Merce 90 - Balletto Oggi

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la revue internationale de la danse • the international dance magazine • n°201
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Merce 90
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la revue internationale de la danse
the international dance magazine
la rivista internazionale della danza
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Merce Cunningham
New York, 2009 (photo M. Seliger)
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n° 201 - VI. 2009
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26.XI.1983. Distribuzione Italia: Messaggerie Periodici, via G. Carcano 32, 20141 Milano.
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4
Affiche/Cartellone/Calendar
10
Echos – nouvelles du monde de la danse
Brevi – notizie dal mondo della danza
News – from the dance world
30
Merce, 90 de jeunesse
Sempreverde Merce
Evergreen Merce
41
Les critiques / Recensioni spettacoli / Critics : Ballet de l’Opéra de Paris •
Jerôme Bél Co. • Balletto del Teatro alla Scala, Milano • Bayerisches Staatsballett
• Zurich Ballet • The Forsythe Company • Ballet du Grand Théâtre de Genève •
American Ballet Theatre • Martha Graham Dance Company • Béjart Ballet Lausanne
• Balletto dell’Opera di Roma • Norwegian National Ballet, Oslo
61
68
71
Multimedia : TV, Web, Dvd...
TV
Dance Web
af
he • car
tellone • calendar • af
he • car
tellone calendar • af
he • car
he
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
AUSTRIA
Wien
Schauspielhaus
18, 20. VII: Cie. Random
Scream, Davis Freeman:
Investment
22. VII, 4. VIII: Andrea Maurer,
Thomas Brandstätter: Performance Must Go
25, 26. VII: Cie. Ann Liv Young:
The Bagwell in me
31. VII: Cie. Colette Sadler: The
Making of Doubt
31. VII, 4. VIII: Delgado Fuchs
1, 11. VIII: Antonija Livingstone:
The Part
2, 12. VIII: Jennifer Lacey,
Antonija Livingstone: Culture &
Administration
14, 15. VIII: Dalija Acin,
Recognize Crew: Oh, no!
Kasino
21. VII: Philipp Gehmacher:
“walk + talk”; Milli Bitterli: “walk
+ talk”
23. VII: Anne Juren: “walk +
talk”; Rémy Héritier: “walk + talk”
9. VII: Superamas
13, 15. VIII: Liquid loft, Jin Xing
Dance Theatre: Lovely Liquid
Lounge – c. C. Haring
w Kunsthalle
27, 28, 30, 31. VII, 1. VIII: Alice
Chauchat and others: The Love
Piece
3, 4. VIII: Michikazu Matsune,
David Subal: One Hour Standing
for
Volkstheater
17, 19. VII: Cie Rosas: The Song
– c. A. T. De Keersmaeker
Akademietheater
31. VII, 2. VIII: Nederlands Dans
Theater: Last Touch First – c.
J. Kylián
5-8. VIII: Troubleyn: L’Orgie de
la tolérance – c. J. Fabre
6, 8. VIII: Fumiyo Ikeda, Tim
Etchells: in pieces
9. VIII: Xavier Le Roy: SelfUnfinished
11. VIII: Olivier Dubois: Faune(s)
12, 13. VIII: Benoît Lachambre,
Louise Lecavalier: You Is Me
MuseumsQuartier
16, 20, 22. VII: Savion Glover
19. VII: Cie Colette Sadler: The
Making of Doubt; Preethi
Athreya: Porcelain
23, 26. VII: Cie Andrea Bozic:
Nothing Can Surprise Us; Cecilia
Bengolea & François
Chaignaud: Sylphides
24, 25. VII: Cie Random Scream
& Davis Freeman: What You
Square des Amandiers
3 1 . V I I: C a r l o t t a S a g n a :
Tourlourou
Palais Royal
16-18. VII: Robyn Orlin: Walking
Next to our Shoes...Intoxicated
by Strawberries and Cream, We
Enter Continents Without
Knocking...
29. VII-1. VIII: José Galván:
Maestría
29, 30. VII: Andrés Marín:
Vanguardia Jonda
5-7. VIII: Cie Maguy Marin/CCN
Rillieux-la-Pape: May B
Need to Know; Ultima Vez:
nieuwZwart – c. W.
Vandekeybus
27, 28. VII: Cie Rosas: Rosas
danst Rosas – c. A. T. De
Keersmaeker
29, 30. VII: Cie Boris Charmatz
29. VII: Xavier Le Roy: Le Sacre du printemps
30. VII: Cie Maguy Marin/CCN
Rillieux-la-Pape: May B
1. VIII: Cie Maguy Marin/CCN
Rillieux-la-Pape: Umwelt
2. VIII: Eszter Salamon, Christine
De Smedt, Pro Series Group:
Transformers
3. VIII: Cie Maguy Marin/CCN
Rillieux-la-Pape: creation
4. VIII: Cie Alain Buffard: Les
Inconsolés
10, 13. VIII: Cie David Wampach:
AUTO; Pieter Ampe, Guilherme
Garrido: Still Difficult Duet
16. VIII: Mark Tompkins & Cie.
I.D.A.: Empty Holes
Kunsthistorisches Museum
12. VII: David Zambrano & Max
Nagl: Under-de-Colors
Novomatic Forum
15. VII: Kerstin Kussmaul, Jan
Burkhardt: Vexations: Wir
nennen es Arbeit
15. VIII: Mark Tompkins, Cie.
I.D.A.: kings & queens
Cie Maguy Marin/CCN de Rilleux-la-Pape: “Umwelt”(ph. C. Ganet)
ESPAÑA
Barcelona
Teatre Nacional de Catalunya
9-19. VII: Companyia RARAVIS:
Present vulnerable
15-18. VII: Sylvie Guillem, Russell
Maliphant: Eonnagata
Teatre Mercat de les flors
24-26. VI: Compagnia Virgilio
Sieni: La natura delle cose
28, 29. VI: Wayne McGregor |
Random Dance: Entity
2-3. VII: Companyia Grupo da
Rua: H3 – c. B. Beltrão
7-10. VII: Jove Companyia de
l’Institut del Teatre: IT Dansa
La Caldera
2-5. VII: Arthur Rosenfeld, Ana
Teixidó: Caldera Express’09
7-12. VII: “Caldera Artistes
Residents”
Sala Muntaner
15-26. VII: Cia. Trànsit Dansa
Maria Rovira: Les dones i
Shakespeare
DEUTSCHLAND
Hamburg
Staatsoper
1. VII: Die Kameliendame – c.
J. Neumeier – Hamburg Ballet
2. VII: Die Möve – c. J. Neumeier
– Hamburg Ballet
3. VII: The Little Mermaid – c.
J. Neumeier – Hamburg Ballet
4. VII: Sylvia – c. J. Neumeier
– Hamburg Ballet
5. VII: Nijinsky – c. J. Neumeier
– Hamburg Ballet
7, 8. VII: Ballet de Lorraine:
Petrouchka – c. M. Fokine;
Noces – c. B. Nijinska; Mariage
– c. T. Saarinen
9. VII: Daphnis and Chloe;
Afternoon of a Faun; Le Sacre
– c. J. Neumeier – Hamburg
Ballet
10. VII: Verklungene Feste; The
Legend of Joseph – c. J.
Neumeier – Hamburg Ballet
11. VII: The Prodigal Son – c.
G. Balanchine; Le Sacre du
printemps – c. V. Nijinsky; Le
Pavillon d’Armide – c. J.
Neumeier
12. VII: Nijinsky Gala
Granada
Jardines del Generalife
30. VI: Compañía Nacional de
Danza: O Domina Nostra;
Gnawa – c. N. Duato; De paso
– c. G. Doda
2. VII: Corella Ballet Castilla y
León: Bruch Violin Concerto n.
1 – c. C. Tippet; Tchaikovsky
Pas de Deux – c. G. Balanchine;
Clear; We Got it Good – c. S.
Welch; In the Upper Room –
c. T. Tharp
4
4. VII: Compañía María Pagés:
Autoretrato
7, 9. VII: The Royal Ballet: Swan
Lake – c. M. Petipa, L. Ivanov
Teatro Caja
6-8. VII: “Festival jóvenes-endanza”
Avignon
Chapelle des Pénitents Blancs
19-21. VII: Cie Nacera Belaza:
Le Cri
Salle Benoît XII
26-29. VII: Cie Rachid
Ouramdane: Loin
Carrière de Boulbon
18, 19, 20, 22, 23, 24, 25, 26.
VII: Israel Galván: El final de
este estado de cosas, redux
Cour du Lycée Saint-Joseph
9, 10, 11, 12, 13, 15. VII:
Troubleyn: L’Orgie de la
tolérance – c. J. Fabre
22. VII : Compañía Antonio Najarro: Jazzing
Flamenco
Cloître des Célestins
21, 22, 24, 25, 26. VII: Cie Dave
St-Pierre: Un peu de tendresse...
Parc des ExpositionsChâteaublanc
12, 14, 18. VII: Needcompany:
La Chambre d’Isabella; Le Bazar du homard; La Maison des
cerfs – c. J. Lauwers
13, 16, 17. VII: Needcompany:
La Maison des cerfs – c. J.
Lauwers
Tinel de la Chartreuse
19, 20, 21, 22, 24, 26, 27, 28.
VII: Cie Rachid Ouramdane: Des
témoins ordinaires
Gymnase du Lycée Aubanel
8, 9, 10, 11, 12, 14, 15, 16. VII:
Cie Maguy Marin/CCN Rillieuxla-Pape: création
Lacoste
aux Carrières
25. VII: Pietragalla Compagnie,
Marie-Claude Pietragalla, Julien
Derouault: Marco Polo
27. VII: Cie Julien Lestel: Costance
Le Havre
Théâtre de l’Hôtel de la Ville
18. VII: Cie Julien Lestel:
Costance
Lyon
Théâtre Romain de Fourvière
2-4. VII: Cie Sasha Waltz: Dido
and Aeneas
9-11. VII: Sylvie Guillem, Russell
Maliphant: Eonnagata
Cannes
Palais des Festivals
26. VII: Ballet du Théâtre
Mikhaïlovsky de SaintPétersbourg
Marseille
Parc Chanot – Auditorium
9, 10. VII: Saburo Teshigawara:
Miroku
Carcassonne
Théâtre Jean-Deschamps
11. VII: Cie Blanca Li: Le Jardin
des délices
Montpellier
Opéra Berlioz
3, 4. VII: Mark Morris Dance
Group: Mozart Dances: Eleven,
Double; Grand Duo
Chai du Terral
3, 4. VII: Vera Montero & Guests:
Ceci n’est pas une conférencedémonstration
Nanterre
École Voltaire
Tourlourou
Perpignan
Campo Santo
13. VII: Cie Blanca Li: Le Jardin
des délices
17, 18. VII: Ballet Preljocaj:
Blanche-Neige
25. VII: Compañía María Pagés:
Sevilla
Rennes
Place des Lices
7, 8. VII: Cie Tango Sumo/Cie
Vendaval: Noces de trottoir
Saint-Ouen
Bibliothèque Glaner
Tourlourou
Alexandre Riabko, Thiago Bordin – Hamburg Ballet: “Nijinsky”, c. John Neumeier (ph. H. Badekow)
FRANCE
Paris
Opéra – Palais Garnier
1, 2, 3, 4, 6, 7, 8, 9, 10, 11, 13,
14, 15. VII: La Fille mal gardée
– c. F. Ashton – Ballet de l’Opéra
de Paris
Théâtre du Châtelet
6. VII: Alvin Ailey American
Dance Theatre: Hymn for Alvin
Ailey – c. J. Jamison, R. Ruggeri;
Revelations – c. A. Ailey;
“Anniversary Highlights”
7-11. VII: Alvin Ailey American
Dance Theatre: Festa Barocca – c. M. Bigonzetti; Unfold –
c. R. Battle; Revelations – c.
A. Ailey
Dance Theatre: The Golden
Section – c. T. Tharp; Solo – c.
H. Van Manen; The Groove To
Nobody’s Business – c. C. Brown;
Love Stories – c. J. Jamison
Dance Theatre: Firebird – c. M.
Béjart; Suite Otis – c. G. Faison;
Revelations – c. A. Ailey
Théâtre de la Ville
1-3. VII: Cie Rosas: The Song
– c. A. T. De Keersmaeker
5
af
he • car
he • car
he • car
he
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
Vaison La Romaine
Théâtre Antique
10, 11. VII: Ballet Preljocaj:
Blanche-Neige
15. VII: Jacky Berger: Blue Lady
– c. C. Carlson
18. VII: Cie Georges Momboy:
Entre ciel et terre; Prélude à
l’après-midi d’un faune; Le Sacre du printemps
21. VII: Compañía Antonio
Najarro: Jazzing flamenco
24-26. VII: STOMP
GREAT BRITAIN
Edinburgh
Playhouse
21-24. VIII: The Royal Ballet
of Flandres: Ulysses – c. C.
Spuck
28-31. VIII: Michael Clark
Company: creation
4, 5. VIII: Scottish Ballet: Scènes
de ballet – c. F. Ashton;
Workwithinwork – c. W.
Forsythe; Petrushka – c. I. Spink
Festival Theatre
21-23. VIII: Companyia de
Dansa Gelabert/Azzopardi:
Sense Fi; Conquassabit
London
Dance
2-4. VII: Nederlands Dans
Theater: Last Touch First – c.
J. Kylián
6, 7. VII: Cie Rosas: Rosas danst
Rosas – c. A. T. De Keesmaeker
7-9. VII: Anna Halprin – Anne
Collod and guests: parades &
changes, replays
10-12. VII: The Plant collective:
Trente
13-15. VII: Les Ballets C. de la
B.: Pitié – c. A. Platel
The Athens Concert Hall
9, 10. VII: Cie Rosas: The Song
– c. A. T. De Kersmaeker
Odeon - Herodes Atticus
6, 7. VII: Kirov Ballet - Mariinsky
Th. St. Petersburg: Swan Lake
– c. M. Petipa, L. Ivanov
Scholeion
14, 15. VII: Lenio Kaklea: Matterof-act
16. VII: Compagnia delle Residenze Sabaude, Dorothée
Gilbert, Alessio Carbone: Giselle
– c. J. Coralli, J. Perrot, M. Petipa
19. VII: Teatro Accademico Statale di Ufa Rudolf Nureyev: La
Fontana di Bakhchisaray – c.
S. Teregulov
23. VII: Balletto di Roma: Otello
– c. M. Monteverde
26. VII: Pasiones Company:
Divino Tango – c. A. Aragon
30. VII: Ballet de Cuba: Havana
Rakatan
2. VIII: Compañía de Baile Arte
y Flamenco: Flamenco a dos
caras – c. M. Morra
Bassano del Grappa
Bolle di Nardini
15, 16. VII: Kristin Hjort Inao,
Yoshifumu Inao: GPS for a
romance
Castello degli Ezzelini
12. VII: Emio Greco/PC: Double
Points: Rocco
26. VII: Shen Wei Dance Arts:
Re; Map
30. VII: Los Vivancos: 7
Hermanos
1. VIII: I Cosacchi del Kuban
4. VIII: Pasiones Company: Divino Tango – c. A. Aragon
ITALIA
Acqui Terme
Festival “Acqui in palcoscenico”
3. VII: Balletto Teatro di Torino: Moving Parts – c. M. Levaggi
7. VII: CRDL Mvula Sungani,
Raffaele Paganini: Ho appena
50 anni
Bolzano
Teatro Comunale
20. VII: Hubbard Street Dance
Chicago: Slipstream o Counter/
Part – c. J. Vincent; Extremely
close – c. A. Cerrudo; Minus
16 – c. O. Naharin
21. VII: Bonachela Dance
Company: The Land of Yes and
the Land of No
22. VII: Cie Maguy Marin/CCN
de Rillieux-la-Pape: creazione
23. VII: Ismael Ivo: Die Nacht
des Dionysos
27. VII: Jasmin Vardimon
Company: Yesterday
29. VII: Shen Wei Dance Arts:
Re (I,II,III)
30, 31. VII: Cie d’1 Autre Monde:
Last of July; incorporation(s)
31. VII: Cie Black Blanc Beur:
Contrepied
Parco dei Cappuccini
24. VII: Flamenco Camerata:
Flamenco Elementar
Piazza Walther
25. VII: Cie Dife Kako
Civitanova Marche
Teatro Rossini
11. VII: Aterballetto: Casanova
– c. E. Scigliano
Como
Parco di Villa Olmo
11. VII: Balletto del Teatro alla Scala:
Pink Floyd Ballet – c. R. Petit
Compañía Nacional de Danza: “O Domina Nostra”, c. Nacho Duato (ph. F. Marcos)
Covent Garden
3-6. VIII: Kirov Ballet - Mariinsky
Th. St. Petersburg: Romeo and
Juliet – c. L. Lavrovsky
7, 8, 10, 11. VIII: Kirov Ballet:
Swan Lake – c. M. Petipa, L.
Ivanov
12, 13. VIII: Kirov Ballet Mariinsky Th. St. Petersburg:
Rubis; Serenade; Symphony in
C – c. G. Balanchine
14, 15. VIII: Kirov Ballet Mariinsky Th. St. Petersburg:
The Sleeping Beauty – c. M.
Petipa
Sadler’s Wells Theatre
7-19. VII: New Adventure: Dorian
Gray – c. M. Bourne
23. VII-30. VIII: Adam Cooper
Company: Shall We Dance
Coliseum
22-25. VII: “Carlos Acosta and
Guest Artists”
Cremona
Arena Giardino
14. VII: Balletto del Teatro alla Scala:
Pink Floyd Ballet – c. R. Petit
Dro
Centrale Idroelettrica
24. VII: Compagnia Abbondanza/
Bertoni: La densità dell’umano
25, 26. VII: Compagnia Virgilio
Sieni: La natura delle cose
31. VII, 1. VIII: Erna Omarsdottir:
Teach us to Outgrow our
Madness
Fénis
Parco del Castello
27. VII: “Roberto Bolle and
Friends”
Finale Ligure
Complesso Monumentale di
Santa Caterina
14. VIII: Balletto Teatro di Torino: “Moving Parts” – c. M.
Levaggi
Firenze
Giardino di Boboli
1. VII: MaggioDanza: gala
29, 30. VII: “Roberto Bolle and
Friends”
Loano
Giardini del Principe
GREECE
Athens
Peiraios 260
1. VII: Contemporary Greek
Milano
Teatro alla Scala
6
Needcompany: “La Maison des cerfs”, c. Jan Lauwers
(ph. M. Vanden Abeele)
1, 2, 3, 7, 9, 10. VII: Pink Floyd
Ballet – c. R. Petit – Balletto
del Teatro alla Scala
Andrés Marín: “El cielo de tu boca” (ph. L. Castilla)
Montecchio Maggiore
Castello di Romeo
18. VII: Kataklò
25. VII: Teatro Accademico Statale di Ufa “Rudolf Nureyev”: Il
lago dei cigni – c. M. Petipa, L.
Ivanov
13. VIII: Gala
Montorso
Villa Da Porto
28. VII: Freddie Opoku-Addaie;
Silvia Gribaudi; Francesca Pennini
29. VII: Freddie Opoku-Addaie;
Helen Cerina; Chiara Frigo
Parma
Cortile della Pilotta
8. VII: Balletto del Teatro alla
Scala: Pink Floyd Ballet – c. R.
Petit
24. VII: Béjart Ballet Lausanne:
L’Amour – La danse; Boléro –
c. M. Béjart
31. VII: Compañía Antonio
Márquez
3. VIII: “Roberto Bolle and
Friends”
Passariano di Codroipo
Villa Manin
1. VIII: “Roberto Bolle and
Friends”
Racconigi
Castello di Racconigi
15, 16. VII: Balletto del Teatro
7
af
he • car
he • car
he • car
he
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
cartellone
afffic
iche
alla Scala: Pink Floyd Ballet –
c. R. Petit
21, 22. VII: Béjart Ballet
Lausanne: L’Amour – la danse;
Boléro – c. M. Béjart
Ravello
Villa Rufolo
24. VII: Gala “Danza e coraggio”
9. VIII: Les Ballets Jazz de
Montréal: Les Chambres des
Jacques; Jack in a Box – c. A.
Barton
Ravenna
Teatro Dante Alighieri
10. VII: L’Ensemble - Micha van
Hoecke: Le Baccanti
Palazzo Mauro de André
4. VII: Maya Plissetskaya, solisti del Balletto del Teatro Bolshoi
di Mosca e del Balletto Kirov di
St. Petersburg: gala
11. VII: Hubbard Street Dance
17. VII: Co. Sidi Larbi Cherkaoui:
Sutra
Magazzino dello Zolfo
7, 8. VII: Compagnia Virgilio Sieni:
Oro
Rivoli
Castello di Rivoli
23. VII: Cie Furiosas: Slipping
Roma
Terme di Caracalla
1-8. VII: Balletto del Teatro dell’Opera di Roma: Sogno di una
notte di mezz’estate – c. P.
Chalmer
Villa Doria Pamphili
1, 2. VII: Salzburg Ballet: Carmen
– c. P. Breuer
7. VII: Artemis Danza: Codice
India – c. M. Casadei
9. VII: Gala: “Ritratto di un coreografo: Luciano Cannito”
10. VII: Compagnia Flusso Dance
Project: Africa: The Last Beat
– c. V. Tamburi
15, 16. VII: Hubbard Street Dance
21, 22. VII: Los Vivancos: 7
hermanos
23. VII: L’Ensemble - Micha van
Hoecke
30. VII: Compagnia Nazionale
Raffaele Paganini
Proballet: Steps in the Movie
– c. M. Algeri
Sylvie Guillem: “Eonnagata”,
c. Russell Maliphant
Tivoli
Villa Adriana
2. VII: Russell Maliphant:
“Two:Four:Ten”
9, 10. VII: Israel Galván: El final
de este estado de cosas, redux
15, 16. VII: Balletto Kirov del
Teatro Mariinsky di San
Pietroburgo: Steptext;
Approximate Sonata; The
Vertiginous Thrill of Exactitude;
In the Middle, Somewhat
Elevated – c. W. Forsythe
Treviso
Centro storico
6. IX: T.R.A.S.H., Iris Erez;
Varella y Fernández; Silvia
Gribaudi
Savona
Fortezza del Priamar
20. VII: Teatro Accademico Statale di Ufa Rudolf Nureyev: La
fontana di Bakhchisaray – c. S.
Teregulov
29. VII: Pasiones Company: Divino Tango – c. A. Aragon
8. VIII: Ballet de Cuba: Havana
Rakatan
8. VIII: CRDL Mvula Sungani,
Raffaele Paganini: Ho appena
50 anni
Venezia
Piazza San Marco
12, 13. VII: Pietragalla Compagnie, Marie-Claude Pietragalla,
Julien Derouault: Marco Polo
Spoleto
Teatro Romano
3, 4. VII: New York City Ballet
dancers: Russian Seasons – c.
A. Ratmansky; Wheeldon
Company: After the Rain – c.
C. Wheeldon; Wayne McGregor/
Random Dance: Erazor – c. W.
McGregor
5. VII: New York City Ballet: In
the Night; Other Dances – c. J.
Robbins; Upon a Ground – c.
L. Veggetti
Taormina
Teatro Greco
23. VII: “Roberto Bolle and
Friends”
Torino
Teatro Regio
7. IX: “Roberto Bolle and Friends”
Teatro Cavallerizza Reale
10, 11. VII: Mélanie Munt: Petit
Pulse; Françoise Leick:
Kirov Ballet: “Swan Lake”
(ph. N. Razina)
Worstward Ho – c. M. Marin
Venaria Reale
26. VII: Cie Daniel Larrieux:
Marche, Danses de verdure
Lavanderia a Vapore –
Collegno
31. VII: Compagnia Ariston
Verona
Teatro Romano
27, 28, 29, 30, 31. VII, 1, 3, 4,
5, 6, 7, 8. VII: Momix: Bothanica
12, 25, 17. VII: Balletto dell’Arena
di Verona: Carmen – c. F. Lettieri
27-29. VII: Europa Danse:
Parade – c. L. Massine; Mercure
– c. T. Malandain; Pulcinella –
c. A. M. Stekelman; Cuadro
flamenco
Cortile Mercato Vecchio
3, 4. VII: ErsiliaDanza: Top Secret
– c. L. Corradi
18. VII: Sosta Palmizi:
Animaamatamente – c. G. Rossi
25.
VII:
Compagnia
ZappalàDanza: Romeo e
Giulietta Duet/Instrument 1
Vignale
Teatro Tenda
4. VII: Balletto del Sud: La Traviata, Maria Callas Il Mito – c.
F. Franzuti
7, 8, 15. VII: “Incontri di danza”
10. VII: Balletto di Milano, Luciana
Savignano: Red Passion – c.
C. Fagioli, C. Ledri
11. VII: Compagnia dell’Olmo
12. VII: PadovaDanza
14. VII: Gruppo Phoenix: Street
Dada – c. F. La Cava
17. VII: Cie Heliotropion: Lieu
de Passages… Elem D.O – c.
C. Tiradritti
18. VII: Compañía Flamenca
de José Moro: Don Quijote
19. VII: Compagnia Nazionale
Raffaele Paganini
23. VII: Pasiones Company:
Divino Tango – c. A. Argon
24. VII: Gala
MONACO
Monte-Carlo
Terrasses du Casino
14, 15, 17, 18. VII: Les Ballets
de Monte-Carlo: Le Spectre de
la Rose – c. M. Goecke; Men’s
Dance – c. J.-C. Maillot
22,-25. VII: Les Ballets de MonteCarlo: création – c. M. Mrozewski;
création – c. J.-C. Maillot
Richard Winsor – New Adventure: “Dorian Gray”,
c. Matthew Bourne
RUSSIA
dormant – c. M. Petipa – Kirov
Ballet
12. VII: “Diana Vishneva: Beauty
in Motion”
15. VII: Ballet Nacional de
España: Elegía-Homenaje;
El Café de Chinitas – c.
St. Petersburg
Mariinsky Theatre
8. VII: Don Quichotte – c. A.
Gorsky – Kirov Ballet
10. VII, 5. VIII: La Belle au bois
Artemis Danza: “Codice India”,
c. Monica Casadei
José Antonio
17, 18. VII: Ballet Nacional de
España: Dualia – c. Rojas,
Rodríguez; La Leyenda – c. José
Antonio
23, 31. VII: The Fountain of
Bakhchisarai – c. R. Zakharov
– Kirov Ballet
25. VII, 1, 9. VIII: La Sylphide –
c. A. Bournonville – Kirov Ballet
27. VII, 7. VIII: Giselle – c. J.
Coralli, J. Perrot, M. Petipa –
Kirov Ballet
Moscow
Bolshoi (New Stage)
8-11. VII: Cinderella – c.
Y. Poussokhov – Bolshoi
Ballet
12, 13. VII: Coppélia – c.
S. Vikharev – Bolshoi Ballet
16-19. VII: Flammes de Paris
– c. A. Ratmansky – Bolshoi
Ballet
23-25. VII: Spartacus – c.
Y. Grigorovich – Bolshoi
Ballet
8
9
ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS ECHOS
BREVI • ECHOS
NEWS •• ECHOS
BREVI •• BREVI
NEWS • ECHOS
ECHOS ••ECHOS
BREVI •• ECHOS
NEWS • ECHOS •• ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI
ECHOS • ECHOS
FRANÇAIS
ITALIANO
E N G L I S H
Cette année aussi les pageséchos de ce numéro estival de
Ballet2000 sont consacrés aux
divers festivals de l’été, plus
nombreux, pour d’évidentes
raisons touristiques, dans le sud
de la France et en Italie que dans
les autres pays européens. Les
programmes n’apparaissent pas
toujours très alléchants, surtout
pour les amoureux du ballet
(classique ou moderne), destinés
à rester sur leur faim, mais si
l’on compulse avec attention, on
peut s’organiser, tout compte fait,
un bel été de danse. Alors voici
quelques conseil et les
informations dont on dispose au
moment de mettre sous presse (en
effet les festivals de l’été ne
mettent pas toujours au point
leur programmation avec
l’avance nécessaire aux temps de
travail d’une revue mensuelle).
Nous renvoyons notre lecteur à
l’”Affiche” pour les dates, les
lieux et la liste complète des
spectacles.
Anche quest’anno le notizie del
numero estivo di BallettoOggi
sono dedicate ai vari festival
dell’estate, più numerosi, per
evidenti ragioni turistiche, in
Italia e nel sud della Francia che
negli altri Paesi europei. Non
sempre i programmi appaiono
particolarmente allettanti, soprattutto per gli amanti del
balletto (classico o moderno),
destinati di questi tempi a restare
a bocca semi-asciutta, ma
spulciando con attenzione, e
avendo tempo e possibilità, ci si
può organizzare, tutto sommato,
una bella estate di danza. Ecco
allora, insieme ad alcuni consigli, le informazioni di cui disponiamo al momento di andare in
stampa (non sempre i festival
dell’estate infatti mettono a punto
la loro programmazione con
l’anticipo necessario ai tempi di
una rivista mensile). Rinviamo poi
il lettore al nostro “Cartellone”
per le date, i luoghi e l’elenco
completo degli spettacoli.
Once again, the News section of
this year’s Summer edition of
Ballet2000 is devoted to the
various summer festivals which,
for obvious reasons connected to
tourism, are more numerous in
Italy and the south of France,
than in other European
countries. The programmes are
not always that attractive and
(classical or modern) balletlovers may be in for a
disappointment; nevertheless, if
one chooses selectively and is
ready, willing and able to travel,
one can manage to put together a
quality “dance tour”. Here, then,
are the details of which we are
aware as we go to print – but
readers should bear in mind that
summer festivals do not always
finalize their programmes
sufficiently ahead of time so as to
give adequate notice to monthly
magazines such as ours. Check
out the “wheres and whens” and
the complete perfomance listings
on our Calendar.
AUTRICHE
AUSTRIA
AUSTRIA
ImPulsTanz, le festival viennois de danse qui
se déroule entre juillet et août est riche en rendez-vous. Maguy Marin reprend May B, pièce
célèbre de 1981 inspirée du théâtre de l’absurde de Samuel Beckett, et le plus récent
Umwelt, “une réflexion chorégraphique sur
l’environnement”, avant de proposer sa dernière création, qui débute en juillet à Avignon
et qui ensuite fait le tour de plusieurs festivals. Du côté de la danse belge, on retrouve
deux compagnies qui continuent d’être plutôt
à la mode: Rosas d’Anne Teresa De
Keersmaeker avec trois programmes dont Rosas danst Rosas, un “classique” désormais de
cette chorégraphe, et Ultima Vez, la compagnie de danse-théâtre du choréo-metteur en
scène Wim Vandekeybus. À remarquer Last
Touch First, une pièce de Jirí Kylián, sorte de
tableau vivant couleur sépia d’autrefois, dans
lequel se produit un groupe de danseurs du
Nederlands Dans Theater dont Sabine
Kupferberg, femme et muse du chorégraphe
Quanto all’Austria, è ricco di appuntamenti
ImPulsTanz, festival viennese di danza che
si svolge tra luglio e agosto. Maguy Marin riprende May B, celebre lavoro del 1981 ispirato al teatro dell’assurdo di Samuel Beckett, e
il più recente Umwelt, “una riflessione coreografica sull’ambiente”, prima di proporre anche qui la sua ultima creazione, che debutta in
luglio in Francia e fa poi il giro di vari festivals.
Sul fecondo versante della danza belga, ritroviamo due compagnie che continuano ad essere piuttosto di moda: Rosas di Anne Teresa
De Keersmaeker con tre programmi tra cui
Rosas danst Rosas, un “classico” ormai della
coreografa belga, e Ultima Vez, compagnia di
teatro-danza del coreo-regista Wim
Vandekeybus. Da notare Last Touch First, un
lavoro di Jirí Kylián, una sorta di tableau vivant
color seppia d’altri tempi, in cui si esibisce un
gruppo di danzatori del Nederlands Dans
Theater tra cui Sabine Kupferberg, moglie e
musa del coreografo cèco. Tra gli altri artisti
Viennese dance festival ImPulsTanz, which
takes place between July and August, has a
particularly rich programme. Maguy Marin
will be reviving her famous 1981 work May
B, based on Samuel Beckett’s Theatre of the
Absurd, together with her more recent Umwelt,
“a choreographic reflection on the environment”, before also presenting her latest creation which will be premièred in France and
then tour various festivals. On the fertile front
of Belgian dance, two trendy companies: Anne
Teresa De Keersmaeker’s Rosas, offering three
different programmes (comprising, among
other pieces, Rosas danst Rosas which is considered one of her “classics”) and choreographer-director Wim Vandekeybus’s theatredance company, Ultima Vez. Mark your calendars for Jirí Kylián’s Last Touch First, a sort
of old-fashioned, sepia-tinted tableau vivant
interpeted by a group of Nederlands Dans
Theater dancers, including the Czech choreographer’s wife and muse, Sabine Kupferberg.
10
tchèque. Parmi les autres artistes au programme, Jan Fabre, avec sa dernière création
au titre évidemment provocateur, L’Orgie de
la tolérance, l’Autrichien Chris Haring, mais
aussi Alain Buffard et Olivier Dubois et plusieurs autres dont on donne la liste dans notre
Affiche.
in programma, Jan Fabre, con la sua ultima
creazione dal titolo ovviamente provocatorio,
L’Orgia della tolleranza, l’austriaco Chris
Haring, i francesi Alain Buffard e Olivier
Dubois e vari altri che riportiamo nel nostro
Cartellone.
Other artists expected in Vienna include Jan
Fabre with his latest work (the provacative title of which is The Orgy of Tolerance), Austrian choreographer Chris Haring and others
who are listed on our Calendar, including
Alain Buffard and Olivier Dubois from France.
FRANCIA
FRANCE
L’édition 2009 des Étés de la Danse a pour
siège le Théâtre du Châtelet de Paris. La compagnie invitée, que le festival a déjà programmée lors de sa deuxième édition en 2006, est
l’Alvin Ailey American Dance Theater, qui
fête cette année ses 50 ans. Pendant le mois de
juillet la compagnie présente une soirée de gala
d’ouverture en hommage à Paul Szilard (pendant 40 ans impresario de la compagnie) qui
comprend, entre autres, une suite de chorégraphies d’Alvin Ailey; il y a ensuite trois programmes, dans lesquels alternent des pièces
d’Ailey (le mythique Revelations), Twyla
Tharp (Golden Section), Hans van Manen
(Solo), Mauro Bigonzetti (Festa Barocca), de
l’actuelle directrice de la compagnie Judith
Jamison (Love Stories) et d’autres chorégraphes américains (Robert Battle, Camille A.
Brown).
L’edizione 2009 delle Étés de la Danse ha
come sede il Théâtre du Châtelet di Parigi. La
compagnia ospite, che il festival ha già invitato durante la sua seconda edizione nel 2006, è
l’Alvin Ailey American Dance Theater, che
festeggia quest’anno 50 anni. In luglio la compagnia presenta anzitutto una serata di gala di
apertura (in onore a Paul Szilard, per 40 anni
impresario della compagnia) che comprende,
tra l’altro, una suite di coreografie di Alvin
Ailey; ci sono poi tre programmi misti, nei
quali si alternano lavori di Ailey (il mitico
Revelations), Twyla Tharp (Golden Section),
Hans van Manen (Solo), Mauro Bigonzetti
(Festa Barocca), dell’attuale direttrice della
compagnia Judith Jamison (Love Stories) e di
altri coreografi americani (Robert Battle,
Camille Brown…). In programma anche una
serie d’incontri con i danzatori della compagnia.
The 2009 edition of Étés de la Danse takes
place at the Théâtre du Châtelet in Paris. The
guest-company, which also guested at the festival’s second edition in 2006, is Alvin Ailey
American Dance Theater which is celebrating its 50th anniversary this year. In July, the
troupe is offering an opening gala performance (in honour of Paul Szilard who has been
its impresario for 40 years) which will include
a suite of Alvin Ailey’s choreographies; then
there will be three mixed programmes that include works by Ailey (the legendary Revelations), Twyla Tharp (Golden Section), Hans
van Manen (Solo), Mauro Bigonzetti (Festa
Barocca), the troupe’s current director Judith
Jamison (Love Stories) and other American
choreographers (Robert Battle, Camille Brown
etc.). There will also be a serious of encounters with dancers from the company.
Le festival Paris Quartier d’Été anime
comme toujours la capitale entre juillet et août.
Quant à la danse, Robyn Orlin, la chorégraphe sud-africaine connue pour ses pièces “engagées” dans lesquelles elle aborde les thèmes brûlants de l’actualité de son pays,
présente une création qui est un hommage aux
traditions chorégraphiques et musicales des
Zoulous. Josef Nadj se produit ensuite dans
Il festival Paris Quartier d’Été anima come
sempre la capitale francese e i suoi dintorni
tra luglio e agosto. Per quanto riguarda la danza, Robyn Orlin, la coreografa sudafricana nota
per i suoi lavori “impegnati” in cui affronta i
temi scottanti dell’attualità del suo Paese, presenta una creazione in cui celebra le tradizioni coreutiche e musicali degli Zulù. Josef Nadj
si esibisce poi nella sua ultima performance
FRANCE
Glenn Allen Sims –
Alvin Ailey American
Dance Theater
(ph. A. Eccles)
11
The Paris Quartier d’Été festival will be held,
as usual, both in and around Paris in the months
of July and August. As far as the dance programme is concerned, South African choreographer Robyn Orlin, who is noted for addressing themes inherent to her country’s politics in her works, will present a creation celebrating Zulu dance and music. In addition,
Josef Nadj will dance his own choreography
Les Corbeaux (“The Ravens”), in which he
changes into a strange bird, and in the duet
which he made in 2005 with Pina Bausch’s
dancer Dominique Mercy, Petit Psaume du
matin (“Short Morning Psalm”). The public
will be able to discover the artistic talents of
this eclectic choreographer and dancer at a
side-event: an exhibition of Nadj’s paintings
at the Maison des Métallos. Nadj’s performances will be followed by Carlotta Sagna (an
Italian dancer who is well-known in France)
as a sort of “ballerina-kamikaze” in
Tourlourou; flamenco artists Andrés Marín and
José Galván are expected; the festival’s closing performance will be choreographer Maguy
Marin’s legendary May B at the Palais Royal.
The 63rd edition of the long-standing prestigous
Avignon Festival, devoted mostly to theatre,
but with dance, visual arts and cinema sections too, will be held in July, with the collaboration of Lebanese director/writer/actor
Wajdi Mouawad who is the Festival’s Associate Artist. On the dance front, the dancers of
the Centre Chorégraphique National de
Rillieux-la-Pape will present their director
Maguy Marin’s new creation, with costumes
by her usual designer Monserrat Casanova.
BREVI • ECHOS
NEWS •• ECHOS
BREVI •• BREVI
NEWS • ECHOS
ECHOS ••ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI
ECHOS • ECHOS
sa dernière performance Les Corbeaux, dans
laquelle il se métamorphose en oiseau, et dans
un duo qui remonte à 2005 avec Dominique
Mercy, interprète de Pina Bausch: Petit
Psaume du matin; à côté de ces spectacles, une
exposition de dessins et de peintures à la Maison des Métallos permet de découvrir la production picturale de ce danseur-chorégraphe
éclectique. C’est ensuite au tour de l’italienne
Carlotta Sagna avec Tourlourou, où l’on met
en scène une sorte de “ballerine-kamikaze”;
côté flamenco, il y aura Andrés Marín et Israel
Galván. Le dernier rendez-vous avec la danse
sera en août avec Maguy Marin qui reprend
son légendaire May B au Palais Royal.
La 63ème édition du Festival d’Avignon, ancienne et prestigieuse manifestation notamment de théâtre, mais aussi de danse, d’arts
plastiques et de cinéma, se déroule au mois de
juillet avec la collaboration, en tant qu’artiste
associé, du metteur en scène, acteur et écrivain libanais Wajdi Mouawad. En ce qui concerne la danse, Maguy Marin présente sa nouvelle création, conçue pour et avec ses danseurs
du CCN de Rillieux-la-Pape et avec l’apport
aussi de Monserrat Casanova, sa costumière
habituelle. Autre création à l’affiche celle de
Rachid Ouramdane: avec l’aide du vidéaste
Jenny Teng, il présente ici une pièce-documentaire sur les horreurs que certaines populations,
soumises à des pratiques de tortures, sont contraintes de subir. Côté danse-théâtre, la
Needcompany propose la trilogie du choréometteur en scène belge Jan Lauwers composée de La Chambre d’Isabella, Le Bazar du
homard et La Maison des cerfs; déclinées respectivement au passé, au futur et au présent,
ces pièces trouvent dans la perception du temps
leur fil rouge. Au Festival d’Avignon l’espace
pour la provocation ne manque guère: et voici
à l’affiche le choréo-metteur en scène belge
Jan Fabre (ex associé du festival lors d’une
édition qui fit scandale) avec L’Orgie de la
tolérance et le Canadien (mais résident en
Suisse) Dave St-Pierre, qui après la clameur
suscitée par les nus de La Pornographie des
âmes, reprend Un peu de tendresse bordel de
merde!. Au programme figurent également
Israel Galván avec sa dernière création et la
chorégraphe Nacera Belaza.
Le Festival MontpellierDanse se termine début juillet avec le Mark Morris Dance Group.
Au programme deux pièces du chorégraphe
américain: Mozart Dances: Eleven, Double sur
des musiques de Mozart, et Grand Duo. Dernier rendez-vous chorégraphique aussi à la mijuillet du Festival de Marseille, où le danseur et chorégraphe japonais Saburo
Teshigawara reprend Miroku, un solo plongé
dans une lumière bleue qui évoque une atmosphère marine et le ventre maternel.
En juillet aux Nuits de Fourvière de Lyon,
dans l’antique amphithéâtre romain, on programme Dido and Aeneas de Henry Prurcell
Les Corbeaux (“I corvi”), nella quale muta
le sue sembianze in un uccello multiforme,
e nel duo creato nel 2005 con Dominique
Mercy, interprete di Pina Bausch: Petit
Psaume du matin (“Piccolo salmo del mattino”); a corollario di questi spettacoli, una
mostra di quadri alla Maison des Métallos
permette di scoprire la produzione pittorica
di questo coreografo e danzatore eclettico.
Sarà poi la volta di Carlotta Sagna (italiana
ben nota in Francia) con Tourlourou, dove
viene messa in scena una sorta di “ballerina-kamikaze”; sul versante del flamenco, ci
saranno Andrés Marín e José Galván, mentre la coreografa Maguy Marin chiude il
festival riprendendo il suo leggendario May
B nella cornice del Palais Royal.
La 63a edizione del Festival di Avignone,
antica e prestigiosa manifestazione di teatro
in particolare, ma anche di danza e arti visive,
si svolge in luglio con la collaborazione del
regista, scrittore e attore libanese Wajdi
Mouawad, che ne è artista associato. Per quanto riguarda la danza, Maguy Marin presenta
la sua nuova creazione, concepita per e con i
danzatori del Centre Chorégraphique National
de Rillieux-la-Pape diretto dalla coreografa e
con il contributo di Monserrat Casanova, sua
abituale costumista. L’altra creazione in programma è quella di Rachid Ouramdane: l’ex
drammaturgo di Pina Bausch presenta, con la
collaborazione del videasta Jenny Teng, una
coreografia-documentario sugli orrori che devono subire certe popolazioni ancora sottomesse a pratiche di tortura. Sul versante del teatro-danza, la Needcompany propone la trilogia
del coreo-regista belga Jan Lauwers composta da La Chambre d’Isabella, Le Bazar du
homard e La Maison des cerfs; declinate rispettivamente al passato, al futuro e al presente, queste pièces trovano il loro filo conduttore nella percezione del tempo. Al Festival
di Avignone, inoltre, c’è sempre spazio per la
provocazione: ed ecco il coreo-regista e artista visivo belga Jan Fabre (ex associato del
festival in un’edizione che fece scandalo) con
L’Orgie de la tolérance (“L’orgia della tolleranza”) e il canadese (residente in Svizzera)
Dave St-Pierre, che dopo il clamore suscitato
dai nudi di La Pornographie des âmes (“La
pornografia delle anime”), riprende Un peu de
tendresse bordel de merde! (“Un po’ di tenerezza casino di m...”). In programma anche
Israel Galván con la sua ultima creazione e la
coreografa franco-algerina Nacera Belaza,
piuttosto nota in Francia.
Another new work is also on the bill: it is a
choreography-documentary by Rachid
Ouramdane, in collaboration with film-maker
Jenny Teng, on the horrors and torture to which
people in certain countries are still subjected.
On the theatre-dance front, the Needcompany
is offering a trilogy by Belgian choreographerdirector Jan Lauwers consisting of La
Chambre d’Isabella, Le Bazar du homard and
La Maison des cerfs; the leitmotiv of these
three works, which are set in the past, future
and present respectively, is the perception of
time. There is always an element of provocation at the Avignon Festival and this year will
be no exception with performances by Belgian choreographer-director and visual artist
Jan Fabre (who was the Associate Artist at a
previous edition of the festival which caused
quite a sensation) in L’Orgie de la tolérance
(“The Orgy of Tolerance”) and Swiss-based
Canadian choreographer Dave St-Pierre; after the shock-waves caused by the nude dancers in his La Pornographie des âmes (“The
Pornography of Souls”), St-Pierre will revive
Un peu de tendresse bordel de merde! (“A Little Tenderness in a ****** Brothel”). The programme also features Israel Galván’s latest
work and Franco-Algerian choreographer
Nacera Belaza who is quite well-known in
France.
Two works by American choreographer Mark
Morris, performed by the Mark Morris Dance
Group, will close the MontpellierDanse Festival at the beginning of July: Mozart Dances:
Eleven, Double (to music by Mozart) and
Grand Duo. Also the Festival de Marseille
wrap ups in mid-July with a revival of Japanese choreographer and dancer Saburo
Cie Dave St-Pierre:
“Un peu de
tendres”se...”
Teshigawara’s solo Miroku: this work is characterized by its bluish lighting that is meant to
evoke the sea and the maternal womb at the
same time.
Cie Blanca Li:
“Le Jardin des délices”
(ph. A. Mahdavi)
In July an “opéra dansé” version of Henry
Purcell’s Dido and Aeneas choreographed and
directed by Sasha Waltz, the new priestess of
German dance-theatre, will be performed at
the open-air theatre in Lyon as part of the programme of the Nuits de Fourvière festival.
This will be followed by Eonnagata, a work
by English choreographer Russell Maliphant
and Canadian director Robert Lepage, starring
Sylvie Guillem.
avec la chorégraphie et la mise en scène de
Sasha Waltz, dame de la danse-théâtre allemande ici en version “opéra dansé”. Suit
Sylvie Guillem, protagoniste avec Russell
Maliphant d’une pièce de danse-théâtre mise
en scène par le Canadien Robert Lapage:
Eonnagata.
Le Ballet Preljocaj ouvre à la mi-juillet le Festival de Vaison Danses, dans l’antique amphithéâtre de Vaison La Romaine. Au pro-
assolo immerso in una luce blu che evoca al
tempo stesso un’atmosfera marina e il ventre
materno.
In luglio le Nuits de Fourvière di Lione programmano, nel teatro all’aperto della città alta,
Dido and Aeneas di Henry Purcell con la coreografia e la regia di Sasha Waltz, nuova dama
del teatro-danza tedesco qui in versione “opéra
dansé”. Segue Sylvie Guillem, protagonista
con Russell Maliphant di un lavoro creato dal
coreografo inglese stesso con la regia di Robert
Lepage: Eonnagata.
Il festival MontpellierDanse si conclude ai
primi di luglio con il Mark Morris Dance
Group. In programma due lavori del coreografo americano: Mozart Dances: Eleven,
Double su musiche di Mozart, e Grand Duo.
Ultimo appuntamento con la danza alla metà
di luglio anche per il Festival di Marsiglia,
dove il danzatore e coreografo giapponese
Saburo Teshigawara riprende Miroku, un
Il Ballet Preljocaj apre alla metà di luglio il
Festival Vaison Danses, nell’antico teatro
di Vaison La Romaine (nel sud della Francia). In programma, Biancaneve, l’ultima
creazione di Angelin Preljocaj con i costumi dello stilista Jean-Paul Gaultier. In seguito sarà la volta di Blue Lady, l’assolo di
Carolyn Carlson creato a Venezia nel 1983
e affidato nel settembre scorso a Tero
Saarinen durante la Biennale della Danza di
Lione; qui, invece, sarà interpretato da Jacky
Berger,
danzatore
del
Centre
Chorégraphique National Roubaix Nord-Pas
de Calais diretto dalla Carlson. Non manca
un omaggio sui generis ai Ballets Russes:
Georges Momboye riprende con la sua compagnia composta da artisti usciti da vari
complessi nazionali africani i suoi lavori sul
Sacre du printemps di Igor Stravinsky e sul
Prélude à l’après-midi d’un faune di Claude
Debussy. Nello stesso programma figura
anche una creazione su musica di Béla
Bartók. La compagnia flamenca di Antonio
Najarro e il gruppo Stomps chiudono il
festival.
12
13
Ballet Preljocaj will be opening the Festival de Vaison Danses which is staged in the
historic theatre of Vaison La Romaine (in
the south of France). The programme includes Angelin Preljocaj’s latest work Snow
White, with costumes by fashion designer
Jean-Paul Gaultier. This will be followed by
Blue Lady, the solo which Carolyn Carlson
created for herself in Venice in 1983 and
which was interpreted by Tero Saarinen at
the Lyon Dance Biennial last September; on
this occasion, it will be interpreted by Jacky
Berger, a dancer from the Centre
Chorégraphique National Roubaix Nord-Pas
de Calais which is directed by Carlson.
There will also be a tribute to Ballets Russes:
Georges Momboye and his company, made
up of dancers from various African national
troupes, will revive his works based on Igor
Stravinsky’s Sacre du printemps (“The Rite
of Spring”) and Claude Debussy’s Prélude
à l’après-midi d’un faune. The same programme also comprises a new work to music by Béla Bartók. Antonio Najarro’s flamenco ensemble and the Stomps troupe will
be the last to perform.
French-Spanish choreographer Blanca Li’s Le
Jardin des délices (“The Garden of Delights”)
which was presented at MontpellierDanse in
June, will also be performed at the Festival
de la Cité de Carcassonne (south of France).
Blanca Li, whose work was inspired by Flemish painter Hieronymus Bosch’s painting by
the same name (which hangs in the Museo del
Prado in Madrid), says she wanted to make “a
ballet where Heaven and Hell, pleasure and
vice and satire and morality all come together”.
Following this, Spanish dancer and choreographer Antonio Najarro’s troupe will offer a
work that revists flamenco in a modern and
jazz key: Jazzing flamenco.
Compagnie Blanca Li in Le Jardin des délices
and Ballet Preljocaj in Snow White are also on
the bill for the dance section at Les Estivales
de Perpignan (a festival held at Perpignan, in
the south of France). In addition, there will be
a show with Maria Pagés who is an acclaimed
flamenco star, with her troupe of dancers and
musicians.
BREVI • ECHOS
NEWS •• ECHOS
BREVI •• BREVI
NEWS • ECHOS
ECHOS ••ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI
ECHOS • ECHOS
gramme, Blanche-Neige, la dernière création d’Angelin Preljocaj avec les costumes
du styliste Jean-Paul Gaultier. Ensuite ce
sera au tour de Blue Lady, le solo de
Carolyn Carlson créé à Venise en 1983 et
confié en septembre dernier à Tero Saarinen lors de la Biennale de la Danse de Lyon
; ici, il sera dansé par Jacky Berger, danseur du Centre Chorégraphique National
Roubaix Nord-Pas de Calais que dirige
Carolyn Carlson. Un hommage singulier
aux Ballets Russes ne manquera pas: Georges Momboye reprend avec sa compagnie,
composée d’artistes issus de diverses troupes nationales africaines, ses œuvres sur Le
Sacre du printemps d’Igor Stravinsky et sur
Le Prélude à l’après-midi d’un faune de
Claude Debussy. Au même programme figure aussi une création sur une musique de
Béla Bartók. La compagnie flamenca d’Antonio Najarro et le groupe Stomps clôtureront le festival.
Déjà vu en juin à MontpellierDanse, Le Jardin des délices de la chorégraphe Blanca Li
est programmé également en juillet au Festival de la Cité de Carcassonne. S’inspirant du tableau du même titre du peintre flamand Hyeronimus Bosch exposé au Musée
Già visto in giugno a MontpellierDanse, Le
Jardin des délices (“Il giardino delle delizie”)
della coreografa franco-spagnola Blanca Li è
in programma in luglio anche al Festival de la
Cité de Carcassonne (sud della Francia). Prendendo ispirazione dal quadro omonimo del pittore fiammingo Hyeronimus Bosch, conservato al Museo del Prado di Madrid, Blanca Li si
propone di creare “un balletto dove l’inferno si
confonde con il paradiso, il piacere con il vizio
e il satirico con la morale”. In seguito la compagnia del danzatore e coreografo spagnolo
Antonio Najarro propone una rivisitazione del
flamenco in chiave moderna e jazzistica:
Jazzing flamenco.
Pietroburgo, diretto dal danzatore Faruk
Ruzimatov, presenta una serata di gala in cui si
esibisce anche il suo direttore (il quale è
senz’altro l’attrazione principale della compagnia, insieme a Denis Matvienko). In programma due brani emblematici dell’epoca sovietica: Acque di primavera e il passo a due da
Spartacus, ma ci saranno pure, tra l’altro, il pas
de trois dal Corsaro, il divertissement dal Carnevale di Venezia di Marius Petipa e, cambiando genere, La pavana del moro, il balletto del
coreografo americano José Limón ispirato alla
figura di Otello su musica di Henry Purcell.
Ballet de Lorraine:
“Les Noces”,
c. Bronislava Nijinska
(ph. L. Philippe)
La Compagnie Blanca Li con Le Jardin des
délices e il Ballet Preljocaj con Biancaneve figurano anche nel cartellone della sezione di danza del festival Les Estivales de Perpignan
(Perpignan, nel sud della Francia). Inoltre, c’è
anche uno spettacolo di flamenco affidato a
Maria Pagés, star acclamata del genere, qui circondata dai suoi danzatori e musicisti.
Come ogni anno nel mese di agosto il Palais
des Festivals di Cannes accoglie il Festival
dell’Arte Russa. Quest’anno, per la danza, il
Balletto del Teatro Mikhailovsky di San
Claire Robertson, Adam Blyde – Scottish Ballet: “Scènes de ballet” – c. Frederick Ashton
(ph. M. Hendy)
As usual in the month of August, the Palais
des Festivals in Cannes will house the Russian Art Festival. In the context of this year’s
dance section, the Mikhailovsky Ballet of
St. Petersburg, directed by dancer Faruk
Ruzimatov, will offer a gala performance featuring (among others) its director, who is the
company’s main attraction, together with
Denis Matvienko. Two excerpts which are
emblematic of the Soviet era will be performed – Spring Waters and the pas de deux
from Spartacus – together with the pas de
trois from Le Corsaire, the divertissement
from Marius Petipa’s Carnival in Venice and,
to switch genres, American choreographer
José Limón’s The Moor’s Pavane, based on
the story of Othello, to music by Henry
Purcell.
The Festival de Lacoste (southern France),
directed by fashion designer Pierre Cardin,
offers two dance “dates” in July. The first is
with French ballerina Marie-Claude
Pietragalla’s troupe Pietragalla Compagnie in
Marco Polo: Julien Derouault takes the title
role, while Pietragalla is a “woman in white”
who accompanies the explorer on his travels.
Costumes are by Pierre Cardin. The second
“date” is a new work by French dancer Julien
Lestel, to be performed by his troupe, entitled
Constance. This ballet, which draws its inspiration from D.H. Lawrence’s novel Lady
Chatterley’s Lover, was premièred in June at
the Opera House in Marseille and will also be
performed in Le Havre.
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du Prado de Madrid, Blanca Li a créé “un
ballet où l’enfer se mêle au paradis, le plaisir au vice et le satirique à la morale”. Ensuite la compagnie du danseur et chorégraphe espagnol Antonio Najarro propose une
re-visitation du flamenco en version moderne et jazzique: Jazzing flamenco.
La Compagnie Blanca Li avec Le Jardin des
délices et le Ballet Preljocaj avec BlancheNeige figurent également à l’affiche de la
section chorégraphique des Estivales de
Perpignan. En plus, on retrouve un spectacle de flamenco confié à Maria Pagés, star
du genre, ici entourée de ses danseurs et
musiciens.
Comme chaque année au mois d’août le Palais des Festivals de Cannes accueille le Festival de l’Art Russe. Cette année en ce qui
concerne la danse, le Ballet du Théâtre
Mikhaïlovsky de Saint-Pétersbourg, dirigé
par le danseur Farouk Rouzimatov, présente
une soirée de gala où se produit également
son directeur. Au programme deux morceaux emblématiques de l’époque soviétique: Eaux printanières et le pas de deux
tiré de Spartacus, mais y figurent également, entre autres, le pas de trois du Corsaire, le divertissement du Carnaval de
Venise de Marius Petipa et, dans un tout autre
genre, La Pavane du Maure, le ballet du
chorégraphe américain José Limón inspiré
de la figure d’Othello sur une musique de
Henry Purcell.
Il Festival de Lacoste, nella Francia meridionale, diretto dal couturier Pierre Cardin, propone in luglio due appuntamenti con la danza.
Il primo è con la Pietragalla Compagnie
dell’étoile francese Marie-Claude Pietragalla
che danza in Marco Polo; Julien Derouault firma la coreografia e interpreta il ruolo del titolo
mentre la Pietragalla è una dama bianca che lo
accompagna nelle sue imprese; Pierre Cardin
ha firmato i costumi della produzione (il lavoro
sarà dato anche in Italia, in Piazza San Marco a
Venezia il 12 luglio). Il secondo appuntamento
è una creazione del danzatore francese Julien
Lestel per il suo gruppo (presentata in giugno
all’Opera di Marsiglia e in programma anche a
Le Havre): s’intitola Costance e s’ispira al romanzo L’amante di Lady Chatterley di David
Herbert Lawrence.
GRAN BRETAGNA
Il Festival Internazionale di Edimburgo in
Scozia si svolge in agosto e settembre. In apertura della sezione di danza troviamo il Balletto
Reale delle Fiandre che riprende Il ritorno di
Ulisse, un lavoro del coreografo tedesco
Christian Spuck su una banda sonora che va da
Henry Purcell a canzoni degli anni Quaranta e
Cinquanta del Novecento. In cartellone figurano anche i catalani della Compagnia GelabertAzzopardi, cioè del coreografo Cesc Gelabert
e della costumista Lydia Azzopardi, e la Michael
Clark Company con il nuovo lavoro del coreografo scozzese presentato in giugno alla Biennale di Venezia. Conclude la rassegna ai primi
di settembre lo Scottish Ballet, diretto da Ashley
Page, con un trittico: Scènes de ballet di
Frederick Ashton sulla musica di Igor
Stravinsky, Workwithinwork di William
Forsythe su musica di Luciano Berio e infine
una creazione, uno nuovo Petrushka commissionato al coreografo anglo-australiano Ian
Spink.
La Royal Opera House, Covent Garden di
Londra ospiterà in agosto il Balletto Kirov del
Teatro Mariinsky di San Pietroburgo con
quattro programmi: Romeo e Giulietta creato
da Leonid Lavrovsky nel 1940, Il Lago dei cigni, La Bella addormentata e un programma
dedicato a George Balanchine composto da
Serenade, Rubis e Symphony in C. Uliana
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GREAT BRITAIN
The Edinburgh International Festival in Scotland is held in the months of August and September. The dance section will be opened by the
Royal Ballet of Flanders, reviving The Return of
Ulysses by German choreographer Christian
Spuck, to music ranging from Henry Purcell to
songs from the 1940’s and Fifties. Other guests
include the Catalan Gelabert-Azzopardi company directed by choreographer Cesc Gelabert
and costume designer Lydia Azzopardi, and
Michael Clark Company offering the Scottish
choreographer’s latest work which was presented
at the Venice Biennale in June. The dance programme will close at the beginning of September with Scottish Ballet, directed by Ashley Page,
in a triptych made up of Frederick Ashton’s
Scènes de ballet to music by Igor Stravinsky,
William Forsythe’s Workwithinwork to music by
Luciano Berio and, lastly, a brand-new Petrushka
by Anglo-Australian choreographer Ian Spink.
In August the Kirov Ballet of the Mariinsky Theatre of St. Petersburg will offer four different programmes at The Royal Opera House, Covent
Garden, London: Leonid Lavrovsky’s 1940 ballet
Romeo and Juliet, Swan Lake, The Sleeping Beauty
as well as a programme dedicated to George
Balanchine made up of Serenade, Rubies and Symphony in C. The company’s ballerinas Uliana
Lopatkina, Eughenia Obraztsova, Ekaterina
Osmolkina and Alina Somova are among those
alternating in the variuos casts, together with male
principals Denis Matvienko, Igor Kolb, Eugheni
Ivanchenko, Vladimir Shklyarov, Daniil
Korsuntsev and Leonid Sarafanov.
In July Matthew Bourne will revive his ballet Dorian
Gray at Sadler’s Wells Theatre, London. This ballet, based on Oscar Wilde’s novel The Picture of
Dorian Gray, was premièred in Edinburgh last year
and will tour Great Britain until the autumn. A new
ballet by Adam Cooper, the dancer who rose to fame
in the leading male role in Bourne’s Swan Lake, will
be on from the end of July and throughout the month
ofAugust. This will mark Cooper’s return to Sadler’s
Wells as a choreographer, after his 2005 ballet based
on French 18th century libertine novel Les Liaisons
dangereuses (“Dangerous Liaisons”). His new ballet, to music by American composer Richard
Rodgers, is entitled Shall We Dance; it tells the story
of one man’s quest to find true love and of the various dancing traditions that he finds in his voyage
around the world.
After dancing in “Rubies” from George
Balanchine’s Jewels which concluded the season
at London’s Royal Ballet, Carlos Acosta will return to the stage at the London Coliseum for his
traditional “Carlos Acosta and Guest Artists” gala
performance. On this occasion, The Royal Ballet’s
Cuban star will be joined by various principals from
Britain’s flagship company, together with others
from English National Ballet, the Bolshoi Ballet
of Moscow and the National Ballet of Cuba.
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NEWS •• ECHOS
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inspiré du roman Le Portrait de Dorian Gray
d’Oscar Wilde qui a débuté l’année dernière
à Edimbourg (le ballet tournera ensuite en
Grande-Bretagne jusqu’à l’automne). Ensuite, fin juillet puis tout au long du mois
d’août, un nouveau ballet d’Adam Cooper
sera présenté. Ce danseur, devenu célèbre
en tant que protagoniste du Lac des cygnes
au masculin de Matthew Bourne, revient
ainsi au Sadler’s Wells en tant que chorégraphe après avoir signé en 2005 une pièce
inspirée du roman libertin du XVIIIe siècle
Les Liaisons dangereuses. Cette fois le nouveau ballet, sur des musiques du compositeur américain Richard Rodgers, s’intitule
Shall We Dance et raconte l’histoire d’un
homme qui voyage à la recherche de l’amour
à la rencontre des diverses traditions chorégraphiques des pays qu’il visite.
Le Festival de Lacoste, dirigé par le couturier Pierre Cardin, propose en juillet deux
rendez-vous avec la danse. Le premier est
avec la Pietragalla Compagnie dans Marco
Polo; Marie-Claude Pietragalla en a réalisé
la chorégraphie et la mise en scène avec Julien Derouault qui interprète le rôle de l’explorateur tandis que Pietragalla est une dame
blanche qui le guide dans son entreprise;
Pierre Cardin en a signé les costumes. Le
second rendez-vous est une création du danseur Julien Lestel pour son groupe (présentée en juin à l’Opéra de Marseille et à l’affiche également au Havre): elle s’intitule
Constance et s’inspire du roman L’amant de
Lady Chatterley de David Herbert
Lawrence.
GRANDE-BRETAGNE
Après avoir dansé dans “Rubies” de Jewels
de George Balanchine qui a clôturé la saison du Royal Ballet de Londres, Carlos
Acosta se produit à nouveau au Coliseum
de la capitale anglaise dans un gala “Carlos
Acosta and Guest Artists”. Aux côtés du
danseur-étoile cubain du Royal Ballet, il y
aura d’autres étoiles de la principale compagnie anglaise et des artistes de l’English
National Ballet, du Ballet du Théâtre
Bolchoï de Moscou et du Ballet National de
Cuba.
Le Festival International d’Edimbourg
en Écosse se déroule en août et septembre.
En ouverture de la section chorégraphique,
le Ballet Royal de Flandre reprend Le Retour d’Ulysse, une pièce du chorégraphe allemand Christian Spuck sur une bande sonore qui va de Henry Purcell à des chansons
des années 1940-50. À l’affiche figurent
également les Catalans de la Compagnie
Gelabert-Azzopardi (pour la chorégraphie
Cesc Gelabert et pour les costumes Lydia
Azzopardi), et la Michael Clark Company
avec une nouvelle pièce de ce chorégraphe
écossais présentée en juin à la Biennale de
Venise. Début septembre le Scottish Ballet, dirigé par Ashley Page, conclut le festival avec un programme mixte composé de
Scènes de ballet de Frederick Ashton sur
la
musique
d’Igor
Stravinsky,
Workwithinwork de William Forsythe sur
une musique de Luciano Berio et, pour finir, une création, un nouveau Petrouchka
demandé au chorégraphe anglo-australien
Ian Spink.
Le Royal Opera House, Covent Garden
de Londres accueillera au mois d’août le
Ballet Kirov du Théâtre Mariinsky de
Saint-Pétersbourg avec quatre programmes: Roméo et Juliette créé par Léonide
Lavrovsky en 1940, Le Lac des cygnes, La
Belle au bois dormant et un programme dédié à George Balanchine composé de
Serenade, Rubis et Symphony in C. Ouliana
Lopatkina, Evguenia Obraztsova, Ekaterina
Osmolkina, Alina Somova sont quelquesunes des étoiles de la compagnie russe qui
alternent dans les nombreuses distributions;
parmi les hommes figurent Denis
Matvienko, Igor Kolb, Evgueni
Ivantchenko, Vladimir Shklyarov, Daniil
Korsountsev et Leonid Sarafanov.
Au mois de juillet le Sadler’s Wells Theatre de Londres prévoit la reprise de la dernière création de Matthew Bourne, le ballet
Agnes Oaks, Thomas Edur:
“Sheer”, c. Russell Maliphant
(ph. H. Glendinning)
ALLEMAGNE
Mark Morris Dance Group:
“Mozart Dances”
(ph. S. Berger)
Lopatkina, Eughenia Obraztsova, Ekaterina
Osmolkina, Alina Somova sono alcune delle
stelle della compagnia russa che si alternano
nei numerosi casts; tra gli uomini figurano
Denis Matvienko, Igor Kolb, Eugheni
Ivanchenko, Vladimir Shklyarov, Daniil
Korsuntsev e Leonid Sarafanov.
Il mese di luglio il Sadler’s Wells Theatre di
Londra vede la ripresa dell’ultima creazione di
Matthew Bourne, il balletto ispirato al romanzo Il Ritratto di Dorian Gray di Oscar Wilde
che ha debuttato lo scorso anno a Edimburgo
(il balletto girerà poi in Gran Bretagna fino all’autunno). In seguito, dalla fine di luglio eppoi
per tutto agosto, sarà presentato un nuovo balletto di Adam Cooper, il danzatore diventato
celebre per la sua interpretazione nel Lago dei
cigni al maschile di Matthew Bourne. Cooper
torna così al Sadler’s Wells nelle vesti di coreografo dopo aver firmato nel 2005 un lavoro
ispirato al romanzo libertino del Settecento Le
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GERMANY
As has previously been announced, the Hamburg Ballet’s “Hamburg Ballet Days” began
at the end of June with a tribute to the Ballets
Russes which featured American choreographer John Neumeier’s re-working of Le
Pavillon d’Armide (the original ballet was by
Michel Fokine). This work will be revived in
July, together with George Balanchine’s The
Prodigal Son and Vaslav Nijinsky’s The Rite
of Spring. Various other ballets by Neumeier
will be re-staged in July: The Lady of the Camellias, The Little Mermaid, The Seagull,
Sylvia, Nijinsky, Verklungene Feste (produced
last year, to music by Richard Strauss), as well
as the new 2008 version of The Legend of
Joseph (a re-visitation of his acclaimed ballet
from the Seventies). This year the festival’s
guest-company is the Ballet de Lorraine that
will offer their own well-oiled Ballets Russes
Comme on l’a déjà annoncé les fameuses
“Journées de la Danse” du Ballet de Hambourg en Allemagne ont commencé fin juin
avec un hommage aux Ballets Russes de
Diaghilev, au cours duquel Le Pavillon
d’Armide de John Neumeier a été présenté.
Il s’agit du titre d’un ballet de Michel Fokine recréé ici par le chorégraphe américain
(et qui sera repris en juillet avec Le Fils prodigue de George Balanchine et Le Sacre du
printemps de Vaslav Nijinsky). Plusieurs
autres ballets de Neumeier se succèdent en
juillet: La Dame aux camélias, La Petite
Sirène, Le Mouette, Sylvia, Nijinsky,
Verklungene Feste, créé l’année dernière sur
la musique de Richard Strauss, programmé
avec la nouvelle version de La Légende de
Joseph (produite en 2008, il s’agit d’une
révision du célèbre ballet de Neumeier de
1970)… La compagnie invitée est cette année le Ballet de Lorraine, qui reprend lui
aussi un programme dédié aux Ballets Russes, composé de Petrouchka de Michel Fokine, des Noces de Bronislava Nijinska et
du Mariage du chorégraphe finlandais Tero
Saarinen, lui aussi sur la musique des Noces d’Igor Stravinsky. Naturellement, l’habituel “Gala Nijinsky”, arrivé cette année à
sa 25ème édition, clôture ces Journées de la
Danse et la saison de la compagnie allemande.
Relazioni pericolose. Questa volta il balletto,
su musiche del compositore statunitense
Richard Rodgers, si intitola Shall We Dance e
narra di un uomo che viaggia alla ricerca dell’amore incontrando varie tradizioni coreutiche
nei diversi paesi che visita.
Dopo aver danzato in “Rubies” nel Jewels di
George Balanchine che ha chiuso la stagione
del Royal Ballet di Londra, Carlos Acosta torna a esibirsi al Coliseum della capitale inglese
nell’abituale gala “Carlos Acosta and Guest
Artists”. Insieme al danzatore-étoile cubano del
Royal Ballet, ci saranno altre stelle della principale compagnia inglese e artisti dell’English
National Ballet, del Balletto del Bolshoi di
Mosca e del Balletto Nazionale di Cuba.
GERMANIA
Come già annunciato le famose “Giornate della
Danza” del Balletto di Amburgo in Germania sono iniziate alla fine di giugno con un
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programme consisting of Michel Fokine’s
Petrushka, Bronislava Nijinska’s Les Noces
and Finnish choreographer Tero Saarinen’s
Mariage which is also set to Igor Stravinsky’s
Les Noces score. As always, the traditional
“Nijinsky Gala” will conclude both this 25th
edition of the Hamburg Ballet Days and the
German company’s season.
GREECE
The Kirov Ballet of the Mariinsky Theatre of
St. Petersburg is guesting at the Hellenic Festival held in Athens in July. The company will
perform Konstantin Sergheyev’s version of
Swan Lake, the most reliable and authentic version of this ballet which has been handed down
to us. Uliana Lopatkina, the diva of the
balletomanes, and Ekaterina Osmolkina, another company ballerina, will alternate in the
role of Odette/Odile. This festival also offers
Jirí Kylián’s Last Touch First, with Sabine
Kupfenberg and other Nederlands Dans Theater
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NEWS •• ECHOS
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NEWS • ECHOS
ECHOS ••ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI •• ECHOS
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ECHOS • ECHOS
Shen Wei Dance Arts
(ph. L. Greenfiel)
ITALIE
GRECIA
Début juillet, le 52ème Festival des Deux
Mondes de Spolète (dans le centre de l’Italie) propose à nouveau des rendez-vous intéressants avec la danse. Le premier programme
rassemble trois chorégraphes de renom de la
nouvelle génération: le Russe Alexei
Ratmansky (ex directeur du Ballet du Théâtre
Bolchoï de Moscou), l’Anglais Christopher
Wheeldon (ex chorégraphe résident du NYCB,
aujourd’hui à la tête de son groupe The
Morphoses) et Wayne McGregor, lui aussi
anglais (chorégraphe résident du Royal Ballet
de Londres, actif aussi avec sa propre compagnie, la Random Dance). Ainsi quelques solistes et quelques principals du NYCB dansent Russian Seasons de Ratmansky, créé
précisément pour cette compagnie, The
Morphoses se produit dans After the Rain,
pièce de Wheeldon sur la musique du compositeur estonien Arvo Pärt, alors que la Wayne
McGregor | Random Dance reprend Erazor
créé par son directeur en 2006. Le deuxième
rendez-vous est avec le Tanztheater Wuppertal qui reprend Bamboo Blues, le Stück (“la
pièce”) de Pina Bausch créé en 2007 suite à
un voyage en Inde qui s’est bientôt révélé une
source d’inspiration. La section chorégraphique se termine par un hommage à Jerome
Robbins avec des artistes du NYCB: au programme deux célèbres ballets du grand cho-
In Grecia, il Festival Ellenico di Atene ospita
in luglio il Balletto Kirov del Teatro Mariinsky
di San Pietroburgo. In programma Il Lago dei
cigni nella versione coreografica di Konstantin
Sergheyev, la più attendibile e autentica giunta ai giorni nostri. Nel ruolo di Odette/Odile si
alternano Uliana Lopatkina, diva acclamata dai
ballettomani, e Ekaterina Osmolkina, altra stella della compagnia pietroburghese di oggi. Tra
gli altri spettacoli in programma, Last Touch
First di Jirí Kylián con Sabine Kupfenberg e
altri artisti del Nederlands Dans Theater, due
programmi della compagnia Rosas di Anne
Teresa De Keersmaeker e i Ballets C. de la B
con Pitié, l’ultimo lavoro di teatro-danza del
belga Alain Platel sulla Passione secondo
Matteo di Johann Sebastian Bach rivisitata in
chiave jazz dal suo abituale collaboratore Fabrizio Cassol (v. recensione su BallettoOggi
n. 198).
ITALIA
Il 52° Festival dei Due Mondi di Spoleto torna finalmente a presentare alcuni appuntamenti
interessanti con la danza, ai primi di luglio,
con la consulenza artistica di Alessandra Ferri. Il primo programma riunisce tre coreografi
di spicco della nuova generazione: il russo
New York City Ballet: “Russian
Seasons”, c. Alexei Ratmansky
(ph. P. Kolnik)
GRÈCE
Le Festival Hellénique d’Athènes accueille
en juillet le Ballet Kirov du Théâtre
Mariinsky de Saint-Pétersbourg. Au programme Le Lac des cygnes dans la version
chorégraphique de Konstantin Sergueev,
considéré comme la plus authentique arrivée à nos jours. Dans le rôle d’Odette/Odile
alternent Ouliana Lopatkina, acclamée par
les balletomanes, et Ekaterina Osmolkina,
autre
étoile
de
la
compagnie
pétersbourgeoise d’aujourd’hui. Parmi les
autres spectacles à l’affiche, Last Touch First
de Jirí Kylián avec Sabine Kupfenberg et
d’autres artistes du Nederlands Dans
Theater, deux programmes de la compagnie
Rosas d’Anne Teresa De Keersmaeker et les
Ballets C. de la B avec Pitié, la dernière
pièce de danse-théâtre du Belge Alain Platel
sur la Passion selon Matthieu de Johann
Sebastian Bach revisitée en version jazz par
son habituel collaborateur Fabrizio Cassol
(v. compte rendu dans Ballet2000 n. 198).
omaggio ai Ballets Russes, in cui è stato presentato Le Pavillon d’Armide di John
Neumeier, titolo di un balletto di Michel
Fokine qui ricreato dal coreografo americano
(e che sarà ripreso poi in luglio insieme a Il
figliol prodigo di George Balanchine e alla
Sagra della primavera di Vaslav Nijinsky).
Vari altri balletti di Neumeier si succedono in
luglio: La signora delle camelie, La Sirenetta,
Il Gabbiano, Sylvia, Nijinsky, Verklungene
Feste, creato lo scorso anno sulla musica di
Richard Strauss, insieme con la nuova versione della Leggenda di Giuseppe (prodotta nel
2008 rivisitando il suo noto balletto degli anni
Settanta)… La compagnia ospite della rassegna è quest’anno il Ballet de Lorraine, anch’esso con un programma dedicato ai Ballets
Russes, già visto più volte: è formato da
Petrushka di Michel Fokine, le Noces di
Bronislava Nijinska e Mariage del coreografo finlandese Tero Saarinen, esso pure sulla
musica delle Noces di Igor Stravinsky. Naturalmente il consueto “Gala Nijinsky”, giunto
alla 25a edizione, chiude le Giornate della
Danza e la stagione della compagnia tedesca.
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dancers, Anne Teresa De Keersmaeker’s
troupe Rosas in two different programmes and
Ballets C. de la B in, Belgian choreographer
Alain Platel’s Pitié. This dance-theatre work
is based on Johann Sebastian Bach’s St. Matthew Passion in a jazz re-working by composer Fabrizio Cassol with whom Platel often works (see review in issue No. 198 of
Ballett2000).
ITALY
With Alessandra Ferri as its artistic consultant, the 52nd Festival of the Two Worlds of
Spoleto is finally offering interesting ballet
programmes again in early July. The first of
these gathers together three leading choreographers of the new generation: Russian
Alexei Ratmansky (former director of the
Boshoi Ballet of Moscow), England’s
Christopher Wheeldon (ex resident choreographer of NYCB, now at the helm of his own
troupe, The Morphoses) and his fellow-countryman Wayne McGregor (resident choreog-
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rapher with The Royal Ballet of London, who
also has his own company, Random Dance).
Some NYCB soloists and principals will dance
in Ratmansky’s Russian Seasons, which was
produced for that company; The Morphoses
is performing Wheeldon’s ballet After the Rain,
to music by Estonian composer Arvo Pärt,
while Wayne McGregor | Random Dance is
reviving its director’s 2006 work Erazor. Mark
your calendars also for Tanzteather
Wuppertal’s Italian première of Bamboo Blues.
Pina Bausch, the grand dame of dance-theatre, produced this Stück (“piece”) in 2007 after an inspiring visit to India. The dance section of the Spoleto Festival will be topped off
by a group of NYCB dancers in a tribute to
Jerome Robbins – two well-known ballets by
the celebrated Russian-American choreographer (In the Night and Other Dances) plus
excerpts from the film version of the legendary N.Y. Export: Opus Jazz. There will also
be a creation by Luca Veggetti, an Italian choreographer who enjoys an international career:
Upon a Ground.
After guesting with American Ballet Theatre
in the course of the Spring/Summer season at
the Metropolitan, New York and touring in Los
Angeles, Roberto Bolle is returning to Italy
in mid-July for a series of “Roberto Bolle and
Friends” gala performances which also feature other international stars. The show will be
on tour, in July and August, at the Teatro Greco
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régraphe russo-américain, In the Night et
Other Dances, et des extraits d’un film du
mythique N.Y. Export: Opus Jazz. Une création de Luca Veggetti, chorégraphe italien à
la carrière internationale, complète la soirée:
Upon a Ground.
Invité par l’American Ballet Theatre pendant
la saison de printemps/été au Metropolitan
de New York puis en tournée à Los Angeles,
le danseur italien Roberto Bolle sera de retour dans son pays en juillet pour se produire,
avec d’autres étoiles internationales, dans une
série de soirées sous le titre de “Roberto Bolle
and Friends”. Le spectacle est programmé,
entre juillet et août, au Teatro Greco de Taormina, à la Fenice de Venise, au Jardin de
Boboli à Florence, à Parme et dans d’autres
villes d’Italie (voir la liste détaillée des dates
et des lieux dans notre Affiche). Et en septembre il est attendu également au Teatro
Regio de Turin.
Le rendez-vous le plus attendu avec le Festival Bolzano Danza (dans le nord de l’Italie)
en juillet est avec la première italienne de la
nouvelle création de Maguy Marin, que la
chorégraphe présente cet été au Festival
d’Avignon. Parmi les autres rendez-vous à
signaler, le danseur et chorégraphe brésilien
Ismael Ivo (depuis quelques années directeur
de la Biennale de la Danse de Venise) qui
présente un solo-installation inspiré du mythe de Dionysos, et une soirée avec la Shen
Wei Dance Arts, qui reprend Re de son chorégraphe-directeur sino-newyorkais: il s’agit
d’un triptyque, ici présenté en version intégrale. Au programme aussi, entre autres, la
compagnie du catalan Rafael Bonachela, nom
à la mode du contemporain britannique, et
une pièce de Jasmin Vardimon, chorégraphe
israélienne elle aussi active à Londres, où elle
est artiste associée au Sadler’s Wells Theatre.
En juillet au Festival CivitanovaDanza de
Civitanova Marche (dans le centre de l’Italie), la compagnie italienne Aterballetto, dirigée par Cristina Bozzolini, présente une
création d’Eugenio Scigliano (connu en son
temps comme soliste du Balletto di Toscana).
La pièce s’inspire de la figure de Giacomo
Casanova.
En juillet, a lieu pour la troisième année le
Festival a Corte, manifestation de danse,
théâtre et cirque qui a comme cadre les anciennes résidences royales de Turin et ses
alentours. La performance de Daniel Larrieu,
intitulée Marche, danses de verdure, est justement basée sur le rapport avec le paysage:
elle sera donnée dans les jardins du Palais
Royal de Venaria. Attendue aussi à la
Cavallerizza de Turin (les anciennes écuries
royales) Françoise Leick, danseuse de Maguy
Marin, dans Worstward Ho de cette chorégraphe sur des textes de Samuel Beckett.
Alexei Ratmansky (ex direttore del Balletto
del Teatro Bolshoi di Mosca), l’inglese
Christopher Wheeldon (ex coreografo stabile
del NYCB, oggi alla testa di un suo gruppo,
The Morphoses) e Wayne McGregor, lui pure
inglese (coreografo stabile del Royal Ballet di
Londra, attivo anche con una propria compagnia, la Random Dance). Sicché alcuni solisti
e principals del NYCB danzano Russian
Seasons di Ratmansky, creato proprio per questa compagnia, la Morphoses si esibisce in
After the Rain, lavoro di Wheeldon sulla musica del compositore estone Arvo Pärt, mentre
la Wayne McGregor | Random Dance riprende Erazor creato dal suo direttore nel 2006. Il
secondo appuntamento è con il Tanztheater
Wuppertal che presenta in prima italiana
Bamboo Blues, lo Stück (“il pezzo”) della grande dama del teatro-danza Pina Bausch creato
nel 2007 in seguito a un viaggio in India che
si è rivelato presto fonte d’ispirazione. Conclude la sezione di danza un omaggio a Jerome
Robbins con alcuni artisti del NYCB: in programma due celebri balletti del grande coreografo russo-americano, In the Night e Other
Dances, e alcuni estratti da un filmato del
mitico N.Y. Export: Opus Jazz. Inoltre, figura
anche una creazione di Luca Veggetti, coreografo italiano dalla carriera internazionale: si
tratta di Upon a Ground.
at Taormina (Sicily), La Fenice in Venice, the
Boboli Gardens in Florence, as well as in Parma
and in the Aosta and Udine areas (see our Calendar for full details). The gala will also be on
at the Teatro Regio in Turin next September.
The most-eagerly awaited performance at the
Festival Bolzano Danza in July is French
choreograher Maguy Marin’s new creation
which is being premièred this summer at the
Avignon Festival. Other noteworthy performances include Brazilian choreographer/dancer
Ismael Ivo (who has been director of the Venice Dance Biennale for some years now) in a
solo-cum-installation based on the myth of
Dionysius and an evening with Shen Wei Dance
Arts in the full version of Re. The latter is a
triptych by the Chinese-New Yorker director/
choreographer. The programme also features
Catalan Rafael Bonachela’s troupe (a trendy
name on the British contemporary scene) and
Israeli choreographer Jasmin Vardimon who is
also an “in” name in London (she is Associate
Artist at Sadler’s Wells Theatre).
Festival CivitanovaDanza, held in the cen-
Ospite dell’American Ballet Theatre durante
la stagione di primavera/estate al Metropolitan
di New York eppoi in tournée a Los Angeles,
Roberto Bolle farà ritorno in Italia alla metà
di luglio dove si esibirà, con varie altre étoiles
internazionali, in una serie di serate di gala
ormai note con il titolo “Roberto Bolle and
Friends”. Lo spettacolo è in programma, tra
luglio e agosto, al Teatro Greco di Taormina,
alla Fenice di Venezia, nel Giardino di Boboli
di Firenze, a Parma e nelle provincie di Aosta
e Udine (riportiamo l’elenco dettagliato di date
e luoghi nel nostro Cartellone). E in settembre è atteso anche al Teatro Regio di Torino.
L’Estate Teatrale Veronese propone tra luglio e agosto alcuni spettacoli di danza al Teatro Romano e alla Corte Mercato Vecchio di
Verona. Tra gli appuntamenti di luglio, il Balletto Teatro di Torino riprende un trittico di
coreografie di Matteo Levaggi, mentre la Compagnia ZappalàDanza presenta un lavoro del
suo coreografo Roberto Zappalà ispirato a
Romeo e Giulietta sulla musica di Serghei
Prokofiev e concepito come un work in
progress. Dopo il gruppo Momix di Moses
Pendleton con Bothanica, in agosto la compagnia di balletto dell’Arena di Verona danza una
creazione di Francesca Lettieri sui Carmina
Burana di Carl Orff; non manca uno spettacolo di tango con il Ballet Argentino, la compagnia diretta da Julio Bocca, il quale però non
figura nello spettacolo. Infine, la giovane compagnia francese Europa Danse con “Picasso
et la danse”, composto da balletti per i quali il
grande pittore ha creato le scenografie, in co-
20
“Sotto il cielo di Parma” (Sous le ciel de
Parme) est le titre du festival de musique et de
danse organisé dans le Cortile della Pilotta de
la ville italienne, entre juillet et août. Au programme le Ballet de La Scala de Milan qui
reprend Pink Floyd Ballet de Roland Petit,
présenté à La Scala entre juin et juillet et ensuite en tournée dans quelques festivals (voir
Affiche), le Béjart Ballet Lausanne avec le célèbre Boléro du chorégraphe marseillais et une
suite de L’Amour – La Danse, une sorte d’anthologie de pièces de Béjart, et également la
compagnie flamenca d’Antonio Márquez. Une
soirée de gala avec Roberto Bolle et d’autres
étoiles internationales, dans des solos et des
pas de deux du répertoire “classique” et contemporain, clôture le festival début août.
FestiVAL, la manifestation de danse et de
théâtre qui a lieu dans la zone archéologique
de la Villa Adriana, la demeure de l’Empereur
Adrien à Tivoli, près de Rome, a commencé
en juin. Après Sidi Larbi Cherkaoui, fidèle au
festival, les rendez-vous avec la danse continuent en juillet: Russell Maliphant présente
“Two:for:ten”, un programme composé de
reografie originali (come Parade di Léonide
Massine) o ricreate da Ana Maria Stekelman
(Pulcinella) o Thierry Malandain (Mercure).
VignaleDanza offre nel Monferrato fino alla
fine di luglio numerosi appuntamenti con la
danza che elenchiamo nel nostro Cartellone.
Segnaliamo almeno Luciana Savignano protagonista con il Balletto di Milano di uno spettacolo intitolato Red Passion (coreografia di
Cristiano Fagioli e Cristina Ledri) e un’altra
serata con Raffaele Paganini. Ci sarà poi della
Spagna la Compañía Flamenca de José Moro,
danzatore di flamenco italianissimo in verità
(si tratta di Alvise Carbone, nato in una nota
famiglia di artisti italiani della danza) che firma la coreografia e la regia di questo spettacolo ispirato alle vicende di Don Chichotte;
lui stesso interpreta il ruolo protagonistico.
L’appuntamento più atteso con il Festival
Bolzano Danza in luglio è con la prima italiana della nuova creazione di Maguy Marin, che
la coreografa francese presenta quest’estate al
Festival di Avignone. Tra gli altri appuntamenti
da segnalare, il danzatore e coreografo brasiliano Ismael Ivo (da alcuni anni direttore della Biennale della Danza di Venezia) presenta
un assolo-installazione ispirato al mito di
Dioniso, e una serata con la Shen Wei Dance
Arts, con Re del suo coreografo-direttore sinonewyorkese: si tratta di un trittico, qui rappresentato integralmente. In programma, tra l’altro, anche la compagnia del catalano Rafael
Bonachela, nome alla moda del contemporaneo britannico, e un lavoro di Jasmin
Vardimon, coreografa israeliana attiva pure lei
a Londra, dove è artista associata al Sadler’s
Wells Theatre, che qui presenta un programma di sue coreografie.
In luglio al Festival CivitanovaDanza di
Civitanova Marche, iniziato in giugno,
l’Aterballetto, diretto da Cristina Bozzolini,
presenta una creazione di Eugenio Scigliano
(noto a suo tempo come solista del Balletto di
Toscana, poi dedito anche alla coreografia). Il
lavoro è ispirato alla figura di Giacomo
Casanova.
Momix: “Bothanica”,
c. Moses Pendleton
(ph. M. Pucciariello)
Si tiene in luglio per il terzo anno il Festival a
Corte, rassegna di danza, teatro e circo che
ha come scenario le residenze sabaude di Torino e dintorni. Proprio basato sul rapporto tra
performance e paesaggio è la creazione del
coreografo francese Daniel Larrieu intitolata
Marche, danses de verdure (“Camminata, danze di verdura”), che sarà presentata nei giardini della Reggia di Venaria. Attesa anche alla
Cavallerizza di Torino (le vecchie scuderie
reali) Françoise Leick, danzatrice di Maguy
Marin, in Worstward Ho della coreografa francese su testi di Samuel Beckett.
“Sotto il cielo di Parma” è il titolo della rassegna di musica e danza organizzata nel Cortile della Pilotta della città emiliana, tra luglio
21
tral Italian town of Civitanova Marche, began
in June and continues in July with performances by Aterballetto, directed by Cristina
Bozzolini; the company will present a new
work by Eugenio Scigliano (who used to be a
soloist with Balletto di Toscana before becoming a choreographer), inspired by the story of
Giacomo Casanova.
For the third year running, the Festival a Corte
which features dance, theatre and circus, will
be held in the month of July in various venues
associated with the Royal House of Savoy, in
and around Turin. French choreographer Daniel Larrieu’s creation, based on the relationship between dance and landscape and is entitled Marche, danses de verdure (“Walking,
Dancing, Greenery”), will be staged in the
gardens of the Venaria Palace. Françoise Leick,
a dancer from Maguy Marin’s ensemble, will
perform the French choreographer ’s
Worstward Ho, based on a text by Samuel
Beckett, at the Cavallerizza (the old royal stables) in Turin.
“Sotto il cielo di Parma” (Under the Sky of
Parma) is the title of a music and dance festival which will be held in the Cortile della
Pilotta, Parma, between July and August and
to which various troupes have been invited.
The Ballet Company of La Scala, Milan is reviving Roland Petit’s Pink Floyd Ballet, which
was performed at La Scala between June and
July and is touring other festivals too (see
Calendar); Béjart Ballet Lausanne is presenting Béjart’s popular Boléro and a suite from
L’Amour – La Danse, an anthology of some
of the French choreographer’s best-known
works; Antonio Márquez’s flamenco troupe is
also expected. The festival will close at the
beginning of August with a gala performance
starring Roberto Bolle and other internationally-known dancers in solos and pas de deux
taken from both the classic and contemporary
repertoires.
FestiVAL, a dance and theatre festival held in
the archeological site of Villa Adriana (the
palace of the Emperor Hadrian at Tivoli, near
Rome) began in June. Sidi Larbi Cherkaoui, a
FestiVAL “regular”, was here this year too,
and the dance programme continues in July.
English choreographer Russell Maliphant is
presenting “Two:for:ten”, consisting of four
works which he made between 1998 and 2009;
these will be interpreted by dancers from various companies, including Agnes Oaks and
Thomas Edur of English National Ballet. Flamenco dancer Israel Galván is reviving his
latest work, El final de este estado de cosas,
which is based on The Apocalypse. The most
exciting appearance will be at the very end of
the festival: the Kirov Ballet of the Mariinsky
Theatre of St. Petersburg will be offering their
well-oiled Forsythe programme (that has already been seen several times also in Italy)
consisting of Steptext, Approximate Sonata,
BREVI • ECHOS
NEWS •• ECHOS
BREVI •• BREVI
NEWS • ECHOS
ECHOS ••ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI
ECHOS • ECHOS
Eleonora Abbagnato, Alessandro
Molin: “Carmen”, c. Roland Petit
quatre pièces du chorégraphe anglais créées
entre 1998 et 2009, interprétées par des danseurs provenant de diverses compagnies, dont
Agnes Oaks et Thomas Edur de l’English National Ballet; le danseur flamenco Israel
Galván reprend ensuite sa dernière pièce, El
final de este estado de cosas, inspiré de la
lecture du texte biblique de l’Apocalypse. Le
rendez-vous le plus important terminera le
festival: le Ballet Kirov du Théâtre Mariinsky
de Saint-Pétersbourg danse dans son programme Forsythe composé de Steptext,
Approximate Sonata, The Vertiginous Thrill
of Exactitude et In the Middle, Somewhat
Elevated.
Comme chaque année le Ballet de l’Opéra
de Rome se déplace aux Thermes de Caracalla pour la saison estivale. En juillet, la
compagnie dirigée par l’étoile italienne Carla
Fracci présente Le Songe d’une nuit d’été,
un ballet du canadien Paul Chalmer
(aujourd’hui directeur du Ballet de l’Opéra
de Leipzig) avec la mise en scène de Beppe
Menegatti (mari de Carla Fracci) sur la partition de Felix Mendelssohn-Bartholdy.
Après avoir proposé en juin la dernière création de Matthew Bourne, inspirée du roman
Le Portrait de Dorian Gray d’Oscar Wilde,
les rendez-vous avec la danse du Ravenna
Festival (à Ravenne, dans le centre de l’Italie) continuent en juillet avec une soirée de
gala qui réunit des solistes du Théâtre
Mariinsky de Saint-Pétersbourg et du Théâtre Bolchoï de Moscou. Le spectacle se terminera avec Maïa Plissetskaïa (83 ans) qui
interprète Ave Maya, le solo que Maurice
e agosto. In programma il Balletto del Teatro
alla Scala che riprende Pink Floyd Ballet di
Roland Petit, presentato alla Scala tra giugno e luglio e poi in tournée in vari festival
(vedi Cartellone), il Béjart Ballet Lausanne
con il celebre Boléro del coreografo francese
e una suite di L’Amour – La Danse, una sorta
di antologia di alcuni noti lavori di Béjart, e
ancora la compagnia flamenca di Antonio
Márquez. Una serata di gala con Roberto
Bolle e altre étoiles internazionali, in assoli e
passi a due del repertorio “classico” e contemporaneo, conclude la rassegna ai primi di
agosto.
È iniziato in giugno il FestiVAL, la rassegna
di danza e teatro che ha luogo nell’area
archeologica della Villa Adriana, la dimora
dell’Imperatore Adriano a Tivoli, nei pressi di
Roma. Dopo Sidi Larbi Cherkaoui, fedele alla
rassegna, continuano in luglio gli appuntamenti con la danza: Russell Maliphant presenta
“Two:for:ten”, un programma composto da
quattro lavori creati dal coreografo inglese tra
il 1998 e il 2009, interpretati da danzatori di
varia provenienza tra cui Agnes Oaks e
Thomas Edur dell’English National Ballet; il
danzatore flamenco Israel Galván riprende poi
il suo ultimo lavoro, El final de este estado de
cosas, ispirato alla lettura del testo biblico
dell’Apocalisse. L’appuntamento più importante chiude il festival: il Balletto Kirov del
Teatro Mariinsky di San Pietroburgo danza nel
solito programma Forsythe, già più volte visto anche in Italia, composto da Steptext,
Approximate Sonata, The Vertiginous Thrill of
Exactitude e In the Middle, Somewhat
Elevated.
22
The Vertiginous Thrill of Exactitude and In the
Middle, Somewhat Elevated.
The Rome Opera Ballet will, as usual move
to Terme di Caracalla (the Baths of the Emperor Caracalla) for the Summer season. In
July the company, directed by Carla Fracci,
will be presenting A Midsummer Night’s
Dream, a ballet by Canadian choreographer
Paul Chalmer (currently director of the Leipzig Opera Ballet), directed by Beppe
Menegatti. The score is by Felix MendelssohnBartholdy.
Matthew Bourne’s latest ballet, based on Oscar Wilde’s novel The Picture of Dorian Gray
was performed at the Ravenna Festival in
June. There will be more dance in July, starting with a gala starring soloists from the
Mariinsky Theatre of St. Petersburg and the
Bolshoi Theatre of Moscow and, at the end of
the evening, Maya Plissetskaya in Ave Maya,
a solo made especially for her by Maurice
Béjart. This will be followed by Compagnia
Virgilio Sieni in Oro, a new work by its choreographer; Ensemble Micha van Hoecke in a
work by the Belgian choreographer, based on
Euripides’ play The Bacchantes; American
troupe Hubbard Street Dance Chicago in a
mixed bill which comprises (among others)
choreographies by Nacho Duato, Ohad
Naharin and its own director Jim Vincent. The
last group appearing at this festival are the
Shaolin Monks in Sutra, a work by BelgianMoroccan choreographer Sidi Larbi
Cherkaoui, which blends contemporary dance
with martial arts.
Béjart créa pour elle. Ensuite la Compagnie
Virgilio Sieni présente Oro, une création de
son chorégraphe; l’Ensemble Micha van
Hoecke danse dans une pièce de ce chorégraphe belge inspirée des Bacchantes d’Euripide, alors que les Américains de la Hubbard
Street Dance Chicago présentent un programme composé, entre autres, de pièces de
Nacho Duato, Ohad Naharin et du directeur
Jim Vincent. En conclusion du festival, un
groupe de moines Shaolin reprend Sutra du
chorégraphe belgo-marocain Sidi Larbi
Cherkaoui, qui allie ici la danse contemporaine aux arts martiaux.
Cette année aussi le Ravello Festival (dans
le sud de l’Italie, près de Naples) présente
une section chorégraphique. Les spectacles
auront lieu entre la fin de juillet et le début
d’août, au Belvédère de la Villa Rufolo. Il y
aura tout d’abord le gala “Dance et Courage”
qui réunit divers artistes internationaux (Silvia Azzoni et Alexandre Ryabko du Ballet de
Hambourg, Irina Dvorovenko et Maxim
Beloserkovsky de l’American Ballet Theatre, la chorégraphe et performer Susanne
Linke, l’italien Francesco Nappa, aujourd’hui
free lance, et le béjartien Gil Roman). Au
programme des extraits de ballets de George
Balanchine, Maurice Béjart, Alwin Nikolais,
Jirí Kylián, John Neumeier, Angelin Preljocaj
et William Forsythe. On affiche également
la compagnie Aterballetto qui dansera
Per gli appassionati di teatro-danza e nuova
danza, si tiene tra la fine di luglio e l’inizio di
agosto il Festival Drodesera, negli spazi alternativi della Centrale Idroelettrica di Fies a
Dro (in Trentino). Ci saranno Virgilio Sieni,
Erna Omarsdottir e la Compagnia Abbondanza/Bertoni con la loro nuova creazione.
dar; we bring to your attention, however,
Giselle with Dorothée Gilbert and Alessio
Carbone (principals with the Paris Opéra Ballet) who will also dance in this same ballet in
late July at Collegno (near Turin) in a new
dance venue, the Lavanderia a Vapore, which
has been given to BTT.
Come ogni anno il Balletto dell’Opera di
Roma si sposta alle Terme di Caracalla per la
stagione estiva. In luglio, la compagnia diretta da Carla Fracci presenta Sogno di una notte
di mezz’estate, un balletto del canadese Paul
Chalmer (oggi direttore del Balletto dell’Opera
di Lipsia) con la regia di Beppe Menegatti sulla
partitura di Felix Mendelssohn-Bartholdy.
There is a bit of everything in the the dance
programme of the Festival OperaEstate
which is held between July and August in various towns in the region of Venetia: from cossack dancing, to gala performances starring
dancers straight out of trendy TV programmes,
to tango, to hip hop. These are, in our opinion,
the most interesting performances to look out
for: first and foremost, Shen Wei Dance Arts
in the first section of Re and Map, two wellknown works by this avant garde choreographer who came to the fore on the international
scene a few years ago. Also worth mentioning
are Italian choreographer based in Holland,
Emio Greco, and his troupe who will open the
festival with a work by Greco based on
Luchino Visconti’s celebrated film Rocco e i
suoi fratelli (“Rocco and his Brothers”). In
addition to the aforementioned, for those who
like performances in “unusual” venues: Norwegian Kristin Hijort e Japanese Yoshifuni
Inao, two former members of the Batsheva
Dance Company, will dance two duets in the
Bolle di Nardini, the futuristic glass sculpture
in the shape of alembics, designed by iconic
Dopo aver proposto in giugno l’ultima creazione di Matthew Bourne, ispirata al romanzo
Il Ritratto di Dorian Gray di Oscar Wilde, gli
appuntamenti con la danza del Ravenna
Festival continuano in luglio con una serata
di gala che raccoglie vari solisti del Teatro
Mariinsky di San Pietroburgo e del Teatro
Bolshoi di Mosca. La conclusione dello spettacolo è affidata a Maya Plissetskaya che interpreta Ave Maya, l’assolo che Maurice Béjart
creò su di lei. In seguito la Compagnia Virgilio Sieni presenta Oro, una creazione del suo
coreografo; l’Ensemble Micha van Hoecke
danza in un lavoro del coreografo belga ispirato alle Baccanti di Euripide, mentre gli
Americani della Hubbard Street Dance
The Ravello Festival includes a dance section also this year. Two different performances
will be offered at the Belvedere, situated inside Villa Rufolo, between the end of July and
early August. The first is entitled “Dance and
Courage” and it gathers together various international dancers (Silvia Azzoni and
Alexandre Ryabko from the Hamburg Ballet,
Irina Dvorovenko and Maxim Beloserkovsky
from American Ballet Theatre, choreographer/
performer Susanne Linke, Francesco Nappa
(who is now free lance) and ‘Béjartian’ dancer
Gil Roman). The programme will consist of
excerpts from ballets by George Balanchine,
Maurice Béjart, Alwin Nikolais, Jirí Kylián,
John Neumeier, Angelin Preljocaj and William
Forsythe. Aterballetto will perform Mauro
Bigonzetti’s Orizzonte Terra, a work dedicated
to the Jewish people. The other ballet evening
will be in August with Les Ballets Jazz de
Montréal.
The Festival Acqui in Palcoscenico begins
in July with Balletto Teatro di Torino (BTT),
the troupe directed by Loredana Furno which
is also responsible for organizing this festival,
in three works by Matteo Levaggi, grouped
under the umbrella-title of “Moving Parts”. For
full details of the programme see our Calen-
Béjart Ballet
Lausanne:
“Boléro”,
c. Maurice Béjart
(ph. F. Paolini)
23
BREVI • ECHOS
NEWS •• ECHOS
BREVI •• BREVI
NEWS • ECHOS
ECHOS ••ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI
ECHOS • ECHOS
Orizzonte Terra (“Horizon terre”) de Mauro
Bigonzetti, une pièce dédiée au peuple juif.
Le second rendez-vous sera en août avec Les
Ballets Jazz de Montréal.
Le Festival Acqui in Palcoscenico (à Acqui
Terme au Piémont) s’ouvre en juillet avec
le Balletto Teatro di Torino (BTT), la compagnie dirigée par Loredana Furno, qui est
également l’organisatrice de ce festival. Au
programme trois pièces de l’Italien Matteo
Levaggi rassemblées sous le titre “Moving
Parts”. Parmi les autres rendez-vous (dont
on donne la liste complète dans notre Affiche), à remarquer une Giselle avec Dorothée
Gilbert et Alessio Carbone (de l’Opéra de
Paris, qui danseront ce ballet également à la
“Lavanderia a Vapore“ de Collegno, un nouveau centre pour la danse près de Turin, confié au BTT).
Dans la section chorégraphique du Festival
OperaEstate, qui se déroule entre juillet et
août dans divers lieux de la Vénétie, dans le
nord-est de Italie, se trouve un peu de tout,
des danses cosaques aux soirées de gala avec
des danseurs lancés par la mode des émissions télé consacrées à la danse, du tango
au hip hop. On signale les rendez-vous les
plus importants: tout d’abord la Shen Wei
Dance Arts avec la première partie de Re et
Map, deux pièces désormais bien connues
de ce chorégraphe d’avant-garde qui s’est
imposé dans les dernières années sur la scène
internationale, et, en ouverture du festival,
la compagnie du chorégraphe italien (mais
résident en Hollande) Emio Greco, avec une
pièce inspirée du film de Luchino Visconti
Rocco e i suoi fratelli (“Rocco et ses frères”). En outre, pour ceux qui aiment les
spectacles dans des contextes “alternatifs”,
Kristin Hijort et Yoshifuni Inao, elle norvégienne, lui japonais, ex danseurs de la
Batsheva Dance Company, présentent deux
duos aux Bolle di Nardini, l’architecturesculpture futuriste de l’architecte-star
Massimiliano Fuksas à Bassano del Grappa.
Un autre rendez-vous avec la Northern
School of Contemporary Dance de Leeds
(Grande-Bretagne) et des jeunes chorégraphes britanniques aura lieu dans le Musée
de Canova à Possagno.
Invito alla Danza (“Invitation à la Danse”),
le festival qui a comme cadre la Villa Doria-Pamphilj de Rome, s’ouvre en juillet
avec le Ballet du Théâtre National de Salzbourg dans une Carmen de son directeur
Peter Breuer. Parmi les rendez-vous: la dernière création de Monica Casadei pour son
Artemis Danza, Codice India («Codex
Inde»), né justement suite à un voyage en
Inde; l’Aterballetto avec des pièces de son
ex directeur et maintenant chorégraphe résident Mauro Bigonzetti et du chorégraphe
israélien Ohad Naharin; Naharin revient
ensuite dans une soirée avec la Hubbard
Chicago presentano un programma composto,
tra l’altro, da lavori di Nacho Duato, Ohad
Naharin e del direttore Jim Vincent. In chiusura un gruppo di monaci Shaolin riprende
Sutra del coreografo belga-marocchino Sidi
Larbi Cherkaoui, che fonde qui la danza contemporanea con le arti marziali.
Anche quest’anno il Ravello Festival presenta una sezione di danza a cura di Daniele
Cipriani. Due gli spettacoli in programma tra
la fine di luglio e i primi di agosto, in scena al
Belvedere della Villa Rufolo. Il primo spettacolo s’intitola “Danza e Coraggio” e riunisce
vari artisti internazionali (Silvia Azzoni e
Alexandre Ryabko del Balletto di Amburgo,
Irina Dvorovenko e Maxim Beloserkovsky
dell’American Ballet Theatre, la coreografa e
performer Susanne Linke, Francesco Nappa,
oggi free lance, e il béjartiano Gil Roman). In
programma brani tratti da balletti di George
Balanchine, Maurice Béjart, Alwin Nikolais,
Jirí Kylián, John Neumeier, Angelin Preljocaj
e William Forsythe. Ci sarà anche
l’Aterballetto che danzerà Orizzonte Terra di
Mauro Bigonzetti, un lavoro dedicato al popolo ebraico. Il secondo appuntamento sarà in
agosto con Les Ballets Jazz de Montréal.
Il Festival Acqui in Palcoscenico si apre in
luglio con il Balletto Teatro di Torino (BTT),
la compagnia diretta da Loredana Furno, che
è anche l’organizzatrice del festival. In programma tre lavori di Matteo Levaggi raggruppati sotto il titolo “Moving Parts”. Tra gli altri
appuntamenti (tutti elencati nel nostro Cartellone), da segnalare una Giselle con Dorothée
Gilbert e Alessio Carbone (dell’Opéra di Parigi, i quali ridanzeranno il balletto alla fine di
luglio anche alla Lavanderia a Vapore di
Collegno, nuovo centro per la danza nei pressi di Torino affidato al BTT). Altre due rassegne organizzate da Loredana Furno sono il
Festival dei Laghi, nelle dimore storiche dei
laghi Maggiore e d’Orta e il Festival Internazionale di Danza alla Fortezza del
Priamar di Savona.
Nel programma di danza del Festival
OperaEstate, che si svolge tra luglio e agosto in vari luoghi del Veneto, si trova un po’ di
tutto, dalle danze cosacche a serate di gala con
danzatori lanciati dalla moda dei programmi
televisivi dedicati alla danza, dal tango all’hip
hop. Segnaliamo gli appuntamenti più interessanti: anzitutto la Shen Wei Dance Arts con la
prima parte di Re e Map, due lavori ormai noti
di questo coreografo d’avanguardia che si è
imposto negli ultimi anni sulla scena internazionale, e, in apertura della rassegna, la compagnia del coreografo italiano ma residente in
Olanda Emio Greco, con un lavoro ispirato al
celebre fim di Luchino Visconti Rocco e i suoi
fratelli. Inoltre, per chi ama gli spettacoli in
contesti “alternativi”, Kristin Hijort e
Yoshifuni Inao, lei norvegese, lui giapponese,
ex danzatori dalla Batsheva Dance Company,
24
architect Massimiliano Fuksas at Bassano del
Grappa. Another interesting evening, with the
Northern School of Contemporary Dance of
Leeds (England) and young British choreographers, will take place in the impressive
Gipsoteca del Canova (a museum which
houses numerous collections by sculptor
Antonio Canova) at Possagno.
Invito alla Danza (“Invitation to the Dance”)
is the name of a festival which takes place in
July at Villa Pamphilj in Rome. This year it
opens with the Salzburg Ballet in Carmen by
its director Peter Breuer. The other shows include: Monica Casadei’s latest ballet for her
troupe Artemis Danza, Codice India (“India
Code”), which transpired from a visit to India; Aterballetto in works by its former director (now its resident choreographer)
Mauro Bigonzetti and by Israeli choreographer Ohad Naharin; later on, Hubbard Street
Dance Chicago will also perform a work by
Naharin, together with others by contemporary choreographers such as Nacho Duato.
The programme also includes an evening with
choreographer Luciano Cannito, who is now
at the helm of the ballet company of the Teatro
Massimo in Palermo; several stars will be
there to dance his works, including Eleonora
Abbagnato, Vladimir Derevianko and Eric
Vu-An.
The festival entitled Il Regio a Racconigi
which is held in the conservatory of the royal
castle in the Piedmontese town, offers two
appointments which dance during the month
of July. The Ballet Company of La Scala, Milan is reviving Pink Floyd Ballet which
Roland Petit made in 1972 to music by the
English popular rock band, whilst Ballet
Béjart Lausanne will dance its founder’s ultra-famous Boléro and a suite from L’Amour
– la danse, an anthology compiled in 2005
and consisting in old excerpts by the French
choreographer, inspired by love.
The Estate Teatrale Veronese festival, held
in July and August, offers dance at the Teatro
Romano and the Corte Mercato Vecchio in
the northern city of Verona. July’s offerings
include Balletto Teatro di Torino (reviving
a triple bill by choreographer Matteo
Levaggi), while the Compagnia
ZappalàDanza will be presenting a work in
progress by its choreographer Roberto
Zappalà, based on Romeo and Juliet, to
music by Sergei Prokofiev. In August the
festival will host Moses Pendleton’s troupe
Momix in Bothanica, after which the Ballet
Company of L’Arena di Verona will dance
a new ballet by Francesca Lettieri to Carl
Orff’s Carmina Burana. There will be a
tango show with Ballet Argentino, the troupe
directed by Julio Bocca who will not, however, be dancing. Lastly, the young French
ensemble Europa Danse will present “Picasso et la danse”, made up of ballets for
Street Dance Chicago, complétée par des
pièces d’autres chorégraphes contemporains
comme Nacho Duato. Au programme, entre
autres, une soirée de pièces du chorégraphe
Luciano Cannito, aujourd’hui directeur du
Ballet du Teatro Massimo de Palerme, à laquelle participeront, entre autres, Eleonora
Abbagnato, Vladimir Derevianko et Eric VuAn.
Le festival Il Regio a Racconigi offre en
juillet deux rendez-vous avec la danse, dans
les serres royales du château de Racconigi,
gracieuse cité près de Turin. Le Ballet de
La Scala de Milan reprend Pink Floyd Ballet, la pièce créée en 1972 par Roland Petit
sur des musiques du populaire rock band
anglais, alors que le Ballet Béjart Lausanne
se produit dans le très célèbre Boléro de son
fondateur et dans une suite de L’Amour – la
danse, un florilège assemblé en 2005 d’anciennes pièces de Maurice Béjart consacrées
à l’amour.
L’Estate Teatrale Veronese propose entre
juillet et août quelques spectacles de danse
au Teatro Romano et à la Corte Mercato
Vecchio de Vérone. Parmi les rendez-vous
de juillet, le Balletto Teatro di Torino reprend un triptyque de chorégraphies de
Matteo Levaggi, alors que la Compagnia
ZappalàDanza présente une pièce de son
chorégraphe Roberto Zappalà inspirée de
Roméo et Juliette sur la musique de Sergueï
Prokofiev et conçue comme un work in
progress. Après le groupe Momix de Moses
Pendleton avec Bothanica, la compagnie de
ballet des Arènes de Vérone danse en août
dans une création de l’italienne Francesca
Lettieri sur les Carmina Burana de Carl
Orff; il y aura également un spectacle de
tango avec le Ballet Argentino, la compagnie dirigée par Julio Bocca, lequel toutefois ne figure pas à l’affiche. Enfin, il y aura
la jeune compagnie Europa Danse, fondée
et dirigée par Jean-Albert Cartier, avec “Picasso et la danse”, composé de ballets pour
lesquels le grand peintre signa les décors,
dans les chorégraphies originales (comme
Parade de Léonide Massine) ou recréées par
Ana Maria Stekelman (Pulcinella) ou
Thierry Malandain (Mercure).
VignaleDanza offre dans le Montferrat en
Piémont jusqu’à la fin juillet de nombreux
rendez-vous avec la danse dont on donne la
liste complète dans notre Affiche. On signale
tout au moins une soirée avec l’étoile italienne Luciana Savignano (connue
internationalement comme ancienne interprète de Béjart) et, d’Espagne, la Compañía
Flamenca de José Moro, un danseur en vérité italien (il s’agit d’Alvise Carbone) qui
signe la chorégraphie et la mise en scène
d’un spectacle inspiré par les vicissitudes de
Don Quichotte; il interprète lui-même le rôle
central.
María José Sales, Fernando Bufala – Corella Ballet Castilla y León: “In the Upper Room”,
c. Twyla Tharp (ph. R. O’ Connor)
presentano due duetti nelle Bolle di Nardini,
l’avveniristica l’architettura-scultura dell’architetto-star Massimiliano Fuksas a Bassano
del Grappa. Sempre a Bassano, il singolare
gruppo maschile Los Vivancos col loro spettacolo Hermanos (“Fratelli”). Un altro appuntamento con la Northern School of
Contemporary Dance di Leeds (GB) e alcuni
giovani coreografi britannici si svolgerà nella
suggestiva cornice della Gipsoteca del Canova
a Possagno.
Invito alla Danza, il festival che ha come scenario la Villa Pamphilj di Roma, si apre in luglio con il Balletto del Teatro Nazionale di
Salisburgo in una Carmen del suo direttore
Peter Breuer. Tra gli altri appuntamenti: l’ultima creazione di Monica Casadei per la sua
Artemis Danza, Codice India, nata proprio in
seguito a un viaggio in India; l’Aterballetto
con lavori del suo ex direttore e ora coreografo stabile Mauro Bigonzetti e del coreografo
25
which the famous painter designed scenery,
either in the original choreography (like Parade by Léonide Massine) or recreated by
Ana Maria Stekelman (Pulcinella) and
Thierry Malandain (Mercure).
Tucked away in the Monferrato
Hills,VignaleDanza offers several dance
performances at the end of July (see Calendar for full details). We would like to draw
your attention to Red Passion (choreography by Cristiano Fagioli and Cristina Ledri)
starring Luciana Savignano with Balletto di
Milano. All the way from Spain comes
Compañía Flamenca de José Moro, a flamenco dancer who is actually one hundred
per cent Italian (his real name is Alvise
Carbone and he was born into a famous Italian dynasty of dancers) and who is both choreographer and director of this show based
on the adventures of Don Quixote, as well
as its protagonist.
BREVI • ECHOS
NEWS •• ECHOS
BREVI •• BREVI
NEWS • ECHOS
ECHOS ••ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI •• ECHOS
BREVI
ECHOS • ECHOS
MONTE-CARLO
Le rendez-vous de la mondaine Monte-Carlo
avec Les Nuits de la Danse de Monte-Carlo,
qui a lieu en juillet sur les terrasses du Casino
de la Principauté, se renouvelle cette année
également, avec deux programmes. Le premier
rassemble une pièce du jeune chorégraphe
newyorkais Nicolo Fonte, Le Spectre de la
Rose recréé ici par l’Allemand Marco Goecke,
l’un des chorégraphes résidents du Ballet de
Stuttgart, et Men’s Dance, créé par le chorégraphe-directeur de la compagnie monégasque Jean-Christophe Maillot en 2002 sur des
musiques de Steve Reich et Daniel Teruggi.
Le second programme comprend une autre
création en hommage aux Ballets Russes, une
pièce de Matjash Mrozewsky, ex danseur canadien des Ballets de Monte-Carlo, qui s’inspire du Pavillon d’Armide de Michel Fokine,
en s’appuyant toutefois sur une musique du
compositeur anglais contemporain Scanner. La
soirée est complétée par une nouvelle pièce
de Jean-Christophe Maillot.
ESPAGNE
Le Festival Grec de Barcelone en Espagne
est une manifestation pluridisciplinaire qui
prévoit aussi une section danse. Au programme, entre fin juin et août, figurent plusieurs compagnies et artistes locaux qui offrent un vaste panorama de la “nouvelle danse”
espagnole. Une autre partie du programme est
plus internationale: Sylvie Guillem est la protagoniste d’Eonnagata, un spectacle créé par
le chorégraphe anglais Russell Maliphant avec
la mise en scène de Robert Lepage, présenté
cette année à Londres, alors que la Wayne
McGregor | Random Dance reprend la dernière
création de son chorégraphe-directeur, Entity.
À l’affiche figurent également le groupe de
l’Italien Virgilio Sieni avec sa dernière pièce
et Bruno Beltrão, chorégraphe brésilien, avec
sa Companyia Grupo da Rua.
Le Festival Internacional de Música y
Danza de Granada invite, entre autres, fin
juin, dans les jardins magnifiques du Generalife (l’ancienne résidence des souverains musulmans de Grenade), la Compañía Nacional
de Danza dirigée par Nacho Duato, la compagnie d’Espagne la plus connue de nos jours.
Au programme deux pièces récentes de son
chorégraphe-directeur, Gnawa et O Domina
Nostra, outre de paso (sic), une pièce de
Gentian Doda, un danseur albanais de la compagnie qui, comme chorégraphe, s’est formé
dans l’atelier de chorégraphie dirigé par Duato
et associé à la CND. Il y aura ensuite le Ballet
Corella, la compagnie formée l’année dernière
par Ángel Corella, principal de l’American
Ballet Theatre. Au programme la reprise d’une
soirée composée de titres de George Balanchine, Clark Tippet, Twyla Tharp et Stanton
israeliano Ohad Naharin; Naharin ritorna poi
in una serata con la Hubbard Street Dance
Chicago, completata da lavori di altri coreografi contemporanei come Nacho Duato. In
programma, tra l’altro, anche una serata di lavori del coreografo napoletano Luciano
Cannito, oggi direttore del Balletto del Teatro
Massimo di Palermo, cui parteciperanno, tra
gli altri, Eleonora Abbagnato, Vladimir
Derevianko e Eric Vu-An.
La rassegna Il Regio a Racconigi offre in luglio due appuntamenti con la danza, nelle serre reali del castello della cittadina piemontese. Il Balletto del Teatro alla Scala riprende
Pink Floyd Ballet, il lavoro creato nel 1972 da
Roland Petit su musiche della popolare rock
band inglese, mentre il Ballet Béjart Lausanne
si esibisce nel celeberrimo Boléro del suo fondatore e in una suite da L’Amour – la danse,
un florilegio assemblato nel 2005 di vecchi
brani del coreografo francese dedicati all’amore.
MONTE-CARLO
Si rinnova anche quest’anno l’appuntamento
della mondana Monte-Carlo con Les Nuits de
la Danse de Monte-Carlo, che si terranno in
luglio sulle terrazze del Casinò del principato.
Due i programmi. Il primo riunisce un lavoro
del giovane coreografo newyorkese Nicolo
Fonte, Le Spectre de la Rose ricreato qui dal
tedesco Marco Goecke, uno dei coreografi stabili del Balletto di Stoccarda, e Men’s Dance,
creato dal coreografo-direttore della compagnia monegasca Jean-Christophe Maillot nel
2002 su musiche di Steve Reich e Daniel
Teruggi. Il secondo programma comprende
un’altra creazione in omaggio ai Ballets
Russes, un lavoro di Matjash Mrozewsky, un
ex danzatore canadese dei Ballets de MonteCarlo, che si ispira al Pavillon d’Armide di
Michel Fokine, avvalendosi però di una musica del compositore londinese contemporaneo
Scanner. Anche qui completa la serata un nuovo lavoro di Jean-Christophe Maillot.
MONTE-CARLO
Yet again this summer, the fashionable crowd
of Monte-Carlo will flock to the terraces of
the Casino to watch Les Nuits de la Danse de
Monte-Carlo. There are going to be two programmes. The first one consists of a work by
Nicolo Fonte (a young choreographer from
New York), Le Spectre de la Rose recreated
by German choreographer Marco Goecke (one
of the Stuttgart Ballet’s resident choreographers) and Men’s Dance, created in 2002 to
music by Steve Reich and Daniel Teruggi by
the Monte-Carlo company’s choreographer-director, Jean-Christophe Maillot. The second
programme is made up of another creation
dedicated to the Ballets Russes and based on
Jason Kittelberger – Cedar Lake
Contemporary Ballet
Welch. Les rendez-vous avec la danse de ce
festival se terminent avec le Royal Ballet de
Londres dans son Lac des cygnes; dans les
distributions figurent l’Argentine Marianela
Núñez et l’Espagnole Tamara Rojo, qui retourne ainsi dans sa patrie où elle est très connue.
USA
Un coup d’œil de l’autre côté de l’Atlantique
aussi. Le Jacob’s Pillow est un ancien et important festival américain de danse qui a lieu
à Becket aux États-Unis et qui a été fondé par
Ted Shawn, l’un des pionniers de la modern
dance américaine (cet intitulé insolite dérive
en effet d’une ferme où le danseur et choré-
rano anche il gruppo di Virgilio Sieni con il
suo ultimo lavoro e Bruno Beltrão, coreografo brasiliano, con la sua Companyia
Grupo da Rua.
Il Festival Internacional de Música y Danza de Granada invita, tra gli altri, alla fine di
giugno, nei magnifici giardini del Generalife
(l’antica residenza dei sovrani mussulmani di
Granada), la Compañía Nacional de Danza
diretta da Nacho Duato, la più nota compagnia della Spagna di oggi. In programma due
lavori recenti del suo coreografo-direttore,
Gnawa e O Domina Nostra, oltre a de paso
(sic), un lavoro di Gentian Doda, un danzatore
albanese della compagnia che, come coreografo, si è formato nel laboratorio di coreografia diretto da Duato e associato alla CND.
Ci sarà poi in luglio il Ballet Corella, la compagnia di balletto formata lo scorso anno da
Ángel Corella, principal dell’American Ballet
Theatre. In programma una serata già vista
con titoli di George Balanchine, Clark Tippet,
Twyla Tharp e Stanton Welch. Gli appuntamenti con la danza della rassegna si concludono con il Royal Ballet di Londra nel suo
Lago dei cigni; nei casts figurano l’argentina
Marianela Núñez e la spagnola Tamara Rojo,
che torna così ad esibirsi in patria dove è molto
conosciuta e apprezzata.
USA
Il Festival Grec di Barcellona in Spagna è
una manifestazione pluridisciplinare che prevede anche una sezione dedicata alla danza.
In programma, tra la fine di giugno e agosto,
figurano varie compagnie e artisti locali che
offrono un ampio panorama della “nuova danza” spagnola. Un’altra parte del programma
ha un respiro più internazionale: l’étoile francese Sylvie Guillem è la protagonista di
Eonnagata, uno spettacolo creato dal coreografo inglese Russell Maliphant con la regia
di Robert Lepage, presentato quest’anno a
Londra, mentre la Wayne McGregor | Random
Dance riprende l’ultima creazione del suo coreografo-direttore, Entity. In cartellone figu-
Uno sguardo anche dall’altra parte dell’Atlantico. Jacob’s Pillow è un antico e importante festival americano di danza, si svolge a
Becket negli Stati Uniti ed è stato fondato da
Ted Shawn, uno dei pionieri della modern
dance americana (il nome insolito deriva da
quello di una fattoria dove il danzatore e coreografo si era creato una sorta di eremo negli anni Trenta). Tra gli appuntamenti di quest’edizione, segnaliamo il Cedar Lake
Contemporary Ballet, una compagnia di danza contemporanea che si è imposta da qualche anno per la qualità dei suoi danzatori e
che abbiamo potuto vedere anche in Europa,
e Les Grands Ballets Canadiens de Montréal,
che hanno festeggiato recentemente i loro cinquant’anni, qui con un programma composto da due lavori di Mauro Bigonzetti, Le
quattro stagioni (sulla musica di Antonio
Vivaldi e creato proprio per questa compagnia) e Cantata. Ma l’appuntamento più importante sarà con la Merce Cunningham
Dance Company che presenta una “retrospettiva” composta da tre lavori di diverse epoche del grande coreografo americano cui dedichiamo la copertina di questo numero:
Sounddance (1975), CRWDSPCR (1993) e il
più recente eyeSpace (2006), durante il quale ogni spettatore dotato di iPod crea la propria banda sonora personalizzata partecipando così della poetica della casualità che è uno
dei fondamenti dell’opera creativa di
Cunningham.
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SPAGNA
Michel Fokine’s Pavillon d’Armide, but using music by contemporary London musician
Scanner; the work in question is by Canadian
dancer Matjash Mrozewsky, who used to dance
with the Ballets de Monte-Carlo. Yet again, it
is a ballet by Jean-Christophe Maillot, this time
a new work, which completes the bill.
SPAIN
Barcelona’s multidisciplinary Festival Grec
also includes a dance section. From the end of
June to August, various local companies will
provide a comprehensive tour d’horizon of
“new” Spanish dance. There will also be some
more internationally-known names, such as
French ballerina Sylvie Guillem in Eonnagata,
a show created by English choreographer
Russell Maliphant and directed by Robert
Lepage which was premièred earlier this year
in London. Wayne McGregor | Random Dance
will present their choreographer-director’s latest work, Entity. Virgilio Sieni’s troupe is also
on the bill in its latest work and Brazilian choreographer Bruno Beltrão will also be there
with his Companyia Grupo da Rua.
The Festival Internacional de Música y
Danza de Granada is held in the magnificent
gardens of the Generalife (palace of the
Moorish rulers of Granada). This year’s guests
include Nacho Duato’s Compañía Nacional de
Danza, now Spain’s foremost company. Two
recent ballets by its director-choreographer
will be presented: Gnawa and O Domina
Nostra, together with de paso (sic), a work by
Albanian dancer Gentian Doda who is a member of the troupe and studied choreography in
the workshop directed by Duato. Also expected
in July is Ballet Corella, a company set up last
year by American Ballet Theatre principal
Ángel Corella. The company will revive their
programme featuring ballets by George
Balanchine, Clark Tippet, Twyla Tharp and
Stanton Welch. The last dance performance
will be The Royal Ballet of London in Swan
Lake: Argentinian ballerina Marianela Núñez
features in the cast, together with her Spanish
colleague Tamara Rojo who will thus be performing again in her home-country where she
is well-known and popular.
USA
Let us take a glance at what is going on on the
other side of the Atlantic. Jacob’s Pillow is an
long-standing and important American dance
festival, held at Becket in the USA; it was
founded by Ted Shawn, one of the pioneers of
American modern dance (the festival’s unusual name comes from that of the farm where
this dancer/choreographer lived in retreat during the 1930’s). Prominent guests at this year’s
edition include Cedar Lake Contemporary
Ballet (which came to the fore a few years ago
ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS • BREVI • NEWS • ECHOS
graphe s’était créé une sorte d’ermitage
dans les années 1930). Parmi les rendezvous de cette édition, on signale le Cedar
Lake Contemporary Ballet, une compagnie
de danse contemporaine qui s’est imposée
depuis quelques années pour la qualité de
ses danseurs et qui présente ici une création de Sidi Larbi Cherkaoui, et Les Grands
Ballets Canadiens de Montréal, qui ont fêté
récemment leurs cinquante ans, avec un
programme composé de deux pièces de
Mauro Bigonzetti, Les Quatre Saisons (sur
la musique d’Antonio Vivaldi et créé précisément pour cette compagnie) et Cantata.
Mais le rendez-vous le plus important sera
avec la Merce Cunningham Dance Company qui présente une “rétrospective” composée de trois pièces de diverses époques
du grand chorégraphe américain auquel
nous consacrons la couverture de ce numéro: Sounddance (1975), CRWDSPCR
(1993) et le plus récent eyeSpace (2006),
pendant lequel chaque spectateur doté d’un
iPod crée sa bande sonore personnelle et
participe ainsi de la poétique du hasard qui
est l’un des fondements de l’œuvre créative de Cunningham.
L’International Ballet Festival of Miami,
dirigé par Pedro Pablo Peña, commence fin
août. Comme toujours, les moments culminants du festival seront les diverses soirées
de gala (le gala “moderne”, le “classique”
et le final) qui rassemblent diverses étoiles
internationales de la danse. Le prix “une
vie pour la danse” sera remis cette année à
Lupe Serrano, danseuse chilienne, en son
temps étoile de l’American Ballet Theatre,
alors que le prix pour la critique et la culture de la danse sera décerné à Anna
Kisselgoff, prestigieuse critique de danse
du New York Times pendant des décennies.
Le jury du prix “Benois de la Danse”, qui
depuis 1992 a lieu chaque année à Moscou, a annoncé les lauréats de l’édition
2009. Danseurs: Kirsty Martin (Australian
Ballet), Natalia Osipova (Ballet du Théâtre Bolchoï de Moscou), Joaquín de Luz
(New York City Ballet) et Ivan Vassiliev
(lui aussi du Bolchoï de Moscou). Quant à
la chorégraphie, le prix a été décerné à
l’Anglais Wayne McGregor pour Entity et
au danseur-étoile de l’Opéra de Paris José
Martínez pour son Les Enfants du paradis.
Entre-temps, en mai, comme on l’a déjà
annoncé, a eu lieu à Vicenza (en Italie) une
soirée de gala dans le cadre du “prix
Benois” avec la participation de certains
des lauréats de ces dernières années. À cette
occasion, le président du Prix, Youri
Grigorovitch, pendant de nombreuses années directeur et chorégraphe du Ballet du
Théâtre Bolchoï de Moscou, a remis un prix
spécial à Carlos Acosta, le danseur cubain
du Royal Ballet de Londres et désormais
star mondiale.
Benois de la Danse gala –
Vicenza: Carlos Acosta,
Yuri Grigorovich
(ph. E. Chracra)
Comincia alla fine di agosto l’International
Ballet Festival of Miami (USA) diretto da
Pedro Pablo Peña. Come sempre i momenti
culminanti del festival sono le diverse serate
di gala (il gala “moderno”, quello “classico” e
quello di chiusura) che riuniscono numerosi
artisti internazionali. Il tradizionale premio
“una vita per la danza” sarà consegnato quest’anno a Lupe Serrano, danzatrice cilena, a
suo tempo principal dancer dell’American
Ballet Theatre, mentre il premio per la critica
e la cultura di danza andrà a Anna Kisselgoff,
per decenni prestigioso critico di danza del
New York Times.
La giurìa del premio “Benois de la Danse”,
che dal 1992 si tiene ogni anno a Mosca, ha
annunciato i premiati di quest’anno. Danzatori:
Kirsty Martin (Australian Ballet), Natalia
Osipova (Balletto del Teatro Bolshoi di Mosca), Joaquín de Luz (New York City Ballet) e
Ivan Vassiliev (lui pure del Bolshoi di Mosca).
Per la categoria “coreografi”, sono stati premiati
l’inglese Wayne McGregor con Entity e il
danseur-étoile dell’Opéra di Parigi José
Martínez per Les Enfants du paradis. Intanto,
come abbiamo già annunciato, si è tenuta in
maggio, a Vicenza (organizzata da Arteven) una
serata in onore del “Benois” con la partecipazione dei premiati di maggior spicco degli ultimi anni. In quell’occasione il presidente Yuri
Grigorovich, per tanti anni direttore e coreografo del Balletto del Teatro Bolshoi di Mosca,
ha consegnato un premio sprciale a Carlos
Acosta, danzatore cubano del Royal Ballet di
Londra e ormai star mondiale.
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on account of the quality of its dancers and
which has also performed in Europe) and Les
Grands Ballets Canadiens de Montréal, who
recently celebrated their 50th anniversary; at
Jacob’s Pillow they will be offering a double
“Mauro Bigonzetti” bill consisting of Le
quattro stagioni (“The Four Seasons” – to
music by Antonio Vivaldi, a work made especially for them) and Cantata. The most significant presence, however, will be that of the
Merce Cunningham Dance Company in a retrospective anthology made up of three works
taken from distinct periods of the great choreographer’s production: Sounddance (1975),
CRWDSPCR (1993) and the more recent
eyeSpace (2006). For the latter, spectators will
each be given an iPod so that they can create
their own own soundtrack and, thereby, participate in the random creation process which
is one of the basics of Cunningham’s production. Ballet2000 devotes this month’s coverstory to this great American dancemaker.
The International Ballet Festival of Miami,
directed by Pedro Pablo Peña, begins at the
end of August. As is always the case, the various gala performances (there is a “classical”
one, a “modern” one and the closing gala)
constitute the climax of this festival and bring
together numerous international stars. This
year’s “Lifetime Achievement” Award will go
to Chilean ballerina Lupe Serrano who used
to be a principal with American Ballet Theatre. The “Criticism and Culture of Ballet”
Award is to be given to acclaimed New York
Times critic Anna Kisselgoff.
LA COUVERTURE
Merce, 90 de
jeunesse
LA COPERTINA
Sempreverde
Merce
Merce Cunningham, pontife
souverain de la danse
contemporaine, vient de fêter ses
quatre-vingt-dix ans lors d’une
soirée très mondaine à la
Brooklyn Academy of Music, le
premier théâtre newyorkais à
l’avoir accueilli en 1954. Pas de
meilleur moyen pour cet
infatigable chorégraphe de
célébrer son anniversaire que de
présenter une création. Et Merce,
plus surprenant que jamais, peu
soucieux du temps qui passe, se
révèle encore une fois le “jeune
homme éternel” de la
chorégraphie…
Merce Cunningham, pontefice
sommo della danza
contemporanea, ha appena
festeggiato novant’anni con una
serata molto mondana alla
Brooklyn Academy of Music, che
fu il primo teatro di New York ad
accoglierlo nel 1954. Per
l’infaticabile coreografo nessun
modo di spegnere le candeline
sarebbe stato migliore se non
quello di presentare una
creazione. E Merce, più
soprendente che mai, incurante
del tempo, si rivela ancora una
volta l’“eterno giovane” della
coreografia…
Le 16 avril dernier, New York s’est “arrêté” pour souhaiter un bon anniversaire à
une icône de la danse de la deuxième moitié
du XXe siècle: un “jeune homme” de quatre-vingt-dix ans, toujours actif dans ses studios désormais historiques de Bethune Street:
Merce Cunningham.
Merce Cunningham at 90, la célébration
newyorkaise (en Europe, Madrid a déjà fêté
l’événement; Paris et Londres le fêteront très
prochainement) a réuni à la Brooklyn
Academy of Music une foule de riches banquiers, stars de la télé, artistes de domaines
divers, directeurs de festivals internationaux,
galeristes et intellectuels. Après des applaudissements interminables, avec une “standing
ovation” pour Nearly Ninety, la dernière création de la Merce Cunningham Dance Company (décors de l’architecte Benedetta
Tagliabue, costumes du styliste Romeo Gigli),
et après des discours élogieux sur la BAM
également, premier théâtre newyorkais à avoir
accueilli Cunningham en 1954, l’atmosphère
mondaine et glamour s’est détendue grâce à
l’angélique ironie du maître chaque fois défini comme “le plus grand chorégraphe de la
deuxième moitié du XXe siècle”, ou encore
“le plus grand artiste vivant après la disparition de Samuel Beckett”.
Serré dans un costume bleu foncé, faisant
ressortir la blancheur de sa chevelure et assis sereinement dans son fauteuil roulant, l’inépuisable expérimentateur Merce (Mercier
Cunningham, né à Centralia, dans l’état de
Washington, précisément le 16 avril 1919) a
rappelé ses débuts à Seattle, pour le plus grand
Il 16 aprile scorso, New York si è fermata
ad augurare buon compleanno a un’icona della danza del secondo Novecento: un “ragazzo”
di novant’anni, tuttora attivo nello storico studio di Bethune Street: Merce Cunningham.
Merce Cunningham at 90, la celebrazione
americana cui già hanno fatto seguito altre, in
Europa (a Madrid, poi sarà la volta di Parigi e
Londra) ha radunato alla Brooklyn Academy
of Music una folla di ricchi banchieri, divi della TV, artisti di vari àmbiti, direttori di festival
internazionali, galleristi e intellettuali. Dopo applausi infiniti, in una “standing ovation” a Nearly
Ninety, l’ultima creazione particolarmente italiana della Merce Cunningham Dance Company
(scene dell’architetto Benedetta Tagliabue, costumi di Romeo Gigli), e discorsi encomiastici
anche sul BAM, il primo teatro newyorkese
ad accogliere Cunningham nel 1954, l’atmosfera mondana e glamour si è addolcita grazie
all’angelica ironia del maestro di volta in volta
definito “il maggior coreografo del secondo Novecento”, oppure “il maggior artista vivente dopo
la scomparsa di Samuel Beckett”.
Stretto in un completo blu notte, esaltante il
candore dei capelli e serenamente seduto sulla
sedia a rotelle, l’inarrestabile sperimentatore
Merce (Mercier Cunningham, nato a Centralia,
nello stato di Washington, appunto il 16 aprile
1919) ha ricordato i suoi esordi a Seattle, le
pene della madre maldisposta a vederlo diventare un danzatore, e le definitive rassicurazioni
del padre – “se non frequentasse quel caspita
d’ambiente della danza resterebbe un
imbranato…”; parole che ora suonano come
un esilarante paradosso.
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Julie Cunningham,
Daniel Madoff –
Merce Cunningham
Dance Company: “Xover”
(ph. K. Amina)
THE COVER
Evergreen
Merce
Merce Cunningham, the Pontiff
of contemporary dance, recently
turned ninety and celebrated his
birthday with the “in” crowd at
the Brooklyn Academy of Music,
the theatre where he made his
first New York appearance in
1954. How better to celebrate
than by presenting a new work?
Time does not seem to take its
toll on this ever-amazing,
untiring choreographer who has
shown himself to be, yet again,
choreography’s “eternal youth”
On 16th April, New York stood still to wish
many happy returns to a dance icon of the
latter half of the 20th century: a ninety yearold boy, still active in his legendary studio on
Bethune Street: Merce Cunningham.
There have already been celebrations in
honour of Cunningham in Madrid, while others are to be held presently in Paris and London. In New York, however, the title of the
Brooklyn Academy of Music (BAM) fête that
brought together a crowd of rich bankers, TV
personalities, artists of all stripes, intellectuals and international directors of festivals and
art-galleries was Merce Cunningham at 90.
Cunningham’s latest creation for the Merce
Cunningham Dance Company was aptly entitled Nearly Ninety and received a standing
ovation; there was moreover much laud for
BAM, the first New York theatre in which
Cunningham performed, back in 1954. Nearly
Ninety had something of an Italian flavour to
it, with scenery by architect Benedetta
Tagliabue and costumes by fashion designer
Romeo Gigli. The glamorous socialite atmosphere of the evening was mitigated somewhat
by the angelic irony of this contemporary dance
master who has been described as “the greatest choreographer of the latter half of the 20th
century” and “the greatest living artist since
the death of Samuel Beckett”.
Wearing a midnight blue suit which brought
out the whiteness of his hair, the unrestrainable
experimenter Merce was serenely seated in
his bath chair as he recounted his early memories. Mercier Cunningham, was born at
Centralia, in Washington State on 16th April
1919 and began to study dance in Seattle. His
mother was unhappy about this as she did not
see much future in the idea of his becoming a
dancer, while his father was supportive and
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Melissa Toogood, Brandon Collwes
– Merce Cunningham
Dance Company: “Event”
(ph. A. Finke)
malheur de sa mère, mal disposée à le voir
devenir danseur, mais aussi les mots rassurants de son père – “s’il ne fréquentait ce sacré monde de la danse il resterait un empoté…”; des mots qui sonnent comme un
paradoxe hilarant.
Le futur extraordinaire élève de Martha
Graham, au physique léger comme la pensée
et à l’esprit hanté par les infinies possibilités
du mouvement pur, expressif en soi, semble
n’avoir fait autre chose que planifier soigneusement toutes ses révolutions. Grâce aussi au
musicien John Cage, son compagnon, il a renversé les règles de la composition chorégraphique, l’emploi de l’espace, le rapport à la
musique et à l’art visuel, sans parler de l’usage
Merce Cunningham
(ph. Serge Lido, 1964)
Il futuro, straordinario allievo di Martha Graham
dal corpo leggero come il pensiero e dalla mente
ossessionata dalle infinite possibilità del movimento puro ed espressivo in sé sembra non aver
fatto altro che pianificare accuratamente tutte le
sue rivoluzioni. Anche grazie al musicista e compagno di vita John Cage, ha ribaltato le regole
della composizione coreografica, l’uso dello spazio, il rapporto con la musica e l’arte visiva, nell’impiego pionieristico della tecnologia anche virtuale. L’obiettivo – creare per sorprendersi e scoprire
l’inaspettato – è stato ribadito davanti a un’enorme torta di compleanno: “Sono contento che stasera abbiate assistito a qualcosa che ancora non
avevate visto”.
In effetti, a dispetto del titolo rassicurante, Nearly
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said: “Listen, that fellow, if he didn’t have
that dance game, would be a crook”. How
amusing such words sound in hindsight!
The impression one gets is that he who was
later to become an extraordinary pupil of
Martha Graham’s – with his nimble and willowy body, ever-obsessed by the infinite possibilities of pure, expressive movement per
se – actually planned all his revolutions very
carefully. Thanks also to musician John Cage,
who was to become his life companion,
Cunningham was a forerunner in the use of
technology (also of a virtual nature), thereby
overturning the rules of choreographic composition, the use of space and the relationship between dance and music and visual arts.
avant la lettre de la technologie, même virtuelle. L’enjeu (créer pour étonner et découvrir l’inattendu), Cunningham l’a déclaré face
à un énorme gâteau d’anniversaire: “Je suis
heureux que vous ayez assisté à quelque chose
que vous n’aviez pas encore vu”.
En effet, en dépit de ce titre rassurant, Nearly
Ninety (“Presque quatre-vingt-dix”), est une
pièce encore une fois imprévisible, dans la
lignée de la recherche sans cesse in progress
du maître, jamais tenté de se répéter. Durant
quatre-vingt-dix minutes, tout comme Ocean
et BIPED, cette création emploie treize danseurs, serrés dans de charmants maillots blancs,
écrus et bleus de Gigli, et suggère l’idée d’un
constructivisme-futurisme en évolution. Un
Ninety (“Quasi Novanta”), è una pièce ancora una
volta imprevedibile, in linea con la poetica perennemente in progress del maestro, mai tentato
dal ripetersi. Lunga novanta minuti, al pari di Ocean
e BIPED, impiega tredici danzatori, stretti nelle
affascinanti calzamaglie spezzate bianco, écru e
blu di Gigli, e suggerisce l’idea di un costruttivismofuturismo in atto. Un’astronave rotante – la scena ideata dalla Tagliabue – appare e scompare tra
proiezioni quasi psichedeliche, getti di colore anche puro, ma nel secondo tempo rivela tutta la
sua massiccia e ingombrante presenza. La danza,
questa volta sottratta agli amati disegni al computer torna a essere dinamica, piena di salti, giri,
scatti, quasi come negli anni Ottanta. Cosa piuttosto incredibile data la crescente fragilità del-
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The purpose of his creative process has always been to surprise himself, first and foremost, and discover the unexpected; as he reiterated in front of an enormous birthday cake:
“I am glad that this evening I showed you
something you hadn’t yet seen!”.
In fact, despite its reassuring title, Nearly
Ninety is yet again an unpredictable piece,
in keeping with Cunningham’s perennial poesy
in progress which never repeats itself. It is
90 minutes long, like Ocean and BIPED, and
is interpreted by thirteen dancers wearing
Gigli’s futurist patterned all-over leotards in
white, cream and blue. Tagliabue’s décor features a rotating spaceship which appears on
and off amidst quasi-psychedelic projected
flashes of pure colour; in the second part of
the ballet, however, the décor becomes overbearing and intrusive. The dancing, for once
deprived of computer imaging, resembles
Cunningham’s style of the 1980’s for it is
dynamic, full of jumps, turns and changes
of direction. This is quite incredible, considering his growing frailty – despite which he
worked meticulously with each single dancer
to develop his or her movements.
After a sequence of marvellous duets, preceded by solo running on stage and squatting, with arm motifs that reminds one of a
pair of pincers, the dancers tend towards centre
stage and then radiate away from it, their
bodies thus acquiring freedom. The orchestrated and rarefied music consists in uneven
ups and down; normally it is a concert in its
own right, but this time it is in the forefront.
The spaceship is a sound case for the peculiar graters of Takehisha Kosugi (still today
the Merce Cunningham Dance Company’s
music director) and the multiple instruments
of John Paul Jones, formerly a member of
the legendary rock band Led Zeppelin and
of Sonic Youth.
There are surprises galore – for example
when Kosugi’s hands, busy making scratching noises, suddenly become visible on screens
that have been lowered down onto the stage
– and the poetry develops in the sheer detail
of the dancers’ individual movements: they
are enchanting as they come softly into contact with one another, as their bodies match
gently together. Yet the contemplative element mingles with sheer energy that is projected towards the future. Such vitality would
be unthinkable for any other ninety-year-old:
but not for Cunningham.
bien présente. Le vaisseau spatial, véritable
“caisse sonore”, accueille les bruitages de
Takehisha Kosugi, toujours directeur musical de la Merce Cunningham Dance Company, les instruments polyvalents de John
Paul Jones, ancien membre des légendaires
Led Zeppelin, et de Sonic Youth, star de
l’indie rock, avec quatre autres exécutants.
Les surprises ne cessent pas, par exemple
quand les mains de Kosugi, avec frottements
et griffes, jaillissent de deux écrans qui apparaissent sur scène à l’improviste. La poésie réside dans les détails du mouvement:
tous enchanteurs, aux contacts légers, les
corps s’appuyant aux autres corps. Mais ici
la contemplation se marie avec l’énergie projetée dans le futur. Témoignage de la vitalité de Cunningham, impensable chez tout
autre artiste “already ninety”.
Cunningham chez nous
À moins d’être un passionné de danse riche et désœuvré, ayant la possibilité de se
rendre à toute occasion à New York ou dans
les autres villes du monde où la Merce Cunningham Dance Company se produit, un
moyen pratique et économique pour bénéficier du génie du grand chorégraphe américain consiste à se procurer les DVD qui se
trouvent dans le commerce ou dans les sites
de vente sur Internet (pour ne pas dire des
VHS, désormais difficiles à trouver).
Tout d’abord, pour avoir un aperçu général de l’histoire artistique et du travail de
Cunningham, il faut signaler les documentaires. Merce Cunningham. A Lifetime of
Dance (édité par la Fox Lorber) raconte sa
Merce Cunningham Dance
Company: “Nearly Ninety”
(ph. A. Finke)
Holley Farmer, Daniel Squire – Merce Cunningham Dance Company: “Split Sides” (ph. G.
Giannella)
vaisseau spatial voltigeant – le décor conçu
par Tagliabue – apparaît et disparaît parmi
des projections presque psychédéliques, des
jets de couleur pure, mais lors de la deuxième
partie il révèle toute sa présence massive et
encombrante. La danse, cette fois sans les
dessins à l’ordinateur que Cunningham adore,
se fait à nouveau dynamique, pleine de sauts,
de tours, de saccades, presque comme dans
les années 1980. Chose assez incroyable étant
donné la fragilité croissante de cet artiste
qui, toutefois, a travaillé minutieusement sur
tout corps en mouvement.
Après une séquence de duos merveilleux,
précédée par des courses solitaires et par des
poses recroquevillées, les bras en forme de
tenailles, la chorégraphie se ressaisit au milieu pour se disperser ensuite en laissant libres les corps. La musique aux accents divers, orchestrale et raréfiée, est, comme à
l’habitude, un concert en soi, mais cette fois
l’artista che pure ha lavorato minuziosamente
su ogni singolo corpo in azione.
Dopo una sequenza di meravigliosi duetti, preceduti da corse singole e accucciamenti con le
braccia a tenaglia, la coreografia si rapprende al
centro per poi diradarsi lasciando liberi i corpi.
La musica dai picchi diseguali, orchestrale e rarefatta, è, al solito, un concerto a sé, ma questa
volta bene in vista. L’astronave, vera “casa sonora”, accoglie le strane grattugie di Takehisha
Kosugi, tuttora direttore musicale della Merce
Cunningham Dance Company, gli strumenti
polivalenti di John Paul Jones, un ex dei leggendari Led Zeppelin, e di Sonic Youth, star
dell’indie rock, con altri quattro esecutori.
Se le sorprese sono a getto continuo, per esempio quando le mani di Kosugi, alle prese con
sfrigolii e graffi, emergono da schermi calati improvvisamente, la poesia è racchiusa nei dettagli del movimento: tutti incantevoli nei contatti
gentili, nell’accoglienza di un corpo appoggiato
34
Merce Cunningham Dance Company: “Nearly Ninety” (studio, ph. M. Seliger)
all’altro. Ma qui la contemplazione sposa l’energia
proiettata nel futuro. Impensabile vitalità, non
fosse Cunningham, per qualsiasi altro artista
“already ninety”.
Cunningham sullo
schermo di casa
A meno di non essere un signorotto sfaccendato, tanto ricco e appassionato di danza da potersi permettere di recarsi in ogni momento a
New York o nelle altre città del mondo in cui la
Merce Cunningham Dance Company si esibisce, un modo pratico ed economico per godere
35
Cunningham on video
Unless we happen to be foot-loose and fancyfree, and so rich and dance-crazy that we can
pop over to New York, or wherever in the
world the Merce Cunningham Dance Company happens to be performing at a given time,
a practical and inexpensive way of admiring
the genius of this great American choreographer is to acquire DVDs of his works, all of
which readily available online. (Not to mention numerous VHS cassettes, but these are
hard to obtain nowadays).
To start with, for a general overview of
Cunningham’s production, there are documentaries such as Merce Cunningham. A Lifetime
carrière durant plus de cinquante ans avec
une belle vidéo-anthologie de ses chorégraphies, des interviews des danseurs, d’autres
collaborateurs et de Cunningham lui-même.
À remarquer qu’une partie de cette vidéo est
consacrée à Occasion Piece, créé pour Mikhail
Baryshnikov.
L’ancien documentaire Cage/Cunningham
d’Elliot Caplan (Kultur) célèbre, par contre,
le lien artistique et “philosophique” qui a existé
entre le chorégraphe et le compositeur John
Cage, dans un certain sens comparable à celui entre Balanchine et Stravinsky, mais beaucoup plus strict.
Quant aux chorégraphies, le DVD Merce
Cunningham Collection (vol. 1, Dolby Digital) rassemble trois films de Caplan: Deli Commedia, une pièce de 1985 inspirée par la commedia dell’arte, Changing Steps sur la musique
de Cage et Beach Birds for Camera, un
“camera re-working”, à savoir une
réélaboration pour l’écran de Beach Birds.
Ceux qui, par contre, veulent voir Cunningham lui-même avec sa compagnie doivent
se procurer le DVD de Kultur avec Points in
Space, alors que Splits Sides (dans un DVD
édité par NTSC) est un parfait exemple de la
poétique de l’aléatoire, si chère au chorégraphe. En outre, MK2 a réuni le célèbre BIPED
et Pond Way dans un DVD disponible aussi
dans un coffret comportant quatre autres disques (nous en avons rendu compte dans le
numéro 199 de Ballet2000).
Pour conclure, on signalera les DVD de
“technique Cunningham” produits par la Cunningham Dance Fondation dans les années
1980 et en vente sur le site de la compagnie
(www.merce.org à l’entrée “shop”), avec
d’autres DVD que nous venons de mentionner. Sur ce site on annonce la sortie de deux
nouveaux DVD.
C.M.
del genio del grande coreografo americano è procurarsi i DVD che si trovano in commercio e sui
siti di vendita on line (senza dire dei VHS, difficili
ormai da reperire).
Anzitutto, per un sapere generale sulle vicende
artistiche e il lavoro di Cunningham, ci sono i documentari. Merce Cunningham. A Lifetime of Dance
(edito dalla Fox Lorber) racconta la carriera del
maestro nel corso di oltre cinquant’anni con una
bella video-antologia delle sue coreografie, interviste ai danzatori, ad altri collaboratori e a
Cunningham stesso. Una parte del video è dedicata anche a Occasion Piece, creato per Mikhail
Baryshnikov. Il vecchio documentario Cage/
Cunningham di Elliot Caplan (Kultur), invece, celebra il sodalizio artistico e “filosofico” tra il coreografo e il compositore John Cage, in un certo modo
comparabile a quello tra Balanchine e Stravinsky,
ma molto più stretto.
Quanto alle coreografie, il DVD Merce
Cunningham Collection (vol. 1, Dolby Digital) raccoglie tre film di Caplan: Deli Commedia, un lavoro del 1985 ispirato alla commedia dell’arte,
Changing Steps sulla musica di Cage e Beach Birds
for Camera, un “camera re-working”, ossia una
rielaborazione per lo schermo di Beach Birds appunto. Chi voglia vedere invece Cunningham stesso
insieme alla sua compagnia deve procurarsi il DVD
della Kultur con Points in Space, mentre Splits Sides
(in un DVD edito dalla NTSC) è un perfetto esempio
della poetica del “caso” tanto cara al coreografo.
La MK2 ha poi raccolto il celebre BIPED e Pond
Way in un DVD disponibile anche in un confanetto
con quattro altri dischi (lo abbiamo recensito sul
numero 199 di BallettoOggi).
Infine, segnaliamo i DVD di tecnica Cunningham
prodotti dalla Cunningham Dance Fondation negli anni Ottanta e in vendita sul sito della compagnia (www.merce.org alla voce “shop”), insieme
ad altri che abbiamo menzionato qui. Inoltre su
questo sito vengono pubblicizzati due nuovi DVD
di prossima uscita.
C.M.
36
of Dance (released on Fox Lorber) which
recounts over fifty years of his career and
provides a wonderful video-anthology of
his choreographies, plus interviews with his
dancers and collaborators, as well as with
the master himself. A section of this video
is also devoted to Occasion Piece which
was made for Mikhail Baryshnikov. There
is also an old documentary, Cage/
Cunningham, by Elliot Caplan (Kultur),
which celebrates the artistic and “philosophical” partnership between the choreographer and composer John Cage – in some
ways comparable to (though much closer
than) that between Balanchine and
Stravinsky.
As for DVDs featuring his choreographies, Merce Cunningham Collection (Vol.
1, Dolby Digital) comprises three films directed by Caplan: Deli Commedia, a 1985
production inspired by commedia dell’arte,
Changing Steps, to music by Cage, and
Beach Birds for Camera, a “camera reworking” of Cunningham’s stage choreography Beach Birds. Should you wish to see
Cunningham at work with his company, I
can recommend another Kultur DVD, Points
in Space, while Splits Sides (NTSC only)
is a perfect example of the chance poetry
which is Cunningham’s hallmark. The acclaimed BIPED together with Pond Way
are available on an MK2 DVD, which can
also be bought as part of a set of five (see
review on issue No. 199 of Ballet2000).
Videos on Cunningham technique were
produced by the Cunningham Dance Foundation in the 1980’s and the DVDs can be
purchased from the company’s website
(www.merce.org – click on “shop”), together with other titles mentioned above.
This website also advertises two new
Cunningham DVDs, coming soon.
C.M.
critiques • critiques • critiques
Ballet de l’Opéra de Paris
ON STAGE !
critiques • critiques • critiques
Balletto dell’Opera di Parigi
Adieux et nominations
sous le signe de Cranko
Addii e promozioni sotto
il segno di Cranko
Onéguine – chor. John Cranko, mus. Piotr I.
Tchaïkovsky
Paris, Palais Garnier
Oneghin – cor. John Cranko, mus. Piotr I.
Ciaikovsky
Parigi, Palais Garnier
Il y a d’abord Alexandre Pouchkine, et ce
monument de la littérature russe qu’est Eugène
Onéguine. Il y a ensuite un autre chef-d’œuvre,
l’opéra Eugène Onéguine que Piotr I.
Tchaïkovsky composa à partir du poème de
Pouchkine. Il y a enfin le ballet Onéguine que
John Cranko créa en 1965 pour sa compagnie
de Stuttgart et qu’il remaniera deux ans plus
tard dans sa version définitive.
Si Cranko choisit la musique de Tchaïkovsky
pour accompagner son ballet, il ne prend toutefois pas celle de l’opéra mais des extraits
d’autres œuvres. En revanche, le découpage
du ballet, suit très exactement l’histoire racontée
par Pouchkine, tout en supprimant des anecdotes et en la resserrant autour des quatre personnages principaux. En deux heures et trois
actes, tout le destin des deux sœurs, Olga et
Tatiana, l’une rieuse, l’autre romantique, et
des deux amis Lensky et Onéguine, va se jouer,
passant de l’insouciante jeunesse à la mature
conscience d’avoir raté sa vie. Pas un seul instant, le fil conducteur, pourtant ténu – après
tout, il s’agit d’un héros à la Tchékov –, ne se
All’origine di tutto c’è Alexander
Pushkin, e quel monumento della letteratura russa che è Eugenio Oneghin; c’è poi
un altro capolavoro, l’opera omonima di
Piotr I. Ciaikovsky composta proprio a partire dal romanzo in versi di Pushkin. E c’è,
infine, il balletto Oneghin che John Cranko
creò nel 1965 per il Balletto di Stoccarda
e che rimaneggiò due anni dopo nella versione definitiva.
Se Cranko scelse Ciaikovsky per la musica del suo balletto, non si avvalse dell’opera citata ma di vari estratti di altri lavori. Invece, le scene del balletto seguono
esattamente la storia raccontata da Pushkin,
depurandola di qualche vicenda e restringendola intorno ai quattro personaggi principali. In due ore e tre atti, tutto il destino
delle due sorelle, Olga e Tatiana, l’una solare, l’atra romantica, e dei due amici
Lensky e Oneghin, è messo in scena, passando dalla noncuranza della giovinezza alla
coscienza ormai matura di aver sprecato la
vita. Il filo della tensione non si allenta nep-
Paris Opéra Ballet
Adieux and
Promotions under the
Sign of Cranko
Onegin – chor. John Cranko, mus. Pyotr
I. Tchaikovsky
In the beginning there was Alexander
Pushkin and that monument to Russian
literature that is Eugene Onegin; then there
was another masterpiece, the homonymous
opera by Pyotr I. Tchaikovsky, composed
using the romantic verses of Pushkin. And
finally there is the ballet Onegin that John
Cranko created in 1965 for the Stuttgart
Ballet and which was revived two years
later in its definitive version.
In choosing the music of Tchaikovsky
for his ballet, Cranko did not take
advantage of the opera but of extracts from
other of the composer’s works. Instead
the scenes of the ballet follow exactly the
story as told by Pushkin, distilling the
action around the four main characters.
In two hours and three acts the destiny
of the two sisters Olga and Tatyana, one
sunny the other darkly romantic, and of
the two friends Lensky and Onegin are
shown as they pass from the unconcern
of youth to the mature consciousness of
Myriam Ould Braham, Mathias
Heymann – Ballet de l’Opéra
de Paris: “Oneghin” c. John
Cranko (ph. S. Mathé)
Clairemarie Osta, Manuel Legris – Ballet de l’Opéra de Paris: “Oneghin”, c. John Cranko (ph. S. Mathé)
relâche. Chaque pas de deux, chaque trio, chaque quatuor et même les danses de groupe,
participent à l’action, la font avancer.
Onéguine est emblématique du talent de
Cranko. En effet, ce chorégraphe, né en Afrique du Sud, formé à l’école du Sadler’s Wells
Ballet (aujourd’hui Royal Ballet) et plus tard
directeur du Ballet de Stuttgart, excelle dans
les ballets d’action, qu’ils soient dramatiques
comme son Roméo et Juliette ou comiques
comme sa Mégère apprivoisée. Dans la grande
tradition initiée par Noverre, Cranko est capable de rendre sensible la complexité des sentiments et des situations par la seule force du
geste et de la danse, demandant à ses interprètes une puissance dramatique et un jeu théâtral peu commun dans le monde chorégraphique.
On comprend que Manuel Legris ait choisi
ce ballet pour faire ses adieux d’étoile, avant
d’aller prendre la direction du Ballet de
40
pure un istante. Ogni passo a due, a tre o a
quattro, e perfino le danze di gruppo, partecipano dell’azione e le permettono di avanzare.
Oneghin è emblematico del talento di
Cranko. Infatti, questo coreografo, nato in
Sud Africa, formatosi alla scuola del
Sadler’s Wells Ballet (oggi Royal Ballet)
e in seguito direttore del Balletto di
Stoccarda, eccelle nei balletti narrativi, che
siano drammatici come il suo Romeo e
Giulietta o comici come La Bisbetica domata. Sulla scia della grande tradizione
inaugurata da Noverre, Cranko è capace di
rendere visibile la complessità dei sentimenti e delle situazioni con la sola forza
del gesto e della danza, domandando ai suoi
danzatori una forza drammatica e una sensibilità teatrale poco comuni nel mondo della
danza.
Si capisce perché Manuel Legris abbia
41
lives wasted. The tension is not relaxed
for even one minute. Each pas de deux,
trois or quatre, and even the ensemble
dances are part of the action and push it
forward.
Onegin is emblematic of the talent of
Cranko. In fact, this South African-born
choreographer, a product of the Sadler’s
Wells Ballet (today The Royal Ballet)
School and later director of the Stuttgart
Ballet, excels in ballets that tell a story,
tragic like Romeo and Juliet or comic like
The Taming of the Shrew. Following in
the great tradition of Noverre, Cranko is
able to render complexity of feelings and
situations with the single force of gesture
and dance, demanding of his dancers a
dramatic force and theatrical sensibility
uncommon in the world of dance.
One understands why Manuel Legris
chose this particular ballet as his official
l’Opéra de Vienne. Il a été d’ailleurs un
Onéguine superbe de désespoir retenu, d’ennui de vivre, de désœuvrement aristocratique, héros au charme vénéneux, tour à tour
provocateur, moqueur, destructeur, mais toujours habité d’une douleur insondable . La
gravité de son interprétation, et peut-être
aussi la conscience que cet excellent danseur, dernier représentant de l’ère Noureev
(qui l’avait nommé étoile en 1986 sur la
scène du Metropolitan à New York ) allait
quitter l’Opéra de Paris, semblaient avoir
galvanisé toute la troupe, ce soir du 15 mai.
On ne peut pas en dire autant d’Hervé Moreau, dont l’interprétation lors d’autres soirées, dénuée de toute épaisseur dramatique,
aplatit Onéguine jusqu’à en faire un simple
fat, sans charme et sans mystère, au point
de se demander pourquoi Tatiana en tombe
amoureuse.
Dans le rôle de Tatiana, il faut noter Aurélie
Dupont, comme toujours précise, émouvante,
donnant le ton juste, sans pathos, et Isabelle
Ciaravola, plus volontaire, qui fut d’ailleurs
nommée étoile à l’issue de la première.
Le rôle de Lensky, ami et victime
d’Onéguine, a été dominé par le fougueux
Matthias Heymann, lui aussi nommé danseur-étoile lors de la même représentation.
Il devient ainsi la plus jeune étoile de l’Opéra
de Paris.
Sonia Schoonejans
Gat-Duato-Preljocaj: le
triplet fait mouche
Hark – chor. Emanuel Gat, mus. John
Dowland; White Darkness – chor. Nacho
Duato, mus. Karl Jenkins; MC 14/22 Ceci
est mon corps – chor. Angelin Preljocaj, mus.
Tedd Zahmal
Il est deux façons de considérer ce programme. La positive: trois ballets sombres,
intenses, marqués au sceau des conflits, intérieurs ou extérieurs. La négative: une œuvre
au noir qui manque singulièrement de contrastes, trop uniquement vouée qu’elle est à
la célébration des questions sans réponse.
N’importe! Ce triplet est très fort, très tendu.
Et, à en juger par les appréciations du public, il fait mouche.
Réglé pour treize filles, Hark, de l’Israélien Emanuel Gat, est en quelque sorte le
pendant de MC 14/22, d’Angelin Preljocaj,
dédié, lui, à une douzaine de garçons. Gat
récuse toute intention narrative. La danse se
suffit à elle-même. Dans une pénombre enveloppante et en écho à trois superbes pièces musicales de John Dowland, chantées
par une voix d’ange, le corps de ballet féminin emmené par Stéphanie Romberg et
Amélie Lamoureux offre de mystérieuses
images. Les mouvements, riches de contorsions, sont particulièrement disgracieux. C’est
donc moins par la chorégraphie que par son
architecture générale et par l’ambiance lancinante dans laquelle il baigne, que ce bal-
scelto questo balletto per il suo addio ufficiale di étoile prima di assumere la direzione del Balletto dell’Opera di Vienna. È stato infatti un Oneghin superbo per la
disperazione soffocata, il tedio che gli suscita la vita, l’ozio dell’aristocratico; è stato un eroe dal fascino maledetto, di volta in
volta provocatore, canzonatorio e distruttore, ma sempre pervaso da un dolore implacabile. La gravità della sua interpretazione,
e forse anche la consapevolezza che quest’eccellente danzatore, ultimo rappresentante
dell’“èra Nureyev” (il quale l’aveva nominato étoile sulla scena del Metropolitan a
New York ) avrebbe lasciato l’Opéra di Parigi, sembrano aver galvanizzato tutta la compagnia, quella sera del 15 maggio.
Non possiamo dire altrettanto di Hervé
Moreau, la cui interpretazione in altre serate, priva di spessore drammatico, ha appiattito
Oneghin sino a farne un semplice fatuo, senza
fascino né mistero, tanto da domandarsi perché Tatiana ne sia innamorata.
Nel ruolo di Tatiana, dobbiamo notare
Aurélie Dupont, come sempre precisa, emozionante, nel registro giusto, senza cadere
nel patetico, e Isabelle Ciaravola, più volitiva, che, infatti, è stata promossa a étoile.
Il ruolo di Lensky, amico e vittima di
Oneghin, è stato incarnato da un Matthias
Heymann impetuoso, anche lui nominato
étoile. È ora il danseur-étoile più giovane
della compagnia.
Sonia Schoonejans
farewell before assuming the direction of
the Vienna Opera Ballet. In fact his
O n e g in i s a r r o g a n t w i t h a n a i r o f
suffocated desperation, the tedium of life,
the leisure of an aristocrat. The
seriousness of his interpretation, and
perhaps also the awareness this excellent
dancer, the last representative of the
“Nureyev Era”, was leaving the Paris
Opéra seems to have galvanized the entire
company on the evening of May 15 th.
The same cannot be said of Hervé Moreau, who danced at other performances:
he deprives Onegin of dramatic substance
and flattens the character, taking away
all of his fascination and mystery. One
wonders why Tatyana falls in love with
him.
As Tatyana, Aurélie Dupont was, as
always, precise and moving without being
pathetic, while Isabelle Ciaravola was
more strong-willed in the role. In fact
Ciaravola has been promoted to étoile.
The role of Lensky, friend and ultimately
v i c t i m o f O n e g in , w a s i m p e t u o u s l y
incarnated by Matthias Heymann, also
recently named étoile. He is now the
youngest danseur-étoile in the company.
Sonia Schoonejans
Gat-Duato-Preljocaj: il
trio fa centro
Hark! – chor. Emanuel Gat, mus. John
Dowland; White Darkness – chor. Nacho
est mon corps – chor. Angelin Preljocaj,
mus. Tedd Zahmal
Hark! – cor. Emanuel Gat, mus. John
Dowland; White Darkness – cor. Nacho
est mon corps – cor. Angelin Preljocaj, mus.
Tedd Zahmal
Parigi, Palais Garnier
Ci sono due possibili modi di considerare questo programma presentato dal Balletto dell’Opéra di Parigi. In positivo: tre balletti sobri, intensi, attraversati da conflitti,
interiori o esteriori. In negativo: sono lavori che mancano di contrasti, troppo votati a
celebrare questioni che non hanno risposte.
Poco importa. Questo trittico è molto forte
e ha un ritmo sostenuto. E, a giudicare dall’apprezzamento del pubblico, ha fatto centro.
Creato per tredici ragazze, Hark!, dell’israeliano Emanuel Gat, è in un certo modo il
contraltare di MC 14/22 di Angelin Preljocaj,
per una dozzina di uomini. Gat nega qualunque intenzione narrativa. La danza basta
a se stessa. In una penombra avvolgente e
facendo eco a tre splendidi brani di John
Dowland, cantati da una voce d’angelo, il
corpo di ballo femminile capeggiato da
Stéphanie Romberg e Amélie Lamoureux
regala immagini misteriose. I movimenti, ricchi di torsioni, sono particolarmente
disarmonici. È dunque più per la struttura
42
The Gat-DuatoPreljocaj Trio Hits the
Mark!
There are two possible ways of looking
at this programme presented by the Paris Opéra Ballet. As a positive: three ballets, sober, intense and criss-crossed with
conflicts, both internal and external. As
a negative: they are works that lack
contrast, devoted to questions to which
there is no answer. But that is of little
importance. This triptych is very powerful
and has a sustained rhythm. And to judge
by the appreciative audiences, was a
success.
Created for thirteen women, Hark! by
Israeli choreographer Emanuel Gat, is a
sure contrast to Angelin Preljocaj’s MC
14/11 danced by twelve men. Gat denies
any narrative intention, the dance is
enough. In an enveloping half-light, the
dance echoing three splendid songs by
John Dowland sung by the voice of an
angel, the female corps de ballet, led by
Stéphanie Romberg and Amélie Lamoureux, create mysterious images. The
movements, full of twists and turns, have
a particular discordance. It is more for
the general structure and all-consuming
atmosphere in which is steeped, not for
the choreography, that the ballet is ef-
Ballet de l’Opéra de Paris: “MC 14/22 Ceci est mon corps”, c. Angelin Preljocaj (ph. A. Poupeney)
let s’impose.
L’obscurité blanche à laquelle fait allusion Nacho Duato (White Darkness), ce
sont ces nuits illuminées par la drogue,
fléau des temps modernes. Le chorégraphe en a vu les ravages autour de lui. Il
ne délivre pas de message. Il montre. C’est
tout, et c’est bien assez. Marie-Agnès Gillot
et Stéphane Bullion traduisent toutes les
ambiguïtés de la relation d’amour-haine
que représente la dépendance.
Chorégraphiquement, White Darkness ne
va pas au-delà d’un sage “néo-classicisme”.
Mais ayant pris la leçon du butô, Duato
lâche sur scène un filet de poudre blanche sous lequel la danseuse ploie désespérément. Dramatiquement superbe.
Au répertoire de l’Opéra depuis 2004,
MC 14/22 Ceci est mon corps renvoie évidemment à l’évangile de Marc, et très directement à l’épisode de la sainte Cène.
Mais si une allusion à la fresque de Léonard de Vinci est très lisible – à l’instar
du chemin de croix et de la crucifixion –,
le propos de Preljocaj est beaucoup plus
large. Il a trait au corps masculin et aux
relations physiques que l’homme peut entretenir avec ses semblables. Laver, masser, combattre, aimer, torturer… Autant de
poses plastiques et de tableaux vivants. MC
14/22 Ceci est mon corps est une pièce
fascinante et profuse qui se développe dans
tous les sens. Il n’est pas toujours aisé de
s’y retrouver. Tout particulièrement dans
la scène, d’une inspiration douteuse, où
un danseur athlétique est malmené à grand
renfort de ruban adhésif. On rit dans la
salle. On rit jaune.
Jean Pierre Pastori
generale e per l’atmosfera struggente nella
quale è immerso, che non per la coreografia, che il balletto si impone.
La bianca oscurità alla quale fa allusione
Nacho Duato con White Darkness, sono le
notti illuminate dalla droga, flagello dei tempi
moderni. Il coreografo ne ha visto i danni
intorno a sé. Ma non lancia nessun messaggio. Si limita a mostrare. È tutto, ed è abbastanza. Marie-Agnès Gillot e Stéphane
Bullion traducono tutte le ambiguità della
relazione amore-odio legata alla dipendenza. Coreograficamente, White Darkness non
va oltre un “neo-classicismo” moderato. Ma
influenzato dalla lezione del butoh, Duato
lascia sulla scena un filo di polvere bianca
sul quale la danzatrice si curva dalla disperazione. Drammaticamente meraviglioso.
In repertorio all’Opéra dal 2004, MC 14/
22 Ceci est mon corps rinvia evidentemente al Vangelo secondo Marco, e altrettanto
direttamente all’episodio dell’ultima cena.
Ma se il riferimento all’affresco di Leonardo
da Vinci è ben leggibile – così come alla
via crucis e alla crocefissione –, il proposito di Preljocaj è molto più ampio. Fa riferimento anche al corpo maschile e alle relazioni fisiche che l’uomo può intrattenere con
i suoi simili. Lavare, massaggiare, combattere, amare, torturare… in altrettante pose
plastiche e tableaux vivants.
MC 14/22 Ceci est mon corps è un lavoro affascinante e ramificato che si sviluppa
in tutte le direzione. Non è sempre facile
interpretare ogni passaggio. In particolare
la scena finale, di dubbia ispirazione, in cui
un danzatore atletico è malmenato a gran
rinforzo di nastro adesivo. In sala si ride.
Jean Pierre Pastori
43
fective.
The white darkness to which Nacho
Duato alludes in White Darkness, are the
nights lit by the scourge of drugs in modern times. The choreographer has seen
the damage around him. But he does not
send any message, only shows what he
sees. That’s it and it’s enough. MarieAgnès Gillot and Stéphane Bullion translate all the ambiguity of a love-hate
relationship linked to addiction.
Choreographically, White Darkness does
not go beyond moderate “neo-classicism”.
But influenced by the lesson of butoh,
Duato closes the scene on a line of white
powder which the dancer bends towards
in desperation. Wonderfully dramatic.
In the repertory since 2004, MC 14/22
Ceci est mon corps evidently refers to the
Gospel of St. Mark and directly to the
episode of the Last Supper. But if the
reference to the Leonardo da Vinci fresco
is easily readable – as well as the Stations of the Cross and the Crucifixion –
Preljocaj’s intentions are much wider. He
also refers to the male body and physical
relations between men. Washing,
massaging, fighting, loving, torturing –
in many plastic poses and tableaux vivants.
MC 14/22 Ceci est mon corps is a
fascinating work that spreads in many directions. It is not always easy to interpret
each movement. In particular the final
scene, of dubious inspiration, in which
an athletic dancer was manhandled using
adhesive tape. There was laughter in the
audience.
Jean Pierre Pastori
Jérôme Bel
Jérôme Bel
Jérôme Bel
Spectateur sur scène
Spettatore in scena
A Spectator on Stage
A Spectator – de et avec Jérôme Bel
Milan, Teatro Out Off
A Spectator – di e con Jérôme Bel
Milano, Teatro Out Off
A Spectator – by and with Jérôme Bel
Milano, Teatro Ou Off
À propos de Jérôme Bel, performeur et “chorégraphe” âgé de 45 ans, on parle normalement
de “non-danse”, mais ici c’est lui qui parle de
danse et de comment la danse (et la non-danse,
parfois) a marqué son expérience de spectateur.
Ayant dansé, il sait de quoi il parle. Mieux
que ces critiques diplômés à l’université qui regardent la danse comme un moyen-prétexte pour
raconter des histoires et entretenir agréablement
le public.
Excellent narrateur (en anglais), spirituel et
parfois drôle, notamment quand il mime quelques mouvements des spectacles auxquels il fait
référence, Bel devrait être employé comme conférencier, pour rendre compte des vicissitudes
de la danse contemporaine et des performances occidentales depuis les années 1980 jusqu’à nos jours. Très utile pour les masters universitaires, beaucoup plus que certains
professeurs trop livresques, et très utile aussi
comme guide pour les spectacles “a-disciplinaires” qui déferlent de nos jours et pour nous
aider à comprendre nos réactions face à ces spectacles: la plupart de gens, en effet, ne savent
pas comment les interpréter.
Et le voici parlant de Maguy Marin et d’un
spectateur enragé sautant sur scène pour “danser”, lui tout au moins, étant donné que les danseurs ne dansent pas et ne font que jouer. Ce
qui éveille à nouveau l’attention des spectateurs,
auparavant passifs. Il parle de l’applaudissement
comme libération et reprise du contact du spectateur avec son corps; du courage de Raimund
Hoghe, qui s’est fait danseur en dépit de sa bosse,
en abordant des thèmes tels que la Shoah et le
SIDA… Quand il avait 18 ans, il a été fasciné
par l’arrogance enfantine des “Rosas”, la faiblesse humaine mise en scène par Pina Bausch, le côté insaisissable de Cunningham, et plus
tard le féminisme de Trisha Brown avec ses
danseuses soulevant leurs partenaires.
A Spectator, dans le genre du monologue, est
un chef-œuvre de timing et de bel esprit. Sans
être ni danse ni non-danse. C’est pourquoi il est
tout à fait à sa place dans un festival d’arts performatifs, même si on préfèrerait avoir Bel comme
invité dans son salon. Enfin un guide pour comprendre les mystères des arts contemporains.
Elisa Guzzo Vaccarino
Di solito, per Jérôme Bel (performer e “coreografo” francese di 45 anni, ndr) si parla di “nondanza”, ma in questo caso è lui che parla di danza e di come la danza (e la non-danza, a volte)
lo ha segnato nella sua esperienza di spettatore.
Avendo danzato, sa di cosa parla. Meglio di
quei critici “laureati” che guardano la danza come
un mezzo-pretesto per raccontare storie o intrattenere piacevolmente il pubblico, ignorandone i
codici tecnici, estetici, dinamici specifici, in sé
e per sé.
Ottimo narratore (in inglese), spiritoso e a tratti buffo, specie quando mima qualche movimento degli spettacoli di cui riferisce, Bel andrebbe
utilizzato come conferenziere, per dar conto delle vicende della danza contemporanea e delle
performances occidentali dagli anni Ottanta a oggi.
Utilissimo nei master universitari, più di tanti docenti prevalentemente “libreschi”. Ma utilissimo
anche come guida agli spettatori comuni per osservare gli spettacoli “adisciplinari” odierni dilaganti e le proprie stesse reazioni a questi spettacoli, che molti non sanno da che parte prendere.
E dunque eccolo parlare di Maguy Marin e di
uno spettatore inferocito che balza in scena mettendosi a “ballare”, almeno lui, visto che i
danzatori non si muovono e recitano soltanto. Il
che rimette in pista l’attenzione e la pazienza
degli altri spettatori, dapprima solo sbuffanti. Parla
dell’applauso come liberazione e ripresa di contatto dello spettatore con il proprio corpo; del
coraggio di Raimund Hoghe, che si fa danzatore
nonostante la gobba trattando della Shoah e di
AIDS… Lo hanno affascinato a 18 anni l’arroganza adolescente delle “Rosas”, la debolezza
umana messa in scena dalla Bausch,
l’inafferrabilità di Cunningham, e più tardi il femminismo di Trisha Brown con le sue danzatrici
intente a sollevare i partners.
A Spectator, nel genere del monologo, è un
capolavoro di timing e di bello spirito. Senza
essere né danza né non-danza. Pertanto va benissimo in un festival di “performing arts”, anche se Bel sarebbe meglio averlo come ospite
nel proprio salotto. Finalmente una guida per
capire i misteri delle inafferrabili arti contemporanee, scomode come le proprie reazioni di
fronte ad esse e ai loro enigmi.
When speaking of Jérome Bel (45 year old
French performer and choreographer) one speaks
normally of “non-dance.” But in this case it is
he who talks about dance and how dance (and
sometimes non-dance) has affected his
experience as a spectator. Having danced, he
knows whereof he speaks. Better than those
critics with university certificates who use dance
as an pretext for telling stories and writing to
entertain the public.
An excellent narrator (in English), witty and
sometimes funny, in particular when miming
movements from the works he refers to, Bel
should be employed as a lecturer to recount
the history of the vicissitudes of contemporary
dance and Western performances from the
1980’s until today. He would be of more value
than certain book-bound professors in university
master courses. But he would be most useful
as a guide for the ordinary spectator to the
“adisciplinary” performances being presented
today. And as a guide to help understand their
reactions vis-à-vis these pieces, which the
majority of people do not know how to interpret.
He spoke of applause as a liberator, of the
courage of some one like Raimund Hoghe, who
despite his hunchback became a dancer, and
of Holocaust and AIDS. At the age of 18 he
was fascinated by the childish arrogance of the
“Rosas”, the human weakness revealed by Pina
Bausch, the imperceptible side of Cunningham
and, later, the feminism of Trish Brown with
her female dancers who lift their partners.
As a monologue, A Spectator, is a chef-œuvre
of timing and beauty of spirit. It is neither “dance”
nor “non-dance.” Which is why it fits so well
in a festival of the performing arts, though one
would almost prefer to host Bel in the informal
setting of one’s own living room. Finally we
have a guide to unravel the mysteries of the
contemporary arts and their enigmas.
Ballet de La Scala de Milan
Balletto del Teatro alla Scala
Bolle: Narcisse musagète…
Bolle: Narciso musagete…
Bella Figura – chor. Jirí Kylián, mus. Lukas Foss,
Giovanni Battista Pergolesi, Alessandro Marcello,
Antonio Vivaldi, Giuseppe Torelli; Apollo – chor.
George Balanchine, mus. Igor Stravinsky;
Voluntaries – chor. Glen Tetley, mus. Francis
Poulenc
Milan, Teatro alla Scala
Bella Figura – cor. Jirí Kylián, mus. Lukas Foss,
Giovanni Battista Pergolesi, Alessandro Marcello,
Antonio Vivaldi, Giuseppe Torelli; Apollo – cor.
George Balanchine, mus. Igor Stravinsky;
Voluntaries – cor. Glen Tetley, mus. Francis
Poulenc
Milano, Teatro alla Scala
Bella Figura – chor. Jirí Kylián, mus. Lukas
Foss, Giovanni Battista Pergolesi, Alessandro Marcello, Antonio Vivaldi, Giuseppe
Torelli; Apollo – chor. George Balanchine,
mus. Igor Stravinsky; Voluntaries – chor.
Glen Tetley, mus. Francis Poulenc
Milan, Teatro alla Scala
44
Ballet Company of La Scala
Bolle: Narcissus
Musagete…
A good programme and an apt one to
show the energy of the young members
of the company, this triptych played to a
full theatre, especially thanks to the
Roberto Bolle, Gilda Gelati, Sabrina Brazzo, Mariafrancesca Garritano – Balletto del Teatro alla Scala: “Apollo”, c. George Balanchine
(ph. M. Brescia)
C’était un bon programme, qui a très bien
mis en valeur les jeunes de la maison, mais
ce triptyque a fait salle comble à la Scala
de Milan grâce à la présence de Roberto
Bolle, protagoniste d’Apollon. Peu importe
que le public ait du mal à le reconnaître,
quand – comme dans ce cas – il n’est pas
habillé en prince. Sa beauté et son engagement à bien danser lui assurent des applaudissements immanquables. Et peu importe
aussi que cette fois Narcisse (être mythologique amoureux de lui-même) l’emporte sur
Apollon, en raison justement de la beauté
et de la bravoure de ce danseur-star, universellement adoré et bien conscient de ses
propres dons.
Avec Bolle, en vérité, la subtilité du caractère d’Apollon nous échappe un peu, laissant en arrière-plan le fait que ce dieu des
arts devrait passer d’une certaine intempérance juvénile à une rayonnante maturité en
recevant des Muses la meilleure éducation,
pour devenir à son tour leur guide inspiré.
Mais l’œil est flatté et, parmi les trois Muses, celle qui a le plus de panache est
Mariafrancesca Garritano, aux côtés de
Sabrina Brazzo, honorable, et de Gilda Gelati.
Ce n’est pas le meilleur des “Apollon”,
mais il n’est jamais inutile de proposer à
nouveau ce bref chef-d’œuvre, pour qu’il
puisse être apprécié du plus vaste public.
Buon programma, e molto adatto a valorizzare le energie giovani della casa, questo trittico ha fatto sempre il tutto esaurito alla Scala
anzitutto per via di Roberto Bolle, protagonista di Apollo. Poco importa che il pubblico
fatichi a riconoscerlo, quando – come qui –
non è abbigliato da principe. La sua bellezza
e il suo impegno a danzare bene gli assicurano applausi immancabili. E altrettanto poco
importa che Narciso (essere mitologico innamorato di se stesso), stavolta, quasi vinca su
Apollo, data appunto la bellezza e la bravura
del divo universalmente prediletto e ben
consapevole delle proprie doti.
La sottigliezza del carattere di Apollo un
poco sfugge, con Bolle, lasciando sullo sfondo
il fatto che il Dio delle arti, da una certa
intemperanza giovanile, dovrebbe passare a
una splendida prima maturità ricevendo dalle Muse la migliore educazione e diventandone a sua volta guida ispirata. L’occhio ha
comunque la sua parte e fra le tre Muse la
più grintosa è Mariafrancesca Garritano, accanto a Sabrina Brazzo, che ben figura, e Gilda
Gelati.
Non è il migliore degli “Apolli” possibili,
ma non è mai sbagliato o inutile riproporre
questo breve capolavoro epocale, perché cresca e possa essere apprezzato dalla platea più
vasta possibile. Così la pensava Balanchine a
proposito delle sue coreografie.
45
appearance of Roberto Bolle as the
protagonist in the Apollo. It was
unimportant that the audience was slow
to recognize him when not dressed as a
Prince. The beauty and commitment of
his dancing assured him of the deserved
applause. Given the beauty and the style
of this universally adored dancer-divo and
his awareness of his own gifts, it does
not matter that Narcissus (a mythological
character in love with himself) over rode
Apollo. With Bolle, in truth, the subtlety
of the character of Apollo escapes us a
little, the fact that this God of the Arts
should pass from a certain youthful
intemperance to the radiance of first
maturity by receiving from the Muses the
best education and in turn becoming their
guide and inspiration fades into the background.
Here the three Muses were beautiful to
see with Mariafrancesca Garritano, dancing with great panache, beside the
striking figure of Sabrina Brazzo and
Gilda Gelati.
This was not the best of “Apollos” but
it is never a waste to offer again this short
masterpiece; for, as Balachine said of his
choreograpahy, it grows and can be
appreciated by the vastest possible public.
Bella figura by Jirí Kylián was
Gabriele Corrado, Francesca Podini, Eris Nezha – Balletto del Teatro alla Scala: “Voluntaries”, c. Glen Tetley (ph. M. Brescia)
C’est ce que disait Balanchine à propos de ses
chorégraphies.
Bella figura de Jirí Kylián a été remonté avec
soin par trois danseurs “kyliániens” de la distribution originelle: Elke Schepers, Urtzi
Aranburu, Cora Bos-Kroese. On a l’impression
que ce ballet est devenu un habit fait sur mesure pour les dons physiques, esthétiques et
émotionnels des danseurs de La Scala. Fidèle à
l’original, mais à la sauce milanaise, comme il
convient. La musique enregistrée, composée de
morceaux bien connus, a certainement eu un
rôle dans l’appréciation du public, mais la qualité “respirée” et sensuelle de Kylián fait la différence, rend sa chorégraphie tout en ampleur
immédiatement communicative, d’une beauté
pure et resplendissante.
Voluntaries de l’Américain Glen Tetley – figure historique entre classique et modern dance,
disparu en 2007 – trouve sa force dans la musique, le Concerto en sol mineur pour orgue de
Francis Poulenc. La pièce est très énergétique,
des diagonales et des traversées linéaires envahissent la scène, truffées de sauts, de tours, de
portés et de grands jetés. Un final “musclé” qui
plaît, même s’il ne s’agit pas du Tetley le plus
remarquable. Mais cela donne de la vigueur au
corps de ballet autour d’Antonella Albano et
Mick Zeni, Francesca Podini, très grande et
mince, Gabriele Corrado et Eris Nezha.
Bella figura di Jirí Kylián è stato rimontato
con ogni cura da tre danzatori “kyliániani”
doc, del cast originale: Elke Schepers, Urtzi
Aranburu, Cora Bos-Kroese. L’impressione
è che sia diventato un abito su misura per le
doti fisico-estetiche-emozionali dei danzatori
della Scala qui impegnati. Fedele all’originale, ma insaporito alla milanese. Come è
bene che sia. La musica registrata, fitta di
brani ben noti, ha certo la sua parte nel gradimento degli spettatori, ma la qualità “respirata” e sensuale di Kylián fa la differenza, rende la sua coreografia ariosa
immediatamente comunicativa, di una bellezza pura e splendente.
Pure Voluntaries dell’americano Glen
Tetley – storicamente figura di cerniera tra
classico e modern, scomparso nel 2007 – si
fa forte della musica, il Concerto in sol minore per organo di Francis Poulenc che fluisce “orecchiabile”. Il lavoro si caratterizza
per l’energia che pervade diagonali e traversate lineari della scena, fitte di salti, giri, lifts
e grands jetés. Un finale “muscolare” che appaga, anche se non si tratta del Tetley più
interessante. Ottimo però per dare vigore al
corpo di ballo intorno ad Antonella Albano
e Mick Zeni, Francesca Podini, altissima e
magrissima figlia d’arte, Gabriele Corrado e
Eris Nezha.
46
reproduced faithfully by three “kyliánien”
dancers from the original cast: Elke
Schepers, Urtzi Aranburu and Cora BossKroese. One had the impression that it
was like a dress tailored to the physical
gifts, aesthetic and emotional, of La Scala
dancers. Faithful to the original but with
the added scent of a Milanese woman, as
it should be. The recorded music, much
of it well-known pieces, certainly had a
role in the audience’s approval but the
“breathless” quality and sensuality of
Kylián’s choreography, airy, dazzling and
of pure beauty made it instantly communicative.
Voluntaries of American choreographer
Glen Tetley – a historical bridge figure
between the classic and modern who died
in 2007 – finds its force in the music of
Francis Poulenc’s Concert in G minor for
organ. The piece is full of energy; diagonal and linear crossings invade the
stage, sharp jumps, turns, lifts and grands
j e t é s. A n d a “ m u s c u l a r ” f i n a l e t h a t
satisfies, even if not indicative of the most
interesting Tetley. But it showed the
strength of the corps de ballet that
surrounded Antonella Albano and Mick
Zeni and Francesca Podini, Gabriele
Corrado and Eris Nezha.
20 - 30 Agosto 2009
DANZA CLASSICA
Corso principianti
Corso Intermedio
MICHELE MEROLA
Bayerisches Staatsballett
Bayerisches Staatsballett
Le chant du cygne de
Kylián
Il canto del cigno di
Kylián
Zugvögel – chor. Jirí Kylián, mus. Dirk Haubrich,
Maurice Ravel
Munich (Allemagne), National Theater
Zugvögel – cor. Jirí Kylián, mus. Dirk Haubrich,
Maurice Ravel
Monaco di Baviera (Germania), National
Theater
Tout commence avec un voyage dans les “entrailles” du théâtre, comme Orphée aux Enfers.
L’installation est composée de nombreux squelettes de volatils, qui rappellent le célèbre film
d’Alfred Hitchcock, de danseurs eux-aussi évoquant des oiseaux et des œufs gigantesques.
L’atmosphère donne le frisson.
Mais est-ce que c’était vraiment le cas? Seulement si l’on pense que cette œuvre de Jirí
Kylián est également un hommage à l’Opéra
de Munich, siège du Bayerisches Staatsballett,
qui a ainsi célébré avec Zugvögel (“oiseau migrateur” en allemand), en ouverture de la traditionnelle “Semaine de la danse”, ses vingt ans
en tant que compagnie indépendante.
Après ce voyage “initiatique” dans le ventre
du théâtre, on monte vers la scène… pour s’asseoir dans la salle et voir le ballet, qui est toutefois intégré dans quatre films en alternance
avec les séquences dansées.
Kylián a déclaré que cette pièce serait la dernière, mais, à dire vrai, une autre création est
déjà à l’affiche du NDT en octobre prochain.
On retrouve dans cette œuvre l’obsession pour
les oiseaux comme métaphore du temps qui
s’écoule et de la mort: leur vol est, comme on
le sait, un symbole poétique typique pour “mesurer le temps”; l’obsession du vieillissement
(notamment de sa femme Sabine Kupferberg,
à qui il dédie cette œuvre et qui apparaît comme
actrice dans les films au parfum bergmanien);
et encore pour le Théâtre National (comme scénario réel des projections et en forme de maquette dans les parties dansées), en tant que symbole atemporel de l’”usine à rêves”. Trop de
concepts, dont le fil rouge pourrait nous échapper
et rendre la composante symbolique peu compréhensible, si ce n’était que le personnage de
Kupferberg est dédoublé sur scène par une danseuse âgée (autre renvoi au NDT III, composé
de danseurs de plus de 40 ans): Caroline Geiger, avec un autre “vétéran”, Peter Jolesch; et
si ce n’était surtout que la danse y domine, vive
et virtuose, parfois d’une rapidité vraiment diabolique, très exigeante (on remarque notamment
Tigran Mikayelyian et Lukas Slavicky, mais à
vrai dire tout le groupe). Le style de Kylián est
ici très bien synthétisé: ports de bras anguleux,
mais harmonieux à la fois, une certaine insistance sur les positions en plié, mais surtout on
remarque le rythme et le savoir faire dans les
enchaînements, autant dans les tempi lents que
dans ceux les plus endiablés. Il y a bien des
portés vertigineux et des jambes en l’air, mais
le tout est discipliné par une grande maîtrise.
S’il est vrai que Zugvögel est le chant du cygne de Kylián, on ne pourra que regretter un
chorégraphe qui fait danser.
Isis Wirth
Il tutto ha inizio con un viaggio nelle “viscere” del teatro, come Orfeo all’Inferno. L’installazione è composta da numerosi scheletri di volatili, che ricordano il celebre film di Alfred
Hitchcock, da danzatori che pure evocano degli
uccelli e da grandi uova. L’atmosfera è da brivido.
Ma era proprio il caso? Solo se si pensa che
quest’opera di Jirí Kylián è anche un omaggio
all’Opera di Monaco di Baviera, sede del
Bayerisches Staatsballett, che ha così festeggiato con Zugvögel (“uccello migratore” in tedesco), in apertura della tradizionale “Settimana
della danza”, i suoi vent’anni come compagnia
indipendente.
Dopo questo viaggio “iniziatico” nel ventre
del teatro, si sale verso la scena… per sedersi in
sala e vedere il balletto, che è però integrato da
quattro film in alternanza con le scene danzate.
Kylián ha dichiarato che con questo lavoro
lascia la coreografia, ma in verità è in programma il prossimo ottobre una creazione per il NDT.
Vi è in quest’opera l’ossessione per gli uccelli come metafora del tempo che passa e della
morte: il loro volo è, come si sa, un simbolo
poetico ricorrente per “misurare il tempo”; l’ossessione per l’invecchiamento (in particolare, di
sua moglie Sabine Kupferberg, a cui dedica quest’opera e che appare come attrice nei filmati
dal sapore bergmaniano); e ancora per lo stesso
Teatro Nazionale (come scenario reale nelle proiezioni e in forma di plastico nelle parti danzate),
in quanto simbolo atemporale della “fabbrica dei
sogni”. Troppi concetti, il cui nesso potrebbe
sfuggire e rendere poco comprensibile la componente simbolica, se non fosse che il personaggio della Kupferberg è replicato in scena da
una danzatrice in età (con un’ulteriore allusione, al NDT III, composta da danzatori sopra i
40 anni): Caroline Geiger, insieme a un altro
“veterano”, Peter Jolesch; e se non fosse soprattutto che è la danza a dominare, vivida e virtuosa, talvolta di una rapidità invero diabolica, molto
esigente (notiamo in particolare Tigran
Mikayelyian e Lukas Slavicky, ma a dire il vero
tutto il gruppo).
Lo stile di Kylián è qui ben riassunto: gesti
spigolosi, eppure al contempo armoniosi, delle
braccia, una certa insistenza sulle posizioni in
plié, ma soprattutto emergono il ritmo e il “savoir
faire” negli enchaînements, tanto nei tempi lenti quanto in quelli più indemoniati. Ci sono lifts
vertiginosi e molte gambe in aria, ma il tutto
disciplinato da un grande controllo.
Se è vero che Zugvögel è il canto del cigno di
Kylián, non potremo allora che lamentare la perdita di un coreografo che fa danzare.
Isis Wirth
48
Bavarian State Ballet
Ballet de l’Opéra de Zurich
Balletto dell’Opera di Zurigo
Kylián’s Swan Song
Spoerli : Magnificat!
Spoerli: Magnificat!
Zugvögel – chor. Jirí Kylián, mus. Dirk
Haubrich, Maurice Ravel
Munich (Germany), National Theater
Wäre heute morgen und gestern jetzt – chor.
Heinz Spoerli, mus. Johann Sebastian Bach
Zurich, Opernhaus
Wäre heute morgen und gestern jetzt – cor.
Zurigo, Opernhaus
It all begins with a voyage into the “entrails”
of the theatre, like Orpheus in the Underworld.
The installation is composed of numerous bird
skeletons which bring to mind the celebrated
Alfred Hitchcock film. And the dancers are
also evocative of giant birds and eggs. The
atmosphere gives us the shivers.
But was it really worth it? Only if one thinks
that this creation by Jirí Kylián is also a
homage to the Munich Opera House, home
of the Bavarian State Ballet. And that the latter
choose to celebrate its 20 th year as an
independent company by opening its
traditional “Dance Week” with Kylián’s
Zugvögel (German for “Migratory Birds”).
After the “initiating” voyage into the belly
of the theatre, one goes up to the main hall
to sit and watch the ballet, that is integrated
with four films which alternate with the dance
sequences. Kylián has said this was to be his
last piece, however next October a new piece
has been programmed for the NDT.
“L’essentiel pour moi est le Magnificat” –
dit Heinz Spoerli, le directeur du Ballet de
l’Opéra de Zurich, en parlant de sa dernière
chorégraphie: Wäre heute morgen und gestern
jetzt (“Si aujourd’hui était demain et si hier
était maintenant ”). Elle est composée de deux
parties. La première sur de la musique instrumentale de Johann Sebastian Bach entrecoupée de deux airs chantés. La seconde est
entièrement chorégraphiée sur le Magnificat
de Bach (chanteurs solistes, choeurs et orchestre).
Dans ce Magnificat de Spoerli, beaucoup
de petites formations se suivent, et l’on a
remarqué deux couples: Ana Carolina
Quaresma et Iker Murillo pour leur entrain
et Galina Mihaylova et Philippe Portugal pour
leur présence.
Au moins une perle existe dans la pièce
de Spoerli: il s’agit de la chorégraphie sur
le Troisième Concerto Brandebourgeois. Les
filles ont des mouvements assez convenus:
“Ciò che conta per me è il Magnificat” dice
Heinz Spoerli, il direttore del Balletto dell’Opera di Zurigo, a proposito della sua ultima creazione.
Wäre heute morgen und gestern jetzt (“Se
oggi fosse domani e se ieri fosse ora”) si compone di due parti. La prima è su musica strumentale di Johann Sebastian Bach con l’aggiunta di due arie vocali. La seconda è
coreografata sull’intero Magnificat di Bach,
per soli, coro e orchestra.
In questo lavoro di Spoerli, diverse piccole formazioni si succedono, e dobbiamo comunque citare due coppie: Ana Carolina
Quaresma e Iker Murillo per l’impegno e Galina
Mihaylova e Philippe Portugal per la presenza scenica.
È un balletto forse poco ispirato, ma ha la
sua perla: si tratta della coreografia sul Concerto Brandeburghese n. 3. Per le ragazze i
passi sono codificati: per esempio, grands
battements e déboulés. Ma danzano alla per-
There is an obsession in the work for birds
as a metaphor for the passing of time and
death: their flight a recurring symbol “to
measure time”; an obsession with aging (in
particular of his wife Sabine Kupferberg, to
whom the work is dedicated and who appears
on screen as an actress); and again for the
National Theatre (as scene of the films and
as a model in the dance sequence) as a symbol
of the atemporal “factory of dreams”.
There are too many concepts which could
cause the main thread to be lost and the
symbolism incomprehensible, were it not that
Kupferberg is represented in the dance
sequences by a dancer of the same age (another
allusion to NDT III, the over-40 troupe), Caroline Geiger, together with another “veteran,”
Peter Jolesch. That and the fact that the dance
dominates, vivid and virtuosic, often at a
diabolical speed, and very demanding – one
notices particularly Tigran Mikayelyain and
Lukas Slavicky, but if truth be told, the entire
company shines.
Kylián’s style is very well synthesized in
the piece: the angular, but at the same time
harmonious, ports de bras, a certain insistence
on plié positions; but what emerges above
all is the rhythm and “savoir faire” of the
enchaînements, both in the slow movements
and those of almost demonic speed. There
are breathtaking lifts and many legs in the
air but always with great discipline and
control.
If it is true that Zugvögel is Kylián’s swan
song, one can but lament the loss of a
choreographer who makes his dancers dance.
Isis Wirth
Zurich Ballet
Spoerli: Magnificat!
Wäre heute morgen und gestern jetzt – chor.
Zurich (Switzerland), Opernhaus
Arman Grigoryan,
Yen Han,
Vahe Martirosyan –
Zurich Ballet:
“Wäre heute morgen und
gestern jetzt”, c. Heinz Spoerli
(ph. P. Schnetz)
49
“What counts for me is the Magnificat”
says Heinz Spoerli, director of the Zurich
Ballet, when speaking of his latest creation.
Wäre heute morgen und gestern jetzt is made
up of two parts: the first to instrumental music
by Johann Sebastian Bach with two vocal arias
added. The second is set to Bach’s complete
Magnificat.
In Spoerli’s work some of the smaller formations work and two couples must be cited:
Ana Carolina Quaresma and Iker Murillo for
their commitment and Galina Maihaylova and
Philippe Portugal for their stage presence.
Spoerli’s creation has its pearls if speaking
of his choreography for the Brandenburg Concert No. 3. For the women the steps are
codified: as an example, grands battements
and déboulés. But they are danced to perfection and create original geometric patterns. Citing particularly Sarah-Jane
Brodbeck who leads the troupe and whose
dancing is alway a veritable joy. In Spoerli’s
work the men always stand out: here not
des grands battements et des déboulés, par exemple. Mais elles dansent à la perfection et les
formations géométriques sont originales. Citons
la meneuse des filles dont la danse est une vraie
jubilation: Sarah-Jane Brodbeck. Ce sont une
fois de plus chez Spoerli les garçons qui explosent: grands jetés en tournant, mais pas seulement; le chorégraphe suisse a créé de nouveaux
sauts époustouflants. En réunissant le Ballet de
l’Opéra de Zurich et son Junior Ballet, Spoerli
présente des effectifs impressionnants. De fait,
ce “concerto” est enthousiasmant.
Emmanuèle Rüegger
fezione e le forme geometriche che creano
sono originali. Citiamo quella che guida il
gruppo e la cui danza è un vero giubilo: SarahJane Brodbeck. In Spoerli sono però sempre
i ragazzi a svettare: grands jetés en tournant,
ma non solo; il coreografo svizzero ha creato nuovi salti strabilianti.
Riunendo il Balletto dell’Opera di Zurigo
e la sua compagnia junior, Spoerli forma un
gruppo impressionante. Infatti, questo “concerto” di danza desta l’entusiasmo del pubblico.
Emmanuèle Rüegger
The Forsythe Company
Billy, le monstre de la
danse-théâtre
Billy, il mostro del
teatro-danza
You Made Me a Monster – installation-performance de William Forsythe; Decreation – chor.
William Forsythe, mus. David Morrow
Londres, Sadler’s Wells Theatre
You Made Me a Monster – installazione-performance di William Forsythe; Decreation
– cor. William Forsythe, mus. David Morrow
Londra, Sadler’s Wells Theatre
Le Sadler’s Wells Theatre de Londres a consacré trois semaines à la phase la plus récente
du travail de William Forsythe sous l’intitulé
“Focus on Forsythe”. Tout cela s’est ajouté à
ce que nous avions pu voir en octobre dernier
au début de la saison du théâtre londonien, quand
le Ballet Kirov du Théâtre Mariinsky de SaintPétersbourg a présenté une soirée de ballets du
chorégraphe américain (que la compagnie
pétersbourgeoise danse avec une puissance révélatrice de la force académique du Forsythe
première manière), et ensuite, en novembre,
quand le Ballet Royal des Flandres a dansé
Impressing the Czar.
La compagnie de ce chorégraphe a repris au
Sadler’s Wells You Made Me a Monster et
Decreation.
You Made Me a Monster est un travail centré sur une histoire très personnelle, qui raconte
(par des projections de textes) la progression
d’un cancer qui a tué la femme de Forsythe en
1994: sur le plateau du Sadler’s Wells Theatre
où a été montée l’installation, des groupes de
spectateurs sont debout à côté de tables sur lesquelles se dressent des barres métalliques présentant des dessins qui reproduisent des parties du corps humain. Le public est invité à
enrichir l’installation existante avec d’autres
découpages, alors que trois danseurs s’agitent,
font des grimaces, se tordent comme s’ils souffraient d’un grave dysfonctionnement physique,
et une bande sonore de plaintes et de cris avance,
inexorable. La performance dure 50 minutes et
chaque soir elle a été répétée trois fois. Cela
m’a paru bien choquant si on le voit comme un
commentaire sur la souffrance, mais insupportable si on le considère comme un spectacle de
danse.
Decreation était encore plus exaspérant: une
pièce de 75 minutes (créée en 2003 à Francfort)
qui se propose de parler de tendresse et de rage,
ainsi que du parcours de l’âme (quoi que ces
mots puissent signifier pour la danse-théâtre
agressive de Forsythe). Ce que l’on voit, c’est
Il Sadler’s Wells Theatre di Londra ha proposto tre settimane dedicate alla fase più recente del lavoro di William Forsythe con il
titolo “Focus on Forsythe”. Tutto ciò si è aggiunto a quanto abbiamo potuto vedere nell’ottobre scorso all’inizio della stagione del
teatro londinese, quando il Balletto Kirov del
Teatro Mariinsky di San Pietroburgo ha presentato una serata di balletti del coreografo
americano (che la compagnia pietroburghese
only in grands jetés en tournant, but in the
astonishing jumps the Swiss choreographer
has created for them.
In joining together the Zurich Ballet with
its junior company Spoerli creates an
impressive troupe. In fact this “concert” was
exciting.
Emmanuèle Rüegger
Billy’s Monster
You Made Me a Monster – installation-performance by W. Forsythe; Decreation – chor
William Forsythe, mus. David Morrow
London, Sadler’s Wells Theatre
From mid-April until mid-May, Sadler’s
Wells Theatre proposed a three-week study
of more recent work by William Forsythe
under the title “Focus on Forsythe”. This
came as a culmination of materials shown
earlier in the season when, in October 2008,
the Mariinsky Ballet had showed an evening
of Forsythe ballets (which the St. Petersburg troupe dance with a power which reveals
all the academic strength of early Forsythe
choreography), and in November of that same
year, the visit by the Royal Ballet of Flanders
with Forsythe’s dire intellectual posturing
in Impressing the Czar.
This April, Forsythe’s own troupe came
to London, and was seen in You Made Me a
Monster and Decreation at Sadler’s Wells
l’habituel méli-mélo, typique de la danse-théâtre, de cris, de grossièretés, d’agressivités, d’images de films à côté d’une danse minimaliste
(suggérée – c’est ce que j’ai cru comprendre –
par les danseurs eux-mêmes) singeant les malheurs physiques d’hommes et de femmes ayant
des problèmes moteurs et neurologiques.
En ce qui me concerne, il s’agit d’une pièce
incompréhensible qui laisse d’amples doutes sur
son sens intellectuel et artistique et tellement
brutale que ce n’est même pas la peine de s’interroger à son sujet.
Plusieurs films, “installations” de ballons
aérostatiques, de métronomes et d’images déformées ont garni ces deux pièces, offrant une
drôle de synthèse du travail le plus récent de
Forsythe.
Clement Crisp
Ballet du Grand Théâtre de Genève
Juliette, héroïne pour
femmes-chorégraphes
Roméo et Juliette – chor. Joëlle Bouvier, mus.
Sergueï Prokofiev
Genève, Grand Théâtre
Si l’on excepte Sasha Waltz, qui en créa une
version peu convaincante pour le Ballet de
l’Opéra de Paris la saison dernière, peu de femmes parmi les chorégraphes, se sont risquées à
faire un ballet sur Roméo et Juliette. C’est la
réflexion que s’était faite Philippe Cohen, di-
danza con un’energia rivelatrice della forza
accademica del primo Forsythe), e poi in novembre quando il Balletto Reale delle Fiandre
ha danzato Impressing the Czar.
La compagnia del coreografo ha ripreso
al Sadler’s Wells You Made Me a Monster e
Decreation.
You Made Me a Monster è un lavoro su
una vicenda molto personale, che racconta
(tramite la proiezione di testi) il progresso
di un cancro che ha ucciso la moglie di
Forsythe nel 1994 mentre, sulla scena del
Sadler’s Wells Theatre dove è stata montata
l’installazione, gruppi di spettatori assistono
in piedi accanto a tavoli sui quali si ergono
delle barre metalliche con modellini di carta
che riproducono parti del corpo umano. Il
pubblico è esortato ad aggiungere ulteriori
ritagli all’installazione esistente mentre tre
danzatori si dimenano, fanno smorfie, si contorcono come se soffrissero di una qualche
acuta disfunzione fisica, e una banda sonora
fatta di lamenti e strepiti avanza inesorabile.
La performance dura 50 minuti e ogni sera è
stata ripetuta tre volte. Mi è parso scottante
se visto come un commento sulla sofferenza, e insopportabile se considerato come uno
spettacolo di danza.
Ancor più esasperato era Decreation, un
lavoro di 75 minuti (creato nel 2003 a
Francoforte) che si propone di parlare di tenerezza e rabbia, e del percorso dell’anima
(qualunque cosa queste parole vogliano significare nell’ambito dell’aggressivo teatrodanza di Forsythe). Quel che vediamo è la
solita accozzaglia, tipica del teatro-danza, di
grida, villanìe, aggressività, immagini di film
accostate a una danza minimalista (suggerita, così m’è parso, dai membri del cast) che
scimmiotta le disgrazie fisiche di uomini e
donne con seri problemi motori e neurologici.
Per quanto mi riguarda è un lavoro incomprensibile che lascia ampi dubbi sul suo significato intellettuale o artistico e così brutale che non è neppure il caso di
preoccuparsene.
Diversi filmati, “installazioni” di aerostati,
metronomi e immagini distorte hanno guarnito i due pezzi, presentano una curiosa sintesi del più recente lavoro di Forsythe.
Clement Crisp
Balletto del Grand Théâtre di
Ginevra
Giulietta, eroina per
coreografe-donne
Roméo et Juliette – cor. Joëlle Bouvier, mus.
Serghei Prokofiev
Ginevra (Svizzera), Grand Théâtre
Allison Brown, Prue Lang –
The Forsythe Company:
“Decreation”
(ph. D. Mentzos)
50
Fatta eccezione per Sasha Waltz che, durante la scorsa stagione, ne ha creato una versione poco convincente per il Balletto
dell’Opéra di Parigi, poche coreografe-donne hanno osato firmare un balletto ispirato a
51
Theatre.
You Made Me a Monster is an intensely
personal matter, detailing (though a projected
text) the progress of the cancer that killed
Forsythe’s wife in 1994 while, on the stage
of Sadler’s Wells Theatre where the piece
takes place, groups of viewers are required
to stand by tables on which have been erected
metallic rods bearing cut-out paper models
of part of the human anatomy. The public
is encouraged to add further paper cut-outs
to the existing structure while three dancers
from Forsythe’s troupe wriggle, mouth,
contort themselves as if suffering from acute
physical disability, and a sound-track of
groans and clatterings goes its desperate way.
The staging lasts 50 minutes and was repeated
thrice during each evening. I thought it
searing as a comment upon grief, and insupportable as what is laughingly called
“dance”.
Even more exasperating was Decreation,
a 75 minute study (first shown in 2003 in
Frankfurt) which purports to be “about”
tenderness, and rage, and the progression
of the soul (whatever those words may be
supposed to mean in Forsythe’s aggressive
form of dance-theatre). What we saw was
the usual tanz-theatre mélange of shouting,
bad manners, aggression, filmed images
allied to minimal dance (suggested, so I
gather, by the members of the cast) which
apes the physical misfortunes of men and
women having serious neurological and
functional conditions. Incomprehension
rules, as far as I am concerned, and huge
doubts about the intellectual or dramatic
sense of an affair which it is more than
difficult to understand, and too brutish to
bother about anyway.
Various film shows, and “installations”
of balloons, metronomes, distorted camera
imagery, supplemented this theatrical season,
which provided a curious summing up of
Forsythe’s recent work.
Clement Crisp
Ballet du Grand Théâtre de
Genève
Juliet: a Heroine for
Female Choreographers
Roméo et Juliette – chor. Joëlle Bouvier, mus.
Sergei Prokofiev
Geneva (Switzerland), Grand Théâtre
With the exception of Sasha Waltz, who
last season created an unconvincing version
for the Paris Opéra Ballet, few women
choreographers have dared to create a ballet inspired by Romeo and Juliet. So thought
Philippe Cohen, director of the Ballet du
Grand Théâtre of Geneva, for whom the
female point of view was interesting because
of the prominent role that Shakespeare gives
to Juliet. But who should be entrusted with
the task?
recteur du Ballet du Grand Théâtre de Genève pour qui un point de vue féminin sur
la question semblait d’autant plus intéressant que Shakespeare donne à Juliette le
rôle actif. Mais à qui confier une telle tâche ?
Après quelques années de recherche, son
choix s’est porté sur Joëlle Bouvier dont il
avait pu apprécier le talent à restituer, dans
son spectacle Jeanne d’Arc, la passion, la
fougue et la détermination de la pucelle
d’Orléans.
Danseuse-chorégraphe phare des années
1980, lorsque avec son partenaire et compagnon, Régis Obadia, elle traduisait leur
passion en superbes envolées douces ou violentes, Bouvier n’a jamais cessé de questionner la tragédie principalement à travers
des personnages féminins devenus mythiques. Il y eut d’abord Fureurs, un travail
sur Antigone, en 1999 lors de la séparation d’avec Obadia, puis ce fut Jeanne d’Arc
en 2003. Son parcours artistique est également jalonné de solos très proches de
l’autobiographie, comme Dépêche-toi en
1999 ou Face à face en 2007. De pièce en
pièce, elle s’interroge, s’éprouve en toute
sincérité, s’identifiant avec aisance à ces
rebelles qui refusent une loi injuste ou inique. Il fallait donc bien un jour qu’elle rencontrât la vibrante Juliette.
Respectant le texte de Shakespeare sur
lequel le spectacle démarre, Bouvier procède par flash back . Dès la première image,
celle de l’enterrement des deux amants, tout
est dit: les deux corps, habillés de blanc,
portés par le groupe habillé en noir, confrontent la pureté de l’amour face à la haine
et à la désolation.
Toute la pièce, resserrée autour des personnages principaux, procède par images,
belles, fortes, cinématographiques. Chaque
tableau est clair, parfaitement dessiné, car
Joëlle Bouvier, en ne suivant pas la musique du ballet Roméo et Juliette mais en puisant dans les Suites que Prokofiev lui-même
en avait tirées, s’autorisait une plus grande
liberté dans la dramaturgie et pouvait supprimer ce qui lui semblait anecdotique. On
reconnaît dans la danse, faite d’abandon,
avec des élans brusques et des chutes soudaines, le style de la chorégraphe qui, évitant le pathos, trouve le ton juste de l’émotion. La scène de la nuit de noces se déroule
dans le silence et, malgré la nudité des
amants, est aussi pudique que sensuelle. Les
deux combats, celui de Tybalt et Mercutio,
puis celui de Tybalt et Roméo, malgré une
grande fluidité, ne perdent rien de leur puissance.
Cécile Robin Prévallée est une Juliette à
la fois rieuse, joueuse, sensuelle et volontaire; Damiano Artale est un Roméo subjugué par son amoureuse, avec des accents
irrésistibles de tendre jouvenceau. Quant à
Illias Ziragachi dans le rôle de Mercutio et
Loris Bonati dans celui de Tybalt, ils donnent à leur personnage une réelle épaisseur,
avec justesse et conviction.
Sonia Schoonejans
Romeo e Giulietta. È quello che ha pensato
Philippe Cohen, direttore del Balletto del
Grand Théâtre di Ginevra, per il quale il punto
di vista femminile in questo caso trova un
interesse maggiore nel fatto che Shakespeare
dà a Giulietta un ruolo attivo. Ma a chi affidare l’operazione?
Dopo alcuni anni di ricerca, ha scelto Joëlle
Bouvier di cui ha potuto apprezzare il talento nel restituire, nel suo precedente Jeanne
d’Arc (Giovanna d’Arco), la passione, l’impeto e la determinazione della pulzella
d’Orléans.
Danzatrice-coreografa di riferimento degli anni Ottanta, in ambito francese, quando con il suo partner e compagno, Régis
Obadia, tradusse la loro passione in stupendi
voli dolci o violenti, la Bouvier non ha mai
smesso di analizzare la tragedia principalmente tramite i personaggi femminili diventati mitici. Dapprima fu Fureurs, un lavoro
su Antigone, nel 1999, l’anno della separazione da Obadia, poi Jeanne d’Arc nel 2003.
Il suo percorso artistico è costellato di assoli
molto vicini all’autobiografia, come
Dépêche-toi del 1999 o Face à face del 2007.
Di creazione in creazione, s’interroga, si
confronta, si mette alla prova con sincerità,
identificandosi facilmente con queste ribelli che si oppongono alle leggi ingiuste o inique. Era destino, dunque, che incontrasse
un giorno la vibrante Giulietta.
Rispettando il testo di Shakespeare che
fa da incipit alla spettacolo, la Bouvier procede per flashback. Sin dalla prima immagine (il funerale dei due amanti), tutto è chiaro: i due corpi, vestiti di bianco, trasportati
da un gruppo in nero, mettono a confronto
la purezza dell’amore con l’odio e la desolazione.
Tutto il lavoro, ristretto intorno ai personaggi principali, procede per immagini: belle,
forti, cinematografiche. Ogni quadro è chiaro,
perfettamente disegnato: Joëlle Bouvier, che
non si avvale della musica del balletto Romeo
e Giulietta di Prokofiev ma delle suites che
lo stesso compositore ne ha tratto, si concede una maggiore libertà nella drammaturgia, eliminando ciò che le sembra troppo narrativo. Riconosciamo nella danza, fatta di
abbandoni, slanci bruschi e cadute improvvise, lo stile della coreografa che, evitando
di cadere nel patetico, trova il giusto registro dell’emozione. La scena della notte di
nozze si svolge nel silenzio e, nonostante
la nudità degli amanti, è al contempo pudica e sensuale. I due combattimenti, quello
tra Tebaldo e Mercuzio, poi quello tra
Tebaldo e Romeo, nonostante una notevole
fluidità, non rinunciano alla forza.
Cécile Robin Prévallée è una Giulietta al
tempo stesso solare e gioiosa, sensuale e volitiva; Damiano Artale è un Romeo
soggiogato dall’amore, con irresistibili accenti di gioviale tenerezza. Quanto a Illias
Ziragachi nel ruolo di Mercuzio e Loris
Bonati in quello di Tebaldo, sanno dare ai
loro rispettivi personaggi un vero spessore,
in modo corretto e convincente.
Sonia Schoonejans
52
After several years of searching, he chose
Joelle Bouvier, whose talent he had admired
in her previous work Jeanne d’Arc. A
dancer-choreography of the 1980’s in France
where she and her partner and companion,
Régis Obadia, translated their passion into
stupendous flights of dance both tender and
violent, Bouvier’s analyses of tragedy from
a woman’s point of view have become
legendary. At first it was Fureurs, based
on Antigone in 1999, the year of her
separation from Obadia, then Jeanne d’Arc
in 2003. Her artistic career is studded with
solos that are almost autobiographical, such
as Dépêche-toi in 1999 or Face à face in
2007. She has always analysed tragedy from
a woman’s point of view. Creation after
creation she questions confronts and tests
herself with sincerity, easily identifying with
who are opposed to injustice or unjust laws.
It was destiny then, that one day she should
meet the vibrant Juliet.
Closely following Shakespeare’s text,
Bouvier uses flashbacks to tell the story.
From the first image (the funeral of the two
lovers) everything is clear: the two bodies
dressed in white, carried by a group in black,
making a comparison between the purity
of love and the desolation of hatred.
The entire work is a series of images
around the two main characters: beautiful,
strong, cinematographic images. Each
picture is clear and perfectly designed: Joelle
Bouvier uses only the suites of music that
Prokofiev wrote for Romeo and Juliet as it
allows her greater freedom in the drama
and less narrative.
We recognize in the work, sudden leaps
and drops danced with abandonment, the
style of the choreographer, who without
falling into the pathetic, find the right
register of emotion. The scene of the lovers’
wedding night is danced in silence and, in
spite of their nakedness, is both modest and
sensual. The two fights, one between Tybalt
and Mercutio, then Romeo and Tybalt, lack
power, despite their considerable fluidity.
Cécile Robin Prévallée’s Juliet is sunny
and joyous, sensual and volatile; Damiano
Artale was a Romeo subdued by love, with
irresistible accents of youthful tenderness.
Illias Ziragachi as Mercutio and Loris Bonati
as Tybalt were convincing and gave their
respective characters real substance.
Sonia Schoonejans
American Ballet Theatre
A Swamp of a “Lake”,
a Rascal of a
“Corsaire”
Swan Lake – chor. Kevin McKenzie (after
Marius Petipa, Lev Ivanov), mus. Pyotr. I.
Tchaikovsky; Le Corsaire – chor. AnnaMarie Holmes (after Marius Petipa,
Konstantin Sergeyev), mus. Adolphe Adam,
Gillian Murphy, Roman Zhurbin – American Ballet Theatre: “Le Corsaire”, c. Anna-Marie Holmes (ph. G. Schiavone)
“Lac” un peu
marécageux, “Corsaire”
coquin
“Lago” un po’
acquitrinoso, “Corsaro”
monello
Lac des cygnes – chor. Kevin McKenzie
(d’après Marius Petipa, Lev Ivanov), mus. Piotr.
I. Tchaïkovsky; Le Corsaire – chor. AnnaMarie Holmes (d’après Marius Petipa,
Konstantin Sergueev), mus. Adolphe Adam,
Cesare Pugni, Léo Delibes, Riccardo Drigo,
Pierre d’Oldenbourg
Londres, Coliseum
Lago dei cigni – cor. Kevin McKenzie (da
Marius Petipa, Lev Ivanov), mus. Piotr. I.
Ciaikovsky; Le Corsaire – cor. Anna-Marie
Holmes (da Marius Petipa, Konstantin
Sergheiev), mus. Adolphe Adam, Cesare Pugni, Léo Delibes, Riccardo Drigo, Pierre
d’Oldenbourg
Londra, Coliseum
Encore une fois le mini-festival “Spring
Dance” au Théâtre Coliseum de Londres
s’est ouvert avec une compagnie américaine,
l’American Ballet Theatre, qui a dansé deux
ballets de son répertoire Le Lac des cygnes
et Le Corsaire.
La production de ce Lac signée par le
directeur artistique de la compagnie Kevin
McKenzie suit tout compte fait la tradition,
mais avec des innovations qui nous rendent
perplexes. Tout d’abord, le rôle du maléfique Rothbarth est divisé en deux: un être
monstrueux, puis un invité élégant et séduisant au troisième acte, où il emploie ses
pouvoirs enchanteurs à charmer les dames
de la cour, y compris la Reine. Il danse un
solo sur la belle musique de la danse russe,
ce qui est évidemment une absurdité. En
outre, le quatrième acte est malheureusement gâché par une chorégraphie impossible à reconnaître.
Michelle Wiles, dans le rôle d’OdetteOdile, quoique bonne technicienne, m’a paru
Ancora una volta il mini-festival “Spring
Dance” al Teatro Coliseum di Londra si è aperto
con una compagnia americana, l’American
Ballet Theatre, che ha danzato due balletti del
suo repertorio abituale, Il Lago dei cigni e Le
Corsaire.
La produzione del Lago firmata dal direttore artistico della compagnia Kevin McKenzie
segue in buona sostanza la tradizione, ma con
alcune innovazioni che lasciano perplessi. Anzitutto, il ruolo del malefico Rothbarth è diviso in due: una figura mostruosa dapprima, eppoi
un ospite elegante e seducente nel terzo atto,
dove usa i suoi poteri incantatori per ammaliare le dame della corte, compresa la regina.
Danza poi un assolo sulla bella musica della
danza russa, il che è chiaramente un’assurdità. Inoltre, il quarto atto è stato purtroppo torturato da una coreografia irriconoscibile.
Michelle Wiles, nel ruolo di Odette-Odile,
benché brava dal punto di vista tecnico, mi è
parsa alquanto inespressiva. Tra i prìncipi delle
diverse serate, Marcelo Gomes è stato un
53
Cesare Pugni, Léo Delibes, Riccardo Drigo,
Pierre d’Oldenbourg
London, Coliseum
Again this year the mini-festival “Spring
Dance” at the London Coliseum opened with
an American ballet company, American Ballet Theatre, which danced Swan Lake and
Le Corsaire.
Artistic director Kevin McKenzie’s Swan
Lake production basically follows tradition,
but with a few startling innovations.
Principally, the role of the villainous
Rothbart is divided into two, one a monster
and one an elegant, seductive Act 3
(uninvited) guest, who uses his magic
powers to enchant the court ladies, including
the Queen. He performs a solo to the lovely
Russian Dance, which is a solecism. In addition, Act 4 suffered from undistinguished
choreography.
Michelle Wiles, in the role of Odette/
Odile, proved a good technician, but rather
inexpressive as an interpreter. As far as the
princes are concerned, Marcelo Gomes was
every inch a danseur noble in the role, so
also was David Hallberg’s bemused,
melancholy Siegfried. In Act 1, the male
role in the pas de trois is performed by the
Prince’s friend Benno, giving London its
first sight of young virtuoso Daniil Simkin.
The company danced very well as a whole,
but a better production would have displayed
them better.
Then we attended Le Corsaire. Lord Byron would probably have considerable
difficulty in recognising his 1814 The Corsair
in this romp-like version of the ballet, signed
by Anna-Marie Homes some years ago for
the ABT.
assez inexpressive. Parmi les princes des
différentes soirées, Marcelo Gomes a été
un véritable danseur noble, ainsi que David Hallberg, Siegfried mélancolique et
tourmenté. Au premier acte, le rôle masculin du pas de trois est dansé dans cette
version par l’ami du prince, Benno: le
jeune virtuose Daniil Simkin y a fait ses
débuts londoniens. Dans l’ensemble la
compagnie s’est bien conduite, mais une
meilleure production lui aurait été plus
favorable.
Au programme, il y avait aussi Le Corsaire. Sans doute, Lord Byron aurait-il
eu beaucoup de mal à reconnaître son The
Corsair de 1814 comme source d’inspiration de cette version coquine du ballet,
signée pour la compagnie américaine par
Anna-Marie Holmes il y a quelques années.
Un côté positif de l’œuvre est que les
hommes ont plusieurs occasions de se produire dans une véritable explosion de virtuosité, conduite par Marcelo Gomes
(Conrad), Ángel Corella (Ali) et Herman
Cornejo (Lankandem). Mais il a été difficile de s’identifier avec le destin des
deux prisonnières des pirates, Gulnara
(Xiomara Reyes) et Medora (l’époustouflante Gillian Murphy), étant donné que
cette version ne semble pas prendre l’histoire trop au sérieux.
Freda Pitt
Martha Graham Dance
Company
“Clytemnestre” de
Graham: mythologie et
psychanalyse
Clytemnestra – chor. Martha Graham,
mus. Halim El-Dhab
Paris, Théâtre du Châtelet
Tout a été dit sur la grande dame de la
modern dance aux États-Unis, Martha Graham, qui a fait l’objet de nombreux livres, et elle-même, aidée par son amie
Jacqueline Onassis, a écrit son autobiographie (Mémoires, éd. Actes Sud). En
traversant le XX siècle – née en 1893 et
morte en 1991 –, elle a eu le temps d’être
à l’avant-garde, ensuite d’appartenir à l’establishment, puis de connaître une éclipse,
enfin de revenir triomphalement sur le
devant de la scène. Apanage de la longévité certes mais surtout résultat du génie
singulier de cette femme qui inventa un
style, une grammaire et une syntaxe du
mouvement, presque aussi complexe et
complète que le ballet classique.
Plusieurs périodes distinctes jalonnent
sa longue carrière, et Clytemnestra, pièce
en trois actes créée en 1958, appartient à
celle où Graham revisite les grands mythes grecs ou bibliques à la lueur de la
psychanalyse. Pièce emblématique de Gra-
Maurizio Nardi – Martha
Graham Dance
Company:
“Clytemnestra”
(ph. Costas)
danseur noble da capo a
piedi, e così pure David
Hallberg,
Sigfrido
melanconico e meditabondo. Nel primo atto, il ruolo
maschile del pas de trois è
qui danzato dall’amico del
principe, Benno, che ha visto il debutto londinese del
giovane virtuoso Daniil
Simkin. Nell’insieme la
compagnia si è comportata molto bene, ma una produzione migliore le avrebbe certamente giovato.
C’era poi Le Corsaire.
Lord Byron avrebbe avuto
probabilmente delle difficoltà considerevoli nell’individuare nel suo The Corsair del 1814 la
fonte d’ispirazione di questa birbante versione del balletto, firmato per la compagnia americana da Anna-Marie Holmes alcuni anni fa.
Un aspetto positivo dell’opera è il fatto che
gli uomini abbiano molte occasioni di esibirsi
in quello che è un tripudio di virtuosismi,
capeggiato da Marcelo Gomes (Conrad), Ángel
Corella (Ali) e Herman Cornejo (Lankandem).
Ma era difficile identificarsi con il destino delle due prigioniere, Gulnara (Xiomara Reyes) e
Medora (la strepitosa Gillian Murphy), dato che
questa produzione non sembra prendere troppo sul serio la vicenda.
Freda Pitt
Martha Graham Dance Company
La Graham di
“Clitennestra”: mitologia
e psicanalisi
Clytemnestra – cor. Martha Graham, mus. Halim
El-Dhab
Parigi, Théâtre du Châtelet
È già stato detto tutto sulla grande signora
della modern dance negli Stati Uniti, Martha
Graham, che è stata oggetto di numerosi libri,
e che ha scritto essa stessa, con la collaborazione della sua amica Jacqueline Onassis, la
sua autobiografia. Nel corso del Novecento –
è nata nel 1893 ed è morta nel 1991 –, ha trovato il tempo di essere all’avanguardia, poi di
far parte dell’establishment, quindi di conoscere
un periodo di eclissi, infine, di ritornare trionfalmente. Merito della longevità, certo, ma soprattutto del genio singolare di questa donna
che inventò uno stile, una grammatica e una
sintassi del movimento quasi complessa e completa quanto quella della danza accademica.
54
A positive feature is that the men certainly
had frequent opportunities to show off in what
is above all a feast of virtuosity, led by
Mercelo Gomes (Conrad), Ángel Corella (Ali)
and Herman Cornejo (Lankandem). It was
hard, though, to feel concerned about the fates
of the pirates’ captives, Gulnara (Xiomara
Reyes) and Medora (outstanding Gillian
Murphy), for the production does not seem
to take the story very seriously.
Freda Pitt
Graham and
“Clytemnestra”:
Mythology and
Psychoanalysis
Clytemnestra – chor. Martha Graham, mus.
Halim El-Dhab
Paris, Théâtre du Châtelet
Everything that can be said about the
“grande dame” of modern dance in the United States has already been said; Martha Graham has been the subject of numerous books,
including her own autobiography, in collaboration with her friend Jacqueline Onassis.
In the course of the 1900s – she was born in
1893 and died in 1991 – she was in the
vanguard, then part of the establishment,
followed by a period of eclipse and, then
returned triumphant.Thanks certainly in part
to her longevity, but above all to the singular
genius of the woman who invented a style, a
grammar and a syntax of movement almost
as complex and complete as classical ballet.
.There were pronounced periods in her
career and Clytemnestra, a ballet in 3 acts
created in 1958, was created during a period
ham, où apparaît toute la puissance de son
style, à la fois expressif et théâtral, et sa
capacité à illustrer un évènement par les
seuls mouvements, Clytemnestra est composée comme un drame intérieur, où l’héroïne est saisie dans un moment crucial,
et traitée d’une façon cinématographique
à coups de flashback.
Le spectacle commence au moment où
Clytemnestre, descendue aux enfers après
avoir tué son mari Agamemnon, est contrainte par Hadès, à revivre sa faute. Tous
les épisodes ayant précédé son geste (rapt
d’Hélène, guerre de Troie, sacrifice d’Iphigénie, liaison de Clytemnestre avec
Aegiste, meurtre d’Agamemnon, assassinat de Clytemnestre par Oreste), sont ainsi
rejoués devant elle comme le théâtre de
sa mémoire. La simultanéité des actions
sur le plateau démultiplie les points de
vue, tout en restant une projection de l’esprit de Clytemnestre. La tension ne se relâche pas un seul instant durant les deux
heures que dure la pièce, la plus longue
de toutes les créations de Graham. Et il
faut saluer l’extraordinaire vitalité de tous
les danseurs, leur cohérence aussi (rappelons que la troupe n’interprète que le
répertoire Graham).
L’artiste invitée, Fang-Yi Shen, danseuse taïwanaise formée à la technique
Graham, interprète une Clytemnestre pour
qui la danse, même tragique, coule de
source.
La Martha Graham Dance Company, revenue en France après dix ans d’absence,
a retrouvé une qualité que les épisodes
ayant suivi la mort de Graham, lui avaient
fait perdre. Dirigée dorénavant par Janet
Eilber, ancienne danseuse de la compagnie, celle-ci insuffle à l’ensemble de la
troupe une énergie et une exigence dignes
de sa fondatrice.
Sonia Schoonejans
Diversi periodi scandiscono la sua carriera,
e Clytemnestra, balletto in tre atti creato nel
1958, appartiene a quello in cui la Graham rivisita i grandi miti greci o biblici alla luce della psicanalisi. Lavoro emblematico della coreografa, nel quale appare tutta la forza del suo
stile espressivo e teatrale, e la sua capacità di
mostrare una situazione con i soli movimenti,
Clytemnestra è un dramma interiore, dove l’eroina è colta in un momento cruciale, raccontato
in modo cinematografico, a forza di flashback.
Lo spettacolo comincia nel momento in cui
Clitennestra, discesa agli inferi dopo aver ucciso il marito Agamennone, è costretta da Ade
a rivivere la sua colpa. Tutti gli episodi che
hanno preceduto il suo gesto (il ratto di Elena,
la guerra di Troia, il sacrificio di Efigenia, la
relazione di Clitennestra con Egisto, l’uccisione di Agamennone, l’assassinio di Clitennestra
per mano di Oreste) sono recitati davanti ai suoi
occhi come in un teatro della memoria. La simultaneità delle azioni sulla scena moltiplica i
punti di vista, nonostante si tratti pur sempre
di una proiezione del pensiero di Clitennestra.
La tensione non si allenta neanche un instante
nel corso delle due ore dello spettacolo, il più
lungo della Graham.
E dobbiamo salutare la straordinaria vitalità
di tutti i danzatori e la loro coerenza (ricordiamo che la compagnia danza solo il repertorio
Graham). L’ospite, Fang-Yi Shen, danzatrice
taiwanese formatasi alla tecnica Graham, interpreta Clitennestra; per lei la danza, anche
nel suo registro tragico, è del tutto naturale.
La Martha Graham Dance Company, ritornata così in Francia dopo dieci anni d’assenza, ha ritrovato una qualità che le vicende legali che fecero seguito alla morte della
coreografa le avevano fatto perdere. Ora la
compagnia è diretta da Janet Eilber, ex danzatrice del gruppo, che sa infondere agli artisti un’energia e una disciplina degne della
sua fondatrice.
Sonia Schoonejans
55
Fang Yi Sheu, Kerville Jack – Martha
Graham Dance Company: “Clytemnestra”
(ph. Costas)
when Graham revisited great Grecian and
Biblical myths, in light of modern psychology.
Emblematic of this period, in which all the
force of her expressive and theatrical style
appears, Clytemnestra is an inner drama, with
the heroine caught at a crucial moment and
is told in an cinematographic way in
flashbacks. The work begins at the moment
when Clytemnestra descends into
Underworld and is forced by Hades to relive
her guilt. All the episodes that preceded the
deed (the abduction of Helen, the Trojan War,
the Sacrifice of Iphigenia, her relationship
with Aegisthus, the killing of Agamemnon
and the assassination of Clytemnestra at the
hands of Orestes) are played out before her
eyes as in a theatre of memory. The
simultaneous action multiplies the point of
view but always as a projection of the
thoughts of Clytemnestra. The tension is
never relaxed for one instant in the course
of the two hour-performance; this is the
longest of the Graham works. And we must
salute the extraordinary vitality and
coherence of all the dancers (keeping in mind
that they dance only Graham’s repertory).
Guest artist Fang-Yi Shen, the Taiwanese
dancer schooled in the Graham technique,
interpreted Clytemnestra; for her the style and
sense of tragedy is completely natural.
Returning to France, after ten years of absence, the Martha Graham Dance Company,
has once again found the quality that they
had lost following the legal problems that
emerged after the choreographer’s death. Now
the company is directed by Janet Eiber, herself
a former dancer with the troupe, who knows
how to instil in the dancers an energy and
discipline worthy of its founder.
Sonia Schoonejans
Béjart Ballet Lausanne
L’esprit de Béjart
Lo spirito di Béjart
The Spirit of Béjart
Igor et nous – chor. Maurice Béjart, mus. Igor
Stravinsky; Casino des Esprits – chor. Gil
Roman, mus. Antonio Vivaldi; L’Oiseau de
feu – chor. Maurice Béjart, mus. Igor
Stravinsky; Boléro – chor. Maurice Béjart, mus.
Maurice Ravel
Gênes (Italie), Teatro Carlo Felice
Igor et nous – cor. Maurice Béjart, mus. Igor
Stravinsky; Casino des Esprits – cor. Gil
Roman, mus. Antonio Vivaldi; L’Oiseau de
feu – cor. Maurice Béjart, mus. Igor Stravinsky;
Boléro – cor. Maurice Béjart, mus. Maurice
Ravel
Genova, Teatro Carlo Felice
Igor et nous – chor. Maurice Béjart, mus.
Igor Stravinsky; Casino des Esprits – chor.
Gil Roman, mus. Antonio Vivaldi; L’Oiseau
de feu – chor. Maurice Béjart, mus. Igor
Stravinsky; Boléro – chor. Maurice Béjart,
mus. Maurice Ravel
Genoa (Italy), Teatro Carlo Felice
Qu’en est-il de Béjart après Béjart? Le garant de l’héritage, désigné par le maître luimême, Gil Roman, semble remonter ses ballets en contact presque médiumnique avec son
mentor.
Ainsi, Roman a-t-il redéfini Igor et nous, que
le chorégraphe marseillais avait créé à l’origine
sous le titre d’Igor et moi, en s’appuyant sur la
voix d’Igor Stravinsky enregistrée pendant les
répétitions d’orchestre de sa musique, employée
ici comme bande sonore pour une séquence qui
propose un pas de quatre, un pas de trois et un
pas de deux. Un hors-d’œuvre agréable, tout
comme Casino des Esprits signé par Gil Roman lui-même et parsemé de nuances vénitiennes, où apparaissent des courtisanes, des masques et justement des esprits, dans l’habituel
mélange de beauté et de jeunesse que Béjart a
imposé comme sceau de ses compagnies, d’abord
en Belgique, puis en Suisse.
Le public, toutefois, part en fibrillation pour
les deux chefs-d’œuvre au programme,
L’Oiseau de feu et Boléro. Le premier met
encore et toujours au centre du groupe les beaux
garçons, en rouge ardent, qui ont marqué le
goût et la poétique de l’auteur de ballets le
plus médiatisé du siècle dernier, qu’ils soient
blonds ou bruns, orientaux ou occidentaux. Et
si l’on remarque quelques légères imprécisions
(Béjart n’étant plus là, à surveiller), l’extraordinaire lisibilité de cette pièce prépare le chemin vers le triomphe final, l’habituel – et génial – Boléro. Ici, dans le rôle principal,
alternaient l’experte Elisabet Ros et la Cubaine
Catherine Zuasnabar, statuette virginale aux
lignes impeccables, mais totalement non-érotique. Toutefois, elle a été saluée par une standing ovation finale. Immanquable.
Che cosa ne è di Béjart dopo Béjart? Il
garante della “béjartianità” doc, nominato dal
maestro stesso, Gil Roman, pare curarne i balletti in contatto quasi medianico con il suo
mentore.
Così, Roman ha rifinito Igor et nous, che il
coreografo marsigliese aveva in origine creato
come Igor et moi, contando sulla voce di Igor
Stravinsky registrata durante le prove d’orchestra della sua musica, qui utilizzata come colonna sonora per una sequenza che prevede un
pas de quatre, un pas de trois e un pas de deux.
Un aperitivo garbato, così come Casino des
Esprits firmato da Gil Roman stesso e venato
di coloriture veneziane, dove appaiono cortigiane, maschere e appunto spiriti, nell’abituale
miscela di bellezza e giovinezza che Béjart ha
imposto come sigillo alle sue compagnie, prima in Belgio e poi in Svizzera.
Il pubblico, però, entra in fibrillazione per i
due capisaldi béjartiani in programma, L’Oiseau
de feu e Boléro. Il primo mette ancora e sempre al centro del gruppo i luminosi ragazzi, in
rosso ardente, che hanno segnato il gusto e la
poetica dell’autore di balletti più mediatico del
secolo scorso, biondi e mori, orientali e occidentali. E se, mancando la mano del
“capocomico” Béjart, qualche lieve sbavatura
si fa notare, la maestria di leggibilità di questo pezzo spiana la strada al trionfo del finale, il solito – geniale – Boléro. Qui abbiamo
visto alternarsi nel ruolo protagonistico l’esperta
Elisabet Ros e la cubana Catherine Zuasnabar,
statuetta virginale dalle linee impeccabili, ma
totalmente a-erotica, salutata comunque da una
standing ovation finale. Immancabile.
What of Béjart after Béjart? Gil Roman,
the guarantor of the “Béjartian” legacy, named
by the master himself, seems to remount the
ballets in spiritual contact with his mentor.
Thus, Roman has redefined Igor et nous,
which the Marseillais choreographer had
originally created as Igor e moi. Based on
recordings of the voice of Igor Stravinsky
made during orchestra rehearsals of his music,
the soundtrack is used for a sequence of pas
de quatre, pas de trois and pas de deux. It is
a pleasant aperitif, much like Roman’s own
Casino des Esprits which is run through with
nuances of Venice, where courtesans, masks
and spirits appear in the usual mixture of
beauty and youth which was the seal of
Béjart’s companies, first in Belgium then in
Switzerland.
However the public goes into cardiac arrest
over those two “Béjartian” masterpieces on
the programme, L’Oiseau de feu (“The
Firebird”) and Boléro. The first still and always
puts at its centre, in fiery red, the group of
handsome young men – blond or dark, Eastern or Western, who show the taste and poetry
of the creator of the most mediatised ballets
of the last century. And if one notices some
small inaccuracies (Béjart no longer being
able to supervise the dancers) the masterful
legibility of the work smoothes the way to
the triumphant finale, the usual – and brilliant
– Bolero. Alternating in the main role, the
expert Elisabet Ros and Cuban dancer Catherine Zuasnabar, statuesquely virginal with
impeccable lines, but completely unerotic.
However she was greeted by a standing ovation. Inevitable.
Ballet de l’Opéra de Rome
Fracci et Les Ballets
Russes
Les Ballets Russes/1: Les Sylphides – chor.
Michel Fokine, mus. Fryderyk Chopin;
Cléopâtre – chor. Michel Fokine, mus. Anton
Arentsky; Les Biches – chor. Bronislava
Nijinska, mus. Francis Poulenc; Le Tricorne
– chor. Léonide Massine, mus. Manuel de Falla;
L’Oiseau de feu – chor. Michel Fokine, mus.
Igor Stravinsky
Les Ballets Russes/2: Pulcinella – chor. Léonide
Massine, mus. Igor Stravinsky; La Chatte –
Balletto dell’Opera di Roma
Rome Opera Ballet
Fracci e i Ballets Russes
Les Ballets Russes/1: Les Sylphides – cor.
Cléopâtre – cor. Michel Fokine, mus. Anton
Arentsky; Les Biches – cor. Bronislava
Nijinska, mus. Francis Poulenc; Il cappello a
tre punte – cor. Léonide Massine, mus. Manuel
de Falla; L’uccello di fuoco – cor. Michel
Fokine, mus. Igor Stravinsky
Les Ballets Russes/2: Pulcinella – cor. Léonide
Massine, mus. Igor Stravinsky; La Chatte –
cor. George Balanchine, mus. Henri Sauguet;
Parade – cor. Léonide Massine, mus. Erik
Satie; La sagra della primavera – cor. Vaslav
Nijinsky (ricostr. Millicent Hodson), mus. Igor
56
Balletto del Teatro
dell’Opera di Roma:
“Parade” –
c. Léonide Massine
(ph. C. M. Falsini)
Fracci and Ballets
Russes
Les Ballets Russes/1: Les Sylphides – chor.
Cléopâtre – chor. Michel Fokine, mus. Anton
Arentsky; Les Biches – chor. Bronislava
Nijinska, mus. Francis Poulenc; The ThreeCornered Hat – chor. Léonide Massine, mus.
Manuel de Falla; The Firebird – chor. Michel
Fokine, mus. Igor Stravinsky
Les Ballets Russes/2: Pulcinella – chor.
Léonide Massine, mus. Igor Stravinsky; La
Chatte – chor. George Balanchine, mus. Henri
cor. George Balanchine, mus. Henri Sauguet;
Parade – chor. Léonide Massine, mus. Erik
Satie; Le Sacre du printemps – chor. Vaslav
Nijinsky (reconstr. Millicent Hodson), mus.
Igor Stravinsky
Les Ballets Russes/3: Petrouchka – chor. Michel
Fokine, mus. Igor Stravinsky; Jeux – chor.
Vaslav Nijinsky (recostr. Millicent Hodson),
mus. Claude Debussy; L’Après-midi d’un faune
– chor. Vaslav Nijinsky, mus. Claude Debussy;
Shéhérazade – chor. Michel Fokine, mus.
Nikolaï Rimsky-Korsakov
Rome, Opéra
Pendant vingt-huit jours, entre avril et mai
derniers, la compagnie de ballet du Théâtre
de l’Opéra de Rome, dirigée par Carla Fracci,
a proposé un festival spécial célébrant le premier centenaire de l’apparition des «Ballets
Russes» à Paris. Entreprise d’une portée remarquable, préparée au cours des neuf dernières années avec la reprise progressive et la
mise au point d’un certain nombre de chorégraphies du répertoire de Diaghilev, auxquelles se sont ajoutés en l’occurrence d’autres titres (Les Sylphides, Les Biches et la réinvention
de Cléopâtre).
Un projet que Fracci a suivi personnellement, ayant remonté Les Sylphides (une tâche
parfaitement accomplie, dans le sillon de la
tradition la meilleure, qui prévoit le passage
direct de la chorégraphie d’un interprète à
l’autre) et ayant interprété deux des ballets au
programme Jeux et L’Après-midi d’un faune.
Difficile de rendre compte, en peu de lignes,
des résultats d’une entreprise si vaste,
chorégraphiquement et musicalement. Elle
Stravinsky
Les Ballets Russes/3: Petrushka – cor. Michel
Fokine, mus. Igor Stravinsky; Jeux – cor.
Vaslav Nijinsky (ricostr. Millicent Hodson),
mus. Claude Debussy; L’Après-midi d’un faune
– cor. Vaslav Nijinsky, mus. Claude Debussy;
Shéhérazade – cor. Michel Fokine, mus.
Nikolai Rimsky-Korsakov
Roma, Teatro dell’Opera
Nell’arco di ventotto giorni, fra aprile e
maggio scorsi, la compagnia di balletto del
Teatro dell’Opera di Roma diretta da Carla
Fracci ha proposto uno speciale festival, per
celebrare il primo centenario dell’apparizione a Parigi dei “Ballets Russes”. Impresa di
notevole portata, prevista nei nove anni scorsi con la progressiva ripresa e messa a punto
di un certo numero di coreografie del repertorio di Diaghilev, alle quali si sono aggiunti in
quest’occasione altri titoli (Les Sylphides, Les
Biches e la re-invenzione di Cléopâtre).
Un’impresa che la Fracci ha guidato personalmente, sia affrontando direttamente la responsabilità di riallestire Les Sylphides (un
compito egregiamente portato a termine, nel
solco della migliore tradizione, che prevede
il passaggio diretto, da interprete a interprete,
della coreografia) sia il ruolo di interprete di
due dei titoli in programma Jeux e L’Aprèsmidi d’un faune.
Difficile riferire, in poche righe, gli esiti
di un’impresa coreograficamente e musicalmente tanto vasta. Meriterebbe una cronaca
dettagliata e una disamina puntuale dei vari
punti di forza e delle eventuali debolezze (fatto
salvo l’indubitabile interesse storico) di rico-
57
Sauguet; Parade – chor. Léonide Massine,
mus. Eric Satie; The Rite of Spring – chor.
Vaslav Nijinsky (reconstructed by Millicent
Hodson), mus. Igor Stravinsky
Les Ballets Russes/3: Petrushka – chor. Michel
Fokine, mus. Igor Stravinsky; Jeux – chor.
Vaslav Nijinsky (reconstructed by Millicent
Hodson), mus. Claude Debussy; L’Après-midi
d’un faune – chor. Vaslav Nijinsky, mus.
Claude Debussy; Shéhérazade – chor. Michel
Fokine, mus. Nikolai Rimsky-Korsakov
Rome, Teatro dell’Opera
In April and May, over a period of 28 days,
the Rome Opera Ballet, under the direction
of Carla Fracci, presented a special festival
to celebrate the 100th anniversary of the first
Paris appearance of the “Ballets Russes.” This
impressive undertaking, prepared over the past
nine years with ongoing revivals of ballets
from the Diaghilev repertory, included new
stagings especially for the festival (Les Sylphides, Les Biches and a reconstruction of
Cléopâtre.)
This is a project that Fracci has personally
overseen, directly taking responsibility for
the realization of Les Sylphides (a perfectly
accomplished task, following in the best tradition of choreography being handed down
from one generation of interpreters to
another) as well as dancing in Jeux and
L’Après-midi d’un faune.
In so little space it is difficult to report
on such an immense chorographical and musical project. It would require a detailed report to chronicle the various merits (other
than the inevitable historical interest) and
mériterait une chronique détaillée et une analyse des divers points forts et des faiblesses
éventuelles (hormis l’indubitable intérêt historique) de reconstructions et réinventions qui
concernent parfois des textes chorégraphiques
perdus depuis longtemps. L’impression générale est celle d’une opération remarquable, qui
a galvanisé et parfaitement mis en valeur la
compagnie romaine, grâce aussi à l’invitation
d’un certain nombre d’artistes prestigieux. Ces
programmes ont, en outre, opportunément consolidé le répertoire du XXe siècle de la compagnie (finalement reconstruit au cours des dix
ans de la direction de Fracci) et ont été très
bien accueillis par le public, qui a rempli la
salle, et ont valu à la compagnie une invitation à New York (pour la reprise de La Chatte
balanchinienne). Cette programmation a été
organisée au mieux, en exploitant la brève “pax
romana” dont le Théâtre de l’Opéra de la capitale italienne a pu bénéficier ces dernières
années, après des décennies ignobles qui l’ont
mené au bord de l’épuisement et qui ont failli
détruire la tradition du ballet à Rome.
Mais les orages, qui s’annonçaient même au
cours de cette saison splendide, ont désormais
recommencé. Et le sort de la compagnie ne tient
qu’à un fil. Celui, peut-être, du prestige international d’une artiste comme Carla Fracci.
Donatella Bertozzi
Ballet National de Norvège
struzioni e re-invenzioni, che riguardano a volte
testi coreografici andati perduti molto tempo
fa. L’impressione complessiva è quella di
un’operazione di notevole valore, che ha galvanizzato, oltre che egregiamente valorizzato, la compagnia romana, inserendo con intelligenza un certo numero di ospiti di prestigio
e consolidando adeguatamente il repertorio –
finalmente ricostruito nei dieci anni di direzione della Fracci – nel suo versante
novecentesco. Un’operazione, tra l’altro, accolta benissimo dal pubblico, che ha fatto registrare anche degli esauriti e che ha fruttato
alla compagnia un invito a New York (per la
ripresa de La Chatte balanchiniana). L’impresa
è stata organizzata al meglio delle possibilità
obiettivamente disponibili, sfruttando la breve “pax romana” di cui il Teatro dell’Opera
della capitale italiana ha goduto negli ultimi
anni, dopo decenni infami che hanno portato
sull’orlo del tracollo e rischiato di distruggere a Roma la tradizione del balletto.
Ma le burrasche, già nel corso di questa
splendida stagione, sono ormai ricominciate.
E di nuovo la sorte del ballo è appesa a un
filo. Forse ancora solo al prestigio internazionale di un’artista come la Fracci che, si spera,
verrà risparmiata.
Donatella Bertozzi
Balletto Nazionale Norvegese
Cygnes norvégiens au
bord de la mer d’Oslo
Cigni norvegesi sul
lungomare di Oslo
Lors de ces derniers vingt ans le Ballet National de Norvège a eu des ailes et a évolué
remarquablement. Il s’agit de la première et seule
compagnie de ballet en Norvège, restée pendant de nombreuses années dans l’ombre des
deux grandes et anciennes troupes scandinaves,
le Ballet Royal Danois et le Ballet Royal Suédois, dont les origines remontent au XVIIIe siècle,
alors que la compagnie norvégienne est très
jeune.
Après l’installation de quelques pionniers dans
la moitié du XXe siècle, la compagnie fut fondée officiellement en 1958 et donc elle vient de
fêter ses cinquante ans. Les célébrations ont eu
lieu dans le nouveau théâtre d’opéra et de ballet;
inauguré l’année dernière et situé au bord de la
mer d’Oslo, c’est un bâtiment exceptionnel: une
espèce d’immense iceberg flottant, penché sur
l’eau et construit en sorte que l’on puisse se promener sur son toit. Et cette promenade, qui est
devenue un pôle d’attraction autant pour les Norvégiens que pour les touristes, ne manque pas
d’attirer l’attention des gens sur les spectacles
d’opéra et de ballet à l’affiche du théâtre.
À l’intérieur du bâtiment, les architectes du
cabinet norvégien Snøhetta, qui a remporté le
concours sur 280 participants, ont réalisé un
prodige de vitraux, parois blanches et bois. Le
tout en position oblique: l’idée est intéressante
pour prédisposer l’âme du public à l’expérience
artistique. Le théâtre possède trois salles – celle
principale compte 1400 places.
Il Balletto Nazionale Norvegese in questi
ultimi vent’anni ha messo le ali ed è cresciuto
notevolmente. Si tratta della prima e unica
compagnia di balletto della Norvegia, rimasta per molti anni nell’ombra dei due grandi e
antichi complessi scandinavi, il Balletto Reale Danese e il Balletto Reale Svedese, le cui
origini risalgono al Settecento, mentre la compagnia norvegese è molto giovane.
Dopo l’insediamento di alcuni pionieri alla
metà del Novecento, la compagnia fu fondata
ufficialmente nel 1958 ed ha così appena celebrato i suoi cinquant’anni. I festeggiamenti hanno
avuto luogo nel nuovo teatro d’opera e balletto; inaugurato l’anno scorso e situato sul lungomare di Oslo, è un edificio eccezionale: una
sorta di immenso iceberg galleggiante affacciato sull’acqua e costruito in modo da poter
passeggiare sul tetto. E questa passeggiata, che
è diventata un punto d’attrazione tanto per i
Norvegesi quanto per i turisti, non manca di
richiamare l’attenzione della gente sugli spettacoli d’opera e balletto proposti dal teatro.
All’interno dell’edificio gli architetti dello
studio norvegese Snøhetta, che ha vinto il concorso su 280 partecipanti, hanno realizzato un
prodigio di vetrate, pareti bianche e legno. Tutto
in posizione obliqua: l’idea non è male per
predisporre l’animo del pubblico all’esperienza
artistica. Al suo interno ci sono tre sale – quella
principale ha 1400 posti.
Il repertorio del Balletto Nazionale Norve-
58
weaknesses of reconstructing, and in many
cases reinventing, choreography that has
been long-lost. The general impression is
that it was a project of remarkable value,
which galvanized and highlighted the
quality of the Roman company, as well
as a number of prestigious guest artists.
Moreover, these programmes consolidated
the company’s 20 th century repertory
(carefully rebuilt by Fracci over the past
10 years) and were well received by the
public, performed to full houses on some
occasions. It also garnered the company
an invitation to New York for the revival
of Balachine’s La Chatte. The company
was at its best and took full advantage of
the “Pax Romana” which the Teatro
dell’Opera has enjoyed these last few years,
after many wretched decades which almost
destroyed the tradition of ballet in Rome.
But despite the splendid season, storm
clouds are gathering once again and the
fate of the company hangs on a thread.
One can only hope that perhaps the international prestige of an artist like Carla
Fracci will save it.
Donatella Bertozzi
Norwegian National Ballet
Norwegian Swans at
the Oslo Waterfront
The Norwegian National Ballet has
grown immensely in artistic wing-span
over the last twenty years. The company
which is the first and only classical ballet
company in Norway stood for many years
in the shadow of the Royal Danish Ballet
and the Royal Swedish Ballet, which both
have their roots in the 18 th century while
the Norwegian National Ballet is extremely
young. After some forerunners in the early
1950’s it was officially established in 1958
and has thus just celebrated its 50 th
anniversary. The celebration took place in
the most wonderful new Theatre for Opera
and Ballet, opened last year and placed
on the Oslo waterfront as a unique building. As an immense ice floe, it is slanting
towards the water and constructed so that
people can have a walk on the roof. And
this walk, which has been popular for
Norwegians as well as for tourists, gives
lots of attention to both the opera and the
ballet performing inside the house.
Inside the building the architects from
Norwegian Snøhetta, who won the
competition between 280 participants, have
also made wonders in glass, white walls
and wood. Everything is askew, which is
not a bad idea, when you put the audience
in the mood to experience art. The building has three stages – the main stage with
room for 1,400 spectators.
The repertory of the Norwegian National Ballet has always balanced between
the traditional classical ballets, a modern
Le répertoire du Ballet National de Norvège
s’échelonne depuis toujours du ballet à la danse
moderne internationale, sans oublier de donner également sa chance au contemporain “maison”. La pierre miliaire pour la compagnie a
été The Tempest de Glen Teltey qui, depuis 1980,
et pendant les vingt ans suivants a été sa marque de fabrique. En outre, les collaborations
avec Jirí Kylián et Paul Lightfoot ont donné à
la compagnie une touche moderne et le cinquantième anniversaire a été célébré avec Limb’s
Theorem de William Forsythe.
Des directeurs tels Sonia Arova, dans les années 1960, Anne Borg, dans les années 197080, Dinna Bjørn depuis 1990 jusqu’à 2002, lorsque le Norvégien Espen Giljane en a pris la
direction, ont formé une compagnie capable
d’aborder également les grands classiques.
Cette fois, nous avons vu Le Lac des cygnes,
représenté pour la première fois à Oslo en 1967
et donnée jusqu’en 1997 dans la version signée
par Anna-Marie Holmes. La compagnie se compose de 54 danseurs seulement, mais la qualité
est d’un niveau élevé. Dans le rôle de la Princesse-Cygne dansait l’invitée lituanienne Jurgita
Dronina. Un cygne ravissant et délicat. Petite
de taille, mais possédant une qualité de danse à
la fois forte et poétique, une technique souple
et musicale. Dirk Weysershausen a été un prince
beau et sûr de lui, alors que dans le rôle du
bouffon le Japonais Gakuro Matsui, à la technique éblouissante, a été très cocasse. Autour
d’eux, nous avons vu une compagnie précise
et dynamique, qui a fait de ce Lac traditionnel
une expérience émouvante.
Erik Aschengreen
gese ha sempre spaziato dal balletto classico
alla danza moderna internazionale, dando anche opportunità al contemporaneo “di casa”.
Una pietra miliare per la compagnia è stato
The Tempest di Glen Teltey che dal 1980 e
per i successivi vent’anni è stato il suo marchio di fabbrica. Le strette collaborazioni con
Jirí Kylián e Paul Lightfoot hanno dato poi
alla compagnia un tocco moderno e il cinquantesimo anniversario è stato celebrato con Limb’s
Theorem di William Forsythe.
Direttori artistici come Sonia Arova, negli
anni Sessanta, Anne Borg, negli anni Settanta
e Ottanta, Dinna Bjørn dal 1990 al 2002, quando
ne ha assunto la direzione il norvegese Espen
Giljane, hanno formato una compagnia capace
anche di affrontare i grandi classici.
Stavolta abbiamo visto Il Lago dei cigni,
rappresentato per la prima volta a Oslo nel
1967 e fino al 1997 nella versione firmata da
Anna-Marie Holmes. La compagnia è composta da soli 54 danzatori, ma la qualità è di
alto livello. Nel ruolo della Principessa-Cigno
danzava l’ospite lituana Jurgita Dronina. Un
cigno bellissimo e delicato. Piccola di statura, ma con una qualità di danza al tempo stesso poetica e autorevole, una tecnica morbida
e musicale. Dirk Weysershausen è stato un
principe bello e sicuro, mentre nel ruolo del
giullare il giapponese Gakuro Matsui, dalla
tecnica abbagliante, è stato assai spassoso.
Intorno a loro abbiamo visto una compagnia
precisa e presente in scena, che ha fatto di
questo Lago tradizionale un’esperienza emozionante.
Erik Aschengreen
Anastasia Kolegova, Richard Suttie
– Norwegian National Ballet:
“Swan Lake” (ph. J. Wiesner)
59
international repertoire, while providing
modern Norwegian choreographers with
opportunities. An early milestone was Glen
Tetley’s The Tempest in 1980 which
became the company’s trademark for the
next twenty years. Close associations with
Jirí Kylián and Paul Lightfoot have given
the company a modern touch and the 50 th
anniversary in the autumn of 1958 was
celebrated with the William Forsythe’s
Limbs Theorem.
Artistic directors such as Sonia Arova
in the 1960’s, Anne Borg twice in the
1970’s and 1980’s, Dinna Bjørn over 12
years from 1990 and until 2002 when the
Norwegian Espen Giljane took over, have
developed a company able also to dance
the great classical ballets. This time I saw
a Swan Lake, first performed in Oslo in
1967 and since 1997, in the Anna-Marie
Holmes’ mise en scène. The company does
not possess more than 54 dancers, but the
quality is on a high level. Guest Jurgita
Dronina from Lithuania danced as the Swan
Princess. A beautiful, fragile swan. Petite
but with both poetry and authority in her
dance, together with a remarkable, soft and
musical technique. Dirk Weysershausen
was a solid and handsome prince, while
the Japanese Gakuro Matsui, with his
dazzling technique, was most entertaining
as the Jester. Around them, a company with
stage presence and precision: which makes
even a traditional Swan Lake an experience
that goes directly to the soul.
Erik Aschengreen
M u l t i M ed i a
Web
Web
Web
Cuba contemporaine
Cuba contemporanea
Contemporary Cuba
Organisé par la compagnie cubaine de danse
contemporaine Retazos, dirigée par Isabel Bustos
(www.retazos.cult.cu), le XIVe “Encuentro
Internacional de Danza en Paisajes Urbanos la
Havana Vieja: Ciudad en Movimiento” s’est
déroulé en avril dernier. Des boulevards, de petites rues et des places ont accueilli pendant toute
la journée des spectacles de danse contemporaine, avec des artistes et des compagnies provenant d’Argentine, Brésil, Bolivie, Canada,
Colombie, Chili, Equateur, Mexique, Venezuela,
Espagne, France, Finlande et même des USA
(Luisa Inés García), outre des groupes de folklore, capoeira et tango provenant de diverses provinces cubaines.
Pour avoir des informations en vue des éditions futures, on peut écrire à
[email protected].
Et
sur
www.Myspace.com on peut voir quelques extraits de danse (et musique) de l’édition 2008.
Toujours concernant Cuba, sur
www.proart.com.mx/escuelanacionaldeballetcub,
site de l’Escuela Nacional de Ballet, on peut aller à la découverte du siège grandiose de cette
école avec toutes ses activités, alors que sur
www.cubamagica.com, on peut trouver des informations sur le récent XVIe “Encuentro
Internacional de Academias para la Enseñanza
del Ballet”, un concours national qui a eu lieu
en avril dernier au Teatro Mella de La Havane
en hommage à Ramona De Saa, directrice de
l’école cubaine et pédagogue très réputée. L’année
prochaine, se déroulera l’édition internationale,
ce qui sera une occasion pour confronter les
méthodes d’enseignement de la danse classique.
Sur www.cubadance.org on peut trouver un
programme de toutes les activités de danse les
plus intéressantes qui se passent dans la capitale
cubaine, mais aussi dans d’autres localités de
l’île. Sur www.havana-cultura.com, on découvre l’aspect contemporain de la danse cubaine
avec Miguel Iglesias, directeur de la plus grande
compagnie nationale moderne du pays, grâce aussi
à d’excellentes vidéos. Quelque 60 extraits du
répertoire du Ballet Nacional de Cuba sont visible sur YouTube, dans l’attente qu’un fragment
quelconque concernant Yolanda Correa soit disponible: brillantissime, exceptionnelle Aurore dans
La Belle au bois dormant, en avril dernier au
Gran Teatro de La Havane.
Organizzato dalla compagnia cubana di danza contemporanea Retazos, diretta da Isabel
Bustos (www.retazos.cult.cu), nell’aprile scorso
si è svolto il XIV “Encuentro Internacional
de Danza en Paisajes Urbanos la Havana Vieja:
Ciudad en Movimiento”. Cortili, strade e piazze
hanno ospitato a tutte le ore schegge di danza
contemporanea dall’Argentina, Brasile, Bolivia, Canada, Colombia, Cile, Ecuador, Messico, Venezuela, Spagna, Francia, Finlandia
e persino USA (Luisa Inés García), oltre ai
gruppi di folklore, capoeira, e anche tango delle
varie provincie cubane.
Per contatti in vista delle future edizioni si
può scrivere a [email protected]. E su
www.Myspace.com si può vedere qualche
estratto di danza (e musica) dell’edizione 2008.
Restando a Cuba, su www.proart.com.mx/
escuelanacionaldeballetcub, sito della Escuela
Nacional de Ballet, si può scoprire la grandiosa sede della scuola con tutte le sue attività curriculari, mentre su www.cubamagica.com
si possono trovare le informazioni sul recente
XVI “Encuentro Internacional de Academias
para la Enseñanza del Ballet”, concorso nazionale tenuto lo scorso aprile al Teatro Mella
all’Avana in onore di Ramona De Saa, direttrice della scuola nazionale cubana e pedagoga
famosa. L’anno prossimo si svolgerà l’edizione
internazionale, come confronto di metodi di
insegnamento della danza classica.
Su www.cubadance.org si può trovare invece il programma di tutte le attività di danza
più interessanti a cui accedere non solo nella
capitale cubana, ma anche in altre località. Su
www.havana-cultura.com si scopre il volto della
danza contemporanea cubana con Miguel
Iglesias, direttore della maggiore compagnia
nazionale moderna, anche attraverso ottimi
video. Altri 60 brani relativi al repertorio del
Ballet Nacional de Cuba si possono visionare
su YouTube. Da tenere d’occhio, quando apparirà, qualsiasi frammento che riguardi
Yolanda Correa: brillantissima, eccezionale Aurora in Bella addormentata nelle recite dello
scorso aprile al Gran Teatro dell’Avana.
Organized by the Cuban contemporary
dance company Retazo, directed by Isabel
Bustos (www.retazos.cult.cu) the 14 th
“Encuentro Internacional de Danza en
Paisajes Urbanos la Havana Vieja: Ciudad
en Movimiento” was presented last April.
All day long, performances of contemporary dance took place in the courtyards,
streets and squares of old Havana, featuring artists and companies from Argentina, Brazil, Bolivia, Canada, Colombia,
Chile, Ecuador, Mexico, Venezuela,
Spain, France, Finland and even the USA
(Luisa Inés Gracia), as well as folkloric,
tango and capoeira troupes from the various provinces of Cuba. To make contact
regarding future seasons you may write
to [email protected]. And excerpts
of dance and music from the 2008 edition can be viewed at www.Myspace.com.
Staying in Cuba, on www.proart.com/
mx/escuelanacionaldeballetcub, the site
of the National Ballet School, you can
discover the magnificent headquarters of
the school and all its activities. And on
www.cubamagica.com, you’ll find information on the recent 14 th “Encuentro
Internacional de Academia para la
Enseñanza del Ballet”, a national competition held last April at the Teatro Mella,
Havana, in honour of Ramona De Saa,
renowned teacher and director of the Cuban National Ballet School. Next year will
be the international edition, which will
provide an opportunity to compare methods and aesthetics.
On www.cubadance.org you can find
programmes of all the interesting dance
events, not only in the Cuban capital but
in other locations as well. On
www.havanacultura.com you will discover, thanks to the excellent videos, the
face of contemporary Cuban dance with
Miguel Iglesias, director of the largest
national modern dance company. Plus it
includes some excellent videos. It is now
possible to watch 60 excerpts from the
repertory of the Ballet Nacional de Cuba,
including a brief clip of Yolanda Correa
as a brilliant Aurora in The Sleeping
Beauty last April at the Gran Teatro.
20 $, click, et tu es ami de Chris
Il a tout juste 36 ans mais il est depuis longtemps déjà l’un des chorégraphes les plus en
vue et de plus grand succès de la danse contemporaine qui compte: l’Anglais Chistopher
Wheeldon est – opinion largement partagée –
le jeune chorégraphe-star de ce début de troisième millénaire.
20 $, click, e sei amico di
Wheeldon
Ha appena 36 anni ma è già da tempo uno
dei coreografi più in vista e di maggior successo della danza contemporanea che conta:
l’inglese Chistopher Wheeldon è, per opinione largamente condivisa, il giovane coreografostar di quest’inizio di terzo millennio.
È stato “coreografo stabile” del New York
City Ballet dal 2001 al 2008; ha firmato numerose creazioni per il Royal Ballet di Londra, ma ha creato pure per il San Francisco
61
20 $, a click, and you’re a
Chris’ Friend
Though he is only 36 years old, he is
already one of the most prominent and
successful choreographers on the contemporary dance scene: England’s Christopher
Wheeldon is – in a widely-shared opin-
Il a été “chorégraphe résident” du New York
City Ballet de 2001 à 2008; il a signé de nombreuses créations pour le Royal Ballet de Londres, mais il a créé également pour le San Francisco Ballet, le Boston Ballet et diverses
compagnies des États-Unis, outre le Ballet
Royal Danois (The Wanderers), le Ballet de
Hambourg (VIII) et le Ballet du Théâtre Bolchoï
de Moscou (Misericors, rebaptisé ensuite
Elsinore). Broadway n’a pas manqué de lui
faire la cour, de même que le monde étincelant du cinéma: il a signé en effet les chorégraphies (à vrai dire pas toutes à la mesure de
sa réputation) du film Center Stage qui raconte les aventures artistiques et sentimentales d’une école de danse, genre School of
American Ballet.
Aujourd’hui, il est à la tête d’une compagnie personnelle, “The Morphoses”, en un
certain sens “transocéanique”, car elle réside
à la fois au City Center de New York et au
Sadler’s Wells Theatre de Londres. Pour en
savoir davantage sur cette troupe (attendue en
juillet au Festival de Spolète) et sur le travail
de Wheeldon, on peut visiter le site
www.morphoses.org.
Dans ces pages web, peu attirantes d’un point
de vue graphique, on trouve l’histoire de The
Morphoses, dont le nom est tiré d’une pièce
créée par Wheeldon en 2002 pour le New York
City Ballet; il y a encore la liste des danseurs
avec photo et fiche personnelle (nombre d’entre
eux sont des artistes du NYCB ou d’autres
compagnies) et le calendrier des spectacles de
la saison, mais aussi des auditions et des soirées mondaines. Les titres qui composent le
répertoire de The Morphoses montrent qu’il
s’agit d’une “compagnie d’auteur” sui generis: hormis les pièces de Wheeldon, y figurent en effet des ballets de plusieurs autres
chorégraphes: de George Balanchine à
Frederick Ashton, jusqu’aux contemporains:
William Forsythe, Michael Clark, Paul
Lightfoot… Une autre page donne la liste de
toutes les pièces de Wheeldon avec les génériques, depuis 1991 jusqu’à aujourd’hui. On
trouve aussi une série de photo galleries, des
vidéos de répétitions, spectacles et interviews
et la revue de presse des deux dernières années.
Pour devenir un “ami” de The Morphoses,
il suffit de s’inscrire et de payer une cotisation de $20.00 par saison: on a ainsi priorité
pour obtenir les places les meilleures aux spectacles et pour les répétitions ouvertes au public, de même que la possibilité de participer
à des fêtes avec les artistes de la compagnie
(qui, à en juger d’après les nombreuses et joyeuses photos des réceptions, s’amusent vraiment!).
Cristiano Merlo
DVD
The Sleeping Beauty – chor. Marius Petipa (Konstantin Sergueev), mus. Piotr I.
Tchaïkovsky, int. Irina Kolpakova, Sergueï
Berezhnoï, The Kirov Ballet – Kultur
Dans le dernier numéro de Ballet2000 nous
avons rendu compte d’une vidéo de 1965 de
Ballet, per il Boston Ballet e diverse altre compagnie statunitensi, oltre al Balletto Reale
Danese (The Wanderers), al Balletto di
Amburgo (VIII) e al Balletto del Teatro Bolshoi
di Mosca (Misericors, poi ribattezzato
Elsinore). Anche Broadway gli ha fatto la corte
e così pure il mondo scintillante del cinema:
sue sono le coreografie (magari non proprio
tutte degne di nota) del film Center Stage (in
Italia è conosciuto con il titolo Il ritmo del
successo) che racconta le avventure artistiche
e sentimentali di una fittizia scuola di ballo,
del genere School of American Ballet.
Oggi è alla testa di una propria compagnia,
“The Morphoses”, in un certo modo
“transoceanica”, dato che ha sede contemporaneamente al City Center di New York e al
Sadler’s Wells Theatre di Londra. Per sapere
qualcosa di più su questo gruppo (atteso in
luglio al Festival di Spoleto) e sul lavoro di
Wheeldon si può visitare il sito
www.morphoses.org.
In queste pagine web, non troppo accattivanti
dal punto di vista grafico, si trova la storia
della Morphoses, il cui nome deriva da un pezzo
di successo creato da Wheeldon nel 2002 per
il New York City Ballet; e ancora, l’elenco
dei danzatori con foto e scheda personale (molti
sono artisti del NYCB o di altre compagnie)
e il calendario con gli spettacoli della stagione, ma anche le audizioni e gli eventi mondani. I titoli che compongono il repertorio della
Morphoses, elencati in un’apposita voce, mostrano che si tratta, in verità, di una “compagnia d’autore” sui generis: oltre ai lavori di
Wheeldon figurano infatti balletti di diversi
altri coreografi: da Balanchine a Ashton, ai
contemporanei: William Forsythe, Michael
Clark, Paul Lightfoot… Un’altra pagina elenca
poi tutti i lavori di Wheeldon, completi di
credits, dal 1991 a oggi. Sono inoltre disponibili una serie di photo galleries, video con
prove, spettacoli e interviste e la rassegna stampa degli ultimi due anni.
Per diventare un “amico” della Morphoses
bastano 20 dollari a stagione e si ha la possibilità di avere la priorità per i posti migliori
agli spettacoli e per le prove aperte al pubblico e di partecipare a feste con gli artisti della
compagnia (che, a giudicare dalle numerose
e baldanzose fotografie dei ricevimenti, si divertono davvero!).
Cristiano Merlo
ion – the young stellar choreographer of
the beginning of the third millennium.
He was resident choreographer of New
York City Ballet from 2001 to 2008; he
has created several works for London’s
Royal Ballet and also for the San Francisco
Ballet, the Boston Ballet and several other
US Companies, as well as for the Royal
Danish Ballet (The Wanderers), the Hamburg Ballet (VIII) and the Bolshoi Ballet
(Misericors, renamed Elsinore). His works
have also been seen on Broadway and in
the glittering world of the cinema, in the
movie Center Stage that tells the story of
a school of dance, much like the School of
the American Ballet.
Today he is the head of his own company “The Morphoses”, in some sense a
“transoceanic” troupe as it has homes at
both City Center in New York and at
Christopher Wheeldon –
The Morphoses
(studio, ph. Schulman Brothers)
La Belle au bois dormant avec le Ballet du
Théâtre Kirov de Leningrad, que Kultur a diffusé maintenant sur DVD. Cette même maison d’édition a sorti en DVD une autre vidéo
historique, toujours de La Belle, toujours avec
le Kirov, mais dans un enregistrement de 1982.
Il ne s’agit pas d’un film, comme c’était le
cas pour la vidéo de 1965, mais d’une reprise
live, qui restitue donc la chorégraphie de ce
chef-d’œuvre de Marius Petipa dans la version (qui porte la griffe de Konstantin Sergueev)
la plus authentique aujourd’hui encore représentée. Elle est en effet le résultat d’une “tradition” et d’un “processus d’accumulation”
internes au Théâtre Mariinsky(/Kirov) de SaintPétersbourg (/Leningrad), où le ballet fut créé
en 1890.
L’étoile de cette vidéo est une Irina
Kolpakova âgée de presque cinquante ans, qui
néanmoins irradie la scène d’une fraîcheur
juvénile et inspirée, d’une candeur et d’une
grâce quasi enfantines, provenant – paradoxalement – d’une maturité artistique accomplie. Et sa timidité technique, comme la discrétion dans les aplombs de l’«Adage à la Rose»
Non si tratta di un film come nel caso del
video del 1965, ma di una ripresa dal vivo,
che restituisce dunque la coreografia di questo capolavoro di Marius Petipa nella versione (che porta la firma di Kostantin
Sergheyev) più attendibile e autentica
ancor’oggi rappresentata, frutto di una “tradizione” e di un “processo di accumulazione” interni al Teatro Mariinsky(/Kirov) di
San Pietroburgo(/Leningrado), dove il balletto è stato creato nel 1890.
La protagonista-star di questo video è una
Irina Kolpakova quasi cinquantenne, che nondimeno irradia la scena di una freschezza
gioviale e ispirata, di un candore e di una
grazia quasi fanciulleschi, derivanti, paradossalmente, da una maturità artistica compiuta. E non si creda che la timidezza tecnica, come la discrezione negli aplombs
dell’“Adagio della Rosa” (dove la Kolpakova
osa meno di quanto forse taluni si attenderebbero), sia dovuta tanto all’età, quanto piuttosto – ci pare – alla ricerca di una raffinatezza stilistica e di una soavità di forme e
linee che, per fortuna, rifugge soprattutto il
Sadler’s Wells Theatre in London. To find
out more about the group (appearing in July
at the Spoleto Festival) and on Wheeldon’s
work you can visit www.morphoses.org.
Though not attractive from a graphic point
of view, the website contains a history of
Morphoses (the name derives from a successful piece Wheeldon created in 2002 for
New York City Ballet), as well as a list of
dancers with photos and personal details
(many are members of NYCB or other companies) and calendar of events, including
the season’s offerings and auditions. Listed
under a separate heading, the titles that make
up the repertory of Morphoses show that
it is indeed an unusual “signature company”:
in addition to works by Wheeldon, we find
ballets by various other choreographers,
from Balanchine to Ashton and contemporaries such as William Forsythe, Michael
Clark and Paul Lightfoot. Another page lists
all of Wheeldon’s production, complete with
credits, from 1991 to date. There are also
a number of photo galleries, videos of rehearsals, interviews and a press digest from
the last two years.
It costs just $20.00 (USD) per season to
become a “friend” of Morphoses which
gives you priority to the best seats for performances, invitations to open rehearsals
and social events with the artists of the company (which, judging from the numerous
photographs are a good deal of fun!).
Cristiano Merlo
DVD
The Sleeping Beauty – cor. Marius Petipa
(Konstantin Sergheyev), mus. Piotr I.
Ciaikovsky, int. Irina Kolpakova, Serghei
Berezhnoi, The Kirov Ballet – Kultur
Sullo scorso numero di BallettoOggi abbiamo
recensito un video del 1965 della Bella addormentata con l’allora Balletto del Teatro
Kirov di Leningrado, che la Kultur ha ora riversato su DVD. Questa stessa casa editrice
ha messo in commercio su DVD anche un altro storico video da collezione, sempre della
Bella, sempre con il Kirov, ma in una registrazione del 1982.
62
DVD
The Sleeping Beauty – chor. Marius
Petipa (Konstantin Sergheyev), mus. Pyotr
I. Tchaikovsky, int. Irina Kolpakova,
63
Evghenia Obrastzova –
Balletto dell’Opera di
Roma: “Cenerentola”,
c. Alfredo Rodríguez/
Carla Fracci
(où Kolpakova peut sembler peu audacieuse),
est due moins à l’âge qu’à la recherche d’un
raffinement de style et d’une suavité des formes et des lignes refusant l’étalage d’une technicité grossière.
À ses côtés, Sergueï Berezhnoï est un prince
aux lignes, pieds, attitude et jeu de vrai danseur noble, mais qui techniquement laisse perplexe le spectateur d’aujourd’hui, habitué à bien
d’autres prodiges et à tout autre “netteté”.
Netteté qui, par contre, du côté féminin de
la compagnie n’a jamais manqué, étant au contraire sa marque de fabrique: et il suffit d’observer les variations des fées et le corps de ballet au second acte pour avoir une autre
démonstration de la précision, de la rigueur et
de la pureté esthétique de ces danseuses.
À remarquer ensuite dans le rôle-pantomime
de Carabosse, Vladimir Lopoukhov travesti:
grimace sardonique et gestuelle histrionique dans
la meilleure tradition du grotesque romantique.
Cristiano Merlo
Ballerina – un film de Bertrand Normand
– Floris Films
L’icône de la Ballerine – celle de la tradition “classico-romantique”, sur pointes et
en tutu, qu’il soit long ou plat, ailettes de
tecnicismo grezzo e ostentato.
Accanto a lei, Serghei Berezhnoi è un principe con linee, piedi, portamento e jeu da vero
danseur noble, ma tecnicamente lascerà perplesso lo spettatore d’oggi, abituato a ben altri
prodigi e a ben altra “pulizia”.
Pulizia che invece sul versante femminile
della compagnia non è mai mancata, essendone anzi il marchio di fabbrica: e basta osservare le variazioni delle fate e la prova del
corpo di ballo nel second’atto per avere ulteriore dimostrazione della precisione, del rigore e della purezza estetica delle sue ballerine.
Da notare poi nel ruolo pantomimico di
Carabosse, Vladimir Lopukhov en travesti:
ghigno sardonico e gestualità istrionesca nella
migliore tradizione del grottesco romantico.
Cristiano Merlo
Ballerina – un film di Bertrand Normand –
Floris Films (in francese)
L’icona della Ballerina – “classico-romantica” s’intende, quella in punta e tutù, lungo
o a ruota che sia, alette a mo’ di silfide o
coroncina in stile Bella addormentata – aleggia
come uno spettro evanescente e inafferrabile nell’immaginario di ogni ballettomane, di
64
Serghei Berezhnoi, The Kirov Ballet –
Kultur
In the last issue of Ballet2000 we reviewed the video of The Kirov Ballet’s
1965 Sleeping Beauty which was released
by Kultur on DVD. The same label has
now another historic video on DVD, a true
collector’s item, again of Sleeping Beauty,
again by the Kirov, but of a 1982 recording.
Unlike the 1965 video, this was not produced in a studio but is the recording of
a live performance which shows us
Kostantin Sergheyev’s version, after
Marius Petipa, which is the most authentic
and reliable version of Beauty still being presented, the result of a “tradition”
and “accumulation process” within the
Mariinsky Theatre (Kirov) of St.
Petersburg (Leningrad), where the ballet
was created in 1890.
The star of the video is the nearly 50year-old Irina Kolpakova, who nonetheless illuminates the stage with youthful
and fresh inspiration; a pure and almost
childlike grace, resulting, paradoxically,
from her artistic maturity. And don’t think
that her technical timidity, as in the understated aplombs of the “Rose Adagio”
(where Kolpakova dares less than might
be expected), is due to age – but rather,
we believe to a refinement of style and a
suavity of form and line that, fortunately,
shuns crude technical ostentation.
Partnering her, Sergei Berezhnoi is a
prince with the line, bearing and jeu of a
true danseur noble; though technicallyspeaking he will leave today’s viewer,
used to more sensational prodigies and
“cleaner” styles, somewhat perplexed.
A “clean” style can be found, however,
on the female side of the ensemble where
it has never been lacking, in fact it is the
company’s trademark: and it suffices to
watch the Fairies’ Variations and the work
of the corps de ballet in the second act
for a demonstration of the precision, rigour and aesthetic purity of its female dancers.
Of note, in the pantomime role of
Carabosse, Vladmir Lopukhov en travesti:
all sardonic sneers and theatrical gestures
in the best grotesque Romantic tradition.
Cristiano Merlo
Ballerina – a film by Bertrand Normand
– Floris Films (in French)
The iconic image of the Ballerina – that
of the classic Romantic tradition, on
pointes and in a tutu, long or short,
winged in the style of a Sylphide or
crowned as in The Sleeping Beauty –
style Sylphide ou avec couronne comme dans
La Belle au bois dormant – flotte comme
un spectre évanescent et insaisissable dans
l’imaginaire de tout balletomane, d’hier et
d’aujourd’hui, hanté par un idéal qui, malgré
tout, semble indémodable. Et peu importe
que le mythe de la ballerine, le plus souvent, ne persiste que dans le cadre irréel
de la scène ou dans celui impalpable de la
fantaisie, prêt à se dissoudre douloureusement au contact de la personne en chair et
en os.
Ceux qui ont le bonheur (ou le malheur)
de fréquenter les danseuses dans la vie de
tous les jours savent, en effet, qu’elle sont
souvent d’un ordinaire désarmant, peu intéressées par l’art (même le leur) et par la
culture, trop rarement entourées au quotidien de l’aura aristocratique d’une nature
“autre” et parfois tout autre que gracieuses et élégantes comme on pourrait le croire.
Nous avons dit qu’il s’agit d’un “mythe”
et il en a donc toutes les caractéristiques.
Et c’est précisément ce mythe que le cinéaste Bertrand Normand célèbre dans son
film-documentaire Ballerina. Deux ans
d’images tournées dans les salles de l’Académie Vaganova et dans les méandres labyrinthiques du Théâtre Mariinsky de SaintPétersbourg à la suite de cinq danseuses
dont on raconte le parcours artistique: Alina
Somova, que l’on voit âgée de 17 ans au
dernier cours de l’académie et ensuite lors
de ses débuts prodigieux dans Odette/Odile
sur la scène du Mariinsky à 18 ans à peine;
la rousse, et un peu coquine, Evguenia
Obrastzova, Juliette exquise qui s’enorgueillit d’une expérience d’actrice dans le
monde du cinéma; et encore les trois grandes «vedettes» d’aujourd’hui: l’exubérante
Svetlana Zakharova (avant qu’elle ne passe
ieri e di oggi, ossessionato da un ideale che,
nonostante tutto, pare intramontabile. E poco
importa che il mito della ballerina, il più delle
volte, persista solo nella cornice irreale della scena e in quella impalpabile della fantasia, pronto a dileguarsi dolorosamente al cospetto della persona in carne e ossa.
Chi abbia la (s)ventura di frequentare le
ballerine nella vita sa bene infatti che esse
sono spesso di un’ordinarietà disarmante, poco
interessate all’arte (persino alla propria) e alla
cultura, raramente avvolte nel quotidiano
dall’aura aristocratica di una natura “altra” e
talvolta perfino tutt’altro che graziose ed eleganti come si è soliti figurarsi. Abbiamo detto
che si tratta di un “mito” e ne ha dunque tutte le caratteristiche.
Ed è proprio questo mito che il regista francese Bertrand Normand celebra nel suo filmdocumentario Ballerina. Due anni di immagini girate nelle sale dell’Accademia
Vaganova e nei meandri labirintici del Teatro Mariinsky di San Pietroburgo al seguito
di cinque ballerine di cui si racconta il percorso artistico: Alina Somova, che vediamo
diciassettenne all’ultimo corso dell’accademia e poi al prodigioso debutto in Odette/
Odile sulla scena del Mariinsky a soli 18 anni;
la rossa, e un po’ birbante, Eughenia
Obrastzova, Giulietta squisita che vanta anche un’esperienza d’attrice nel mondo del
cinema; eppoi le tre grandi dive: l’esuberante Svetlana Zakharova (prima che passasse
al Teatro Bolshoi di Mosca), prototipo della
ballerina dalle gambe “six o’clock” dell’èra
post-Guillem, la più speciale Diana Vishneva,
vibrante di una dinamica briosa e “respirata” insieme, e, infine, la sublime Uliana
Lopatkina, vera incarnazione del mito. La sua
Morte del cigno nel silenzio, spiata dalla macchina da presa nel corso di una prova, è il
frammento più poetico del film.
Da non perdere, nei bonus, l’intervista
“Spettatore da 60 anni”, dove ritroviamo un
perfetto esemplare della specie antropologica del “ballettomane fanatico” (come direbbe il nostro Roger Salas) di razza russa. Si
tratta, del resto, del naturale complemento
al mito della ballerina.
C. M.
Libri
Renaissance des Ballets Russes – di Jean
Pierre Pastori – Ed. Favre (in francese)
Varie iniziative nei teatri di mezzo mondo celebrano quest’anno il centenario dei
Ballets Russes: la leggendaria compagnia
di Serge de Diaghilev debuttò infatti al
Théâtre du Châtelet di Parigi tra il maggio e il giugno del 1909, dando inizio a
una delle stagioni artistiche e mondane più
feconde e straordinarie della storia del balletto.
Anche l’editoria si unisce ai
festeggiamenti. È così che le edizioni Favre
ripropongono, in una nuova veste grafica
e in un formato più maneggevole, un libro fortunato del critico e storico svizze-
65
floats like an unassailable spectre in the
imagination of every balletomane, past
and present, who is obsessed by an ideal
which remains unattainable. And it is of
little importance that most often this myth
of the ballerina exists only in the unreal world of the stage or in the impalpable one of fantasy, ready to dissolve
itself painfully, if one comes in contact
with the reality of the dancer as flesh
and blood.
Those who have had the (mis)fortune
of knowing ballerinas in everyday life
are aware that often they are disarmingly
ordinary, with little interest in art (even
their own) and culture, very rarely in
daily life possessing an aristocratic aura
or an elegant demeanour as is often
thought. As we have said she is but a
myth, with all the traits of one.
And it is precisely this myth that is
celebrated in Ballerina, a documentary
by the film director Bertrand Normand.
For two years he filmed in the halls of
the Vaganova Academy and in the labyrinth of the Mariinsky Theatre in St
Petersburg, following the artistic journey of five dancers. These include the
then 17-year-old Alina Somova, during
her last year at the academy and then in
her phenomenal début, at scarcely 18,
as Odette/Odile on stage at the
Mariinsky. The redheaded and slightly
mischievous Eugenia Obraztsova, an exquisite Juliet, who can also boast experience as a film actress. And then the
three “divas”: the exuberant Svetlana
Zakaharova (before her move to the
Bolshoi), prototype of the post-Guillem
era ballerina with “six o’clock” legs; the
more special Diana Vishneva, vibrant and
full of brilliance; and finally the sublime Uliana Lopatkina, the true incarnation of the myth. Her Dying Swan
danced to silence, captured by the camera during a rehearsal, is the most poetic fragment in the film.
And not to be missed, amongst the bonus features, is “Spectator for 60 years”,
an interview with the perfect anthropological example of the “fanatical
balletomane” (as our Roger Salas would
say) of the Russian species. It is, after
all, a natural complement to ballerina
myth.
C. M.
Books
Renaissance des Ballets Russes – by
Jean Pierre Pastori – Ed. Favre ( i n
French)
Celebrations are taking place around
the world to celebrate this year’s centenary of the Ballets Russes. Serge
Diaghilev’s legendary company debuted
at the Théâtre du Châtelet de Paris between May and June of 1909, thereby
initiating one of the most productive and
au Théâtre Bolchoï de Moscou), prototype
de la ballerine aux jambes “six o’clock” de
l’époque post-Guillem, la plus spéciale Diana
Vishneva, vibrante d’une dynamique tout en
ampleur et pleine de brio à la fois, et, finalement, la sublime Ouliana Lopatkina, véritable incarnation du mythe. Sa Mort du cygne
dans le silence, guettée par la caméra lors d’une
répétition, est le fragment le plus poétique du
film.
À ne pas manquer, parmi les bonus, l’interview “Spectateur depuis 60 ans”, où
l’on retrouve un parfait exemplaire de l’espèce anthropologique du “balletomane fanatique” (comme le dirait notre Roger
Salas) de race russe. Il s’agit, du reste,
du complément naturel et nécessaire au
mythe de la ballerine.
C.M.
Livres
Renaissance des Ballets Russes – par Jean
Pierre Pastori – Ed. Favre
Diverses initiatives dans les théâtres du
monde entier célèbrent cette année le centenaire des Ballets Russes: la légendaire
compagnie de Serge de Diaghilev débuta
en effet au Théâtre du Châtelet de Paris
le 19 mai de 1909, déclenchant l’une des
saisons artistiques et mondaines les plus
fécondes et les plus extraordinaires de
l’histoire de la danse.
Les maisons d’édition, elles aussi,
s’unissent à ces célébrations. Il en est ainsi
de Favre qui propose à nouveau, dans une
nouvelle présentation typographique et
dans un format plus maniable, un livre
heureux du critique et historien suisse de
la danse Jean Pierre Pastori: Renaissance
des Ballets Russes.
Pastori se concentre ici sur un moment
précis de l’histoire de la compagnie correspondant au début de la Première Guerre
Mondiale. Cinq ans se sont écoulés des
fameux débuts dans la “Ville Lumière”;
la compagnie, toute auréolée des scandales suscités par L’Après-midi d’un faune
et Le Sacre du printemps, est au sommet
de sa gloire; elle s’est produite aussi à
Londres, Berlin, Monte-Carlo… se révélant dans toute sa vitalité. Mais la déclaration de guerre arrête le déploiement de
ses fastes. Diaghilev alors, plus volitif
que jamais, installé dans l’oasis de paix
de la Suisse, tente le tout pour le tout pour
remettre sur pied sa compagnie.
C’est la phase historique de la “renaissance” des Ballets Russes, que la narration agile et rythmée de Pastori rend fort
fascinante. Un voyage aventureux, émaillé
de citations épistolaires et d’autres écrits
des artistes et collaborateurs de la compagnie, révélateur de l’esprit entreprenant
et sagace, du flair artistique et managérial
vraiment stupéfiant de Diaghilev, le seul
mythique deus ex machina des Ballets
Russes.
Cristiano Merlo
ro della danza Jean Pierre Pastori:
Renaissance des Ballets Russes.
Jean-Pierre Pastori si concentra qui su
un momento preciso della storia della compagnia che corrisponde con lo scoppio della
Grande Guerra. Sono ormai passati cinque anni dal famoso debutto nella “Ville
Lumière”; la compagnia, alquanto chiacchierata per gli scandali suscitati dal Sacre du printemps e dall’Après-midi d’un
faune, è all’apice della sua gloria; si è esibita a Londra, Berlino, Monte-Carlo… rivelandosi in tutta la sua dirompente vitalità. Ma la dichiarazione di guerra arresta
il dispiegamento dei suoi fasti. Diaghilev
allora, più volitivo che mai, rifugiatosi nell’oasi di pace della Svizzera, tenta il tutto per tutto per rimettere in piedi la sua
compagnia.
È questa la fase storica della “rinascita” dei Ballets Russes, che la narrazione
agile e ritmata di Pastori rende assai avvincente. Un viaggio avventuroso, infarcito
di citazioni dagli epistolari e da altri scritti
degli artisti e collaboratori della compagnia, che rivela lo spirito invero intraprendente e sagace, il fiuto artistico e manageriale davvero stupefacente di Diaghilev,
il solo mitico deus ex machina dei Ballets
Russes.
Cristiano Merlo
Le danze erotiche – di Rino Capone –
Gremese
In tempi in cui i ricercatori universitari
si piccano di dare originalissime esegesi
in chiave erotica del balletto romantico,
intravvedendo nei passi a due danzati un
tempo da Carlotta Grisi e Lucien Petipa
audaci metafore di torbidi amplessi, se
d’erotismo s’ha da parlare, che se ne parli
a proposito.
Sicché bene ha fatto Rino Capone (maestro di ballo laureato in storia e filosofia) a proporre con questo libro un’analisi sociologica e tecnico-stilistica delle
danze erotiche che impazzano oggi dai
nightclub alla televisione. Senza alcuna
spocchiosa supponenza accademica ma,
al contrario, con quello spirito intelligentemente ironico di chi non si prende
troppo sul serio, ci conduce in un viaggio più affascinante del previsto: dalla
danza del ventre ai nomi celebri delle
cancaneuses della Parigi notturna, dagli spettacoli del Crazy Horse al gusto
porno-soft dei videoclips musicali, agli
irresistibili bagni in gigantesche coppe
di champagne di Dita Von Teese, icona
fascinosissima e sofisticata del newburlesque.
Il libro interesserà soprattutto gli esperti di fenomeni di costume e i sociologi,
ma ne consigliamo la lettura anche agli
storici della danza dei nostri atenei, purché poi – di grazia – non vengano a raccontarci in uno dei loro eruditissimi saggi che il pas de l’abeille della Péri è
l’antenato ottocentesco della lap-dance!
C. M.
66
extraordinary seasons in the history of
ballet.
Publishers are also taking part in the
celebrations. In this case Favre has republished, with a new design and in a
more manageable format, a book by the
Swiss critic and historian Jean Pierre
Pastori: Renaissance des Ballets Russes
(“Rebirth of the Ballets Russes”).
Pastori focuses on a precise moment in
the company’s history that corresponds
with the outbreak of the Great War. It is
five years since the fabled début in “the
City of Lights”; the company, much talked
about for the scandals of L’Après-midi
d’un faune and Le Sacre du printemps
(“The Rite of Spring”), is at the peak of
its glory. Appearances in London, Berlin, Monte Carlo have revealed the troupe
in all its explosive vitality. But the declaration of war halts its triumph.
Diaghilev, more strong-willed than ever,
from his refuge in Switzerland made an
all-out effort to get his company back on
its feet.
This is the history of the “rebirth” of
the Ballets Russes, and Pastori’s agile and
rhythmic narration makes it extremely fascinating. It is an adventurous journey,
filled with quotes from letters and other
writings of artists and collaborators of the
company. It reveals the artistic flair, enterprising spirit and shrewd managerial
skills of Diaghilev, the one and only
mythical deus ex machina of the Ballets
Russses.
C. M.
programmes • programmi • calendar • programmes TV programmi • calendar • programmes • programmi
ARTE
www.arte.com
19. VII: Spécial Avignon: Maguy Marin
(docum.), Israel Galván (docum.)
Classica
www.classica.tv
1, 4, 12, 16, 21. VII: La morte e la fanciulla
– c. Maguy Marin; Danza in scena: Popopera
– c. Emio Greco (docum.)
2, 7. VII: La Bella addormentata – c. Rudolf
Nureyev – Balletto dell’Opéra di Parigi
3, 5, 9, 14. VII: Il lago dei cigni – c. Matthew
Bourne – New Adventures
6, 8, 11, 17, 23, 28. VII: Lo Schiaccianoci –
c. Patrice Bart
13, 15, 18, 24, 30.VII, 4. VIII: Il Kirov celebra Nijinsky
16, 19, 31. VII, 12. VIII: About Bill T. Jones:
L’Homme qui danse (docum.)
20, 22, 31. VII, 2, 6, 11. VIII: Solo – c.
Michelle Noiret; Distanza di sicurezza – c.
Enzo Procopio; Alicia en el país de las
maravillas – III atto (docum.)
27, 29. VII, 1, 7, 9, 13, 18. VIII: Romeo e
Giulietta – c. Leonid Lavrovsky – Balletto
Kirov del Teatro Mariinsky di San Pietroburgo
3, 5, 8, 14, 16, 20, 25. VIII: M’encanta; La
lezione; Cinquecentosei – Viaggio intorno
al Toti – c. Emanuela Tagliavia
10, 12, 15, 21, 23, 27. VIII: Gala Ciaikovsky;
Danza in scena: Sollima-Zappalà (docum.)
17, 19, 22, 28, 30. VIII: Il Corsaro – c. Kostantin
Sergheyev
24, 26, 29. VIII: Passacaille – c. Roland
Petit; Danza in scena: Colazione com Jin
Xing (docum.)
31. VIII: La Fille du Pharaon – c. Pierre
Lacotte – Balletto del Teatro Bolshoi di Mosca
Mezzo
www.mezzo.tv
5, 13, 27. VII: Don Quichotte – c. Rudolf
Noureev – Ballet de l’Opéra de Paris; Le
Tutu: une legende de la danse “La naissance
du tutu romantique” (docum.)
6. VII: Serge Lifar Musagète (un film de
Dominique Delouche); Patrick Dupon, un
défi (film)
12, 20. VII: La Belle – c. Jean-Christophe
Maillot – Les Ballets de Monte-Carlo;
Miniatures – c. Jean-Christophe Maillot –
Les Ballets de Monte-Carlo
19, 27. VII: Raymonda – c. Youri Grigorovitch
– Ballet du Bolchoï (int. Natalia Bessmertnova)
26. VII, 3. VIII: La Bayadère – c. Natalia
Makarova – Ballet de La Scala, Milan;
Svetlana Zakharova, tsarine de la danse
(docum.)
2. VIII: Giselle – c. Marcia Haydée – Stuttgart
Ballet; Spartacus – c. Youri Grigorovitch –
Ballet du Bolchoï
8. VIII: Prix de Lausanne 2009
16. VIII: Cher Ulysse; Des gens qui dansent
– c. Jean-Claude Gallotta; Wild; Le verbe
et le temps – c. Karine Saporta
23, 31. VIII: Schubert in Love; Mozart
Requiem – c. Jean-Charles Gil – Ballet
d’Europe; Don Juan vu d’ailleurs; Don Juan
par Thierry Malandain (docum.)
Sky Arts
www.skyprogrammeinformation.co.uk
7, 11, 12. VII: Sylvia – c. John Neumeier –
Ballet de l’Opéra de Paris
17, 23. VII, 4, 7. VIII: Pas perdus (docum.)
28, 29. VII: Sleeping Beauty – c. Marcia
Haydée – Stuttgart Ballet; Swan Lake –
c. Matthew Bourne – New Adventures
Company
29. VII: A Midsummer Night’s Dream – c.
Heinz Spoerli – Ballett der Deutschen Oper
am Rhein
Svetlana Zakharova – Balletto del Teatro alla Scala: “Il Lago dei Cigni” – c. Vladimir Bourmeister (ph. M. Brescia)
68
Dance Web
Les sites pour en savoir davantage sur
les compagnies, les festivals et les artistes
cités dans ce numéro.
AUSTRIA
The Ballet of the Vienna State Opera and
Volksoper
www.dasballett.at
Festival ImPulsTanz, Wien
www.ImPulsTanz.com
BELGIQUE
Ballet Royal de Flandre
www.flandersballet.be
Co. Ultima Vez/Wim Vandekeybus
www.ultimavez.com
Co. Rosas
www.rosas.be
Jan Fabre – Troubleyn
www.troubleyn.be
Jan Lauwers – Needcompany
www.needcompany.org
Les Ballets C. de la B.
www.lesballetscdelab.be
Co. Toneelhuis
www.tonnelhuis.be
CANADA
Les Grands Ballets Canadiens de Montréal
www.grandsballets.qc.ca
National Ballet of Canada
www.national.ballet.ca
CUBA
Ballet Nacional de Cuba
www.balletcuba.cu
DANEMARK
Royal Danish Ballet
www.kgl-teater.dk
DEUTSCHLAND
Bayerisches Staatsballett, München
www.bayerisches.staatsballett.de
Staatballett Berlin
www.staatsballett-berlin.de
Hamburg Ballett
www.hamburgballett.de
Deutsche Oper am Rhein, Düsseldorf
www.deutsche-oper-am-rhein.de
Staatsoper Dresden
www.semperoper.de
Leipzig Ballet
www.leipziger-ballett.de
Stuttgart Ballet
www.stuttgart-ballet.de
Tanztheater Wuppertal
www.pina-bausch.de
www.theforsythecompany.de
Raimund Hoghe
www.raimundhoghe.co
Sasha Waltz & Guests www.sashawaltz.de
ESPAÑA
Compañía Nacional de Danza
www.cndanza.mcu.es
I siti Web dove trovare informazioni sulle
compagnie, gli artisti e i festivals citati in
questo numero della rivista.
Corella Ballet
www.angelcorella.com
María Pagés
www.mariapages.com
Israel Galván
www.israelgalvan.com
Gelabert-Azzopardi Companya de Dansa
www.gelabertazzopardi.com
Festival Internacional de Música y Danza,
Granada
www.granadafestival.org
Ballet Nacional de España
balletnacional.mcu.es
Festival Grec
www.bnc.es/grec
FRANCE
Opéra de Paris
www.opera-de-paris.fr
Théâtre du Châtelet, Paris
www.chatelet-theatre.com
Théâtre de la Ville, Paris
www.theatredelaville-paris.com
Opéra de Lyon
www.opera-lyon.com
Opéra de Bordeaux
www.opera-bordeaux.com
Théâtre du Capitole, Toulouse
www.theatre-du-capitole.org
Opéra de Nice
www.opera-nice.org
Ballet National du Rhin
www.operanationaldurhin.fr
Centre National de la Danse, Paris
www.cnd.fr
Maison de la Danse de Lyon
www.maisondeladanse.com
CCN de Grenoble
www.gallotta-danse.com
CCN du Havre Haute Normandie/Hervé Robbe
www.ccnhhn-robbe.com
CCN de Tours
www.cnctours.com
CCN de Caen/Basse-Normandie
www.saporta-danse.com
CCN de Montpellier
www.mathildemonnier.com
Ballet de Marseille
www.ballet-de-marseille.com
Ballet Biarritz
www.balletbiarritz.com
Ballet du Nord
www.balletdunord.com
Ballet Preljocaj
www.preljocaj.org
Ballet de Lorraine
www.ballet-de-lorraine.com
Cie Josef Nadj - CCN d’Orléans
www.josefnadj.com
Compagnie Maguy Marin
www.compagnie-maguy-marin.fr
CCN de Roubaix Nord-Pas de Calais/Carolyn
Carlson
www.ccn-roubaix.com
Cie Blanca Li
www.blancali.fr
Cie Alain Buffard
www.alainbuffard.eu
71
The websites for finding general
information about the companies, artists
and festivals mentioned in this issue.
CCN de Nantes
www.ccnn-brumacholamarche.com
Centre Chorégraphique National de FrancheComté
www.contrejour.org
Centre National de la Danse Contemporaine
d’Anger/Emmanuelle Huynh
www.cndc.fr
Festival d’Avignon
www.festival-avignon.com
Festival de l’Art Russe
www.festivaldedanse-cannes.com
Montpellier Danse
www.montpellierdanse.com
Festival Vaison-la-Romain
www.vaison-festival.com
Festival de Marseille
www.festivaldemarseille.com
Paris Quartier d’été
www.quartierdete.com
Les Été de la Danse, Paris
www.lesetesdeladanse.com
Festival de la Cité de Carcassonne
www.festivaldecarcassonne.com
Les Nuits de Fourvière
www.nuitsdefourviere.fr
Les Estivales, Perpignan
www.estivales.com
GREAT BRITAIN
Sadler’s Wells Theatre, London
www.sadlerswells.com
The Royal Ballet
www.royalballet.org.uk
English National Ballet
www.ballet.org.uk
Northern Ballet Theatre
www.nbt.co.uk
Birmingham Royal Ballet
www.brb.org.uk
Rambert Dance Company
www.rambert.org.uk
Scottish Ballet
www.scottishballet.co.uk
New Adventures/Matthew Bourne
www.matthewbourne.org
Random Dance
www.randomdance.org
Edinburgh International Festival
www.eif.co.uk
Akram Khan Company
www.akramkhancompany.net
Russell Maliphant Company
www.rmcompany.co.uk
Michael Clark Company
www.michaelclarkcompany.com
Bonachela Dance Company
www.rafaelbonachela.com
GREECE
Hellenic Festival
www.hellenicfestival.gr
ITALIA
Teatro alla Scala, Milano
www.teatroallascala.org
Teatro di San Carlo, Napoli
www.teatrosancarlo.it
Teatro Massimo, Palermo
www.teatromassimo.it
Teatro dell’Opera di Roma
www.opera.roma.it
Teatro del Maggio Musicale Fiorentino, Firenze
www.maggiofiorentino.com
Nuovo Teatro Comunale di Bolzano
www.ntbz.net
Arena di Verona
www.arena.it
Aterballetto, Reggio Emilia
www.crd-aterballetto.it
Balletto Teatro di Torino
www.ballettoteatroditorino.it
Balletto di Roma
www.ballettodiroma.it
Co. Virgilio Sieni Danza
www.sienidanza.it
Co. Abbondanza/Bertoni
www.abbondanzabertoni.it
Co. Sosta Palmizi
www.sostapalmizi.it
Co. Artemis Danza - Monica Casadei
www.artemisdanza.com
Co. Naturalis Labor
www.naturalislabor.it
Co. Caterina Sagna
www.caterinasagna.org
Co. Zappalà Danza
www.compagniazappala.it
L’Ensemble – Micha van Hoecke
www.michavanhoecke.org
Festival Reggio Parma
www.iteatri.re.it
Ravenna Festival
www.ravennafestival.org
Festival dei due mondi, Spoleto
www.spoletofestival.org
Festival Taormina Arte
www.taormina-arte.com
Festival Civitanova Danza
www.teatridicivitanova.com
Festival Estate Teatrale Veronese
www.estateteatraleveronese.it
Festival dei Laghi
Festival Acqui in Palcoscenico
Festival Invito alla danza
www.invitoalladanza.it
Festival Vignale Danza
www.vignaledanza.com
FestiVAL Internazionale di
Villa Adriana
www.auditorium.com/
villaadriana
Festival OperaEstate
www.operaestate.it
Amsterdam
www.het-nationale-ballet.nl
Nederlands Dans Theater
www.ndt.nl
Emio Greco/PC
www.emiogrecoandpc.nl
NORWEGIA
Den Norske Opera, Oslo
www.operaen.no
RUSSIA
Bolshoi Ballet, Moscow
www.bolshoi.ru
Kirov Ballet, St Petersburg
www.mariinsky.ru
SUISSE
Grand-Théâtre de Genève
www.geneveopera.ch
Zurich Ballet
www.zuercherballett.ch
www.bejart.ch
SWEDEN
Kungliga Operan (Royal Swedish Opera),
Stockholm
www.operan.se
USA
New York City Ballet
www.nycballet.com
American Ballet Theatre, New York
www.abt.org
Alvin Ailey American Dance Theater
www.alvinailey.org
Merce Cunningham Dance Company
www.merce.org
www.marthagrahamdance.org
Twyla Tharp Dance Company
www.twylatharp.org
Trisha Brown Dance Company
www.trishabrowncompany.org
Mark Morris Dance Group
ISRAEL
Batsheva Dance Company
www.batsheva.co.il
Emanuel Gat Dance
www.gatgat.com
JAPAN
Co. Karas/Saburo
Teshigawara
www.st-karas.com
MONACO
Les Ballets de Monte-Carlo
www.balletsdemontecarlo.com
www.ballet2000.com
NEDERLAND
Het Nationale Ballet,
72
www.mmdg.org
Shen Wei Dance Arts
www.shenweidancearts.org
Cedar Lake Dance – Contemporany ballet
www.cedarlakedance.com
Morphoses – The Wheeldon Company
morphoses.org
Momix
www.mosespendleton.com
International Ballet Festival of Miami
www.internationalballetfestival.com
Jacob’s Pillow Festival
www.jacobspillow.org
Info
www.ImPulsTanz.com
www.danza.es
www.danza-eter.com
www.dancescreen.com
www.ladanse.com
www.imagidanse.com
www.on-line-dance.tv
www.danceinsider.com
www.criticaldance.com
www.for-ballet-lovers-only.com
www.ballet.co.uk
www.ballerinagallery.com
www.idancedb.com
Artists
Nina Ananiashvili www.ananiashvili.com
Julio Bocca www.juliobocca.com
Roberto Bolle www.robertobolle.com
Darcey Bussell www.darceybussell.com
Adam Cooper www.adam-cooper.com
Ángel Corella www.angelcorella.com
Joaquín Cortés www.joaquincortes.tv
Marie-Agnès Gillot www.marieagnesgillot.fr.st
Mara Galeazzi www.maragaleazzi.com
Maximiliano Guerra
www.maximilianoguerra.com
Sylvie Guillem www.sylvieguillem.com
Sofia Gumerova www.sofiagumerova.com
Alessandra Ferri www.alessandraferri.com
Paloma Herrera www.palomaherrera.com
Daria Klimentova www.dariaklimentova.co.uk
Manuel Legris www.manuel-legris.com
Nicolas Le Riche www.nicolasleriche.com
Matteo Levaggi www. matteolevaggi.com
Vladimir Malakhov
www.malakhov.com
José Martinez
www.josecarlosmartinez.com
Massimo Murru
www.massimomurru.com
Simona Noja
www.simonanoja.com
Daria Pavlenko www.dariapavlenko.com
Giuseppe Picone
www.giuseppepicone.it
Marie-Claude Pietragalla
www.pietragalla.com
Tamara Rojo www.tamararojo.com
Thiago Soares
www.thiagosoares.com
Heinz Spoerli www.spoerli.ch
Paul Szilard
www.paulszilard.com
Rasta Thomas
www.rastathomas.com
Diana Vishneva
www.vishneva.ru
Anastasia Volochkova
www.volochkova.nm.ru
Svetlana Zakharova
www.svetlana-zakharova.com

Merce 90 - Balletto Oggi

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