Nature torte - Collection Gallery

Nature
torte
30 May - 30 June 2013
Nature
torte
Exchange is fertile
L’échange est fécond
Following the Norvège Paris, Variations
En retour de l’exposition Norvège Paris,
autour du craft exhibition at the Collection
Variations autour du craft, à la galerie
gallery in 2012, which got together the
Collection en 2012, rassemblant des
works of 18 artists who combine to fittingly
œuvres de 18 artistes représentatifs des
represent modern Norwegian artistic
métiers d’art norvégiens contemporains,
craftsmanship, eleven of Ateliers d’Art de
11 créateurs d’Ateliers d’Art de France
France’s artists will, in turn, be welcomed to
sont reçus à la Galleri Format d’Oslo.
the Galleri Format in Oslo. An opportunity
À leur tour de dévoiler au public scandinave
for them to offer the Scandinavian public
l’excellence de leurs réalisations, la richesse
an insight into their excellent creations, the
de leur inspiration, la profondeur de
great wealth of their inspiration, the depth
leurs recherches dans les domaines du bois,
of their artistic research via the stimulating
de la céramique, du verre et du textile.
meanders of wood, ceramic, glass and textile.
Exposition à la Galleri Format, Oslo, du 30 mai au 30 juin 2013
Exhibition at Galleri Format, Oslo, from 30th May to 30th June 2013
Collection
Ateliers d’Art de France
©
Cette exposition est issue du partenariat entre
These exhibition have been made possible thanks to
Textes : Pascale Huby
Ateliers d’Art de France, l’organisation professionnelle
a partnership between Ateliers d’Art de France the French
Design graphique : François Junot
des métiers d’art, et la Norwegian Association
federation of craft professionals, and the Norwegian
Crédits photo : p. 5 © Pauline Bétin,
for Arts and Crafts. Une initiative soutenue par
Association for Arts and Crafts. This initiative is supported
p. 6 © Jennyfer Ryan,
l’Ambassade de Norvège en France et l’Ambassade
by the Norwegian Embassy in France and the French
p. 9 © Jean-François Fouilhoux,
de France en Norvège. Ce catalogue a été réalisé grâce
Embassy in Norway. This catalog was produced thanks
p. 12 © Vincent Ruffe,
au soutien de l’Institut Français de Norvège.
to the support of French Institute in Norway.
Pauline Bétin
Cécile Dachary
Emmanuelle Dupont
Wayne Fischer
Jean-François Fouilhoux
Gaëlle Guingant-Convert
Marit Kathriner
Agathe Larpent
Alain Mailland
Cyrille Morin
Akashi Murakami
Art e(s)t Nature
L’exposition Nature Torte présente les œuvres de onze artistes et artisans d’art
français contemporains. Un point commun de leurs œuvres est une expression
organique, illustrant la capacité des artistes à observer et à faire ressortir l’essence
de leurs matières respectives. Dans leur dialogue artistique avec ces matériaux
essentiels, les artistes sélectionnés n’appréhendent pas seulement la nature en tant
que motif, comme ce fut le cas dans l’histoire de l’art (rococo et art nouveau, par
exemple), leur expertise traduit aussi une volonté de reproduire la logique créatrice
de la nature elle-même. Chaque expression, qu’il s’agisse de céramique ou de verre,
de sculpture sur bois ou de textile, a une relation directe avec la nature, l’artiste
manipulant également des éléments naturels : le verre contient du sable et de la
potasse, le matériau de base de la céramique est l’argile, et même les textiles nontraditionnels contiennent des fibres végétales ou animales. Ainsi, dans le continuum
de l’art et de la culture, voici des artistes travaillant dans une zone liminale, testant
les limites de tolérance des matériaux telles que dictées par les processus naturels
eux-mêmes. — Christer Dynna
Art a(s)/nd Nature
The exhibition Nature Torte features works by eleven contemporary craft artists
from France. One common denominator of their works is an organic expression
that reveals the artists’ capacity to observe and bring out the essence of their
respective materials. All the artists selected for the exhibition in Oslo show a deep
knowledge of the inherent nature of their respective materials and techniques.
And when encountering the basic substances of their art forms, they do not limit
their focus to nature as a motif, as was the case in earlier style history (for example
rococco and art nouveau). Their expertise also reveals a will to imitate nature’s
own creative logic. Each and every expression in ceramics or glass, woodcarving
or textiles, has some direct connection to nature, in as much as the artist also
manipulates natural elements: glass contains sand and potash, the basic material
of ceramics is clay, and even non-traditional textiles have vegetable or animal
fibres. Thus, within the continuum of art and culture, we find artists working
in a liminal zone, testing the toleration point of materials as dictated by nature’s
own processes. — Christer Dynna
Pauline Bétin
Parcelle(s) II – Bordure
Commissaires de l’exposition Nature torte :
Nature torte commissioners:
Irija Øwre directrice de Galleri Format,
Irija Øwre, director of the Galleri Format
et Christer Dynna, rédacteur en chef de
and Christer Dynna, editor of the craft
Parcelle(s) II – 2013, 20,5 x 23 x 38 cm, pâte de verre
Kunsthåndverk, magazine craft et design.
and design magazine Kunsthåndverk.
sérigraphiée.
Responsable de la galerie Collection à Paris :
Manager of the Collection gallery in Paris:
Bordure – 2013, 15 x 17,5 x 41 cm, pâte de verre
Anne-Laure Roussille.
Anne-Laure Roussille
sérigraphiée.
Pâte de verre, photographie et décalcomanie
sont les médiums utilisés par Pauline Bétin
pour produire ces étonnantes sculptures
qui sont sa signature. Le discours qu’elles
portent n’est pas moins intéressant, et très
personnel. Le point de départ : une utopie
architecturale. Passionnée par le paysage,
l’artiste interroge l’espace qui nous entoure.
Précisément le point de jonction entre
urbain et rural. Les jardins ouvriers qu’elle
photographie et insère dans ses volumes de
verre sont un de ces espaces intermédiaires,
qui lui évoquent une échappatoire, un
lieu de liberté, propice à la poésie et à la
méditation. Et à notre évasion, à travers la
fraîche mais puissante beauté de ses pièces.
Molten glass, photography and transfers
are the media Pauline Bétin prefers to
produce her astonishing and unique
sculptures. The story they tell is of equal
interest, and is highly personal. Departure
point: architectural utopia. Via her passion
for landscape, the artist questions the
environment that surrounds us. More
specifically, the junction between urban
and rural. The allotment gardens she
photographs and integrates within
her volumes of glass are among those
intermediate areas, evocative of a form
of escape, a place for freedom, for poetry
and meditation. And our own evasion, via
the fresh yet powerful beauty of her work.
Cécile Dachary
Embrasse-moi
Embrasse-moi – Installation murale, 2012, dimensions
variables, textile divers.
Les femmes de sa famille s’adonnaient
aux « ouvrages de dames ». Cécile Dachary
ne déroge pas à la tradition. Héritière
de savoir-faire typiquement féminins et
domestiques, elle cherche à en élargir
le champ, tout en perpétuant, à travers
son mode d’expression artistique, des
techniques ancestrales. Son travail, à forte
charge symbolique, a trait au corps, à la
mémoire, au temps. Ses installations mêlent
œuvres en tissus usés, broderies, sculptures
au crochet, photos numériques. Évocatrices
de souvenirs et d’émotions, troublantes,
violentes, sensuelles, érotiques, elles
donnent aussi à voir sa représentation des
organes et des cellules qui nous composent.
Une façon pour l’artiste de débusquer
l’intimité, de percer le « secret intérieur ».
The women from her family traditionally
devoted themselves to “ladies work”.
And Cécile Dachary is no exception.
As the heiress to these typically feminine
and domestic skills, she has sought to
extend their horizons, whilst perpetuating
ancestral techniques, via her own field of
artistic expression. Her highly symbolic
work deals with the body, with memory,
with time. Her installations offer a medley
of old fabric, embroidery, crochet sculpture
and digital photo. They evoke memories
and emotion – disturbing, violent, sensual,
erotic emotion; they also embody her
own representation of the organs and
the cells that compose the human body.
A way for this artist to unveil our intimacy,
to penetrate our “inner secret”.
Emmanuelle Dupont
Les Trois Gorgones
Sculpteur « à l’aiguille », Emmanuelle
Dupont mêle, dans ses recherches
textiles, fournitures nobles (mousseline,
organdi, fils de soie, perles de verre et
de métal, sequins) et éléments naturels
(graines, mousses, os, insectes, mues, cuir,
galuchat…) pour détourner la broderie,
semer le trouble entre le vrai et le faux,
le réel et la chimère. Ces chimères
mythologiques où elle puise partie de
son inspiration thématique. À l’instar
de Méduse, Sthéno et Euryale, les trois
gorgones présentées sous cloche de verre,
comme pour protéger le spectateur de
leurs pouvoirs maléfiques. Un univers
fantastique mis en scène par des doigts
de fée, façonné avec minutie, empli de fins
détails, qui nous absorbe longuement…
Emmanuelle Dupont is a «needlework»
sculptor who, via her textile research,
intermingles noble materials (muslin,
organdie, silk yarn, glass and metal beads,
sequins) and natural elements (seeds,
mousse, bone, insects, moulting, leather,
shagreen...) to divert her embroidery,
to sow doubts between what is true and
what is false, between reality and dream.
She seeks part of the inspiration for her
subject matter in those mythological
chimaeras. Just like Medusa, Stheno and
Euryalus, the three presented under
glass bell, as if to protect the spectator
from their evil powers. A world of fantasy,
created by the hands of a fairy, meticulously
shaped, filled with the most intricate detail,
to absorb our attention at length...
Méduse – Sthéno – Euryale – 2012, h. 40 cm
Polyester, soie, organdi, nylon, mue de serpent,
perles de cristal, de verre, de cuivre, sequins.
Wayne Fischer
Sans titre no 1/2/3
Sans-titre no2 – 2006, 29 x 53 x 13 cm, porcelaine sablée.
Américain installé en France, Wayne
Fischer a étudié la physique et l’astronomie
en même temps que la céramique à
l’université du Wisconsin. Son imaginaire
l’a vite porté à user de son matériau, la
porcelaine sablée, en sculpteur. Passionné
par les fossiles et les origines de la vie,
il invente des formes organiques qui
expriment ses interrogations sur
le vivant et son attirance pour l’éternel
mystère féminin. En résultent des pièces
où la nature, transfigurée, confine à
l’étrangeté. Voire au fantastique. Ces
œuvres aux courbes tendres, voluptueuses,
délicatement colorées à l’aérographe,
appellent le toucher. Plastique, fluide,
la porcelaine, sablée puis patiemment
poncée, acquiert une sorte de glacis nacré
qui en accentue la sensualité.
Wayne Fischer, American by origin –
French by adoption, studied physics and
astronomy concurrently to ceramics at
the University of Wisconsin. His imagination
was quick to entice him to transforming
his preferred material, sanded porcelain,
into sculpture. Via his passion for fossils
and the origins of life, he invents organic
forms that express his questions on living
things and his fascination for the eternal
feminine mystery. The result is in the form
of works of art where nature, transfigured,
confines to strangeness. Or even fantasy.
These objects, with their gentle, voluptuous
curves, delicately coloured with an
airbrush, invite one to touch. Plastic, fluid,
his porcelain – sanded then painstakingly
rubbed down – acquires a mother-of-pearl
glaze that accentuates its sensuality.
Jean-François Fouilhoux
Dialogue – Cascatelle – Hexapode – Poecile
Cascatelle – 2012, 34 x 57 x 15 cm, terre émaillée céladon.
Il dit écrire dans la terre une histoire
de plein et de vide. Son support est un
mur d’argile, son crayon une lame flexible.
Il dessine dans l’espace en déplaçant
la lame dans la matière, qu’il tranche dans
l’épaisseur. La ligne est continue, ample,
dynamique, sans repentir, à la manière
d’une calligraphie. C’est ce geste qui crée
le volume. La forme est alors composée
de deux parties presque emboîtées, dont
chacune serait le moule de l’autre. Dont
il ne garde qu’une. Il reste l’empreinte
du geste, la trace d’une énergie, d’un instant
de tension, d’un moment d’émotion pure.
Aux lignes effilées, nerveuses, des pièces
de Jean-François Fouilhoux répond la
sérénité du céladon, sa terre de prédilection,
satinée, translucide, envoûtante.
He says that, in clay, he writes a story
of fullness and emptiness. His medium
is a wall of clay; his crayon is a flexible
blade. He draw s in the spaces by moving
the blade across the matter, slicing into
its very thickness. The line he draws is
continuous, full, energetic, unyielding, akin
to calligraphy. This is the movement that
creates volume. Form is comprised of two
almost interlocking sections, each one
materialising a mould of the other. And
he only keeps one. The one that embodies
the movement, the outline left by energy,
a moment’s tension, a moment’s pure
emotion. With their slender, nervous lines,
Jean-François Fouilhoux’s work lavishes
the serenity of celadon, his favourite matter,
made of “satin”, translucent and spellbinding.
Gaëlle Guingant-Convert
Mobilis immobilis (cube et rond) –
Gorgone noire
Séduite par la terre et son art séculaire
comme par une évidence, Gaëlle GuingantConvert conçoit son travail comme
l’inlassable réitération d’un geste premier,
commun à tous les artisans de cette
matière. « Même si le geste est répétitif
et laborieux, chaque pièce résulte d’une
volonté de prendre le temps, de ralentir ;
j’essaie de donner un sens à un monde où
la vitesse domine » dit-elle. L’accumulation
d’éléments répétés qui fonde les pièces
de la céramiste devient composition,
architecture. À regarder comme une
entité unique ou au contraire comme
une multiplicité d’entités, parfois reliées,
comme dans l’œuvre Mobilis immobilis,
par un câble de nylon, laissant aux
éléments une liberté de mouvement,
contrastant avec l’inertie de la structure.
Captivated by clay, Gaëlle GuingantConvert develops her work as the relentless
reiteration of the original gesture, a gesture
shared by all those who craft this fine
matter. “Even if our movements are
repetitive and laborious, each work is
the product of our desire to take our
time, to slow down; I try to make sense
of a world in which speed is the essence,”
she explains. The accumulated elements
that form the ceramist’s work combine
to become composition, architecture. They
can equally be admired as unique entities,
or as a multiplicity of entities, sometimes
linked together, as in Mobilis immobilis
for example, by a nylon wire which offers
the constituent elements a certain freedom
of movement which contrasts with
the inertia of the overall structure.
Mobilis immobilis – 2012, 20 x 20 x 20 cm, grès noir brut.
Marit Kathriner
Black I – Black II – Snow
Les volumes de terre de Marit Kathriner
se nourrissent de contrastes. Matière
et spiritualité, obscurité et lumière,
chair vivante et minéralité, familiarité
et étrangeté. Intériorité et ouverture aussi.
Ses pièces de grès et porcelaine, très
élaborées, s’animent par l’apport de minces
colombins d’argile soigneusement ajoutés,
comme tissés dans la masse. Ce sont
les paysages intérieurs de la créatrice
qui se font jour ainsi, révélant un rapport
à la nature qu’elle incite le spectateur
à contempler, mais aussi à partager.
Faussement brutes, ciselées au contraire,
les pièces demandent que l’on se rapproche
pour mieux éprouver la complexité du
travail, savante combinaison de matière et
d’intelligence, d’intuition et de savoir-faire.
The clay volumes created by Marit Kathriner
are nourished by contrast. Matter and
spirituality, obscurity and light, living flesh
and minerality, familiarity and strangeness.
Interiority and openness too. Her highly
elaborate stoneware and porcelain work
are enhanced by slender clay coils which
are carefully added, as if woven into the
heart of the piece. The artist’s own interior
landscapes are unveiled, revealing a
relationship with nature that she invites
the spectator not only to contemplate,
but also to share. Feigning rawness, they
are – on the contrary – finely polished,
demanding that one draw closer to fully
grasp the great complexity of the work
that created them, a skilful combination of
matter and intelligence, of intuition and skill.
Black II – 2012, 47 x 29 x 30 cm, grès émaillé.
Agathe Larpent
Terres mouvantes
Terres mouvantes – 2012, 19 x 23 x 11 cm, porcelaine.
Artiste céramiste, Agathe Larpent livre
dans ses pèces la quintessence des
possibilités de la terre, qu’elle recouvre
d’émaux somptueux. Dextérité, virtuosité
technique, combat victorieux contre
la matière signent son œuvre sans même
que l’on perçoive le labeur qui soustend son travail. Nourrie par l’histoire
de la céramique, elle fait confiance à
son geste. « Ma main s’est laissée prendre
aux méandres de l’eau, le volume de terre
s’est décalqué aux gestes de mes bras,
pétrissage, déchirure, gonflement, rythmes
et plis, plages et arêtes, une forme pour
la matière vitreuse… », écrit-elle en poète.
De la terre, elle retient le mouvement,
celui qu’elle sait lui donner.
Ceramist artist, Agathe Larpent’s creations
encompass the quintessence of the
expressive potential offered by clay, which
she adorns with sumptuous enamel.
Dexterity, technical virtuosity, a victorious
combat over matter are epitomised in
her work, without for as much divulging
the underlying toil required to produce it.
Nurtured by the story of ceramic, she trusts
in her own movement. “My hand succumbs
to the meanders of the water, whilst the
volume of matter follows the trace formed
by my arms, kneading, tearing, swelling,
rhythm and folds, strands and ridges, giving
shape to the vitreous matter...,” she poetically
describes. She draws movement from the
clay, the movement she knows how to create.
Terres mouvantes – 2012, 22 x 29 x 10 cm, porcelaine.
Alain Mailland
Pavillon des étoiles – Bal des géants
Tourneur sur bois spécialisé dans le
creusage du bois vert, Alain Mailland a
développé sa création autour de sculptures
aux thèmes végétaux et marins. La finesse
de son travail laisse admiratif tant elle
sait révéler les merveilles et secrets des
loupes et des racines spécifiques au midi
de la France. De son tour inspiré naissent
des créatures hybrides issues de robinier,
acacia, buis, arbousier, cerisier… Lançant
vers le ciel de longues et fragiles volutes,
la pièce Pavillon des étoiles fut tournée
dans un tronc de micocoulier tout juste
coupé, puis sculptée, poncée, cintrée
à la vapeur, sablée, blanchie, et texturée.
Et la technique se fit beauté.
Alain Mailland is a wood turner specialised
in green wood hollowing; he has developed
his creative work around sculpture on
the theme of plant and marine life. The
great intricacy of his work is quite admirable
for it reveals, in marvellous detail, the secrets
of the burr and roots that are specific
to France’s Midi. From his inspired tower,
hybrid creatures come to life, made of
locust tree, acacia, boxwood, arbutus and
cherry wood... Pavillon des étoiles is a
work of long and fragile curls stretching
skywards; it was turned from a freshly cut
nettle tree trunk which was then carved,
sanded, steam-bent, rubbed down, whitened
and texturised. Hence, his technique
becomes beauty.
Pavillon des étoiles – 2012, 83 x 19 cm, micocoulier.
Cyrille Morin
Les Nuages
Cyrille Morin
Venu du vitrail, Cyrille Morin s’affirme
désormais comme un artiste verrier dont
les œuvres puisent dans l’onirisme et
la poésie. Du verre, il joue de l’élégance,
de l’apparente fragilité. Ses créations
nous invitent à une immersion dans la
matière et à un voyage dans l’imaginaire.
Les grandes pièces de la série Nuages,
qu’il qualifie joliment de fleurs de ciel,
emportent le spectateur dans leur envolée.
Le jeu sur la texture, les effets d’opacité
et de transparence, la réflexion de la
lumière intriguent et attirent. Les formes,
tout à la fois massives et délicates, pleines
de rondeurs, rassurent par leur douceur.
Le cristal semble doué de vie, animé.
Magie, illusion ? Enchantement en tout cas.
Experienced in the art of stained-glass
window making, Cyrille Morin is now an
established artist in glass whose work seeks
inspiration in onirism and poetry. He plays
on the elegance and the apparent fragility
of glass. His creations are an invitation to
immerse oneself in matter and to travel
through imaginary lands. The vast works
from his Nuages series, which he qualifies
as sky flowers, transport the spectator in
their flight. The play on texture, the contrast
between opacity and transparency and the
reflection of light intrigue as much as they
appeal. Shape and form are both dense and
delicate, full-bodied, reassuringly gentle.
Crystal seems to embody life, to be animate.
Magic or illusion? Enchantment in any case.
Moyen Nuage – 2013, 62 x 42 cm, pâte de verre
et miroir.
Akashi Murakami
Waves - Hopeful box - Landscape
Waves – 2012, 23 x 26 x 18 cm, et 50 x 27 x 19 cm, faïence.
Japonaise, c’est pour dire la mer, ses
terribles méfaits (les tsunamis), mais aussi
l’inépuisable force de vie qu’elle représente
pour son peuple qu’Akashi Murakami a
réalisé ces pièces de faïence. Attirée par
les courbes organiques, elle travaille ces
dernières années sur le bois, élément naturel
déformé par le temps et les éléments. Elle
moule le végétal pour capter un moment
précis de son évolution. Et compose des
sculptures comme des clichés en volume,
pour lesquelles son apport, si pensé
pourtant, apparait comme la continuité
de l’œuvre de la nature. Ce dont elle se
défend pourtant ! « J’efface volontairement
certains détails de l’écorce et garde
également quelques traces de moulage afin
de marquer clairement mon intervention.
Cette idée de travail en collaboration avec
les facteurs naturels me plaît. »
This Japanese artist has chosen the sea,
and its devastating effects (tsunamis),
but also the inexhaustible power of life it
represents for her people, as the guiding
light in her collection of earthenware.
Fascinated by organic curves, she has
worked over recent years on wood, a
natural element, deformed over the years
by the elements. She moulds vegetal to
capture a precise instant in its evolution.
And she composes her sculptures like
three dimensional images, within which
her personal contribution, however
carefully measured, appears as a continuity
of nature’s own work. A notion she readily
protests! “I voluntarily remove certain
details on the bark to leave way for the
trace of casting in order to clearly show
my personal intervention. I like the idea of
working in partnership with natural aspects.”
www.ateliersdart.com
Rådhusgaten 24
N - 0151 Oslo
T 22 41 45 40
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