parvint en 1922 à acheter quatre navires, puis à négocier avec le
Libéria des terres pour les volontaires. C’en était trop pour les autorités américaines qui
firent pression sur ce pays pour qu’il vende les terres promises à l’UNIA à une compagnie
de caoutchouc85, et mirent Garvey en prison pour fraude postale. Incarcéré à Atlanta, puis
déporté à Panama en 1928, il finit, vaincu par les persécutions, l‘échec de la Black Star
Line et par des dissensions internes à son mouvement, par s’exiler à Londres en 1935. Il y
mourut d’une hémorragie cérébrale le 10 juin 1940 dans le dénuement, sans avoir jamais vu
l’Afrique. Malgré cette fin peu glorieuse, l’œuvre de Marcus Garvey reste capitale dans
l’évolution des luttes du peuple Noir durant tout le siècle.
« In real terms there was never before, nor has there been since, a black leader of greater
international significance since. What he did was to unite the black populations of the
entire world - the only time it has ever happend »86.
Mais au-delà de l’influence concrète de Garvey, c’est le mythe qui s’était construit autour
de ce personnage charismatique qui joua le rôle le plus important dans l’avènement du
rastafarisme. L’élément central de cette mythification est la « prophétie » que Garvey aurait
prononcée à une date variant selon les sources87 : « Look to Africa when a black king shall
be crowned, for the day of deliverance is near. »88
Jean-Baptiste avait parlé, tous attendaient désormais l’arrivée du Messie.
83
Lutanie, Boris, Jah Rastafari, Chat Noir, 2002, p.23
Rappelons que la White Star Line était la compagnie qui possédait, entre autres, le Titanic.
85
86
Ibid. p.73
87
Les dates les plus fréquemment citées sont 1916, 1927 ou 1929
88
84
24
I.2.d Les premiers Rastas
Le 2 novembre 1930 fut couronné à Addis-Abeba, à l’âge de 38 ans, le Négus Tafari
Makonnen sous le titre de «Negusa Nagast, Roi des rois, Seigneur des seigneurs, Lion
Conquérant de la tribu de Juda, Elu de Dieu». Devenu empereur, il prit le nom de Hailé
Selassié Ier, qui signifie en amharique, langue des Amharas devenue langue officielle
éthiopienne, « puissance de la Trinité ».
Cet événement, largement médiatisé à travers le monde, et notamment en Jamaïque89,
marqua la fin de l’attente du Rédempteur noir pour ceux qui allaient devenir les premiers
rastas : Leonard Percival Howell, Archibald Dunkley, Robert Hinds ou encore Joseph
Hibbert. Durant les années 1930-33, période d’ « incubation »90 du mouvement, ils se
mirent à chercher ce qui pour eux allait constituer les preuves, temporelles ou bibliques, de
l’avènement de leur Messie. Et ils en trouvèrent de nombreuses.
En 1930, l’Ethiopie était le seul pays du continent à n’avoir jamais été colonisé. Il abritait
la seule monarchie noire de la planète, qui de surcroît était la plus longue de l’Histoire,
puisque qu’elle remontait à Ménélik, fils de Salomon et de la Reine de Saba. Le
couronnement du négus Tafari avait attiré septante-deux délégations étrangères, dont de
nombreux pays occidentaux, avec dans leurs bagages des cadeaux de grande valeur. Même
l’Italie offrit un avion à l’empereur91, cinq ans avant d’asperger d’ypérite son peuple92. Le
prestigieux National Geographic, dont des exemplaires circulaient parfois dans les ghettos
de Kingston93, consacra pour la seconde fois sa une au monarque éthiopien. Le magazine
britannique avait en effet déjà couvert le précédent couronnement, lorsqu’en 1927 le ras94
Tafari était devenu négus, attirant pour la première fois l’attention de Howell et consorts
sur le personnage. Tant d’attention et d’égards de la part d’un Occident peu enclin à
promouvoir la culture noire ne pouvaient qu’attiser les espoirs des sufferahs95 jamaïcains.
Mais c’est en se tournant vers la Bible qu’il forgèrent leur conviction. Il y trouvèrent la
« prédiction » de ce qui venait de se passer à Addis-Abeba : « Weep not, behold the Lion of
the tribe of Judah, the Root of David, hath prevailed to open the book, and to loose the
89
Le Daily Gleaner, principal quotidien de l’île y consacra sa une.
Barrett, op, cit.,p.84
91
Waugh, Evelyn, Hiver Africain, Payot, 1992, p.16
92
Lutanie, Boris, « Sélassié by Himself », in Ragga (36), déc 2002, p.28
93
Lee, Hélène, Le Premier Rasta, op. cit., p.79
94
Titre de noblesse équivalent au « duc » européen.
95
« Sufferers », terme jamaïcain désignant les populations les plus pauvres de la capitale, entassées dans les
différents ghettos.
90
25
seven seals thereof. »96 (Apocalypse 5:5), «And he hath on his vesture and on his thigh a
name written : KING OF KINGS, AND LORD OF LORDS »97 (Apocalypse 19:16). Pour
ceux qui attendaient impatiemment que se réalise la « prophétie » de Garvey, découvrir que
ras Tafari était non seulement descendant de Salomon98, mais qu’il portait désormais les
titres qui, dans la Bible elle-même, annonçaient le retour du Messie, fut une révélation, et
ne pouvait se résumer à de simples coïncidences.
Dans le livre de Daniel, ils trouvèrent la « preuve » que Dieu, comme ils le proclamaient
depuis des décennies, était noir : « […] and his hair of his head like pure wool ; his throne
was like the fiery flame »99 (Daniel 7 : 9). Ses cheveux « comme de la laine » prouvaient
selon eux qu’il s’agissait là d’un Africain, et que le feu autour de son trône était désormais
un symbole « noir ». Tout les éléments concordaient à confirmer leurs espoirs : ras Tafari
était bien celui qu’ils attendaient.
« Haile Selassie was now given divine status. The God of Ethiopia, of whom Marcus
Garvey spoke, had appeared in flesh, and all who needed redemption could now receive it
from the most powerful ruler on earth, before whom all kings had bowed. Black people
throughout the world needed only to call his name and the Lion of Judah would break all
chain.»100
Fort de cette conviction, Howell commença à prêcher la divinité d’Hailé Sélassié dès 1932
dans le ghetto, puis à St Thomas et dans différents districts ruraux. Il y affirmait que les
Noirs étaient désormais libres, puisque le Lion de Juda avait brisé les sept sceaux, et qu’ils
ne devaient plus payer le moindre impôt à George V. Ces propos séditieux ne pouvaient
être tolérés par les autorités coloniales, qui le firent arrêter et juger le 13 mars 1934 à
Morant Bay. Le procès fut largement couvert par le Daily Gleaner, ce qui eut pour
conséquence de faire découvrir à toute la Jamaïque l’existence du mouvement. Howell y
parla une journée entière et « sa longue défense en forme de sermon [fut] l’acte de
naissance de la doctrine rasta.»101 Il fut finalement condamné à deux ans de prison, mais la
formidable publicité offerte par le procès permit au mouvement de prendre de l’ampleur.
Ainsi dés 1934, sous les impulsions conjointes de Howell, Dunkley, Hibbert et Hinds un
96
Cité par Barrett, op. cit., p.83
Ibid., p.83
98
Les historiens sont loin de l’unanimité sur ce sujet, certains affirmant que le lien entre Salomon et Hailé
Sélassié est purement mythique.
99
Ibid., p.83
100
Ibid., p.84
101
Lee, Hélène, Le Premier Rasta, op. cit., pp. 95-6
97
26
noyau dur de fidèles s’était constitué à Kingston102. Ils adoptèrent comme nom
« Rastafari », le patronyme de l’empereur avant son couronnement, pour insister sur le fait
que chacun portait en lui un potentiel de divinité103.
Ces premiers adeptes ne portaient pas encore de dreadlocks, mais laissaient pousser leur
barbe, et étaient par conséquent appelés les beardmen. Ils étaient subdivisés en disciples
des grands leaders charismatiques, et répartis dans les campagnes proches de Kingston.
I.2.e Développement du mouvement
En 1935 eut lieu le premier schisme du mouvement, avec l’apparition de la branche des
Nyabinghis, au discours bien plus radical encore que celui des beardmen. Ils tirèrent leur
nom d’un article de propagande fasciste signé par un journaliste italien, Federico Philos, et
repris par le Jamaica Times104. L’auteur cherchait en fait à justifier l’invasion de l’Ethiopie
par les troupes de Mussolini, et agitait le spectre d’une armée de vingt millions d’hommes
réunis sous le commandement du négus, prête à exterminer ses ennemis blancs. Philos
présentait cette soi-disant armée comme les Nyabinghis, ce qui selon lui signifiait « mort au
Blancs ». Il s’était en fait inspiré de l’histoire réelle d’une guérilla anti-coloniale du
Ruanda-Urundi, qui tirait son nom d’une reine légendaire, Nayingi, « celle qui a les mains
pleines »105. Les rastas, scandalisés par l’agression italienne, s’enthousiasmèrent
naturellement pour cette résistance, fut-elle mythique, et certains adoptèrent son nom, lui
prêtant désormais le sens de « mort aux oppresseurs noirs et blancs ».
L’invasion de l’Ethiopie, et l’exil de Hailé Selassé vers la Grande-Bretagne en 1936,
marqua la séparation définitive entre Garvey, qui n’avait jamais reconnu la divinité de
l’empereur, et les rastas. Après avoir soutenu Hailé Sélassié, il le critiqua pour avoir fui
vers l’Angleterre, et pour son manque de vision panafricaniste.106 Le négus put cependant
compter sur un large soutien de la diaspora noire, comme en témoigne la création en 1937 à
New York de l’Ethiopian World Federation, visant à soutenir financièrement la lutte
éthiopienne.
Les années quarante furent marquées par l’essor du Pinnacle, communauté créée en 1939
par Howell. Elle compta à son apogée, dans les années 1944-1954, jusqu’à quatre mille
102
Barrett, op. cit.,p.82
Bradley, op. cit., p.76.
104
Lee, Hélène, op. cit., p.115
105
Ibid, p. 116
106
Chevannes, op. cit.,p.110
103
27
cinq cent membres. Le Pinnacle devint le premier centre de production « industrielle » de
ganja, ce qui offrait à la police un prétexte idéal pour lancer dès 1941 une succession de
raids violents, qui aboutirent en 1958 à la destruction du camp. Chassés par les autorités,
des milliers de Rastas se retrouvèrent entassés dans les ghettos insalubres du Dungle107 et
de Back-O-Wall108. Ils y retrouvèrent une nouvelle génération d’adeptes, qui allaient peu à
peu prendre le pas sur les pionniers. Lancé en 1949 par un groupe de jeunes rastas menés
par Brother Watto109, le mouvement Youth Black Face réforma le rastafarisme. Ils
institutionnalisèrent le port des dreadlocks, jusque là très marginal110, purgèrent davantage
le mouvement de ses nombreux vestiges de Revival, firent de la ganja une part intégrante
du culte, développèrent leur langage ésotérique, le dread talk, ou I-yalect et donnèrent aux
membres les noms de Warriors, Sons of thunder ou Bonogees. Ils refusaient toute
hiérarchie au sein de leur communauté, et, contrairement à leurs prédécesseurs, n’évitaient
pas les confrontations avec les autorités. Ils tenaient également des cérémonies, elles aussi
appelées Nyabinghis, véritables « batailles spirituelles »111, durant lesquelles, sur fond de
percussions burru112 et de chants, des figurines représentant les ennemis étaient brûlées.
En 1958, un jeune rasta à l’influence grandissant, Prince Emmanuel Charles Edwards,
organisa la première convention nationale à Kingston. Peu après, il lança son propre
mouvement, l’Ethiopian International Congress à Ackee Walk, puis Bull Bay, à une dizaine
de kilomètres à l’Est de la capitale. Ses disciples devinrent plus connus sous le nom de
Bobos Ashantis ou Bobos Dreads. Prince Emmanuel revendiqua le statut de « Christ noir »,
et se plaça donc au cœur de la trinité bobo : « Prophet, Priest and King », soit
respectivement Marcus Garvey, Prince Emmanuel et Hailé Sélassié113.
Tout au long des années cinquante et du début de la décennie suivante, le mouvement prit
de l’ampleur parmi les jeunes qui, issus des campagnes, venaient grossir les rangs des
sufferahs. Au milieu de la misère, les rastas proposaient en effet une dignité, une
conscience de leurs racines, et l’espoir tenace d’un retour prochain et merveilleux sur la
terre mère.
En héritiers de la paranoïa de leurs ancêtres planteurs, les élites jamaïcaine prirent les rastas
en horreur : « Ils étaient craints et haïs. Leur pauvreté, la liberté de leur langage, leur
107
Jeu de mots, contraction de jungle et dung, soit littéralement « jungle de fiente ».
Ou « Back-A-Wall » : « Derrière le mur » du cimetière. Les gens y vivaient parmi les tombes.
109
Parfois appelé « Ras Boanerges ».
110
111
Ibid., p.164
112
cf. chapitre suivant
113
108
28
coiffure sauvage étaient un défi vivant au monde colonial. Déjà les riches se les
représentaient montant à l’assaut des collines résidentielles comme une armée de
cafards. »114
Les rastas furent donc constamment en butte à une sévère répression de la part des
autorités, pour les prétextes de sédition, blasphème ou consommation de ganja. Leur
situation s’améliora quelque peu lorsqu’en 1960, à leur propre demande, une étude sur le
mouvement fut menée par des professeurs de l’University of the West Indies (UWI). Pour la
première fois, le mouvement y était présenté sous un jour positif115. Dans leur rapport, les
chercheurs encourageaient le gouvernement de Norman Manley à cesser les persécutions,
améliorer les conditions de vie des Rastas, et même favoriser leur retour en Afrique116.
Mais l’événement qui eut le plus d’importance dans le développement du rastafarisme en
Jamaïque fut sans aucun doute la visite, le 21 avril 1966, de Hailé Sélassié. Alors que le
gouvernement JLP de Donald Sangster espérait que cette visite serait l’occasion pour
l’empereur de nier sa divinité, et ainsi mettre un terme à la foi rasta, elle fut au contraire
une formidable démonstration de force pour le mouvement. L’accueil extatique de milliers
de rastas, ruinant le protocole officiel prévu, défiant les autorités en venant fumer le
chalice117 sous les ailes de l’avion impérial, émut le négus aux larmes118. Il convia une
soixantaine d’elders119 à la réception officielle tenue le soir, mêlant pour la première fois
rastas et establishment. Ce fut un symbole très fort, la reconnaissance officielle forcée de
cette « honteuse partie de la culture locale »120, et une avancée significative dans la
« routinization »121 du mouvement. L’empereur repartit sans avoir clairement nié son
essence divine, après avoir traversé l’île pendant trois jours. Difficile à évaluer en termes
concrets, l’impact symbolique de cette visite fut énorme. Le 21 avril est depuis
commémoré par les rastas sous le nom de Grounation Day, l’une des quatre dates
importante du calendrier rasta122. Elle provoqua également un changement de doctrine, les
adeptes prétendant que le négus avait laissé en partant une nouvelle constitution, dans
114
Lee, Hélène, op. cit., p. 14
Barrett, op. cit., p.100
116
Deux « Finding Act missions » eurent lieu en 1961 et 1965, pour étudier un possible établissement de Rastas
en Ethiopie. Elle ne débouchèrent cependant à aucun retour massif.
117
Pipe à eau utilisée pour la consommation de la ganja lors des réunions importantes.
118
Daily Gleaner, 22/05/66, cité par Ehrengardt, Thibault, « Hailé Sélassié en Jamaïque ! », in Natty Dread (15),
oct/nov 2002, p.36
119
« Aînés », Rastas considérés comme références morales et spirituelles.
120
Ehrengardt, Thibault, op. cit., p. 38
121
Barrett, op. cit.,p.160
122
Les trois autres étant le Noël éthiopien (07/01), l’anniversaire de l’empereur, ou Earthday (23/07) et la
commémoration du couronnement (02/11).
115
29
laquelle il préconisait la construction du pays avant le retour en Afrique, « liberation before
repatriation ».
En juillet de la même année, le ghetto de Back-O-Wall fut rasé, pour laisser place au fief
JLP de Tivoli Gardens. Le Dungle connut le même sort quelque mois plus tard, chassant
plus loin les rastas, une fois de plus.
En 1968 furent créées les Twelve Tribes of Israel, par Vernon Carrington, alias « Prophet
Gad ». Les TTI allaient rencontrer durant les décennies suivantes un grand succès
international, dû notamment à une doctrine particulièrement souple, rapprochant
singulièrement rastafarisme et christianisme123.
Mais ce fut au début des années septante que se produisirent deux événements qui allaient
faire du rastafarisme une partie intégrante de la culture de la Jamaïque : l’explosion du
roots reggae, et l’arrivée au pouvoir de Michael Manley. Nous étudierons ces évolutions
ultérieures dans le chapitre suivant.
I.2.f Croyances et symboles
Après avoir étudié les racines et le développement du rastafarisme, nous allons brièvement
chercher à comprendre ce mouvement, ainsi que la foi originale et malléable qui l’habite.
Mouvement messianique-millénariste124, le rastafarisme n’est pas à proprement parler une
religion, ni une philosophie ou un phénomène social. Il est davantage ce que les rastas
appellent Livity125 : une « façon d’être au monde, […], un mode de vie, une éthique
existentielle »126. Le mouvement repose certes sur des dogmes, mais l’absence de doctrine
écrite, ainsi que le refus de toute forme de clergé, permettent l’évolution des croyances au
gré des événements et des individus.
Nous chercherons malgré tout à extraire les symboles, rites et croyances qui, à défaut de
faire l’unanimité, rassemblent le plus grand nombre.
Hailé Sélassié I: il est Dieu vivant, immortel, créateur (I-rator) de la terre et des hommes,
l’Alpha et l’Oméga. Il est le rédempteur du peuple africain, et choisira les élus, appelés à
entrer son royaume, l’Ethiopie. Il est Jah Rastafari, God and King.
123
cf. chap. III
Barrett, op. cit., p. 110
125
Contraction de « live » et « levitical ».
126
Lutanie, Boris, Jah Rastafari, op. cit., p.34
124
30
Il est généralement admis que le nom « Jah », qui apparaît dans le psaume 68 de la bible
King James version127, est une abréviation de « Jahovah ». Certains avancent cependant
qu’il pourrait dériver de l’exclamation hindoue « Jaï », importée par les coolies indiens128.
Le « I » suivant le nom de l’empereur, qui signifie « first », est prononcé « aï », comme la
lettre anglaise. Généralement placé derrière chaque nom du négus, « Haile I Selassie I » ou
des personnages importants, comme par exemple dans la trinité bobo « Marcus I,
Emmanuel I, Selassie I », le « I » revêt également une importance capitale en tant que
préfixe dans le dread talk évoqué plus bas, incarnant la part de divinité présente en chacun
(« I & I »).
De très nombreux rastas prétendent en outre que « ras tafari » signifie « tête créatrice ». Or
s’il est exact que « ras » possède également le sens de « tête », « tafari » signifie en fait
« celui qui sera craint », alors que « créateur » se dit « fatari »129.
Bible : la Bible contient la Vérité, mais seuls ceux qui en ont la clé peuvent la trouver130.
Contrairement aux mensonges proférés par les Blancs, Moïse, David, Salomon, Jésus et
ses disciples étaient noirs. Les Noirs sont le vrai peuple d’Israël, emmené en esclavage à
Babylone, qui est la Jamaïque. Les Juifs sont des imposteurs, « false Jews », ou « stone
worshippers »131. Sion est en Ethiopie ; le Paradis, tout comme Dieu est donc sur terre, et
non dans le Ciel.
Les Rastas ont un rapport paradoxal à la Bible, à la fois guide spirituel et arme des
oppresseurs. Ils font leur propre relecture de l’Ancien Testament, au travers d’un prisme
« africain », et sélectionnent les passages dans lesquels « the half that has never been told »
est la plus explicite. En plus de la Bible, les Rastas étudient le livre des Maccabés, ainsi
que le Kebra Nagast132 (la « Gloire des Rois ») livre éthiopien du XIVème siècle, racontant
l’histoire de la dynastie salomonienne, ainsi que le transfert de l’Arche de l’Alliance en
Ethiopie.133 Ces livres auraient selon les rastas fait partie de la Bible originale, et auraient
127
« His name is JAH ; and exult ye before him.» (Psalm 68 : 4)
Lee, Hélène, op. cit., p. 124
129
Leslau, Wolf, Concise Amharic dictionnary, p. 309
130
131
Ras Mweya Masimba, « Prophecy » in Rastasfari Perspective (2), juillet 2000, Shashamane, p. 28
132
Kebra Nagast, Red Sea Press, 1996, 196 p.
133
Aujourd’hui encore, les Ethiopiens restent convaincus que l’Arche se trouve dans le Nord du pays, à Axoum.
Selon eux, seul le prêtre ayant le tâche de la garder peut s’en approcher, tout les autres étant violemment
repoussés par sa puissance.
128
31
été écartés de la King James Version, car révélant trop clairement le statut divin de
l’Ethiopie et de son roi134.
Babylon : est à la fois la Jamaïque, où les Israëlites ont été emmenés en esclavage, et « la
grande Babylone135, la mère des prostituées et des abominations du monde » (Apocalypse
17 : 5), vouée à la destruction par le feu : « Babylon a bound to fall ».
Pour les Rastas, Babylon est à la fois entité physique et symbole du système capitaliste
occidental, du pouvoir de l’argent, de la police, mais aussi l’Eglise catholique romaine,
dont le pape est à leurs yeux le Mal incarné. Ennemie honnie, elle est rhétoriquement
« brûlée » du matin au soir, aux cris de « Babylon affi bun ! » (« Babylon has to burn »),
« faya pon Rome ! » (« fire upon Rome »).
Word, Sound and Power : le Verbe est à la fois son et pouvoir. « In the beginning was the
Word, and the Word was with God, and the Word was God. » (John 1:1)
L’importance du Verbe pour les Rastas est illustré par deux usages : les reasonings et le
dread talk. Les reasonings sont des cérémonies de joutes verbales, durant lesquelles les
participants débattent de sujets bibliques ou politiques, et font le procès de Babylon, afin de
hâter sa chute. La croyance dans le pouvoir des mots est également illustré par le dread
talk136, qui est davantage qu’un moyen d’exprimer une identité. Il vise à changer le sens et
le pouvoir d’un mot, en procédant notamment à des inversions et des insertions du préfixe
« I ». Ainsi, « understand » devient « overstand », « deadicate » devient « livicate », «
cigarette » devient «blindgarette ». Pareillement, le « I » divin transcende les mots :
« children » devient « Idren », « praises » devient « Ises », « continually » devient
« Itinually ».
L’importance du « I » est particulièrement flagrante dans le système pronominal rasta, qui
insiste sur l’unité entre hommes, mais dans lequel chacun garde son individualité137. Ainsi
« I&I » remplace le « we » et le « us » anglais. Le « you » perçu comme une forme de mise
à distance, de séparation est remplacé par « the I ». Le dread talk peut aller très loin dans la
sophistication, et devient très rapidement incompréhensible pour qui n’y est pas
profondément initié
134
En anglais : «Mistery Babylon the great »
136
Pollard, Velma, Dread Talk, Canoe Press, 2000, 117 p.
137
Lutanie, op. cit., p.29
135
32
Ganja : elle est « holy herb », « wisdom weed », « healing of the nation ». Trouvée sur la
tombe du roi Salomon, elle est source de sagesse. Elle permet surtout de se délivrer de
l’esclavage mental, et d’atteindre la lucidité nécessaire à la redécouverte de ses racines.
Babylon la combat, craignant son pouvoir libérateur, et promeut l’alcool et le tabac pour
tuer ses ennemis.
Héritée des coolies, la ganja était déjà populaire parmi les paysans jamaïcains longtemps
avant le développement du culte rastafari. Elle est toujours consommée régulièrement par
environ soixante pour-cent de la population138, notamment sous forme de ganja tea. Les
Jamaïcains lui donnent de nombreux noms : collie weed, sensimilia, lamb’s bread,
Ishence,… Le rapport des Rastas avec cette plante est cependant totalement différent de
l’usage récréatif généralement pratiqué. Ils trouvent en effet dans la Bible l’évocation de
ses bienfaits : « He causeth the grass to grow for the cattle, and herb for the service of
man » (Psaume 104 : 14)139. Bien que certains adeptes ne fument pas, la majorité des rastas
en consomment quotidiennement de grandes quantités, roulée dans des spliffs, afin de
purifier leur corps et de libérer leur esprit. L’usage du chalice, ou kutchie pipe,
généralement réservé aux occasions particulières, tels grounations ou reasonings, est
particulièrement ritualisé. La pipe y est habituellement passée sur la gauche, et chacun
prononce une prière avant l’inhalation140. Parallèlement à la consommation de la ganja, les
rastas pratiquent le régime Ital (vital). Ils ne consomment généralement pas de porc,
bannissent l’usage du sel, de l’alcool, du tabac et du café. Certains sont végétariens, mais
mangent cependant les poissons de moins d’une trentaine de centimètres, d’autres sont
végétaliens, allant parfois jusqu’à rejeter les fruits à gros noyau, comme la mangue141.
Dreadlocks : Le rasta suit le vœu du naziréat : « […] there shall be no razor come upon his
head, […] he shall be holy, he shall let the locks of the hair of his head grow long »
(Numbers 6:5)
Inspirées par les sadhus indous, ainsi que les guerriers Mau-Mau du Kenya142, les
dreadlocks sont le symbole le plus visible de la foi rasta, et incarnent son esprit de
rébellion, de défi et d’africanité assumée face à la bienséance de l’establishment
138
Baker, op. cit., p.67
D’autres passages sont cités : Genèse 1: 12 et 3: 18, Exode 10: 12, Proverbes 15: 17
140
Ibid., p. 130
141
142
Les dreadlocks se retrouvent également chez certains Oromo, Massaï, Galla, Bono d’Afrique de l’Est, chez
les Bayfall du Sénégal, ainsi que chez les prêtre coptes « Bahatowie ».
139
33
jamaïcain143. Ainsi, arborer les locks entraînait bien souvent le bannissement de la famille,
les persécutions policières et l’impossibilité de trouver un emploi.
Par extension, le terme « dreadlocks » désigne également ceux qui les portent144, alors que
les rastas qui ne laissent pousser que la barbe sont appelés « combsome », et ceux qui se
rasent « cleanface ». A l’opposé se trouvent les « baldheads », les non-rastas, et les
« wolves in a sheep clothing », qui ne cultivent que l’apparence, sans suivre la livity.
Depuis la généralisation des locks au début des années soixante, le débat n’a jamais cessé
au sein de la communauté sur leur aspect indispensable ou non. Ainsi de très nombreux
membres des Twelve Tribes sont combsome, alors que les Bobos vont jusqu’à envelopper
leur dreads dans un turban, pour les protéger des pollutions externes. Tous s’accordent
cependant pour dénoncer la récupération d’un symbole religieux par une mode capillaire.
« Hey you false rasta out dere! Bout seh you ah locks up yu hair, You don’t know what
locks is all about. You tink is new fashion jus com’out ? You don’t even deal in the praising
of Jah ! »145
Sans un vecteur puissant, le mouvement rastafari serait très certainement resté confidentiel.
De même, la Jamaïque serait une petite île parmi d’autres. Or tous deux bénéficièrent dans
les années septante de l’explosion international d’un style musical unique, qui allait
diffuser leur voix aux quatre coins du monde.
143
Autres synonymes : Dread, Natty Dread, Nyah, Rootsman, Congoman, Bongoman ...
145
Sista Roberts, citée Lutanie, op. cit., p.18
144
34
I.3 Reggae
« Thunder from a bass drum soundin’, lightnin’ from a trumpet and a organ,
Bass an’ riddim an’trumpet double up, team up with drums for a deep outsearchin’,
Riddim of a tropical electrical storm, cool down with the bass of a struggle,
Flame riddim of historical yearnin’, flame riddim of the time of turnin’,
Measuring the time for bombs and for burnin’ .»146
Linton Kwesi Johnson
Aprés avoir évoqués différents éléments permettant de saisir le contexte politique et
spirituel dans lequel s’inscrit la naissance du reggae, nous allons retracer le développement
de la musique jamaïcaine. Comme le rastafarisme, le reggae a des racines profondes (deep
roots music), et est le fruit d’incessantes influences extérieures. Comme le rastafarisme, il
vient du ghetto, de la misère et de la violence.
I.3.a Burru et Mento
De l’héritage culturel africain que les esclaves parvinrent à sauver, la musique était sans
doute la part la plus spectaculaire, et la moins altérée. Cette tradition musicale était avant
tout liée aux tambours. Ceux-ci résonnaient lors des cérémonies religieuses, comme le
Jonkonnu ou la kumina, et servaient également de moyen de communication, notamment
aux Maroons147. Les planteurs combattirent ces outils de rébellion, mais tolérèrent les
rythmes dans leur version « sécularisée »148, le burru149, qui « [s’apparentait] à un rituel de
fin d’année de l’Afrique de l’Ouest, où des groupes de batteurs [allaient] de cour en cour en
distribuant quolibets et critiques »150. Après l’émancipation, alors que la tradition kumina
était revivifiée dans le district de St Thomas par l’arrivée de travailleurs africains, les
batteurs burru qui formaient « une caste à part, asociale et rebelle »151, ne sachant cultiver
la terre, finirent par former des communautés dans les ghettos de Kingston et de Spanish
Town. Ils y perpétuèrent leur art, notamment lors des cérémonies de fin d’année, et pour
146
Linton Kwesi Johnson, « Reggae Sounds », in Bass Culture, Island, 846 576-2
Ceux-ci se servaient également d’une corne appelée « abeng ».
148
Johnson et Pines, op. cit., p. 32
149
«Méchant» en Yoruba du Nigeria.
150
Lee, op. cit., p. 280
151
Ibid., p.281
147
35
fêter le retour de prisonniers libérés152. C’est dans ces quartiers qu’ils rencontrèrent les
rastas, avec qui ils avaient de nombreux points communs : extrême pauvreté, statut de paria
et profonde conscience de l’héritage africain. Les rastas adoptèrent les instruments burru,
qui consistaient en trois tambours différents : le bass drum, pour les sons graves, le fundeh,
pour l’accompagnement et le repeater, aigu, pour la mélodie et les solos.
Le pionnier de cette fusion, qui allait doter les rastas d’une musique originale, était un
jeune adepte du nom d’Oswald William. Il apprit les rythmes traditionnels avec Watto
King, rasta et maître burru, « chaînon manquant entre les deux communautés »153.
William, que tous allaient connaître sous le nom de Count Ossie, ralentit les rythmes, et
développa le style nyahbinghi154 , qui devint incontournables durant les reasonings. Son
camp de Wareika devint dès la fin des années quarante un haut lieu d’échange entre
percussionnistes rastas, les Mystic Revelation of Rastafari, et musiciens de jazz, pour la
plupart issus de l’Alpha Boys’ School155, qui jouaient dans les hôtels et les clubs réservés à
une clientèle aisée. Parmi eux, quelques uns des plus grands noms de la musique
jamaïcaine : Donald « Don D » Drummond, Emmanuel « Rico » Rodriguez, Johnny
« Dizzy » Moore, Cedric « Im » Brooks. Ces échanges musicaux, ainsi que la conversion
de musiciens établis à la foi rasta, marquèrent la première rencontre entre rastafarisme et
musique « profane », deux mondes qui allaient finir par se marier vingt ans plus tard.
Les tambours n’étaient cependant pas les seuls moyens d’expression musicale. Les autres
instruments utilisés provenaient d’influences diverses : Cuba pour le marimbula, rebaptisé
rhumba box 156 par les Jamaïcains, Amérique du Nord pour le banjo, Europe pour la guitare
ou la clarinette. Avec les instruments, ce furent également les musiques qui se mêlèrent,
pour donner naissance à la fin du XIXème siècle au mento. Développé dans les campagnes,
il réunissait la structure en « question-réponse » des chants des plantations, l’influence des
quadrilles européens157, la syncope et le contretemps africains158, et différentes influences
latines ramenées par les travailleurs du canal de Panama. Rythmiquement, le mento est
cousin du son cubain, de la biguine et du zouk guadeloupéens et martiniquais, du compas
152
Katz, David, People Funny Boy, Payback, 2000, p.9
Lee, op. cit., p.290
154
Parfois simplement « binghi ».
155
Institut de Kingston dirigé par des religieuses, destiné à éduquer par la discipline et la musique des enfants
défavorisés. Véritable monument de la musique jamaïcaine pour le nombre d’artistes majeurs qui y passèrent.
L’école fut dirigée depuis les années quarante jusqu’à sa mort, en 2003, par la légendaire Sister Ignatius.
156
« Piano à pouce » formé d’une caisse de résonance en bois sur laquelle sont fixées des lamelles de métal.
Instrument originaire d’Afrique.
157
Katz, David, Solid Foundation, Bloomsbury, 2003, p.2
158
Debord, Bruno, « Reggae Story », in Ragga (38), février 2003, p.68
153
36
haïtien et du calypso trinidadien. Il partage en effet avec le reste des Caraïbes la structure
du tresillo, « battement de cœur […] rudiment de toute syncope »159. C’est en exacerbant
les caractéristiques de cet cellule de trois notes que les Jamaïcains développèrent les
éléments qui allaient être la colonne vertébrale de l’évolution de la musique de l’île : les
basses puissantes et le contretemps fortement marqué160.
Le mento arriva dans les villes dans les années trente, où il était désigné par le terme
« calypso », donnant naissance à une source de confusion. Des quartiers populaires, il
remonta progressivement vers uptown161, dans une version quelque peu édulcorée. En effet,
parmi les thèmes habituels de critique sociale, et d’évocation de la vie quotidienne162, se
cachaient des morceaux à ne pas mettre entre toutes les oreilles, aux titres en forme de
métaphore peu subtile (« Big Bamboo »163, « Banana »164). Ces évocations joyeuses et
imagées de l’anatomie de l’interprète furent jugées peu convenables pour des salons, et par
conséquent bannies. Ce genre de textes plus qu’explicites, appelé « slackness », perdura
cependant tout au long du développement de la musique jamaïcaine., et explosa même au
début des années huitante.
En plus d’être adopté par l’establishment, le mento fut le premier genre musical yardie165 à
être enregistré. En effet, dès le milieu de années quarante, existaient à Kingston des
moyens rudimentaires de graver des acétates166, qui étaient avant tout destinés à l’unique
radio de l’île, la RJR167. La petite industrie du disque locale, mise à mal par la déferlante
rythm & blues (r’n’b) qui submergea la Jamaïque au début des années cinquante, allait
cependant être dopée par le développement d’une institution musical typiquement yardie :
le sound system.
I.3.b Sound sytems
Inspirés par les dance parties organisées par des Noirs du Sud des Etats-Unis, les premiers
sound systems jamaïcains apparurent au début des années quarante, généralement installés
devant des commerces dans un but de promotion. Mais ils devinrent dès le début des
159
Ibid, p. 68
Ibid., p. 68
161
A la fois géographiquement et symboliquement : les quartiers riches et les classes aisées.
162
Avec, dans de rares cas, des chansons à caractère quasi rasta , par exemple « Ethiopia » de Lord Lebby.
163
Lord Creator, « Big Bamboo » in Trojan Calypso, Trojan, TJETD033
164
Skully Sims, « Banana » in Jamaica All Stars: Back to Zion, Passage, 29003.2
165
Terme patois signifiant « jamaïcain ». Ainsi, « en Jamaïque » se dit « A Yard ».
166
167
Jusqu’à la création de la JBC en 1959.
160
37
années cinquante une institution à part entière, le centre du développement et de l’évolution
de la musique jamaïcaine. Les sound systems étaient constitués de matériel rapporté des
Etats-Unis par des ouvriers agricoles, et assemblés dans le but d’affoler les sismographes
dans un rayon de plusieurs kilomètres. Jusqu’à quarante enceintes étaient ainsi entassées168,
reliées à des amplificateurs aussi puissants que possible. Aux commandes de la machine se
trouvait l’opérateur, soundman, ou son assistant, le selecta qui passait les 78 tours de jazz,
de mento, puis de r&b, sur l’unique platine169 du sound. Installés dans des cours ou lawns
des quartiers pauvres, ils tiraient leurs bénéfices d’une modique somme d’entrée et de la
vente d’alcool, et permettaient à une clientèle défavorisée, exclue des clubs de jazz,
d’entendre la musique qu’elle aimait170.
Le premier dominateur de la discipline fut Tom the Great Sebastian, alias Tom Wong, un
quincaillier sino-jamaïcain qui régna sans partage jusqu’au milieu des années cinquante, et
inaugura deux pratiques essentielles dans l’histoire des sound systems : le talk over et le
soundclash.
Le talk over, ou toast, naquit selon la légende le 26 décembre 1950171, lorsque Winston
« Count Machuki » Cooper, jeune selecta du sound de Tom, profita de l’absence de ce
dernier, parti reconstituer les réserves de boissons, pour agrémenter les disques de
commentaires et d’interjections humoristiques, à la manière du jive talking des animateurs
des radios noires américaines, dont les ondes atteignaient la Jamaïque. La foule fit un
triomphe à l’humour et au sens de l’improvisation du DJ172. Count Machuki devint ainsi
l’initiateur d’un art yardie qui allait prendre une immense importance dans les décennies
suivantes : le deejay style
La hiérarchie entre les sound systems rivaux se réglait par la discipline du soundclash. Il
s’agissait d’un combat, à coup de décibels et de sélections exclusives, dont l’issue était
définie par la foule. Pour remporter les suffrages du public, un sound devait disposer d’une
puissance sonore suffisante pour étouffer l’adversaire, de disques introuvables ramenés des
Etats-Unis, dont les étiquettes étaient arrachées pour en conserver l’exclusivité, ainsi que
d’un noyau dur de supporters acharnés173.
168
Salewicz & Boot, op. cit., p.26
Le fait de n’utiliser qu’une seule platine est une tradition jamaïcaine toujours en cours.
170
Katz, Solid Foundation, p. 4
171
Salewicz & Boot, op. cit., p. 16
172
Contrairement au sens qui est généralement donné au mot, le « DJ » est en Jamaïque celui qui « toaste » sur
les disques et non pas celui qui les choisit et les passe.
173
Bradley, op. cit., p. 10
169
38
Le premier clash répertorié eut lieu en 1952, et vit la victoire174 de Tom the Great
Sebastian sur Sir Nick the Champ175, notamment grâce à la popularité de Count Machuki.
Au cours des années cinquante apparurent trois personnages majeurs sur la scène musicale :
Arthur « Duke » Reid, Clement Seymour « Coxsone » Dodd et, un peu plus tard, Cecil
« Prince Buster » Campbell. Ils dominèrent tout d’abord la scène des sound systems, avant
de révolutionner la production de disques locaux.
Duke Reid, ex-policier reconverti dans la vente d’alcool, et Coxsone, ancien employé
agricole, se livrèrent durant des années une lutte féroce par l’entremise de leur sounds
respectifs, The Trojan et Sir Coxsone’s Downbeat. Cette concurrence, parfois très
musclée176, les poussa à chercher constamment des morceaux uniques, susceptibles
d’écraser l’adversaire. Lorsqu’ils constatèrent que le rock’n’roll, qui avait succédé au r&b
au milieu des années cinquante, ne plaisait pas à leur public177, il se tournèrent vers la
fourmillante scène locale. Du r’n’b jamaïcain était enregistré depuis 1953, notamment dans
le Federal Records Studio de Ken Khouri, et pressé sur acétate pour l’usage exclusif d’un
sound. Ces morceaux, appelés dubplate, étaient vendus directement par les artistes à des
petits sounds n’ayant pas les moyens de se procurer des exclusivités américaines.178 Les
premiers chanteurs, parmi lesquels Alton Ellis, Laurel Aitken, ou le duo Bunny & Skitter,
cherchaient avant tout à imiter au maximum les productions américaines, sans réellement y
ajouter de touche locale.
Duke Reid fut en 1957 le premier soundman à louer un studio pour y produire des
morceaux destinés à son propre sound. Coxsone l’imita quelques mois plus tard, ce qui lui
permit, grâce aux DJ’s King Stitt et Count Machuki, débauché du sound de Tom, de
prendre régulièrement l’avantage sur son aîné. La rivalité Trojan –Downbeat fut cependant
écrasée lorsque Prince Buster, ancien homme de main de Coxsone, lança en 1958 son
propre sound, Voice of the People179. Lassé d’être sous-payé, il quitta Dodd, emmenant
avec lui Machuki, lui aussi peu satisfait de sa rétribution. La combinaison entre le verbe de
ce-dernier et les productions de Buster permit au Voice of the People de « littéralement
enterrer tous les grands sounds ».180
174
La rhétorique du clash est extrêmement violente. Battre un adversaire se dit « to mash up », « to murder » ou
« to kill a sound ».
175
Duke Vin cité par Katz, Solid Foundation, op. cit., p. 1
176
Duke Reid, toujours armé, s’entourait de voyous pour saboter, voire détruire le matériel des adversaires, et
molester le public présent.
177
178
Ibid, p. 26
179
Winston Blake cité par Salewicz & Boot, op. cit., p. 29
180
Ibid, p. 29
39
Les morceaux produits par Buster étaient enregistrés dans les studios de la JBC, avec un
groupe de musiciens menés par Arkland « Drumbago » Parks et Jerome « Jah Jerry »
Hinds, qui commencèrent à teinter de plus en plus leur r’n’b d’influences mento. Le succès
fut énorme auprès des basses couches sociales qui se retrouvaient dans cette musique
produite par un sufferah, qui vivait parmi eux181. Dans un premier temps méprisants envers
les productions de Buster182, les fans de soul et de jazz qu’étaient respectivement Duke
Reid et Coxsone suivirent la voie en constatant le succès d’un son authentiquement
jamaïcain. Cette intégration d’éléments indigènes, dont les éléments les plus flagrants
étaient le contretemps et le one-drop183, donna naissance à style de transition, appelé
jamaican shuffle ou boogie, ou upside down r’n’b, qui allait au tournant de la décennie
donner naissance à un style plus original encore, le ska.
I.3.c Ska
La naissance du ska est entourée d’une aura de mystère inhérente à la tradition orale qui
caractérise l’histoire de la musique jamaïcaine184. Tout comme l’origine même du terme
« ska » n’est pas clairement élucidée185, les débuts de cette musique sont difficiles à situer
exactement. Certains morceaux sont cependant régulièrement cités comme cruciaux pour
illustrer l’évolution du shuffle vers le ska : « Manny Oh » (1959) de Higgs & Wilson,
« Boogie in my Bones » (1959) de Laurel Aitken, « Easy Snappin’ » (1960) de Theophilus
Beckford. Sous l’influence de musiciens tels que Ernest Ranglin, Cluett « Clue J » Johnson,
Jah Jerry ou Theophilus Beckford, qui tous revendiquent la paternité du ska186, le tempo du
shuffle passa, par l’influence du tresillo caribéen, du ternaire au binaire, ce qui permit de
donner au contretemps, déjà fortement marqué, une importance plus grande encore187. En
plus de ce skank caractéristique, le ska se distinguait également par une évolution du jeu de
la contrebasse, qui s’émancipa très légèrement de la walking bass, placée sur chaque
temps188. Les batteurs, par l’entremise notamment de Lloyd Knibbs, adoptèrent le one-
181
Bradley, p. 56
Ibid, p.58
183
Debord, Bruno, « Reggae Story (IV)» in Ragga (40), avril 2003, p. 68
184
185
Certains prétendent qu’il provient de l’interjection « Skavoovie » chère à Clue J Johnson, d’autres l’attribuent
à une demande, sous forme d’onomatopée, de Coxsone à Ernest Ranglin : « Play it ska…ska…ska » .
186
187
Debord, Bruno, « Reggae Story (V) », in Ragga (41), mai 2003, p. 68
188
Ibid, p. 68
182
40
drop, un accord entre grosse caisse et rimshot189, placé sur les deuxième et quatrième
temps, qui renforçait l’effet de suspension190.
En 1960, Prince Buster produisit un morceau révolutionnaire, « Oh Carolina » des Folkes
Brothers, sur lequel figuraient les percussions de Count Ossie. Il s’agissait tout simplement
de la première fois que des rythmes rastas apparaissaient sur un quarante-cinq tours191. Le
succès de celui-ci s’inscrivit dans le développement de l’industrie musicale jamaïcaine. En
effet, dès la fin des années cinquante, les producteurs, qui jusqu’alors n’enregistraient que
pour leur usage personnel, se mirent à vendre leurs disques à la sortie des sounds ou au
porte-à-porte, conscients qu’un marché se développait grâce à la démocratisation du tournedisque192. Les premiers hits made in JA, furent « Manny Oh » produit par Edward Seaga,
anthropologue d’origine libanaise et futur premier ministre, et « Boogie in my Bones », qui
marqua les débuts de Chris Blackwell, jamaïcain blanc. A l’instar des pionniers Stanley
Motta, Baba Tuari ou Ken Khouri, Seaga et Blackwell n’étaient pas des soundmen, et
visaient un marché plus aisé.
Le ska s’établit pleinement dès 1961, et devint l’année suivante la bande-son de
l’indépendance193, mélange d’espoir et de déceptions. De nombreux titres, « Independent
Jamaica », « Forward March », « Anniversary Ska » fêtaient la naissance de la nation, mais
les descriptions des conditions de vie toujours aussi difficiles n’étaient jamais très loin :
« Time longer than Rope », « Carry go bring come »194.
En octobre 1963, six mois après que des heurts entre police et rastas eurent fait huit morts à
Rose Hall, s’ouvrit le premier studio appartenant à un Noir : le Studio One de Coxsone
Dodd. Dans son antre de Brentford Road195, qui allait acquérir au fil des ans un statut
mythique, Coxsone engagea pour la première fois un noyau stable de musiciens : les
Skatalites196. Avec une puissante section de cuivres menée par les solos des virtuoses Don
Drummond et Tommy McCook, ils permirent à Coxsone d’exaucer son rêve d’intégrer le
jazz à un son typiquement jamaïcain197, et devinrent l’orchestre de ska par excellence. Ils
jouèrent notamment sur l’immense succès du début de l’année 1964, « Simmer Down » des
189
Coup de baguette sur le cerclage de la caisse claire.
Debord, Bruno, « Reggae Story (IV) », op. cit., p. 68
191
Barrow, Steve et Dalton, Peter, The Rough Guide to Reggae, Rough Guides, 2001, p. 24
192
193
Six sounds furent même officiellement choisis pour jouer lors de la fête de l’indépendance : Trojan,
Downbeat, King Edwards the Giant, Voice of the People,Count Bells the President et Lloyd the Matador
194
195
Officiellement rebaptisée « Studio One Road » en avril 2004, quelques jours avant la mort de Coxsone.
196
Principalement composés de Lloyd Knibbs, Lloyd Brevette, Jackie Mittoo, Tommy McCook, Roland
Alphonso, Lester Sterling, , Don Drummond, Dizzy Moore, Baba Brooks, Jah Jerry et Harold Moore.
197
Bradley, op. cit.,p. 101
190
41
Wailing Wailers, jeune groupe de Trenchtown emmené par un certain Robert Nesta
Marley, qui avait déjà connu quelques hits avec Leslie Kong, producteur d’origine chinoise
qui lança également Jimmy Cliff.
Malgré le statut des Skatalites, le gouvernement jamaïcain décida d’envoyer à la première
présentation officielle du ska hors du pays, la World’s Fair 1964 de New York198, un
groupe plus « présentable » que des musiciens issus tout droit des pires quartiers de
Kingston. Ce furent ainsi les Dragonnaires de Byron Lee, musicien et producteur d’uptown
qui n’avait en rien contribué à l’éclosion du ska199, qui furent désignés pour accompagner
les artistes choisis200.
Le ska restait en effet une musique du ghetto, dénigrée voire ignorée par l’establishment. Il
fallut le succès phénoménal de Millicent « Millie » Small, « My Boy Lollipop », enregistré
en 1964 en Angleterre par Blackwell, et l’intérêt passager du public anglais blanc pour la
musique issue de leur île, pour que les Jamaïcains des classes supérieures osent
s’enthousiasmer sans complexe pour le son du ghetto201.
Bien qu’une bonne partie des musiciens des Skatalites étaient rasta, et donnaient à certaines
de leur compositions, purement instrumentales, des noms évocateurs : « Exodus », « King
Salomon », « Beardsman Ska » ou « Addis Ababa »202, les chansons ska empruntant une
rhétorique clairement rastafarienne étaient rarissimes, et pour la plupart inconnues : « Far I
Come » et « Babylon » de Vernon Allen, « Bongo Man » et « Where is Garvey ? » d’un
certain Bongo Man203. Les esprits n’étaient tout simplement pas encore prêts. Le culte rasta
était toujours considéré avec crainte et mépris par une bonne partie de la population, et il
était totalement impensable pour un artiste d’afficher des locks204.
Au printemps 1965 se répandit dans le public des sound systems une nouvelle danse205, qui
allait entraîner un changement dans la musique et l’apparition d’un style nouveau, le
rocksteady.
198
Arnold, Brian, « The Sounds of Young Jamaica » in Reggae, Rasta, Revolution, Schirmer, 1997, pp. 128-130
Byron Lee cité par Katz, Solid Foundation, op. cit., p. 54
200
Prince Buster, Jimmy Cliff, Monty Morris et Millie Small.
201
Katz, op. cit., p. 57
202
The Skatalites, Foundation Ska, Heartbeat 185/186
203
Barrow & Dalton, op. cit., p. 47
204
205
199
42
I.3.d Rocksteady
Si la légende attribue essentiellement l’évolution du ska vers le rocksteady, plus lent, à la
chaleur de l’été 1966, la réalité est plus complexe. D’autres facteurs sont à ajouter à une
explication simplement climatique, par ailleurs avérée206.
Le public des dances207 commençait à se lasser d’un style si rapide que certains danseurs
attendaient impatiemment que le selecta passe une série de morceaux r’n’b plus lents, pour
pouvoir souffler208. De plus, le tempo ralentit à mesure que la tension augmentait dans les
soirées, notamment avec l’apparition des rude boys, ou rudies, jeunes des ghettos sans
avenir ni idéologie, qui firent de la violence leur mode de vie209. Des dance crashers armés
de ratchets, petits couteaux pliables, semaient déjà le troubles dans les dances des années
cinquante, mais dés la fin de la période ska le phénomène prit des proportions nouvelles, au
point de créer une véritable « classe criminelle »210, témoignage du désenchantement
général après l’optimisme des premières années d’indépendance. Les rudies étaient
organisés en gangs, qui faisaient respecter leur territoire. Ces gangs devinrent rapidement
associés, voire contrôlés par les partis politiques, qui s’en servaient, après les avoirs
lourdement armés, pour déstabiliser la situation lorsque l’adversaire était au pouvoir, ce qui
menait régulièrement le pays vers des situations d’incontrôlable violence. Ainsi la guerre
menée durant l’été 1966 par les Phoenix, pro-JLP, pour reprendre le port aux Vikings, proPNP, transforma-t-elle certains quartiers de Kingston en zones de guerre211.
Des facteurs purement musicaux entraient naturellement en ligne de compte. Ainsi la
période de transition entre ska et rocksteady, coïncida-t-elle avec une brève mais intense
mode soul venue des Etats-Unis212. Les chanteurs jamaïcains se remirent à imiter leurs
homologues américains Curtis Mayfield ou Otis Redding, ramenant davantage les voix sur
le devant de la scène, et provoquant l’apparition massive de trios vocaux. Cette tendance
convint particulièrement à Duke Reid, qui avait été distancé par Coxsone ou Buster durant
l’ère ska, et lui permit de revenir en force. Son studio récemment construit, Treasure Isle, et
ses Supersonics menés par Lynn Taitt et une partie des musiciens des ex-Skatalites213,
206
Soirées animées par un sound system.
208
Bunny Lee, cité par Bradley, op. cit., p. 160
209
Davis & Simon, op. cit., p. 19
210
211
Ibid, p. 187
212
Ibid, p. 161
213
Les Skatalites se séparèrent en 1966 en deux groupes : les Supersonics de Tommy McCook (Treasure Isle) et
les Soul Vendors de Jackie Mittoo (Studio One).
207
43
établirent la domination du « Duke » sur ses concurrents durant toute la courte ère du
rocksteady214.
A côté des grands, le nombre de petits producteurs qui louaient, pour une session, studio et
musiciens, avait nettement augmenté durant la première moitié de la décennie. Ainsi
apparurent sur la scène Joel « Joe Gibbs » Gibson, Edward « Bunny » Lee, Sonia Pottinger,
JJ Johnson, ou encore les chanteurs Derrick Morgan et Derrick Harriot. La plupart d’entre
eux n’avait pas les moyens d’engager un big band, ni de se payer les services de musiciens
renommés. Leurs productions faisaient donc appel à des artistes inconnus, avec des idées
nouvelles, et étaient généralement dépourvus de la particulièrement onéreuse section de
cuivres, ce qui libéra de l’espace pour les autres instruments et les voix215.
La généralisation d’instruments électriques joua également un rôle important,
particulièrement dans le cas de la basse, mais également pour la guitare et l’orgue.
Ainsi l’utilisation généralisée la basse électrique, dont le premier exemplaire avait été
ramené en Jamaïque par Byron Lee en 1959, permit de rendre les lignes de basse plus
fournies et mélodiques216, et profitant des espaces plus grands laissés par un tempo plus
lent, de s’affranchir définitivement de la walking bass. Sous l’influence du guitariste
trinidadien Lynn Taitt, l’un des musiciens les plus importants de l’ère rocksteady, une
guitare se mit à doubler la ligne de basse, pour dynamiser celle-ci217, alors que la seconde
jouait un rôle purement rythmique en accentuant le skank.
Le jeu des batteurs, devenu moins physique que sur le ska, évolua également, et ceux-ci ne
placèrent plus le one-drop que sur le troisième temps, établissant un standard rythmique qui
allait dominer la musique jamaïcaine pendant près d’une dizaine d’années.
Le rocksteady entretenait avec la musique américaine, en l’occurrence la soul de Motown,
une relation paradoxale. Si, musicalement, il était plus proche de celle-ci que le ska, mises
à part la basse et diverses influences locales, comme le mento ou la kumina, la
« jamaïcanité » des textes était de plus en plus affirmée, et l’usage du patois non plus
seulement toléré, mais attendu par le public218. Ces textes étaient pour la plupart, malgré le
contexte difficile dans laquelle ils s’inscrivaient, des ballades romantiques et des histoires
d’amours perdues. Cependant, parallèlement au succès des protest songs américains219, le
214
Barrow & Dalton, op. cit., p.68
Ibid, p. 167
216
Debord, Bruno, « Reggae Story (VI) » in Ragga (42), juin 2003, p.70
217
Ibid, p. 70
218
219
215
44
nombre de chansons à caractère conscious, ou cultural 220, augmenta nettement, et on
assista à un passage de l’usage de métaphores bibliques à une évocation claire de la vie
dans les ghettos221. Parmi celles-ci, une sous-catégorie propre à la période de transition skarocksteady, les morceaux consacrés aux rude boys, qui virèrent rapidement, devant la
violence de ceux-ci, de l’exaltation de leur esprit rebelle à la ferme dénonciation de leurs
exactions.
La période rocksteady coïncida également, notamment par l’impact de la visite d’Hailé
Sélassié, avec la conversion de nombreux artistes à la foi rasta, et parmi eux les Wailers qui
enregistrèrent en 1968 leur premier morceau clairement rasta, « Selassie is the Chapel »222,
écrit et produit par l’ elder rasta Mortimer Planno, qui ne fut pressé qu’à vingt-six
exemplaires223.
Toujours discrète, l’influence des rastas sur la musique était cependant grandissante, et joua
un rôle important dans l’évolution rapide du rocksteady, peu adapté à leur militantisme,
vers le reggae224. Le rocksteady ne domina en effet la scène qu’un peu plus de deux ans,
entre le printemps 1966 et la deuxième moitié de 1968, mais fut une étape essentielle dans
l’établissement de la musique qui allait faire connaître l’île dans le monde entier, et est
encore évoqué avec nostalgie par de nombreux musiciens ayant traversé les différentes
évolutions de la musique jamaïcaine225.
I.3.e Reggae
L’année 1968 fut une nouvelle ère de transition, et ce sur divers plans. Politiquement, le
pays était toujours mené par le JLP, mais pour la première fois c’était un premier ministre
noir qui était à la tête du gouvernement : Hugh Shearer, alias « Pharaoh » dans les chansons
usant des métaphores bibliques226. Un surnom qui illustrait bien l’opinion qu’en avaient les
sufferahs, particulièrement après l’affaire Walter Rodney.
Ce-dernier, né en Guyane anglaise, était un jeune professeur à la University of the West
Indies de Kingston, spécialiste de l’esclavage, et ardent militant de la cause noire. Ayant
saisi l’importance du mouvement rasta, il joua un rôle crucial dans l’intégration du
220
Les morceaux dénonçant les conditions de vie difficiles, la violence ou la corruption (« reality tunes »), et les
chansons à caractère spirituel («roots and culture »). Termes généralisés dans les années nonante seulement.
221
222
The Wailers, « Selassie is the Chapel» in The Complete Wailers 1967-1972 part 1, JAD/EMI 474326 2
223
Devenant ainsi l’un des 45 tours les recherchés et chers de l’œuvre des Wailers.
224
225
Derrick Harriot cité par Bradley, op. cit., p. 197
226
Ibid, p.194
45
pragmatisme black power dans le mysticisme du culte, prônant une réactualisation des
idées de Garvey. Il fut également un pont entre deux mondes à la fois proches et
jusqu’alors hermétiquement séparés : l’ uptown de « l’intelligentsia post-coloniale »227, de
plus en plus insatisfaite de la politique libérale menée par le JLP, et le downtown des
exclus. Ce rapprochement fut particulièrement flagrant lors des violentes émeutes qui
suivirent son bannissement de l’île par le gouvernement Shearer, en automne 1968.
Etudiants et sufferahs se mêlèrent pour faire de cet événement le symbole du profond
mécontentement
de
la
population
jamaïcaine
après
seulement
six
années
d’indépendance228.
Si politiquement le changement allait mettre encore quatre ans à arriver, l’évolution
musicale suivait elle un rythme plus effréné. Le rocksteady, triomphant en 1967,
commença dès le début de l’année suivante à montrer quelques signes de fatigue. Et c’est le
jeu de l’orgue, Hammond le plus souvent, qui entraîna cette fois-ci le changement. Sous les
impulsions de Donat Roy « Jackie » Mittoo et surtout Winston Wright, il prit une telle
importance que durant une courte période de transition se développa un style baptisé John
Crow Skank229, défini par un rythme plus rapide et le shuffle230 de l’orgue, hérité tout droit
de l’époque r’n’b231. Le même instrument était omniprésent dans les morceaux
généralement232 considérés comme les premiers reggae233, bien qu’alors le terme n’était pas
encore employé : « No more heartaches » des Beltones et « Nanny Goat »
234
de Larry
Marshall et Alvin Leslie.
Parallèlement au développement mené par l’orgue, l’Afrique fit un retour éclatant dans la
musique jamaïcaine235, et ce dès la sortie au milieu de l’année d’un morceau mythique :
« People Funny Boy »236 de Lee « Scratch » Perry237. S’inscrivant dans la tradition yardie
du règlement de compte par chanson interposée238, le titre était une attaque en règle contre
Joe Gibbs, accusé d’ingratitude. Perry, sans aucun doute le producteur le plus inventif, pour
ne pas dire plus, de la scène jamaïcaine, chercha dans ce morceau à intégrer dans sa
227
Ibid, p. 265
Ibid, p. 265
229
Littéralement : « la danse du corbeau ».
230
Effet rapide de « pompe » sur le clavier.
231
232
Autres prétendents: «Feel the Rhythm» de Clancy Eccles, «Bangarang» de Stranger Cole et « Time marches
on » des Race Track Fans
233
Katz, Solid Foundation, op. cit., p. 97
234
Larry Marshall, « Nanny Goat » in Studio One Story, Soul Jazz SJR LP68
235
236
Lee Perry, « People Funny Boy» in Son of Thunder, Snapper SMDCD246
237
cf. deuxième partie.
238
Une pratique qui remontait au moins à l’ère ska, avec la « guerre » musicale entre Buster et Derrick Morgan.
228
46
musique les sensations produites par la musique d’un culte Pukumina : « Let’s make a
sound fe catch the vibration of them people ! »239. Il en résultat un morceau à l’énergie
frénétique, à la basse métronomique et mixée en avant, avec des rapides allers-retours des
guitares, dans un style hérité tout droit du mento240, qui recréaient les solos des percussions
burru ou kumina241. La musique était en outre ponctuée des pleurs d’un enfant, en
l’occurrence le fils de Lee Perry, fessé spécialement pour l’occasion, première illustration
de l’importance qu’allaient bientôt prendre les ingénieurs du son et les différentes
techniques de remixage242. La chanson eut un immense succès dans l’île, avec environ
soixante milles copies vendues243, et lança le glissement vers une musique intrinsèquement
jamaïcaine.
Ainsi, pour la première fois, la musique yardie évolua-t-elle dans une direction qui était
clairement la sienne, sans adaptation de styles extérieurs. Les musiciens se mirent au
contraire à chercher les éléments nouveaux au cœur des traditions de l’île, qu’ils pouvaient
enfin pleinement assumer244. Et ce n’était certainement pas un hasard si ce changement fut
initié par un country bwoy (boy) comme Perry, né à Kendal, dans la commune de Hanover.
Avec lui, de nombreux provinciaux arrivèrent à Kingston pour tenter leur chance dans la
musique. Issus des campagnes, ils étaient plus proches de leurs racines, spirituelles et
musicales, que leurs homologues citadins, et cela transparut dans leur musique245.
En août 1968, le mot « reggae » apparut pour la première fois dans le morceau « Do the
Reggay (sic) »246 des Maytals, qui était explicite quant au fait que, comme dans le cas du
rocksteady, le mot désignait une danse avant d’être appliqué au genre musical
correspondant247. L’origine et le sens du mot sont cependant aujourd’hui encore discutés.
Les deux versions les plus régulièrement citées prétendent respectivement que le mot
provient de « streggae », « prostituée » dans l’argot de l’époque, ou de « ragged »,
« déguenillé » en anglais248. Toujours est-il que dès le milieu de 1968, la nouvelle musique
à la mode dans le dances de Kingston avait un nom. Un nom qui allait se propager au point
de devenir, à tort, générique pour désigner la musique jamaïcaine dans son ensemble.
239
Lee Perry cité par Katz, People Funny Boy, op. cit., p. 65
Debord, Bruno, « Reggae Story (VIII) » in Ragga (44), septembre 2003, p. 68
241
242
Barrow & Dalton, op. cit., p.93
243
244
245
Ibid., pp 229-230
246
Toots and the Maytals, Do the Reggay in «Time Tough», Island 524 219-2
247
248
240
47
Dès fin 1968 s’installa ainsi ce que les spécialistes baptisèrent rétrospectivement early
reggae. L’orgue avait, en prenant de l’importance, affranchi la basse d’une partie de ses
obligations mélodiques, permettant à celle-ci de prendre un rôle plus fondamentalement
rythmique249. Les lignes de basses, dégarnies et percussives, se mêlèrent intimement au jeu
de la batterie, qui conserva le one-drop, formant ainsi la colonne vertébrale du reggae, le
drum’n’bass. Les guitares cessèrent de doubler la basse, et se mirent à produire un skank
sec, bien souvent doublé, soit par un rapide aller-retour, soit par l’usage naissant du delay.
Les cuivres firent leur retour en force, mais sans pour autant éclipser les voix et les autres
instruments, comme cela avait été le cas dans le ska.
Si l’ère rocksteady avait été l’âge d’or du Treasure Isle de Duke Reid, les premières années
du reggae furent sans conteste écrasées par Studio One. Sous la direction de Jackie Mittoo
et Leroy Sibbles, leader des Heptones et bassiste à l’influence capitale250, un groupe de
musiciens251, qui jouèrent sous une demi douzaine de noms différents252, y établirent un
son unique, défini sur la pochette d’un disque de l’époque comme « a definite beat with a
soulful feeling that sends an unsophisticated message to the nucleus of every man. »253 Les
rôles respectifs des différent artisans du mythe Studio One sont difficiles à établir, et font
aujourd’hui encore l’objet de vives polémiques entre ces-derniers254. La domination de
Coxsone était sans doute le résultat d’une combinaison de talents. Celui des musiciens,
évoqué plus haut, de l’ingénieur du son, Sylvan Morris, qui, entre autres, donna à la basse
une dimension inégalée, et bien sûr de Dodd lui-même qui, grâce à une oreille aiguisée et
une audace artistique grandissante255, donna leur première chance à un nombre
impressionnant de futures vedettes : Dennis Brown, Winston « Burning Spear » Rodney,
Horace « Andy » Hinds, Abyssinians, Gladiators et des dizaines d’autres256. Son studio de
Brentford Road devint ainsi une véritable académie du reggae, attirant pour ainsi dire tous
les meilleurs musiciens de l’île257. Cette attraction fut encore renforcée par le fait que le
maître des lieux, bien que chrétien convaincu, faisait preuve de tolérance envers les rastas
et la consommation de ganja. Coxsone laissait en effet les artistes fumer discrètement leur
249
251
Jackie Mittoo, Leroy Sibbles, Eric Frater, Bunny Williams, Roland Alphonso, Headly Bennett, Cedric
Brooks, Ernest Ranglin, Lennie Hibbert.
252
Soul Vendors, Sound Dimension, Soul Defenders, New Establishment, Brentford Road All Stars,…
253
Sur la pochette du 33 tour : Reggaematic Sounds , Studio One, SOL 9011
254
Lire les interviews respectives de Coxsone et Sylvan Morris in Natty Dread (16), janvier 2003, pp. 36-47 et
Leroy Sibbles in Natty Dread (12), mai 2002, pp. 46-51
255
256
Pour une liste détaillée, bien que non exhaustive, voir le livret de « Studio One Story », Soul Jazz, SJR LP68
257
250
48
spliff258, ce qui aurait été impensable dans les autres studios de l’époque, voire suicidaire au
Treasure Isle de Duke Reid.
Ce-dernier, qui avait été bien plus à l’aise avec la suavité du rock steady qu’avec le son
brut du reggae, fit cependant un retour fracassant en 1970, en initiant l’ère des deejays
grâce au maître du genre : Ewart « U-Roy » Beckford. Les DJs animaient les dances depuis
vingt ans, mais n’avaient pratiquement jamais été enregistrés259. Ils se contentaient de plus
d’agrémenter le morceaux d’interventions décousues. U-Roy révolutionna cette pratique en
recréant, sur une ancienne version instrumentale, ou riddim, un morceau à part entière. En
utilisant d’anciens riddims rocksteady remixés, il développa un style qui allait engendrer
une nouvelle génération de DJs260, et faire de lui l’un des artistes les plus respectés de
l’histoire de la musique jamaïcaine261, dans son pays plus encore qu’ailleurs. Cette
explosion du deejay style coïncida avec le développement d’une autre innovation yardie, le
dub, une autre déclinaison de l’art jamaïcain, dicté par des moyens plus que limités, de
faire du neuf avec du vieux. Et accessoirement « développement musical le plus important
de la seconde moitié du vingtième siècle »262, en institutionnalisant la pratique du remix. Le
principal pionnier263 de cet art était un ingénieur du son, soundman puis producteur du nom
d’Osbourne Ruddock, alias « King Tubby ». Pour l’usage de son sound, le King Tubby’s
Home Town Hi-Fi, il se mit à retravailler les riddims de Treasure Isle en décomposant, tout
d’abord à l’aide de filtres puis avec une table multi-pistes264, la musique pour isoler certains
instruments, puis en ajoutant progressivement des effets comme le reverb. Le résultat de
ces manipulations était un morceau totalement nouveau, dans lequel les instruments allaient
et venaient, suspendus en l’air par l’écho. Il se servit tout d’abord de cette innovation pour
faire de son sound le dominateur des années septante, avant que le dub ne se développe
pour devenir un genre à part entière265, « [redéfinissant] le rôle de l’ingénieur dans la
musique moderne »266.
Mais plus encore que par des innovations techniques, c’est par le fond que la musique allait
à nouveau évoluer pour atteindre son climax : le roots reggae.
258
Horace Andy cité par Bradley, op. cit., p. 221
A l’exception de Sir Lord Comic et King Stitt, qui enregistrèrent sans grand succès quelques versions durant
les années soixante.
260
Dont, parmi les premiers, Dennis Alcapone, Scotty, Lizzy, I-Roy, Big Youth, Prince Jazzbo, …
261
Les autres artistes se réfèrent souvent à lui comme « Daddy U-Roy », « Originator » ou « teacher ».
262
Lane, Chris, « Dub : une révolution musicale » in Natty Dread (19), juillet 2003, p. 29
263
Partageant le titre avec entre autres, Lee Perry, Errol Thompson, Sid Bucknor et Sylvan Morris.
264
265
Dès 1973 sortirent ainsi les premiers albums purement dub : « Aquarius Dub » produit par Herman Chin-Loy,
« Blackboard Jungle Dub » de Lee Perry, « Java Java Java Java » de Clive Chin, …
266
Hendley, Dave, « King Tubby : Mister Dub » in Natty Dread (19), juillet 2003, p. 34
259
49
I.3.f Roots
L’appellation « roots » désigne aujourd’hui à la fois une période musicale, objet du présent
chapitre, qui s‘étendit grosso modo du début des années septante jusqu’à l’avènement du
dancehall au tournant de la décennie suivante, et une catégorie de morceaux, généralement
dominés par les accords mineurs, aux textes exclusivement conscious, et très souvent
rasta267. On parle ainsi de nos jours de dancehall-roots ou new-roots, tout comme on
pourrait qualifier de « roots » certains titres ska de Justin Hinds ou rocksteady des
Ethiopians. Cette classification rétrospective tend à créer une certaine confusion, et à faire
du terme un fourre-tout à usage parfois purement mercantile.
Depuis l’indépendance, les conditions de vie des Jamaïcains n’avaient cessé de se dégrader.
A la fin des années soixante, l’exaspération avait définitivement pris le pas sur l’optimisme
initial, et le mécontentement s’étendait à la classe moyenne. Le gouvernement Shearer
tenta de canaliser ce sentiment, qui avait mené aux émeutes de l’affaire Rodney, en
récupérant le sentiment de fierté noire qui se développait dans toutes les couches sociale de
l’île, par l’influence d’activistes américains comme Angela Davis, Stokely Carmichael,
Julius Lester268 ou la Nation of Islam269. Sous la direction de Edward Seaga, spécialiste de
la culture jamaïcaine, le gouvernement organisa ainsi le National Festival et le National
Song Contest et intégra l’étude du folklore indigène dans le cursus scolaire. Malgré le côté
hypocrite et opportuniste de cette action d’un gouvernement qui venait de bannir le leader
noir Walter Rodney, cette officialisation du sentiment de black pride contribua à en faire
une partie intégrante du reggae270.
Ce revirement tardif ne contenta cependant pas les Jamaïcains, et en premier lieu les
sufferahs. Ceux-ci plaçaient leurs dernières illusions politiques dans un homme
charismatique qui sut mieux que quiconque récupérer la force montante du mouvement
rasta et du reggae, en mêlant lui aussi politique et rhétorique biblique : Michael Manley.
Fils du fondateur du PNP, diplômé en économie à Londres, il avait dès le début de sa
carrière politique axé son discours sur la jeunesse et les démunis271, et donné à ses actes un
caractère biblique. Ainsi, lors d’une grève menée en 1964, il baptisa les murs d’enceinte de
267
Barrow&Dalton, op. cit., p. 145
269
Ainsi deux grands noms de la musique jamaïcaine, Prince Buster et Jimmy Cliff, se convertirent à l’époque à
l’Islam.
270
271
268
50
la JBC « walls of Jericho », et prit alors le surnom de « Joshua »272. En 1970, il rendit visite
à Hailé Sélassié en Ethiopie. Celui-ci lui donna un bâton blanc273, symbole impérial, que
Manley et ses supporters appelèrent le « rod of correction ». Cette combinaison de
rhétorique et de symboles rastas, ainsi que la vague promesse de légaliser la ganja et de
favoriser un retour en Ethiopie attirèrent à Manley une immense sympathie de la part de
nombreux artistes274, qui se mirent à le promouvoir musicalement. Ainsi, en 1971, « Better
must come » de Clancy Eccles devint l’hymne officiel du PNP, et Manley organisa dans le
cadre de la campagne de 1972 le PNP Musical Bandwagon, un camion qui parcourait l’île
pour donner des concerts improvisés, avec à son bord des artistes tels que Bob et Rita
Marley, Alton Ellis, Dennis Brown ou Inner Circle275. La méthode employée fonctionna à
merveille, et le PNP accéda au pouvoir pour la première fois depuis l’indépendance. Il
allait y rester huit ans. Il ne fallut cependant que quelques mois pour que les plus
enthousiastes partisans de Manley passent à une critique virulente. Ainsi, Junior Byles, qui
avait enregistré « Pharaoh hiding »276 en période de campagne électorale, détourna l’année
suivante le slogan du parti en « When will better come ?». Max «Romeo» Smith, interprète
de « Let the power fall on I »277, qui servit également de slogan au PNP, sortit en 1973
l’explicite « No Joshua No » dans lequel il mettait Manley en garde : « Since you are my
friend Joshua, I think you should know, Joshua, rasta is watching and blaming you »278.
Malgré une lune de miel très courte, le passage de dix ans de pouvoir JLP à un parti
clairement situé à gauche, et même beaucoup trop du point de vue de Washington, fut un
changement décisif dans l’intégration des rastas, et des sufferahs en général, dans le
paysage politique et social du pays279. Avant Manley, cette catégorie de population n’était
tout simplement pas prise en considération.
Les textes clairement engagés évoqués plus haut s’inscrivaient dans une évolution générale
du reggae. Dès 1970, parallèlement au succès de U-Roy qui employait des vieux riddims,
un groupe de musiciens se mit à ralentir d’un tiers le tempo du reggae280, jusqu’alors élevé.
Formés d’une nouvelle génération de musiciens, sans le passé jazz des pionniers, les
Upsetters de Lee Perry, avec en leur sein les frères Barrett, firent de leur musique une
272
Barrow, op. cit., p. 119
Ou du moins le prétendait-il, certains avançant qu’il lui aurait été procuré par Claudius Henry.
274
275
Iibid., p. 281
276
Junior Byles, «Pharaoh hiding» in Beat down Babylon, Trojan CDTRL253
277
Max Roméo, «Let the Power fall on I» in The Coming of Jah, Trojan TJDDD038
278
Max Roméo, No Joshua No, Dragon, DRA1028
279
280
Debord, Bruno, « Roots. Origines et influences » in Ragga (HS2), août 2002, p.50
273
51
adaptation « électrique » de la structure des rythmes nyahbinghi. Ce nouveau style, appelé
rebel music à l’époque281, fut parfaitement adapté pour porter un message de révolte et de
foi. Et notamment celui des Wailers qui, lors de leur collaboration avec Scratch, ouvrirent
la voie au roots, en dominant, derrière l’intouchable U-Roy, la scène musicale entre 1971 et
1972 avec des textes politiques et mystiques, enregistrés chez Randy’s. Burning Spear ou
les Abyssinians avaient certes déjà enregistrés des titres abyssaux, dont l’hymne « Satta
Amassagana »282, enregistré à Studio One en 1969 mais sorti deux ans plus tard seulement,
mais ils étaient alors trop en avance, du moins aux oreilles de Coxsone. Le succès des
Wailers permit à de nouveaux artistes, lassés des dérives pop du reggae, de faire enfin une
musique par et pour les sufferahs283. Ce développement fut également rendu possible par
l’apparition d’une nouvelle génération de producteurs issus du ghetto, qui partageaient les
conditions de vie du public des dances, et contrairement aux grands producteurs installés,
ne cherchaient pas à adapter leur musique aux goûts occidentaux284. Ils dirigeaient de
minuscules labels, et enregistraient dans de rudimentaires studios situés en plein ghetto, qui
firent perdre à Studio One le monopole de la tolérance envers rastas et ganja. Des hommes
comme Keith Hudson, Winston « Niney » Holness, Glen Brown ou Augustus « Gussie »
Clarke permirent ainsi au roots de se développer, en enregistrant des morceau trop radicaux
pour les « gros poissons ». Sous leur impulsion, le reggae fut peu à peu dépouillé de ses
influences « babyloniennes » pour atteindre un son brut et lourd, lorgnant de toutes ses
forces de l’autre côté de l’Atlantique285, là ou justement se trouvaient les « racines ». La
basse se fit à nouveau plus mélodique, et entra en harmonie avec les voix286 qui, grâce à un
tempo lent et des arrangements des plus sobres, trouvaient la place de s’exprimer
pleinement, notamment sous la forme de trios, innombrables durant les années septante287.
Comme les percussions nyahbinghi, le roots était une musique de transe, hypnotique, en
apparence simple et répétitive. S’il servait de support à toutes sortes de textes, dont de
nombreuses chansons d’amours, souvent déçues, il devint rapidement intimement lié à la
notion de consciousness. Si les textes politiques et les commentaires sociaux s’étaient déjà
bien développés depuis la fin des années soixante, les textes rastas ne représentaient pas
encore une tendance importante. Il fallut pour cela attendre l’explosion d’un autre artiste
281
The Abbysinians, « Satta Amassagana » in Best of, Musidisc 111922
283
Burning Spear cité par Bradley, op.cit., pp. 269-270
284
285
Ibid.,p. 227
286
Debord, op. cit., p. 51
287
Heptones, Wailers, Abyssinians, Gladiators, Meditations, Culture, Mighty Diamonds, Royals, Congos, Israel
Vibration,...
282
52
majeur, lui-aussi, et ce n’est pas un hasard, deejay : Augustus Manley « Big Youth »
Buchanan.
C’est en effet par les sound systems que la révolution arriva. Jusqu’alors, les dances étaient
exclusivement pour la population un moyen de se divertir. Les deejays, en soirée comme
sur disque, amenaient une touche légère et drôle à la musique. Mais alors que la vie
devenait de plus en plus difficile, le public se mit à réclamer des textes plus en rapport avec
le monde qui les entourait. Big Youth leur donna alors ce qu’ils attendaient, faisant du
deejay plus qu’un amuseur, un prêcheur288. En réaction aux textes apolitiques de U-Roy ou
Alcapone289, il se mit, dans son style au phrasé très mélodique, le singjay290 style, à
invoquer ras Tafari, comme personne avant lui. Au sein du Lord Tippertone sound system,
sur des riddims roots particulièrement adaptés à l’art du toasting291, il devint un ardent
prédicateur. Au début de l’année 1973, au Carib Theater, établissement renommé, il alla
plus loin en accomplissant un acte hautement symbolique et jusqu’alors impensable. Il ôta
son bonnet, ou tam, et secoua ses dreadlocks devant une foule tout d’abord médusée, puis
totalement hystérique292. A cette époque, malgré l’arrivée de Manley au pouvoir, et
l’intégration grandissante de textes rastas293dans des chansons à succès, les dreadlocks
étaient toujours synonymes d’exclusion, et les Abyssinians étaient le seul groupe à en
porter. Le geste de Big Youth était tout simplement révolutionnaire, dans tous les sens du
terme. L’immense succès sur disque du « grand garçon », notamment pour le jeune Gussie
Clarke, décida les grands producteurs, dont la préoccupation était, cela va sans dire, avant
tout de gagner de l’argent, à suivre la voie. Ainsi Coxsone qui n’avait pas promu, voire pas
sorti, les enregistrements avant-gardistes de Burning Spear et des Abyssinians, se lança
pleinement dans le roots avec Horace Andy, les Gladiators et le quatuor Wailing Souls.
Mais malgré l’extraordinaire qualité des productions issues de Brentford Road, l’époque de
la domination de Studio One était révolue.
L’année 1973 vit le retour au premier plan de Joe Gibbs et de Bunny « Striker » Lee. Ce
dernier se fit une spécialité de réenregistrer en les mettant au goût du jour d’anciens
riddims, généralement issus de Treasure Isle et de Studio One. Une autre tradition
jamaïcaine, rendue possible par l’absence dans la musique de l’île de droits d’auteur. Avec
288
290
Contraction de singer et deejay
291
292
Ibid., p. 288
293
En 1969 déjà, une chanson à thème rasta avait été classée au sommet du hit parade jamaïcain : « Bongo
Nyah » de Earl « Little Roy » Lowe.
289
53
son groupe de musiciens, les Aggrovators294, Lee fit enfin évoluer le jeu de la batterie, en
instaurant le flying cymbal. Ce rythme, emmené par le son du hi-hat mi-ouvert,
particulièrement flagrant dans les morceaux d’époque de Johnny Clarke295, allait dominer
la scène pendant environ deux ans296. En 1974, Lee Perry ouvrit son mythique studio,
Black Ark. Pendant cinq ans allaient en sortir des oeuvres au son unique, qui bâtirent la
légende du « Salvador Dalí »297 de la musique jamaïcaine, à défaut de faire sa fortune. En
effet, bien que Scratch soit aujourd’hui considéré par beaucoup comme LE génie de cette
décennie298, ce fut cependant un autre studio, ouvert deux ans plus tôt, qui allait dominer
dès 1974 la scène musicale pendant dix ans : le Channel One des frères Hoo Kim. Ces
quatres frères - Ernest, Joseph « Joe Joe », Kenneth et Paulie - d’origine chinoise se
lancèrent dans la musique sans en avoir la moindre connaissance, cherchant à appâter les
producteurs en offrant des heures de studio gratuites299. Après quelque tâtonnements
initiaux, Joe Joe et Ernest, les deux frères les plus impliqués dans le studio, parvinrent à
obtenir un son satisfaisant, Ernest devenant même un expert de l’enregistrement de la
batterie300. Ce fut précisément cet instrument qui instaura le son et la domination de
Channel One. En effet, le rythme rockers développé par le batteur Lowell « Sly » Dunbar
sonna pour ainsi dire le glas du one-drop et explosa littéralement dès 1975, notamment
avec le succès des Mighty Diamonds. Tiré, comme le flying cymbal, du disco, mais adapté
au tempo du reggae, le rockers donna au roots un son plus « militant »301, tout d’abord
subtilement, par l’introduction du double drumming de Sly, puis massivement par le
martèlement de tous les temps, forts comme faibles, par la grosse caisse, et par une
augmentation du tempo. Le rockers imposa ainsi à la fois le duo Sly Dunbar et Robbie
Shakespeare, noyau dur des Revolutionnaries302 et le studio pour qui ils jouaient, Channel
One. A la qualité des musiciens maison s’ajoutait l’avantage de la situation, en plein ghetto,
d’un studio aux équipements pouvant rivaliser avec ceux d’ établissements comme Randy’s
ou Federal situés plus loin en ville303. Ainsi, entre 1974 et 1984, on estime que les trois
294
Aston et Carlton Barrett, Sly Dunbar, Robbie Shakespear, Lloyd Parks, Santa Davis, Tommy McCook,
Winston Wright, Ansell Collins, Chinna Smith, entre autres.
295
Johnny Clarke, Golden Hits, Sonic Sounds SON0081
296
297
298
Ibid., p. 365
299
Joe Joe Hoo Kim cité par Katz, Solid Foundation, op.cit., p. 197
300
Hendley, Dave, « Channel One Story » in Natty Dread (21), p. 36
301
Sly Dunbar cité par Bradley, op. cit., pp. 357 et 479
302
Sly Dunbar, Robbie Shakespeare, Ranchie McClean, Ossie Hibbert, Ansell Collins, Dougie Bryan, Robbie
Lynn, Tommy McCook, Vin « Don D Jr » ou « Trommie » Gordon, parmi d’autres.
303
Hendley, op. cit., p.38
54
quarts des enregistrements musicaux jamaïcains étaient effectués à Channel One, soit par
les Hoo Kim, soit par d’autres producteurs louant le studio304. Ces-derniers rajoutaient
ensuite généralement les voix dans le minuscule studio de King Tubby, qui s’occupait
également du mixage de la version dub. Le succès du son rockers de Channel One marqua
la pleine explosion du roots, et par conséquent l’entrée massive des textes rastas dans la
musique.
L’année 1975 fut cependant marquée par un événement qui, aux yeux des non rastas, aurait
dû signifier la fin du mouvement : la mort, le 28 juin, de Hailé Sélassié, qui avait été
renversé un an plus tôt par les hommes de Mengistu Hailé Mariam, qui allait installer pour
une quinzaine d’année une dictature marxiste dans le pays. Face à cette nouvelle, les rastas,
pour qui la mort ne concerne que ceux qui ne suivent pas la livity, ne manifestèrent aucune
réaction de tristesse ou de désarroi. Cette nouvelle n’était pour eux qu’une vaine
propagande de Babylon, opinion renforcée par le fait que le corps du négus demeurait
introuvable305. A l’exception de Junior Byles, psychologiquement instable, qui tenta de se
suicider à l’annonce de la mort de Sélassié306, les artistes rastas réagirent en réaffirmant
clairement leur foi renforcée. Ainsi, peu de temps après, sortirent « Jah live » de Bob
Marley : « Fools say in their heart, Rasta your god is dead. But I &I know, dread, it shall
be dreader dread »307, « Jah no dead » de Burning Spear : «They try to fool the black
population, by telling dem Jah Jah dead. I&I knows dat, Jah no dead »308 ou encore «Man
of the living» de Wayne Wade309 : «‘Cause everywhere I go, dem jus’ a fight I so, dem a
tell I seh, my god is dead. But I a tell dem seh, I man a natty dread, I’m a man of the living
and not of the dead »310.
Dès le milieu de la décennie, rasta et reggae se mirent à former un inséparable binôme,
particulièrement aux yeux du public occidental qui, au travers du succès de Bob Marley,
découvrit simultanément la musique et le mouvement311. Cependant, un grand nombre
d’adeptes virent paradoxalement ce mariage d’un mauvais œil. Le reggae, teinté
d’influences américaines, joué avec des instruments électriques était bien trop
« babylonien » à leur goût312. Leur musique étaient les percussions nyahbinghi, et rien
304
Ibid., p. 34
306
307
Bob Marley, « Jah live » in Songs of Freedom, Island TGXBX1/514 432-2
308
Winston « Burning Spear » Rodney, «Jah no dead» in Spear Burning, Pressure Sounds PSCD033
309
Voit texte complet en annexe.
310
Wayne Wade, Man of the living, Vivian Jackson VJ 24-32
311
Cf. deuxième partie
312
305
55
d’autre. Le reggae est ainsi toujours banni du camp de Bull Bay, et il fallut au premier
producteur bobo, Richard Bell, une permission spéciale de Prince Emmanuel pour lancer
son label en 1989313. Ce refus du reggae profita à la force montante du rastafarisme des
années septante, les Twelve Tribes of Israel, qui l’adoptèrent pleinement314, attirant ainsi en
leur sein de nombreux artistes, qui prêchèrent leur parole. Le succès des TTI était
également dû à leur doctrine hétérodoxe, voire hérétique pour de nombreux rastas, se
rapprochant singulièrement du christianisme. Pour les adeptes de Prophet Gad, Hailé
Sélassié, deux-cent vingt-cinquième descendant de David, fut l’une des manifestations
temporelles du Christ, « Christ in his kingly character », mais pas encore le messie315.
Ainsi les adeptes installés dans la communauté de Shashamane, au sud d’Addis Abeba,
attendent-ils la restauration de la monarchie éthiopienne, et le retour sur le trône des
descendants du négus316. Cette doctrine différente, associée à une grande liberté,
notamment capillaire et alimentaire, une approche plus égalitaire dans les rapports entre
hommes et femmes, et un côté plus uptown que les autres branches du mouvement
attirèrent des jeunes jamaïcains des quartiers aisés, ainsi que de nombreux blancs à travers
le monde317.
Economiquement, la situation de la Jamaïque au milieu des années septante était
désastreuse. La politique de Manley, qui tenta vainement d’instaurer un salaire minimum et
d’augmenter le contrôle de l’état sur les exportations, ainsi que son rapprochement avec
Cuba, eurent le malheur de déplaire à Washington, ce qui eut rapidement des conséquences
fâcheuses. Ainsi les entreprises américaines qui exploitaient le bauxite désertèrent l’île, la
privant de sa première ressource. Cette perte, associée aux difficultés liées à la crise
pétrolière, provoqua une inflation et un endettement croissants318. Face à cette crise,
Manley se résolut en 1975 à faire appel au FMI, qui exigea d’emblée des coupes drastiques
dans les budgets de l’éducation et de la santé. La politique d’austérité imposée eut des
conséquences absolument désastreuses pour les sufferahs319, et fit de la Jamaïque un cas
d’école en matière de fiasco des mesures prônées par le FMI320. Parallèlement à cette
313
Commeillas, David, « Richard Bell, pilier bobo » in Ragga (44), septembre 2003, p.37
Ce sont par exemple les TTI qui produisirent le premier morceau d’Israel Vibration, « Why worry ».
315
Lutanie, Jah Rastafari, op. cit., p. 53
316
Entretiens avec divers membres des TTI, Shashamane, août 2001
317
Les TTI comptent ainsi des antennes («houses») en Allemagne, Angleterre, Australie, Suède, NouvelleZélande et aux Etats-Unis ainsi que dans plusieurs pays africains.
318
319
Inflation de 20% par an, 75% de la population vivant sous le seuil de pauvreté, rationnement alimentaires
fréquents. Chiffres cités par Braley, op. cit., p. 459
320
Voir le documentaire « Jamaïque-FMI : mourir à crédit » de William Karel, Sept-Arte/ INA, 1998. Ce
reportage édifiant a reçu le « Prix Dauphiné Henri Tèzenas du Montell » 1999, catégorie « télévision ».
314
56
débâcle économique, la situation politique dégénéra également. De très importantes
quantités d’armes arrivèrent dans l’île dés 1974, malgré l’instauration par Manley du Gun
Court Act, qui signifiait une peine de perpétuité pour quiconque était trouvé en possession
d’une arme à feu illégale321. Le JLP, activement soutenu par Washington322, Edward Seaga
héritant même du sobriquet de « CIA-ga »323, se lança l’année suivante, par l’entremise de
ses gangs, dans une vaste opération de déstabilisation, en vue des élections de 1976324. Le
PNP répliqua en armant ses troupes en conséquences, conduisant le pays vers une
inévitable escalade de violence. Pendant les six premiers mois de 1976, on dénombra pas
moins de cent soixante-trois meurtres à caractère politique, forçant le gouvernement à
décréter l’état d’urgence, pour la première fois depuis 1966325. Bob Marley fit l’objet d’une
tentative de meurtre, ce qui eut pour conséquences de lui faire quitter l’île pour deux ans326.
Le PNP remporta malgré tout les élections, mais le pays était lancé vers un état de quasi
guerre civile, qui allait culminer avec les élections de 1980.
C’est donc dans un contexte de crise économique et de violences quotidiennes que le roots
prit son essort. Cet environnement difficile n’empêcha cependant pas le développement de
la scène locale. Ainsi, durant la deuxième moitié de la décennie, Kingston devint la
« Nashville du tiers-monde »327, avec pas moins de quinze studios et septante-cinq
producteurs indépendants328. Cette explosion se fit cependant sur le dos des artistes,
victimes de l’avidité des producteurs et de l’absence de toute protection juridique. Payés
uniquement à la session, ils ne touchaient ensuite plus rien sur les ventes de disques, que ce
soit dans l’île ou à l’étranger. Ainsi Roy Samuel « I-Roy » Reid, l’un des plus grands
deejays de l’histoire, qui avait pourtant signé un contrat avec Virgin, était-il réduit à la
condition de sans abri lorsqu’il mourut en 1999. S’il est particulièrement frappant,
l’exemple de I-Roy est cependant loin d’être un cas isolé, et il fallut la vague européenne
de rééditions commencée au milieu des années nonante, sous l’impulsion notamment du
Blood & Fire de l’anglais Steve Barrow, pour que de nombreux artistes touchent, avec plus
de vingt ans de retard, leurs premières royalties329.
321
Célan, Bruno, « Gun Court 1974 » in Natty Dread (4), janvier 2001, p. 40
Voir le témoignage d’un ancien agent de la CIA dans le documentaire «Rebel Music», de Jeremy Marre, 2001
Island Def Jam Music Group.
323
324
325
Ibid., p. 234
326
Célan, Bruno, « Smile Jamaica » in Natty Dread (6), mai 2001, p. 26
327
Davis&Simon, op. cit., p. 87
328
Ibid., p.87
329
Bien que de nombreuses maisons d’éditions occidentales continue à ne pas payer le moindre centime aux
artistes.
322
57
Mais alors que le reggae bouillonnait dans le ghetto, peu était fait par les autorités pour le
promouvoir davantage. Ainsi le Jamaica Tourist Board, soucieux d’entretenir, comme c’est
encore le cas aujourd’hui, une image lisse de paradis tropical où il fait bon vivre,
déconseillait-il en 1975 au gouvernement de faire la promotion d’un « aspect de la culture
jamaïcaine qui met l’accent sur les réalités les plus dures de [leur] existence. »330. Il en était
de même pour les deux radios nationales, JBC et RJR, qui bannissaient scrupuleusement
les textes séditieux, ne proposant, entre deux titres disco, que des morceaux d’un reggae
pop peu en phase avec le son du ghetto. Il fallut attendre 1977, et l’émission de Michael
« Mikey Dread » Campbell sur JBC, « Dread at the Control »331, pour trouver sur les
ondes, de minuit à six heures du matin, l’ambiance des dances. L’émission ne dura que
deux ans, mais eut un impact considérable, et contribua à développer et répandre hors du
ghetto le reggae brut des sufferahs332. Quant à la première station de radio entièrement
dévolue au reggae, Irie FM, elle ne fut lancée qu’en 1990, soit plus de vingt après
l’apparition du genre.
L’année 1978 vit la tenue d’un événement qui marqua sans aucun doute le point culminant
de l’implication et l’influence des artistes dans la vie politique, et le dernier espoir de
calmer la violence qui régnait dans les rues de la capitale : le One Love Peace Concert. Il
eut lieu le 22 avril au National Stadium devant trente-deux mille personnes, dans une
atmosphère tendue333, suite à l’initiative de trois dons, chefs de gang et tueurs notoires,
Tony Welch, Claudie Massop et Bucky Marshall. Ceux-ci désiraient en effet organiser un
événement fêtant la trêve qu’ils avaient signée peu de temps auparavant. Durant la soirée,
réunissant, notamment grâce à l’influence des TTI, quelques-uns des plus grands artistes de
l’époque334, deux événements totalement impensables quelques mois plus tôt, se
produisirent. Tout d’abord la réunion sur scène par Jacob Miller, pendant son morceau
« Peace Treaty Special »335, composé pour l’occasion, des trois initiateurs de l’événement.
Après s’être livrés à des années de guerre totale et impitoyable, ils dansaient désormais bras
dessus bras dessous, devant un public médusé. Ce fut ensuite le tour de Bob Marley, revenu
pour la première fois en Jamaïque depuis la tentative d’assassinat dont il avait été victime
deux ans auparavant, de faire monter sur scène deux personnages qui, eux, n’avaient pas
330
Mémorandum du JTB, 10/10/1975, cité par Davis & Simon, op. cit., p. 7
Selon la légende, le taux de criminalité en ville de Kingston baissait pendant la diffusion de l’émission.
332
333
Ehrengardt, Thibault, « The One Love Peace Concert » in Natty Dread (3), nov. 2000, p. 10
334
Bob Marley, Peter Tosh, Inner Circle, Dennis Brown, Beres Hammond, Ras Michael, Culture, Junior Tucker,
Lloyd Parks et Big Youth.
335
Jacob Miller, « Peace Treaty Special » in Spirit of Reggae, Wagram, WAG336
331
58
signé de trêve : Michael Manley et Edward Seaga. L’image historique des mains de ces
deux ennemis jurés réunie par celle de Marley marquèrent un immense espoir. Mais l’air
peu sincère des deux protagonistes laissait cependant percevoir le caractère illusoire d’une
réelle paix dans l’île. Un fait que Peter Tosh, auteur le même soir d’un sermon enflammé
qui lui valut d’être tabassé pratiquement à mort par la police quelques mois plus tard, avait
sans doute comprit avant tout le monde336.
La fragile trêve ne dura en effet pas longtemps. Claudie Massop fut tué par la police en
février 1979, et Bucky Marshall fut assassiné l’année suivante à New York. La campagne
électorale de 1980 fut la plus sanglante à ce jour, faisant cinq cent morts en 1979 et huit
cent huitante-neuf l’année des élections337, remportées par le JLP de Seaga. Cette violence
touchait en outre de plus en plus directement les protagonistes de la scène musicale, qui
vivaient en pleine « zone de guerre » et dont certains entretenaient parfois de liens étroits
avec les gunmen ; en témoigne l’effarante liste d’artistes assassinés au cours de la décennie
suivante : Hugh Mundell, Earl « General Echo » Robinson, Michael « Prince Far I »
Williams, Michael Smith, Carlton Barrett, Peter Tosh, King Tubby, Clive « Tenor Saw »
Bright, Glen « Nitty Gritty » Holness, Henry « Junjo » Lawes, sans compter ceux qui en
réchappèrent de peu, comme Bob Marley ou Melbourne « Jah Stitch » James, qui survécut
à une balle à travers nuque et mâchoire338.
Le tournant de la décennie marqua le déclin de l’ère roots, victime, sur le plan
international, de la mort de Bob Marley339, et en Jamaïque de la lassitude du public des
dances340. Le style n’avait que très peu évolué durant la décennie et le développement du
marché international séparait de plus en plus les producteurs du public local. Ainsi, comme
cela avait été le cas lors de l’apparition du roots après une vague pop, les Jamaïcains se
réapproprièrent leur musique. Ils le firent cette fois-ci en privilégiant les deejays, qui
allaient dès lors régner sans partage, et des textes radicalement opposés aux thèmes
« culturels » véhiculés par le roots, ces-derniers semblant de moins en moins en phase avec
la vie quotidienne des sufferahs341. Ainsi en 1979 sortit « The Slackest LP » de General
Echo, qui lança sur vinyle la mode apparue dans les sounds deux ans plus tôt, de proférer
des obscénités sur fond de basse et de batterie. Le premier roi du dancehall, nom donné au
nouveau genre, fut un orphelin albinos, lui aussi issu de l’Alpha Boys’ School, Winston
336
Peter Tosh, Live at the One Love Peace Concert, JAD, JAD CD 1009
Ehrengardt, op. cit., p. 11
338
Ehrengardt, Thibault « Jah Stitch : Dread cyaan dead » in Natty Dread (15), nov. 2002, p.18
339
Cf. II.2
340
341
Ibid., p. 503
337
59
« Yellowman » Foster, expert ès auto-célébration explicite et ironie grinçante, qui connut
un succès phénoménal en Jamaïque et à l’étranger. Il réussit notamment l’exploit de sortir
seize albums durant la seule année 1982, avant de décliner dès le milieu de la décennie. Si,
sous l’égide de Junjo Lawes, les Roots Radics342 dominèrent les premières années de la
vague
dancehall,
les
musiciens
allaient
vite
être
mis
sur
le
carreau
par
l’institutionnalisation, pour des motifs essentiellement économiques, de la pratique du
recyclage d’anciens riddims, le plus souvent issus de Studio One343, et le développement de
morceaux entièrement digitaux. Le glas du reggae acoustique, symbolisé par les cendres de
Black Ark, incendiée volontairement344 en 1983 par un Scratch de plus en plus tourmenté,
sonna ainsi définitivement en février 1985 par le succès inouï d’un riddim développé sur un
petit synthétiseur bas de gamme, le « Sleng Teng » de Lloyd « Prince Jammy » James. S’il
ne fut pas le premier morceau à être conçu sans musiciens345, il marqua cependant
l’événement fondateur du ragga346, ère du riddim roi, plus important que le morceau luimême, et souvent décliné en plusieurs centaines de version347.
Malgré la mode des textes pornographiques et des hymnes aux armes à feux, les gun lyrics,
certains artistes continuèrent, le plus souvent dans l’ombre, à privilégier les thèmes qui
avaient prévalu durant la décennie précédente. Et si un renouveau roots348, incarné au début
des années nonante par les Christian Souljahs de Garnett « Silk » Smith et Patrick « Tony
Rebel » Barrett349, leur permit de ramener partiellement cette rhétorique sur le devant de la
scène en Jamaïque, c’était désormais hors de l’île que le roots reggae allait survivre.
342
Style Scott, Flabba Holt, Binghi Bunny Lamont, Sowell Bailey, Dwight Pickney, Santa Davis, Steely Johnson
344
Le mystère, savamment entretenu par Scratch lui-même, entourant le caractère délibéré ou non de cet acte est
toujours d’actualité. Lire Katz, People Funny Boy, op. cit., pp. 363-365
345
Il fut en effet au moins précédé en 1982 par Electric Boogie de Marcia Griffiths et Bunny Wailer et en 1984
par Herbsman Hustling de Sugar Minott.
346
De « raggamuffin », « vaurien ». Les termes « dancehall » et « ragga » sont aujourd’hui généralement usités
sans distinction, mais nous reprenons ici la dénomination adoptée par Barrow & Dalton, pour qui le terme
« ragga » désigne une musique exclusivement digitale.
347
348
Barrow&Dalton, « Rasta Renaissance » in Rough Guide to Reggae, op. cit., pp. 363-382
349
Ehrengardt, Thibault & Célan, Bruno, « Tony Rebel : la renaissance roots des 90’s» in Natty Dread (22), jan
2004, pp. 32-47
343
60
Deuxième partie : De Kingston à Zurich
II.1 Développement international du reggae
« People just love Jah music, Everywhere that I go,
People just love Jah music, they keep telling me so »350
Prince Lincoln
Comme le fait remarquer Chris Blackwell, qui sait de quoi il parle en matière de diffusion
du reggae dans le monde occidental, « pour une petite île de trois millions d’habitants, la
Jamaïque a eu un impact disproportionné sur l’évolution de la musique populaire à travers
le monde. »351 Or cette influence n’a pu s’exprimer que par l’extraordinaire succès
international du reggae, principalement par l’entremise de Bob Marley, icône incarnant,
pour le grand public, à elle seule reggae et rastafarisme.
Nous analyserons donc dans ce chapitre les différents vecteurs qui ont permis aux lourdes
basses des studios de Kingston de traverser les océans, pour venir, notamment, faire
trembler les Alpes. Pour ce faire, nous distinguerons trois cas de figure distincts : la
Grande-Bretagne, dont la diaspora jamaïcaine joua un rôle essentiel de relais entre les
studios de Kingston et le cœur de Babylon, l’Occident (Etats-Unis et Europe continentale)
et l’Afrique. Nous nous plongerons en suite en détails sur le cas de la Suisse.
II.I.a. Le cas de la Grande-Bretagne
En tant qu’ancienne puissance colonisatrice, il n’est pas étonnant que la Grande-Bretagne
ait toujours eu des rapports plus étroits avec la Jamaïque que les autres pays occidentaux.
Rappelons d’ailleurs que la reine Elizabeth II est toujours, officiellement et
symboliquement, à la tête de l’Etat jamaïcain. Cette relation particulière, dont la
manifestation la plus flagrante est la très importante diaspora yardie installée dans le
350
351
« Prince » Lincoln Thompson, « People love Jah music » in Natural Wild, Ballistic/U.A., UAG 30309
Chris Blackwell, introduction de Reggae Explosion, op. cit.
61
fridge 352, explique bien entendu le fait que la Grande-Bretagne ait joué un rôle
prépondérant comme relais entre Kingston et l’Occident, et soit encore le seul pays dont la
production musicale puisse non seulement rivaliser avec celle de la Jamaïque, mais
également amener un touche propre et des innovations, comme le lover’s rock ou les dub
poets.
Cependant, avant la déferlante pop-reggae qui vit, entre 1968 et 1972, de nombreux titres
jamaïcains dans les classements de ventes, puis l’explosion de Bob Marley deux ans plus
tard, la musique jamaïcaine en Grande-Bretagne ne touchait que des publics précis, qui de
surcroît ne se mélangeaient pour ainsi dire pas353.
En premier lieu bien sûr, la communauté jamaïcaine, concentrée notamment dans le
quartier de Brixton, au Sud de Londres, pour qui la musique, et particulièrement sous la
forme du sound system, était un moyen de rester en contact avec ses origines, et d’affronter
une situation particulièrement difficile durant les années cinquante354, comme en
témoignent notamment les émeutes raciales de Notting Hill, durant l’été 1958355. Ainsi, le
premier sound system anglais, Duke Vin the Tickler, fut-il créé dès 1955 par un ancien bras
droit de Tom Wong. Cette communauté, avide de nouveautés musicales, vit son pouvoir
d’achat augmenter durant les années cinquante. Ainsi, dès la fin de la décennie, elle allait
constituer pour les producteurs yardies un marché à part entière356, qui leur permettait
notamment de revendre aux sounds anglais des morceaux passés de mode à Kingston.
Parallèlement à l’importation, des productions locales firent leur apparition dès 1’éclosion
du ska, sur le label Planetone de Sonny Roberts, immigré jamaïcain également fondateur
du premier magasin de musique de Londres appartenant à un Noir, Orbitone. Des
compagnies anglaises se mirent également à s’intéresser d’un peu plus près à ce marché
naissant. La première à se lancer sérieusement fut Melodisc d’Emil Shallit, qui sur son
label Blue Beat sortit plus de trois cent morceaux en cinq ans, principalement importés,
mais également, pour certains, produits sur place. Le label fut d’ailleurs à tel point associé
aux débuts de la musique jamaïcaine en Grande-Bretagne que son nom y est devenu
synonyme de ska et de rocksteady357. Le premier hit à franchir, en 1964, les barrières de la
352
Nom donné à la Grande-Bretagne par les Jamaïcains restés au pays, peu habitués aux températures glaciales
des hivers britanniques.
353
354
Jah Vego, cité par Bradley, op. cit., p. 115
355
356
Ibid., p. 122
357
Ibid., p. 127
62
communauté caribéenne358, « My boy lollipop » de Millie Small, fut cependant produit par
une autre compagnie, appartenant à un jamaïcain blanc installé à Londres, Island de Chris
Blackwell, fondée en 1962. Si ce succès énorme lança la carrière du producteur, il n’eut
cependant pas de suite, et le ska fut considéré par les médias anglais comme une simple
mode passagère359. Il représenta cependant beaucoup plus pour une partie bien définie du
public blanc, les mods. Ces jeunes issus de la classe moyenne, au style vestimentaire
finement soigné, idolâtres de la vespa360, se prirent de passion pour le ska, faisant de Laurel
Aitken et surtout Prince Buster, leurs idoles361. Ainsi, lors des premiers concerts organisés
en Grande-Bretagne, les mods formaient une bonne partie du maigre public, les Jamaïcains
préférant nettement les sounds à la musique live362.
En 1967, alors que Kingston bougeait déjà au rythme du rocksteady, un sursaut ska eut lieu
en Grande-Bretagne avec l’entrée dans les classements de « Al Capone » de Prince Buster,
premier morceau enregistré en Jamaïque à réussir cet exploit. Le rocksteady ne tarda
cependant pas, sous l’impulsion d’une communauté yardie en contact étroit et permanent
avec la scène musicale de son pays, à envahir l’Angleterre. Ce fut cette fois-ci une autre
catégorie du public blanc, les skinheads, qui l’adoptèrent, principalement sous la forme des
rude boys songs. En effet les skins, cousins des mods au crâne rasé, et affichant une
propension certaine à la violence363, se montrèrent particulièrement réceptifs à l’évocation
des « exploits » sanglants des rudies, dont ils représentaient « la variante anglaise »364.
La même année fut lancée conjointement par Léo Gopthal, propriétaire de la chaîne de
magasins spécialisés Musik City, et Chris Blackwell Beat&Commercial/Island, compagnie
vouée à la distribution en Grande-Bretagne de musique jamaïcaine. Parmi les différents
labels365 créés par Gopthal et Blackwell, qui se séparèrent moins d’un an après le début de
leur collaboration, Trojan fut le plus marquant. Initialement lancé pour distribuer les
productions de Duke Reid, comme en témoigne l’utilisation du nom du sound de cedernier, il fut utilisé dès 1968 par Gopthal pour toucher le grand-public, lançant la vague du
358
Le morceau avait d’ailleurs été clairement calibré pour toucher un public large, préfigurant le travail décisif
effectué par Blackwell dix ans plus tard avec l’œuvre des Wailers.
359
360
Potash, Chris, Reggae, Rasta, Revolution, Schirmer Books, 1997, p. XV
361
362
Ibid., p.122
363
Bien qu’il convienne de préciser qu’à l’époque, le terme « skinhead » n’était pas encore systématiquement
synonyme de racisme ou de néo-nazisme, bien que des éléments xénophobes aient toujours été intimement liés à
ce mouvement.
364
365
Treasure Isle pour les productions de Duke Reid, Studio One et Coxsone pour Coxsone Dodd, Amalgamated
pour Joe Gibbs, Dandy pour Dandy Livingstone, High Note pour Sonia Pottinger, Blue Cat, Big Shot et Duke
demeurant des labels généralistes.
63
pop-reggae366. A l’aide de morceaux enregistrés à Kingston mais systématiquement
remixés pour convenir aux goûts occidentaux, Gopthal réussit au-delà de toute espérance.
Lancé par le morceau « Israelites » de Desmond « Dekker » Daccres, premier numéro un
des ventes de l’histoire de la musique jamaïcaine hors de l’île, le succès de Trojan, avec
dans son sillage des labels concurrents tels Attack, ou PAMA des frères Palmer367, allait
durer quatre ans, culminant le 15 novembre 1969, avec pas moins de trois morceaux368
estampillés « Trojan » dans les vingt disques les plus vendus. En quatre ans, les labels
Trojan et PAMA vendirent quatre millions de disques, faisant, durant cette période, de la
Grande-Bretagne le premier marché mondial pour le reggae, devant la Jamaïque369.
L’édition massive par des labels anglais de titres jamaïcains permit également de rendre
disponibles des morceaux devenus introuvables dans leur édition originale. Ce qui
compensa en partie la destruction, pour motifs économiques, de centaines de milliers de
quarante-cinq tours de ska et rocksteady, fondus afin d’en récupérer le vinyl370.
Mais cette explosion resta confinée à une musique calibrée pour le grand-public, bien
souvent dépouillée d’une partie de son énergie brute. Dans leur version originale, les
morceaux ne plaisaient qu’aux immigrés yardies et aux skins, qui troquèrent aisément le
rocksteady contre son successeur, malgré une fixation sur la thématique « rudies ».
Lorsque, succès des ventes oblige, les grands médias anglais furent obligés de diffuser du
reggae, ils le firent avec un mépris ouvertement affiché. Ainsi, Tony Blackburn, animateur
à la BBC, coupait-il les morceaux en plein milieu, expliquant qu’il avait eu assez de ce
qu’il ne considérait même pas comme de la musique371. La BBC lança tout de même une
émission spécialisée en 1971, Reggae Time, animée par Steve Barnard, mais uniquement
sur la locale Radio London.
La vague pop-reggae s’éteignit en 1972, les labels anglais n’ayant pas su, ou voulu,
négocier le virage roots372. Le reggae quitta donc à l’époque le devant de la scène, mais
devint, dans sa forme brute, un formidable moyen d’expression pour les Jamaïcains de
deuxième génération. En effet, pour des jeunes n’ayant pour la plupart jamais vu la terre de
leurs parents, constamment confrontés au racisme institutionnel et aux brutalités
366
Futurs fondateurs de la compagnie Jet Star.
368
En l’occurence « Return of Django » de Lee Perry (no. 5), « Wonderful World, Beautiful People » de Jimmy
Cliff (no. 7) et « Liquidator » des Harry J All-Stars (no. 17).
369
370
Foster, Chuck, Roots, Rock, Reggae, Billboard, 1999, p. 128
371
Ibid., p. 257
372
Ibid., p. 259
367
64
policières373, le message rasta véhiculé par le roots, fait d’exaltation de la fierté noire ainsi
que d’évocation de la terre mère374, offrait une formidable opportunité de se forger une
identité. A la suite375 de Matumbi376 lancé en 1971 par Dennis Bovell, originaire de la
Barbade et opérateur du Jah Sufferer Hi-Fi sound system, de nombreux groupes se
formèrent : Aswad377, Steel Pulse, Black Slate, Misty in Roots, Reggae Regular, Black
Roots, Capital Letters…
Les groupes anglais différaient de leurs homologues jamaïcains par le fait qu’ils n’étaient
pas constitués d’éléments disparates regroupés selon les besoins d’un producteur, mais
formaient un ensemble stable, regroupant chanteurs et musiciens. Le fait que ceux-ci aient
toujours fonctionné comme « self contained bands » s’explique notamment par le fait que,
malgré un faible pouvoir d’achat, les musiciens anglais parvenaient à acquérir leur propre
instrument, ce qui n’était que très rarement le cas en Jamaïque378.
Dans un premier temps, ils cherchèrent à produire un son « plus roots que roots »379, allant
jusqu’à sortir leur morceaux sur des labels blancs afin de cacher leur origine britannique,
les selectas ne passant en effet que du son jamaïcain380. Dès 1976 cependant, avec le succès
de « Man in me » de Matumbi381, le son propre des productions locales put s’affirmer.
Celles-ci se distinguaient par l’intégration de diverses influences occidentales, ainsi que des
textes et des arrangements plus complexes que ceux pratiqués à Kingston382.
Parallèlement au UK roots se développa, en Grande-Bretagne uniquement, le lover’s
rock383, destiné à un public préférant des thèmes et des mélodies plus légers que les récit
des violences policières. Etrangement les Jamaïcains, pourtant grands amateurs de bluettes,
ne l’adoptèrent pas, et le style resta exclusivement britannique. Une autre innovation
britannique, la dub poetry, le pendant anglais du deejay style, connut cependant plus de
succès. Inspirée par des poètes yardies comme Louise « Miss Lou » Bennett384, mais initiée
sur disque par Linton Kwesi Johnson, elle consistait, comme son nom l’indique, en la
373
Lutanie, Boris, « Rasta inna England » in Ragga (34), oct 2002, pp. 52-53
Qui pouvait, dans le cas spécifique des jeunes nés en Grande-Bretagne, signifier à la fois l’Afrique et la
Jamaïque.
375
Les Cimmarons existaient déjà depuis 1967, mais fonctionnaient quasi exclusivement comme backing band
pour les artistes jamaïcains en tournée en Grande-Bretagne. Il suivirent cependant la vague roots en allant
enregistrer un album à Kingston au milieu des années septante.
376
« Rennaissance » en Yoruba.
377
« Noir » en arabe.
378
Pytel, Gilbert, « Le roots anglais » in Ragga (34), oct 2002, p. 27
379
Ibid., p. 29
380
Dennis Bovell cité par Bradley, op. cit., p. 392
381
En fait une reprise reggae d’une chanson de Bob Dylan.
382
383
Barrow&Dalton, op. cit., pp. 397-404
384
Foster, Chuck, « Dub Poets » in Roots, Rock, Reggae, Billboard, 1999, p. 235
374
65
récitation de vers en patois sur une musique écrite pour se marier au texte, soit l’approche
inverse de celle des DJ’s jamaïcains. Le principe, très populaire auprès du public blanc,
pourtant pas toujours capable de comprendre les textes, fut ensuite repris par artistes
yardies tels que Alan « Mutabaruka »385 Hope, Michael Smith ou Orlando « Oku Onuara »
Wong.
Les textes anglais étaient très régulièrement dirigés contre la police, et ses Special Patrol
Groups, éléments particulièrement racistes et violents386. Les émeutes entre communauté
caribéenne et forces de l’ordre étaient régulières, culminant lors du Notting Hill Carnival
de 1976, de la Handsworth revolution387 à Birmingham l’année suivante, et après le
tabassage en règle de jeunes dreadlocks à Brixton, en 1981388.
Pour combattre le racisme ambiant, incarné politiquement par le National Front, des
festivals musicaux furent organisés. Le plus célèbre d’entre eux, Rock Against Racism, fut
lancé en 1977 par la Anti-Nazi League, sous le slogan « Black and White Unite ». En plus
d’offrir aux groupes reggae anglais une formidable promotion, le festival fut l’occasion de
concrétiser sur scène le rapprochement entre les rastas et une nouvelle fraction du public
blanc, les punks. Ceux-ci, bien souvent issus des mêmes quartiers que la communauté
jamaïcaine, avaient commencé par fréquenter les dances pour se fournir en herbe de
qualité389, mais adoptèrent bientôt le roots comme mods puis skins l’avaient fait
respectivement avec le ska et le rocksteady/reggae avant eux. Ils se retrouvaient en effet
dans le mode de vie marginal des rastas, et dans leur refus de la société qui les entourait.
Les textes apocalyptiques du roots, tel le classique « Two Sevens Clash »390 de Culture391,
séduisirent des jeunes pourtant peu férus de mysticisme. Des lieux comme le club Roxy ou
le magasin de disques Honest Jon’s devinrent des hauts lieux de mélange entre locks et
crêtes polychromes392. Ces brèves fiançailles furent d’ailleurs fêtées, non sans un certain
opportunisme de la part d’Island, par le morceau « Punky reggae party »393 de Bob Marley.
Mais non seulement les punks se mirent à acheter des disques, mais leurs groupes
partagèrent la scène avec des formations reggae, leur offrant le moyen de toucher un grand
public blanc jusqu’alors peu réceptif. Certains groupes comme The Police, nom assez peu
385
« Guerrier » en swahili.
387
Titre d’un album de Steel Pulse.
388
Lutanie, Boris, « Rasta inna England », op. cit., p. 52
389
Don Letts cité par Bradley, op. cit., p.448
390
Qui annonçait moult catastrophes pour l’année 1977, lorsque les « deux sept se heurteraient ».
391
Culture, “Two Sevens Clash” in Two Sevens Clash, Blue Moon, BMLP-004
392
393
Bob Marley & Lee Perry, Punky Reggae Party, Tuff Gong, DSR 4774
386
66
apprécié par la communauté caribéenne394, ou The Clash, qui avaient auparavant collaboré
avec Mickey Dread, commencèrent même à jouer des morceaux reggae395. Leurs débuts
hésitants amusèrent beaucoup les Jamaïcains, le groupe Matumbi déclenchant à chaque fois
l’hilarité générale lorsqu’ils se lançait dans une imitation du « white man reggae », joué
volontairement à l’envers, pour se moquer de l’incapacité des musiciens blancs à placer le
skank au bon endroit396. Ces derniers parvinrent finalement à trouver un son, baptisé
english one drop par leurs homologues jamaïcains. Parallèlement au développement de ce
« reggae blanc », apparut en Grande-Bretagne la vague Two tone397, soit la résurrection
d’un ska nerveux, mêlé de rock et de pop, joué par de jeunes groupes anglais, comme
Madness ou The Specials. Dès 1979, cette nouvelle vague attira les punks, qui délaissèrent
le roots pour se consacrer à une musique non seulement plus rapide, mais également jouée
par des groupes multiethniques, dans lesquels le public non-jamaïcain se reconnaissait
davantage398.
Malgré leur abandon du reggae, qui avec la mort de Marley allait contribuer à
l’effondrement du marché international du genre, les punks, gros acheteurs de roots, dub et
deejay style, jouèrent un rôle important pour l’acceptation par le public européen du son
jamaïcain original, sans nappes de synthétiseurs ajoutées ultérieurement, ainsi que pour la
diffusion dudit son hors de Grande-Bretagne. Celle-ci fut véritablement l’ambassadrice du
reggae en occident, et représenta dès l’ère ska une manne financière qui permit à de
nombreux producteurs yardies de développer, et surtout de diffuser leur musique hors de
Jamaïque.
II.1.b. Etats-Unis et Europe continentale
Le cas des Etats-Unis est extrêmement intéressant, car, à priori, toutes les conditions y
étaient réunies pour faire du pays une terre d’accueil pour le reggae, au même titre que la
Grande-Bretagne. En effet, non-seulement ils abritaient une très importante population
noire, susceptible d’être sensible aux thèmes véhiculés, mais également une communauté
394
Dennis Bovell cité par Bradley, op. cit., p. 451
Notamment, par The Clash une version remarquée du Armagiddion Time de Willie Williams.
396
397
Wildman, Noah, « The new old ska » in Reggae, Rasta, Revolution, op. cit., p. 140
398
395
67
jamaïcaine, principalement installée sur la côte Est, aussi importante que celle du fridge399.
Or ni le ska, ni ses successeurs n’y percèrent jamais vraiment, et ce pour différentes
raisons.
Tout d’abord la place dans la société occupée par les immigrés jamaïcains. Si, en GrandeBretagne, ceux-ci étaient mis au ban de la société, partageant durant les années quarante et
cinquante le sort des Irlandais400, il trouvèrent aux Etats-Unis une communauté noire déjà
installée. Et si leur intégration n’alla pas sans problèmes, les Noirs caribéens se faisant par
exemple traiter par leurs homologues américains de « monkey chasers », ils n’eurent
cependant pas à fonder leurs propres lieux de rencontre, ceux-ci existant déjà401. De la
même manière, les Jamaïcains s’intégrèrent dans les mouvements de lutte pour les droits
des Noirs, qui s’inscrivaient en droite ligne dans l’héritage d’un prestigieux immigré
yardie, Marcus Garvey402. Ils se fondirent donc en quelque sorte, dans la masse de la
communauté noire, dont ils ne représentaient qu’une frange minime. Ils ne perdirent ni ne
renièrent leur origine pour autant, mais leur communauté était, d’un point de vue extérieur,
pour ainsi dire invisible. Et ne constituait en aucun cas un marché digne de l’intérêt des
maisons de disques américaines403. Celles-ci firent bien quelques tentatives, notamment le
prestigieux label Atlantic d’Ahmet Ertegun, qui sortit peu après la World’s Fair de New
York un album des Dragonnaires intitulé « Jamaican Ska », mais elles étaient destinées au
public « noir »404 dans son ensemble, le ska policé de Byron Lee ne touchant pas des
Jamaïcains habitués au son de la rue. Comme les individus se fondirent dans la masse, le
ska se fondit dans l’offre pléthorique que proposait la scène « noire ». Dérivé du r’n’b, il
n’offrait aux oreilles américaines rien de révolutionnairement nouveau, et passa donc plus
ou moins inaperçu405.
Si les Jamericans406 emmenèrent avec eux la tradition du sound, celle-ci s’intégra
rapidement dans la culture de rue américaine, bien souvent poussée dans cette direction par
le succès confidentiel et les moqueries407. Le meilleur témoignage de cette évolution est la
trajectoire du soundman jamaïcain Clive Campbell, alias « Kool DJ Herc »408, référence à
399
Ibid, p. 138
Les offres d’emploi, comme l’entrée des bars, affichaient souvent « No blacks or Irish ». Ibid, p.117
401
402
Ibid., p. 141
403
Ibid., p. 139
404
C’est à dire le public achetant de la musique jouée par des Noirs américains.
405
Ibid., p. 137
406
Jamaïcains nés en Amérique du Nord.
407
Ehrengardt, Thibault, « Jammin’ inna New York » in Natty Dread (17), mars 03, p. 20
408
D’autres acteurs de la scène hip-hop américaine sont également d’origine jamaïcaine. Citons par exemple
Afrika Bambaataa ou Busta Rhymes.
400
68
un physique imposant, qui émigra à New York en 1967. Il y lança durant les années
septante le premier sound d’échelle « kingstonienne » de la métropole409, le Herculords,
dans lequel il mélangeait funk américain et toast jamaïcain, développant également les
premières techniques de mix. De ces soirées dans le Bronx naquit un style qui allait
submerger la planète durant les années nonante, le rap410.
Le rocksteady, puis le reggae ne connurent pas davantage le succès auprès de la
communauté noire. Les radios noires, même lorsqu’elles furent quelques années plus tard
courtisées par Marley, qui souhaitait ardemment toucher cette partie de la population, ne
passèrent pour ainsi dire jamais de reggae411. Les titres « Israelites » de Desmond Dekker
et « Vietnam » de Jimmy Cliff connurent certes un petit succès passager, mais ce n’est ni
par la communauté jamaïcaine, ni même par la population noire du pays que le reggae s’y
développa. En effet, les Etats-Unis découvrirent cette musique de la même manière que
l’Europe continentale et le reste du monde, soit par le succès planétaire de Bob Marley
auprès du public rock.
Ce succès fut précédé, dans les contrées anglophones, par un événement extrêmement
important, qui lui ouvrit littéralement le chemin. En effet, la sortie, en 1972, du film « The
Harder they Come », de Perry Henzell, révéla crûment au monde l’univers impitoyable de
l’industrie musicale jamaïcaine, et la vie dans les ghettos de Kingston. James « Jimmy
Cliff » Chambers, alors au faîte de sa gloire, y interprétait le rôle de Ivan O Martin412, qui
incarnait l’archétype du rêve jamaïcain : un héros populaire, hors-la-loi et vedette
musicale413. En version sous-titrée, même pour le public anglophone, le film fit le tour des
salles d’Amérique du Nord et d’Angleterre. La bande originale du film, deuxième disque
de reggae le plus vendu de l’histoire après la compilation « Legend » de Bob Marley414,
révéla au grand public des artistes tels que Frederick « Toots » Hibbert, les Melodians ou
les Slickers, dont l’hymne rudie « Johnny Too bad » devint un classique chez les skins
anglais. Ainsi, lorsque Chris Blackwell tenta de faire percer les Wailers sur la scène rock,
en mettant à leur service une promotion jamais vue dans le reggae415, le chemin avait été
pavé auparavant par le film de Henzell, qui fut pour une grande partie du grand public
anglophone la porte d’entrée dans l’univers jamaïcain.
409
Leland, John, « When Rap Meets Reggae » in Reggae, Rasta, Revolution, op. cit., p. 187
411
412
Personnage largement inspiré de Vincent « Rhygin » Martin, un bandit des années quarante, extrêmement
populaire en Jamaïque.
413
414
415
410
69
Il fallut cependant deux ans et trois albums au duo Blackwell-Marley, Bunny Wailer et
Peter Tosh ayant préféré poursuivre en solo, pour réussir son pari416. Le temps pour le
chanteur et guitariste américain Eric Clapton de connaître un succès immense, aux EtatsUnis et en Angleterre, avec la reprise en 1974 d’un morceau écrit par Marley, « I shot the
sheriff ».
En effet les deux premiers albums, « Catch a Fire », « album Cheval de Troyes »417, et
« Burnin’ », enregistrés chez Harry J Johnson mais largement remixés à Londres,
connurent un succès d’estime, notamment auprès des critiques, mais il fallut attendre
« Natty Dread » et surtout le quarante-cinq tours « No Woman No Cry », tiré de l’album
« Live ! » sorti en 1975, pour amener Marley au rang de vedette internationale. Cette
chanson, créditée, à tort ou à raison418, à son ami Vincent «Tata » Ford419, fut la première à
pénétrer les classements internationaux. L’album « Rastaman Vibration », paru l’année
suivante, renforça ce succès, notamment au Etats-Unis. Pour accompagner la sortie
d’ « Exodus », paru en juin 1977, les Wailers se lancèrent dans la plus grande tournée de
l’histoire du reggae420, se produisant sur les cinq continents. Mais c’est ainsi, au prix d’un
harassant enchaînement de concerts que Marley, aidé par un groupe stable de musiciens de
premier plan, parvint à assoire définitivement sa position.
Le succès des Wailers décida de nombreuses maisons de disques à se lancer dans le reggae.
En premier lieu bien sûr Island, jusqu’alors orientée vers le rock, qui diversifia son
catalogue jamaïcain, sortant par exemple plusieurs chef-d’œuvres issus tout droit de la
Black Ark d’un Scratch alors au sommet de son art, et quelques albums de Burning Spear,
Max « Romeo » Smith, Jimmy Cliff, ou encore des Maytals. Blackwell produisit également
des groupes anglais, en premier lieu Aswad, Steel Pulse et Linton Kwesi Johnson. Le
meilleur score de Island, Marley mis à part bien sûr, fut atteint par Third World, formé par
des jeunes Jamaïcains issus de couches aisées, notamment le guitariste Stephen « Cat »
Coore, dont le père était ministre des finances dans le gouvernement Manley421.
La deuxième major à signer à tour de bras des contrats avec des artistes jamaïcains fut
Virgin, dont le label spécialisé Frontline devint rapidement synonyme de qualité auprès du
public européen et africain422. En deux semaines et cent mille dollars, son patron Richard
416
Blum, Bruno, « Les années maudites » in Inrockuptibles (HS), 2002, p. 35
Dordor, Francis, Bob Marley, Librio, p. 72
418
McCann, Ian, The complete guide to the music of Bob Marley, Omnibus, 1994, pp. 61-64
419
Blum, Bruno, « Discographie » in Inrockuptibles (HS), 2002, p. 90
420
Idid., p. 91
421
422
417
70
Branson était en effet parvenu à rassembler un catalogue regroupant de très grands noms du
roots jamaïcain : Peter Tosh, les Twinkle Brothers, Mighty Diamonds, Gladiators, Johnnie
Clarke, et les deejays U-Roy, I-Roy, Big Youth et Prince Far I, parmi d’autres. D’autres
gros bras du marché du disque suivirent plus timidement la tendance. Ainsi Peter Tosh,
Inner Circle, Jimmy Cliff ou Matumbi furent-ils signés par EMI, Aswad par CBS423, ou les
Cimarons par Polydor.
Aucun des autres artistes engagé par une major ne put cependant, et de loin, atteindre le
niveau de popularité et de succès global dont jouissait celui qui avait ouvert la voie à tous
les autres. Installé à Londres après la tentative d’assassinat dont il fut victime à son
domicile de Hope Road, Marley publia en 1978 « Kaya424 », qui contenait notamment
l’immense succès « Is this love », et un album live au titre révélateur : « Babylon by
Bus »425. Bien que de plus en plus affaibli par le cancer, Marley ne cessa de se produire au
quarte coins du monde, convertissant instantanément au reggae des foules entières. Ce fut
ainsi le cas au Japon, qui après sa prestation de 1979, devint un grand consommateur de
musique jamaïcaine426.
Sa prestation la plus marquante, voire historique, fut sans conteste le concert donné le 17
avril 1980 à Harare. En effet, sa chanson « Zimbabwe », tirée du militant « Survival »,
devint un tel hymne à travers l’Afrique que les autorités de l’ancienne Rhodésie invitèrent
officiellement les Wailers à accompagner la naissance de la nouvelle nation. Bien que
troublé par une organisation dépassée par les événements, le concert resta dans les annales,
uniquement égalé, du point de vue de l’impact symbolique, par le One Love Peace Concert
de Kingston.
Le dernier album publié du vivant de Marley, « Uprising », parut en 1980, et fut l’occasion
d’une ultime tournée, le Uprising Tour, qui débuta en mai à Zürich, avant de réunir
huitante mille personnes à Milan, et même cent mille à Dublin427. Triomphant en Europe,
Marley désirait désormais conquérir vraiment le marché américain. La chanson « Could
you be loved », tirée de l’album, était en effet enfin parvenue à y remporter un réel succès
populaire, et une tournée intensive du continent, en compagnie de Stevie Wonder, était
prévue pour surfer sur ce hit. La maladie fit cependant échouer son plan, et il ne put aller
423
Au début de la décennie, CBS avait déjà fait une tentative infructueuse de percer le marché US avec le très
kitsch « Reggae on Broadway » des Wailers.
424
Un autre synonyme de ganja.
425
Soit une tournée en bus à travers l’Europe.
426
Blum, op. cit., p. 91
427
Dordor, op. cit., p. 62
71
plus loin que Pittsburgh, où il donna son dernier concert le 23 septembre428. Après
plusieurs mois de lutte, notamment dans la clinique bavaroise du controversé Dr Issels, il
mourut le 11 mai 1981 à Miami, à l’âge de trente-six ans.
Il reçut des funérailles nationales le 21 mai, en présence du premier ministre Seaga et de
dignitaires de l’Eglise Orthodoxe Ethiopienne429. Quarante-mille personnes défilèrent
devant son cercueil, et plus d’un million sur la route entre Kingston et Nine Mile430, son
village de naissance dans le collines de St-Ann, donnant à l’événement une ampleur
comparable à celle de l’indépendance431.
La mort de Marley signifia, au yeux du grand public et des maisons de disques, la mort du
reggae en général. Ces dernières paniquèrent, et abandonnèrent les groupes qu’elles
venaient de signer. Elle suivirent en fait le virage amorcé par les punks deux ans
auparavant en reportant leurs deniers sur des groupes blancs, investissements plus sûrs432.
Le label Frontline avait quant lui disparu quelques mois avant la mort de Marley, en grande
partie suite au coup d’Etat de 1980, qui ferma d’un coup l’énorme marché nigérian, l’un
des plus importants au monde433.
L’explosion internationale du reggae se termina ainsi durant l’été 1981434, révélant bien à
quel point Marley l’avait incarnée exclusivement. Il y allait certes y avoir des sursauts,
notamment le succès de Black Uhuru, Yellowman, ou quelques années plus tard de Shabba
Ranks ou Shaggy, mais le « nouveau Bob Marley » tant attendu ne vint pas.
Cependant, alors que le reggae disparut de l’esprit volage du grand-public et des plateaux
de télévisions, son empreinte demeura indélébile dans le cœur de passionnés tout autour du
globe. Ces amateurs qui, pour la très grande majorité, avaient découvert la musique
jamaïcaine par le roots, se mirent alors à perpétuer ce style, devenu démodé en Jamaïque.
C’est ainsi après la mort de Marley que se développa la scène américaine, principalement à
New York. Ainsi le studio Wackie’s, ouvert par Lloyd « Bullwackie »435 Barnes dans le
Bronx, dès le milieu des années septante, devint un lieu de sursis pour le roots et ses
428
L’ultime morceau de ce concert, et donc le dernier de la vie de Marley, clôt le coffret Songs of Freedom, paru
chez Island (514 432-2). Il s’agit de l’hymne Redemption Song.
429
Marley , apparemment à la demande de sa femme Rita, s’était en effet fait baptiser sous le nom de Berhane
Selassie (« lumière de la Trinité ») peu avant sa mort.
430
431
432
Ibid., p. 488
433
434
435
Qui signifie, pour rester poli, « gonades de taureau ». On est jamaïcain où on ne l’est pas.
72
protagonistes. Les productions qui en sortirent à l’époque436, au son rappelant clairement
celui du Black Ark, firent sans aucun doute de Wackie’s le plus prestigieux studio hors de
Jamaïque, le « Studio One de New York »437. Dans son sillage se trouvait le HC & F Studio
de l’ingénieur du son Philip Smart, ancien acolyte de King Tubby. Malgré la présence de
lieux d’enregistrements plus que valables, aucun nom ne surgit cependant de la scène new
yorkaise, et américaine en général durant une bonne partie des années huitantes.
Cette période fut davantage marquée par l’arrivée massive sur la côte Est de gunmen
kingstoniens. En effet ceux-ci, lâchés par les partis politiques, qui allaient dorénavant se
servir de l’armée pour leurs basses besognes se reconvertirent dans le trafic d’armes et de
drogue, qui explosa à l’époque, provoquant notamment l’arrivée dévastatrice du crack en
Jamaïque438. Leur extrême violence, associée au fait que bon nombre d’entre eux arboraient
des locks fit une publicité terriblement négative aux rastas et à la communauté yardie en
général, associée aux méfaits de gangs dont le Shower Posse439, issu de Tivoli, était le plus
tristement célèbre représentant.
Des groupes se formèrent cependant à travers tout le pays. Si la scène new yorkaise suivait
de près les évolutions de la musique, révélant des artistes dancehall tels que Edmund
« Shinehead » Aitken, Orville « Shaggy » Burrell ou plus tard Ras Shiloh, des formations
telles que Midnite, Benaiah ou le Boogie Brown Band de l’ex Gladiator Clinton Fearon
restèrent attachée au roots le plus pur. Chez certaines franges de la population américaine le
reggae eut même un retentissement particulier. Ainsi les Indiens Havasupaï d’Arizona en
firent une musique de culte, accompagnant leurs cérémonies440.
Dans toute l’Europe des « orphelins de Marley » se mirent à reproduire une musique un
peu vite enterrée, cherchant à en prolonger l’âge d’or. Et si en France la communauté
antillaise joua un rôle particulier441, notamment dans l’importance dans l’hexagone des
sounds, ce furent avant tout de jeunes « babyloniens » qui perpétuèrent le roots tout au long
des années huitante, préparant le terrain à un retour en force à la fin de la décennie
suivante, qui allait voir une explosion du nombre de groupes à travers le continent.
436
Entre autres : Dancehall Style d’Horace Andy, Bubble Up de Wayne Jarrett, Reggae Vibes des Lovejoys. Tout
ces disques ont été réédités ces dernières années par le label allemand EFA.
437
Horace Andy cité par Ehrengardt, op. cit., p. 37
438
439
Nom provenant de la propension de ses membres à « doucher » leurs adversaires avec des balles.
440
Dordor, Francis et Bonacci, Giulia, « Bob Spirit » in Les Inrockuptibles (HS), 2002, p. 14
441
Debord, Bruno, « Reggae français. L’âge de raison » in Rolling Stone (7), avril 03, p. 73
73
II.1.c. L’Afrique
Il va sans dire que l’Afrique entretint avec la musique de ses déportés un rapport tout à fait
particulier. Omniprésent dans la rhétorique roots, le continent qui découvrit le reggae pour
ainsi dire en même temps que l’Occident l’adopta comme nulle part ailleurs,
particulièrement en Afrique de l’Ouest et du Sud.
Si Millie Small fit plusieurs tournées au Nigeria et au Ghana à la suite de son succès
planétaire en 1963, le premier groupe reggae à se produire en Afrique au début des années
septante furent les Cimarons442, dont l’album « Live » se vend encore à tout les coins de
rues de Bobodioulasso à Abidjan. Dès le milieu de la décennie, de nombreux groupes s’y
produisirent devant des foules impressionnantes, Jimmy Cliff remplissant notamment
l’immense stade de Lagos. Le nigérian Sonny Okosuns fut d’ailleurs le premier artiste
africain à jouer, dès 1977, une musique très largement teintée d’influence jamaïcaines.
Mais l’événement qui lança pleinement le développement du reggae africain fut bien
entendu le concert de Marley à Harare443. Parmi les innombrables groupes qui se formèrent
au début des années huitante, deux noms émergèrent, pour atteindre le statut de vedettes
inetrnationales : l’Ivoirien Seydou « Alpha Blondy »444 Kone et le Sud-africain Lucky
Dube445. Le succès d’Alpha Blondy débuta en 1982 avec les morceaux « Bintou Were
Were » et « Brigadier Sabary »446, un récit de violences policières conté dans un mélange
de français et de dioula. Les albums « Jah Glory », « Apartheid is nazism » puis
« Jerusalem » , enregistré à Kingston en 1986 avec les musiciens des Wailers établirent
définitivement sa renommée à travers toute l’Afrique, et particulièrement dans les pays
francophones. Dans sa foulée, pour ainsi dire toute la scène musicale ivoirienne se lança
dans un roots teinté d’influences locales, faisant d’Abidjan la capitale africaine du reggae,
inondant tout l’Ouest du continent avec les productions de Serge Kassy, P.I. Ray, Ismaël
Isaac, Tangara « Speed » Ghoda ou plus récemment Tiken Jah Fakoly. La popularité
d’Alpha Blondy en Afrique de l’Ouest reste cependant, malgré son soutien inconditionnel à
Félix Houphouët-Boigny, aujourd’hui encore inégalée.
442
Ibid., p. 443
444
Qui signifie « premier bandit ».
445
Un nom qui, malgré les apparences, n’est pas un pseudonyme.
446
« Pardon brigadier » en dioula.
443
74
Pendant anglophone d’Alpha447, Lucky Dube débuta sa carrière reggae avec l’album
« Rasta never die », sorti en 1985 et immédiatement censuré par les autorités d’une
Afrique du Sud alors encore en pleine apartheid448. Celles-ci avaient fait de même quelques
années plus tôt avec les albums de Marley, et notamment le subversif « Survival », dont
certains morceaux était rayés sur le vinyle à l’aide d’une lame de rasoir, les rendants ainsi
inécoutables449. Malgré tout, la résonance particulière qu’avaient dans la bouche d’un Sudafricain noir les concepts rastas de libération de l’oppression provoquèrent un succès
immédiat. Après sept albums sortis uniquement en Afrique, les œuvres de Dube
commencèrent à être distribuées en Europe et aux Etats-Unis, lui donnant un rayonnement
important en Occident également.
Si l’Afrique de l’Ouest, qui outre l’intarissable scène ivoirienne, compte également les
pionniers sénégalais de Touré Kounda, le malien Askia Modibo, le ghanéen Rocky Dawuni
ou le rainmaker nigérian Majekodunmi « Majek Fashek » Fasheke450 pour ne citer qu’eux,
et l’Afrique du Sud, où le mouvement rastafari est suffisamment enraciné pour rassembler
des milliers d’adeptes lors des célébrations451, restent les épicentres du reggae africain, des
groupes plus ou moins fortement influencés par le son de Kingston existent aujourd’hui
dans pratiquement tous les pays du continent. Du Maghreb, où raï ou musique gnawa sont
régulièrement teintés de reggae452, aux mélanges du zimbabwéen Thomas Mapfumo, en
passant par le roots oriental de Rasha, soudanaise réfugiée en Espagne, le skank est
omniprésent. Outre les productions locales, les classiques jamaïcains résonnent encore
quotidiennement dans les rues d’Accra ou les taxis de Bamako. Les ventes de cassettes
d’artistes tels que U-Roy, Culture ou Burning Spear sont impossibles à estimer, mais
s’évaluent probablement en dizaines de millions.
Paradoxalement, l’un des pays les moins touché par le reggae reste l’Ethiopie, pourtant au
centre d’un nombre incalculable de chansons. Le fait que le pays ait été durant aux mains
du Derg453 durant toute l’ère d’explosion internationale du reggae est sans aucun doute
déterminant pour expliquer cette situation. L’on imagine en effet mal les autorités du pays
laisser circuler des hymnes à un empereur qu’ils venaient de renverser et assassiner. Marley
y fit bien un pèlerinage à la fin des années septante, mais cela ne suffit pas à y installer sa
447
Foster, Chuck, « South Africa’s Lucky Dube » in Roots, Rock, Reggae, op. cit., pp. 136-140
Ibid., p. 444
449
Rebel Music : The Bob Marley Story, de Jeremy Marre, Island Def Jam Group, 2001
450
Foster, Chuck, « Majek Fashek of Nigeria » in Roots, Rock, Reggae, op. cit., pp. 141-144
451
Dordor & Bonacci, op. cit., p. 17
452
Le groupe Gnawa Diffusion a même intitulé l’un de ses albums « Bab El-Oued – Kingston ».
453
« comité », nom du régime de Mengistu.
448
75
musique. Depuis la chute de Mengistu cependant, la scène reggae commença à se
développer, notamment depuis l’importante communauté éthiopienne de la côte Est des
Etats-Unis. Ainsi, les premières vedettes reggae du pays, Cha Chi 454 et Zeleke Gessesse455,
leader du groupe Dallol, faisaient partie de cette communauté. Mais si Gessesse chante
principalement en anglais, intégrant malgré tout des passages en amharique, Cha Chi
s’exprime pour sa part principalement dans sa langue maternelle, sur des rythmiques
anciennes comme nouvelles. Elle enregistra ainsi notamment un morceau en duo avec
Prezident Brown, deejay jamaïcain de premier plan.
La scène interne se développa cependant également. Ainsi la nouvelle vedette éthiopienne,
Tewodros Kassahun456, submergea, le mot est faible, l’Ethiopie durant l’été 2001 avec deux
morceaux clairement reggae : « Keremawi Nato », hymne au négus, et « Gebreselasie »,
qui comme son nom l’indique chantait les mérites du héros national Hailé Gebresélassié457,
en duo avec un jeune deejay d’Addis, Johnny Ragga. Ainsi, si le reggae, et notamment les
classiques jamaïcains, très difficiles à trouver, est encore loin d’y occuper autant de place
que dans les pays d’Afrique de l’Ouest par exemple, il fait malgré tout aujourd’hui partie
intégrante de la scène musicale éthiopienne.
L’adoption massive du reggae, principalement dans sa déclinaison roots, par une bonne
partie du continent africain est intéressante à plus d’un égard. Tout d’abord, le reggae
africain représente en quelque sorte la fin d’une boucle traversant deux fois l’Atlantique458,
la fin d’un processus qui vit les musiciens jamaïcains emmener progressivement leur
musique vers l’Afrique. Ce succès révèle également l’indéniable « africanité » du rythme
roots, avec lequel les musiciens africains se sont tout de suite sentis familiers459, preuve
que les descendants des esclaves sont parvenus à garder une partie de leur héritage culturel
suffisamment intacte, pour que leurs cousins d’outre Atlantique le reconnaissent
immédiatement.
454
Cha Chi, Hoya Hoye, Electra, Addis Abeba, 1998
Zeleke Gessesse, Out of Africa, XM0001
456
Tewodros Kassahun, Abugida (transcription phonétique de l’amharique), Voice, Addis Abeba, 2000
457
« Puissance du serviteur de la Trinité ».
458
Un phénomène similaire existe avec différentes musiques cubaines, dont le son joué par les Sénégalais
d’Orchestra Baobab par exemple, mais son ampleur est nettement moindre, excepté peut-être dans certains pays
d’Afrique centrale.
459
Majek Fashek, cité par Foster, op. cit., pp. 142-143
455
76
II.2 Les premiers pas du reggae en Suisse
Nous l’avons vu précédemment, l’Europe succomba au reggae par l’entremise d’un
personnage central, Bob Marley. La Suisse ne fit pas exception à cette règle. A la suite de
ses grands voisins français et allemand, elle connut dès 1979 une brève fièvre jamaïcaine.
Cette flambée, dont Zurich fut le centre, en matière de concerts et d’intérêt médiatique, fut
précédée par quelques étincelles, parcimonieusement réparties sur la décennie.
Pour quelques très rares privilégiés, l’histoire du reggae en Suisse débuta à Zurich, à l’aube
des années septante, probablement en 1971460. En effet, deux ans avant la rencontre entre
Marley et Blackwell, la vague pop-reggae qui faisait fureur en Grande-Bretagne effleura le
pays par l’entremise du duo Bob & Marcia461, qui fort de son immense succès « Young,
gifted and black », une reprise de Nina Simone, fit une tournée sur le continent, passant
notamment par Zurich. De ce premier échange entre des artistes jamaïcains et le public
helvétique ne subsiste que le souvenir de l’un des protagonistes, qu’il livra au journaliste
Hanspeter Künzler lors d’une interview datée de 1987: « Das war sehr sehr seltsam. Wir
dachten, unser Auftritt sei nicht sonderlich gut angekommen, denn das Publikum hatte
wenig Neigung zum Applaudieren. Nach dem Konzert aber warteten sie alle auf uns,
wollten uns nach Hause einladen, ein Festessen auftischen. Sie begannen das Konzert erst
zu geniessen, als es schon vorbei war »462. Ce premier concert sur sol suisse, devant un
public qui
n’avait très vraisemblablement jamais entendu ne serais-ce que le mot
« reggae », en témoigne sa curieuse réaction à la prestation de Bob & Marcia, fut une sorte
d’avant-première oubliée, située près d’une décennie avant que la vague Marley ne touche
vraiment le pays. Il fallut ainsi attendre pas moins de huit ans pour voir un autre artiste
yardie fouler la terre suisse. Cette période creuse vit quelques jalons posés qui, pour un tout
petit cercle d’initiés, préparèrent l’arrivée en force du reggae.
Tout d’abord le film « The Harder they come », dont nous avons précédemment vu
l’importance, qui à la suite de sa renommée dans les pays anglo-saxons passa dans
quelques salles suisses. Bien que nous ne puissions établir avec certitude à quelles dates et
dans quelles villes le film fut distribué, il eut un certain impact, notamment à Bâle et
460
Künzler, Hanspeter, « Bob Andy, Legende im Wandel » in Music Scene (5), mai 1987, p.49
Keith « Bob Andy » Anderson et Marcia Griffiths
462
Bob Andy cité par Künzler, op. cit. , p.49
461
77
Zurich : « Auch in Basel ist in den vergangenen Jahren Perry Henzells Reggae- und
Jamaica-Film "The Harder they come" (1972) mehrfach mit Erfolg gezeigt worden »463.
Dès 1976, l’album « Rastaman Vibration » de Marley, qui lui permit d’asseoir
définitivement sa renommée dans le monde occidental, était disponible sur les listes de
vente par correspondance de la maison de production Good News464. Bien qu’étant le seul
disque de reggae proposé, sa présence illustrait malgré tout l’entrée, certes encore discrète,
de Marley sur la scène du public rock en Suisse.
En 1977 apparut sur la scène zurichoise le premier sound system du pays, voire, à en croire
son fondateur, du continent465. Le Roots Operator Sound System, initialement nommé Jah
Ital Hi-Fi, de Sandro Galli, alias Jah Sandro ou Daddy I-tal, resta cependant pendant
plusieurs années dans une certaine confidentialité, avant de se développer au début de la
décennie suivante, notamment par une collaboration avec l’ingénieur du son jamaïcain
Ruben Seals et les membres du puissant Jack Ruby Hi-Power de Lawrence Lindo, dont
résulta la mise sur pied d’un dispositif sonore des plus convaincants. Ses sessions
hebdomadaires du mercredi soir au Club Hey de la Freieckgasse devinrent cependant
rapidement un point de rencontre pour les amateurs zurichois de roots fraîchement arrivé de
Londres ou de Kingston. Outre ses activités de soundman, Galli se lança en 1979 dans la
rédaction d’un petit journal en langue allemande exclusivement consacré au reggae et au
message rasta. Tout d’abord intitulé Muzak, puis Ital Muzak, il prit enfin, après trois
numéros, sa dénomination définitive de Ital Muzik 466. Paraissant quatre fois par ans, il était
disponible dans divers commerces de Zurich, Bâle, Berne, Londres et San Francisco, ainsi
que par correspondance. Pendant quatre ans, il offrit aux passionnés de la première heure
une importante, voire unique source d’informations sur les différents aspects culturels de
cette musique, ainsi qu’un suivi de l’évolution des scènes de Kingston, Londres ou New
York.
En 1979, Galli élargit encore l’éventail de ses activités en lançant pour la première fois un
programme radio consacré au reggae. Diffusée tout d’abord illégalement deux dimanche
par mois sur une radio pirate locale, Radio Banana, « irgendwo zwischen 100 und 105
Megahertz »467, il bénéficia d’une meilleure diffusion lorsque ladite station put, grâce à
l’attribution par le gouvernement de concessions au début des années huitante, émettre
463
Schäfer, Martin, « Jimmy Cliff – Vermittler zwischen drei Welten » in Basler Zeitung, 2 juillet 1980, p. 35
Good News Magazine, octobre 1976.
465
Biographie de Sandro Galli sur www.propaganda.ch/reggae
466
Ital Muzik (5), printemps 1980, 32 p.
467
Galli, Sandro, « Reggae im Radio in der Schweiz » in Ital Muzik (5), printemps 1980, p. 17
464
78
officiellement sous le nom de Radio LoRa. Le programme est aujourd’hui encore diffusé
sur cette même antenne régionale zurichoise.
Comme le montrent les quelques points énoncés plus haut, il y eut quelques manifestations
d’intérêt en Suisse pour la musique venue de Kingston. Ces manifestations étaient
cependant non seulement très rares, mais également éminemment undergound, à l’ombre
de toute médiatisation. Elles étaient de plus le fait de passionnés isolés, ayant découvert le
reggae hors des frontières du pays, notamment lors des précédents passages de Marley en
Europe. Pour que le public rock suisse découvre cette musique, et pour que les premiers
passionnés puissent satisfaire leur soif, il fallut attendre l’année 1979, et la venue en chair
et en os des vedettes jamaïcaines.
II.3 Zurich la jamaïcaine
II.3.a Good News
Si le public suisse dut s’armer de patience pour découvrir enfin les artistes sur scène, il fut
récompensé de son attente par une succession de grands noms. En effet, le reggae, à
l’apogée de son rayonnement international, entra par la grande porte. L’Allemagne avait
été conquise par Marley quelques années plus tôt468, et des artistes français469 tels que
Serge Gainsbourg et Bernard Lavilliers rafraîchissaient un paysage musical plutôt terne en
faisant appel aux infaillibles section rythmiques kingstoniennes, Sly et Robbie en tête. Le
reggae s’avérait donc être une affaire assez rentable pour intéresser une grosse maison de
production telle que Good News. Fondée à Zurich en août 1970 par Peter Zumsteg,
l’agence était initialement destinée à l’organisation de concerts rock exclusivement470.
Lorsqu’au début de l’année 1972, Zumsteg s’installa en Angleterre pour fonder avec
Emerson, Lake and Palmer et Island Records le label Manticore, il céda ses parts dans la
société aux promoteurs d’une autre agence de concert plus petite, Concert and Show
Agency, principalement active dans l’Oberland zurichois. Ainsi, dès février 1972, Good
News était aux mains de Peter Stalder, Jacky Amsler, et André Béchir. Ces-derniers,
468
Marley y donna deux concerts en 1976, dans le cadre du Rastaman Vibration Tour, puis quatre l’année
suivante lors du Exodus Tour.
469
Le premier groupe français à sortir un album reggae fut « Lou and the Hollywood Bananas », un nom qui ne
s’invente pas. Ils sortirent dés 1978 sur le label Vogue « Kingston, Kingston », enregistré au Dynamis Studio.
470
Matti, René, « Good News : Gute-Neuheiten-Macher der Schweizer Konzertszene » in Music Scene (21), avril
1981, pp. 68-73
79
conscients que le marché rock suisse représentait un espace pour le moins limité,
décidèrent de se lancer sur un terrain plus « commercial »471, en organisant des concerts
susceptibles de rassembler un public plus large. Ce faisant, ils entrèrent en concurrence
avec un autre acteur de la dynamique scène musicale zurichoise472, l’agence Rent-A-Show
de Freddy Burger. Cette dernière ne résista cependant pas très longtemps, et en 1976
Burger rejoignit Good News avec la titre de responsable de la partie commerciale de
l’agence. Dès lors, Good News, avec désormais à sa tête Béchir secondé de Burger et
Zumsteg, rentré d’Angleterre avec ses contacts chez Island, se mit à écraser toute
concurrence sur le marché zurichois, voire national. Elle bénéficiait en effet de moyens
financiers importants, qui permettaient une excellente promotion, et notamment l’édition, à
fonds perdus, du mensuel Good News Magazine, qui proposait, outre l’annonce des
concerts à venir, un service de vente de disques par correspondance. L’agence était de plus
étroitement associée, voire pour certains affiliée473, avec sa puissante homologue allemande
Lippmann und Rau, ce qui permettait à Béchir et consorts de décrocher en exclusivité des
contrats avec les plus grands noms de la scène musicale en tournée en Allemagne. De tels
accords existaient également avec d’autres agences européennes, tels Koski en France ou
Thomas Johannsen pour les pays scandinaves474. Les moyens financiers et de promotion
de Good News allaient même s’accroître encore au début des années huitante, lorsque la
société entra dans le giron du puissant groupe Ringier, ce qui lui permit de se servir du
Blick et du Schweizer Illustrierte comme puissants vecteurs de publicité475.
C’est donc sous la houlette d’une importante société à vocation commerciale476, habituée à
remplire le Hallenstadion de Zurich, et à confier la sécurité de ses événements aux peu
accommodants Hell’s Angels, qu’eurent lieu les premiers concerts reggae en Suisse.
Le premier artiste à venir porter en terre helvétique sa bonne parole fut Jimmy Cliff. De
par son statut de vedette du film « The Harder they come », ainsi que ses précoces
mélanges musicaux qui lui attirèrent bien vite la méfiance du public roots, celui-ci
bénéficiait d’une popularité dont peu d’artistes jamaïcains, Marley mis à part bien entendu,
pouvaient espérer jouire. Ses différents contrats avec Island ou EMI lui permettaient de
plus de voir ses disques distribués hors du réseau fermé des seuls initiés. L’annonce passée
471
Béchir, André, cité par Matti, op. cit., p. 68
On comptait ainsi durant les années septante à Zurich outre Good News et Rent-A-Show, les agences PPK,
Music Service, Free & Virgin, Circle Concerts et Red Hot Agency.
473
Matti, René, « Bad News for Good News ? » in Music Scene (9), septembre 1982, p. 24
474
Ibid., p.24
475
Ibid., p. 24
476
Béchir, cité par Matti, op. cit., p. 25
472
80
par Good News dans le Tages Anzeiger un mois à l’avance était d’ailleurs révélatrice quant
au caractère populaire du personnage et notamment de sa prestation dans le film de
Henzell : « Nach "The Harder They Come" erstmals "live" in der Schweiz ! »477.
Son concert du 26 janvier 1979 fut donc comme prévu un immense succès. Toutes les
places de la Limmathaus avaient été vendues à l’avance, ce qui provoqua la colère du
nombreux public venu sans billets. Le dispositif de sécurité ne put contenir longtemps l’ire
générale, et environ deux cent personnes parvinrent à se frayer violemment un chemin
jusqu’à la salle, sans bien sûr payer478. C’est ainsi dans des conditions quelque peu tendues
et devant un public entassé mais néanmoins enthousiaste que Cliff et son Oneness Band
jouèrent ce soir là. Sa musique métissée, voire édulcorée, laissa cependant une bonne partie
du public sur sa faim479. En effet, ceux qui avaient découvert sur disque la musique de
Marley voulaient retrouver sur scène l’image déjà mythifiée de prophète rasta que les
médias de l’époque véhiculaient. Or un Jimmy Cliff musulman, à cheveux courts et
interprétant des textes peu rebelles sur une musique largement teintée de pop ne
correspondait pas à cette image idéaltypique.
Ceux que la prestation de Cliff n’avait pas convaincus se consolèrent dès le mois de juin
avec les prestations de Third World, le 6, et surtout de l’ « idole »480 Peter Tosh quatre
jours plus tard. Good News semblait avoir tiré les leçons des troubles qui avaient marqué le
concert de Cliff en choisissant cette fois-ci pour les deux concerts la Volkshaus, dotée
d’une plus grande capacité d’accueil, qui allait dorénavant devenir l’antre du reggae live à
Zurich.
Si Third World, sous contrat avec Island, était certes populaire, l’événement majeur
demeurait cependant la venue de Tosh. En tant que membre original des Wailers, auteur de
classiques tels que le tube planétaire « Get up, Stand up »481 ou l’hymne « Legalize it », et
popularisé auprès du public rock par ses collaboration avec les Rolling Stones, il était sans
conteste l’une des plus grandes vedettes jamaïcaines de l’époque. Ce statut de star, ainsi
que la vague de popularité que connaissait alors le reggae dans une ville de Zurich
régulièrement en proie à des troubles entre jeunes et forces de l’ordre, furent à nouveau
illustré de manière sanglante. Bien que le concert fut programmé un dimanche après-midi,
il donna à nouveau lieu à des heurts. Le prix des places, vingt-deux francs, ainsi que le
477
Annonce parue dans le Tages Anzeiger, 27 décembre 1978, p. 56
Batt, Paul, « Die Zürcher stürmten das Limmathaus, um Jimmy Cliff zu sehen » in Tages Anzeiger, 29 janvier
1979, p. 17
479
Ibid., p.17
480
Schweizer, Beat, « Idol Peter Tosh am Werk » in Tages Anzeiger, 11 juin 1979, p. 15
481
Devenu l’hymne officiel d’Amnesty International
478
81
manque de billets provoquèrent de violents affrontements (« hässlichen Schlägereien »482)
entre fans frustrés et le système d’ordre musclé et tatoué de Good News. Les dirigeants de
cette-dernière décidèrent à nouveau de laisser entrer gratuitement de nombreux spectateurs
pour éviter que l’affaire ne dérape totalement. C’est ainsi une nouvelle fois devant une salle
surpeuplée que Tosh se présenta, déclenchant une véritable hystérie : « Um 16.45 Uhr trat
Peter Tosh auf die Bühne : Im total überfüllten Saal brach sofort ein unbeschreiblicher
Jubel los. Peter Tosh shüttelte ein wenig seine pechschwartzen "dreadlocks“
(Zapfenlocken), und schon begann jeder, der noch zwei Ellbogen frei hatte, zu tanzen »483.
Si ces premiers concerts furent d’immenses succès, dans l’esprit du public demeurait
cependant en filigrane l’impatiente attente de la venue du roi en personne : « Nach Jimmy
Cliff im ebenfalls völlig überfüllten Limmathaus hat Zürich nun den zweiten grossen
Reggae-Star gesehen. Der grosse Bob Marley im Hallenstadion scheint nur noch eine
frage der Zeit zu sein »484. Cette attente allait se poursuivre un an encore.
L’été 1979 vit le reggae faire quelques incursions hors de Zurich. Mais contrairement au
public présent lors de la fameuse soirée d’ouverture de la treizième édition du Montreux
Jazz Festival485 qui se déroula sans problèmes, les habitants de Winterthur firent les
premiers l’expérience d’une fâcheuse tendance commune à de nombreux artistes
jamaïcains : la défection de dernière minute. Il s’agissait en l’occurrence d’un groupe
anglais, les Cimarons, prévus pour ouvrir les festivités des quatrièmes Winterthurer
Musikwochen, le 24 août. Le président du comité d’organisation de l’événement, Markus
Hodel, dût ainsi annoncer aux quelques deux mille huit cent spectateurs présents
l’annulation du concert, pour des raisons de « verpasstes Fugzeug, Nonchalance der
Musiker und der Ganjakonsum der Band »486. Cette annonce, véritable concentré du cliché
« rasta », sembla affecter davantage les organisateurs, qui tenaient absolument à embraser
la Steinberggasse d’une « feurige Reggaenacht »487, que le public, dont seule une infime
minorité manifesta son mécontentement488. Il est vrai que les Cimarons, bien que sous
contrats avec CBS, n’avaient pas l’envergure médiatique d’un Cliff ou d’un Tosh, et que les
quelques spectateurs déçus devaient correspondre à la proportion du public connaissant un
tant soit peu l’œuvre des anglo-jamaïcains.
482
Schweizer, op. cit., p. 15
Ibid., p. 15
484
Ibid., p. 15
485
Voir chapitre suivant.
486
Stillhard, Charly, « No Rasta-Vibration » in Der Lanbote, 27 août 1979, p. 7
487
Ibid., p. 7
488
Ibid., p. 7
483
82
II.3.b Jamarico
Devant le succès des premiers concerts, certaines maisons de disques réalisèrent qu’un
marché « reggae » existait dans le pays. Ainsi la branche helvétique de K-Tel International
sortit-elle en 1979 pour le seul marché suisse la compilation « Magic Reggae »489, qui fit
l’objet d’une campagne de publicité à la télévision et dans la presse spécialisée490. Avec
une pochette montrant force palmiers491 et une sélection de seize grands hits, dont certains,
tel le « Vietnam » de Jimmy Cliff, remontaient à dix ans en arrière, le disque visait
clairement le grand public, et proposait donc une musique résolument facile d’accès.
Une logique radicalement différente présida à l’édition la même année par le label suisse
Periphery Perfume d’un maxi quarante-cinq tours d’un obscur quintet vocal de Trench
Town, Knowledge. Comprenant les morceaux « Man talk truth » et l’extraordinaire « Let
us all »492, ce disque pour le moins surprenant était la conséquence d’une histoire non
moins originale. Le projet était en effet parti de l’initiative d’une femme suisse, Eira
Schader, dont le mari enseignait en Jamaïque. Sensibilisée à la détresse des habitants de
Trench Town par un reportage sur le deejay/producteur David « Tappa Zukie » Sinclair,
elle avait décidé de s’engager et prit contact avec ce dernier. Elle s’était ensuite rendue sur
place afin de lancer, en collaboration avec Tappa Zukie et la Croix Rouge, au sein de
laquelle elle était « influente »493, la construction du Golden Age Center494, un
établissement pour personnes âgées situé en plein ghetto. Elle lança également, en
collaboration avec Angela Schader et Sonja Hodel, et le soutien « médiatique » du Ital
Muzik de Galli, un appel à la générosité des fans suisses, appelés à aider ceux dont la
musique les faisaient vibrer495. Au cours de ses activités à Kingston, elle était entrée en
contact avec les membres du groupe Knowledge, dont le fondateur, Anthony Doyley,
connaissait son mari496. Elle leur avait proposé de sortir en Suisse l’album « Judgement »,
dont ils venaient de finir l’enregistrement. Le maxi quarante cinq tour évoqué ci-dessus fut
ainsi suivi en 1980 par la sortie, sur un autre label suisse, Roach, de l’album en entier. Le
membres du groupe vinrent de plus en Suisse pour superviser l’édition de leur œuvre. Mais
489
Magic Reggae, K-Tel International, TG 1229
Dernière page pleine de Music Scene (8), février 1980
491
Une photo prise à l’île Maurice …
492
Knowledge, Man talk truth / Let us all, Periphery Perfume, PP 00279
493
Anthony Dayley, leader de Knowledge, dans le livret du CD : Knowledge, Straight outta Trenchtown,
Makasound, 322372, p. 7
494
Ehrengardt, Thibault, « Tappa Zukie: un Steve Biko à Trenchtown » in Natty Dread (7), juillet 2001, p. 16
495
Galli, Sandro, « Hilfe ! Für’s Ghetto » in Ital Muzik (5), printemps 1980, p. 7
496
Anthony Dayley., op. cit., p. 7
490
83
si une série de concerts furent initialement prévus en mai 1980497, en combinaison avec
Tappa Zukie, nous n’avons trouvé nulle confirmation, orale ou écrite, que ceux-ci aient
bien eu lieu. Pressés en petite quantité, ces deux disques devinrent rapidement introuvables
jusqu’à leur réédition en 2002 par le label français Makasound.
Devant l’offre plus que limitée des disquaires généralistes en matière de reggae, qui se
bornait généralement à l’œuvre de Marley, voire, pour les plus pointus, quelque autres
productions Island et Frontline, un groupe de quatre jeunes enthousiastes zurichois se lança
durant l’année 1979 dans l’import de disques jamaïcains. Ils commencèrent par vendre les
disques mensuellement ramenés des cavernes d’Ali Baba londoniennes dans une pièce de
leur appartement. Après quelques mois d’activité, ils ouvrirent en mars 1980 à la
Heinrichstrasse 356 un magasin à part entière, Jamarico. Avec son grand logo peint sur la
vitrine du magasin, un Cervin intégré dans un paysage résolument caribéen qui résumait
parfaitement l’esprit du lieu, Jamarico devint très rapidement le rendez-vous
incontournable des passionnés de la première heure. Il leur offrait en effet enfin la
possibilité de mettre la main sur des disques jusqu’alors introuvables en Suisse, telles les
productions Studio One par exemple. Dans ses locaux de la Heinrichstrasse, Jamarico
rencontra un succès certain. Ses propriétaires, qui avaient tous un emploi externe, et ne
dépendaient donc pas financièrement du succès du magasin, réinvestissaient constamment
leur bénéfice dans de nouveaux disques, élargissant leur offre au fil des mois498. Les
conditions difficiles, notamment en matière de chauffage, les poussèrent cependant
rapidement à chercher un espace plus agréable. Ils le trouvèrent à la Bäkerstrasse, où le
magasin fut doté de structures plus professionnelles qu’auparavant, bien qu’une réputation
de lieu louche lui collât toujours à la peau499. Dans le sillage de Jamarico, d’autres
magasins ouvrirent leurs portes dans d’autres villes de Suisse alémanique. Ainsi à Olten, où
Zero Zero apparut en 1980, avant d’ouvrir une antenne à Zurich, puis de tenir
régulièrement un stand de disques lors des événements Free & Virgin. A Berne, Tribe n’eut
pas beaucoup de peine à s’autoproclamer « No. One REGGAE-SHOP im Herzen
Bern’s !»500, puisque il n’avait qu’un seul concurrent, Be Bop, spécialisé dans les musiques
caribéennes et africaine. A Zurich, une deuxième société, Black Reggae Liner, se lança
dans l’import de disques jamaïcains, vendus par correspondance. Et des magasins rock ou
généralistes comme Rock On, ou Musicland « dreadifièrent » leur offre en développant leur
497
Galli, Sandro, « Konzert-Tips » in Ital Muzik (5), printemps 1980, p. 16
Historique du magasin sur www.jamarico.ch
499
Ibid.
500
Publicité dans Ital Muzik (5), printemps 1980, p. 30
498
84
jusqu’alors maigre rayon reggae, et en communicant avec des slogans tels que « Irie, natty
dread, step it ina Musicland ! Step it up ina di backyard ! »501
II.3.c La venue du roi
En matière de concerts, le public zurichois, et donc par extension suisse, dut ronger son
frein durant quelques mois après un début en fanfare. Ce n’est ainsi que neuf mois après la
prestation de Tosh qu’une autre superstar jamaïcaine, en l’occurrence Dennis Brown, se
produisit sur scène. Sans conteste l’un des artistes les plus populaires auprès du public
jamaïcain, le « crown prince of reggae »502, déjà à l’affiche du Montreux Jazz Festival de
l’année précédente, jouissait alors en Europe également d’une popularité grandissante.
C’est ainsi en « liebling der Saison »503 qu’il se présenta le 10 mai 1980 sur la scène de la
Volkshaus, accompagné par le « We the People Band » du bassiste Lloyd Parks au grand
complet, soit un ensemble de douze musiciens, dont quatre cuivres. Sa prestation, quelque
peu décevante504, un certain nombre de spectateurs quittant même la salle avant la fin du
concert505, fut cependant éclipsée par l’arrivée en Suisse, deux semaines plus tard, de celui
que tout le public attendait impatiemment, le roi Marley en personne.
L’importance de l’événement se traduisit par le déménagement, pour un soir, de cette
nouvelle production Good News de la raisonnablement dimensionnée Volkshaus à
l’immense Hallenstadion. Le complexe sportif couvert, servant à la fois de patinoire et de
vélodrome, était habituelle réservé aux grands événements rock et pop, et la tenue d’un
concert reggae dans ces murs fut non seulement une première, mais également la preuve
que Marley pouvait rivaliser à l’époque en terme de popularité avec n’importe quelle
vedette internationale, tous genres musicaux confondus. Les dix mille cinq cent billets
disponibles furent ainsi vendus en quelques jours506, le concert drainant un public venu de
toute la Suisse, voire même d’Italie507. Cette ruée démontra une fois encore la popularité
dont jouissait alors le reggae auprès du jeune public de la ville : « […] die Stadt Zürich
[ist] reggaeverrückt, ja geradezu reggaesüchtig »508. Mais contrairement aux venues de
Cliff et surtout de Tosh, marquées par des débordements violents, le concert de Marley ne
501
Ibid., p. 29
Le « King of reggae » restant, cela va sans dire, Marley.
503
Chat., « Happy Music » in Tages Anzeiger, 14 mai 1980, p. 21
504
Rueedi, Andy, « Dennis Brown + We the People » in Music Scene (11), juin 1980, p. 38
505
Chat., op. cit., p. 21
506
Schweizer, Beat, « Zürichs Reggae-Fans feierten Bob Marley » in Tages Anzeiger, 31 mai 1980, p. 19
507
Rotcage, Lionel, « Bob Marley à Zurich » in Rock & Folk, juillet 1980, p. 23
508
502
85
fut le théâtre d’aucun incident majeur. Un fait d’autant plus remarquable que les rues de la
ville virent cette nuit du 30 mai, le coup d’envoi spontané, devant l’opéra, d’un mois de
troubles très violents entre police et « un nouveau prolétariat en quête de son identité, sans
illusions, sans idéologie »509. Il est vrai que les promoteurs de l’événement avaient doté le
Hallenstadion d’un impressionnant dispositif de sécurité, constitué de pas moins de
huitante blousons de cuir, afin de dissuader d’éventuels fauteurs de troubles. Cela
n’empêcha cependant pas la mise en place d’un impressionnant marché noir, et les places,
initialement mises en vente au prix de vingt-quatre francs, se négociaient juste avant le
concert au quadruple de leur valeur510. Remplie à ras-bord d’un public jeune511, arrivé sur
les lieux plusieurs heures avant le concert, l’immense halle ne tarda pas à être envahie,
avant même l’arrivée sur scène des musiciens, par un omniprésent parfum de ganja : « Der
Duft der Joints war denn auch bald in der Riesenhalle überall zu riechen »512, « […]
überall stieg einem bestbekannte Geruch in die Nase »513. Même l’envoyé spécial de Rock
& Folk, dépêché par le magazine spécialisé parisien pour couvrir l’ouverture de la tournée
européenne de Marley, ne manqua de souligner l’ambiance olfactive qui régnait dans la
salle : « On [sortit] les papiers Job, les petites boîtes ou les sachets plastiques et bientôt une
douce odeur d’herbe de Neuchâtel se [mêla] à celle carrément écoeurante des saucisses qui
[marinaient] dans la graisse »514.
Dans cette atmosphère propice aux rythmiques métronomiques et lourdes des frères
Barrett, les I-Threes515 ouvrirent le bal sur les coups de huit heures. La prestation de ces
trois grandes artistes, dont l’œuvre en solo était alors encore méconnue du public, se noya
cependant quelque peu dans l’effervescence de l’attente du grand Bob en personne516.
Lorsque ce dernier se présenta sur scène, il donna le coup d’envoi de ce qui serait sa
dernière tournée, le Uprising Tour. Il venait d’entrer dans l’histoire un mois et demi plus
tôt en accompagnant, au Rufaro Stadium de Salisbury/Harare, la naissance du Zimbabwe.
Son concert fut un mélange de titres tirés de ses précédents albums, tel « Survival », et
notamment les hits contenus sur le témoignage sur vinyle de sa précédente venue en
Europe, le très populaire « Babylon by Bus ». Le public suisse, oublié lors de ladite tournée,
509
De Weck, Roger, « Une révolte en quête d’identité » in 24 Heures, 4 juillet 1980, p. 7
Rotcage, op. cit, p. 19
511
Raymond, Hans, « Bob Marley in concert » in Music Scene (11), juillet 1980, p. 34
512
513
Raymond, op. cit., p. 34
514
Rotcage, op. cit., p. 23
515
Rita Marley, femme de Bob, Judy Mowatt et Marcia Griffiths, qui retrouva Zurich près de dix ans après son
premier passage avec Bob Andy.
516
510
86
découvrit ainsi enfin en live, avec plusieurs années de retard, les morceaux qui le faisaient
vibrer, pour une partie de celui-ci en tous cas, depuis quelques saisons déjà : « Exodus »,
« Get up, Stand up », « No woman no cry », « Jammin’ », « I shot the sheriff » ou encore
« Natty Dread »517. L’interprétation par l’idole jamaïcaine des chansons attendues par le
public créa une ambiance tout à fait extraordinaire : « Es war ein friedliches, aber
phantastiches Publikum, wie ich es kaum jemals erlebt hatte »518. Comme son nom
l’indique, cette tournée était également l’occasion de promouvoir le dernier album paru du
vivant de Marley, « Uprising », qui allait sortir peu de temps après ce concert. En avant
première, les dix mille cinq cent spectateurs présents eurent ainsi droit à quelques
morceaux de cette œuvre : « Work », « Zion Train » et surtout « Redemption Song ». « Au
dernier rappel, Marley [revint] seul avec une guitare acoustique. On [plaça] un micro à micorps, une chaise pour appui. "Libérez-vous de l’esclavage intérieur", dit "Redemption
Song" sur des accords simples et poignants. Et le moment [fut] tellement intense que
Marley [tint] sa guitare de la main droite sans en jouer, debout, et [chanta] seul cet hymne
qu’on [découvrit] tous et qui [balaya] pour cet instant tous nos doutes et nos démons »519.
« Ceux qui ont assisté à un concert de Bob Marley cette année seront d’accord pour dire
que l’interprétation de "Redemption Song" – Marley seul en scène avec une guitare
accoustique ! – fut l’un des grands moments du show, l’un des plus intenses »520
Rétrospectivement, l’interprétation par Marley de ce morceau, qui allait devenir son
testament musical, devant le public zurichois est à considérer comme un événement. Il
s’agissait en effet de la toute première fois que « Redemption Song » était jouée en public.
Cet événement majeur de l’histoire des concerts reggae, voire rock au sens large, en Suisse
fut cependant peu médiatisé. Si les caméras de la télévision suisse étaient présentes, ce qui,
Montreux Jazz Festival mis à part, était tout à fait exceptionnel pour un concert reggae, la
presse se fit peu l’écho de la venue historique de Marley. Le Tages Anzeiger fut en fait le
seul quotidien à relater l’événement, lui consacrant cependant une page entière de son
cahier « Zürich ». Autre grand journal zurichois, la Neue Zürcher Zeitung, dont la rédaction
voisine de l’opéra offrait un imprenable point de vue sur les événements de la nuit du 30
mai, n’y consacra pour sa part pas la moindre ligne. Les journaux romands,
« Röstigraben » culturel oblige521, n’y firent même pas allusion. La Tribune de Genève se
517
Raymond, op. cit,. P. 34
519
520
Besençon, Jean-Blaise, « Bob Marley : Uprising » in Music Scene (13), août 1980, p. 66
521
Neidhart, Wolfi, « Das "Rideau de Röschti"-Syndrom » in Music Scene (3), mars 1985, p. 5
518
87
contenta par exemple d’annoncer le concert de Marley au Palais des Sports de Grenoble522
sans même mentionner la présence la veille de l’artiste dans le pays.
Le 4 juillet, Jimmy Cliff fit son retour en Suisse. Après avoir lancé la vague reggae à
Zurich523, il fit à nouveau œuvre de pionnier live en jouant pour la première fois devant le
public bâlois, à la Sporthalle St. Jakob. Sa prestation, ainsi que l’organisation du concert
déçurent : « Polizei mit violetten Berets und Hunden am Eingang […], Konzertbeginn mit
einer Stunde Verspätung, ein kühles Publikum, das Wohl zum Teil falsche Erwartungen
hegte, ein ungewohnt knapper Auftritt mit bloss elf Liedern[...] »524. Ce relatif ratage
illustra pour la première fois le décalage naissant entre les attentes du public européen, en
l’occurrence suisse, et les directions prises par les carrières des différents artistes qu’il
adulait. En effet, le public venait juste de découvrir d’un coup dix ans de musique roots, et
voulait voir sur scène ce qu’il ne connaissait que sur disque, sans prendre conscience que
ces titres, qui avaient certes fait la renommée de leurs interprètes, faisaient bien souvent
partie d’une page depuis longtemps tournée par l’artiste. Dans le cas de Jimmy Cliff, ce fait
était particulièrement frappant. Ses chansons les plus connues figuraient sur la bande
originale du film de Henzell sortie, on le rappelle, huit ans plus tôt. Or ce sont ces titres qui
depuis peu tournaient sur les platines des fans suisses, et étaient donc attendus par ceux-ci.
Et les expérimentations musicales de Cliff, il est vrai pas toujours heureuses, ne
correspondaient déjà plus à la soif de son «pur» du public. « Das abschliessende "The
Harder they come" macht den Eindruck einer Pflichtübung : So schmeichelhaft es ist, wenn
das Publikum die alten Sachen immer wieder hören will, so depriemierend muss es sein,
wenn das Neue ignoriert wird »525.
Si ce n’est pas la venue à Zurich, en décembre, du groupe anglais UB40526, aussi métissé
que sa musique, qui allait apaiser cette soif, les puristes furent cependant comblés dès le
mois de janvier suivant avec la venue d’un artiste peu enclin à faire des compromis :
Burning Spear. L’organisation de l’événement n’était pas le fait de Good News, mais des
passionnés de Jamarico. Et lorsque ceux-ci poussèrent plus loin leur volonté de
promouvoir leur musique en mettant sur pied des concerts, ils le firent en proposant des
artistes moins connus. En effet, contrairement aux grandes vedettes qui s’étaient succédées
522
Tribune de Genève, 31 mai 1980, p. 37
Schäfer, Martin, « Jimmy Cliff – Vermittler zwischen drei Welten », op. cit., p. 35
524
Schäfer, Martin, « Jimmy Cliff begeistert und enttäuscht » in Basler Zeitung, 7 juillet 1980, p. 35
525
Ibid., p. 35
526
Du nom du formulaire d’assistance-chômage anglais
523
88
sur les scènes zurichoises, le « javelot brûlant »527, bien que ses disques fussent distribués
par Island, était peu connu du public helvétique : « Aus unerflindlichen Gründe ist Burning
Spear bei uns bisher fast unbekannt geblieben. Ausser einigen zum harten Kern der
Reggae-Gemeinde gehörenden scheint hier kaum jemanden zu wissen, dass dieser Mann
zur allerersten Spitze des Reggae überhaupt gehört »528. Cette politique des dirigeants de
Jamarico, qui hormis le reggae organisèrent également des concerts de punk et de rock
alternatif529, allait se confirmer durant les années suivantes avec la venue à Zurich de
groupes tels que les Twinkle Brothers, Misty in Roots, Culture et même Prince Far I, sans
conteste auteur de l’une des œuvres les moins accessibles au grand public de toute
l’histoire de la musique jamaïcaine.
Le concert que Burning Spear, appuyé notamment par Bobby Ellis et Hermann Marquis
aux cuivres, donna au Volkshaus le 30 janvier 1981 fut tel que l’avaient voulu ses
promoteurs, brut et sans concessions530. Malgré une légère fausse note dans l’organisation,
en l’occurrence la programmation en première partie d’un groupe pop-rock suisse,
Mother’s Ruin, qui tomba forcément sur un public des moins réceptifs531, la prestation de
l’infatigable garveyite de St Ann, principalement constituée de morceaux tirés de son
dernier album « Hail HIM », combla ceux qui vibraient pour le plus pur son roots. Certains,
moins acharnés, furent pour leur par surpris par l’attitude farouche et détachée du maître de
cérémonie532. Quelques jours plus tard, ce fut le tour du public bernois d’être initié aux
authentiques « roots riddims »533 du Spear. Pour ce premier concert reggae dans la capitale,
ce furent pas moins d’un millier de spectateurs qui emplirent le Berner Kursaal, preuve que
le reggae avait largement un public hors de Zurich. Une constatation confirmée le
lendemain par le succès, sans la moindre promotion, du troisième concert de sa minitournée helvétique, à la Coupole de Bienne534.
Rétrospectivement, cette série de concerts marqua un certain tournant, l’amorce,
impalpable encore, du passage du reggae des spots médiatiques à l’ombre des cercles
d’initiés, et du centre Zurich au reste du pays.
527
Surnom de Jomo Kenyatta, père de l’indépendance kenyane, adopté comme pseudonyme par Winston
Rodney.
528
Berna, Marianne, « Burning Spear » in Tages Anzeiger, 30 janvier 1981, p. 12
529
Entre autres Nick Cave’s Expressive, Bad Brains, Fad Gadget, Residents, Theater of Hate, Die Toten Hosen,
Shriekback,..
530
Knechtle, Marcel, « Burning Spear : Sommer für einen Tag » in Music Scene (20), mars 1981, p. 45
531
Ibid., p. 45
532
Ibid., p. 45
533
Schmidt, Pascal, « "Roots-Riddim" im Leuchtersaal » in Berner Zeitung, 4 février 1981, p. 22
534
Voir chapitre suivant.
89
II.4 La fin de la vague
L’année 1981 fut bien entendu marquée par le décès, le 11 mai, de Marley. La nouvelle,
largement relayée par les médias suisses535, ne marqua pas une rupture nette, mais accéléra
une tendance qui commençait à se faire sentir. Les concerts ne cessèrent pas, bien au
contraire, mais ils allaient progressivement, au fil des deux années suivantes, se faire de
plus en plus discrets, médiatiquement parlant. L’été 1981 vit ainsi l’organisation du dernier
gros événement signé Good News. Pour la deuxième et dernière fois, ce fut le
Hallenstadion qui fut choisi comme cadre pour un concert reggae, ou plus précisément ce
21 juin, un festival. Mais alors que Marley avait rempli le vélodrome à lui tout seul,
drainant dix mille cinq cent spectateurs, ils ne furent que six milles à répondre à l’appel
d’une affiche pourtant alléchante : les anglais de Black Slate, le deejay Lester « Dillinger »
Bullocks, et les stars jamaïcaines Toots and the Maytals et Peter Tosh. Si les
« "angefressensten" Reggae-Fans »536 s’enthousiasmèrent pour les différents protagonistes
qui se succédèrent sur scène, surtout pour la bête de scène Frederick « Toots » Hibbert,
figurant lui aussi sur la bande originale de « The Harder they Come », la prestation en
demi-teinte de Tosh537 incarna une tendance ressentie par certains observateurs :
« allgemein hatte man aber den Eindruck dass die grosse Reggae-Welle, die mit dem
Auftritt von Bob Marley am 31. Mai [sic] 1980 ihren Höhepunkt erreicht hatte, in Zürich
abgelauft ist »538.
Après ce festival, Good News se retira progressivement de la promotion d’événements
reggae, signe que le genre était devenu moins rentables. Quelques affiches de concerts
estampillées des trois singes, logo de la firme, firent encore sporadiquement leur apparition
sur les murs de Suisse jusqu’au milieu de la décennie, mais Good News laissa dès 1982 la
main à une autre maison de production zurichoise, Free & Virgin. La société, née en 1971
de la fusion de la Free Agency de Heinz Meier et de la Virgin Agency de Harry Sprenger,
s’affirmait alors clairement comme la dauphine de l’intouchable Good News539. Nettement
spécialisée dans le rock, et notamment dans les concerts « trop petits pour le Hallenstadion
535
Voir II.6
Schweizer, Beat, « 16'000 Fans pilgerten zu rock und reggae im Hallenstadion » in Tages Anzeiger, 22 juin
1981, p. 19
537
Berna, Marianne, « Toots wie Feuerwerk – Tosh wie ein alternder Mann » in Tages Anzeiger, 23 juin 1981,
p. 18
538
539
« Free & Virgin : Herzlichen Glückwunsch zu 20 Jahren Rock’n’Roll » in Music Scene (4), avril 1991, p. 14
536
90
et trop grands pour les clubs »540, Free & Virgin, avait connu le succès durant les années
septante avec la promotion du groupe de hard rock suisse Krokus, et venait de signer un
accord avec Radio 24 de Roger Schawinski, ce qui allait lui assurer durant trois ans et
demi, durée de la collaboration, une intéressante promotion radiophonique. Le créneau
« reggae » zurichois fut ainsi repris par une maison largement comparable à Good News,
mais évoluant cependant dans une division inférieure, d’un point de vue de puissance
financière et médiatique. En alternance avec Billy « Hutch » Hutchinson, musicien
jamaïcain installé à Zurich, qui se lança à la même époque dans la mise sur pied
d’événements reggae, Free & Virgin allait organiser la quasi-totalité des concerts du genre
en ville de Zurich durant plus d’une dizaine d’année, dont une grande partie à la désormais
traditionnelle Volkshaus, ainsi que quelques événements dans différentes villes de la partie
orientale du pays. Cependant, lorsque Free & Virgin reprit le témoin volontiers lâché par
Good News, bien des choses avaient changé. En Jamaïque, le roots faisait alors déjà partie
du passé, et ses protagonistes, mis à part ceux, rares, qui avaient su négocier avec succès le
virage dancehall, durent chercher hors de l’île de quoi simplement subsister. Le décès de
Marley, en faisant éclater définitivement la bulle « reggae » aux yeux du grand public et
des maisons de disques, leur referma de plus définitivement la porte que beaucoup avaient
espéré franchir dans le sillage du grand Bob. Tourner en Europe et aux Etats-Unis dans des
petites salles, parmi les nostalgique de l’ère roots, devint ainsi leur seul moyen de survivre
de leur musique. Cette situation permit une grande diversification dans l’offre, et la
promotion, comme l’avait fait Jamarico, d’artistes beaucoup moins populaires que les
ténors de l’écurie Island. Ainsi, pour leur première production, le 10 juillet 1982, les
dirigeants de Free & Virgin proposèrent-ils à la Mehrzweckhalle de Sargans, dans le
canton de St-Gall, une Hot Summernight constituée de Ras Michael and the Sons of Negus,
Merger et Black Slate. La multiplication d’affiches arborant des noms connus des seuls
initiés se doubla cependant d’un désintérêt des médias. Le dernier événement couvert par le
Tages Anzeiger, qui avait jusqu’alors suivi de près les performances des différents artistes
jamaïcains qui s’étaient succédés à Zurich, fut ainsi le Reggae Shuttle ’82, première grosse
production Free & Virgin, qui regroupa le 26 septembre 1982 au Volkshaus Max Romeo,
dont c’était l’une des toutes premières prestations en Europe541, Horace Andy et Matumbi.
L’article au titre révélateur, « Vom Abstieg der einstigen Kampfmusik »542, très critique
540
Ibid., p. 14
Schmidt, Pascal, « Romeo » in Music Scene (11), novembre 1982, p. 17
542
Vigne, Benni, « Vom Abstieg der einstigen Kampfmusik » in Tages Anzeiger, 27 septembre 1982, p. 25
541
91
quant à la prestation des différents acteurs de la soirée, se terminait sur une question sur
laquelle l’industrie du disque avait déjà donné son point de vue : « [Ist] der Reggae
tatsächlich auch schon "museal" geworden ? »543. Quelques mois auparavant, le magazine
spécialisé Music Scene s’était déjà penché sur la question en publiant un dossier intitulé
« Reggae – Exodus der Rebel-Musik ? »544, qui se terminait globalement sur les mêmes
conclusions.
Dès la fin de l’année 1982, le reggae rentra en Suisse dans le rang des mouvements
underground. Son bref passage sous les feux de la rampe avait cependant permit la création
d’un public de fidèles, disséminés dans différentes régions du pays. Zurich allait certes
rester le centre des concerts reggae dans le pays jusqu’à la disparition, au début des années
nonante, de Free & Virgin, mais sans plus en avoir l’exclusivité. Et si les sommets, en
terme de popularité, qu’avaient constitué les venues de Marley ou de Tosh ne furent plus
jamais être atteints, les artistes qui se succédèrent sur les scènes zurichoises durant toute la
décennie trouvèrent à chaque fois un noyau dur de fidèles en nombre suffisant pour remplir
la Volkshaus ou l’Albisgütli545. Quasi-exclusivement consacrées aux vétérans du roots,
certaines soirées furent cependant des tentatives de suivre l’évolution qu’avait connu la
musique jamaïcaine. Mais l’accueil de Yellowman à la Volkshaus, en novembre 1984, par
de grande banderoles « Bob Marley », devant un public moins compact qu’à
l’accoutumée546, illustra parfaitement le grand décalage qui existait entre les goûts du
public helvétique et les représentants de la nouvelle vague dancehall. Une partie de celui-ci,
ou plus précisément du public zurichois, s’enthousiasma cependant pour ce genre, et les
soirées du Roots Operator Sound System, qui passait principalement des quarante-cinq
tours certifiés « brand new from Jamaica »547, connurent un grand succès548, notamment
lors de ses traditionnelles dances au StuZ, salle polyvalente de l’Université.
Vite enterré par de nombreux observateurs, le reggae avait cependant, loin des regards,
acquis à sa cause de nombreux adeptes à travers le pays. Et l’œuvre de ces passionnés, dont
une partie non négligeable était romande, allait perpétuer le roots dans l’ombre pendant une
quinzaine d’année.
543
Ibid., p. 25
Breitwieser, Thomas, « Reggae – Exodus der Rebel-Musik ? » in Music Scene (4), avril 1982, pp. 11-15
545
Avant de devenir l’arène de la célébration annuelle du blochérisme, l’Albisgütli avait en effet vu se succéder
sur sa scène des groupes tels que Misty in Roots, Culture ou les Abyssinians. Difficile d’imaginer programmation
plus éclectique.
546
Bader, Staša, Wörte wie Feuer, Zurich, Buchverlag Michael Schwinn, 1988, p. 59
547
Ibid., p. 60
548
Bader, Staša, « Reggae tot ? Schpinsch !» in Music Scene (7), juillet 1985, p. 35
544
92
II.5. La Suisse romande
Nous l’avons vu dans les chapitres précédents, le reggae arriva en Suisse par Zurich, porté
par des maisons de productions puissantes, qui avaient constaté, en Allemagne notamment,
le potentiel commercial de ce genre musical. En Suisse romande, le processus fut très
différent, bien qu’il sembla commencer de la même façon.
II.5.a Montreux Jazz Festival 1979
En effet, le reggae fit en Suisse romande aussi une entrée en fanfare, le 6 juillet 1979, lors
de la soirée d’ouverture du Montreux Jazz Festival, treizième du nom. Et si Claude Nobs,
directeur et fondateur de l’événement, ne garde « pas de souvenirs particuliers »549 de la
soirée, ce n’est pas le cas de bon nombre de spectateurs de ce concert. Il est vrai que
l’affiche de cette soirée intitulée « Top Reggae » avait de quoi marquer les esprits : Steel
Pulse, Peter Tosh et Dennis Brown. La prélocation avait d’ailleurs à tel point marché dans
les jours précédents550 qu’une deuxième prestation fut organisée dans l’après-midi, afin de
consoler ceux qui n’avaient pu obtenir de billet pour la soirée, et de permettre aux
fanatiques d’enchaîner deux triple concerts, et non des moindres, dans la même journée.
Les anglais de Steel Pulse ouvrirent les feux en interprétant neuf titres tirés pour la plupart
de leur album, devenu depuis un classique, « Handsworth Revolution », avant de céder la
place à Dennis Brown et ses dix musiciens. L’extraordinaire prestation de Brown, épaulé
par des artistes du calibre de Lloyd Parks, Ronald « Nambo » Robinson, Dean Fraser ou
Earl « Chinna » Smith, fut une succession des standards roots enregistrés par le « Crown
Prince » pour Joe Gibbs ou Niney, tels que « Africa », « Words of Wisdom », « Drifter »,
« Whip them Jah » ou « Cassandra », avec en prime une reprise de l’hymne de Vivian
Jackson, « Yabby You ». Le concert fut d’ailleurs d’une telle qualité, « acclaimed »551, qu’il
fit l’objet d’une sortie en vinyl552 par Joe Gibbs lui-même, avant d’être réédité en cd par le
label anglais Magnum Music.
Peter Tosh joua ensuite le rôle de bouquet final, accompagné comme il se doit par les
inévitables Sly & Robbie, mais également Mikey « Mao » Chung, Robert Lyn et les
549
550
Réponse de Claude Nobs à une demande d’entretien.
R., Ph., « 13e Montreux Jazz Festival : un petit air de giron des musiques » in 24 Heures, 7/8 juillet 1979, p.
17
551
552
Katz, David, People Funny Boy, op. cit., p. 421
Dennis Brown, Live in Montreux, JGM,
93
Tamlins aux chœurs, soit les musiciens de son dernier album « Mystic Man ». Il ravit le
public en interprétant des classiques de la période Wailers tels que « 400 Years » ou « Get
Up,Stand Up », et ses fameux hymnes à la ganja « Bush Doctor », « Buk-in-Hamm
Palace » et bien entendu « Legalize it ». Ce dernier morceau, dans une version de dix-sept
minutes553, fut la clôture de plus de quatre heures de musique. « […] Peter Tosh [chanta] sa
célèbre apologie de la marihuana ¨Legalize It¨ […], de gros et sympathiques joints
[tournaient] sur la scène, et les groupes de Dennis Brown et Steel Pulse s’y [joignirent]
gaiement […] Trois guitaristes, des cuivres, trois pianistes, des gens partout sur la scène et
… reggae, reggae, reggae… »554.
Si cette soirée marqua, en beauté, l’arrivée du reggae live en Suisse romande, elle fut
également l’occasion, bien qu’il ne participa pas à l’organisation ou la programmation de la
soirée, de l’entrée en scène d’un personnage haut en couleurs et controversé qui allait dans
le années suivantes jouer un rôle grandissant dans le développement du reggae dans l’Ouest
du pays : Marc-André Tourtchaninoff de Kawray, alias Nof-Nof555, désigné par David Katz
dans sa biographie de Lee Perry comme « the first promoter of reggae music in
Switzerland »556.
II.5.b Nof-Nof
Marc Tourtchaninoff est né en 1956 à Gembloux en Belgique où son père, Michel, était
venu étudier l’agronomie tropicale. Ce-dernier était issu de la diaspora russe blanche. Ses
parents avaient en effet tous deux quitté, sans se connaître, St-Petersbourg au début du
XXème siècle pour s’installer dans l’Ethiopie de Ménélik II, vainqueur des Italiens à Adoua.
Ils s’étaient ensuite rencontrés, par hasard, devant l’une des églises, orthodoxe bien sûr,
d’Addis Abeba557. Leur fils aîné Michel y était ainsi né en 1932 et y avait fait sa formation
scolaire, recevant notamment son bac des mains du négus en personne558. Un instant
immortalisé par une photographie559 trônant toujours au cœur du salon-musée de Marc
Tourtchaninoff, et qui manque rarement de faire son petit effet auprès des nombreux
visiteurs rastas qui s’y succèdent régulièrement. Il s’était ensuite envolé pour la Belgique
553
Liste de morceaux et des musiciens sur www.montreuxsounds.com/database/1979
Allaz, François, « Parfum de Jamaïque et soirée country » in 24 Heures, 9 juillet 1979, p. 35
555
Bien qu’il n’avait, à l’époque, pas encore hérité de ce surnom.
556
557
Entretien avec Marc Tourtchaninoff, Fontaines, juin 2003
558
Les parents de Michel étaient assez proches du négus puisque sa mère fut pendant plusieurs années
responsable du bureau d’interprétariat de l’OUA.
559
Voir photographie en annexe.
554
94
afin de suivre, comme son père avant lui, une formation d’ingénieur en agronomie tropicale
à la réputée Faculté Universitaire d’agronomie de Gembloux. C’est là qu’il avait fait la
connaissance de sa femme belge, Christiane Dupont, avait qui il eut un enfant, MarcAndré, en 1956. Deux ans après la naissance de leur fils, les Tourtchaninoff repartirent
pour l’Ethiopie. Un périple qui signifiait à l’époque deux jours de voyage, avec des escales
à Paris, Rome, Athènes, Le Caire et Khartoum, et qui laissa au tout jeune Marc une phobie
de l’avion qui allait le poursuivre tout au long de sa vie560. Après une petite année dans
l’empire du Lion de Juda, la jeune famille s’installa au Congo alors encore belge. Elle y
séjourna jusqu’en 1960, et au tragique décès de Michel, alors âgé de vingt-sept ans
seulement. Mère et fils rentrèrent donc en Belgique, où la jeune veuve se remaria avec
Charles-Edouard Jeanty, lui aussi ingénieur en agronomie tropicale. Tout trois repartirent
ainsi pour deux ans au Rwanda, où Marc effectua ses deux premières années scolaires,
entre 1962 et 1963, en plein passage à l’indépendance de la petite colonie. L’accession au
pouvoir de Grégoire Kayibanda, auteur du « Manifeste du Bahutu », s’inscrivit dans un
contexte de violences, prémisses du processus qui allait mener à l’innommable en 1994. La
famille décida donc de rentrer en Belgique, où Charles-Edouard se retrouva pour un temps
au chômage, avant que l’un de ses collègues ne lui fasse part d’une offre d’emploi comme
professeur à l’école cantonale d’agriculture de Cernier, dans le canton de Neuchâtel. C’est
ainsi que Marc Tourtchaninoff, russo-belge bénéficiant de la nationalité éthiopienne, arriva
à Dombresson, dans le Val de Ruz à l’âge de huit ans, après avoir vécu déjà dans quatre
pays différents. Il effectua toute sa scolarité dans le canton de Neuchâtel et, à dix-huit ans,
il opta pour la nationalité suisse, et dut donc renoncer à son passeport éthiopien. C’était un
choix dicté avant tout par des impératifs militaires, Tourtchaninoff optant pour le pays dans
lequel il pouvait le plus aisément effectuer un service non armé561. La conservation de sa
nationalité éthiopienne aurait de plus signifié la peu séduisante perspective d’avoir à
demander un visa pour chaque déplacement en France voisine. Déjà passionné de musique,
notamment de jazz, rock et blues, découverts grâce au disques de son oncle, il fut
contaminé par le reggae par hasard, lors d’un festival de musique à Offenburg, en
Allemagne, en juin 1976. « On était allés à ce festival pour les artistes rock. A l’époque,
j’avais un à priori négatif sur le reggae, je le mettais au rang du disco. Et lorsque Clapton,
que j’adulais, a repris I shot the sheriff, je considérais qu’il aurait mieux fait de faire du
blues plutôt que de la soupe pour relancer sa carrière. Ce n’est que lorsque la musique de
560
561
Entretien avec Marc Tourtchaninoff, op. cit.
Ibid.
95
Marley m’a tiré de mon sac de couchage à trois heures du matin, et que j’ai découvert les
Wailers sur scène, que je me suis pris une véritable baffe. Dans les jours suivants, j’ai
acheté Rastaman Vibration et je l’ai écouté en boucle, il n’y avait plus que ça sur ma
platine »562.
En 1977, il commença à travailler pour le Montreux Jazz Festival comme « déchireur de
billets » à l’entrée des salles, faisant également de la promotion pour l’événement en
déambulant sur les quais en skateboard, un moyen de locomotion alors encore méconnu. Il
fit cette année-là la connaissance de Henry « Taj Mahal » Fredericks563, bluesman
américain auquel il vouait une immense admiration, et avec lequel il avait déjà
épistolairement correspondu. De cette rencontre allait naître une longue amitié, ainsi que de
nombreuses collaborations ultérieures. Traînant constamment en coulisses, et notamment
dans le très animé « bar des musiciens » du festival, il commença à nouer des relations avec
de nombreux acteurs du monde musical, et à remplir un agenda qui allait servir plus d’une
fois dans les années suivantes. Les deux premiers noms jamaïcains à y figurer furent ceux
de Earl « Chinna » Smith et de Dennis Brown.
« J’attendais Dennis Brown de pied ferme dans le hall de son hôtel, parce que je voulais
faire sa connaissance. Il est arrivé avec Chinna, on a discuté, c’était la toute première fois
que je rencontrais des rastas en chair et en os. Ils m’ont demandé si j’avais de l’herbe. A
l’époque, j’avais ma petite plantation, donc j’en avais suffisamment pour leur refiler un
beau paquet. Deux heures plus tard, pendant le soundcheck, un musicien ou un roadie du
groupe et venu me voir un me demandant si j’étais bien Marc, et il m’a tendu l’équivalent
en herbe jamaïcaine de ce que j’avais donné à Dennis Brown et Chinna en herbe
suisse ! »564.
Au courant du goût de Tourtchaninoff pour reggae et ganja, ainsi que de sa brève
expérience de contact avec les musiciens jamaïcains, Claude Nobs lui confia la mission de
s’occuper personnellement du capricieux Peter Tosh. « Au moment où on allait passer à
table avec les musiciens sur la terrasse du Casino, on m’a fait savoir que Tosh était tout
seul dans sa suite à l’Eden au Lac, et qu’il voulait manger un poisson préparé ital. Nobs
m’a donc demandé d’aller m’en occuper, et je me suis retrouvé avec le groom devant la
porte de sa suite, avec un poisson entier sur un plateau. Tosh m’a fait entrer, m’a dit de
m’asseoir. Alors j’ai passé une bonne partie de la soirée avec lui, je lui parlais de skate, il
562
Entretien avec Marc Tourtchaninoff, Fontaines, mars 2004
Frère de Carole Fredericks, qui chanta notamment avec Jean-Jacques Goldmann
564
Entretien avec Marc Tourtchaninoff, Fontaines, avril 2004
563
96
me parlait de monocycle, il trouvait mon herbe bonne. C’était un moment sympa. Je ne l’ai
jamais revu après, tout ce qu’il me reste de cette rencontre c’est un badge qu’il m’avait
donné et qui disait Don’t let disco get you down, keep listening to reggae sound »565.
Si la rencontre avec Tosh n’eut pas de suites, il en fut autrement avec Brown, revu ensuite
à plusieurs reprise, et Chinna, qui passe encore par Fontaines à chaque visite en Suisse.
Devant le succès de la soirée reggae de l’édition 1979, le festival de Montreux proposa à
nouveaux des sonorités jamaïcaines l’année suivante, en combinaison cette fois-ci avec des
artistes africains. Ainsi Jimmy Cliff fut-il épaulé le dimanche 6 juillet 1980 par la
légendaire chanteuse sud-africaine Myriam Makeba, et le Camerounais Tokoto Ashanty. Si
les sommets de l’édition 1979 ne furent pas atteints566, le concert de Cliff, et notamment
une entrée en matière fracassante, avec une version nyahbinghi de près de neuf minutes du
classique « Bongo Man »567, marqua cependant les esprits. « Le début, une longue
procession-complainte uniquement soutenue par des percussions, a été exceptionnel. La
foule commença ensuite à se lever, à danser et à chanter. »568
L’édition 1980 du Festival permit à Tourtchaninoff de revoir Chinna, qui accompagnait
cette année-là Jimmy Cliff, mais également de nouer une nouvelle relation qui allait se
montrer plus prolifique encore. En effet, l’un des événements du MJF fut la venue du
groupe ska anglais The Specials, alors au sommet de la vague Two Tone en compagnie de
Madness. Cette mode eut d’ailleurs davantage de succès en Romandie qu’en Suisse
allémanique, en témoignent les deux concerts donnés par ces-derniers en mai, et le
contraste entre une salle plutôt froide569 et à deux tiers vide à Winterthur570, et les trois
milles cinq cent personnes entassées le lendemain dans le Palais de Beaulieu, à Lausanne,
trop petit pour l’occasion571.
Mais si le grand public s’enthousiasmait pour le ska frénétique des Specials, et tombait en
pamoison devant leurs chanteurs, Tourtchaninoff quant à lui s’intéressait à un membre bien
précis du groupe, l’immense tromboniste jamaïcain Emmanuel « Rico » Rodriguez.
« En 1980, j’étais censé reprendre le bar des musiciens, mais engagé par le Casino. Ils
avaient décidé d’ouvrir le bar au public et ils voulaient que je joue le rôle de
physionomiste, étant donné que je connaissais tout le monde et que je savais quel chevelu
565
anonyme, « Montreux Rückblick » in Music Scene (13), août 1980, p. 32
567
www.montreuxsounds.com/database/1980
568
Caspary, Michel, « Bien-être intense » in 24 Heures, 8 juillet 1980, p. 35
569
Matti, René, « Madness : "The rockiest rocksteady beat" in Winterthur » in Music Scene (12), juillet 1980, p.
37
570
Souaille, Philippe, «"Madness", le "boat" caraïbe et la vidéo » in La Tribune de Genève, 31 mai 1981, p. 24
571
Caspary, Michel, « Pour danser ska tant qu’il est temps … » in 24 Heures, 29 mai 1980, p. 55
566
97
laisser entrer. Alors je les ai envoyés péter, j’ai profité de mon badge pour voir les concerts
à l’œil, et j’ai plus bossé pour le festival les années suivantes. Quant les Specials sont venu,
c’était la folie, avec des nanas hystériques et des gardes du corps qui gardaient l’entrée des
backstages. Je l’ai jouée au bluff, j’ai dit que je voulait voir Rico, alors que je l’avais
jamais vu, et ils m’ont laissé entrer. J’ai ensuite passé la soirée avec lui, et à trois heures du
matin, il voulait à tout prix manger du poisson avec du riz, et boire du café. On a donc fini
à l’Hungaria572, à manger ensemble. Il m’a fait savoir qu’il avait son propre groupe et
qu’il aurait bien voulu tourner tout seul, et c’est comme ça que je l’ai fait revenir en
1981 »573.
II.5.c Les concerts du Centre Autonome
Jusqu’en 1981, alors que Zurich voyait se succéder quelques-unes des plus grandes
vedettes jamaïcaines, proposait chaque semaine des soirées sound system avec Roots
Operator et abritait deux magasins spécialisés, la Suisse romande ne goûta au reggae que
par l’entremise d’un seul événement annuel : le Montreux Jazz Festival. Les choses
commencèrent cependant à évoluer quelque peu l’année de la mort de Marley. Ainsi, le 3
février, la brève tournée de Burning Spear, mise sur pied par l’équipe de Jamarico, fit-elle
une halte quasi improvisée au Centre Autonome de Jeunesse de Bienne, également appellé
« la Coupole ».
Le lieu, un ancien réservoir à gaz désaffecté, avait été mis à la disposition de diverses
associations souhaitant développer une scène alternative par la ville de Bienne dès 1969.
Quatre ans et et de nombreux travaux plus tard, des premiers petits concerts avaient
commencé à y être organisés. Cependant, un certains nombre de problèmes, dont le choix
par certains de la bâtisse comme domicile permanent, avaient retardé le développement de
la salle574. Les choses avaient néanmoins commencé à se mettre réellement en place à partir
des années 1977-1978, et les concerts, pop et rock surtout, s’étaient multipliés. Les choses
avaient mis beaucoup de temps à évoluer, car le Centre Autonome avait un mode de
fonctionnement résolument « alternatif ». Ainsi, tous ceux, musiciens ou acteurs divers de
la scène musicale biennoise, qui y travaillaient étaient bénévoles, mais avaient voix au
chapitre quant à chaque évolution du lieu. Ce système, profondément démocratique, qui
572
Cabaret montreusien plutôt bas de gamme.
574
Entretien avec Daniel Schneider, Bienne (par téléphone), mai 2004
573
98
permettait de pratiquer une politique de prix extraordinairement bas, avait cependant
l’inconvénient de prolonger indéfiniment chaque prise de décision par d’interminables
discussions. L’acquisition, au tournant des années huitantes, de meilleur matériel de
sonorisation et de lumière, avait ainsi été le fruit de longues négociations avec une frange
« fondamentaliste anarchiste »575 du collectif, pour qui cette évolution représentait une
intolérable dérive commerciale. Au début de la décennie, un groupe de jeunes biennois,
composé notamment de Renato Maurer, Daniel Schneider, Roland Krimm et Frédéric Graf,
avait repris en main la destinée de la salle à la suite d’une « petite révolution »576. Ce furent
eux qui y organisèrent, au gré des opportunités, les premiers événements reggae, débutant
en fanfare avec la venue de Burning Spear. « On était plutôt orientés rock, mais quand
l’occasion de faire venir Spear s’est présentée, on était tout fous. Le personnage, et sa
musique, collaient parfaitement à l’esprit de la Coupole »577.
Sans la moindre promotion, à des années lumières de la grosse machinerie Good News, le
concert fut un immense succès, puisque près de huit cent personnes s’entassèrent dans un
chaudron prévu pour la moitié578, occasionnant des conditions difficiles pour les « quelques
privilégiés »579 présents ce soir-là. Une affluence qui permit aux organisateurs, grâce
également à un bar pris d’assaut, chaleur oblige, de ne pas perdre d’argent ans l’affaire,
malgré le dérisoire prix d’entrée, fixé à cinq francs580. Certains fans locaux n’apprirent la
tenue du concert que dans les jours suivants, ce qui provoqua chez certains une profonde et
légitime frustration. « N’aurait-il pas été plus "démocratique" d’organiser le concert dans
une salle trois fois plus grande par exemple et de faire quelque publicité à Neuchâtel, dans
le Jura, jusqu'à Yverdon et même Lausanne. Car il fallait être sacrément branché pour
savoir que Winston Rodney et son groupe allaient se produire pour quelques privilégiés
seulement, alors que le reggae compte tout de même beaucoup d’adeptes en Suisse
romande et que les concerts y sont bien rares. »581 Effectivement fort rares à l’époque, et
donc par définition, exceptionnels, les concerts en Suisse romande furent bien souvent
d’une grande qualité musicale. Dans la lancée des prestations offertes à Zurich et Berne les
jours précédents, le concert de Burning Spear ne dérogea pas à cette « règle », bien au
contraire. En effet, grâce à des « musiciens de grande classe [assurant] un accompagnement
575
Ibid.
Ibid.
577
Ibid.
578
Entretien avec Frédéric Graf, Bienne (par téléphone), avril 2004
579
Besençon, Jean-Blaise, « Burning Spear et… quelques privilégiés !!» in Music Scene (20), mars 1981, p. 53
580
Entretien avec Frédéric Graf, op. cit.,
581
Besençon, op. cit., p. 53
576
99
captivant comme rarement »582, parmi lesquels le bassiste Sydney « Left Hand » Guissine,
et au charisme sauvage du disciple de Garvey, les « privilégiés » présents, ou du moins
ceux qui saisissaient pleinement l’ampleur de l’événement, pouvaient partager avec JeanBlaise Besençon la très légitime et rétrospectivement incontestable « certitude de participer
à un moment unique, historique dira-t-on d’ici quelques années »583.
Après le concert, le Spear logea dans la chambre à coucher de l’un des membres de
l’organisation, Marcel Meyer, qui vivait dans la campagne biennoise584. Une pratique
répandue chez les organisateurs à petit budget, tous genres musicaux confondus, qui outre
l’avantage d’économie de frais d’hôtel permettait bien souvent des échanges privilégiés
avec les artistes.
Dans les années suivantes, la Coupole allait être le cadre d’autres concerts d’artistes de
premier plan : Linton Kwesi Johnson, toujours accompagné de ses bandes et de son
danseur, Congo Ashanti Roy, Rico et même Tappa Zukie, qui, accompagné entre autres du
grand batteur et héros du film « Rockers », Leroy « Horsemouth » Wallace, allait y donner
un concert enragé dans le but de récolter des fonds pour poursuivre l’œuvre entamée à
Trenchtown avec Eira Schader. Ces concerts au Centre Autonome, de par la configuration
très particulière de la salle, l’organisation pour le moins « alternative », avec une large
place faite à l’improvisation et une promotion pratiquement inexistante, des prix d’entrée
ridiculement bas et bien sûr la qualité des artistes proposés, allaient avec le temps acquérir
un statut quasi mythique auprès des passionnés de la première heure.
En juillet, Montreux accueillit une nouvelle fois une formation jamaïcaine, en l’occurrence
les Maytals, qui venaient d’enflammer le Hallenstadion deux semaines plus tôt. Si le
concert fut à la hauteur de la réputation de Toots, il eut lieu dans l’indifférence des médias,
blasés sans doute après l’extraordinaire édition 1979. Un autre événement, tenu un mois
plus tard, attira davantage l’attention de la presse locale : l’ African Roots Festival de
Leysin, dont l’unique édition eut lieu du 3 au 9 août 1981. Organisé, entre autres, par les
agences de voyage SSR, le festival était dédié, comme son nom le laissait légitimement
supposer, aux cultures africaines sous toutes leurs formes. Ainsi des ateliers de danse,
percussion, chant, artisanat, fabrication d’instruments, cuisine et coiffure étaient proposés
tous les jours, disséminés dans le village585, faisant de la manifestation un « happening
582
Ibid., p. 53
Ibid., p. 53
584
Entretien avec Frédéric Graf, op. cit
585
Schmidt, Pascal, « African Beat Festival à Leysin » in Music Scene (24), août 1981, p. 42
583
100
rythmique »586. Les deux derniers soirs étaient quant à eux réservés à des concerts de
musiques africaines, ou liées à l’Afrique, et donc entre autres le reggae, représenté à cette
occasion par des artistes anglais : Steel Pulse et Linton Kwesi Johnson. Cependant, alors
que les choses avaient plutôt bien commencé, grâce, notamment, à un soleil éclatant durant
les premiers jours, les choses se gâtèrent par la suite. « Le principal problème du Festival
de Leysin réside dans l’inadéquation des lieux au projet : trop de distance sépare les
différents lieux d’animation. Dispersées, les activités perdent de leur impact. C’est
pourquoi l’on ressent une légère impression d’inachevé. En outre, l’alléchant programme
des workshops (ateliers) s’avère décevant »587. Puis, lorsqu’un « véritable déluge »588 se
mêla à l’affaire, le tout dégénéra sérieusement, et l’atmosphère devint très tendue. « A cela
s’est ajouté un violent conflit entre les deux ou trois organismes chargés de la mise sur pied
de la semaine africaine de Leysin. L’affaire a publiquement éclaté samedi soir, en plein
concert, lorsque plusieurs dizaines de musiciens exigeaient d’être payés sur le champ. »589
Le volet reggae du festival fut lui aussi décevant. En effet, du groupe Steel Pulse, seuls le
bassiste et le guitariste firent le déplacement, improvisant une jam session interrompue par
la pluie dès le deuxième morceau590. Quant à Linton Kwesi Johnson, il se présenta sans
musiciens, ce qui était prévu591, mais un problème technique le priva également des bandes
servant de fond sonore à sa dub poetry, et les spectateurs eurent finalement droit à une
récitation a capella de ses textes, ce qui frustra ceux qui étaient venus pour bouger592.
L’African Roots Festival se solda par un déficit de deux cent mille francs sur un budget de
quatre cent septante mille, résultat d’une « organisation trop hétéroclite dans ses origines,
hésitant, selon les parties, entre l’idéalisme et le show-biz, entre la culture et le fric »593, et
n’eut donc jamais de suite. Il inaugura cependant le cocktail leysenoud « musique et
déluge », qui allait faire ses preuves quelques années plus tard avec le lancement d’un
nouveau festival, rock cette fois-ci.
Si Tourtchaninoff n’était pas impliqué dans ce festival, il commença cependant à
diversifier ses activités de promotion du reggae. Il lança ainsi cette année-là deux émissions
musicales sur la lémanique Radio Thollon : « Le Quart d’Heure Vaudou » et « La Route du
Blues ». La seconde était dédiée à ses premières amours musicales, et la première à une
586
Duplan, Antoine, « L’ivresse des rythmes » in 24 Heures, 6 août 1981, p. 20
Ibid., p. 20
588
Besençon, Jean-Blaise, « Tonnerre et déluge au final » in 24 Heures, 10 août 1981, p. 18
589
Boder, Willy, « La dernière (fausse) note » in 24 Heures, 10 août 1981, p. 18
590
Besençon, op. cit., p. 18
591
Schmidt, op. cit., p. 43
592
Duplan, Antoine, « Pulsions frénétiques » in 24 Heures, 10 août 1981, p. 18
593
Caspary, Michel, « Des fautes partagées » in 24 Heures, 10 août 1981, p. 18
587
101
programmation variée, quoique très largement portée sur les sonorités jamaïcaines. Entre
vingt et vingt-deux heures, en semaine, il passait des disques issus de sa collection
personnelle, ou prêtés, qu’il emmenait avec lui par bateau entre Lausanne, où il habitait
alors, et Thonon594. Cette émission lui offrait également la possibilité de faire de la
promotion pour les soirées reggae qu’il animait de temps en temps dans le quartier de la
Bourdonnette. Dans la capitale vaudoise, il fit la connaissance d’un jeune journaliste
passionné de musique, Jean-Blaise Besençon, dont l’appartement, situé à un jet de pierre du
sien, servait de rédaction à l’édition romande du mensuel spécialisé Music Scene. Le
journal, dont la rédaction principale se trouvait à Dietikon, dans la région zurichoise, avait
été lancé en juin 1979 par Paul Casutt, assisté entre autres de Christoph Berger et Dave
Hutmacher. Très orienté rock, devenant même par moment, à force de lui consacrer articles
et couvertures, une sorte d’organe officiel du groupe Krokus, qui avait fait la fortune de
Free & Virgin, Music Scene laissait cependant une certaine place au reggae, incluant
notamment un long article consacré à Jimmy Cliff dans sa toute première édition595. En
décembre 1979, une partie consacrée à la Romandie avait été lancée, sous la direction de
Patrice Dumont, histoire de couvrir « ce qui se [passait] entre le Léman et le Jura, entre la
Sarine et le Salève »596. Elle allait devenir une entité autonome dès janvier 1982. JeanBlaise Besençon, qui faisait partie de la rédaction romande dès le début, fut le premier à y
écrire, de temps à autres, sur le reggae, chroniquant les concerts des Specials à Montreux,
et de Burning Spear à la Coupole de Bienne. Il signa également la même année dans le
quotidien 24 Heures, auquel il collaborait parfois, un court article d’introduction au reggae,
dans le cadre d’une série intitulée « Rythmes Noirs »597. Autre membre de l’équipe
romande, Antoine Duplan, lui aussi collaborateur occasionnel de 24 Heures, commença
pour sa part par consacrer à cette musique ses talents de dessinateur, notamment lors d’une
très amusante bande dessinée d’une page, relatant les déboires d’un groupe de musiciens
blancs décidés à se lancer dans les « rasta vibrècheunz »598.
Mais ces vibrations là
restaient cependant rares dans le colonnes du mensuel, sans parler de la presse généraliste.
Lorsque Tourtchaninoff fit la connaissance de Besençon et Duplan, dans le courant de
l’année 1981, il tombait donc à point nommé pour y apporter des connaissances plus
pointues sur le reggae. Particulièrement à Besençon, le plus passionné de l’équipe : « Je lui
594
Haesler, Pierre F., « Jimmy Cliff : Ein Poet, der auszog … » in Music Scene (1), juin 1979, pp. 24-25
596
Dumont, Partice, « Editorial » in Music Scene (6), décembre 1979, p. 32
597
Besençon, Jean-Blaise, « Rythmes Noirs : le Reggae » in 24 Heures, 6 août 1981, p. 3
598
Duplan, Antoine, « sans titre (BD) » in Music Scene (8), février 1980, p. 64
595
102
ai ouvert ma collection de disques et de livres. Je l’ai pas contaminé, parce qu’il était déjà
addict, mais il a pu avoir accès chez moi à un plus important background »599. Entre
décembre 1981 et octobre 1982, il rédigea également quelques articles, dont une interview
de Congo Ashanti Roy600, et un glossaire601 adapté d’un album de Merger, qui fut sans
doute pour de nombreux lecteurs romands l’une des toutes premières occasions de se
familiariser avec les jargons fleuris et ésotériques du reggae et du rastafarisme.
Besençon allait néanmoins rester, jusqu’à la disparition de Music Scene Romandie, en
janvier 1983, le plus régulier auteur d’articles consacrés à cette musique, chroniquant
notamment, avec plus ou moins de bonheur, quasi mensuellement les nouvelles sorties en
vinyl dans une rubrique « Tropiques ».
Outre ses activités radiophoniques et, plus ou moins directement, rédactionnelles, ainsi que
ses soirées à la Bourdonnette, Tourtchaninoff, qui travaillait alors comme vendeur dans un
magasin de radio-télévision lausannois, commença à utiliser ses connexions en vue de faire
tourner des artistes jamaïcains en Suisse. Ainsi, le projet évoqué à l’Hungaria de Montreux
l’année précédente prit forme le 27 octobre 1981, au Bierhübeli de Berne, avec la venue de
Rico Rodriguez et son Rico’s Band, largement composé de membres des Specials. Ceux-ci
partageaient l’affiche avec le dub poet Orlando « Oku Onuara »602 Wong qui, pour sa
première venue en Suisse et pour « des Bernois […] peu accessibles à son patois
jamaïcain »603 se fit « un plaisir de répéter plusieurs fois les poèmes »604. Si Tourtchaninoff
se mit dès ce concert à jouer le rôle d’intermédiaire, mettant en contact artistes et
organisateurs grâce aux contacts glanés lors d’incessantes visites des backstages,
notamment lors des événements zurichois, il s’impliqua plus directement dès l’été 1982
avec la mise sur pied d’une tournée de trois dates d’un artiste mythique et alors peu connu,
Roydel « Congo Ashanti Roy » Johnson, cofondateur des Congos.
« J’ai eu l’opportunité de la faire venir par l’agence Stallion, basée à Londres. Pour dire la
vérité, je me suis jeté sur l’occasion parce que j’espérais avoir Cédric Myton605 aussi. […]
Mais j’ai pratiquement plus aucun souvenir de ça. La seule chose dont je me rappelle, c’est
leur bus sur le parking du Métropole à Lausanne. C’est là que je les avais quittés »606. Peu
favorable à la précision de la mémoire, la tendance épicurienne de Tourtchaninoff à arroser
599
Entretien avec Marc Tourtchaninoff, Fontaines, avril 2004
Tourtchaninoff, Marc, « Congo Ashanti Roy : Babylon must fall ! » in Music Scene (10), octobre 1982, p. 10
601
Tourtchaninoff, Marc, « Glossaire Rasta, Reggae, Roots » in Music Scene (9), septembre 1982, p. 20
602
«Oku Nagba Ozala», « le feu du désert » et « Onuara », « la voix du peuple » en igbo.
603
Tourtchaninoff, Marc, « Rico’s Band & Oku Onuara » in Music Scene (28), décembre 1981, p. 53
604
Ibid., p. 53
605
Autre membre du légendaire trio « Congos », le dernier étant Watty « King » Burnett.
606
600
103
plus que copieusement ses soirées n’allait pas s’arranger de sitôt, puisqu’il allait devenir,
quelques années plus tard, représentant en champagne et spiritueux. Mais cette position
allait avant tout lui permettre de rentrer en contact avec de nombreux artistes hors du
milieu reggae.
Le contrat, signé un mois avant la venue de l’artiste, prévoyait initialement deux concerts ;
le premier au Centre Autonome de Bienne, le 25 août, et le second le lendemain au
Bierhübeli de Berne, pour un prix total de six cents livres anglaises607. Le manager du
groupe, Johnny Toogood, espérait également faire une date à Zurich, par l’entremise de
Jamarico ou du Blackout Club de Kloten608, mais ce fut au Cab de Meyrin, que ce concert
supplémentaire eut lieu. Congo Ashanti Roy vint par minibus, accompagné de cinq
musiciens jamaïcains : Vernal Kelly, Junior Gordon, Stefan Lumsden, Vyris Edgehill et
Lindo Davis609, Tourtchaninoff se chargeant de fournir les instruments nécessaires. Ces
concerts ne bénéficièrent pratiquement d’aucune promotion, si ce n’est un petit encart
annonçant, au conditionnel, le venue prochaine de cet artiste de premier plan dans l’édition
d’août de Music Scene Romandie610.
Peu avant la venue de Congo Ashanti Roy, le Montreux Jazz Festival avait manqué de
créer à nouveau un événement, en accueillant pour la première fois dans le pays le trio
Culture611. Le projet était malheureusement tombé à l’eau, et c’était à nouveau, pour la
deuxième fois en trois ans, Jimmy Cliff qui était venu représenter la Jamaïque, accompagné
il est vrai de musiciens de première classe612, dont un futur ministre de la Culture brésilien,
Gilberto Gil. Mais ce retour illustrait bien le désintérêt grandissant du festival pour le
reggae, confirmé en 1983 par la présence des petits prodiges, en terme de vente de disques
notamment, de Musical Youth, et d’un Dillinger très peu inspiré. La venue d’Aswad en
1984 allait marquer, certes en beauté, la fin d’un réel engagement de la manifestation
montreusienne dans le domaine reggae pendant quinze ans.
A la fin de l’année 1982, Tourtchaninoff quitta Lausanne pour retourner à Dombresson,
cessant ses émissions de radio, ainsi que ses épisodiques collaborations à Music Scene. Les
personnes qu’il y rencontra allaient rapidement former, entre Neuchâtel et Bienne, le
607
Contrat entre Marc Tourtchaninoff et l’agence Stallion, 21 juillet 1982.
Fax de « Johnny Toogood » à Marc Tourtchaninoff, 6 juillet 1982
609
Fax de l’agence Stallion à Marc Tourtchaninoff, juillet 1982
610
anonyme, « Congo en Suisse ? » in Music Scene Romandie (8), août 1982, p. 9
611
anonyme, « Montreux : Culture » in Music Scene Romandie (7), juillet 1982, p. 13
612
Ansell Collins, Radcliffe « Dougie » Bryan, Chinna Smith, Bertram « Ranchie » McLean, Michael « Mikey
Boo » Richards, et Uzziah « Sticky » Thompson, entre autres.
608
104
noyau dur d’un milieu musical « reggae » unique en Suisse romande613, voire même dans le
pays.
La vague reggae qui toucha Zurich n’eut pas d’équivalent en Suisse romande, faute de
promoteurs. Le puissantes maisons de production zurichoises ne s’étaient pas souciées de
l’Ouest du pays, et les passionnés romands n’avaient pas les contacts, et encore moins les
moyens financiers de mettre sur pied de gros événements. C’est donc à l’abri des regards,
modestement, que fut bâtie la scène reggae romande, qui allait en vingt ans prendre une
ampleur que des débuts timides ne pouvaient laisser présager.
613
Entretien avec Pierre-Jean Crittin, Lausanne, janvier 2003
105
II. 6. La mort de Marley dans la presse suisse
En les observant au travers du prisme de la presse généraliste suisse, de ces premières
années de découverte de ce genre musical nouveau par le public helvétique, ne semblent
surgir que quelques sporadiques hauts faits : gros concerts Good News pour la presse
zurichoise, ou plus exactement, pour le Tages Anzeiger, et festivals, de Montreux ou de
Leysin, pour la presse romande. De très rares articles, généralement publiés à l’occasion de
l’annonce ou du récit d’un concert, faisaient parfois office d’introduction au reggae, ainsi
qu’au rastafarisme. Le meilleur exemple du genre fut un excellent article signé par Paul Ott
dans la rubrique « Kultur » du Tages Anzeiger614 le 11 juin 1979, le lendemain du concert
de Tosh à la Volkshaus, sous-titré « Von Ursprung und Entwicklung des "Reggae" ».
La presse spécialisée, exclusivement incarnée par Music Scene, le très confidentiel Ital
Muzik mis à part, ne dérogeait pour sa part pas à cette règle. Le reggae y était certes
davantage traité, mais toujours en fonction de l’actualité suisse, sous forme de comptesrendus de concerts et d’interviews d’artistes de passage. L’actualité internationale du
reggae ne faisait l’objet que d’une brève de temps à autres, pour annoncer par exemple la
mort accidentelle de Jacob Miller615 ou, avec quelques années de retard, la sortie du film
culte « Rockers »616. Les informations régulières ne commencèrent en fait vraiment qu’à
partir de décembre 1983, avec la contribution mensuelle de Hanspeter Künzler, journaliste
suisse basé à Londres, qui rédigea notamment un chapitre comme « auteur invité » dans
l’ouvrage de Staša Bader « Wörte wie Feuer »617. Ses chroniques, tout d’abord intitulées
« Heartbeat Hi-Fi – Düsi at the Control »618 et « Black music only », puis « Caribbean
Breeze » et « Reggae Pulse », apportèrent pendant près de quatre ans des nouvelles fraîches
de l’évolution de la scène reggae anglaise ainsi que des éclairages sur des vétérans roots
méconnus, tels que Milton Henry619 ou les membres de l’écurie Wackie’s620.
De fait, un seul événement attira réellement l’attention de la presse suisse : le décès de
Marley à l’âge de trente-six ans, le 11 mai 1981. Ce n’est en effet qu’à l’occasion de la
614
Ott, Paul, « Musik, die uns zu Solidarität auffordern sollte » in Tages Anzeiger, 11 juin 1979, p. 21
Music Scene (11), juin 1980, p. 31
616
Music Scene (7), janvier 1980, p. 46
617
Künzler, Hanspeter, « Hanspeter Künzler aus London : Neue Trends in der Szene » in Wörte wie Feuer, op.
cit., pp. 241-252
618
Référence à l’émission de radio et label de Michael « Mikey Dread » Campbell
619
Interprète pour Lee Perry, sous le nom de « King Medious », du classique « This World ». Il débuta sa
carrière aux côtés de Prince Allah dans le trio rocksteady « The Leaders »
620
Künzler, Hanspeter, « Heartbeat Hi-Fi » in Music Scene (3), mars 1984, p. 9
615
106
disparition de celui qui incarnait la vague reggae internationale, que cette musique fit les
gros titres.
Bien que peu d’articles lui ait été directement consacrés avant sa mort, Marley avait
néanmoins été omniprésent dans les articles consacrés au reggae, en tant que constante
référence, les artistes défilant sur les différentes scènes suisses étant quasi
systématiquement jugés à l’aune de leur potentiel statut de « Marley-Konkurrenz »621.
Selon les goûts de l’auteur, Marley était tantôt loué pour ses efforts de « vulgarisation » de
sa musique, « Bob Marley […] und andere Reggae-Gruppen machen Kompromisse, sie
helfen die Muzik zu verstehen »622, tantôt fustigé pour ces mêms efforts : « Die MusikMassenindustrie plant immernoch kommerzielle konzerte mit verkauften bands wie BMW
(Bob Marley & the Wailers) »623.
Des critiques aussi virulentes étaient cependant rares, et le fait d’auteurs très impliqués
dans le milieu. La plupart des journalistes suisses, ou du moins ceux qui prirent la peine
d’écrire sur le sujet, semblaient ressentir à l’égard de Marley un mélange de curiosité et de
respect, qui transparut clairement lors des articles parus à l’occasion de sa disparition. Des
pointes d’ironie, liées à une méconnaissance du sujet, surgirent parfois, mais elles
n’atteignirent jamais le niveau d’ignorance et de mépris atteints par certains médias anglosaxons, qui n’hésitaient pas à exprimer leur « […] temptation […] to laugh at a stoned
jamaican musician, who worships a dead ethiopian dictator »624.
La mort de Marley fut annoncée dans les médias helvétiques le 13 mai 1981, le jour de
l’attentat visant le pape Jean-Paul II à Rome. L’actualité était d’ailleurs particulièrement
chargée puisqu’en France François Mitterand venait d’accéder au pouvoir trois jours
auparavant. Cela n’empêcha pas une importante couverture de cette disparition, qui ne se
limita pas, contrairement à ce qu’affirmait Pascal Schmidt, auteur pour Music Scene
Romandie de plusieurs articles consacrés au reggae, à « un petit telex, quelques lignes au
bas des quotidiens du matin, "Bob Marley est mort hier…" »625. La nouvelle eut en effet
droit à la « une » de plusieurs quotidiens, Berner Zeitung, Basler Zeitung, Tages Anzeiger,
24 Heures et Tribune de Genève, annoncée par des titre sobres : « Reggae-König
621
Knechtle, Marcel, « Burning Spear : Sommer für einen Tag » in Music Scene (20), mars 1981, p. 45
Ibid., p. 45
623
Galli, Sandro, « Konzert-Tips » in Ital Muzik (5), mai 1980, p. 16
624
Extrait d’un reportage télévisé anglais dans Rebel Music de Jeremy Marre, Island Def Jam Group, 2001
625
Schmidt, Pascal, « Petite hache des ghettos » in Music Scene Romandie (23), juin 1981, p.42
622
107
tot »626, « Bob Marley gestorben »627, « Le reggae perd son étoile »628, « Bob Marley n’est
plus »629.
Si cette importance donnée à la nouvelle ne fut pas la règle, tous les quotidiens étudiés, au
nombre de douze, en parlèrent cependant, parfois longuement, soit par la plume d’un
journaliste maison ou invité, soit par le reprise de dépêches d’agences.
Le long article « Prophet – Star – Opfer » de Martin Schäfer, journaliste à la radio DRS qui
fut le premier à y animer, à la dose homéopathique d’une heure par mois, une émission
reggae dès 1980630, fut ainsi repris dans trois quotidiens alémaniques, le Tages Anzeiger et
la Basler Zeitung, en version intégrale, et la Berner Zeitung, dans une version quelque peu
écourtée. L’auteur, spécialiste du sujet, y revenait sur la jeunesse, et le rôle, musical et
symbolique, de Marley, « […] vielleicht nicht der beste Reggae-Sänger überhaupt, sicher
jedoch der eindrücklichste und zugleich witzigste Liedermacher des Genres»631, et « […]
Symbolfigur
für
die
Leiden
und
Hoffnungen
von
Jamaicas
bitterarmer
Bevölkerungsmehrheit, den Nachfahren der einst aus Afrika verschleppten Sklaven »632.
Histoire de rappeler, avec Antoine Duplan dans 24 Heures « […] que cette musique de
danse est une musique révolutionnaire, un moyen de revendication sociale et spirituelle et
de communion pour les Jamaïcains opprimés et déracinés, pour les enfants du ghetto
comme Marley »633. Schäfer y insistait également, citant la veuve du chanteur Rita,
interviewée par ses soins quelques mois auparavant, sur le sacrifice consenti par Marley
pour transmettre son message, tournant inlassablement à travers le monde au prix de sa
santé. Une approche partagée par Peter Jörg, du Bund, qui désignait Marley comme
« Unermüdlicher Missionar seines Volkes »634, avant de revenir brièvement, mieux vaut
tard que jamais, sur la genèse de sa musique. Peter Figlestahler, de la Neue Zürcher
Zeitung, compara quant à lui cette disparition à celle de John Lennon, assassiné quelques
mois plus tôt : « Beide, Marley und Lennon, waren nicht nur begnadete Musiker, die viel zu
früh aus ihrer Arbeit und ihrem Leben gerissen wurden, beide waren auch inerhalb des
Showbusiness Stars von seltener persöhnlicher Integriät »635.
626
Berner Zeitung, 13 mai 1981, p. 1
Tages Anzeiger, 13 mai 1981, p. 1
628
24 Heures, 13 mai , p. 1
629
630
Galli, Sandro, « Reggae im Radio in der Schweiz », op. cit., p. 17
631
Schäfer, Martin, « Prophet – Star - Opfer » in Tages Anzeiger, 13 mai 1981, Kultur p. 1
632
Ibid., p. 1
633
Duplan, Antoine, « Le prince du reggae » in 24 Heures, 13 mai 1981, p. 41
634
Jörg, Peter, « Unermüdlicher Missionar seines Volkes » in Der Bund, 13 mai 1981, p. 33
635
Figlestahler, Peter, « Die musikalische Stimme der Dritten Welt » in Neue Zürcher Zeitung, 13 mai 1981, p. 7
627
108
Une bonne partie des articles fut également consacrée à rappeler l’influence de Marley non
seulement sur la diffusion mondiale du reggae, mais également sur l’évolution de la scène
rock au sens large. « Bob Marley war nicht nur der bekannteste erfolgreicheste Vetreter
einer exotischen Musikrichtung, sondern wohl jener Musiker, der den nachhaltigsten
Einfluss auf die Entwiklung der Rockmusik in den letzten zehn Jahren ausübte .»636 « Ein
Rasta-Man, der einen Musikstil hinterlässt dessen " stilbildende Pragung bedeutsamer sein
dürfte als die der Beatles " (Reginald Rudorf in "Rundy"), hat Ruhe gefunden »637.
Invité à s’exprimer sur le sujet par la Berner Zeitung, le rocker bernois Polo Hofer fit part
de son admiration pour « ein hervorragender Musiker und Sänger […], ein Dichter und
Komponist mit ungewöhnlich starkem Charisma »638 et « [...] lebende Symbol der
aufbrechenden Dritten Welt und damit das erste Jugendidol der sogenannten
"Entwicklungsländer" »639, avant de conclure sur une note optimiste : « Seine Genialität
wird erst in den kommenden Jahren ihre wahre Bedeutung erlangen. Der König ist tot, es
lebe der Reggae »640. Dans l’édition du mois de juin de Music Scene, Dave Hutmacher,
rappelant que « für viele der Zuhörer, speziell auf dem europäischen Kontinent, mag
Reggae nicht mehr bedeutet haben als eine Alternative zu gängiger, anderer Musik »641,
partageait cependant les mêmes conclusions : « Mit ihn wird zwar die Persönlichkeit
Marley, nicht aber sein Werk und sein Erbe zu Grabe getragen : die Legende lebt »642. De
son côté, Antoine Duplan était plus pessimiste : « Aujourd’hui, plus qu’un chanteur, c’est
un apôtre qui s’est tu. Les Occidentaux voient disparaître une star ; les autres, les frères
rastas de Marley, et peut-être tous les opprimés du tiers monde, perdent un leader, un
symbole. Un espoir. Le soleil doit être bien terne sur la Jamaïque… »643
Dans ce concert de louanges, simplement ponctuées, selon le degré de connaissances de
l’auteur, de quelques imprécisions biographiques, seules quelques remarques vinrent
écorner légèrement le mythe déjà construit. Ainsi dans la Tribune de Genève, Philippe
Souaille, non sans reconnaître à Marley un « [..] talent, pour écrire de superbes
compositions »644 et un « étonnant magnétisme sur scène »645, le présenta comme « grand
636
Spk., « Bob Marley gestorben » in Der Landbote, 13 mai 1981, p. 17
anonyme, « Das Erbe des Rasta-Man » in Die Weltwoche, 20 mai 1981, p. 16
638
Hofer, Polo, « Ein König ist Tot, es lebe seine Musik » in Berner Zeitung, 13 mai 1981, Kultur p.1
639
Ibid., p. 1
640
Ibid., p.1
641
Hutmacher, Dave, « Bob Marley : die Legende lebt » in Music Scene (23), juin 1981, p.11
642
Ibid., p. 11
643
Duplan, Antoine, op. cit., p. 41
644
Souaille, Philippe, « La mort de Bob Marley : le dernier bus pour l’Ethiopie » in La Tribune de Genève, 13
mai 1981, p. 35
645
Ibid., p. 35
637
109
spécialiste de la "déglingue" »646, démontrant à cette occasion sa profonde connaissance du
mouvement rasta. Il poursuivit avec d’étonnantes informations sur sa carrière, mentionnant
notamment une mystérieuse « femme américaine, qui le découvrit et le prit en main pour en
faire la vedette que l’on sait »647, alors que Marley « n’était encore que guitariste des
Wailers »648…
Dans les délires historiques et les raccourcis douteux, les dépêches des grandes agences de
presse européennes, reprises par certains quotidiens, allèrent cependant plus loin que les
journalistes suisses. Ainsi la dépêche de l’agence allemande DPA, reprise par le St Galler
Tagblatt, la Basler Zeitung et le Berner Tagwacht, prétendait avec confiance que « Marley
begann den Reggae in den frühen 60er Jahren zu spielen. Er fand schnell weltweit
Erkennung »649. Plus fantaisiste encore, l’affirmation selon laquelle « schon sein erster
Song, "Simmer Down", war ein Welterfolg »650… Marley y était en outre présenté comme
« Popmusiker »651, et membre de la « Rastafarian-Sekte, die an die Selbstzerstörung des
weissen Mannes glaubt »652. La dépêche, véritable concentré d’aberrations, insistait de plus
lourdement sur les gains financiers générés par la vente de ses disques, estimés par des
« Musikexperten in den USA »653 à cent nonante millions de dollars. Il s’agissait sans doute
là d’un élément clé du message de Marley, qui avait échappé aux moins perspicaces.
Plus concise, la dépêche Reuters, dont se contenta La Gazette de Lausanne, était
également plus sérieuse, confondant simplement Wailers et Wailing Wailers, soit le groupe
dans sa formation originale, augmentée de Beverley Kelso et Junior Braithwaite. Ces
derniers, dont on pouvait légitimement se demander comment leurs noms étaient parvenus
jusqu’au rédacteur de la dépêche, se voyaient en outre attribuer un peu hâtivement le statut
de « grands noms de la musique jamaïcaine »654, une affirmation dont ils auraient sans
doute été les premiers surpris.
Après cet exceptionnel pic d’attention médiatique, le reggae allait plus ou moins disparaître
de la presse généraliste suisse, celle-ci semblant considérer, comme l’industrie du disque et
le grand public européen, que la page était tournée. Certains concerts allaient encore être
annoncés, à défaut d’être chroniqués, mais de façon plus que sporadique. Et cela même
646
Ibid., p. 35
Sans doute son manager Don Taylor affublé d’une perruque…
648
Souaille, op. cit., p. 35
649
Dépêche DPA, St-Galler Tagblatt, 13 mai 1981, p. 17
650
Ibid., p. 17
651
Ibid., p. 17
652
Ibid., p. 17
653
Ibid.,p. 17
654
Dépêche Reuters, La Gazette de Lausanne, 13 mai 1981, p. 21
647
110
pour un titre comme le Tages Anzeiger, qui s’était jusqu’alors montré plutôt attentif à cette
musique. Toutefois, lorsque le reggae referait surface ici ou là dans les médias helvétique
après la mort de Marley, il ne serait plus accompagné d’éléments explicatifs, preuve qu’il
faisait partie, ou était tout au moins considéré comme faisant partie de la culture musicale
générale des lecteurs, fusse sous la forme d’une somme de clichés.
La presse spécialisée, c’est à dire Music Scene, allait suivre le même chemin,
particulièrement après la disparition de son antenne romande en janvier 1983. Le mensuel
allait cependant consacrer encore deux longs articles à l’évolution du reggae. Le premier,
évoqué dans un chapitre précédent, publié en avril 1982 sous le titre « Reggae : Exodus der
Rebel Music ? »655, donna lieu à de virulentes réactions de lecteurs outrés par les vives
attaques de son auteur, Thomas Breitweiser, contre Cliff notamment, « unechteste Spezie
der Reggae-Garde »656, auteur selon lui de « zweitklassigen Konzerte » accompagné d’un
« drittklassigen Band (Ausnahme Chinna Smith) »657
mais également à l’encontre de
Burning Spear, dont les prestations scéniques étaient à ses yeux caractérisées par un
mélange de « Lustlosigkeit und Pflichterfüllung »658, ou de Black Uhuru. Très fleuries, les
deux lettres de lecteurs publiées dans le courier des lecteurs de l’édition de juin, ainsi que
les réponses de l’auteur, montrèrent que, auprès d’une petite frange du lectorat, le reggae
pouvait déchaîner les passions. Ainsi Reto Hössli, de Dübendorf, qualifiant de « empörend
und töricht » tous les articles consacré au genre dans les colonnes de Music Scene, conclut
en colère son attaque en règle contre le mensuel et Breitweiser en particulier : « Eines ist
klar : Dieses Heft kaufe ich todsicher nie mehr in meinem ganzen Leben. Wenn es nicht
einmal im Stande ist, einen richtigen Mann bezahlen zu können, der gute Text und
Reportage machen kann.»659
En juillet 1987, le reggae fit une dernière fois l’objet d’une étude approfondie de la part du
mensuel spécialisé, par la plume de Staša Bader, alors en pleine préparation de son
mémoire « Wörte wie Feuer ». Sous le titre explicite « Reggae tot ? Schpinsch ! », il
dressait un portrait de l’évolution d’une musique qui, loin de mourir, entrait alors de plein
pied dans l’ère digitale.
655
Breitweiser, Thomas, « Reggae : Exodus der Rebel Music ? » in Music Scene (4), avril 1982, pp. 11-15
Ibid., p. 14
657
Ibid., p. 14
658
Ibid., p. 13
659
Hössli, Reto, « Feedback » in Music Scene (6), juin 1982, p. 5
656
111
Troisième partie : Le développement de la scène reggae suisse
Alors que la vague reggae qui avait touché la Suisse entre 1979 et 1981 s’était retirée,
laissant croire à tout observateur externe que cette page était définitivement tournée, cette
musique allait, loin du regard des médias et donc du grand public, continuer son chemin.
En effet, pour quelques mordus, pour qui le reggae avait été bien plus qu’une simple mode
musicale, il n’était pas question de lui tourner le dos, au contraire. Et le fait qu’il soit passé
de mode provoqua une dynamique de création de petits foyers, ou pôles reggae. Devenus
rares, les vrais passionnés, à force de se croiser dans les concerts ou les magasins
spécialisés, allaient en effet désormais se connaître, et autour de cette passion commune, se
réunir. Et non seulement pour en parler, ou écouter les précieuses nouvelles acquisitions de
chacun, mais également pour s’engager plus activement dans la promotion de cette
musique, en commençant notamment à en jouer eux-mêmes. Si des pôles allaient se
développer dans diverses villes du pays, sans avoir réellement de contacts entre eux, le cas
de Neuchâtel allait, au fil des années huitante, devenir tout à fait particulier et unique.
III.1. Man from Neuchâtel660
III.1.a Les premiers passionnés
Le « noyau dur » neuchâtelois se mit tranquillement en place au tout début des années
huitante, à la suite de la rencontre de quelques passionnés qui jusqu’alors s’étaient croisés
sans réellement se connaître. Le premier à être contaminé, dès 1977 par l’entremise de
Tourtchaninoff, par le reggae fut Alain Salvi, jeune mélomane jusqu’alors plutôt branché
par rock, pop et blues. « Quand j’ai connu Nof-Nof, il n’y avait guère que lui qui écoutait
du reggae à Neuchâtel. Les jeunes écoutaient surtout du punk. Moi j’étais déjà trop vieux
pour cette musique et tout l’état d’esprit qu’elle véhiculait, et je cherchais autre chose à
écouter que cette merde de pop qui traînait à ce moment là. Mais si j’ai fait sa
connaissance, c’était pas pour le reggae, c’était parce que c’était un mec qui connaissait
bien le blues et, comme il traînait déjà pas mal à Montreux, avait des cassettes, comme
celle du concert de Higelin au Jazz Festival, qui m’intéressaient. Et un jour il m’a fait
660
Référence à album légendaire de Rico, Man from Wareika
112
découvrir l’album Natty Dread de Marley et là ça m’a scié. Et petit à petit on s’est mis à en
écouter toulours plus.»661
Témoignage de cette passion grandissante, Salvi fit un « pèlerinage » en Jamaïque dès
janvier 1979. « Très vite j’ai voulu voir ce qui se passait là-bas et j’ai eu cette opportunité
de faire ce voyage. Mais c’était trop tôt. Ne connaissant rien, j’ai pas du tout profité de tout
ce qui se tramait à ce moment là. Mais on sentait déjà que musicalement le reggae était en
train de tourner un peu. On était en plein rub-a-dub, les groupes harmoniques étaient en
perte de vitesse. »662
De ce premier voyage, Salvi ramena cependant de nombreux quarante-cinq tours alors
introuvables en Suisse, glanés lors d’incessantes visites chez les disquaires de Kingston,
Montego Bay ou Port Antonio, passant notamment un inoubliable après-midi au mythique
Randy’s, dont l’ambiance particulière de l’époque fut immortalisée dans l’exceptionnel
documentaire « Roots Rock Reggae »663 de Jeremy Marre. Ces disques, additionnés de ceux
ramenés de réguliers approvisionnements chez Jamarico formèrent la base d’une collection
qui allait au fil des ans atteindre des proportions impressionnantes. De fait, Salvi n’allait
jamais jouer un rôle réellement actif dans le milieu reggae, mais il allait en quelque sorte
devenir l’archiviste de la scène reggae helvétique naissante664, et, avec Tourtchaninoff, le
premier neuchâtelois à se rendre à pratiquement tous les concerts organisés entre Zurich et
Bienne. Le duo signa notamment son passage au concert de Marley, en n’étant pas tout à
fait étranger à la mention de la « douce odeur d’herbe de Neuchâtel »665 rapportée par
Lionel Rotcage, et citée plus haut.
Le noyau dur s’agrandit cependant rapidement. En 1980, Antonello Lubello, un jeune
italien de Lecce qui venait de passer une année en Allemagne arriva à Neuchâtel. S’il avait
découvert le reggae en Italie deux ans auparavant, c’est au contact de son premier
colocataire, Eddie Hauswirth, un tessinois installé dans la ville depuis un certain temps,
qu’il effectua une réelle plongée dans cette musique666. Passionné de la première heure,
Hauswirth n’allait cependant pas prendre part à l’éclosion de la scène neuchâteloise
puisqu’il allait rentrer au Tessin avant, en 1983, de réaliser son rêve en s’installant
définitivement en Jamaïque, à Springfield, dans les collines surplombant Mo’Bay.
661
Entretien avec Alain Salvi, Neuchâtel, mai 2003
Entretien avec Alain Salvi, op. cit.
663
Roots Rock Reggae:Inside the Jamaican Music Scene de Jeremy Marre, 1977, BBC Beats of the Heart / 2000,
Shanachie Entertainment Corp.
664
Rôle particulièrement appréciable d’un point de vue d’historien.
665
666
Entretien avec Antonello et Cristina Lubello, Neuchâtel, mai 2004
662
113
En 1981, Lubello rencontra Cristina Salvi, cousine d’Alain, qui allait devenir sa femme.
Elle tomba immédiatement, au contact de Lubello et Hauswirth, amoureuse du reggae. A la
même époque, le jeune couple fit la connaissance d’un jeune gymnasien qui venait lui aussi
de tomber dans la marmite « reggae », Philippe Santschi. Celui-ci avait découvert le reggae
quelques années auparavant, par l’intermédiaire d’un cousin qui il lui avait copié sur
cassette les premiers albums de Marley, ramenés de Londres667. Le trio allait fonder, deux
ans plus tard, le premier groupe suisse du genre, le Heart Beat Band.
Dans une ville de la taille de Neuchâtel, des passionnés ne pouvaient se croiser longtemps
sans se rencontrer, et c’est donc rapidement que se fit la connexion entre le trio Lubellos –
Santschi et les compères Salvi et Tourtchaninoff. La première rencontre eu lieu par hasard
entre Salvi et Santschi, dans un magasin de disques de la ville, Lollypop. « J’écumais ce
magasin depuis longtemps, avant d’écouter du reggae. Un jour j’ai vu un jeune jovial,
hilare sous son casque. Je suis allé voir ce qu’il écoutait, et c’était du reggae. C’est comme
ça qu’on est entrés en contact. »668
Immédiatement, Santschi présenta Salvi aux Lubello, Cristina découvrant à cette occasion
que son cousin et elle partageaient la même passion. Les membres du futur Heart Beat
Band firent ensuite, en 1982 toujours, la connaissance de Tourtchaninoff, qui avait alors
déjà plusieurs années de visites incessantes des backstages à son actif, au concert au
Bierhübeli de Berne d’un excellent669 groupe reggae ghanéen, Roots Anabo670. Le groupe,
qui outre ses membres ghanéens comptait en son sein un bassiste nigérian qui avait
auparavant collaboré avec le légendaire Fela Kuti, était alors promu par un autre passionné
de musique, Frédéric Graf. Ce-dernier avait découvert le reggae à Berlin où il était alors
installé, notamment en tant que spectateur et backliner du concert de Marley dans
l’immense Olympiastadion. Dans la métropole allemande, il était entré en contact avec de
nombreux musiciens africains, dont les membres de Roots Anabo. Rentré à Bienne en
1981, il s’était lancé dans le promotion d’artistes africains principalement, mais également,
quelques années plus tard, jamaïcains, parmi lesquels Burning Spear671. Le nom de sa
société, I-One Music, reflétait d’ailleurs bien ses affinités avec la cause rasta. Tout comme
son mariage, durant l’automne 1988, qui allait être le théâtre d’un concert privé du Heart
Beat Band, avec en invité vedette Rico, ainsi qu’une longue session nyahbinghi
667
Entretien avec Philippe Santschi, Genève (par téléphone), mai 2004
669
Le groupe s’est notamment produit au légendaire Reggae Sunsplash de Mo’Bay, et a enregistré un maxi
quarante-cinq tours au studio Tuff Gong.
670
Entretien avec Antonello et Cristina Lubello, op. cit.
671
Entretien avec Frédéric Graf, Bienne (par téléphone), avril 2004
668
114
accompagnée par une cuisine typiquement yardie préparée par le témoin jamaïcain de
Frédéric Graf, Junior Dacosta, rencontré à l’occasion d’un voyage du jeune couple dans
l’île672.
A partir de 1982, le noyau dur neuchâtelois était donc formé. Il commença par se
manifester par des contacts permanents entre ses membres, qui se retrouvaient quasi
quotidiennement dans les appartements des Lubellos ou de Salvi pour partager leurs
dernières découvertes musicales. Ce-dernier ne manqua d’ailleurs pas de payer les
conséquences de son amour des infrabasses jamaïcaines, puisqu’il se fit expulser de
plusieurs appartements, ses voisins ne partageant apparemment pas ses goûts musicaux673.
Les fréquents concerts zurichois, signés Free & Virgin, devinrent en outre prétexte de
longues expéditions collectives. Le programme habituel passait par d’onéreuses visites aux
magasins Zero Zero à Olten, puis Jamarico, situé à proximité de la Volkshaus où les
concerts avaient le plus souvent lieu. Là, grâce au talent de Tourtchaninoff, dont le réseau
de connexions musicales, tous genres confondus, grandissait à chaque nouvel événement,
pour se retrouver dans les coulisses, ils purent croiser de nombreux artistes jamaïcains
habituellement peu accessibles674.
III.1.b Les pionniers du Heart Beat Band
Parallèlement à l’achat de disques et la fréquentation de concerts, ainsi que la mise sur pied
par l’infatigable Tourtchaninoff d’un réseau matérialisé par un épais carnet d’adresses,
certains neuchâtelois se lancèrent dans l’apprentissage pratique du reggae. Cependant, si
Cristina Lubello était alors déjà musicienne, elle avait pratiqué le violon et le piano, son
mari et Santschi se mirent respectivement à la basse et la batterie dans le but de reproduire
le son qui les faisait vibrer sur disque. Santschi avait été le premier à s’y mettre, répétant
dans la cave de son père dès la fin des années septante afin de reproduire, affublé d’une
perruque rasta confectionnée à l’école, le style de Carlton Barrett en décortiquant les
disques des Wailers. Déjà anglophone, il profita de cette période pour étudier également,
par disques interposés, le patois jamaïcain675, qu’il allait rapidement maîtriser de façon
surprenante. Les premières ébauches de ce qui allait devenir un groupe des plus solides
furent ainsi des jam sessions improvisées dans une cave, dès 1983.
672
Entretien avec Frédéric Graf, op. cit.
Entretien avec Alain Salvi, op. cit.
674
675
Ibid.
673
115
Le grand déclic eu cependant lieu l’année suivante. En janvier 1984, Salvi retourna une
deuxième fois en Jamaïque, suivi, six mois plus tard par les Lubellos, qui partirent assister
au plus grand festival reggae de l’île, le Reggae Sunsplash de Jarrett Park, à Mo’Bay, et
faire ensuite une tournée des lieux mythiques de la scène musicale de Kingston, croisant
notamment un Junior Byles hagard et délabré devant le magasin Randy’s. De retour de ce
mois de plongée en profondeur dans cette musique, il décidèrent de se lancer pleinement
dans l’aventure du Heart Beat Band.
Jusqu’alors, le reggae made in Switzerland s’était limité, dans la lignée de certains groupes
punk ou rock anglais, à quelques expérimentations passagères, et bien souvent
humoristiques, sans réelle implication à long terme. Un genre bien résumé par l’expression,
utilisée par les artistes eux-mêmes, d’ « Occasions-Reggae »676. Ainsi, dès 1981, la
compilation « Dialäckt Rock »677, consacrée à la scène alternative alémanique, comprenait
un morceau intitulé « Föifermocke Reggae »678, ou « régui » dans son inimitable
pronociation suisse-allemande, par le groupe Frostschutz. Rythmiquement cependant, le
morceau, signé Albert Kuhn et Jonathan Richman, n’avait de reggae que le nom, et
ressemblait davantage à un disco bernois additionné de quelques guitares nerveuses. Sur la
même compilation, le titre « Eine vo dene » du groupe Filmmusik se rapprochait davantage
du genre, puisqu’il était basé sur un anémique one-drop soutenu par une esquisse de skank.
Le rocker bernois Polo Hofer, auteur d’un article d’hommage à Marley dans la Berner
Zeitung à l’occasion de sa disparition679, fit également quelques tentatives davantage
placées sous le signe de l’humour que de la recherche musicale sérieuse. Il sortit ainsi,
accompagné de ses formations Rumpelstilz et Polo’s Schmetterding, plusieurs morceaux
clairement reggae sur le label bernois Schnoutz Records. Entre 1981 et 1982, il enregistra
entre autres « Kiosk »680, « Inserat »681 et « Mary Jane »682. Ce dernier morceau, chanté en
anglais, étant, toute proportion gardée, le plus proche de la rhétorique habituellement
véhiculée par le genre : « Whenever you come to Kingston, come to Mary Jane […] And we
go talkin’, smokin’ Mary Jane »683.
676
Eggenberg, Christian, « Dialäckt Rock », 1981, Vertigo 6367 019
Dialäckt Rock , 1981, Vertigo 6367 019
678
Du nom des bonbons appelés de ce côté-ci de la Sarine « boule à dix ».
679
Hofer, Polo, « Ein König ist tot, es lebe seine Musik » in Berber Zeitung, 13 mai 1981, cahier 2, p. 1
680
Rumpelstilz, Kiosk, Schnoutz Records 6082 932
681
Polo’s Schmetterding, « Inserat » in Papper-la-papp, 1982, Schnoutz Records 6367 036
682
Polo’s Schmetterding, « Mary Jane » in Papper-la-papp, 1982, Schnoutz Records 6367 036
683
Ibid.
677
116
En Romandie, quelques essais eurent également lieu à l’époque. Le plus populaire fut un
délire du rocker valaisan Bernard Constantin intitulé « Switzerland Reggae »684, un
« reportage sociologique sur ceux qui se défoncent la calebasse »685, qui illustrait
parfaitement l’approche pour le moins décalée qu’avaient la grande majorité des artistes
helvétiques du style. Inspiré par le succès de l’américain Stevie Wonder avec son reggaerock « Master Blaster »686, Constantin n’avait touché au genre qu’en tant que passagère
lubie, ce qu’il assumait pleinement : « Me fait chier cette étiquette "Switzerland Reggae".
Vivement le 33T., qu’on comprenne que j’aime le rock’n roll ! Quoique j’ai rien à foutre de
l’étiquette reggae : reggae, blues, rythm n’blues, tout ça c’est de la musique de nègre et moi
je suis un nègre blanc »687. Son « crime de lèse-Marley »688 eut cependant un succès
certain en Romandie, durant l’été 1982.
Plus discret, le disque « Yokolo Guidab’yi »689 enregistré à Lausanne en 1983 par l’Ivoirien
Yassé Inane Paul Zéphyrin, alias Pol Zéphy, comportait également un morceau reggae,
« Ogoa Celi », très teinté d’influences africaines, notamment une guitare lorgnant
nettement du côté du high life ghanéo-nigérian.
Ces quelques exemples étaient des essais sans lendemain, pratiqués par des musiciens
actifs dans d’autres styles, à l’image d’innombrables artistes anglo-saxons ou français690.
Un genre désigné par les mordus neuchâtelois sous le terme de « white spliff »691.
L’approche du trio Lubellos-Santschi fut radicalement différente. Passionnés de roots, puis
très vite de ska également, ils se lancèrent dans la musique dans le but perpétuer une
musique sans concession, avec pour référence absolue le groupe anglais, dont le nom
résume l’esprit, Misty in Roots, découverts par Santschi lors d’un voyage à Londres au tout
début de la décennie692. Le Heart Beat Band, initialement formé d’Antonello Lubello à la
basse, de sa femme Cristina au claviers, chœurs, puis bientôt mélodica, et Santschi dans le
rôle, rarissime dans le reggae693, de batteur-chanteur commença donc sérieusement sa
carrière en automne 1984. La première prestation scénique du groupe, avec l’apport pour
684
Bernard Constantin, Switzerland Reggae, Jungle Records, SI DL 001
Bernard Constantin, interviewé par Duplan, Antoine, « Bernard Constantin : Un rocker au pays du rock
n’crazy roll » in Music Scene Romandie (8), août 1982, p. 5
686
Bernard Constantin, inetrviewé par Cottier, Michel, « Swiss Scene : Bernard Constantin » in Le Rocque
jase… (7-8), octobre-novembre 1988, p. 43
687
Bernard Constantin, interviewé par Duplan, op. cit., p. 5
688
Besençon, Jean-Blaise, « Rasta… per le cul au plafond » in Music Scene Romandie (6), juin 1982, p. 7
689
Pol Zéphy, Yokolo Guidab’yi – Un Ivoirien en Suisse , VDE-Gallo 30-379
690
Bien que ceux-ci s’étaient bien souvent entourés d’artistes jamaïcains de premier plan, quand ils ne s’étaient
carrément rendus sur place.
691
692
693
Le seul autre exemple étant, à notre connaissance, Angus « Drummie Zeb » Gaye, du groupe anglais Aswad.
685
117
l’occasion du guitariste Nicolas Leflair, eut lieu le 2 septembre 1985 au festival « Etre
solidaire & SOS Racisme » de Neuchâtel, suivie trois mois plus tard d’un concert au Café
des Alpes de Bienne. Des prestations immortalisées par un ami du groupe muni d’une
caméra. « Rétrospectivement, on réécoutant maintenant, on se rend compte que
musicalement, c’était pas très… on manquait pas mal d’expérience. Mais l’essence y était
déjà. »694
Le 8 février 1986, ils jouèrent à la Vallée de la Jeunesse, à Lausanne, dans le cadre d’une
première « Nuit Jamaïcaine », organisée par Olela Wembo Dja, alias « Fireman », un jeune
congolais695 « amoureux fou de musique reggae »696, installé dans la capitale vaudoise
depuis 1981, après avoir fuit le régime de Mobutu. Il avait découvert cette musique dans
son pays d’origine, par l’entremise de l’album « Rastaman Vibration » de Marley, et avait
commencé par emmener ses disques sous le bras dans les discothèques qu’il fréquentait,
afin que le DJ les passe. En arrivant en Suisse, il s’était peu à peu lancé dans l’organisation
d’ événements reggae697. Il avait commencé par des soirées, promues artisanalement avec
des affiches faites au feutre, à la Bourdonnette, puis, en 1985, à la Vallée de la Jeunesse, et
finalement dans le grand Palladium de Genève ; des soirées qui connurent un immense
succès, et allaient rester gravées dans sa mémoire comme « les plus beaux moments de [sa]
vie »698. Lors des soirées qu’il organisait, Fireman endossait également le rôle de selecta,
activité qu’il exerçait également lors de l’émission reggae qu’il animait sur l’antenne locale
Radio Acidule. En 1989, après avor organisé des soirées dans toute la Romandie, il allait se
lancer plus activement encore dans la musique en fondant, sous le nom de Jah Olela, le
African N’Koy Band699.
A l’occasion de la soirée à la Vallée de la Jeunesse, durant laquelle Cristina, grande fan
d’Augustus Pablo, inaugura au sein du groupe l’usage du mélodica, les membres du Heart
Beat Band croisèrent deux jeunes vaudois portant, fait très rare à l’époque, des dreadlocks.
Ces-derniers faisaient partie d’un trio, composé de Fred Kohler, « Michael Dum Dum
Dread » et « Guépard »700, appelé Facts, qui avait à l’époque artisanalement sorti, à une
échelle confidentielle, une cassette intitulée « Newropean Evolution »701, mélange de
rythmiques digitales et de phrasé hip-hop. Epatés par le jeu de Santschi, ils approchèrent
694
Ibid.
Zaïre de l’époque.
696
Livret du disque Jah Olela & African N’Koy, « Victry », Plainisphare
697
Entretien avec Olela Wembo Dja, Lausanne (par email), mai 2004
698
Ibid.
699
« N’Koy » : le roi des animaux en langue Tetela.
700
Noms figurant sur la cassette.
701
Facts, Newropean Evolution, Last Wave
695
118
les membres du Heart Beat Band après leur concert, mais le courant ne passa pas, cesderniers ne partageant pas l’attitude « rasta radicale » des deux jeunes vaudois702. Si le
projet Facts ne connut pas de suite703, l’existence au milieu des années huitante en Suisse
d’un groupe plongé à la fois dans la musique jamaïcaine et le rastafarisme était tout à fait
exceptionnelle. Durant l’année 1986, le trio de base du Heart Beat Band se mua en quintet,
avec l’arrivée de Martin Milar à la guitare, et d’un autre personnage de la scène
neuchâteloise, le percussionniste capverdien César Evora, neveu de la reine de la sodade.
Dans cette formation, le groupe joua pour la première fois devant un public nombreux sur
la scène du Palladium de Genève, dans le cadre d’un Tribute to Marley organisé par
« Fireman » à l’occasion de l’anniversaire de la naissance de la superstar jamaïcaine.
Pendant que le Heart Beat Band faisait ses premiers pas sur scène, Tourtchaninoff, qui
travaillait alors comme représentant, avait lancé en 1985 une nouvelle émission de radio
sur l’antenne locale RTN-2001, « Les hommes préfèrent les Brousses ». Diffusées une fois
par semaine, entre 19h15 et 20h, les émissions étaient enregistrées à l’avance par
Tourtchaninoff, seul dans le studio. « J’enregistrais tout seul, après minuit puisque je
bossais le soir, quand le studio était fermé, je m’allumais un méga spliff et je mettais tout
ça sur bande. Mais comme les infos ne finissaient jamais à 19h15, toutes mes émissions
étaient coupées avant la fin, et les auditeurs n’ont jamais dû m’entendre leur dire "au
revoir" !»704. L’émission allait durer deux ans, jusqu’à ce que le nouveau directeur de la
chaîne, et futur fondateur de Radio Framboise, très peu porté sur le genre, n’y mette un
terme. « Il m’a foutu dehors à coup de pieds au cul, en me disant qu’il ne pouvait pas
supporter une émission de reggae sur son antenne, puisque les gens qui écoutaient mon
émission étaient "tous des drogués" ».705
A cette époque, Tourtchaninoff habitait la rue des Fausses-Brayes, en vieille ville de
Neuchâtel, qui avait la particularité de faire partie, avec les rues des Chavannes et du
Neubourg, de la « Commune Libre du Neubourg », fondée en 1979 par Aldo Bussi et
Michel Reber. La commune était présidée par un « maire » élu à vie, et ses « citoyens »
étaient tous ceux qui habitaient ou travaillaient dans l’une de ces trois rues706. Depuis 1984,
Tourtchaninoff en était le « chancelier », chargé des relations publiques. Il profita de cette
position pour programmer, dans le cadre de la très populaire fête des Vendanges, cuvée
702
Du moins pas à la connaissance de toutes les personnes interrogées.
704
705
Entretien avec Marc Tourtchaninoff, op. cit.
706
Ce qui est toujours le cas aujourd’hui. Le Neubourg est de plus depuis quelques années jumelé avec son
homologue parisienne, la Commune Libre de Monmartre.
703
119
1985, un événement reggae, astucieusement intitulé Le Vrai Reggae aux Fausses-Brayes,
qui se tenait parallèlement, littéralement parlant, au traditionnel « Jazz au Neubourg ». La
première édition vit, installé dans la vitrine d’un magasin de peinture désaffecté, un selecta
jamaïcain installé à Zurich, Jah Vita, faire vibrer pendant trois jours et deux nuits une rue
des Fausses-Brayes bondée, en alternance avec Tourtchaninoff et Salvi707. La deuxième
édition, logiquement intitulée Le retour du Vrai Reggae aux Fausses-Brayes fit encore plus
fort, faisant « […] vaciller les murs sous l’impact d’une sonorisation… en transe »708.
Tourtchaninoff avait cette fois-ci mis sur pied un clash amical et bilingue, entre les anglais
James Bond et Scarface, de Nottingham, et les jeunes antillais, basés à Paris, Super John709
et Tubby , pionniers de la scène française. Ce furent ces-derniers qui donnèrent à
Tourtchaninoff le surnom, qui n’allait plus le quitter, de Nof-Nof. Les protagonistes se
succédaient sur une scène montée devant le quai de déchargement des Caves du Palais,
inondant la rue de quarante-cinq tours fraîchement arrivés de Jamaïque, le riddim
« Agony »710 devenant même l’ « hymne » de le rue durant trois jours. L’édition 1986 était
sous-titrée Cocktails et brouillards tropicaux, un nom pas tout à fait choisi par hasard. « On
avait installé des machines à fumée dans les caves autour de la scène, avec un système de
tuyaux qui donnait sur des soupiraux. Dès que je voyais les flics arriver, je poussais une
quelconque gueulée, et je mettais en marche les machines, ce qui fait qu’en moins de trois
minutes, on voyait plus rien, la rue était envahie de brouillard, et tous ceux qui avaient des
cônes pouvaient les planquer tranquille. »711
L’année 1987 marqua un tournant dans l’évolution du Heart Beat Band, le passage à un
niveau supérieur. En effet, après avoir retrouvé en mai le Palladium pour une deuxième
édition du Tribute to Marley, une partie du groupe, soit Antonello et Cristina Lubello,
Santschi et Evora, s’envolèrent en juillet pour la Jamaïque, « fe keep in touch wid de roots
an musical vibrations »712 et assister à la dixième édition du Reggae Sunsplash. L’année
1987 était d’ailleurs riche de commémorations, puisqu’elle marquait également les vingtcinq ans d’indépendance de l’île, ainsi que le centenaire de la naissance du héros national
Garvey. Le voyage fut ponctué de rencontres exceptionnelles, dont une avec l’inaccessible
Burning Spear, dans son fief de St-Ann’s Bay. En fidèle garveyite, celui-ci les invita à une
célébration en l’honneur du fondateur de l’UNIA, en compagnie de nombreux musiciens et
707
Ry., C., « La fête et ses exubérances » in L’Impartial, 29 septembre 1986, p. 21
709
Devenu depuis « Supa John ».
710
« Orgasme » en slang jamaïcain.
711
712
Dossier de presse d’époque du Heart Beat Band.
708
120
rastas des alentours, ce qui resta, pour des jeunes helvètes qui s’étaient abreuvés de sa
musique pendant des années, comme un souvenir quasi irréel713.
La rencontre la plus importante eut cependant lieu à Kingston, et ne fut pas le fruit du
hasard. Grâce aux coordonnées fournies par Tourtchaninoff, les membres du groupe prirent
en effet contact avec une autre véritable légende de la musique jamaïcaine, tous genre
confondus, le tromboniste Emmanuel Rodriguez, plus connu sous le nom de « Rico ». Cedernier avait été prévenu quelques semaines auparavant par une lettre de Tourtchaninoff de
la prochaine venue dans l’île d’un groupe de jeunes suisses désireux de le rencontrer714.
Les membres du Heart Beat Band, qui, en grands fans de trombone, vouaient à Rico une
indescriptible admiration, espéraient avoir un bon contact avec lui, dans le but éventuel de
faire ensemble un peu de musique sur place. Ils avaient dans ce but emmené avec eux une
maquette de cinq morceaux, enregistrés à Neuchâtel quelques mois auparavant. Les
événements allaient cependant largement dépasser leurs plus hautes espérances.
« Un matin on a téléphoné chez sa mère, et on est tombés sur lui par chance, ce qu’il a plus
tard interprété comme un signe. Il nous a dit de venir tout de suite, alors on a sauté dans un
taxi et on a débarqué. Et là ça a été un véritable choc culturel, de se retrouver face à ce
bonhomme d’un certain âge, qui pour nous paraissait inaccessible. On l’a trouvé dans une
misère totale. Ca faisait plusieurs années, depuis son retour d’Angleterre, qu’il avait plus eu
le moindre travail. Pendant une semaine, il a sorti sa rage, sa révolte, puis il a finalement
réalisé qu’on représentait une porte de sortie pour lui, et il nous a dit "je viens". »715
III.1.c Rico à Neuchâtel
Le groupe rentra en Suisse au milieu du mois d’août « complètement allumé »716, avec une
seule idée en tête : faire venir Rico le plus vite possible. Ils donnèrent donc quelques
concerts afin de réunir l’argent nécessaire, puis lui envoyèrent un billet d’avion. Le
légendaire tromboniste de Wareika débarqua ainsi à Neuchâtel le 29 avril 1988717. Partis
dans l’espoir de rencontrer l’une de leurs idoles, les membres du Heart Beat Band, ainsi
que les autres passionnés neuchâtelois allaient avoir le privilège de le côtoyer
quotidiennement pendant presque deux ans.
713
Ibid.
715
Ibid.
716
Ibid.
717
714
121
Rico logea durant cette période chez le manager du groupe de l’époque, le hollandais
Ramon Wanderloos, aux Parcs 76, adresse devenue une sorte de « 56, Hope Road »718
neuchâtelois pour son puissant pouvoir d’évocation auprès de ceux qui ont vécu cette
période. Il y disposait d’une chambre à l’étage dans cette petite maison entourée d’un
jardin. « Rico était très content, il avait son coin à lui, il pouvait jouer du trombone du
matin au soir. C’était loin d’être le luxe, mais c’était très bien pour lui. Il pouvait se faire à
manger quand il voulait, alors qu’en Jamaïque son frigo était complètement vide »719.
Les premiers temps du séjour de Rico à Neuchâtel furent consacrés à sa santé. Arrivé de
Kingston très amaigri et affaibli, il reprit rapidement du poids et des forces, se cuisinant
lui-même ce dont il avait besoin. Autre préalable à sa reprise intensive de la pratique du
trombone, il fallut s’occuper de sa dentition en triste état. Les membres du groupe
commencèrent donc par se cotiser pour lui faire faire un dentier auprès d’un dentiste de la
ville. Rico fut d’ailleurs à tel point satisfait du travail de ce dernier, qu’il allait jusqu’à
aujourd’hui lui rester fidèle, venant de Londres pour faire contrôles et autres retouches.
Ses hôtes se débrouillèrent également pour fournir au vieux rasta de quoi assurer sa
quotidienne et respectable ration de ganja, partie intégrante de son mode de vie. Une fois
les problèmes « logistiques » résolus, la dynamique put pleinement se mettre en marche.
Rico devint ainsi un véritable personnage en ville, allant jouer au cricket avec un groupe
d’indiens au bord du lac, devenant supporter attitré du Neuchâtel Xamax, ou faisant de
petits écarts à son régime ital en arrosant copieusement de vin neuchâtelois la traditionnelle
Fête des Vendanges720. Très vite, son allure de vieux sage chinois ne passa plus inaperçu
dans les rues de la petite ville, et son cercle de connaissances s’étendit rapidement bien audelà du noyau dur d’initiés pleinement conscients du statut mythique du personnage. Pour
ces-derniers, son fief des Parcs 76 devint le centre d’un incessant va-et-viens, et le théâtre
d’innombrables sessions de percussions nyahbinghi se prolongeant tard dans la nuit,
ponctuées de solos de trombone et des histoires d’une véritable mémoire vivante de la
musique jamaïcaine. Ceux qui le côtoyèrent de près se rendirent néanmoins rapidement
compte du caractère plus qu’affirmé du personnage, un fait qu’il résumait parfaitement en
rappelant à ceux qui l’auraient oublié : « I’m a free man »721. Rico fut ainsi l’auteur de
colères spectaculaires, notamment lorsqu’il eût affaire à la redoutable brigade des
718
Adresse de Marley et de son studio Tuff Gong, avant le déménagement de ce-dernier sur Marcus Garvey
Drive.
719
720
Ibid.
721
122
stupéfiants vaudoise lors d’un concert de Curtis Mayfield durant le Paléo Festival de Nyon
édition 1988…722
Musicalement, la présence quotidienne d’un musicien d’un tel calibre fut un formidable
moteur pour les membres du Heart Beat Band. Le groupe, qui s’entraînait alors
quotidiennement depuis deux ans déjà, put compter sur sa venue aux répétitions deux fois
par semaine, à condition toutefois qu’aucun match de football ne passe à la télévision.
Impossible en effet dans ce cas de décoller Rico de son poste723. Bien qu’ayant joué avec
tous les plus grands, le tromboniste se montrait patient avec ses nouveaux collaborateurs,
ne manquant jamais de montrer son enthousiasme lorsque l’ensemble « tournait » à son
goût. « Il voulait pas se prendre la tête, il était tellement heureux de pouvoir jouer à
nouveau. Et puis il disait tout le temps qu’il aimait bien notre côté frais, spontané, que
peut-être des grands musiciens n’avaient plus. On était jeunes et hyper enthousiastes. On
touchait plus par terre d’avoir Rico à la maison ». 724
Durant la période précédent l’arrivée de Rico, le Heart Beat Band avait accueilli en son
sein de nouveaux musiciens. Aux cinq membres qui formaient le groupe depuis 1986
étaient venus s’ajouter un second guitariste, Lorenz Viennet, une section de cuivres au
complet avec Claude-Alain Jacot à la trompette, Antoine Ecklin au trombone et Joel Tissot
au saxophone ténor, ainsi qu’un ingénieur du son, Philippe « Spocksone » Jacot725. Dopée
par le voyage aux sources de cette musique, puis par la perspective de l’arrivée de l’homme
de Wareika, la formation s’était mise à enchaîner les concerts dès la deuxième moitié de
l’année 1987, principalement dans la région des trois lacs, mais également à Genève ou sur
la scène off du Montreux Jazz Festival. Le Heart Beat Band avait notamment joué au
vernissage d’une exposition de la peintre suisse Djamila Liniger, elle aussi très liée à la
Jamaïque puisqu’elle y avait vécu plusieurs années, avant de venir pour un temps s’installer
à Neuchâtel, vivant notamment plusieurs mois dans l’appartement de Tourtchaninoff726. Le
groupe avait également commencé à attirer pour la première fois l’attention des médias
locaux, une tendance qui se renforça lorsque Rico les rejoignit sur scène. L’événement eu
lieu pour la première fois à Epalinges, le 24 juin 1988. « C’était un concert mythique. Les
sept derniers morceaux étaient tirés de son répertoire à lui, et il nous a fait de ces solos…
mythiques. Quand il était en forme, et que le public l’allumait, on faisait des morceaux de
722
Entretien avec Antonello et Cristina Lubello, op. cit
724
Ibid.
725
Remplacé plus tard par Fabrice « Le Fab » Digier
726
Entretien avec Marc Tourtchaninoff, Fontaines, mai 2004
723
123
vingt minutes, ça devenait presque chiant pour nous. Mais sur ces vingt minutes, il faisait
quinze minutes de solos. Il a jamais donné nulle part ce qu’il a donné pendant ces deux ans
avec nous. »727 De la combinaison entre l’enthousiasme des Neuchâtelois et le jeu du
grand tromboniste naquit en effet une énergie qui ne laissa pas indifférent les observateurs.
« Le "Heart Beat Band" a triomphé devant son public […] Un spectacle rodé, intense,
professionnel, lancé d’un seul souffle. Les murs ont tremblé, le reggae a fait malheur sur
malheur. »728
L’année 1988 fut tout à fait extraordinaire pour le groupe, qui donna de nombreux concerts
dans toute la Suisse et au-delà, jouant notamment, grâce aux contacts de leur manager, dans
des salles aussi prestigieuses que le Melkweg d’Amsterdam ou l’Empire de Berlin. Des
concerts qui marquèrent également la mémoire de Rico : « Chaque fois qu’il revient à
Neuchâtel, il me demande une copie de la version de Blue Moon qu’on a jouée à Berlin. Il
me dit que ce morceau, il pourra plus jamais le jouer comme ça. C’était le sommet de
l’expression de ses sentiments sur ce morceaux »729. Durant cette période faste, les
membres du Heart Beat Band, tous amateurs, caressèrent un temps le rêve de vivre de leur
musique, ce qui finalement n’advint jamais. Au printemps de la même année, Rico en
personne posa ses lignes de trombone sur les riddims enregistrés par le groupe quelques
mois auparavant. De cette session allait sortir un maxi quarante-cinq de tours de trois
morceaux, « Can’t stop rudie »730, d’une exceptionnelle qualité, qui allait rester comme
l’unique témoignage731 sur disque de cette période particulière. L’enregistrement eut lieu
au studio, situé à Colombier, d’une autre figure de la scène musicale neuchâteloise, le
musicien et producteur Victor De Bros, alias « Fizzè », rencontré par les membres du
groupe lors d’un concert au Centre Espagnol de Neuchâtel, en septembre 1987.
Né à Bâle, où il avait fait très jeune la connaissance du pianiste bluesman Eddie Boyd,
Debros était arrivé à Neuchâtel en 1971. Après une formation commerciale, et
parallèlement à l’apprentissage de divers instruments, il avait travaillé dans différents
magasins de musique, avant de lancer une petite boutique de disques dans le club de jazz
« Jazzland », fondé par Denis Progin en 1976. Travaillant comme représentant pour
différentes sociétés, il avait ensuite longuement voyagé, notamment dans les pays arabes et
l’Amérique latine, jusqu’en 1981, ramenant à chaque fois instruments et inspirations
727
M., Gi., « Son conquis » in La Feuille d’Avis de Neuchâtel, 20 septembre 1988
729
730
Heart Beat Band featuring Rico, « Can’t stop rudie », Mensch Records, AGR 003
731
Un live, enregistré lors d’un concert à Utrecht, aux Pays-Bas, aurait également dû voir le jour, mais un
problème technique lors de l’enregistrement en empêcha la réalisation.
728
124
musicales. Cette même année, il avait commencé, à l’aide d’une console huit pistes louée, à
enregistrer ses propres compositions, travaillant notamment avec le groupe Débile
Menthol. En 1982, il avait joué quelques mois avec les Genevois de Code, avant de se
consacrer exclusivement à la production. Quatre ans plus tard, il avait fondé un studio plus
sérieusement équipé à Colombier, et inauguré son label Mensch avec le trente-trois tours
« Kulu Hatha Mamnua », compilation de morceaux résolument expérimentaux enregistrés
durant les années précédentes. Sa deuxième production, elle aussi classée dans la catégorie
« unverkaufliche Avantgarde »732 avait été l’année suivante « Manœuvres d’Automne », par
les Animistes de Neuchâtel, collectif de musiciens menés par le batteur, ancien de Débile
Menthol, Gilles-Vincent Rieder733.
Lorsque De Bros rencontra les membres du Heart Beat Band, il n’avait jamais mis les pieds
dans l’univers reggae, mais était depuis plusieurs années versé dans les mélanges musicaux
hétéroclites. La collaboration commença par l’enregistrement, à la fin de l’année 1987,
d’une maquette de quelques morceaux, et continua au printemps de l’année suivante,
lorsque Rico entra en studio pour apporter la touche finale au maxi-quarante cinq tours. Si
le disque eut un certain succès, restant plusieurs semaines dans le dix meilleures ventes du
classement alémanique indépendant Ichart734, catégorie singles, les conditions du contrat
provoquèrent une brouille durable entre De Bros et les membres du groupe, et la
collaboration s’arrêta net après l’enregistrement du disque735.
Entre la fin 1987 et le début de l’année suivante736, il partit pour la première fois en
Jamaïque, non sans avoir obtenu quelques précieuses adresses issues du carnet de
Tourtchaninoff737, qui fut paradoxalement le seul neuchâtelois à ne jamais se rendre sur
l’île. Arrivé sur place, Debros entra en contact avec différents acteurs de la scène musicale :
Jack Ruby, Sly & Robbie, Dean Frazer, Felix « Deadly Headly » Bennett, entre autres, et
enregistra quelques morceaux à Kingston, notamment au studio Music Works.
Quelques mois après son retour en Suisse, il déménagea à Jenins, dans les Grisons, où il
établit un studio de qualité professionnelle. Il y commença à mélanger les bandes ramenées
de Jamaïque avec toutes sortes d’autres instruments, à l’image des expérimentations
musicales qu’il avait par le passé privilégié. De ces hétéroclites mixtures allait naître en
732
Oertle, Daniela, « Die Wandlung des Victor de Bros » in Der Schwiizer Oktober (10), octobre 1988, p. 32
Biographie de Victor Debros sur son site www.mensch3000.ch
734
Ichart, the swiss independent-chart, nos 11, 12 et 13, octobre-novembre 1988
735
736
Impossible devant les avis différents sur le sujet de donner une fourchette plus précise.
737
733
125
1991 un album intitulé « The Dawn of Peeni Waali »738, auquel collaborèrent également
Rico, auteur d’une remarquable version, sortie en quarante-cinq tours739 en édition très
limitée, du chant traditionnel « Rockaman Soul », Lee Perry et Linton Kwesi Johnson. Ce
disque, qui allait être suivi quelques années plus tard de ses avatars « The Return of Peeni
Waali » et « The Eve of Peeni Waali », ne serait pas, malgré la pléiade de noms jamaïcains
prestigieux y figurant, une œuvre purement reggae, mais davantage un ensemble
d’expérimentations basées sur une rythmique reggae.
Durant l’année 1989, des dissensions apparurent au sein du Heart Beat Band,
principalement quant à la gestion financière du groupe. Antonello et Cristina Lubello
quittèrent la formation, qui n’y survécut que l’espace de deux concerts, et formèrent un
groupe de ska, Ska Jam, qui eut également une courte durée de vie, due notamment à la
difficulté de trouver des cuivres intéressés par la pratique de ce genre musical740. Il
donnèrent cependant quelques concerts remarqués, dont une prestation privée organisée par
Salvi741. Le trio fondateur du Heart Beat Band allait cependant se reformer dès l’année
suivante sous le nom de Mad Lighters. Durant cette période transitoire, marquée par la
tragique disparition de Ramon Wanderloos, Rico passa son temps entre Neuchâtel et
Jenins, poursuivant ses enregistrements avec De Bros742. Il donna quelques concerts avec le
groupe bâlois Ambarino, avant de retourner en Angleterre, clôturant en quelque sorte le
sommet de la période neuchâteloise. La ville n’allait pas, durant les années nonante, tourner
le dos au reggae, bien au contraire, puisqu’un deuxième groupe, les Moonraisers, y fit son
apparition dès 1990, et que la Case-à-Choc allait voir défiler durant la décennie de
nombreux artistes jamaïcains, notamment dans le cadre des « Nof-Nof Sessions » de
Tourtchaninoff. Mais l’épicentre de ce genre musical en Romandie, voire dans le pays, se
déplaça, au tournant de la décennie, vers l’Ouest, avec l’entrée en scène de nouveaux
acteurs. Cette période charnière vit également l’installation définitive743 dans le pays d’un
hôte particulier, plus important encore que Rico dans l’histoire de la musique jamaïcaine.
738
« Peeni Waali » : sorte de scarabée volant et lumineux, très répandu dans certaines régions de Jamaïque
Rico, « Rockaman Soul », Mensch AGR 005
740
741
Entretien avec Philippe Santschi, op. cit
742
Ibid.
743
Du moins jusqu’à aujourd’hui.
739
126
III.2. Lee Perry, « King of Switzerland »
Un mardi après-midi, durant le début de l’été 1989, Tourtchaninoff, alors impliqué, au sein
de l’Association des Musiciens Neuchâtelois, dans la création d’une salle de concert qui
allait voir le jour en 1992 sous le nom de la Case-à-Chocs744, reçut un surprenant coup de
fil : « J’ai décroché, et j’ai entendu une voix de femme qui me demandait en anglais, mais
avec un drôle d’accent : "Are you Nof-Nof ? The true Nof-Nof ?". J’ai tout de suite
commencé à me demander ce que c’était comme plan. Elle m’a ensuite dit qu’elle appelait
de la part de Lee Perry, et qu’il tenait à me rencontrer. Là j’ai cru qu’un copain me faisait
un canular, et je cherchais dans ma tête qui ça pouvait être. A l’époque, ça faisait des
années qu’on avait plus eu signe de vie de Perry, personne ne savait où il était. Alors j’y
croyait pas, mais j’ai quand même dit à la bonne femme, qu’ils avaient qu’à passer samedi
à dix-sept heures. J’ai ensuite passé toute la semaine à ramer pour savoir quel était l’enfoiré
qui me montait ce plan à la con… Mais le samedi, à dix-sept heures, ça a sonné à la porte.
J’ai ouvert et je me suis retrouvé avec le Scratch en face de moi ! »745
L’étrange voix de femme au bout du fil était celle de Mireille Campbell-Rüegg, sulfureuse
reine de la nuit zurichoise qui allait, deux ans plus tard, devenir madame Perry.
Tourtchaninoff avait fait sa connaissance des années auparavant, lors de la venue à Zurich
de Prince Far I en février 1983. Lorsqu’elle vint à Serrières, il lui montra d’ailleurs une
vidéo du backstage de ce concert, dans laquelle elle apparaissait. En découvrant ces
images, elle fit un bond, s’arrangeant immédiatement pour que son excentrique et
imprévisible compagnon ne les voie surtout pas746. Elle avait en effet depuis longtemps un
certain faible pour les Jamaïcains, et fréquentait les backstages avec d’autres motivations
que celles de Tourtchaninoff. Elle avait ainsi eu un premier enfant de père jamaïcain en
1983, puis une liaison avec Max Romeo, puis s’était mariée en 1987 avec autre yardie, du
nom de Campbell747, avant de divorcer et finalement faire la connaissance de Lee Perry en
France en novembre 1988748. Elle était également une habituée des séjours sur l’île,
puisqu’elle possédait une maison à Mo’Bay.
Sa relation avec Lee Perry, qui allait s’avérer durable, quoique des plus mouvementées,
venait donc de commencer lorsqu’elle prit contact avec Tourtchaninoff. Perry, fraîchement
744
Nom dont il revendique d’ailleurs la paternité.
746
747
Si son prénom reste inconnu, il est cependant certain, contrairement à certaines rumeurs, qu’il ne s’agisse pas
de Michael Campbell, alias « Mikey Dread ».
748
745
127
débarqué dans sa grande résidence de la Goldküste zurichoise, y avait trouvé ce dont il
rêvait depuis longtemps : confort matériel, tranquillité, et de quoi satisfaire sa quasi
inextinguible libido749. Sa compagne partageait de plus son goût pour l’ésotérisme, les
OVNIs et la ganja, et n’avait finalement pas énormément à lui envier point de vue
excentricité. Elle était également parvenue à l’éloigner de l’alcool, ce qui contribua à le
ramener un tant soit peu sur le plancher des vaches. Le couple filait donc le parfait amour,
entouré des deux enfants de Mireille, de son garde du corps jamaïcain Bobby, ainsi que de
son très helvétique chien Schatzi. Mireille était en outre enceinte de leur premier enfant,
Shiva Elaine Sharon, conçue à Negril quelques mois plus tôt750.
Dix ans après la fin de la grande période Black Ark, après avoir signé simplement quelques
collaboration entre New York et Londres, s’enfonçant toujours plus profondément dans son
propre monde étrange, Perry désirait à l’époque se remettre activement dans la musique, et
c’est dans le but de lui trouver musiciens et studio que sa compagne entra en contact avec
Tourtchaninoff, dans l’espoir que celui-ci aurait des noms à lui proposer751. Ce-dernier
pensa à un groupe récemment formé, mais disposant déjà d’un bon bagage technique, qui
offrait de plus l’avantage d’être également basé dans l’agglomération zurichoise, les
Ganglords752. Le groupe, formé en 1988, était composé de Daniel Müller, Philipp Schnyder
von Wartensee753, Stefan Gisler, Christoph Schurrenberger et René Ramseier. Ce-dernier,
également étudiant en ethnologie, allait profiter de ses séjours musicaux en Jamaïque pour
rédiger un mémoire, mentionné dans l’introduction méthodologique, The Poor Man’s
Fun754. Les Ganglords, qui se partageaient avec les bâlois d’Ambarino le titre de premier
groupe755 d’outre-Sarine, avaient une approche musicale très différente de celle du Heart
Beat Band. Alors que les neuchâtelois perpétuaient le son des années soixante et septante,
les jeunes zurichois cherchaient au contraire à coller au son jamaïcain de l’époque756. Les
Ganglords allaient ainsi, dès 1990, enregistrer la plupart de leur morceaux dans l’île, dans
des lieux aussi prestigieux que les studios de King Jammy, Gussie Clarke, ou le Mixing
Lab, collaborant avec des artistes tels que Gregory Isaacs, Max Romeo, Spanner Banner,
749
Ibid., p. 419
Ibid., p. 418
751
Ibid.,p. 421
752
753
S’occupe aujourd’hui de la gestion du « pourcent culturel » Migros.
754
Introduction de Ramseier, op. cit., p. 1
755
D’une certaine importance du moins.
756
Bader, Staša, « The Ganglords : Schweiz-Jamaikanische Freundschaft » in Music Scene (12), décembre 1990,
p. 11
750
128
Courtney Melody ou Frankie Paul757. Fait rare pour un groupe européen, ils allaient
également dans les années suivantes donner quelques concerts en Jamaïque, en tant que
backing band d’artistes dancehall tels que Lady Saw, Goofy ou Terry Ganzie758.
Malgré ses indéniables qualités, Perry ne fut cependant pas satisfait du groupe, et la
collaboration tourna court759. Il allait durant les années suivantes faire d’autres
infructueuses tentatives avec des musiciens helvétiques, mais cette quête allait durer
jusqu’à la constitution, en 2003 seulement, des White Belly Rats760.
Egalement sur conseil de Tourtchaninoff, Perry collabora avec De Bros, passant pendant un
mois plusieurs jours par semaine dans la maison de ce-dernier761. Il y croisa notamment
Linton Kwesi Johnson, qui, séduit par la tranquillité de Jenins, venait y travailler sur son
nouvel album « Tings and Time ». La collaboration entre De Bros et Perry, marquée par
l’étrange comportement de l’excentrique Scratch qui, lorsqu’il n’urinait pas dans des
bouteilles de Rivella vides afin de les placer dans les recoins stratégiques du studio,
insistait pour qu’un micro enregistre en permanence et en plein air les bruits de la
campagne grisonne, ne donna pas de grands résultats762. Perry chanta néanmoins le
morceau « Licht & Stein », sur une musique tirée de l’album « Manœuvres d’Automne »,
que De Bros allait inclure dans le projet « Peeni Waali ». Les dix autres morceaux
enregistrés finirent probablement enterrés dans le jardin de la demeure zurichoise du
Scratch763.
Après avoir passé une décennie à vouer Chris Blackwell aux gémonies, Perry resigna un
contrat avec Island, dont résultat en 1990 l’album « From the Secret Laboratory ». Ce nom
désignait le recoin de la buanderie, également appelé Blue Ark, dans lequel Perry se livrait
à sa très personnelle vision de la décoration d’intérieur. La pochette de l’album consistait
en une photographie de Scratch en roi de Suisse, avec pour arrière-fond les alpes et un
drapeau à croix blanche flottant dans le vent. Presque trop belle pour être vraie, cette
image, née d’un concours de circonstances, allait fixer sur pellicule la relation entre la
musique jamaïcaine, par l’entremise de l’un de ses plus grands maîtres, et le pays du cor
des alpes, révélant de plus aux innombrables fans du monde entier la nouvelle position de
« l’arche » de Perry. Promue « capitale royale » du pays, Zurich allait cependant perdre
757
Biographie du groupe sur www.ganglords.ch
Ibid.
759
760
Une formation largement neuchâteloise puisqu’elle regroupe Daniel Spahni, ancien des Mad Lighters, Lorenz
Viennet, ex guitariste du Heart Beat Band et Star, bassiste et DJ suisse alémanique.
761
Ibid., p. 423
762
Ibid., p. 423
763
Ibid., p. 424
758
129
rapidement ce statut, puisque la petite famille allait quelques temps plus tard, au début de
l’année 1997, déménager dans un village de Suisse centrale764.
Malgré ce coup de projecteur passager sur Zurich, dont la scène reggae était par ailleurs
loin d’être éteinte, la force montante de la scène reggae suisse vint d’une grande ville qui
n’avait jusqu’alors que peu fait parler d’elle dans ce domaine musical, Genève.
764
Ibid., p. 448
130
III.3 Dread inna Geneva
Jusqu’à la fin des années huitante, Genève resta simplement, pour beaucoup de fans de
reggae, la ville d’où l’empereur Hailé Sélassié avait en 1936, devant une assemblée de la
SDN peu encline à l’écouter, lancé son appel à l’aide face à la terrible agression des
troupes de Mussolini contre l’Ethiopie. « Down in Geneva, seventy two nations bow to the
mighty king. So who is he, Babylon ? You’ve got to find out for yourself. »765 Le reggae n’y
était pas absent, mais la ville du bout du lac était loin de représenter un centre pour cette
musique. Des concerts y avaient été organisés durant les années huitante, mais à un rythme
très irrégulier. Les premiers événements reggae avaient eu lieu à la salle des fêtes de
Thônex, avec la venue de UB40, Steel Pulse, Musical Youth, ou Black Uhuru, ce-dernier
concert étant l’une des rares productions Good News de ce côté de la Sarine. Le CAB de
Meyrin avait quant à lui vu passer Congo Ashanti Roy ou Dillinger, au début de la
décennie. Puis cela avait été le tour du grand Palladium, où s’étaient succédés Sly &
Robbie, Steel Pulse, Culture et les nuits jamaïcaines de Fireman. Témoignage du relatif
désintérêt du public romand pour le genre, le concert de Burning Spear du 9 avril 1987
avait eu lieu devant une salle pratiquement vide, alors que le lendemain, la Volkshaus était
pleine à craquer766.
Cette situation changea au début des années nonante, avec l’entrée en scène d’un autre
personnage unique en son genre : le genevois Alan Finkel, largement plus connu sous le
nom de sa tribu767 : Asher768.
III.3.a Asher
Né à Genève en 1963 d’un père new-yorkais et d’une mère suisse-allemande, le jeune Alan
y grandit entouré de deux frères, David et Steven. Très peu ami avec la discipline, il eut
une scolarité des plus mouvementées, et fut définitivement exclu de l’école publique à
l’âge de quatorze ans, après d’innombrables frasques, qui valurent à son père d’aller
chercher son fils au poste de police des dizaines de fois769. Il fit ensuite le tour des écoles
privées de la ville, se faisant systématiquement exclure pour mauvaise conduite au bout de
765
Rod Taylor, « Faithful One » in Don’t give up your culture, Moll-Selekta, EFA 12149-2
Entretien avec Alain Salvi, Neuchâtel, novembre 2002
767
Les membres des Twelve Tribes of Israel adoptent en effet le nom d’une tribu, nommée d’après les douzes fils
de Jacob, selon leur mois de naissance. Né en décembre, Alan Finkel est « Asher »
768
« Heureux » en hébreux
769
Entretien avec Alan Finkel, Genève, mai 2004
766
131
quelques mois, dans le meilleur des cas. Déjà présente dans le cercle familial, notamment
par les disques de jazz de son père, la musique fit une première entrée dans sa vie lorsqu’il
se mit, à l’âge de sept ans environ, à étudier le piano et le violon au conservatoire de la
ville. Il abandonna cependant cette voie vers l’âge de douze ans, époque à laquelle il
découvrit ce qui allait changer sa vie : le reggae. Comme c’est le cas pour pratiquement
tous les amateurs du genre, il le découvrit au travers de Marley, avec ses amis du quartier
populaire des Avanchets, dont un jeune fils de diplomate algérien, Toufik Briki, qui allait
au début des années nonante avoir quelques hits dans son pays d’origine sous le nom de
« Rasto ». « On est tombés dedans avec mes potes. A l’époque j’étais tout le temps avec
Toufik, qu’on appelait « Touf » à cause de sa coupe de cheveux et Gab, qui n’est
malheureusement plus avec nous aujourd’hui. On a découvert Bob, puis Third World,
Linton Kwesi Johnson, Dillinger. C’était les disques qu’on pouvait trouver dans un petit
magasin en face du Collège Voltaire, ou même à la Placette ; surtout des albums sortis par
des labels anglais. Je me rappelle quand on tombait sur le nouveau Marley, c’était
extraordinaire ! […] A l’époque, on a fait sortir le reggae de la maison, on se baladait dans
le bus avec nos ghetto blasters à fond, on était des fous ! On faisait aussi des soirées à
nouvel-an, chez une copine. Sa mère partait, on arrivait avec des chariots pleins de bouffe,
et on passait les disques, on gueulait dans les micros… Ca c’était vraiment les tout débuts
du reggae à Genève, le roots. […] Un peu plus tard, avec Rasto, on a eu un petit groupe qui
s’appelait Jah Smoke. Il faisait la guitare et moi la basse, c’était pas sérieux, mais on était à
fond dedans, à fond dans le dream. »770
Le premier concert dont il fut le témoin, à peine âgé de seize ans, fut la fameuse soirée du
Montreux Jazz Festival 1979. Il se rendit ensuite plusieurs fois en France voisine, au gré
des soirées annoncées dans le mensuel Rock & Folk, mais jamais à Zurich, la promotion
n’étant pas suffisante pour atteindre les confins occidentales du pays771. En 1981, après un
bref passage sous les drapeaux, il partit, en compagnie de Briki, au Bénin, première étape
d’un périple qui allait, entrecoupé de quelques brefs retours en Suisse, durer neuf ans. C’est
pendant ce très long voyage qu’allait se forger le « personnage » Asher.
Son séjour au Bénin, marqué par diverses contrebandes de ganja avec les pays voisins,
dont le dangereux Nigéria, dura au total environ deux ans. Ce fut durant cette période qu’il
se rendit pour la première fois en Jamaïque, en 1981. « Quand je suis arrivé là-bas, je
connaissais rien, je parlais pas un mot d’anglais, j’avais aucune idée. Je suis resté à
770
771
Ibid.
132
Kingston pendant deux ou trois mois, avant de repartir, sans même savoir qu’il y avait de la
campagne autour. Je croyais que la Jam c’était Kingston »772. Il habita durant ce premier
séjour chez le chauffeur de taxi rencontré par hasard à la sortie de l’aéroport, Melvin
« Satta » Grant. Ce-dernier allait rester son ami jusqu’à sa disparition en 2002.
Ce fut au cour de ce premier voyage sur la terre du reggae que le jeune genevois rencontra
pour la première fois la foi rasta. « On était à downtown, dans la rue, et y avait quatre ou
cinq dreads qui parlaient pas loin de moi. Tout à coup, y en a un qui m’a dit "C’est quoi le
nom de ton père ?". Alors j’ai répondu "Harvey", le prénom de mon père. Et il m’a dit
"Non, Man ! Ton père c’est Jah Rastafari!". Et à ce moment j’ai senti une puissance. Je me
suis rendu compte que ces gens, qui avaient tellement souffert de l’esclavage, de
l’oppression, et bien ce secret, cette force qu’il avaient en eux, ce Jah, il le partageaient
encore avec moi, avec leur slave master. Et depuis là, c’est Rastafari ! »773
Sa découverte de cette foi qui n’allait dorénavant plus le quitter, matérialisée par les
dreadlocks qu’il commença à laisser pousser à cette époque, se poursuivit ensuite au Bénin,
en compagnie d’un dread de la Dominique, bassiste du groupe Grammacks, qui se faisait
appeler Kunta Kinte774, puis lors d’un deuxième séjour en Jamaïque en 1983, dans la
campagne cette fois-ci. « J’ai débarqué dans un village et j’ai commencé à parler avec un
rasta. Après deux heures, je suis parti à la ville quelques sacs de farine et de riz. Je suis
revenu en lui disant "Je veux connaître le rasta chez toi". Il ne m’a pas enseigné des choses.
Je l’ai juste regardé vivre pendant sept mois. »775
A partir de 1984, il s’installa en Amérique du Sud où il allait rester, entre le Guatémala et
le Pérou, jusqu’à son retour définitif en 1989. Il retourna cependant en Jamaïque durant une
bonne partie de l’année 1986, pour son plus long séjour dans l’île, envisageant même pour
un temps de s’y établir définitivement. Désormais à l’aise avec le patois, et imprégné de la
culture locale, il partagea la vie de très nombreux artistes, dont bon nombre de vétérans
roots laissés sur le carreau par la révolution digitale. Il noua ainsi des amitiés
particulièrement solides avec Delroy « Bronco » Fawlin du groupe Knowledge et Congo
Ashanti Roy776, établissant sur place un réseau de contacts des plus denses, qui allait lui
servir quelques années plus tard. Il entra également en contact avec les membres des
Twelve Tribes of Israel, et prit ainsi le nom d’Asher, l’un des douze fils de Jacob. Il n’allait
772
Ibid.
Entretien avec Alan Finkel, Genève, juin 2004
774
Nom du héros du livre Roots, de Alex Haley.
775
Ulmi, Nic, « Rasta d’ici. Un mystique perdu à Babylone » in La Tribune de Genève, 9 mai 2001, p. 20
776
773
133
pas devenir membre à part entière du mouvement, mais en être toujours proche, et
notamment de son fondateur, Vernon « Prophet Gad » Carrington777.
Avec sa femme, Asher rentra à Genève durant le printemps 1989, celle-ci étant enceinte de
leur premier enfant. « Je me suis retrouvé ici, et il fallait bien faire quelque chose. Alors
j’ai bossé à l’usine deux semaines, quelques jours dans un magasin, mais c’était pas pour
moi ! Et puis j’ai lu dans un bouquin une phrase de Marcus Garvey qui disait que si on
trouvait pas de boulot, il fallait en créer un soi-même. Alors ça m’a travaillé, et puis avec
mon frangin on s’est lancé à faire un concert, et un deuxième, et voilà… »778
Dès 1990, Asher et son frère Steven, de quelques années son cadet, qui venait de passer
plusieurs années en Floride, se lancèrent ainsi, sous le nom de Rootsman Productions, dans
l’organisation d’événements reggae. Le premier fut un concert de l’anglais Christopher
« Macka B » MacFarlane au Palladium. « On a eu son contact à Zurich, par Mad Professor.
On a décidé de le faire venir à Genève, mais à l’époque on y connaissait rien, on avait
aucune idée de ce que pouvait représenter un cachet. Alors on a vu ce qu’on pouvait payer,
on a proposé ça, et à deux cent francs près c’était ce qu’il voulait. Heureusement, pour la
salle et l’hôtel, on pouvait payer après le concert, sinon on aurait jamais eu la thune. »779
Marqués par l’entousiasme, doublé d’un manque d’expérience, des deux frères, certains
concerts se soldèrent cependant par de gros déficits, qu’ils mirent parfois plusieurs années à
combler. « On était trop fans. On organisait Johnny Clarke, Mighty Diamonds, Willi
Williams, avec chacun son billet d’avion séparé. On mettait Jah Shaka en surprise guest.
On a fait une soirée avec, entre autres, Bunny Wailer, et rien que pour payer son cachet il
fallait remplir le Palladium. Et aux yeux de certains, on était quand même des babyloniens
parce qu’on faisait payer vingt-cinq balles d’entrée… On était trop fans ! Aujourd’hui on
est moins gamins. »780
A partir de cette époque, pour ainsi dire toute les salles de concert d’une certaine
importance du pays voyaient passer de temps à autres quelques grands noms jamaïcains, au
gré des occasions, mais aucune ville, mise à part Zurich durant la première partie de la
décennie, n’allait voir défiler un cortège aussi soutenu et pointu que Genève sous
l’impulsion des « Rootsman » durant les années nonante et jusqu’à aujourd’hui. Alternant
notamment entre les salles du Palladium, de l’Ancien Palais, du Nouveau Palais, puis de
777
779
780
Ibid.
778
134
l’Usine, la plupart des grands artistes, anciens ou fraîchement arrivés sur la scène, allaient
passer à Genève.
Au début des années nonante, Asher envisagea d’engager les Mad Lighters neuchâtelois
comme backing band781. Le groupe, né des cendres du Heart Beat Band avait en effet
rapidement redécollé. Philippe Santschi avait rejoint ses anciens acolytes, recréant en
quelque sorte l’alchimie opérant au sein de la formation précédente. Il se « contenta »
cependant de chanter, laissant sa place derrière la batterie au jeune et talentueux Daniel
Spahni, qui allait devenir quelques années plus tard le batteur attitré de Linton Kwesi
Johnson. Le groupe avait ainsi fêté en 1991 sa renaissance par un premier album, « Play on
Mr Music »782, qui, outre la présence de quelques invités de prestige783, offrait la
particularité de proposer une version du mythique morceau éponyme784, joué au Black Ark
mais jamais enregistré785. Cependant, faute de pouvoir trouver un arrangement, la
connexion entre les frères Finkel et les Mad Lighters n’eut pas lieu, et les contacts entre les
scènes neuchâteloises et genevoises allaient rester distants, voire conflictuels.
Outre l’organisation de concerts, qui se mirent à se succéder à un rythme soutenu, les deux
frères se lancèrent dans d’autres activités. Ils mirent ainsi sur pied, deux à trois fois par été
entre 1990 et 1996, des sound systems sauvages en plein air, dans la campagne genevoise.
« On louait un bus pour faire navette, des colonnes, et on s’installait dans une réserve
naturelle, en pétant le cadenas pour entrer. L’entrée et la soupe étaient gratuites, ça durait
toute la nuit, jusqu’à neuf heures du matin. Il y avait jusqu’à mille personnes dans la forêt,
c’était de la folie. Les flics débarquaient parfois, mais comme on nettoyait toujours avant
de partir, on a jamais eu de problème. Mais ça s’est arrêté quand il a commencé à y avoir
des soirées techno au même endroit. C’est devenu trop gros, trop commercial. »786
Pendant quelques mois, Asher et Steven installèrent un rayon de disques dans le magasin
d’habits de leur frère aîné, situé derrière la gare Cornavin. La cohabitation s’avérant
difficile, ils déménagèrent en 1992 dans le quartier des Eaux-Vives. Leur échoppe Coconut
devint ainsi le premier magasin spécialisé « reggae » en Suisse romande, treize ans après
l’ouverture de Jamarico à Zurich. Outre les habituels bonnets, drapeaux ou ceintures
rouge-jaune-vert, les deux frères y vendaient principalement des cd’s, mais également des
781
Entretien avec Antonello et Cristina Lubello, Neuchâtel, mai 2004
Mad Lighters, Play on Mr Music, Mad Lighters BT-128-12
783
Avec en tête Rico, mais également Florence Chitacumbi et le batteur de Roots Anabo, Ekow Savage.
784
La partie connue du morceau apparaît dans le reportage Roots Rock Reggae de Jeremie Marre.
785
Les Heptones en ont certes enregistré une version durant les années nonante, mais elle se situe musicalement
à des années lumières de l’original
786
782
135
albums vinyl et quelques quarante-cinq tours venus tout droit de Jamaïque, et alors encore
rares787. Le magasin allait disparaître en 1995, avant de réapparaître en 1997 au Boulevard
James-Fazy sous le nom de Raspect Shop. Durant ce laps de temps, pendant lequel Asher
continua à vendre des disques, mais sur les marchés aux puces de la ville, Genève vit
l’éphémère existence d’un autre magasin spécialisé, Rocket Records, établi dans le quartier
de Pleinpalais. Celui-ci disparu cependant peu après l’ouverture de Raspect.
Dès le début de la décennie, Asher mit sur pied ce qui allait faire sa renommée loin au-delà
des frontières du pays : son sound system. Malgré la « perte » de sa collection de disques
initiale, due à ses années d’absence, il rebatit rapidement, entre Kingston, Londres, New
York et Zurich un stock suffisant pour s’en aller, par quarante-cinq tours interposés,
prêcher la bonne parole rasta. Il baptisa initialement son sound Twelve Tribes of Israel
Sound System, témoignage de ses affinités avec le mouvement, avant de l’appeler, pour
quelques temps, Ital Sound System788. Il allait prendre son nom définitif, et reconnu, en
1996 : Positive Airline Sound System, qui allait dès la fin de la décennie se produire non
seulement dans tout le pays, mais également en France, Italie, Israël, Zimbabwe, Côte
d’Ivoire, Slovénie ou encore Russie.
A ses casquettes de promoteur, disquaire et soundman, sans oublier celle, non négligeable,
de rasta convaincu, vint s’ajouter en 1994 celle de spécialiste reggae auprès de la Radio
Suisse Romande, au sein de son antenne Couleur 3. Il commença par animer une partie de
l’émission « Republik Kalakuta »789 de Jean-Marc Baehler, avant d’avoir, quelques années
plus tard son propre rendez-vous, « Wareika Station ». La collaboration allait durer
jusqu’en 2004, lorsque Asher, voyant son temps d’antenne diminuer drastiquement, allait
quitter l’antenne pour lancer sa propre Raspect Radio sur internet.
De par la rapide multiplication de ses activités, Asher devint rapidement, pour de très
nombreuses personnes découvrant le reggae en Romandie, l’incarnation locale de cette
musique et de sa composante mystique. Peu orthodoxes, son apparence et son language,
exhubérant mélange de français, d’anglais et de patois, ainsi que son attitude exaltée
derrière ses platines contribuèrent en outre largement à la reconnaissance du personnage,
ainsi qu’à la prolifération de légendes et autres rumeurs le concernant. Plus discret, Steven
joua cependant également un rôle capital dans l’ « entreprise » Rootsman. Administrateur
et comptable de cette-dernière, en plus de son travail hors du milieu reggae, il n’allait sortir
787
Ibid.
789
Nom de la sorte d’ « état dans le l’état » de Fela Kuti, situé au cœur de Lagos.
788
136
de l’ombre que lors de ses légendaires et enflammées annonces des artistes, lors des
innombrables concerts organisés.
Les Rootsman, figures incontournables et emblématiques de la scène du bout du lac,
n’étaient cependant pas les seuls à y promouvoir le reggae. En effet, dès le début des
années nonantes la ville se mit à vibrer aux sonorités yardies. De grandes différences
existaient cependant entre les passionnés de Neuchâtel et ceux de Genève. Les premiers
étaient avant tout des mélomanes, développant, avec une commune adoration pour le
trombone, une approche puriste du son des années soixante et septante, avec le « Sleng
Teng » pour ultime limite. L’élément rasta n’y jouait qu’un rôle périphérique, auquel ils
s’intéressaient certes, notamment par l’entremise des récits de cette mémoire vivante du
mouvement que représentait Rico, mais aucun neuchâtelois n’adhéra à la livity rasta. Au
contraire, bon nombre des acteurs genevois, Asher en tête, placèrent le facteur rasta en tête
de leurs préoccupations, et adoptèrent face à la musique jamaïcaine contemporaine une
approche plus « ouverte » que leurs homologues neuchâtelois. D’autres foyers rastas
apparurent également dans d’autres lieux au fil de la décennie, dont les Rasta Youth de
Bienne, ou les Gideon Soldiers en Argovie. « Le reggae est l’un des instruments qu’utilise
Rasta pour faire passer son message, mais ce n’est pas le seul. La peinture ou l’écriture
peuvent aussi servir la même cause »790.
III.3.b La scène du Goulet
Une parfaite illustration de cette approche différente fut le développement très
underground de la scène du Goulet, à Chêne-Bourg. Et notamment, pour sa composante
reggae, par l’entremise des Restless Mashaits, créés au tournant de la décennie nonante par
Gilles
« Jil »
Geuggis
et
Stéphane
« Stuff »
Lambercy,
respectivement
clavier/programmateur et bassiste. Après quelques concerts comme backing band de
chanteurs locaux comme Ben791, ainsi que des contributions dans le groupe Kingston Spy,
les deux genevois, alors âgés d’une vingtaine d’année, se rendirent pour la première fois en
Jamaïque en 1992. Déjà plongés dans le reggae depuis plusieurs années, ils entamèrent à
cette époque une découverte de la foi rasta, notamment au contact de Speedy, un dread de
790
Alan Finkel cité par Ismail, Marc, « Bob Marley n’est pas mort, sa musique non plus » in La Liberté, 23 mai
2001, p. 45
791
Reconverti ajourd’hui dans la bande dessinée.
137
St-Vincent installé dans la commune voisine de Chêne-Bougerie792. Leurs voyages
successifs dans l’île allaient ainsi être autant d’occasions de se plonger à la fois dans la
musique et dans son pendant mystique. Cette plongée se matérialisa dès 1993 par un
quarante-cinq tours, « Faya dub », enregistré au studio Leggo, sur la base d’une maquette
enregistrée à Genève, et publié sur leur propre label Addis Records. Ce premier morceau,
auquel contribuèrent le bassiste des Roots Radics Errol « Flabba Holt » Carter et
l’organiste Keith Sterling, connut bien vite un étonnant destin puisqu’il eut le privilège de
séduire l’oreille aiguisée du héros - et héraut - du roots et du dub dans l’univers des sound
systems anglais, le légendaire Jah Shaka. Ce-dernier se mit à le passer régulièrement dans
ses soirées, conférant au duo genevois, alors totalement inconnu du public suisse, une
certaine notoriété dans le milieu reggae/dub britannique793. Encouragés par ce premier
résultat inattendu, les Restless Machaits allaient poursuivre leur production de morceaux
dub abyssaux, efficaces mélanges des sonorités roots/steppers britanniques contemporaines
avec le son des années septante, matérialisé par la présence de musiciens du calibre de
Felix « Deadly Headly » Bennett, Ronald « Nambo » Robinson, Dean Frazer ou encore
Noel « Scully » Simms. Ces remarquables productions allaient en 2002 être réunie sur un
cd intitulé « Kingston Sessions »794.
Au niveau local, Jil et Stuff s’impliquèrent, au sein d’un collectif, dès le début de la
décennie dans la mise sur pied d’un espace de création multidisciplinaire dans leur
commune d’origine. Le Goulet, ensemble de bâtiments désaffecté depuis les années
cinquante, propriété du canton de Genève, retrouva à l’époque une seconde vie, lorsque ces
quelques jeunes de la région y élurent domicile795. « Avec des potes du quartier, on voulait
créer un truc à Chênes-Bourg, parce que dans notre commune y a rien. On voulait créer un
truc pour les jeunes, et y avait cet îlot d’immeubles qui était inhabité, alors on a pris une
des allées, on a un peu arrangé la cave. Pour nous qui faisions de la musique, qui voulions
faire du sound system, c’était l’idéal. Tout est arrivé d’un coup. »796
Les ouvertures successives du Goulet 25, puis 13, et enfin 15, firent de l’endroit un haut
lieu de la culture alternative du canton, toutes formes d’art confondues797. Dès 1992, deux
fois par mois, l’ancienne poste de la commune, autrement dit le Goulet 25, se mit à
792
Entretien avec Gilles Geuggis, Chêne-Bourg, juin 2004
Entretien avec Gilles Geuggis, Chêne-Bourg, juin 2004
794
Restless Mashaits, Kingston Sessions 1992-2002, Addis Records
795
Poyetton, Virginie, « La fin du Goulet annonce la création du "logement socialement correct" » in Le
Courrier, 16 juin 2001
796
Entretien avec Gilles Geuggis, op. cit.
797
Poyetton, op. cit.
793
138
résonner aux rythmes principalement hip-hop, genre dont le lieu devint un bastion, mais
également ragga par l’internédiaire du collectif Cockroach, nouveau venu sur la scène
genevoise, et dont Jil et Stuff faisaient partie. « A ce moment là sur Genève, il y avait trois
selectas. On pouvait pas parler de sound system parce que il y avait pas toute l’installation
sonore. En gros, il y avait Asher aux Avanchets, Postman plus au centre, et nous au Goulet/
Eaux-Vives. On jouait surtout dans des squats »798. Cockroach connut une durée de vie
plutôt courte, Jil et Stuff se consacrant peu à peu exclusivement à la production et à la
musique live au sein du groupe Herbalist, mais un autre sound appelé à grandir allait naître
à la même époque dans les murs du Goulet.
Premier d’une longue liste de selectas invités qui allaient y passer, Markie Lyrics,
l’opérateur du puissant RDK Hi-Fi britannique débarqua au début de l’année 1994 dans la
toute petite salle, par ailleurs peu propice aux concerts, avec tout son matériel sonore. Cette
venue décida un autre membre du collectif du Goulet, Serge « Ikwa » Herrmann, technicien
audio-visuel de métier, à se lancer dans la construction d’un sound system complet. Il prit
auprès du spécialiste anglais les premières mesures, ainsi que des conseils avisés, et se
lança presque immédiatement dans la construction de deux colonnes de basses799. Celles-ci
allaient pendant quelques années servir aux différents sounds actifs autour du Goulet :
Cockroach dans un premier temps, puis également I-arqa Sound de Pierre « Lion Paw »
Wichser et Dub Soljah Sound de Stéphane « Dub Soljah » Canetta, tous deux résidents des
lieux. Durant le milieu de décennie, Lion Paw passa trois ans à Londres, revenant de temps
en temps à Chêne-Bourg. Dans la capitale anglaise, il devint un fidèle des soirées de Jah
Shaka, qui avait également « converti » à son son militant Dub Soljah dès 1993800. Cedernier passa cette période à étudier l’ethnologie à l’Université de Neuchâtel, profitant de
cette situation pour approfondire ses connaissances de sujets tournant, de près ou de loin,
autour de sa foi rasta. Il cessa cependant ses études après l’obtention d’une demi-licence.
Ikwa quant à lui poursuivit au fil des années sa construction d’un sound complet,
augmentant sa puissance jusqu’à atteindre des proportions quasi kingstoniennes, ou plutôt
« Shakaiennes », c’est-à-dire hallucinantes, au sens propre du terme. Tout trois devenus, au
fil d’une démarche personnelle progressive, des « citizen rastas »801, ils décidèrent d’unir
leurs forces, pour donner naissance dès l’édition 1998 de la Fête de la Musique au bien
nommé Cultural Warriors Sound System. Disciples de Shaka, ils allaient dorénavant
798
Entretien avec Gilles Geuggis, op. cit.
Entretien avec Stéphane Canetta, Genève (par téléphone), juin 2004
800
Ibid.
801
Ibid.
799
139
promouvoir à coups d’infrabasses un son roots / dub anglais, sans pour autant renier les
classiques jamaïcains802, des plus militants, invitant régulièrement des sounds britanniques
tels que Channel One UK, Aba Shanti-I ou encore Iration Steppers à venir se produire à
Genève. La ville devenant du coup l’une des têtes de pont du genre en Europe. Cette
tendance allait s’accentuer au début du millénaire suivant avec le lancement de productions
sur le label Cultural Warriors, enregistrées au studio éponyme de Lion Paw. Elles allaient
rapidement, avec celles signées Addis, rencontrer, dans le seul milieu des initiés bien
entendu, un vrai succès, en France notamment, en témoignent les régulières et élogieuses
chroniques des productions dans les magazines spécialisés tels que Natty Dread, Ragga ou
l’allemand Riddim.
Comme l’illustre l’activité grandissante des différents acteurs issus du Goulet, le reggae
était entré à la fin du millénaire dans une phase de renouveau tout à fait étonnante,
notamment pour ceux qui suivaient attentivement son évolution depuis vingt ans803. Une
constatation qui s’étendait à tout le pays.
802
L’une des signatures des Cultural Warriors lors de leurs prestations est d’ailleurs une special du fabuleux
« Truth & Right » de Johnny Osbourne.
803
140
III. 4 Explosion actuelle
Dès le milieu des années nonante, divers éléments laissèrent entrevoir un retour du roots
sur le continent européen. Ainsi, diverses maisons de disques se lancèrent dès cette époque
dans la réédition de raretés devenues introuvables et hors de prix. Des sociétés anglaises
telles que Blood & Fire, dirigée par Steve Barrow, ancien de chez Trojan et spécialiste
incontesté du genre, Pressure Sounds ou Soul Jazz, se lancèrent dans l’exhumation de
trésors enfouis. Vers la fin de la décennie, d’autres petites maisons de disques européennes
emboîtèrent le pas à leurs homologues britanniques : Culture Press puis Macka Sound en
France, Get Back en Italie, Moll-Selekta en Allemagne, Jamaican Gold aux Pays-Bas. Le
succès rencontré par ces rééditions décida les majors, qui avaient laissé végéter leurs
archives reggae au fond d’un tiroir pendant près de vingt ans, à ressortir les disques qui
avaient contribué à faire connaître le genre au public européen. Virgin ressortit ainsi sa
magnifique série Frontline au complet ; Trojan, passée au mains de Sanctuary Records,
plutôt spécialiste de rock viril, se mit enfin à faire fructifier convenablement son
invraisemblable collection de titres. Pour Island, entrée dans le giron de la tentaculaire
Universal, ce fut l’occasion de rééditer son catalogue Marley, agrémenté de nombreux
titres réservés jusqu’alors aux spécialistes les plus acharnés, dont les mixages originaux des
morceaux de l’album « Catch a Fire ».
Outre cette vague de rééditions, la France vit l’apparition, au tournant du millénaire, de
plusieurs magazines spécialisés, Natty Dread, Ragga ou Reggae Massive, un fait
totalement impensable quelques années plus tôt, lorsque seuls quelques fanzines
photocopiés, introuvables hors du cercle proche des rédacteurs, faisaient office de source
d’information. Preuve qu’un réel marché reggae existait dorénavant, et que la tendance
observée depuis quelques années se renforçait.
Les festivals exclusivement consacrés à la musique jamaïcaine se mirent également à
fleurir progressivement à travers le continent : Rototom en Italie, Summer Jam et Irie
Festival en Allemagne, Reggae Geel en Belgique, Garance, Jamaican Sunrise et, pour la
première fois cette année Ja Sound, en France, pour ne citer que les plus importants.
Autre preuve de la mode entourant la petite île plus ou moins oubliée du grand public
depuis la mort de Marley, le fait qu’une grande marque d’habits de sport comme Puma non
seulement sponsorise les différentes équipes jamaïcaines, mais le fasse savoir à l’aide
d’innombrables publicités, à la télévision et dans les journaux destinés à un public jeune.
141
Comme elle avait suivi ses voisins dans la première vague reggae, lors de la fin des années
septante, la Suisse ne manqua pas d’être elle aussi prise dans ce renouveau. Celui-ci fut
notamment marqué par un retour d’intérêt de la part du Montreux Jazz Festival, qui confia
dès l’édition 1999 l’organisation de sa soirée reggae à Asher, sous le nom de « A reggae
night with Rootsman ». Ce qui allait avoir pour effet de voir défiler en quelques années
dans le Miles Davis Hall montreusien des légendes telles que Alton Ellis, Burning Spear,
Dennis « Alcapone » Smith, Michael « Prophet » Haynes, Max Romeo, les Abyssinians,
Horace Andy, sans oublier les nouvelles vedettes dancehall, Miguel « Sizzla » Collins,
Clifton « Capleton » Bailey ou Keith « Junior Kelly » Morgan. Le Paléo Festival de Nyon,
jusqu’alors très frileux en matière de musique jamaïcaine, se mit également à consacrer une
scène au genre, tout commes la très grande majorité des festivals estivaux, innombrables à
travers le pays. Même l’Expo’02 vit sa magnifique et, hélas, provisoire salle du Cargo, à
Neuchâtel, vibrer régulièrement aux basses d’illustres artistes jamaïcains parmi lesquels URoy, les Jamaica All-Stars804, ou les jeunes Jepther « Luciano » McClymont et Sizzla.
Dès le tournant du millénaire, le reggae se mit à fleurir un peu partout, et non uniquement
par la venue de formations étrangères. Ainsi les groupes suisses, en grande majorité
adeptes du roots, qui étaient encore peu nombreux au milieu des années nonante, se mirent
à former une liste impressionnante, étant donnée la taille du territoire : Mad Lighters,
Moonraisers, Akamassa et White Belly Rats à Neuchâtel ; Restless Mashaits, Herbalist
Band et Feedback à Genève ; ORS Massive à Nyon ; African N’Koy et Harambee à
Lausanne ; Inna Crisis sur la Riviera vaudoise ; Zion’s Power en Valais ; Jah Man Gang et
Askaar System à Fribourg ; New Land à Bienne ; Helvetians à Soleure ; Mighty Roots en
Argovie ; Scrucialists et Famara à Bâle ; Ganglords, Vital Roots et Backlash à Zurich.
Quant aux sounds, en fait bien souvent des groupes de selectas, très peu disposant
effectivement du matériel sonore justifiant cette appellation, il devint vite irréaliste de
chercher à en dresser une liste, tant ceux-ci se mirent à se multiplier. La plupart d’entre eux
se consacrèrent exclusivement au dancehall, dont la popularité connut dès le premières
années du millénaire une hausse sensible, à Zurich805 et Genève principalement, même
l’Ecole-club Migros se mettant à proposer des cours de danse « ragga »806 ! Le dancehall
connaissait en effet également une véritable explosion auprès du grand public, après que
des artistes tels que Sean Paul eurent, à force d’efforts pour séduire le marché nord804
Avec en leur sein des vétérans comme Justin Hinds, Skully Simms ou Dizzy Moore.
Wyss, Thomas, « Dancehall : Der neue Trend » in Blick, 11 septembre 2003, p. 15
806
Construire (13), 23 mars 2004, p. 52
805
142
américain, l’heur de capter l’attention des dirigeants de grandes maisons de disques, et de
l’hégémonique MTV, semblant diriger cette musique sur la voie empruntée depuis une
dizaine d’années par le hip-hop.
Bien qu’incomparables, en terme de moyens et d’impact, avec leurs homologues français,
deux magazines spécialisés helvétiques firent leur apparition, près de vingt ans après l’arrêt
d’Ital Music. Le premier fut Armageddon Times, lancé en cinq cent exemplaires à
Sarmensdorf, dans le canton d’Argovie, en 1997 par le collectif rasta local Gideon Soldiers,
également impliqué dans l’organisation de soirées et de concerts. Il était plutôt axé sur un
message mystique. Les auteurs ne manquaient certes pas de consacrer des articles aux
artistes de la nouvelle vague roots, mais insistaient surtout sur la vie et l’œuvre du négus.
Le tout dans une rhétorique radicalement rasta, peu adaptée aux béotiens : « Irie I-tes & Ises from the I-est I-ghts of I-rations I-brations of the I-springs of the sounds & treasures of
Mount Zion, city of the Most High Hola Jah Rastafari Haile Selassie I »807. Le second,
Upfront, fut lancé à Genève en 1999 par Dub Soljah, Lion Paw et quelques collaborateurs
au tirage plus confidentiel encore de deux cent cinquante exemplaires. Poursuivant le but
de « […] susciter un éveil des jeunes sur les valeurs de la culture Rasta […], arts,
musiques, alimentation, conscience historique et sociale… et connaissance de l’Ethiopie,
berceau et fierté des civilisations judéo-chrétiennes dont la Révélation nous a été donnée en
la personne d’Haile Selassie I, Roi des Rois et Lion Conquérant de la Tribu de Juda »808, il
survécut dans sa version papier pendant une dizaine de numéros, disparaissant dès la fin de
l’année 2002809. Il réapparut cependant un an plus tard dans une version « en ligne »810
permettant notamment de suivre de près l’actualité. Ces publications, confinées au cercle
des initiés, vinrent s’ajouter aux articles voire dossiers, complets et pointus, très
sporadiquement consacrés au genre par le magazine lausannois Vibrations, lancé en 1991.
Celui-ci, dédiés aux musiques noires principalement, avait jusqu’alors été le seul à rappeler
le fait que la musique jamaïcaine n’était pas encore morte et enterrée, bien au contraire.
Car faute d’un « nouveau Marley », justifiant un intérêt médiatique, la presse généraliste se
fit fort peu l’écho de ce retour en force du roots, puis de l’arrivée du dancehall, qui ne
pouvaient rivaliser en terme d’impact avec la première vague de la fin des années septante.
Même si, pour l’anecdote, Burning Spear fit la couverture de l’hebdomadaire local Vevey
807
Armageddon Times (11), hiver 2000, p. 26
Présentation des buts du magazine sur www.upfront.ch
809
Entretien avec Stéphane Canetta, op. cit.
810
www.upfront.ch
808
143
Hebdo811 en juin 2002 ! De fait, seule Isabelle Stucki, dans Le Courrier, suivit cette
évolution, consacrant de temps à autres un article aux anciennes gloires ou aux nouveaux
venus de la scène reggae, internationale ou locale.
A l’heure où nous mettons un terme à ce travail, l’explosion décrite ci-dessus est
pleinement d’actualité, même si certains pensent percevoir déjà le déclin de cette nouvelle
vague. Les concerts et soirées reggae font le plein, notamment par la présence d’un public
de plus en plus jeune. Preuve que, si cette nouvelle génération fait preuve, à l’instar de ses
prédécesseurs, d’un engagement à long terme, le genre a sans aucun doute encore de belles
années devant lui, même lorsque, c’est inévitable, la mode actuelle s’éteindra.
811
Vevey Hebdo (407), 28 juin – 4 juillet 2002, p.1
144
IV. Conclusion
Le 29 décembre 1997, Matthieu Lugon tombait sous les balles de ses assassins dans le
village de Catadupa, dans le district de Saint-James. Il était âgé de vingt ans, et père d’une
fille de mère jamaïcaine, alors enceinte de leur deuxième enfant.
Né à Genève, il avait découvert le reggae à l’âge de quatorze ans, par l’entremise, est-il
besoin de le préciser, de l’œuvre de Marley. Cette découverte avait changé la vie du jeune
homme, qui s’était consacré de plus en plus à sa passion, se mettant notamment dès ce
jeune âge à lire un chapitre de la bible par jour812, comme le préconise notamment la
doctrine des Twelve Tribes of Israel. En 1994, âgé de dix-sept ans, il avait concrétisé son
rêve en se rendant pour la première fois en Jamaïque. Dans le village de Catadupa, il avait
rencontré Barbara, qui allait bien vite lui donner une fille. Le père de celle-ci avait donné
au jeune couple un lopin de terre à cultiver, et Mathieu s’était dès lors mis à partager son
temps entre la Jamaïque et Genève, où, ayant quitté son école de commerce pour s’adonner
à sa passion, il travaillait comme déménageur. Il s’était également engagé dans
l’organisation de soirées, officiant comme selecta et deejay. En 1996, il avait, lors d’un
concert de Mark « Buju Banton » Myrie, remporté un concours au micro, héritant par la
même du surnom de « Banton »813. Il venait de retrouver sa patrie d’adoption lorsque le
racisme de gunmen locaux mit brutalement fin ses jours814.
Au drame indescriptible représenté par la perte, dans des circonstances aussi tragiques,
d’un être cher, vint ensuite s’ajouter pour la famille et les proches de la victime l’épreuve
d’une procédure judiciaire « à la jamaïcaine », dans ce que l’expression peut signifier de
pire. Menaces de mort sur les témoins et intimidations du jury en plein procès conduisirent
ainsi à l’acquittement des suspects, pourtant accablés de preuves ne laissant que peu de
place au doute815.
Cette histoire dramatique, toujours en cours aujourd’hui816, sa famille se battant encore
pour que justice soit faite, concentre en son sein tous les éléments qui composent ce
mémoire.
La source tout d’abord, la Jamaïque, dans tous ses extrêmes. Pour reprendre les mots d’un
auteur dont le nom nous échappe, « l’endroit sur terre où paradis et enfer sont le plus près
812
Biographie de Mathieu Lugon par ses parents, sur le site www.mathieu.ch
Ibid.
814
Carron, José, « Mathieu est mort en vivant sa passion » in Le Matin, 13 janvier 1999
815
Bender, Alexandre, « "Que justice soit enfin rendue pour mon fils" » in Le Matin, 9 novembre 1999
816
Voir sur le site pour suivre les dernières évolutions en cours.
813
145
l’un de l’autre ». Une terre sublime, un peuple fabuleux, à la culture extraordinaire, un
univers dégageant une énergie difficilement descriptible. L’épicentre d’un tremblement de
terre culturel unique dans l’histoire, par les vibrations d’une musique issue de l’âme même
des sufferahs, humbles parmi les humbles. Un vecteur puissant qui non seulement parvint à
faire entendre la voix d’une petite île du Tiers-Monde, mais également le message de
quelques vieux barbus que leurs compatriotes avaient été les premiers à prendre pour des
fous.
Mais la Jamaïque n’est pas un paradis tropical. C’est aussi un monde sans pitié, un monde
de violence aveugle, qui voit tomber sous les balles ou les coups de machette mille
personnes chaque année, pour une population à peine supérieure au tiers de celle de la
Suisse. Un monde de corruption où l’argent fait la loi, où le teint de la peau est encore la
première des pièces d’identité, un monde que le touriste ne voit pas.
Mais l’histoire de Mathieu c’est avant tout une passion, la découverte d’une musique et de
son message, assez forts pour changer la vie d’un jeune Suisse, pourtant né dans un monde
diamètralement opposé à celui qui les vit naître. Une musique capable d’effacer l’océan, la
couleur de peau, et les classes sociales entre émetteurs et récepteurs. Une foi étrange et
unique, et pourtant adoptée par des individus aux quatres coins du monde.
Comment cette connection, pourtant si improbable, put s’opérer, nous ne le savons pas.
Une histoire d’amour ne s’explique pas, elle se vit, tout simplement. Le reggae s’est
développé en Suisse par une suite de ces histoires d’amours. Nul mouvement, groupe social
ou entreprise commerciale ne l’a installé dans le pays. Ce sont des individus, issus de tous
milieux, qui l’ont porté. Non pas par intérêt financier car le reggae, en Suisse moins encore
qu’ailleurs, ne rend pas riche, bien au contraire. Mais simplement par passion d’un solo de
trombone, d’une ligne de basse ou pour porter le message de Jah en plein cœur de Babylon.
La scène reggae helvétique n’est pas un tout cohérent, c’est un ensemble de foyers
disséminés dans le pays, avec son lot d’amitiés, de conflits ou de jalousies.
En Suisse, comme dans les pays voisins, l’engagement à long terme de ces individus a
permis le retour inattendu d’une musique qui, ses inventeurs le clament haut et fort depuis
trente ans, ne peut mourir. Et quand la vague actuelle se retirera, au gré de la versatilité du
grand public, elle laissera derrière elle, outre les fidèles de la première heure, une nouvelle
génération de passionnés, pour qui cette musique ne saura se résumer à une mode
passagère. Ils seront sans doute peu nombreux, mais, à l’instar de leurs prédécesseurs, ils
feront du bruit, et ce dans les recoins les plus reculés du pays.
146
Poursuivant l’œuvre patiente et discrète des pionniers qui enracinent cette musique dans le
sol du pays depuis vingt-cinq ans, ils seront peut-être les témoins de ce dont les prophètes
aux pieds nus des ghettos de Kingston n’ont jamais douté : It a go dread inna Switzerland !
It a go dread all over !
.
147
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TARRIERE, Vincent, « L’arche magique » in Vibrations (6), août 1998, pp. 26-32
152
DVD’s : Fiction
-
The Harder They Come de Perry HENZELL, avec Jimmy Cliff, Carl Bradshaw, Basil
Keane, ... 1972, International Film Management/ 2001, BMG
Rockers de Theodore BAFALOUKOS, avec Leroy “Horsemouth” Wallace, Richard
“Dirty Harry” Hall, Jacob Miller, Winston “Burning Spear” Rodney, ... 1977, Rockers
Film Corp. / 2000, Wienerworld
DVD’s : Documentaires
-
Bob Marley and the Wailers : Catch a Fire, de Jeremy MARRE, avec Bob Marley,
Peter Tosh, Bunny Wailer, Chris Blackwell,... 2000, TDK Classic Albums
Heartland Reggae featuring the One Love Peace Concert, de Jim LEWIS, avec
Dennis Brown, U Roy, Jacob Miller, Mortimer Planno,... 1981, Canada Offshore
Cinema Ltd. / 2001, Sanctuary Digital Entertainment
Portraits of Jamaican Music, de Pierre-Marc SIMONIN, avec les Skatalites, Burning
Spear, Max Romeo, Lee Perry, I Roy,… 2003, Passage Productions
Rebel Music : The Bob Marley Story, de Jeremy MARRE, avec Rita Marley, Aston
“Family Man” Barrett, Lee “Scratch” Perry,... 2001, Island Def Jam Music Group
Roots Rock Reggae : Inside the Jamaican Scene, de Jeremy MARRE, avec les
Gladiators, Mighty Diamonds, Abbyssinians, Lee “Scratch” Perry, Joe Higgs, ...
1977, BBC Beats of the Heart / 2000, Shanachie Entertainment Corp.
Studio One Story, de Stuart BAKER, avec Clement “Coxsone” Dodd, Alton Ellis,
Dennis Alcapone, Horace Andy, Sister Ignatius, ... 2002, Soul Jazz Records Ltd.
Vidéos : Fictions
-
Countryman, de Dickie JOBSON, avec Carl Bradshaw, Basil Keane, Ronnie McKay,
Freshley Richardson,… 1983, Island Pictures
Vidéos : Documentaires
-
Jamaïque-FMI : Mourir à crédit, de William KAREL, La Sept-Arte / INA, 1998
Reggae Sunsplash, de Stefan PAUL, avec Peter Tosh, Burning Spear, Third World, …
1979
153
Sites Internet : reggae international
-
www.niceup.com
(Portail d’entrée vers le reggae sur internet, très nombreux liens vers d’autres
sites spécialisés)
-
www.reggaelution.net
www.rootsdub.free.fr
www.robertnestamarley.free.fr (Divers sites en français, tenus par des passionnés)
Sites Internet : reggae suisse
-
-
www.rootsconnection.ch
(Site tenu par Claude « Ras C » Baumann, de Lucerne, spécialiste de
ska. Abrite en autres le site de Nof-Nof, constitué d’une partie de sa collection de photos, ainsi qu’une
discographie de Don Drummond établie par Alain Salvi)
www.upfront.ch
(Magazine en ligne, remarquablement fait. Nombreuse informations ou
interviews menées par Dub Soljah)
www.wiseadvertise.ch (Agenda des événements reggae en Suisse, principalement basé sur la
Suisse alémanique)
www.addis.ch (Très beau site du duo genevois Restless Mashaits, possibilité de commander leurs
productions en ligne)
www.armageddontimes.ch (Site du collectif rasta argovien Gideon Soldiers, très axé sur les côtés
mystiques et historiques)
www.raspectshop.com (Antre d’Asher, centralise les informations sur les nombreuses activités de
Rootsman productions)
www.matthieu.ch (Association d’aide aux victimes, créée par les parents de Mathieu Lugon.
Permet entre autres de suivre les évolutions de l’affaire)
www.fréquencebanane.ch/Emissions/Reggae/forum/index.php/ ( Forum reggae romand)
www.propaganda.ch/Reggae (Site du pionnier Roots Operator)
Sites Internet : Rastafari
-
www.rastafari.org
www.imperialethiopia.org
www.rastafarispeaks.com (Divers sites consacrés à la parole d’Hailé Sélassié)
www.rism.org (Abrite la version complète du texte de Mortimer Planno « The earth’ most strangest
man », jamais publié)
154
Sources :
-
ALLAZ, François, « Parfum de Jamaïque et soirée country » in 24 Heures, 9 juillet
1979, p. 35
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BACHMANN, Matthias, « Lee Scratch Perry : einer flog übers Reggae-nest » in
Music Scene (11), novembre 1989, p.12
BADER, Staša, Worte wie Feuer : Dancehall-Dichtung in Jamaika und England,
Zurich, Buchverlag Michael Schwinn, 1988, pp. 57-61
BADER, Staša, « Reggae tot ? Schpinsch ! » in Music Scene (7), juillet 1985, pp 3335
BADER, Staša, « The Ganglords : Schweiz-Jamaikanische Freundschaft » in Music
Scene (12), décembre 1990, p. 11
BALLY, Martine, « Rastaman Vibration Positive: Die Reggae-Szene in der Schweiz »
in A walk on the wild side: Jugendszenen in der Schweiz von den 30er Jahren bis
heute, Zurich, Chronos Verlag, 1997, pp. 146-152
BATT, Paul, « Die Zürcher stürmten das Limmathaus, um Jimmy Cliff zu sehen » in
Tages Anzeiger, 29 janvier 1979, p. 17
BENDER, Alexandre, « "Que justice soit enfin rendue à mon fils" » in Le Matin, 9
novembre 1999
BERNA, Marianne, « Burning Spear » in Tages Anzeiger, 30 janvier 1981, p.12
BERNA, Marianne, « Toots wie Feuerwerk, Tosh wie ein alternder Mann » in Tages
Anzeiger, 23 juin 1981, p. 18
BESENCON, Jean-Blaise, « Tonnerre et déluge final » in 24 Heures, 10 août 1981, p.
18
BESENCON, Jean-Blaise, « The Specials » in Music Scene (14), septembre 1980, p.
53
BESENCON, Jean-Blaise, « Burning Spear et… quelques privilégiés ! » in Music
Scene (20), mars 1981, p. 53
BESENCON, Jean-Blaise, « Rythmes Noirs : le Reggae » in 24 Heures, 6 août 1981,
p. 3
BESENCON, Jean-Blaise, « Reggae, Nouvelles des Antilles » in Music Scene (28),
décembre 1981, p.45
BESENCON, Jean-Blaise, « Du Dub … » in Music Scene Romandie(4), avril 1982, p.
9
BESENCON, Jean-Blaise, « Rasta… per le cul au plafond » in Music Scene Romandie
(6), juin 1982, p. 7
BESENCON, Jean-Blaise, « Loin de Babylone : Burning Spear » in Music Scene
Romandie (7), juillet 1982, p. 13
BESENCON, Jean-Blaise, « Reggae rondelles » in Music Scene Romandie(1), janvier
1983, p. 13
BESENCON, Jean-Blaise, « Vive le roi Soleil ! » in 24 Heures, 12 juillet 1983, p. 36
BLAZY, Dominique, « L’index de Jimmy Cliff » in La Tribune de Genève, 22 juin
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BODER, Willy, « Presque en transe » in 24 Heures, 6 août 1981, p. 20
BODER, Willy, « La dernière (fausse) note » in 24 Heures, 10 août 1981, p. 18
BREITWEISER, Thomas, « Reggae – Exodus der Rebel Music ? » in Music Scene
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CASPARY, Michel, « Deux folles semaines ! » in 24 Heures, 4 juillet 1980, p. 47
CASPARY, Michel, « Le reggae et l’Afrique à Montreux : Bien-être intense » in 24
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CASPARY, Michel, « Montreux » in Music Scene (13), août 1980, p. 55
CASPARY, Michel, « Des fautes partagées » in 24 Heures, 10 août 1981, p. 18
CASUTT, Paul, « Editorial » in Music Scene (2), février 1983, p. 3
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anonyme, « Agitez à l’emploi ! » in Le Démocrate, 9 octobre 1987
anonyme, « L’âme des larmes » in L’Express, 17 janvier 1989
anonyme, « Free & Virgin : Herzlichen Glückwunsch zu 20 Jahren Rock’n’Roll » in
Music Scene (4), avril 1991, pp. 14-17
anonyme, « Heart Beat Band featuring Rico » in Vibration Connection, juillet 1990, p.
10
anonyme, « The Mad Lighters en concert demain » in L’Express, 24 octobre 1991, p.
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juin - 4 juillet 2002, p. 1
159
Entretiens:
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Alain Salvi, Neuchâtel, novembre 2002, mai 2003, mai 2004
-
Pierre-Jean Crittin, Lausanne, février 2003
-
Gérard Sutter, Lausanne, janvier 2003
-
François Borel, Neuchâtel, mars 2003
-
Marc « Nof-Nof » Tourtchaninoff, Fontaines, juin 2003, mars 2004
-
Alan « Asher » Finkel, Genève, avril 2004, juin 2004
-
Frédéric Graf, Bienne (par téléphone), avril 2004
-
Daniel Schneider, Bienne (par téléphone), mai 2004
-
Antonello et Cristina Lubello, Neuchâtel, mai 2004
-
Philippe Santschi, Genève (par téléphone), mai 2004
-
Olela « Fireman » Wembo Dja, Lausanne (par email), mai 2004
-
Shami Badache, Genève, juin 2004
-
Gilles « Jil » Geuggis, Chêne-Bourg, juin 2004
-
Stéphane « Dub Soljah » Canetta, Genève (par téléphone), juin 2004
-
Sista Caroline, Genève, février 2004
-
Sista Sara, Genève, février 2004
-
Keith « Prince Allah » Blake, une dizaine d’entretiens entre 2000 et 2004
160
VII. Liste des annexes
V.a Présentation
p. I
V.1 Glossaire
p. II
V.2 Exemples de textes
V.2.a Afrique
p. V
V.2.b Rasta
p. VIII
V.2.c Reality
p. X
V.2.d Ganja
p. XIV
V.2.e Proverbes
p. XVII
V.3 Composition des principaux groupes vocaux jamaïcains
p. XVIII
V.4 Principaux musiciens jamaïcains des années 1960-1980
p. XXII
V.5 Producteurs jamaïcains du ska au roots
p. XXVII
V.6 Premiers sound systems jamaïcains
p. XXX
V.7 Concerts reggae en Suisse 1979-1994
p. XXXIII
V.8 Questionnaire
p. XXXVII
161
VII. Table des matières
a.1 Introduction
p.1
a.2 Introduction méthodologique
p.3
Première partie : Histoire du reggae
I.1 Histoire de la Jamaïque
I.1.a Les Arawaks
p.10
I.1.b L’arrivées des Espagnols
p.11
I.1.c Terre d’esclaves et de pirates
p.12
I.1.d Une tradition de rébellion
p.13
I.1.e La Jamaïque moderne
p.16
I.2 Rastafari
I.2.a La religion des esclaves
p.18
I.2.b Ethiopianisme et Great Revival
p.19
I.2.c Les précurseurs
p.21
I.2.d Les premiers rastas
p.24
I.2.e Développement du mouvement
p.26
I.2.f Croyances et symboles
p.29
I.3 Reggae
I.3.a Burru et mento
p.34
I.3.b Sound systems
p.36
I.3.c Ska
p.39
I.3.d Rocksteady
p.41
I.3.e Reggae
p.44
I.3.c Roots
p.49
162
Deuxième partie : de Kingston à Zurich
II.1 Développement international du reggae
II.1.a Le cas de la Grande-Bretagne
p.60
II.1.b Etats-Unis et Europe continentale
p.66
II.1.c L’Afrique
p.73
II.2 Les premiers pas du reggae en Suisse
p.76
II.3 Zurich la jamaïcaine
II.3.a Good News
p.78
II.3.b Jamarico
p.82
II.3.c La venue du roi
p.84
II.4 La fin de la vague
p.89
II.5 La Suisse romande
II.5.a Montreux Jazz Festival 1979
p.92
II.5.b Nof-Nof
p.93
II.5.c Les concerts du Centre Autonome
p.97
II.6 La mort de Marley dans la presse suisse
p.105
163
Troisième partie : Développement de la scène reggae helvétique
III.1 Man from Neuchâtel
III.1.a Premiers passionnés
p.111
III.1.b Les pionniers du Heart Beat Band
p.114
III.1.c Rico à Neuchâtel
p.120
III.2 Lee Perry, « king of Switzerland »
p.126
III.3 Dread inna Geneva
III.3.a Asher
p.130
III.3.b La scène du Goulet
p.136
III.4 Explosion actuelle
p.140
IV. Conclusion
p. 144
V. Annexes
pp.I-XXXVII
VI. Bibliographie
p. 147
VII. Liste des annexes
p. 160
VIII. Table des matières
p. 161
164

It a go dread inna Switzerland 1

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