Frankfurt 2014 (PDF - 6.8 Mb)

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FRANKFURT 2014
Flammarion
87, quai Panhard et Levassor
75647 Paris Cedex 13
Fax: 33 1 43 26 47 81
www.foreignrights-flammarion.com
ART - PHOTOGRAPHY - VISUAL ARTS
FASHION - REFERENCE
CO-EDITIONS DEPARTMENT
JANA NAVRATIL MANENT
International Co-editions Manager
33 1 40 51 31 52 • e-mail: [email protected]
ANNE MINOT
Contract and Production Administration
ALIZÉE DABERT
Co-editions Assistant
CONTENTS
ART
Masterpieces from the Musée Picasso Paris
4
Masterpieces from the Musée Picasso Paris - Deluxe Edition
6
The Fondation Louis Vuitton by Frank Gehry
8
A History. Art, Architecture and Design
from the 80’s to the Present Day
10
Art Brut
12
Sonia Delaunay
14
Japonism
16
The Hans, The Rise of Imperial China
18
Gods and Desire
20
Cubism
22
The Twentieth-Century Avant-Garde
24
Mexican Painters 1910-1960
26
The Guide
28
PHOTOGRAPHY
Paris Magnum
30
The Best of Doisneau’s Paris
32
Marc Riboud
34
Brassaï, For the Love of Paris
36
The Cry of Silence,Vestiges of the Armenian Memory
38
A Woman’s Planet
40
François Truffaut
42
CONTENTS
FASHION
101 Dresses
44
Cartier Royal
46
Marcel Rochas
48
One Savile Row, The Invention of the English Gentleman
50
The Killer Detail
52
Pin-up
54
Fashion Agenda by Karl
56
REFERENCE
Parisian Cats
58
Venice, An Illustrated Miscellany
60
France, An Illustrated Miscellany
62
French Wine, An Illustrated Miscellany
64
Cats, An Illustrated Miscellany
66
1000 Places To See In France Before You Die (New Edition)
68
BEST-SELLERS
Men and Women of the Middle Ages
70
Paris Magnum / Paris Doisneau
71
Parisian Chic
72
Intimate Chanel
73
Art FRANKFURT 14
Masterpieces from
the Musée Picasso Paris
Musée Picasso Paris
Edited by Anne Baldassari
The Author
Anne Baldassari has published numerous books on
Picasso including Picasso and Photography, Picasso: Life
with Dora Maar: Love and War 1935–1945, Cubist
Picasso, Bacon Picasso, The Surrealist Picasso. Under
Anne Baldassari’s direction, contributors include Laure
Collignon, Virginie Perdrisot, Emilia Philippot, JeanneYvette Sudour.
The Work
Through a selection of 400 of the works out of the
4500 included in the renovated Hotel Salé, this is a
new perspective and critical analysis by a team of
experts on all aspects of Picasso’s artistic career.
Divided into ten chronological sections, and delving
into all of his artistic means of expression –
sculpture, painting, illustration, ceramics, self-portrait,
photography, and works on paper – this authoritative
reference work also features an extensive biography
and photographs of the artist himself.
Edited by Anne Baldassari, former president of the
Musée Picasso Paris, which will reopen in 2014 after
five years of extensive renovations, this is a major and
much-anticipated addition to the existing literature on
this master artist.
A deluxe ‘collector’ edition, enclosed in a slipcase, is
also available.
Key Sales Points
• A reference work: the book of Musée Picasso
re-opening event.
• A collection of more than 400 illustrations.
• An exhaustive chronology relating the painter’s
work to his life.
• Texts analysing the different aspects of his work.
FORMAT: 164 x 220
PAGES: 556
ILLUSTRATIONS: 400
BINDING: Softcover + bellyband
PAPER: 150 g
WORDS: 80 000
PRICE: 35 €
RIGHTS SOLD: US/UK
PUBLICATION DATE: July 2014
JANA NAVRATIL MANENT • International Co-editions Manager
33 1 40 51 31 52 • e-mail: jnmanent@flammarion.fr
ANNE MINOT • Contract and Production Administration
33 1 40 51 30 31 • e-mail: aminot@flammarion.fr
ALIZÉE DABERT • Co-editions Assistant
33 1 40 51 31 65 • e-mail: adabert@flammarion.fr
4
Flammarion
CONFIDENTIAL ADVANCE INFORMATION • ALL RIGHTS RESERVED • © FLAMMARION
87 quai Panhard et Levassor I 75 647 Paris Cedex 13 I Please consult our catalogue at www.foreignrights-flammarion.com
— 12
— 302
— 208
PORTFOLIO PHOTOGRAPHIQUE
— 32
— 302
ESSAIS
Picasso « archiviste modèle » ?
— 358
Laure Collignon
1928-1935
— 310
— 212
— 34
ALBUM
CHRONOLOGIQUE
Emilia Philippot
— 210
ALBUM
CHRONOLOGIQUE
— 357
Le cabinet d’arts graphiques
PRÉFACE
— 394
Picasso et les livres illustrés
Picasso In Situ - La collection
Anne Baldassari
Jeanne-Yvette Sudour
1936-1939
— 82
— 228
— 330
— 426
1906-1909
Le bâtiment
1895-1905
— 104
CHRONOLOGIE
Anne Baldassari, avec la collaboration
de Paule Mazouet, Emilie Augier-Bernard,
Véronique Ballu, Sylvie Fresnault,
Nadège Raymond-Clergue,
Jeanne Yvette Sudour
Autoportraits, figure du peintre
— 148
Anne Baldassari
1916-1923
— 280
— 180
Virginie Perdrisot
La collection particulière
1924-1928
— 468
— 332
— 246
1910-1915
1940-1946
ANNEXES
Anne Baldassari
1947-1960
— 502
1960-1972
— 343
— 291
Picasso sculpteur
BIBLIOGRAPHIE
Emilie Augier-Bernard, Nadège RaymondClergue et Jeanne Yvette Sudour
Virginie Perdrisot
— 296
— 350
La céramique
Virginie Perdrisot
LISTE DES ŒUVRES
42
43
« Pour moi,
peindre un tableau,
c’est engager une action
dramatique au cours
de laquelle la réalité
se trouve déchirée. »
Portrait d’homme, Hiver 1902-1903.
La Célestine (Femme à la taie), Barcelone, mars 1904.
Robert Desnos, Écrits sur les peintres, Paris, Flammarion, 1984, p. 49.
71
48
1895
1905
49
Picasso, in situ
ANNE BALDASSARI
d’une centaine d’œuvres d’artistes anciens et
modernes, elle comptait des toiles et dessins importants de Chardin, Le Nain, Corot, Courbet, Vuillard,
Degas, Cézanne, Seurat, Renoir, le Douanier
Rousseau, Matisse, Braque, Derain, Miro, Modigliani,
Giacometti, Dali, Balthus ou Brauner, qui éclairent
le dialogue de Picasso avec les grands maîtres,
comme ses relations de travail et d’amitié avec ses
contemporains 5. Parallèlement, en 1978, les héri1. Pablo Picasso [vers 1946], propos rapportés par Françoise
Gilot, dans Françoise Gilot et Carlton Lake,
Vivre avec Picasso, Paris, Calmann-Lévy, 1965, p. 116.
2. Les héritiers de l’artiste étaient Jacqueline Picasso,
Maya Widmaier, Claude Ruiz-Picasso, Paloma Ruiz-Picasso,
Marina Ruiz-Picasso, Bernard Ruiz-Picasso.
3. Cet ensemble compte 11 sculptures, masques et figures d’art africain
et océanien, ainsi que 11 bronzes ibériques.
4. La donation à l’État français fut faite peu après la mort de
l’artiste par ses héritiers Jacqueline Picasso
et Paul Ruiz-Picasso.
Flammarion
Violon, Paris, [1915]
Grand musée monographique dédié à l’œuvre de
Picasso, le musée national Picasso fut créé en 1985
pour présenter l’ensemble des œuvres provenant de
la dation faite à l’État français par ses héritiers en
1979 2. Afin d’aider à la constitution raisonnée d’une
collection pleinement représentative de l’œuvre de
l’artiste, ceux-ci octroyèrent généreusement à l’État
un droit de « premier choix » parmi les 70 000 œuvres
conservées dans ses différents ateliers. Une telle
disposition permit de constituer un fonds de pièces
majeures particulièrement cohérent par son amplitude chronologique, autant que par l’équilibre entre
les périodes représentées. À la première dation
s’ajouta, la même année, la donation par les héritiers
d’un ensemble de pièces d’art ibérique, africain et
océanien 3 qui rejoignit la « collection personnelle »
du peintre, donnée à l’État dès 1973 4. Composée
Pipe, verre et carte à jouer, Paris, 1918.
« Je peins comme d’autres écrivent leur autobiographie.
Mes toiles, finies ou non, sont comme les pages de mon journal,
et en tant que telles, elles sont valables. L’avenir choisira les pages qu’il préfère.
Ce n’est pas à moi d’en faire le choix. J’ai l’impression que le temps passe
de plus en plus rapidement. Je suis comme un fleuve qui continue à couler,
roulant avec lui les arbres déracinés par le courant, les chiens crevés, les
déchets de toutes sortes et les miasmes qui y prolifèrent. J’entraîne tout cela
et je continue. C’est le mouvement de la peinture qui m’intéresse, l’effort
dramatique d’une vision à l’autre, même si l’effort n’est pas poussé jusqu’au
bout. Pour certaines de mes toiles, je peux dire que cet effort a été réellement
accompli, a trouvé toute sa puissance, parce que j’ai réussi à en fixer l’image
dans sa pérennité. J’ai de moins en moins de temps, et de plus en plus à
dire. J’en suis arrivé au moment, voyez-vous, où le mouvement de ma pensée
m’intéresse plus que ma pensée elle-même1. »
5
Art FRANKFURT 14
Masterpieces from
the Musée Picasso Paris
(Deluxe Edition)
Musée Picasso Paris
The Author
Anne Baldassari has published numerous books on
Picasso including Picasso and Photography, Picasso: Life
with Dora Maar: Love and War 1935–1945, Cubist
Picasso, Bacon Picasso, The Surrealist Picasso. Under
Anne Baldassari’s direction, contributors include Laure
Collignon, Virginie Perdrisot, Emilia Philippot, JeanneYvette Sudour.
The Work
Through a selection of 400 of the works out of the
4500 included in the renovated Hotel Salé, this is a
new perspective and critical analysis by a team of
experts on all aspects of Picasso’s artistic career.
Divided into ten chronological sections, and delving
into all of his artistic means of expression –
sculpture, painting, illustration, ceramics, self-portrait,
photography, and works on paper – this authoritative
reference work also features an extensive biography
and photographs of the artist himself.
Edited by Anne Baldassari, president of the Musée
Picasso Paris, which will reopen in 2014 after nearly
five years of extensive renovations, this is a major and
much-anticipated addition to the existing literature on
this master artist.
This deluxe ‘collector’ edition, printed on three
different papers with a high-quality manufacturing, is
available enclosed in a slipcase. The deluxe edition
enhances thoroughly-reproduced illustrations in a
prestigious and larger format.
A trade edition in a smaller format 164 x 220 is also
available.
The Musée Picasso Paris Collection
Edited by Anne Baldassari
Picasso’s Masterpieces
(Édition de luxe)
Key Sales Points
• A reference work: the book of Musée Picasso
re-opening event.
• A collection of more than 400 illustrations.
• An exhaustive chronology relating the painter’s
work to his life.
• Texts analysing the different aspects of his work.
FORMAT: 255 x 330
PAGES: 556 + 40 on special art paper
ILLUSTRATIONS: 420
BINDING: Cloth Hardcover with slipcase
PAPER: 150 g / 120 g / 60 g
WORDS: 80 000
PRICE: 150 €
RIGHTS SOLD: US/UK
6
Flammarion
— 12
— 302
— 208
PORTFOLIO PHOTOGRAPHIQUE
— 32
— 302
ESSAIS
— 358
Laure Collignon
1928-1935
Anne Baldassari
Jeanne-Yvette Sudour
— 82
— 228
— 330
1906-1909
Le bâtiment
1910-1915
CHRONOLOGIE
Anne Baldassari, avec la collaboration
de Paule Mazouet, Emilie Augier-Bernard,
Véronique Ballu, Sylvie Fresnault,
Nadège Raymond-Clergue,
Jeanne Yvette Sudour
Autoportraits, figure du peintre
— 148
Anne Baldassari
1916-1923
— 280
— 180
Virginie Perdrisot
La collection particulière
1924-1928
— 426
— 468
— 332
— 246
1936-1939
1940-1946
ANNEXES
Anne Baldassari
— 104
— 394
Picasso et les livres illustrés
Picasso In Situ - La collection
1895-1905
Picasso « archiviste modèle » ?
— 310
— 212
— 34
ALBUM
CHRONOLOGIQUE
Emilia Philippot
— 210
ALBUM
CHRONOLOGIQUE
— 357
Le cabinet d’arts graphiques
PRÉFACE
1947-1960
— 502
1960-1972
— 343
— 291
Picasso sculpteur
BIBLIOGRAPHIE
Emilie Augier-Bernard, Nadège RaymondClergue et Jeanne Yvette Sudour
Virginie Perdrisot
— 296
— 350
La céramique
Virginie Perdrisot
LISTE DES ŒUVRES
42
43
« Pour moi,
peindre un tableau,
c’est engager une action
dramatique au cours
de laquelle la réalité
se trouve déchirée. »
Portrait d’homme, Hiver 1902-1903.
La Célestine (Femme à la taie), Barcelone, mars 1904.
Robert Desnos, Écrits sur les peintres, Paris, Flammarion, 1984, p. 49.
71
48
1895
1905
49
Picasso, in situ
ANNE BALDASSARI
d’une centaine d’œuvres d’artistes anciens et
modernes, elle comptait des toiles et dessins importants de Chardin, Le Nain, Corot, Courbet, Vuillard,
Degas, Cézanne, Seurat, Renoir, le Douanier
Rousseau, Matisse, Braque, Derain, Miro, Modigliani,
Giacometti, Dali, Balthus ou Brauner, qui éclairent
le dialogue de Picasso avec les grands maîtres,
comme ses relations de travail et d’amitié avec ses
contemporains 5. Parallèlement, en 1978, les héri1. Pablo Picasso [vers 1946], propos rapportés par Françoise
Gilot, dans Françoise Gilot et Carlton Lake,
Vivre avec Picasso, Paris, Calmann-Lévy, 1965, p. 116.
2. Les héritiers de l’artiste étaient Jacqueline Picasso,
Maya Widmaier, Claude Ruiz-Picasso, Paloma Ruiz-Picasso,
Marina Ruiz-Picasso, Bernard Ruiz-Picasso.
3. Cet ensemble compte 11 sculptures, masques et figures d’art africain
et océanien, ainsi que 11 bronzes ibériques.
4. La donation à l’État français fut faite peu après la mort de
l’artiste par ses héritiers Jacqueline Picasso
et Paul Ruiz-Picasso.
Flammarion
Violon, Paris, [1915]
Grand musée monographique dédié à l’œuvre de
Picasso, le musée national Picasso fut créé en 1985
pour présenter l’ensemble des œuvres provenant de
la dation faite à l’État français par ses héritiers en
1979 2. Afin d’aider à la constitution raisonnée d’une
collection pleinement représentative de l’œuvre de
l’artiste, ceux-ci octroyèrent généreusement à l’État
un droit de « premier choix » parmi les 70 000 œuvres
conservées dans ses différents ateliers. Une telle
disposition permit de constituer un fonds de pièces
majeures particulièrement cohérent par son amplitude chronologique, autant que par l’équilibre entre
les périodes représentées. À la première dation
s’ajouta, la même année, la donation par les héritiers
d’un ensemble de pièces d’art ibérique, africain et
océanien 3 qui rejoignit la « collection personnelle »
du peintre, donnée à l’État dès 1973 4. Composée
Pipe, verre et carte à jouer, Paris, 1918.
« Je peins comme d’autres écrivent leur autobiographie.
Mes toiles, finies ou non, sont comme les pages de mon journal,
et en tant que telles, elles sont valables. L’avenir choisira les pages qu’il préfère.
Ce n’est pas à moi d’en faire le choix. J’ai l’impression que le temps passe
de plus en plus rapidement. Je suis comme un fleuve qui continue à couler,
roulant avec lui les arbres déracinés par le courant, les chiens crevés, les
déchets de toutes sortes et les miasmes qui y prolifèrent. J’entraîne tout cela
et je continue. C’est le mouvement de la peinture qui m’intéresse, l’effort
dramatique d’une vision à l’autre, même si l’effort n’est pas poussé jusqu’au
bout. Pour certaines de mes toiles, je peux dire que cet effort a été réellement
accompli, a trouvé toute sa puissance, parce que j’ai réussi à en fixer l’image
dans sa pérennité. J’ai de moins en moins de temps, et de plus en plus à
dire. J’en suis arrivé au moment, voyez-vous, où le mouvement de ma pensée
m’intéresse plus que ma pensée elle-même1. »
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Art FRANKFURT 14
The Fondation
Louis Vuitton
by Frank Gehry
La Fondation Louis Vuitton
Une architecture pour le XXe siècle
Anne-Line Roccati
and Fondation Louis Vuitton
The Author
Anne-Line Roccati is former editor in chief at Le
Monde. She is now a consultant for Louis Vuitton.
The Fondation Louis Vuitton was created at Bernard
Arnault’s initiative by the LVMH group and its brands
to encourage and promote artistic creation.
The Work
Key Sales Points
Published to coincide with the opening of Frank
Gehry’s latest architectural monument in Paris, the
Fondation Louis Vuitton, this volume explores in depth
its conception, design and construction process.
This stunning building, set in the beautiful Bois de
Boulogne as a new cultural center, will house a
permanent collection of contemporary art, and host
exhibitions of modern and contemporary art and
multidisciplinary performances, along with lectures,
debates, symposiums, and educational activities.
Featuring illustrations ranging from the design process
to the construction site itself and images of the art
and artists that will comprise the museum’s permanent
collection, this work offers exclusive insight into Paris’s
latest and greatly anticipated modern art hub.
• Exclusive and detailed first look at the latest
endeavor of renowned architect Frank Gehry,
including the building process.
• First overview of one of the finest contemporary
art collections gathered by Bernard Arnault for Louis
Vuitton.
FORMAT: 203 x 298
PAGES: 236 + leaflet
ILLUSTRATIONS: 200
BINDING: Hardcover with jacket
PAPER: 150 g / 170 g / 70 g
WORDS: 38 000
PRICE: 40 €
RIGHTS SOLD: US/UK
PUBLICATION DATE: Fall 2014
8
Flammarion
49
226
227
la façade sud vue depuis le bois de Boulogne.
La Fondation Louis Vuitton est terminée, après plus de cinq ans de travaux.
Elle est le témoin d’une aventure architecturale hors norme.
24 mai 2014
Les grands chênes rouvres séculaires occupent l’ensemble du jardin. Ils marquent les carrefours d’allées ou forment
des bosquets par groupes de trois ou cinq sujets.
23 mai 2014
Date, au premier plan, Louis-Marie Dauzat, ingénieur, qui a accompagné la maîtrise d’ouvrage des premiers plans jusqu’aux dernières finitions.
228
Flammarion
LES SÉDUCTIONS
DE
L’OXYMORE
Entretien
avec
Suzanne
Pagé
– Directeur
artistique
de
la
Fondation
Louis
Vuitton
Concevoir un musée est
une aventure. Comment avezvous travaillé avec Frank
Gehry, architecte visionnaire
à la forte personnalité ?
Travailler avec Frank Gehry
m’est apparu d’emblée comme
un fantastique défi : avec
Bilbao (« Le » Guggenheim) et
Los Angeles (« Le » Walt
Disney) comme horizons,
Paris serait, dans sa différence, une référence à parité, d’autant que Gehry
affichait des inclinations fortes pour des
données culturelles très parisiennes
et françaises, aussi bien littéraires qu’architecturales. D’entrée, il s’impliquerait
de façon particulière.
A priori aussi planait alors une
légère crainte dans le milieu des conservateurs, professionnels et même artistes.
Gehry est une forte personnalité,
son architecture affirme un parti formel,
voire sculptural : y aurait-il place pour
d’autres artistes ?
Le choix de Frank Gehry par Bernard
Arnault avait précédé mon arrivée.
Cela sans programme spécifié. À ce stade,
pas question non plus alors de s’appuyer
sur une collection constituée. Il s’agissait
de « faire un musée ». Dès lors, le
dialogue avec l’architecte s’imposait.
229
Surprise : sa capacité d’écoute exceptionnelle assortie d’une rare générosité dans
une discussion continûment ouverte.
Prégnant aussi, son souci inquiet et
permanent de répondre aux attentes
de Bernard Arnault et sa volonté déclarée
d’aller à la rencontre de celles des artistes.
Gehry aime l’art, les artistes et veut en
être aimé. Sa légitimité visionnaire
force leur respect. Lui-même se
revendiquant en permanence
« respectful* » et cela à différents
niveaux : des données du lieu tout
d’abord, le jardin, son histoire
et ses utilisateurs privilégiés,
– à savoir les enfants –, insistant
sur sa volonté d’une inscription dans
la culture française et évoquant de façon
appuyée les fantômes de Proust et autres
créateurs musiciens, écrivains, susceptibles,
à ses yeux, d’avoir, enfants, hanté les lieux.
Quand même revendique-t-il ici, aussi,
la « métaphore toute personnelle du bateau
à voiles* ».
Sur fond permanent d’humour, les échanges
ont été déterminés et véloces, vite complices, imposant le principe énoncé lors
des discussions informelles que j’ai organisées avec quelques artistes (Christian
Boltanski, Peter Fischli, Pierre Huyghe et,
plus rare, Olafur Eliasson) : folie à l’extérieur,
le bâtiment serait comme introverti,
apaisé à l’intérieur, instrument au service
de l’art et des artistes.
Telle est bien la bombe lyrique
aujourd’hui proposée ici avec les séductions
de l’oxymore : architecture puissante mais
jamais écrasante, vibratile et tout en
élan, dont l’empathie avec le ciel, les arbres
et tout l’environnement trouve, à l’intérieur, une complémentarité à travers
des espaces ordonnancés selon les conditions muséales optimales quant à la
lumière, la hauteur et la linéarité des
murs…, préservant pourtant partout
la signature Gehry.
Les discussions avec les artistes avaient
porté d’abord sur la nécessité de préserver
9
Art FRANKFURT 14
A History.
Art, Architecture and Design
from the 80’s to the Present Day
Une Histoire.
Art, architecture, design de 1980 à nos jours
Work directed by Christine Macel
The Authors
Christine Macel is head curator at the Centre
Pompidou Paris and curator of the exhibition Une
Histoire. Art, architecture, design de 1980 à nos jours.
Frédéric Migayrou is an architecture specialist, while
Cloé Pitiot heads the design section at the Centre
Pompidou Paris.
Okwui Enwezor, Dieter Roelstraete and Claire
Bishop are internationally renowned art critics and
historians.
The Work
Aimed at both art lovers and connoisseurs, A History.
Art, Architecture and Design from the 80’s to the Present
Day sets out to be a reference work on artistic issues
arising in the last 30 years, through some 300 works
representing over 200 international artists.
Contemporary artists are winning an increasingly wide
audience as they resemble their public: they question
this globalised and overly mediatised world in which
we live.
In a very innovative approach and a didactic yet
dynamic presentation, each of the 3 parts of the book
– art, architecture, and design – is introduced by an
essay exploring the attitudes of artists as social
protagonists via their various roles: as historians (Hans
Haake, Mircea Cantor), archivists (Boltanski, Liu Wei),
narrators (Sophie Calle, Annette Messager), filmmakers
(Pierre Huygue), producers (Philippe Parreno, Xavier
Veilhan) or musicians (Saâdane Afif), to name a few.
This heavily illustrated volume presents works from
the Centre Pompidou’s collections, completed with 40
of the most emblematic creations of the period, like
Jeff Koon’s Ballon Dogs, Damien Hirst’s Mother and
Child Divided etc...
10
Flammarion
Key Sales Points
• Published on the occasion of the Centre Pompidou
reopening and the opening of the exhibition Une
Histoire. Art, architecture, design de 1980 à nos jours (July
2014–September 2015).
• A panorama of artistic creation in the last 30 years,
via 200 artists and the 300 most emblematic works.
FORMAT: 210 x 280
PAGES: 288
ILLUSTRATIONS: 325
BINDING: Softcover with flaps
PAPER: 150 g
WORDS: 57 500
PRICE: 39.90 €
ALL RIGHTS AVAILABLE
Une histoire. L’artiste comme historien
Magiciens de la terre », avec 50% d’artistes
occidentaux et 50% non-occidentaux a marqué en
1989 une rupture décisive, alors que l’artiste
Rasheed Asreen, fondateur de la revue Third Text
en 1987, révèle la même année à Londres la
modernité et la contemporanéité d’artistes noirs
ou indiens avec l’exposition « Other Story » 5. Le
commissaire d’exposition nigérian Okwui
Enwezor apparaît ensuite avec sa Biennale de
Johannesburg (1997) et sa Documenta 11 à Kassel
en 2002 comme le penseur et le vecteur majeur
d’un changement définitif dans la carte du monde
de l’art comme dans ses pratiques, centrées
notamment sur l’histoire et le document. Les
notions d’hybridité (Stuart Hall, Homi Bhabba) et
de créolité (Edouard Glissant)
occupent alors le devant de la
scène critique.
Alors que seul JeanMichel Basquiat, artiste
d’origine haïtienne, avait
explosé sur la scène new-yorkaise dans les années 80, de
nouvelle forme d’art politisé
d’artistes afro-américains
revisitant leur histoire ont
émergé dans les années 90. La
Biennale de Whitney de 1993
a en effet changé la donne,
favorisant la mise en lumière
d’artistes comme Adrian
Chen Zen, Round Table, 1995
Piper, Lorna Simpson et
Bois, carton, adhésif 131 globes
tererstres, 7 étagères
David Hammon sauxquelles
succède la nouvelle génération de Renée Green,
Kara Walker et Glenn Ligon. Ce dernier avec la
commissaire Thema Golden du Studio Museum de
Harlem forge le terme de « post-black art », au sujet
d’artistes des années 2000 qui ont justement voulu
dépasser la question noire dans leur pratique.
Parallèlement, l’émergence d’artistes arabes
sur la scène internationale, d’Atlas Group à Ziad
Antar, de Shirin Neshat à Sarah Rahbar, confrontés
à d’incessants conflits depuis la guerre du Golfe
en 1991, s’accompagne de nouvelles pratiques de
l’artiste face à l’histoire, dont témoigne en 200l
l’exposition « Les Inquiets » 6 au centre
Pompidou. L’artiste Jalal Toufic accompagne par
ses écrits sur le désastre toute une génération
d’artistes libanais.
Une partie voilée de l’Europe émerge aussi
brutalement à l’Est après 1989, qui, tout en
entrant dans la phase post-communiste, révèle
5 Rasheed Asreen, The
Other Story, Afro-Asian
artists in post-war
Une histoire. L’artiste comme historien
Une histoire.
L’artiste comme historien p.12
L’artiste comme archiviste p.45
Son, partition, musique p.68
L’artiste comme producteur p.66
Post minimal sculpture p.79
Radical Painting p.94
L’art au corps :
le corps performé p.108
L’artiste comme narrateur :
fictions de l’intime p.122
Performativité p.140
L’artiste comme
documentariste p.160
L’artiste et l’objet p.180
Architecture, nouvelles
tendances des années
1980 et 1990 p.224
Design, A Computer
perspective p. 240
Chen Zen, Round Table, 1995
Bois, carton, adhésif 131 globes tererstres, 7 étagères
des artistes qui avaient œuvré dans un silence
plus ou moins grand, comme de nouvelles
générations marquées par ces grandes figures
oubliées ou méconnues tels Ion Grigorescu, Edi
Hila ou Mladen Stilinovic. Les artistes s’emparent
de leur histoire en marche, tandis que les critiques, en écho à un Rashed Aasreen, tel le
penseur slovène Igor Zabel 7, remettent en cause
l’idéologie du multiculturalisme comme forme
idéologique du capitalisme global (Slavoj Zizek).
C’est enfin en Pologne qu’émerge une des pensées
les plus inventives et stimulantes grâce à l’historien d’art Piotr Piotrowski prêchant pour une
nouvelle histoire de l’art « horizontale » 8, transnationale et polyphonique, libre des question
géographiques qui prenne en compte la complexité des nouveaux récits émergeants face à la
doxa occidentale antérieure. Christine Macel
Chen Zen
Round Table, 1995
Bois, carton, adhésif
131 globes tererstres, 7 étagères
350 x 620 x 30 cm
Le XXe siècle a réinventé, comme
l’exposition « Face à l’histoire »
l’avait démontré, une nouvelle
« peinture d’histoire », où la
volonté de témoigner se doublait
d’une détermination engagée face
aux évènements et aux conflits. Cet
intérêt pour l’histoire s’est
épanoui jusque dans les années
70, quand bien même
triomphaient l’art abstrait et le
6 Les Inquiets, Jonna
Mytkowska, Centre Pompidou, espace 315
7 Igor Zabel, We and the
Britiain, Hayward Gallery, London, South Bank
Centre 1989
others, ????
8 Piotr Piotrowski, On
the Spatial Turn, or
Horizontal Art History,
Pop art. Dans les années 80, alors
que certains prêchaient la fin de
l’histoire, l’entrée dans une
« posthistoire » et la fin des
idéologies, en raison d’un supposé
triomphe mondial du modèle de la
démocratie libérale (Francis
Fukuyama), la tendance d’un art
de critique politique ou de Protest
Art, terme utilisé aux Etats-Unis,
ne s’est cependant pas relâchée.
L’artiste conceptuel allemand
Hans Haacke apparaît aujourd’hui
exemplaire de cette orientation,
comme celles du peintre russe Erik
Bulatov ou encore du turinois
Alighiero e Boetti. Contrairement à
ce qu’annonçaient les théories qui
dévoyaient le concept de fin de
l’histoire hégélien, les artistes
n’ont eu de cesse, et de manière
renouvelée depuis la chute du mur
de Berlin en 1989, de faire des
soubresauts de l’histoire
contemporaine le sujet de leur
pratique. La posture de « l’artiste
comme historien », terme forgé
par Mark Godfrey dans la revue
October, a constitué une attitude
dominante dans l’art des trente
dernières années. De plus en plus
d’artistes se penchent en efafet sur
des documents historiques ou
entreprennent des recherches
d’archives, utilisant le plus
souvent l’installation, le film, la
vidéo ou la photographie pour
mettre en forme leurs
investigations. Le critique Dieter
Roelstraete a même décrit un
nouveau tournant
historiographique dans les
pratiques contemporaines
récentes, critiquant. Sophie Duplaix
Umeni/Art, n°5 ?, 2000, pp
578-585 ?
66
67
53
Une histoire.
L’artiste comme historien
Une histoire.
Lijun Fang Sans titre, 2003
Bois, carton, adhésif 350 x 620 x 30 cm
Jean-Luc Vilmouth Café Little Boy, 2002
131 globes terrestres, 7 étagères
Une histoire.
Une histoire.
Jean-Luc Godard
Histoire(s) de cinéma, 1989
Jean-Michel Basquiat
Outgrowth, 2005
350 x 620 x 30 cm
Le XXe siècle a réinventé, comme
l’exposition « Face à l’histoire »
L’artiste suisse Thomas Hirschorn,
l’avait démontré, une nouvelle
installé à Paris en 1984, s’est fait
« peinture d’histoire », où
la
connaître
dans les années 90 avec
volonté de témoigner se ses
doublait
sculptures précaires en matéd’une détermination engagée
riaux face
de fortune, papier, éponges
aux évènements et aux conflits.
Cet exposés en 1994 au Jeu
ou cartons,
intérêt pour l’histoire s’est
de Paume, puis par ses vidéos.
épanoui jusque dans les Selon
années
le procédé du fifty-fifty, qui
70, quand bien même désigne une de ses séries, il retriomphaient l’art abstrait
et le seulement la moitié d’un
couvre
Pop art. Dans les années objet,
80, alors
métaphore d’une utopie
que certains prêchaient la
fin de Ses installations muégalitaire.
l’histoire, l’entrée dans une
séales et dans l’espace public,
« posthistoire » et la fin des
ce qu’annonçaient
les théories qui
d’artistes se penchent en efafet sur
monuments souvent
dédiées à un
idéologies, en raison d’un
supposé
dévoyaient
le concept de fin de
des documents historiques ou
penseur
qui inspire
sa propre
triomphe mondial du modèle
de lapolitique
l’histoire
hégélien,
entreprennent des recherches
réflexion
et sociale,
de les artistes
démocratie libérale (Francis
n’ont
eu deDeleuze,
cesse, et de manière
d’archives, utilisant le plus
Georges Bataille
à Gilles
renouvelée
depuis
la chute du mur souvent l’installation, le film, la
Fukuyama), la tendance d’un
artcaractérisées
se sont
par une
prolidespectaculaire
Berlin en 1989, de faire des
de critique politique ou de
Protest
vidéo ou la photographie pour
fération
parfois
Art, terme utilisé aux Etats-Unis,
soubresauts
depour
l’histoire
mettre en forme leurs
d’éléments non
hiérarchisés
ne s’est cependant pas relâchée.
contemporaine
le sujet de leur
investigations. Le critique Dieter
lesquelles la devise
était : « énergie
Roelstraete a même décrit un
L’artiste conceptuel allemand
pratique.
La posture
oui, qualité non ».
Scotch,
images de « l’artiste
nouveau tournant
Hans Haacke apparaît aujourd’hui
comme
de journaux, objets
dehistorien »,
rebuts, sontterme forgé
exemplaire de cette orientation,
historiographique dans les
par
Mark
Godfrey
accumulés avec
des
textes
d’écri-dans la revue
comme celles du peintrevains
russequ’il
Erik admire,
pratiques contemporaines
October,
dansa constitué
un esprit une attitude
récentes, critiquant l’incapacité de
Bulatov ou encore du turinois
dans
l’art des trente
militant épris dominante
de justice, de
vérité
Alighiero e Boetti. Contrairement
à Outgrowth,
l’art d’aujourd’hui de saisir ou
dernièresglobes
années. De plus en plus
et d’égalité.
terrestres contaminés par des
excroissances et images de guerre,
68
d’attentats et de massacres, alignés
sagement sur des étagères,
confronte le spectateur au
« trop » : trop de guerres, trop de
morts, trop de désespoir, déclare
l’artiste, pour lequel le texte et le
discours est un moyen d’expression privilégié. Réflexion sur la
société contemporaine et ses
maux, sur les conséquences de la
mondialisation et du libéralisme,
l’œuvre de Thomas Hirschorn
invite souvent les spectateurs à
devenir acteurs, pour faire, non
pas de l’art politique, mais « faire
de l’art politiquement ». Avec le
Musée précaire Albinet en 2009,
réalisé avec les Laboratoires d’Aubervilliers, il présente dans un
dispositif sculptural, durant huit
semaines, les œuvres de huit artistes, de Marcel Duchamp à Andy
Warhol - prêtées par le Musée
national d’art moderne et le Fnac
- aux pieds d’une barre d’immeuble, animant des rencontres et
débats. C’est cette même inlassable
énergie qu’il a de nouveau déployée, en 2013, pour son Gramsci
Monument dans le Bronx de New
York.
même de regarder le présent Au
contraire l’obsession envers le
passé domine, à travers
l’excavation du passé, la nostalgie,
ou encore le « reenactment »,
terme utilisé en effet à tout va.
Selon lui, es évènements du 11
Septembre 2001 et la guerre de la
terreur lancée par les Etats Unis
qui s’en est ensuivie n’ont fait que
renforcer cette tendance.
Christina Lucas Pantone -500 + 2007, 2007
Marie-Anne Lanavère
69
Christine Macel
76
77
Une histoire. Design
Une histoire. Design
Gaetano Pesce
Chaise Dalila uno, 2005
350 x 620 x 30 cm
Alessandro Mendini Summer 57/09, 2009
Andrew Kudless Summer 57/09, 2009
Adrien Rovero Summer 57/09, 2009
L’artiste suisse Thomas Hirschorn,
installé à Paris en 1984, s’est fait
connaître dans les années 90 avec
ses sculptures précaires en matériaux de fortune, papier, éponges
ou cartons, exposés en 1994 au Jeu
de Paume, puis par ses vidéos.
Selon le procédé du fifty-fifty, qui
désigne une de ses séries, il recouvre seulement la moitié d’un
objet, métaphore d’une utopie
égalitaire. Ses installations muséales et dans l’espace public,
monuments souvent dédiées à un
penseur qui inspire sa propre
réflexion politique et sociale, de
Georges Bataille à Gilles Deleuze,
se sont caractérisées par une prolifération parfois spectaculaire
d’éléments non hiérarchisés pour
lesquelles la devise était : « énergie
oui, qualité non ». Scotch, images
de journaux, objets de rebuts, sont
accumulés avec des textes d’écrivains qu’il admire, dans un esprit
militant épris de justice, de vérité
et d’égalité. Outgrowth, globes
terrestres contaminés par des
excroissances et images de guerre,
d’attentats et de massacres, alignés
sagement sur des étagères,
confronte le spectateur au
« trop » : trop de guerres, trop de
morts, trop de désespoir, déclare
l’artiste, pour lequel le texte et le
discours est un moyen d’expression privilégié. Réflexion sur la
société contemporaine et ses
maux, sur les conséquences de la
mondialisation et du libéralisme,
l’œuvre de Thomas Hirschorn
invite souvent les spectateurs à
devenir acteurs, pour faire, non
pas de l’art politique, mais « faire
de l’art politiquement ». Avec le
Musée précaire Albinet en 2009,
réalisé avec les Laboratoires d’Aubervilliers, il présente dans un
dispositif sculptural, durant huit
semaines, les œuvres de huit artistes, de Marcel Duchamp à Andy
Warhol - prêtées par le Musée
national d’art moderne et le Fnac
- aux pieds d’une barre d’immeuble, animant des rencontres et
débats. C’est cette même inlassable
énergie qu’il a de nouveau déployée, en 2013, pour son Gramsci
Monument dans le Bronx de New
York.
Christine Macel
82
Flammarion
83
11
Art FRANKFURT 14
Art Brut
Art Brut
Collection abcd
The Authors
Bruno Decharme is a collector who has gathered the
world’s largest Art Brut collection.
Barbara Safarova is a lecturer in aesthetics.
Philippe Dagen is an art historian and art critic for the
newspaper Le Monde. His numerous books include
Le peintre, le poète, le sauvage published by Flammarion.
COLLECTION abcd
-------BRUNO DECHARME
Bruno Decharme
Barbara Safarova
Philippe Dagen
Key Sales Points
The Work
This work presents the world’s largest Art Brut
collection, gathered over a period of thirty years by
Bruno Decharme.
Consisting of 3,500 pieces by 300 artists from the
mid-nineteenth century until today, this impressive
ensemble brings together works from many countries,
produced in asylum contexts or else individually in
cities or the countryside.
The concept of Art Brut, also known as Outsider Art,
theorised in 1945 by Jean Dubuffet, is unique in that it
derives from no artistic lineage, even within this
particular stream of art. By shifting these creations into
the field of art, Dubuffet worked a radical change in
paradigm, inviting us to modify the way in which we
consider art.
Indeed, these artists often create with an entirely
different intention than that of making art: their works
are produced, for example, as messages to God, the
accomplishment of a mission, a form of communication
with spirits, or protective talismans.
Prone to disorders and all types of life difficulties,
through their visions that can be described as crazed,
each of them nonetheless touches upon a form of
knowledge that echoes the fundamental issues
concerning us all: what is the meaning of life on Earth?
The intermingling gazes of scientists, psychiatrists,
musicologists, art historians and philosophers
introducing each thematic chapter bring new insights
on this singular art, further enriched by the seminal
essays of Philippe Dagen and Barbara Safarova.
12
Flammarion
• A reference book on Art Brut aimed at neophytes
and specialists alike.
• The world’s largest Art Brut collection including
works by artists from all over the world.
• A selection of 300 outstanding works from the 120
most significant artists from this collection.
FORMAT: 246 x 294
PAGES: 398
ILLUSTRATIONS: 350
BINDING: Japanese binding and slipcase
PAPER: 150 g
WORDS: 41 600
PRICE: 49.90 €
PUBLICATION DATE: October 2014
Table of Contents
« Marie Madeleine Madonne
Chère Maman au Ciel
Sainte mère de Dieu, douce
Maman divine,
Laisse-moi rentrer
Auprès de ma petite maman
Laisse-moi partir de cette clinique
Pour rentrer à la maison.
- World’s origins
- Formal repetitions
- Metamorphoses
- Magic objects
- Writings/messages/secret codes
- Scientific inventions
- Mental cartography
- Imaginary architectures
- Power/war
- Eros
- Saving the world
«
August Walla
Nom Artiste, Titre de l’œuvre (détail), 1958, technique, 000 x 000 cm
258
259
« Je monterai, vers le Trône de Dieu :
Lui, il aura vite fait d’arranger ça. «
168
Adolf Wölfli
169
330
331
Nom Artiste, Titre de l’œuvre (détail), 1958,
technique, 000 x 000 cm
14
Flammarion
15
13
Art FRANKFURT 14
Sonia Delaunay
Sonia Delaunay
Cécile Godefroy
The Author
Cécile Godefroy is co-curator of the Sonia Delaunay
retrospective to be held at the Musée d’Art Moderne
de la Ville de Paris (Fall 2014) and the Tate Modern
(Spring 2015). An author of essays on modern and
contemporary art, she has previously contributed to
the exhibition catalogues Décor & installations (Dilecta,
2011) and Decorum – Tapis et tapisseries d’artistes
(Skira-Flammarion, 2013).
The Work
Sonia Delaunay (1885–1979) is primarily known as
the wife of painter Robert Delaunay. And yet her role
was decisive in the major art revolution that was
abstraction. During the Great War, then throughout
the Roaring Twenties and up until the Second World
War, she fully participated in artistic research on
“Simultanism” through her creative dialogue with
Robert, while carrying out her own experiments on
an abundance of materials, posters, bindings, but above
all textiles and dressmaking. Sonia Delaunay extended
painting to the applied arts and fashion in her desire
to unify the arts and to bring them closer to everyday
life. The artist paid particular attention to showing off
her works through her extraordinary window displays
that turned shop fronts into an art form, as well as her
advertising projects for Vogue and her fashion and
interior-design photographs.
This work sheds light on the artist’s career from a new
perspective, placing a focus on the creative dynamic
that drove her to constantly shift between painting
and the applied arts, enriching each discipline with
insights from the other.
Key Sales Points
• A reference work that will also interest the general
public, exclusively devoted to Sonia Delaunay’s work,
first of its kind in a long time.
• An original approach to her multiform art and the
dialogue between disciplines that she conveys.
FORMAT: 215 x 215
PAGES: 176
ILLUSTRATIONS: 193
BINDING: Softcover
PAPER: 150 g
WORDS: 33 000 approx.
PRICE: 25.50 €
14
Flammarion
Table of Contents
- Fashion democratisation: “fabric-templates”
- Fashion images and the Simultané trademark
- Abstraction and kinetic art: the art of the window
display
- From textile to architecture
- At the root of “Simultanism”
- The Casa Sonia, the beginnings of success
- Dadaist inspiration: unique piece and subversion
- The Simultané Atelier and the House Sonia Delaunay
Edward Hoppé, photographie de Sofia Fedorova dans le rôle
de l’esclave, costume de Sonia Delaunay pour le ballet Cléopâtre,
1918, E.O. Hoppé Estate Collection
36
Anonyme, photographie de mode : modèle portant une robe de Sonia Delaunay, 1927, fonds Pracusa
L’ATELIER
ET
maison Myrbor que dirige Marie Cuttoli. Après
avoir été à la tête des fabriques ukrainiennes de
Les préparatifs de Verbovka et de Skoptsy avec
l’Exposition inter- Alexandra Exter, Natalia Davydova
nationale des arts émigre à Paris en 1923 et ouvre un
décoratifs et inatelier de couture, remettant au
dustriels mogoût du jour un ancien point de brodernes de 1925 fa- derie utilisé pour les habits sacerdovorisent la reprise taux et les ornements liturgiques de
de l’industrie fran- l’église orthodoxe slave. Elsa Triolet
çaise du textile et vend des bijoux et des articles de
de la mode. Tandis mode, et Iliazd, Paul Mansourov et
que la vie monLeopold Survage collaborent
daine bat son
plein, les maisons
Veste Arlequin, 1928, crêpe de Chine, soie imprimée, Palais Galliera,
musée de la Mode de la Ville de Paris
de couture fleurissent entre Paris,
Cannes, Biarritz et
Deauville, et les
femmes sont désormais nombreuses à faire
carrière dans la mode ou la décoration intérieure, à l’image de Gabrielle Chanel, Elsa
Schiaparelli, Marie Cuttoli, Evelyn Wild ou
Eileen Gray. Les émigrées de la révolution
russe élisent aussi Paris pour ouvrir leur commerce de mode, se spécialiser dans l’impression textile, ou intégrer plus modestement les
ateliers de couture comme brodeuses, vendeuses et mannequins. Natalia Gontcharova,
créatrice de textiles pour Nadezda Lamanova
depuis 1912, dessine des robes pour la
LA MAISON
SONIA DELAUNAY
SIMULTANÉ
37
1. Malochet, 2002.
2. Delaunay, Sonia, 1978, p. 101.
Edward Hoppé, photographie de Lydia Sokolova dans le rôle
de Ta-Hor, costume de Sonia Delaunay pour le ballet Cléopâtre, 1918,
E.O. Hoppé Estate Collection
Quatre projets de châles pour le ballet Cléopâtre, 1918, aquarelle,
31 × 9,5 cm chacun, collection particulière
Edward Hoppé, photographie d’Viacheslav Sroboda
dans le rôle d’Amoûn, costume de Sonia Delaunay pour
le ballet Cléopâtre, 1918, E.O. Hoppé Estate Collection
L’artiste consigne dès
lors ses études textiles
dans de grands registres reliés de toile
noire. Annette Malochet a étudié la
complexité de ce système de notation
qui précède de quelques mois l’inauguration de l’atelier dit Simultané
é et en
accompagne l’histoire jusqu’à sa fermeture en 1934 1 : les « livres noirs » témoignent de la richesse et de la diversité d’une pratique corollaire à la
peinture qui constitue pendant dix années l’essentiel de la production de
l’artiste. Les centaines de gouaches et
de dessins à l’encre répertoriés sont
des gammes de couleurs destinées à
recouvrir l’intégralité d’un tissu ou à
décorer un article – extrémité brodée
d’une écharpe, lisière d’un chapeau,
ourlet d’un manteau, bordure d’un
tapis : « Les nouveaux rapports de
couleurs exprimés par les plans géométriques pourront toujours s’exprimer sur n’importe quelle matière qui
Publicité Godau-Guillaume-Arnault, L’Officiel de la couture, de la mode de Paris,
leur servira de support 2. » L’artiste dé1925, nº 44, p. 72, Les Éditions Jalou
cline les motifs élus à partir de couleurs définies dont elle exerce les mulsuccessivement avec Sonia
tiples rapports au moyen de contrastes – Nuit
Delaunay et Gabrielle Chanel.
(Outremer) et Cerise (Vermillon), par
L’impulsion est donnée à Sonia exemple – ou de subtils camaïeux – Marron,
Delaunay lorsqu’en 1923 le soyeux
Beige, Jaune et Vert. Delaunay relève que le
lyonnais J.-B. Martin lui commande « décalage est à la genèse de ce rythme, les
cinquante projets de tissus voués à
couleurs sont simultanées, elles obéissent à des lois
être reproduits industriellement.
nouvelles de contrastes de couleurs, de surfaces de
62
63
Mosaïque, 1954, tesselles en pâte de verre sur lit de ciment sur châssis en bois, 110 × 308,5 × 4 cm,
Centre Pompidou, MNAM-CCI, Paris
166
Flammarion
167
15
Olivier Gabet
The Author
Olivier Gabet, director of the Musée des Arts
Décoratifs, specializes in the decorative arts of the
19th century. He co-edited the reference work on the
Louvre Abu Dhabi collections, Louvre Abu Dhabi,
Naissance d’un musée (Flammarion, 2013).
The Work
Adopting the bold angle of focusing exclusively on the
prestigious collections of the Musée des Arts
Décoratifs, the Musée Guimet, and the Musée d’Orsay,
three key institutions for writing this history of
Japonism and its impact, this work sets out to examine
the formal influences and artistic dialogues between
the West and Japan, from their origins to the present
day.
When Japan opened its doors to the West, from the
second half of the 19th century, at the advent of the
well-known Meiji era, artists and art dealers in Paris,
London, Vienna and New York were fascinated to
discover the richness and originality of this culture.
Japanese creativity and traditions turned into the
linchpins of Western modernity, a source of renewal
for the latter’s ideas and inspirations.
Painters, jewellers, designers, architects and fashion
designers, from Manet to Degas, not forgetting
Toulouse-Lautrec and Gauguin, from Bracquemond to
Hoffman, from Madeleine Vionnet to Mallet-Stevens…
all contemplated and admired this art from Asia, all
were collectors of Japanese prints, ceramics, lacquers
and textiles, notably showcased during the World
Fairs.
From the discovery of Japanese architecture and the
importance of the Paris World Fairs (Expositions
Universelles) to Japonism in Art Déco or Japanese
contemporary design, from the first French collections
of Japanese textiles to French and Japanese fashion
designers, the book offers an original approach to a
rarely covered theme: Japan influencing, then influenced
by the gaze cast by the West over its artistic history.
16
Flammarion
Key Sales Points
• Richly illustrated thanks to a diversity of sources
and domains, from painting (Manet, the Nabis) and
prints to the decorative arts and fashion.
• A beautiful, impeccably finished object, whose
refinement matches that of this artistic trend.
FORMAT: 245 x 335
PAGES: 240
ILLUSTRATIONS: 220
BINDING: Hardcover
PAPER: 150 g
WORDS: 42 000
PRICE: 55 €
PUBLICATION DATE: December 2014
Art FRANKFURT 14
Japonismes
JAPONISMES
Japonism
Table of Contents
- 1850-1880
The discovery of Japanese architecture
- 1880-1910
The second wave of Japonismin paintings
in the Musée d’Orsay collections
The first Japanese textile collections in
France
> 
> 
> 
> 
> 
> 
- 1900 to the present day
Japonism in fashion
From Worth to Madeleine Vionnet
Japan as seen by the West
Japanese fashion designers in Paris
Japan and contemporary design
20
21
Émile Guimet
(1836-1918)
> 1 / Kimono de femme et son obi à décor de chrysanthèmes / Pièce destinée à l’exportationJapon,
Kyoto, début XXe siècle / Soie brodée, 145,5 x 128 cm
> 
> 
> 
Fils d’un industriel lyonnais et d’une mère peintre, Émile Guimet a très tôt le
goût de tous les arts. D’abord collectionneur d’art occidental, il se passionne
pour les religions et les civilisations extra-européennes dans la mouvance de
l’orientalisme et du comparatisme caractéristiques de son temps.
Son premier voyage hors d’Europe le conduit en Égypte en 1865-1866 et
confirme un désir de collection qui le conduit à ouvrir un musée à Lyon. En
1884, avec l’appui de Jules Ferry, il décide le transfert de l’essentiel des œuvres
à Paris pour un projet de musée des religions qui est inauguré place d’Iéna en
1889. En reconnaissance de l’importance du don des collections à l’État, son
fondateur en est nommé directeur à vie.
En 1876, Guimet avait effectué un voyage au Japon à l’instigation du ministère de
l’Instruction publique, pour étudier les religions locales. Parti du Havre pour un
tour du monde, il rencontre à l’Exposition universelle de Philadelphie le peintre
Félix Régamey, déjà grand connaisseur du Japon. Ce dernier l’accompagne dans
un voyage qui les mène, d’août à novembre, de Yokohama à Kôbe en passant
par Kamakura, Tôkyô, la route du Tokaido, Ise et Kyôto. Outre les peintures de
Régamey marquant diverses étapes dans des lieux marquants du pays, Guimet
rapporte à Paris quelque 300 peintures et plus de 600 sculptures.
La connaissance de l’art japonais qu’a Émile Guimet quand il arrive au Japon est
constituée d’œuvres vues à Paris et concrétise des émotions au contact du pays et
de ses habitants : « Lorsqu’après [sic] vingt-trois jours de traversée on entrevoit les
terres japonaises dessiner, dans les brumes du matin, leurs silhouettes étranges,
une double émotion envahit l’âme. Au plaisir bien légitime d’arriver au port vient
s’ajouter la joie de toucher enfin à ce pays presque fantastique que le dix-huitième
siècle nous fait deviner sur des laques, des paravents, des porcelaines et des ivoires
[…] C’est vraiment une impression singulière de se sentir vivre au milieu de ce
peuple si vivant et si étrange. À chaque instant, on retrouve un aspect, une pose,
un groupe, une scène qu’on a déjà vus sur des faïences [sic] ou des peintures ; et
la scène est réelle, le groupe vous sourit, la pose n’est pas une fiction, l’aspect n’est
plus un rêve » (Promenades japonaises, 1878).
Émile Guimet appartient au deuxième moment du japonisme. À Paris, il est
en contact, à la fois du fait de sa personnalité et de sa position institutionnelle,
avec le milieu des marchands et des savants. Des manifestations réunissant
amateurs et spécialistes ont pour cadre son musée de la place d’Iéna. Outre
les arts religieux, il avait, au cours de son voyage, découvert le peintre Kyôsai
Kawanabê. Il le considère comme l’héritier de Katsushika Hokusai et le fait
connaître en France : Kawanabe figurera dans l’exposition de Louis Gonse en
1883 et fera partie des collections de Philippe Burty, Charles Gillot et Samuel
Bing. Il entrera du vivant de Guimet dans les collections du musée.
> 
95
> 
> 
> 
92
61
152
132
Flammarion
> 
> 
> 
> 
60
153
17
ESSOR
DE L’EMPIRE
CÉLESTE
Les Han, l’essor de la Chine impériale
Eric Lefebvre
Huei-chung Tsao
The Authors
Eric Lefebvre, curator in charge of Chinese painting
collections at the Musée National des Arts Asiatiques
– Guimet, and Huei-chung Tsao, research associate in
the museum’s Chinese section, are the two curators of
this exhibition.
Flammarion
Key Sales Points
The Work
For nearly 400 years (206 B.C.–220 A.D.), the Han
dynasty gathered and enlarged a territory stretching
from the far reaches of the steppes to the north of
the Indochinese peninsula, relying on a hierarchical
administration, an agricultural economy and diplomatic
relations promoting distant alliances and exchanges,
mainly through the Silk Road.
The Hans, The Rise of Imperial China offers an overview
of all artistic creations by the Hans, from delicate
objects to monumental sculptures. The works
presented – bronzes, ceramics and lacquer objects,
many of which held funerary functions – allow readers
to access all aspects of this society: the imperial
political life and the aristocratic lifestyle as well as the
economy, via archaeological discoveries of agricultural
tools, weapons, and also coins, weights and measures,
and everyday activities such as writing, cooking,
costumes, music and entertainment.
The evidently ethnographic dimension of this subject
is supported by rich documentation presented via
boxed texts on archaeological sites. The work is
illustrated by cross-sections and details, geographical
maps of sites and princely tombs, as well as a dual
timeline showing historical events and sovereigns.
• A key reference work offering a global approach to
understanding all aspects of the Han dynasty.
• 140 exceptional artworks stemming from
archaeological discoveries, some new to the public.
• Rich pedagogical documentation: maps, timelines of
events and sovereigns, bibliography, index.
FORMAT: 240 x 280
PAGES: 256
ILLUSTRATIONS: 250
BINDING: Hardcover
PAPER: 150 g / 120 g
PRICE: 42 €
18
Flammarion
Art FRANKFURT 14
The Hans, The Rise
of Imperial China
QUELQUES TRAITS D’HISTOIRE CULTURELLE DES HAN
par Wang Zijin, professeur à l’université du Peuple, Pékin
Durant les quelque quatre siècles de la période
Han, la civilisation chinoise connut de profonds
bouleversements, et la nation chinoise de remarquables
avancées. Le bassin du fleuve Jaune, la vallée du fleuve
Bleu et le delta de la rivière des Perles délimitent
la scène sur laquelle se déroule l’histoire de cette
dynastie. À cette époque, la «Grande Unité», c’est-àdire la centralisation du pouvoir, prend forme en tant
que système politique. L’agriculture, qui constitue la
principale ressource économique, prend son essor et la
richesse matérielle progresse de façon spectaculaire.
Le lent mélange des cultures locales donne naissance
à une nouvelle forme de culture, plus cohérente. Enfin
l’institution du confucianisme en tant qu’idéologie
légitime le pouvoir impérial, influençant durablement
les époques suivantes.
Évolution historique de la dynastie Han
En 221 avant J.-C., après plusieurs années de
conquêtes guerrières sous les Royaumes combattants,
Ying Zheng 1, roi de Qin, réalisa l’unification du pays
la 26e année de son règne. Mais l’empire Qin fut de
très courte durée. En 206 avant J.-C., cette dynastie fut
renversée par des révoltes populaires. À la chute des
Qin, Xiang Yu, le général le plus puissant des troupes
rebelles, avait la main sur la région nord du Shaanxi.
Cependant, comme il n’avait pas la maîtrise totale de
l’ensemble du territoire, les rivalités entre les marquis
se ravivèrent et le chaos recommença. Liu Bang,
habile politicien, récupéra la région nord du Shaanxi
comme base d’appui et obtint le soutien de nombreux
ministres compétents et de guerriers courageux. Enfin,
il l’emporta sur Xiang Yu et fonda la dynastie des Han
avec pour capitale Chang’an. L’histoire désigne cette
dynastie sous le nom des Han de l’Ouest.
Durant les premières années des Han de l’Ouest,
la situation politique resta très complexe. La situation
économique était mauvaise et les menaces extérieures
particulièrement fortes. Liu Bang, entouré de ses
ministres, s’efforça de stabiliser le pouvoir des Han.
Après son décès, l’impératrice Lü Zhi 2 régna. Puis lui
succédèrent Liu Heng, empereur Wendi (r. 180-157
av. J.-C.), et Liu Qi, empereur Jingdi (r. 157-141 av. J.-C.).
Les règnes de Wendi et Jingdi durèrent trente-neuf
ans, durant lesquels le pouvoir fut stable et l’économie
connut un développement remarquable. L’époque
fut considérée comme un modèle de stabilité et de
prospérité, qu’on baptisa Wen Jing zhi zhi («Règnes de
Wen[di] et Jing[di]»).
L’empereur Wudi régna cinquante-quatre ans (de
141 à 87 av. J.-C.), une durée particulièrement longue
pour un souverain de la Chine ancienne. Sous son
règne, la dynastie des Han de l’Ouest connut son
apogée. Le pays fut consolidé autour de l’ethnie Han,
mais dans un contexte multiethnique. Les principaux
traits de la culture chinoise prirent forme. La Chine dès
lors se manifesta comme un État civilisé et puissant,
avec une culture à part entière. L’époque de Wudi
41
cat. 1
Animaux fabuleux tianlu et bixie
Han de l’Est
Pierre
L. 216 cm
Découverts en 1991, site de Shenjiaqiao
(Xianyang, province du Shaanxi)
Musée de la Forêt de stèles, Xi’an
Les deux animaux fabuleux tianlu et bixie étaient placés à l’entrée
des tombes princières et de celles des plus hauts fonctionnaires de
l’empire. Ils avaient pour fonction d’en protéger l’accès. Le terme tianlu
est une allusion aux émoluments célestes et l’animal, en charge des
richesses accordées par le Ciel, est l’expression d’un bon augure. Bixie,
pour sa part, tire son origine de la prononciation chinoise du mot
sanskrit signifiant «grand lion», et sa transcription se rapporte à l’idée
de chasser les esprits malfaisants et d’écarter les mauvaises influences.
Sous la dynastie Han, ils étaient généralement utilisés par paire,
comme gardiens des tombes, leur puissance surnaturelle défendant
celles-ci contre les esprits néfastes qui pouvaient tourmenter le défunt
et contrarier l’ascension de son âme vers les sphères célestes.
Le tianlu et le bixie prennent l’apparence de lions, de tigres ou de tout
autre fauve d’aspect menaçant et rugissant, mêlant fréquemment les
attributs de diverses créatures, réelles ou fantastiques, ce qui en fait
des êtres merveilleux. Le bixie arbore une longue crinière qui renforce
64
cat. 82
Costume à manches courtes
Han de l’Est ou dynasties Wei-Jin
Damas de soie
L. 88 cm, l. 64 cm
Découvert en 2003, tombe 3, Loulan
(district de Ruoqiang, province du Xinjiang)
Institut d’archéologie du Xinjiang
Ce vêtement, confectionné pour un enfant, est très détérioré et, outre
les multiples déchirures qu’il présente, il lui manque l’intégralité de la
manche droite. Le col est croisé, les manches courtes sont plissées et
évasées, les pans amples, et la taille serrée d’une ceinture. Le vêtement
combine une broderie géométrique bleue qui en constitue le tissu
principal et une soie brute de couleur blanche, rouge et brune, utilisée
pour les manches et les bordures.
Ce style de vêtement est original et tranche sur les tenues ordinairement
portées à cette époque dans la Plaine centrale. Cela étant, les vestiges
issus des fouilles de Niya et les peintures murales de Loulan, deux
cités de la route de la soie, figurent des costumes similaires et attestent
la présence de ce type de toilette dans cette région prospère, au
croisement des influences apportées de Chine, d’Asie centrale et des
steppes septentrionales.
160
son allure fière et majestueuse. Le tianlu, d’allure élégante, est plus
efflanqué. Tous deux possèdent parfois des ailes, repliées sur les flancs.
Leur forme même prend sa source dans les représentations
ornementales de la faune réelle et mythique des Royaumes combattants
(453-221 av. notre ère), petites figurines sculptées en ronde bosse ou
gravées sur les parois des chambres funéraires. Leur image se fixe
progressivement au cours de la dynastie Han sous l’apparence de ces
félins hybrides et merveilleux, du plus réaliste, comme c’est le cas ici,
au plus fantastique, au moment où s’élabore une statuaire funéraire
monumentale à l’extérieur des tombes.
65 LE FILS DU CIEL : PIVOT DU SYSTÈME IMPÉRIAL
cat. 83
Collier
Époque des Han
Verre et autres matériaux
Perle la plus longue: 2,9 cm, D. 0,8 cm
Découvert en 1984, site de Shanpula
(district de Luopu, province du Xinjiang)
Musée de la région autonome ouïghoure
du Xinjiang
Ce collier assortit deux grosses perles en forme d’ellipse parcourues
d’arabesques à plus de trente autres perles plus petites, liées par un cordon
de laine jaune.
La majorité des perles d’époque Han mises au jour ont la forme cylindrique
légèrement aplatie caractéristique des boules d’abaques chinois. Celles-ci
présentent au contraire une forme elliptique plus ou moins allongée. La
couleur bleue y est dominante. Elles s’apparentent aux autres perles
retrouvées dans la province du Xinjiang, ces territoires de l’Ouest avec
lesquels la Chine des Han commerçait et affichent un style exotique
fortement teinté des influences de l’art d’Asie centrale. Ces perles du
Xinjiang témoignent d’un savoir-faire à la fois maîtrisé et libre, mêlant
divers motifs de ronds, de points ou d’anneaux cerclés ressemblant au
dessin d’un œil, ou encore de lignes sinueuses évoquant les ondulations
de la surface de l’eau. Ce collier, qui nous est parvenu intact, conçu
avec simplicité, permet de mettre en perspective l’introduction et le
développement de ces perles de verre sur le sol chinois.
161 AUX FRONTIÈRES DE L’EMPIRE, NAISSANCE DE LA ROUTE DE LA SOIE
*65*,7;065:+,3»(<+,3±
S’ils reflètent largement l’organisation du monde des vivants,
les objets exhumés dans les tombes de l’époque des Han illustrent
également les conceptions relatives à l’âme, à l’au-delà et aux
entités qui y résident. Parmi ceux qui entourent le défunt lors de
l’inhumation, un certain nombre de pièces en jade sont revêtues
d’une signification particulière. Les vertus de protection du corps
qui leur sont attribuées précèdent l’époque des Han. Néanmoins,
c’est dans le cadre des tombes princières Han, qui associent le
costume de jade recouvrant le défunt (cat. 104) aux pièces de jade
obturant les orifices du corps, que ces objets peuvent être compris
comme les éléments d’un dispositif garantissant l’intégrité du
corps dans la perspective d’une mutation vers l’au-delà.
Différents textes chinois de l’époque des Han, comme le Huainanzi, montrent
une conception dualiste de l’âme, de sorte qu’après le décès l’âme appelée
hun aspire au ciel, et l’âme appelée po à la terre. Les rites funéraires étaient
largement organisés en fonction de cette conception. Le rituel du rappel
de l’âme, au cours duquel on recourait à l’usage de bannières (cat. 106),
témoigne de l’aspiration céleste de l’âme hun. La représentation du soleil et
de la lune sur les bannières funéraires, dès l’époque des Han de l’Ouest, et
dans le décor mural des tombes des Han de l’Est, symbolise l’espace céleste.
Cette évocation du ciel est souvent complétée par la figuration des quatre
Flammarion
19
Art FRANKFURT 14
Gods and Desire
Le Désir et les Dieux
Quand la mythologie nous parle d’amour
Yves Bonnefoy
Françoise Frontisi-Ducroux
Jérôme Delaplanche
The Authors
Yves Bonnefoy is an honorary professor at the
Collège de France. His multiform works defy
classification (poetry, essays, translations) and have
made him into one of the major figures in French
literary and intellectual life since the 1950s. He has
been translated into some thirty languages including
English, Japanese, Italian, German and Spanish.
Hellenist and honorary deputy director at the Collège
de France, Françoise Frontisi-Ducroux is the author of
many works on Ancient Greece, and contributed to the
Dictionnaire des mythologies edited by Yves Bonnefoy.
Jérôme Delaplanche, an art historian, works for the
Louvre Abu Dhabi and is currently a resident at the
Villa Médicis.
Key Sales Points
• An invitation to rediscover mythology through
thirty mythical love stories illustrated by 120
masterpieces.
The Work
The “love affairs of the gods” is at the heart of this work
that presents countless episodes in the romantic
exploits of mythological gods: Jupiter transforming
himself into a swan to conquer Leda, into golden
showers to seduce Danae, into an eagle to abduct
Ganymede, into a white bull to win over and ravish
Europe; Mars and Venus, Apollo and Daphne, Ulysses
and Calypso…
These are also tales that have been interpreted by
artists including Rubens, Titian, Poussin, Girodet,
Tintoret, Bernin, and Botticelli in masterpieces
magnificently represented here.
Even more than heroic feats and warring conquests,
love in all its forms and nuances is the dominant theme
of Greek mythology. An inexhaustible source of
inspiration for painters, mythological subjects
permitted artists to represent nudes at an era when
religious painting and Christian morality predominated,
namely in Italy during the Renaissance (15th century).
The perfect anatomy of these figures is a reference, an
epitome of beauty.
This book extends to contemporary readers the
essential keys for understanding the works of classical
heritage where ancient mythology is ubiquitous.
20
Flammarion
FORMAT: 190 x 250
PAGES: 256
ILLUSTRATIONS: 120
BINDING: Hardcover
PAPER: 170 g
WORDS: 60 000
PRICE: 35 €
Ce récit n’est pas un mythe comme les autres. C’est une œuvre
d’écrivain. Un conte, écrit par Apulée, auteur latin d’origine berbère, du second siècle de notre ère, qu’il insère dans son long
roman, L’Âne d’or ou les Métamorphoses. On reconnaît, dans
l’enchaînement des séquences, bien des motifs traditionnels,
la beauté surhumaine, la jalousie des soeurs, la méchante bellemère, le mariage avec le monstre, la curiosité féminine... Mais
il innove : Cupidon, d’instigateur du désir devient héros de
l’histoire, à la fois acteur et victime. Et Vénus tient le rôle de la
persécutrice que les mythes attribuent à Junon.
Apulée, qui est un philosophe et un savant, s’amuse ici et
amuse ses lecteurs érudits. Bien plus tard La Fontaine et Molière
en amuseront Louis XIV et sa cour. Mais entre temps le conte,
devenu « mythe de Psyché » aura subi de très sérieuses interprétations, à commencer par les auteurs chrétiens : errances de l’âme
vouée à l‘immortalité mais prisonnière du corps ; la lampe : la
flamme de la passion ; la goutte d’huile brûlant Cupidon : le
stigmate du péché s’imprimant dans notre chair ... tout ceci en
attendant la psychanalyse.
20
LE DÉSIR ET LES DIEUX
L’A M O U R E T P S YC H É
21
Apollon
et
DAPHNÉ
Il était une fois un roi et une reine qui avaient trois filles,
toutes trois fort belles : début des plus conventionnel. La troisième
fille, Psyché, est si belle qu’on l’honore comme une déesse, ce qui
récit
n’est
pas
un mythe comme les autres. C’est une œuvre
suscite la jalousie de Vénus. Elle demande Ce
donc
à son
fils
Cupidon
conte, écrit
de punir la jeune fille en lui inspirantd’écrivain.
un amourUn
dégradant
pourpar Apulée, auteur latin d’origine berbère,est
duséduit,
second
siècle de
une créature abjecte. Le dieu, en la voyant
et suscite
unnotre ère, qu’il insère dans son long
L’Âneà d’or
ou les Métamorphoses. On reconnaît, dans
oracle ordonnant de livrer la jeune filleroman,
en mariage
un monstre.
l’enchaînement
séquences, bien des motifs traditionnels,
Abandonnée sur un rocher, la fiancée
se livre au des
désespoir,
la et
beauté
surhumaine,
jalousie des soeurs, la méchante bellelorsqu’elle se sent enlevée dans les airs
se retrouve
en un la
lieu
mère, le mariage
avec
le monstre, la curiosité féminine... Mais
délicieux, prairie fleurie et palais merveilleux,
où elle est
servie
il innove
Cupidon,
du désir devient héros de
par des voix invisibles. Invisible aussi est
l’époux :qui
la rejointd’instigateur
sur
foisses
acteur
et victime. Et Vénus tient le rôle de la
la couche nuptiale et lui interdit de l’histoire,
chercher àà la
voir
traits.
persécutrice
que lesfinit
mythes
D’abord docile, mais s’ennuyant un peu,
la crédule Psyché
par attribuent à Junon.
Apulée,
est un philosophe
et un savant, s’amuse ici et
se laisser circonvenir par ses sœurs jalouses,
qui la qui
persuadent
de
amuse ses lecteurs
se débarrasser de son mari, un monstrueux
serpent, érudits.
disent- Bien plus tard La Fontaine et Molière
en amuseront
Louis XIV
et sa cour. Mais entre temps le conte,
elles. Armée d’une lampe et d’un poignard,
Psyché découvre
avec
devenu
« mythe
de sont
Psyché
» aura subi de très sérieuses interprétaravissement son époux : « Dieux immortels
! est-ce
ainsi que
faits
tions,
commencer
les monstres ? Comment donc est fait ce que
l’on à
appelle
Amour ?par
Queles
tu auteurs chrétiens : errances de l’âme
vouée
à l‘immortalité
mais prisonnière du corps ; la lampe : la
es heureuse Psyché ! Divin époux, pourquoi
m’as-tu
refusé si longtemps
flamme de la passion ; la goutte d’huile brûlant Cupidon : le
stigmate du péché s’imprimant dans notre chair ... tout ceci en
attendant la Lpsychanalyse.
E DÉSIR ET LES DIEUX
20
17
L’A M O U R E T P S YC H É
21
Heinrich Füssli
Psyché et l’Amour, 1798
Le récit des amours de Cupidon et de la jeune
OoDPRXUODERQQHFKÃUHHWLQVSLUÃUHQW
Psyché est l’un des plus riches en péripéties parmi
XQHSRÄVLHGLWHDQDFUÄRQWLTXH»OD5HQDLVVDQFH
les histoires amoureuses de la mythologie.
Les deux toiles manifestent un goût certain
L’iconographie est ainsi particulièrement variée et
SRXUXQÄURWLVPHGÄOLFDWTXLÄYRTXDLWSRXU
abondante. Plusieurs artistes en ont fait
ODVRFLÄWÄGHOD5HVWDXUDWLRQOHUDƯQHPHQWGH
le récit dans des cycles narratifs complexes.
Oo$QFLHQ5ÄJLPH/DWRLOHGH3LFRWLQVWDOOHODVFÃQH
Concernant les œuvres indépendantes illustrant
GDQVXQSDODLVDQWLTXHRXYUDQWVXUXQMDUGLQ
XQÄSLVRGHVSÄFLƬTXHGHOoKLVWRLUHRQSHXW
HWPRQWUHOo$PRXUTXLVoÄFKDSSHVLOHQFLHXVHPHQW
GLVWLQJXHUWURLVHQVHPEOHVLFRQRJUDSKLTXHV
HQÄFDUWDQWXQULGHDX/oKDUPRQLHFKURPDWLTXH
principaux. Le premier concerne la scène du lit
XQLƬHVDQVDXFXQHGXUHWÄOoDWPRVSKÃUHGRXFH
autour du mystère de l’apparence de l’amant
de ce moment. Le dessin est très pur dans ses
GH3V\FKÄODGÄFRXYHUWHGHVDEHDXWÄOoÄYHLOGX
OLJQHVƬGÃOH»OoHVWKÄWLTXHQÄRFODVVLTXH
dieu par la brûlure de la lampe à l’huile et
PDLVLOFHUQHOHVFRQWRXUVVDQVDXFXQHGXUHWÄ
sa fuite. Le deuxième moment tourne autour
la lumière venant envelopper les formes avec
GHOoDVVRXSLVVHPHQWPRUWHOGHODMHXQHƬOOH
douceur et précision. Le corps abandonné
son éveil par le baiser de l’Amour et le moment
dans son sommeil lumineux de Psyché comme
où celui-ci l’emporte au ciel pour rejoindre
ODJU½FHMXYÄQLOHGXMHXQHJDUÂRQ»ODSHDXOLVVH
OHVGLHX[GDQVVRQWULRPSKH(QƬQHQSOXVGH
IDVFLQHQW/HFKDUPHLQƬQLGHFHWWHSHLQWXUH
FHVGHX[VFÃQHVQDUUDWLYHVOoLFRQRJUDSKLH
PDVTXHWRXWHIRLVOHFDUDFWÃUHWUÃVSURVDÊTXHGX
de l’Amour et Psyché s’est aussi attardée sur
VXMHW{OHGÄSDUWGHOoDPDQWOHPDWLQDYDQWTXH
la représentation des personnages dans les bras
son partenaire ne s’éveille !
OoXQGHOoDXWUHFRPPHXQHPÄWDSKRUHGH
0DLVXQHQXLW3V\FKÄSRXVVÄHSDUODFXULRVLWÄ
OoXQLRQV\PEROLTXHGHOo$PRXUHWGHOoPH
GÄFLGHGHFRQQDÉWUHOoDSSDUHQFHGHVRQDPDQWTXL
/HSUHPLHUSÏOHLFRQRJUDSKLTXHWRXUQHGRQF
QHODUHMRLJQDLWTXHGDQVOoREVFXULWÄ
autour de la couche nuptiale. Le peintre
(OOHUDSSURFKHODOXPLÃUHGoXQHODPSH»OoKXLOH
QÄRFODVVLTXH)UDQÂRLV¤GRXDUG3LFRWSHLQW
HQSHQGDQWVRQVÄMRXUGHFLQTDQV»5RPH
14
et découvre le corps du jeune dieu. Le peintre
maniériste Jacopo Zucchi représente ce moment
un Amour et Psyché3DULV0XVÄHGX/RXYUH
GHVXVSHQVLRQMXVWHDYDQWTXoXQHJRXWWH
GÄFULYDQWOHMHXQHGLHXTXLWWDQWVDPDÉWUHVVHDX
d’huile brûlante ne tombe de la lampe et n’éveille
SHWLWMRXUDORUVTXHFHOOHFLHVWHQFRUHHQGRUPLH
&XSLGRQ$UPÄHGoXQHGDJXHOHSLHGVXUODƮÃFKH
/HWDEOHDXH[SRVÄDX6DORQGX/RXYUHGH
GH&XSLGRQ3V\FKÄVHGUHVVHGHYDQWFHOXLFL
rencontre un grand succès public. Il est même
GRPLQDWULFH6RQÄTXLOLEUHHVWSUÄFDLUH
préféré au tableau de même sujet peint par
et l’on ne sait pas bien comment elle tient
-DFTXHV/RXLV'DYLGHWSUÄVHQWÄODPÅPHDQQÄH
GHERXWPDLVFHQoHVWSDVLPSRUWDQW
&OHYHODQG0XVHXPRI$UW/HVGHX[WDEOHDX[
&HTXLSULPHFoHVWOoÄOÄJDQFHGHVOLJQHV
montrent une adaptation similaire de l’idéal
OoÄOÄJDQFHDYDQWWRXWHFKRVH/DWRLOHGH=XFFKL
QÄRFODVVLTXHYHUVTXHOTXHFKRVHGHSOXV
SHLQWHHQ5RPH*DOHULH%RUJKÃVHHVW
GÄFRUDWLIGHSOXVRUQÄXQVW\OHJUDFLHX[TXH
Picot François Edouard
Psyché et l’Amour, autour de 1817
François Gérard
Psyché et l’Amour, Salon de 1798
OHSDUIDLWH[HPSOHGHOoHVWKÄWLTXHPDQLÄULVWH
OoRQQRPPDDQDFUÄRQWLTXHGXSRÃWHO\ULTXH
TXLUÃJQHDXFyXUGX[YLHVLÃFOHSDUWRXWHQ
JUHF$QDFUÄRQ7ÄRV,RQLH9,H{VDY{-&
(XURSHHWHQSDUWLFXOLHUGDQVOHIR\HUDUWLVWLTXH
/HV2GHVTXLOXLRQWÄWÄDWWULEXÄHVFÄOÃEUHQW
URPDQRWRVFDQDXTXHODSSDUWLHQW=XFFKL
L’ A M O U R E T P S Y C H É
Flammarion
15
21
Art FRANKFURT 14
Cubism
Le Cubisme
Serge Fauchereau
The Author
After teaching American Literature at New York
University and in Texas, Serge Fauchereau worked for
ten years at the Pompidou Center as a curator for
major exhibitions (Paris-New York, Paris-Berlin, ParisMoscou, Les Réalismes, etc…). He has published over
twenty works including a dozen monographs such as:
Braque, Jean Arp, Kupka, Philippe Soupault voyageur
magnétique, Rancillac, Malevitch, etc. He is also the author
of Avant-gardes du XXe siècle (Flammarion, 2010).
The Work
Key Sales Points
This monograph on cubism in arts and literature, Cubism
– An Aesthetic Revolution offers an original overview of
all recent studies and an exhaustive vision of the
movement and its cultural impact in arts and literature.
Serge Fauchereau gives an in-depth analysis of cubism,
its favorite themes, its influences, characteristics,
protagonists and ramifications in a leading reference
book, Cubism, that combines well-known works or
leading artists and lesser known figures: Picasso,
Braque, Juan Gris, Apollinaire, Cendrars and Reverdy
as well as Delaunay, Metzinger and Lipchitz, Max Jacob
and Gleizes.
With abundant quotations from main literary works
and quotes from prominent figures from those days,
the book presents an interesting choice of illustrations,
both eloquent and personal, alongside the main
references. The last three chapters – the post-Cubism,
Cubism in Europe and Cubism in the Americas – give
a new perspective on the movement.
• 2012 – Cubism centenary.
• Includes chapters on post-Cubism and Cubism in
the Americas.
• Richly illustrated including magazine covers,
engravings, calligrams and lesser known paintings and
collages alongside key works from the mouvement.
FORMAT: 195 x 255
PAGES: 256
ILLUSTRATIONS: 350
BINDING: Hardbound cover
PAPER: 150 g
PRICE: 45 €
RIGHTS SOLD: Brazil
PUBLICATION DATE: April 2012
22
Flammarion
Fig. 196 Teodors Zal,kalns, Portrait de Modeste Moussorgski, 1918-1919, céramique vernie, 80 × 52 × 51 cm,
Riga, musée national des Beaux-Arts de Lettonie
Fig. 197 Vytautas Kairiu-kštis, Autoportrait en buste, 1923, huile sur toile, 52 × 43 cm, Vilnius, musée des Beaux-Arts
216
217
Fig. 60 Fernand Léger et Blaise Cendrars, J’ai tué, 1918,
couverture
Fig. 61 Alexandre Archipenko, Devant le miroir, 1915,
huile, crayon, photographie, papier et métal sur bois,
45,7 × 30,5 cm, Philadelphie, Museum of Art
À l’exception de Max Jacob puis de Gleizes dont l’œuvre est souvent
ostensiblement chrétienne (sans pour autant convaincre les chrétiens
orthodoxes que les acrobaties de Jacob laissent dubitatifs), leurs
amis ne se réclament d’aucune religion – pas même Reverdy qui a
cru quelque temps avoir la foi. C’est pourtant une attitude religieuse
qui se manifeste dans les Pâques à New York, dans « Zone » ou
L’Âge de l’humanité de Salmon, qui leur fait un écho parfois intéressant malgré sa trame plus lâche :
Il y a une intention de prière dans le roulement d’un tambour
Il y en a dans les petites annonces du JOURNAL et les nouvelles en
trois lignes du MATIN
Dans le catalogue du LOUVRE et celui de POTIN.
As-tu songé aux belles litanies du Métropolitain 34 ?
La séquence qui suit ces vers, évoquant les stations du métro et
les pérégrinations d’un prêtre renégat, est d’une bouffonnerie toute
jacobienne. Les premières peintures, les premiers écrits de l’humanité
n’avaient pas une fonction profane, les cubistes s’en souviennent :
nées, présente cependant plusieurs caractères du grand art, c’est-àdire de l’Art religieux 36. » (J’ai souvenir d’une vaste salle en hémicycle de l’institut McNay où j’allais souvent m’asseoir il y a des années
à San Antonio : quatre grandes fresques aux tons pastel de Gleizes
y apportaient une impression de paix, comme une musique austère,
après le flamboiement du soleil au-dehors.) Or l’invisible tourmente
pourtant assez peu les cubistes. Il ne faut pas confondre l’invisible
avec l’absence, le manque, ce qui ne se produit pas, si souvent figurés
dans les poèmes de Reverdy : « La poésie est dans ce qui n’est pas.
Dans ce qui nous manque. Dans ce que nous voudrions qui fût 37. »
Ainsi le poème se propose-t-il négativement, évidant son objet
comme une sculpture en creux d’Archipenko (ce même Archipenko
Christ
Voici plus d’un an que je n’ai plus pensé à Vous
Depuis que j’ai écrit mon avant-dernier poème Pâques
Ma vie a bien changé depuis
Mais je suis toujours le même
J’ai même voulu devenir peintre 35
Beaucoup de l’art cubiste est empreint de religiosité, affirme
Apollinaire qui y voit une preuve de son authenticité : « L’art actuel,
s’il n’est pas l’émanation directe de croyances religieuses détermi-
68
LE CUBISME
Fig. 116 Alexandre Archipenko, Médrano II, 1913, métal
peint, bois, verre, toile cirée, 126,6 × 51,5 × 31,7 cm,
New York, Solomon R. Guggenheim Museum
132
Déjà l’emploi de la couleur Ripolin, du sable, du plâtre, du peigne
et du pochoir sur la toile était considéré comme une grave hérésie ; et
voici que le peintre abandonne les pinceaux et la couleur en tube, traditionnels instruments de son art : il y trouve ce que Braque appelle
« une certitude 19 », mais le public est outré. La bataille s’est engagé !
En leurs amis poètes qui d’emblée ont apprécié les nouvelles découvertes, les peintres trouvent de précieux défenseurs : « Il n’est absolument pas possible d’exagérer l’importance de cet événement en
apparence si modeste et qui ne manque pas de soulever à l’époque la
R É E L E T Dvague
E L ’ A Bde
S T Rsarcasmes
AIT
69 et de dénigrement. Laissons de
plusD Uformidable
côté la valeur purement esthétique de ces œuvres. […] L’intention et
l’introduction des papiers collés en peinture ont été l’équivalent d’une
cure de désintoxication. Par là les peintres se sont délivrés, un moment,
de la servitude hypnotique de la pâte et du pinceau. Ils ont libéré leur
main, leurs yeux et leur esprit des charmes trop envoûtants de la couleur en tube 20. » En fait, la nouvelle technique, si elle séduit aussi bien
Gris que le sculpteur Laurens, qui la pratiqueront brillamment, laisse
assez indifférents plusieurs cubistes et non des moindres : Léger,
Delaunay et les frères Duchamp. C’est pourtant, s’exalte Apollinaire
dans ses Peintres cubistes, le plus éclectique des langages : « Les
mosaïstes peignent avec des marbres et des bois de couleur. On a
mentionné un peintre italien qui peignait avec des matières fécales ;
sous la Révolution française, quelqu’un peignit avec du sang. On peut
peindre avec ce qu’on voudra, avec des pipes, des timbres-poste, des
cartes postales ou à jouer, des candélabres, des morceaux de toile
cirée, des faux cols, du papier peint, des journaux 21. » Juan Gris en
vient à coller un véritable fragment de miroir – c’est-à-dire quelque
chose qui montre le « réel » que nous voyons – dans Le Lavabo (1912),
et Picasso à composer des assemblages d’objets divers : morceaux de
bois, de tôle, de carton, de fil de fer, petite cuillère, etc. Encouragé par
son exemple, Archipenko mélange les matières de ses sculptures ;
Devant le miroir (1915) est un composé de bois, papier, métal et
peinture. Le Sculpteur (1922) de Zadkine est en marbre, granit, pierre,
plomb et verre peint, et telle nature morte de Gutfreund assemble
des morceaux de planche. Un certain nombre de ces constructions,
notamment celles de Braque, trop fragiles, ne sont pas parvenues
jusqu’à nous ; mais à ce moment-là, il s’agissait pour eux de créer et
non de capitaliser pour la postérité ; ainsi l’artiste cubiste rejoignait-il
avec ses sculptures en carton l’artiste indien qui dessine avec du sable.
Le pas suivant, certes dans un esprit différent, sera franchi par Marcel
Duchamp et ses ready-made ou par Kurt Schwitters avec ses assemblages Merz.
Avec ces assemblages et jeux de matières diverses, il faut mettre au
crédit des sculpteurs cubistes un retour à la polychromie. Ils renouaient
ainsi avec une ancienne tradition, celle des icônes et statues médiévales
ou celles des statues « nègres » dont la confection implique d’ailleurs
n’importe quel matériau périssable ou non. Cela correspond aussi à un
autre souci : un Laurens considère que, peinte, la statue ne change plus
selon la lumière et acquiert ainsi son autonomie.
Le collage de papier ou d’objet est alors sujet à contresens ; or il ne
renvoie qu’à soi-même. Le premier, Braque s’est expliqué à ce sujet
dans les pages de Nord-Sud : « Les papiers collés, le faux bois – et
Fig. 104
Fig. 106
Fig. 61
Fig. 118
Fig. 116
Fig. 117 Pablo Picasso, Guitare et verre (« La bataille s’est engagé »), 1912, papier collé, gouache et fusain sur papier peint,
48 × 36,5 cm, San Antonio, McNay Art Institute
133
LE CUBISME
3. UNE RUPTURE
A
Fig. 1
lors que le symbolisme, l’impressionnisme ou le fauvisme étaient des extensions de tel ou tel aspect de l’art
de leurs prédécesseurs, le cubisme, en s’attaquant radicalement à la logique et à ses supports traditionnels, la
perspective, la syntaxe, la tonalité, représente une révolution souvent comparée à celle qui avait instauré la perspective et
la codification de la langue sous la Renaissance. Une telle révolution
ne pouvait être l’œuvre d’un seul homme, fût-il Picasso. Celui-ci a été
pris, entraîné dans le mouvement qu’il avait déclenché, y entraînant
d’autres. Selon Apollinaire, on peut répartir les créateurs en deux
types : d’une part, les brillants instinctifs qui travaillent par bonds et
changements imprévisibles (ainsi Picasso, mis à part sa période
proprement cubiste entre 1908 et 1915) et, d’autre part, ceux qui
sont réfléchis, laborieux (comme Braque et la plupart des cubistes).
Durant les années de recherche du cubisme, de 1908 à la guerre,
les artistes du premier type ont été amenés à adopter le type de travail des seconds, et vice versa. En travaillant en étroite relation,
Picasso et Braque ont pu s’épauler l’un l’autre, véritable tandem,
à tel point qu’il est parfois des tableaux qu’on est en peine
d’attribuer à l’un plutôt qu’à l’autre.
Il revient à Picasso d’avoir donné le coup d’envoi. Ses Demoiselles d’Avignon représentent une réaction instinctive plus que réfléchie même si elle a nécessité de passionnantes études préparatoires :
les personnages ne sont ni caricaturaux ni pathétiques mais des
objets durs aux couleurs arbitraires et d’une difformité agressive où
la sculpture « nègre » a joué un rôle (mais aussi bien l’ancienne sculpture ibérique et précolombienne). Ce qui surprend plus encore, alors
comme aujourd’hui, c’est que le tableau est disparate ; il semble
peint et repeint rageusement et avec une certaine gaucherie : pour
la première fois la déjà célèbre habileté de Picasso paraît en défaut.
En ce sens l’œuvre constitue bien une rupture non seulement avec
la peinture ambiante, les coloris fauves en particulier, mais avec
les périodes bleue et rose, et même avec l’étrangement hiératique
Flammarion
Fig. 33 Georges Braque, Cinq Bananes et deux poires, 1908,
huile sur toile, 24 × 33 cm, Paris, Musée national d’art
moderne – Centre Pompidou
Fig. 32 Raymond Duchamp-Villon, Le Cheval, 1914, plâtre,
44 × 42 × 24 cm, Grenoble, musée des Beaux-Arts
23
Art FRANKFURT 14
The Twentieth-Century
Avant-Garde
Art, Literature, Theatre, Dance and Music
Avant-gardes du XXe siècle
Arts et littérature, 1905-30
Serge Fauchereau
The Author
Serge Fauchereau taught American literature at New
York University and the University of Texas, before
moving to the Centre Pompidou, Paris, where he
worked for ten years as a curator of major exhibitions
(Paris-New York, Paris-Berlin, Paris-Moscow, Les
Réalismes). He has published some forty works,
including a dozen monographs such as Braque, Jean Arp,
Kupka, Philippe Soupault voyageur magnétique, Rancillac
and Malevitch. He is also the author of Le Cubisme
(Flammarion, 2012).
The Work
Erasing the shadow of impressionism and symbolism,
rejecting traditional aesthetics and exalting the modern
world, the avant-gardists of the 20th century brought
together the founding movements of 20th-century art
and some of their biggest players. In combining different
genres – literature, music and applied arts – author
Serge Fauchereau examines the influences and osmosis
between the different movements, and explores areas
rarely debated in art history, such as anglo-american
imagism; afro-indian Brazil; and ultraism. From a uniquely
personal viewpoint, he expands on erudite analysis of
the 20th-century avant-garde, suggesting that the history
of art and literature is continually nurtured and corrected
by the present.
This richly documented, groundbreaking presentation of
the avant-garde movements is surely to become a
landmark reference work in 20th-century art history.
Movements and artists featured include:
Expressionism: Döblin; Kirchner; Kokoschka; Bartok and
Schoenberg – Cubism: Picasso; Braque; Gris; Gertrude
Stein; Cumings – Futurism: Marinetto, Boccionni;
Apollinaire; Cendrars – Russian imaginism: Mariengof;
Maïakovski – Dada and surrealism: Tzara; Picabia; De
Chirico; Bunel – Constructivism: Larionov; Gontcharova;
Malévitch; the Bauhaus – Stridentism and indigenism in
Latin America.
24
Flammarion
Key Sales Points
• A highly erudite work that is also accessible to
non-specialists.
• Inclusion of movements that are rarely presented:
the avant-garde in Latin America, vorticism, ultraism…
• Over 300 illustrations, including many rare documents
from the author’s private collection.
FORMAT: 195 x 255
PAGES: 590
ILLUSTRATIONS: 300 color
BINDING: Hardcover PLC
PAPER: 135 g
WORDS: 230 000 approx. (including captions, notes
and endmatter)
PRICE: 49 €
PUBLICATION DATE: March 2010
1. naissance
De l’expressionnisme
L
Fig. 2
• Le fauvisme et l’Allemagne
orsque Henri Matisse, André Derain, Kees Van Dongen et une demi-douzaine d’autres peintres se
retrouvent dans la salle 7 du Salon d’automne de
1905, ils ne paraissent former un groupe cohérent
qu’aux yeux du public et de la critique qui les rejettent tous sans distinction. Leur point commun est de prendre hardiment des distances
avec le néo-impressionnisme qui représente alors l’avant-garde, et
de rompre ostensiblement avec l’académisme des Bonnat, Bouguereau, Merson, Detaille, tant encensés. Ils se connaissent entre eux,
certains sont des amis de longue date – Matisse, Marquet, Camoin,
Manguin et Puy se fréquentent depuis leurs études auprès de Gustave
Moreau, Derain et Vlaminck ont partagé un atelier à Chatou, et les
Havrais Friesz, Dufy et Braque forment un trio amical –, mais ils se
présentent sans manifeste ni déclaration commune. Ce qu’ils montrent en 1905 est l’état d’un travail mené depuis quelques années où
l’on aurait dû reconnaître un art déjà mature et se présentant chez
les uns et les autres selon des caractéristiques communes plus ou
moins accusées, fondées sur l’exaltation de la couleur et un graphisme délié. Pour autant, Matisse ne saurait être confondu avec
Van Dongen, ni Vlaminck avec Marquet. Ce bilan qu’ils proposent
déchaîne les ricanements, et ni Mirbeau, ni Fénéon, ni Jarry n’élèvent
alors la voix pour les défendre ; Apollinaire et Salmon n’interviendront qu’un peu plus tard lorsqu’ils auront une tribune dans un journal. Ces exposants de la salle 7 n’en sont pas à leurs premières
œuvres de cette manière ; depuis plusieurs années déjà il en existe
de Matisse, de Marquet, de Valtat… Seuls quelques peintres plus
jeunes comme Braque et Chabaud, au demeurant absents de cette
salle, font leurs débuts dans cette esthétique nouvelle. Le public ne
découvre Matisse et ses confrères qu’à ce moment parce qu’ils sont
ensemble. Désignés comme fauves par dérision, ils vont continuer
sous les sarcasmes jusqu’à ce que les philistins puissent s’en prendre
à un autre art qui leur paraît plus scandaleux encore, le cubisme,
dont ils ne prennent pas connaissance avant le Salon d’automne de
Fig. 2 Catalogue du Salon d’automne,
1905
Fig. 1 Ernst Ludwig Kirchner, Doris avec une collerette,
1908, huile sur carton, 70 × 52 cm, Lugano,
collection Thyssen-Bornemisza
à détourer
Taïrov. Ce sont finalement Antoine Pevsner (1884-1962) et son frère
Naum Gabo (1890-1977) qui mèneront la plus conséquente
réflexion sur ce qu’ils appellent la profondeur. Tout a commencé
pour le public en août 1920 avec une exposition de Gabo, Pevsner
(alors plutôt peintre) et du Letton Gustav Klucis (1895-1938) qui est
leur élève après avoir été celui de Malévitch. En même temps est
distribué leur Manifeste réaliste, qui va faire date dans l’histoire
du constructivisme. Il ne faut pas entendre le mot réaliste
dans son acception esthétique courante mais dans le sens
de raisonnable, logique, sérieux, en ce qu’il s’oppose au
naturalisme pour exprimer une réalité supérieure qui ne s’en
tient pas à l’apparence des choses mais à la réalité de l’art.
C’est en ce sens que Malévitch l’avait employé, et le théoricien
Nicolas Taraboukine (1889-1956) le réaffirmera en 1923 : « La
conscience esthétique contemporaine a arraché la notion de réalisme à la catégorie du sujet pour la transporter dans la forme de
l’œuvre 42. » Le manifeste ne laisse aucun doute à ce sujet, résumant en deux ou trois phrases l’esprit constructiviste :
Nous ne mesurons pas nos œuvres au mètre de la beauté,
nous ne les mesurons pas sur les balances de la tendresse et du
sentiment.
Le fil à plomb à la main, le regard précis comme une règle,
l’esprit tendu comme un compas, nous construisons notre œuvre
comme l’univers construit la sienne, comme l’ingénieur construit son
pont, comme le mathématicien construit sa formule des orbites 43.
Fig. 270 et Fig. 271 Deux
photogrammes du film Aélita
(1924) de Yacov Protozanov.
Costumes d’Alexandra Exter.
Fig. 263 Antoine Pevsner, Masque, 1923, celluloïd et zinc,
33 × 20 × 20 cm, Paris, Musée national d’art moderne Centre Georges-Pompidou,
Fig. 269 Lioubov Popova, Installation scénique
pour Le Cocu magnifique, encre de Chine,
aquarelle, 50 × 69,2 cm, Moscou, galerie
Trétiakov
394
L’Orage d’Ostrovski (1924) une structure de géométrie constructiviste
des Stenberg ; et l’ancienne opérette Giroflé-Girofla est rénovée par la
fantaisie débridée de Yakoulov… Bien entendu, Meyerhold et Taïrov ne
monopolisent pas tout le théâtre. À Moscou fonctionne notamment, de
1918 à 1926, un Théâtre national juif (Habima) décoré par les soins
de Chagall 57 et dirigé par Alexeï Granovski. Joué en hébreu, ce théâtre
utilise des talents divers, d’Altman à Yakoulov. À Pétrograd rappelons
le Zanguézi de Khlebnikov que Tatline monte en 1922 avec un système
de projecteurs et de panneaux mobiles…
Il ne reste des représentations théâtrales que des souvenirs, quelques
photos et reconstitutions sur lesquels on se fonde pour les évoquer.
Reconstruite un demi-siècle plus tard, la grande machine de Lioubov
Popova, sans action, immobile au milieu d’un musée, est comme un
énorme squelette de dinosaure 58. En revanche, le cinéma a conservé
intacte la magie du film Aélita (1924) de Yacov Protozanov. L’Union
soviétique se passionne alors pour la science-fiction et pour H.G. Wells,
qui l’a mise à l’honneur, mais ce qui retient notre attention n’est pas tant
l’histoire (tirée d’un roman d’Alexis Tolstoï, d’une lecture décevante
aujourd’hui) que le prétexte qu’elle a fourni à Isaac Rabinovitch pour
imaginer une cité martienne fantastique, et à Alexandra Exter de surprenants et magnifiques costumes. Alors que, jusqu’aujourd’hui, les
cinéastes ne peuvent imaginer un futur où les vêtements ne soient pas
uniformisés et strictement fonctionnels, Alexandra Exter a déployé
une invention toujours inégalée : costumes de Plexiglas articulé des
hommes, vastes chapeaux radiants d’Aélita, inénarrables pantalons
de baguettes bouffantes de sa suivante… On rêve de ce que cela aurait
pu être en couleurs.
Même s’ils s’inscrivent hors du cadre russe, on évoquera les Ballets
de Diaghilev, non seulement parce qu’ils emploient des constructivistes
majeurs (Pevsner et Gabo pour La Chatte d’Henri Sauguet en 1923)
mais parce qu’ils soulèvent la question d’une musique constructiviste.
On parlera plutôt d’une musique au temps du constructivisme manifestant de quelque façon son ouvriérisme. Le célèbre concert de sirènes
d’usines est resté sans lendemain, et la composition symphonique Fonderie d’acier (1926) d’Alexandre Mossolov n’est novatrice que dans
son titre. Seul Prokofiev, avec son ballet Le Pas d’acier (1925), se
montre à la hauteur des grandes innovations russes du moment ;
Diaghilev le montera en 1927 avec une chorégraphie de Léonide
Massine, dans des décors de Yakoulov. C’était, dira Prokofiev, « un
pas très décisif me conduisant du chromatisme au diatonisme », mais,
commente Claude Samuel, loin d’être une œuvre ardue, c’est « une
habile stylisation des scènes de la vie soviétique en 1920 ; la représentation des usines avec leurs vrombissements et leur rythme effréné
constitue le passage le plus spectaculaire d’une partition à la fois
colorée et légère, fraîche et parfois malicieuse 59 ». Cet allègre ballet
qui tient l’auditeur en haleine a été rejeté pendant des années par la
critique occidentale comme de la musique de propagande, tant le
goût est parfois orienté par l’idéologie en cours. Prokofiev en a tiré
une suite symphonique en quatre parties un peu lourdement intitulées :
« Entrée des personnages », « Les commissaires, les orateurs et les
citoyens », « Le matelot et l’ouvrière », « L’usine ».
Il est vrai qu’en Russie, la plupart des spectacles sont plus ou moins
édifiants pour servir à l’éducation communiste de la population. Afin de
convertir les lointaines provinces, on affrète des trains et des bateaux
d’agit-prop qui distribuent des tracts, des affiches, des brochures et
Fig. 270
Fig. 271
A VA N T - G A R D E S D U X X E S I È C L E
388
D U C U B O - F U T U R I S M E E T D U S U P R É M AT I S M E A U C O N S T R U C T I V I S M E
Pas plus chez Ibsen que chez Salvat-Papasseit, de tels propos ne
sont l’amorce d’une réaction antidémocratique ou antiparlementariste,
mais une protestation contre les forces qui corrompent sciemment le
jugement du plus grand nombre. La révolution que Salvat-Papasseit
appelle de ses vœux n’a pas pour but de donner le pouvoir à une seule
caste éclairée. Avant même la révolution en Russie, la revue Un ennemi
du peuple s’orne de portraits ostensibles d’écrivains et de révolutionnaires pacifistes, Maxime Gorki, Karl Liebknecht, Romain Rolland ou
même Maurice Maeterlinck : « Avant l’Époque du crime, Maurice Maeterlinck était un poète, durant l’Époque du crime c’est un apôtre 42 » – il
avait fait des conférences, notamment en Italie et en Espagne, en faveur
des réfugiés belges. Humo de fabrica (Fumée d’usine) offre tout un martyrologe, de Jaurès à Ferrer 43, et des professions de foi comme celle-ci :
Fig. 321 Prière d’insérer de Ricardo Güiraldes, Don Segundo
Sombra, Buenos Aires, 1925, sur carton vert, dessin
d’Alberto Güiraldes, texte espagnol de Valery Larbaud au
verso ; de l’exemplaire dédicacé à Paul Morand, non coupé
296
454
[…] s’il faut gouverner et diriger,
prenez un fouet.
On vous aimera davantage et on vous obéira.
–
NE CHERCHEZ PAS À GOUVERNER 47.
Fig. 201
Fig. 202
Fig. 264 Alexandre Rodtchenko, Cercle blanc, 1918, huile sur toile, 89,5 × 71,5 cm, Saint-Pétersbourg, Musée russe
389
395
La majorité parce qu’elle est la majorité n’a jamais le droit pour
elle. Jamais. C’est un mensonge, un de ces mensonges de la
société contre lesquels un homme libre doit se révolter. […] La
majorité a quelquefois le pouvoir. Mais elle n’a pas le droit pour
elle, ni la raison. La raison, ici et maintenant, c’est moi qui la
défend, avec quelques autres. Avec la minorité. Et c’est la minorité
qui a raison. Elle a toujours raison 41.
Salvat-Papasseit, écrit Torres-García, était « un homme libre et
rebelle. C’était un anarchiste par bonté et sentiment de justice. L’idée
sociale dominait toute sa réflexion et son activité. Il écrivait en ce sens
mais y prenait aussi une part active 45 ». De son côté, Salvat-Papasseit
décrit Torres-García en ces termes : « artiste, penseur et apôtre de son
art et de ses théories : toute une trilogie de valeurs. La dernière valeur,
celle de l’apostolat, lui a attiré bien des adversaires 46 ». Dans Un
enemic del poble, en effet, les questions esthétiques sont généralement
du ressort de Torres-García. Publiée en catalan (excepté « Caprices »
de Gómez de la Serna) et d’orientation sociale, la revue tient cependant le plus grand compte du mouvement intellectuel à l’étranger,
d’Apollinaire à Nietzsche. Littérairement les textes sont de forme sage
jusqu’à la fin de 1917, date où apparaissent les premières expériences typographiques d’un poète disparu jeune, Joaquim Folguera
(1893-1919) et de Salvat-Papasseit lui-même. Le poème sur la page
est, avant même qu’on l’ait lu, une image visuelle, suggestive sans être
non figurative ; d’évidence il tient à la fois des calligrammes d’Apollinaire et des mots en liberté de Marinetti, Soffici, Cangiullo et autres
futuristes italiens. Dans ses premiers poèmes, Salvat-Papasseit reste
tributaire de ses idées ; ses métaphores ironiques sont éventuellement
empruntées au Zarathoustra de Nietzsche :
Le manifeste synthétise clairement des idées déjà mises empiriquement en pratique par Tatline et Rodtchenko : rejet de la couleur, de la
ligne et du volume comme éléments picturaux, rejet du volume et de la
masse en sculpture, la ligne n’existant que « comme direction des forces
statiques et de leur rythme à l’œuvre dans les 44 », principes qu’on trouvera appliqués par les deux frères Pevsner et Gabo, en particulier dans
leurs têtes et bustes « en profondeur », comme dit leur manifeste. C’est
encore plus vrai de la Construction cinétique (1920) de Gabo : une tige
de métal est agitée par un moteur électrique qui lui imprime un mouvement très rapide dessinant dans l’espace un volume virtuel, ancêtre des
sculptures cinétiques de Jean Tinguely ou de Pol Bury.
En ces années de surenchère théorique, Rodtchenko, qui n’est
pas en opposition de principe avec Gabo et Pevsner mais entend ne
pas perdre sa position la plus avancée, répond aussitôt par un autre
manifeste dont « l’unique point de départ est le communisme scientifique, fondé sur la théorie du matérialisme historique » ; et de
conclure : « À bas l’art. Vive la technique 45. » L’argument politique et
l’argument de l’utilité seront désormais utilisés contre Kandinsky,
contre Malévitch, contre Pevsner et Gabo et, le moment venu, contre
Rodtchenko lui-même.
Un texte de Lissitzky de 1920 s’efforce de montrer combien le
suprématisme est lié au communisme et même qu’il le dépassera
pour donner au monde entier « un vrai modèle de perfection ». Le
carré de Malévitch est le point de repère à partir duquel tout peut
être reconstruit : « Ceux d’entre nous qui ont franchi les limites du
Fig. 320 Oliverio Girondo, une page de Vingt poèmes à lire
en tramway, texte et illustration de l’auteur, Argenteuil, 1922
Nous sommes socialistes. Nous sommes en faveur de la révolution
comme moyen efficace contre les oppressions de toute tyrannie ;
nous sommes des libertaires pour toute cause juste contre les abus
de ceux qui obscurcissent le cerveau des prolétaires : contre les religieux, contre les oligarques, contre l’impérialisme des patriotes.
Mais nous disons aussi que la révolution ne doit jamais verser de
sang inutilement et que « le mal, même en faveur du bien, reste toujours le mal » (Victor Hugo) 44.
Fig. 263
Espagne, la revue Martín Fierro (1924-1927) va jouer un rôle beaucoup plus important en Argentine et dans toute l’Amérique latine.
On y retrouve Borges et les dessins parfois excessivement naïvistes
de sa sœur Norah, Emilio Pettoruti et Xul Solar, peintres révolutionnaires récemment revenus de Paris, deux écrivains majeurs, le poète
Oliverio Girondo (1891-1967) et le romancier Ricardo Güiraldes
(1886-1927), ainsi qu’une abondante collaboration européenne :
Diego, Jorge Guillén, García Lorca, Bergamín, Picasso, Dalí. Deux
collaborateurs sont particulièrement choyés : Gómez de la Serna,
ami personnel de Girondo, et Valery Larbaud, proche de Güiraldes.
Mariátegui, théoricien de l’indigénisme, ne manquera pas de reprocher aux « martínfierristes » ces alliances européennes, notamment
Larbaud, qui, pour lui, représente le cosmopolitisme. Certes, il y a
les poèmes de Barnabooth, mais c’est oublier que Larbaud est aussi
l’auteur de Fermina Marquez (1910), dont l’héroïne, une jeune Péruvienne, rompait avec une image tenace – en gros celle du Brésilien
de La Vie parisienne d’Offenbach –, ce dont Alfonso Reyes le félicitera : « L’Hispano-américain – jusqu’à présent type comique ou pittoresque, moitié singe moitié perroquet, vêtu de couleurs criardes et
riant de sottises – apparaît ici, pour la première fois dans la littérature
française contemporaine, comme une valeur humaine sérieuse 2. »
Güiraldes, après le cosmopolitisme dont il a fait preuve dans Xaimaca,
avait été encouragé par Larbaud à se tourner vers les réalités de son
pays : « Mon premier cri a été : Enfin ils se mettent à chanter la vie et
les choses de leur pays ; c’en est fini des descriptions du Petit Trianon
et de Venise 3 ! » Les collaborations latino-américaines de Martín
Fierro sont cependant diversifiées et il y a loin des Poèmes à lire en
tramway (1922) de Girondo au roman Don Segundo Sombra
(1926) de Güiraldes. Si l’on se souvient que la revue emprunte son
titre à Martín Fierro (1872) de José Hernández, roman en vers en
langue archaïque truffée de termes gauchos, on découvre sans surprise une prédilection pour une orientation locale – on hésite à dire
nationale, on ne dit pas encore indigéniste, gaucho est trop étroit,
et métisse ou indienne est incorrect en Argentine. Don Segundo
Sombra est une œuvre spécifiquement argentine qui ne déroule pourtant aucune histoire. Le seul fil reliant les épisodes entre eux est un
même personnage suivi dans sa vie quotidienne de labeur et de simples distractions : la capture des bêtes au lasso, le dressage des chevaux, la conduite des troupeaux, les récits fabuleux en sirotant du
maté, les rodéos et combats de coqs, ou un bal comme celui-ci :
Les femmes prirent leurs jupes entre les doigts, les ouvrirent en
éventail, comme pour recevoir un don, ou protéger quelque chose.
Les ombres flamboyèrent sur les murs, touchèrent le plafond, tombèrent à terre comme des loques, foulées bientôt par des pas galants.
Une hâte subite irrita les corps virils. Après le léger bruit des bottes
en cuir de poulain brossant de la semelle un prélude, talons et plantes
des pieds frappèrent à coups vifs et répétés un rythme, que multiplia
d’impatience l’ample accent des guitares, appliquées à marquer la
mesure. Comme de courtes eaux, s’agitaient les plis des chiripas.
Les variantes prirent des souplesses de gambades, commentant en
contrepoints marqués le dire des instruments à corde.
Fig. 322 Proa, no 2, Buenos Aires, 1922, gravure sur bois
de Norah Borges
Fig. 323
Fig. 320
Fig. 321
On recommençait la promenade et les claquements de semelle.
Un raclement seul battit quatre mesures. Encore une fois, de longs
pas apaisèrent la danse. Talons et éperons recommencèrent à résonner en un court reste d’agitation. Les jupes féminines s’ouvrirent, plus
somptueuses : comme de petits champs de trèfle fleuri, la percale
révéla la fine tonalité de son luxe agreste.
La danse mourut sur un point final, marqué dur 4.
On n’est ici ni au bal de La Princesse de Clèves selon Mme de
Lafayette, ni dans une guinguette de Renoir, pas davantage au bal
masqué de La Chauve-Souris de Johann Strauss. Il ne s’agit pas
d’une recherche d’exotisme plaqué çà et là dans un récit par
ailleurs conventionnel. Le roman de Güiraldes est ainsi de bout en
bout, écrit dans une langue qui n’est pas l’espagnol classique mais
la langue populaire des gauchos. Il répond au manifeste que
Girondo proposait dans Martín Fierro (no 4, mai 1924) : « Martín
Fierro a foi en notre phonétique, en notre vision, en nos manières,
en notre ouïe, en notre capacité de digestion et d’assimilation. […]
Martín Fierro n’apprécie que les Noirs et les Blancs qui sont réellement
E X P R E S S I O N S I N D I G É N I S T E S E N A M É R I Q U E L AT I N E E T A U X A N T I L L E S
455
Fig. 202 Rafael Barradas, Kiosque de Canaletas, 1918,
aquarelle et gouache, 47,7 × 62 cm, Buenos Aires, collection
particulière. Photo galerie Guillermo de Osma, Madrid.
C’est d’abord par les contributions de ses collaborateurs plasticiens qu’Un enemic del poble retient l’œil. Elles sont de qualité et d’ordres divers. Le réalisme sans surprise (Joaquim Sunyer, Francisc
Iturrino) contraste avec le modernisme sage (Josep Obiols) ou un peu
trop ostensible (Alfredo Sisquella). Mis à part un dessin de Gargallo,
on remarque Celso Lagar, artiste inégal, et surtout les deux Uruguayens de Barcelone, Rafael Barradas et Torres-García, omniprésent. Lagar se dit planiste et Barradas vibrationniste ; dans les deux
cas le cubisme et le futurisme ne sont pas loin. Partenaire majeur de
l’avant-garde catalane puis des ultraïstes espagnols, Barradas (18901929) a pratiqué ce vibrationnisme pendant plusieurs années (19171922 environ), proposant une vision kaléidoscopique du monde où
tout est géométrisé, sans perdre un certain réalisme où les choses et les
Flammarion
L ’ I M A G E H I S PA N I Q U E D U F U T U R I S M E À L ’ U T R A Ï S M E
297
25
SERGE FAUCHEREAU
Les Peintres Mexicains 1910-1960
Serge Fauchereau
The Author
After teaching American Literature at New York
University and in Texas, Serge Fauchereau worked for
ten years at the Pompidou Center as a curator of
major exhibitions (Paris-New York, Paris-Berlin, ParisMoscou, Les Réalismes, etc…). He has published over
twenty works including a dozen monographs such as:
Braque, Jean Arp, Kupka, Malevitch, etc. His Works
published with Flammarion include Avant-gardes du
XXe siècle (2010) and Le Cubisme (2012).
LES PEINTRES
MEXICAINS
1910-1960
La révolution - Les calaveras – Diego Rivera – Paris –
Le stridentisme - Orozco – Siqueiros – Le muralisme –
New York – Les Contemporáneos – L’Atelier de Gravure
Populaire - Frida Kahlo – Tamayo – Le suréalisme - La Ruptura
Flammarion
Key Sales Points
The Work
A passionate connoisseur of Mexican culture, author
Serge Fauchereau here retraces the history of the
aesthetic revolution that broke out in the wave of the
political changes and great cultural progress at the
beginning of the twentieth century, focusing on the
influential muralists such as Rivera, Orozco and
Siqueiros, and without forgetting the remarkable
artistic figures deserving of greater renown.
Not failing to draw on their experience with cubism
for example, the artists would create a new form of
art outside money-making and elitist circuits: a form of
art for the masses rooted in local realities while having
international reach, finding expression in vast
flamboyant mural paintings in particular.
The book covers the main art movements, from
Stridentism to Muralism, but also the historical
background, from the Revolution to “La Ruptura”.
This is a remarkable survey, highly praised in the
international art press, including a recent review in the
Art Press magazine of January 2014 by famous art
historian and critic Catherine Millet.
• A remarkable and unique collection of material,
including many rare documents from the author’s
private collection.
• A groundbreaking study widely acclaimed and a new
perspective on an original topic.
FORMAT: 195 x 255
PAGES: 256
ILLUSTRATIONS: 287
BINDING: Hardcover
PAPER: 150 g
PRICE: 45 €
26
Flammarion
Art FRANKFURT 14
Mexican Painters
1910-1960
Table of Contents
- An assessment of Muralism
- Theory and diatribes
- Tamayo during and after surrealism
- Visual arts in the post-war period
- La Ruptura
- List of works
- Bibliography
- Index
- Introduction
- Before the revolution in the arts
- Mexicans in Europe: Rivera and Siqueiros
- Stridentism and the Avant-Garde in Mexico
- José Clemente Orozco and Jean Charlot
- Muralism and Mexico’s new art
- The works of muralists
9. TAMAYO,
LE SURRÉALIME ET APRÈS
S
Fig. 283
Fig. 114
‘il y a un quatrième « grand », c’est Rufino Tamayo. Il n’est
pas seulement plus jeune, il est aussi à part : il représente un
art fondamentalement différent que ses aînés n’ont pas toujours vu d’un bon œil. En vérité, la première dissidence
est venue de l’intérieur même du groupe muraliste et d’un
artiste qui a été l’un des tout premiers à s’y joindre : Carlos Mérida
(1891-1984). Né au Guatemala et d’origine maya-quiché, Mérida
a d’abord fait de solides études musicales qui vont le marquer profondément – c’était déjà le cas de Paul Klee, peintre qu’il admirera entre
tous lorsqu’il aura, tardivement, connaissance de son œuvre. De 1910
à 1914, on le trouve à Paris, étudiant de Van Dongen et ami de
Modigliani. Puis il retourne au Guatemala, où il se prend d’intérêt
pour l’art indien et populaire. Arrivé au Mexique en 1919, il est le
premier artiste moderne à utiliser ostensiblement, dans sa première
exposition personnelle au Mexique en 1920, des motifs indigènes.
Ce rôle de précurseur ne lui sera pas contesté : « Carlos Mérida, écrit
Rivera en 1924, a été le premier à incorporer l’américanité à la véritable peinture, et personne ne peut rester indifférent à ses harmonies
de couleurs riches et profondes 1. » À l’époque, les simplifications graphiques de Mérida, loin des flous impressionnistes et des maniérismes
modern style déconcertent.
Fig. 210 Carlos Orozco Romero, Deux figures,
vers 1938, eau forte, 28 × 24 cm, musée
national des Beaux-Arts, Mexico.
Convaincu de la nécessité de créer en Amérique un art réellement
nouveau, Mérida est l’un des premiers à s’intéresser au travail mural.
La présence dans le mouvement muraliste d’étrangers comme Charlot et
Mérida « permet de voir plus nettement en quoi consiste l’équivoque entre
nationalisme et passé artistique précolombien ». « Non, la compréhension de l’art précolombien n’est pas un privilège inné des Mexicains » 2.
Fig. 211
Mérida réalise quelques peintures murales et adhère au Syndicat
des travailleurs techniques, peintres et sculpteurs dès sa fondation.
Il s’en éloigne peu après et revient au chevalet et à l’art graphique,
d’autant plus qu’il recherche de délicats effets de couleurs tout en
Fig. 209 Rufino Tamayo, Le Cri, 1947, huile
sur toile, 101,6 × 76,2 cm, musée national d’Art
Moderne, Rome.
Fig. 139 Diego Rivera, L’Homme au carrefour, 1934, fresque, 485 × 1145 cm, Palacio de Bellas Artes, Mexico.
A la droite de l’homme, un dieu aux mains coupées conduit des hordes de soldats lançant flammes et gaz empoisonnés ou bien des policiers
frappant des chômeurs réclamant du travail et du pain, pour le bénéfice de riches oisifs. Symétriquement, à sa droite, une statue fasciste décapitée
et des foules portant des drapeaux rouges, où l’on reconnaît Lénine, Trotski, Marx et Engels, ce qui ne pouvait que déplaire au commanditaire
new-yorkais, malgré le message d’espoir que représente l’homme capable de contrôler la nature, les forces vitales et cosmiques.
la troisième époque, la seule qui nous importe ici, en évoquant brièvement la situation de l’art mexicain au cours des années qui l’ont immédiatement précédée.
Fig. 33 Adolfo Best Maugard, Méthode
de dessin, Mexico, 1923, page de garde.
Largement répandue dans les écoles
mexicaines, cette méthode sera également
traduite en anglais et en français.
Page de droite, en bas
Fig. 35 Hermenegildo Bustos, Lucía Valdivia de Aranda, 1871,
huile sur toile, 10 × 6,3 cm, collection Guillermo et Kana
Sepúlveda, Monterrey.
34
S
N
S M
Au tournant du siècle, la référence absolue au Mexique, c’est l’art
français, peu celui des impressionnistes, mais beaucoup plus celui de
nos pompiers d’alors. Avec de tels modèles, on devine ce que pouvait
être l’enseignement artistique. Ceux qui, comme Diego Rivera, ont
fait leurs études au début du siècle n’ont guère pu se tourner que vers
José María Velasco, Julio Ruelas, symboliste porté à l’humour noir, ou
Saturnino Herrán pour trouver une peinture qui soit autre chose
qu’une plate imitation de l’académisme européen. Dès les premières
années du siècle, un peintre plus jeune qui signait « docteur Atl » avait
bien essayé de s’élever contre cette dépendance, mais l’époque
n’était pas mûre pour l’entendre. Or, la révolution allait apporter des
bouleversements jusque dans l’art. En 1923, « l’ingénieur Juan Hernández Araujo » (en fait nom de guerre de Siqueiros et Charlot pour
une série d’articles écrits conjointement) rappellera que « la révolution
politique commencée en 1910 a eu des répercussions extraordinaires
sur le développement des arts plastiques au Mexique et précipité
l’écroulement de l’empire académique 13 ». En 1911, une révolte
éclate en effet chez les étudiants de l’académie de San Carlos ; parmi
les meneurs, on trouve Orozco et le tout jeune Siqueiros. Paradoxalement, ce ne sera que sous la dictature de Huerta que celui-ci, désireux de se concilier les étudiants, fera nommer comme directeur
l’homme qu’ils réclamaient, le peintre Ramos Martínez. Ce dernier,
qui avait étudié chez les impressionnistes, réformera tout l’enseignement et permettra enfin le travail sur le terrain, comme avait fait autrefois l’École de Barbizon. Atl, qui succède à Ramos Martínez,
recommandera aussi l’étude de l’art populaire. Nombre de peintres
modernes mexicains sont passés par l’académie de San Carlos et
garderont un sentiment de reconnaissance envers Ramos Martínez et
le docteur Atl. La plupart n’y ont cependant pas fait de si longues
études : la montée des troubles en amènera plusieurs à troquer leur
palette contre un fusil, plus approprié sur le moment.
Malgré le mérite de quelques talents isolés, comme Hermenegildo
Bustos (1832-1907), le grand artiste mexicain prérévolutionnaire
n’est pas à chercher du côté de l’académie, mais dans la boutique
de José Guadalupe Posada (1852-1913). Posada n’est pas un artiste
naïf (il a fait quelques études artistiques), mais un professionnel de
la gravure populaire. Après avoir travaillé à Aguascalientes, puis
à León, il s’installe à Mexico en 1888 où il ne va pas tarder à s’associer à l’imprimeur Antonio Vanegas Arroyo. Après avoir été lithographe, Posada va surtout s’attacher à la gravure sur métal. Il a dû
réaliser quelques vint mille gravures, mais nombre de celles-ci, éditées
dans des publications fugitives, ont disparu. Posada, selon les commandes, selon les faits divers et selon ses convictions, a exécuté des
affiches, des gravures à bon marché, des publicités, des couvertures
et des illustrations pour des gazettes et opuscules de colportage :
recueils édifiants ou distrayants, complaintes, recettes de cuisine ou
de magie… À une époque où se répandaient les moyens de repro-
Fig. 35
Fig. 38, 40
Fig. 34 José Guadalupe Posada, La Fin du monde : la comète
de 1899, zincographie sur feuille volante, 9 × 14 cm,
collection particulière.
duction photomécanique pour les publications destinées aux populations modestes, c’était un bel acharnement que de défendre des
procédés plus artistiques, comme la lithographie ou la gravure sur
zinc. Dans ses souvenirs des années 1880-1900, Tablada a dit l’attrait qu’exerçaient alors « les éditions anglaises, en espagnol, du livre
Ackerman avec de jolies gravures enluminées à la main, les belles
éditions françaises du milieu du siècle passé, avec des illustrations de
Daumier, Gavarni, Devéria et Granville (…). L’art de la lithographie,
qui a tant relevé le niveau de l’art des périodiques et des livres, fut
une des plus belles choses implantées dans notre sol par le génie
français. Les premiers ateliers lithographiques furent ouverts au
Mexique par des Français 14… » Posada n’était ni le premier ni le seul
graveur de son époque, mais il était incomparablement le meilleur.
L’œuvre de Posada est si diverse qu’on se saurait en évoquer que
quelques aspects. Le graveur suivait son public dans ses intérêts du
moment : célébrations nationales ou religieuses, événements politiques
et faits divers hauts en couleur : « Le grand déraillement de Temamatla »,
« Événement extraordinaire : une femme donne naissance à trois enfants
et quatre animaux », « Drame sanglant sur la place de Tarasquillo »,
« Le sacristain se pend dans la cathédrale », « Quatre zapatistes fusillés »,
« L’entrée de Madero à Mexico »... Posada ne se contentait pas de
suivre en chroniqueur les événements ; son dessin en offrait aussi un
commentaire éloquent lorsqu’il dépeignait la misère et la répression
brutale sous Porfirio Díaz, son enthousiasme pour Madero et la guérilla
CA NS
É
À
É
Fig. 114 Carlos Mérida, Femmes guatémaltèques, 1925,
huile sur toile, 74× 85 cm, collection particulière, courtoisie
Galerie Arvil, Mexico.
On ne peut pas appliquer à une fresque les critères qu’on applique
à la peinture de salon ou de musée ; de là que certains critiques
patentés ont des difficultés à l’apprécier et préfèrent ne point s’y
arrêter. « Il s’agit, dit Siqueiros, d’une autre discipline, au cours créateur de laquelle il faut appliquer une autre structure mentale 7. »
Les ouvrages consacrés à la peinture murale mexicaine spéculent
volontiers pour déterminer qui a fait la première fresque moderne au
Mexique. Selon les uns, ce serait Jean Charlot ; selon quelques
autres, ce serait Ramón Alva de la Canal ; on en vient même à
expliquer que si Charlot a terminé la première fresque à l’École
nationale préparatoire de Mexico, Alva de la Canal aurait cependant commencé avant lui. Discussion oiseuse. D’ailleurs, à ce travail
à l’École nationale préparatoire participaient, selon les murs et selon
102
Flammarion
LES PEINTURES MEXICAINS
les moments, non seulement Charlot et Alva de la Canal, mais aussi
Revueltas, Guerrero et, bien sûr, Rivera.
Fig. 115 Pablo O’Higgins, Promenade, 1928,
huile sur toile, 61 × 51 cm, Lance and Erika Aaron
Collection, San Antonio.
C’est en 1921 que Vasconcelos confie aux artistes les premiers
murs à décorer. Rivera dit alors son espoir en ce mouvement qui
naît : « Notre espoir se fonde sur le fait que tous les personnages
positifs aussi bien que négatifs de ce mouvement, encore réduit, sont
mûs par une force profonde : les aspirations des masses qui secouent
la surface du pays comme un tremblement de terre. Espérons que
quelque artiste ou quelque groupe d’artistes parviendra à donner
une voix à de telles aspirations 8. » À cause de l’ampleur des surfaces
à recouvrir, la peinture murale est souvent un travail d’équipe sous
la direction d’un seul, pour que la conception d’ensemble soit cohérente : même parmi les plus célèbres, tel qui mène pour une fresque
LES OBJECTIFS DU MURALISME
103
27
œuvres phares
œuvres phares
notions clés
notions clés
idées neuves
dates repères
idées neuves
idées neuves
dates repères
dates repères
ÉLISABETH COUTURIER
GILLES DE BURE
Architecture
contemporaine
LE GUIDE
Art
PHILIPPE NOISETTE
contemporain
LE GUIDE
Danse
nse
e
contemporaine
LE GUIDE
Le guide
Flammarion
Flammarion
Flammarion
Series edited by Elisabeth Couturier
œuvres phares
notions clés
idées neuves
e
Design
œuvres phares
œuvres phares
notions clés
notions clés
idées neuves
dates repères
dates repères
The Author
Photographie
contemporaine
Elisabeth Couturier is a journalist, art critic, and artistic
producer for television. She has contributed to Paris
Match for over fifteen years, as well as to various
specialist magazines, notably Art Press for which she
writes on a regular basis.
The Work
A completely revamped, well-priced, new edition of the
best-selling series Talk About… in a smaller format, with
a new, more attractive layout and an accessible text
aimed at the general public.
LE GUIDE
Flammarion
contemporain
LE GUIDE
G
idées neuves
dates repères
JÉRÔME CATZ
Street
art
LE GUIDE
Collection dirigée par Elisabeth Couturier
Flammarion
Flammarion
Key Sales Points
• Colorful, accessible, fun.
• Introduces a broad spectrum of facts and ideas in a
fresh, engaging text.
• Illustrated with 140 color illustrations.
• Each topic is covered by a renowned specialist of
the field.
A practical introduction to the arts today, The Guide
series aims at providing general readers with the
necessary keys to develop and enhance their
understanding and appreciation of contemporary
creation. Vibrant, fun, and didactic, the titles in this
series present readers with the answers to all their
questions. Through the colorful illustrations and pithy
texts, a wide range of facts and theories are presented
and deciphered, including key notions, major landmarks
and leading works.
“Since the 1960s, all artistic disciplines (visual arts,
dance, architecture, photography, design, etc.) have
undergone formal transformations that sometimes
make deciphering them as difficult as reading
hieroglyphics…. Through a pedagogical approach both
demanding and fun, the Talk About… series proposes
to translate into plain talk these new languages that
confuse us so.”
Elisabeth Couturier
FORMAT: 170 x 210
PAGES: 216
ILLUSTRATIONS: 140
BINDING: Softcover
PAPER: 150 g
WORDS: 24 000
PRICE: 19.90 €
RIGHTS SOLD: US/UK, Taiwan, PR China
PUBLICATION DATE: Spring 2015
28
Flammarion
Art FRANKFURT 14
The Guide
œuvres phares
notions clés
L’art, c’est forcément beau,
FAUX! xx
L’art, ça doit ressembler
à quelque chose
FAUX! xx
L’art, c’est du travail,
c’est du fait main
FAUX! xx
L’art doit être accessible à tous
VRAI ET FAUX! xx
L’artiste doit avoir de l’inspiration
VRAI ET FAUX! xx
FAUX! xx
Ils l’ont
fait pour la
première
fois 142
1.
Vous aimeriez voir des œuvres “en vrai” et de près,
ressentir physiquement leur présence, percer leur
mystère, saisir leur sens.
Mais vous ne savez pas comment vous y prendre.
Voici, selon votre tempérament, deux méthodes
d’approche.
DANSEUR, Spectacle, année.
174
175
3
V
ous aimez instinctivement l’art d’aujourd’hui, mais vous n’avez aucune
envie de retourner à l’école. Vous êtes
curieux, ouvert, attiré par la nouveauté. Vous
détestez vous complaire dans le passé ou regarder en arrière. Pour vous, la vie c’est ici et
maintenant. Oubliez les accrochages historiques ou les rétrospectives : votre truc, c’est
le présent. Alors, plongez directement au
cœur du sujet, sans paliers de décompression, ni filet de sécurité. La case départ, très
peu pour vous. Vous êtes mûr pour effectuer
le grand saut.
Méthode
choc!
Saturation
des couleurs,
contrastes
des textures,
géométrie
des lignes,
violence
du désir...Cette
composition
cubiste donne
une puissance
sauvage à la
photographie.
Visitez les galeries d’avant-garde, les centres
d’art, les expositions monographiques d’artistes vivants, les départements d’art
contemporain des musées.
Allez, par exemple, au Centre Pompidou,
au Palais de Tokyo, à l’Arc du musée d’Art
moderne de la Ville de Paris, à la Biennale
de Lyon, au Printemps de Septembre à
Toulouse, au musée de Villeneuve-d’Ascq ou
de Saint-Étienne, à la Tate Modern à Londres,
au MoMA et à PS1 à New York. Ne ratez
pas la Fiac, à Paris, Frieze, à Londres, ni la
Documenta, à Kassel. Parcourez par exemple
“Art Unlimited” de la foire de Bâle ou la section “Aperto” de la Biennale de Venise.
Sachez-le : les œuvres d’aujourd’hui sont rarement accompagnées de mode d’emploi !
JACQUES BOSSER
Marie II, 2002,
photographie
couleur, tirage
cibachrome,
80 x 80 cm.
.
ENCADRÉ À PRÉVOIR
Lupta numquid que
pro consent.
Ditati officiaeste sit
adis corit, ea non
prem rem aliquib
Em et aut
oditinventem fugit
quia que commolu
ptincimentis ea vidis
ium et explanim
dolupta turepuda
eossed qui de sit
expligendit ad quis
volo est, imus eos ma
cus id ulparcimet,
quia del et experferi
del ipsa quundel
laborep eruptati ad
maximus venda
ne delibus ex et
unt et ute sinveni
moluptatus.
Déroutantes, déstabilisantes ou délirantes,
les productions actuelles décoiffent. Afin
de ne pas perdre pied, raccrochez-vous à
quelques principes de base :
1. Ne cherchez pas à savoir
si c’est beau ou non, ni si
vous mettriez “ça” chez vous !
2. Prenez votre temps,
détaillez l’œuvre : quels
éléments, quels matériaux
la composent et comment
s’inscrit-elle dans l’espace ?
Surtout ne vous censurez pas : vous avez le
droit de réagir avec vos tripes, d’aimer ou de
ne pas aimer ! Mais, avant de condamner, essayez de comprendre ce que l’artiste a voulu
dire. Lisez les textes d’accompagnement ou
les catalogues. Vous constaterez que tout
est précis, cadré et pensé. Et que les apparences sont parfois trompeuses ! . . .
En France, à la fin des années 1970, de jeunes chorégraphes
« partent en guerre » contre un style moderne imposé – et apprécié d’un vaste public – par un visionnaire comme Maurice Béjart.
Pourtant ce dernier était lui-même en rupture avec le ballet classique et néoclassique en proposant des interprètes en jean, des
musiques indiennes, des salles jusque-là réservées aux concerts
de rock.
1
EN HAUT
DANSEUR
Spectacle,
année,
Légende giatur
saector erfererum
voluptatur.
1
EN HAUT
DANSEUR
Spectacle,
année,
Légende giatur
saector erfererum
voluptatur.
* voir Les mots clés, p. 137
10
11
le premier
collage 138
CE QUE
VOUS POUVEZ
EN DIRE !
Ils
l’ont fait
pour la
première
fois
le premier
ready-made 140
« Son corps
reste collé au
sol, sa pensée,
elle, prend
le large ! »
le premier
monochrome 142
le premier
happening 144
Faites
le calcul!
3 Cet artiste
conceptuel
refuse d’imposer
sa propre vision
du monde. Cette
phrase inscrite
sur un mur
déclenche chez
le spectateur
ses propres
images.
Techniques
mixtes,
dimensions
variables.
Vue de
l’exposition
“Gilles Barbier”
à la Kunstverein
de Freibourg,
Allemagne,
2004.
L’art doit
être accessible
à tous.
17
Pour expliquer sa
philosophie, Andy Warhol
déclarait : « Le pop art est pour
tout le monde. Je ne pense pas
que l’art devrait être réservé
à une élite ».
vrai! &
faux.
la première
œuvre vidéo 146
L’ART CONTEMPORAIN, QUEL INTÉRÊT ?
encore un effort
L’œuvre baroque et généreuse
de Gilles Barbier prend des
formes extrêmement variées :
dessins, peintures, installations, sculptures, assemblages,
etc. L’homme y est omniprésent : clones de l’artiste en cire,
figures grotesques ou lilliputiennes. Une ménagerie métaphorique soutient un imaginaire
foisonnant et une narration
débridée nourrie de sciencefiction. Il y a du Brueghel dans
ce goût de l’excès. Gilles Barbier
qui se vautre avec délice dans
la trivialité, s’élève aussi dans
les méandres de l’irrationnel ou
organise des systèmes de flux
complexes afin de dépeindre
la démesure du monde global.
Il dit : « Le clone, le ver, la punaise, l’emmenthal, l’obèse, la
prognathe ou la schizo, le maniaque et l’eidétique. Toutes ces
configurations sont des devenirs efficaces, des métaphores
permettant de gérer à la limite
de l’explosion la violence de
l’envahissement et du bruit (la
compulsion consumériste) ».
Se projeter
dans une autre
dimension
ANN VERONICA
JANSSENS
Dynamo,
2001,
Installation
au Cent Quatre,
Paris
10
11
Les paysages à peine perceptibles de Turner
retiennent votre attention.
Vous aimez les nuances colorées dans
lesquelles, chez Bonnard, les corps se
fondent.
C
marquer une distance par rapport au réel, inciter
au questionnement critique, à l’analyse, aux interrogations philosophiques. Un artiste comme
le Français PHILIPPE THOMAS , décédé en 1995, n’a
cessé d’interroger le statut et la fonction du créateur à travers une œuvre complexe. Convaincu
que l’art était devenu un objet de consommation
indifférencié, il a proposé à des collectionneurs
de prendre sa place en signant une pièce qu’il
avait lui-même réalisée. Dans cet esprit de dépossession, il avait ouvert en 1987, à New York,
une agence artistique, « Les ready-made appartiennent à tout le monde », où étaient présentés
en tant qu’œuvres des textes théoriques élaborés
par des auteurs fictifs.
Ces deux positions résument deux courants de
fond qui traversent l’art de part en part depuis
À l’inverse, mais à la même époque, LAWRENCE le début du XXe siècle. Mais aujourd’hui, images
WEINER , un autre artiste américain, proposait, séduisantes, d’un côté, et démonstrations intellui, des œuvres qu’il présentait sous la forme de lectuelles, de l’autre, s’interfèrent facilement.
phrases énigmatiques et dont la réalisation était
Croire qu’une image accessible dévoile plus
à la charge de l’acquéreur.
Pour en saisir le sens, le spectateur doit puiser rapidement son sens constitue un leurre. Une
dans ses propres ressources, s’informer sur l’ar- œuvre de JEFF KOONS , aussi simple qu’une portiste, faire fonctionner ses neurones.
celaine kitsch, ou encore la photo d’un paysage
« Ce qui fait une œuvre est plus important que urbain, apparemment banal, réalisée par JEAN-LUC
la manière dont elle est faite », précise réguliè- MOULÈNE cachent toujours une démonstration
rement Weiner, qui s’appuie sur les capacités co- complexe. C’est ce que voulait dire PICASSO quand il
gnitives du spectateur à créer ses propres images déclarait : « Un tableau peut représenter l’idée des
mentales, à exprimer lui aussi ses idées. Selon choses, il peut d’autre part représenter l’aspect
cet artiste conceptuel, il n’est pas nécessaire, extérieur des choses sans leur porter atteinte. En
face à la surproduction d’images offertes par la effet, on ne copie jamais la nature, on ne l’imite
société marchande, d’en rajouter ! Au contraire pas davantage, on laisse des aspects imaginés
l’art, pense-t-il, doit offrir un espace de réflexion, revêtir des apparences réelles ». .
elui qui n’a eu de cesse de tendre un miroir à
la société américaine des années 1960 souhaitait rendre son œuvre accessible au plus
grand nombre. Il prenait ses sujets à la télévision,
dans la presse, la publicité ou le cinéma, parce que
les images médiatiques sont des repères communément partagés. C’est en quelque sorte notre
nouvelle bible ! Et les reproductions de portraits
de stars, de produits de grande consommation ou
les photos de journaux qu’il exposait agrandies,
recoloriées et démultipliées séduisaient le public
qui avait le sentiment rassurant d’avoir déjà vu ça
quelque part.
Pour WARHOL , le rôle de l’artiste consistait à magnifier les signes et les idoles qui cristallisent les
nouvelles formes de dévotion.
Les stars
ont remplacé les
icônes religieuses.
Le public leur
voue un
véritable culte.
En reproduisant
leurs images
en série, Andy
Warhol a révélé
la puissance
de l’ attraction,
parfois morbide,
qu’elles exercent
sur le grand
public.
2
2
EN HAUT
ANDY WARHOL
Marilyn,
1967,
sérigraphie
sur papier,
92x92cm
3
EN BAS
LAWRENCE WEINER
Pierres+Pierres
Pour marquer
le chemin,
janvier 1987,
peinture murale
grise et bleue
4
1
Même sentiment de déséquilibre lorsqu’on traverse les installations de l’artiste belge ANN VERONICA JANSSENS , qui enveloppent le
spectateur dans un halo impalpable.
Pour DOMINIQUE GONZALEZ-FOERSTER , les jeux de lumière définissent
des espaces propices aux rêves et aux récits introspectifs. (voir p. 211)
Certaines installations vidéo ont des effets renversants : les dispositifs de l’artiste BILL VIOLA modifient la perception d’une œuvre.
Chez lui, par exemple, projetées au ralenti sur d’immenses écrans
doubles faces et accompagnées de musique répétitive, les images
d’un plongeur volant comme un oiseau, d’un homme en lévitation
disparaissant dans les flammes ou sous la pluie, déclenchent un
sentiment d’exaltation. Le spectateur est invité à se détacher de la
réalité, à faire un “voyage” comme ceux que procure l’absorption de
substances illicites !
EN HAUT
JAMES TURREL
Emerald Bay,
2000,
installation.
Autres points de vue, autres sensations : le flux et le reflux des vagues venant mourir sur la grève, filmées par ANGE LECCIA , et projetées en format XXL, à la verticale, hypnotisent le spectateur.
2
EN BAS
ŒUVRE
Le conte de fées a tourné aigre, les princes
ont découvert le genre (sexuel, pas humain)
et les ballerines ont remisé leurs chaussons
et pointes. La danse contemporaine a
débarrassé la discipline du corps par
excellence de son image un rien vieillissante.
Étonnante
lévitation
2
Il est loin le temps où Sa Majesté le roi
apprenait des pas de danse et se régalait
de comédie-ballet avec divinités joueuses
et autres machineries fantastiques.
Les années du ballet romantique, plus
proches de nous – amours courtoises,
esprits évanescents et autres fées se
disputant la vedette –, ont vu leurs
couleurs s’affadir depuis.
Même s’il n’est pas interdit de rêver encore,
la danse contemporaine a su se saisir de
préoccupations actuelles pour appréhender
un autre monde possible. Mieux encore,
elle le fait sans donner – trop – de leçons.
G
1
randir dans les années d’après-guerre, c’était à coup sûr –
pour peu que vous soyez un amateur de danse – en pincer
pour l’arabesque classique, le pas de deux en justaucorps
avec option diadème et des histoires de revenants dans des opus
romantiques. L’arrivée sur le devant de la scène d’un artiste total
comme MAURICE BÉJART bouleverse la donne, ouvrant d’autres perspectives. De sa Symphonie pour un homme seul (1955) à son Boléro
(1961), le chorégraphe, déjà rebelle à l’institution classique, invente
des formes musicales (avec Pierre Boulez ou Pierre Henry) ou théâtrales. Il passe à la télévision (Le Grand Échiquier), squatte le Palais
des Sports et fait même une apparition au cinéma (Les Uns et les
Autres de Claude Lelouch). Pas encore contemporain, me direz-vous,
presque moderne, vous répondrai-je. Mais on revient de loin : d’une
hégémonie du classique qui risquait d’ailleurs de se confiner à des
cercles de plus en plus restreints d’amateurs, une fois les stars
du genre passées à autre chose (Rudolf Noureev, Margot Fonteyn,
Mikhaïl Baryshnikov aux États-Unis ou en Europe, Patrick Dupont et
Sylvie Guillem en France). Car si l’impression dominante est que le
contemporain attaquait la norme établie – et d’une certaine façon la
danse classique –, il faudrait être aveugle pour ne pas constater que
ce sang neuf et créatif a irrigué toutes les formes de danse, pour leur
plus grand bien. Ainsi une maison respectable comme le Ballet de
l’Opéra national de Paris a vite compris tout le bien qu’elle pouvait
retirer d’une approche plus actuelle du répertoire,
. . .
EN HAUT
DANSEUR
Spectacle,
année,
Légende giatur
saector erfererum
voluptatur.
1
EN HAUT
DANSEUR
Spectacle,
année,
Légende giatur
saector erfererum
voluptatur.
1
EN HAUT
DANSEUR
Spectacle,
année,
Légende giatur
saector erfererum
voluptatur.
Quant à PHILIPPE RAMETTE , il défie avec humour, grâce à un simple
appareillage la loi de Newton. Tel un funambule, il marche à l’envers
au-dessus du vide ou se tient perpendiculaire à un mur ! Étranges et
poétiques, ces œuvres déboussolantes donnent le sentiment d’être
ailleurs, Hors du champs de l’attraction terrestre.
34
1
EN HAUT
DANSEUR
Spectacle,
année,
Légende giatur
saector erfererum
voluptatur.
1
EN HAUT
DANSEUR
Spectacle,
année,
Légende giatur
saector erfererum
voluptatur.
1
EN HAUT
DANSEUR
Spectacle,
année,
Légende giatur
saector erfererum
voluptatur.
35
L’
un des habituels reproches adressés à la danse classique
est justement de montrer un monde fantasmé, des caractères du passé ou des codes en complet décalage avec
notre quotidien. Il est vrai que le théâtre ou la peinture ont de tout
temps essayé de coller à leur époque, là où la danse, romantique
notamment, s’enlisait dans un idéal hors... du temps justement. Peu
à peu, le réel fait son apparition, certains puisant dans leur histoire
personnelle, d’autres dans leurs origines. L’avènement de la danse
contemporaine fait se confronter plusieurs écoles avec élégance.
L’abstraction marque vite des points et s’abstient de commentaires
sur son environnement.
Mais un courant comme le post-modernisme aux États-Unis
se veut plus politique. On est contre la guerre au Viêtnam, pour la
libération des mœurs bien sûr. Yvonne Rainer signe ainsi à la fin
des années 1960 M-Walk ou War aux titres explicites . Quant à
Bill T. Jones, chorégraphe et danseur, il raconte sa maladie, le sida,
mais tout autant la condition de l’Afro-Américain dans un pays qui,
à l’époque (les années 1990), n’ose même pas espérer avoir un jour
un président noir ! Les réactions sont vives,
. . .
38
39
À quoi
ça ressemble ? 8
Comment
la définir ? 12
Où et quand
est-elle née ?
16
1994
exposition L’Hiver de l’amour
organisée par Elein Fleiss, Olivier Zham, BernardJoisten, Dominique Gonzalez-Foerster
et Jean-Luc Vilmouth, à l’Arc-musée d’Art moderne de la Ville de Paris
Les organisateurs de cette exposition révélatrice
d’une nouvelle sensibilité ont expliqué ainsi leur
démarche : « On voulait mettre en relation ce qui
paraît symptomatique de l’état d’esprit d’une génération, créer une succession de zones chaudes
et froides, montrer d’autres comportements,
d’autres matériaux, d’autres désirs et beaucoup
de situations. » Ils ont donc indifféremment fait
appel à des plasticiens, des cinéastes, des architectes, des photographes, des créateurs de
mode, une chorégraphe ainsi qu’à un bureau de
tendance.
Une quarantaine d’artistes venus de onze pays, et
dont la moyenne d’âge se situait autour de vingtcinq ans, proposaient des œuvres qui toutes interrogeaient, à l’heure du sida et de la globalisation
de l’économie, l’amour, la sexualité, le désir, le
rapport à l’autre et à son propre corps.
la danse
contemporaine
c’est quoi ?
Les artistes femmes, bien représentées, exposaient différentes facettes de la féminité contem-
poraine. Faridha Hajamadi, prenant au pied de la
lettre l’expression consacrée “faire tapisserie”,
avait recouvert un mur de toile de Jouy et remplacé les fameux motifs bucoliques par les célèbres
scènes de la guerre d’Espagne de Goya. Il fallait
y regarder de près pour s’apercevoir du subterfuge. Alix Lambert exposait grandeur nature les
photographies de ses quatre mariages, célébrés
la même année, dont un avec une femme. Quatre
mariages suivis de quatre divorces. Dans cette
parodie de la course au bonheur, l’autre est utilisé
comme matériau plastique, rien de plus.
L’initiative d’Andrea Zittel réchauffait un peu l’atmo-sphère : cette styliste avait réalisé des couvertures multi- fonctions dans le but d’aider les
nécessiteux. Et, malgré les intentions de départ,
les zones froides porteuses d’angoisse morbide
l’emportaient nettement sur les zones chaudes,
celles de l’échange affectif. Un exposition révélatrice des préoccupations d’une nouvelle génération confrontée aux transformations irréversibles
d’un nouvel ordre du monde.
1995
exposition Masculin-féminin,
le sexe de l’art
Proposée par Marie-Laure Bernadac et Bernard Bellmer suggèrent la violence du désordre inscrit
Marcadé au Centre Georges-Pompidou, Paris
dans l’acte sexuel et ceux qui, tels le photographe
L’impressionnante somme de commentaires dé- Robert Mapplethorpe ou Jeff Koons, montrent
clenchée par cette exposition atteste de la vitalité sans fard le désir, se dessine la ligne de partage
du propos ! À travers cinq cents œuvres, signées entre transposition symbolique et réalisme.
par les plus grands artistes modernes et contemporains, l’accrochage démontrait la connivence Balayant un siècle de productions marquées par
la fin des tabous et la mise en spectacle de l’inévidente de l’art avec le sexe.
time, l’exposition a mis l’accent sur la “crudité”
Selon les commissaires, Marie-Laure Bernadac des œuvres récentes, soulignant l’accélération
et Bernard Marcadé, l’existence de ce lien étroit du brouillage des genres, telle la bisexualité de la
créativité, déjà révélée au début du XXe siècle par
constitue le moteur même de la création.
Mais entre les artistes qui comme Picasso ou Duchamp, Picabia ou Magritte.
A-t-elle des références,
des origines ? 20
10
2002
La Documenta
de Kassel
par Okwui Enwezor
La onzième édition de la Documenta de Kassel a été
confiée pour la première fois à un jeune Nigérian,
Okwui Enwezor. Ce new-yorkais a choisi d’établir un
état du monde, à travers des œuvres traitant de problèmes comme la guerre, la famine, l’immigration, la
pauvreté... Un parti pris qui a suscité de nombreuses
critiques, tant sur le fond que sur la forme. Et qui a relancé, au moment où on s’y attendait le moins, le débat
sur ce qui peut être considéré comme art et non-art.
En effet, privilégiant l’aspect documentaire de la
création d’aujourd’hui, cette présentation, qui réunissait cent dix-huit artistes venus des cinq continents, proposait un nombre impressionnant de projections de films, de reportages, de vidéos, et aussi
des photographies et des enquêtes journalistiques.
On pouvait par exemple y voir un document sur le
génocide du Rwanda, un autre sur l’immigration à
la frontière mexicano-américaine.
2004
exposition Live
Organisée par Jérôme Sans
au Palais de Tokyo, Paris
La musique comme outil de la création plastique. Une
tendance portée par une nouvelle génération d’artistes qui s’exprime à travers vidéo-clips, performances musicales, DJ-sets, installations, photographies, wall paintings (peintures murales).
Elle privilégie les démarches pluridisciplinaires,
mêlant tous les styles musicaux : variété, rap, rock,
électro, pop. Ou, elle se focalise, plus particulièrement, sur la musique électronique et la culture
techno dans des installations où projection et musique fonctionnent en osmose, comme le montrait
l’exposition “Sonic Process” organisée en 2002 par
Christine Van Assche, au Centre Pompidou.
2005
exposition
Rirkrit Tiravanija
2.
Une rétrospective (Tomorrow is Another Fine Day),
au musée d’Art moderne de la Ville de Paris,
couvent des Cordeliers
Circulez, il n’y a rien à voir, ou comment transformer
une œuvre en pur objet de fiction. Cette rétrospective virtuelle proposant une formule inédite de la
dématérialisation de l’art, un demi-sièce après l’exposition du vide d’Yves Klein, a marqué les esprits.
L
es musées présentent des chefsd’œuvre. En êtes-vous sûr ? Au fond,
sur quels critères reposent les choix
des responsables chargés de l’accrochage
des œuvres ? Pourquoi a-t-on l’impression
de voir les mêmes artistes dans tous les
grands musées du monde ? Existe-t-il une
liste de noms pour l’art ancien, moderne ou
contemporain ? À New York, Paris ou Madrid,
on nous raconte partout la même histoire.
Aussi, pour comprendre aujourd’hui la pertinence d’une installation vidéo ou la justesse d’un happening, est-il recommandé
de faire ses classes. Autrement dit de resituer l’œuvre dans son contexte historique.
Comment ? Par exemple en parcourant,
méthodiquement et chronologiquement,
d’abord les salles d’un musée d’art moderne,
puis celles d’un musée d’art contemporain.
Cette entrée en matière progressive vous
aidera à assimiler les fameuses ruptures
Les conservateurs se sont-ils donnés le esthétiques qui ponctuent l’histoire de l’art
mot ? D’une certaine façon, oui. Ils parta- moderne et contemporain.
gent une tradition où le sens du beau a évolué dans des contextes similaires. Grands À titre d’exemple : commencez par la fin du
empires, foyers internationaux de créa- XIXe siècle. Regardez attentivement les imtion, imbrications des révolutions sociales pressionnistes et les postimpressionnistes,
et économiques, ont, peu ou prou, dessiné détaillez en particulier les œuvres de MONET,
un fond de croyances communes, soutenu DEGAS, MANET. Arrêtez-vous devant GAUGUIN
par la foi dans le progrès. Appliquée à l’art, et VAN GOGH . Célébrez CÉZANNE . Marquez une
cette idéologie crée une grille de lecture qui pause avec le pointilliste SEURAT et le nabi
privilégie parmi les œuvres du passé et du VUILLARD . Exultez avec les expressionnistes
présent celles qui innovent. De fait, l’histoire allemands et les protagonistes des moude l’art occidental s’inscrit dans une logique vements Der Blaue Reiter et Die Brücke :
évolutive : elle retient, en priorité, le nom KIRCHNER, NOLDE, MACKE... Faites une halte
des artistes qui ont remis en question, à un chez les fauves : MATISSE, DERAIN, VLAMINCK...
moment donné, les lois de la représentation Fêtez l’avènement de l’art abstrait avec
enseignées par les maîtres et les écoles des MALEVITCH, KANDINSKY, MONDRIAN. Admirez
beaux-arts. Et qui ont proposé d’autres ma- PAUL KLEE. Appréciez les futuristes : BALLA,
nières de transcrire le réel, de traduire un CARRÀ, SEVERINI. Saluez les cubistes et ses
deux figures majeures : BRAQUE ET PICASSO...
sentiment, de poser des questions.
exposition
Jeff Koons
2010
exposition The
Artist is Present
au Moma, New York
Pour la première fois, le Moma accueillait une rétrospective consacrée à une star de la performance et
du body art, Marina Abramovic.
L’exposition montrait non seulement des archives,
mais elle mettait en scène de jeunes artistes pour
rejouer toute la journée les plus célèbres actions
de l’artiste. De plus, chaque visiteur, pouvait quotidiennement s’asseoir en face de Marina Abramovic et
soutenir son regard afin de tester sa propre concentration et capacité de résistance.
11
26
Flammarion
En modifiant une
DS, en lui donnant
une nouvelle ligne,
en réduisant
son espace intérieur,
l’artiste lui ôte son
rôle fonctionnel.
Il transforme
en œuvre d’art
un véhicule dont
le design a marqué
son époque.
La méthode douce,
l’approche
chronologique
2008
au château de Versailles
Le homard géant, jouet gonflable surdimensionné,
accompagné d’autres oeuvres pop kitsch de la star
américaine, exposé dans les appartements de la
Reine, ainsi que dans la galerie des Glaces du château a eu un retentissement planétaire.
Un événement choc, orchestré par le commissaire
Laurent Le Bon. Une initiative qui déclencha une
énorme polémique et réactiva la rencontre salutaire
entre art conteporain et patrimoine.
Méthode
douce…
CHOISIR SA MÉTHODE
9
1994
8
Ça reflète
notre époque
ENCADRÉ ??
Lupta numquid
que pro consent.
adis corit, ea non
prem rem aliquib
Em et aut oditin
ventem fugit quia
que commolu
ium et explanim
dolupta turepuda
eossed qui de sit
expligendit ad quis
cus id ulparcimet,
del ipsa quundel
laborep eruptati ad
maximus venda.
Si le petit rat fait moins rêver que le top
model, le danseur de hip hop, lui,
voit sa cote monter en flèche !
Cette incroyable
photo n’a pas été
retouchée ! Cette
performance a eu
lieu dans la baie
de Hong Kong le
22 mai 2001.
L’artiste se tient
à l’horizontale grâce
à un appareillage
caché sous son
costume. Hors cadre
se trouvent la barge
et la grue qui ont
permis la mise en
place du balcon sur
l’eau. En équilibre
entre ciel et mer,
l’homme pensif
contemple l’infini.
Dans les années 1970, afin d’élargir spatialement l’œuvre et d’offrir aux spectateurs une autre appréhension de l’environnement,
DAN FLAVIN , minimaliste convaincu, a créé des sculptures avec des
tubes de néon en couleur : ainsi grâce à la mise sous tension, par la
lumière, de l’architecture environnante, il a réussi à dématérialiser
les frontières entre le plein et le vide. (voir page suivante et p. 67) . . .
7
LES DATES-REPÈRES
2
PHILIPPE
RAMETTE
Balcon 2
(Hong Kong),
2001,
photographie
couleur,
150 x 120 cm
DAN FLAVIN
Balcon 2
(Hong Kong),
2001,
photographie
couleur,
150 x 120 cm
Leur but : exalter l’immatériel d’une peinture propice à la contemplation et à la méditation, s’affranchir en quelque sorte des lois de
la pesanteur. Et pour atteindre cette nouvelle dimension, ils ont
commencé par rompre avec les règles de la perspective, qui enferment le regard dans un schéma trop restrictif. À l’heure de la dématérialisation des informations circulant sur internet, les artistes
réinventent notre rapport à l’espace. Ils sondent l’impalpable, le
hors-limite et font disparaître nos repères géométriques.
6
Ça change
du classique
1 Cet espace, dont
les proportions
et les limites sont
gommées grâce
à différents
éclairages indirects,
offre une autre
perception
du réel. À l’intérieur
de ce “caisson
lumineux”,
nos repères
spatiaux habituels
disparaissent.
.
ette question de la représentation débordant le cadre du
tableau hante la peinture depuis les premières œuvres abstraites signées KANDINSKY ou CIULONIS . Et aussi depuis que MALÉVITCH a réalisé le premier tableau monochrome en 1913 (voir p. 175) et
qu’YVES KLEIN a posé, d’une manière bien concrète, les limites du
visible en organisant une exposition intitulée Le Vide, où il invitait
les spectateurs à venir admirer l’espace désert et les murs nus de
la galerie ! (voir p. 157)
Sunt quisciendae
poreria temporerum
Quatium
volenectem. Obit
digenitia nobit,
omnias aut labo.
Idion cum eat
faccum evelignimus
evel inus, cus, cone
que dolupti istibus
torumqu idebis aut
dolluptatus re nobit,
coribus ullam cum
dem nus et dolor
aut poremol oribus
ab inctusda
volutest, cus.
2010
1
.
D’autres ont su explorer cette voie et créer de véritables lieux phénoménologiques en proposant aux spectateurs, toujours grâce à la
lumière, d’effectuer un étrange voyage, hors des schémas visuels
habituels. JAMES TURRELL est celui qui a poussé le plus loin cette révolution euclidienne : ses environnements évanescents proposent
une expérience unique. Cet ancien pilote d’avion semble n’être jamais vraiment redescendu sur terre ! Sculpteur de lumière, il exalte,
lui aussi, la beauté du vide à travers de savants dispositifs réalisés
à partir d’éclairages indirects. Pénétrer dans ce qu’il nomme une
“chambre de perception” tient de l’aventure : arêtes murales, angles
et reliefs ont disparu. Envolées aussi les notions de bas, de haut, de
longueur, de largeur et de profondeur : on a l’impression de marcher
sur un nuage et l’on a beau écarquiller les yeux, pas moyen de se
raccrocher à quoi que ce soit.
C
Dématérialiser
les frontières
5
Une autre
perception
du réel
.
ŒUVRE
LE SAVIEZ-VOUS ?
Lupta numquid que
pro consent.
adis corit, ea non
prem rem aliquib
Em et aut
oditinventem fugit
quia que commolu
ium et explanim
dolupta turepuda
eossed qui de sit
expligendit ad quis
cus id ulparcimet,
del ipsa quundel
laborep eruptati ad
maximus venda
ne delibus ex et
unt et ute sinveni
moluptatus.
Vous êtes sensible aux œuvres qui tentent
de saisir l’indéfinissable passage de l’ombre
à la lumière, ce lieu mouvant où les formes
s’évanouissent.
LA DANSE CONTEMPORAINE QUEL INTÉRÊT ?
Imageculte...
20 ŒUVRES-CLÉS
le premier
tableau
abstrait 134
Gilles Barbier est né en 1965 au Vanuatu (Pacifique Sud).
Son œuvre est multiple et foisonnante : sculptures,
photographies, grands dessins, installations. Ennemi
de la logique et des vérités définitives, l’artiste propose
des circuits alternatifs à la pensée, s’appliquant pour
commencer à déstabiliser son propre processus de
décision dans son travail. Ainsi, il s’autorise à multiplier
les scénarios pour inventer d’autres possibles, d’autres
mondes, d’autres attitudes…
2000
jeunes artistes parlent de lui comme d’un nouveau classique ! Et les
tenants de la post-modern dance (groupe de créateurs rejetant la
virtuosité du ballet comme de la modern dance*) des années 1960
prendront leurs distances avec ce père fondateur. Deux décennies
plus tard, l’Allemande Pina Bausch induit le même genre de césure,
prenant la tête du Ballet de Wuppertal, compagnie néoclassique
fonctionnant en vase clos. Après quelques pièces d’une facture
lisible par le public d’abonnés, la rupture s’accroît avec la mise au
point de son Tanztheater (danse-théâtre donc, et non pas théâtre
dansé, comme on le nomme souvent abusivement), où les danseurs
prennent la parole entre leurs variations ! La disparition de Pina
Bausch, en juin 2009, suivie, quelques jours après, de celle de Merce
Cunningham, semble clore – quoique avec retard – un XXe siècle riche
en invention chorégraphique. Il est encore trop tôt pour parier ou non
sur des ruptures qui marqueront notre nouveau millénaire, mais les
bases imposées par ces deux pionniers sont solides. Elles devraient
résister au temps à travers leur œuvre.
LA DANSE CONTEMPORAINE QUEL INTÉRÊT ?
2000
16
.
25
Gilles Barbier
L’ivrogne 2000
en approfondissant
La posture de l’homme, un mannequin de cire aux traits réalistes, déclenche une certaine compassion.
Il n’est plus maître de lui-même. Et
le titre de l’œuvre L’ivrogne indique
précisément son état d’ébriété.
Pourtant, cette sculpture déclenche, paradoxalement, un certain enchantement. On est surpris
de voir ainsi représentées en 3D
les images insaisissables et burlesques qui traversent un esprit
qui divague. L’artiste utilise à la
fois les codes de la BD et ceux de
la peinture surréaliste. Chapeaux
et nuages renvoient à l’univers de
Magritte, cannes et étoiles à celui
de Tintin. Tout s’embrouille et se
mêle. Les éléments disparates et
poétiques qui illustrent ce délire
éthylique en atténuent la dérive.
Cette sculpture qui propose une
interprétation curieuse de la pensée humaine, ne ferait-elle pas
aussi un pied de nez au Penseur
de Rodin ?
.
Cette nouvelle vague fait feu de tout bois : chez Jean-Claude
Gallotta on mêle professionnels et amateurs sans formation poussée en danse ; chez Maguy Marin on gomme les sexes en maquillant
femmes et hommes ; chez Régine Chopinot on danse suspendu à
des cordes qui envoient valser les mouvements. Fini la danse trop
lisse qui ne raconte que des histoires. La danse contemporaine
reprend le flambeau, abstraite ou dramatique. Émotive aussi. Mais
elle pose ses règles, ou les impose. Est-ce un effet à retardement
des chamboulements de Mai 68 ? Toujours est-il qu’entre libération
du corps et réenchantement du monde, la danse contemporaine
invente sa propre histoire. Et continue encore de l’écrire.
3. Comme chez le psy,
laissez-vous aller aux
associations libres, notez
à quoi ça vous fait penser,
qu’est-ce que ça vous
rappelle.
24
à première vue
Cette installation met en scène
un homme à genou sur le sol, recroquevillé sur lui-même. Sa tête
est inclinée en signe de lassitude
ou d’abandon. Il porte une chemise blanche et un costume
sombre dont la veste traîne par
terre. Au-dessus de sa tête,
comme sortie de son cerveau,
s’élève dans l’espace une impressionnante spirale métallique aux
proportions démesurées. Y sont
accrochés toutes sortes d’objets
divers et inattendus : chapeaux,
étoiles, nuages, drapeau, boîtes,
lettres, etc. Un bric-à-brac coloré
suspendu dans les airs.
20 ŒUVRES-CLÉS
Mis à part les créations de ses débuts, d’une beauté lyrique mais encore sous influence post-classique,
le style de Pina Bausch s’est inscrit dans la durée : en intégrant du texte – moins des improvisations
qu’un jeu de questions-réponses travaillées en studio –, en découpant ses ballets en saynètes qui se
succèdent avec un sens du rythme inné, elle définit les règles de son théâtre dansé qui raconte beaucoup de nos sentiments et vicissitudes. Des histoires de couple, entre trahison et passion, des souvenirs
d’enfance – Pina elle-même se met en scène dans Café Müller, censé reprendre le décor du café de ses
parents à Solingen – tout vient gonfler la dramaturgie qui sous-tend les spectacles de Pina. Ajoutez-y
des scénographies remarquables (de Rolf Borzik puis de Peter Pabst), un vestiaire reconnaissable entre
tous (longues robes pour elle, costume pour lui), et vous avez la signature de Pina Bausch. Soutenue
par des interprètes exceptionnels venus du monde entier, la danse de la chorégraphe de Wuppertal
alterne courses folles, rondes et processions. Des solos où Pina joue notamment des bras sont également incrustés dans les tableaux vivants que sont ses ballets, de Nelken au Laveur de vitres, d’Agua à
Wiesenland. Dans ces dernières pièces, entre nostalgie et douceur, parfois pensées après des résidences à l’étranger (Inde, Corée, Japon, Turquie), la violence mise à nu (les rapports humains donc)
s’adoucit. Mais en reprenant avec des personnes âgées, puis avec des adolescents, son éblouissant
Kontakthof, Pina Bausch prouvait l’acuité de sa vision chorégraphique. Sa disparition au cours de l’été
2009 a provoqué une onde de choc dans le milieu et bien au-delà : l’une des plus grandes artistes de
notre temps s’est éteinte.
La méthode choc,
plongez tête
baissée!
L’art contemporain vous tente ?
ELLE A DIT
« Il faut
apprendre
à être touchée
par la beauté,
par un geste,
un souffle, pas
seulement par
ce qui est dit
et dans quelle
langue, percevoir
indépendamment
de ce que l’on
“sait’’. Il faut
juger sans
connaître ! »
Son style
30 œuvresclés 142
Sommaire
Choisir
sa méthode
L’artiste contemporain fait
n’importe quoi
2
Déclinaison d’un
même thème xx
Citations xx
Détournement xx
Recyclages xx
Qui est-elle ?
Originaire de Solingen, dans la Ruhr (Allemagne) où elle voit le jour en
1940, Philippine (Pina) Bausch est d’abord élève de l’école d’Essen
dirigée par Kurt Jooss avant de franchir l’Atlantique pour étudier à la
Juilliard School de New York. Sans parler un mot d’anglais, dira-t-elle
plus tard. Repérée comme interprète dans différentes compagnies
américaines, elle décide pourtant de revenir à Essen. À la fin des
années 1960, elle signe ses premières chorégraphies avant de se
voir proposer, en 1973, de diriger le Ballet de Wuppertal alors délaissé.
Elle y donne des versions d’« opéras dansés » comme Iphigénie en
Tauride ou Orphée et Eurydice. Mais, peu à peu, elle abandonne ce
néoclassicisme pour des créations plus contemporaines où les
danseurs prennent notamment la parole. Le Tanztheater (dansethéâtre), après ses prémices au début du xxe siècle, renaît sous la
férule de Pina Bausch, qui va influencer des dizaines d’artistes par
la suite. Bandonéon ou Arien sont les meilleurs exemples de ses
débuts – parfois mouvementés – à Wuppertal.
Retenir
quelques
dates
repères 142
ILS L’ONT FAIT POUR LA PREMIÈRE FOIS
Partir pour la planète Mars xx
Approcher des zones à risque xx
Se projeter dans une autre
dimension xx
Apprendre une langue étrangère xx
Faire travailler ses neurones
FAUX! xx
L’art, c’est seulement
de la peinture ou de la sculpture
Renouer
les fils
avec le
passé 128
Pina
Bausch dates ?
CHOISIR SA MÉTHODE
L’art
contemporain,
quel
intérêt ? 32
Connaître
les motsclés 142
LA DANSE CONTEMPORAINE C’EST QUOI ?
Changer
sa façon
de voir 58
L’art
contemporain,
c’est quoi ? 12
À quoi ça ressemble ? xx
Qu’appelle-t-on
“art contemporain” ? xx
Ça commence quand ? xx
L’Art contemporain
a-t-il des références ? xx
Vous préférez la compagnie
des femmes...
Penchez-vous sur l’art féministe ! xx
Vous préférez la campagne?
Évadez-vous avec le land art
et l’arte povera xx
Vous préférez la ville...
Intéressez-vous aux interventions
urbaines ! xx
Vous préférez les voyages?
Regardez de près l’art venu
d’ailleurs xx
Vous préférez le sexe,
alors vive l’érotisme ! xx
Vous préférez la politique,
suivez de près l’activisme xx
Vous préférez la préhistoire,
étudiez l’art brut et les graffitis xx
Vous préférez le futur,
visitez l’art et les nouvelles
technologies xx
Vous préférez vous amuser,
participez à l’art interactif xx
Vous préférez
la peinture, toujours ! xx
Vous préférez
la sculpture, encore ! xx
Comment
approcher
l’art
contemporain ? 86
GABRIEL OROZCO
La DS, 1993,
voiture Citroën
de 1970 reprofilée,
144 x 120 x 488cm.
Ne ratez surtout pas ! Délectez-vous des
scandales et des bricolages des dadaïstes :
TZARA, ARP, BALL, SCHWITTERS... Reconsidérez
la réalité avec les surréalistes : ERNST, DALÍ,
MASSON, MAGRITTE, MAN RAY... Plongez dans
les grandes surfaces peintes des expressionnistes abstraits américains : POLLOCK,
ROTHKO, NEWMAN, MOTHERWELL. Lâchez les
amarres avec Fluxus et les happenings :
CAGE, PAIK, VOSTELL, FILLIOU... Détendez-vous
avec le pop art et les Nouveaux Réalistes :
Cogitez avec l’art conceptuel. Familiarisezvous avec Support/Surface, arte povera, la
figuration narrative, la figuration libre, etc.
Une fois assimilés ces virages à 180°, ces
reconsidérations radicales, ces transformations successives, ces explorations soudaines qui ont contribué à élargir le champ
artistique, vous voilà fin prêt pour aborder
sereinement la section dédiée à l’art d’aujourd’hui ! Vous pouvez maintenant mesurer
le chemin parcouru, comprendre d’où vient
l’incroyable diversité des matériaux et des
avec l’hyperréalisme. Évadez-vous avec le techniques utilisés, repérer les références,
land art. Faites-vous peur avec le body art. les citations, les emprunts... Et vous sentir
Ramenez tout à l’essentiel avec l’art minimal. heureux !
WARHOL, RAUSCHENBERG, JOHNS, RAYSSE,
HAMILTON, ARMAN, CÉSAR... Soyez précis
27
29
Photography FRANKFURT 14
Paris Magnum
Paris Magnum
Eric Hazan
The Authors
Eric Hazan, founder of La Fabrique publishing house,
is the author of numerous books including The
Invention of Paris: A History in Footsteps.
Magnum Photos was founded in 1947 by Henri
Cartier-Bresson, Robert Capa, George Rodger, and
David Seymour, who were convinced of the power of
photography to bear witness to the world’s defining
moments and to provoke the collective consciousness.
Today, the photographic cooperative includes nearly
one hundred photographer–members and its library
contains approximately one million photographs.
LA CAPITALE PAR LES PLUS GRANDS PHOTOREPORTERS
Key Sales Points
The Work
This homage to Paris by the great Magnum photographers
reveals a multifaceted portrait of the city’s effervescent
character in 235 photographs, presented in chronological
order.
By documenting the everyday workings of the city,
Magnum’s photographers capture the essence of
Parisian life. Their photographs show the city as it lives
and breathes – rom fashion shows to underground
jazz clubs, from the bustling metro to outdoor cafés,
and from the Art Deco Fouquet’s hotel to the working
class Goutte d’Or neighborhood. Even celebrities
appear as ordinary citizens encountered in their own
milieu – from former President François Mitterrand to
novelist Marguerite Duras, singer Edith Piaf to director
Jean-Luc Godard, fashion designer Christian Dior to
artist Giacometti.
The city’s rich history and traditions are inherent in
images depicting the bravery of an unknown female
resistance fighter, the exuberant joy upon the
Liberation of Paris, the eroticism of burlesque dancers,
or the excitement of the final lap of the Tour de
France. Crusty baguettes, buttery escargot, glasses of
wine, and abundant butcher cases attest to the
gastronomic pleasures of the city, and all of the
monuments – the Eiffel Tower, Arc de Triomphe, NotreDame – appear like cast members at curtain call.
This book celebrates the myriad aspects of Paris in a
volume as captivating for the lifelong Parisian as it is for
the armchair traveler.
30
Flammarion
• Photographs by celebrated, world-renowned
Magnum photographers.
• Featuring original, unusual, and nostalgic photos of
the world’s most visited city.
• A luxury volume featuring exquisite reproductions
of 250 Magnum agency photographs.
FORMAT: 240 x 310
PAGES: 304
ILLUSTRATIONS: 235
BINDING: Hardcover with French fold jacket
PAPER: 150 g
WORDS: 10 000
PRICE: 45 €
RIGHTS SOLD: US/UK, Spain and Latin America, Italy
Table of Contents
- 1932-1944 Magnum Before Magnum
- 1944-1959 Poverty and Anxiety
- 1959-1969 The Swinging Sixties
- 1970-1989 Reaction and Philosophical Resistance
- 1988-2013 Picturing Marginality
—HERBERT LIST, 1936
Street Scene near the Rue Tholozé in Montmartre.
104
Flammarion
105
110
—ROBERT CAPA, September, 1944
Pablo Picasso holding a skull in his studio.
111
31
The Best of
Doisneau’s Paris
Paris Doisneau
Robert Doisneau
The Author
Robert Doisneau (1912-1994) worked as an industrial
photographer at Renault, a photojournalist for the
Alliance Photo agency, and a staff photographer at
Vogue, and he pursued creative projects that won him
worldwide acclaim. He received the Kodak Award
(1947) and the Niépce Prize (1956), and held many
solo exhibitions. Since his death, major retrospectives
of his work have been held in Paris, at the Art Institute
of Chicago, and at the Bruce Silverstein gallery in New
York.
The Work
Published to celebrate Doisneau’s 20th anniversary of
death, this giftbook presents in an affordable format
and price Doisneau’s iconic images of Paris: from Le
Baiser de l’Hôtel de ville (Kiss by the Town Hall) to the
famous images of children playing in the streets, from
elegant dog-walkers to exuberant roller skaters, from
men bathing in the Seine to call girls striking a pose,
they are all displayed in this compact volume.
As a photographer, Robert Doisneau is renowned for
his ability to infuse images of daily life with poetic
nuance that imbued his photojournalism with an
enduring popular appeal.
200 of the most iconic photographs are assembled in
this charming well-priced little volume to create a
unique portrait of Paris in black and white, a timeless
treasure.
A leaflet reproducing the original photomontage
created by Robert Doisneau for an exhibition in 1965
is reproduced here.
Key Sales Points
• The 20th anniversary of Doisneau’s death, one of the
world’s leading 20th century photographers.
• Picture selection by Doisneau’s daughters.
• Includes 30 new photographs among which a dozen
published here for the first time.
FORMAT: 150 x 195
PAGES: 192
ILLUSTRATIONS: 250
BINDING: Softcover
PAPER: 150 g
WORDS: 5000
PRICE: 9.90 €
RIGHTS SOLD: US/UK, Germany, Japan, Italy, Spain,
Brazil
32
Flammarion
87 quai Panhard et Levassor I 75 647 Paris Cedex 13 I Please consult our catalogue at www.flammarion.com/foreignrights
L’aimable Vendeuse, 1953
Essayage au magasin Printemps, 1953
[ 52 ]
[ 53 ]
Flammarion
Les Gosses à roulettes, 1949
La Vitrine, 1947
[ 30 ]
[ 31 ]
33
MARC RIBOUD
Marc Riboud
Marc Riboud
Photographs by Marc Riboud
Foreword by Robert Delpire
Text by Annick Cojean
Magnum photographer Marc Riboud has received
major awards in the US and Europe. His work has
been presented in numerous individual and collective
photography exhibitions in New York, Paris, and Japan.
Robert Delpire is an eminent photography publisher
and curator.
Annick Cojean is an international reporter for Le
Monde.
Flammarion
The Authors
Key Sales Points
The Work
This important monograph of Marc Riboud’s photography,
first published in 2004, has been augmented with twentyfive additional images. Carefully selected by Marc Riboud
himself, they bring his own personal conclusion to his lifelong work.
Marc Riboud traveled the world recording the
harmony of landscapes and the beauty in faces from
Angkor to Istanbul, India to Bangladesh, and New York
to China. From a painter poised like a dancer on the
metal girders of the Eiffel Tower to a young woman
bravely facing down a rank of riflemen in protest
against the Vietnam War, Riboud’s photographs reveal
his deep insight into humanity, his compassion for the
human struggle, and an insatiable desire to understand
the plights, triumphs, and daily life of others. While
many of his photographs depict the anguish of war,
others catch the evanescent delight of a swim in a
sun-dappled river or children learning to whistle in a
Shanghai street.
“ I photograph the way a musician hums. Looking is like
breathing. When luck comes my way and offers me a
good picture, joy is surely at hand ”.
• New edition of THE reference book on Riboud,
with revised and augmented material.
• Exhibitions of Marc Riboud’s photographs are
scheduled from Fall 2014 through Spring 2015, with
venues in New York, Moscow, Tokyo and Kyoto.
FORMAT: 240 x 310
PAGES: 200
ILLUSTRATIONS: 200 black and white
BINDING: Quarter-bound hardcover
PAPER: 170 g
WORDS: 2 000
PRICE: 39.90 €
RIGHTS SOLD: US/UK
PUBLICATION DATE: September 2014
34
Flammarion
50
51
148
164
149
165
80
Flammarion
80
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35
Brassaï
For the Love of Paris
Brassaï, pour l’amour de Paris
Brassaï
Agnès de Gouvion Saint-Cyr
The Authors
Born as Gyula Halász on 9 September 1899 in
Hungary, Brassaï was three years old when his parents
arrived to Paris. He turned to photography in 1929
and began capturing the French capital that so
fascinated him, leading to his international renown.
Agnès de Gouvion Saint-Cyr, former inspectorgeneral of photography for the French Ministry of
Culture, is an authority in the world of photography,
and a specialist of Brassaï’s work.
The Work
Brassaï has always admitted that Paris remained at the
core of his meditation, the guiding thread of his work,
an inexhaustible source of inspiration.
This book is a stroll through Paris following Brassaï’s
constantly renewed perception of the city:
First, the Paris of the 1900s, the “Paris of Marcel
Proust” that he discovered as a young child: walks
through the Bois de Boulogne, afternoons at the
Tuileries or Luxembourg Gardens…
Next, the city he found after his art studies in Berlin,
when he embarked on nocturnal explorations and
wanderings, alongside Henry Miller, Man Ray, Picasso…
And finally the stroller’s eternal Paris, a Paris that he
sublimates by capturing the “spirit” of each of its
districts: the elegant crowds on Rue de Rivoli, the
coalmen along the Seine at Bercy, but also the majesty
of prestigious monuments, the Tour Eiffel, and above all
Notre-Dame that he stalked day and night, conjuring
up the iconic portrait of a city.
Key Sales Points
• A stunning selection, including many lesser-known
works, of Brassaï’s iconic pictures of Paris.
• Authored by one of the world’s leading specialists
on Brassaï and overseen by Brassaï’s Estate.
FORMAT: 240 x 280
PAGES: 256
ILLUSTRATIONS: 300
PAPER: 170 g
PRICE: 35 €
RIGHTS SOLD: US/UK, Italy, Spain
PUBLICATION DATE: November 2013
36
Flammarion
Table of Contents
- The Paris of Marcel Proust (early
20th century)
- Walls and graffiti (from 1929 on)
- Paris and the “Années folles”
- Paris of Picasso
- The eternal Paris of the wanderer
BRASSAI LES MURS DE PARIS - LES GRAFFITI 13
BRASSAI LES MURS DE PARIS - LES GRAFFITI 13
Le PARIS
de Picasso
BRASSAI
CI-CONTRE
Moule de la main de Picasso, 1943-1944
BRASSAI LE PARIS DE MARCEL PROUST 12
BRASSAI LE PARIS DE MARCEL PROUST 13
Picasso rue la Boétie, 1932
DE HAUT EN BAS, DE GAUCHE À DROITE
Le jardin des Tuileries, Anonyme - années 1890,
Collection Halàsz,
L’avenue du bois de Boulogne, Anonyme années 1880-1890, Collection Halàsz
Bois de Boulogne, Anonyme - années 1890-1900,
Collection Halàsz
Mode,Anonyme - ca.1900, Collection Halàsz
La place de la Bourse, X. Phot - années 1890,
Collection Halàsz
PAGE DE DROITE
La journée des Drags, le départ Place de la Concorde,
Anonyme - ca.1900-1910, Collection Halàsz
Flammarion
« J’ai de nombreux souvenirs
de ce Paris 1900... »
Il dessine d’une main élégante le cours du voilier
qui file sur les eaux calmes du bassin du jardin du
Luxembourg, il mime le geste habile du joueur de
diabolo qui offre la corde à la bobine verte, il souffle
sur le moulinet multicolore imaginaire qui offre ses
pétales de papier au vent… Brassaï, cet incorrigible
conteur, évoque avec un plaisir gourmand les
journées innocentes de sa toute jeune enfance,
alors que, âgé de quatre ans à peine, il découvrait le
Paris de la Belle Époque, celui de Marcel Proust, des
dandys, des jolies femmes et de l’élégance.
« J’ai de nombreux souvenirs de ce Paris de 1900
qui était celui des équipages, des cavaliers et des
cavalières. Il n’y avait aucun café ou restaurant aux
Champs-Élysées, rien que des hôtels particuliers et
le flot des voitures venant de l’avenue du bois de
Boulogne et, passant par l’Étoile, qui descendait les
Champs-Élysées jusqu’à la Concorde pour remonter
par le même chemin. C’est par la beauté et l’élégance
de leur équipage qu’aristocrates, bourgeois enrichis
et “grandes cocottes” étalaient leur fortune 1. »
À la fluidité de cette longue procession de
cabriolets, calèches et autres tilburies, défilé scandé
par le martèlement des sabots des chevaux sur
la terre battue de l’avenue des Acacias, répond
l’écho lointain de la circulation intense des voitures
et des fiacres qui arpentent le bitume des Grands
Boulevards. Parfois monter l’escalier en colimaçon de
l’omnibus Madeleine-Bastille lui permet d’observer
le fourmillement du boulevard et la diversité des
passants mais surtout, remarque Brassaï, d’approcher
« cette jeune personne à peine plus âgée que
moi – le cinéma – qui s’exhibe dans les vitrines des
Grands Magasins provoquant attroupement ou
embouteillage 2 ».
Dans ces cinémas improvisés apparaissent d’abord
des photos publicitaires puis un petit film très court
qui le fascine. « D’après leur cocasserie et leur
féerie, je pense maintenant que leur auteur était
probablement le célèbre illusionniste Georges
Méliès. On voyait une modiste chargée de cartons
à chapeaux s’asseoir sur un banc, poser les boîtes et
s’assoupir. Brusquement un carton s’entr’ouvre, des
fées en sortent et dansent une sarabande. Puis au
fur et à mesure que la modiste se réveille, elles
réintègrent le carton 3. »
De toutes ces émotions vivaces, la plus inoubliable
concerne sans aucun doute sa rencontre avec Buffalo
Bill, le vrai, qui a installé son cirque gigantesque au
37
Vestiges of the Armenian Memory
Le cri du silence
Traces de la mémoire arménienne
Antoine Agoudjian
With a foreword by Simon Abkarian
The Authors
A grandchild of survivors from the 1915 Armenian
genocide, Antoine Agoudjian was born to Armenian
parents in 1961 in France. Following an earthquake in
Armenia in 1988, he began a photography project on
his country of origin and its people, gathering some of
his photographs in the book Les Yeux brûlants (Actes
Sud, 2006). In 2011, he became the first photographer
to exhibit in Turkey works in memory of the Armenians
since the 1915 genocide.
Simon Abkarian is a French actor of Armenian origins,
who noticeably appeared in Cédric Klapisch’s early
movies, but also in international productions, such as
Zero Dark Thirty and Casino Royale. He is also famous
for his stage performances and has authored three
plays, all published by Actes Sud.
Key Sales Points
• Portraits taken in a range of countries, making up an
important testimony to the contemporary Armenian
diaspora.
• Publication to coincide with commemorations of
the centenary of the Armenian genocide in April 2015.
The Work
Through the aesthetic power of his photographs as well
as the integrity of his approach, Antoine Agoudjian is a
witness who questions the past of his people and
transmits a message of hope: that of the untameable
strength of the human spirit.
His search for meaning and identity, whose main thread
is the history of the Armenians, also becomes a reflection
of contemporary struggles against intolerance.
This beautiful volume, enhanced by stunning photography,
pays a silent but vibrant tribute to the Armenian people
history.
“Zones of black tinting, sudden splotches of white, grays
expressing uncertainties of combats resonating and
overflowing with energy; a well-mastered spectrum of
shades confering consummate intensity to the humanity of
faces marked by trials endured by the old while also showing
the naivety of tender age – but without its tears.”
(Jean-Noël Jeanneney).
38
Flammarion
FORMAT: 300 x 270 (landscape format)
PAGES: 160
ILLUSTRATIONS: 115
BINDING: Hardcover with cloth binding
PAPER: 170 g
WORDS: 8 500
PRICE: 60 €
RIGHTS SOLD: US/UK
The Cry of Silence
Flammarion
39
Arthaud FRANKFURT 14
A Woman’s Planet
Terre de femmes
Pierre de Vallombreuse
Tristan Savin
The Authors
Pierre de Vallombreuse is a photographer and
reporter for numerous magazines (Géo, Le Figaro
magazine, Le Monde, Newsweek, El País). His
photographs have toured the world, featuring in many
exhibitions and illustrated books including Peuples
(Flammarion, 2006) and Hommes Racines (La
Martinière, 2012). He has amassed a unique
photographic collection of 140,000 shots of 43
different people groups.
A literary critic for Lire and L’Express, Tristan Savin has
also crisscrossed the globe for Géo. He is also an
author and head editor of Long cours magazine.
40
The Work
Key Sales Points
In the West, feminists stand up for a more egalitarian
society. But what happens elsewhere? In certain
traditional societies, women have always taken on
leading social and spiritual roles.
Pierre de Vallombreuse here shares his encounters
with four indigenous peoples (from the Philippines,
Malaysia and South-West China) among whom
females occupy key roles in family and social
organisation. Four social groups where being born a
woman is no cause for condemnation, no invitation to
punishment.
Among the Khasi people, a matrilineal and matrilocal
society in Northeast India, children receive their
mother’s name at birth, and it is the youngest daughter
in the family who inherits all parental land and material
goods. In every household, women are in charge of
the family budget.
Meanwhile, men and women in the Palawan tribe of
the Philippines live in peace at the heart of a tropical
paradise…
This is a stunning, intriguing and endearing portrait of
these lands where women have carved out a crucial
place for themselves. In 150 fascinating black and white
photographs, little girls, young women, mothers and
grandmothers reveal their freedom and fulfilment in
the most remote spots of the planet.
• A renowned photographer.
• An original photographic report of the Khasi,
Palawan, Badjao (Philippines and Malaysia) and Mosuo
(southwest China) peoples.
Flammarion
FORMAT: 230 x 290
PAGES: 192
ILLUSTRATIONS: approx. 150
PAPER: 170 g
WORDS: 5 000
PRICE: 39 €
Flammarion
41
Cinema FRANKFURT 14
François Truffaut
François Truffaut
Serge Toubiana
The Author
Serge Toubiana has been president of the Cinémathèque
Française for almost 10 years. He was formerly head
editor of the magazine Les Cahiers du cinéma.
Renowned as a leading specialist of François Truffaut,
he is notably co-author of the reference biography
François Truffaut (Gallimard, 2001) that was awarded
the Grand Prix by readers of Elle magazine.
The Work
A key figure of the French New Wave, François
Truffaut made auteur films in which he subtly unveiled
himself through fiction. From his turbulent childhood
to his close affinity with books and literature leading
him to adapt a number of novels for the big screen,
the director of Jules and Jim and The 400 blows is
recognised by a broad public for his archetypal brand
of cinema that is tinged with intimacy.
Published on the occasion of the 30th anniversary of
his death, this work draws from his personal archives
with an unprecedented sum of material and covers
the grand themes that inspired him, such as male/
female relationships, America, the sentimental
education, literature, showing how these come
through in his writing.
Illustrated by previously unpublished photographs
from film shoots, and also enhanced by testimonies by
those who worked on his films, this book pays tribute
to one of the greatest figures in French cinema through
the discovery of lesser-known facets of the filmmaker
who was an ardent reader as well as a fiery and tireless
writer of film reviews and screenplays.
Key Sales Points
• A plunge into the intimate creative roots of a great
director whose films have left an impression on the
history of cinema.
• Many previously unpublished photographs from film
shoots.
• Testimonies by those who knew him well.
FORMAT: 195 x 255
PAGES: 240
ILLUSTRATIONS: 200
BINDING: Hardcover
PAPER: 130 g
WORDS: 72 000
PRICE: 35 €
42
Flammarion
68
69
3
2
1
5
1
Couverture de l’hebdomadaire
L’Express du 7 mai 1959.
Reportage sur les cinéastes
de la Nouvelle Vague revue Jours
de France du 2 mai 1959. Article
Paul Giannoli, photographies
Nicolas Tikhomiroff, B. Lipnitzki
et F. Horvat.
3 Couverture de l’hebdomadaire Radio-Cinéma-Télévision du
21 juin 1959.
4 Jean-Pierre Léaud, Madeleine
Morgenstern, François Truffaut
et Jean Cocteau au Festival
de Cannes, 1959.
5 François Truffaut, Jean-Pierre
Léaud et Jean Cocteau après la
projection des Quatre Cents Coups
au Festival de Cannes, 1959.
2
4
« Antoine Doinel est rusé, il a du charme
et en abuse, il ment beaucoup et dissimule
plus encore, il demande plus d’amour
qu’il n’en a lui-même à offrir, ce n’est
pas l’homme en général, c’est un homme
en particulier.»
François Truffaut, Les Aventures d’Antoine Doinel.
Antoine et Colette est un des cinq sketches de L’Amour à vingt ans,
film de commande proposé par le producteur Pierre Roustang
à François Truffaut. C’est l’occasion pour ce dernier de renouer
avec Jean-Pierre Léaud. Antoine et Colette est la suite
des Quatre Cents Coups : Antoine Doinel a grandi et travaille
désormais dans un atelier de fabrication de disques. Il fréquente
les Jeunesses musicales de France où il fait la connaissance
de Colette, la jeune et jolie Marie-France Pisier. La scène
du « coup de foudre musical », filmée à la manière de Hitchcock,
sera sans lendemain car Colette ne considère Antoine que
comme un copain et préfère la compagnie d’un homme plus âgé.
Avec mélancolie, Antoine trouve refuge dans la famille
de Colette et regarde la télévision aux côtés de ses parents…
Avec Baisers volés en 1968, Domicile conjugal en 1970 et L’Amour
en fuite en 1979, Truffaut poursuit et achève la « Saga Antoine
Doinel » avec son alter ego Jean-Pierre Léaud. De l’enfance à l’âge
adulte, il filme le même acteur interprétant le même personnage,
l’inscrivant à travers les différents moments de la vie dans
les situations les plus cocasses et lui offrant divers métiers :
détective privé, vendeur de chaussures, employé dans une entreprise
internationale ou correcteur dans une imprimerie. Pour Truffaut,
Doinel n’est ni hostile à la société ni rebelle, mais il a beaucoup
de mal à s’en faire accepter ; marié à Claude Jade, puis divorcé,
il entretient des relations amoureuses instables et immatures.
La « Saga Antoine Doinel » se lit aisément comme une « éducation
sentimentale » selon Truffaut.
78
79
François Truffaut et Jean-Pierre Léaud,
20 juin 1971.
Richard Avedon
2
193
Entretien réalisé par Serge Toubiana
le 30 janvier 2014 avec
Jean-Louis Livi
Le modèle Truffaut
1
Bien s’entourer
L’année 1984 fut une année terrible, puisque j’ai
perdu Gérard Lebovici (le 5 mars) et François Truffaut
(le 21 octobre), la même année et au même âge,
cinquante-deux ans. Ce que je vous dirai à propos
de François Truffaut producteur, c’est qu’il était
en avance. En fondant les Films du Carrosse, il avait
compris que c’est en ayant lui-même une maison
de production qu’il protégerait son indépendance et sa
liberté de création. Cela ne l’a pas empêché de faire
appel à d’autres sociétés de production, principalement
les Artistes associés, qui étaient dirigés alors par Ilya
Lopert, mon beau-père à l’époque. Ilya Lopert était très
admiratif de François, qui s’était constitué une équipe
solide autour de lui : Marcel Berbert, son directeur
de production, qui connaissait parfaitement le métier
et avec lequel François avait une grande complicité,
Gérard Lebovici, dont il était très proche, sans oublier
Alain Vannier, dont l’activité était essentielle puisqu’il
s’occupait des ventes à l’étranger.
François a aussi aidé Jean Cocteau à faire Le Testament
d’Orphée, de même qu’il a aidé Maurice Pialat,
Éric Rohmer. Il n’était pas égoïste. Le hasard veut
qu’aujourd’hui je développe le projet Nez de cuir, que
François voulait réaliser avant sa mort, avec Gérard
Depardieu et Fanny Ardant. J’avais réussi à acquérir
les droits pour lui, étant alors son agent. Je me souviens
d’une projection du film d’Yves Allégret, avec Jean
Marais, à l’ancienne Cinémathèque, à Chaillot.
Ce devait être le prochain film de François. À la fin
de la projection, Marcel Berbert est venu vers moi pour
me dire discrètement : « Jean-Louis, j’ai eu connaissance
du diagnostic.
François ne pourra pas tourner, mais il ne
Colette — Tiens Antoine comment ça va ?
faut pas
le lui—
dire.
» Ça
été un moment
très difficile
Antoine
Vous
alleza bien
?
à vivre.
François
n’a donc qui
pasvous
pu faire
ce film.
Cut.
Colette
— Qu’est-ce
amène
?
Et maintenant,
produire
Nezune conférence,
de cuir, qui serac’est Gavotti
Antoine —jeJ’aivais
deux
places pour
réalisésur la musique
par Jean-Pierre
Améris. Je vais produire le film,
électronique.
« en hommage
», trente
ans je
après.
De la même
Colette —à François
Ah oui je sais,
non mais
ne peux
pas venir.
façonJ’ai beaucoup
que j’ai produit
La Petite
Voleuse de Claude Miller,
de travail
cet après-midi.
Antoine
— On peut
aller au cinéma
alors ?
d’après
un scénario
de François
Truffaut.
— Non,
non,souffrirait
franchement
ne peux
pas venir, non.
Je Colette
pense que
François
s’iljeétait
en activité
J’ai un devoir
demain.
de nos
jours, car ilà rendre
ne serait
pas entouré de personnes
Antoine de Marcel
— Ah bon. Berbert ou d’Ilya Lopert. Sans
de la qualité
ColetteFrançois
— Oui. n’aurait pas pu réaliser La Sirène
Ilya Lopert,
Antoine
—
On
peut
discuter
cinq
minutes,
non
?
du Mississipi. Quant à Ilya Lopert, il n’a pas financé
Colette
— Non,parce
non on
se verra
un autre
jour, au revoir.
ce film
uniquement
qu’il
y avait
Catherine
Deneuve et Jean-Paul Belmondo, et qu’il pensait que
le film allait marcher. Il l’a fait parce que c’était François
Truffaut, et qu’il l’admirait. D’ailleurs François avait
réussi à le convaincre de coproduire, en même temps,
L’Enfant sauvage. François a toujours aimé passer d’un film
Extrait dans
du synopsis
d’Antoine
à l’autre, pour ne jamais1 s’installer
un confort.
Après
et Colette, François Truffaut, 1962.
le triomphe du Dernier 2Métro,
les dix
césars, les 3,6
millions
Antoine
et Colette
(1962).
Jean-Pierre
le tournage
d’entrées, il est venu me3 voir
pour me Léaud
dire : «sur
Jean-Louis,
de Baisers volés, 1968.
il faut que je tourne. Il faut
que je tourne avec Gérard
[Depardieu] et je sais qu’il est pris.»
3
Affiche de La Femme d’à côté (1981).
Flammarion
43
Fashion FRANKFURT 14
101 Dresses
101 robes
Arthur Dreyfus
The Author
Arthur Dreyfus, is a young multi-faceted artist : a TV
director of series and short films, a journalist for Vogue,
Technikart, Madame Figaro, a radio presenter, as well as
an accomplished and prolific author of many award
winning books, including Le Livre qui rend heureux
(Flammarion, 2011).
The Work
This handsomely tailored volume charts the creative
evolution of fashion over the past one hundred years via
101 revolutionary or iconic dresses.
With a single shining example per year, from 1914 to
2015, the book features designs from all the fashion
greats: Balenciaga, Chanel, Dior, Hermès, Yves Saint
Laurent, Pierre Cardin, Kenzo, Givenchy, Jean-Paul
Gaultier, Helmut Lang, Vivienne Westwood, Martin
Margiela, Schiaparelli, Rochas, Christian Lacroix, Sonia
Rykiel, Dolce & Gabbana, Comme des Garçons, Lanvin,
Alaïa, and more.
Unveiling the most extraordinary and important
pieces chronologically, this catwalk in book form is
punctuated by astute quotations from fashion
journalists, historians, designers, and critics, whose
comments – like the dresses themselves – capture and
contextualize the essence of each year.
Drawn from the extensive archives of Paris’s Musée
des Arts Décoratifs, this fashion survey includes
detailed captions from museum’s costume historians
and previously unpublished photographs.
From sequins to silk, and corsets to kimonos, via
unforgettable waistlines or richly textured fabrics, this
book demonstrates how, year after year, designers
have propelled fashion forward by continually
reinventing the dress into a daring, new, and innovative
archetype.
Key Sales Points
• An authoritative visual chronology of fashion over
the past hundred years, based on the collections from
the Musée des Arts Décoratifs in Paris.
• Featuring major fashion designers: from Azzedine
Alaïa to Yohji Yamamoto, and many more.
• A highly styled edition featuring a screen printed
and laser cut hardcover, metallic end papers, multicolor threaded binding, and an open-stitched spine
that allows the book to lay flat.
FORMAT: 165 x 200
PAGES: 272
ILLUSTRATIONS: 110
BINDING: Japanese binding
PAPER: 150 g
WORDS: 25 000
PRICE: 29.90 €
RIGHTS SOLD: US/UK
44
Flammarion
Je dirai, non sans une réelle joie, que cette semaine
m’a laissé voir des choses exquises en fait
d’atours féminins, que je nous crois revenues
à l’élégance raisonnée, à la robe-grâce et à l’abandon
de la robe-paquet.
Jules Supervielle, Musée Carnavalet, Le Forçat innocent, section « Oloron-Sainte-Marie »
PAUL POIRET
Robe-pantalon
vers 1937
Crêpe Georgette
de soie, body en double
crêpe Georgette
de soie.
Griffe : Adeline André Paris.
1920
Archives Adeline André
Pas un noir profond, définitif, pas un noir de deuil
et de désespérance comme nous en avons connu, mais
un noir anonyme, pauvre, fait plutôt d’une
accumulation de grisailles. Il y a en effet des degrés
dans la nuit.
45
Le Chasseur d’images, L’Officiel de la mode, nº 311-312, 1948, p. 41
CH R I STI A N
DIOR
1947
Robe-pantalon
vers 1937
Crêpe Georgette
crêpe Georgette
de soie.
106
Pas un noir profond, définitif, pas un noir de deuil
et de désespérance comme nous en avons connu, mais
un noir anonyme, pauvre, fait plutôt d’une
accumulation de grisailles. Il y a en effet des degrés
dans la nuit.
Le Chasseur d’images, L’Officiel de la mode, nº 311-312, 1948, p. 41
BALENCIAG A
1954
Robe
collection automne-hiver
(haute couture)
Crêpe Georgette
crêpe Georgette
de soie.
Je dirai, non sans une réelle joie, que cette semaine
m’a laissé voir des choses exquises en fait
d’atours féminins, que je nous crois revenues
à l’élégance raisonnée, à la robe-grâce et à l’abandon
de la robe-paquet.
122
Frivoline, L’Art et la Mode nº 1, 3 janvier 1914, p. 2
PAC O
RABANNE
1968
Visite
collection été
(haute couture)
Broché de soie noir à motifs
de palmettes polychromes,
doublure en façonné de soie
vert, peluche de soie rouge.
Griffe illisible. Inv.
GAL1953.2.1, portée par
la maréchale Caurobert,
grand-mère de la donatrice
aux soirées de l’impératrice
Eugénie, don de la baronne
de Mareuil
160
Flammarion
45
Cartier Royal
High Jewelry and Precious Objects
Cartier Royal
Haute joaillerie et objets précieux
François Chaille
The Author
François Chaille has published numerous books,
including all three volumes of The Cartier Collection
(Jewelry, Timepieces, and Precious Objects), Cartier: The
Tank Watch, Timeless Style (2012), and High Jewelry and
Precious Objects by Cartier: The Odyssey of a Style
(2013).
Key Sales Points
The Work
The exquisite designs from the world’s finest jeweler are
displayed in this gorgeous and unique work.
More than a century and a half after the firm was
founded, Cartier can still flaunt its royal titles. Today’s
aristocrats, celebrated artists, international stars or
successful industrialists and patrons, enter its boutiques
just like the monarchs of earlier times because they
know they will find a magnificence – or, more simply,
an elegance and perfection – worthy of their rank, as
amply demonstrated here by the Cartier Royal
collection of over one hundred fabulous creations.
It is a collection of jewelry and accessories that is
designed, above all, to convey Cartier’s love of – and
expertise in – gemstones. This explains the presence
of truly exceptional gems, set on dazzling pieces of
jewelry such as the Hope and Jubilee diamonds, the
Maharajah of Nawanagar’s rubies, Queen Marie of
Romania’s sapphire, and many other legendary stones
whose splendor was magnified after passing through
Cartier’s hands.
These gems are the regal sponsors of this collection,
their multiple facets bringing out the unique majesty of
the art of Cartier. This artistry becomes apparent the
instant one of Cartier’s legendary red cases opens up
to reveal a work of timeless perfection, certain not
only to enchant generation after generation but also
to leave its mark on the history of art, like a masterpiece
of painting and architecture.
46
Flammarion
• Jeweler to royalty and celebrities alike, Cartier is
unrivaled in prestige and history.
• François Chaille is the author of numerous Cartier
books and an expert in his field.
• A highly collectable tome, with extensive technical
specifications and previously unpublished designs.
FORMAT: 280 x 330
PAGES: 264
ILLUSTRATIONS: 250
PAPER: 170 g
WORDS: 20 000
PRICE: 95 €
RIGHTS SOLD: US/UK
CI-DESSOUS Portrait officiel de la Princesse Grace de Monaco en 1959.
La Princesse porte sa bague de fiançailles, un diadème et un bracelet diamants et rubis,
un collier de trois rangs de diamants ; La Princesse Grace et le Prince Rainier avec
leurs deux enfants Caroline et Albert. La Princesse porte une broche poule en or,
diamants, perles et corail réalisée par Cartier en 1957.
PAGE DE DROITE Le Prince Rainier et la Princesse Grace arrivent à la soirée de gala à l’opéra
de Monte-Carlo, au soir de leur mariage civil, le 18 avril 1956.
DOUBLE PAGE SUIVANTE À GAUCHE Ensemble de trois broches clips, Cartier Paris, 1955.
Platine, or, diamants, trois cabochons de rubis pour environ 49 carats.
À DROITE Collier aux trois rangs de diamants, Cartier Paris, 1953. Platine, diamants taille
baguette et brillant pour un poids total de 64 carats. Les deux pièces font partie
de la collection du Palais Princier de Monaco.
50
C A R T I E R R OYA L H A U T E J O A I L L E R I E E T O B J E T S P R É C I E UX
LE RUBIS ROUGE INTENSE D’AFRIQUE
Cet autre rubis impressionne d’abord par sa taille et son poids : de forme ovale, il pèse
15,29 carats. Mais l’émotion naît surtout de son cristal très pur d’un rouge intense. Il provient des magnifiques gisements récemment découverts au Mozambique. Les joailliers de
la Maison l’ont placé comme un cœur palpitant au centre d’un collier résille de diamants
couronné par un tour de cou en boules de rubis.
LES PIERRES
MONDE
À quoi sert de voyager si tu t’emmènes avec toi ?
PAGE DE DROITE
Collier REINE MAKÉDA
C’est d’âme qu’il faut changer, non de climat.
— platine, un rubis du Mozambique ovale de 15,29 carats,
Lettres à Lucilius, SÉNÈQUE
un diamant taille rose de 3,51 carats D IF, un diamant poire taille rose
de 5,10 carats E VS2, boules rubis, diamants poire taille rose, diamants calibrés, diamants taille brillant.
Le voyage est une espèce de porte par où l’on sort de la réalité comme
Le ras-de-cou rubis et le collier diamant peuvent être portés séparément.
pour pénétrer dans une réalité inexplorée qui semble un rêve.
134
Au soleil, GUY DE MAUPASSANT
Nul ne peut savoir précisément ce qu’il advient dans l’esprit d’un dessinateur de Cartier
quand il découvre pour la première fois une pierre. Lorsqu’il la retourne dans ses mains
pour en observer la forme, la caresse pour en ressentir la matière, la fait jouer dans la
lumière pour en capter les reflets et les vibrations. À ce moment, une multitude de sensations s’ajoutent et se confondent. Outre ce précieux composé de matière minérale, apparaissent plus ou moins consciemment son histoire, parfois sa légende, son symbolisme,
son origine, et tout cela s’agrège d’une façon très mystérieuse pour nourrir l’inspiration et
faire jaillir l’idée d’un dessin.
Or, les pierres voyagent depuis des millénaires, passent les fleuves et les montagnes,
traversent les océans. Au sein de la collection Cartier Royal, un bon nombre de créations
semblent s’être cristallisées, à partir des pierres, lors d’un voyage imaginaire dans l’espace et dans le temps. Les mondes lointains d’où venaient ces pierres nomades se sont
emparés de l’esprit des dessinateurs, ont empli leur vision de paysages, de monuments,
de créatures. Et dans une grande liberté, ils ont laissé venir au bout de leurs crayons des
dessins qui n’appartenaient pas au registre habituel du joaillier, explorant avec un regard
émerveillé de nouveaux répertoires stylistiques, des univers inédits. Avec à l’esprit, peutêtre, une pensée célèbre mais légèrement détournée de Rudyard Kipling : « Tout bien considéré, il y a deux sortes de joailliers [« hommes » dans la version de Kipling] dans le monde :
ceux qui restent chez eux, et les autres » !
146
Flammarion
47
Marcel Rochas
Sophie Rochas
Photographs by Francis Hammond
MARCEL
The Authors
Marcel Rochas was an architectural fashion designer
whose legacy includes the wasp-waist silhouette,
strong shoulder lines, and his signature perfume,
Femme.
Sophie Rochas worked at Elle in the early 1960s and
was head costume designer in the film industry. She
also decorated the Elysée-Matignon.
Francis Hammond’s photographs have been published
in Martha Stewart Living, Elle Décor, and numerous
books including Intimate Chanel (2011) and Jean Patou:
A Fashionable Life (2013).
The Work
The first fashion monograph on Marcel Rochas, a key
twentieth-century women’s wear designer, written by his
daughter.
Fashion designer Marcel Rochas (1902–1955) made
considerable and enduring contributions to the world
of fashion; his legacy has inspired a range of
contemporary designers. During his thirty year career,
he created innumerable pieces that have since become
milestones in the history of women’s wear.
In this lavish monograph, his daughter, Sophie Rochas,
provides an intimate first-hand account that includes
her childhood memories and rare access to the
family’s private archives. She provides insight into her
father’s talents as an innovative designer, communication
genius, revered socialite, attentive father and
demanding husband, as well as the style influences that
inspired him.
Rochas’s trademarks included exaggerated shoulders,
the wasp-waisted bodice, a strapless girdle that
defined the female silhouette of the ’40s and ’50s, a
judicious combination of fabrics, contrasting prints, his
mermaid gown, and the bird dress. His myriad creations
were favored by many starlets, including Carole
Lombard, Marlene Dietrich, Mae West, and Danielle
Darrieux, both on screen and off.
48
Flammarion
TEXTE
SOPHIE ROCHAS
ROCHAS
Flammarion
Key Sales Points
• The first work on a designer whose heritage to the
world of fashion is major, yet little known.
• The text written by Sophie Rochas, his daughter, is
an intimate and also highly documented account of
the designer’s multi-faceted life.
• A beautifully illustrated volume, showing many
archives from the Rochas family, with speciallycommissioned photographs of clothing and perfumes
of the time.
FORMAT: 240 x 310
PAGES: 296
ILLUSTRATIONS: 230
PAPER: 170 g
WORDS: 48 000
PRICE: 75 €
RIGHTS SOLD: US/UK
Marcel Rochas
vestes-peignoirs de bains réversibles, sacs en filets, etc. Le maillo t de bain évolue vers
le une-pièce que nous connaissons aujourd’hui : c’est ainsi qu’est lancé en 1934 le La
Bourrasque, un maillot en « lastex » et cellophane de Colcombet, « n’absorbant pas
l’eau et ne se déformant pas comme le maillot de laine ». Côté froid, Rochas agrémente sa courte Robe de patineuse (1937), en lainage écossais beige-noir et blancrouge, d’un gilet de phoque naturel. Il pense aussi aux adeptes des cimes enneigées
(costume de ski Davos avec sa veste en fourrure, 1934), aux randonneurs (manteau de
marche en burgyl de Rodier, 1940), aux golfeurs (manteau de sport Putting en scotchel
vert pomme de Carlin, 1934), et à tous les sportifs chics en général (manteau de sport
Pécari, 1934)… Réminiscence de ses balades à ski et peaux de phoque ?
Avec Rina, il continue d’écumer les lieux de villégiature à la mode, de la mer à la
montagne, en passant par la campagne, sans oublier bien sûr, les champs de courses
de Longchamp et ses grands Prix, le Polo de Bagatelle, le Racing-club de France où
une coupe portera son nom. Ces événements incontournables de la vie mondaine sont
prétextes à débauches et rivalités de toilettes. Les grands couturiers s’y côtoient. On
s’observe sans en avoir l’air. Qui est habillé par qui ? Et au nombre des belles, on
mise comme pour les chevaux, sur un couturier plutôt que sur un autre. La compétition
a toujours été très rude dans cette discipline, et la mode se démode aussi vite qu’elle
se fait. On ne sort évidemment pas sans son chapeau, que l’on porte de côté, sur
une chevelure ondulée, bouclée, parfois teinte, à l’instar des stars de cinéma. Marcel
Rochas coiffe de grands chapeaux les élégantes habituées des champs de courses.
Ils accompagnent harmonieusement ses robes de mousseline imprimées dans des tons
chatoyants.
76
MARCEL ROCHAS, MON PÈRE
Ad ut mos num sunte et a demperunt, volore,
qui ra volorit quatinvelit lautat latestrum, et, optatia est,
quod ut landis ut rem aligent recumqui bla as renditint
vidi comnimusciur alis voluptis assed quate magnate nobit
laut este parum deria.Pa dolecesed untia sit expliquiam
ut quas dolenda sit quas dessequ asitate stecestem rerrum
nonsequ iatquam quae cone sus reperumquas earum quiatius prem sitium volent re cuptinistrum voloresecea voluptu
rehendigendi que acil ipsant volupta Dolupta tquias il et,
occus quibusdamet, ventur, to eossedit, nis
PAGE DE GAUCHE
L’ÉTOFFE D’UN GRAND 1933-1939
77
Ad ut mos num sunte et a demperunt, volore,
qui ra volorit quatinvelit lautat latestrum, et, optatia est,
quod ut landis ut rem aligent recumqui bla as renditint
vidi comnimusciur alis voluptis assed quate magnate nobit
laut este parum deria.Pa dolecesed untia sit expliquiam
ut quas dolenda sit quas dessequ asitate stecestem rerrum
nonsequ iatquam quae cone sus reperumquas earum quiatius prem sitium volent re cuptinistrum voloresecea voluptu
rehendigendi que acil ipsant volupta Dolupta tquias il et,
occus quibusdamet, ventur, to eossedit, nis
PAGE DE GAUCHE
LOINTAIN, EXOTISME
Enclin à la diversité de ses inspirations, Marcel Rochas a
célébré l’exotisme dans ses multiples manifestations. Son
hommage esthétique à la pluralité des cultures s’étend de Bali à
l’Argentine, jusque dans la dénomination de ses poudres pour
le visage : « Floride », « Nil », « Tanagra », « Baléares » ... Le
physique atypique du couturier favorise d’ailleurs son goût pour
les costumes d’hindou ou de maharadja.
Entendu comme attrait pour l’ailleurs et l’autre, l’exotisme chez
Marcel Rochas reflète une tendance de l’époque, mais qui
reste le fruit d’une incorporation progressive de l’exotisme
dans la mode. Du XIXe au XIXe siècle, la mode s’est d’abord
approprié des matières premières, des techniques et des motifs
orientaux (tels ceux des soieries chinoises, des cotonnades
indiennes, puis après 1868 celle du Japon…), pour s’illustrer
plus clairement au XXe siècle dans les formes vestimentaires,
la dénomination des modèles, ou encore celle des matières
et tissus nouveaux (crêpe « marabout » de Coudurier-FructusDescher illustré de dessins du cachemire ; « kasha » en pure
laine cachemire de Rodier ; brochés de Bianchini façonnés
de fresques persanes…). Ainsi, au début du 20e siècle, de
nouvelles bases sont établies pour la silhouette féminine,
avec l’introduction de la coupe droite, inspirée en partie
par la mode du kimono japonais lancée par Paul Poiret en
1903. Burnous et djellaba nord-africains, jupe-culotte, jupe
entravée, tunique, turbans, broderies folkloriques, s’inscrivent
au vocabulaire des couturiers.C’est plus précisément dans
l’entre-deux-guerres que s’affirme en France le goût des Autres,
en parallèle à la vogue de l’ethnologie. Victor Segalen et
Paul Morand ont « mis le dépaysement à la mode »1. La vie
parisienne se teinte de l’influence de l’Afrique et de l’ «Art
nègre », avec l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs
de 1925, puis celle de l’Orient avec l’Exposition Coloniale
de 1931. Mais loin d’une saisie littérale, l’exotisme passe ici
à travers le filtre du goût parisien.L’année 1931 semble offrir
les premières créations emblématiques de Marcel Rochas sur
ce sujet. L’étendue de l’empire colonial français de l’époque
résonne dans les titres des ensembles en crêpe, « Annam et
Annamite » et « Pékin et Tonkinoise ». Plus saisissante par sa
forme inédite, la robe Bali introduit une tendance marquante de
138
la mode Rochas, celle des épaules carrées et de la silhouette
ailée : « Retour à la longue robe du soir. Epaules amplifiées de
piqué blanc. 1931. C’est en admirant les danseuses de Bali à
l’Exposition coloniale et l’équilibre que donnait à leur silhouette
étroite et souple l’aile des épaules, que vint à Marcel Rochas
l’idée d’une mode occidentale fondée sur le même principe.
Elle dura quinze ans. »2. En 1934, il propose l’ensemble
« Pouss-Pouss », en lainage orné de boutons coquillages, et le
surprenant manteau « Angkor » en « Ortie » noire avec ceinture
à motifs en cuir argent.Parfois, le voyage dépasse l’imagination
et le couturier se déplace véritablement. Ainsi des Etats-Unis,
destination privilégiée de Marcel Rochas dans les années
1930. En 1934 par exemple, il n’hésite pas à traverser en
train toute l’Amérique, de New York à Hollywood, afin de se
« constituer une certaine culture cinématographique »3 : « J’ai
voulu connaître ces fameux trains américains, ces sleepings
ingénieux, ces braves stewarts nègres avec lesquels l’écran
nous a si souvent familiarisés, et pendant quatre jours et
quatre nuits je me suis laissé trimballer dans le « Chef » à
travers tous les états américains, dans des paysages désolés,
arbres rarissimes, terres brûlées, rien que de petites fermes
« standard » en bois comme dans les anciens films de cowboys, au milieu de tout cela et toujours la vieille « Ford »
éthique et si sympathique pourtant, car c’est en Amérique
la seule chose qui représente un peu de passé. Et puis, je
suis arrivé tout de même dans cette Californie si séduisante,
dans cet Hollywood immense, ressemblant si étrangement
à une exposition coloniale permanente, qui serait trois villes
ensembles, clinquantes, artificielles et colorées »4. Ce voyage
lui inspire la même année le modèle « U.S.A. », un pyjama de
plage en toile écrue à blouse et revers en shantung imprimé
rouge et bleu.Autre versant de l’exotisme, la culture latine, qui
s’illustre tantôt par le régionalisme, avec les costumes bretons
(1935), tantôt l’Italie (Venise), ou l’Espagne : avec la première
robe nommée « Gitane » de 1932, puis la plus célèbre, la
« Gitane » de 1937 qui remet en vogue un style. « Comment
donner le sentiment d’une superposition de couleurs, d’une
vibration optique comparable à celle d’un kaléidoscope ?
C’est à ce désir que répond la mode des rayures « bayadère ».
102
228
Flammarion
103
139
229
49
The Invention of the English Gentleman
Une histoire de l’élégance masculine
Marcus Binney, Simon Crompton,
Colin McDowell, Peter Tilley,
and Alasdair Macleod
Photographs by Bruno Ehrs
UNE HISTOIRE DE
L’ELEGANCE
MASCULINE
The Authors
Marcus Binney is founder and president of Save
Britain’s Heritage and architectural correspondent at
the Times.
Simon Crompton contributes to the Financial Times
and GQ.
Colin McDowell was chief fashion writer for the
Sunday Times and has written many books including
biographies of Ralph Lauren and John Galliano.
Peter Tilley, men’s fashion historian and former Dunhill
archivist, is Gieves & Hawkes’ company historian.
Alasdair Macleod is Head of Enterprise and Resources
at the Royal Geographical Society.
The Work
1 SAVILE ROW
Flammarion
Key Sales Points
• A luxurious volume presenting an illustrated history
of quality tailoring.
• An exclusive insight into this most prestigious of
tailoring institutions through 230 color illustrations.
• Gieves & Hawkes boasts over 110 stores in China,
Hong-Kong and Taiwan, and also concessions in Japan
and America.
• A popular topic both on and off the bookshelf.
A handsome volume covering all aspects of bespoke
tailoring.
Savile Row is the world’s iconic address for the best in
bespoke tailoring, and home to legendary Gieves &
Hawkes, suppliers to the British military for more than
two centuries and furnishers to elegant gentlemen
today. The company began by designing attire for
Britain’s most illustrious officers, including Admiral
Lord Nelson and The Duke of Wellington, as well as
ten generations of British royalty, from King George III
in 1809 to Princes William and Harry today.
As masculine attire evolved after World War I, Gieves
& Hawkes added civilian clothing to its repertoire,
applying centuries of expertise in creating hand-made
garments – proportion, cutting, fitting, and quality
fabrics – to the finest bespoke tailoring.
This volume traces the rich history of tailoring, drawing
from Gieves & Hawkes’ vast, unpublished archives of
client ledgers, garments and accessories, and
photographs.
50
Flammarion
FORMAT: 265 x 350
PAGES: 240
ILLUSTRATIONS: 230
PAPER: 170 g
WORDS: 35 000
PRICE: 75 €
RIGHTS SOLD: US/UK
One Savile Row
COLIN McDOWELL
189
ONE SAVILE ROW
UNE HISTOIRE DU
GENTLEMAN
ANGLAIS
L’ESSENCE DU STYLE BRITANNIQUE
Il est difficile de déterminer avec précision le
moment où l’histoire d’amour entre l’homme et son
apparence a cessé d’être une affirmation de son pouvoir pour
devenir une chose plus proche de la vanité. Nous savons que, bien que
la panoplie médiévale ait été essentiellement une affaire de protection, la projection
avait aussi son importance, corollaire inévitable, je suppose, du sentiment d’insécurité
de l’homme depuis sa sortie du jardin d’Eden. L’homme est un animal compétiteur, mais
il manque également de confiance en soi. Il a depuis toujours recherché des moyens d’améliorer
son apparence afin de soulager son sentiment d’insécurité.
Historiquement, l’homme apparaît souvent égoïste, notamment quand les femmes de sa vie sont concernées.
Il est presque certain que la première fois qu’il a tué un mammouth laineux et qu’il l’a dépecé, la peau a été utilisée
pour protéger et valoriser non sa compagne mais sa propre position, quelle que fût la société en ces âges sombres
et mystérieux. On peut imaginer que la femme jouissait d’un statut à peine meilleur que les bêtes indispensables
à la nourriture et au déplacement, si elle avait un quelconque statut. Même dans l’histoire plus récente, l’homme
était souvent tiré à quatre épingles quand la femme – même d’un rang social équivalent – s’habillait pour incarner la
modestie et l’effacement qui lui étaient imposés, généralement par les hommes.
Pour en revenir à la préhistoire, nous savons que les deux sexes couvraient leur corps, sinon entièrement, du moins
suffisamment pour qu’il soit possible d’affirmer que l’homme ancien était une créature habillée. Ce qu’on peut appeler
– sans trop s’aventurer – son costume ne consistait pas uniquement en des peaux d’animaux sauvages. Les preuves
ne manquent pas pour montrer que le filage et le tissage étaient des compétences très largement répandues. Le lin
extrait de la plante était très courant au néolithique, tout comme la laine tissée à partir des poils des animaux.
Il a fallu du temps pour qu’apparaisse une chose ressemblant à une garde-robe. Et, bien que presque tout ce
qu’elle contenait ait eu un usage pratique – fourrures pour se protéger du froid, peaux d’animaux pour camoufler les
chasseurs et leur permettre de s’approcher de leur proie – dès qu’un choix est possible entre plusieurs vêtements,
une conscience de soi se fait jour, source de l’intérêt pour l’apparence. Les surfaces réfléchissantes – d’abord la
24
Page de droite
Manteau trois-quarts en laine
avec un motif à carreaux
et un col de velours. Fait main
par Gieves & Hawkes au
1, Savile Row. Photographié
à Wentworth Woodhouse,
South Yorkshire.
ONE SAVILE ROW
220
213
Flammarion
ONE SAVILE ROW
ONE SAVILE ROW
51
The Killer Detail
Le Détail qui tue
Petit précis de style de Marcel Proust
à Kate Moss
Elisabeth Quin and François Armanet
with a foreword by Azzedine Alaïa
The Authors
Elisabeth Quin is a respected film critic and a mainstay
of the Parisian art and culture scene.
François Armanet former editor-in-chief of Libération,
now runs the Nouvel Observateur. He has produced
several cultural and travel programs and directed the
film version of one of his three novels.
The Work
Key Sales Points
If “the charming little flaw” is what inflames desire, then
the killer detail is what embodies true elegance. It is a
particular feature that catches the eye, encapsulates an
attitude, and refines a look; it is a singular distinction, the
expression of a whim that conveys a sense of chic and
a swaggering style.
The Killer Detail is like a luxurious runway show, featuring
the writers, artists, and performers who left their mark
on the twentieth century. From Sophia Lauren to
Louise Bourgeois, from Jack Kerouac to André Gide,
from Patti Smith to Pete Doherty—these are the
individuals who dared to stand out from the crowd,
and adopt trends that would be reinvented by others
for decades to come.
Striking photographs capture the effortless grace of
each personality, while an engaging text reveals the
secrets behind their timeless allure and style.
“Not just a book of beautifully posed photos. […]
(A) text analyzing the connection between outer
appearance and inner spirit”
NYTimes
“This 264 - paged tome has found a comfy home on our
coffee table and has wooed every curious reader who’s
ever wanted to take a trip back in time”.
Hotter in Hollywood
52
Flammarion
• An original style guide organized by garment items
from tip to toe.
• A fresh look at style icons of the twentieth century
featuring celebrities who exude iconic style and
charisma.
FORMAT: 190 x 260
PAGES: 264
ILLUSTRATIONS: 128
BINDING: Hardcover
PAPER: 170 g
PRICE: 35 €
RIGHTS SOLD: US/UK, Russia
Table of Contents
URSULA
ANDRESS
- Headgear
- The Coat
- The Suit
- The Jacket
- The Dress
- Sweaters and Outwear
- Shirts and Ties
- Polos and T-Shirts
- Accessories
- Skirts and Pants
- Undergarments
- Footwear
ET SEAN CONNERY
— JAMAÏQUE, 1962
Ce maillot de bain ne devait pas exister. Dans le
scénario de Docteur No, le premier film de la série
James Bond qui apporterait la gloire à l’acteur
Sean Connery, la richesse au producteur « Cubby »
Broccoli, et qui ferait entrer une inconnue de
vingt-cinq ans au fort accent teuton dans la
légende des sex-symbols hollywoodiens, il n’y
avait pas de bikini : Honey Ryder sortait de l’eau
nue, comme Ève, seulement ceinturée d’un
poignard. Et Dieu créa la femme. Dieu, alias Ian
Fleming, tout-puissant créateur de l’espion au
service de Sa Majesté.
Or, le Code Hayes, garant des bonnes mœurs sur
celluloïd, ne l’aurait pas toléré. Terence Young
demanda donc à la première Bond girl de se
couvrir. Sur la base de cette providentielle
frustration, l’imaginaire collectif pouvait
commencer son travail.
Andress est « undress » donc, en ce mois de
février 1962, sur la plage de Laughing Waters, à
Ocho Rios, en Jamaïque, seulement (dé)vêtue du
bikini le plus célèbre du XXe siècle. On sait qu’il
fut taillé dans deux petites pièces de toile
blanche, et cousu à la main par la styliste du film.
Sur ce cliché, est-il 00 Sec ou bien mouillé ? Il
suscite en tout cas chez le mâle l’irrépressible
envie de faire le malin pour impressionner la fille
à la peau de miel.
Orson Welles déclara un jour qu’il y avait deux
scènes d’introduction inoubliables dans l’histoire
du cinéma mondial : celle d’Omar Sharif dans
Lawrence d’Arabie, et celle d’Ursula Andress dans
Docteur No. Désir de désert, Vénus venue des
eaux ex nihilo.
Le bikini fit un grand Bond en avant grâce au film
de Terence Young et au jugement lapidaire de
Diana Vreeland, gourou des tendances : « Le
bikini est la chose la plus importante du monde
depuis la bombe atomique 1. » Néanmoins, son
origine commerciale est française : dopé par la fin
de la guerre, qui promettait le retour des vacances
au bord de la mer, un fabricant de maillots de
bain, Louis Réard, présenta une collection
« révolutionnaire » quatre jours après un essai
atomique mené par l’armée américaine sur l’atoll
de Bikini au milieu du Pacifique (bien mal
nommé…), le 6 juillet 1946.
« Le bikini, la première bombe anatomique »,
selon le slogan de son inventeur, fut jugé
scandaleux, car il mettait les dessous féminins à
la lumière du jour. Breveté, et vendu dans une
boîte d’allumettes, le bikini Réard connut des
débuts difficiles : la presse s’offusquait malgré les
arguments hygiénistes qui associaient
l’exposition au soleil avec l’amélioration des
défenses naturelles ; les décrets municipaux le
bannissaient des plages françaises.
Interdit par plusieurs pays européens, il connut
un sort enviable en Espagne, grâce aux maires
des communes de Benidorm et Marbella qui
surent convaincre le général Franco d’autoriser le
port du bikini pour favoriser l’industrie
touristique espagnole… Brigitte Bardot le porta
rose vichy en 1956, dans Et Dieu créa la femme,
Jayne Mansfield l’arbora à la une de Life, en
1957 : plus rien n’arrêterait désormais le « Itsy
bitsy teenie weenie yellow polka dot bikini »,
chanté tout l’été 1960 par Brian Hyland.
Les censeurs de l’objet du démon savaient-ils
que de superbes jeunes femmes déjà vêtues
de maillots deux pièces très échancrés courent,
manient les haltères et jouent à la balle
sur les mosaïques d’une villa du Bas-Empire
romain (IIIe siècle apr. J.-C.), la villa du Casale,
découverte en 1929 par des archéologues,
au sud de la Sicile… ?
Mais revenons à notre cinématographique bikini.
À l’image renversante d’Ursula Andress dans
Docteur No, vénus anadyomène en bikini,
portant au côté un poignard.
Vénus est armée ! Et quelle arme ! Un symbole
phallique ! La femme moderne, puissante et
dénudée si ça lui chante, Diane chasseresse pour
son compte, est en train de naître sous nos yeux.
Cette vénus moderne va conquérir encore un peu
plus de liberté grâce au bikini. Elle enlèvera le
haut, avec le monokini, ou le brûlera, dans les
années 1970, mais c’est une autre histoire…
JANE
BIRKIN
— 204
ET SERGE GAINSBOURG
— CAP D’ANTIBES, 1969 — JEAN-PIERRE BIOT
JACK
LONDON
« 69 année érotique. » Dans les jardins de l’hôtel
du Cap, à l’abri de l’agitation du Festival
de Cannes, Jane à cheval sur le dos de Serge.
Il n’a pas encore troqué ses mocassins pour les
richelieus « Zizi » de chez Repetto (créés à
l’origine pour Zizi Jeanmaire), mais porte déjà
la barbe de trois jours et, à son cou, une longue
écharpe de soie indienne en écho à la robefoulard de Jane, imaginée par Jean Bouquin (le
trait d’union entre Saint-Tropez et la rue SaintBenoît). En février 1969, Je t’aime… moi non
plus a fait scandale. Jugée obscène par
l’Osservatore Romano, bannie dans plusieurs
pays, la chanson – sur la pochette figurait
« Interdit aux moins de vingt et un ans », alors
l’âge de la majorité en France – cartonne en
France et au Royaume-Uni. Écrite en une nuit
pour Bardot, enregistrée en décembre 1967,
elle était restée dans un tiroir, après
l’intervention musclée du mari jaloux, Gunter
Sachs. Fin d’une liaison ardente (trois mois) :
BB avait quitté Serge, qui, encore sous le choc,
enregistrerait en mai 68 Initials BB (« Jusqu’en
haut des cuisses/ Elle est bottée/ Et c’est
comme un calice/ À sa beauté »). Puis Serge
rencontrait Jane sur le tournage de Slogan.
Très vite, le couple Gainsbourg-Birkin devint le
symbole d’une époque, à l’heure d’une certaine
libération sexuelle. Amour et provoc, érotisme
et pub, poésie et impudeur… Ça a duré douze
ans, donné des dizaines de chansons, des
millions de droits d’auteur, des larmes et des
unes de magazines, une rupture et le début
d’un mythe… Jane nous confia un jour : « La
différence d’âge entre nous lui plaisait
beaucoup. Pour lui, la chanson, c’était “un art
mineur réservé aux mineures”. France Gall
avait été la plus ingénue, la Lolita parfaite,
comme le serait plus tard Vanessa Paradis. Moi,
j’avais vingt ans, j’étais Lolita moyenne, j’avais
un bébé. Mais j’ai eu cette chance exquise de
commencer une nouvelle enfance avec lui.
C’était mon Pygmalion. Non seulement il
pouvait tout faire avec moi, mais j’étais
enchantée. Normalement, les filles sont
construites comme un sablier : large, étroit,
large. Pas moi. Et lui, plutôt que de se moquer,
il me disait que j’avais le corps comme un
Cranach. Alors, je filais au Louvre regarder les
Cranach, et en effet, ils ont un bassin très large,
pas de taille et des petits seins. Il me disait
toujours qu’il avait une terreur des filles avec
des seins. Ma mère m’a fait remarquer qu’il
n’avait pourtant pas eu peur de Bardot. Mais là,
il est tombé sur la fille qu’il considérait la plus
belle du monde. Quand j’ai joué dans Don
Juan 73 avec Bardot, j’essayais de repérer la
faille. Il n’y en avait pas : minuscules chevilles,
pieds divinement construits, taille, seins,
petites hanches de garçon. Upside down, le
contraire de moi 1. » En 1969 pourtant, la
silhouette birkinienne de la femme-enfant se
précise. Pieds nus, la jeune anglaise ne lâche
pas son panier en osier, un petit luxe
terriblement hippie-chic, quinze ans avant que
Jean-Louis Dumas ne crée pour elle le
« Birkin », ce grand cabas si pratique, destiné,
comme le « Kelly », à devenir une icône de la
maison Hermès. Autre temps, autres mœurs.
— 156
— MELBOURNE, 1908
Les yeux d’aurore boréale, la mâchoire carrée,
une ombre de sourire ironique, clope roulée
main à la commissure des lèvres, Jack London
vous défie. La chemise est immaculée, le
costume en flanelle du dimanche signe la
bonne fortune, mais la casquette en tweed et
les mains engoncées dans les poches de la
veste rappellent le prolétaire. Droit dans
l’objectif, Jack en a vu d’autres. De ses
reportages, en Corée sur le front de la guerre
russo-japonaise, en route vers l’Australie à bord
de son yacht Le Snark, ou affrontant le Cap
Horn, il a laissé quelques douze mille clichés,
pris avec son Kodak 3A – à soufflet –, qui ne le
quittait pas. La misère, il l’a vécue. Une
enfance pauvre, l’errance et le vagabondage
dès l’âge de quinze ans. Il a roulé sa bosse :
chasseur de phoques, pilleur d’huîtres,
chercheur d’or au Klondike. Adhérent à la
section d’Oakland du Socialist Labor Party, le
jeune militant a tâté de la prison. En 1903,
L’Appel de la forêt le couvre de gloire, Le Peuple
d’en bas saisit sur le vif les laissés-pour-compte
de l’East End londonien, alors qu’il part couvrir
la guerre des Boers. Le dur à cuire explore,
dénonce, témoigne. Ses expériences irriguent
ses romans d’aventure et ses reportages
nourrissent ses écrits socialistes. À Croc-Blanc
répond La Route. L’ancien hobo, l’un des
premiers romanciers américains à vivre
largement de sa plume, goûte à la notabilité.
Mais l’auteur de Martin Eden reste un
« sauvage » qui brûle la vie par tous les bouts et
mourra à quarante ans, rongé par l’alcoolisme.
Ici, sa cravate claque comme l’étendard de la
révolution. Un foulard de soie noué, une
cravate voyou et respectable à la fois, qui
évoque l’attribut originel et renvoie à son
étymologie, déformation du mot « croate ».
En effet, en 1630, Louis XIII incorpore dans un
régiment de hussards des mercenaires croates
qui se distinguent par le port de leur écharpe.
Leur allure est telle que la mode de la cravate
gagne la cour de France et remplace le jabot de
dentelle. En 1666, Louis XIV donnera au
régiment le nom de Royal-Cravates et créera la
fonction de « cravatier », qui a l’insigne honneur
de choisir et d’ajuster la cravate du Roi-Soleil.
Deux siècles et demi plus tard, Jack London,
« fils du Soleil », rayonne.
ELIZABETH
— 112
TAYLOR
ET MICHAEL WILDING JR.
— LOS ANGELES, 1954
« On m’a volé mon enfance 1 ! » Qui parle ?
Ironiquement au vu de la scène, Liz Taylor
elle-même. Dans Elizabeth Takes Off, son
autobiographie, elle évoque une enfance
stakhanoviste et sacrifiée : des leçons de chant,
d’équitation et de danse dès l’âge de trois ans ;
une mère, ancienne actrice frustrée, qui courait
les casting pour faire engager l’enfant ; un
premier rôle à neuf ans dans There’s One Born
Every Minute !. Les portes de la MGM forcées
par Sara Taylor, les premiers succès, Fidèle
Lassie, en 1943, et surtout Grand National,
avec Mickey Rooney, un vieux de vingt-quatre
ans ! Son regard myosotis – le distichiasis,
maladie génétique mutante, avait doublé la
rangée supérieure de ses cils – et sa plastique
de pin-up lui offriraient une durable et
triomphale place au soleil.
Pour l’heure, nous sommes en 1954. Une chatte
sur un gazon brûlant présente un chaton
tétanisé aux paparazzis. L’enjeu : prouver à
Hollywood et à ses commères, Louella Parsons
en tête, que ce corps voluptueux n’est pas
abîmé par une première et toute récente
maternité ; divorcée de Conrad Hilton Jr. à dixneuf ans, Liz expose le fruit de son second
mariage avec l’acteur britannique Michael
Wilding, rencontré pendant le tournage
d’Ivanhoé. Bouche ouverte, regard provocant,
hanches « suivez-moi-jeune-homme », perchée
sur des talons, Liz pose comme sur un
calendrier (depuis 1953, Betty Page renseignait
sur un érotisme underground avec ses films
Striporama et Varietease) et le maillot de bain
à motif panthère – sans doute dessiné par son
ami Frederick Mellinger, fondateur de la
boutique de lingerie Frederick’s of Hollywood –
souligne le message. Les inventeurs du maillot
de bain une pièce, destiné à remplacer les
chemises de bain, auraient eu du mal à
imaginer dans les années 1930 que cette tenue
dénudant la peau pour les « bains de soleil »
popularisés par Coco Chanel, la romancière
Colette ou les Noailles, serait un jour sorti de
son contexte sportif pour devenir un vêtement
de représentation, animé par de stratégiques
arrière-pensées, sophistiqué par des diamants
et des sandales de satin, bref un maillot de bain
qui n’a plus rien d’amphibie.
En exhibant son bébé emmailloté dans un tissu
motif panthère, Liz Taylor, qui avait tant
souffert d’être la poupée de sa mère,
inaugurait, avec une drôlerie glaçante, une
tradition dont la tribu des « Brangelina » JoliePitt est la plus contemporaine des illustrations :
les enfants-trophées, miniatures névrotiques
destinées à valoriser leurs parents stars.
Après la mort de sa mère à l’âge de soixantedix-neuf ans, le 23 mars 2011, Michael Wilding
confiera, lui-même approchant de la
soixantaine : « Ma mère fut une femme
extraordinaire qui dévora la vie avec passion,
humour et amour 2. » Croyons-le. Pour l’heure,
dans ce jardin californien baigné de soleil,
Michael n’a qu’un an, et l’humour de la scène
est involontairement de son fait : sous le
maillot de bain de Tarzan junior, on devine
une couche-culotte…
— 202
Flammarion
53
Giftbooks FRANKFURT 14
Pin-Ups
Day and Night
Pin up
Jour et nuit
Illustrations by Gil Elvgren, Earl Moran,
Al Buell, Edward d’Ancona, and Earl Christie
The Authors
JOUR ET NUIT
Gil Elvgren, Earl Moran, Al Buell, Edward d’Ancona,
and Earl Christie were masters of the pin-up genre.
Exhibit Supply Company produced these highly
collectible lithographs of pin-ups by the genre’s finest
illustrators in lots of 10 cards that were sold from
1940 to 1954.
The Work
100 irresistible pin-up models bring teasing frivolity to
a range of everyday situations, organized thematically.
From sun-kissed beauties at the beach to ski bunnies
hitting the slopes, bedside nurses ready to take your
temperature to scantily clad runaways, rakish shipmates
to not-so-conscientious secretaries, these smiling
cuties are ready for fun.
Representations of empowered women who embrace
their sexuality – flirtatious but never vulgar – have
been around since the late 19th century, but the
illustrated pin-up genre skyrocketed into popularity
during World War II. The colorful Mutoscope penny
arcade trading cards – originally viewed on a peepshow style reel and reproduced here – feature
established pin-up artists such as Gil Elvgren, Earl
Moran, Al Buell, Edward d’Ancona, and Earl Christie, as
well as those waiting to be rediscovered.
This fantasy collection features suggestive darlings on
cards that are bursting with color, playful captions, and
voluptuous curves. Each illustration extols the ideals of
femininity and female freedom that rose from the
ashes in post-war United States, serving as a
counterpoint to the power executive archetype so
prevalent today, and offering a new take on the female
role model who is both sassy and strong. The gift book
is completed with biographical summaries of the
featured artists.
54
Flammarion
Flammarion
Key Sales Points
• With newly rediscovered illustrations from popular
pin-up artists, including Gil Elvgren, Earl Moran, Al
Buell, Edward d’Ancona, and Earl Christie, among
others.
• The amusing thematic chapters capture the 1940s
woman around the clock – at work, at home, out on
the town, playing sports, striking fashion poses,
performing stripteases, and generally having fun.
FORMAT: 155 x 190
PAGES: 144
ILLUSTRATIONS: 100
BINDING: Hardcover
PAPER: 140 g
WORDS: 10 000
PRICE: 14.90 €
RIGHTS SOLD: US/UK
PUBLICATION DATE: September 2015
JOLIE
DES
POULETS
TIRS
SÛRS
À ÉGALITÉ
Flammarion
JOLIE
QUELLE
HOUE
COUPS
DE KLAXON
ET SELLES
55
Fashion Agenda
by Karl
L’agenda selon Karl
Karl Lagerfeld
Patrick Mauriès
Jean-Christophe Napias
The Authors
Karl Lagerfeld has been leading fashion trends on the
runway and in the street for more than half a century.
He runs Chanel, Fendi, and his own eponymous
fashion house, is an accredited photographer, and has
published a dozen books.
Patrick Mauriès is an editor, journalist, and the author
of forty published works including the best sellers The
World According to Karl and Choupette: The Private Life
of a High Flying Fashion Cat, co-authored with JeanChristophe Napias.
Key Sales Points
The Work
This must-have weekly planner is a cult object for
fashion aficionados everywhere. An accessory in its
own right – with striking line illustrations ranging from
Chanel handbags to Karl’s signature sunglasses and
fingerless gloves – the sleek and elegant format will
add style to your bag or desk.
Karl has a statement for every occasion, and his witty
and quintessentially fashionable opinions – whether
inspiring, amusing, self-deprecating, or thoughtprovoking – are always on point. From January through
December, the incomparable fashion icon offers his
pearls of wisdom on everything from the world of
fashion, to being stylish, to pop culture, and he shares
his unique perspective on life, from the art of jet-setting
to spending Christmas alone with his beloved cat
Choupette. Karl’s bold statements are accompanied
by graphically-arresting drawings that range from his
couturiers’ tools to the LBD or a Stockman mannequin.
As fabulous as it is functional, the planner contains
ample space for personal information, daily entries,
and notes, as well as providing a yearly overview.
Adding a hint of glamour to the daily grind, it also
features international fashion week schedules alongside
public holidays and other important celebrations,
making the Fashion Agenda by Karl the chicest way to
get organized and feel inspired.
56
Flammarion
• A new Karl Lagerfeld companion, after the bestsellers The World According to Karl and Choupette: The
Private Life of a High Flying Fashion Cat.
• Contains a calendar overview for the two coming
years, daily entries, international fashion show
schedules, and space for personal notes.
FORMAT: 100 x 165
PAGES: 144
ILLUSTRATIONS: 80
BINDING: Hardcover
PAPER: 100 g
WORDS: 162
PRICE: 14.90 €
RIGHTS SOLD: US/UK
PUBLICATION DATE: November 2014
lundi
5
mardi
6
mercredi
7
jeudi
8
vendredi
MAI
4
Je suis comme
une caricature
de moi-même.
C’est comme
UN MASQUE.
Pour moi,
le carnaval
de Venise,
c’est toute
l’année.
FÉ
VR
IER
Armistice 1945 FÉRIÉ
9
samedi
10
dimanche
La modernité c’est une tournure d’esprit.
La mode, c’est ce qu’on se met sur le dos.
25
lundi
Lundi de Pentecôte FÉRIÉ
26
mardi
Fête des Mères
mercredi
28
jeudi
29
vendredi
30
samedi
31
dimanche
SEP
TEM
BRE
Flammarion
MAI
27
Ne s’intéresser qu’à soi permet d’être, ensuite,
plus disponible pour les autres. Ma mère disait :
« Il ne faut jamais trop se sacrifier, car on ne s’occupe
plus de toi si tu as tout donné. Pense donc à toi,
tu seras à même de t’intéresser aux autres. »
57
Parisian Cats
Chats parisiens
Olivia Snaije and Nadia Benchallal
The Authors
Olivia Snaije is a Paris-based journalist whose articles
have appeared in the The New York Times, The Guardian,
Harper’s Bazaar Art, and The Global Post. She is the
co-author of The Ethnic Paris Cookbook (Dorling
Kindersley).
Nadia Benchallal’s photographs have been published
in The New York Times, Newsweek, The Times, Marie
Claire, Le Monde, Die Zeit, and Géo. Her award-winning
work has been exhibited internationally in museums,
galleries, and photography festivals.
The Work
Key Sales Points
In Paris, cafés and cats go hand in paw. Far away from
the famous runways in the world capital of fashion, the
biggest divas in town can be found strutting their stuff
down the zinc bar of many a local hot spot. This book
introduces eighteen of Paris’s most beloved cats as
they take us for a stroll past the city’s monuments and
inside the charming and quintessentially Parisian spots
they call home.
From her perch in an upstairs window at the legendary
Shakespeare and Company bookstore, Kitty surveys
the comings and goings of boats along the Seine and
visitors at Notre-Dame. Swiffer at Le Café Zéphyr
lures customers in from the bustle of the Haussmanian
boulevard to enjoy a café or glass of wine in the
colonial interior. The exotic pedigreed Faraon at the
Bristol enjoys pampering worthy of the palace hotel’s
paying clientele.
These eighteen unforgettable cats offer a unique and
irresistible Parisian tour.
• Many books on cats, and many books on Paris, but
none of them bringing the two together. Parisian Cats
will appeal not only to cat lovers but lovers of the
City of Lights.
• A cat’s eye view of Paris – an original and charming
Paris guide.
• Original English text available.
FORMAT: 190 x 240
PAGES: 128
ILLUSTRATIONS: 200
BINDING: Hardcover
PAPER: 150 g
WORDS: 13 300
PRICE: 19.90 €
RIGHTS SOLD: US/UK, Germany
58
Flammarion
112, rue
paris
paris
le bristol t-honoré 75008
-sain
du faubourg1 53 43 43 00
+ 33
W
hen Didier Le Calvez took over as CEO of the celebrated Bristol Hotel in
Paris in 2010, he brought years of experience in the luxury industry with
him, but the most unexpected innovation was a hotel cat.
That same year, a tiny ball of cream-colored fur with blue eyes arrived in the hotel
lobby. The five-star hotel, installed in a mansion that had been owned by nineteenthcentury socialite and playboy Count Jules de Castellane, only minutes away from the
Elysée Palace, did not settle for just any cat. Fa-raon is a pedigreed Sacred Cat of Burma,
also known as a Birman, a breed reputed for its sweet, people-oriented nature. Fa-raon
has more than lived up to his reputation: although he is constantly sought out, he is
infinitely patient with children and paparazzi alike. Not only has he become an essential
member of the Bristol staff, with his own page on its website and numerous photographs
on the hotel Facebook page, he has also participated in Harper’s Bazaar China photo
shoots in the hotel with Cate Blanchett and was featured in Japanese documentaries
about Paris.
As a kitten, he would curl up in the felt-lined concierge’s box where guests left
their room keys. As a full-grown cat with points of rust-colored fur, the concierge’s desk,
with its carved wood paneling softly lit by crystal chandeliers, remains one of Fa-raon’s
favorite spots. He jabs his paw down the slot of the mailbox or lounges on the dark green
Italian marble counter, next to a lit, scented candle and a vase filled with roses and
peonies, lazily watching clients coming through the revolving doors. Alternately, he
will sprawl on the marble floor in the entrance or nibble delicately on the azalea plants
placed on low tables in the lobby during the winter season.
41
clients, although Racaillou will sit on the chairs that have velvet seat covers, and during
the winter, he likes to curl up behind the warm iron stove. Jean-Luc takes both animals
to the country regularly but says Racaillou prefers Paris. “He gets depressed in the
country. As soon as he gets back to Paris, he starts to fool around again. He likes to be
at the restaurant, and he likes being around people.”
When Racaillou was younger, says Jean-Luc, he would patrol the street chasing after
dogs, even ones as large as German shepherds. He loves children and is visited by a great
number of them who walk past the restaurant on their way home from the nearby school.
The neighborhood that is Racaillou’s territory was extremely popular during the
optimistic and creative period of the Belle Epoque, just preceding World War I, because
of the numerous cabarets and dance halls in the area, which included the second incarnation of the celebrated and avant-garde Le Chat Noir cabaret. Thanks to the Belle
Epoque’s flourishing arts scene, many artists and writers lived in this area, a few streets
south of Montmartre.
Inside the restaurant, Racaillou has plenty of nooks and crannies to explore, walking over piles of books on the window sill, inspecting the numerous and varied candles
that are lit at night, smelling the enormous bouquet of flowers in a vase near the door,
or sniffing at a large white ceramic bowl of homemade meringues tinted violet with the
juice of blackberries. For a short while, Racaillou’s name was changed to Michelin in
jest. Jean-Luc explains: “The Michelin guide people came to Pétrelle for four years in a
row. They loved it. But then they told me, there’s just one thing: you have to get rid of
the cat. I told them to leave. We weren’t going to sacrifice the cat for a star.”
The Moulin Rouge cabaret (top, left), birthplace
of the cancan, is symbolic of the effervescent Belle
Époque period. Near Montmartre, it was a stone’s
throw from another famous cabaret, Le Chat Noir.
52
Art nouveau architect Hector Guimard’s
fluid curvilinear lines grace a number
of Paris metro entrances. He designed
three different styles of entrance,
all in wrought iron, one of which can
be seen at the Louvre-Rivoli stop near
the Palais Royal Gardens, complete with
period street lamps (facing page).
Flammarion
59
Venice
An Illustrated Miscellany
Dictionnaire amoureux de Venise
Philippe Sollers
The Author
Philippe Sollers is a prominent French writer and
critic. In 1960, he founded the avant-garde journal Tel
Quel. His publications include more than fifty books of
fiction and non-fiction, and many essays and interviews.
He has received numerous literary prizes, including
the Académie française’s prestigious Grand Prix in
1992. His books include Mysterious Mozart, Writing and
Seeing Architecture, Women, Watteau in Venice, A Strange
Solitude, Event, and The Park and biographies on Dante,
Picasso, and Casanova.
Key Sales Points
• Beautifully presented with exquisite illustrations,
this is the perfect gift for visitors to the floating city
and armchair travelers alike.
The Work
A floating, fairytale city, Venice’s exquisite beauty has
enchanted travelers for centuries. A world capital for
romance, the “Queen of the Adriatic” is renowned for
its ornate Gothic architecture and charming waterways.
Celebrated author Philippe Sollers is the perfect guide
to the city’s rich cultural heritage: from Shakespeare’s
Merchant of Venice to the iconic gondolas that populate
the Grand Canal, from the magnificent baroque dome
of the Salute to the innovative international film
festival, the Mostra. A source of inspiration for all
creative arts, Venice has beguiled painters from
Tintoretto to Monet, authors from Ezra Pound to
Ernest Hemingway, and musicians from Vivaldi to
Stravinsky. Lord Byron wrote Don Juan here and
Casanova cemented his licentious reputation in the
shadow of St. Mark’s Basilica.
All are featured, along with literary quotes paying
homage to the Serenissima, quality images, vivid
anecdotes, and historical facts. This handsome volume
is the ultimate invitation to explore the hidden
splendors of this idyllic city.
FORMAT: 190 x 240
PAGES: 256
ILLUSTRATIONS: 125
PAPER: 170 g
PRICE: 29.90 €
RIGHTS SOLD: US/UK
60
Flammarion
Acqua alta place Saint-Marc. On notera l’absence
des quatre chevaux au-dessus du portail de la basilique, alors en cours de restauration.
Ci-contre : La Ca’ Dario, palais à la magnifique façade Renaissance
sur le Grand Canal, peint par Claude Monet en 1908.
Double page précédente :
Ci-contre
« J’étais à Venise,
sur le pont des Soupirs ;
j’avais à ma droite
un palais, à ma gauche
une prison. » Byron.
Prélude
de son doge ; notre trophée à nous ne périra pas avec le Rialto : Shylock
le Maure et Pierre résisteront aux outrages du temps ! Ce sont les
clefs de la voûte ; et tout aurait disparu, qu’ils repeupleraient pour
nous la rive solitaire. »
Le Doge ne peut plus épouser la mer, le Lion ne fait plus peur :
c’est bien d’un châtrage qu’il s’agit. Le « romantisme » s’ensuit :
« L’Adriatique, aujourd’hui veuve, pleure son époux. Son hyménée annuel ne se renouvelle plus ; et le Bucentaure se moisit, parure
oubliée de son veuvage ! Saint-Marc voit encore son Lion occuper le
19
lieu qu’il occupait jadis ; mais il n’est plus qu’une dérision amère de
son pouvoir flétri, sur cette place glorieuse qui vit un empereur paraître
en suppliant, et les monarques contempler d’un œil d’envie Venise
reine des flots, épouse à la dot sans égale. »
La déploration continue, et Byron montre là un sens profond de
l’Histoire. Les Français ont détruit la République, ils l’ont abandonnée
aux Autrichiens, Venise est aux mains de l’étranger, l’Angleterre
devrait regretter ici sa passivité, d’autant plus que les Turcs sont de nouveau une menace en Grèce. On sait que Byron ira mourir à Missolonghi
du côté grec. Il avait trente-six ans.
« Devant le portique de Saint-Marc brillent encore ses coursiers
d’airain, et l’or de leurs colliers réfléchit les rayons du soleil ; mais la
menace de Doria ne s’est-elle pas accomplie ? ne sont-ils pas bridés ?
– Ah ! Venise vaincue et conquise, Venise pleure ses treize siècles
de liberté, et, comme une plante marine, disparaît sous les flots d’où
elle est sortie ! Mieux vaudrait pour elle être ensevelie sous les vagues,
et fuir dans les profondeurs de sa tombe ces ennemis étrangers de
qui sa soumission achète un repos déshonorant. »
Venise, dit Byron, « formait le boulevard de l’Europe contre les
Ottomans » (allusion à la bataille de Lépante). C’est pourquoi sa destinée est une « honte pour les nations ». Avis à Londres :
« C’est ainsi, ô Venise ! qu’à défaut de titres plus sacrés quand
même la glorieuse histoire serait oubliée, le culte sacré que tu rends
à la mémoire du barde divin, ton amour pour le Tasse, auraient dû
briser les liens qui t’enchaînent à tes tyrans ; ta destinée est une honte
pour les nations, – et pour toi surtout, Albion ! La reine de l’Océan
ne devait pas abandonner les enfants de l’Océan ; que la chute de
Venise te fasse penser à la tienne, en dépit du rempart de tes flots. »
67
Byron (George Gordon Noel, lord)
Philippe Sollers
Byron (George Gordon Noel, lord)
d’une façon aussi inattendue qu’inquiétante ? Que faire, alors, des
tonnes de clichés romantico-poétiques dont on l’a affublée, voyages
de noces, romans sentimentaux, chansons déprimées, films ? Que c’est
triste Venise au temps des amours mortes, la mort à Venise, Venise
paradis perdu… Comment recycler cette rumination mélancolique,
base ancienne d’une industrie touristique ? Venise-musée ? Bien sûr,
mais il faut autre chose. Des colloques, des congrès, des sommets,
des biennales, de l’animation culturelle, des cocktails, des stars, des
soirées, et surtout des photos, encore des photos, toujours des photos.
Quant à penser la réalité et la profondeur de ce lieu magique, non,
c’est trop difficile, nous savons trop peu qui nous sommes, d’où nous
venons, vers quoi nous allons. Si la Mort se dérobe, le Spectacle, lui,
continue. Depuis longtemps, chacun l’a compris, la Mort et le Spectacle sont une même chose.
L’énigme, ici, comme la plupart du temps, est la fin du XVIIIe siècle.
Quand Bonaparte (« Je serai un Attila pour Venise ») vend, pour
presque rien, en 1797, la ville aux Autrichiens, il règle un vieux compte,
une vieille haine (comme, plus tard, Hitler avec Vienne ou Staline
avec la Pologne). Les dictateurs se ressemblent : ils veulent que l’Histoire débute avec eux. La mémoire les gêne. Venise occupée va donc
se traîner en captivité dégradée pendant des années ; sa décadence
paraît irréversible. Qui connaît alors Monteverdi, Vivaldi ? Qui se souvient de Giorgione, Titien, le Tintoret, Véronèse, Tiepolo, Guardi ?
Qui a vraiment lu Casanova ? Personne, ou presque. Paradoxalement,
les catastrophes du XXe siècle vont être, pour Venise, une résurrection
lente, le retour d’un calendrier oublié. On comprend les peintres
(Manet, Monet) : eux ont su, avant tout le monde. Un écrivain français,
lui aussi, anticipe : Proust lit Ruskin, va à Venise, saisit que là se
trouve la réponse, le pôle, le message caché, le temps retrouvé. Nous
66
sommes en 1900 ; les grandes peintures de Monet sont, sur place, de
1908. Venise, ou une nouvelle expérience : l’instant enfin vécu comme
tel, multiplication de la vision, couleurs sur couleurs, jouissance
d’être. Le mouvement est lancé, on ne l’arrêtera plus.
Available in the Series
Forthcoming Titles
- French Wine, An Illustrated Miscellany (October 2013)
- Cats, An Illustrated Miscellany (October 2013)
- France, An Illustrated Miscellany (October 2014)
- Rugby, An Illustrated Miscellany (Spring 2015)
- Provence, An Illustrated Miscellany (Fall 2015)
Flammarion
61
Dictionnaire amoureux de la France
Denis Tillinac
The Author
Denis Tillinac
Denis Tillinac is a renowned and prolific French
author, editor and journalist. He has published
35 books including the award-winning novels Maisons
de Famille, L’été anglais, and Remembering Paris
(Flammarion, 1997).
FRANCE
Plon
Flammarion
The Work
From the rustic fishing villages of Brittany to glamorous
Riviera beaches, and from stunning Alpine vistas to
chic Parisian bistros, renowned author Denis Tillinac
takes the reader on an insider’s journey through his
incomparable country. Along the way, he paints vivid
portraits of French icons such as early feminist Joan of
Arc, visionary Napoleon Bonaparte, indomitable Édith
Piaf, and valiant General de Gaulle. He explains key
events in the country’s glorious past, from the origins
of champagne and the groundbreaking Impressionist
art, to the development of the highspeed (TGV) train
network.
The reader will discover the soul of France through
its cultural legacy: UNESCO-protected French
gastronomy, the Bayeux Tapestry, Sainte-Chapelle’s
stained glass, La Fontaine’s fables, zinc bar counters,
the perfect baguette, majestic châteaux of the Loire,
the patriotic La Marseillaise anthem, all illustrated with
great care and perfect flair. Photographs of beloved
sights such as Notre-Dame, Monet’s Water Lilies, and
the rolling fields of Provençal lavender, make this book
the ideal gift for all lovers of France and French “art de
vivre”.
Key Sales Points
• Written with intellectual flair, featuring memorable
quotes, witty anecdotes, and historical information
illustrated with high-quality photography: far more
than a travel guide or a gastronomical tour.
• The illustrated version of a highly praised collection.
FORMAT: 190 x 240
PAGES: 256
ILLUSTRATIONS: 128
PAPER: 170 g
PRICE: 29.90 €
RIGHTS SOLD: US/UK
- French Wine, An Illustrated Miscellany (October 2013)
- Venice, An Illustrated Miscellany (October 2014)
62
Flammarion
France
The Loire
A French Feast
A French Feast
A French Feast
86
The Loire
Even if our national pride had no other claim to eternal fame,
the reigns of the Valois have scattered enough châteaux down
the Loire Valley to justify it tenfold. I know dozens of them. On
each new excursion, I discover new ones, though I never forget
to reacquaint myself with the most famous: Chambord, Azay,
Chenonceau, Valençay, Villesavin, Ussé, and Cheverny, the inspiration behind Marlinspike Hall in Tintin. Almost all have medieval
portions, revamped during the Renaissance in keeping with the
fashion brought in from Italy. Borrowed, not imitated: the Loire
châteaux attest to an authentic French genius. The land between
Blois and Saumur is almost as familiar to me as my own village.
I like to gaze across at Blois from its surrounds: spires, dome,
gray roofs like lacework. To the right, just as in Nevers, the modern
age has seen fit to erect a concrete monstrosity. At a snail’s pace the
river, light chestnut in color, heaves against the cutwaters. I have
114
always thought that a girlfriend kissed me on this very bridge, but
I might be mistaken. I have walked through this town, with its
castle in three styles, so often and have pictured the (convenient)
assassination
of Henri de Guise in my mind’s eye so frequently, it
In the land of winegrowing monks and Rabelaisian
greed the
is as if Iitswitnessed
Michelin Guide stirs up a hornet’s nest each time it decrees
stars, it with Henry III and his mother.
One
day, I spoke with President Chirac from a phone booth at
and it’s scarcely an exaggeration to say some recipes are
discovered
ofmost
the castle. I remember feeling sorry for him. He was
only at the opening of the will. They are only passedthe
on foot
to the
up cows
in some deadly dull business in his presidential palace,
intimate circle, though not without first expiatingcaught
until the
was reveling
in French history, fancy-free. To each his fate.
come home about how one just has to put a vanilla while
pod inI with
the
peach jam. Or on the exact proportion of chocolate in At
theChaumont,
sauce for to see this picture I have always imagined painted
de Staël, one has to approach it from the right bank:
hare à la royale. In France, food is a religion withbyitsNicolas
own canon
the village
slumbers below, a long streak of white, and the château
law, its theologians (Brillat-Savarin), its reformers, heretics,
liturgy,
in French
its parkimagis viewed from its good side, from the court. Chaumont
and nomenclature. A dish has to simmer long in the
is theIngredient
one in which I would most liked to have lived. Catherine de’
ination before it can be smelled, contemplated, tasted.
Medicior,letfailing
Diane de Poitiers have it after the death of Henry II as a
or recipe, the name evokes the land from where it came,
consolation
prize for grabbing Chenonceau. She was not amused.
that, a mark of authenticity as to its production. When
the suggesThe history of France was also played out in Amboise, as in
tion is tripe à la mode de Caen, sole à la dieppoise, Castelnaudary
kings, queens, 87
and princes, feasts and assassinations. Long
cassoulet, pig’s trotters à la Sainte-Menehould, ham Blois:
à la jovinienne,
I stayedpass
in a chalky house overhanging the Clos-Lucé. I know
pages from the colored album of French culturalago
diversity
cityinwell,
it is almost too pretty to be true. Very early troglobefore our salivating eyes. Our taste buds put muchthe
store
roots:
dwellings.
andouille must come from Vire, chili pepper from dyte
Espelette,
pou- Balzac at Vouvray (L’Illustre Gaudissart). He will
stay with
until Guérande (Béatrix). Tours has got too big. You
larde from Bresse, cooked sausage with potatoes sautéed
in oilme
from
Lyon, quiche from the Lorraine, pork hotpot from the Limousin,
potted-meat rillettes from Le Mans. There is no aligot or truffade
worth its salt to be had outside the Auvergne and authentic bouillabaisse is confined to the area around Notre-Dame-de-la-Garde.
Alsace deals in poussin with Riesling, the Bourbonnais in pompe
brioche with crackling, the Berry in coq au vin, the Corrèze in milkfed calf’s-head, and oysters must sail in from Marennes with the
tide. For mussels mouclade one has to travel to La Rochelle, while
the smoked pork sausage, the Jésus de Morteau, must come from
Morteau. Check the “Appellation d’Origine” label, as for our wines
and cheeses. It would be a huge blunder to order Livarot cheese in
Roquefort, Nice’s pissaladière in Lille, or a glass of Buzet in Chablis.
As a blue-blooded Frenchman, I like to eat and drink. The geography of our culinary traditions is not without links to our literature. I like recipes with a marked accent and a swagger. I confess a
weakness for those that increase the cholesterol level (stews, salamis,
daubes, confits, offal) and a penchant for feathered game: partridge
cooked in cabbage or woodcock served on a canapé of minced offal.
Facing page
“A dish has to simmer
long in the French
imagination before
it can be smelled,
contemplated, tasted.”
D. T.
Pages 88–89
“As a blue-blooded
Frenchman, I like to eat
and drink. . . . I owe so
much to so many chefs.”
D. T.
Paul Bocuse,
photographed by Marc
Riboud in 1975.
Country Roads
Flammarion
51
Country Roads
Country Roads
50
A kind of glee creeps over me whenever I turn off a highway or
main road. The map swarms with boondocks linked by Ds, or
CDs—routes départementales, minor roads, signaled in yellow on
road signs. Getting lost in this enchanted labyrinth is a delight.
Sooner or later, we retrieve the red of an N—a nationale—or the
blue of an A—an autoroute. They too have their charms.
These roads, sometimes cambered or without curbs, simply sail
through the countryside, idly undulating, swerving unexpectedly,
crossing a wood offering some shade, skirting a pond where a gray
heron hunts for dinner, or a tilled field in the shape of a woman’s
hip. Flowers sprout up among the grass in the verges: it’s as bucolic
as could be. Every fourth locality bears the name of a national
or local saint. Thank heaven the houses around the main square
aren’t too modern; they reflect the personality of the “pays”—the
“country,” in the sense historian Fernand Braudel gives the term
in his unforgettable study The Identity of France. Because none
of the thousand or so pays comprising France resembles its neighbor. Passing through the Vexin to the Pays de Bray and then on to
the Pays de Caux, you feel the difference within a few miles, without having left a Normandy where the green of the Pays d’Auge is
quite different from that in the county of Ouche. There is literally a
Green, a Black, and a White Périgord, and the nuance is as perceptible when one quits the Barrois for Lorraine, the Limousin Charente
for that of Ruffec, the Boischaut for the Champagne of Berry,
the Boulonnais for the Audomarois. The hills of the Sundgau are as
unlike the rest of the Alsace as Millavois and the Larzac are unlike
the plateaus surrounding Rodez or Saint-Affrique, or the massif of
Monédières is unlike the plateau of Millevaches, to quote an example from Corrèze. Leaving Chalosse and crossing the Adour at
Peyrehorade and climbing toward La Bastide-Clairence, everything changes, the shapes, the colors—you are in Basque Country.
Départementales and their local tributaries lead us through an
unexplored, more voluptuous France. People think it is motionless,
lifeless. Wrong: it is slow and understated, but it is far from downin-the-mouth. It’s hard to imagine its charms if one never leaves
the fast, “red” roads. Especially since bypasses now circumvent
the tiniest village.
Page 48
Landscape in the
Périgord.
Facing page
“The départementale
simply sails through
the countryside, idly
undulating, swerving
unexpectedly, crossing
a wood offering some
shade.” D. T.
Pages 52–53
Claude Sautet offers
us a good dose of
nostalgia in his movie
The Things of Life,
as Michel Piccoli and
Romy Schneider lovingly
explore this cinegenic
départementale.
63
Dictionnaire amoureux du vin
Bernard Pivot
FRENCH
Bernard Pivot
The Author
Bernard Pivot is a celebrated French television, radio
and newspaper journalist who has been presenting
many cult cultural programs for over thirty years. He is
also the founder of Lire magazine and a literary critic
for the Journal du Dimanche. A past member of the
Prix Interallié jury, Pivot is today President of the
Académie Goncourt and the author of several books.
WINE
Plon
Flammarion
Key Sales Points
The Work
A personal selection of wine-related anecdotes, facts, and
illustrations explore the fascinating world of wine.
For author Bernard Pivot, wine is culture, both of the
vines and of the mind. This book aims to remind us of
the greatness of wine, of its universal appeal. His
humorous, often autobiographical approach gives this
work a refreshing stance on an often serious subject.
From estates to chateaux, slopes to hillsides, vines,
grapes, winegrowers, grape-pickers, barrels, and cellars
all play a vital role in making good wine. Next, to
appreciate it you need a bottle-opener and a few good
friends… Bernard Pivot is passionate about the whole
process, with a communicative joy, and a pleasure in
sharing with others.
French Wine: an Illustrated Miscellany is a book for those
who love to celebrate life.
• Humorous, informative, and accessible text written
by a distinguished author.
• Over 120 photographs and reproductions of
paintings.
FORMAT: 190 x 240
PAGES: 256
ILLUSTRATIONS: 128
PAPER: 170 g
PRICE: 29.90 €
RIGHTS SOLD: US/UK
64
Flammarion
French Wine
Wines of Alsace
17
Wines of Alsace
Wines of Alsace
16
France would have been right to fight to keep Alsace for no more
than its Riesling, its sauerkraut, and its quetsch plum tart. Well,
for good measure one might throw in Strasbourg Cathedral,
Grünewald’s Issenheim altarpiece, and the Humanist Library at
Sélestat, as well as hundreds of splendid winegrowers’ manors of
the fifteenth and sixteenth centuries that have made famous villages like Colmar, Riquewihr, Ribeauvillé, Eguisheim, Obernai,
and others on the wine trail.
In fact, at that time in Sélestat there lived an intellectual (the
word used at the time was “humanist”) by the name of Beatus
Rhenanus (1485–1547); he had such a great reputation that Erasmus himself visited and befriended him. The universal philosopher of Rotterdam was so astonished that this little town
in Alsace had produced so many “men distinguished in qualities of the mind” that he wrote and published a text entitled In
Praise of Sélestat, in which he also lauds its “fertile plain” and
“vine-clad slopes.” By this time wine was already instrumental
in the region’s considerable wealth. Subsequently entering a steep
decline, however, Alsace only recovered its prosperity during the
second half of the twentieth century.
Like a delicious mackerel, Alsace is synonymous with white
wine. It flows through its language, its grammar, its culture.
Nothing more honest, more straightforward than Alsace can be
imagined: its growths, for instance, simply bear the names of the
grapevine varieties. Budding enologists are thus best off starting
with Alsace. Beside that Rhenish prince of grapes, Riesling, which
produces the most sought-after dry and floral vintages, Alsace
can call on Sylvaner, Tokay (now called Pinot Gris), Pinot Blanc,
the Alsace Muscat, Chasselas, and the unctuous Gewürztraminer.
Mainly with the Riesling and Gewürztraminer, they obtain—
when the season is suitably long and sun-drenched, which is not as
rare as all that in these regions—“late-harvested grapes,” or even
“selections of noble grapes,” that are irresistibly mellow. My favorite, late-harvest Riesling overflows with contradictions, since it
keeps the stony dryness and light, flowery tones from its vine type,
to which “noble rot” (what a sonorous oxymoron that is) adds a
sweeter, voluptuous exuberance. The Riesling that it continues
Facing page
A bunch of Riesling
grapes, the prince of
Alsatian vine varieties,
at the root of some of the
very finest vintages.
Pages 18–19
The vines of Riquewihr
grow on steep scarps
that run down to the
picturesque medieval
city, one of the most
charming in all Alsace.
What contemptible scoundrel
stole the cork from my lunch?
W. C. Fields as Larson E. Whipsnade
in You Can’t Cheat an Honest Man (1939)
Facing page The Bottle of Bordeaux, Georges Rohner, 1968.
This artist often chose the theme of a laid table for his still lifes.
I only drink champagne
when I’m happy and when
I’m sad. Sometimes I drink
it when I’m alone. When
I have company I consider
it obligatory. I trifle with
it if I’m not in a hurry
and drink it when I am.
Otherwise I never touch
the stuff, unless I’m thirsty.
Lily Bollinger
Drunkenness
I am not an advocate, nor even a defender, of intoxication. Too
many crimes, too many accidents, too many horrors in word
and act, too much rudeness and madness, too much raving, too
much numbness, too much staring into space—as if someone else,
someone violent, slobbering, staggering, idiotic had slipped into
one’s abandoned, vacant body. “The worst state of man,” Michel
de Montaigne wrote in the sixteenth century, “is when he loses
the awareness and the governance of himself.”
Diderot (no teetotaler) stated: “Intoxication puts out every glimmer of reason, totally extinguishing that particle, that spark of
divinity that differentiates us from brute beasts; it thus destroys
all the satisfaction and consideration each of us ought to give and
receive from human intercourse.”
127
Drunkenness
Vocabulary. Drunkard, drunk, sot, boozer, alkie, soak, dipso,
dip, whisky-nose, swillpot, sponge, stewbum, rummy, tippler,
inebriate, boozehound, sozzler, tank, juicehead, tosspot, soak,
newt, soaker, red-nose, lush, imbiber, souse, barfly, rumpot, guzzler, wino, bottle-man, bibbler, toper, binger, pub-crawler—a
caskful of words to designate the inveterate drinker!
Literature. “Nathanael, let me speak to you of drunkenness,”
André Gide tell us in The Fruits of the Earth. Through Ménalque,
the imaginary master, the author acknowledges: “I have known
the drunkenness that makes one think one is greater, grander,
richer, more virtuous, more respectable, etc. than one really is.”
Baudelaire: “I’ve known an individual whose enfeebled sight
regained all its piercing power when drunk. Wine changed the
mole into an eagle” (Artificial Paradises). And Baudelaire again,
the greatest poet of wine, supreme in his daydreams, his backsliding and startling insights: “One ought to be drunk at all times.
That’s it: that is the only question. Not to feel the dread burden
of Time that bends down your shoulders and pushes you to the
ground, you have to be drunk without stint. But with what? With
wine, poetry, or virtue, as you like. But get drunk” (Paris Spleen).
Though it will be observed that it is easier to get drunk with
wine than with poetry, and more still than with virtue. Verlaine
Flammarion
65
Dictionnaire amoureux des chats
Frédéric Vitoux
Frédéric Vitoux
The Author
Frédéric Vitoux is a novelist, essayist and literary critic.
An elected member of the prestigious Académie
française since 2001, he has published novels and
non-fiction works on a variety of topics, including art,
architecture, literature and cinema. His other titles
include Cats in the Louvre (Flammarion, 2008) and
Living in Venice (Flammarion, 2007).
CATS
Plon
Flammarion
Key Sales Points
The Work
A personal selection of cat-related stories, facts, and
illustrations explore the cat in all its glory.
This is a humorous but intelligent read for the cat-lover:
Frédéric Vitoux, a distinguished novelist and member of
the Académie française, creates a personal book of
reference for all things cat-related, making no apologies
for his gushing celebration of cats in various guises,
especially as they appear in works of art or inspire
them. Anecdotes are rich in literary and pop culture
references, with occasional light-hearted consideration
of animal behavior and science.
This is the definitive guide for cat lovers, with seventy
entries showing cats in art, film, music, literature, on the
knees of important masters, or captured by the lens of
the greatest photographers.
The exceptional illustrations complement Frédéric
Vitoux’s affectionate text, allowing the reader to delight
in the anecdotes and surprises within.
Tom and Jerry are of course included, despite vying for
attention in the midst of the 30 cats that shared Ernest
Hemingway’s Key West home. And many more…
• 70 entries, all illustrated with quirky photographs
and drawings of cats.
• A humorous, informative, and accessible text.
FORMAT: 190 x 240
PAGES: 256
ILLUSTRATIONS: 128
PAPER: 170 g
PRICE: 29.90 €
RIGHTS SOLD: US/UK
- French Wine, An Illustrated Miscellany
66
Flammarion
Cats
112, rue
paris
paris
le bristol t-honoré 75008
-sain
du faubourg1 53 43 43 00
+ 33
W
hen Didier Le Calvez took over as CEO of the celebrated Bristol Hotel in
Paris in 2010, he brought years of experience in the luxury industry with
him, but the most unexpected innovation was a hotel cat.
That same year, a tiny ball of cream-colored fur with blue eyes arrived in the hotel
lobby. The five-star hotel, installed in a mansion that had been owned by nineteenthcentury socialite and playboy Count Jules de Castellane, only minutes away from the
Elysée Palace, did not settle for just any cat. Fa-raon is a pedigreed Sacred Cat of Burma,
also known as a Birman, a breed reputed for its sweet, people-oriented nature. Fa-raon
has more than lived up to his reputation: although he is constantly sought out, he is
infinitely patient with children and paparazzi alike. Not only has he become an essential
member of the Bristol staff, with his own page on its website and numerous photographs
on the hotel Facebook page, he has also participated in Harper’s Bazaar China photo
shoots in the hotel with Cate Blanchett and was featured in Japanese documentaries
about Paris.
As a kitten, he would curl up in the felt-lined concierge’s box where guests left
their room keys. As a full-grown cat with points of rust-colored fur, the concierge’s desk,
with its carved wood paneling softly lit by crystal chandeliers, remains one of Fa-raon’s
favorite spots. He jabs his paw down the slot of the mailbox or lounges on the dark green
Italian marble counter, next to a lit, scented candle and a vase filled with roses and
peonies, lazily watching clients coming through the revolving doors. Alternately, he
will sprawl on the marble floor in the entrance or nibble delicately on the azalea plants
placed on low tables in the lobby during the winter season.
41
clients, although Racaillou will sit on the chairs that have velvet seat covers, and during
the winter, he likes to curl up behind the warm iron stove. Jean-Luc takes both animals
to the country regularly but says Racaillou prefers Paris. “He gets depressed in the
country. As soon as he gets back to Paris, he starts to fool around again. He likes to be
at the restaurant, and he likes being around people.”
When Racaillou was younger, says Jean-Luc, he would patrol the street chasing after
dogs, even ones as large as German shepherds. He loves children and is visited by a great
number of them who walk past the restaurant on their way home from the nearby school.
The neighborhood that is Racaillou’s territory was extremely popular during the
optimistic and creative period of the Belle Epoque, just preceding World War I, because
of the numerous cabarets and dance halls in the area, which included the second incarnation of the celebrated and avant-garde Le Chat Noir cabaret. Thanks to the Belle
Epoque’s flourishing arts scene, many artists and writers lived in this area, a few streets
south of Montmartre.
Inside the restaurant, Racaillou has plenty of nooks and crannies to explore, walking over piles of books on the window sill, inspecting the numerous and varied candles
that are lit at night, smelling the enormous bouquet of flowers in a vase near the door,
or sniffing at a large white ceramic bowl of homemade meringues tinted violet with the
juice of blackberries. For a short while, Racaillou’s name was changed to Michelin in
jest. Jean-Luc explains: “The Michelin guide people came to Pétrelle for four years in a
row. They loved it. But then they told me, there’s just one thing: you have to get rid of
the cat. I told them to leave. We weren’t going to sacrifice the cat for a star.”
The Moulin Rouge cabaret (top, left), birthplace
of the cancan, is symbolic of the effervescent Belle
Époque period. Near Montmartre, it was a stone’s
throw from another famous cabaret, Le Chat Noir.
52
Art nouveau architect Hector Guimard’s
fluid curvilinear lines grace a number
of Paris metro entrances. He designed
three different styles of entrance,
all in wrought iron, one of which can
be seen at the Louvre-Rivoli stop near
the Palais Royal Gardens, complete with
period street lamps (facing page).
Flammarion
67
Lifestyle FRANKFURT 14
1000 Places To See In France
Before You Die (New Edition)
Les 1000 lieux qu’il faut avoir
vus en France (Nouvelle Edition)
Frédérick Gersal
The Author
Frédérick Gersal is a historian and journalist who
works for television and radio. He is recognized as one
of the foremost experts on France and its heritage.
The Work
This completely revised and updated edition of 1000
Places To See In France Before You Die offers a full-color
brand new selection of the most interesting places to
visit in France.
From the Calanques of Marseille and the rafting
paradise of the Gorges du Verdon to the Pont du
Gard and the Camargue, from the bamboo forest in
Anduze and the Dune du Pilat to the village of SaintÉmilion, from the islands of Sein and Ouessant to the
three-star restaurant of Olivier Roellinger, through the
D-Day landing beaches and the childhood home of
Christian Dior in Granville, the banks of the Seine and
the Château de Versailles, here are 1000 places to be
discovered throughout France’s fifteen great regions,
including thirty sites classified as World Heritage by
UNESCO.
For each region in France, readers will discover the
most beautiful natural sites, the most stunning towns,
ports, beaches, and the main landmark monuments:
abbeys, cathedrals, bridges, châteaux, museum
residences, lighthouses, famous restaurants and cafés,
boutique hotels...
Key Sales Points
• Follows the concept and design of the international
best-seller 1000 Places To See in the World (Workman,
USA), translated into 17 languages.
• A unique and comprehensive guide devoted entirely
to France.
• Over 700 color illustrations.
FORMAT: 140 x 200
PAGES: 990
ILLUSTRATIONS: 700 approx
BINDING: Softcover
PAPER: 130 g
WORDS: 350 000
PRICE: 24.90 €
RIGHTS SOLD: Netherlands, Russia
68
Flammarion
C’est au printemps quand le village
est entouré de cerisiers en fleur
que Gordes est véritablement en beauté.
Village des Bories :
Tél. : 04 90 72 03 48.
Saison : Gordes se visite à pied et en été.
À la gloire de la pierre sèche
GORDES
Vaucluse
Dans les champs de lavande au-dessus de Gordes
S
ur son éperon rocheux, Gordes domine
la plaine du Calavon, au-dessus des
champs d’oliviers et d’amandiers.
Lorsque le soleil a dissipé les vapeurs matinales, on est ébloui par la couleur dorée de la
pierre sèche qui a servi de base à toutes les
constructions. Elle s’affiche sur les murs des
maisons les plus nobles et couronne de crêtes
vives la clôture des propriétés. À Gordes et
dans les environs, façonnée par la main des
hommes, posée nue, sans enduit, ni ciment ni
mortier, la pierre sèche a le rang d’une œuvre
d’art. Site défensif déjà occupé à l’époque
Gordes mérite sa place parmi les plus beaux villages
de France.
28
gallo-romaine, Gordes a gardé quelques portes
fortifiées et une partie de ses remparts. Dans
un labyrinthe de ruelles en calade, resserrées
entre des escaliers tortueux, des maisons de
maître bien restaurées savent rester discrètes
et passent inaperçues aux yeux des promeneurs qui montent en file indienne jusqu’au
château. Ses tours de guet et sa forme massive
ont résisté tant bien que mal aux assauts de
bandes de pillards. Bâti au XIIe siècle, il comprend une partie Renaissance qui a longtemps
abrité le musée Victor Vasarely. Avec l’hôtel de
ville, cette aile accueille à présent le musée
Pol Mara dans des salles superbes où trônent
des cheminées monumentales.
Gordes préserve aussi sur ses terres le village
des Bories, des constructions en pierres sèches
montées selon le principe de la voûte à encorbellement. Le mot borie, d’origine provençale,
viendrait du latin boaria qui signifie étable à
bœufs. Construite avec les matériaux que l’on
trouvait sur place, la borie permettait aux bergers de s’abriter avec leur troupeau. Leur origine se perd dans la nuit des temps. À côté
de Gordes toutefois, les plus anciennes ne
remontent guère au-delà du XVIIIe siècle. Sous
la dépendance de Gordes, puisqu’on ne trouve
ni église, ni cimetière, le hameau se compose
de sept groupes de cabanons ayant chacun une
fonction précise : habitation, étable, bergerie,
grange, fournil, remise à outils ou encore abri
de puits ou d’une source. Ce curieux village de
pierre permet de mieux connaître certains
aspects de la vie rurale d’autrefois.
Site : 712 km de Paris
et 18 km au N. E. de Cavaillon.
OT : (84220) Gordes.
Tél. : 04 90 72 02 75.
www.gordes-village.com.
Musée Pol Mara et château :
contacter l’office de tourisme.
L’ABBAYE DE SÉNANQUE
Vaucluse
C
ette abbaye est blottie au fond de sa
vallée que l’on atteint par une petite
route en lacet qui part du village de
Gordes. C’est au milieu du XIIe siècle qu’une
poignée de frères venus de Mazan en Vivarais
Une importante librairie et une boutique complètent la découverte de cet univers de calme
et de méditation.
et 39 km à l’E. d’Avignon.
Abbaye Notre-Dame de Sénanque :
(84220) Gordes. Tél. : 04 90 72 05 72.
www.senanque.fr.
Saison : la vue est saisissante lorsque
les lavandes sont en fleur, mais c’est
le moment où s’y pressent les touristes.
ont choisi de s’installer en ces lieux marécageux. L’église abbatiale et les bâtiments
conventuels, bâtis en pierre et recouverts de
lauzes, s’élèvent avant la fin du XIIe siècle. La
sobriété de ces constructions cisterciennes est
encore visible de nos jours.
Au cœur de cette abbaye, voici le cloître avec
ses galeries couvertes délimitées par des
arcades reposant sur de fines colonnettes
doubles aux chapiteaux sculptés et décorés.
Elles offrent aux moines un lieu de méditation, de promenade et de lecture, et desservent notamment la salle capitulaire. Et puis il
y a le chauffoir, c’est-à-dire la « salle des
moines », le dortoir, situé à l’étage, et le réfectoire qui a été reconstruit au XVIIe siècle, après
avoir été incendié. Contrairement aux règles
habituelles, il est implanté parallèlement à
l’église, tout comme celle-ci est curieusement
orientée nord-sud et non est-ouest, comme le
veut la tradition. Tout cela pour des raisons
topographiques liées au passage de la rivière.
Dans cette église abbatiale, à la croisée du
transept, a été installée une magnifique coupole octogonale qui semble veiller sur les
champs de lavande qui l’entourent.
Souvent malmenée, parfois abandonnée, mais
aujourd’hui sauvée de l’oubli et du silence,
l’abbaye de Sénanque accueille voyageurs
et pèlerins, comme elle l’a toujours fait !
Un pur témoin de l’architecture cistercienne.
Provence, Côte d’Azur
Provence, Côte d’Azur
29
Les châteaux des Corbières, citadelles du vertige
U n l i e u c h a rg é d e m y s t è re s
PUILAURENS , PEYREPERTUSE ,
QUERIBUS
RENNES - LE - CHÂTEAU
Aude
D
es hauteurs des Corbières au sillon des
Fenouillèdes, sur la route menant de
Quillan à Perpignan, plusieurs châteaux forts se devinent au sommet d’une crête
ou d’un piton. En partie ruinés, murailles et
donjons semblent appartenir au rocher qui les
porte. Ces édifices féodaux perchent à de
telles hauteurs qu’on les a surnommés les
« citadelles du vertige ». Tous ont offert un
refuge aux derniers adeptes de l’hérésie
cathare avant de servir de bastions frontaliers
face au royaume d’Aragon. On les appelait les
« Fils de Carcassonne », sentinelles de pierre
qui veillent encore sur l’horizon pyrénéen.
Au-dessus du village de Lapradelle, le château
de Puilaurens émerge d’une forêt de sapins. Sa
position le rend inexpugnable. On s’y rend par
un chemin très escarpé et rocailleux.
Formidable outil défensif, il abritait une forte
garnison et possède encore ses archères, son
Nevers
NIÈVRE
ALLIER
Saint-Amand-Montrond
CREUSE
HAUTEVIENNE
INDRE
Châteauroux
Bourges
VIENNE
Poitiers
CHER
Cher
Valençay
In
Loches
INDREET-LOIRE
VENDÉE
Nantes
La Baule
VALLÉE DE LA LOIRE
O c é a n
A t l a n t i q u e
Languedoc
Languedoc
153
LA GRANDE BRIÈRE
DEUXSÈVRES
Chalonnes-sur-Loire
M A I N E - Saumur
ET-LOIRE
Cholet
Loire
Angers
LOIRE ATLANTIQUE
MORBIHAN
Saint-Nazaire
ILLE-ET-VILAINE
l’ouest du département, entre Quillan dans un parc que borde l’Aude, offre un séjour
et Limoux, le village de Rennes-le- fastueux et une excellente table. On y dort
Château, suspendu à son piton dans des chambres meublées et décorées dans
rocheux, domine le pays du Razès. Jadis très l’esprit médiéval, sur des lits à baldaquin, tout
isolé, ce pauvre hameau contient aujourd’hui en bénéficiant d’un confort moderne. Le rêve,
l’une des grandes énigmes de l’histoire de en quelque sorte…
l’ésotérisme. Au début du siècle dernier, son Site : 795 km de Paris
ancien curé, l’abbé Bérenger Saunière, et 46 km au S. de Carcassonne.
défraya la chronique locale par sa conduite OT : (11190) Rennes-le-Château.
peu catholique et les travaux somptuaires Tél. : 04 68 74 72 68.
Hôtel Le Château
qu’il fit réaliser à son profit.
Dépositaire d’un secret ou d’un trésor qu’il des Ducs de Joyeuse :
aurait découvert lors de la réfection de (11190) Couiza.
l’église paroissiale, ce prêtre se transforma en Tél. : 04 68 74 23 50.
bâtisseur illuminé, léguant au village des www.chateau-des-ducs.com.
constructions qui se visitent et ressemblent à Saison : le château-hôtel ferme
un rébus de pierre. Telles la Villa Béthania et de novembre à mars.
les deux tours de son invention qui
s’élèvent au milieu d’un jardin arboré.
La tour Magdalena, crénelée et flanquée d’une tourelle, abritait la bibliothèque de ce clerc féru de sorcellerie
et de kabbale. Elle fait face à la tour
de verre de l’orangeraie, un perron
monumental reliant les deux édifices.
Dans l’église, décors et peintures au
symbolisme obscur ont de quoi surprendre, tel le diable grimaçant qui
supporte le bénitier. L’abbé Saunière,
interdit de pratiquer les sacrements
par l’évêché, emporta son mystère
(ainsi que sa fortune) dans la tombe.
Mais Rennes-le-Château doit à ce
personnage sulfureux un patrimoine
singulier et constitue un lieu de pèlerinage pour les adeptes des sciences
occultes.
À quelques minutes du village, l’hôtel
Le Château des Ducs de Joyeuse vous
transportera au XVIe siècle. Cette forteresse de la fin de l’âge féodal, posée La tour Magdalena, construite à la fin du XIXe siècle.
Loire-Atlantique
dre
Chinon
Gien
Briare
Chambord
Tours
Villandry
Azay-le-Rideau
Blois
Vendôme
Loir
SARTHE
Le Mans
152
Sar
MAYENNE
Laval
Mayenne
MANCHE
Fougères
Mayenne
Aude
À
Des marais, des canaux, des oiseaux
the
ORNE
LOIR-ET-CHER
Chenonceau
LOIRET
Orléans
ESSONNE
EURE-ET-LOIRE
Sully-sur-Loire
SEINE-ETMARNE
YONNE
puits, ses portes et des tours d’où l’on domine
toute cette région montagneuse. Une légende
prétend que le fantôme de la dame blanche,
nièce du roi Philippe le Bel, hanta de longues
nuits ses remparts démantelés.
Plus à l’est, le château de Peyrepertuse se
confond avec la corniche blanche d’une
falaise. Construit à partir du XIe siècle, c’est le
plus bel exemple d’architecture militaire du
Moyen Âge du Languedoc. Là encore, son
accès se mérite, car il occupe un site élevé,
fait pour décourager les assaillants. On peut y
distinguer au loin la silhouette du château de
Quéribus, impressionnant nid d’aigle et dernier îlot de la résistance cathare, tombé en
1255. Sa visite donne droit à un spectacle au
théâtre Achille-Mir, dans le village de
Cucugnan, en contrebas du château. Car ce
village, immortalisé par les Lettres de mon
moulin, recueil de contes écrits par Alphonse
Daudet, continue de faire
vivre les récits naïfs et truculents du monde occitan.
et 50 km au S.
de Carcassonne.
OT : (11350) Cucugnan.
Tél. : 04 68 45 69 40.
Château de Puilaurens :
Tél. : 04 68 20 65 26.
Ch. de Peyrepertuse :
Tél. : 04 68 45 40 55.
www.chateaupeyrepertuse.com.
Château de Quéribus :
Tél. : 04 68 45 03 69.
Saison : du printemps
à l’automne, se munir de
Tel un dragon de pierre, le château cathare de Peyrepertuse
se tient lové sur une crête rocheuse.
bonnes chaussures de marche.
18. CHER
36. INDRE
37. INDRE-ET-LOIRE
41. LOIR-ET-CHER
44. LOIRE-ATLANTIQUE
45. LOIRET
49. MAINE-ET-LOIRE
53. MAYENNE
72. SARTHE
A
u nord de Saint-Nazaire, la Grande Dans ce parc naturel se trouvent plusieurs
Brière conserve le souvenir de la pré- communes qui ont aussi leurs particularités,
sence de la mer. C’était il y a fort long- leur façon de vivre, leur architecture. Comme
temps, mais c’est la raison de son existence. son nom l’indique, l’île de Fredun est entièreEn inondant tout sur son passage, elle a englouti ment entourée de marécages, on peut s’y
une forêt dont les arbres, les troncs et les rendre grâce à deux ponts qui permettent de
racines se sont fossilisés. En se retirant, découvrir un véritable art de vivre au milieu
l’océan a laissé une terre enrichie qui va se de cet environnement unique.
transformer en marais. De cette longue his- En différents endroits de ce parc se trouvent
toire naît la tourbe, véritable matière première des maisons, sortes d’écomusées, qui nous
utilisée par les riverains. Et puis dans ces racontent l’histoire des lieux mais aussi les
marais poussent aussi des roseaux qui furent différents métiers de ses habitants.
utilisés aussi bien pour couvrir les maisons Ce sanctuaire naturel dont nous avons hérité
que pour fabriquer des paniers ou remplir des de nos ancêtres est bel et bien ancré dans le
matelas. Mais, surtout, cet ensemble naturel XXIe siècle !
se transforme en un véritable conservatoire de Site : Saint-Nazaire, 439 km
la faune et de la flore. La Grande Brière est de Paris et à 65 km à l’O. de Nantes.
tout à la fois une gigantesque volière à ciel OT : (44410) La Chapelle-des-Marais.
ouvert et un immense herbier ! Voilà pourquoi Tél. : 02 40 66 85 01.
les autorités ont créé, en 1970, le parc naturel www.parc-naturel-briere.fr.
régional de Brière. Dans cet immense marais, Accès : TGV à Saint-Nazaire.
une multitude de canaux offrent des prome- Saison : les promenades se font au moment du
nades de rêve. À bord de barques plates, réveil de la nature, aux mois de mai et juin.
appelées chalands, on
découvre un univers où
ciel, eau, végétation,
poissons et oiseaux forment un monde unique !
Au milieu de tout cela,
nous les hommes devenons observateurs mais
surtout pas ordonnateurs.
Il faut alors ouvrir les
écoutilles, se libérer l’esprit et mettre tous nos
sens en éveil. L’ouïe, la
vue, l’odorat, le goût, le
toucher… tout est grand
ouvert pour accueillir
sensations et visions
extraordinaires.
Paysage de marais, non loin des plages de La Baule.
Va l l é e d e l a L o i r e
« Visiter la Tour, c’est se mettre au balcon pour percevoir et
savourer une certaine essence de Paris. » Roland Barthes
519
et décriée, encensée et honnie. Pourtant, plus
de 115 ans après sa construction, elle est toujours là, ayant franchi le cap du XXIe siècle,
droite comme le i de Paris, accueillant des
millions de visiteurs. Escaliers et ascenseurs
voient passer ces touristes qui peuvent découvrir la capitale de tous côtés et à tous niveaux.
Au premier étage, deux restaurants vous
attendent tandis qu’au deuxième étage se
trouve Le Jules-Verne, un restaurant gastronomique. Au troisième étage, au sommet de cette
montagne métallique, vous découvrirez le
bureau de Gustave Eiffel.
Éclairé par le soleil, parfois arrosé par la pluie
ou bien entouré par le brouillard ou la brume,
souvent envahi par le vent mais toujours submergé par l’émotion, Paris est à vos pieds.
La tour Eiffel est un unique trait d’union avec
les étoiles !
Site : 7e arrondissement.
Accès : métro Bir-Hakeim ou Trocadéro.
Restaurant Le Jules-Verne :
Tél. : 01 45 55 61 44.
Saison : ouverte tous les jours ; l’été de 9 h à
minuit ; le reste de l’année de 9 h 30 à 23 h.
Une expression artistique novatrice
nombreuses polémiques, souvent justifiées, La Cité de la musique :
19e arrondissement.
comme celle du stockage en plein soleil.
Paris recèle encore quelques créations fort Tél. : 01 44 84 44 84.
intéressantes, celles de Jean Nouvel. L’Institut Bibliothèque nationale de France :
du monde arabe se joue du verre et de l’alumi- 13e arrondissement. Tél. : 01 53 79 59 59.
nium et allie une façade nord lisse à une Institut du monde arabe :
façade sud où les moucharabiehs, élément 5e arrondissement. Tél. : 01 40 51 38 38.
typique de l’architecture islamique, évoluent Fondation Cartier : 14e arrondissement.
en fonction de la lumière. Verre encore pour la Tél. : 01 42 18 56 50.
Fondation Cartier, incontestable réussite Musée du Quai Branly :
esthétique réalisée en 1994 à l’emplacement 7e arrondissement. Tél. : 01 56 61 70 00.
de l’ancien Centre américain
et destinée à faire découvrir
des artistes contemporains
du monde entier. Dernière
création de l’architecte français, le musée du Quai
Branly. Ouvert en 2006 pour
faire connaître les arts primitifs, il trône au-dessus
d’un jardin, œuvre de Gilles
Clément, et s’enorgueillit
d’un superbe mur végétal
réalisé par Patrick Blanc.
Centre Pompidou :
4e arrondissement.
Tél. : 01 44 78 12 33.
Le Louvre :
1er arrondissement.
Tél. : 01 40 20 50 50.
Non loin de la tour Eiffel, le musée du Quai Branly.
ARCHITECTURE CONTEMPORAINE
Un parc futuriste en bord de Seine
Paris
D
e nombreux présidents ont marqué la
capitale, y faisant construire, par des
architectes de renom, des bâtiments à
vocation artistique et culturelle de grande
ampleur. Il n’est que de se souvenir du Centre
Pompidou. Les uns crièrent à l’horreur tandis
que d’autres ne tarissaient pas d’éloges. Plus
de trente années après, il accueille près de
18 000 visiteurs par jour et a permis à des millions de gens d’entrer pour la première fois
dans un musée d’art moderne. Une réussite…
Réussite aussi, la pyramide du Louvre,
conçue par Ieoh Ming Pei et voulue par
858
Flammarion
Paris
François Mitterrand. Réelle prouesse technique de verre et d’acier, cette œuvre d’art fut
inaugurée en 1989. On peut également verser
au dossier des grands travaux la Cité de la
musique dans le parc de la Villette, construction originale, réalisée par Christian de
Portzamparc en 1996, avec l’énorme cylindre
à dôme incliné de la salle de concert. Pour
clore le chapitre de ces chantiers, il faut aller
se balader au pied des quatre grands livres
ouverts qui forment la Bibliothèque nationale
de France. Imposant, même si le jeune architecte, Dominique Perrault, a dû faire face à de
LE PARC ANDRÉ - CITROËN
Paris
E
n pente douce jusqu’à la Seine, le parc
André-Citroën est le seul espace vert
parisien ouvert directement sur le
fleuve. Siège des usines Citroën entre 1915 et
1982, le site a été transformé en 1992 par les
paysagistes et les architectes Alain Provost,
Gilles Clément, Patrick Berger, Jean-Paul
Viguier et François Jodry en un vaste parc
public de 14 hectares. Alentour, ce ne sont
que des constructions modernes, immeubles
d’habitation ou bâtiments publics. Autour de
la grande pelouse rectangulaire, traversée par
une allée en diagonale et bordée de canaux,
d’originaux jardins sont à découvrir au gré des
balades. Au Jardin noir planté de rhododendrons, de spirées et d’acanthes fait pendant le
Paris
859
69
FRANKFURT 14
Best-sellers
Hommes et femmes du Moyen-Age
31 000 copies sold worldwide in 6 languages
165 x 235 mm,448 p., 170 ill., 35 €
Rights sold: Brazil, Italy, Spain and Latin America,
Czech Republic, Japan
Flammarion
70
FRANKFURT 14
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240 x 310 mm, 304 p., 235 ill., 45 €
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150 x 195 mm, 192 p., 250 ill., 9.90 €
Rights sold: US/UK, Germany, Italy, Spain, Brazil, Japan
Flammarion
71
FRANKFURT 14
Best-sellers
La Parisienne
155 x 235 mm, 240 p., 300 ill., 25 €
Rights sold: US/UK, Italy, Japan, Brazil, PR China, Taiwan,
Germany, Spain, Russia, Czech Republic, Netherlands,
Hungary, Slovakia, Poland, Lithuania, Portugal
Agenda La Parisienne
110 x 185 mm, 144 p., 30 ill., 12.90 €
Rights sold: US/UK, Germany, Italy, Spain, Poland, Netherlands
Flammarion
72
FRANKFURT 14
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Chanel Intime
195 x 270 mm, 208 p., 150 ill., 42 €
Rights sold: US/UK, Spain, Russia, Lithuania, PR China
Flammarion
73

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